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Editorial
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enospreciado por muchos, consu-
Contenido El cine es poesía Cita de sangre 2
mido por otro, el cine gore sigue siendo un género que se produce por toneladas, en todos los países todos los años. Algu-
Tesoros fílmicos Good night mommy 6
nas películas son producciones bien planeadas, con guiones perfectamente estructurados e historias escalofriantes por
La mente maestra 2000 maniacos 10
la temática que retratan. Otras son sola-
La caja de Pandora Nekromantik 15
mente un burdo pretexto para mostrar un montón de sangre y tripas sin sentido. Mas todas ellas siguen reflejando una parte intrínseca de la personalidad
Para conocer Stacy 18
humana, esa parte oscura que la mayoría se esfuerza por ocultar.
Había una vez Bad Taste 22
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
En portada: Good night mommy
Super 8 Número 83 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Frida Pined . Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Diciembre 2016
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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EL CINE ES... POESÍA
Cita de sangre
Una película gore con buen gusto Por Jorge Alonso Espíritu
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esde el punto de vista de quien escribe, una de las primeras consideraciones para disfrutar una película es si es de aquellas con una premisa o tratamiento que da un paso a un lado de lo que estamos habituados a ver (recientemente Un cadáver para sobrevivir me causó esa impresión de novedad) o, si por el contrario, nos encontraremos una película hecha con un formulario,
que transita caminos conocidos. Esta separación es peligrosa, pero no insalvable. Y sin embargo es uno de los motivos por los que géneros como el terror tienen tan mala crítica. Cita de sangre, The loved ones, es una cinta que se inscribe en la segunda categoría, pero a pesar de los múltiples lugares comunes sale avante como una película fresca que deja un buen sabor de boca, cosa difícil de por sí cuando de gore se trata. Los bailes de graduación en los colegios anglosajones y las disputas de adolescentes que ellos provocan han sido motivo de innumerables churros.
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Aquí el inicio es el mismo. la tristeza de haber conducido el Brent es un chico que vive con auto durante el accidente en que murió su padre. Aislado, en un masoquismo que tranquiliza y al mismo tiempo ahonda el dolor y la culpa, se convierte en un solitario cuya única compañía capaz de brindarle descanso y confianza es su novia, Holly.
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Por ello, días antes del baile de g r ad u ac i ó n rechaza la invitación de Lola, una adolescente tímida cuya presencia en el instituto parece ser me r a me nte anecdótica. Brent no lo sabe, pero
decir que no tendrá un costo alto: ofendida por el rechazo, Lola planeará una venganza sádica en complicidad con su padre, secuestrando y torturando a Brent hasta desecharlo. Hasta aquí llega la premisa. ¿Qué es lo que hace disfrutable a Cita de sangre? Lo primero que se hace evidente es el uso de la música. La banda sonora se construye y reproduce de forma tan efectiva que parece obvia. Las melodías muestran un mundo adolescente con todo lo que ello implica; del pop al metal, nos sumergimos en un mundo acelerado, desordenado y poco coherente, y sin embargo entrañable. Las canciones son el marco perfecto del suspenso que se sostiene a lo largo de la cinta. El otro gran logro de The loved ones es, justamente, el ritmo. Desde la introducción hasta el final, cada elemento suma y sostiene la trama. Medidas a la perfección, las escenas sólo pudieron ser montadas por alguien que ve con pasión de aficionado al cine llamado de arte tanto como el comercial, y que respeta tanto el último como el primero. Gracias a lo anterior, el sufrimiento de Brent es sentido por
el espectador, pero no se convierte en una tortura para éste. La locura de los antagonistas y la angustia de los buenos es convincente. Lola se convierte de forma discreta en una de las villanas mejor logradas del cine de terror reciente.
Ante el despliegue de buen gusto (para el mal gusto), sólo hace falta algo, y Cita de sangre lo consigue: tener un metraje adecuado. Apenas pasando la hora con veinte minutos la historia concluye según las fórmulas del cuento clásico.
