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Contenido
Editorial
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lgunas personas se quejan del mundo. muy pocas deciden hacer algo para cambiarlo. Otras se quejan de forma productiva y crean cine con sus inconformidades. Este último es el caso del comediante, escritor, guionista y director de cine Woody Allen; uno de los mejores directores que se haya conocido en la industria, sobre todo por su forma de retratar con sencillez la cotidianeidad que en muchas ocasiones nos resulta tan compleja, y que él se ha encargado de plasmar de forma tan realista que no podemos hacer sino reír frente a sus ocurrencias de carácter universal, provenientes del absurdo de nuestra propia convivencia, y que se muestran desnudas frente a nosotros para sacudirnos un instante en miras de hacernos despertar.
El cine es poesía Whatever Works
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Tesoros fílmicos Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo 6
La mente maestra Woody Allen 11
La caja de Pandora
Deconstructing Harry 15
Había una vez Match Point 18
Para conocer Manhattan 23
«Sex without love is a meaningless experience, but as far as meaningless experiences go its pretty damn good.» En cartelera
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Woody Allen
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook En portada: You Will Meet a Tall Dark Stranger
Super 8 Número 70 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Manuel Pineda, Alma Ricardo, , Jorge Alonso Espíritu, Libertad Pineda Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de diciembre de 2015
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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n e t s i x e o m s i m el pesi
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EL CINE ES... POESÍA
n e l l A y d o o W e cial d Por Jorge Alonso Espíritu
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os humanos: somos una especie
fallida. De la procreación a la colonoscopía, somos una raza llena de defectos, dependientes de una deber ser que nos aleja de los animales en cuanto nos aleja de los instintos más básicos de la bestia: comer, beber, reproducirnos sin enamorarnos, competir y terminar con nuestra vida cuando nos deja de ser útil.
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Boris lo sabe, y el conocimiento, se sabe, es poder. Pero, ¿poder para qué, o sobre quién? Ejerciendo la arrogancia como modus vivendi, desprecia al resto de las personas y provoca el auténtico desprecio de ellos. De a poco, se va quedando solo. Si la vida es un juego de ajedrez, Boris toma el tablero y lo deja caer sobre la cabeza de su contrincante, no importa si se trata de un niño. Así, la vida del protagonista se va convirtiendo en una tragedia teatral donde sus congéneres son los espectadores. Rehuyendo del amor, evitando lo escatológico, apartado del sexo, pero enamorado, en el fondo noble, trastoca los géneros dramáticos y la tragedia se vuelve farsa: salta de la ventana y al caer sobre un toldo conserva la vida y se rompe la pierna.
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El hombre que repudia la imperfección, filósofo antisocial, se convierte en la encarnación de la degradación del ser humano: camina rengueando con las pantorrillas descubiertas, semicalvo y con anteojos. Entonces, seguro de que hay un público frente al escenario, rompe la tercera pared y diserta sobre lo estúpido que es vivir. Lo estúpido que es vivir rodeado de la eterna, inmensa estupidez. Nadie se salva de la virulencia del aspirante a ermitaño: los políticos, los estadounidenses,
los negros, los deportistas, el sistema educativo –el peor de occidente-, los médicos y su inútil praxis. Aparece en escena, en este momento, el antagonista. La antagonista que, se sabe, suele ser también el papel coprotagónico. Una joven mujer, ingenua, atractiva, perdida en la gigante Nueva York se mete a la vida y a la casa de Boris, causando una sacudida en la misantropía beligerante del héroe,
que de un momento a otro se ve orillado a usar un nuevo vocabulario, desconocido no en cuanto a su verbalización, sino en su uso. El hedonismo recalcitrante entra en riesgo. Pero todo roce produce una catástrofe. Dos cuerpos que se mueven provocan, al tocarse, el descarrilamiento de las máquinas: de la familia, de la institución que necesita estabilidad –aunque ésta sea fingida- para existir, de la razón.
Ante el desasosiego nos queda la burla. La burla a todo, y a todos. Incluso a nosotros mismos. La burla a los seres que nos ven del otro lado de la pantalla. (¿Por qué nos ven?). O también mover nuestras fichas en el tablero, fraguando una jugada maestra o, incluso, correr rumbo a la ventana y saltar hacia afuera, esperando rompernos cada hueso del decadente cuerpo.
