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Editorial
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xisten cintas que pasan a la historia y se
Contenido El cine es... poesía Enamorada 2
convierten en referente, paradigma y punto de partida para la creación de obras posterio-
Tesoros fílmicos:
res. A estos filmes se les denomina clásicos y
Rebelde sin causar 6
su relevancia trasciende fronteras y épocas. En este punto de la historia del cine resultaría imposibleterminardeverlacantidaddematerial
La mente maestra: Un tranvía llamado deseo 11
filmado desde la aparición del cinematógrafo.
La caja de Pandora: El rey del barrio 15
Sin embargo, vale la pena tomarse el tiempo para visualizar estos clásicos de la pantalla que por sus características han conseguido situarse como parte de la gran historia que compone
Había una vez: Tiempos modernos 18
los archivos fílmicos mundiales, dotando no sólo de nuevos universos al cine mismo; sino
Para conocer: An affair to remeber
también de insólitos y renovados modelos es-
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téticos que permiten al espectador situarse en contextos tan variados como guiones existen.
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook En portada: Rebelde sin causa
En cartelera
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Super 8 Número 64 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Manuel Pineda, Alma Ricardo, Libertad Pineda , Jorge Alonso Espíritu Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de septiembre de 2015
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
ENAMORADA Por Libertad Pineda
¿A
lguna vez se ha enamorado? Uno se sabe enamorado cuando el pulso se acelera al ver al ser de nuestro afecto. Comenzamos a tomar decisiones sin pensar, aceleradas por la
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necesidad de estar junto a ese ser que turba nuestra rectilínea existencia. Sólo se quiere estar junto al ser amado. Alguna vez hemos padecido ese estado, algunos lo llevan feli-
ces en la correspondencia, y otros, en el desencanto del rechazo. El General José Juan Reyes vive en carne propia las jugarretas de cupido, quien le flecha con la mujer más hermosa en medio de la plaza de Cholula. Con galantería y cabalgata de cortejo comienzan los avatares del personaje encarnado por Pedro Armendáriz, que busca los amores de Beatriz Peñafiel. Quien se escurre entre el rechazo violento y el desprecio de la clase social a la que él pertenece. Una inusual mujer fuerte y arrebatada que vive libre, y con aspavientos se manifiesta como la reina del lugar. La dama en cuestión es representada en pantalla por María Félix.
EL CINE ES ... POESÍA
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podría decir que a través de la lente, y aunque en blanco y negro, se pueden apreciar los colores y matices del lugar, así cómo del desarrollo psicológico de los personajes. Las imágenes se suceden unas a otras, nos narran las desventuras y travesuras de él y de ella, incluso el padre Rafael Sierra (Fernando Fernández), puede declarar veladamente la admiración por Beatriz. El mismo padre, que en alguna escena, se encuentra dirigiendo al coro infantil de la Catedral de Morelia, rodeado de niños y querubines, interpretando el Ave María de Franz Schubert, en plena iglesia de los Remedios. Casi santificándose su imagen en la fotografía del señor Figueroa.
Ambos actores logran llevarnos de la mano en esta historia melodramática, donde cada uno tendrá que doblar, quebrar o cambiar sus esquemas.