Es raro, pero el conjunto de lo mencionado provoca la rareza de salir de la sala de cine –o de la sala de la casa, donde está el televisor- con una sonrisa, después de observar tanta demencia, sin el absurdo de que, como se suele pretender a menudo, los buenos intenten ser pasados por malos y los malos por buenos.
FICHA TÉCNICA Ficha técnica: Título original: The Loved Ones Año: 2009 Duración: 84 min. País: Australia Director: Sean Byrne Guión: Sean Byrne Música: Ollie Olsen Fotografía: Simon Chapman Reparto: Xavier Samuel, Robin McLeavy, Victoria Thaine, Jessica McNamee, Richard Wilson,
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ditora: El siguiente número de Súper será de cine gore. ¿Quieres escribir de Good Night Mommy? Yo: Esa película no es cine gore, de hecho tengo problemas con llamar a eso un género cinematográfico. Editora: Bueno voy a incluir esa película. ¿Quieres escribir de
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TESOROS FÍLMICOS
Por @AMAURY1984 ella, o lo hago yo y la destrozo?. Yo: Ok… Heme aquí escribiendo algunas líneas de lo que considero el nuevo cine de suspenso, lo que me gusta considerar una vertiente del cine independiente. Verán, es bien conocido que hasta hace algunos años los realizadores con poco presupuesto, pero mucha actitud se dedicaban
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primordialmente al drama, al documental, o de manera mas escasa a la comedia. Pero esto cambió en gran medida gracias al avance de la tecnología que ahora permite a los realizadores pulir su trabajo, entregar objetos mucho mas detallados e inclusive con muy buenos efectos especiales.
industria, hizo equipo con la veterana del cine austriaco que recordamos por películas como Dog Days o su trilogía Paradise, aclamada en Venecia y Cannes. El objetivo del boceto que tenían era ingresar en un género en el cual ninguno tenía experiencia. En Good El trabajo de los realizadores Night Mommy (ich seh austriacos Severin Fiala ich seh) Fiala y Franz se y Veronika Franz ha sido acercan al género desde primordialmente independiente. el thriller psicológico. Un Severin, un novato de la modo narrativo que tuvo
su boom en los 90, y que ahora es considerado por muchos
como predecible. Bien escrito (como creo que es en este caso) funciona perfectamente para mantener el suspenso a lo largo de un película. Mal empleado puede llevar a un proyecto a ser tedioso frente a la audiencia. Usualmente un guión bien construido se basa en remover u ocultar datos relevantes de la historia.
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Por medio de un inocente paseo por el campo conocemos a Lukas y Elias, gemelos de cabellos dorados dignos de comercial. A su regreso al hogar se encuentran con que mamá ya ha regresado de su convalecencia médica, sin embargo algo la hace ajena a su entorno y a sus hijos.
Es fría y desprovista de un rostro: herramienta fundamental de comunicación entre los humanos. Mamá suele trabajar de modelo, por eso decidió someterse a una cirugía cosmética, pero su contacto se limita a tratar con Elias. Algo muy malo debió hacer el joven Lukas. Pronto el estéril trato se acompaña de una disciplina exagerada. De un deseo por mantener y controlar a los muchachos al borde de inducir terror en los niños. Así no solía ser Mamá, ha cambiado, o la han cambiado. El rostro es la ventana del alma para algunos, suele ser también la cambiante máscara que nos defiende de los peligros que involucran convivir con más humanos. Después de todo, podría ser el cuerpo de Mamá con otras intenciones o mamá desprovista de su personalidad. Ya no es lo que era y no ha cambiado para bien. Así pues ich seh ich seh nos envuelve en un thriller de cambios, de deformaciones de la personalidad que se ven impulsados por mínimas modificaciones. Aquí no hay nada místico, no existe estridencia ni hay nada oculto en las sombras. Lo que da más miedo en la sociedad actual es lo que guardan dentro nuestros similares; no conocemos sus intenciones para con los demás.
Directamente de los expedientes Warren
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LA MENTE MAESTRA
2000 maniacos el gore en nuestras vidas.
