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Contenido
Editorial
El cine es poesía Narrar nuestro tiempo en la pantalla grandre 2
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l 2017 termina y con
él deja una enorme lista
Tesoros fílmicos Lo mejor del 2017 6
de producciones nuevas. La mente maestra Justice League 10
Algunas decepcionantes otras increíbles muestras de que el talento existe en
La caja de Pandora War: for the planer of the apes 15
el mundo cinematográfi-
Había una vez Dunkerque 18
co. En este número los colaboradores de Super 8
Para conocer Tokyo Ghoul
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resumen desde su perspectiva el año cinematográfico
El extra Lo mejor del 2017 que se estrena en 2018 26
2017. Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
En portada:Justice league
Super 8 Número 95 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Frida Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Diciembre 2017
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
Narrar nuestro tiempo en la pantalla grande Por Jorge Alonso Espíritu
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a Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cine m ato g r á f ic a s de México decidió hace unos días que, representando a México en la preselección de las categorías de mejor película extranjera de los premios Oscar y Goya, participaría la cinta Tempestad. Hecho extraño por dos motivos: porque
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EL CINE ES... POESÍA
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no es común que un documental participe en estas categorías representando a un país, y porque tampoco es común que una misma película participe en ambas competencias.
el planeta, aunque los reconocimientos no son tan mediáticos como los antes mencionados. Nadie se sorprendería si al final este documental no obtiene las nominaciones, pero lo más difícil, lo más importante ya lo ha Lo cierto es que Tempestad, logrado: dejar una marca en la de Tatiana Huezo, es uno de memoria del espectador de cine. los mejores trabajos que se han creado en el cine mexicano acLa cinta narra la historia de dos tual. También que se trata de mujeres víctimas de la violencia y un trabajo que ha conquistado la impunidad en México. Miriam, decenas de premios por todo encarcelada injustamente por el
delito de tráfico de personas, y Adela, trabajadora de un circo ambulante, cuentan su historia a través de un viaje. La road movie narra lo peor de México. El país herido por el crimen organizado. Dirá el lector que el tema cansa. Que la herida no cicatriza porque seguimos poniendo sal a la herida. Y lo cierto es que estamos saturados de la violencia narco, pero es nuestro tiempo. Lo que conocemos. Lo que ha dejado esta guerra que se extendió ya por más de una década. Hay sin embargo una diferencia sustancial entre esta narrativa y la mayor parte de las que se han producido alrededor del tema: el rigor ético-estético. En contraposición con las telenovelas narco, una serie de películas decide narrar a través del arte, valiéndose de lo más hondamente humano: la capacidad de ver la realidad, imaginar otra realidad y sentir una profunda empatía. Son las características de Tempestad. Documental que
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en lo visual retrata el México más bello con una fotografía impecable, mientras contrasta los esplendidos paisajes con historias terribles. P e r o el documental de Huezo no es un caso excepcio nal. Y no lo es este año, que las carteleras mexicanas exhibieron productos de primera calidad acompañadas, como siempre, de bodrios cómicos que hacen de la mexicanidad un cliché. Con una gira limitada por las salas, La libertad del Diablo irrumpió como uno de los testimoniales más poderosos, filmado por el maestro documentalista Everardo González. Documental psicológico, muestra los miedos de quienes sufren y de quienes provocan la muerte violenta, que padece cualquier sociedad y genera psicosis y miedo. Si la fotografía es el arma más evidente de Tempestad, el minimalismo es el principal recurso de La libertad del Diablo. Las
palabras llegan casi desnudas a nosotros. Los rostros son anulados por una máscara que unifica los testimonios, máscara respetuosa y al mismo tiempo terrible. Un último film se decanta por la ficción y los simbolismos para conectarnos con las tragedias silenciosas de la guerra. Los sobrevivientes de los muertos, de los desaparecidos. Vuelven, de Issa López, cuenta la historia de Estrella, que a sus 10 años vive y muere por la desaparición de su mamá. Un deseo cumplido, que ella regrese, desencadena el miedo y ella huye con una banda de niños de la calle. Pero los verdaderos monstruos son reales. La historia fantástica nos enseña que el verdadero terror está entre nosotros.
En suma, las historias de estás películas, que se proyectaron en los cines este 2017, son una narrativa justa, amén de necesaria, para los tiempos desoladores que nos tocó vivir. Alguien tenía que retratarlos. Y hacerlo bien.
