RockZone 170 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: DR

A veces es necesario un golpe de realidad, para poner las cosas en perspectiva. Seguro que en algún momento de estos últimos meses, todos nos hemos quejado, enfadado o sentido un poco de bajón por no poder haber hecho un montón de cosas a las que estamos habituados. Pero entonces, hablas con con alguien que de verdad las ha pasado jodidas, y te sientes incluso rídiculo por haberte obcecado por según qué minucias. Estamos seguros que después de leer la edificante entrevista con The Ghost Inside a propósito de su primer álbum después de su terrible accidente de 2015, veréis que en el fondo, esto del confinamiento, no ha sido tan duro. Enjoy!

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Lamb Of God (Resurrection fest) © Alex Belza

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 170

06 / INTERFERENCIAS 12 / LAMB OF GOD 18 / LION’S LAW 22 / XIBALBA 28 / PALAYE ROYALE 34 / THE GHOST INSIDE 40 / DISCO DEL MES 42 / CRÍTICAS 56 / BLEED FROM WITHIN 60 / NEW FOUND GLORY 68 / PROTEST THE HERO 72 / TREES WILL TELL 78 / OPINIÓN 79 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

OZZYO ABIERTO EN CANAL Álvaro Terán (FANDOGAMIA)

Da igual que no veas la televisión, que seas una de esas personas que no le presta atención a la caja tonta y que se mofa de quien dedica su ocio a ella: es muy probable que conozcas todos los programas y personajes que salen en este tomo recopilatorio de esta serie de humor serializada en El Jueves y que destroza, viñeta a viñeta, referentes televisivos del pasado y de la actualidad. La saña con la que trata, además, a la farándula periodística de los últimos tiempos os aseguro hará las delicias de más de una. SG BLUESMAN Raúl Ariño (NUEVO NUEVE)

Un crimen del pasado vuelve para atormentar la vida de un anodino conductor de autobuses cuando un productor musical venido a menos requiere sus servicios como guitarrista de blues. Ariño se desmarca en este álbum con una historia alejada de los trabajos con los que le conocimos en la revista El Jueves, donde experimenta con gracia en las composiciones, diseño y color, creando así una historia compleja de bajas pasiones y supervivencia. Muy sugerente y emocionante. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

THE CLASH. AUTOBIOGRAFIA GRUPAL The Clash (LIBROS DE KULTRUM)

Este año se cumple el 40 aniversario de la edición en Estados Unidos de London Calling, el álbum sobre el que parece hay un consenso general con el que The Clash pasaron al olimpo de las grandes bandas de la historia del rock. Llegados a este punto de la historia poco se puede explicar sobre el cuarteto que no se haya hecho: sus inicios, su implicación política y social, la tensa relación entre Joe Strummer y Mick Jones, su evolución musical y cómo fueron capaces de dejar atrás el estigma del punk rock que atrapó a todos sus compañeros de batalla… En fin, cosas una y mil veces contadas. El gran valor de The Clash. Autobiografía Grupal está en que son los propios protagonistas quien van desgranando la historia. Básicamente estaríamos hablando de la parte de escrita del documental Westway To The World, donde la banda ya era encargada de explicar su propia carrera. De nuevo, repetimos que será difícil que cualquier fan de la banda que se haya documentado mínimamente, encuentre grandes revelaciones, pero el libro funciona por sí solo, comprobando cómo los cuatro componentes de la banda podían ver una misma situación de manera diferente y corroborando la tensión intrínseca que siempre los acompañó hasta su explosión en 1983, que es donde finaliza el relato. Juntemos esto con una parte en la que se enumera su discografía, conciertos y filmografía y tendremos empaquetado un entretenido libro sobre The Clash. RR

POMPEO Andrea Pazienzia (FULGENCIO PIMENTEL)

Los motivos exactos de la muerte de Pazienza, en 1988, nunca trascendieron, pero se da por sentado que tuvieron relación con su adicción a las drogas. En Pompeo, este artista italiano creó un trasunto de sí mismo al que hizo navegar a la deriva durante decenas de hojas hasta anticipar su nefasto final. Buscando el perdón, sus ultimas páginas se leen con la sinceridad de quien firma su propia carta de defunción. Pompeo es una ida de olla llena de sudor, heroína y hedor. No hay glamour en vivir y morir así; y Pompeo es un buen recordatorio. SG EVA HACE LO QUE PUEDE Bea Tormo (ASTIBERRI/¡CARAMBA!)

Tomo recopilatorio, con material inédito y la totalidad de sus páginas redibujadas para la ocasión, de la sitcom que esta artista serializó en la revista de humor digital Orgullo y Satisfacción a finales de la década pasada. Centrada en la convivencia de una joven con su compañera de piso (¡y Pablo!) junto a las situaciones derivadas del día a día, los gags contenidos en esta serie funcionan de maravilla y su particular estilo depara continuas viñetas repletas de una gracia visual que se agradece de mala manera. Muy, muy divertido. SG

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN LA OTRA MISSY - MI MEDIA FRUTA DE LA PASIÓN

appy Madison Productions sigue luchando por sacarnos una carcajada incluso en estos momentos en los que el mundo sigue yendo regular. La productora de Adam Sandler, popular por financiar viajes de placer y trabajo a sus colegas y familiares mientras ruedan pasatiempos para alegrar una mala tarde de confinamiento, nos regala sus últimas y desternillantes vacaciones. La Otra Missy, de nuevo para Netflix, se apoya en el carisma y la química de una pareja protagonista formada por un David Spade que, a lo mejor, ha encontrado a esa otra mitad que le falta desde la triste desaparición de su compinche Chris Farley: tenemos la suerte de afirmar que Lauren Lapkus se confirma como el soplo de energía (en realidad es un huracán) que la factoría Sandler venía pidiendo a gritos. Lapkus, vista recientemente en la divertida Entre Dos Helechos: La Película (también en la plataforma), se convierte en el centro

de todas las miradas gracias a su brillante entrega total para convertirse en la irreductible Missy, una vital soltera que sólo busca una pareja que la haga sentir bien. Y, como en toda comedia romántica que se precie, no parece que vaya a encajar en los planes de su compañero de aventuras. Dirigida por Tyler Spindel (El Padre Del Año) y con guión de dos veteranos de la comedia como son Kevin Barnett y Chris Pappas, La Otra Missy no engaña a nadie ni tampoco lo pretende: esto son noventa minutos de buen rollo, chistes zafios, situaciones imposibles, cameos, parientes directos de Adam Sandler (incluidas sus hijas), equívocos y alguna de las caídas más memorables del año. A la altura de las de Midsommar, me atrevería a decir. No es que el guión de la película vaya a estudiarse en las escuelas de cine, pero tampoco lo necesita. Un buen par de chistes para romper el hielo y entramos en situación. Los fans de Spade pueden darse por satisfechos con su clásico personaje superado por los acontecimientos, aunque su matiz tierno de más ayuda mucho a un personaje que domina como nadie La Otra Missy es una estupenda comedia disparatada, (un poco) impredecible y que cumple de sobra si estás cansado de la misma comedia romántica de siempre y echas de menos los días de incorrecciones varias.

PISANDO FUERTE - BLEEKER

s posible que el nombre de Bleeker no te suene de nada. Pero esta banda canadiense, publicó su primer disco hace más de 15 años y ha girado con bandas como Papa Roach o Airbourne. Sin bien, hasta hace cuatro años eran conocidos como Bleeker Ridge. “Empezamos cuando teníamos 12, 13 años tocando con otra pareja de hermanos”, nos cuenta el cantante Taylor Perkins, hermano del guitarrista Cole Perkins. “Ellos vivían en nuestra misma ciudad y tenían nuestra misma edad, así que estábamos destinados a tocar juntos (risas). Estuvimos tocando mucho tiempo juntos, pero hace un par de años decidieron dedicarse a otras cosas. Seguimos hablando y siendo buenos amigos, lo cual es bueno porque esta es una ciudad pequeña (risas). Pero cuando ellos se fueron, realmente sentimos que teníamos libertad para hacer lo que quiséramos”. Ya con el nombre de Bleeker publicaron

su primer disco Erase You en 2016, y muy pronto publicarán un nuevo trabajo, Self-Made (Five Seven Music), en el que dejan el sonido más rock de sus inicios para ofrecer un pop rock alternativo en la línea de Twenty One Pilots o Cage The Elephant. “El disco anterior eran canciones antiguas que regrabamos, pero esta vez teníamos la oportunidad de hacer algo totalmente nuevo”, explica Taylor. “Escribíamos algo y al día siguiente ya lo grabábamos. No le dimos demasiadas vueltas a nada, sino que buscábamos esa chispa del momento. Creo que eso ayudó a que evolucionáramos más rápidamente”. Escuchando canciones como ‘Problems’ o ‘Running Through The Flames’ no cuesta nada imaginarse a miles de personas bailándolas. Un sentimiento festivo fruto de la buena experiencia en el estudio. “Para nosotros fue muy divertido hacer este disco porque aprendimos muchas cosas. Esta vez teníamos más

equipo en el estudio y nos permitió utilizar nuevas herramientas, y no sólo componer y tocar con guitarra y batería. No nos preocupamos por cómo lo haríamos en directo, sino que nos dejamos llevar. También trabajamos con muy buenos productores y eso también fue muy divertido. Siempre hemos estado abiertos a trabajar con gente externa”. Pero pese a que trabajen con otra gente, es evidente que el secreto de Bleeker está en la química entre Taylor y Cole. “Mi hermano y yo es como si fuéramos siameses”, nos dice riendo el cantante. “Todo lo que yo escuchaba, él lo escuchaba y viceversa. Nuestros padres nos compraron instrumentos y empezamos a tocar al mismo tiempo. En realidad, nada ha cambiado en los últimos 15 años (risas)”.

LAMB OF GOD

COMO UNA ROCA

PASAN LOS AÑOS, PERO LAMB OF GOD AGUANTAN SIN APENAS DESGASTE. Y LO MÁS IMPORTANTE, LO CONSIGUEN SIN HACER CONCESIONES Y CON UNA INTEGRIDAD DE LA QUE MUCHOS PODRÍAN APRENDER. SU NUEVO ÁLBUM ES UN PODEROSO TESTIMONIO DE POR QUÉ SIGUEN SIENDO UNA DE LAS MEJORES BANDAS DE METAL AMERICANAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

N CIRCUNSTANCIAS NORMALES YA LLEVARÍAMOS UNAS CUANTAS SEMANAS DISFRUTANDO DEL DÉCIMO ÁLBUM DE LAMB OF GOD.

rar y ver cómo evoluciona todo antes de tomar más decisiones. Ojalá que pronto la gente pueda volver a reunirse y todo esto quede atrás”.

Pero como tantos otros desde que el mundo se congeló a mediados de marzo, la banda de Virginia tuvo que alterar sus planes y, finalmente, el disco verá la luz el próximo 19 de junio. Bautizado simplemente como Lamb Of God (Nuclear Blast), se trata de uno de los trabajos más directos que hayan publicado en sus más de veinte años de carrera. Diez canciones en la que sólo la inicial ‘Memento Mori’ cruza la barrera de los 5 minutos de duración. Pero lejos de ser la consecuencia de un proceso apresurado, este disco es al que Randy Blythe (voz), Mark Morton (guitarra), Willie Adler (guitarra), John Campbell (bajo) y su nuevo batería Art Cruz ha dedicado más tiempo. Una oferta imposible de rechazar como la de acompañar a Slayer en su gira mundial de despedida provocó que el quinteto fuera completando el puzle a lo largo de distintas sesiones planificadas en función de su itinerario. De todo ello y mucho más hablamos hace unas semanas con Mark Morton, mientras seguía confinado en su casa.

descubierto alguna banda o

Gira cancelada, retraso en el

¿Durante el confinamiento has algún disco que nos quieras recomendar?

“La verdad es que apenas escucho metal. Pero me encanta lo que hacen Deafheaven. Son muy especiales y me gusta todas las capas que tiene su música. Gojira también. No son bandas nuevas, pero sí actuales. Creo que estas dos serían mis favoritas”. Te entrevistamos hace poco más de un año cuando publicaste

Anesthetic, tu disco en solitario. ¿En ese momento ya estabas trabajando en paralelo en lo nuevo de Lamb Of God?

