RockZone 172 by ROCKZONE

FRANKIE PEREZ photographer Equipp ed with extra suppor t, tractio n and comfor t to keep up with your creativ ity.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: DR

Después de haber pasado un verano sin festivales, esperábamos que la situación a estas alturas hubiera mejorado, pero por desgracia la pandemia sigue entre nosotros y, por ahora, no parece que podamos ver su fin en el horizonte. La situación para el sector de la música es especialmente preocupante, después de tantos meses en dique seco. Y aunque es de agradecer quienes han hecho el esfuerzo de organizar eventos en directo, a pesar de las limitaciones, la realidad es que no es una solución sostenible de cara al futuro. Es indispensable un plan de rescate para que la ya maltrecha cultura en nuestro país no se hunda del todo. Aunque más que lamentarnos, lo que toca es movilizarse. El 17-S empezamos.

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Angelus Apatrida (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 172

06 / OZZYO - DE CINE 08 / OBSIDIAN KINGDOM 14 / NASTY 18 / THE KILLERS 22 / NAPALM DEATH 28 / JEFF ROSENSTOCK 32 / BIFFY CLYRO 40 / DISCO DEL MES 42 / CRÍTICAS 58 / BOB MOULD 64 / BLUES PILLS 70 / NUEVA VULCANO 76 / OPINIÓN 77 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

MANIFIESTAMENTE ANORMAL

ZONA ESPECIAL NOISE

Max

Rivers

Nieto y Xcar

(LA CÚPULA)

(BEAT GENERATION)

Malavida

El gran Max está enfadado; ¿quién le desenfadará? Realizado durante el confinamiento, de marzo a junio, el autor arroja sobre las páginas de este tebeo su ira, rabia y frustración sufrida aquellas semanas, hacia la gente, sociedad y diferentes estamentos. A poco que se empatice, puede identificarse cualquiera con este ejercicio catárquico que simplemente sirve para compartir y compadecer, asentir en la obviedad y darse cuenta de que ya es pasado desactualizado por cosas peores vividas desde su lanzamiento. SG EL ÚLTIMO CÓMIC DE LA HISTORIA Manuel Álvarez (FANDOGAMIA)

La pandemia ha servido para poner al día la pila de lecturas atrasadas, como este recopilatorio de todas las tiras de Manuel Álvarez publicadas en la sección de cómics online de la editorial. Con su estilo de cartoon exagerado, cómico, tierno y grotesco al mismo tiempo, encadena un humor nada fino y sutil, del de bofetada directa, muy efectivo y aderezado de un surrealismo violento que funciona de maravilla en el estilo con el que se mueve. SG

David Von

JALEO CÓSMICO Dani García

(EDITORIAL CORNOQUE)

Mucho se ha escrito sobre la escena punk y hardcore estatal de los 80s. Una historia donde hay mucho y bueno por contar, pero de difícil reconstrucción ante lo disperso de la información. Zona Especial Noise puede que cubra de una manera definitiva ese vacío, aunque para empezar el autor recalca que este es un ensayo sobre música extremista, término que resumiendo sus propias palabras viene a aglutinar el punk, hardcore y metal de los 80’s que cada vez se van radicalizando más en todos los sentidos. Este no es un libro para tomárselo a la ligera, ya que sus 700 páginas son una declaración de principio en si mismas. Que el asturiano David Von Rivers, haya querido sentar cátedra definitiva ya es otra cuestión, pero será complicado que podamos ver en el futuro obras más completas, y complejas.. El gran reto que ofrece al lector el ensayo, es que a diferencia de otros trabajos centrados en escenas, es que no se puede utilizar como un libro de simple consulta donde encontrar de un solo vistazo discos o bandas referenciales, sino que Zona Especial Noise se ha de leer como su fuera una novela, donde cada capítulo te lleva el siguiente. Las evoluciones e influencias musicales son importantes, pero también hay un trabajo encomiable en la contextualización política y social y como esta fue influyendo en las propias bandas, ya sensibles a los movimientos sociales. RR

Repitiendo la fantástica jugada, los autores ofrecen en esta segunda entrega de Martina y Marcial, un tebeo entretenido para la chavalada al que le han metido unas cuantas actividades para que los lectores le den a los lápices y se estrujen un poco la cabeza sin olvidarse de valores transversales que atraviesan sus aventuras. Para los adultos, han introducido divertidas referencias con las que alegrarles también el rato. SG LLUVIA Mary M. Talbot y Bryan Talbot (LA CÚPULA)

La pareja artística formada por los Talbot vuele a la carga con otro cómic político, en esta ocasión de profundos valores medioambientales y ecologistas haciendo gala con orgullo de un nada disimulado proselitismo activista. Ambientado en las inundaciones en Reino Unido de 2015, la pareja nos presenta las vicisitudes de un grupo de activistas y cómo cambia la sensibilidad de una de ellas. Eso sí, con un fondo tan bueno, y siendo Mary académica, sorprende que se hayan colado varias inexactitudes y errores científicos. SG

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN ORÍGENES SECRETOS - CÓMICS QUE MATAN

esconozco si cuando David Galán Galindo decidió escribir su novela Orígenes Secretos, la intención era llevarla a la gran pantalla, pero en cuestión de medio año, ha llegado a las librerías y su película acaba de aterrizar en Netflix. Tuvo que llegar el cine español, la antítesis del subgénero superheróico, para ofrecer una película digna, emocionante, divertida y con un poquito de corazón dentro de ese catálogo de medianías en que se está convirtiendo la plataforma de la ene mayúscula. Galindo, ayudado por Fernando Navarro en el guión, ofrece una relectura de los códigos superheróicos que hemos visto y leído millones de veces, pero dentro de un vehículo de aires noir, casi de thriller noventas, inédito por aquí. Javier Rey encuentra un personaje a su medida como ese joven policía dispuesto a tomar el relevo del último dinosaurio de

la comisaría, un Antonio Resines transmitiendo y actuando como hacía mucho que no veíamos. Además, Verónica Echegui y Brays Efe aportan ganas, energía y sentido del humor, logrando un cuarteto protagonista que funciona en grupo y por separado. Es importante, mucho, la labor de colaboraciones como las de Ernesto Alterio o Leonardo Sbaraglia, dos veteranos que disfrutan del juego que dan sus personajes y que sin duda sorprenderán al espectador. La fotografía de Rita Noriega, a quien tendremos que empezar a tener en cuenta tras sus imponentes trabajos en Cerdita, el corto de Carlota Pereda que se llevó el Goya el año pasado, funcionan a la perfección, devolviéndonos a los viejos tiempos lluviosos y grises del cine post Se7en. Pero los verdaderos héroes de la función son los diseños de producción y artísticos, pero ante todo el portentoso trabajo de maquillaje de la película. Orígenes Secretos, una historia de grapas, héroes y villanos, pero también de crímines atroces, nos regala algunos de los crímenes más atractivos del reciente cine español. Y a pesar de que, como digo más arriba, estamos ante una tortilla de referentes que casi da pereza enumerar, la receta es tan fresca como el resultado. Una apuesta original, a su modo, pero sobre todo atrevida y sin complejos.

OBSIDIAN KINGDOM

LA LEY DE LA CARNE NUEVAS CARAS Y NUEVOS SONIDOS EN LOS OBSIDIAN KINGDOM DE 2020. LA BANDA DE BARCELONA HA SUFRIDO UNA REVOLUCIÓN INTERNA QUE QUEDA PLASMADA EN SU TERCERA ENTREGA, MEAT MACHINE . ABRE LA MENTE Y ABRÓCHATE EL CINTURÓN, PORQUE EL VIAJE QUE PROPONEN NO ES PARA DÉBILES. TEXTO: JORDI MEYA * FOTOS: DR * ESTA ENTREVISTA HA SIDO EDITADA RESPECTO A SU VERSIÓN ORIGINAL A PETICIÓN DE LA BANDA.

UANDO EN 2016 OBSIDIAN KINGDOM PUBLICARON SU SEGUNDO ÁL-

BUM, A Year With No Summer,

poco imaginábamos que su título pudiera ser tan profético cuatro años después. Muchos de los temas que abordaban en esa obra se han ido haciendo realidad, incluso con más crudeza. Su nuevo disco MEAT MACHINE, que verá la luz el 25 de septiembre a través de Season Of Mist, vuelve a reflexionar sobre cuestiones que ahora están agitando el mundo, y seguirán haciéndolo en el futuro, desde la identidad de género al consumo de carne. Temas delicados que también alteraron el seno de la formación catalana, y acabaron desembocando en la salida de Irene Talló (Eaten Roll I) en medio de la grabación del disco, siguiendo el mismo camino que antes habían tomado el guitarrista Josep Ortiz (Prozoid Zeta JSI), el bajista Oso De La Fuente (Fleast Race O’Uden) y el teclista Esteban Portero (Seerborn Ape Tot). Sería fácil atribuir a estos cambios de componentes el nuevo sonido que encontramos en el álbum, pero la realidad es que, a estas alturas, ya tenemos claro que Obsidian Kingdom no van a hacer dos discos iguales. El metal progresivo y oscuro de Mantiis (2013) dio paso al rock industrial de A Year With No Summer, y en MEAT MACHINE, aunque conservan algunas de esas influencias noventeras, para nada podemos hablar de un disco nostálgico. Ritmos pesados se combinan con otros bailables, temas de belleza cristalina con otros abrasivos, y también han entrado con fuerza algunos pasajes melódicos realmente

brillantes. De todo ello hablamos con su cantante, guitarra y fundador Edgar Merigó (Rider G Omega), quien nos explicó sin pelos en la lengua el tumultuoso periodo que han vivido hasta llegar aquí.

que habíamos dado un mal paso, y no lo era. En retrospectiva tengo que decir que era un disco muy honesto, en el que hicimos lo que queríamos hacer. Creo que el álbum no está tan mal”. Es que está muy bien.

Cuando sacasteis la obra anterior, me dio la sensación de que habíais subido un peldaño en cuanto a exposición, pero quizá no habíais llegado a donde esperabais o merecíais. ¿Con qué actitud empezasteis a trabajar en el nuevo disco? ¿Desde la

“Yo creo que el concepto es muy interesante, y está bien meterse en ese universo, pero no tenía ningún tema memorable o un hit. Eso hace que no sea un disco al que quieras volver con frecuencia. Fue un experimento válido, pero nos quedamos igual de donde estábamos”.

bajona de tener que volver a construir algo desde cero o con

Me resulta curioso que, por un

ambición y ganas de comeros el

lado sois un grupo muy concep-

mundo?

tual, pero luego hablas de tener

RIDER G OMEGA “Yo tuve una

hits. A priori choca un poco.

depresión después de A Year With No Summer por muchos motivos. El no haber llegado a donde queríamos, también implicó una pérdida de pasta porque nos lanzamos a la piscina en plan ‘éste es el disco, vamos a hacer mil camisetas, mil ediciones de merch…’, y eso no se recuperó porque la gente no vio el disco como un upgrade, sino como una mutación extraña. Todavía hay gente que nos lo recrimina. Con Mantiis veníamos del mercado del metal, y ese disco tiraba más al rock alternativo. Casi más que rechazo, hubo mucha indiferencia, y eso a mí sí que me afectó profundamente. Ya sabes cómo funciona la música aquí, y a la mínima que te dan un billete de la lotería, sueñas con que te toque el Gordo. Y pam, nada, ni el reintegro. Y a raíz de esa desilusión también se fue mucha gente del grupo que pensaban que íbamos a petarlo. Nos quedamos pocos, desanimados… y pobres (risas). Nos quedamos con la sensación de

“Tienes toda la razón. Y ahí está el fallo. El cazador que persigue a dos conejos, pierde a los dos. Creo que eso les pasó un poco a Baroness. Hablando con John Baizley me dijo que quería pasar de lo conceptual a lo puntual, quería escribir canciones como los Beatles, quería que la gente recordara sus canciones y pudiera tocarlas en una fiesta con una guitarra, y eso no puedes hacerlo con los temas de Red. Han ido en esa dirección y les ha funcionado. Pero mi manera de componer no es ésa. Necesito un marco conceptual. Yo me planteo escribir un disco, no un tema. Seguramente porque tengo tantas ideas en la cabeza que no puedo meterlas todas en un tema. Pero creo que en MEAT MACHINE hay más canciones que se recuerdan. No diría que son hits, pero unos temas destacan más que otros a la primera escucha. Creo que ahora estamos más cerca de conseguir eso

que antes”. Mastodon sería un buen ejemplo de banda que sabe hacer discos

plicada durante la grabación, aunque para entonces ya había alcanzado el nivel que requeríamos de ella. Pero el daño ya estaba hecho”.

conceptuales y hits al mismo tiempo.

Era una cuestión de inseguri-

“También es que, con el bombardeo de información, la gente tiende a recordar temas, más que discos. Mucha gente sólo escucha el single o el vídeo y se forma una opinión en función de eso. De A Year With No Summer sólo hicimos un videoclip del tema más pocho del disco y la gente se quedó con esa idea. Con Mantiis era incluso peor porque resultaba imposible resumirlo en una canción. Ahora queríamos trabajar a partir de iconos emblemáticos. Yo creo que el primer single, ‘MEAT STAR’, tiene gancho e invita a escuchar el resto”.

dad…

Recuperemos el hilo. ¿Cómo se reconstruye la banda y cómo

“Entre otras cosas. Y no ayudaba la presión de tener que hacer el tercer disco, del directo… La grabación fue un suplicio. Durante la composición, ella viró hacia componer y cantar, en lo que era muy buena, pero claro, necesitábamos que tocara la guitarra. De todas maneras, no hay que olvidar que escribió gran parte del disco, e interpretó todas sus partes en la grabación. Al final Irene dejó el grupo habiendo grabado cinco canciones que cantaba ella. Entendió que las regrabáramos porque era la mitad del disco, aunque al final se han quedado sus coros y algunas voces”.

lográis hacer un álbum nuevo?

“De entrada, consiguiendo nuevos miembros, que es súper difícil. Se fue Josep, se fue Oso, luego tuvimos a Esteban, que empezó con la guitarra, pasó a los teclados, y luego se fue. Y después de haber compuesto y grabado el nuevo álbum, se fue Irene”. ¿Por qué decidió irse si ya estaba todo en marcha otra vez?

“Irene se fue por varios motivos. El principal es que cuando entró en la banda recibió mucha presión, especialmente por mi parte, por lo que respecta al nivel de guitarra que tenía entonces. Reconozco que tengo bastante carácter y que mi actitud no sólo no surtió el efecto deseado, sino que además ella la percibió, en ocasiones, como excesiva. Toda esa presión reapareció multi-

¿No se negó a que los usarais?

“No. En eso Irene fue muy legal y honesta. Porque al final los temas no eran sólo suyos. Ella quería que saliese y lo sentía como suyo pese a todo. Quería que su nombre saliese en los créditos y que se reconociese su labor. El disco es también muy de Irene y a raíz de esa lucha, el álbum no tiene un discurso concreto, es más una serie de interrogantes”. ¿Cuáles dirías que son los ejes principales?

“Para mí los grandes caballos de batalla que están reflejados en el disco son: las dinámicas de consumo, que entronca con la ecología, el discurso de género, que entronca con la identidad, y las preferencias sexuales”.

De hecho, ahora tenéis a una mujer trans en la banda, Jade Riot Cul. ¿Cuándo os lo comunica y cómo vivisteis su transición?

“Es una historia muy curiosa. Cuando Judit entró en la banda, antes de transicionar, no acabó de encajar. Siempre tenía muchas reservas y nunca se integró. Los dos primeros años no participaba apenas. En un momento dado nos ofrecieron una gira y nos dijo que por su naturaleza no se sentía cómoda compartiendo un autobús con mucha gente y tantos meses fuera de casa. Nosotros no sabíamos nada. Teníamos que decidir si hacíamos la gira sin ella, o nos poníamos a hacer el disco nuevo, y más adelante ya veríamos. Y optamos por la segunda

“QUERÍAMOS HACER UN DISCO DE METAL Y ROCK, PERO SIN LOS RECURSOS DEL METAL Y EL ROCK” RIDER G OMEGA

opción. Eso le dio la oportunidad de transicionar. El punto de inflexión fue el photoshoot. Nosotros teníamos claro que queríamos pensar nuestra imagen y cada uno se fue posicionando. Y ella dijo que quería algo más andrógino, y le dijimos ‘adelante’. Y al día siguiente nos mandó una foto con un vestido de mujer. Que no pasa nada, pero nos chocó porque cuando se presentaba en masculino solía ir con chándal y muy tirado, y ahí aparecía muy glamourosa. Y entonces fue cuando dijo que tenía que hablar con nosotros”. ¿De esto cuánto tiempo hace?

“Hará año y medio. Quedamos y nos lo explicó, y al cabo de un mes em-

pezó a tomar antiendrógenos y estrógenos. En las primeras fotos, en las que todavía sale Irene, apareció ya como Judit. Para nosotros ha sido un aprendizaje brutal porque no conocía a ninguna persona transexual y ahora es amiga mía y podemos hablar de todo. Yo soy muy vocal con mis opiniones, pero quiero que me resuelva dudas desde el respeto. A mí me parece algo maravilloso. Y además, desde ese momento Judit empezó a participar de manera muy productiva en la banda. Es otra persona. Ahora es la primera que quiere salir de gira. Hemos tenido una reacción muy adversa por parte de algunos fans de Season Of Mist, pero no importa. Espero que haga reflexionar a la gente, pero

nuestra manera de normalizarlo es no darle importancia. Tenemos una mujer trans, ¿y qué? Tampoco queremos hacer bandera de eso e ir de guays”. Al final, en realidad, es poner un espejo delante de la persona que lo critique.

“Sí. Sigue con el discurso de buscar la propia individualidad como punto de partida de todo”. A parte de Judit, ¿cómo es el proceso de integrar al resto de miembros nuevos?

“Es complicado porque somos una banda prometedora, pero deficitaria. Al contrario que Trujillo en Metallica, aquí hay que invertir un capital y que,

“CREO QUE ESTE DISCO CAMINA POR EL FILO DE LA NAVAJA, PERO ESO LO HACE INTERESANTE” RIDER G OMEGA

si nos vamos de gira, tienes que dejar el curro que tengas. Así que no es fácil. Pero afortunadamente seguimos teniendo ese billete dorado de Willy Wonka. No es fácil encontrar a gente especializada en sintetizadores, porque no buscamos sólo un teclista, sino alguien que sepa de electrónica, sonido y tecnología. No se trata de tocar el piano. Y Víctor (Vallespir, aka Viral Vector Lips –ndr.), el guitarra, pese a ser más joven, también es un shredder total”. En la escucha para medios que hicisteis, comentaste que Jorge Mur, el productor, dijo que la primera maqueta del disco que le pasasteis era una mierda. ¿Cómo pasáis de una mierda a un álbum que está de puta madre?

“Con un año de por medio en el que lo replanteamos todo. El fondo era el mismo, pero cambiamos la forma”. ¿Eran canciones distintas?

“Los títulos, los conceptos, eran los mismos, pero el sonido, los riffs, eran completamente distintos. A Jorge le horrorizó. No quería otro disco aburrido, y nos dijo que éste era todavía más aburrido. Queríamos hacer un disco de metal y rock, pero sin los recursos del metal y el rock. Partimos mucho de sintetizadores, de ritmos bailables, de atmósferas… Creo que habíamos caído en el mismo error que en A Year With No Summer, de pensar que el concepto lo aguantaba todo. Pero Jorge nos hizo ver que nuestras ideas súper místicas no eran atractivas per sé, que la gente no iba a dedicarle el tiempo para escarbar. Es al revés, si consigues a través de un tema que se motiven a saco, quizá

un pequeño porcentaje se interese por saber de qué va esto. Así que se lanzó todo a la basura, y volvimos a empezar”. Vaya cura de humildad, ¿no?

“Totalmente. Lo hizo de manera muy insultante, sin ninguna delicadeza (risas)”.

muy bien. Determinados cambios armónicos y melódicos, también. Dirigir la atención hacia un punto y luego cambiarlo. A Year With No Summer no tenía eso. Era más gris y lineal. En éste pasamos de un extremo a otro. Creo que hemos mejorado mucho, pero todavía no hemos llegado”. Has descrito los hooks de una

¿Y no estuvisteis tentados de

manera muy técnica. ¿Te pusiste

decirle ‘Jorge, no lo pillas. Nos

hits de Katy Perry o Miley Cyrus

buscamos a otro’?

para estudiar cómo lo hacen?

“No. Jorge es irrenunciable. Es el quinto Beatle y su palabra es la ley. Pero lo es porque está con un pie dentro y otro fuera. El otro día escuchaba a Kayne West decir que cuando haces cualquier obra artística tienes que tener el máximo feedback posible de la gente con la que tengas la máxima intimidad. Porque no te engañarán. Tienes que buscar activamente la crítica destructiva. Tienes que escucharlos. Si tiras adelante algo sobre lo que estás muy convencido, tira adelante. Como por ejemplo de la portada del disco, pese a lo que digan los pacoblacks que siguen a Season Of Mist. Lo que me dijo Jorge me dolió, pero el hecho de que me doliera me hizo ver que quizá tenía razón. Y quizá lo sobrecompensamos: ‘Si quieres divertirte, con éste no te vas a aburrir’”.

“Absolutamente. En el pop es donde está la fórmula de los tempos, de la duración de las partes. Esta gente parte del manual de escribir temazos y todo lo que puedas aprender de ahí es súper enriquecedor. La gente que ha triunfado como Eminem y ha revolucionado géneros es porque ha incorporado recursos del pop. O Baroness. Pero tampoco puedes seguir sólo una fórmula, tienes que ofrecer algo distinto. No sólo tiene que ver con la música, sino con los colores, el concepto estético. Tienes que estar al límite de rozar el ridículo. Meter vocoders o ritmos funky es anatema en el mundo del metal. Yo creo que este disco camina por el filo de la navaja, pero eso lo hace interesante. A mí me encanta tener haters, porque al menos quiere decir que has tocado el nervio. A mí me divierte mucho componer, aunque sea complicado porque lo hacemos entre los cinco. Pese a mi caricatura de fascista totalitario creo que somos la única banda realmente democrática del mundo (risas)”.

Pero querer hacer algo más pegadizo y poder hacerlo son cosas distintas. No es tan fácil hacerlo bien.

“Hacer hooks es la magia. Los que saben hacerlos han triunfado y los que no estamos comiendo mierda. Los hooks tienen que ver con el contraste sonoro. Contraponer cosas muy graves con cosas muy agudas, funciona

NASTY

EPIDEMIA DE VIOLENCIA

HA LLEGADO LA HORA DE LA VERDAD PARA NASTY, Y NO SE VAN A ACHANTAR. CON CENTURY MEDIA EDITANDO SU NUEVA OBRA, SU CORROSIVO BEATDOWN HARDCORE VA A ALCANZAR UNA PROYECCIÓN NUNCA VISTA HASTA AHORA. ¿PREPARADOS PARA DISPUTAR OTRO ROUND EN EL PIT ? TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

L BEATDOWN NO ACOSTUMBRA A SER UN ESTILO DEMASIADO BIEN VISTO entre los veteranos o

los académicos del hardcore. Su simplicidad técnica, unida a su aparente voluntad de únicamente existir para destruir audiencias, no suele comulgar con aquéllos que esperan mucho más del estilo en todas sus distintas facetas. Le ocurre algo así como al slam respecto al brutal death o al goregrind (ya no digamos pornogrind) ante las huestes del genuino grindcore. Muchos no comulgan con su estética, el mensaje que a veces propone o ese afán, en la mayoría de los casos, de sólo engorilar al público mientras se suceden las patadas voladoras, los tortazos y los molinillos. Con su fichaje por Century Media, Nasty han conseguido romper un techo de cristal y situar su beatdown en el candelero europeo. Cualquiera que les siga de hace tiempo sabrá lo duro que Matthi (voz), Paddy (guitarra), Berri (bajo) y Nash (batería) han peleado para llegar hasta este punto. Extensas giras, inquebrantable determinación e incontables litros de sudor han llevado a este grupo mucho más lejos que bastantes compatriotas también ampliamente reputados. Bélgica, tierra abonada al hardcore metalizado, con sus rencillas y su ‘edgemetal’, zona más que influenciada por el New York Hardcore, lugar de culto para acérrimos de Congress, Arkangel, Liar, Deformity o Rise And Fall, ha logrado escalar desde las grietas más subterráneas y abrirse paso

hacia otro nivel de público mediante Menace, el álbum que enseguida diseccionamos junto a un cantante que podría haberse estirado algo más con sus respuestas. ¿Cómo estás llevando todo el tema de la pandemia? ¿Has po-

siempre el mismo disco, ¿no?