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No perdamos de vista la escena magistral que sirve de preámbulo de las pillerías de ambos personajes. La caminata por los portales de la plaza principal de Cholula. La cámara los sigue a
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lo largo de los arcos, es esta escena la imagen precisa de los sucesos por los que pasarán. El punto de fuga hacia la derecha de la toma inicial es interrumpida con la presencia de un jinete, sin embargo nuestros personajes van hacía el fondo. Siguiente toma, el cortejo y la graciosa huida de la dama de blanco vestido, contrastando con el general y su caballo negro. Es un día soleado, lo adivinamos bien por la luz de la escena. Se
La siguiente escena, que merece toda atención, es parte de las escenas memorables e imperdibles de la Época de Oro del Cine Mexicano. Sortear las vicisitudes del hombre fuerte, el enamorado y rechazado, no es trabajo fácil. El mismo personaje que puede dirigir una tropa, y a quién, sólo un alma lo turba. Magnifico primer plano del sueño perturbado de la doncella. Un close up a los ojos del bien amado, la escurridiza Beatriz, María Félix logra una mirada excepcional, qué el director logra captar, ayudado de la maestría de la lente. Sin duda alguna, quizás esta sea la razón por la que María haya obtenido el premio Ariel a la mejor actriz. El trío Calavera, interpreta La Malagueña, de
los autores Elpidio Ramírez y Pedro Galindo, mientras nosotros nos colamos a la alcoba de la dama. Nuestro personaje parece ser un hombre duro. Un clásico macho revolucionario, guiando a una bola de insurrectos, sin embargo, hay en él una pasión por la justicia y la igualdad. Es posible encontrar un soñador y al mismo tiempo un actor importante en la búsqueda de los ideales de justicia para todos. Todos los hombres son iguales. Citó al general: ”hay que tener fe en la vida sin pensar en la muerte”. Esto lo dice mientras habla con el padre y admiran juntos la adoración del niño dios. Es posible un cambio, una salvación sin tener que apelar sólo a Dios. La historia es llevada de manera magistral por el director Emilio “El indio” Fernández, en colaboración con el fotógrafo Gabriel Figueroa. El éxito fue tal que un par de años más tarde, en su periplo hollywoodense filmará su única película, será otra versión bajo el título The torche, dónde actúo la ex esposa de Charles Chaplin, Paulette Goddard, y repitió en el mismo papel Pedro Armendáriz.
Emilio Fernández Romo (1904-1986), ya había ganado fama con otras películas cómo María Candelaría, por la que le fue otorgada la Palma de Oro del Festival de Cannes. Aquí se genera la imagen del México rural, que aún, al día de hoy, le persigue al extranjero que contactó con México primero a través de las películas clásicas. La imagen del México rural, revolucionario es en Enamorada una imagen madura y consagrada en el imaginario colectivo. Sin duda se respira y se disfruta ese México que se fue. Una idea muy romántica de la vida de tiempos de la revolución, una vida idealizada y dramática también. El fotógrafo Gabriel Figueroa (1907-1997) es sin duda uno de los más grandes y reconocidos fotocineastas. Podría verse el color en su trabajo en blanco y negro. Aprendió el oficio en el camino y lo hizo de la mano de grandes directores, que confiaron en su mirada. Hemos hablado de las escenas cumbre de la película; sin embargo, es necesario que usted se lance en la búsqueda de esas imágenes que
le harán vibrar, quizás, y logre descubrir alguna otra que le haga adentrarse en esa Cholula. Caminar junto a Beatriz y el general José Juan Reyes. Perturbemos la alcoba de la dama, arrebatémonos en el desplante de la diva en el atrio de la iglesia… ó abandonemos la seguridad del mundo que conocemos, y sigamos al amor, en otro arrebato que sólo la imagen nos puede donar.
FICHA TÉCNICA Título: Enamorada Dirección: Emilio Fernández Guión: Iñigo de Martino, Emilio Fernández. Producción: Benito Alazraki Reparto: María Félix, Pedro Armendáriz, Fernando Fernández, Miguel Inclán, Manuel Dondé, Eugenio Rossi, Norma Hill, Juan García, José Torvay, Pascual García Peña. Año: 1946 Duración: 93 min.
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La neces idad de se “I woke up this morning, you know... and the sun was shining, and it was nice, and all that type of stuff. And the first thing, I saw you, and, uh, I said, “Boy, this is gonna be one terrific day, so you better live it up, because tomorrow you’ll be nothing.” You see? And I almost was.”