FICHAS TÉCNICAS Tempestad Duración: 105 min. País: México Dirección: Tatiana Huezo Reparto: (Documentary) Miriam Carbajal, Adela Alvarado La libertad del Diablo Duración: 74 min. País: México Dirección: Everardo González Reparto: (Documentary) Vuelven Duración: 83 min. País: México Dirección: Issa López Reparto: Paola Lara, Ianis Guerrero, Rodrigo Cortés, Hanssel Casillas, Juan Ramón López, Nery Arredondo, Tenoch Huerta
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Lo mejor del 2017... y no está Ridley Scott
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ste 2017 he recuperado mi fe en la industria del cine. Una boyante producción independiente y arriesgadas decisiones por parte de miembros de las distribuidoras hicieron que en más de
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una ocasión me levantara extasiado de mi butaca. Me la pasé tan bien en las salas de cine que hasta vi la polémica Justice League como una decente película palomera (No se merecía las ma-
las calificaciones y lo saben críticos “Fanboys” de Marvel). En varias ocasiones, cuando se acercaba la fecha que en todo el crew de Super 8 evalúa los temas a tratar en próximos números no podía dejar de pensar en los títulos que había visto recientemente. Y es por eso que de mucho de lo que considero lo mejor del año, ya escribí. Así que en este artículo retomaré algunos títulos de los que podrían leer más a fondo si echan un ojo a números pasados. Y de otros
Por @AMAURY1984 que bien merecen un largo artí- no es linda ni felíz y es culo. muy probable que tras ver ¡MADRE! sienta que ¡MADRE! perdió detalle de algo. No busque similitudes Como lo mencioné el número pa- “judeocristianas” que a sado (94) Darren Aronofsky se fin de cuenta solo están ha convertido en el nuevo “punta ahí para guiar a la aude lanza” del surrealismo cine- diencia hacia el punto matográfico. El trabajo del rea- central. lizador neoyorkino me recuerda el trabajo de David Lynch en lar君の名は (Your gometrajes de la importancia de Name) Lost Highway y Mulholland Dr. Su revisión del paso de la humani- Estrenada durante la sedad por este planeta al que debe- gunda mitad del 2016 ríamos llamar con más respeto en Japón, Your Name, nuestro hogar, nos adentra en lo no llegó a occidente oscuro de nuestras acciones que hasta este 2017. La más se contraponen a nuestra “pun- reciente película del tación de vida” evidenciando que lentoso director Makoto lo que hemos estado buscando a Shinkai dejó de lado su lo largo del tiempo más allá de la usual tono melancólico trascendencia es la autoaniquila- que pudimos apreciar ción. en 言の葉の庭 (Garden of Words) y 秒速５セン El trabajo cinematográfico es チメートル (5 centimehermoso y lleno de planos de ters per second) sólo por complicada elaboración. La con- mencionar algo de su clusión a la que llega Aronofsky trabajo.
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cuando Japón decidió enviarla a la Academia estadounidense para ser considerada en la competencia por el Óscar a mejor película extranjera.
BEACH RATS Desde su participación en la sección de cortometrajes del Festival de Sundance de 2011, la joven realizadora neoyorkina Eliza Hittman ha destacado por la simpleza y magistral manufactura de sus proyectos. En 2014 con su primer largometraje It felt like love se llevó las palmas de la crítica y le abrió las puertas de la incubadora de proyectos de la Fundación Sundance, en donde se gestó desde cero su proyecto Beach Rats.
En Your Name, Shinkai apela más a lo que de momento es popular en Japón. Una historia de jóvenes con algo de comedia y animación mucho más irreal. No por eso deja de lado la complejidad en sus historias. Si usted tuvo la oportunidad de verla durante la limitada corrida comercial, seguro está de acuerdo que el toque melancólico permanece. En 君の名は Shinkai ahonda en esa sensación que aborda a nuestra civilización de ir a la deriva, como si mucho de lo que hacemos a diario no fuera más
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que dejarnos llevar, algo dentro de nosotros nos hace cumplir mientras que nuestra mente viaja en piloto automático. Las dos historias que se enlazan en este largometraje animado nos llevan por esa sensación de la juventud del decadente occidente y conecta de una bella manera. Siendo sincero me considero muy crítico de los más recientes trabajos dentro del Anime japonés. Lo veo totalmente ajenos a algo significativo. Your Name es absolutamente lo contrario. Eso por eso que no me sorprendió
Es así como en el Festival de Sundance de este 2017 la señorita Hittman presentó la historia del jóven Frankie. En las costas del Empire State, Frankie lidia con su homosexualidad de una manera clandestina relacionándose a la sombra con hombres maduros, mientras que a ojos de su club de amigos conocidos por la comunidad como “beach rats” entabla una relación sentimental con una bella chica, al mismo tiempo se esconde en el consumo de drogas y estimulantes que le permiten mantener sus relaciones tradicionales. La austera y cruda realización de
Beach Rats le valió a Hittman el reconocimiento como mejor dirección dentro del festival estadounidense, que la ha visto construir sus proyectos.
LIFE ¿Cómo es que LIFE logró ser producida, distribuida y promocionada?
Es absolutamente un misterio. Sospecho que alguien en SONY andaba muy distraído cuando los nombres detrás de Deadpool y G.I. Joe le ofrecieron una historia de terror y ciencia ficción en la estación espacial internacional. Lo bueno es que esta historia, posiblemente lo mejor del año, logró juntar a un elenco envidiable y ser producida para ver la luz este 2017. ¿El resultado? un verdadero fracaso en taquillas. Hasta fechas recientes parece que LIFE apenas logró saldar sus cuentas de producción. Comparada por muchos con Alien o The Thing, esta película dirigida por el desconocido director sueco Daniel Espinosa retoma en efecto la fórmula del peligro latente para los ocupantes de un espacio muy limitado, cuyo rededor significa un muerte segura. Hay grandes diferencias entre el desarrollo con sus similares y eso es lo que la hará pasar como un largometraje de culto.
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Recibiendo el H
abía desarrollado un exitoso artículo sobre un director que ha sido atacado injustamente o defendido honorablemente, al final esl espacio en la revista me obligó a resumirlo.