FICHA TÉCNICA Título original: Whatever Works Director: Woody Allen Guión: Woody Allen Reparto: Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Conleth Hill, Michael McKean Año: 2009 Duración: 92 min. País: Estados Unidos
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TESOROS FÍLMICOS
Todo lo que siempre quiso saber del sexo...
Woody Allen y su comedia sexual Por Manuel Pineda
Esperma #1: “I’m not getting shot out of that thing. What if he’s masturbating? I’m liable to end up on the ceiling.”
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no de los principales problemas del ser humano es la sexualidad, desafortunadamente como sociedad mexicana tenemos prejuicios y telarañas mentales a pesar de que estamos en una constante lucha por quitar cualquier tabú sobre el tema. A través de los medios de comunicación encontramos al sexo:
desde la radio, los carteles, las revistas, el periódico, el internet, pasando por la televisión y terminando con el cine. El sexo está presente en todos lados. Uno de los artistas que recurre al tema de la sexualidad en sus películas es el maestro Woody Allen, un director de cine (quien también es músico, comediante y escritor) que ha proyectado en la mayoría de sus obras a su propia persona cómo parte de los protagonistas principales. El sexo, las relaciones de pareja, el contacto con la familia y las costumbres, la burguesía, sus orígenes judíos, la avaricia, los juegos de poder además de la comedia han sido los elementos característicos de su cine.
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A pesar de que no le atraía la producción de cine, Woody se ha convertido a través de los años en uno de los directores de cine más exitosos del mundo, a tal grado de que cada año produce y dirige una película. Su carrera inició desde 1966 y hasta la fecha tiene alrededor de 50 producciones realizadas.
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El día de hoy me detendré en una de las tantas películas que pertenecen a la colección personal de Woody Allen, es su cuarta película y es de las más cómicas debido a su naturaleza sexual: Everything you always wanted to know about sex (but were afraid to ask) de 1972, también conocida en Latinoamérica por el título Todo lo que usted siempre Pero sus primeras películas quiso saber sobre el sexo, pero tedistan mucho de lo que actual- mía preguntar. Consiste en una mente realiza, ya que era una parodia del libro homónimo puartista en formación que estaba blicado en 1969 por el Dr. Dapuliendo su técnica, un estilo vid Reuben, en dicho libro se que se fortaleció conforme su carrera cinematográfica crecía. La música de jazz, la psicología de los personajes, los créditos iniciales y las sutiles bromas se convirtieron en elementos permanentes en el cine de Woody Allen. En la mayoría de sus obras podemos ver al Woody Allen que conocimos durante muchos años: un director que se burlaba de sí mismo para que la gente tuviera empatía con él y con las situaciones comunes que describía a través del cine.
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trató de crear uno de los primeros manuales modernos sobre el sexo para profundizar en la educación sexual y en la eliminación de prejuicios entorno al tema. La película no tiene una trama concreta, en sí sólo son siete segmentos o preguntas que Woody Allen adaptó del libro y que contestó a través de las parodias, además de referencias cinematográficas, las preguntas son muy comunes realmente: ¿los afrodisiacos funcionan?, ¿Qué es la sodomía?, ¿por qué algunas
sexo está presente en todos los seres humanos, la sexualidad es una realidad, y debemos perder esos tabús, esas frustraciones, hay que recordar que el ser humano es un ser sexual; no existe el género o las categorías de preferencias ya que podemos obtener placer de lo que sea, hasta de frotarse con un objeto.