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l ser humano tiende a la búsqueda de la libertad, aunque en ciertos momentos sea pasivo pero en lo más profundo de nuestra humanidad existe tal anhelo. Sí hay una etapa en la vida del ser humano dónde se muestra con mayor energía el objetivo de ser libre es en la adolescencia, una de las fases más complicadas Jim Stark- Rebel without cause para las personas. James Dean Cuando eres adolescente crees tener el mundo en las manos, la tierra es infinita y nadie
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puede detenerte. Los adultos no te entienden, sabemos todo y los niños son tontos, nosotros somos dioses en la tierra, pero realmente estamos tan equivocados. Durante esa inestable etapa también te vas dando cuenta de la realidad que te rodea, dónde tus héroes pierden ese ideal que los caracteriza y en cualquier momento cambias de pensamiento dependiendo de los nuevos modelos a imitar, la realidad se permea de distintas formas, las verdades se vuelven mentiras
TESOROS FÍLMICOS
er amado
Por Manuel Pineda
y las mentiras se vuelven verdades. La vida es hermosa aunque en la adolescencia la veas cruel mientras te encuentras en la búsqueda del santo grial, una búsqueda de libertad que se puede extender durante toda la vida del ser humano. Rebelde sin causa es el encuentro de la identidad, es la voz de los jóvenes estadounidenses en la postguerra, el reflejo de una sociedad cambiante, donde la figura de la familia tradicional
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va perdiendo importancia para volverse obsoleta de acuerdo a los últimos años. Rebelde sin causa es mirar a la juventud que sólo busca ser amada, ser protegida. Rebelde sin causa (1955) es una película estadounidense dirigida por Nicholas Ray, un cineasta que había pertenecido a un grupo de teatro compuesto de artistas comunistas entre los que se encontraba Elia Kazan. Ray buscaba realizar una película sobre la juventud estadounidense enfocándose en los problemas de adaptación de los jóvenes con la sociedad conservadora. Warner Brothers tenía los derechos del libro de Robert M. Lindner, un libro de psiquiatría que trata sobre los trastornos de la adolescencia en un individuo en particular, aunque la productora, el director y los guionistas sólo tomaron el título del libro y unas cuantas referencias al comportamiento de los adolescentes. Toda la historia vino de la percepción de Ray sobre lo que leía en los periódicos, dónde las historias que abundaban sobre la violencia estaban relacionadas con los jóvenes, pero Ray no hizo todo solo, tuvo el apoyo impuesto por Warner de los guionistas Stewart Stern e Irving Shulman, quienes tenían ideas distintas sobre la película, pero que conforme avanzó la producción se pusieron de acuerdo en varios aspectos para lograr una obra maestra cinematográfica. Pero, ¿de qué va la historia? Jim Stark es un adolescente proveniente de una familia de clase media que constantemente se mete en problemas, recientemente se ha mudado a una comunidad californiana, su madre es una persona insatisfecha y su padre está sometido a la voluntad de su esposa; por esta razón Jim siente la ausencia de la figura paternal, generando conflictos entre ellos. Como típico joven, tratá de socializar
con otras personas de su edad que también tienen sus conflictos familiares, externando su frustración a través de la violencia y el caos adolescente de los años 50. Jim Stark encontrará entre estas personas, y a través de un evento que marcará su vida, a una nueva familia. Esta película fue censurada en varias ciudades de Estados Unidos, por el nivel de violencia que se mostraba personificado a través de los adolescentes y el uso de las navajas, se creía que podría ser un modelo a seguir para los jóvenes espectadores; además de demostrar el nuevo tipo de núcleo familiar que estaba surgiendo, donde los adolescentes se alejaban de sus
padres para encontrar entre sus amigos a seres que los comprendieran. A pesar de la censura, el éxito de la película fue abrumador, esto se debe a dos factores: primero, la censura siempre es buena propaganda; segundo, James Dean
falleció antes de que se estrenara. Esto hizo que la película generara un máximo de 4 millones y medio de dólares tan solo en Estados Unidos, un dineral, triplicando su presupuesto de 1 millón y medio. La película se convirtió en un símbolo para los jóvenes, las carreras de autos clandestinas ya no fueron tan clandestinas, y James Dean se inmortalizó como un modelo a seguir donde la fascinación por los autos rápidos, las muertes prematuras y el desafío a la sociedad lo caracterizaban. Pero no mal interpreten, el personaje que interpreta James Dean no es el típico joven abusador de los débiles, rebelde y canalla con las mujeres; al contrario, es un joven que busca comprensión familiar, que quiere hacer las cosas de la manera correcta y que necesita el apoyo de los adultos, que es sensible y que a
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pesar de las diferencias encuentra empatía entre otros jóvenes, evidentemente su rebeldía no es cómo la de ahora, es una actitud de acuerdo a los años 50, una violencia más simple.