“Mmm…. Déjame pensarlo. Bueno, puede que en ese momento estuviéramos componiendo. La realidad es que no me pongo específicamente a escribir para un proyecto, lo grabo y luego paso al siguiente. Todo está mucho más interrelacionado y se va entremezclando. El disco Anesthetic y el nuevo de Lamb Of God se fueron escribiendo más o menos durante el mismo periodo. Algunos de los temas de Lamb Of God los escribí dos años antes de que los presentara a la banda”.

lanzamiento del disco… La pan-

siempre estamos acumulando material, para tener una base a la que acudir en cualquier momento. Es un proceso continuo. Randy siempre está escribiendo letras, y yo también. Así que cuando tomamos la decisión de empezar un nuevo álbum, tenemos un montón de ideas más o menos definidas sobre las que trabajar. La decisión en sí va ligada a los planes de gira que tengamos, por eso esta vez tardamos un poco. Hacia el final de lo que hubiera sido el ciclo natural de VII: Sturm Und Drang, nos salió la oportunidad de hacer la gira de despedida de Slayer. En ese momento, yo al menos no creía que fuera a alargarse tanto, pero, aunque íbamos componiendo durante la gira, era complicado encontrar el momento para grabarlo. Lo que hicimos fue ir a un estudio durante una semana libre, grabar maquetas, y luego volver a la gira con Slayer. Lo hicimos unas cuantas veces. Así que la preproducción esta vez duró como un año, cuando normalmente lo concentraríamos en seis, ocho semanas”. Supongo que la parte buena es que tuvisteis mucho más tiempo para ir revisando los temas y madurarlos.

“Sí, así fue. Digamos que no tuvimos que comprometernos tan rápidamente con las canciones que íbamos a grabar, sino que pudimos darle unas cuantas vueltas”.

demia os ha dado de pleno.

¿Hay alguien del grupo que

MARK MORTON “Sí, pero inten-

tome la decisión de iniciar el pro-

tamos estar tranquilos y esperar a que pase todo. En estos momentos ya tendríamos que haber estado en Europa, porque la gira empezaba en abril, pero obviamente eso se pasará al año que viene. Ahora tocar espe-

ceso de crear un nuevo disco?

Pese a ello, el disco es muy con-

“No, es algo que hablamos entre todos. Siempre estamos componiendo. Willie y yo componemos la música, o al menos los riffs, que es sobre lo que se construyen las canciones, y

ciso y directo.

“¿Directo en comparación a qué? No sé si te entiendo”. Me refiero a que en otros traba-

jos había temas más progresivos, con más partes. Los de éste

pero no queremos poner en peligro nuestra relación con Josh”.

creo que van más al grano.

“Ah, vale. Creo que no tengo esa perspectiva porque estoy demasiado cerca del material, pero podría ser. La verdad es que nunca hay una discusión acerca de hacer algo más progresivo o expandir nuestro sonido, simplemente cada disco refleja dónde estamos en ese momento. No hay una estrategia. Cuando nos juntamos, miramos todas las ideas que tenemos, y cada uno responde a ellas en función del momento vital por el que está pasando. Lo que sale es una combinación de lo que cada uno siente. A veces, las canciones se escriben solas. Quizá el hecho de haber estado tanto de gira tuviera una influencia en los temas, pero en mi opinión se trata de una colección muy variada. Especialmente las estructuras y las diferentes partes están muy bien conectadas. Si se me permite, creo que son algunas de nuestras mejores canciones”. Habéis vuelto a grabar con Josh Wilbur como productor. ¿A estas alturas ya ni os planteáis buscar a otro o es algo que alguna vez habéis contemplado?

“Está claro que hay grandes productores ahí fuera, y yo he trabajado con algunos, pero Josh ya forma parte de nuestro engranaje. Sentimos que con él todavía seguimos creciendo creativamente y que el proceso funciona muy bien. Ninguno sentimos que nos hayamos estancado o que nuestra relación no dé para más. No vemos ninguna razón para cambiar por cambiar. Probablemente tendríamos grandes resultados con otro productor porque hay gente con mucho talento,

Donde sí hay una novedad importante es en la batería, ya que es el primer disco que gra-

“Sí, a veces eso ocurre. La clave es estar abierto a las opiniones de todos. Ésa es la gracia de una banda como Lamb Of God. La suma de todos es lo que eleva el material a otro nivel”.

báis con Art Cruz. Aunque ya había estado girando con voso-

Como guitarrista, ¿hay algo

tros, ¿cómo fue integrarlo en el

que probaras por primera vez

proceso creativo?

en este álbum?

“Fue muy fácil, la verdad. Como decías, Art llevaba un año y medio tocando con nosotros antes de que entráramos en el estudio y trabajáramos las canciones como grupo. Cualquier ajuste que hubiéramos tenido que hacer en su manera de tocar, ya estaba hecho, ni que lo hubiéramos hecho ante 10.000 personas cada noche en la gira de Slayer… (Risas) Ya sabíamos lo buen batería que era, por eso sólo le llamamos a él. Chris (Adler) es un gran batería, Art es un gran batería, pero son personas distintas, y teníamos que compenetrarnos. Ahora ya puede tocar sin claqueta en directo, así que es genial porque podemos conseguir un ritmo más dinámico como banda. Todo eso ayudó mucho a la hora de hacer el disco nuevo. Creativamente la cosa no ha cambiado, porque en Lamb Of God los temas siempre empiezan con los riffs. Pero Art es un batería sin límites a nivel técnico y su perseverancia por conseguir la toma perfecta no tiene parangón. Fue una gozada trabajar con él”.

“No lo sé. Sinceramente no creo que como guitarrista haya hecho nada especialmente revolucionario en este disco. Creo que en los últimos cuatro años me he centrado mucho más en ser un mejor compositor que un mejor guitarrista. Compongo con la guitarra, claro, y los riffs son importantes, pero me interesa mucho más la canción en sí. Que todas las partes fluyan bien, que tenga dinámica… Creo que he tocado bien en este disco; no me malinterpretes (risas), pero no creo que haya ningún momento de lucimiento como guitarrista”.

Como has dicho, los riffs son el punto de partida de vuestros temas. ¿Hay alguno que hayas escrito que no te gustara especialmente, pero que gracias al grupo se convirtiera en una gran canción?

¿Compones los solos o los improvisas en el estudio?

“Básicamente improviso. A menudo, cuando hacemos preproducción todos juntos, que déjame decirte que no es algo que hagan todos los grupos, porque muchos se pasan el material por ordenador, es ahí cuando empiezo a improvisar si veo que hay alguna parte para el solo. A lo largo de esos ensayos, en los que nos enchufamos y tocamos a todo volumen, es donde voy viendo por dónde irá. A veces no es punteo en sí, sino que más bien tiene que ver con la posición de mi mano. Me fijo en dónde quiero que esté mi mano en el mástil, más que en lo que quiero tocar. Y a partir de esa posición voy creando el solo. En otras ocasiones, si hay un 15

“TENEMOS MUCHA AUTOCONFIANZA Y SENTIMOS QUE ESTAMOS DONDE TENEMOS QUE ESTAR DENTRO DE LA ESCENA METAL” MARK MORTON

hueco en el estudio, voy haciendo pasadas y grabando lo que me sale hasta que doy con algo que me gusta. Josh es muy bueno en eso. Así que es improvisado, pero una improvisación guiada”. Me ha gustado que dijeras que todavía ensayáis todos juntos. Demasiadas veces parece que los discos se hagan como si fueran una cadena de montaje, sin apenas interacción entre los músicos.

“Sí, estoy totalmente de acuerdo. Creo que se puede escuchar la diferencia cuando algo es demasiado clínico. Te aseguro que hay muchos discos de metal en el que las canciones no se han tocado por toda la banda ni una sola vez. No quiero faltarle el respeto a nadie, pero no es nuestro rollo. A ver, yo grabo maquetas con el ordenador y uso una batería programada, pero a la hora de fijar las canciones, lo mejor es hacerlo con todo el grupo tocando. Especialmente con los tempos, para saber si quieres que el estribillo sea más rápido o más lento, es importante sentirlo cómo suena tocando todos juntos. Es muy difícil hacerlo bien si no tienes ese feeling colectivo. Nosotros grabamos esos ensayos y nos ayuda mucho a determinar lo que funciona y lo que no”. ¿Crees que eso tiene que ver con que nunca hayáis sacado un disco malo? Casi todas las bandas que duran lo suficiente, acaban sacando uno, pero no

alguno que no te guste?

Fest demostrasteis estar a un ni-

“No sé, si te soy sincero no escucho casi nunca los discos de Lamb Of God. Normalmente una vez un disco está grabado y publicado, y hemos hecho los vídeos correspondientes, toco las canciones en directo, pero ya no vuelvo a escucharlas. La única excepción es si tengo que aprenderme un tema antiguo. Por ejemplo, hace dos años volvimos a meter en el repertorio ‘11th Hour’, un tema de As The Palaces Burn, y ni me acordaba de cómo iba. Así que tuve que escucharlo de nuevo para aprenderlo porque hacía muchos años que no lo había tocado. Creo que tenemos algún tema un poco mierdoso, o que quizá deberíamos de haber trabajado más, pero en general creo que nuestros discos son un reflejo de dónde estábamos en ese momento. Sé que es un cliché, pero es así. Si escucho New American Gospel o As The Palaces Burn oigo a una banda muy inocente, pero también mucha libertad en esa inocencia. Y hay algo hermoso en eso. Aunque suenen como una mierda y que los grabáramos sin apenas pasta, todo eso también les da carácter. Por eso tampoco tengo interés en regrabar esos temas. Creo que algunos se remezclaron, pero hay que dejar que las cosas existan tal como son y evolucionar. Es maravilloso que digas que no tenemos un disco malo porque trabajamos duro para hacerlos y todavía lo seguimos haciendo. Estoy orgulloso de nuestra discografía y de lo que hemos crecido como músicos y como personas. Ha sido un viaje increíble. Y lo que nos queda (risas)”.

vel increíble. Pese a ir cumplien-

es vuestro caso.

“Oh, muchas gracias por decir que no tenemos un disco malo (risas)”.

do años, la energía no decae. ¿Cuál es el secreto?

“(Risas) No lo sé. Creo que Randy es el mejor frontman que hay actualmente en el heavy metal. No hay nadie como él. Es fantástico y me siento muy agradecido por contar con él en el grupo. La verdad es que es un momento fantástico para Lamb Of God. Todos nos divertimos y disfrutamos. Hemos pasado por nuestros momentos altos y bajos, y ahora creo que estamos en un momento muy dulce. Tenemos mucha autoconfianza y sentimos que estamos donde tenemos que estar dentro de la escena metal”. ¿Crees que es gracias a que os habéis centrado en ser la mejor banda posible y no la más grande?

“Sí. Creo que siempre hemos tenido una honestidad auténtica en todo lo que hacemos. Nunca hemos cambiado nuestra manera de hacer por intentar agradar. Lamb Of God nunca hemos tomado ni una sola decisión creativa basada en lo que los fans, el sello o la prensa querían. Nunca hemos dejado que nadie externo tomara una de esas decisiones. Ya nos cuesta lo suficiente ponernos los cinco de acuerdo (risas). Así que cuando tomamos una decisión, vamos hasta el fondo. Quizá podríamos haber hecho algo distinto para vender más discos, pero no me importa. Tenemos unos fans muy leales por todo el mundo. Estamos donde queremos estar”.

La verdad es que había muchas ganas de veros de nuevo. En vuestra última visita con Slayer

Bueno, es lo que creo. ¿Hay

y también en el Resurrection 17

LIONâ&#x20AC;&#x2122;S LAW

LA LEY DE LA JUNGLA

PARA UN GRUPO ACOSTUMBRADO A VIVIR POR Y PARA EL DIRECTO, LA SITUACIÓN ACTUAL ES DOBLEMENTE COMPLICADA. COMO SI SE TRATARA DE UN LEÓN ENJAULADO, LOS FRANCESES LION’S LAW SÓLO ESPERAN PODER VOLVER A RUGIR LO ANTES POSIBLE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NICOLAS PRADO

ESE A SU IMAGEN DURA Y LA CRUDEZA DE SU MÚSICA, Lion’s Law son

unos bonachones. Al menos ésa es la impresión que nos llevamos tras charlar con Wattie y Louis, cantante y guitarrista respectivamente, de uno de los mejores grupos de punk y oi! salidos de la escena francesa. Curtidos en mil batallas y habiendo vivido de primera mano los peligros de los excesos, los parisinos parecen haber entrado en una nueva etapa con su nuevo álbum The Pain, The Blood And The Sword (HFMN), tanto en su contenido musical, con un deje más hardcore, como en el de sus letras. Si antes su vocación era la de ofrecer la banda sonora perfecta para una noche de fiesta, ahora prefieren lanzar un mensaje más motivacional, que invite a la esperanza incluso en las noches más oscuras. Vuestro disco se ha publicado en plena pandemia. Aunque

que sea un poco distinto. Creo que la esencia de Lion’s Law sigue ahí. De lo que más ganas tengo es de poder tocar en directo y viajar más”. En España, los músicos y técnicos se han encontrado en una situación muy desamparada. ¿Cómo estáis llevando esto a nivel económico? LOUIS “Depende de cada caso.