mujeres tienen problemas para alcanzar el orgasmo?, ¿los travestis son homosexuales?, ¿qué es la perversión sexual?, ¿los experimentos e investigaciones sobre el sexo dan resultados satisfactorios?, ¿qué sucede durante la eyaculación?. A través de estas preguntas Woody Allen trata de dar respuesta a sus preguntas por medio de situaciones cómicas e inverosímiles, en cada una de estas respuestas encontramos referencias a otras obras intelectuales o productos contemporáneos cómo Hamlet de William Shakespeare, Casanova 70, al programa de televisión Whats my line?, Frankenstein, Fantastic Voyage (1966), además de dar claros homenajes a los cineastas y actores que admira cómo Marcello Mastroianni y Federico Fellini. Cada una de estas referencias las usa para darle fuerza a su perspectiva sobre el sexo, en donde siempre se verán sus raíces judías. La película tuvo un presupuesto pequeño de dos millones de dólares, sin embargo generó
alrededor de 18 millones, algo nada despreciable para la distribuidora United Artists (fundada por Charles Chaplin) y para el productor Charles Joffe. Ambos se convirtieron en entes que apoyaron a Woody Allen en sus próximos proyectos cinematográficos. Otro de los elementos característicos de esta película fue el reparto que actuó en ella, actores cómo Jack Barry, John Carradine, Erin Fleming, Elaine Giftos, Lou Jacobi, Lousie Lasser, Tony Randall, Burt Reynolds, y por supuesto el propio Woody Allen. Esto demostró para la industria que Woody podía dirigir a actores de renombre sin tener conflictos, el comediante tímido dejó de serlo. ¿La película responde al tema de la sexualidad?, ¿la gente dejó de tener prejuicios?, ¿Woody Allen es un pervertido sexual?, ¿la asistencia que tiene con su psiquiatra es porque es un perverso sexual? Nada de esto, el
Woody Allen habla de sexo en todas sus películas y su vida misma ha sido envuelta en escándalos impresionantes, así que si hay un director que pueda hablar directamente de ello en el cine, sin duda es él. La película no es la gran obra de arte, no tiene una impresionante técnica cinematográfica, sólo es una visión del artista, lo que piensa y nos da el mensaje de no obsesionarnos con el tema, de tomarlo a la ligera y no tener prejuicios.
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El mundo mágico de...
¿WOODY ALLEN? Por Azucena Mecalco
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l cine de Woddy Allen es simplemente el género de la polarización: lo amas o lo odias, no hay más. Y cuando hablamos de “su cine” nos referimos precisamente a esa capacidad mística con la que el director ha creado su propio estilo, uno tan marcado y referencial que es imposible englobarlo como parte de un género subyacente. Desde la comedia hasta el drama, cada una de sus películas cuenta con elementos clásicos que se han transformado en un sello distintivo que lo eleva por encima del promedio de los creadores. Jazz, whisky, situaciones hilarantes, sátiras y mu-
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cha pero mucha cotidianeidad es la que tuviera el control absoluto de lo que está plagado el cine de de cada situación al filmar; pues Woody Allen. al más puro estilo de Kubrick: «decidí que no volvería a filmar Cada nuevo trabajo dentro de nada si no era yo el director. Y su excesivamente prolífica carre- no sólo el director, sino que tura es una oda completa al realis- viera el control total». mo de lo común, la visceralidad y la profundización de las dudas A Take the money and run universales que muchos prefie- le siguieron Bananas (1971); ren evitar. Incluso las comedias Everything you always wanted to más hilarantes que ha fabricado know about sex (But were afraid cuentan con ese sentido analíti- to ask) (1972) una serie de sketco de las situaciones humanas en ches que exploraban la psicolosu estado natural. Su personali- gía y tabúes sobre el sexo; Sleeper dad ha sido plasmada en cada (1973), cinta de ciencia ficción personaje con sus muy diversas con estilo futurista, en la que sevariantes desde el momento en gún él mismo declaró «hice refeel que filmara Take the money rencias a la clonación y expliqué and run (1969), primera cinta en qué era, ¡nadie sabía lo que era!»