Por Manuel Pineda “It means this centennial is a centennial of blood vengeance! It means… It means we’re here to be killed!” Tom White – Two Thousand maniacs!
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ablar de cine gore o del subgénero gore es adentrarnos a un tema delicado, no por su naturaleza controversial; sino por la época en la que vivimos donde se trata de especificar o etiquetar lo que sea. Descubrimos que el gore no es terror ni horror, tampoco
es comedia o thriller, más bien es un compuesto de varios géneros y subgéneros, convirtiéndolo en la etiqueta de la etiqueta. Tal vez para definir al gore, tendríamos que ver la característica principal que consiste en lo gráfico de la violencia, lo sangriento, lo biológico, lo orgánico, lo explícito. Si el género es visual, entonces vivimos en una sociedad que sea ha vuelto gore en todo lo que consume a través de la mirada. Esto se ve reflejado en lo que ilustra a los medios, desde noticias diarias sobre ejecuciones, accidentes, y homicidios. También en lo
que presenciamos en nuestra vida cotidiana: atropellados, descalabrados, aventados, acuchillados, entamalados, quemados y asesinados. Diariamente nuestro cerebro se expone a una cantidad incalculable de violencia gráfica. Y por supuesto hasta en películas que no son pertenecientes al género podemos mirar escenas explicitas de violencia rallando en la vulgaridad e incongruencia. Lo que presenciamos ahí es una extensión de un género cinematográfico que se ha reconocido levemente en festivales o
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no tan reconocidos por el público especializado, aunque tenga una base extensa de seguidores o espectadores. El género tiene su origen desde el teatro francés Grand Guiñol que hacia representaciones de mutilaciones y matanzas, evolucionando a través de la cinematografía con algunas escenas que presentabas desmembramientos de algunos personajes, obviamente con ingeniosos efectos especiales que fueron una gran novedad. Sin embargo a partir de los años 20 se creó el código Hays para censurar las películas ya que promovían la obscenidad. La censura duró casi 50 años. Oficialmente no se producían este tipo de películas, sin embargo encontraron un nido en las producciones de bajo presupuesto, conocido como cine “B”, por lo tanto no se le dio mucha importancia ya que
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no eran distribuidas masivamente. Por supuesto fuera del territorio estadounidense era otra historia.
eróticas y de explotación humana. Gordon era un cineasta al que le gustaba explorar la naturaleza de los fenómenos sociales que se consideraban tabú, aunque en la Uno de los principales expo- actualidad ya no lo sean. sitores, y que por varios años se creyó que por él se llamaba así La principal obra cinematoel género, era Herschell Gordon gráfica que lo llevó a la fama fue Lewis. Un director estadouni- Blood Feast, en 1963. Donde un dense que se había hecho famo- pueblo lleva a cabo un ritual en so con películas que presentaban el que deben comerse a una mudesnudos explícitos de féminas jer virgen. El éxito la llevó a estar bien proporcionadas, muchas de años en auto cinemas. Inclusive estas creaciones pertenecían a la en el año 2002 se hizo la segunpornografía suave. Gordon deci- da parte: Blood Feast 2 All U Can dió incursionar con obras visual- Eat. mente violentas y sangrientas ya que sus películas anteriores La segunda película gore empezaron a perder audiencia, que realizó Gordon fue Dos Mil sobre todo ingresos monetarios. Maniacos (Two Thousand Maniacs!), está tuvo su refrito en el A Gordon se le llegó a llamar año 2005 titulada 2001 Maniacs! como el padrino del gore, sin embargo no sólo hizo películas de Dos Mil Maniacos es una pelíesta clase o de desnudos, también cula de 1964, desarrollándose en realizó producciones con temática un pueblo sureño que festejara infantil, de delincuencia juvenil, su centenario de la manera más
peculiar: asesinando, mutilando y comiéndose a seis estadounidenses norteños como venganza. Ya que en la guerra civil los norteños arrasaron con el pueblo nombrado Pleasant Valley. La historia se basa en el musical Brigadoon de Lerner y Loewe, de 1947, que ha tenido diversas adaptaciones a televisión y cine. Aunque por supuesto sólo el argumento de 2000 maniacos se basa en la historia de un pueblo que aparece cada 100 años.
