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Editorial
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omo hemos sostenido en diferentes números de la revista, el cine es una herramienta mágica para conocer la realidad. Desde esta perspectiva muchos de nosotros construimos, en ocasiones, incluso nuestra opinión o postura en cuanto a un tópico general o particular. Sin embargo, muchas de las acciones que vemos en pantalla son poco menos que irreales y hasta cabrían en el estatus de «absurdas». Dentro del cine policiaco, por ejemplo, hemos visto en centenares de ocasiones cómo los héroes en turno resuelven los casos más complejos haciendo uso de su exquisita capacidad de deducción y un par de guantes para no ensuciar la escena del crimen; cuando en la realidad son muy pocos casos los que se persiguen y menos todavía los que logran resolverse de manera satisfactoria. Debido a ello es preciso recordar que todas estas películas son parte de una versátil industria que busca cautivar y entretener a su público antes que informarlo. Desde luego nunca está de más ver algún drama policiaco que nos mantenga tensos aunque sepamos de sobra que al final Brad Pitt, Christian Bale, Viggo Mortensen u otro muy atractivo policía atrapará al malo y restablecerá el orden público; pero no está de más recordar, al terminar de ver el filme, que la mayoría de estos personajes, aún si la película sostienen la leyenda «basada en hechos reales», no dejan de ser productos de la ficción y como tal debemos tomarlos.
En portada: Zodiac
Contenido El cine es poesía
Hell or High Water 2
Tesoros fílmicos Zodiac 6
La mente maestra Michael Mann 11
La caja de Pandora
Frozen Ground 15
Para conocer Seven 18
Había una vez Memorias de un asesino
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Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
Super 8 Número 87 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Frida Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Abril 2017
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
El oeste sigue en el mismo sitio
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EL CINE ES... POESÍA
Por Jorge Alonso Espíritu
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ás de cien años de cine, efectos visuales cada vez más cercanos a una realidad que por perfecta no es la realidad, historias vueltas a contar apoyadas por la tecnología más reciente, calidad superior en las cintas que brindan una experiencia más exacta en el audio y el video. Y efectos como juguetes en las butacas de la sala de cine. Pero los temas, los grandes temas siguen estando allí, cuestionando el ser mismo de las personas a través de narrativas arriesgadas o tradicionales, humorísticas o serias, en tonos fríos o cálidos.Uno de los grandes temas es, por supuesto, el de la justicia. Se trata,
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como todo aquello de lo que vale la pena hablar, de un tema filosófico que por extensión se vuelve cinematográfico. Del tratamiento que el director dé a la obra depende que el resultado sea una policiaca infumable, o un ensayo sobre lo humano. Kurosawa,
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Welles o Lang son ejemplos de conformarse con el cliché o, si expertos en lo último. el talento no falla, recordarnos que los clásicos lo son porque Por supuesto, los años no pa- vivimos las mismas emociones, san en vano. Las películas no en- porque los conflictos surgen en vejecen, pero las ideas, a veces el mismo lugar del hombre. Que parece, se engarrotan. Si todo las historias regresan a nosotros, está dicho, queda a los cineastas pero siempre de distinta forma, y que el cine existe en buena medida porque debe contar esas mismas historias con una diferente piel. El western, género por excelencia de la “americanidad”, tuvo su esplendor en la segunda mitad del siglo XX y llegó al XXI como material de las escuelas de cine una reliquia con poco lugar en el mundo moderno de superhéroes en los rascacielos. Construir una historia policiaca en el oeste es cuestión
decidirlo, pero de todas maneras sus representantes persiguen a los antihéroes intentando emboscarlos.