LA MENTE MAESTRA
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y Love and death (1975) una sátira total llena de situaciones cómicas, y si bien todas contaban con un público adepto a su ya conocido talante, seguían sin formar parte del gusto del espectador en general. Fue hasta 1977 con la filmación de Annie Hall que Woody se colocó como parte de ese registro de directores multi nominados y multi premiados que se han adherido a las filas de los favoritos para el Óscar. Pero más allá de formar parte de la lista de la frivolidad revolucionó el mundo de la comedia y evolucionó su propio sistema de creación de cine, presentando la exteriorización de las emociones que precisamente por su sencillez resultan más complejas en el proceso de enamoramiento, y aunque no es de mis cintas favoritas
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no puedo negar su trascendencia Manhattan, otra de esas pelícucomo parte de la transmutación las que la gente disfrutó, marcó del cine cómico y romántico. una era, creó nuevos referentes y que él detestó. «Le ofrecí a la Al año siguiente presentó sin compañía filmarles una película mucho éxito Interiors, que des- por nada para que no la exhide luego no alcanzó ni por aso- bieran, pero no aceptaron» demo el triunfo sin precedentes de claró Allen para Woody Allen a su antecesora, quizá debido a su documentary (Robert B. Weide, dramática estructura apoyada 2012). por completo en un personaje trágico. Mas, en 1979 se reinCon Stardust Memories corporó al gusto del público con (1980) muchos de sus adeptos
se sintieron ofendidos por la forma en la que satirizaba la relación del artista con sus seguidores. Mas el enojo no duró sino hasta la salida de su siguiente producción y no resulta extraño, si consideramos la forma impecable con la que encapsula sens aciones y pensamientos. Él es, quizá, el único director que ha sido capaz de ahondar en la psique femenina sin tomarlo desde una postura ma- (1990), en donchista, feminista, simplista o hi- de narra la histoperbólica. ria de una mujer inconforme con Sus personajes femeninos se su propia comoconstruyen con realidad y caris- didad material, ma, y aunque algunos resultan acompañada de sumamente insoportables no una serie de sipueden ser sino creíbles. Para tuaciones abcomprobarlo basta con ver The surdas; o You Purple Rose of Cairo (1985), una Will Meet a excelente película en la que el Tall Dark actor decide salir de la pantalla S t r a n g e r para vivir una aventura con una (2015) con de las seguidoras de la cinta que A n t h o n y acude a verla para escaHopkins, par de su aburrida reaun himno lidad: la elección entre total a la la fantasía y la realidad «y todos preferimos la fantasía porque es menos dolorosa»; Hannah and her sisters (1986); Another Woman (1988), excelente drama que explica cómo sin darnos cuenta terminamos reflejándonos en el exterior, incluso en un desconocido; Alice
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inconformidad frente a la mono- lenio; la hilarante To Rome with tonía. Love (2012) con todo y su escena de Pagliacci en la regadera; y La filmografía de Allen es una desde luego la hermosa Midnight de las más extensas que existen in Paris (2011) que le dio a Owen y también de las mejor logradas. Wilson el papel de su vida. Nunca se sabe con exactitud a qué punto llegará, es capaz de tomar las historias clásicas y reconfigurarlas brindándoles nueva vida, nuevos colores y nuevos contextos para volverlas actuales e imperecederas, sus chistes se mantienen vigentes desde sus primeros años como comediante y su capacidad de improvisación está latente en cada diálogo. Sus trabajos en el nuevo siglo no han perdido ni ápice del humor, drama, calidad e insolencia con la que comenzara a filmar, simplemente se han pulido hasta conseguir convertirse en un arte mucho más específico, tal es el caso de Blue Jasmine (2013), que para mí seguirá siendo el A streetcar named desire del nuevo mi-
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Ver los filmes de Woody Allen es como introducirse en un universo desconocido: el propio, logrando el alejamiento necesario para ser capaces de analizar nuestros propios vicios, preguntas, miedos, necesidades y deseos.
LA CAJA DE PANDORA
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Por Azucena Mecalco
lgunas personas tienden al caos. Aunque yo me atrevo a decir que todos los humanos somos caóticos, también es verdad que existe un tipo particular de personas que parecen contar con una chispa, un funkelin como lo llamaba Meister Eckhart, que los conduce por tortuosos caminos que les impiden encontrar la estabilidad o paz mental sino es por medio del caos. En 1997 Woody Allen creó un filme sumamente cómico, aunque como siempre se trataba de una comedia negra, en el que retrataba a un hombre histérico (hasta aquí no hay sorpresas) que precisamente era
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incapaz de convertirse en lo que la sociedad ha delimitado como
“hombre estable”: Deconstructing Harry o Los enredos de Harry para América Latina. En esta película se relata un capítulo en la vida de Harry Block, un afamado escritor que está a punto de recibir un premio en la universidad que antes lo despreció, y su principal problema, por lo menos el que él mismo percibe como tal, consiste en que no contar con alguien para asistir a la premiación.