“Intentamos poner algo más de estructura en nuestras canciones sin perder agresividad. También añadimos algunas cosas que creo que nunca antes habíamos tenido en los temas. Por ejemplo, nuestra primera parte 2-step dura alrededor de 5 segundos (risas)”.

dido entrenar durante el confinamiento o los peores días de ésta?

Bueno, sea como sea, al final del

MATTHI “Estamos tratando de man-

álbum estamos totalmente des-

tenernos productivos, creativos, para de alguna manera compensar el daño que la pandemia está haciendo. Y sí, pude entrenar al aire libre con ejercicios de peso corporal”.

truidos como siempre (risas).

“Yo feliz con que te guste”. De la misma forma, vuestro mensaje siempre ha sido ético y positivo. Es algo que mucha gen-

La música y las letras de Menace

te sigue sin comprender, que de

están directamente influenciadas

una música tan agresiva pueda

por esta crisis, ¿verdad?

surgir un mensaje válido para los

“Sí, casi la mitad del álbum fue escrito durante el confinamiento”.

jóvenes y de progreso para la

¿Y cuál es exactamente ‘the menace’ (‘La amenaza’ –ndr.)? Por lo que he podido leer, es el mundo y nuestro impacto en él.

“Sentimos que este mundo es o puede convertirse en una amenaza para ti, pero también puede convertirte a ti en una amenaza para él”.

sociedad.

“La música de la que venimos originalmente ha ido más sobre el mensaje que sobre la música en sí. Al menos eso es lo que sentimos y lo que pensamos que es importante”. ¿Qué buscabais mostrar con la portada de Michael Shantz? ¿Eres tú el personaje que aparece en ella?

El nuevo álbum sigue siendo pura violencia musical, pero no es tan beatdown como los anteriores, al menos las primeras canciones… Podríamos decir que os habéis abierto un poquito, sólo un po-

“No, se supone que no soy yo. El artwork está mostrando algo de la locura o los estados en los que se encuentra este mundo. El personaje principal está lidiando con ello o es un producto de su entorno”.

quito, en términos estilísticos. Por otro lado, las bandas evolucio-

No habéis parado de trabajar

nan, sería muy aburrido hacer

y girar por todo el globo, y el 15

premio es haber firmado con un

“¡Eso espero! Ése es el plan al menos”.

sello importante como Century

Nasty es un ejemplo de banda que ha luchado desde lo más

Media. De la misma manera,

Bélgica ha sido siempre muy

abajo, con mucha fe, una ban-

imagino que lo veis como un

prolífica en cuanto a hardcore,

da que ha crecido sin dejar de

nuevo punto de partida para

incluso tenéis la escena propia

pertenecer al underground más

llegar aún más lejos.

H8000 (pronunciar como ‘hate

estricto. ¿Cuál es tu consejo para

“Fichar por Century Media es definitivamente una oportunidad para difundir lo que hacemos a través de nuevos canales y de acercarnos a personas que aún no nos conocen. Nosotros, como banda, simplemente haremos lo que siempre hemos hecho, ojalá, con algo de impacto adicional ahora”.

thousand’ –ndr.), pero siempre

los grupos de hardcore que em-

se ha movido en el underground,

piezan o que continúan sin con-

con sus propias reglas y sellos.

seguir grandes contratos o giras

¿Crees que vuestra llegada a

europeas importantes?

Century Media podría ser una

“Creemos en el trabajo duro y la diversión. En realidad nunca tuvimos un plan, seguimos adelante y de alguna manera crecimos durante el proceso”.

oportunidad para que muchas otras bandas de tu país se den a conocer a un nivel mucho más amplio?

Estar en Century Media es un adelanto, un gran salto, especialmente en lo que a promoción se refiere. Por ejemplo, os sigo y escucho desde hace muchos años, pero hasta ahora nunca había tenido la oportunidad de

“Sería bueno ver más bandas de, si quieres llamarlo ‘nuestra escena’, recibiendo más atención y oportunidades para crecer. Hay mucho talento y grupos fantásticos que deberían recibir más atención por parte de sellos y promotores”.

entrevistarte.

“Sí. Como he comentado, a través de años de existencia y su gran red, podemos llegar a muchos lugares en los que Nasty no existían antes”. Viendo vuestra carrera, opino que fue con Love cuando mucha gente empezó a seguiros masivamente. ¿Opinas lo mismo, crees que ese álbum fue un punto de inflexión para la banda?

“Love fue nuestro primer lanzamiento con BeatdownHardware Records y una especie de primer disco con la debida promoción en revistas, etcétera. Creo que fue un gran paso adelante, pero siento lo mismo con los siguientes lanzamientos Shokka y Realigion. Cada álbum nos hizo avanzar”. Sí, y ahora, con el impulso de Century, mucha más gente os va a seguir. 16

Para terminar, he estado en vuestros conciertos y muchos otros donde a veces el violent

dancing se ha vuelto salvaje. Ya sabes, crowd killing, puñetazos en la cara a gente que simplemente está al fondo de la sala tomándose tranquilamente

Uno de mis sueños es ver algún

una cerveza, con la calma… Me

día a Nasty y Rise Of The North-

parece bien todo lo que ocurra

star girando juntos. ¿Crees que

dentro del pit, pero en ocasiones

alguna vez ocurrirá?

veo peña que sólo golpea a otra

“Sí, nos gusta Rise Of The Northstar y tenemos contacto con frecuencia. Una banda única haciendo lo suyo propio. Esta forma de pensar a menudo es difícil de encontrar hoy en día… Sería genial formar equipo y girar juntos, pero no puedo prometerlo”.

para liberar sus frustraciones in-

Últimamente es bastante normal ver a grupos de beatdown hardcore compartir escenario con formaciones de brutal death slam. ¿Qué opinas de esta alianza? ¿Eres purista del hardcore?

“Nadie de nosotros en Nasty es purista respecto al hardcore, nos encanta la idea de mezclar line-ups en general. No debe haber fronteras entre los estilos musicales”.

maduras. ¿No crees que a veces todo esto es un poco excesivo e innecesario?

“Puede ser excesivo, sí. Pero no queremos juzgar. Desde luego no debes herir a nadie a propósito y de alguna manera debes cuidar al uno del otro. Pero todo el mundo en el público es responsable de sí mismo y tiene sus propias luchas. Bueno, muchas gracias por la posibilidad de difundir la palabra y por el tiempo dedicado a esta entrevista. ¡Espero verte algún día en vivo de nuevo!”.

“NADIE DE NOSOTROS EN NASTY ES PURISTA RESPECTO AL HARDCORE. NO DEBE HABER FRONTERAS ENTRE LOS ESTILOS MUSICALES” MATTHI

THE KILLERS

FUEGO EN EL OASIS TODO EL MUNDO PARECE HABERSE PUESTO DE ACUERDO EN QUE IMPLODING THE MIRAGE ES EL MEJOR DISCO DE THE KILLERS EN AÑOS. CURIOSO, TENIENDO EN CUENTA QUE SE HIZO CON EL 50% DE LA BANDA SEMIRETIRADA… EL BATERÍA RONNIE VANNUCCI JR. NOS CUENTA CÓMO, JUNTO A BRANDON FLOWERS, CONSIGUIERON LLEVAR LA NAVE A BUEN PUERTO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L IGUAL QUE LAS PAREJAS, CADA BANDA ES UN MUNDO. Y sólo

quienes forman parte de ella saben de verdad qué ocurre cuando se cierra la puerta del dormitorio… o del estudio. A todos los efectos, The Killers siguen siendo una de las bandas más grandes del planeta. Casi cualquier músico estaría encantado de tener la oportunidad de poder tocar por todo el globo para decenas de miles de personas y disfrutar de todo el tiempo y recursos para crear su música. Pero por motivos que se nos escapan, y que tampoco ninguno de ellos está dispuesto a discutir abiertamente, la formación clásica de The Killers se ha ido descomponiendo en los últimos años. El guitarrista Dave Keuning decidió, tras grabar su último disco, el flojo Wonderful, Wonderful en 2017, que no quería salir de gira. Y cuando le convocaron para grabar el nuevo tampoco mostró ningún interés en participar. Algo parecido ocurrió con el bajista Mark Stoermer. Aunque sí estuvo en la grabación, cubriendo en parte las guitarras de Keuning, se mantuvo siempre en un segundo plano y no estuvo presente en gran parte del proceso. Pese a ello, Brandon Flowers (voz, teclados) y Ronnie Vannucci Jr.

(batería) estuvieron decididos a llenar el hueco. Reclutando a los productores Shawn Everett (Weezer, Haim) y Jonatha Rado (Foxygen) y llamando a invitados como Lindsey Bukingham (Fleetwood Mac), Adam Granduciel (The War On Drugs) o la veterana K.D. Lang, consiguieron ordenar todas las piezas del puzle. Es más, su sonido incluso ha ganado en grandilocuencia, si es que era posible. El pasado 25 de agosto, Ronnie nos atendía desde el manos libres de su coche mientras cruzaba el desierto de Nevada. ¿Hay una imagen más The Killers que ésa? Las críticas del nuevo álbum están siendo muy buenas, algunos incluso dicen que es el mejor de vuestra carrera. ¿Prestas atención a esas cosas? RONNIE VANNUCCI JR. “Siempre

es bonito que digan cosas positivas de ti. Nunca sabes lo que esperar hoy en día. He aprendido a aceptar lo que venga, pero es genial que se aprecie tu trabajo. Me hace sentir bien”. Éste es un disco concebido de manera distinta porque Dave está fuera de la banda y Mark

decisión de trabajar con los productores Shawn Everett y Jonathan Rado. Sabíamos que iba a sonar distinto porque faltaba la mitad del grupo, así que decidimos aceptarlo e ir a por ello. Nos llevó un tiempo, pero creo que asumimos que teníamos que tomar riesgos”. Tanto Brandon como tú habíais editado discos en solitario. ¿No os dio eso un poco de confianza de que juntos podríais hacer un

terminasteis para el nuevo trabajo que os hizo sentir que estabais en el camino correcto?

“Fue ‘My God’. La mayor parte del tema la grabamos en el rancho que convertimos en estudio. Lo hicimos casi como un experimento con Shawn Everett y Jonathan Rado, y fue muy rápido y tan inesperado que nos animó mucho. Sonaba refrescante. Fue cuando vimos claro que debíamos seguir adelante con ellos”.

álbum de The Killers?

“Hacer esos discos fue divertido. En resumidas cuentas, los hicimos porque Dave y Mark necesitaban un descanso (risas). Así que ahora nos encontramos básicamente en la misma situación, pero con un disco de The Killers. Supongo que ya no necesitaremos hacer más discos en solitario (risas). Hacer mi álbum me dio una nueva perspectiva, y también me hizo apreciar más lo que todo el mundo aporta a The Killers. Cuando escribes un tema, tocas los instrumentos y también cantas, ves lo difícil, y lo buenos que son tus compañeros. Más que confianza, me hizo admirar mucho más el papel que cada uno cumple en la banda”.

estuvo menos involucrado también. ¿Cómo afrontasteis el reto?

Cuando escuché Imploding The

“Enlazando con lo de antes, las críticas positivas son una especie de confirmación de que superamos ese reto. Pero quiero recalcar que los dos son todavía miembros del grupo. Pero sí, fue estresante de entrada. Todo estaba abierto cuando supimos que Dave y Mark no iban a venir al estudio o a la casa que alquilamos siete meses en Utah para crear el álbum. No sabíamos cómo íbamos a hacerlo o cómo iba a sonar. Eso influenció la

Mirage pensé que en un univer-

¿Cuál fue la primera canción que

so paralelo podría haber sido el disco que U2 hubieran grabado después de Rattle & Hum y de

El otro día vi un vídeo que Brandon y tú grabasteis hace dos años para Apple Music en el que os ponían varias novedades de otros artistas y os pedían vuestra opinión. Y uno de los temas que sonaba era de The War On Drugs y los dos decíais que os encantaría ser miembros de esa banda. ¿Fue invitar a Adam Granduciel una manera de sentir cómo debe ser formar parte de The War On Drugs, ni que fuera en un disco de The Killers?

“(Risas) Sí, es divertido. Respeto mucho a Adam y a The War On Drugs. Una de las ventajas de este disco es que podíamos llamar a quien quisiéramos para ver si querían colaborar. Shawn es buen amigo de Adam, y éste vino al estudio un día que nosotros ya nos habíamos ido, y Shawn le puso varios temas. Creo que fue así como se animó a participar”.

haber seguido en su obsesión por América, en lugar de haber

‘Blowback’ tiene una línea de

girado hacia sonidos más euro-

guitarra muy Tom Petty, y en tu

peos en Achtung Baby.

álbum en solitario había más de

“Oh, me encanta esa comparación. Amo a U2. Pero nunca me lo había planteado así. Quizá tengas razón, no sé (risas)”.

un tema que me recordaba a él. ¿Podrías hablar de su influencia en vuestra música?

“‘Blowback’ la empezamos a escri-

“SABÍAMOS QUE EL NUEVO DISCO IBA A SONAR DISTINTO PORQUE FALTABA LA MITAD DEL GRUPO, ASÍ QUE DECIDIMOS ACEPTARLO E IR A POR ELLO” RONNIE VANNUCCI JR.

bir en el estudio Sound City, en Los Ángeles, del que Dave Grohl hizo un documental hace unos años. Y estar en esa sala donde Tom Petty & The Heartbreakers, y otras bandas de Los Ángeles, han grabado sus discos te hace sentir una especie de resonancia o presencia que te invade. Así que metimos una guitarra de doce cuerdas, hice una pista de batería muy rápidamente y encontramos una canción monstruosa. Es una de mis favoritas del disco. Así que podríamos decir que el fantasma de Tom Petty está en esa canción. Somos grandes fans suyos y de los Heartbreakers. Crecimos escuchándolos. Mike Campbell es uno de mis guitarristas preferidos”. Siempre habéis tenido un sonido muy grande, e incluso más en este disco. Muchas veces se os define como ‘stadium rock’, algo que, al contrario de otras bandas, no parece que os moleste. ¿De dónde sale esa am-

bición de querer ser una banda

Poniéndonos en el peor caso de

de estadios?

que no se pudieran celebrar con-

“No lo sé. Quizá esa actitud sea porque somos de Las Vegas, una ciudad donde todo se hace a lo grande. Sólo puedo decirte que nos gusta lo que hacemos y no podemos evitar escribir canciones que suenan enormes. La verdad, no lo sé”.

ciertos durante muchos años ¿te-

¿Crees que esta ambición es la que os ha hecho sobrevivir a muchas otras bandas que empezaron al mismo tiempo que vosotros?

“No sé, yo creo que esos grupos siguen ahí. Muchos de nuestros amigos siguen en activo y les admiramos. Yo sigo pensando que The Strokes es una de las mejores bandas de rock’n’roll que existen. Cada miembro del grupo tiene mucho talento. No sé, nosotros trabajamos duro y no queremos perder lo que hemos conseguido. Sobre todo, porque es divertido, es como una adicción. Es quienes somos”.

néis algún plan B como banda? ¿Alguna alternativa?

“El plan ahora mismo es hacer otro disco. Estoy conduciendo desde Las Vegas al norte de California para trabajar en él. Llevo una semana componiendo y grabando. Estamos intentando promocionar Imploding The Mirage de la mejor manera que podemos, pero ahora seguimos con la mentalidad de componer y grabar. Normalmente, ya habríamos estado en la carretera desde abril, pero en estas circunstancias no hicimos el cambio de chip y seguimos en modo creativo. Ha sido muy natural ponernos a trabajar en otro disco porque no tenemos otra cosa que hacer. Pero ojalá podamos volver pronto a girar”.

NAPALM DEATH

NADIE ES ILEGAL

INTACHABLES, INCORRUPTIBLES Y EJEMPLARES, NAPALM DEATH SIGUEN DENUNCIANDO LAS INJUSTICIAS DEL MUNDO CON ÁLBUMES QUE HILAN FINO, MUY APARTADOS DEL ESLOGAN FÁCIL O LA PROCLAMA MANIDA. SU NUEVO THROES OF JOY IN THE JAWS OF DEFEATISM ES UNA PRUEBA MÁS DE QUE SU ANSIA DE CAMBIO TAMBIÉN SE APLICA AL TERRENO MUSICAL. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

UE NAPALM DEATH HAYAN INCORPORADO A SU HISTÓRICO

GRINDCORE disonancias a lo Ki-

lling Joke ya no debería sorprendernos. A fin de cuentas, desde que era niño, ya recuerdo acaloradas discusiones entre fans y detractores de sus trabajos noventeros. Que si se alejaban de sus raíces, que si les sentaba bien el cambio, que si ése o el otro no estaban a la altura… A mi entender, lo único que demuestra eso es que el grupo de Birmingham nunca ha dejado de explorar y evolucionar en sus casi 40 años de carrera. Y es que, ¿acaso no es el inconformismo uno de los principales pilares del punk? Estamos ante un combo que avanza hacia la segunda decena de discos, y en ninguno de ellos han tirado la toalla respecto a la humanidad. Mark ‘Barney’ Greenway, nuestro interlocutor, siempre ha sido un tipo transparente respecto a lo que opina y escribe, y Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism (Century Media) no es ninguna excepción. A través de la musicalidad de su lengua inglesa, el vocalista nos explica cómo de diverso, inquieto y por supuesto cañero es su nueva criatura, aunque si a través de esta entrevista esperabas saber qué ocurre con Mitch Harris, si por desgracia su familia sigue requiriendo de toda su atención, si sigue formando parte incluso de Napalm Death, siento decirte que no logré desvelar el misterio… Y eso que empezamos preguntando precisamente por ahí. De nuevo junto al cantante, le damos un buen repaso al disco que sacarán el 18 de septiembre mientras nos sumergimos en los orígenes del

grindcore, su futuro, qué grupos le marcaron de joven o la actualidad sociopolítica. Pocos cerebros más clarividentes encontraremos por ahí que el del gran Barney.

ciertos, porque ése es su papel, tocar en los directos, pero ha sido la misma cosa durante los últimos tiempos”. Según vuestras declaraciones, el nuevo álbum es justo el paso

Antes de nada, me gustaría sa-

lógico en relación al anterior

ber cuál es el estatus actual de

disco, ¿no?

Mitch Harris en la banda. Esta

“Sí, claro, sí, sí. Es Napalm Death, ya sabes… Es rápido, es furioso, es opresivo, es excesivo, pero la cara experimental es llevada más lejos, un par de pasos más allá, y la mezcla de lo rápido, lo furioso, lo experimental, es también una mezcla que va un poco más lejos, quizás. No es cuestión de decir… no es cuestión de expresar que de alguna manera este disco es más experimental que el otro, ése no es el tema, pero obviamente la experiencia y lo recorrido te hace llegar a líneas distintas, a cosas más destructivas, y a mejorar, tal vez, así que sí, está un par de pasos adelante”.

vez no ha contribuido escribiendo nuevo material, pero John Cooke sí ha estado ahí… MARK ‘BARNEY’ GREENWAY “Sí”. Pero él no aparece en las nuevas fotos…

“No”. Visto lo visto, ¿quién es hoy en día vuestro guitarrista, qué pasa realmente con Mitch?

“Disculpa, Pau, pero es lo mismo que antes, eso no ha cambiado. Básicamente John es el guitarrista de directo de Napalm Death, y eso es muy apreciado, es algo realmente necesario… Es un poco más que un guitarrista de directo, pero en esencia, ésa es su posición en la banda. Mitch no toca en vivo con nosotros, como es bien sabido, y a la hora de componer el álbum le dimos a Mitch la opción, ‘¿Quieres escribir material?’, y él lo consideró todo, valoró sus posibilidades, pero finalmente declinó el ofrecimiento. Pero igualmente le dijimos ‘si quieres podrías tocar en el disco, ¿sabes? Estaría bien que grabaras’, y dijo ‘sí, guay haré algo con vosotros en el álbum, y luego volveré a Estados Unidos’. Así que la situación es la misma, la banda actual somos yo, Shane (Embury, bajo), Danny (Herrera, batería), y como sabes, John a la guitarra en los con-

El álbum es muy variado, y tampoco sé si era vuestra intención, pero varias canciones recuerdan a muchas de vuestras distintas épocas, o eras.

“Mmm… Sí…”. Es como una combinación o algo así…

“Pero no… Es algo en lo que pensar, pero no es algo calculado, que la banda coja un trozo de papel y se ponga ‘oh, vamos a coger muchos de los elementos de Utopia Banished, y Fear, Emptiness, Despair, y partes de Enemy Of The Music Business. Vamos a estudiarlo y a ponerlo todo de forma equilibrada’. No, nada de eso. Lo que a mí me preocupa es hacer el álbum lo mejor que

podamos, con ideas que confronten, y también que sea experimental, y así es como espero que se sienta. Mi preocupación son las canciones, que las jodidas canciones sean buenas. Eso es lo principal. La gente suele tender a comparar, y dialogamos y… ‘Estos temas son como los de este álbum’, y luego alguien más te dice algo completamente distinto. ‘Hey, esas canciones son como las de ese álbum’, ‘no, que son como las de ese disco’, y son álbumes completamente diferentes… Así que la percepción es distinta en las personas, pero está bien que la gente debata y diga la suya, no hay problema”. Los fans y los medios siempre estamos pensando en el pasado, pero el artista simplemente está creando nueva música… Con su propio background adquirido con los años, claro.

“Sí, por supuesto. Me parece bien que todo el mundo hable, dé su opinión y tenga su perspectiva, no hay problema como decía… Intentas que sea un acercamiento a la banda en sí misma, pero sin que se trate de un ejercicio en una caja de semillas, sin cruzar elementos que necesites de una lista para que el álbum sea creíble. No se trata de eso, sino de lograr los mejores tonos que puedas, eso es realmente lo buscado”.

esa influencia. Si estás familiarizado con las primeras demos de Napalm Death, son jodidamente geniales; las escuché en su momento, cuando se grabaron, así que no veo razones para discutirle eso… Es un punto a favor, en mi opinión”. ‘Joie De Ne Pas Vivre’, si es que lo he pronunciado bien (risas), es toda industrial y tocada con bajo… Como la última canción, vaya. Total libertad… Lo vuestro casi es ya como un ‘libertad o muerte’ (Risas).

“Sí, sí, tienen una extrema influencia de lo que la gente ha estado hablando, de donde viene Napalm Death. Algunas bandas ambient, los paisajes sonoros que conseguían crear, puedes escucharlos ahí. Cualquier cosa como Swans, The Young Gods… Todas esas influencias están en Napalm Death, y de nuestra inspiración llega la libertad”.

de Napalm Death. ¿Estás de

Las letras son complejas una vez más, y muy actuales, por lo que

demuestra que aún estáis co-

transgénero, nacionalismo, pro-

nectados a la música y el under-

teccionismo, el Black Lives Matter

ground actual son todos esos

de Estados Unidos…

EPs y splits que seguís publican-

“Como he dicho, todas las cosas que has mencionado son temas que deben ser abordados en estos momentos, debería salir en las conversaciones sobre por qué alguna gente con un color distinto de piel o por su lugar de origen está en desventaja de una forma bastante significativa. Es algo que debería terminarse. Por qué en las sociedades occidentales, donde la gente vive en la pobreza, todavía sigue sirviendo de fuerza productiva de esa parte occidental más opulenta del mundo… Eso, en balance, les mantiene en la pobreza

do sin parar. Con Voivod… ¡Con Heaven Shall Burn! Se trata de mantenerse creativo y en eterna evolución, ¿verdad?

El nuevo álbum recrea un am-

dominaba los primeros pasos

“Sí, pero siendo más específicos, va sobre los otros, sobre el trato de gente sobre otra porque los considera una amenaza. Alguna gente como por ejemplo las personas LGTBIQ+, migrantes que tienen que viajar a través de continentes para escapar de circunstancias muy peligrosas, de cómo se maltrata física y mentalmente a muchas personas distintas… Ése es el tema principal del disco: todo el mundo es la especie humana, no hay razones para tratar a la gente de forma distinta, o como a diferentes especies, o de estar aterrado por cómo son. Creo que los humanos deben redescubrir de qué trata ser humano, y de eso es de lo que va el álbum”.

como el trato hacia las personas

“Sí, bueno, pero no me compete a mí discutir eso de Shane y los chicos en

eso… A cuando el post punk

mos viviendo ahora mismo.

Algo que me encanta y que

acuerdo con tu compañero?

da a la etapa pre Scum, por

monstruoso como el que esta-

he podido ver… Tocan temas

“Sí, claro, claro… Está bien hacer compartidos con bandas distintas, hemos hablado con un par de grupos de rock normales para ser bastante más experimentales cuando hagamos un split con ellos. Como he dicho, es una de esas cosas que lo hace más interesante en ese aspecto”.