del cine histórico o de época pero, ¿podría contarse una historia actual con los tópicos de los clásicos del western? La respuesta de David Mackenzie es sí. Y seguro de que sí, nos lleva al salvaje oeste, devastado no ya por forajidos bandoleros, sino por la insaciable sed de los especuladores financieros que hundieron al sistema económico –o mejor dicho, a las personas comunes y corrientes que creyeron en ese sistema económico- dejando un
reguero de abandono, desolación y gigantescas deudas en la América libre. Víctimas de ese sistema, un par de hermanos deciden vengarse de los banqueros que, además, están a punto de quedarse con la granja familiar. Con el tiempo en las espaldas los hermanos recorrerán el oeste de Texas robando pequeños bancos en un plan maestro para salvar su patrimonio. En ese escenario, en el que los bandidos son los héroes, la justicia se torna algo difusa: ¿la ley está del lado correcto? Es difícil
Esta persecución lleva música de fondo. Y es una suerte que Mackenzie haya elegido al gran Nick Cave y a Warren Ellis para crearla. La banda sonora armoniza a la perfección con los paisajes, las actuaciones son perfectas para narrar las historias, la rabia, el egocentrismo blanco, la retórica del despojo y la resistencia de los habitantes originales del salvaje oeste (tema que resulta de una actualidad absoluta). Los ingredientes se mezclan para llevarnos a una reflexión repleta de crudeza. Uno sale del cine pesimista, lastimado, pero agradecido por la revisión a un género que demuestra que no está muerto. Enemigo de todos es, a todas luces y con todos los méritos, el western del siglo XXI.
FICHA TÉCNICA Título original: Hell or High Water Año: 2016 Duración: 102 min. País: Estados Unidos Director: David Mackenzie Guion: Taylor Sheridan Música: Nick Cave, Warren Ellis Fotografía: Giles Nuttgens Reparto: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey,
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TESOROS FÍLMICOS
Por @AMAURY1984
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uestra fascinación por las máquinas asesinas más siniestras de la civilización humana no tiene límites. Es bastante probable que la abuela de la familia, que se ha dedicado en cuerpo y alma a rezar rosarios niegue fanatismo por algunos de los asesinos seriales más cono-
cidos; pero si buscamos con sabiduría, seguro encontraremos alguna fascinación extraña hasta en esa cabecita blanca. Los asesinos seriales han y serán siempre íconos dignos de la narrar, sus acciones, por naturaleza, siempre cuentan con razones. Son para todo escritor un verdadero deleite. Uno de los más famosos asesinos seriales de los EEUU es el conocido Asesino del Zodiaco. Se sabe
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con certeza que cometió siete asesinatos comprobados, pero su víctima más importante durante su periodo de actividad fue la verdad; ahondaré en eso un poco más tarde, de momento permítanme platicar con ustedes de la película que llevó su mote como título: Zodiac.
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Se sabe a ciencia cierta que el asesino del Zodiaco estuvo en acción entre los años de 1968 y 1969. Por aquellos años el caricaturista estadounidense Robert
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Graysmith intentó resolver los misteriosos mensajes del asesino hasta el punto de convertirse en todo un Zodiaco-fílico, cuya obsesión lo llevó a escribir toda su
investigación del caso. Ésta llegó a los anaqueles de las librerías con el título Zodiac: The full story of the infamous unsolved murders in California. En 2004, cuando el
de Fincher para entregar una historia más enfocada en la historia de vida de Graysmith y los agentes encargados de la investigación que en una historia que se enfocara en la motivaciones o acciones del asesino.
caso tuvo nueva información, el realizador David Fincher decidió leer el trabajo de Graysmith. Fascinado por lo meticuloso del caricaturista Fincher le propuso a la Paramount llevar esta historia al cine. El guión quedó a cargo del escritor James Vanderbilt que trabajó bajo la supervisión
La historia pues inicia con Graysmith intentando acercarse al terreno de los reporteros que rápidamente desestiman su participación. El caricaturista decide emprender su propia línea de investigación que abarca desde los hechos hasta las cartas que el asesino hizo llegar a los periódicos, en específico a su lugar de trabajo, el San Francisco Chronicle. Material que logró ser publicado debido a las amenazas que incluía. Frustrado por no encontrar eco de sus investigaciones, Graysmith optó por acercarse a los investigadores policiales a cargo. Su conocimiento de los
casos del asesino del Zodiaco lo hizo muy cercano del policía David Toschi. Esta cercanía le permitió a Graysmith hacerse de detalles y evidencia importante del caso, lo que lo llevó a sospechar de un sujeto que respondía al nombre de Arthur Leigh Allen. En un careo con las autoridades el señor Allen, que respondía con frases cortas y confusas, fue descubierto con un reloj de mano que tenía un símbolo que los investigadores y Graysmith tenían muy bien ubicado: un pequeño círculo cruzado por dos líneas. Símbolo que pretendía ser la firma del asesino del Zodiaco. Lamentablemente para todos los implicados en la investigación, Allen fue detenido por abuso infantil y metido tres años a la cárcel. Esto aunado a la evidente diferencia entre la caligrafía del asesino del zodiaco y Allen llevó la línea de inve s t i g a c i ó n de Graysmith a ser desechada. La versión llevada a la gran pantalla por Fincher respeta ampliamente los hechos de la información
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biográfica de Graysmith, inclusive aborda la supuesta reunión que Graysmith tuvo con su asesino del zodiaco, Arthur Leigh. De manera sutil y sin viajar al futuro Fincher le deja ver a su protagonista, Robert Graysmith, que su teoría no caen bien de pie. Le deja ver que Allen no responde al posible nivel de intelecto que alguien necesitaría para crear
elaborados acertijos. Y es que años antes de que FIncher por fin presentará esta película, en 2007, Graysmith y su investigación sobre Allen sufrió dos estocadas mortales.