tenía experiencia en la filmación aunque con escasos conocimientos técnicos, el bajo presupuesto se veía en cada escena y el poco cuidado en algunos detalles de producción, como la sombra del Es una película de micrófono y del camarógrafo. bajísimo presupuesto, aproximadamente 65 Otro de los detalles era el remil dólares, con acto- parto que utilizaba: actrices y acres de segunda y unos tores poco conocidos en el cual efectos especiales que las mujeres destacaban por ser en la actualidad son muy vistosas y los hombres con risibles. Sin embargo los típicos estereotipos de gañan, era una afrenta al cine de ese mo- ñoño, y el de héroe. Lo curioso, mento junto al código de censura de entre muchas cosas, es saber estadounidense, que descartaba que la película se filmó en 15 cualquier escena con violencia días. explícita. Por supuesto, Gordon
El reparto destaca por su representación del pueblo sureño, donde según la perspectiva del director son unos salvajes, conservadores, machistas, mal educados y poco beneficiados en la belleza con su peculiar acento. Desconozco si realmente son así los sureños en la actualidad o en ese tiempo, pero según la visión de otros creadores de contenido no se alejan de la versión presentada por Gordon. Tal vez sea cierto ya que estos estados le dieron la victoria al nuevo presidente de los vecinos del norte. Los personajes del pueblo terminan siendo odiosos para el espectador, creando una sensación de repugnancia hacia ellos y sus canciones folclóricas que describen la matanza del pueblo cien años atrás, algo que al parecer nunca escucharon los protagonistas de la película. A lo mejor si hubieran puesto atención, se habrían ahorrado el terror que pasaron en el centenario de Pleasant Valley. Por cierto, una de las primeras escenas de la película se centra en un grupo de infantes liderados por un jovencito de 10 años con cabello rubio. El grupo trae un gato negro, por supuesto los niños no van a acariciarlo o amarlo, simplemente se van a divertir con él como un reflejo de los adultos: van a
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colgar al gato. Esto es interesante (aparte de indignante) ya que es una apología a la violencia, los niños aprenden del adulto, lo imitan, lo recrean. Es curioso ver como en una película que tiene la finalidad de entretener y de mostrar violencia sin sentido, nos entrega una perspectiva única del director, como mirar dentro de su mente. Algún analista puritano del cine diría que su cine
es vacío y artificial, basura pues. Sin embargo, Gordon hacía una sutil crítica disfrazada por la violencia gráfica de sus películas. Es interesante entender porque el “héroe” es un maestro de escuela que se dirige a un congreso magisterial en Atlanta, ver a una mujer joven y guapa manejando solitariamente sobre una carretera y que sube a un desconocido a su automóvil para ayudarlo. O el típico grupo de amigos que van a Florida para pasarla bien, donde se puede visualizar la famosa revolución sexual de los adolescentes, aunque los actores no parezcan de esa etapa de la juventud. Pareciera que el desarrollo de estos personajes responde a fórmulas tradicionales de cine, sin embargo existe un trasfondo de lo que hacía
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Gordon en sus trabajos. Él trabajaba con gente diversa, sin prejuicios. Además, siendo común en estas producciones, Gordon hacía de editor, guionista, cinefotógrafo y compositor musical. Este tipo de películas son una joya por el hecho de existir con tantas adversidades. El gore tiene un padrino, y ese es Herschell Gordon Lewis quien falleció en este año, dejando un legado de cine barato, abriendo las puertas para que otros cineastas se adentraran al gore como el gran George A. Romero. El gore será un género minimizado, pero todos los cineastas hacen uso de él, todo el tiempo lo estamos consumiendo. Algunos hacen un buen uso de la sangre artificial, otros son unos palurdos que hacen uso de la sangre digital, al final la necesidad de mostrar sangre excesivamente explicita permanece latente.
LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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urante el Festival de Cannes realizado este año, se exhibió una película que ha desatado polémica aún antes de su estreno en salas comerciales: Raw, de Julia Ducournau, con Garance Marillier, Ella Rumpf, y Rabah Nait Oufella, como personajes principales. Aun sin contar con un tráiler oficial y con muy poca
información circulando acerca de ella, Raw se convirtió en uno de los filmes más esperados, sobre todo por aquellos amantes de la sangre y las tripas. Con la leyenda de “Película de canibalismo causa desmayos en el Festival de Toronto”, la cinta se hizo acreedora a un
número de morbosos seguidores que comenzaron a buscar inmediatamente información al respecto. Pronto se ventiló la sinopsis y se pudieron ver en internet trocitos de película que en realidad no parecen tan impresionantes como los describían. Sin embargo, el trabajo mediático
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estaba hecho. Y fue tan efectivo que durante su presentación en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia los organizadores tuvieron que abrir horarios extra para su presentación y con todo era prácticamente imposible conseguir boletos, pese a que las funciones se presentaban a las 11 pm en lunes y martes. La trama de la cinta presenta la historia de una chica que por un motivo específico se trasforma de vegana a caníbal, al mismo tiempo que empieza a experimentar con su sexualidad. Sí, nada nuevo presenta este argumento, menos aún cuando uno puede mirar hacia atrás y darse cuenta que cuando la directora de Raw era apenas una pequeñuela con coletas, se mostraba en salas de cine Nekromantik, del director alemán Jörg Buttgereit,
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quien en sólo 75 minutos logró revolver el estomago de sus espectadores presentando un filme verdaderamente grotesco y novedoso, incluso para aquella época, en la que los filmes prohibidos se rodaban por montón.
y que al mismo tiempo esconde una muy oscura afición por hurtar pedazos de éstos para su pequeña colección, la cual comparte con su igualmente extravagante novia, Betty. Un buen día se le presenta la oportunidad de llevarse a casa un cuerpo completo, y es entonces que él y Betty comienzan un idilio amoroso con e cadáver. Mas pronto las cosas empiezan a ir mal para Rob, pues es despedido de su empleo. Al ver la crisis, Betty huye con el cuerpo del amante muerto, dejando a Rob en un estado de depresión que lo lleva a la autodestrucción.
Con un presupuesto de tres pesos (porque la calidad no parece de más), Buttgereit mostró al mundo una serie de temas considerados tabú hasta el día de hoy. Es verdad que el director añadió un par de escenas de maltrato animal que parecen sobradas y absurdas, y de las cuales pudo prescindir, pues no afectan en absoluto la trama; sin embargo la película cuenta con un excelente El estreno de Nekromantik guión y actuaciones creíbles. generó toda una oleada de críticas en contra, se prohibió en El filme narra la historia de prácticamente todos los países Rob Schmadtke, un joven ex- e incluso se sometió a un juicio trovertido que trabaja recogien- para lograr su exhibición. Pero do cadáveres de las carreteras, como siempre, no existe mejor
promoción que la prohibición para generar expectativa y atraer al público ávido de lo diferente, (o de lo que nos hacen creer es diferente). Aunque a esta película realmente le fue mal, no sólo con las exhibiciones; sino también con la recepción del público y la aceptación de la crítica. Para empezar se habló mucho de las múltiples referencias de la cinta con otra película prohibida de los años 70: El imperio de los sentidos de Nagisa Oshima, de igual manera fue censurada y catalogada como basura. Mas ello no demerita el trabajo de Buttgereit, quien con escasos recursos fue capaz de configurar un sangriento drama que explora la interioridad del ser humano y sus más perversos deseos, al tiempo que desata una serie de reflexiones acerca de lo normal, lo prohibido y lo mórbido. Todavía el día de hoy muchos de aquellos que glorifican el trabajo de Tarantino, con todo y sus refritos argumentales y sus litros de sangre, describen este filme como “amateur”, “violencia gratuita” o “de mal gusto”, dejando de lado todo el contexto