Según Shane, ‘Amoral’ recuer-

biente muy apocalíptico, uno

“TODO EL MUNDO ES LA ESPECIE HUMANA, NO HAY RAZONES PARA TRATAR A LA GENTE DE FORMA DISTINTA” MARK ‘BARNEY’ GREENWAY

y abajo. No es un símbolo de la raza humana sólo optar a sobrevivir, es algo significativo y que necesitamos cambiar”. Es raro. Si eres un hombre blanco con el bolsillo lleno, puedes ser un ciudadano en las sociedades occidentales, pero si eres pobre, básicamente estás muerto para el mundo.

“Sí, es una cuestión de suerte no tener que preocuparse por el día a día nunca más. Estas fronteras surgen de la insistencia en ‘oh, protejamos las fronteras’, como muros defensivos y tal… ¿Es eso inteligente para la especie humana? Ése es un concepto erróneo común: que las fronteras te-

rritoriales, o las fronteras nacionales, protegen las poblaciones internas. No, las fronteras protegen los intereses de aquéllos que tienen el poder, y su control de los recursos, pero no a la población interna. Una cosa que observo hoy en día es que, cuando los países intentan convencer a la población interna poniendo especial énfasis en mantener a la gente lejos de las fronteras, la población a través del comportamiento de sus grandes países, se ve atrapada en la pobreza. Entonces, ¿cuál es la puta diferencia? (Risas) No hay razones…”. Hablando de fronteras, ¿cómo has vivido todo el proceso del Brexit? ¿Qué opinas de ello?

“Ya, hay un aspecto ahí… Cuando la Unión Europea se convierte en una institución, porque en su origen fue un club para ricos, en el pasado… Por ejemplo, pienso en cuando hubo la crisis en España y Portugal y se impusieron las medidas de austeridad. Ya sabes, fueron muy malas y estrictas para la población. No caminaron en pos de la solidaridad, fue un castigo para la gente muy chocante. Pienso que fue jodido y realmente estúpido. No reflejó que la Unión Europea hiciera eso como algo bueno. Dicho esto, pienso que el origen de la Unión Europea es la solidaridad humana, que en un 100% iba para allá, así que que el Reino Unido haya optado por el

“PARA MÍ MOTÖRHEAD FUE LA PRIMERA BANDA EN TOCAR CON UN ESTILO EXTREMO” MARK ‘BARNEY’ GREENWAY

aislamiento, el proteccionismo, es jodidamente deprimente. No creo que sea un movimiento positivo por ningún lado. No soy patriota para nada. No me identifico con un país o lugar en particular, pero al mismo tiempo me siento europeo. Me gusta el hecho de que los distintos sitios de Europa puedan proporcionarme una experiencia diferente cada día. Por supuesto puedo tener esa experiencia gracias a viajar con Napalm Death, pero el continente europeo tiene muchas cosas por ofrecer. Así que me siento europeo, no me gusta el aislamiento, ni el ‘Oh sí, somos el Reino Unido y…’. ¿Pero qué cojones dices? Para el Reino Unido ya está hecho, así que ni discuto”.

Por otro lado, yo quiero una unión europea por muchas razones, los derechos humanos,

Unión: ayudar a la gente en los buenos tiempos y en los malos. Ése es su principal cometido”.

por ejemplo, pero esta Unión Europea, la de hoy, me parece

Volviendo un poco a la música,

una completa mierda, porque

ahora mismo existe un amplio

sólo parece centrada en defen-

debate acerca de si el grindcore

der la peor cara del capitalismo.

debería ser siempre combativo,

“Eso es lo que he dicho al inicio de mi anterior respuesta… No me gusta cuando la Unión Europea degrada España y Portugal, estoy de acuerdo. La idea de la Unión Europea, en cierto momento, fue acerca de la solidaridad entre naciones, poniendo especial énfasis en esa lección. Poner especial interés en las finanzas para ayudar a los países cuando vienen malos tiempos. Ése es el punto de la

político y de izquierdas, o si es legítimo que también lo haya sin protesta. ¿Qué te parece, te interesa el grindcore que habla de tonterías o chistes absurdos?

“Bueno, yo creo en la música, en general. Es uno de los últimos espacios de libertad que quedan, donde no hay barreras. A todo el mundo que le guste, pues todo el mundo puede hacerla. No hay barreras reales por raza o de

opinión individual. No hay barreras por raza, género… nada. Entonces, especialmente el origen de una música como el grindcore, alguien puede decir ‘oh, debe ser político’, o que en esencia debe tener referencias de la política humana… Y por supuesto, eso es lo que hago, pero cuando las bandas hacen su música, eligen lo que hacen musical y líricamente. No es para mí, no creo que ése sea el espíritu del grindcore desde siempre, pero tampoco me concierne a mí decirle a la gente cómo debe hacer las cosas. Son sus canciones. Hay cosas que ocurren en algunas músicas que no me gustan, como en el grindcore con las bromas, que bueno, si hay gente que le gusta eso en las letras… Me preocupa si hay bandas que incluyan mensajes misóginos, sexistas, racistas o cosas así en sus letras, no me hace feliz, al menos a mí. Eso es lo que puedo decir, pero no creo que sólo haya una forma correcta de hacer las cosas, eso es lo que consigue el cambio. Las bandas hacen y deshacen, y así es como debe ser para cualquier fan de la música”.

hay que darse cuenta de lo que realmente es el grindcore: venimos de una escena muy underground, debes recordarlo. Cuando la gente que sigue a Napalm comenta ‘bueno, es una banda más grande’, pero seguimos en la frontera del underground todavía, mira las cosas que hacemos… Observa los aspectos musicales que usamos, son varios los distintos puntos respecto a lo que hacen las bandas. Aún les discutimos que seguimos siendo una banda bastante subterránea, pero si nos fijamos en él, en ese punto de generalizar con las formaciones por su tamaño, es bastante más difícil de determinar. Hay que darse cuenta de ello, ver qué bandas pueden lograrlo, yo creo que hay algunas ahí en la esquina, pero hay que preguntarse ‘¿Es realmente necesario que el grindcore sea algo grande, grande?’. Supongo que ésa no era la idea inicial al principio”.

La eterna pregunta: ¿El grindcoYa para terminar, para mí Na-

re es metal extremo o es punk

palm Death siempre serán los

extremo?

padres del grindcore, hay quien

“Bueno, para mí personalmente, en los primeros días siempre vi que venía de la escena punk. Pero un tiempo después, el material metal llegó. Igualmente, era más patente el otro tema. Me gustaban Hellhammer y Celtic Frost de siempre, pero eso era de antes. Personalmente para mí, ‘mmm… vale, metal en el grindcore’, no hay aplastamiento sin ello, siempre hay algo de eso, sí, es una mezcla de ambos, pero levemente, considero que el punk y el hardcore fueron básicos para el sonido caótico y estas cosas”.

habla de Repulsion, pero para mí creasteis el estilo. ¿Cómo

Para serte honesto, le observo

recuerdas esos días y qué es-

una buena salud al grindcore

cuchabas de joven? Discharge,

en cuestión de underground y

Dead Kennedys, ya sabes…

número de bandas, pero no veo

“Sí… (Reflexiona –ndr.) La primera banda que me obsesionó de joven fue Motörhead, pienso que ese grupo era increíble. Creo que sin Motörhead las bandas de nuestra escena no habrían existido, pienso en Discharge, Nasum, Wormrot o en alguna de estas bandas. Motörhead, para mí, fue la primera banda en tocar con un estilo extremo. Cuando la música fue caótica, ya sabes… Sin metrónomo, ni rastro de él. Ése fue el grupo para mí. Luego, cuando ya me

un relevo aparente en forma de grandes nombres que lideren masivamente el estilo. La desaparición de Nasum o Looking For An Answer no han ayudado, Insect Warfare ni siquiera sé si siguen existiendo, me encantan Wormrot o Implore, pero tras la vieja guardia no veo un reemplazo evidente que mueva mucho público.

“Sí, entiendo lo que dices, pero quizás

hice fan del rock, fue el momento de meterse en cosas distintas, Deep Purple, Led Zeppelin, me gustaban los dos y Black Sabbath especialmente, pero siempre estabas buscando la siguiente cosa, ‘oh, uau, qué loco…’. Venom, Slayer, Metallica, y por otro lado, GBH, The Exploited, Discharge, y eso ya te hacía mirar alrededor para buscar qué era lo siguiente más extremo. Después me gustaba el hardcore de Estados Unidos, hardcore europeo, Anti Cimex, bla, bla, bla… Sobre el grindcore y lo que le rodeaba al mismo tiempo, material antiguo, Crass me llegó un poco después que GBH… Crass y Conflict fueron dos grupos importantes. Era abierto de mente hacia esa mezcla musical, para mí es música rock antes que alguna otra descripción. Música pop ya no tanto…”.

JEFF ROSENSTOCK

PUNK ANIMADO EL PASADO 20 DE MAYO, JEFF ROSENSTOCK PUBLICABA POR SORPRESA NO DREAM , SU CUARTO DISCO EN SOLITARIO. PERO QUIZÁ LA VERDADERA SORPRESA FUE ENCONTRARNOS QUE ERA UNA ESPECIE DE HOMENAJE AL SONIDO PUNK ROCK CALIFORNIANO DE SU JUVENTUD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A PORTADA DE NO DREAM (Polyvinyl), el nuevo

álbum de Jeff Rosenstock, nos muestra el dibujo de una casa fundiéndose bajo un sol abrasador. En una situación parecida encontramos al músico originario de Long Island cuando contactamos con él a mediados de agosto. Los Ángeles, ciudad a la que se mudó en enero para trabajar como compositor musical de la serie de dibujos animados Craig Of The Creek del canal Cartoon Network, está sufriendo una ola de calor con temperaturas que

se curtió antes de lanzarse en solitario en 2012. Desde entonces, su carrera parece haber despegado definitivamente y se ha afianzado como una de las figuras más apreciadas dentro del underground. La verdad es que el tipo se hacer querer. Explícame cómo es el proceso de poner música a una serie de dibujos. JEFF ROSENSTOCK “Primero me

mandan el capítulo sin música ni efectos de sonido, me lo miro, y luego hablo con Ben, el showrunner, para tener algunas indicaciones, luego compongo y grabo la música, se la paso, y si hay que hacer alguna modificación, la hago, y pasamos al siguiente episodio. Trabajamos muy rápido. En esta serie hay música casi todo el rato, es de locos. A cualquier banda o músico le cuesta un montón componer 30 minutos de música, puedes tardar un año en hacer un disco, pero ahora llevo como 18 horas de música para la serie (risas)”.

Hablando ya de No Dream, es curioso que te mudaras a Los Ángeles después de grabarlo, porque el disco suena muy a punk californiano. ¿Estabas anticipando ese cambio en tu vida?

“Al principio sólo hacía la batería con ordenador porque no sé tocarla. Mi plan inicial era usar guitarras y sintetizadores analógicos, pero después de unos cuantos episodios vi que podía conseguir un sonido más grande y orquestal con herramientas digitales, lo que pasa es que mi cerebro no funciona así (risas). Tengo que tocarlo para ver si suena bien. Hay mucho ska en la serie. Creo que por eso me contrataron, porque querían alguien con una onda ska y yo la tengo (risas). Es una mezcla de música de acción y ska”.

“Puede que fuera así. Mucha gente piensa que hice este álbum porque me había mudado aquí, pero lo había grabado antes. Supongo que mi cabeza ya estaba en California. Cuando conduzco o salgo a correr, la música que escucho es punk. Estuve redescubriendo a Mr. T Experience, Green Day, Rancid, bandas de Asian Man Records… música que hacía tiempo que no escuchaba. Quería hacer un disco de punk que me apeteciera escuchar porque hacía tiempo que no escuchaba un buen álbum de punk pop. Y también quería meter algunas sensibilidades melódicas del K-pop. De todos modos, ya llevaba un tiempo viniendo a California cada dos meses para ver a familiares o trabajar en la serie, así que estaba impregnado de ese ambiente”.

¿Qué dibujos te gustaban de crío?

¿Ves este disco como una mane-

¿Lo grabas con instrumentos reales o es todo por ordenador?

alcanzan los 40 grados. Sin embargo, Jeff no parece para nada agobiado. Una vez más, su nuevo álbum ha recibido grandes críticas, pese haberse dirigido a un estilo, el punk pop, que suele ser menospreciado, cuando no directamente ignorado, por medios que ahora le bailan el agua. Su creador es perfectamente consciente de esta paradoja, y en cierta manera su nueva obra es una manera de reivindicar su propio pasado en bandas como Mustard Plug, The Bruce Lee Band o Bomb The Music Industry!, con las que

“Empecé con The Disney Afternoon con cosas como DuckTales, Chip ‘n Dale: Rescue Rangers, Gummi Bears… También me gustaba mucho Garfield & Friends y Sonic, que los veía por la mañana antes de ir a la escuela. Luego cuando volvía veía Animaniacs. Cuando salieron The Simpsons me obsesioné con ellos, me sabía todos los chistes de memoria. Y también Ren And Stimpy y cosas así. También me gustaba Two Stupid Dogs. Durante mucho tiempo no pensé en dibujos animados, pero cuando me ofrecieron este trabajo me di cuenta de que había visto muchísimos (risas)”.

ra de reivindicar el punk pop? Es un estilo que la crítica y mucha gente suele percibir como algo menor. Incluso tú que vienes de la escena ska punk, lo has com-

centro comercial, con todos los grupos vistiendo igual… Es fácil odiar esa mierda. Se volvió muy corporativo. Pero supongo que eso se podría aplicar a cualquier estilo”.

probado. Hasta que no sacaste

Worry y POST- y te metiste más

Yo creo que se ve como algo

en la escena indie, quizá no

simple y facilón, pero siempre he

recibiste el reconocimiento que

pensado que escribir una buena

merecías.

canción con tres acordes y una

“¡Oh! Muchas gracias por decirlo. Tienes toda la razón. Cuando fichamos con Polyvinyl yo ya tenía hecho POST, pero al ser un sello con una buena reputación dentro del indie, sabía que, aunque fuera un disco punk, iba a ser percibido de manera distinta. Y aun así me sorprendió mucho la aceptación que tuvo porque, como dices, el punk pop suele ser bastante denostado. Si pienso en la cantidad de buenas canciones que hay en los discos de The Muffs o Mr. T Experience, o The Suicide Machines, y que fueron ignorados en favor de cosas que tenían un ángulo más intelectual, da un poco de rabia. No es fácil hacer un disco con diez canciones y que todas sean buenas, y esos grupos lo hacían”.

buena melodía es todo un arte,

¿Pero por qué crees que existe ese prejuicio?

“Porque los críticos son jodidos snobs (risas). Yo también escribía críticas de discos y era igual de snob (risas). Pero al final te das cuenta de que no hay discos malos. Todo álbum representa la verdad de alguien, aunque suene como una mierda porque lo grabó en un sótano. Y al contrario, si algo suena muy producido y con Auto-Tune, no dejan de ser decisiones que ese artista tomó para reflejar su punto de vista. Pero volviendo al punk pop, para ser justos, también hay que decir que se volvió muy malo. Ese rollo de punk de 30

sobre todo cuando es algo que se ha hecho hasta la saciedad.

“¡Desde luego! En este álbum hay muchos temas con un par de acordes y una melodía. Se trata de encontrar la emoción adecuada. El punk y el ska, si se hacen bien, son muy liberadores. Y son estilos que no tienen miedo de ser un poco tontos. Y esa falta de pretenciosidad es lo que me resulta tan atractivo. Creo que cuando a la música se le añade un aire de intelectualidad de manera impostada, sale auténtica mierda”. ¿Grabaste No Dream solo o usaste a tu banda de directo?

“Suelo hacer las maquetas en mi casa, de manera bastante concreta, porque quiero escuchar cómo suenan los temas, probar los arreglos, las estructuras. Cuando vamos al estudio, ya está todo escrito. Solemos reunirnos cuatro días antes con la banda en un local de ensayo en San José y tocamos los temas durante ocho, diez horas al día. Algunas cosas cambian y otras no, pero todo el mundo está listo. La última noche cargamos todo el equipo y nos vamos a Oakland para grabar en el estudio de Jack (Shirley). La grabación es básicamente tocar lo mismo que hemos hecho en el local”. Jack es de nuevo el productor.

Él suele trabajar con grupos más cañeros como Deafheaven o Gouge Away… ¿Crees que aporta algo de músculo a tu sonido?

“Sí, desde luego. Pero Jack no sólo trabaja con bandas duras, aunque sobre todo sea conocido por eso. Quise trabajar con él porque escuché el disco de Hard Girls, A Thousand Surfaces, y me encantó. Chris Farren y yo estábamos trabajando en el primer disco de Antarctigo Vespucci y alucinamos con el sonido de ese disco. Creo que el rock y el punk tienen que ser dinámicos y quiero trabajar con alguien que no va a limar las asperezas. Jack y yo luchamos para ver dónde están los límites de la distorsión (risas). A veces escuchamos las guitarras que hemos grabado y nos preguntamos ‘¿Es esto audible o es puro ruido?’, pero cuando le añadimos todo lo demás, suena bien. Jack me anima a trabajar en el caos. El punk debería ser así. Suena vivo. El disco de Tenement, Napalm Dream, suena como si estuviera ardiendo. Es eso lo que me gusta. Jack también nos convenció de grabar todos juntos como si fuera un ensayo la primera vez, y para mí fue una revelación. No sabía que podías hacer eso con la suficiente distancia entre instrumentos sin grabar con un multipistas. Y logra que suene genial. Cuando yo lo había probado antes, siempre sonaba como una mierda (risas)”. En la crítica del disco que publicamos, se comparaba a ‘Scram!’ con Weezer. ¿Es una banda que te haya influenciado?

“No creo que me influenciara en esta canción en concreto, pero el sonido y la dinámica de los dos primeros discos de Weezer, la etapa de Matt Sharp, tienen mucho que ver con lo que hago.

“CREO QUE CUANDO A LA MÚSICA SE LE AÑADE UN AIRE DE INTELECTUALIDAD DE MANERA IMPOSTADA, SALE AUTÉNTICA MIERDA” JEFF ROSENSTOCK

El tono de guitarra de Pinkerton es súper sucio y explosivo, y sus juegos de guitarras son súper importantes para mí. Pero para ‘Scram!’ intenté escribir algo rollo Motown, pero cada vez se iba volviendo más cañera (risas). Me encantó cómo salió”. Una banda con la que tienes mu-

ellos en el resto de la gira, pero decidieron que no. Ocurrieron muchas cosas… pero todas las bandas nos llevamos muy bien y mantuvimos el contacto. Con PUP hicimos más cosas porque estábamos en el mismo sello. Es de locos porque la banda se ha hecho muy grande. Nos queremos mucho”.

cha relación es PUP. ¿Cómo les conociste?

Al igual que POST- en 2018, lan-

“Hicimos una gira de siete semanas con ellos, Modern Baseball y Tiny Moving Parts. Ocurrieron cosas muy locas. Nos robaron, se nos estropeó la furgoneta varias veces... Antes de esa gira fue cuando a Stefan (Babcock) de PUP los doctores le dijeron que no podía cantar más o perdería la voz, pero empezó la gira igualmente. Tras el concierto de Toronto, tuvieron que dejarlo. De hecho, su batería tuvo que tocar con nosotros en Canadá porque no dejaron cruzar la frontera al nuestro. Tuvo que aprenderse todos los temas en una noche. Y yo me ofrecí a cantar con

zaste No Dream por sorpresa, sin anuncio previo. ¿Es una manera de combatir esta tendencia de ir sacando adelantos durante meses hasta que sale el álbum?

“Sí, además suelen sacar las mejores canciones primero y luego el resto te decepciona. Yo soy una persona de álbumes, y prefiero no escuchar los singles previos. Tiene mucho que ver con eso, pero tampoco es que quiera meterme con quienes lo hacen. Yo estoy en una posición en la que, si saco un álbum por sorpresa, la gente lo escuchará. Es un privilegio que tengo porque a lo largo de dos déca-

das me he creado una base de fans. También tiene que ver con que no me gusta que los críticos tengan siempre acceso a la música antes que los fans. Cuando saco un disco nadie lo ha escuchado. Pitchfork no sabe ni que va a salir. Me gusta que la gente escuche el disco sin ninguna idea previa. No sé si siempre lo haré así, pero es algo que en este momento me encaja. Y además, odio esperar. Este disco lo terminé sólo dos meses y medio antes de lanzarlo, pero con POST- fue sólo una semana. Nuestra idea con No Dream era hacer varias cosas muy chulas que no pudimos hacer por la pandemia, así que las guardaremos para otro álbum. Espero poder empezar a girar lo antes posible porque estas canciones están diseñadas para que las grite la gente. Creo que cuando llegué el día, será algo catártico para todos (risas)”.

BIFFY CLYRO

EL SONIDO QUE NOS UNE CON SU NUEVO ÁLBUM A CELEBRATION OF ENDINGS ALCANZANDO EL NÚMERO 1 EN LAS LISTAS BRITÁNICAS, LA TERCERA VEZ QUE LO CONSIGUEN, BIFFY CLYRO ASIENTAN SU POSICIÓN COMO UNA DE LAS BANDAS DE ROCK MÁS POPULARES DE SU PAÍS. QUE ADEMÁS SEAN TAMBIÉN DE LAS MEJORES, TIENE AÚN MÁS MÉRITO. HABLAMOS CON SIMON NEIL SOBRE LA MÚSICA Y EL MUNDO QUE NOS ESPERA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N UN MUNDO PRE-PANDEMIA , A CELEBRATION OF ENDINGS , el noveno

álbum de Biffy Clyro, habría visto la luz el pasado 15 de mayo y estaríamos a sólo dos meses de poder verles en directo una vez más. Ahora tendremos que esperar más de un año para hacerlo (las nuevas fechas son el 6 de octubre de 2021 en La Riviera de Madrid y el 7 en la sala Razzmatazz de Barcelona), pero al menos ya podemos disfrutar de su nueva obra. Un disco que, pese a haberse creado antes de que todo se paralizara por el virus, tiene un componente político más marcado y nos invita a no tener miedo a los cambios, sino de aprovecharlos en positivo: celebra los finales, porque siempre son el principio de algo. En cierta manera, la carrera de la banda formada por Simon Neil (voz, guitarra) y los gemelos James (bajo) y Ben Johnston (batería) ha seguido esa máxima. Desde que empezaran a tocar juntos a mediados de los 90 y debutaran en 2002 con Blackened Sky, el trío escocés nunca ha tenido miedo de explorar nuevas vías musicales y lanzarse ante las nuevas oportunidades que se les abrían. Su inesperado salto de popularidad con el magistral Puzzle (2007), su entrada en el mainstream gracias a la balada ‘Many Of Horror’ de Only Revolutions (2009) o su afianzamiento como cabezas de cartel en festivales británicos (lo han hecho dos veces en los de Reading y Leeds, y ya están confirmados para el Download UK del año que viene junto a Kiss y System Of A Down) podrían haber asustado, desestabilizado o

domesticado a cualquiera, ejemplos no faltan, pero en cambio Biffy Clyro han hecho esta transición con entereza y audacia. Cierto es que su anterior álbum Ellipsis (2016) encendió la alarma de algunos de sus seguidores por su pátina comercial, pero basta con escuchar A Celebration Of Endings (Warner) para comprobar que la banda que nos enamoró en su momento sigue estando ahí. La diversidad y complejidad de sus canciones que, como nos explicó Simon Neil en la entrevista que mantuvimos a mediados de agosto, no es más que el reflejo de su personalidad, y por extensión de la de cualquier ser humano, los siguen situando a mucha distancia de la mayoría de grupos de su generación. Con la promesa de poder tener una charla más extensa cuando sea que podamos vernos en persona -esta vez apenas tuvimos 25 minutos-, el descamisado frontman nos ofreció una fotografía del momento actual del grupo.

vaciar el tanque, por decirlo de alguna manera, antes de empezar con un proyecto nuevo. Y la película me dio la oportunidad de poder utilizar esas canciones e ideas. Yo lo considero un disco más de nuestra discografía y, de hecho, tuvo una gran influencia en A Celebration Of Endings. Lo hicimos entre Bélgica y Gales, sin ningún tipo de interferencia por parte del sello, éramos sólo Ben, James, el productor y yo. No nos preocupamos por hacer singles, o vídeos, o por dar entrevistas. Sólo nos preocupamos de hacer música, y esa libertad tuvo una gran influencia en el nuevo álbum porque me recordó lo fácil y divertido que puede ser grabar un disco. No debería ser algo pesado o tener un objetivo para conseguir algo. El objetivo era puramente artístico. Hacer una canción con tus amigos, mirarte a los ojos y pensar ‘esto es cojonudo, vamos a grabarlo’, te hace sentir genial”. También me gustaría saber tu

Antes de empezar a hablar del

opinión actual sobre Ellipsis.

nuevo disco, quería preguntarte

Fue un álbum un poco contro-

por Balance, Not Symmetry,

vertido, y, aunque me gusta,

que sacasteis el año pasado

quizá comparándolo con el nue-

y pasó muy desapercibido, in-

vo, le faltaba algo de profundi-

cluso entre vuestros fans. Creo

dad, o algo que no sé muy bien

que confundió un poco a la gen-

cómo definir…

te, porque se presentó como

“Sí, sí. Cuando hicimos Ellipsis, el concepto era que fuera un disco de estudio, así que muchas de las canciones las escribí una vez allí, y deliberadamente no tocamos muchas de sus canciones en el local de ensayo porque queríamos construirlas de cero en el estudio. Ahora, con un par de años de distancia, creo que le faltaba un poco de garra y

una banda sonora, pero en realidad era un disco de canciones. ¿Lo sientes como parte de vuestra discografía o lo ves como un proyecto aparte? SIMON NEIL “Es extraño porque

después de Ellipsis tenía muchas canciones sobrantes a las que quería dar salida. Para mí es importante

“CREO “CREO QUE QUE LA LA PANDEMIA PANDEMIA NOS NOS HA HA HECHO HECHO DESPOJAR DESPOJAR DE DE MUCHOS MUCHOS ELEMENTOS ELEMENTOS QUE, QUE, EN EN REALIDAD, REALIDAD, NO NO NOS NOS PROPORCIONABAN PROPORCIONABAN FELICIDAD” FELICIDAD” SIMON SIMON NEIL NEIL del caos que tienen todos los discos de Biffy. Ése era el objetivo, pero, cuando lo escucho ahora, echo de menos un poco más de fuerza. No lo cambiaría porque es una expresión más de nuestro trabajo, pero cuando empezamos a idear el nuevo disco quise recuperar un poco más de la energía que teníamos en otros discos, de nuestro directo, que fuera más excéntrico. Creo que para el carácter de esta banda es importante ese elemento de caos y complejidad. Este álbum refleja todas las facetas del grupo, mientras que en Ellipsis quizá cedimos todo el protagonismo a las canciones en sí mismas y la personalidad de la banda quedaba en un segundo plano. En A Celebration

Of Endings, el grupo ha recuperado ese protagonismo”.

que puedes escucharla en el álbum”. Supongo que has llegado a un

Exacto, eso es lo que quería

punto en tu vida, en unos días

decir. ¿Qué otros cambios des-

cumples 40, en el que más o

tacarías?

menos sabes cómo gestionar

“A nivel de letras, en este disco tenía mucho más que decir. Simplemente por la naturaleza de cómo han cambiado las cosas en los últimos cuatro, tres años, con el Brexit y todas esas cosas sin sentido que han pasado. Me han cabreado muchas cosas (risas). Y ya no hablamos del virus y las protestas, porque cuando escribí el disco todavía no habían pasado, pero me sentía muy cabreado, y tenía mucha rabia en mi interior que quise sacar en las canciones. Creo

las situaciones a nivel personal, y ahora te preocupa más lo que pasa a escala más global.