los timbres postales de la cartas recibidas en el San Diego Chronicle y otros periódicos californianos. También se comprobó que las huellas digitales obtenidas en el asesinato del taxista Paul Stine no coincidían con las Ya con Allen muerto se des- de Allen. Fincher no menciona cubrió que su perfil genético nada de esto en su versión pero simplemente no coincidía con nos deja ver el sutil mensaje que el obtenido en la saliva que pegó le deja a Graysmith interpretado por el actor Jake Gyllenhaal: te equivocaste y el asesino del zodiaco se te escapó.
FICHA TECNICA: ZODIAC (2007, 158 minutos) Dirigida por: David Fincher Guión de: James Vanderbilt Edición de: Angus Wall Protagonizada por: Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr, Mark Ruffalo, Brian Cox, Anthony Edwards.
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LA MENTE MAESTRA
MICHAEL MANN
El hombre del crimen Por Manuel Pineda
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a Cinematografía, sin duda alguna una de las ciencias y artes más bellos en nuestra sociedad. Crea realidades, influye políticamente, destruye universos, los reconstruye, satiriza personalidades, convierte a los villanos en héroes y a estos últimos en seres imperfectos. El cine es infinito.
Han pasado muchos años desde que empecé a mirar el cine. Desde pequeño ya era aficionado a la ciencia ficción y fantasía, en la pre-adolescencia pasé por el género policiaco junto al de asesinos seriales, en la adolescencia consumía el bélico, el de terror, el poético, y en la actualidad me reencuentro con las películas más representativas de las etapas mencionadas. Es maravilloso redescubrir las obras cinematográficas. El ser humano como un ente en movimiento es un milagro de
evolución, que a pesar de resistirse al cambio lo hace aunque sea de forma mínima. Así que cuando alguien mira una película que observó diez años atrás, encuentra nuevos detalles o significados que pueden sorprender al más experto en la materia cinematográfica (de hecho esto aplica en todas las materias). Por eso es importante hacer una retrospectiva sobre todo lo que nos rodea y producimos. Conocer el cine no sólo es mirar una película, es entender a los productores, a los directores, guionistas, la elección de los actores, el diseño de producción, los estilos, las locaciones, leer los libros o investigar los hechos en los que se basan algunos filmes, las referencias, es adentrarte a todo lo que representa. Sin duda alguna puedo afirmar que para ser un verdadero cinéfilo uno tiene que investigar, leer, mirar, escuchar, aprender y si se puede crear al cine.