El problema, como amante de la cinematografía, es ver el peso que ejercen las personas que tienen el poder económico, también el de la opinión pública que ha mermado su calidad y objetividad critica gracias al exceso de Hace un par de semanas se es- información los medios masivos trenó su última película titulada de comunicación, y la guerra de Justice League, donde vemos por egos dentro de la industria. Es primera vez a los superhéroes triste saber que personas que enemblema de la casa editorial DC tregan una gran parte de su vida Comics interpretados en carne personal al trabajo que aman, y hueso. Afortunadamente para sean limitados en su visión que algunos fue una gran película y comparten con el mundo gracias para otros fue una decepción. a decisiones insensibles basadas en cantidades monetarias. El autor de este texto se encuentra en el segundo grupo. Sabemos que la industria ciNo estoy decepcionado por ver nematográfica no trabaja gratuia algunos de mis personajes fa- tamente y que su finalidad prinvoritos, es bueno ver a Wonder cipal es obtener ganancias. Lo Woman, Superman, Batman, que vemos en pantalla es el reFlash, Aquaman y Ciborg bien sultado de algún multimillonario interpretados además de ver di- que quiere tener más poder ecoseños espectaculares en sus tra- nómico, pocos son los que quiejes/disfraces/armaduras. Defi- ren financiar proyectos dispuesnitivamente los productores no tos a perder. Y no solo es dinero escatiman en diseño ni material lo que ganan, también reconocipara la creación de los persona- miento, por eso hay muchos prejes que vimos en nuestra infan- mios, academias, asociaciones, cia, quienes pertenecen a la mi- sindicatos, etc. junto a grupos de tología moderna. cineastas que se premian unos a otros.
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La producción de Justice League fue afectada por estos factores mencionados. Al final Time Warner desea billones de dólares y no están dispuestos a arriesgar, aunque tal vez tomaron las decisiones incorrectas al no respetar a Deborah y Zack Snyder. Durante el tiempo de producción de Justice League hubo un sinfín de rumores originados por supuestas filtraciones, diciendo que los ejecutivos ya no querían a Zack Snyder en la producción por su visión “oscura” de los personajes, por el exceso de violencia y el “poco respeto” al canon de los personajes de la casa editorial. Hubo otros chismes sobre un cambio de tono en el argumento y en la construcción psicológica de los personajes de la película, tratando de hacerlo más amigable para la audiencia. También se habló del aumento del presupuesto para mejorar los efectos visuales y la falta de tiempo para terminar la película. Entre otras cosas, se filtraba diariamente información para desacreditar la producción. Al final una desgracia familiar y las presiones de los ejecutivos
LA MENTE MAESTRA
bono del año Por Manuel Pineda
vencieron a la pareja, haciendo que Snyder se retirara de la dirección de la película, y con esto se cumplieron los sueños de los ejecutivos de Time Warner que lo querían fuera. No sé qué tan cierto sea que el editor en jefe y presidente de DC Comics Geoff Johns haya tenido problemas con Snyder respecto a la visión de las películas, lo que sí puedo confirmar al haber leído las entrevistas que les realizaron a la familia Snyder es que ellos estaban encantados de trabajar con él, aunque no dudaría que hayan tenido algún problema de egos.
corte original de Zack Snyder al retirarle 50 minutos de metraje y regrabar escenas a cargo del cineasta Joss Whedon, que dicen los chismes que Snyder se lo pidió personalmente. Luego cambiaron al compositor que estaba a cargo por no convenir a los intereses, así Junkie XL fue reemplazado por un egocéntrico Danny Elfman. Finalmente le agregaron
comentarios graciosos y sensibles para darle un sentido humano a la historia, además de quitar las referencias a la pesadilla del futuro apocalíptico de Bruce Wayne. Aunque se dice que la película conserva el estilo y esencia de Snyder, puedo
Snyder se retiró de la dirección de la película, atrayendo el caos porque los ejecutivos hicieron lo que quisieron con la película. Primero solicitaron que se cambiara el
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decirles que se equivocan. Esto no es parte de una necedad o un fanatismo enfermo, simplemente es porque he tratado de entender cómo funciona la industria, el proceso de creación cinematográfica junto a todo lo que va relacionado a la producción de una película que esperaba desde hace tiempo. Zack Snyder ha demostrado en sus películas emblema que le gustan los cómics. En 300 podemos ver una magistral adaptación de la novela gráfica homónima, donde prácticamente usó el cómic original como storyboard y que a pesar de que la película se filmó con pantallas azules entregó una de las mejores adaptaciones de cómics al medio cinematográfico. Con Watchmen no defraudó, a pesar de que esta adaptación tuvo mayores
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cambios en el argumento princi- un aparente líder mundial con pal al quitar el pulpo gigante, que un régimen de terror, y la visita aparece en la ciudad de Nueva de un desconocido Flash. York, por una explosión. Todas estas películas tienen En Man of Steel, digan lo que una tradicional estructura nadigan, te desarrolló una historia rrativa con una introducción, un sobre un Clark Kent que se siente desarrollo, un clímax, un desenajeno, que es un inmigrante ile- lace y en algunos casos un epílogal tratando de ser aceptado por go. Sin embargo, con los cambios lo que es y que busca su sentido que le hicieron a Justice League de vida. En Batman V Superman todo esto desapareció. descubrimos a un Superman que daría todo por un mundo que lo Al ver Justice League, la priataca, a un Batman cegado por la mera escena con la que inicia violencia de Gotham con el típico es un Superman extrañamente tormento por el asesinato de sus sonriente (por la eliminación padres y a una Wonder Woman digital del bigote de Henry Cacentrada en la justicia pero apar- vill) que les habla a unos niños tada del mundo de los hombres; que lo graban a través de un teademás de un guiño referencial léfono móvil. Luego vienen los y punta de lanza argumental: la créditos iniciales con un estilo pesadilla de Bruce Wayne en la de Snyder y después todo es plabaticueva sobre un futuro post- no como una tabla. Se presentan apocalíptico donde Superman es los personajes restantes, aparece
el villano principal con una distorsión del personaje y de ahí en adelante es puro cotorreo entre amigos con comentarios chistosamente simples. El punto en el que me perdió completamente es cuando Flash cae a la altura del pecho de Wonder Woman, definitivamente lo más atípico que he visto en una película dirigida por Snyder. Y de la música ni se diga, nunca la escuche. Lo único que recuerdo es Everybody knows de Sigfrid, de ahí en fuera toda la habían desarrollado una histomúsica que compuso Elfman es ria convincente sobre nuestros olvidable completamente, incluso no hay continuidad con los temas que se habían presentado en Man of Steel, Batman V Superman o Wonder Woman. Y cuando se escuchan las dos composiciones previas en escena, prácticamente les disminuyen el volumen rápidamente. superhéroes favoritos que contiZack, Deborah Snyder junto nuaría creciendo en Justice Leaa David S. Goyer y Chris Terrio gue. Pero al final fue diferente.