que envolvía a la generación de Buttgereit, que buscaba generar asco y repulsión a través del cine, como medio de protesta. Y mientras que los filmes de directores como el antes mencionado son catalogados como artísticos, Nekromantik sigue siendo criticada por su sadismo. Se ha dejado de lado la originalidad argumental para vituperar la falta de presupuesto de la producción. Asimismo, la fotografía de Uwe Bohrer, que desde luego también ha sido juzgada como pésima, contribuye a crear una atmósfera sofocante para el espectador, con la cual el director completa perfectamente el cuadro psicológico de los personajes, aunque para ello también se sirve de diminutas referencias a lo largo del metraje, como el documental que Rob observa. Definitivamente Nekromantik es una película polémica, desagradable visualmente y, claro,
violenta hasta rayar en lo exagerado y lo grotesco, mas nunca pierde su línea. Presenta una historia completa, circular, en la que los protagonistas se hunden lentamente en sus propias pasiones, deseos, filias, fobias y secretos compartidos. Desde luego este filme no inauguró el género, pero tampoco se puede negar su trascendencia y su valor como parte de la cinematografía mundial, y claro del gore. Y aunque en su época estuvo más prohibida que la marihuana, hoy en día se puede disfrutar (si eso es posible) de forma gratuita a través de internet. FICHA TÉCNICA Título: Nekromantik Director: Jörg Buttgereit Guión: Jörg Buttgereit Fotografía: Uwe Bohrer Música: Hermann Kopp, Daktari Lorenz, John Boy Walton Reparto: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lunt Año: 1987 País: Alemania Duración: 75 min.
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Las muñecas y el gore
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irar cine gore no es para cualquier persona, a pesar de que estamos acostumbrados a las imágenes excesivamente gráficas que encontramos en cualquier lado. Los espectadores amantes del género, encontramos gratificante ver las nuevas opciones que hay en el mercado para ver películas aunque muchas tengan argumentos ridículos como pretexto para mostrar una explosión de sangre. Sin embargo, para el público en general y para el especializado, el gore es el patito feo del cine. Pocos son los que reconocen oficialmente al gore como un género, la mayoría lo clasifica como subgénero. Son escazas las películas que llegan a tener un reconocimiento por parte de los críticos y analistas del cine, además los directores de cine reconocidos que llegan a usar el gore, necesitan disimularlo con una buena trama, también ha existido algún director que inició su carrera con
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ese género y se convirtió en un lencia sin justificación y aun así maestro del cine gracias a él. es celebrado como un genio). En el segundo supuesto hablaEn el primer supuesto encon- mos de Peter Jackson quien initramos a Neil Blomkamp quien ció con Bad Taste (1987) y lo usó muertes explosivamente retomó con Braindead (1992). sangrientas en su opera prima También está George A. RomeDistrito 9 (2009), Martin Scor- ro, quien logró darle un recosese en The Departed (2006) y nocimiento indirecto al género Tarantino en cualquiera de sus con su famosa Night of the Living últimas películas (quien usa vio- Dead (1968), Sam Raimi con la
PARA CONOCER
Por Manuel Pineda trilogía The Evil Dead y por supuesto David Cronenberg quien ha sido muy gráfico en diferentes escenas de varias de sus películas.
dentro de sus filmografías, y de muchos más que han hecho cinematografía cien por ciento gore aunque tengan que invertir su propio dinero por el poco apoyo de los grandes productoPodemos hablar de un sin- res, extrañamente han encontrafín de ejemplos de directores do apoyo de músicos rockeros que han coqueteado con el gore y metaleros como si fueran los
compositores del soundtrack del género. Pareciera que este tipo de películas es muy limitado, sin embargo se han producido muchas de ellas, no sólo en Estados Unidos sino también en Francia, Italia, Cuba, España, Alemania, Canadá, Indonesia y por supuesto Japón. Japón ha sido un gran productor de cine gore y sus variantes con clásicos como Ichi the Killer, Tokyo Gore Police, Naked Blood, The Suicide Club, Grotesque, Cold Fish, etcétera. Películas que van de presupuestos altos hasta muy bajos, pero que han tenido un gran número de aficionados, tanto japoneses como extranjeros. Obras que reflejan no sólo a la sociedad japonesa sino también a
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la occidental que se ha ido acostumbrando a lo explícitamente gráfico. Y por supuesto hay más películas que ya no son tan clásicas como Junk, Meatball Machine, Dead Sushi, The Big Tits Zombie, y de la que hablaré en este momento: Stacy, estrenada en el 2001.