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Por eso busco ese reencuentro, mirar las películas del pasado sin descuidar los estrenos. Es difícil tarea pero no imposible. Entre toda esta verborrea junto a ese redescubrimiento he conocido personalidades muy importantes e incluso he valorado a directores y actores que habían pasado desapercibidos o que había prejuzgado. En esta nueva etapa conocí a un director de cine que ha influido en la producción audiovisual contemporánea con un discurso fuerte, profundo, real, que no trata de complacer al público especializado y que puede hacer una película estéticamente bella hasta un producto digno de los estándares comerciales del cine hollywoodense. Así es queridos lectores, estoy hablando del estadounidense Michael Mann. Pero ustedes se
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preguntaran ¿quien es ese individuo? Pues é ha sido uno de los directores de cine más influyentes sin que se mencione su nombre constantemente. Michael Mann es un cineasta, guionista, productor de televisión y cine. Entre sus obras más destacadas se encuentran series televisivas como Miami Vice, Starsky and Hutch y Vega$, en el apartado de películas ha dirigido Thief, Manhunter, The Last of Mohicans, Heat, Public Enemies, Collateral, además de producir The Aviator dirigida por Martin Scorserse y The Kingdom por Peter Berg. Para esta ocasión especial (todos los números de Súper 8 son únicos porque es una prueba documental del milagro de la creación literaria) hablaremos de dos películas específicas de este maestro del cine: Heat y Public Enemies. La elección de dichas obras tiene dos justificaciones, la primera es por la temática para este número de la revista
y la segunda por la peculiar introducción de este texto sobre el reencuentro con las creaciones del pasado. En el año 2009 me encontraba estudiando en la universidad, cuando vi en la pantalla grande la película Public Enemies. Una obra que había llamado mi atención por la presencia en uno de los protagónicos de uno de los actores mas importantes en los últimos años: Christian Bale. La película trata sobre el ladrón de bancos John Dillinger, interpretado por Johnny Depp, y la caza que ejerció la oficina regional del FBI en Chicago liderada por el agente Melvin Purvis (Bale). En ese tiempo sólo prevaleció dentro de mi cabeza la buena actuación de los protagónicos, a pesar de que Johnny ya había iniciado su debacle en la actuación y Bale se sigue manteniendo gracias a su metodología de actuación. Otro detalle que había preservado era una calidad de imagen con mucho ruido durante las escenas nocturnas y el peculiar movimiento de la cámara de cine. Por supuesto que por mi escaso conocimiento además de la falta de curiosidad no pude explicar esa sensación de extrañeza por el ruido y movimiento de las escenas.
Sin embargo hace unas semanas tuve la oportunidad de mirar nuevamente dicha película, teniendo sorpresa al descubrir nuevas características y sobre todo un nuevo nivel de entendimiento sobre la creación cinematográfica. Por ejemplo, era evidente que estuviera basada en hechos reales pero lo que no sabía es que algunas locaciones donde se filmó la película resultaron ser reales e importantes dentro de la vida de Dillinger, tampoco me percaté de la participación de otros actores de renombre como David Wenham, Jason Clark o Channing Tatum.
hablando de una recaudación aproximada de 214 millones de dólares. Se convirtió en una película clásica gracias a su cuidada producción, a su belleza estética Descubrí como las escenas junto a la arquitectónica, la coclímax que incluían el accionar mún historia sobre la cacería del de un arma de fuego se caracte- gato (policías) y el ratón (ladrorizan por el sonido de los dispa- nes). ros con mínima música incidental, dándole prioridad al rugir de La siguiente película sobre la los rifles. Además, gracias a mi que quiero hablar es Heat, del recién adquirida curiosidad, des- año 1995. Aquí en México la cubrí la explicación sobre el rui- conocimos como Fuego contra do en la imagen y el movimiento Fuego, que prometía una batade cámara: Michael Mann deci- lla entre los dos actores mas redió filmar por primera vez con presentativos de la cultura ítalo una cámara digital para cine, la americana: Robert DeNiro y Al novedosa Sony Cinealta F23. Pacino. Claro que esta película la vi varias veces en los últimos La película está basada en el cinco años de la década de los libro Public Enemies: America’s 90, en televisión abierta. Y aunGreatest Crime Wave and the Birt que lo que mas recuerdo es una of the FBI 1933-1934, del au- de las últimas escenas donde tor Bryan Burrough. Libro que se despide Chris Shiherlis (Val tuvo una prematura adaptación Kilmer) de su esposa, al ver la a guión para una miniserie de película nuevamente voy descutelevisión, que Michael Mann briendo múltiples detalles, escompró gracias a que Leonardo cenas e incluso descuidos de la DiCaprio abandonó la intención producción que convierten a la de adquirirlos. Mann reescribió obra en algo maravilloso. el guión junto a Ann Biderman y Ronan Bennet. Heat trata sobre dos hombres, uno es Neil McCauley (DeNiro) La película tuvo éxito con la ladrón de bancos y el otro es el mayoría de la crítica y con el Teniente Vincent Hanna (Pacipúblico en general, ya que con- no). Por inconvenientes con un siguió doblar el presupuesto en robo que salió del plan previsto, los ingresos de taquilla. Estamos el teniente Hanna empieza a in-