Nos encontramos con una Liga desunida por las decisiones de ejecutivos que deseaban sacar rápid a m e n te su película sin importar los resultados finales. Incluso no dejaron la versión cómica del director s u ple n te Joss Whedon, lo cual fue correcto porque sería demasiado con esas bromas pésimas y el tono ligero. Pero no respetar el trabajo de un cineasta como Snyder, quien ha demostrado que se puede ser fanático y desenvolverse profesionalmente en la industria de la producción audiovisual, es imperdonable. Los ejecutivos quieren dinero, pero eso no quiere decir que se tiene que estar peleado con un producto inteligente. No estoy diciendo que las películas de DC son para mentes que
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trabajan en comparación a las de Marvel Studios; no, esto no tiene que ver con una riña inmadura que se da en redes sociales sino con una crítica a los productos que nos entregan los grandes estudios.
bre Justice League esté tan diluida. Tenemos grandes ejemplos de películas bien hechas que recaudaron millones de dólares para las bolsas de los productores como El Señor de los Anillos o Matrix. ¿Por qué no podemos tener una obra cinematográfica Este año me he llevado gran- que combine los elementos blocdes decepciones con obras ci- kbuster y del cine de autor? nematográficas que surgen de la adaptación de obras artísticas o La versión de Justice League, literarias creadas previamente. que está circulando en cines, Es el problema que se dio con la está bien si estuvieras viendo un adaptación de Ghost in the Shell capítulo de algún serial televisio con la secuela Blade Runner vo sobre los mismos personajes, 2049. Los estudios piensan que vamos pues que DC tiene sus el público es idiota y que no po- versiones infantiles, adolescendrá comprender un argumento tes y para adultos. Nadie debe serio con distintos niveles de de estar peleado. Pero así como comprensión. Creyeron que al hay 52 universos en los cómics, diluir el argumento de Ghost in también hay 52 universos en las the Shell tendrían a un público películas, en los libros y en todos contento, repitiendo con Justice los medios que se les ocurran. League, aunque bueno, creo que somos pocos los que nos queja¿Por qué los fanáticos purismos por este aspecto. tas no pueden aceptar una nueva versión que acerque a un nuevo Hay para todos los gustos, público? ¿Por qué algunos espero no puedo aceptar que la critores de cómics no pueden versión que vimos en cines so- aceptar que otros escritores/
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creadores pueden darles una perspectiva diferente a los personajes? Este Henry Cavill no es Christopher Reeve, ni Ben Affleck es Christian Bale y Gal Gadot mucho menos es Lynda Carter. Ellos son nuevas versiones, diferentes, actualizadas o revisitadas, son un universo aparte que no está peleado con los universos de Nolan, Burton, Donner o las versiones televisivas. Dejen a Zack Snyder presentar sus versiones, después ustedes presenten las suyas. Al final todo es una retroalimentación y cada quien elige lo que quiere ver. Por el momento elijo defender a Snyder porque su trabajo lo respalda, es coherente y congruente, no es perfecto pero tiene un estilo que a mí me habría gustado desarrollar. Al final son él y Deborah Snyder quienes están recibiendo los golpes mientras los trajeados se embolsan el bono de fin de año.
LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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ntre las muchas decepciones y sorpresas que trajo consigo este año a las pantallas de cine se encuentra War for the planet of the apes, una de las películas más esperadas del año.
a las primeras películas pero sin el encanto que éstas emanaban, Rise of the planet of the apes creaba un ambiente completamente distinto de la historia que viera la
luz por primera vez en 1968, dirigida por Franklin J. Schaffner, basada en la novela homónima de Pierre Boulle y con Charlton Heston como protagonista.