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La situación es simple, Harry se ha dedicado a utilizar su vida privada para escribir sus novelas, de esta manera sus ex esposas, amantes y amigos quedan frente al escrutinio del resto del mundo, o así lo ven ellos, y deciden alejarse de él para dejar de ser material de crítica, por lo cual el protagonista se encuentra prácticamente solo. Justo en ese momento, Harry se da cuenta de que además de solitario está bloqueado y no comprende la razón de su estancamien-
to mental. Pero como su vida requiere razones lógicas para funcionar, opta por pensar que su problema se debe, en ese instante, a la falta de un acompañante para recibir su reconocimiento. Ya sin opciones decide contratar a la prostituta con la que acaba de pasar la noche para que vaya con él y de paso llevarse a su hijo pequeño para pasar tiempo juntos y que el pequeño observe cómo finalmente su trabajo es aceptado. Para su mala fortuna ese es sólo el comienzo de otra locura que no hace sino encubrir su situación real con respecto al prójimo y a sí mismo.
Esta es, desde mi perspectiva, una de las mejores películas de Allen. Su personaje logra de manera soberbia profundizar en los estragos del e s t a n c a m i e n to mental en todos los sentidos, en la monstruosa idea de ser capaz de percibir el movimiento ajeno mientras nos encontramos en un mundo propio de sumo estatismo. Asimismo está llena de situaciones que reflejan el puro sinsentido en la que nos movemos, la doble moral y la importancia casi irracional que mostramos frente a la opinión ajena, y cómo ésta nos delimita de forma social, creativa, moral, espiritual, etc., impidiéndonos crear un yo real aceptable para nosotros mismos. Mucho se ha dicho sobre este filme, al cual se ha llamado «la comedia más agresiva del director», y aunque las críticas de los llamados especialistas fueron excelentes, su recaudación en taquillas estadounidenses no alcanzó ni a cubrir el presupuesto
invertido en su producción. Pero como esa no es la parte importante, por lo menos no para los cinéfilos y en este caso tampoco para el director, basta con decir que ésta es una cinta que no sólo vale la pena ver sino que todo el mundo debería ser obligado a sentarse y observar cada una de las peripecias de Harry, (quizá exagero un poco). Dejando de lado la exageración, es necesario renunciar a la satanización las posturas de los otros frente a la vida, y aprender a reconocer cuando un personaje o situación de las que se
plantean en pantalla nos transmite el clarísimo mensaje de que hay algo que estamos haciendo mal, es precisamente en ese instante en que podemos tratar de enmendarlo o de aceptarlo y dejarlo correr; porque no importa cuanto evitemos mirar a nuestro alrededor las situaciones seguirán fluyendo y nuestros descuidos nos pueden arrastrar con ellas al caos, el dramatismo exacerbado y a la incongruencia.
FICHA TÉCNICA Título: Deconstructing Harry Dirección: Woody Allen Guión: Woody Allen Música; Johnny Green, Edward Heyman, Antonio Carlos Jobim Fotografía: Carlo DiPalma Elenco: Woody Allen, Caroline Aaron, Bob Balaban, Kirstie Alley, Richard Benjamin, Billy Crystal, Jennifer Garner, Mariel Hemingway, Robin Williams, Tobey Maguire, Demi Moore, Stanley Tucci. País: Estados Unidos Año: 1997 Duración: 96 min.
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HABÍA UNA VEZ
Cr im en sin cas tig o Por Alma Ricardo
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uede alguien cometer injusticias y continuar con su vida normal? Es la pregunta que se hace Raskólnikov en la novela Crimen y castigo de Fiódor Dostoievski, uno de los libros más influyentes de la literatura rusa. Match Point es una película del 2005 dirigida por Woody Allen y estelarizada por Jonathan Rhys Meyers (Chris Wilton), Scarlett Johansson (Nola Rice), Emily Mortimer (Chloe Hewett Wilton) y Matthew Goode (Tom
Hewettbien). La cinta no es una castigo, sin embargo el director adaptación de la obra Crimen y usa muchos elementos que las
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vinculan, por ejemplo casi al inicio de la película podemos ver a Todo este discurso está acomChris recostado en su cama le- pañado de las imágenes de un yendo dicha novela. El film inicia con una voz en off que dice lo siguiente: «aquel que dijo más vale tener suerte que talento conocía la esencia de la vida. La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte. Asusta pensar cuantas cosas escapan a nuestro control. En un partido hay momentos en que la pelota golpea el borde de la red, y durante una fracción de segundo, puede seguir hacia delante, o caer hacia atrás. Con un poco de suerte, sigue hacia adelante y ganas. O no lo hace, y pierdes.»