vestigar al grupo de asaltantes dirigido por McCauley. Llevando la cacería por todos los Ángeles, donde ambos equipos se andan investigando y correteando hasta llegar a la inevitable conclusión, con una de las escenas mas espectaculares de tiroteos que se han filmado para cine. Sin duda alguna, Heat se ha convertido en un referente de acción no sólo por los numerosos actores llamados importantes que participaron en ella; sino también por las increíbles secuencias que se realizaron, que se llevan a cabo desde espacios cerrados hasta abiertos como calles extremadamente transitadas. Pero la película no se resume con el reparto o el sonido de las armas de alto calibre, también importa el desarrollo de la historia. Y esto es lo más importante, Heat tiene una duración de dos horas con cincuenta minutos que no se te hacen pesadas. Tiene el tiempo suficiente para desarrollar el argumento principal mezclado con los sub-argumentos donde conocemos la relación dolorosa entre Hanna, su esposa (Diane Venora), su hija adoptiva (Natalie Portman) y el trabajo. Nos percatamos de la soledad que sufre McCauley debido a
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su frenética vida y como llena ese vacío a través de una joven conocida. La vida de Breedan (Dennis Haysbert) quien acaba de salir en libertad condicional, la relación conflictiva entre Shiherlis y su esposa Charlene (Ashley Judd), entre otras historias que fluyen sutilmente en las casi tres horas de filme. Curiosamente el conjunto de la película brilla tanto que puedes dejar pasar los reflejos de los camarógrafos, del equipo de producción e incluso la sombra del micrófono que se alcanzan a ver en distintas escenas.
micrófonos en escenario junto a los de cámara para tener pocos diálogos y sonidos procesados en un estudio especializado. Además de tener a un especialista en armas de fuego para hacer los tiroteos más creíbles, este asesor era el ex sargento de las fuerzas especiales del Servicio Especial Aéreo Británico, quien entrenó a los actores durante tres meses para el uso de armas de fuego con munición real, además de enseñarle movimientos especiales para que se usaran en los asaltos a bancos y las escenas de acción en las calles.
Michael Mann planeaba hacer un filme biográfico sobre James Dean, sin embargo abandonó la idea al presentarse la oportunidad de dirigir Heat. Las primeras opciones para los personajes principales siempre fueron DeNiro y Pacino, quienes sería la primera vez que ambos salieran juntos en escena. Como parte de su preparación para los personajes tuvieron que ir a una prisión estatal para entrevistar a verdaderos criminales.
Su recaudación en taquilla fue de 187 millones de dólares, triplicando su presupuesto de 60 millones. Además de ser bien recibida entre los críticos y el publico. Sin duda alguna una de las mejores películas de su filmografía.
La fotografía principal se filmó en 107 días en locaciones reales con cámaras Panavision, donde no se usó sonido de estudio. Esto es algo muy importante y característico de Michael Mann, en su empeño por ser realista usa el sonido directo de los
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Michael Mann es un cineasta que gusta de las interpretaciones de la realidad, varias películas y series de su filmografía están basadas en hechos reales, e incluso ha contratado a los ex crimínales en
los que se basan sus obras para asesorarse y las producciones sean mas cercanas a la realidad. Es uno de esos directores que a pesar de tener algunas fallas técnicas, pueden pasar desapercibidas por el empeño en la historia y los escenarios, que sin importar que tan grande sea el ego del actor, puede dominarlos para que hagan lo que él diga. Ahora que conozco mas a fondo al director, gracias a esta retrospectiva personal de volver a mirar películas, he cambiado de opinión sobre ciertos elementos como Miami Vice que sin duda alguna veré. Todos debemos dejar de prejuzgar, mirar al cine, leer al cine, escuchar al cine, y sin duda alguna investigar a la cinematografía.
LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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cada instante surgen en el cine nuevas figuras que representan los papeles de nuestros personajes favoritos. Algunas son pasajeras, personajes que alcanzan la popularidad de forma casi inmediata y del mismo modo la pierden. Otras, sin embargo, superan esa etapa y se consagran como parte importante del mundo del entretenimiento.
encontrar a Bruce Willis, Sylvester Stallone, Jackie Chan, Samuel L. Jackson o Jet Li en el género de acción y policiaco. Independientemente de si sus actuaciones son buenas, si nos gusta la película o si la historia siempre es la misma, a ellos los conocemos y ubicamos.