las escenas explicitas; sino porque era indignante ver como los hombres disparaban y mutilaban a las adolescentes. En ese momento sentí que era una película extremadamente misógina, a pesar de haber visto otro tipo de películas repulsivas como Holocausto Caníbal, Perro Mundo y el recopilado de videos de asesinaStacy trata sobre un fenómeno tos, suicidios y ejecuciones, que mundial que azota a la sociedad: habíamos comprado un amigo y las adolescentes empiezan a mo- yo en el barrio bravo de Tepito. rir cuando cumplen los dieciséis años de edad; sin embargo reTuvieron que pasar algunos sucitan en zombis para devorar años para que la volviera a ver, a sus familiares. La ONU decide seguí sintiendo repugnancia crear e instalar grupos de exter- pero al menos pude terminar de minadores, por todo el mundo, verla y ahora que la he visto por para acabar con la plaga de ado- tercera vez, con un criterio más lescentes zombis a las que se les amplio, una nueva objetividad denomina Stacy. que se ha ido forjando en los últimos años y sobre todo una senLa primera vez que vi esta sibilidad mayor, o eso digo. Me película, sinceramente me re- he dado cuenta que juzgué rápisultó repugnante pero no por damente a la película y pasé por
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desapercibido algunas referencias a otras películas y cineastas, con un evidente toque japonés. Las adolescentes mueren, el factor sexual ha pasado a las mujeres mayores, los niños han dejado de nacer, los hombres tienen que matar a sus novias, hijas y nietas, los pocos infantes que quedan inventan historias fantásticas sobre la transformación de las “Stacy”. Las adolescentes que van a llegar a los dieciséis años ahorran para que puedan pagar al símbolo sexual masculino que les gusta para rematarlas. Existen los grupos de exterminadores, en Japón está el más famoso que se nombra “rematadores Romero” (en honor al director George A. Romero). Y en televisión anuncian los nuevos modelos de motosierras para que puedas matar y despedazar a tu Stacy, que curiosamente se
llama Blues Campbell’s Right Hand 2 (en honor al actor Bruce Campbell de la saga The Evil Dead). La película tiene una clara influencia del horror y gore estadounidense. Conforme avanza la película, idealizan la muerte de las adolescentes con un polvo de hadas post mortem, que trata de suavizar el hecho violento de su mutilación. También se habla del amor eterno en la muerte y los deseos de morir a manos de él. Todo esto es un reflejo de la sociedad japonesa que cuenta con un problema social, o al menos es lo que yo percibo teniendo en cuenta que nuestra sociedad también tiene serios problemas. La película está basada en una obra del autor japonés Kenji Ohtsuki, quien también es músico y ha musicalizado varios animes como Hellsing, Welcome to the N. H. K., entre otros, además una de sus canciones influyó en el diseño del personaje Rei Ayanami de la clásica Neon Genesis Evangelion.
El director de Stacy es Naoyuki Tomomatsu, un cineasta que ha tenido una carrera muy activa con películas de géneros mixtos donde combina al gore, la comedia, el horror, el terror y la ciencia ficción. En su filmografía podemos encontrar obras como Rape Zombie (1, 2 y 3), Erotibot, Zombie Self-Defense Force, Red Sword y Vampire Girl VS. Frankenstein Girl, entre otras. Sin duda su carrera es muy prolífica ya que tiene 40 películas en su filmografía además de tener crédito como guionista en otras obras cinematográficas.