“Exacto. Creo que nos sucede a todos a medida que nos hacemos mayores. Empiezas a ser más constante en tus puntos de vista y no pones en duda todo tu sistema de creencias. Tengo muy claro lo que es Biffy Clyro y lo que representa. Sé cuáles son mis fortalezas como compositor y como ser humano, así que a nivel personal estoy más relajado. Ya no

“SI LES PREGUNTAS A BEN Y A JAMES, SEGURAMENTE TE DIGAN QUE SOY TAN IMPREDECIBLE COMO MIS CANCIONES” SIMON NEIL

me preocupo por si molesto a alguien por tener una opinión distinta. Creo en mí mismo y creo en la banda. Tengo confianza en mí instinto y básicamente es lo que sigo”. También es curioso la interrelación entre lo personal y lo global y cómo afecta tu percepción de la realidad. Si por ejemplo tienes un hijo en medio de la pandemia, seguramente te sientas feliz, y lo veas todo con un prisma más optimista, en cambio si tu pareja rompe contigo, aunque no haya pandemia, te

o eso espero, nos demos cuenta de que cosas como la productividad, las redes sociales, o los resultados, no eran tan importantes. Creo que la pandemia nos ha hecho despojar de muchos elementos que, en realidad, no nos proporcionaban felicidad. Creo que la gente se ha dado cuenta de la importancia de la familia, por ejemplo. Sólo vivimos una vez, así que centrémonos en aquello que realmente importa. Vamos a hacer el mundo un lugar mejor. Creo que la conciencia está cambiando. Al menos la mía, y también respecto a la banda, lo ha hecho”.

sentirás como una mierda. Creo que el disco también refleja esos

Yo creo que vivíamos yendo a

distintos estados de ánimo.

cien por hora, y la pandemia

“Sí, así es. A mí sorprende lo adaptables que somos a diferentes situaciones. Yo ya ni me acuerdo de cómo era la vida antes del virus. Todos tenemos que encontrar nuevas formas para adaptarnos y seguir adelante. Vamos a sacar un disco en medio de todo esto, y para nosotros tocar en directo es una parte integral de lo que somos, así que tenemos que pensar en cómo lo haremos. Pero tienes razón, la experiencia humana no cambia. Evolucionamos, crecemos, encontramos nuevos parámetros, pero es esperanzador ver cómo hemos cambiado radicalmente nuestras vidas para adaptarnos. No creo que ninguna generación haya pasado por un cambio tan radical. Incluso en los periodos de guerra, no se paró todo el mundo de golpe. Creo que todo esto hará que la gente se dé cuenta de lo que realmente aprecia en su vida. En los últimos años todo el mundo se había vuelto muy individualista, y quizá,

nos ha obligado a vivir a 40 por hora, lo cual mucha gente ha descubierto que le gusta más. Pero parece que la economía sólo funciona si vamos a cien… Es un conflicto difícil de resolver.

“Sí. En Estados Unidos tienen un presidente totalmente inútil que no deja de hablar de lo bien que va la Bolsa, sin tener en cuenta que la economía financiera y la experiencia real de la gente están desconectadas. Si algo bueno tiene la pandemia es que valoramos más el trabajo de la gente que trabaja en supermercados u hospitales, creo que son de la gente más valorada ahora por la sociedad. Tenemos que reevaluar quién aporta algo positivo a la comunidad. Pero lo cierto es que es duro ver a cantidad de amigos de otras bandas o técnicos que no pueden generar ingresos. Es muy duro, pero espero que salgan industrias más ecológicas que se conviertan en algo esencial

en la economía y sustituyan a las petroleras o la industria armamentística, que son las que ahora deciden por los gobiernos. Espero que haya una especie de reset a nivel mundial”. Por desgracia, el sector de la cultura, y de la música en especial, está siendo muy castigado. Quizá también la ausencia de conciertos haga que los valoremos más una vez podamos volver a ellos.

“Claro. Yo echo de menos ver gente, ver tocar a otras bandas, echo de menos compartir esos momentos con la gente. En un concierto de rock, puedes tener al lado a un desconocido, pero si lo ves cantando la misma canción que tú, sientes una conexión. Puede ser que nunca más vuelvas a ver a esa persona, pero has vivido ese momento de conexión. Echo mucho de menos eso. Tengo muchas ganas de poder recuperar esos momentos. Yo me siento muy afortunado porque estoy en una banda, tengo un techo, no tengo que preocuparme por buscarme un trabajo, pero no puedo ni imaginarme la tensión de alguien que no tenga nada de eso. En Reino Unido el gobierno ha sido muy inútil, nos han dado instrucciones muy vagas, esperando que la gente decida por sí misma. Ahora sólo lleva mascarilla la gente que quiere, puedes ir al pub, es todo muy descuidado”. Bueno, entremos ya en A Ce-

lebration Of Endings. Una de las cosas que más admiro de ti como compositor es tu capacidad para escribir canciones muy distintas, desde el pop di-

recto de ‘Tiny Indoor Fireworks’ a algo más complejo como ‘End

otros en los que ni siquiera queremos salir de la cama”.

Of’. ¿Crees que es tu principal

bum. ¿Podrías contarme cómo se escribe un tema así?

virtud?

¿Crees que conservar esos ex-

“Creo que sí. A medida que me he hecho mayor me he dado cuenta de que tengo una personalidad muy extrema. Puedo estar súper feliz y animado, y al día siguiente muy frustrado, no deprimido, pero sí preocupado por muchas cosas. El otro día hice una entrevista en la que hablaba sobre canciones que me han influenciado a lo largo de los años, y me di cuenta de que tenía una canción de Roxette al lado de una de Death Grips (risas), o una de Sunn O))) al lado de una de Glen Campbell. Me gusta escuchar algo muy tranquilo que me rompa el corazón y luego algo súper heavy. Una de las bandas que más me gustan ahora son Imperial Triumphant, que mezclan death metal con cosas de jazz. Son totalmente locos. Siempre me han gustado los extremos. Es quien realmente soy. Y por eso las canciones funcionan. Si les preguntas a Ben y a James, seguramente te digan que soy tan impredecible como mis canciones. A veces soy muy dócil y otras me vuelvo un controlador de la hostia. Pero al final se trata de ser honesto. Me siento mucho más cómodo haciendo cosas diversas que escribiendo diez temas mega heavies o diez temas folk. Quiero enseñar quién soy exactamente como ser humano en un momento preciso. Por eso me siento orgulloso de todos nuestros discos. Nunca he intentado ocultar quien soy. Quiero que Biffy sea un poco de todo porque los seres humanos somos complejos. Todos tenemos días en los que nos sentimos que podemos conquistar el mundo, y

tremos ha sido algo por lo que

‘Cop Syrup’, que cierra el ál-

hayas tenido que luchar más duro una vez la banda entró en el mainstream a partir de

Puzzle?

“Sí. Cuando empiezas a tener éxito todo el mundo te ve como un símbolo del dólar, y piensan en cómo ganar dinero con lo que haces. No es que me esté quejando por tener algunas canciones que hayan llegado al público mainstream, porque me encanta, pero para mí lo más importante, y lo que me gusta de eso, es que esa gente, si escucha el disco entero descubrirá canciones más extrañas, o inspiradas por música que quizá nunca había pensado que le podía gustar. Si sólo escribiéramos canciones pop estaría muy aburrido, pero las diferentes dimensiones de la banda es lo que hace que todo funcione como conjunto. Pero sí, he tenido que luchar por eso, y estoy contento de seguir haciéndolo, aunque nos cueste algunos fans o algunas ventas. En ese aspecto soy testarudo porque sé lo que somos. Dicho esto, me encanta hacer cosas pop porque me gustan cosas comerciales como The Joshua Tree de U2 o de los 80 como Roxette. Se trata de abrazar eso y abrazar también cosas más raras. No quiero que Biffy Clyro guste a todo el mundo, también me gusta incomodar a la gente. No creo que haya muchas bandas que cubran un espectro tan amplio como el nuestro”.

“Inicialmente tenía los acordes centrales, y la parte orquestal que era muy cinematográfica. Trabajé en eso durante un par de meses. Obviamente en ese momento no parecía un tema de Biffy, así que seguí escribiendo otras canciones, esperando que me viniera una idea que me ayudara a darle ese giro que necesitaba. Quería algo rápido y rabioso que pudiera unir con la parte orquestal para provocar un gran contraste. Así que esperé hasta que por fin llegó esa parte inicial que funcionaba con la segunda. Una canción como ésa requiere su tiempo. Si lo fuerzas, pueden parecer tres partes distintas que no tienen nada que ver, pero yo quería que pudieras sentirlo como una sola pieza de música, aunque haya una gran diferencia entre la parte punk rock y la orquestal. Tengo la suerte de poder tocar el piano en casa un día, o la guitarra al siguiente, o quedar con Ben y James, para mantener estimulada mi mente. Siempre tienes que tener una antena puesta hasta que te llega la idea adecuada. Es cuestión de tener paciencia. El día que la tuve, quedé con Ben y James y les dije ‘Sé que os va a sonar extraño, pero confiad en mí’. Y tocamos el tema, y sonaba un poco raro porque obviamente no teníamos la orquesta allí, pero confiaron en mí, y acabó saliendo bien”. No sé si es algo consciente o no, pero me he fijado que en las letras de ‘Wolves Of Winter’, o en el nuevo en ‘The

Un buen ejemplo de esos ex-

Champ’ o ‘Instant History’, usas

tremos en una sola canción es

la primera persona del plural,

“NUESTRA MAYOR FUERZA ESTÁ EN NUESTRA AMISTAD. NOS CONOCEMOS DESDE QUE TENÍAMOS 7 AÑOS. SOMOS UNA JODIDA PANDILLA” SIMON NEIL cantas “We are the source” o “This is the sound that we

make”. ¿Es una manera de integrar a la banda en las letras? ¿De escribir desde una perspectiva común y no tan individual?

“Sí. Siempre hay ese elemento. Tomé la decisión consciente hace un tiempo de no escribir siempre desde mi perspectiva. He escrito muchas sobre penas, dolor, amor, y era más un viaje personal. Incluso en algún momento me daba apuro compartirlas con Ben y James. Pero en este disco, y en Ellipsis, me enamoré de la idea de ser una banda. Me siento muy afortunado de poder hacer esto con mis dos mejores amigos. La fuerza que tenemos está en los tres. Puede que yo escriba toda la música y las canciones, pero no podría hacerlas realidad sin Ben y James. Nuestra mayor fuerza está en nuestra amistad. Nos conocemos desde que

teníamos 7 años. Somos una jodida pandilla. Siento que todavía somos nosotros tres contra el mundo, y no quiero perder nunca ese sentimiento. Por eso seguimos viviendo y haciendo música en Escocia. Ensayamos en la misma granja donde lo hacíamos desde el principio. Es esencial en quiénes somos, y no dejaría que ninguna escena o la industria se metiera entre medio. Somos nosotros, somos nosotros”. Para terminar, he leído que estás preparando un disco de grindcore. ¿Es verdad?

“¡Sí! He empezado un grupo con mi amigo Mike Vennart, que toca con nosotros en directo, que se llama Empire State Bastard. Tenemos nueve canciones, algunas suenan como los primeros Napalm Death, otras más como el último de Daughters, y es algo repulsivo y agresivo (risas).

Nunca he hecho algo tan bestia como esto. Como no podemos girar, es frustrante, pero al menos tengo tiempo para trabajar en otros proyectos. Así que también estoy haciendo un proyecto de drone con Richard ‘Gambler’ Ingram, que también tocaba con Oceanzise y lo hace con nosotros en directo, y mi amigo Martin. Todos estos proyectos influenciarán en el próximo disco de Biffy porque tendré nuevas inspiraciones. Y también habrá un disco nuevo de Biffy, porque como siempre nos han sobrado 15 canciones, y las vamos a grabar antes de que termine el año. Y también estoy haciendo un álbum de Marmaduke Duke, así que tengo cuatro discos en marcha. Espero que estéis preparados (risas)”.

DISCO DEL MES

E Ohms (REPRISE/WARNER) METAL ALTERNATIVO

s bien curioso lo que ocurre con Deftones. A la que se confirma que la banda está empezando a trabajar en un nuevo disco, todo el mundo empieza a especular sobre cómo sonará, cuando, en realidad, todos sabemos la respuesta: a Deftones. Ohms no es una excepción. Para ser una banda con esa aura de rompedora e innovadora dentro del metal, una reputación que sin duda se ganaron sobre todo hace 20 años con White Pony, sus sucesivas obras han ofrecido más bien pocas sorpresas. Pero parece que no aprendemos, y la expectación en los meses previos al lanzamiento de su noveno álbum ha sido bestial, en gran parte motivada por el retorno de Terry Date a

DEFTONES

los mandos de producción después de 17 años. Y eso que, el inicio de ‘Genesis’, con esos teclados y unas notas de guitarra, que parecen todo un homenaje al ‘Shine On Your Crazy Diamond’ de Pink Floyd, hacen pensar que igual esta vez los de Sacramento quizá vayan a ofrecernos algo diferente, pero la ilusión dura apenas 50 segundos; lo que tarda la caballería en entrar al trote con un riff de Stephen Carpenter y Chino Moreno alternando gritos con sus características melodías arrastradas. La maestría del grupo para jugar con distintas intensidades vuelve a mostrarse en todo su esplendor en temas como ‘Urantia’, ‘Ceremony’, ‘Radiant City’ o ‘Headless’, con un pasaje central de lo más hermoso. Por su

parte, ‘Error’ destaca por su energía y un estribillo más pegadizo que la media, y ‘Ohms’ por ese riff atornillado y demoledor. La mano de Date se nota en un sonido más cálido y orgánico en el que cada músico encuentra su espacio para respirar. Creo que Frank Delgado nunca había tenido tanto protagonismo, sirviendo como elemento esencial en la transición entre ‘Pompeji’ y ‘The Link Is Dead’, o en la atmosférica y brillante ‘The Spell Of Mathematics’, y la batería de Abe Cunningham también suena fantástica. Si has leído hasta aquí supongo que ya habrá deducido que Ohms no es ninguna obra revolucionaria, pero lo que sí te aseguro es que es otro grandioso disco de Deftones. JORDI MEYA

METALLICA S&M2

(BLACKENED/UNIVERSAL) METAL SINFÓNICO

ifícilmente la unión de una banda de rock con una orquesta sinfónica puede verse, a estas alturas, como algo novedoso o rompedor. En el caso de Metallica aún menos, porque hace 20 años ya nos descubrieron cómo sonaba el invento con el doble en directo S&M. Partiendo de esa base, S&M2 es, de entrada, un disco innecesario, y reconozco que mi motivación para escucharlo era tirando a poca. Pero, coño, ¡estamos hablando de Metallica! Y si estos tipos decidieron volver a juntarse con la Sinfónica de San Francisco con el motivo de apertura en la ciudad del pabellón Chase Center en septiembre del año pasado sería porque veían posibilidades de hacer algo, hasta cierto punto, distinto. Y así es. Contra pronóstico, S&M2 demuestra que segundas partes sí pueden ser buenas.Ahora al frente de la orquesta está Michael Tilson Thomas, y entre él y el arreglista Bruce Coughlin, han conseguido que la aportación la orquesta resulte más excitante. Por ejemplo, las trompetas mariachis en la 82 42

parte central de ‘Master Of Puppets’ o la intro de ‘One’ son toda una sorpresa. Estos dos cortes, al igual que otros nueve más como ‘Wherever I May Roam’ o ‘Enter Sandman’, ya aparecieron en S&M, pero diría que en casi todos los casos, las versiones de esta secuela son mejores quizá porque, como explica Lars Ulrich en el libreto, esta vez no se sentían tan intimidados. Algo que también parece notarse en el público presente. Su participación en ‘The Memory Remains’, por ejemplo, le añade un punto de grandiosidad que no estaba en la partitura. Pero naturalmente, el gran aliciente está en escuchar los temas que por primera vez reciben el tratamiento orquestal. Y la verdad es que tanto ‘The Day That Never Comes’, ‘Moth Into Flame’ o ‘The Unforgiven III’, con James Hetfield arropado por los instrumentos clásicos, funcionan muy bien. Aunque lo más curioso es escuchar a Metallica tocando una pieza del compositor ruso Alexander Mosolov, ‘The Iron Foundry’, o la espectacular versión al contrabajo y batería de ‘(Anesthesia) – Pulling Teeth’, como homenaje a Cliff Burton. Es muy posible que, de haber seguido vivo, Burton hubiera reprobado muchas de las decisiones que Metallica han tomado en su carrera, pero sospecho que hubiera disfrutado como un niño habiendo participado en este proyecto. Metallica en versión IMAX. DAVID GARCELL

NAPALM DEATH

Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism (CENTURY MEDIA) GRINDCORE

o se puede negar que la forma que tenemos de asimilar la música actual de Napalm Death ha cambiado a la fuerza. Ahora mismo no se trata de si han estado más o menos acertados a la hora de entregar nuevas canciones, sino de mentalizarse de que los padres del grindcore ya no se dedican únicamente a estampar objetos contundentes a un ritmo mareante mientras Barney Greenway le lee la cartilla a la humanidad. Hay que tener en cuenta que, en los últimos tiempos, los de Birmingham han sofisticado su propuesta y le han abierto las puertas de par en par a cualquier

influencia que recibieran durante su periodo formativo, por lo que el debate está en si quieres realizar ese viaje con ellos o no. Aunque deba reconocer que Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism y algunas obras más hayan requerido de varias escuchas extra para obtener una experiencia positiva, lo cierto es que no me molesta que ‘Backlash Just Because’ presente disonancias de Killing Joke, que la rockerilla ‘Amoral’ también tire de post punk o que ‘Joie De Ne Pas Vivre’, ‘Invigorating Clutch’ y ‘A Bellyful Of Salt And Spleen’ sean industriales, ambientales, cortes donde planea la sombra de Swans o The Young Gods. Igualmente, tralla la seguimos encontrando aquí, y en resumidas cuentas, Scum, From Enslavement To Obliteration, Harmony Corruption o Enemy Of The Music Business no se van a ir a ningún lado, así que no hay impedimento para pincharse los Napalm que más le convengan a cada uno. Ignoro si sus viejos fans tendrán la suficiente paciencia o interés para profundizar en este álbum, pero eso ya no es algo que a mí me competa. PAU NAVARRA

THE OCEAN

Phanerozoic II: Mesozoic / Cenozoic (METAL BLADE) POST METAL

he Ocean llevan ya dos décadas construyendo una de las discografías más interesantes que hayan surgido dentro del post metal. El propio concepto que manejan (cada uno de sus discos está centrado en un periodo geológico de la Tierra) ya da pie a ello. Por descontado, Phanerozoic II: Mesozoic / Cenozoic, segunda entrega que complementa a Phanerozoic I: Palaeozoic editado dos años atrás, también posee vida propia. En este capítulo, el colectivo con base en Alemania aborda la era en la que los dinosaurios campaban a sus anchas, así como su posterior extinción.