La historia de esta trilogía comenzaría el cinco de agosto del 2011, con el estreno de Rise of the planet of the apes, a cargo del director Rupert Wyatt, considerada el reboot de la franquicia original. A diferencia de The planet of the apes, de Tim Burton, estrenada en el año 2001, en la que podemos ver personajes y atmósferas poco creíbles con una historia muy semejante
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La nueva franquicia se centraba en el comienzo del caos que daría origen a una raza de simios súper dotados y a la paulatina extinción de la raza humana. Al mismo tiempo creó un personaje entrañable para dirigir al ejército de simios afectados por el virus que los volvía más inteligentes que el promedio y que buscaban por sobre todas las cosas un hogar: Caesar. Este personaje interpretado, si es que podemos decirlo así, por Andy Serkis acompañado de toda una explosión tecnológica para capturar sus movimientos y trasladarlos a pantallas, se ganó al público hasta el punto que ni James Franco, quien fungía como protagonista de la primea historia, pudo competir con él. La película obtuvo menciones honoríficas sobre todo por su complejo maquillaje, uno de los puntos principales de la credibilidad de la historia, que presenta la evolución completa de Caesar de ser un simio común a líder de la manada de simios súper inteligentes. En 2014, la secuela Dawn of the Planet of the Apes, dirigida por Matt Reeves dejó claro que el público estaba más que
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contento con el filme al recau- lleno total en todas las salas en dar 710 millones de dólares a las que se proyectó. nivel mundial. En países como México, incluso se llevó a cabo Finalmente, este año pudiun pre estreno que obtuvo un mos ver la conclusión de la historia en War for the planet of the apes, nuevamente dirigida por Matt Reeves. Y aunque el título prometía una confrontación bélica sin precedentes, que la película no cumplió realmente, ello no demeritó el excelente trabajo consolidado por el director, quien le otorgó al mundo una magnífica película de aventura
A todo ello se suma el argumento, que plasmó una historia verosímil y entretenida que mezclaba la acción, aventura, suspenso e incluso, sin querer caer en sobre interpretaciones, una aguda reflexión acerca de la humanidad y su transformación en entes poco sensibles hasta consigo mismos. War for the planet of the apes es un claro ejemplo de cómo el cine puede entregar productos de calidad al público al mismo tiempo que genera inmensas cantidades de dinero, que es al final la apuesta de los productores. Y muestra además que el cine comercial, los blockbusters, no deberían estar peleados con los argumentos interesantes, pues si bien este título es un remake o reboot de una saga ya presentada, logró originar un producto completamente novedoso que se ajusta a las posibilidades de producción actuales sin violentar la obra original.
con toques de acción moderada. El maquillaje desde luego volvió a ser soberbio y los efectos digitales impresionantes.
completa que por momentos los sonidos instrumentales remiten a la vieja cinta de 1968.
Desde mi punto de vista, esta fue una de las mejores películas que trajo el 2017, y una de las mejores sagas de los últimos diez años.
Sin embargo, uno de los mejores componentes del filme es sin duda alguna la música, que estuvo a cargo de Michael Giacchino, quien también realizara el soundtrack para su antecesora, y que optó por volver a la música orquestada para crear la introducción en el mundo de Caesar y compañía, y lo hizo de forma tan
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HABÍA UNA VEZ
Por Libertad Pineda
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n el mes de junio del año 2012, me encontraba en una playa de la localidad Koksijde, frontera entre Bélgica y Francia. Un lugar dónde belgas y franceses van a vacacionar. Una región de playas planas, arena suave y oleaje moderado. Para alguien que viene del trópico fue un descubrimiento desconcertante. No eran calurosas, no había gente y desde mi punto de vista el panorama era melancólico. A pesar de las pocas personas que tomaban un baño en esas aguas, no encontré esa triunfante y satisfactoria felicidad, que nos da a los del trópico por llegar a la playa. Todos los edificios eran nuevos, al menos, de los años sesentas, para acá. Después de recorrer un poco el lugar sobre el horizonte a la izquierda se dibujó en
la distancia una masa de edificios cipio por los heroísmos que y grúas enormes. ¿Qué es eso? construyen, y los nacionalismo Alguien replicó: Dunkerque. exacerbados, en casi todas ellas. Eso es lo que veremos en Dunkirk de Christopher Nolan, pero Commander Bolton: You can con un enfoque diferente. Hay practically see it from here. nacionalismo y gente que se saCaptain Winnant: What? crifica, pero lo que se ve en panCommander Bolton: Home. talla es mucho más, son humanos horrorizados, soldados que deLas películas de guerra siem- sean huir de la batalla. Encontrapre me han atraído, en un prin- remos heroísmos en los civiles y
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en los soldados, como el piloto que sabe que ha hecho su trabajo hasta dónde pudo y que de alguna forma valió el resultado. Sin embargo, los sin sentidos de la guerra asoman sin empacho.