Para mí, Lion’s Law es mi única fuente de ingresos. Wattie y el batería también viven sólo de la música. Daick es abogado (risas) y Swann, el bajista, trabaja en un bar. Personalmente estoy bastante preocupado. Por suerte en Francia hay asociaciones que ayudan a los músicos. Hoy he recibido una ayuda para varios meses, pero esperemos que no se alargue mucho”. WATTIE “Tenemos un amigo que está al tanto de todos estos planes de ayudas. A mí me han pagado 2.000 euros sin tener que hacer nada (risas)”.

perder tus raíces. Pero se necesita tiempo para acumular buen material. Hay bastantes temas que no entraron en el disco. La canción ‘PBS’ la escribí en 2017 justo después de sacar From The Storm, es la más antigua, pero estuve componiendo hasta seis meses antes de grabar”. WATTIE “Para mí el cambio más importante está en la voz. Me destruí las cuerdas vocales durante una gira el año pasado con The Bad Co. Project y La Inquisición. Y después de eso no tuve tiempo de recuperarme, porque cada finde teníamos concierto. Por suerte no había ningún tumor ni nada, sólo era una inflamación. Pero creo que me ha acabado dando una nueva identidad vocal. Es más dura y agresiva. Me gusta (risas). Lo bueno de la cuarentena es que sólo hablo con mi novia, así que estoy descansando mucho la voz. Quizá cuando vuelva a salir tenga una nueva voz (risas)”. ¿Ves una gran diferencia entre lo que escribías cuando empe-

fuera algo imprevisible, no deja de ser una putada...

Joder, muy bien. Pasando a The

zasteis y ahora?

LOUIS“Sí, es una putada. Teníamos

Pain, The Blood And The Sword,

LOUIS “Empezamos la banda cuan-

varios conciertos de presentación, fechas en España con The Exploited, un festival en París… por ahora no tenemos ninguna perspectiva de cuándo podremos volver a tocar. Incluso fechas que teníamos para final de año se están aplazando también. Es complicado. Pero al menos hemos sacado el disco y la gente puede escucharlo. Espero que guste, aun-

en este álbum presentáis un soni-

do teníamos 20, 22 años; ahora ya tenemos 30. Los problemas no son los mismos. Ves las cosas de manera distinta. Creo que en From The Storm ya empezó ese cambio, intentando no hacer canciones llenas de tópicos, sino ampliar el espectro de temas sobre los que queríamos hablar. Antes sólo era fútbol y cerveza, pero en ese disco empecé a querer ofrecer

do más agresivo de lo habitual. ¿Qué os llevó en esa dirección? LOUIS “Exacto, no queríamos ofre-

cer el mismo sonido de antes. Para mí es aburrido cuando un grupo hace siempre lo mismo. Para mí cuando un grupo hace algo guay y lo intenta repetir no suele salir igual de bien. Creo que es bueno evolucionar sin

un punto de vista. Los tiempos son complicados, como una tormenta, y nosotros somos producto de esa tormenta, pero podemos salir de ella. Y The Pain, The Blood And The Sword es el paso siguiente. La vida es dura y dolorosa, pero eso no significa que no debas luchar. Ése es el espíritu del álbum”. WATTIE “Creo que las letras y la actitud también han cambiado. Para mí From The Storm era más pesimista y este disco tiene más esperanza. Es la luz al final del túnel”.

do te enfrentas a esos demonios, y ‘PBS’, que habla de romper las cadenas que nos tienen atados. Esas cadenas pueden ser relaciones, el trabajo, nuestras expectativas… cuesta mucho liberarse de eso. Diría que esos tres son los que lo resumen todo”.

que ha logrado envejecer sin perder la pasión”. Wattie, siempre he pensado que cantar en un grupo como el vuestro tiene que ser muy divertido, com toda la gente encima. WATTIE “Sí, es muy fraternal

risas)”.

¿Qué cadenas son las más difíciles de romper?

¿Te cuesta mucho recuperarte

LOUIS “(Risas) Las relaciones y las

después de cada bolo? WATTIE “A mí no

tenía un problema con las drogas en el grupo, un día decidió parar y ahí todo cambió (risas)”.

expectativas. Puede ser una amistad o una relación de pareja, cuando no actúan de la manera que esperas es doloroso. Y ahí empiezas a juzgar a la otra persona y a ti mismo. Creo que no debes tener expectativas sobre las otras personas, sino aceptar que la gente que amas tienen sus propias razones para actuar como lo hacen. No es fácil (risas)”.

Es un tema complicado de ges-

Es algo que también puede apli-

tionar porque dentro de un gru-

carse a las relaciones dentro del

po puede haber alguien que se

grupo.

drogue de manera recreativa y

LOUIS “Sí. Pero por suerte, somos

en cambio para otro se convier-

buenos amigos. Conozco a Wattie desde que tenía 18 años, así que ya hace doce. A Swann desde los 16. De hecho, empecé a hacer música con él. Nos conocemos bien”.

¿Os pasó algo que provocara ese cambio? WATTIE “Digamos que alguien que

te en una adicción seria. WATTIE “Es lo que nos pasaba a no-

sotros. La mayoría lo hacíamos como parte de la fiesta, pero había uno que se ponía mal de la cabeza, y acabó muy enganchado. Cada vez que salía de casa tenía que pillar. Pero digamos que, gracias a él, ahora todos hemos bajado el consumo (risas)”.

es el que mejor resume el mensaje del álbum? WATTIE “Sí. La escribimos entre Louis

y yo. Creo que ahora, con lo que te he contado, la entenderás mejor (risas)”. LOUIS “Sí. ‘Pathfinder’, ‘Damage Heart’, que habla de no rendirte cuan-

Respecto a tus otros grupos, ¿qué te da de especial Lion’s

Habéis tocado con bastantes

Law?

bandas veteranas de la escena.

WATTIE “Es el primer grupo en el

¿Verlas es una inspiración para

que canté en inglés. Louis y yo ya teníamos un grupo en 2010, pero queríamos hacer algo en inglés porque nuestras influencias principales eran grupos ingleses. Y otra diferencia es que todos los músicos de Lion’s Law son muy buenos. Empezamos como amigos, pero teníamos el objetivo de hacer algo importante. Yo tengo cuatro grupos más, pero son más de colegas, sin importarnos demasiado

vosotros? LOUIS “He visto muchas veces a Cock

¿Diríais que el tema ‘Pathfinder’

(risas). A ver, somos gente de fiesta y conciertos que montó un grupo. Para nosotros es genial porque viajamos y nos encontramos con amigos de todo el mundo yendo de gira. La importancia del concierto es hacer la fiesta con tus colegas, con el público. Creo que la mayor parte de grupos de punk y oi! son gente de fiesta y se emborrachan después del concierto. Creo que por eso me cargué la voz. Cuando no te cuidas, no duermes y te emborrachas cada noche durante tres semanas, al final tu cuerpo no lo soporta bien (risas). Ahora intento calentar mi voz antes de cantar, pero durante diez años nunca lo había hecho”.

Sparrer y cada vez son muy buenos. Eso me impresiona porque no son unos chavales. Y tampoco parece que estén aburridos. También tocamos con Battle Ruins en Estocolmo y fueron realmente buenos. En París tocamos con The Business y son la hostia. Siempre es genial tocar con esas leyendas. Son gente

“EMPEZAMOS LA BANDA CUANDO TENÍAMOS 20, 22 AÑOS; AHORA YA TENEMOS 30. LOS PROBLEMAS NO SON LOS MISMOS” LOUIS

si está bien tocado o no. Son menos profesionales (risas)”. En este disco hay canciones en inglés y otras en francés. ¿De qué depende el idioma que elijais para cada tema? LOUIS “Cuando empezamos el gru-

po sólo cantábamos en inglés. Luego en 2016 hicimos un tema bonus de From The Storm en francés y gustó mucho. Cantar en inglés está bien para que te entienda más gente, pero no es nuestra lengua materna.

A veces es difícil expresar lo que quieres en otra lengua. Cantar en francés también es una manera de no repetirnos, lo que te decía antes. El cambio de lengua hace que el rollo de la canción cambie. Si te fijas, los temas en francés son distintos a los que están en inglés”. Vosotros venís de la escena oi!.

LOUIS “La gente que se acerca al

grupo es de esa escena o está cercana a ella, así que no hay ninguna confusión. Supongo que la gente ajena a este mundo puede tener una idea equivocada, pero la verdad es que nunca hemos tenido ningún problema. Además, no tocamos en escenarios o festivales mainstream. Estamos un poco al margen de todo”.

¿Notáis algún tipo de prejuicio respecto a eso? ¿El auge de la extrema derecha os ha provocado algún problema?

XIBALBA

HUMILDE BRUTALIDAD UNA PIRÁMIDE MILENARIA SE DESMORONA Y DESAPARECES BAJO TONELADAS DE HARDCORE, DEATH METAL Y DOOM. XIBALBA ESTÁN DE VUELTA Y SU PERSONAL VAPULEO PROMETE HOSTIAS COMO PANES Y TREMENDOS ZARANDEOS. DISFRUTEMOS DE AÑOS EN INFIERNO, PORQUE PODRÍA SER EL ÚLTIMO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

E FLIPAN XIBALBA CASI TANTO COMO A NATE REBOLLEDO SEPULTURA. Los puñetazos so-

Madrid también”.

noros que lograban los cariocas son una influencia básica en su propuesta, pero en este combo que, junto al cantante completan Brian Ortiz (guitarra) y Jason Brunes (batería), coexisten muchas más pulsiones que lo convierten en una perfecta dosis letal de heavy hardcore, doom metal y death. Aprovechando la salida de Años En Infierno, una paliza constante en el que se empalman varios temas y cada uno “te pega un poquito diferente”, nos ponemos en contacto con el vocalista para que, cada uno con su castellano, charlemos sobre cómo Southern Lord han sido algo más que un sello para ellos, la humilde realidad que siempre les ha rodeado o cómo vive un latino el escalofriante retroceso racista que está padeciendo Estados Unidos en estos momentos. Skype ya no es lo que era y sufrimos varios problemas de conexión durante la entrevista, pero eso no impidió diseccionar a conciencia el cuarto álbum de los californianos y toda su trayectoria.

“Sí, claro. Es raro, porque este disco queríamos hacerlo como algo local, descansar, nada más que escribir discos, pero después sé que no todo el mundo… Ahora tenemos orgullo para hacer giras, tenemos orgullo para regresar a Europa, y mira, ésa es la cosa guay de que, ahora que no se puede tocar en giras, queremos regresar porque seguro que hay gente que no nos ha visto. Ya son como seis años, siete años que estábamos ahí, así que ya cuando pase todo esto sí vamos a regresar, tenemos mucho orgullo para hacerlo, gira en Europa de vuelta”.

Antes que nada quería felicitarte por el disco… Es aplastante. NATE REBOLLEDO “Sí, sí… Ojalá,

ya cuando pase todo esto, podamos hacer giras y shows por ahí… No sabemos cuándo va a pasar eso”. Ya… Me acuerdo cuando vinisteis a Barcelona, en Rocksound, que

no, que ya no sois un quinteto… ¿Qué ha pasado con los demás?

Seguramente… Así, tenéis en mente volver, ¿no?