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hombre que desesperado saca de entre sus ropas diferentes objetos y los tira al río, pero un anillo no sigue el camino de los otros objetos, ya que pega contra una barandilla y rebota en la calle. En esta película el director nos muestra muchos de los conflictos a los que se enfrentan la mayor parte de los seres humanos y logra que el espectador se encuentre en la disyuntiva de querer que el crimen sea descubierto o dejar que el hombre se salga con la suya y nadie se entere de nada. El argumento gira en torno a Chris Wilton un joven tenista profesional, quien tras conocer la vida de las familias más ricas de Londres se vuelve ambicioso y
consigue casarse con una mujer de una familia adinerada. Todo parece perfecto, pero después de conocer a Nola e iniciar un romance, las cosas empieza a tomar un rumbo que él nunca deseo.
Nola queda embarazada y comienza a presionar a Chris para que se divorcie, él lo medita cuidadosamente y al igual que Ras-
otro algo saldrá mal y el protagonista será atrapado.
kólnikov idea el crimen perfecto, decide asesinar a Nola. Para ello cuida todos los pasos que llevará a cabo y crea una coartada. Desde ese instante el espectador es presa de un terrible sentimiento de ansiedad, muchos sino es que todos sentimos que de un momento a
do una relación con Nola la policía le informa que ella contaba con un diario, entones la tensión vuelve a subir.
Cuando parece que Chris ha escapado y que nadie sospecha de él, la policía lo llama a declarar y aunque él niega haber teni-
En ese momento parecería que el remordimiento de conciencia comienza a atacar al protagonista, esto lo vemos en un
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sueño, cuando las dos mujeres a las que mató se le aparecen para reclamarle, sin embargo él se encuentra tranquilo y ni siquiera esas apariciones repentinas son algo que le afecten. Además la música nos puede poner los pelos de punta ya que la banda sonora se compone en su mayoría de arias de ópera. No importa si alguna vez has leído Crimen y castigo, ya que no es una adaptación como tal, pero si has llegado a leerla es sorprendente como Woody Allen logra transportar de Rusia, el edificio
donde se lleva a cabo el asesinato, a Londres es casi como si lo hubiera calcado, o por lo menos esa impresión nos da. Quizás no exista el crimen perfecto, pero desde la perspectiva del autor todo depende de la suerte, si tienes suerte nunca serás atrapado y el castigo no vendrá, pero si no cuentas con suerte seguramente tu crimen será castigado. Desde mi punto de vista las películas de Woody Allen son muy personales, habla, retrata y filma cosas que le preocupan, o
le aquejan, también nos muestra sus obsesiones, miedos etc., sin embargo esto mismo hace que sus cintas sean exitosas ya que a muchas personas les preocupan las mismas cosas y se ven reflejados de un modo muy sincero. Otro rasgo a destacar de Woody Allen es que siempre está experimentando con nuevos estilos, nunca se ha encasillado en uno solo. Allan Stewart Königsberg mejor conocido como Woody Allen nació el primero de diciembre de 1935, es un director, guionista, actor, músico, dramaturgo, humorista y escritor estadounidense. Desde 1969 ha filmado un total de 45 películas. Además ha sido ganador del premio Óscar en cuatro ocasiones. FICHA TÉCNICA Título original: Match Point Año: 2005 Duración:120 min. País: Reino Unido Director:Woody Allen Guión: Woody Allen
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PARA CONOCER
Por Lupita Libertada Pineda
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hapter one. “He adored New York City. He idolized it all out of proportion.” Uh, no, make that: “He-he . . . romanticized it all out of proportion.” Yeah. To him, no matter what the season was, this was still a town that existed in black-and-white and pulsated to the great tunes of George Gershwin.”
- Uh, no let me start this over. “Chapter one. He was too romantic about Manhattan as he was about everything else. He thrived on the hustle bustle of the crowds and the traffic. To him, New York meant beautiful women and street-smart guys who see-
med to know all the angles.” -Nah, corny, too corny for a man of my taste . Let me, let me try and make it more profound. “Chapter one. He adored New York City. To him, it was a metaphor for the decay of contemporary culture.
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The same lack of individual integrity that cause so many people to take the easy way out was rapidly turning the town of his dreams in.” -No, it’s gonna be too preachy. I mean, you know, let’s face it, I wanna sell some books here. “Chapter one. He adored New York City, although to him, it was a metaphor for the decay of contemporary culture. How hard it was to exist in a society desensitized by drugs, loud music, television, crime, garbage.” -Too angry. I don’t wanna be angry. “Chapter one. He was as tough and romantic as the city he loved. Behind his blackrimmed glasses was the coiled sexual power of a jungle cat.”