Otro actor que pertenece a esta categoría es nada menos Cada género cinematográfico que Nicholas Cage, quien sigue cuenta con sus figuras represen- siendo solicitado en un sin fin tativas, así por ejemplo podemos de producciones de acción o
con temática policiaca, pese a que sin importar que lo estén torturando o que se encuentre experimentando el orgasmo de su vida, lucirá invariablemente la expresión de que le acaban de diagnosticar cáncer terminal. Y aunque me han contado que hubo una época en la que Cage lograba estremecer al público con sus multifacéticas actuaciones, resulta difícil de creer luego de verlo una cinta tras otra con
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el mismo gesto de amargura en su cara de expresión única. Mas, las excepciones existen, y en la muy extensa lista de películas recientes protagonizadas por el no expression man encontramos una en la que , ya sea por la temática o por el guión, su expresión de El ángel enamorado (City of Angels, Brad Silberling 1998) infinita, sirve para sustentar la trama de la película e incluso para volverla creíble: The Frozen Ground. Conocida en América Latina como Bajo cero, esta cinta del 2013, dirigida por Scott Walker, cuenta con todos los clichés del cine policiaco, desde el policía a punto de retirarse, hasta la leyenda inicial del «basado en hechos reales». El argumento gira en torno a una historia real ocurrida en Anchorage, Alaska, en donde un padre de familia convencional , que bien podría ser mi vecino o
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el suyo, decidió comenzar a secuestrar prostitutas y llevarlas a un bosque poco transitado en donde las liberaba para cazarlas con su rifle. Desde el año de 1971 hasta 1983 Hansen asesinó a un promedio de 30 mujeres y escondió los cadáveres en las
linderas del bosque, sin levantar sospecha alguna hasta ese último año mencionado. Fue así que en 2013 Scott Walker llevó a las pantallas la siniestra historia del hombre conocido como el “el panade-
ro carnicero”. Aquí Cage interpretó a un padre de familia común dentro de un condado pequeño, que trabajaba como policía y se encontraba a punto de retirarse cuando llegó hasta su escritorio un sobre cuyo contenido incriminaba potencialmente a Hansen como el autor de una serie de asesinatos ocurridos en su condado. Por otra parte, el papel del asesino fue interpretado por John Cusack, quien realmente logra que el público lo deteste con toda la serie de manías que integran a su personaje. La película, aunque plagada de clichés y con un final obvio desde el inicio, logra captar y, sobre todo, mantener la atención del espectador en cada movimiento, tanto del policía que se enfrenta, más que al asesino, a la burocracia preponderante para llevar a cabo su trabajo, como del propio criminal, siempre cauteloso de sus acciones para evitar ser siquiera tomado en cuenta.
Asimismo, como señalaba ya al inicio de este texto, la cara de Nicholas Cage contribuye a crear esa atmósfera de desesperación que rodea al personaje principal, que se ve envuelto en un instante en el caso más complicado de su carrera justo antes de poder dejar de lado todo el contexto criminal en el que ha transitado su vida laboral. El gran logro de esta película es que nunca se enfocó por completo en ninguno de los protagonistas; sino que se atrevió a brindarle protagonismo a los escenarios y al proceso jurídico con todo y sus impedimentos como medio para concentrar la historia de ambos personajes. Y
aunque Cusack y Cage interactúan brevemente, su efímero encuentro destaca precisamente la forma de entrelazar ambas historias hasta llevarlas a su obvia conclusión. Esta es sin duda una excelente opción para una tarde de ocio en la que uno no busque en pantallas la verdad de la vida, una tarde en la que simplemente se quiera experimentar un poco de tensión fílmica con final feliz, acompañada de la expresión de angustia de Nicholas Cage.
FICHA TÉCNICA Título original: The Frozen Ground Director y guión: Scott Walker Música: Lorne Balfe Fotografía: Patrick Murguia Protagonistas: Nicholas Cage, John Cusack, Vanessa Hudgens, Curtis ‘50 Cent’ Jackson, Radha Mitchell, Dean Norris, Kevin Dunn, Jodi Lyn O’Keefe, Katherine LaNasa, Brad William Henke País: E.U.A. Año: 2013 Duración: 105 min.