Sacasteis un EP tras Tierra Y Li-

bertad, pero la verdad es que ya echábamos de menos un nuevo álbum de Xibalba cinco años después… ¿Qué habéis estado

“Pues mira, ya son 13 años que somos un grupo, y de nosotros, los miembros, uno se fue a Nueva York (imagino de Eric Netto, aquí el sonido ya era fatal –ndr.), y es nuestro gran amigo, pero la cosa es que ya no puede hacer los shows y las giras porque vive ahí, y la otra cosa es que nuestro otro guitarrista (Scott Fahey) se fue a Arizona. Así que para nosotros a lo mejor es el último disco de Xibalba, así que dijimos ‘OK, ¿quién escribió el record? ¿Quién hizo el recording?’ Quién todavía está haciendo los shows en el tour’. Entonces decidimos hacerlo nada más los tres. Tenemos amigos que hacen algo como tocar la guitarra, pero nosotros, los tres, somos los que hemos estado en el grupo desde el principio, y nada más queremos presentar eso. Los demás son nuestros amigos, pero aquí los que hacemos giras y seguimos ensayando somos éstos de la banda”.

haciendo?

“Creo que del último disco hace cuatro o cinco años, pero la cosa es que entre cada álbum todos nosotros trabajamos, vamos a la escuela, tenemos niños, y no es otra cosa que que no somos un grupo que podamos hacer tours, conciertos, discos… no se puede. Tenemos que tomar tiempo para ponernos juntos, escribir música… Las responsabilidades de la vida no nos dejan hacer eso. Entonces, cada cuatro años nos juntamos, hacemos un disco, y así es como vamos haciendo. Mientras pase cada cuatro, cinco años, yo estoy feliz con eso”.

fue un conciertazo… No sé si recuerdas ese show.

Me he fijado que en las nuevas

“Sí, sí, me gustó mucho, a mí me encanta España. Tocamos en Barcelona, Sevilla, creo que hicimos un show en

fotos y el line-up que grabó Años

En Infierno sólo salís los tres de siempre: tú, Jason y Brian. Bue-

(Retomamos la entrevista ya por WhatsApp tras varios cortes de sonido –ndr.) Me comentabas que uno de los miembros se había ido a Nueva York y otro a Arizona, así que habíais decidido que la banda erais los tres de siempre.

“Sí, sí, y nada… Seguimos los tres, y tenemos amigos que tocan el bajo para nosotros, y tocan la guitarra, y los originales todavía tocan con nosotros, pero la cosa es que para este record los tres escribimos todo, y nada más queríamos representar el whole group de la banda, you know? Lo que no queríamos hacer es poner a una persona a un amigo en posesión del bajo, o en posesión de la guitarra sólo por ponerlo. Porque la cosa es que la ban23

da es muy personal para nosotros tres, y sólo es representación de nosotros, y no de nuestros amigos que nos han ayudado. Si es el último record que va a hacer Xibalba, queríamos enseñar esta representación”.

Vamos a hablar del nuevo álbum, que éste sí que ya lo tenemos en las manos… Os habéis juntado con Arthur Rizk, que siempre graba discazos, y sonáis brutales, devastadores. ¿Qué le dijisteis para petar tan fuerte, o

¿Pero el último disco por qué?

salió de vosotros? ¿Cómo fue la

¿En qué sentido?

grabación y trabajar con él?

“Pues verás… No sabemos si vamos a ser banda ni nada, todavía no está decidido si vamos a tocar más giras, y es lo que queremos hacer este siguiente año. Pero después de este año, dos de nosotros nos vamos a casar, tenemos niños, nos tomamos cinco años para hacer este disco… La verdad: no sabemos si es posible hacer otro de vuelta. Entonces, a lo mejor es el último o a lo mejor no, pero la cosa es que…”.

“Mira, pues con Arthur, nosotros somos un big fan de todo lo que ha hecho, y también es un amigo de ya por mucho tiempo. Cada cosa que él toca suena muy bien, y nosotros hemos grabado todo con nuestro amigo Taylor Young, que toca en Nails, en Twitching Tongues, y la cosa es que, para este disco, queríamos tocar algo diferente, y como la banda es muy personal, no queremos grabar con alguien que no conocemos, o alguien con quien no sabemos cómo nos va a funcionar. Con Arthur, pues nos fuimos con él porque ya es amigo nuestro, ya sabemos que sus álbumes suenan bien, y él sí sabe nuestro sonido. Entonces, era muy natural hacerlo con él, y mira, lo que hizo con nosotros suena mejor de lo que yo pensaba… Así que, sí, suena muy bien, y es que todo lo que él toca suena bien. Le dijimos ‘ya sabes cómo sonamos, pero queremos hacerlo un poco más como lo que nos influencia, como más death metal’. Y creo que eso es lo que salió”.

Sería una pena, la verdad.

“Sí, la cosa es que vivimos cerca, somos amigos, pero ya son 13 años de mi vida que nosotros dedicamos a esta banda, y estaba padre, estaba chingo, hicimos cosas muy… yo nunca en mi vida pensé que iba a salir de donde vivo. Nunca creí que iba a hacer giras, y el hecho es que cada año planeamos la salida de hacia dónde va a ir la banda, el disco, qué vamos a hacer, dónde vamos a tocar, y ahora todos nosotros tenemos niños, queremos descansar, la cosa está tranquila por aquí más o menos… La verdad, no creo que volvamos a hacer… no creo que seamos una banda que sería full time, no lo vamos a poder hacer todas las veces. A ver qué pasa, pero ya tenemos otras responsabilidades y nos tenemos que encargar de eso. Es la vida, es lo que tenemos que hacer. Ojalá hagamos otro disco, pero lo cierto es que no lo sé”. 24

las mismas personas haciendo los shows, las mismas personas tocando en el grupo, todos escribimos las letras… Y luego hay una cosa que… La verdad es que me encanta escribir los records, es muy personal, afortunadamente tengo un grupo de amigos que hacen la banda conmigo, pero sí, todo lo que hacemos como banda… somos muy cuidadosos de con quién grabamos, a quién enseñamos nuestra música, con quién hacemos las giras… Porque Xibalba es para nosotros, decimos lo que queremos decir, tocamos lo que queremos tocar, y es muy personal, y así seguimos. No queremos hacer el grupo grande y tocar con todos esos grupos grandes… No, no nos importa, queremos hacer, escribir y tocar lo que nosotros queremos tocar, y a lo mejor eso es porque no somos una banda tan grande, a lo mejor eso es porque… No sé”. Bueno, está bien saber dónde están los límites y lo que uno quiere hacer. Eso también se nota en la música… Cuando queréis tiráis de death metal, luego cuando os apetece, doom, y cuando os cansáis, heavy hardcore. El no estar en ningún territorio concreto, y en tres a la vez, ¿crees que os beneficia o, al contrario, crees que os puede restar algo de público? Porque ya sabes, es muy

Por lo que comentas, Xibalba

probable que la gente del doom

es algo realmente vuestro… Los

no vaya a un bolo de hardcore,

que tocáis, con quién grabáis,

y gente que crea que sois doom,

quién hace las portadas, los

pues del hardcore ya no venga.

tipos de letra que puedas escri-

Igual os importa un bledo, por lo

bir… Todo como muy arraigado

que me estás contando… (Risas).

también a vuestras raíces. Es

“Sí, sí, eso sí es la verdad… Por eso creo que, para la gente que sí escucha a Xibalba, tiene que saber la historia de Xibalba y todo lo que hacemos,

como un núcleo muy duro, ¿no?

“Sí, sí, ésa es la realidad de nuestro grupo. Desde que ingresamos somos

“EN ESTOS DÍAS, NOSOTROS TOCAMOS, Y HABLAMOS DE QUE SOMOS LATINOS, MEXICANOS, Y LA GENTE CASI COMO QUE SE ENOJA” NATE REBOLLEDO

porque una persona nueva puede escuchar una canción más hardcore, o más death metal, y la verdad, no logra entender, porque puede escuchar el disco y decir ‘oh, ¿por qué está haciendo ese tipo de música o ese tipo de canción?’. Pero la verdad, eso es Xibalba, nosotros hemos hecho eso todos estos años y, si no eres fan de Xibalba, es muy difícil saber que eso es lo que nosotros somos y lo que hemos hecho todos estos años. Pero sí, ojalá la gente escuche el disco y haya partes que les gusten, y digan ‘oh, qué padre, qué heavy, a ver los otros álbumes’, porque la cosa es que, si te gusta algo, un tipo de metal, la música agresiva, hay algo en Xibalba que te va a gustar. Pero si no te gusta, pues vale”.

al hardcore, al doom o el death,

de forma natural, sin que os fi-

ésas que os hicieran querer unir

jéis tanto en el equipo?

todos estos estilos en Xibalba.

“Mira, para el sonido, nosotros no somos muy técnicos. Cuando éramos niños, la guitarra que tenía, el amplificador que tenía, pues si sale así el sonido, así sale (risas). Éramos niños, empezamos tocando en grupos punk, y no teníamos dinero para comprar ese amplificador, la batería muy buena, y por eso tenemos a gente como Arthur, que nos ayudó con el sonido, que nos han ayudado a descubrir qué tipo de amplificadores o pedales sirven para nosotros. Pero cuando empezábamos, mira, ‘nada más toca la guitarra fuerte, pega a la batería fuerte, y ojalá suene bien’. Nos tomó unos años descubrir qué nos sirve, y afortunadamente, Southern Lord nos han ayudado a comprar baterías, equipo y cosas que necesitábamos, pero sí, nos tomó mucho tiempo arreglarnos el sonido que tenemos hoy. Somos músicos de oído. Escuchábamos, y ojalá lo toquemos bien (risas). Creo que, tras diez años,

“Creo que los grupos que nos influenciaron para casi toda nuestra música fueron Crowbar, Sepultura, Disembodied, cosas de cada tipo de hardcore, de death metal, you know? A nosotros nos gusta mucho Warning y 40 Watt Sun. Éstos son los grupos que casi nos guiaron sobre cómo escribir música, y del sonido que nos gustaba. En el metal, desde los grupos viejos a los jóvenes, me gustan igual, todos lo hacen bien, y me encanta que haya muchos grupos de ahora que sigan así. Pero nosotros cada día escuchamos Crowbar, Sepultura, y ésos son los que nos influenciaron a hacer lo que hacemos hoy”.

Observando vuestra diversidad a la hora de hacer música,

¿Y sois muy enfermos del so-

imagino que eso se traslada al

nido, de ésos que estudian los

escuchar discos en casa. Me gus-

pedales, los cabezales, el tipo

taría que explicaras un poco qué

de ampli para lograr lo que uno

bandas te hicieron engancharte

busca, o toda esa bronca surge

ya aprendimos a hacerlo bien”. Eso que me comentabas de que

estoy en un tiempo de mi vida… que, bueno, cuando hay algo triste en ella ya sé cómo hacerlo bien”.

te gusta tanto el metal antiguo como la nueva escuela, quizá

Gestionarlo.

se nota en las dos partes de ‘El

“Sí… Pero cuando era más joven, escribíamos estas letras y nos poníamos en unos lugares malos. Por ejemplo, cuando hicimos el disco Hasta La Muerte, no sé, hace ya unos seis o siete años, en 2012… Ocho, ocho años hace ya. Bueno, pues cuando hicimos ese disco, ése fue el peor tiempo de mi vida. Escribiendo esas letras, y cantar esas canciones… ese disco es cuando paramos de hacer touring, ya paramos de hacer giras. Porque es algo que, me encanta escribir, me encanta Xibalba, pero todo eso era algo difícil cuando estábamos haciendo las letras, porque era muy personal. Ahora que ya no soy tan joven es más fácil escribirlas, no voy a pensar en lo que escribí tanto, pero cuando era muy joven, cuando hacíamos giras, todo lo que escribíamos era lo que vivíamos y lo que hacíamos, y mucho de eso es muy difícil. Gracias por la gente que lo lea, pero es algo que no me ha encantado hacer y que me resulta muy complicado. Ojalá haya gente escribiendo así las letras, porque yo me acuerdo, cuando era un niño, y escuchaba punk y hardcore, lo que me encantaba de un grupo era que quería ver qué estaba pensando la gente, qué estaban diciendo, y todo era muy real. Y por eso, cuando yo las escribo, quiero decir la verdad, la verdad sobre lo que está pasando, y ésas cosas son difíciles. Hay mucha gente que puede leer y puede pensar ‘bueno, sí, eso es lo que siento yo también’, ojalá… Yo, gracias tengo a Xibalba, que es mi alma para escribir cosas, y haciéndolo tengo que pensar de vuelta, pero sí, creo que

Abismo’, ¿no? Son las que más me han sorprendido con esos tramos tan introspectivos y psicodélicos, con voces limpias y esas guitarras sin distorsión… ¿Cómo se os ocurrió componerlos?