Toda esta primera fase queda plasmada en un inicio absolutamente devastador con una ‘Triassic’ en la que The Ocean ponen sobre la mesa su vertiente más progresiva. No contentos con ello, son capaces de doblar la apuesta con ‘Jurassic|Cretaceous’, la cual deberíamos incluir directamente entre las mejores composiciones de su catálogo. Contando de nuevo con la colaboración de Jonas Renkse de Katatonia, sus 13 minutos están a la altura de la brutalidad y el caos que merecía el impacto del meteorito que arrasó con todo bicho viviente hace 66 millones de años. En ‘Palaeocene’ mantienen la tensión con la ayuda de Tomas Liljedahl de Breach a las voces. Pero como después de la tempestad siempre llega la calma, esta se manifiesta en las más relajadas ‘Eocene’ y ‘Oligocene’. No será hasta alcanzar el ‘Pleistocene’ cuando empecemos a notar que la vida vuelve a abrirse camino de manera furiosa (ojo a los detalles blackers que se cuelan en la recta final). Un fascinante viaje en el tiempo del que seguro todavía nos aguardan más episodios. GONZALO PUEBLA

CREEPER

Sex, Death & The Infinite Void (ROADRUNNER) ROCK

uien espere un disco para poguear es muy posible que se encuentre desconcertado, porque buena parte del contenido de Sex, Death & The Infinite Void va por otros derroteros. Si bien la intro recitada, ‘Hallelujah!’ a cargo de Patricia Morrison de Sisters Of Mercy, da paso a dos pegadizos temas, ‘Be My End’ y ‘Born Cold’, en los que Creeper siguen unidos por el cordón umbilical a My Chemical Romance, ‘Cyanide’, con su piano juguetón y un aire Bowie, y ‘Annabelle’ un himno britpop que es puro Suede, a partir de ahí el disco cambia

totalmente de registro. Como si nos metiéramos en una película de cine negro, en los cuatro siguientes temas Will Gould se transforma en un crooner, los arreglos orquestales ganan peso, y las guitarras acústicas sustituyen a las eléctricas. ‘Paradise’, ‘Poisoned Heart’, ‘Thorns Of Love’ y ‘Four Years Ago’, un dueto con la teclista Hannah Greenwood, son puro melodrama con aires a Roy Orbison, Morrissey, y el pop de los 60. Forman un póker fantástico en el que Gould brilla como vocalista y Creeper se revelan como una banda de lo más elegante, aunque es una pena, que no le hayan dado un toque más vintage a la producción. En la parte final, ‘Napalm Girls’ y ‘Black Moon’ suben un poco el nivel de energía, pero el broche final lo pone la balada ‘All My Friends’, en la que se rompe la línea argumental del resto, para ofrecernos una ventana a los problemas internos de la banda con versos como “Getting high has got us all so low. / I’m so sorry if I failed you”. Algo así como su propio The Black Parade. JORDI MEYA

P EN MINOR

When The Cold Truth Has Worn Its Miserable Welcome Out (SEASON OF MIST) FOLK GÓTICO

ese a su imagen de tipo duro, garrulo y casi indestructible, Phil Anselmo es un tipo de carne y huesos. Bajo esa coraza forjada durante sus años al frente de Pantera y Superjoint Ritual, late un corazón sensible y mucho más vulnerable del que a menudo ha mostrado en su música. El debut de su nuevo proyecto En Minor vendría a sacar a la superficie ese lado oculto de su personalidad. Según ha contado, el origen de estas canciones se remonta a cuando empezó a tocar la guitarra con nueve años en su New Orleans natal y algunas maquetas que grabó pasada la adolescencia bajo el nombre Body & Blood. Pero no sería hasta 2012 cuando conoció al bajista Steve ‘Schteve’ Taylor, miembro de 16 Horsepower y Woven Hand, que empezó a barajar en serio la posibilidad de rescatar esos temas

E BIFFY CLYRO

A Celebration Of Endings (WARNER) ROCK ALTERNATIVO

n los últimos años, Biffy Clyro parecían haber perdido un poco de fuelle. Su anterior álbum, Ellipsis (2016), sin ser para nada un mal disco, le faltaba algo de profundidad, el MTV Unplugged (2018), pese a ser satisfactorio, no dejaba de ser una propuesta sin riesgo, y la banda sonora que publicaron el año pasado, Balance, Not Symmetry, pasó tan desapercibida que muchos no llegaron a descubrir algunas de las buenas canciones que escondía. No voy a decir que con su nuevo álbum el trío escocés fuera a jugarse su futuro, porque su carrera ya está demasiada consolidada como para no poder superar un tropiezo, o dos, pero es

perdidos. La cosa tiene todo el sentido del mundo porque la música de En Minor comparte el mismo gusto por el folk gótico de esas bandas. Ya en algunos temas de Down, habíamos escuchado a Anselmo cantar sobre instrumentos acústicos y atmósferas más reposadas, pero aquí explora esa sonoridad al máximo. El tono del álbum es lúgubre, oscuro, añejo y polvoriento. Es fácil transportarse al interior de una mansión

abandonada en medio de un pantano, con la maleza y la humedad carcomiendo sus paredes. Quizá sentir esa experiencia inmersiva, sea su mayor calidad por encima de las canciones en sí. Naturalmente no faltan ecos de Nick Cave, como en la tribalista ‘This Is Not Your Day’, o Tom Waits en la rural ‘Hats Off’. Toda una sorpresa ver lo bien que Anselmo se mueve en estos registros.

evidente que era importante para mantener su reputación de banda prácticamente infalible. Pues bien, me alegra poder decir que con A Celebration Of Endings han superado el reto. Basta escuchar el primer tema, ‘North Of No South’, para comprobar que a Simon Neil no se le han terminado las ideas. ‘The Champ’ es incluso más ambicioso, con arreglos de piano y cuerda, un toque Queen, y una gran melodía que se te quedará grabada en la cabeza. ‘Weird Leisure’, con su ritmo al trote, ese pre-estribillo con Ben Johnston jugando con las baquetas, un estribillo épico, y Neil poniendo a prueba la elasticidad de las cuerdas

de su guitarra, consigue que te vayas sintiendo cada vez más atrapado en su mundo. Uno en el que caben desde momentos mas power pop, ‘Tiny Indoor Fireworks’, o baladas azucaradas como ‘Opaque’ o ‘Space’, hasta estructuras más rarunas como ‘Worst Type Possible’, ‘End Of’, ‘The Pink Limit’ o la final ‘‘Cop Syrup’, en la que , transitamos de una sección de grunge a un pasaje acústico digno de un disco de prog de los 70 en la que una orquesta va añadiendo capas. Quien les haya seguido desde que publicaron su debut Blackened Sky en 2002 sabe que hay muchos Biffy Clyro, y aquí están todos.

DAVID GARCELL

JORDI MEYA

GULCH

Impenetrable Cerebral Fortress (CLOSED CASKET ACTIVITIES) HARDCORE

in campaña de prensa, mánager o agencia. ¡Sin redes sociales! Sin sello tocho, pero con gente detrás que sabe muy bien lo que se hace, militante y activa en la escena de California. Gulch son el fenómeno más tocho de la música dura actual y nadie sabe por qué. Bueno, sí, en febrero se hizo viral un bolo suyo en YouTube que está guapo, donde se observa un gran frontman, Elliot Morrow, pegando unos berridos que pa’ qué y un batería de lo más bestiajo, mientras un público enfervorecido se mete unas leches de cuidado. Pero peña, tampoco nada que justifique que agoten miles

de vinilos de Impenetrable Cerebral Fortress, su primer ¿largo?, en cuestión de horas, y así sucesivamente con todos los demás pressings que se han ido lanzando desde el 24 de julio. Y no hablemos de su merch, que también dura minutos… Pensándolo mejor, no debería ser tan raro que una buena banda under maneje esas cifras en cualquier parte del mundo, pero cuánto han cambiado las cosas en los últimos años… Sinceramente, me parece exagerado todo lo que se está diciendo de este álbum, de hecho me ha gustado más lo que se les puede escuchar en vivo, pero hay que reconocer que su hardcore visceral y cavernícola con algo de black (‘Cries Of Pleasure, Heavenly Pain’) y death, desgañites histéricos, salidas simplísimas pero altamente corrosivas y esa cover de ‘Sin In My Heart’ de Siouxsie And The Banshees tienen un ‘algo’ adictivo. Un pequeño terremoto a base de bocaoreja, que se expande vía WhatsApp. 16 minutos para demostrar que las reglas en la música han cambiado para siempre, y que las viejas ni valen, ni volverán. PAU NAVARRA

OBSIDIAN KINGDOM

MEAT MACHINE (SEASON OF MIST) METAL INDUSTRIAL

uando estás harto de escuchar tanta palabrería barata por parte de las bandas asegurando que su nuevo trabajo es un giro en su evolución para después encontrarte con lo mismo de siempre, agradeces que existan grupos como Obsidian Kingdom. A pesar del impacto que supusieron obras como Mantiis y el reflexivo A Year With No Summer, a los barceloneses nunca les ha temblado el pulso a la hora de dar el enésimo golpe de timón. Tras otros cuatro años de proceso, con sus correspondientes cambios de miembros mediante, MEAT MACHINE

vuelve a cumplir su propósito de no repetir esquemas previos. A primera vista, se aprecia que el metal industrial de gente como Nine Inch Nails y Ministry ha sido el punto de partida en esta nueva aventura. La dupla inicial formada por ‘The Edge’ y ‘ The Pump’ confirma que las cotas de agresividad han subido varios enteros, por no mencionar el monstruoso ejercicio que supone ‘Mr Pan’, en el que poco a poco te van sumergiendo en ese mundo de pesadilla sónica creado para la ocasión. Pero, por supuesto, hay muchísimo más aquí dentro. La voz de la guitarrista Irene Talló reclama protagonismo en varios momentos, dando un toque de dinamismo en contraste a la de Rider G Omega. Incluso en ‘Womb Of Fire’ se atreven a experimentar con el autotune sin caer en el ridículo. Por su parte, ‘Naked Politics’, ‘Vogue’ y el poderoso single ‘Meat Star’ estarían entre los momentos más accesibles de toda su discografía. Suena contradictorio, ¿verdad? Pues espérate a escucharlo y descubrir porque Obsidian Kingdom continúan siendo una de las formaciones más impredecibles que tenemos. GONZALO PUEBLA

BRIGHT EYES

Down In The Weeds, Where the World Once Was (DEAD OCEANS) POP ORQUESTAL, FOLK

acía diez años que Connor Oberst no grababa bajo el nombre de Bright Eyes, junto a sus fieles colaboradores Mike Mogis y Nate Walcott, pero escuchando Down In The Weeds, Where the World Once Was bien podrían haber pasado sólo unos meses desde que publicaran su último álbum, The People’s Key. Entre uno y otro, Oberst ha lanzado discos en solitario, con su banda punk Desaparecidos y, el año pasado, el magnífico debut de Better Oblivion Community Center, su proyecto folk con la cantautora Phoebe

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Bridgers. Pero elija el formato que elija, su personalidad siempre trasciende los accesorios que le rodean. Aunque haya ido alejándose del emo folk de raíz americana para pintar sus canciones con arreglos más barrocos y cósmicos, o que haya fichado a Flea como bajista en varios temas, ese factor humano sigue siendo lo más esencial. Por eso da igual si suena más grandilocuente como en ‘Dance And Sing’ o ‘Comet Song’, más íntimo como en ‘Hot Car In The Sun’, o más frío y electrónico como en ‘One And Done’ o ‘Pan And Broom’, la voz de Oberst sigue transmitiendo melancolía, inquietud y perplejidad ante un mundo que se nos escurre de las manos. Igual de permanente es su talento para escribir buenísimas canciones. ‘Mariana Trench’, ‘Stairwell Song’, ‘Tilt-a-Whirl’, inspirada en la muerte de su hermano, o ‘Calais To Dover’ vuelven a situarlo en ese pedestal del que parece que sea imposible que caiga. Abre una botella de vino, enciende una vela, y entra en su madriguera. JORDI MEYA

FONTAINES D.C. A Hero’s Death (PARTISAN/PIAS) POST PUNK

l éxito de Dogrel, el debut de Fontaines D.C., publicado hace poco más de un año, no parece haber subido el ánimo de la banda irlandesa, sino casi lo contrario. La vitalidad que despuntaba en gran parte de sus primeras canciones debió quedarse en la carretera, porque en esta nueva entrega el protagonismo lo tienen unos temas lentos y taciturnos, pero, al mismo tiempo, extrañamente bellos. El tono sombrío de su segundo álbum queda definido desde los dos primeros cortes, ‘I Don’t Belong’ y ‘Love Is The Main Thing’, con la voz inexpresiva Grian Chatten y

una instrumentación austera. La fórmula de ir repitiendo el título de la canción vuelve en ‘Televised Mind’ en la que la base rítmica te sumerge en una espiral de la que logras salir gracias ‘A Lucid Dream’, que tiene algo de los primeros U2. Más adelante, en ‘Living In America’ y ‘I Was Not Born’, vuelven a mostrarse como buenos alumnos de Joy Division o The Fall. Pero como apuntaba, gran parte del disco lo ocupan temas lentos como ‘You Said’, o las aún más minimalistas y vulnerables ‘Oh Such A Spring’, ‘Sunny’ o ‘No’, que cierra el disco con su preciosa melodía con la que Chatten nos anima a que “apreciemos el gris”. En circunstancias normales A Hero’s Death sería un ‘antidisco de verano’ -apenas el tema titular con su ritmillo a lo The Strokes, y el mantra “Life ain’t always empty” ofrece un poco de luz-, pero visto el panorama se ajusta perfectamente a nuestra realidad. Incluso en sus momentos de calma, el disco te martillea en las sienes como cuando estás en silencio después de una noche que te gustaría olvidar. JORDI MEYA

VENOMOUS CONCEPT

Politics Versus The Erection (SEASON OF MIST) HARDCORE PUNK, GRINDCORE

es Shane Embury total. El bajista de Napalm Death vuelve a asociarse con su amigote Kevin Sharp de Brutal Truth y juntos escupen Politics Versus The Erection, el cuarto álbum de Venomous Concept. Ya saben, el proyecto en el que dejan aflorar todo su amor por Poison Idea, de los que por cierto tomaron el nombre cuando se crearon, Black Flag, GBH, Siege, los nipones Systematic Death y demás héroes de la tralla antigua. Con dos habituales como Danny Herrera a la batería y John Cooke a la guitarra, esta

vez se estiran un poquito más en todo… Pero bueno, que esto siguen siendo 13 temas en 33 minutos… Su disco progresivo, vaya. La cosa empieza al rojo vivo con Sharp dándole a la garganta que da gusto, y a través de ‘Simian Flu’, ‘Hole In The Ground’, ‘Eliminate’ y ‘Lemonade’ entran a saco en tu casa a hostia limpia. Pero luego también hay ‘Promise’, ‘Septic Mind’, ‘Carrion’ o la final ‘Politics Versus The Erection’, algo más estrambóticas y en una línea, no sé… más elaborada, sesuda y ambiental. Sinceramente, son tiempos de mierda, todo da puto asco, ya no hay nada que consiga sacudirme el hartazgo de encima, así que esperaba un poco más de metralla de estos punks sin remedio. ‘Dementia Degeneration’, ‘Broken Teeth’ o ‘Shadows’ molan, entiendo perfectamente por dónde van los tiros en esta banda, pero sintiéndolo mucho, no han pateado mi trasero como cuando disparaban esos temas de minuto y poco. No se trata de abusar del humor, pero más ‘Mantis Toboggan’ me hubieran sentado de la leche. PAU NAVARRA

MISERY SIGNALS Ultraviolet (AUTOEDITADO) METALCORE

ucho ha llovido desde que Misery Signals irrumpieran a mediados de los 2000’s en la escena metalcore americana. Si bien trabajos como Mirrors y especialmente Controller no les terminaron de colocar en un nivel de popularidad similar a los nombres más destacados de aquella época, al menos sirvieron para que los de Milwaukee se desmarcaran de la competencia gracias a sus habilidades cercanas al progresivo. De hecho, no es casualidad que Devin Townsend haya vuelto a trabajar con ellos para este quinto e inesperado álbum que llega siete años

después del discreto Absent Light. Con el regreso al micrófono de Jesse Zaraska, vocalista original del combo, Ultraviolet se despacha de manera agradable y rápida. Lo breve de su duración (apenas media hora) se agradece teniendo en cuenta lo reiterativos que suelen hacerse algunos álbumes dentro de este estilo. Y aunque Misery Signals tampoco es que reinventen la rueda, aún son capaces de aportar cierta frescura sobre un terreno donde ya está todo dicho y hecho. Cortes destacados como la aperturista ‘The Tempest’ o la dinámica ‘Old Ghost’ cumplen con la dosis de agresividad demandada gracias al poderoso rugido de Zaraska y una batería en primer plano. Pero la gracia es que saben utilizar los momentos de tregua para golpearte más fuerte a continuación, caso de una ‘River King’ donde juegan con inteligencia cartas como las guitarras melódicas y las voces limpias, pero sin necesidad de abusar de ellas. Un álbum que no debería pasar desapercibido entre los amantes de un género que, pese a todo, todavía sigue respirando. GONZALO PUEBLA

E BLUES PILLS Holy Moly! (NUCLEAR BLAST) ROCK

n 2016 parecía que el viento soplaba de cara para Blues Pills. Con su segundo disco, Lady In Gold, su nombre se había situado entre las grandes sensaciones del rock revivalista, dando la impresión de que la banda estaba despegando a una velocidad vertiginosa. Pero como hemos visto tantas veces, detrás de una historia de éxito hay otra que no es tan bonita. El imparable ritmo de las giras terminó por agotar al grupo provocando que en 2018 su guitarrista Dorian Sorriaux abandonase la nave. Fue en ese momento cuando Elin Larsson y Zach Anderson, principales compositores de la formación, decidieron alejarse de los focos, construir su propio estudio y recuperar la pasión por la música que la industria les había arrebatado. El resultado de todo ello es Holy Moly!, un disco que si

Q NOFX, FRANK TURNER West Coast Vs. Wessex (FAT WRECK) PUNK ROCK, FOLK

uién sabe si inspirados por el disco compartido que en 2002 grabaron para las BYO Split Series, en el que NoFx y Rancid se versionaban mútuamente, Fat Mike y los suyos han decidido repetir la fórmula 18 años después con Frank Turner. En esta ocasión el aliciente estaba en comprobar cómo lo harían con un material más alejado estilísticamente. Cierto es que a estas alturas ya estamos acostumbrados a escuchar versiones punk rockeras de cualquier estilo, y lo mismo pasa con las versiones acústicas. Pero tratándose de un proyecto hecho a conciencia por las dos partes cabía esperar

bien no alcanza el nivel de su mágico debut homónimo, al menos presenta a unos Blues Pills con bastante más chispa que en Lady In Gold. La tripleta inicial formada por ‘Proud Woman’, ‘Low Road’ y ‘Dreaming My Life Away’ viene a dejar claro que no han perdido la garra. Acto seguido, ‘California’ pone en evidencia su amor por el soul clásico en un medio tiempo donde Elin se luce llegando a unas notas altísimas. A partir del ecuador del álbum,

la banda opta por echar el ancla. Pero lejos de restar, canciones como la oscura ‘Dust’, la gospeliana ‘Wish I’d Known’ o una ‘Song From A Mourning Dove’ en la que Zach justifica su nueva posición como guitarrista con un extenso solo, acaban dando ese necesario toque de variedad. Holy Moly! demuestra que Blues Pills tienen mucho más recorrido de lo que algunos vaticinaban.

que se hubieran estrujado un poco la cabeza. Y así es. Cada uno a su manera, se ha esforzado en impregnar su propia personalidad intentado escapar de los clichés dentro de lo posible. Desde esa perspectiva podría decirse que Frank Turner es quien gana por puntos este entretenido combate. Los primeros en saltar al ring son NoFx. La banda impregna de un aire ska a ‘Substitute’ y ‘Thatcher Fucked The Kids’, aprieta el acelerador con ‘Worse Things Happen At Sea’ y ‘Ballad Of Me And My Friends’ y se muestra bastante fiel a la original en la hímnica ‘Glory Hallelujah’ hasta que acelera en su parte final como diciendo ‘eh, que somos

NoFx’. Por su parte, Turner sale con fuerza ‘Scavenger Type’ sacando chispas de las guitarras acústicas, antes de transformar ‘Bob’ en una balada irlandesa con armónica y todo. Aunque la mayor sorpresa llega con ‘Eat The Meek’, presentada aquí sobre una línea de bajo a lo kraut-rock y unas guitarras atmosféricas, pese a conservar intacta la melodía de voz del estribillo. Arriesgada y brillante. ‘Perfect Goverment’ podría colar como un tema propio de ese folk pop que tan bien se le da, mientras que ‘Falling In Love’ llega aquí como un lamento folk muy distinta a la orginal.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

NASTY Menace

(CENTURY MEDIA) BEATDOWN HARDCORE

l beatdown es un estilo minoritario dentro de lo minoritario, pero aun así, Nasty no han dejado de trabajar, girar y pelear para ir un poquito más lejos con cada obra, hasta el punto de haber conseguido fichar por un sello grande como Century Media. En Menace no se puede decir que hayan hecho concesiones, pero sí se observa que los belgas cuentan ya con 16 años de carrera. Hay algo de variación y mayor cuidado, vaya, pues no se puede grabar siempre lo mismo. ‘Ultimate’ es saludada por un Matthi llenándose la boca de rabia

con ese estilo de cantar tan del hardcore con la testosterona por las nubes, pero cabe decir que aunque la guitarra de Paddy y el aparato rítmico no deja de machacar, los primeros cortes no son tan beatdown como suele ser habitual. ‘Be Careful’, con esas voces melódicas, sí te va aplanando cada vez más, y es que el disco implementa el aplastamiento a medida que avanza. ‘666AM’ se la prepara y te deja contra las cuerdas, ojito a esa zurda, y no descuides la mandíbula en ‘Tricky Plays’, donde la banda acaba por desplegar todo su poder destructivo. ‘Betrayer’ también llega cargada de tintas, ‘You Will Know My Name’ es tan simple que resulta devastadora para tus costillas, igual que ‘Inhale/Exhale’ o ‘Blood Crop’, y el detallito de la campana que anuncia el final del round en ‘Table Of Kings’ es buenísimo. Love (2013) sigue siendo mi trabajo favorito de Nasty, pero el cuarteto se mantiene en forma dentro del estudio, sonando gordo y contundente, y ya no digamos en directo. PAU NAVARRA

THE LEMON TWIGS

Songs For The General Public (4AD/POSTOCK) ROCK

he Lemon Twigs acaban de publicar su tercer álbum y todavía sigue siendo complicado adivinar dónde situar esa línea entre la parodia –no pasemos por alto que su anterior álbum era una obra conceptual sobre un chimpancé educado como un humano- y la seriedad, si que es que existe tal línea. Sea lo que sea, ahí es donde reside la magia de los hermanos D’Addario y tras lo escuchado en Songs For The General Public da la impresión de que su peculiar fórmula se

va perfeccionando álbum a álbum. Como si quisieran jugar al despiste, en la inicial ‘Hell On Wheels’, nos encontramos con un estribillo calcado al de ¡‘Cups And Cakes’ de Spinal Tap!. A partir de ahí, esperemos lo inesperado, pero la colección de canciones es para tenerse muy en cuenta. De nuevo cogiendo referencias de todo tipo, ancladas principalmente en los 70, podemos encontrar influencias que van desde las más obvias de Bowie –su espíritu es omnipresente a lo largo del álbum- hasta otras no tanto como podrían ser las de Bruce Springsteen, ‘Moon’ podría ser un descarte friki de The River, de Steely Dan en ‘Somebody Loving You’, o incluso de los Redd Kross más bubblegum caso de ‘No One Holds You (Closer Than The One You Haven’t Met)’. Una batiburrillo que en manos de otros podría parecer imposible, pero que The Lemon Twigs resuelven con una naturalidad aplastante. Tómatelos como un guilty pleasure o unos genios incomprendidos, pero no dejes que se te escape este Songs For The General Public. RICHARD ROYUELA

E THE LAWRENCE ARMS Skeleton Coast (EPITAPH) PUNK ROCK

s una pena que The Lawrence Arms no hayan conseguido pasar de ser una banda de culto; reverenciada por unos pocos, pero todavía desconocida para muchos. Seguramente algo tenga que ver una carrera intermitente en la que sólo han publicado tres discos en los últimos 14 años. O quizá simplemente sea que su punk rock no está hecho para las masas. Lo que está claro es que lo que no tienen de prolíficos, lo tienen de calidad. Skeleton Coast, su séptimo álbum, llega seis años después de Metropole y nos devuelve al trío en plena forma. Pocas cosas han variado. Matt Allison vuelve a ocuparse por enésima vez de la producción, el guitarrista Chris McCaughan y el bajista Brendan Kelly vuelven a repartirse las tareas vocales, sus letras siguen estando por encima de la media con evocadoras imágenes oscuras, y sus

L IMPERIAL TRIUMPHANT Alphaville

(CENTURY MEDIA) AVANT-GARDE BLACK METAL

o que Imperial Triumphant ofrecen no es nuevo. Antes o durante su eclosión, otras bandas también han fusionado jazz con metal o black vanguardista, como los Shining noruegos, Five The Hierophant y otros tantos proyectos de corte mucho más underground. Lo que sí llama mi atención, y de qué manera, es lo perfectamente bien ensambladas que están las bulliciosas canciones de los estadounidenses, lo respetuosos que son con los dos universos que nutren sus canciones para que Alphaville, su cuarto álbum, no se nos aparezca como una algarabía absolutamente indigesta. O que no tire

canciones siguen necesitando apenas 2 ó 3 minutos para decirnos todo lo que quieren. Grabadas en los Sonic Ranch Studios de Texas, estas 13 canciones alternan enfoques más melódicos como ‘Dead Man’s Coat’, ‘Ghostwriter’, ‘Under Paris’, en los que se acercan como nunca a Alkaline Trio, con zarpazos punk como ‘PTA’ o ‘Goblin Foxhunt’, con otros en los que queda clara la influencia que han tenido en una banda como The Menzingers (‘Belly

Of The Whale’, ‘Last, Last Words’, ‘Lose Control). La banda de Chicago suena con energía, pero transmite seguridad y cierta serenidad dejando que, a pesar de la urgencia de los temas, los instrumentos tengan espacio para respirar y brillen, en especial, los arreglos de guitarra y algunas acústicas que cuelan por ahí. Si te gusta el punk rock, es imposible que no te guste este disco.

del recurso fácil de ser una obra black death con alguna pincelada jazz que, únicamente, les dé un aire cool. No. Alphaville, como su predecesor Vile Luxury, es exactamente black death vanguardista con jazz. Dadas las coordenadas, lo de ‘técnico’ se da por sentado. Las cucharadas de cada estilo están meticulosamente calculadas, la fórmula del trío es puntillosa y minuciosa, y de esta manera, consiguen lo más complicado: que estas siete canciones, más dos covers, se sucedan de forma natural, sin sonar nada forzadas. ‘Excelsior’ va a exigirte toda tu atención, estamos ante una formación

capaz de ejecutar todo lo que le venga en gana, y ‘City Swine’, en un principio mucho más reposada, sigue dando buena cuenta del descomunal nivel instrumental de estos encapuchados. El resultado final te obliga, irremediablemente, a volver tus ojos y orejas hacia ellos. Imperial Triumphant serán el objeto de deseo, el destino de muchos de los piropos que se lancen este año. Sólo sumérgete en esto si puedes dedicarle los cinco sentidos. Desde luego, Alphaville no es un álbum para la siesta o para que suene de fondo mientras friegas el pasillo. Los John Zorn del metal extremo actual.