Bad faith, 2010; Her,2013; Spectre 2015; etc.) nos acostamos junto al soldado que se encuentra pecho tierra sobre la arena, esperando a no ser alcanzado por una bomba, una bomba que cae a unos metros. Su rostro cuenta en Blind Man: Well done lads. Well primera persona el desasosiego done. de ser alcanzado. Unos aviones Alex: All we did is survive. sobrevuelan el Canal de la ManBlind Man: That’s enough. cha, en una quietud aparente que se quiebra por los aviones A través de la dirección fo- alemanes. Nos muestran un llatográfica de Hoyte von Hoytema mado del Reino Unido a poner al (Låt den rätte komma in,2008; servicio de su majestad a todas
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las embarcaciones para iniciar el retiro de tropas de Francia, varios atienden, y se embarcan en sus frágiles navíos. Commander Bolton: The enemy tanks have stopped. Captain Winnant: Why? Why waste precious tanks when they can pick us off from the air like a fish in a barrel? El guionista, Christopher Nolan, nos describe tres versiones de un mismo hecho. Desde la playa, a evacuar, seguimos a los soldados en un pintoresco pueblo que es asolado por las ráfagas de balas y los bombardeos constantes. La playa se convierte en el último bastión. La línea de vida son filas de soldados esperando un barco, la angustia por sobrevivir está presente en cada rostro y cada acto desesperado. Desde el aire los pilotos navegan azolados por la Luftwaffe, cortos de munición, cortos de
combustible, dónde la misión es proteger la retirada… es curioso que durante la filmación de esta batalla, los actores realmente tuvieron poco contacto con la demás producción. Quizás por la situación técnica esto lo mereció, sin embargo se percibe realmente una indefensión y solitud única. Y finalmente desde el mar con la Marina Real teniendo serios problemas para evacuar a los soldados en tierra, así mismo las embarcaciones civiles que se lanzan al mar para apoyar. Las grandes producciones siempre van acompañadas de una música inolvidable. El caso de esta filmación es excepcional. La música esta a cargo de Hans Zimmer, quién ha acompañado a Nolan en varias de sus producciones, The Dark Knight (2008) o Interestellar (2014). Y la música se tornó otro personaje central en esta ocasión. Esta película tiene pocos diálogos, y los silencios entre los personajes y las acciones parecen dialogar en un ritmo a veces, agradable, íntimo y otras, sumamente agobiante. Escúchela con atención y también siéntala. La película esta basada en la Operación Dinamo que se llevó a cabo entre los últimos minutos del 26 de mayo de 1940 al 04 de junio del mismo año en el puerto de Dunkerque. Fue una operación que tenía cómo objetivo retirar 5000 tropas, pero que al final, el costo resultó mucho mayor para la Marina Británica
y para las tropas francesas y belgas, quienes, respaldaron como pudieron la retirada del ejército inglés. Si bien, la operación fue un fracaso por el número de bajas en sus destructores y varios navíos de guerra, al final resultó en la evacuación de más de 300000 tropas aliadas. Esto, fue tomado por el ministro Churchill cómo un milagro, y fue la manera política en que usaron el resultado devastador para la Armada inglesa. El director nos dio una experiencia íntima de lo que quizás vivieron los humanos que pelearon esta guerra. Las películas con temas históricos siempre van a seguir el guión de quién haya ganado, en este caso los Aliados. Sin embargo, al contar su historia, no parece haber mucho honor en algo tan desastroso como un conflicto bélico. Mostrar la parte del miedo a morir de quién ganó la guerra, en seres entrenados para matar y “morir”, es humanizar esa historia, que siempre muestra hombres que sufren pero que están listos para dar todo por sus compañeros. Aquí hay un impasse, entre el héroe empuñando el fusil y el hombre inundado de emociones que sólo busca sobrevivir.
Recuerdo perfectamente esa playa cercana al puerto, imaginar lo que se pudo haber vivido aún desde la escasa distancia de 30 kilómetros eriza la piel. FICHA TÉCNICA Título: Dunkirk Dirección: Christopher Nolan Dirección artística: Kevin Ishioka Producción : Emma Thomas, Christopher Nolan, Greg Silverman Diseño de producción: Nathan Crowley Guion: Christopher Nolan Música : Hans Zimmer Sonido : Richard King Fotografía: Hoyte van Hoytema Montaje: Lee Smith Vestuario: Jeffrey Kurland Protagonistas: Fionn Whitehead, Cillian Murphy, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Aneurin Barnard, Jack Lowden, Harry Styles País(es): Reino Unido, Estados Unidos, Francia, Países Bajos Año: 2017 Género: Bélico Duración:106 minutos Productora: Syncopy Films4n. Distribución: Warner Bros.
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PARA CONOCER
Por Frida Pineda
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ste 2017 tuvimos varias entregas interesantes por parte de la industria cinematográfica, desde el cine de arte al comercial. Yo estoy satisfecha porque la cartelera estuvo muy buena, bueno, aún no he visto The Justice League ni The last Jedi, y tal vez esperaba más de Blade Runner 2049, pero por el momento lo estoy, y hasta que vea las películas antes mencionadas rectificaré, por cierto, vean la de Thor Ragnarok, está muy buena.
fue un live action de un anime, (a mí, me gusta mucho el anime y el manga) y bueno, no sólo yo, todos los fanáticos mexicanos esperábamos este live action, ¿y qué es un live action? Un live action es una adaptación de una animación, ósea una película con
imágenes reales. Existen varios live action como: 101 dalmatas, Scooby Doo, Alicia en el país de las maravillas, este año se estrenó el live action de la Bella y la Bestia, y todos los que ya conoces de princesas y esas caricaturas que veíamos de niños.