“Sí, esa parte del disco la hizo nuestro guitarra, Brian. A él le encanta el doom, es al que más le gusta de todos nosotros. De todas las veces que hacemos un disco, si por él fuera, sería todo el álbum doom (risas). Pero eso no es Xibalba… Pero sí, en cada disco nos gusta tirar de una o dos canciones de ese tipo, es algo que nos gusta mucho. Como te decía antes, de nuestros grupos favoritos hay tipo Warning, Corrupted, 40 Watt Sun, esas bandas me encantan, yo quisiera tocar todas las canciones así, pero ése no es el estilo Xibalba, aunque es parte de Xibalba. Nosotros, en cada disco queremos poner, aunque sólo sea una parte así. Ésta es una parte de Xibalba, pero no es todo Xibalba. Esas dos canciones me encantan, y ojalá un día las podamos tocar en vivo”. ¿Y qué sueles contar en las letras? Yo imagino que nada bueno en ‘Corredor De La Muerte’ o ‘Santa Muerte’…

“Las letras son lo más personal del disco. Nunca me ha gustado escribir letras, y eso es porque yo no sé cómo describir algo bueno. Sobre lo que quiero escribir es sólo sobre las cosas malas que pasan en la vida, y cada vez que hacemos álbumes, y escribo letras, me acuerdo de estas cosas y yo 26

este nuevo disco, Años En Infierno, no fue tan complicado como los otros, y por eso es mi favorito, porque estaba feliz al escribir. Éste es el primero en que pude escribir y ya dejarlo todo en el álbum”. Me decías antes que amas a Sepultura, y lo cierto es que ‘Saka’ recuerda un poco al Roots.

“Oh sí… Creo que en Hasta La Muerte, cómo se llama… el instrumento ése que es como un palo que usan ellos en Roots… (Birimbao –ndr.) Pues nosotros lo usamos ahí como tres veces, me encanta eso. Así que sí, sí, ésa es una influencia de Sepultura”. Vosotros sois una banda de origen mexicano, y siempre os ha gustado mucho reivindicarlo de múltiples formas. ¿Cómo os sentís en la América de Trump?

“Mmm… Es muy difícil, porque la cosa es que en el grupo, tres de nosotros somos de México, uno es de El Salvador, otro de Guatemala, y todos somos primera generación aquí, en los Estados. Entonces, nuestras familias vinieron de estas partes del mundo a un lugar para hacer algo mejor. La cosa es que, ya en este tiempo, con este presidente, Trump, no se siente así, está siendo todo más complicado de lo que debería ser. Nosotros, como latinos, en todos hay un orgullo, porque la verdad, no es fácil, para nosotros era muy difícil crecer aquí, y se siente. Afortunadamente, aquí, en California, hay muchos latinos, pero la primera vez que hicimos giras e íbamos a otras partes de Estados Unidos, hubo veces que íbamos a ciudades donde era la primera vez que podían ver latinos”. Ostras.

“Sí, sí, pero a nosotros nos hizo felices representar nuestra cultura, nuestra gente. Nosotros podíamos tocar para gente que por primera vez podía ver latinos, y luego, nos podía ver tocar música. Aquí, la música metal o punk, o lo que sea, en California era muy fácil hacerla, porque hay gente de cada parte, de cada camino, de cada cultura, pero ya, en estos días, nosotros tocamos, y hablamos de que somos latinos, mexicanos, y la gente casi como que se enoja. Como ‘oh, no debes estar aquí… ¿Por qué estás cantando o hablando sobre cosas que no forman parte de los Estados?’. A mí es algo que me gustaba mucho de California, esa mezcla de todas las culturas, pero el resto de los Estados Unidos no se siente así, y estos días, viviendo aquí, en los Estados Unidos… Ah, es muy difícil, porque con Trump la gente se puso muy bravo, todos están diciendo eso que piensan en el sentido de que ‘aquí no deben estar los latinos, las personas de otras partes del mundo’. Está muy feo”.

“NUNCA ME HA GUSTADO ESCRIBIR LETRAS, Y ESO ES PORQUE YO NO SÉ CÓMO DESCRIBIR ALGO BUENO” NATE REBOLLEDO

tado dentro de la escena metal y

lieron de él?

punk? Eso me sorprendería más.

“Dan Seagrave es como el maestro de todo el arte del death metal. Cuando empezamos, nos encantaba, y nos encantan, sus records. Él hizo las portadas para muchos grupos que nos alucinan, y el primer disco que hizo con nosotros fue Hasta La Muerte, y él hizo la pirámide. Nos encantó esa cover que nos hizo, y después de esto, ya en cada disco nos quedamos con las pirámides porque creemos que representa al grupo en ese tipo de tiempo, en el que nosotros le decíamos ‘mira, esto es lo que hemos estado haciendo, es lo que sentimos en este momento, éste es el tema del record…’, y él solo, fue su visión, le salieron a él estos artes y covers. Salió bien y nos encantan. Pero sí, cada record cover que hizo para nosotros era una representación de Xibalba en ese tiempo que estaba pasando”.

“En la escena no mucho, ahí todo… Claro, si te gusta el punk, el metal o el hardcore, pues ya es raro, ya eres otro tipo de persona. La cosa buena es que no se nota y no se ve, pero en el resto de Estados Unidos, sí. Es muy feo”.

Parece como que la sociedad

Bueno, espero que no se le haga

se haya dividido en dos partes,

demasiado caso y que no os

¿no? Antes las cosas eran más

pongáis esa dosis de desinfectan-

sencillas, y ahora hay un sector

te que recomendaba hace unos

que, de pronto, odia a la otra

días para frenar el coronavirus.

mitad de América. Es extraño.

“No sé, es que está loco (risas)”.

“Sí, es muy obvio, es que se puede ver. Se siente y se puede ver, y no es lo mismo. La verdad es que no sé qué va a pasar. Ojalá pase, pero la cosa que sí sé es que Xibalba vamos a tocar, todos éstos vamos a representar a los latinos, a representar California, y lo que somos. Si le gusta a la gente, pues bien; si no, pues que se chinguen”.

Ya para terminar, pasemos a asuntos más agradables… Te quería preguntar sobre vuestra relación con el maestro Dan Seagrave. Desde Hasta La Muer-

te que os hace las portadas y siempre os dibuja pirámides o ciudades diabólicas con ciertas semejanzas con vuestro pasado.

¿Y eso ocurre en la sociedad en

¿Cómo surgió esta colaboración?

general o también lo habéis no-

¿Se lo sugeristeis vosotros o sa27

PALAYE ROYALE

BIENVENIDOS AL CIRCO

CON SU IMAGEN LLAMATIVA Y UNA DEVOCIÓN CASI RELIGIOSA POR LA MÚSICA, PALAYE ROYALE QUIEREN CONVERTIRSE EN UNA DE LAS BANDAS DE REFERENCIA DE ESTA DÉCADA. TODAVÍA LES QUEDA MUCHO PARA CONSEGUIRLO, PERO CON SU TERCER ÁLBUM, THE BASTARDS , HAN DADO EL PRIMER PASO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO EL PASA DO 5 DE MAYO LL AMAMOS A LOS ÁNGELES PARA C HARL AR CON REMINGTON LEITH , vocalista de Palaye Royale,

nos encontramos con la sorpresa de pillarle celebrando su cumpleaños. Pero si en otras circunstancias uno podría imaginarse una fiesta salvaje llena de excesos propia de cualquier joven estrella del rock, la realidad es otra totalmente distinta. En pleno confinamiento, Remington está sólo acompañado por sus hermanos, y compañeros de banda, Sebastian Danzig (guitarra) y Emerson Barrett (batería), y un amigo, lo cual explicaría que incluso en una fecha tan señalada, el músico esté haciendo entrevistas para promocionar The Bastards (Sumerian), su nuevo álbum que se publicaría el 29 de mayo. También es una muestra de las ansias que el grupo originario de Canadá tiene por dar a conocer su nueva obra. De hecho, su primer adelanto, ‘Fucking With My Head’, se publicó el pasado verano, y desde entonces había ido creciendo la expectativa hacia el tercer álbum de una de las nuevas promesas del rock. El grupo tiene previsto presentarlo en directo el próximo 31 de agosto en Barcelona y el 1 de septiembre en Madrid, después de que las fechas iniciales se aplazaran por el coronavirus. Esperemos que esta vez se puedan llevar a cabo, aunque Remington nos cuenta que, pese a la decepción de suspender el primer tramo de la gira, no ha estado perdiendo el tiempo. “Una de las pocas cosas buenas de estar en casa es que he estado componiendo”, nos dice. “Ya estamos preparando el siguiente disco. Echo 29

de menos la carretera, pero al menos he podido seguir haciendo música”. The Bastards parece un proyecto muy pensado, tanto en concepto, como musicalmente, como con elementos extras como la novela gráfica que lo acompañará. ¿Cuál fue la motivación para plantearos hacer todo esto? REMINGTON LEITH “Teníamos esta

idea y este concepto desde hace mucho tiempo. Terminamos el disco sólo hace un par de meses, pero el proceso ha sido muy largo. Empezamos a grabarlo hace dos años, pero sin duda estamos muy orgullosos no sólo de la música, sino de toda la obra en conjunto. Esta vez decidimos dejar que nuestra imaginación volara sin límites. Queríamos crear nuestro propio mundo. Queríamos que la banda fuera más que música, crear algo en que la gente se pudiera sumergir desde muchas perspectivas”. ¿Escribiste la historia primero y luego hiciste las canciones en función de eso, o se iba creando

solo género. Crecimos escuchando rock, es lo que nos gusta, pero también nos gusta experimentar con otros estilos. No fue intencionado, sino que no nos pusimos ningún límite y salió todo esto. Por ejemplo, la canción ‘Anxiety’ nos salió muy heavy metal, y no lo esperábamos, pero nos encantó. Nos sorprendió a nosotros mismos, pero vimos que éramos capaces de hacer cosas fuera de nuestra zona de confort”. Aunque encajáis perfectamente en el rock actual, vuestras raíces parecen estar en el rock clásico.

“Siempre nos han gustado The Rolling Stones y Led Zeppelin, el rock clásico, aunque también escucháramos a Nirvana y My Chemical Romance. Yo creo que el blues es la música más importante. El blues está en todo. Siempre intentamos mantener esos elementos, de la música de verdad, en lo que hacemos. Es importante. Si no sabes tocar un tema con una guitarra de mierda, me da igual lo que puedas hacer con un ordenador”.

todo al mismo tiempo?

“Emerson hizo la historia unos seis años atrás. Luego empezamos a ponerle la música y vimos que encajaba muy bien. Lo que hicimos fue ir escribiendo las letras en función de la historia y para que encajaran con la música. En el disco hay una mezcla de fantasía y realidad. ‘Massacre, The New American Dream’ habla de los tiroteos en las escuelas, por ejemplo”. Musicalmente habéis ido en direcciones muy distintas. ¿Crees que refleja todas vuestras inquietudes musicales?

“No nos gusta encasillarnos en un 30

¿Cuál es la principal diferencia entre soñar con ser una estrella del rock y serlo?

“Cuando eres pequeño y ves películas o vídeos de conciertos te imaginas una cosa, pero la realidad es bastante distinta. Te imaginas que irás en un gran autobús, que tendrás fans desde el primer momento… Cuando empezamos a tocar, no podíamos permitirnos dormir ni en un hotel barato. Los dos primeros años estuvimos girando con el coche de mi madre. Aun así, lo pasé de muerte. Dimos 750 conciertos en cuatro años y acabamos bastante quemados, pero no cambiaría nada”.

¿Crees que ofrecéis algo que quizá otros grupos actuales no se atreven?

“No creo que sea yo quien deba decirlo. Cada banda hace lo que cree que es mejor, igual que nosotros”. Todavía no hemos podido veros en directo, pero pareces ser un frontman muy activo. ¿Cómo te sientes cuando estás en el escenario?

“Vivo en L.A. y es genial, pero para mí el hogar es el escenario. Es el lugar donde mejor me siento. Ver a gente cantando tus letras, incluso en sitios donde no hablan inglés, es realmente emocionante. Nos gusta ofrecer un show de verdad, algo inolvidable. Esperamos que pronto podáis verlo”. ¿Cuál ha sido tu mejor experiencia en la carretera?