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- I love this.
pasar diferentes imágenes de Nueva York. La opinión del in“New York was his town, telectual respecto de su ciudad. and it always would be.” Puede ser una ciudad, difícil, a la vez, que hostil, pero tamEscuchamos la voz en off de bién un buen sitio para vivir. Woody Allen, mientras miramos Las posibilidades que encierra
la ciudad son enormes, quizás infinitas. Durante los primeros cuadros nos da la gana de vivir la ciudad cosmopolita, sus particularidades atraen… los fuegos artificiales iluminan el cielo nocturno. La Rapsodia en azul de George Gershwin, enmarcan la noche neoyorkina. Nos asomamos a un bar, donde conocemos a los personajes, Isaac Davis, Tracy, Yale Pollack y Emily. Dos parejas que conviven, hablan de arte, una de ellas en edad madura, sin embargo, la otra atrae la atención. Isaac y Tracy, él es un escritor divorciado de 42 años y ella una adolescente de 17 años, bonita e inteligente. Isaac y Yale son grandes amigos, el segundo confiesa una relación extramarital. Isaac habla de Tracy. Días después se encuentran en una galería de arte con Yale y Mary, la amante de este. Aparentemente Isaac y Mary no se agradan, ya que tienen opiniones opuestas sobre el arte. Yale y Mary terminan, y esta a su vez, comienza a salir con Isaac quien termina con Tracy, con el argumento de que ella es muy joven y debe seguir su vida. Comienzan los enredos divertidos y dramáticos.
El tema de la diferencia de edad entre los personajes Isaac y Tracy, fue escandaloso para el momento, pero el autor de la película era Woody Allen y le fue permitido, pues ya poseía el éxito de Annie Hall. La clasificación fue para mayores de edad, a pesar de no tener escenas de sexo. Para el guionista y director esta historia era posible en Nueva York, ciudad ícono del arte y cultura. Los personajes deambulan en espacios públicos y privados, los vemos en el bar, el museo, la casa de él, viven la vida como una pareja comprometida. Sin embargo, existe el conflicto,
donde vemos que el hombre no toma en serio la relación, ya que Tracy es bombardeada constantemente con comentarios acerca de su desconocimiento de las relaciones, del amor, de la vida. Sin embargo, vemos una Tracy madura, pues, ella le declara su amor en algún momento de necesidad. En la parte cómica, incluso ella le da mejores opiniones acerca de la vida. Disfrutamos con la actuación de Mariel Hemingway, encontramos su dulzura adolescente y adultez madura. Vemos con claridad la transición del personaje a una madurez, que quizás Isaac,
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encarnado en Woody Allen, no Siempre en una película de alcanza, sino hacia el final. Allen, es fascinante ver las calles, o los sitios famosos de las Por otra parte, en los múlti- ciudades dónde filma. Quizás, ples trabajos del director, se ha sus mismos trabajos fílmicos le tomado a varias ciudades cómo den más importancia a espacios marcos emblemáticos, y quizás, que carecían de ella. cómo personajes para sus historias. Desde Annie Hall exploró La película abre hablando de Nueva York y Los Ángeles, pa- una ciudad harto amada y comsando infinidad de veces por la pleja. Mencionando algunos de primera. los problemas de una ciudad como esta, abierta al tránsito Pero recordemos París, Roma, de la gente, los que van de paso, Barcelona, etc. Las ciudades han los que se quedan, una ciudad tomado papeles importantes en puerto. Enriquecida a la vez que sus narraciones. No sólo sirven corrompida por el crimen o la para contextualizar, son actores individualización: gente que se activos de cada historia. A veces, genera problemas para vivir. Sin son el pretexto para enamorarse embargo, a pesar de todo lo que o desencontrarse con la gente. adolece en general, hay gente Por ejemplo, Nueva York acom- que salva a la ciudad con fe. paña a Mary y a Isaac en el Puente de Queensboro, en dónde se Tracy: “Not everybody gets copodría decir que esta escena es rrupted. You’ve got to have faith in la culminación de la atracción. people”. La toma que vemos es la única filmada. La banca no existía en Durante toda la película se ese lugar, fue puesta a pedido quisiera tener un cuadernillo de la producción. Se filma en el para anotar las ideas de los peramanecer. Es quizás una de las sonajes, algunas de ellas podrían más emblemáticas escenas en la aplicarse en la vida diaria. Tienen gran manzana. incluso una vigencia hilarante. Manhattan tiene ese humor que
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caracteriza a este director, guionista, actor, productor, etc. El humor de sus neuróticos, indecisos o extravagantes personajes es una de las apreciadas características. Sin duda, Manhattan es una película que se puede ver varias veces sin sentir cansancio o hartazgo. Siempre encontraremos una nueva frase que hará eco en nuestra vida, aun si la vimos hace diez años o el año pasado.