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PARA CONOCER
Por Libertad Pineda
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os detectives buscan a un asesino serial que parece predicar con los asesinatos que realiza. Uno de estos detectives es actuado por el ídolo de muchas adolescentes de los noventas, contándome entre ellas. Brad Pitt de 32 años cómo el detective Mills, en un papel que le queda perfecto. Ya que es un detective joven impaciente con pocos años en el servicio de homicidios. Sin muchas virtudes pero con todas las ganas de hacer su trabajo. Esta actitud resalta junto a su compañero añoso y a días de su retiro. Morgan Freeman, quién destila cansancio, sabiduría y un carácter totalmente diferente al de su joven compañero. El psicópata que acompaña a estos dos es un hombre culto, o al menos,
aparenta ser bien educado fue no sólo eso, el mismo William encarnado en Kevin Spacey. R. Somerset (Morgan Freeman) lo menciona, ha vivido tanto ahí Por otra parte, el guión fue he- que no le gusta, aún a días de su cho por Andrew Kevin Walker. retiro laboral no le gusta. Quién se inspiró en la Ciudad de Nueva York. Si bien en la película nunca se menciona el nombre de la ciudad, durante toda la historia, dicha localidad apabulla, pero
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El trabajo de ser policía le ha quitado todo, quizás hasta una vida familiar, de lo cual se arrepiente. Somerset vive sin esperar nada bueno, en una soledad que le ha costado todo. Especialmente cuando rechaza un nuevo caso, pues no está dispuesto a enredarse en otro caso sin respuesta a unos días de su retiro.
lúgubre y pesado al metraje, los personajes nadan en la desesperanza y agotamiento. Parece que la lluvia no ayuda, a nadie. Esta historia causo conmoción en su momento, quizás no como la mejor película hecha o como el mejor trabajo de personajes con Brad Pitt o Morgan Freeman. Pero sí como la marca de los años noventa, la desesperanza el epíteto de la vida contemporánea de aquella época. Y quizás del día de hoy. Esa sensación de que se tiene hoy en el mundo y es enmascarada con el consumo de objetos y lugares.
Así inicia la historia de Seven, película dirigida por David Fincher en 1995, en la que los dos personajes protagónicos cuentan con perspectivas distintas, el joven detective con aspiraciones, que deja una vida tranquila por este nuevo ambiente; y el hombre que la ciudad consumió. El contraste de caracteres de estos dos puntos de vista y vida, nos da la antesala de un thriller El joven añora la acción, aunoscuro. que quizás no la conocía en toda su extensión. El hombre mayor Las escenas son enmarcadas añora lo que dejó ir o no pudo tepor una lluvia que no desaparece ner a causa de haber estado ahí. nunca, la cual le confiere el tono
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Cada uno es absorbido por el pecado. Quizás el asesino fue el pretexto para detonar la barbarie que se cernía sobre esta nueva sociedad en proceso de
transformación, tan ocupada con la fluidez contemporánea a la que todos nos sometemos que incluso logra acostumbrarse a un ambiente viciado, convivir con él y aceptarlo como contexto cotidiano sin poner peros.
otra parte del grupo, la que ya ha dejado todo tras de sí, y que al volver la vista atrás es incapaz de ubicar el punto exacto en el que fue perdiendo cada una de sus cualidades sin siquiera notarlo. La generación que peleó guerras, vivió reformas se adaptó a los cambios y al final no supo a ciencia cierta que había obtenido con todo ese movimiento.
E n tanto Pitt encarna todas las virtudes de la juventud moderna de los noventa, con todo y la imprudencia y el desenfreno, Freeman representa a esa
A lo largo de todo el filme podemos percibir, de forma quizá un tanto velada, la crítica audaz de toda una nueva generación: la generación del actoreflejo, que no lee, que se arriesga sin pruebas movida más por el sentimiento que la razón. Y mientras vemos a Brad Pitt tratar de descifrar los casos a través de su intuición, actuando casi por puro impulso, observamos también a Freeman, metódico y experimentado, intentando encontrar patrones y referencias que lo acerquen de alguna forma a la mente del criminal que persiguen. Sin darse cuenta ambos personajes
se complementan, tal como ocurre en la sociedad real. Seven es una película que trata un tema interesante, quizá no es el mejor drama policiaco que se ha hecho, pero cumple con todas las características que un buen thriller debe tener, desde la tención latente desde el inicio hasta el final, quizá un poco predecible pero no por ello menos frustrante para el espectador, quien de alguna manera está acostumbrado a siempre encontrar la redención social a través del cine, y que en este caso, tal vez, tenga que seguir esperando. FICHA TÉCNICA Título: Seven: Director: David Fincher Guión: Andrew Kevin Walker Fotografía: Darius Khondji Música: Howard Shore Elenco: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, John C. McGinley, Richard Roundtree, R. Lee Ermey, Leland Orser, Richard Schiff, Julie Araskog, Mark Boone Junior, Daniel Zacapa, Richard Portnow, Bob Stephenson Año: 1995 País: E.U.A. Duración: 127 min.