por filmar historias relacionadas a la violencia juvenil, Stewart Stern describió a través de varias escenas la relación que tuvo con su padre, y algunos actores aportaron ideas para describir la vestimenta y la forma de hablar La película muestra distintos de los clubs sociales/pandillas símbolos, reflejo de las mentes de la época. Por ejemplo, James creativas detrás de ella. El direc- Dean fue invitado a presenciar tor Nicholas Ray se caracterizó la reunión de un club social para
que su actuación fuera lo más veraz, o la carrera de gallinas que es una variación a las carreras clandestinas que se realizaban en túneles. Otro de los aspectos importantes es la existencia de un personaje discretamente homosexual que busca la figura paternal en Jim Stark. La sexualidad está presente durante toda la película, desde Judy (Natalie Wood) que buscaba el amor de su padre, John “Platon” Crawford que fue abandonado por su madre y la gran necesidad de afecto, y por supuesto el infierno matriarcal dónde crece Jim, delegando la figura femenina al padre. La figura de la familia va de mano con la sexual, y se materializa en el momento en que se encuentran Platon, Judy y Jim, el nuevo núcleo familiar ha nacido, un grupo que se conecta por las circunstancias, por el contexto, sin importar que no exista un lazo consanguíneo entre ellos. Rebelde sin causa es como la vida trágica de las bandas juveniles, tal vez sea porque falleció James Dean, tal vez sea porque la juventud sentía que no tenía futuro, sin embargo el universo muere lentamente para que al final nazca otro.
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LA MENTE MAESTRA
Por Azucena Mecalco
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ueva Orleans es una de las res y los cineastas, y es ahí pre- de los dramas más conmovedociudades favoritas de los escrito- cisamente en donde se sitúa uno res de todos los tiempos: Un tranvía llamado deseo. Éste es quizá uno de los guiones más adaptados y parodiados desde su creación en el año de 1947 por el dramaturgo Tennessee Williams. Sin embargo, la adaptación más fiel y mejor lograda que se ha hecho hasta el momento es, sin duda, la de Elia Kazan, quien además de recrear
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perfectamente la atmósfera imperante en el Nueva Orleans de la primera mitad del siglo XX, conjuntó también a una serie de actores impresionantes con capacidades tan asombrosas que difícilmente serán superadas.
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Cada una de las escenas es perfectamente creíble, las voces, expresiones y sentimientos que plasmara Williams en su obra son retratadas con una prodigiosa maestría por Vivien Leigh, quien en su papel de Blanche logra conmover y frustrar al espectador intentando postergar el paso del tiempo, aferrándose al pasado, pero no al pasado real, sino a uno completamente idílico, creado e incluso creído por ella misma con el único propósito de eludir la miseria mental y económica en la que se ha ido sumergiendo; Kim Hunter, personificando a una
Stella sumisa y endeble, que se deja arrastrar por sus más viscerales y rudimentarios instintos, seducida por el carisma de Stanley, su brutalidad y su belleza; y, por supuesto, Marlon Brando, quien supera por completo los talentos de las dos mujeres antes mencionadas y forja en cada uno de sus movimientos en pantalla un conjunto contraste de personalidades que nunca dejan de ser la misma.
e impedimento de crecimiento y ensoñación para ambas hermanas, quienes lo visualizan y dogmatizan como pilar de sus alegrías y sufrimientos.
con que su hermana pequeña se ha casado con el macho alfa de la colonia de clase baja en la que habita: Stanley. Al
La historia de la cinta es por demás conocida. Luego de una larga temporada separada de su hermana Stella, Brando se presenta lo mis- Blanche, quien mo como símbolo sexual, se- se vio obligada ductor y carismático hombre a quedarse en su rural que misógino represor pueblo y cuidar de sus padres al tiempo que se hacía cargo de los negocios familiares, decide ir a Nueva Orleans a encontrase con ella. se
A su llegada encuentra