Stacy es una obra peculiar, que necesita ser revisada varias veces sobre todo por la complejidad del contexto social en el que se desarrolla. No podemos criticar a una sociedad tan diferente de la nuestra, a pesar de que la globalización nos ha hecho creer que conocemos todo sobre los otros países. El gore es una herramienta cinematográfica que está presente en muchas películas, desafortunadamente se reconoce solamente cuando se encuentra explícito en una obra visualmente “artística” o visualmente “estética”. Pero cuando es proyectada en su versión primigenia, generalmente es rechazada y criticada visceralmente. Afortunadamente los brazos, cabezas, los intestinos parlanchines, la sangre, los cuerpos destripados, desmembrados, bueno pues la naturaleza humana, siempre estarán ahí, acechándonos.
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HABÍA UNA VEZ
Antes de El señor de los añillos Por Frida Pineda
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n Nueva Zelanda, el ministro envía a ‘’The Boys’’ al pueblo de Kaihoro con el objetivo de detener y eliminar a unos extraterrestres que asesinan a los habitantes del pueblo para convertirlos en comida rápida. Este es el argumento básico de Bad Taste película de 1987. La cinta está llena de idioteces, sesos volando por doquier y escenas exageradamente desagradables, lo cual te causa risa y asco, más si estás comiendo o aun peor si estás comiendo pancita. Vi esta película cuando tenía entre cuatro y siete años, sólo
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recordaba a unos extraterrestres con una actitud violenta y cómica en unas escenas asquerosas. Ahora que la volví a ver sigue siendo lo mismo, lo único que le agrego es que son idiotas, incoherentes y muy extraños. Algo de lo que siempre tuve duda era de qué estaba hecho el vómito turquesa que Frank se come en el filme, ahora sé que era yogur con cereales y frutos secos con colorante; la verdad no se ve muy apetitoso. Peter Jackson (mejor conocido como el director de la trilogía de El Señor de los Anillos) llevó la dirección de Bad Taste por cuatro años debido a que fue muy difícil filmarla; porque a veces el tiempo libre no coincidía con el de todos los participantes. No tenía nada de presupuesto así que él mismo terminó interpretando dos personajes (Derek y
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Robert), de hecho los actores eran amigos o vecinos de él. Peter recibió financiamiento de la New Zeland Film Commission para que se dedicara a terminar la película a tiempo completo. También se sabe que en realidad nunca hubo un guión para
la película, cada escena fue filmada por las ideas que le llagaban al director. La portada de Bad Taste muestra al líder extraterrestre haciendo la señal del dedo medio pero en los Estados Unidos
le adicionaron el dedo índice El equipo de la película tuvo para que pareciera que estaba varias dificultades y una de esas haciendo el símbolo de la paz, en es que el líder Alien, Doug Wren una sola palabra ‘’censura’’. falleció durante la post producción así que usaron un actor diCraig Smith (Giles) se casó ferente para su voz. y se divorció durante los cuatro años de la filmación de la pelícuLa película se comenzó a rola porque su esposa, que era de dar en el año de 1981 como un religión Cristiana, no lo dejaba cortometraje y con una historia trabajar los domingos así que él diferente, en vez de ser extrateprefirió divorciarse para seguir rrestres eran psicópatas caníbacon el proyecto, yo hubiese he- les, incluyendo a los chicos que cho lo mismo por un proyecto envía el gobierno, que querían tan bueno. comerse a Giles. Al comenzar a editar la película, Peter se dio
cuenta de que había 50 minutos de material utilizable. La cinta tuvo buena crítica e incluso fue nominada a mejor película por el Festival Fantasporto en 1990, y fue ganadora del Premio de la audiencia dentro del Fantafestival 1989. Y la verdad si la volvería a ver para dar unas buenas carcajadas y quejarme por los sesos volando.
FICHA TÉCNICA Director: Peter Jackson Producción: Peter Jackson Guión: Peter Jackson, Ken Hammon, Tony Hiles Música: Michelle Scullion, Jay Snowfield Fotografía: Peter Jackson Montaje: Peter Jackson, Jamie Selkirk Protagonistas: Peter Jackson, Terry Potter, Pete O’Herne, Mike Minett, Craig Smith, Doug Wren País: Nueva Zelanda Año: 1987 Duración: 91 minutos
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