JORDI MEYA

PAU NAVARRA

VICIOUS RUMORS Celebration Decay (SPV) HEAVY METAL

inceramente no recuerdo si fui el encargado de hacer la crítica del anterior álbum de Vicious Rumors, Concussion Protocol (2016), pero vista la carrera de la banda liderada, con todo el tesón del mundo, por Geoff Thorpe en los últimos años, casi podría hacer un ‘corta y pega’, sin que el resultado de la crítica chirriara. Y que quede bien claro que esto es un halago porque el nivel que llevan demostrando los californianos en sus últimos trabajos es encomiable y pueden mirar sin complejos a esos primeros cuatro álbumes que los elevaron al olimpo del US Power Metal.

Vicious Rumors tienen muy claro para lo que sirven y el porqué son respetados, así que eso es lo que parecen determinados a seguir ofreciendo disco tras disco. Quizás el gran aliciente del álbum estaba en la presencia del nuevo vocalista Nick Courtney, quien se ganó el respeto de los fans más exigentes en la gira que hicieron recreando su disco homónimo, y tras escuchar su labor en el estudio, la verdad es que sería complicado encontrar una banda en la que su voz encajara mejor. Todo un titán. Respecto a Celebration Decay, poco que decir si ya estás familiarizado con la banda. Un festín metálico, con Thorpe disparando riffs como un condenado, y estribillos que harían las delicias en el mejor de los festivales true como los de ‘Pulse Of The Damned’, ‘Long Way Home’ o ‘Death Eternal’. Quizás haya gente que piense que bandas como Viciou Rumors son cosa de otros tiempos, pero el heavy metal para muchos de nosotros no sería lo mismo sin bandas tan auténticas como ésta. RICHARD ROYUELA

AVERSIO HUMANITATIS

Behold The Silent Dwellers (DEBEMUR MORTI) BLACK METAL

versio Humanitatis han ideado, escrito y grabado Behold The Silent Dwellers, su segundo álbum, al margen de la sociedad. Lejos de su frivolidad, de su materialismo y su estresante e ilógico estilo de vida. Seis temas trascendentales, con la mirada puesta en la belleza de una humanidad en ruinas. Un torbellino disonante como ‘The Weaver Of Tendons’, una ‘The Presence In The Mist’ que escruta su interior, luego ‘The Sculptor Of Thoughts’ para caer velozmente por un inquietante

agujero negro de nihilismo distópico. Esencial en ello contar con un batería como J., un motor perfectamente engrasado de pegada fantástica, y ya no digamos con la voz del también bajista A., un narrador trágico, indispensable y desesperado, desgarradoramente expresivo y creíble. Patrones fuera de lo común en ‘The Wanderer Of Abstract Paths’, a saber cuántas horas le han echado a este tema, una ‘The Watcher In The Walls’ que consigue trasladarte con sus riffs la profunda tristeza con la que las demás especies deben observarnos, y para cerrar, ‘The Scribe Of Dust’, con algún compasivo halo de luz entre páramos desolados. Tras nueve años de su debut en largo y tres de Longing For The Untold, un EP que ya apuntó la revolución hacia la que los madrileños podían encaminar sus próximos movimientos, tenemos un disco inexpugnable, maquinado con toda la minuciosidad posible por un S. que regenta sus propios The Empty Hall Studio. Hay que aceptar nuestra autodestrucción, recitando poesía gris para un planeta de ceniza. PAU NAVARRA

DEFEATED SANITY The Sanguinary Impetus (WILLOWTIP) TECHNICAL BRUTAL DEATH

ras un álbum bicéfalo como Disposal Of The Dead // Dharmata, ese animal que en su primera mitad mostraba la cara más reconocible de Defeated Sanity con su brutal death apabullante y luego otra que rendía pleitesía a los maestros del death progresivo, los berlineses retornan a los cauces habituales con The Sanguinary Impetus, su sexto largo. Es decir, toca volver a asistir a un espectáculo de músculo y técnica como muy pocos pueden darse en el mundo. Riéndose de nosotros empieza ‘Phytodigestion’ con esa batería ultra básica

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que poco a poco va acelerándose para que arranquen las locuras a los mástiles de una forma huracanada. Cuando decía que poquísimas formaciones en el planeta pueden ofrecer lo que Defeated Sanity ejecutan, me refería sobre todo a ‘Imposed Corporeal Inhabitation’, la ilógica y perfecta ‘Entity Dissolving Entity’, la imposible ‘Insecta Incendium’ o la abusiva ‘Arboreously Transfixed’. De verdad, a uno se le acaban los adjetivos a la hora de describir lo este trío de ases alemán consigue plasmar. Más allá del technical, dando un nuevo sentido al término ‘prog’, dignificando a la antigua usanza el slam, los germanos son una de esas bandas con las que hay que dejarlo todo de lado, pincharlos en tu equipo, sentarse en el sofá a contemplar las musarañas, y durante algo más de media hora, rendirse ante su maestría y total dominio de cualquier idea que se planteen. ¿Es Jacob Schmidt mi bajista favorito ahora mismo? Yo creo que sí. Las dos últimas canciones… ¡Buah chaval! PAU NAVARRA

PROTEST THE HERO Palimpsest (SPINEFARM) METAL PROGRESIVO

unque en 2016 lanzaron el EP Pacific Myth, me atrevería a decir que la sensación general es que Protest The Hero llevaban fuera de circulación desde hace demasiado tiempo. No es para menos si nos fijamos en todo lo que ha ocurrido durante los 7 años que separan su anterior trabajo, Volition, y este reciente Palimpsest. En ese tiempo, los canadienses han visto como se les marchaba su sección rítmica, algunos de sus componentes se convertían en padres y su cantante Rody Walker tenía que lidiar con los problemas vocales que le provocó la gira del décimo aniversario

de Fortress en 2018. Pero a pesar de todo, la realidad es que en cuanto pulsas el play y el quinto álbum de los de Ontario empieza a sonar, sientes que todo sigue en su sitio. Si Walker sufre secuelas, desde luego no se le notan, ya que aquí sigue alcanzando notas imposibles, mientras sus compañeros se dedican a reventar el contador de digitaciones por segundo. Ahí están ‘From The Sky’ y ‘The Fireside’, cortes con la épica instrumental que se les debe demandar, además de un extra de arreglos orquestales a base de teclados omnipresentes en todo el disco. Pero aunque pueda sonar contradictorio ya que las virguerías en el mástil no se han visto reducidas, uno aprecia que los chicos han aprendido a no estar pisando el acelerador todo el rato. De esa necesaria oxigenación salen beneficiadas ‘The Migrant Mother’, ‘All Hands’, mi favorita ‘Soliloquy’ o ‘Gardenias’, poseedoras de algunos de los mejores estribillos de toda su discografía. Como los buenos francotiradores, Protest The Hero son incapaces de herrar el tiro. GONZALO PUEBLA

VV.AA.

Ellas Son Eléctricas (BEAT GENERATION) HEAVY METAL

a solo existencia de un trabajo como Ellas Son Eléctricas merece ya por defecto una nota sobresaliente. Un trabajo de antropología metálica, buscando mujeres que construyeron el heavy metal en España, auténticas heroínas en un estilo y una época en la que tuvieron que luchar con una misoginia que poco a poco ya se va dejando atrás. Resumiendo ser heavy, mujer, y tener la osadía de estar en una banda no era algo muy compatible en los años ochenta. Once temas de otras tantas bandas con poca discografía más que algún single esporádico o apariciones en recopilatorios

de carácter local –el libreto escrito por Paco Manjón, aparte de ser tan importante como la música que hay en el vinilo, explica con todo detalle la historia de cada una de las bandas con su correspondiente material gráfico- y con un amplio abanico estilístico que iba desde el hard melódico de catalanas Casandra, al power thrash de los riojanos Amnesia, al heavy 80s de los madrileños Mole o al rock endurecido de Malena Y Belcebú. Precisamente es Malena –cantante soul bajo el nombre de Shelly reconvertida a rockerao la mítica Azuzena, representada por partida doble con Huracán y Viuda Negra, preludio de lo que sería Santa, de los pocos nombres conocidos en el reopilatorio. El resto, todo un mundo a descubrir para la mayoría. Y aunque no nos encontraremos con grabaciones de gran calidad o que en muchos casos las bandas rozaran el amateurismo, el sentido de ser pioneras y la inocencia bien entendida, hacen de este un álbum imposible de pasar por alto para cualquier seguidor del heavy 80’s. ¡Segunda parte ya! RICHARD ROYUELA

PRIMAL FEAR

Metal Commando (NUCLEAR BLAST) POWER METAL

rimal Fear son de los pocos grupos pertenecientes al estallido power de finales de los 90 que todavía no han publicado ningún bodrio, no se han liado con disputas tontas o, directamente, no se han evaporado tan pronto como aparecieron. Es más, tras el concienzudo trabajo de Frontiers Records con ellos, los alemanes han vuelto a Nuclear Blast bajo el estatus de banda grande, tal y como refrenda la extensa campaña de promo que el gigantesco sello les ha dedicado y esa irrupción en varios charts del planeta con su nueva obra, Metal Commando. Dejando de lado esa portada terrible,

el único problema que le encuentro a su decimotercer disco es su previsibilidad. Es lo que tiene llevar siguiéndoles desde su debut… Les conozco mejor que la palma de mi mano. ‘I Am Alive’ es justo el balazo que debe inaugurar un álbum suyo, tan sencillo como eso, e inmediatamente después sabes que un medio tiempo chulesco, ‘Along Came The Devil’, va a entrar pisando fuerte. No hay pegas, ese tipo de canción es actualmente lo que mejor se les da. Guitarras fortachonas, el bajo de Mat Sinner gobernando desde la lejanía, y Ralf Scheepers... bueno, Ralf Scheepers. Un tipo de otra galaxia. Eso sí, como ‘The Lost & The Forgotten’, ninguna aquí. Heavylada tocha. Pero sigamos, démosle a la velocidad épica en el tercer corte, ‘Halo’, y la cosa más que bien encaminada. Superemos el ecuador, momento balada, luego toca alzar el vuelo con ‘Raise Your Fists’, y para cerrar, una larga ‘Infinity’ que, aunque sabes por dónde irá, se acaba saliendo. Se agradece el esfuerzo, muchísimo, pero el guión lo tenemos algo mascado. PAU NAVARRA

CYTOTOXIN Nuklearth

(UNIQUE LEADER) BRUTAL DEATH METAL

ytotoxin lo tienen, esta peña está en la pomada. A sus explosivos shows en directo hay que sumar cuatro álbumes como cuatro soles, porque, por si había alguna duda, este nuevo Nuklearth tampoco tiene desperdicio. En ‘Atomb’ cabe destacar un esfuerzo melódico extra, que continúa en cierto segmento de la siguiente ‘Lupus Aurora’, y es que algo les quedó de esa larga y triunfal gira junto a los maestros Aborted. Para cuando llegas a ‘Uran Breath’ tienes muy claro que este disco es arrollador y va a dejarlo todo del revés a su paso. Su vena más

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técnica por fin aparece en ‘Dominus’, pero no en detrimento de una cañaza y aplastamiento que incluso se incrementa a medida que avanza el tema. Fans de Cattle Decapitation, no os lo perdáis. ‘Drown In Havoc’ está en llamas, literalmente, los dedos de Fonzo y Jason deben de tener unos callos que ni los pies de Tarzán, y después de semejante trepanación, cortes como ‘Coast Of Lies’, algo Benighted, o la bestial ‘Quarantine Fortress’ se encargan de acabar de esparcir su radioactividad letal por toda Europa. La batería de Stocki suena en modo Dios durante toda la obra, pero igual la producción es demasiado actual para mi gusto, algo de lo que últimamente los lanzamientos de Unique Leader adolecen bastante. Pero bueno, es que los teutones están llamados a liderar el nuevo brutal death, así que… qué menos. Un tren bala desbocado, que avanza directo e imparable hacia la destrucción de tus neuronas. Justo el golpe de autoridad que se esperaba de Cytotoxin. La verdad, era ahora o nunca. PAU NAVARRA

MY MORNING JACKET The Waterfall II (ATO/CAPITOL) ROCK

uando en 2015 My Morning Jacket publicaron The Waterfall aseguraron que tenían otro disco preparado para lanzar en los meses posteriores. Viendo que el grupo se embarcó en la gira de presentación del álbum, para una vez finalizada tomarse un largo descanso, muchos ya nos habíamos olvidado de aquella segunda parte. Al menos hasta que de forma repentina y por sorpresa la tropa liderada por Jim James ha descubierto este The Waterfall II. Una segunda y tardía entrega que sirve para reafirmar el gran momento creativo que estaban atravesando cinco años atrás. Si The Waterfall

recuperaba el mejor nivel de unos My Morning Jacket inspiradísimos, su continuación deja claro que no fue casualidad, ya que nos encontramos ante una obra que poco tiene que envidiar a su hermano mayor. Tirando de una paleta de recursos manejados con soltura, pueden mecernos a base de teclados y armonías vocales en ‘Spinning My Wheels’ o avanzar por terrenos más tradicionales. En esa onda más clásica es donde casan las enseñanzas de The Beatles y Wilco con pasmosa sencillez (‘Climbing The Ladder’ o una ‘Still Thinkin’ en cuya recta final le dan la vuelta cual calcetín se tratara). Pero cuando deciden desplegar las alas y alzar el vuelo, My Morning Jacket son capaces de firmar momentos realmente mágicos. La sensibilidad al piano de ‘Feel You’, el envolvente ritmo robótico con saxos de por medio en ‘Magic Bullet’ o esa ‘Wasted’ que tiene pinta de alcanzar otra dimensión aún mayor cuando sea interpretada en vivo, son meros ejemplos de que aún no se les han agotado las ideas. Aunque lleguen con cinco años de retraso. GONZALO PUEBLA

SAME FIRE As Humans

(MONO NO AWARE) ROCK

i hay algo que ha caracterizado a Juan Blas desde que inició su carrera como productor en sus Westline Studios ha sido el saber apostar por la cantera nacional. El último ejemplo de ello son Same Fire. En 2018 recibimos su primer EP, The Roots, y ya se intuía que estos cuatro jóvenes cordobeses se traían algo muy bueno entre manos. Referencias al rock clásico, al soul, el folk americano… Todo ello interpretado con un buen gusto tremendo que hacía pensar que lo mejor estaba todavía por llegar. Y así ha sido. Con As Humans, su opera prima, han doblado la apuesta sin guardarse nada

en la recámara. Los arreglos que han introducido tanto Luis López Pinto con cuerdas y metales, como Sergio Valdehita a los teclados, dan una idea del mimo por el detalle que se ha puesto en estas diez canciones. Porque sobre todo si algo saben hacer muy bien Same Fire son temas que van directos a alterar tu fibra sensible. Pueden hacerlo de forma minimalista (‘Strangers’, ‘Nana’) o desplegando sobre la mesa todas las armas a su disposición. A veces de manera más directa como en la bienvenida que nos dan en ‘Backyards’ y la completísima ‘Everything’, o en medios tiempos tan bien resueltos como ‘This Is Not A Farewell’ y ‘Fading Away’. Para el final se guardan probablemente la mejor dupla de cortes de todo el álbum. ‘Sparks’, que resume todo lo bueno que son capaces de ofrecer en apenas tres minutos, y esa ‘Tell Me Now’ donde deciden subir los amplis, marcar músculo y demostrar que, si quisieran, también podrían competir con formaciones más duras. Un modo contundente de rematar un debut para enmarcar. GONZALO PUEBLA

YEAR OF THE KNIFE

Internal Incarceration (PURE NOISE) METALCORE

omo todos sabemos, 2020 está siendo un año extraño, sin embargo, dentro de la música más hardcore, los grandes lanzamientos sobran, véase el reciente discazo de Code Orange, o este debut de Year Of The Knife. Con una visión oscura del mundo, donde el dolor, las adicciones y la tristeza forman parte del día a día, la banda de Delaware nos presenta Internal Incarceration. Reflejando todas esas emociones y con la rabia característica del grupo, su debut es una auténtica oda al metalcore más cáustico. Con la producción de Kurt

Ballou de Converge, nos deja 13 cortes, en apenas media hora, donde el hardcore muchas veces se difumina hasta casi llegar al death metal. Desde que el disco comienza con ‘This Time’, la banda no cede ni un solo un descanso a nuestros oídos; si vas a escuchar canciones como ‘Manipulation Artist’ con un altavoz potente te recomiendo no tener nada frágil a tu alrededor. Sin rastro de optimismo, Internal Incarceration te agarra por el cuello con toda su fuerza, y sin pedir disculpas te arrastra por el suelo, siendo el ideal para gritar toda tu rabia y liberar todo tu repertorio de patadas giratorias. Mejorando la fórmula del recopilatorio de todo su material anterior bajo el nombre Ultimate Aggression, creo que es uno de los mejores debuts de los últimos años de una banda de metalcore y la pieza que les va a permitir ascender dentro de la escena, abriéndoles el camino a los grandes festivales cuando estos puedan volver a celebrarse. Esperemos que 2021 puedar ser el año del puñal. ALEJANDRO TEIGA ROBLES

TOMORROW’S RAIN Hollow

(AOP RECORDS) GOTHIC DOOM

n 2011, el vocalista Yishai Sweartz reclutó a nuevos músicos y con el mismo espíritu de su anterior banda, Moonskin, para crear Tomorrow’s Rain. Para entonces Sweartz se había labrado también un nombre como promotor musical en Israel. Algo que ha aprovechado para reclutar a un extenso elenco de artistas que intervienen en Hollow… Ni más ni menos que algunos de los pesos pesados del gothic doom de los 90 como Greg Mackintosh de Paradise Lost, Aaron Stainthorpe de My Dying Bride o Fernando Ribeiro de Moonspell. Casi nada.

82 56

Nos quedaríamos cortos si no mencionáramos también a Jeff Loomis de Arch Enemy o Nevermore, Mikko Kotamaki de Swallow The Sun, Spiros Antoniou de Septicflesh o los menos conocidos Schlomi Bracha de Mashina y Lisa Cuthbert, la cantante en directo de The Sisters Of Mercy. Con esta premisa y trayectoria es muy fácil adivinar qué estilo nos vamos a encontrar aquí; más difícil es saber si cumplirá con las expectativas tan altas puestas al contar con tan ilustres invitados, pero para goce de este insignificante y negativo gusano, al oír Hollow la sorpresa y la emoción de ser transportado a esa época dorada del gothic doom es inmediata. No tanto por el estilo, fiel a lo que se practicaba hace ya más de 25 años, sino más bien por el gusto, clase y talento en la composición de canciones como ‘Trees’ o ‘The Weeping Song’. Aunque destacar un tema en concreto aquí no vale: cada pieza es única, como los artistas que por ellos desfilan. Todo Hollow es bello y desesperanzador. SANTA

AGAINSTERS

The Breakfast EP (VARIOS SELLOS) PUNK

es tras mes, pese a la hecatombe que estamos viviendo, existe una impresión cada vez más fundada de que la escena rock punk de Barcelona está revitalizándose como hacía tiempo no pasaba o, como mínimo, se está haciendo más visible que en otros momentos. De Deadyard y Ratpenat ya hemos ido comentando sus excelencias –y de los buenos álbumes que han sacado en 2020- y puede que haya que empezar a añadir a esta lista el nombre de Againsters. Es verdad que en muchos casos son los veteranos de la escena –el cuarteto está compuesto

por nombres míticos de la escena barcelonesa/ catalana que han dejado huella en bandas de calado como Subterranean Kids, E-150 o Budellam- los que están tirando del carro, pero viendo la frescura que transpira The Breakfast EP, la ilusión y el buen hacer siguen intactos pese a llevar las mochilas cargadas. Comandados por la voz de Macky -¿momento de reivindicar a Mostros?- que con ese timbre rasgado le da a la banda un señor empuje, Againsters juegan a tocar punk rock sin complicarse con etiquetas innecesarias. Que el tema que cierra el EP sea una versión de los primeros The Saints, ‘Erotic Neurotic’, puede dar idea de dónde van los tiros: influencias de la cosecha del 77 y juego entre el punk y el rock n’ roll. Pero lo cierto es que también los temas propios que conforman este primer paso, como ‘Fast Forward To Breakfast’, ‘Flatlining With You’ o ‘Hardware Store’, bien valen la pena. Sus poco más de 11 minutos saben a poco, por lo que les toca ponerse el mono de trabajo porque queremos más…¡aunque pinten bastos! RICHARD ROYUELA

BOB MOULD

AMENAZA TORMENTA

SIGUIENDO CON UNA BUENÍSIMA RACHA CREATIVA, BOB MOULD PUBLICARÁ EL PRÓXIMO 25 DE SEPTIEMBRE BLUE HEARTS , SU DISCO MÁS COMBATIVO EN AÑOS. NO ES CASUALIDAD. COMO NOS EXPLICA, LA RABIA QUE SIENTE ANTE LA SITUACIÓN ACTUAL SE PARECE MUCHO A LA QUE VIVIÓ EN LOS DÍAS EN LOS QUE ESTABA AL FRENTE DE HÜSKER DÜ. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N PRESIDENTE DE DEREC HAS, UNA ENFERMEDAD MORTAL, CONFLICTOS SOCIALES… A Bob Mould todo

esto le resulta familiar. El panorama no difiere mucho del que vivió en los años 80, cuando redefinió el punk y el hardcore con su banda Hüsker Dü. Por eso en Blue Hearts (Merge/Popstock!), el decimocuarto trabajo que lanza en solitario, su voz y su guitarra vuelven a sonar desgarradas como entonces. Después de haber vivido unos años en Berlín, donde grabó el más positivo Sunshine Rock, Mould regresó a su país el pasado noviembre para salir de gira, y en febrero desplazarse hasta Chicago para grabar junto a sus fieles escuderos desde 2012, Jason Narducy (bajo) y John Wuster (batería), esta nueva colección de canciones. Una vez terminó, volvió a San Francisco, donde ha estado instalado desde que empezara el confinamiento. A mediados de julio tuvimos la suerte de que nos atendiera vía telefónica, y a pesar del tono oscuro de su nuevo disco, nos encontramos con un Mould, como siempre, locuaz y simpático. No quiero que parezca que estoy llamando viejo… BOB MOULD “Puedes hacerlo,

tranquilo (risas)”. Gracias, pero lo que quería decirte es que es muy emocionante escuchar a un músico a punto de cumplir 60 años haciendo música tan vibrante como la de Blue Hearts . No es demasiado frecuente. ¿Te 59

sientes más vivo ahora que

En ‘Forecast Of Rain’ cantas so-

hace 15 años?

bre ello.

“¡Sí! Hay muchos aspectos a los que podría aludir. Uno, es que intento llevar una vida sana. Me planteo salir a un escenario como lo haría un atleta. Entreno, vigilo mi cardio para poder cantar duro durante una hora y media. Me cuido para poder trabajar bien. Y, por otro lado, en cuanto a mi inspiración, es triste, pero ha sido necesaria toda esta pesadilla que estamos viviendo para cabrearme. A los 59 años no esperaba volver a tener a que cantar gritando (risas). Pero al final todo se resume en que amo la música. Es lo que me salvó de pequeño y me ha dado una vida increíble. Llevo 41 años haciendo esto de manera profesional. Hay días en que es duro, pero… ¡Dios mío! Llevo una vida modesta, pero poder vivir de poner mis sueños locos en la música, y que encima a la gente le guste, es lo más. No quiero que nunca termine”.

“(Risas) Sí, al menos hay cinco canciones en el disco que hablan sobre la condición de América, pero ‘Forecast Of Rain’ quizá es la más explícita. A mí me criaron en el catolicismo, y no reconozco esa religión que me enseñaron en los que ahora apelan a la palabra de Dios”.