“El pasado verano hicimos toda la gira con Marilyn Manson y Rob Zombie. Aprendí muchísimo en esa gira. Era surrealista porque crecí viendo a esos tíos en la MTV y ahora estaba con ellos cada día. Son grandes showmen. También giramos con Stone Sour y Corey Taylor se convirtió en algo así como nuestro padrino. Es un tío increíble. También tocamos en festivales con Nine Inch Nails y Fleetwood Mac. Dios, amo la música. Estoy súper feliz de que sea mi vida”. Pese a ser un álbum basado en una historia de ficción, el tema ‘Lonely’ es autobiográfico. ¿Qué puedes contarme de él?

“Sí, esa canción es muy personal. Por primera vez hablo de mi infancia y de toda la mierda por la que tuve que pasar. Quería contar lo que los abusos pueden causarle a un niño. Por prime-

“CREO QUE ENCAJAMOS EN LA DEFINICIÓN PERFECTA DE HERMANOS (RISAS). SIEMPRE NOS ESTAMOS PELEANDO, PERO NOS QUEREMOS” REMINTON LEIGH

ra vez decidí abrirme, y la verdad es que estoy muy feliz con la respuesta que ha tenido. Hay mucha gente que se ha identificado con lo que hablo y para mí es una manera de decirles que no están solos, y que puedes superar una situación así”.

escape. Empezamos a hacer música para aislarnos del resto. Si no fuera por la música, no sé dónde estaríamos. Ahora me siento el tío más afortunado del mundo porque puedo hacer lo que me gusta con las personas que más quiero”.

pero a Emerson también le gusta mandar. Yo intento ser el que pone paz, pero en realidad todos somos bastante testarudos”. Siendo grandes fans de My Chemical Romance, ¿crees que este disco podría ser vuestro

¿Tus hermanos también sufrie-

Los grupos con hermanos son

The Black Parade y lleve al

ron esos abusos?

bastante volátiles, pero vosotros

grupo a otro nivel en cuanto a

“Sí, todos pasamos por ello. Antes de empezar este disco tuvimos una charla los tres, y decidimos que era muy importante que fuéramos honestos. Si no puedes ser honesto con tu música, ¿cuándo vas a serlo? A mí también me gustan las canciones que hablan sobre amor, pero creo que las que realmente ayudan a la gente son las que el artista se desnuda”.

parecéis llevaros muy bien.

popularidad?

“Creo que encajamos en la definición perfecta de hermanos (risas). Siempre nos estamos peleando, pero nos queremos. Más de una vez acabamos a puñetazos, pero el amor supera al odio (risas). En realidad, nada ha cambiado en nuestra relación. Estábamos siempre juntos de niños, y ahora seguimos siempre estando juntos. Pero seguimos discutiendo por tonterías como cuando teníamos 12 años (risas)”.

“Me gusta el álbum simplemente por lo que es. Si vendiera dos copias, me seguiría sintiendo feliz. Para mí el éxito es poder seguir haciendo música cada día, y no creo que eso dependa sólo de un disco en concreto. Espero que a la gente le guste, pero no hicimos este trabajo con el objetivo de vender mucho. Para mí, que exista ya es un éxito”.

Habiendo tenido una infancia difícil, ¿fue la música una especie de refugio para los tres?

¿Quién es el más mandón?

“Sí, desde luego. Era nuestra vía de

“Sebastian tiene esa mentalidad, 31

THE GHOST INSIDE

CARPE

EN UN ABRIR Y CERRAR DE OJOS, LA VIDA DE LOS CINCO COMPONENTES DE THE GHOST INSIDE CAMBIÓ PARA SIEMPRE. PERO LO QUE PODRÍA HABERSE CONVERTIDO EN EL PUNTO FINAL DE UNA CARRERA ASCENDENTE, SE CONVIRTIÓ SIMPLEMENTE EN UNOS LARGOS PUNTOS SUSPENSIVOS. CINCO AÑOS DESPUÉS DE SU FATAL ACCIDENTE, LA BANDA DE LOS ÁNGELES RESURGE CON UN NUEVO ÁLBUM Y UNA NUEVA PERSPECTIVA VITAL. SU BATERÍA ANDREW TKACZYK NOS CUENTA LAS LECCIONES QUE HA APRENDIDO DURANTE EL TORTUOSO CAMINO HACIA SU NUEVA NORMALIDAD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

DIEM

OS FECHAS QUEDARÁN PARA SIEMPRE GRABADAS EN LA HISTORIA DE THE GHOST INSIDE. La primera es la del 15 de no-

álbum de la banda que sus fans temían que quizá nunca escucharían. Su mera existencia es un pequeño milagro; que encima sea realmente bueno, todavía más.

viembre de 2015. Ese día el autobús de gira del grupo californiano chocó con el remolque de un camión en la Highway 180 a 8 millas de la frontera entre Arizona y Texas. Los conductores de los dos vehículos fallecieron y los diez pasajeros del autobús quedaron gravemente heridos. El que salió peor malparado fue el batería Andrew Tkaczyk, quien después de estar diez días en coma, perdió su pierna derecha. Naturalmente la noticia conmocionó al mundo del rock, no sólo por las consecuencias personales que acarreaba, sino por haber perdido, quizá para siempre, a uno de los grupos más excitantes salidos del metalcore en la última década. La segunda fecha es la del 13 de julio de 2019. Después de tres años y medio de larga rehabilitación y un intento fallido de participar en el Warped Tour de 2017, Andrew y sus compañeros Jonathan Vigil (voz), Zach Johnson (guitarra), Chris David (guitarra) y Jim Riley (bajo) volvían a subirse a un escenario. Nada menos que 8.000 personas abarrotaron la explanada del Shrine Auditorium de Los Ángeles para ser testigos del primer concierto de la banda tras el accidente. Un éxito sin precedentes cuyas imágenes ponen la piel de gallina a cualquiera. La mejor noticia es que ahora podemos añadir una nueva fecha de lo más relevante: la del 5 de junio de 2020. Es el día en el que verá la luz The Ghost Inside (Epitaph), el quinto

¿Ves algún paralelismo entre lo

que está pasando ahora mismo en el mundo y tu experiencia personal en estos últimos años? ANDREW TKACZYK “De hecho sí.

En cierta manera, el estar aislados, encerrados en casa, es algo por lo que hemos pasado todos estos años desde el accidente. Aunque incluso te diría que lo de ahora es peor. Porque antes, mientras nos estábamos recuperando, el mundo seguía girando. Y eso era una motivación para cumplir nuestro objetivo de volver a ser parte de ese mundo, teníamos un plan. Pero ahora todo se ha parado y nadie sabe qué pasará en el futuro. En cierta manera es más incierto e inquietante”. La vuestra es una historia de superación y el nuevo disco es el ejemplo vivo de ello. ¿Crees que escucharlo puede ayudar a motivar a vuestros fans en estos tiempos difíciles?

“Como mínimo espero que sea una vía de escape, que puedan entretenerse un rato y les ayude a conservar la cordura. No tengo duda de que las letras pueden ser una ayuda en este momento. Ya con los dos singles que hemos sacado, hay gente que nos ha escrito diciendo que lo ha hecho”. Y a ti, ¿hay algo que musicalmente te haya estimulado en los momentos de bajón?

“¿Sabes? Me he metido mucho en el rollo synthwave y retrowave. Me he enamorado de The Midnight. Los descubrí hace tres años y los he escuchado cada día. Soy un tipo algo nostálgico y éste es el tipo de música que estaba esperando, un resurgir y un homenaje, pero con un toque moderno. Y gracias a The Midnight he descubierto toda esa escena underground. Si estoy ensayando me lo pongo, si voy en coche, igual. Me he vuelto un verdadero fanático de ese rollo (risas)”. Un accidente como el que sufristeis es un momento definitorio en la vida de cualquier persona. Es como si hubieras tenido una vida antes del accidente y otra después. ¿Has sido capaz de reconciliar las dos y verlas como una sola cosa?

“Creo que sí. Después del accidente decidí que iba a tirar adelante en lugar de autocompadecerme. Decidí coger ese camino. Naturalmente pasé por momentos bajos, pero la mayor parte del tiempo mi objetivo era conseguir tener una vida lo más normal posible, y volver a tocar y hacer música de nuevo. Si miro atrás me siento bastante satisfecho con todo lo que he conseguido en los últimos cinco años”. ¿Qué fue más duro, recuperarte mentalmente o físicamente?

“No sé qué fue más duro porque fueron procesos paralelos. Pero creo que mentalmente, muy pronto, volví a sentirme fuerte. En mi caso la recuperación física fue muy larga. Se necesita tiempo. Pero si le preguntas a otro del grupo, la respuesta podría

“QUERÍA DEMOSTRARLE A TODO EL MUNDO QUE SI QUIERES, PUEDES. POR TÓPICO QUE PUEDA SONAR, ES ASÍ” ANDREW TKACZYK

ser distinta. Todo depende de lo que tardes en aceptar la situación y cómo la gestiones”. En tu caso, has tenido que volver a aprender a tocar la batería con una sola pierna. ¿Cuál fue la mayor dificultad desde un punto de vista técnico?

“Bueno, obviamente el bombo era un problema al no tener pierna. Pero también quiero comentar, porque no lo hago casi nunca, que sufrí una lesión muy grave en el hombro. Me hice una lesión permanente en el nervio del brazo y la mano derecha. Perdí bastante movilidad, así que he tenido que buscar la manera de poder tocar sin mover tanto el brazo. Me llevó mucho tiempo volver a aprender a tocar con una pierna, porque lo que llaman ‘memoria muscular’ estaba ahí, pero no podía

ejecutarla, claro. Literalmente fue como volver a aprender a tocar. Hay un pequeño retraso con el aparato que uso para el bombo, así que he tenido que practicar mucho, horas cada día, para sentirme cómodo y poder llevar el tempo de manera natural. Ahora ya lo he conseguido, pero me costó mucho”.

el hecho de que ni siquiera supiera quién soy y me llamara ya fue alucinante. También hubo otras personas con las que hablé durante mi recuperación que me ayudaron a recuperar la confianza”. La verdad es que verte tocar de nuevo fue muy inspirador. Estoy seguro que mucha gente que

Otro músico famoso que pasó

pasa por algo parecido siente

por algo parecido, aunque en

que su vida ya no tiene sentido,

su caso perdió un brazo, es

pero tú eres un ejemplo de que

Rick Allen de Def Leppard. ¿Has

puedes tirar adelante.

tenido algún contacto con él

“Muchas gracias por decirlo. Sobre todo no quería, por mí mismo, que lo que nos había pasado definiera quién soy. Y también quería que mi familia y mis amigos vieran que estoy bien. Si me pongo en el lugar de mis padres, viendo a su hijo pasando por una experiencia que le iba a cambiar la vida y terminar con su

para que te pudiera aconsejar de algún modo?

“Creo que fue sólo un mes después del accidente, cuando todavía estaba en el hospital, que recibí una llamada suya para darme su apoyo. No recuerdo las palabras exactas porque ya hace varios años, pero

carrera, sé que sufrieron mucho. Y no quería permitirme hacerles sufrir más de lo necesario. Quería demostrarle a todo el mundo que si quieres, puedes. Por tópico que pueda sonar, es así”. ¿Cuándo empezasteis a hablar sobre la posibilidad de volver a hacer música juntos?

“Es difícil decir el momento exacto, pero fue unos meses después del accidente. Volvimos cada uno a su casa para seguir con la terapia y la rehabilitación, y al poco ya empezamos a hablar de ello. Recuerdo que nos dijimos que, aunque nunca más pudiéramos volver a subirnos a un escenario, queríamos volver a hacer un disco. En ese momento todavía no sabíamos cuánto podíamos tardar, pero nos pusimos de acuerdo en que pasara lo que pasara, íbamos a hacer otro disco”. ¿Y recuerdas cuándo finalmente empezasteis a componer?

“De hecho, ya habíamos empezado a componer el nuevo álbum el verano antes del accidente. Ya teníamos tres temas. Obviamente, el accidente lo paró todo. Creo que volvimos a empezar a finales de 2018 o principios de 2019. Luego la banda vino a mi casa y lo compusimos aquí. También decidimos que queríamos grabar con Will Putney, así que le llamamos y enseguida hubo muy buen rollo. Luego nos reunimos con él en mayo y estuvimos trabajando en el disco hasta final de año”. Tengo entendido que esta vez asumiste un papel mucho mayor en la composición.