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principio Blanche es bien recibida. Mas la situación cambia cuando Stanley descubre que detrás de su apariencia de mujer elegante se esconde una terrible verdad. Aunado a ello, Blanche confiesa que ha perdido todas las propiedades de su familia y no cuenta con un sitio al que volver, con lo que su presencia, ahora indefinida en el hogar, comienza a sabotear la interacción del joven matrimonio. La cinta se enfoca, tal como la obra del escritor, en mostrar la confrontación entre las formas del pensamiento burgués y el de la clase obrera. Se hace presente, asimismo, el exacerbado valor que se concede a la juventud y belleza como elementos necesarios y efímeros de la valoración de la mujer como parte de su rol dentro de una sociedad patriarcal. La inestabilidad mental unida de forma inherente a la visión que como individuos creamos con base en los protocolos y estereotipos a los que nos sometemos como parte de un sistema, y la degeneración de la personalidad que sucumbe frente a los instintos básicos del ser. Esta cinta presenta sin duda una de las más conmovedoras historias del cine. No hay víctimas ni victimarios, cada uno de los personajes se somete a su propia percepción distorsionada de la felicidad, los valores
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e incluso el amor; alejándose de soberbio dramatismo. Aunque sí mismos en favor de la visión claro, nunca está demás leer el colectiva. libro ya sea para hacer una comparación crítica o simplemente La película fue galardonada para conocer a profundidad la en diversos festivales. Bien re- historia. cibida por el público y también FICHA TÉCNICA por la crítica y hoy en día si- Título: A Streetcar Named Desigue posicionada re como una obra Director: Elia Kazan maestra de la Guión: Tennessee Williams, Oscinematografía car Saul clásica. Todo Música: Alex North aquello que se Fotografía: Harry Stradling pueda decir soElenco: Vivien Leigh, Marlon bre ella sobra. Brando, Kim Hunter, Karl MalEs necesario den verla para apreAño: 1951 ciar su compoDuración: 122 min sición, actuaciones, música y
LA CAJA DE PANDORA
EL REY DEL BARRIO Un hombre bueno que quería ser malo Por Alma Ricardo
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n la conocida como Época de oro del cine mexicano existen múltiples películas que retratan la forma de vida de las clases más pobres, algunas de forma dramática como Nosotros los pobres (1948), otras de forma más realista como Los olvidados (1950) y algunas de forma cómica como El rey del barrio (1949), todas mostraban diferentes aspectos de la forma en cómo se desenvolvían las persona de esa época y cada una de ellas representa películas importantes dentro de la cinematografía nacional.
A pesar de que ya hace bastantes años que la película se filmó, muestra situaciones a las que muchas personas se enfrentan todos los días; por ejemplo al inicio de la película el despertador marcando las 7:00 am despierta a Tin Tan y a su hijo que comienzan a prepararse para ir al trabajo y a la escuela respectivamente, Tin Tan verifica que su hijo este muy limpio, en la actualidad muchas madres y padres hacen lo mismo todos los días.
La cinta El Rey el barrio del director Gilberto Martínez Solares es una película cómica, el argumento trata sobre un joven ferrocarrilero, padre soltero, que se preocupa por su barrio, aunque al mismo tiempo es el jefe de una banda de ladrones.
Un rasgo importante en la película es la ausencia de la figura materna ya que Tin Tan aparece como padre soltero, en esa época era algo totalmente fuera de lo común, además de que su vecina, Carmelita (Silvia Pinal), vive con su tía, por lo cual el ferrocarrilero se
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boca se vuelve duro y no permite que sus secuaces se burlen o le quieran ver la cara. Además hace referencia al Chicago de Al Capone. La banda está compuesta por El Peralvillo (Juan García), Borolas (Joaquín García), Antonio (Alejandro Cobo), El Norteño (Ramón Valdés) y El Sapo (José Ortega), de forma graciosa la única arma que portan es una cachiporra. Pero el jefe de la banda es la antítesis del ferrocarrilero ya que mientras el primero es un ladrón que siempre busca cometer crímenes para obtener dinero fácil, el segundo como Robín Hood reparte el dinero de las fechorías entre los vecinos, pero en un momento éste comienza a convertirse en el principal obstáculo para volverse malo, ya que comienza a escuchar la voz de Pepito que le dice “papá a mí me han enseñado que el que roba está cometiendo un delito y es un ser despreciable de la sociedad” y sus golpes comienzan a fallar. encuentra preocupado de que pueda dar el mal paso.
En la película Tin Tan no sólo es ferrocarrilero y líder de una banda de gánsteres, sino que también por momentos se convierte en un cantante español, un pintor francés, un maestro de ópera italiano y al final un operador del trenecito de Chapultepec.