En particular, una de las películas que yo esperaba con muchas ansias para este otoño
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Ahora, para los amantes del anime y el manga también están los live action como: Death Note (aunque no está nada bueno el de Netflix), Gantz, Gintama, Attack on Titan, Full Metal Alchemist, Ghost in the Shell, Kimi ni todoke, Bokura ga ita, Nana, Parasyte, Orange, etcétera. Hay muchos, pero de tantos que existen hay pocos que realmente son buenos y que verdaderamente se adapten al manga, y bien, ¿cuál es el susodicho live action del que tanto quiero hablar? Es Tokyo Ghoul, afortunadamente en México el mundo del anime se ha ido expandiendo y se ha visto como un gran mercado para las grandes compañías, y una de esas es Cinemex, que proyecta películas de anime, terror y live actions japoneses, ¡wiiii! Lo único malo es que a ese tipo de proyecciones les dan pocos horarios y salas, y que en los días que fue proyectada Tokyo Ghoul también lo fue It, y todo mundo quería ver esa película, en ese momento: yo no, y entré de 20 a 30 minutos tarde a mi sala, sin contar los anuncios, me perdí como 15 minutos de la película; sin embargo valió mucho la pena esperarme en esa enorme fila, el live action fue absolutamente exquisito, y ¿por qué no me esperé a verla en pirata? Queridos amiguitos, en México es difícil que lleguen productos originales en mayoreo y la gente prefiere ver los animes y películas en pirata porque es más fácil y rápido. Yo quisiera apoyar a los autores y directores, a las personas que se esforzaron en crear este entretenimiento para que sigan creando y darles nuestro dinero. Y si Cinemex o Cinépolis nos dan la oportunidad de ver esas películas en la pantalla grande, hay que aprovechar, ya que es una forma de apoyar y tal vez en un futuro puedan mandar en mayoreo productos originales, tengo la esperanza.
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Volviendo al tema original, el live action de Tokyo Ghoul es la adaptación de un manga, de Sui Ishida, el cual tuvo mucho éxito y logró que el estudio Pierrot hiciera la versión en anime, este estudio nos ha dado Tokyo Mew Mew, XXXHolic, Great Teacher Onizuka, Naruto, Bleach, entre otros. Y como el anime, de dos temporadas (próximamente 3), tuvo más éxito y ahora es de los más populares, el director Kentaro Hagiwara se propuso dirigir el live action, gracias, gracias Kentaro. En Tokyo se han dado una serie de asesinatos por unos seres llamados ‘’Ghouls’’ que se alimentan de carne humana. Kaneki Ken es un joven universitario que conoce a Rize Kamishiro en una cafetería y tiene una cita con ella. Durante su cita Kaneki es atacado por un Ghoul, y por alguna razón despierta siendo mitad Ghoul y mitad humano. Y así veremos a Kaneki adaptándose a su nueva vida, acompañado de situaciones difíciles, personajes interesantes y pretenciosos, un buen soundtrack, y lagrimas.
Tanto el anime como el L. A., confieso que nunca he leído el manga, son obscuros y te hacen manifestar una serie de emociones que te harán amar la historia de Tokyo Ghoul, sus personajes y la banda sonora. En el caso de la película, me ha dejado totalmente satisfecha ya que se adapta muy bien a la historia del anime. El director Kentaro va desarrollando la película de una manera en la que te mantiene ahí sin bostezar, los efectos son buenos, el soundtrack le sigue dando ese toque oscuro a la película, aparte de que el equipo de vestuario hizo un buen trabajo al encarnar el estilo de la vestimenta del anime e incluso un diseñador de moda japonés Masanori Morikawa fue contratado para diseñar las máscaras y trajes de los Ghouls, el cual es un punto a favor ya que la vestimenta es unos de los atractivos en la serie, y los actores fueron perfectos para los personajes. El actor Masataka Kubota fue la principal elección del creador de Tokyo Ghoul, Sui Ishida, para interpretar al protagonista Ken Kaneki, el cual da
vida a la perfección a nuestro protagonista, dejándonos más que satisfechos y deseando volver a verlo en una segunda entrega, (pongan chonguitos). Por primera vez un live action se me hace totalmente exquisito, bien adaptado, sin cambios, y con seriedad. Recomiendo ampliamente como lo mejor del 2017, y aunque no seas fan puedes darle una oportunidad a esta historia.
FICHA TÉCNICA Director: Kentaro Hagiwara Guión: Ichiro Kusuno Música: Don Davis Diseño de vestimenta: Masanori Morikawa Reparto: Masataka Kubota, Fumika Shimizu, Yu Aoi, Yo Oizumi, Nobuyuki Suzuki, Kai Ogasawara País: Japón Año: 2017 Duración: 1h 59mins.
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¡LO MEJOR DEL 2017!... QUE VEREMOS EN 2018… Por @AMAURY1984
E
l 2017 se nos escapa de las manos. Para cuando este número de Super 8 salga, al año le quedarán cerca de 31 días. Lamentablemente para todos los cinéfilos mexicanos muchas de las películas que han estado creando expectativa en festivales y mercados de primer mundo están por estrenarse o de plano, no tendrán ni fecha de salida en los primeros meses de 2018. Es una verdadera pena; como fanático del cine he hecho lo imposible por acceder a títulos de los que escuchamos en el festival de cine de Sundance, allá en febrero. O películas sumamente aplaudidas durante el mes de septiembre en el Toronto International Film Festival. Muchas de ellas ni siquiera llegarán a las salas y si lo hacen no creo que sea con toneladas de copias. Así pues, con la esperanza de crear agenda para estos meses en los que aún existe la creencia de que nada hay en el cine, he decidido hacer una lista de los títulos que usted debe buscar y/o esperar con ansias. Todos ellos han llamado mucho la atención y aun-
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que lleguen a salas mexicanas ya entrados en los primeros meses de 2018, son parte del gran año que ha sido 2017 para la industria del cine.