FICHA TÉCNICA Título: Manhattan Dirección: Woddy Allen Guión: Woddy Allen, Marshall Brickman Elenco: Woody Allen, Diane Keaton, Mariel Hemingway, Michael Murphy, Meryl Streep Música: George Gershwin Fotografía: Gordon Willis Distribuida: United Artists Fecha: Abril de 1979 Duración: 96 minutos País: Estados Unidos Lenguaje: Inglés
EN CARTELERA
Por Alma Ricardo
STAR WARS: EL DESPERTAR DE LA FUERZA “L a esperanza no está perdida, la hemos encontrado…”, es más o menos la traducción de una de las frases de los tráiles con los que se promociona la nueva película de Star Wars. Treinta años han pasado Luke Skywalker intentara restablecer el orden en la galaxia, además Leia y Han Solo trabajan con la Nueva República en contra de los restos del Imperio, sin embargo un nuevo personaje está decidido a terminar lo que Darth Vader inició, para combatirlo La fuerza volverá a despertar. Es la primera vez que J.J. Abrams dirige una película de STAR WARS, pero su trabajo como director se puede apreciar en películas como Misión: Imposible - Protocolo Fantasma y Star Trek: en la oscuridad Título original: Star Wars. Episode VII: The Force Awakens aka Año: 2015 Duración: 136 min. País: Estados Unidos Director: J.J. Abrams
STEVE JOBS
U na de las mente más revolucionarias del planeta, que se propuso acercar a muchos la tecnología, pero como
cualquier mene brillante fue un poco obstinada, tuvo que luchar contra él y contra los que no creían que su sueño sería productivo. Un hombre que creó una empresa en un garaje y que al estar en la cumbre fue derrumbado por los que creía sus amigos. Steve Jobs (Michael Fassbender) es una biopic que se centra época en la que lanzó los tres productos icónicos de Apple. La película también cuenta con las actuaciones de Kate Winslet y Seth Rogen.
Título original: Steve Jobs Año: 2015 Duración: 121 min. País: Estados Unidos Director: Danny Boyle
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EN CARTELERA SNOOPY Y CHARLIE BROWN: PEANUTS LA PELÍCULA
C harlie Brown y su perro Snoopy tienen una gran relación, éste último siempre ayuda a su amigo para que sea un mejor niño, aunque no siempre lo logra; en esta ocasión una niña nueva ha llegado a la escuela y Charlie Brown cae perdidamente enamorado de ella. El problema es su gran timidez, pero no hay de qué preocuparse ya que Snoopy lo ayudará a que se acerque a ella. Película basada en los cómics de Charles Schulz: Peanuts, en la cinta podremos ver a todos los personajes del cómic original.
Título original: Snoopy and Charlie Brown: The Peanuts Movie aka Año: 2015 Duración: 93 min. País: Estados Unidos Director: Steve Martino
SOY INOCENTE La familia nos ayuda a formarnos para que después seamos
parte de la sociedad. En la familia se nos enseñan toda clase de valores, se le apoya en las buenas y en las malas y muchas veces es el ejemplo a seguir para la profesión que cada uno adquiere, pero todas las familias son diferentes. La película está basada en la historia real de la familia Pucio, que en la década de los años 80 secuestraron y mataron gente en Argentina. Arquímedes era la cabeza de la familia y también el que se encargaba de planificar todas las operaciones de ese clan, los hijos tenían conocimiento de las atrocidades que ocurrían en casa, así que el crimen era un negocio de familia. Título original: El Clan Año: 2015 Duración: 110 min. País: Argentina Director: Pablo Trapero Guión: Pablo Trapero
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