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En El Rey del Barrio, al igual que en otras de sus películas, Tin Tan nos muestra su magistral manera de actuar y en esta película en particular la forma diferente de interpretar diversos roles: dentro de la vecindad es un hombre cordial, amable que se preocupa por el bienestar de los otros y procura, si lo necesitan, darles dinero; en cambio cuando se convierte en el jefe de la banda es un personaje diferente, desde el momento en que entra en el anticuario y se pone el cigarro en la
Como El Rey o Robín Hood, además de ayudar con sus problemas económicos a los vecinos, también los ayuda con los problemas matrimoniales, a Carmelita la rescata de ser fichera (mujer que trabaja en un cabaret o
cantina, a cambio de una ficha baila y toma bebidas con un cliente), el único empleo que había conseguido; y, sin que nadie sepa, rescata al pequeño Pepito de una vida de abusos de su verdadero padre. Además dentro de la película existen dos momentos que dentro del cine se conocen como rompimiento de la cuarta pared, para crear un lazo más fuerte entre el público y el personaje que lo hace, uno de ellos es cuando Marcelo, un policía, le da permiso para robar al Rey del Barrio, entonces Marcelo voltea al público y señalando hacia afuera de la pantalla������������������ y dice: “mire nomas cuanto ratero millonario anda por ahí suelto, nomas mire”
y Tin Tan responde dirigiéndose al publico: “dispénselo esta tomado, por favor ese señor pago por su asiento, dispénselo, no se vaya, no se vaya, dispénselo …” La película cuenta también con una intervención musical de Tongolele, en ésta primero la bailarina danza de una forma muy sensual con el Rey del barrio, para después adueñarse de la pequeña pista tirándose al suelo. La participación de la actriz Famie Kauffman mejor conocida como la Vitola en el papel de La Nena es muy importante ya que logra arrancar carcajadas a los espectadores.
ser malo, pero ninguno de sus intentos por hacer fechorías resultaba exitoso, la película retrata al barrio, a la gente pobre, pero solidarizándose entre ellos, claro que en etas historias nunca faltaban los malos y los Azules.
FICHA TÉCNICA Título: El Rey del Barrio Duración: 101 min. Dirección: Gilberto Martínez Solares Guión: Gilberto Martínez Solares y Juan García Fotografía: Agustín Martínez Solares
Al final el Rey del Barrio era un hombre bueno que intentaba
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HABÍA UNA VEZ
Chaplin y la paradoja de la modernidad Por Jorge Alonso Espíritu
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a desde los créditos iniciales, se nos advierte en imágenes la presencia de un fuerte componente simbólico. Lo que vamos a ver es cercano a la poesía, pero a una poesía aguerrida, donde la burla y el dolor son parte de un compromiso político, en el sentido más amplio de la palabra. Un reloj que corre inexorable y el título de la cinta Tiempos modernos: “Una historia
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sobre la industria, la iniciativa individual, la cruzada de la humanidad en busca de la felicidad”. Una historia desopilante en la que el siempre genial Charles Chaplin y su personaje fetiche, Charlot,
reflexionan sobre la modernidad y siempre con la gracia que precede a la melancolía anuncian un futuro que a más de 70 años sigue siendo parte de nosotros.
Un rebaño tropezándose entre sí es el prólogo mordaz que da paso a una imagen de lo que somos en sociedad, más aun en las grandes ciudades: un montón de personas aglomeradas, tristes, saliendo de huecos lúgubres después de tomar el subterráneo, para ir a entregar nuestra fuerza al culto de la máquina, en la fábrica. La creación, esa característica de la superioridad animal, se va de las manos. Convierte al humano en un par de brazos inmersos en la monotonía de la línea de producción que el mu l t i m i l lon a rio Henri Ford vendiera como la idea detrás de la modernidad
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adivinar, es la única manera de formar parte de la sociedad.
robarle migajas a la ciudad empresa, caótica, desoladora, para intentar sobrevivir en el juego de En las calles, conocerá a la la rutina, del trabajo uniforme. Un Golfilla, una huérfana víctima loco que crea, artista, soñador, no de la represión del aparato de tiene cabida en esos salones, y esa paz y justicia de los estados- es una de las posturas más senticorporación. Juntos, en una re- das del filme. La otra es, claro, la lación casi platónica, tendrán denuncia de la falta de humanidad que aprender a vivir, o intentar de los tiempos modernos. anhelada. La velocidad como deidad –antes de los tiempos de la internet- se profetiza en las cadenas de montaje. El vagabundo, hoy trabajador, incapaz de funcionar al ritmo que la fábrica (el sistema) exige, pierde el control de su cuerpo y su psique, y es hospitalizado, perdiendo su trabajo que, se puede
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Tiempos que, de más está decirlo, siguen corriendo para volverse viejos, inútiles, inservibles, como una máquina que ya no cumple con su propósito, o un enser pasado de moda. Si el presente no dura, ¿por qué la obsesión con estar siempre un paso delante de él? El sistema mismo, en el devenir histórico, le da la razón al mimo. Wall Street cayó antes de la filmación de la película y entró en crisis, en forma similar muchos años después. Nuestras sociedades, empeñadas en modernizarse, están regidas por el dinero inalcanzable y las planchas de cemento extendiéndose ad infinitum como la base sobre la que se erigen altos edificios, sobre donde deben circular cada vez más automóviles, sobre donde seremos en la medida que los dispositivos lo permitan. El triunfo de la máquina. Y la nostalgia en la pantalla.