nocidos que el realizador tapatío regresó al género de la fantasía por la alfombra roja. Desde su presentación allá por agosto en el festival de cine de la Biennale di Venezia no ha hecho más que The Shape of Water juntar críticas positivas a lo largo de los más de 25 festivales a Dirigida por Guillermo del Toro nivel mundial que ha pisado. La con guión de Guillermo del trama aborda la vida Elisa, una Toro y Vanessa Taylor. joven que no encuentra su lugar Posible llegara a México: 12 de en la sociedad estadounidense Enero de 2018. de los 1960. Tras obtener un trabajo en un misterioso laboratoSi usted fue parte de la audien- rio del gobierno Elisa descubre cia del festival de cine de Morelia que más allá de lo que nos hacen y logró obtener una entrada para diferentes, existen coincidencias la premiere de el más reciente que crean amistades sólidas ante trabajo de Guillermo del Toro, la adversidad. seguro ya le dijo a todos su co-
EL EXTRA
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Detroit Dirigida por Kathryn Bigelow con un guión de Mark Boal. Estreno en México: 14 de Diciembre de 2017. El movimiento por el respeto a las minorías en los EEUU nos es para nada algo que allá nacido en 2017 con el movimiento Black Life Matters. La población afroamericana lleva décadas pidiendo no ser juzgada en primera instancia por el color de su piel o las condiciones socioeconómicas en las que vive. Detroit aborda los hechos suscitados en la ciudad del estado norteño de Michigan en el año de 1967, cuando policías de la ciudad abu-
saron de la fuerza pública para contener una serie de manifestaciones sociales. Bigelow regresa a su tradicional uso de imágenes de violencia cruda en pantalla dirigidas a través de la historia personal de uno de sus protagonistas como el hilo conductor dentro del caos.
Un beau soleil intérieur Dirigida por Claire Denis con un guión de Claire Denis y Christine Angot. Estreno en México: 14 de Diciembre de 2017 en “salas de arte”.
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Si algo ha destacado a la renombrada realizadora francesa Claire Denis a lo largo de su carrera es emprender proyectos complicados en cine y TV. Nunca ha sido “amigable con la audiencia”. Su trabajo tiene como objetivo cumplir con sus expectativas de cinema de auteur… y de repente… así sin más, nos entrega la comedia romántica del año. Isabelle en una mujer en sus 40 que vive hundida en la frustración de no poderse decir exitosa en lo más elemental de su vida: el amor. Así pues decide emprender una búsqueda exhaustiva del verdadero amor. No el amor de su ex marido, no el amor de sus aventuras. El verdadero amor, ese de: “Y vivieron felices para siempre”.
The Disaster Artist Dirigida por James Franco con un guión de Scott Neustadter y Michael Webber. Posible estreno en México: 22 de Diciembre de 2017. The Room es una película del 2003 escrita y dirigida por
Tommy Wiseau, considerado por sí mismo como un artista en toda la extensión de la palabra. Después de su limitado estreno The Room pasó a la historia del cine estadounidense como La peor película de la historia. Hay una gran historia detrás de cómo se produjo The Room, esto la ha convertido en un afiche de culto dentro de la comunidad cinéfila y el buen James Franco decidió realizar una película sobre la producción de la obra de Wiseau. The disaster Artist es en cierta medida una comedia que critica muchas costumbres de Hollywood abordando la creación The Room, película que si deciden dedicarle 95 minutos de su tiempo se encuentra aquí: https://youtu.be/jkBTRgR_U5o .
basado en la novela de André Aciman. Posible estreno en México: 2 de Febrero de 2018.
The killing of a Sacred Deer Escrita y Dirigida por Yorgos Lanthimos Posible estreno en México: 2 de Febrero de 2018. Si a usted no le suena el nombre Yorgos Lanthimos, se ha estado perdiendo del trabajo de uno de los realizadores más importantes de los 2010. En 2015 su película The Lobster me voló la cabeza y este 2017, en el marco del Festival de Cannes, presentó The killing of a Sacred Deer: Anna y Steven, una pareja de respetados médicos viven con sus dos hijos adolescentes Kim y Bob. Un día como cualquier otro llega Steven un joven de la edad de sus hijos. Martin parece estar buscando el apoyo de una fi-
gura paterna y Steven opta por llenar ese espacio de la vida de Martin. El drama de Lanthimos salió victorioso de Cannes con el premio al mejor guión y es de la películas que más espero de este 2017.
Call me by your Name Dirigida por Luca Guadagnino con un guión de James Ivory
El legendario James Ivory a quien recordarán por The Remains of the Day o Maurice sigue trabajando a sus 89 años. Bajo su mano corre la producción y el guión que el director italiano Luca Guadagnino nos presenta este 2017. Call me by Your Name se estrenó durante el festival de Sundance de este 2017 y aún no ha llegado a muchos mercados internacionales. La historia gira entorno al joven Oliver, asistente del especialista en cultura grecoromana el Dr. Perlman. Durante su estancia en una villa italiana el Dr. Perlman lleva a Oliver a vivir con él y su familia. Ahí Oliver conoce a Elio el hijo de 17 de su jefe. Elio y Oliver entablan una relación que pronto se convertirá en algo más que una simple amistad.
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