“Bueno, todo el mundo tuvo su papel. Quizá yo hice la mayoría, pero éste es el primer disco de The Ghost Inside en que todo el mundo participó de la composición. La dinámica del grupo era distinta a hace seis años. Yo me considero un compositor, es lo que he hecho toda mi vida, así que de manera orgánica he ido adquiriendo más peso. Pero ya te digo, todo el mundo participó”.

los puentes, las partes limpias… casi todo eso tiene el toque de Jeremy. Creo que nos complementa muy bien. Queremos a Jeremy y fue genial poder contar con él de nuevo para este disco. Y él también estaba encantado de que contáramos con él”. Posiblemente esta vez la gente se fije más en las letras que nunca buscando respuestas, pistas o explicaciones. ¿Es algo a

¿Crees que se nota en el resul-

lo que prestasteis más atención

tado final?

de lo habitual o que discutierais

“Sí, desde luego. Contar con la opinión de los cinco, más las de Jeremy McKinnon y Will Putney, fue decisivo para que el álbum saliera tan bien. El ambiente de los cinco trabajando en el estudio fue increíble. Nos divertimos mucho. Llegamos al estudio con ocho o nueve temas y allí escribimos algunos más. Así que tenemos algunas caras B que podremos lanzar más adelante. Nunca nos había ocurrido tener que dejar temas fuera de un disco. Pero no es un mal problema que tener”.

más con Jonathan? Al fin y al

Jeremy viene participando en vuestros discos desde 2012. ¿Por qué es alguien tan importante para la música de The

cabo, aunque cante él, esta vez habla de una experiencia que todos vivisteis.

“Sí, en este disco, al igual que en la música, también todo el mundo participó en las letras. Todos teníamos ideas o conceptos para las canciones. Teníamos mucho que decir sobre lo que nos había pasado. Pero Vigil tiene un talento para expresar las cosas de manera muy inteligente. Hay letras que hablan del accidente, pero las dice de una manera que cada uno lo puede asociar a su propia experiencia. Es asombroso ver cómo escribe. Es capaz de decir mucho y ser conciso a la vez. Es punzante e inteligente”.

Ghost Inside?

“Cualquiera que conozca a A Day To Remember sabe lo pegadizas que son sus canciones y lo buen cantante que es. Tiene una habilidad sobrenatural para sacar una melodía. Puedo estar tocando unos acordes con una acústica y él ya saca una melodía que nos deja con la boca abierta (risas). Tiene taaanto talento… Así que es el encargado de escribir las partes pegadizas de los estribillos y

¿Y crees que de alguna manera el accidente tuvo una influencia en la música? No es para nada un disco calmado o lento… Conserva la energía que teníais antes.

“Yo creo que el álbum recoge el testigo donde lo dejamos con el último. Esos tres temas que teníamos escritos antes del accidente ya nos habían marcado el camino. La manera en

“ME SIENTO MUY ORGULLOSO DEL HOMBRE QUE SOY AHORA, Y QUIZÁ NO LO HUBIERA LLEGADO A SER DE NO SER POR EL ACCIDENTE” ANDREW TKACZYK

“NO SÉ SI THE GHOST INSIDE VOLVERÁ A SER UNA BANDA QUE GIRE COMO ANTES, PERO DESDE LUEGO CUANDO PODAMOS, HAREMOS CONCIERTOS SUELTOS O FESTIVALES. CUALQUIER OPORTUNIDAD QUE TENGAMOS SERÁ TENIDA EN CUENTA” ANDREW TKACZYK

la que componemos es hacer lo que queremos. Escribimos para nosotros. No nos planteamos hacer algo más suave. Para mí esto es el siguiente paso lógico de The Ghost Inside, hay nuevos sabores en el disco, pero también tiene todos los elementos que esperas de nosotros”. Con el disco ya terminado, el siguiente paso es volver a tocar

en directo. ¿Se te ha hecho muy difícil estar alejado de los escenarios? ¿Cómo pensáis encararlo en el futuro?

“Es algo a lo que todavía nos estamos ajustando. Cuando nos estábamos recuperando, mirábamos Instagram y veíamos a bandas amigas nuestras tocando en el Warped o en el Rock Am Ring, y era muy duro. Pero a la vez, también nos motivaba

para llegar a nuestro objetivo de dar un concierto. Y por fin pudimos hacerlo en julio en Los Ángeles, y fue un gran éxito. Y luego dimos otro en Australia, y también fue un momento muy importante. No sabíamos si seríamos capaces de hacerlo con nuestro estado físico actual, pero vimos que era posible. Iremos pasito a pasito, concierto a concierto, viendo hasta dónde podemos llegar.

sión que tomó?

“Sí y no. Fue una sorpresa salir al escenario y ver a miles de personas, claro. Pero mirando atrás no lo fue, porque el apoyo constante que recibimos de nuestros fans durante todos estos años fue increíble. Cuando empezamos a hablar con nuestro management para planificar el concierto y nos sugirió hacerlo en el Shrine Auditorium, pensamos que quizá era demasiado grande. Pero nuestros mánagers saben lo que hacen (risas), y las entradas se agotaron en unos minutos. Pensábamos que la web se había caído o algo, pero luego nos confirmaron que realmente se habían agotado. Así que ampliamos aforo y pusimos más entradas a la venta, y también se agotaron en nada. Una pasada”. Es inevitable que en las entrevistas de promoción de este disco, y la nuestra no es una excepción, te hayamos preguntado sobre el accidente. ¿Estás ya un poco harto del tema? ¿Tienes ganas de poder sacar otro álbum de aquí a dos años y que los medios nos centremos en la música y no en el accidente?

No sé si The Ghost Inside volverá a ser una banda que gire como antes, pero desde luego cuando podamos, haremos conciertos sueltos o festivales. Cualquier oportunidad que tengamos será tenida en cuenta”. Quería preguntarte por ese primer concierto en Los Ángeles al que asistieron miles de personas. ¿Os sorprendió la dimen-

“Es una buena pregunta. La verdad es que ha sido un poco difícil hacer tanta prensa para este disco, sobre todo porque no quiero repetir las mismas cosas una y otra vez. Por eso a ratos he sido un poco lento en las respuestas porque estaba pensando en darte respuestas originales. No quiero hablar con el piloto automático. Pero hablar del accidente no me molesta, ni me pone triste. Es algo que tengo totalmente superado. Creo que lo que nos ha pasado va

a llegar a mucha gente y me parece importante hablar de ello. En el futuro, no lo sé, quizá me canse, pero por ahora no hay ningún problema. Pero te agradezco que tus preguntas también hayan sido distintas. En cualquier caso, la idea es efectivamente poder hacer otro disco más y centrarnos sólo en la música”. Una última cuestión… Muchos músicos dicen que estar en un grupo es como vivir en una burbuja y que en cierta manera les permite ser inmaduros durante mucho más tiempo de lo normal. Cuando miras atrás y la manera en la que actuabas antes, ¿crees que gracias al accidente has logrado salir de esa burbuja?

“Ésa es una muy, muy buena pregunta. Y la respuesta es sí. He cambiado mucho y quiero pensar que para mejor. No me arrepiento de la persona que era antes, de hecho, tengo muy buenos recuerdos que conservaré hasta que muera. Pero ahora veo la vida de una manera muy distinta, con más calma. Intento no preocuparme por cosas pequeñas. Doy las gracias por estar aquí porque en un solo instante estuve a punto de perderlo todo. Creo que en estos años he crecido mucho, y, por decirlo llanamente, me he sacado mucha mierda de encima. Me siento muy orgulloso del hombre que soy ahora, y quizá no lo hubiera llegado a ser de no ser por el accidente. Es jodido pensarlo, pero es así”.

DISCO DEL MES

C Lamb Of God (NUCLEAR BLAST) METAL

on Lamb Of God me sucede algo curioso. La idea del grupo me gusta más que su propia música. Me explico. Me chifla el que unos tíos cuarentones, que no son precisamente guapos, ni tampoco parecen obsesionados con ganar seguidores en las redes sociales, ni en el marketing digital, hayan llegado tan lejos. Randy Blythe me parece un tipo realmente interesante, alejado de los clichés de las estrellas del rock y con un nivel de inteligencia por encima de la media. El porte con el que llevó su desgraciado incidente en la República Checa, dice mucho de su persona. Desde luego me quedaría con ellos antes que con cualquiera de esas bandas con envoltorio metal, pero que pierden el culo por

LAMB OF GOD

llegar a las masas. Que cada una ponga ahí el nombre que quiera. Además, su directo es realmente aplastante. Sin embargo, aunque todos sus discos me gustan, siento que todavía no han firmado una verdadera obra maestra, ni han creado canciones que merezcan el calificativo de clásicos, como sí hicieron Pantera, uno de sus mayores referentes. Y su nuevo álbum, no es una excepción. Hay que decir que sus composiciones se hicieron más digeribles en el anterior VII: Sturm Und Drang y aquí siguen una línea parecida, con algo más de melodía en las líneas vocales, pero con Blythe manteniendo su característica voz rota. Son sólo diez canciones; suficientes para decir lo que querían y dejarte planchado con sus riffs, dobles bombos y

pegada sonora. Ahí han sido listos, ofreciendo la dosis justa antes de saturarte. Como es habitual, los de Virginia ofrecen esa argamasa de infuencias heavies (sobre todo en los solos de guitarra), groove metal (‘Gears’) y thrash (‘Resurrection Man’, ‘Routes’, en la que colabora Chuck Billy de Testament). Ah, y por si alguien estaba preocupado por la salida de Chris Adler, su sustituto Art Cruz va más que sobrado. Lamb Of God es otro disco contundente, competente y efectivo, pero no es excelente, ni rompedor. Y quizá eso sea suficiente para una banda que nunca estuvo destinada a revolucionar el metal, sino simplemente a darle una patada en los huevos cuando más lo necesitaba. JORDI MEYA

CRO-MAGS

In The Beginning (MISSION TWO ENTERTAINMENT) HARDCORE

as especulaciones son eso, simples especulaciones, pero no puedo dejar de pensar, como muchos otros, lo que hubiese podido dar de sí Cro-Mags de no haber sido una banda tan volátil, marcada por las explosivas personalidades del vocalista John Joseph y sobre todo de Harley Flanagan, primero bajista y luego también cantante. Idas, venidas, peleas, pleitos y una productividad reducida al mínimo es lo que han ofrecido Cro-Mags a lo largo de los años, aderezado con algunos clásicos como su mítico debut Age Of Quarrel de 1986. Pero bien, dos

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décadas después de Revenge, su último álbum, Flanagan parece haber pillado el toro por los cuernos con la intención de darle a Cro-Mags unos años finales, a la altura de lo que ese nombre merece. In The Beginning viene a decir desde su mismo título que lo que podemos esperar es el sonido clásico de los de New York. Y eso es justo lo que tenemos. Con los dos EP’s editados el año pasado –también incluidos en el álbum, con lo cual sólo la mitad del material es inédito- ya vimos que teníamos por delante a una banda con vigor, con todavía cosas que decir y, pese a echar la vista atrás, sonando vigentes en 2020. Que Flanagan haya contado con Rocky George, -recordemos, el hombre que grabó los grandes clásicos de Suicidal Tendencies- es todo un acierto y oyendo temas con la ya conocida ‘Don’t Give In’ o la nueva ‘One Bad Decision’ no podemos más que alegrarnos de haber podido rescatar a una banda histórica como está que ya parecía cosa del pasado. RICHARD ROYUELA