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PARA CONOCER
AN AFFAIR TO REMEBER El destino puede ser trágicamente mágico
Por Alma Ricardo
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l amor es uno de los elementos más importantes en la industria del cine estadounidense. A veces este tipo de películas nos ha llevado a muchas mujeres a ver el amor de una forma muy idílica, pero quién se puede resistir a esos abrazos llenos de emociones y besos de película que llenaban las pantallas cinematográficas en los años 40 y 50. An Affair to Remember es una película de 1957 dirigida por Leo McCarey, con Cary Grant y Deborah Kerr como actores principales. Esta historia de amor comienza cuando de forma fortuita Nickie, un pintor y play boy
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interpretado por Cary Grant, comprometidos con sus respecse encuentra con Terry, can- tivas parejas y próximos a casartante de un club, interpreta- se, entablan una amistad. da por Deborah Kerr, en un buque, aunque ambos están ¿Cuántas personas conocen al amor de su vida gracias a una cigarrera olvidada?, puede que en la vida real sean pocas, pero Hollywood era especialista en retratar este tipo de escenarios, además gracias al technicolor, proceso de
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cine en color más utilizado en Hollywood entre 1922 y 1952, la película obtiene un toque más romántico, los colores son vibrantes y cálidos, aunado a ello fue filmada con el sistema CinemaScope, actualmente lo más parecido a este sistema es el wide screen. La película cuenta con una magnífica banda sonora, y la canción principal Our Love Affair es una melodía para piano muy nostálgica y sentimental, esta canción fue nominada a los premios Óscar en la categoría de Mejor canción original en el año de 1958, casi diez años después en 1966 Nat King Cole la reviviría al cantarla y grabarla en el disco Nat Cole Sings The Great Songs.
En An Affair to Remember el romance es el ingrediente principal, pero los momentos cómicos nunca faltan, ya que durante el viaje en el buque puesto que Nickie es un personaje muy conocido y todas las personas lo fotografían o intentan enterarse de lo que hace, procura no ser visto junto a Terry para no ser malinterpretados, ambos buscan mantenerse alejados, pero el
barco es muy pequeño y siempre Empire State, pasan los días y terminan juntos, en el bar, en el el momento esperado llega, pero comedor, en la piscina, etc. uno de los dos no acude a la cita. A pesar de que en todo momento intentan mantenerse alejados, al final se dan cuenta que quizás existe una oportunidad para ellos como pareja y deciden terminar con sus compromisos con sus respectivas parejas y verse seis meses después en el
El suspenso también está presente, el publico es testigo de lo que pasó y el porqué la cita no se concreto; en momentos intentamos gritarle al protagonista que ella lo ama, que no debe guardarle rencor, que no debe de tratarla tan fríamente y hasta el final respiramos aliviados cuando la verdad es revelada. Cary Grant se muestra en esta película elegante y encantador, además poseía una sonrisa que podía derretir a cualquiera, a pesar de tener 53 años al momento de interpretar a Nickie, mientras que Deborah Kerr, quien tenía 36 años, retrataba como en otras películas a una heroína, hay que resaltar la química que existía entre los dos, con lo que se convirtieron en una de las parejas románticas de la pantalla estadounidenses más recodadas en la historia.