Aun así, la situación en Estados Unidos parece muy crítica. ¿Es éste es el peor momento que recuerdas?

“Sin duda. Éste es el peor”. ¿Crees que tu país ha entrado en un pozo?

“Sí. Empezó con la elección de Donald Trump. Pero creo que el inicio de esta situación fue hace diez años, en 2010, cuando se produjo una división entre el Partido Republicano y el Tea Party, que son extremistas de derechas. Los evangelistas se involucraron en la política y encontraron a su salvador en Trump. Desde entonces, todo ha ido para abajo”.

lo toma en serio. Yo tuve que pasar décadas sintiéndome que era menos humano, adaptar todos mis comportamientos naturales para ser un ciudadano responsable y, ahora, ¿me estás diciendo que tanto te cuesta llevar una mascarilla?”. ¿Crees que por todo esto el nuevo disco suena más que nunca a Hüsker Dü?

¿Ves una conexión entre cómo ha reaccionado la gente ante el COVID-19 y lo que viviste en los 80 con el sida? Miedo por un lado, irresponsabilidad, teorías conspirativas…

“Desde luego. Da miedo pensar que tenemos una pandemia a añadir a la lista de cosas que hacen que el presente se parezca tanto al principio de los 80. La mayor diferencia entre Ronald Reagan y Donald Trump es que Reagan al menos estuvo seis años siendo gobernador de California antes de ser presidente. Entendía la política. A parte de eso, no hay demasiadas diferencias. Ambos eran celebridades del cine y la televisión, con mucho carisma, tuvieron mucho apoyo de los evangelistas… En el caso de Reagan tardó cuatro años en pronunciar la palabra ‘sida’ desde que se descubrió en 1981. Y ahora tenemos a Trump diciendo que sólo iban a morir 15 personas por el COVID. No me parece que vayan a ser sólo 15… En América tenemos a un presidente que le dice a la gente que no necesita llevar mascarilla si no quiere. Está haciendo que las cosas sean mucho peores de lo que podrían ser. Ya viví todo esto de joven, y nunca pensé que tendría que volver a vivirlo nunca más. Tengo experiencia en esto y veo que la gente en América no se

“Exacto. Tengo la cabeza en llamas. No podría estar más enfadado y rabioso. Me siento muy decepcionado. Todos los sentimientos de los que estamos hablando empezaron a entrar en mi alma, mi corazón y mi mente el verano pasado. Cuando vivía en Berlín y veía lo que estaba pasando en América me recordaba a 1983, 1984… Todo era lo mismo. Y empecé a pensar en quién era yo entonces, cuando tenía 22, 23 años, cuando no tenía casa y lo único que tenía era otros dos tíos con los que ir de gira en furgoneta, apenas ganando lo justo para llegar a la próxima ciudad; cuando me sentía confuso con mi sexualidad… Supongo que tengo mucha rabia acumulada y sin resolver, y eso es lo que ha salido en este disco (risas)”. Pese a ello, tengo entendido que ‘American Crisis’ la escribiste mientras estabas haciendo el disco anterior, Sunshine Rock. ¿Es correcto?

“Sí, la escribí en abril de 2018. La música la hice en Berlín y la letra… No lo recuerdo, pero sí, la canción tiene dos años. Lo más raro es que todo el álbum se compuso y grabó antes de la pandemia, pero hay un montón de historias dramáticas en el disco que encajan con lo que ha sucedido después”.

“SUPONGO QUE TENGO MUCHA RABIA ACUMULADA Y SIN RESOLVER, Y ESO ES LO QUE HA SALIDO EN ESTE DISCO” BOB MOULD

El asesinato de George Floyd ocurrió en Minneapolis, donde empezaste tu carrera musical. ¿Te cogió por sorpresa que sucediera allí o era algo que podías imaginar conociendo la ciudad?

“Llevo sin vivir en Minneapolis muchos años, así que no estoy muy familiarizado con la policía de allí, aunque creo que el jefe del Sindicato de Policías era amigo de Trump. Pero después de que esto ocurriera he aprendido más sobre el racismo sistémico en Minneapolis, que para mí no era obvio. No esperaba que pudiera suceder en Minneapolis, pero supongo que puede suceder en cualquier parte. Para mí fue muy difícil ver esa tragedia. Es algo terrible. Cuando me mudé a Minnesota en 1978 para ir a la universidad, yo venía de una pequeña granja donde no había personas de color. Y llegué, y en la universidad había un montón, y tuve que aprender sobre diferentes culturas. Y en ese momento también había un programa de acogida para refugiados de Vietnam, y creo que más tarde también se hizo lo mismo con somalíes. Así que pasé de una granja a una ciudad multicultural en la que todo el mundo era aceptado. Minnesota era un lugar progresista, pero este asesinato sin sentido ha expuesto problemas que quizá no habían salido a la superficie. Es algo terrible porque sucede en muchas ciudades”. La homofobia y el racismo tienen mucho en común, pero al menos parece que los derechos de las personas homosexuales han ido avanzando. ¿Por qué crees que en la cuestión racial sigue habiendo tantos muros a estas alturas?

“Bueno, creo que es una cuestión histórica. Los africanos llegaron a este país en contra de su voluntad. Ahí es donde se sentaron las reglas, y es un trabajo monumental deshacer eso. Sobre todo, porque la gente que tiene el control no quiere cambiar las reglas. En cuanto a los derechos de LGTBI que se han ido ganando en los últimos 50 años, quizá era más fácil porque afectaba a cualquier ciudadano americano, no sólo a un grupo concreto. Pero podríamos hablar mucho de la América gay. Siendo un adolescente gay o un músico gay no salía de casa con miedo a que fueran a atacarme, porque no parecía gay. Pero la gente de color, cuando sale de casa, no puede borrar el color de su piel. No sé si he contestado tu pregunta o si he planteado más preguntas (risas). Creo que hay intersecciones entre lo que dice la comunidad negra y lo que dice la comunidad gay, pero también hay muchas diferencias. No puedo fingir saber lo que es ser víctima del racismo, sólo puedo hablar de mi propia historia”. Volviendo al álbum, me imagino que grabar con Jason Narducy

y naturales con nuestra manera de tocar juntos… Este disco ha sido con diferencia el más fácil. Creo que el oyente puede escuchar esa urgencia, en mi voz, y la falta de producción. En ‘American Crisis’ está la orquesta porque la grabamos para Sunshine Rock, y en ‘Forecast Of Rain’ hay un arreglo de teclado, pero aparte de eso es un álbum en directo. Los tres habíamos hablado de hacer un disco de este estilo durante seis años, y teniendo en cuenta mi estado mental y el del mundo, salió ahora de manera natural. Me alegro de haberlo hecho. Es un disco divertido de escuchar, aunque su trasfondo sea duro”. Sí, hay temas muy animados como ‘Baby Needs A Cookie’. ¿Qué historia hay detrás de esa canción?

“Tiene un doble sentido. Por un lado ‘dale una galleta al bebé’, ‘el bebé está llorando’. Pero si piensas en las cookies de las páginas web tiene otro sentido. Es una canción pop divertida, pero habla sobre cómo en los últimos 25 años hemos permitido que nos sigan el rastro en internet”.

y John Wuster se ha convertido en algo tan fácil como respirar.

Siempre has tenido un oído in-

¿Sientes que los discos que has

creíble para las melodías. ¿Algu-

hecho con ellos salen casi sin es-

na vez has fantaseado con tener

fuerzo en comparación a Sugar

una carrera paralela como com-

o Hüsker Dü?

positor para estrellas del pop?

“Si miro los cinco discos que he hecho con ellos… En Silver Age todavía estábamos aprendiendo a trabajar entre nosotros. En los tres siguientes, cada uno tenía un toque diferente. Fui añadiendo más producción para intentar hacer discos ‘perfectos’. Con Blue Hearts no intenté eso para nada. Estas canciones eran tan simples, urgentes

“En el clima actual parece que se necesita entre cuatro y ocho compositores para escribir una canción pop, y no soy bueno en eso (risas). Sí que he fantaseado con juntarme con un artista y escribir canciones pop, pero más a la vieja usanza. Ahora, no me interesa. Creo que la música popular es mejor cuando la escribe una o dos personas

“NO “NO PUEDO PUEDO FINGIR FINGIR SABER SABER LO LO QUE QUE ES ES SER SER VÍCTIMA VÍCTIMA DEL DEL RACISMO, RACISMO, SÓLO SÓLO PUEDO PUEDO HABLAR HABLAR DE DE MI MI PROPIA PROPIA HISTORIA” HISTORIA” BOB BOB MOULD MOULD

porque es más personal. No sé cómo de personal puede ser algo que han escrito ocho personas. Me parece más una presentación de PowerPoint para una empresa (risas)”.

1992 Sugar sacamos Copper Blue en septiembre, y dos meses después ganaron los demócratas y tuvimos a Bill Clinton. Así que lo estoy intentando de nuevo (risas)”.

¿Y hacer más de productor? El

Si sale bien, tendrían que darte

disco que hiciste con Magnapop

un premio.

en los 90 era buenísimo.

“Sólo quiero volver a trabajar, no necesito un premio (risas)”.

“Lo más reciente fue el último de Titus Andronicus hace año y medio. Pero sí, el de Magnapop fue genial. Linda (Hopper) era una gran cantante. En los 80 y 90 tenía muchas conexiones con la escena de Athens, Georgia, así que trabajar con ellos fue muy natural. Creo que lo grabamos en 1994 y se vinieron de gira cuando Sugar éramos muy populares. Tengo grandes recuerdos”. ¿Es el ‘blue’ del título una referencia política, por el color del Partido Demócrata, o emocional, como el blues?

“Es por una superstición (risas). En

todo el mundo gracias a sus años con Obama. En enero, si todo va bien, y el resto del mundo puede perdonarnos por esta abominación que es Trump, al menos tendremos a alguien que entiende cómo funciona el mundo. Eso son buenas noticias (risas)”. Bob, como siempre ha sido un placer hablar contigo. Es una pena que no puedas salir de

Aun así, como votante demócra-

gira porque este disco sonará de

ta, hacerlo por Biden no tiene

la leche en directo.

que ser muy excitante.

“Así es, da mucha rabia. Pero tenemos que hacer lo correcto. Tenemos que ser responsables y esperar. Cuando podamos volver a juntarnos, estas canciones seguirán siendo igual de vibrantes que en septiembre cuando teníamos que empezar la gira. Pero sí, es súper frustrante, ni te lo imaginas (risas)”.

“Lo bueno de Joe Biden es que tiene mucha experiencia política. Ha sido un representante de Estados Unidos ante muchas naciones con las que hemos tenido discrepancias, así que comparado con lo que tenemos ahora, un crío de 5 años que sólo libera a sus amigos criminales y sube los impuestos a la gente que no tiene dinero, no hay color. Biden entiende China, entiende Rusia, entiende el Oriente Medio, entiende Brasil… tiene relación con

BLUES PILLS

LA CASA EN LLAMAS CON SU SEGUNDO ÁLBUM BLUES PILLS VIVIERON SU MEJOR MOMENTO COMO BANDA Y, AL MISMO TIEMPO, TAMBIÉN EXPERIMENTARON LA OTRA CARA DE LA MONEDA DEL ÉXITO. TRAS UN PERIODO DE SILENCIO, AHORA REGRESAN DISPUESTOS A REINVINDICARSE CON HOLY MOLY!, UN NUEVO TRABAJO QUE NOS DEVUELVE A LA BANDA SUECA EN PLENA FORMA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

O SON POC AS L AS FORMA CIONES QUE PODRÍAN

hacer bueno aquello de ‘ten cuidado con lo que deseas porque podría convertirse en realidad’. Sin duda, Blues Pills son una de ellas. Cuando el exRadio Moscow Zach Anderson conoció a la cantante sueca Elin Larsson en 2011 mientras ella residía en California, apenas podían imaginar el giro que iban a pegar sus vidas. Junto al batería Andrè Kvarnström y tras reclutar a un jovencísimo guitarrista francés llamado Dorian Sorriaux, la banda residente en Örebro consiguió dar salida a su debut homónimo en 2014 recogiendo buenas críticas por parte de prensa y seguidores del rock setentero con querencia psicodélica. Su fichaje por el todopoderoso sello alemán Nuclear Blast (donde comparten filas junto a grupos afines como Graveyard o Kadavar) les colocó en la posición perfecta para que su siguiente entrega les confirmara como uno de los nombres emergentes más destacados del panorama europeo. A pesar de estar un par de peldaños por debajo de su primer disco, Lady In Gold logró meterse en las listas de ventas de Francia, Suiza, Austria, Finlandia o Alemania, donde incluso se auparon hasta el número 1. Sin embargo, el cuarteto llegó exhausto al tramo final de la gira en 2018. Fue el momento en el que Dorian anunció su salida, dejando a Blues Pills en una situación muy delicada. Lejos de arrugarse, optaron por aislarse durante un año en el que construyeron su propio estudio, Lindbacka Sounds, ficharon al bajista Kristoffer Schander pasando Zach a

las seis cuerdas y dieron forma los once cortes de Holy Moly! en los que vuelven a reconectar con sus raíces al tiempo que siguen abriendo su sonido. A mediados de julio llamamos a Elin para que nos ayudase a arrojar algo de luz sobre la etapa más complicada del grupo y saber cómo consiguieron superarla, además de contarnos las ganas que tiene de volver a pisar nuestro país. Tantas como nosotros de verles otra vez en nuestros escenarios. Se supone que Holy Moly! debería haber salido en junio, pero acabasteis retrasando la fecha de publicación a agosto. Imagino que con la idea de que para el verano todo el tema de la pandemia se hubiese resuelto, pero parece que este año las cosas no están saliendo como esperábamos... ELIN LARSSON ”Sí, es un verdadero

fastidio. El disco está terminado desde enero y ya para entonces pensamos en publicar algún single. Así que llevamos esperando mucho tiempo para poder mostrárselo a la gente. Es una pena porque hemos puesto mucho esfuerzo en este álbum y estábamos muy emocionados por salir a presentarlo. Nos sentimos muy orgullosos de lo que hemos hecho. Estábamos ya centrados en dar nuestro primer concierto del año en marzo cuando el gobierno sueco dijo que no se podían reunir más de 500 personas en un mismo recinto. Ya habíamos vendido todas las entradas en una sala con un aforo mucho mayor. Pensamos que no era lo correcto, así que decidimos posponer ese bolo. Entonces fue cuando vimos que toda nuestra agenda para este verano se

iba a la basura (risas). No creo que podamos girar en lo que queda de año, para ser honesta”. Ha pasado mucho tiempo desde que publicasteis Lady In Gold. Desde fuera ha dado la sensación de que ha sido una época muy difícil para la banda a pesar del éxito que tuvisteis con vuestro segundo álbum. ¿Cómo lo has vivido?

“Bueno, editamos Lady In Gold en 2016 y estuvimos de gira durante dos años. Nosotros empezamos a dar conciertos en 2012 y precisamente nuestro primer tour fue en España. Estábamos todo el tiempo en la carretera, hasta que llegó un momento en el que nos sentimos mentalmente agotados. Es lo que suele ocurrir cuando tienes que soportar toda esa presión de estar grabando y girando sin parar. No tienes tiempo para ver a tus amigos ni a tu familia. Eso hace que te metas en una burbuja en la que sólo eres alguien que toca en un grupo. Te olvidas por completo de lo que de verdad necesitas para tener una buena vida: dormir, comer, socializar con alguien más que no sean tus compañeros de banda... Por eso para mí fue importante que nos tomásemos un descanso en 2018. Ese año dimos nuestro último concierto con Dorian. Él decidió que quería dejar Blues Pills y comenzar su proyecto en solitario. Todos estábamos cansados. Se suponía que teníamos que estar viviendo el mejor momento de nuestras vidas y para nada era así. Ya no se trataba de la música. Así que hicimos un parón, terminamos de construir nuestro estudio, yo me apunté a una escuela de música, Zach también estuvo produciendo a otros artistas además de alguna colaboración... En definitiva, 65

estábamos encontrándonos de nuevo con nosotros mismos. Creo que fue muy necesario porque durante estos años también pasamos por problemas personales. Algunos de nuestros amigos fallecieron, yo perdí a mi perro en un accidente... Cuando volvimos a reunirnos Zach, Andrè y yo y empezamos a trabajar en las demos, vimos que habíamos recuperado la chispa. Puede que desde fuera parezca que llevábamos cuatro años sin sacar nada, pero la realidad es que sólo tuvimos uno de descanso”. Como bien has dicho, a finales de 2018 anunciasteis que Dorian Sorriaux abandonaba el grupo. Siendo una pieza clave dentro de vuestro sonido, ¿cómo lo encajasteis?

“No sé cuánto debería hablar sobre esto porque no quiero faltarle el respeto a alguien que ha tocado en mi mismo grupo, pero a Dorian ya no le interesaba la música que hacíamos en Blues Pills. Es muy largo de contar, pero ya no era feliz estando en la banda. No era lo que quería hacer. Le echaré de menos porque es un gran guitarrista y toca unos solos increíbles. Pero él no escribía las canciones. Lo que ha cambiado es que hemos ido madurando y mejorando como compositores. En 2011 éramos Zach y yo quienes hacíamos los temas y Dorian ni siquiera había entrado aún en el grupo. Supongo que también a Zach le vino bien ganar un poco de confianza para ser el guitarrista principal, porque él siempre se ha sentido cómodo en un segundo plano. Creo que nuestro sonido ha cambiado. Ahora es mucho más crudo y rockero. Cuando empezamos en el negocio de la música y fichamos por

una discográfica, evidentemente trajo muchas cosas buenas como dar conciertos y poder vivir de nuestra música. Pero también conllevó mucho estrés, frustración, ansiedad... Tienes que ser muy fuerte para actuar y ser un gran músico a este nivel. Y creo que ninguno de nosotros estaba preparado entonces para ello siendo tan jóvenes. Por supuesto, te afecta mucho la opinión de la gente que intenta llevarte por una dirección. Y no sabíamos decir ‘no’. Debíamos estar agradecidos por tener semejante oportunidad, pero por el camino olvidamos quiénes éramos. Por eso siento que hemos crecido con este disco, porque es como si hubiéramos recuperado lo que la industria llegó a destruir de nosotros. Holy Moly! ha sido como volver a hacer música igual que la hacíamos al principio cuando no teníamos presiones, ni expectativas, ni seguidores. Sólo nosotros componiendo, sin productores. Zach fue el ingeniero de sonido. Me siento muy orgullosa porque este álbum muestra nuestra madurez y diversidad musical, pero también a nivel personal ha sido una verdadera liberación”. Has mencionado que Zach y tú siempre habéis sido los compositores principales, pero hubo gente que con la marcha de Dorian pensó que el grupo estaba casi acabado. ¿Te molestaron ese tipo de comentarios?

“Sí, porque él nunca estuvo involucrado en esa faceta. El último año que Dorian estuvo en la banda ni siquiera mostraba interés. Y no es que quisiéramos que cobrase menos que nosotros. Siempre hemos pensado que todos debíamos recibir la misma cantidad de dinero. Pero cuando llevas tanto

tiempo y ves que eres tú el único que hace todo el trabajo duro, mientras que él ni siquiera venía a los ensayos porque prefería estar haciendo otras cosas... entonces es cuando la música ya no es lo principal. Dorian quería ir por su cuenta y nosotros le apoyamos. Incluso llegó a grabar en nuestro estudio a pesar de que no ayudó a construirlo. Podría haber contribuido a ello, pero no quiso. Después de estar dando y dando, cuando ves que esa otra persona no quiere ayudar, al final las cosas acaban llegando a un final, porque te afecta a tal nivel que empiezas a sentirte mal cuando deberías estar centrado en la música. Ha sido un camino muy duro”. En cualquier caso, me ha sorprendido mucho el nuevo papel de Zach como guitarrista. Se defiende más que de sobra a lo largo de todo el disco. ¿Siempre había tocado el bajo o había sido guitarrista anteriormente?

“A Zach siempre se le ha dado bien crear riffs a partir del bajo, pero nunca había sido el guitarrista principal. Simplemente se puso a practicar solos durante el último año. Eso es lo que me encanta de él. Cuando la gente dice ‘nunca podrás hacerlo, es imposible’, Zach es como ‘no, no lo es’. Se metió de lleno en ello hasta que lo dominó por completo. Lo mismo ocurrió con el estudio de grabación. Se volvió un obseso de los equipos analógicos. Después de grabar con Don Alsterberg (productor de sus dos primeros discos -ndr.), Zach pasó mucho tiempo pidiéndole consejos e intercambiando información. Incluso a veces era Don quien le llamaba a él para pedirle su opinión. Al final se ha convertido en un

“HOLY MOLY! HA SIDO COMO VOLVER A HACER MÚSICA IGUAL QUE LA HACÍAMOS AL PRINCIPIO CUANDO NO TENÍAMOS PRESIONES, NI EXPECTATIVAS, NI SEGUIDORES” ELIN LARSSON

nerd de la grabación (risas)”. ¿Y el hecho de que optaseis por encargaros vosotros mismos de la grabación era porque os sentíais preparados para hacerlo o porque no queríais tener a nadie más de por medio?

“El caso es que grabamos dos álbumes con Don y aprendimos un montón, también porque éramos muy jóvenes. Pero llegados a este punto, no queríamos volver a hacer el mismo disco, con la misma producción... Queríamos

desarrollar nuestro sonido y tener el control absoluto. Y la manera de conseguir eso era hacerlo nosotros mismos. De todos modos, muchas veces le enseñaba las demos a mi novio, a amigos o a otros músicos. Por ejemplo, Nicholaus Arson, el guitarrista de The Hives, siempre ha sido nuestro mentor desde el principio. Podía llamarle, quedar con él y que me diese un montón de consejos después de escuchar las canciones. Recibir algo de feedback, en definitiva. Pero en ningún momento tuvimos a nadie en el estudio diciéndo-

nos lo que podíamos o no podíamos hacer. Era nuestro propio proceso y tuvimos que ir dándonos cuenta de nuestros propios errores y cuáles podíamos corregir. Por ejemplo, tuvimos que volver a grabar las baterías porque en una de las primeras tomas nos dimos cuenta de que los instrumentos iban muchísimo más lentos (risas). Al principio muchas de las canciones tenían cagadas de ese tipo, pero como te decía, era parte del proceso de aprendizaje de tomar el control de nuestra música, lo cual es genial”.

“ME HAN COMPARADO CON OTRAS CANTANTES CON LAS QUE NO TENGO NADA EN COMÚN, SALVO QUE TENEMOS VAGINAS” ELIN LARSSON

Por cierto, hace un tiempo vi una

toques característicos de soul,

mejor cantas. Quería preguntarte

foto tuya junto a Johanna Sado-

temas más lentos... ¿Buscabais

de dónde te viene esa influencia

nis de Lucifer grabando voces.

ese dinamismo?

del soul más clásico que se puede

¿Qué pasó con esa colaboración?

“Sí. Como decía antes, creo que hemos madurado y ahora ya no tememos usar diferentes influencias. Recuerdo que cuando sacamos el primer álbum íbamos con el rollo de que parecía que estaba grabado entre 1964 y 1971. Ese tipo de actitud (risas). En cambio ahora hemos dicho ‘a la mierda’. Hay una canción de country en el disco y sigue sonando a Blues Pills. No nos hemos preocupado tanto de cómo debíamos de sonar, sino de hacer la mejor canción posible. Nos llevó un tiempo conseguirlo, pero sí, es un disco muy diverso”.

escuchar en canciones como ‘Cali-

“Sí, es una cover que estuvimos haciendo para Lucifer. Somos Johanna y yo haciendo un dueto. No sé cuándo saldrá, pero ya tengo la mezcla final y suena increíble, así que creo que se publicará dentro de poco. Imagino que no querían que coincidiese con nuestro disco. Pero no puedo decirte de qué canción se trata. Es una sorpresa (risas)”. OK. Tengo que decirte que Holy

Moly! me está gustando más que Lady In Gold. Creo que recoge mucho mejor todas las facetas de vuestro sonido. Es muy

Por otro lado, también pienso

rockero, pero también hay esos

que éste es el álbum en el que

fornia’ o ‘Wish I’d Known’.