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Cuando la
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HABÍA UNA VEZ
IAS DE UN ASESINO
a realidad supera a la ficción Por Frida Pineda
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ntre los años 1986 y 1991, en la provincia Gyeonggi, en Corea del sur, un asesino serial fue autor de varias muertes, y también fue el primer asesino serial conocido en el país. Los sucesos fueron una fuente de inspiración para una obra teatral y la película Memorias de un asesino, dirigida por Bong Joon ho, quien es conocido por su mayor éxito The Host y Snowpiercer. A pesar de que la película se basa en una serie de asesinatos reales en la ciudad provincial de Gyeonggi
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durante la década de 1980, Bong Joon Ho también se inspiró en una obra llamada Come See Me, que dramatizó los incidentes. Él declaró en una entrevista que: “si no fuera por la obra de Kim Gwangrim Come see me, habría tenido muchos problemas para establecer la estructura”, y también fue influenciado por el cómic de Alan Moore, From Hell. Todos sustraemos ideas de otros y las transformamos en algo mejor o en algo peor, o en la bola de azúcar que Homero Simpson crea en la fábrica de dulces que le regala a Marge por el día de las madres. La película no tenía grandes expectativas por ser la segunda obra de Bong Joon, ya que en su primer proyecto Barking dogs never bite no le fue nada bien, sin embargo Memorias de un asesino fue lo contrario, tuvo muy buena crítica, nominaciones, y fue ganadora de los premios Grand Bell, Cine de Tokio, entre otros festivales. Revistas y diarios la nombraron como ‘’uno de los mejores thrillers de los últimos años’’, incluso, Quentin Tarantino la nombró como una de sus películas favoritas desde 1992. La película trata sobre una larga investigación que dos
detectives trataran de resolver. Con un final que te hace entender que cualquiera puede ser un asesino, no todos tienen cara de malditos.
como el asesino amordazando a las mujeres con su ropa interior, también fueron sacados del caso. Como en la película, los investigadores encontraron fluidos corporales sospechosos de pertenecer al asesino en las escenas del crimen, pero no tenían acceso a equipos para determinar si el ADN coincidía con los sospechosos hasta tarde en las investigaciones. Después del noveno asesinato, se enviaron pruebas de ADN a Japón (a diferencia de la película, donde se envió a otro país) para su análisis.
Lo interesante es que a seis meses de haber empezado a escribir el guión, el director sólo escribió una línea porque sólo se dedicó a investigar el crimen. Otro hecho interesante es que con el fin de hacer que su personaje, el Detective Seo Tae Yoon, se vea debilitado por el estrés del caso, el actor Kim Sang kyung disminuyó su ingesta de alimentos y durmió menos horas, ¡esos En la película, el final del tipos me agradan! caso fue como en el real. Como el caso se estaba acercando a la Otra nota es que en la pelícu- prescripción, el líder de Cola nunca se mencionó un total de rea del Sur Uri Partido trató cuerpos, y en el caso real se cometieron 10 asesinatos similares en el área de Hwaseong entre octubre de 1986 y abril de 1991. Algunos de los detalles de los asesinatos,
de enmendar la ley para dar a los fiscales más tiempo para encontrar al asesino. Sin embargo, en 2006 se alcanzó el Estatuto de Limitación. El largometraje es buenísimo, todo el tiempo te mantiene en suspenso y el final le da un gran valor. Es increíble como un asesino puede dejar los crímenes como algo de otro tiempo y empezar una nueva vida, como un tipo normal, ordinario. ¡Super ocho le da un 10! FICHA TÉCNICA Director: Bong Joon ho Guión: Bong Joon-ho, Shim Sung-bo Reparto: Song Kang ho, Kim Sang Kyung, Kim Roe ha, Song Jae Ho, Byeon Hie Bong Producción: Cha Seoung Jae Año: 2003 Duración: 130 min. País: Corea del Sur
Super 8 25