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La película lo tiene todo, romance , comedia, drama, suspenso; además de los abrazos que parecen decir todo, los besos entre los protagonistas, que quizás sean sencillos pero están llenos de química, provocan que a más de una se le enchine la piel.
fortuita a esa persona especial el mismo McCarey basándose en para nosotros. una idea propia. Una referencia específica de esta cinta se hace En Estados Unidos An Affair en la película Sleepless in Seattto Remember es una las películas le en la que actúan Tom Hanks y románticas clásicas, además la Meg Ryan. American Film Institute la colocó en el puesto número cinco de las Mejores historias de amor esFICHA TÉCNICA An Affair to Remember a pesar tadounidenses. Lo que pocos sade haber sido filmada en 1957, ben es que se trata de una nueva Título original: An Affair aun logra hacernos suspirar y versión de Tú y yo (Love Affair) to Remember soñar con encontrar de manera obra que había dirigido en 1939 Año: 1957 Duración: 119 min. País: Estados Unidos Director: Leo McCarey Guión: Leo McCarey, Delmer Daves (Historia: Mildred Cram) Música: Hugo Friedhofer Fotografía: Milton R. Krasner Reparto: Cary Grant, Deborah Kerr, Richard Denning, Neva Patterson, Cathleen Nesbitt, Robert Q. Lewis, Charles Watts, Fortunio Bonanova Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation
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EN CARTELERA
Por Alma Ricardo
CANÍBALES
E n la juventud a veces creemos que podemos cambiar el mundo, muchos buscan la manera de ser parte del cambio y contribuir con su granito de arena.
Una joven neoyorquina, Justine (Lorenza Izzo), tiene como ideal luchar al lado de sus amigos activistas para salvar la selva peruana de la tala de árboles, así que después de lograr convencer a sus padres emprende un viaje. Pero mientras viajan en una avioneta ésta colisiona y muchos de sus compañeros mueren, cuando Justine despierta se encuentra rodeada de una tribu indígena, para su horror descubre que se trata de caníbales.
Título original: The Green Inferno Año: 2013 Duración: 103 min. País: Estados Unidos Director: Eli Roth Guión: Guillermo Amoedo, Eli Roth
EL REGALO
E El pasado, no siempre queda en el pasado, es parte importante de lo que somos en la actualidad, pero cuando ese pasado guarda un secreto sería mejor que se quedara en el olvido.
Un joven matrimonio Simón (Jason Bateman) y Robyn (Rebecca Hall) se encuentra felizmente casado y a punto de ser padres, hasta que de forma inesperada se hace presente un amigo de la adolescencia de Simon, Gordon “Gordo” Moseley (Joel Edgerton), al principio aceptan sus regalos y visitas, pero cuando él comienza a aparecer de manera continua y sin invitación la joven pareja se comienza a incomodar, entonces deciden decirle que ya no los visite más, sin embargo él posee un secreto que podría hacer que la vida de Simón se arruine totalmente. Título original: The Gift Año: 2015 Duración: 108 min. País: Estados Unidos Director: Joel Edgerton Guión: Joel Edgerton
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EN CARTELERA CARMÍN TROPICAL
“D icen que tus actos y el pasado regresan siempre de la mano” es una de las premisas de la película. Mabel, un tra-
vesti, decide regresar a su hogar después de mucho tiempo, no con la intención de resolver sus asuntos o el pasado, sino que regresa para averiguar sobre la muerte de su amiga Daniela. La película habla sobre la dimensión del travestismo y los crímenes homofóbicos que existen en el país y de la diversidad de la que está compuesta la comunidad Muxe de Juchitán de Zaragoza
Título original: Carmín tropical Año: 2014 Duración: 100 min. País: México Director: Rigoberto Pérezcano Guión: Rigoberto Pérezcano
POR MIS BIGOTES Ser niño nos es fácil y menos cuando tienes que luchar por
salir bien librado de la escuela y de los compañeros abusivos, pero cuando algo te pone en el centro de atención de todos las cosas pueden mejorar o ponerse peores. Ulises (Santiago Torres) tiene nueve años, va en la primaria, la vida ya es bastante complicada para su edad, hasta que un día se despierta con un prominente bigote y aunque su madre le dice que es especial , él cree que eso no es vedad, hasta que conoce a su tío Fabián (Jesús Ochoa) y descubre que ser diferente es lo mejor que le pudo haber pasado. Título original: Por mis bigotes Año: 2015 Duración: 100 min. País: México Director: Manuel Carames Guión: Jorge A. Estrada Música: Alejandro Giacomán Fotografía: Chuy Chávez
28 Super 8
Super 8 31
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