“En ‘California’ quería sonar como si fuese ‘For A Little Help From My Friends’ de Joe Cocker. Pero también hay algo de Janis Joplin, las estrofas me recuerdan a Brittany Howard de Alabama Shakes... Intenté hacer ese tipo de grito de locura, de corazón roto, algo más emocional. ‘Wish I’d Known’ es más como Eric Burdon y Joe Cocker en la parte final. También de Aretha Franklin en las notas más altas. Pero fue muy duro. He intentado desarrollar más mi voz. En casa estuve practicando varios registros con un profesor, aprendiendo técnicas para gritar. Cuando era más joven, siempre

pensaba que la gente que gritaba lo hacía porque no eran capaces de cantar. Pero era estúpida, porque es jodidamente difícil hacerlo bien (risas). De hecho, hay una canción que no ha entrado en el disco donde uso esa técnica. Sigo esforzándome para aprender nuevos estilos y formas de cantar. Aún sigo disfrutando de poder ir descubriendo a manejar un instrumento como la voz, lo cual es muy importante para cualquier músico. Quiero continuar mejorando y encontrar nuevas formas de usar mi voz en las canciones”. Otro tema destacado es ‘Proud Woman’, que estrenasteis coincidiendo con las manifestaciones del 8-M y que sin embargo levantó cierta polémica entre vuestros fans. Muchos se quejaron, pero creo que no fue por el mensaje en sí, sino porque la canción no era lo que esperaban. ¿Te sorprenden este tipo de reacciones?

“(Risas) No, ya no me importan esas cosas. Es curioso que la gente piense que lo que hacemos es para ellos o para alguien en concreto. Yo no escribo una canción para alguien específicamente. La hago para mí. Da igual de lo que trate, no estoy pensando en aquel chico o aquella chica. Es gracioso ver cómo a través de las redes sociales todo el mundo piensa que su opinión importa tanto que tienen que expresarla. Quizás piensen que van a cambiar el mundo por escribir lo que piensan en Facebook, lo cual es bastante hilarante. Pero ya me he acostumbrado a ese tipo de comentarios, sobre todo siendo la frontwoman de un grupo de rock. Recibes mucho amor, pero también mucho odio. La gente te juzga

más duramente. No debería tener que defenderme por componer música. Como hablábamos antes, había quien pensaba que era Dorian el que hacía las canciones, cuando nunca escribió una. He tenido que defender constantemente mi derecho a estar aquí. Por eso ‘Proud Woman’ es una canción para las mujeres a las que les gusta el rock’n’roll. Habla de la igualdad desde un punto de vista que no creo que muchos grupos puedan contar porque el 99% en el rock y el metal son hombres. Simplemente quería hacer una canción para poder celebrar todo eso. No pensé que fuese a ser tan controvertida, pero Nuclear Blast tuvo que cerrar la sección de comentarios del vídeo en YouTube. Desde Lady In Gold ya no me preocupo por esas cosas, me dan igual. Pero el asunto es que ya no se trataba de la canción, porque había gente escribiendo mensajes machistas y racistas. Muchos de ellos eran hombres de mediana edad diciendo que ya existe igualdad y que me estaba engañando a mí misma. ¿Por qué no puedes callarte y escuchar al menos durante un segundo?”.

salvo que tenemos vaginas (risas). Eso es lo que me cabrea, porque hace que tenga que esforzarme más a pesar de que sea tan buena o incluso mejor que otros cantantes masculinos. Cuando he estado en festivales, he visto a algunos grupos y he pensado: ‘¿Cómo es posible que tengan tantos seguidores cuando su vocalista ni siquiera sabe cantar ni su guitarrista es bueno?’. Pero la gente los acepta simplemente por el hecho de que tienen pollas (risas). Me refiero a que si fuesen mujeres cantando y tocando de la misma manera, dirían que son unas zorras o lesbianas y que nunca deberían estar en un festival de ese tipo. Por eso pienso que los promotores, los periodistas como tú y los fans deberían apoyar para que haya más grupos femeninos en los escenarios, porque eso es lo que el público necesita ver: que las mujeres pueden tocar rock y ser ellas mismas. Eso es lo que hace falta cambiar. Perdona por el discurso (risas)”. No, al contrario. Creo que llevas toda la razón. Para terminar, teníais muchos festivales programados para este verano que

¿Te has sentido incómoda algu-

obviamente se van a tener que

nas veces siendo el centro de

aplazar al próximo año. ¿Os

atención por el hecho de ser

volveremos a ver por España en

mujer?

2021?

“Al principio, cuando empezamos, sí que estaba asustada. Siempre me ha gustado cantar, pero no quería ser quien estuviese delante del escenario. Ahora me resulta más sencillo porque es algo que no me preocupa. Pero sí que me han discriminado por ser mujer. He tenido que justificarme como compositora, lo cual es absurdo. Me han comparado con otras cantantes con las que no tengo nada en común,

“Ojalá. No puedo esperar a ir a España. Es uno de mis países favoritos para tocar. Me encanta todo: la gente, la comida, el clima... Ahora mismo estoy viendo La Casa De Papel y es genial. Quiero apuntarme a algún curso para aprender español”.

NUEVA VULCANO

ENSAYO DE VIDA

AUNQUE LOS BARCELONESES YA SON DE TOMARSE LAS COSAS CON CALMA, MÁS DE CINCO AÑOS SIN NUEVO DISCO DE NUEVA VULCANO SON DEMASIADOS. POR SUERTE, ENSAYO TIENE SUFICIENTE MIGA COMO PARA QUE PODAMOS DISFRUTARLO DURANTE UNA BUENA TEMPORADA. Y MÁS AHORA QUE, QUIZÁ, TENGAMOS QUE ACOSTUMBRARNOS A ESTAR ENCERRADOS EN CASA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ALBERT POLO

UNQUE MUCHAS COSAS HAN CAMBIADO EN LOS ÚLTIMOS MESES , hay otras que no.

Una de ellas es que Nueva Vulcano nos convoquen en un bar del barrio de Gràcia de Barcelona para entrevistarles. Aunque claro, si hace cinco años hubiéramos visto a Artur Estrada (voz, guitarra), Wences Aparicio (bajo) y Albert Guàrdia (batería) llegar luciendo mascarillas, hubiéramos pensado que estaban locos. Ahora, forma parte de nuestra nueva realidad, como dentro de unos días lo hará el quinto álbum de la banda catalana. Será el 18 de septiembre cuando Ensayo (BCore/La Castanya) ya esté disponible para todos sus seguidores. En él se encontrarán al trío (con la inestimable ayuda de su arma secreta, Marc Clos a los teclados y percusiones) con más brío que en su último disco Novelería. El título Ensayo ya nos sitúa mentalmente en un espacio cerrado y con mucho volumen, y su sonido lo concreta sin ahogar sus melodías en ningún momento. Todo ello deriva directamente de los dos conciertos que ofrecieron el pasado 22 de febrero en la sala VOL de Barcelona, justo antes de entrar en los estudios Cal Pau junto a Santi Garcia, en el que presentaron en primicia sus nuevas canciones. A lo largo de más de una hora, en la que acabamos hablando de la serie The Last Dance, Ana Karenina y hasta de la paliza que recibí hace mu-

chos siglos en la discoteca que sale nombrada en ‘Mercurio, Retrogado, etc’, observamos que la naturalidad, y sorna, de la banda tampoco ha cambiado. En los cinco años desde Novele-

ría, ¿qué cosas os han pasado que hayan tenido una influencia en el nuevo álbum? JOAN GUÀRDIA “Yo me mudé

a Madrid, y eso está claramente en el disco porque hemos tenido que cambiar totalmente la logística. Grabamos Novelería en noviembre de 2014, salió en marzo de 2015, y entremedio fue cuando me mudé. Estuvimos tocando dos años, sin tener que ensayar, luego estuvimos otros dos sin hacer nada, y en el último lo hemos hecho todo. Pero hemos tenido que cambiar totalmente la manera de funcionar como un grupo normal que tiene su local de ensayo… Todo eso dejó de existir a mitad de la gira anterior. Era absurdo pagar un alquiler si no íbamos”. WENCES APARICIO “La manera de componer se ha visto influenciado por eso porque hemos ido más por faena, componiendo sobre algo que nos gustaba, sin rompernos tanto la cabeza”. ARTUR ESTRADA “A mí me recuerda mucho al primer disco, Principal Primera, que lo hicimos en fines de semana porque teníamos otros trabajos. Siempre nos pasa lo mismo. No es que seamos vagos, es que nos cuesta encontrar el momento en que la vida de los tres nos permita dedicarnos al

grupo. Una vez lo conseguimos, el proceso es bastante intenso. Estos años hemos tenido que luchar mucho a nivel individual por cambios de casa, pareja, trabajo, hijas en mi caso…. Y hemos querido liberar la música de todo esto y dejar las canciones tranquilas. Toda esta lucha personal se ha traducido en no remover mucho los temas. Hemos respetado bastante cómo salían el primer día. Quizá ha sido inconsciente, pero no hemos querido trasladar a la música todos nuestros líos”. WENCES “Por ejemplo, Juego Entrópico fue todo lo contrario. Ensayábamos tres o cuatro días por semana, salieron canciones más largas, que subían y bajaban de intensidad, con finales épicos… En éste está todo más tal cual salía”. ALBERT “Creo que también se nota más la madurez como compositores. Igual en Juego Entrópico teníamos que trabajarlo más porque hacíamos cosas que nunca habíamos hecho antes, y ahora nos salen de una manera tan espontánea que nos sorprende”. ARTUR “También es que dosificamos nuestras apariciones para dejar paso a las nuevas generaciones. No podemos estar copando siempre los titulares y los charts (risas)”. Tampoco me parecéis las personas más versadas en nuevas tecnologías como para componer a distancia (risas). ALBERT “Algo parecido hicimos así,

en el single ‘Nombres Y Apellidos’”. ARTUR “Y así fue… (Risas) Creamos 71

“ENSAYO ES UNA MANERA DE REIVINDICAR UNA VUELTA A LOS ORÍGENES DEL GRUPO DE ROCK QUE SOMOS A NUESTRO PESAR. SOMOS UN GRUPO DE SÓTANO” ARTUR ESTRADA

un grupo de WhatsApp sólo para enviarnos canciones, pero Wences y yo nos poníamos a hablar por ahí también, un poco desastre”. Supongo que el título Ensayo es una manera de reflejar ese espíritu más espontáneo. ARTUR “Totalmente. Es una manera

de reivindicar una vuelta a los orígenes del grupo de rock que somos a nuestro pesar. Somos un grupo de sótano”. ¿Sois de empezar un tema y picar piedra hasta terminarlo o vais trabajando varias cosas a la vez? ALBERT “Había muchas ideas de

Wences y Artur sobre las que trabajar. 72

Pero teníamos la limitación del tiempo de sólo poder quedar en fines de semana. Al final el punk también es eso, trabajar con las limitaciones que tienes”. ARTUR “Nunca hemos sido una banda de dejar muchas cosas descartadas. Normalmente lo que empezamos, lo terminamos”. WENCES “Después de tantos años nosotros tenemos una fórmula Nueva Vulcano. Ya sabemos cómo tocamos. Con cuatro notas tenemos una canción, y luego Santi (Garcia) es el que le puede dar otro punto de vista con la producción si suena demasiado a nosotros”. ARTUR “En este caso queríamos que la mezcla y la producción aportaran algo que nosotros no estábamos

dispuestos a aportar (risas). Santi sin decirte nada, enchufa un Moog y empieza a hacer cosas. Hubo temas que cambiaron totalmente. Queríamos tener 15 temas y poder escoger, y que no hubiera paja. Cuando teníamos 14, y Marc Clos ya se había ido, Wences empezó una nueva y tuvimos la 15”. ALBERT “Una de las premisas es que la producción fuera más de canción a canción, no de bloque como en Novelería, donde todo el disco tiene el mismo sonido. Aquí cada canción tiene su mini-producción para que destaque”. Sí, a mí me ha parecido que hay cosas de todos los discos distribuidas tema a tema. ARTUR “Sí, alguien nos ha comenta-

do que es como un greatest hits con

se alargó todo un poco más, pero la idea ya era dedicarle más tiempo”. WENCES “También con Marc antes de grabar pudimos ensayar más, y no fue tan a lo loco”.

más interiorizado… Pude cantar con los ojos cerrados y apretando… lo que fuera (risas)”. ‘El Algoritmo Erró’ tiene una de las mejores melodías del disco.

Para Marc no tiene que ser fácil

ARTUR “Ésta salió por algo que Wen-

encontrar su espacio, porque

ces me había pedido muchas veces, hacer una canción a partir de una melodía, con la voz pelada, sin ninguna nota previa. Es de las más antiguas del disco. Luego he visto que es clavada a Morrissey (risas)”. WENCES “Esto a finales de los 90 lo veíamos mucho con Shudder To Think. Se notaba que la música estaba hecha en función de la melodía”.

vosotros tres ya sonáis solos. ALBERT “Sí, es complicado. Yo creo

que hay algún tema que no hay nada de Marc. Hemos priorizado más la canción, por eso en alguna hay unas congas y en otras un vibráfono”. ARTUR “Marc siempre dice que él hace el sofrito (risas). Pero aquí en algún tema tiene más protagonismo y está más presente. Es algo que nos ha sorprendido a todos”. WENCES “Yo creo también que en Novelería bajamos una marcha, y en éste hemos subido la intensidad”. ARTUR “Hay más trote”. También parece que proyectes más la voz.

canciones nuevas (risas)”. ALBERT “Lo grabamos todo en directo, que es algo que no hacíamos desde el primero”. ARTUR “Como dos días antes de entrar en el estudio dimos los conciertos en la sala VOL, dijimos ‘pues Santi, vamos a grabarlo así, ¿no?’ (Risas). Queríamos dejar abierto que Santi tuviera un material muy básico para que luego pudiera jugar, aunque hubiera cosas que nos sonaran raras. La palabra ‘ensayo’ también quiere decir probar cosas nuevas. Santi nos pidió tener dos semanas de mezcla, cuando nuestra historia siempre ha sido grabar en tres, cuatro días, y lo mismo de mezcla”. ALBERT “También con el COVID, Santi se llevó los cacharros a casa y

ARTUR “Sí, ya me lo han dicho, que

me he quitado el calcetín de la garganta (risas). Podría haber cantado así en el primer disco, pero ha sido un proceso que igual ha ido en paralelo a las letras, un camino hacia la transparencia. Evidentemente si no hay 1.700 metáforas no es una letra mía, pero en general es más claro”. ALBERT “Yo en el single ‘El Despertador’ ya noté ese cambio de voz”. ARTUR “Ese día me comí unos erizos para desayunar y tomé un cava, y eso es imbatible (risas). Pero este álbum es el primero que he cantado sin leer absolutamente nada, era todo de memoria, quizá porque las letras son más sencillas. Habernos obligado a hacer los dos conciertos en la VOL me obligó a tenerlo todo aprendido y

También el bajo suena distinto. WENCES “En este disco he hecho

algo que no había hecho antes. Si estaba esperando el tren y me venía una melodía a la cabeza, la grababa en el móvil y luego la sacaba en el local. Hay más diálogo entre la voz y el bajo. Por ejemplo, en el final de ‘Las Rotondas’”. ALBERT “Yo creo que la manera de tocar de Wences en este álbum se estudiará. Ha dado un paso adelante. Hay líneas de bajo que casi nadie hace”. ARTUR “Si antes le daba 15 toques a la cuerda, ahora le da sólo dos. Para nosotros son semirevoluciones, aunque igual nadie las nota”. Esta idea de hacer los dos conciertos de ‘ensayo’ me pareció muy buena. Antaño no era raro que los grupos rodasen temas nuevos en directo antes de grabarlos, pero ahora con todo lo de los móviles, la mayoría tienen miedo de que se graben y se filtren. No sé si lo vuestro era una 73

“YO CREO TAMBIÉN QUE EN NOVELERÍA BAJAMOS UNA MARCHA, Y EN ÉSTE HEMOS SUBIDO LA INTENSIDAD” WENCES APARICIO

manera de poneros en forma ya

biendo ante la cultura de masas

que habíais estado separados.

a través de los hijos. ¿Has des-

WENCES “Tienes razón. También es

cubierto algo de música a través

que nosotros siempre hemos querido hacer cosas nuevas. Siempre que ha salido una idea nueva, nos ha dado por hacerla. Igual que los singles que hay entremedio de los discos, el concierto que dimos el 1 del 1 del 2011, donde tocamos Principal Primera y luego Los Peces De Colores”. ALBERT “Fue un acierto porque llegamos al estudio muy tranquilos”. ARTUR “Al final fue determinante porque fue cuando decidimos grabar en directo en la misma habitación. Le da al título Ensayo otra dimensión. Marcó mucho el resultado”.

de tus hijas?

En ‘Disney Y Resaca Padre’ ironizas sobre esa idea del padre alternativo que acaba sucum74

ARTUR “El último disco de Oques

Grasses me flipa porque no paran de escucharlo en el coche. Y de hecho, su sección de vientos toca en ‘Ensayo De Una Decepción’, que cierra el disco. Lo cual me ha hecho subir puntos como padre (risas). También les gusta mucho Astrud o Mecano. Yo en la época me había obligado a que no me gustaran. Ahora Rita, que tiene 8 años, está con Billie Eilish. Pero lo de Disney sí que es increíble. Con mi mujer siempre habíamos dicho que Disney no entraría en casa y flipo con la ingenuidad que teníamos, pero para las niñas es hipnótico. Todos queremos ir de guays y ser diferentes, pero acabamos cayendo. No sabíamos la que

se nos venía encima (risas). Tiene un poder enorme”. ALBERT “Hasta nos dijeron que no podíamos usar la palabra ‘Disney’ en la canción. Pero pensamos que volamos tan bajo que no creemos que se enteren. Si vienen ya la cambiaremos”. Quizá algo que esperaba del disco y no he encontrado es un rollo más político teniendo en cuenta el clima que se ha vivido aquí. ARTUR “Creo que hay cosas más

sociales porque hay menos canciones de amor. Pero en las canciones descartadas quizá hay más política”. ALBERT “Yo creo que habla de la experiencia del ser humano en la ciudad, de tu interacción con lo que te rodea. Te lo puedes tomar desde un prisma político o más social. Quizá no sea

tan explícito, pero uno de los temas que no ha entrado era muy explícito. Al final no entró porque no nos gustó cómo quedó”. ARTUR “Y aun así estuvimos a punto de meterla sólo por la letra”. ALBERT “De todos modos, habrá una edición especial del álbum sólo para tiendas que llevará un single con un tema extra que se llama ‘Suficientemente’ que también habla de manera más política, de vivienda, sanidad… Además era la favorita de Santi y no entró en el disco (risas)”. ARTUR “Podría haber sido un álbum más político de haber metido esos temas. Y seguramente si me pusiera a escribir ahora, saldría algo más político porque estoy muy encendido con las decisiones que se están tomando”. WENCES “Yo creo que hay más trascendencia y literalidad en las canciones”. ALBERT “Son letras que no son explícitas, pero te hacen pensar. Y ahora incluso con el confinamiento se realzan como por qué vivimos en ciudad, luchas de poder, desigualdades… la lucha casi por sobrevivir. ‘El Eucalipto’ es un ejemplo de eso; una especie invasora que crece muy rápido y destruye todas las especies autóctonas. Ahí hay un mensaje. Pero como decía Artur, si hubiéramos metido ‘Suficientemente’ y ‘Ensayo Sobre La Nostalgia’, que habla del fascismo, el álbum hubiese tenido otro tono. Ser políticamente explícito está muy bien, pero creo que el disco invita a reflexionar sobre cómo vivimos”. El confinamiento nos ha puesto en la paradoja de ver que necesitamos que la máquina vuelva a arrancar para poder comer, pero al mismo tiempo comprobar que esa máquina es una mierda. ALBERT “Es que la gracia del ser humano es que es con-

tradictorio. Tenemos que saber vivir con eso. Pero también tenemos que trabajar en hacer cambios para llegar a un espacio mejor y más justo. A mí lo que me sorprende de las letras de Artur es que el confinamiento todavía ha acentuado más el aspecto reflexivo y le ha dado un punto de lectura nuevo, al menos para los que hemos hecho el disco. Pero creo que al final en las entrevistas y en nuestra manera de actuar y lo que hacemos también ya queda clara cuál es nuestra postura”.

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

NBA. MÁS ALLÁ DE LA BURBUJA.

ola amigos! Ya estamos en septiembre. Ahora sí que volvemos a la nueva (a)normalidad, con miles de incógnitas, el peligro pandémico acechando, un montón de prohibiciones, la imposición de nuevas rutinas y la eterna pregunta de “hasta cuándo” en el aire. Mejor no pensarlo para atenuar el bajonazo, pero la cosa pinta regulín, la verdad. Uno de mis consuelos es que aún nos queda un mes de playoffs de NBA, y considero que es un buen momento para alabar los esfuerzos por parte de la organización, franquicias, y jugadores, por mantener viva la competición, reanudándola a finales de julio de la manera más segura posible en la “burbuja” de Disney World en Orlando. Sin duda la liga de baloncesto más importante del mundo se ha convertido en un modelo a seguir por muchos, y en un gran azote a las políticas del sinvergüenza de Donald Trump respecto

al COVID19. Más allá de lo deportivo, tras los asesinatos de George Floyd y Breonna Taylor a manos de la policía, la NBA se ha convertido en una de las plataformas más prominentes ligada al movimiento Black Lives Matter, cuyo objetivo es concienciar al público acerca de la injusticia social, y promover la lucha contra el racismo sistémico que azota a los Estado Unidos, con la superestrella LeBron James de Los Angeles Lakers como principal portavoz. Él mismo recuerda con orgullo a Colin Kaepernick, jugador de los San Francisco 49s que hincó la rodilla en el suelo en señal de protesta, y cuya carrera se fue a pique por este gesto. Aquella fue una reivindicación individual que quedó silenciada en una liga mayoritariamente blanca. La pregunta es qué pasará con la NBA cuando la temporada 2019-20 finalice ¿Aprovecharán el momento para conseguir mayores logros y mayor concienciación? Ojalá.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el disco escogido para mi Hall Of Fame particular es Shotgun Justice de Razor. El Big 4 del thrash metal se ha convertido en algo muy grande desde sus inicios en los años 80. Metallica, Slayer, Megadeth y Anthrax moldearon el género y son los reyes de la escena. Sin embargo, creciendo en Canadá, teníamos la nuestra propia, y nuestro particular Big 5. Estas bandas, pese a no obtener los niveles de reconocimiento mundial que tuvo el estadounidense, sí que consiguieron tener su propio prestigio internacional. Estoy hablando de Voivod, Sacrifice, Annihilator, Exciter y Razor. Si te consideras a ti mismo un metalhead, seguro que ya las conoces todas. Siempre me ha irritado que estas formaciones nunca tuvieran la multitud de admiradores que sin duda merecían. Pese a que Voivod fueron muy aplaudidos por la crítica e incluso reconocidos fuera del mundo del metal, de la misma manera que Sacrifice, Exciter y Annihilator obtuvieron alabanzas y respeto dentro de ese mundo del metal, Razor siempre me ha parecido que han estado más ignorados de lo que merecían, y nunca me ha gustado esa situación. Para mí, Razor son una de las bandas más consistentes, destructivas y metálicas que han existido nunca. Dave

Carlo, guitarrista y fundador, es uno de los mejores creadores de riffs y puede estar codo a codo con gente como James Hetfield, Gary Holt y Dave Mustaine. Cualquier álbum de Razor podría haber el elegido, pero voy a escoger Shotgun Justice porque… bien, pues porque tengo que escoger uno para esta sección. Ningún álbum de ellos decepciona. Una vez empieza, ya no para. No hay baladas en el mundo de Razor. No hay intros pajilleras de guitarra clásica. No hay dulces y sensibles melodías con falsete. Tan sólo hay un gigante middle finger. Shotgun Justice empieza con el sonido de un rifle disparándote en la canción ‘Miami’, que a primera vista puede parecer el himno para la NRA (National Rifle Association) pero, de hecho, lamenta las tibias leyes sobre las armas y la cultura hacia éstas en Florida. ‘Violence Condoned’ es un tema sobre los promotores musicales poco honestos. Mientras tanto, ‘Burning Bridges’ y ‘American Luck’ son canciones muy centradas en Canadá en las que, por supuesto, un canadiense como yo puede sentirse identificado. Cuando hay miles de canciones centradas en Nueva York, Londres, Los Ángeles o San Francisco, es chulo poder escuchar de vez en cuando alguna letra

que tenga a Toronto como principal protagonista. Pero las letras pasan a un segundo plano si lo comparamos con la música. Cuando la música está hecha de una manera tan pura y genuina, sin pensar un segundo en la comercialidad, los resultados son atemporales. Shotgun Justice suena tan fresco hoy como lo hacía 30 años atrás, en 1990. Y, en el futuro, cuando se mire atrás, Razor será la única banda con una pila de álbumes superior a la de cualquiera del Big 4 o Big 5. ¡Hasta el mes que viene!