KATATONIA City Burials (PEACEVILLE) ROCK/METAL PROGRESIVO

ras cuatro años desde su último álbum, tiempo en el que además se tomaron un breve descanso, Katatonia han vuelto con City Burials, un disco sobradamente diferente como para cogernos desprevenidos. Los seguidores de la banda ya estamos acostumbrados a abordar cada lanzamiento sin saber muy bien qué nos vamos a encontrar, pero digamos que en este caso los suecos dejan bastante descolocados. Se trata de un trabajo que probablemente cueste digerir en una primera escucha, sin embargo a base de repeticiones

revela detalles y atmósferas enigmáticas que ya son marca de la casa. La sensibilidad de las letras y composiciones de Jonas Renkse vuelve a ser el punto fuerte, en las que nos traslada un sentimiento de pérdida envuelto en emotivas melodías. Los temas más progresivos como ‘Heart Set To Divide’ o ‘Neon Epitaph’ (ésta última podría estar firmada por A Perfect Circle) destacan muy por encima de otras de corte mucho más clásico como ‘Behind The Blood’ o ‘Untrodden’, con unos riffs de vieja escuela que desentonan con lo que representa su particular sonido. A todo esto, decepción total con la balada del disco: ‘Vanishers’ me parece un soberano tostón. En cambio cuando en ‘The Winter Of Our Passing’ se atreven a combinar sintetizadores y percusión consiguen un grato resultado, así como me flipa la versión que han hecho de ‘Fighters’ (Enter The Hunt). Es probable que si continúo dándole escuchas acabe por gustarme más, pero de momento echo en falta la pesadumbre que busco cuando recurro a ellos. ALBA RODRIGO

versión más pura, su lado más primitivo; nada que ver con las producciones pulidas —véanse los últimos Cody y Million Dollars To Kill Me — que les han consagrado como los nuevos reyes del emo pop punk. Songs from Northern Torrance muestra además que tenían claro lo que querían hacer desde JOYCE MANOR Songs From Northern el primer momento. Bajo la influencia de de Against Me!, Torrance Jawbreaker y los primeros (EPITAPH) Blink 182, encontraron su PUNK POP propia fórmula sin inventar nada. La gran mayoría de los 7 cortes no son propiamente inéditos. ‘Constant Nothing’ uando Barry Johnson y ‘Leather Jacket’, aunque y Chase Knobbe también fueron concebidos empezaron a en esa primera etapa de la juntarse con sus guitarras y banda, cuando no tenían unas cervezas poco podían sello y tocaban en centros imaginarse que acabarían juveniles y garajes, fueron formando una banda que regrabados e incluidos en su ficharía por el sello de un disco homónimo del 2011. El Bad Religion y giraría con resto apareció en referencias sus admirados Descendents. tan pretéritas como una Ni en sus mejores sueños. demo de 2009 -la inicial El presente Songs From ‘Housewarming Party’ y ‘Fuck Northern Torrance, lanzado Koalacaust’-, y la maqueta cual premio de consolación Ew Gross - la energética para sus seguidores tras el ‘Chumped’, originalmente aplazamiento de buena parte ‘Chumped On A Bus’- del de su gira veraniega, les mismo año. En este sentido, devuelve a esos comienzos. el disco funciona como En estos diez cortes grabados compilación de los primeros durante los primeros cuatro pasos de una banda de éxito años de existencia de la orgullosa de sus orígenes. banda encontramos su LUIS BENAVIDES

HAYLEY WILLIAMS Petals For Armor (ATLANTIC) POP ALTERNATIVO

o deja de ser curioso que Hayley Williams haya recurrido a su compañero en Paramore, Taylor York, que ejerce aquí de productor y cocompositor, para realizar su debut en solitario. Pero pese a salir básicamente de las mismas mentes, el resultado es muy distinto a lo que podríamos esperar de un nuevo álbum del grupo. Aunque en el homónimo de 2013 y After Laughter de 2017, el sonido de Paramore ya había coqueteado con el pop 80’s y algunas texturas electrónicas, Petals For Amor va mucho más lejos en sus ansias por experimentar. Su

contenido parece inspirarse en artistas inconformistas como Fiona Apple, Björk, St. Vincent, Muna o Thom Yorke. Dividido en tres partes -las dos primeras ya habían aparecido como EP’s digitales en febrero y abril- Petals For Amor ofrece quince canciones fermentadas bajo las secuelas de su divorcio con Chad Gilbert de New Found Glory y una posterior depresión. Vocalmente, Williams suena más libre que nunca, al no tener que ceñirse a una melodía definida, encontrando nuevos matices como en ‘Cinnamon’ o ‘Creepin’, dos de los mejores temas. Jugueteando con singulares líneas de bajo, ligeros arpegios de guitarra, colchones de teclados, bases electrónicas y algunos elementos de R&B actual, la música llega a tus oídos casi flotando. Pero aunque su enfoque sea más experimental, canciones como ‘Dead Horse’, ‘Over Yet’ o ‘Pure Love’ demuestran que a Williams no se le ha olvidado cómo escribir un buen estribillo pop. Un disco arriesgado y valiente, que, cuanto más lo es, más atractivo resulta. JORDI MEYA

A WALLFLOWER

Teach Yourself To Swim (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

unque ya no existe esa sensación de que de ahí pueda surgir uno de los grandes nombres del futuro inmediato, no deja de sorprenderme cómo la escena alternativa del Reino Unido sigue siendo una cantera inagotable de nuevos grupos. En los 2000’s fueron Hell Is For Heroes, Funeral For A Friend, Reuben y Hundred Reasons algunos de los más representativos de aquella quinta, mientras que ahora (aunque sea en una escala distinta) son Marmozets, Black Peaks o Boston Manor quienes ocupan su lugar. En esa misma pandilla podríamos encuadrar a Wallflower. Como tantos otros, después de haber lanzado un par de EPs y dejarse ver por festivales como el Download, ahora les llega la prueba de fuego con su primer largo. Si hay algo que salta a la vista escuchando Teach Yourself To Swim es la influencia del

L BOSTON MANOR Glue

(PURE NOISE) ROCK ALTERNATIVO

os protagonistas de esta reseña ya no son aquellos chavales que hacían un emotivo pop punk de libro, efectista e inofensivo. Sólo han pasado cuatro años desde su largo debut, Be Nothing, pero aquello suena muy lejano. En su segundo largo, Welcome to the Neighbourhood, Boston Manor sorprendieron a propios y extraños con un trabajo mucho más personal, sombrío y fiero grabado en New Jersey bajo las órdenes de Mike Sapone (Brand New, Taking Back Sunday, Oso Oso). Para su tercer trabajo el quinteto británico decidió repetir estudios y productor, seguir

emo en el quinteto de South London. Sin ir más lejos, el registro de Vini MoreiraYeoell recuerda en muchos momentos al de Jesse Lacey de Brand New. Basta con escuchar los acordes menores con los que da comienzo ‘A Parody Of...’ para percatarse de ello, siendo un corte que va in crescendo en cuanto a tensión se refiere. Medios tiempos contenidos como ‘Blood And Stone’ y ‘Doom In Your Head’ son los que marcan la línea a

seguir, con la sombra de los creadores de Deja Entendu bien presente. Pero también hay contrastes como la agresiva ‘Hungry Eyes’, el experimento de bases programadas en ‘Passer-by’ o alguna que otra concesión bien entendida en forma de posibles singles, caso de ‘Eat Away My Heart’ y ‘On & On’. Dudo que Wallflower vayan a convertirse en un hype de aquí a unos meses, pero méritos no les faltan.

escarbando en el mismo agujero, expandiendo su propuesta. Y se podría decir que han encontrado oro. Glue arranca con la fuerza de la futurista ‘Everything Is Ordinary’, con unas programaciones que me recuerdan a Linkin Park, y el ritmo atropellado e industrial de ‘1’s & O’s’, algo parecido a meter a Nine Inch Nails, Idles y Sleaford Mods en una misma batidora. Nada que ver con la fascinante ’Plasticine Dreams’, con ese efecto de guitarra deudor de ‘How Soon is Now’ de The Smiths, y la confesional ‘Terrible Love’, un medio tiempo ideal para el lucimiento de su cantante, Henry Cox, que

demuestra su versatilidad en muchas piezas. Los misteriosos sintetizadores ‘On A High Ledge’ te transportan a los años ochenta hasta que explotan en una suerte de post hardcore con tintes electrónicos digna de los mejores Underoath. Si musicalmente el disco es ambicioso, el mensaje de Boston Manor tampoco se queda atrás. Los de Blackpool describen lo que ven cada día a su alrededor (machismo, egoísmo, apatía…) y firman un retrato generacional bastante incómodo que invita a tomar cartas en el asunto. En cada paso, esta banda va cogiendo una entidad a tener más en cuenta.

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

HAKEN Virus

(NSIDE OUT) METAL PROGRESIVO

na pregunta persigue a Haken desde 2013 cuando lanzaron The Mountain: ¿Quién es el rey cucaracha? Una de las canciones favoritas de los fans se convierte en el concepto detrás de su nuevo álbum Virus. Se puede decir que, para bien o para mal, esta obra de los londineses es una montaña rusa. Por un lado te pueden presentar una canción como ‘Prosthetic’, la más pesada e intensa de su carrera a pesar de su coro meloso y pegadizo, para luego cambiar totalmente de dinámica en ‘Invasion’ y bajar el ritmo en favor de fortalecer la voz de Ross

Jennings. ¿Voces emotivas luchando contra la destreza técnica? Una luche de luces y sombras que en su mayoría encaja a la perfección. Al parecer han querido hacer destacar cada parte y hacerla brillar más en su preciso momento, como en ‘Carousel’, que con sus 10 minutos de duración se convierte en el lado más prog de Haken antes de que lleguen las canciones más convencionales. Hay de todo: partes ambientales, un shredding de guitarra que te dejará mareado, partes duras que son atravesadas por rayos de luz vocales y todo lo que uno puede esperar de una banda que ha sido llamada a reemplazar a las viejas glorias. Pero todo ello queda en segundo plano cuando llegan los 20 minutos de ‘The Messiah Complex’. Con diferentes movimientos se puede decir que es la obra de arte que llevaban buscando, y fusiona con éxito la agresividad de sus primeras lanzamientos con el tipo de música para videojuegos que parecían hacer después. Con cosas así, a uno hasta se le olvida esa horrible portada en amarillo. JORGE FRETES

THE GHOST INSIDE The Ghost Inside (EPITAPH) METALCORE

o puede ser casualidad que el nuevo disco de The Ghost Inside se abra con un redoble de tambores a cargo de Andrew Tkaczyk en la intro ‘1333’. Aunque toda la banda sufrió las consecuencias de su terrible accidente de autobús de 2015, el batería es quien las visualiza de forma más cruda al haber perdido una pierna. Su protagonismo inicial es una buena manera por parte del quinteto californiano de anunciarle al mundo que, pese a todo, han vuelto. En esa misma línea va el primer tema propiamente dicho, con un título tan explícito como ‘Still Alive’. Escuchándolo

resulta evidente que por mucho que les haya costado, han recuperado toda la energía y buen hacer previos al accidente. En realidad, este álbum homónimo es una continuación natural de su anterior trabajo, Dear Youth (2014). Incluso, y puede que sea una apreciación condicionada por los acontencimientos, diría que con un extra de pasión. Jonathan Vigil está enorme en todo el disco, atacando cada palabra con una intensidad que iguala con la que sus compañeros tocan sus instrumentos. La banda descarga como un martillo pilón temas como ‘The Outcast’, ‘Make Or Break’ o ‘Phoenix Rise’. No faltan algunos estribillos coreables en los que se nota la mano de su amigo Jeremy McKinnon de A Day To Remember, ni tampoco breakdowns poderosos como el de ‘Pressure Point’. Los punteos de Zach Johnson, añadiendo texturas melódicas con su guitarra (‘One Choice’, ‘Begin Again’) dan a los temas un mayor colorido. Aunque quizá sea el último corte, ‘Aftermath’, el que mejor resume todas las virtudes de un disco que te ayudará a sentirte vivo. DAVID GARCELL

FAKE NAMES Fake Names (EPITAPH) PUNK ROCK

l contrario de otros llamados supergrupos que parecen creados por un especialista en marketing desde un despacho, el caso de Fake Names responde más a lo que podríamos describir como un ‘feliz accidente’. Y su primer álbum suena exactamente así. Aquí coindicen dos viejos amigos, Brian Baker (Bad Religion, Dag Nasty, Minor Threat) y Michael Hampton (S.O.A., Embrace), Johnny Temple (Girls Against Boys, Soulside) al bajo, Matt Schulz a la batería, y Dennis Lyxzén a quien ficharon tras verle actuar con Refused en el Riot Fest en 2016 para completar

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la formación. Teniendo en cuenta el currículum de sus integrantes, no me hubiera sorprendido que hubieran tirado por un hardcore primitivo al estilo de otro supergrupo de la escena como OFF!, pero lo que ofrecen aquí es más bien un punto de encuentro entre el punk rock y el power pop.Los sencillos riffs de guitarra se presentan con una distorsión limpia, los tempos no son excesivamente rápidos y Lyxzén apenas grita, pero la banda suena con energía y sin artificios. Podríamos resumirlos como un cruce entre The Damned y Cheap Trick con algo de los Dag Nasty más melódicos. En algunos temas, como ‘Driver’ o ‘Heavy Feather’, también es difícil no acordarse de The (International) Noise Conspiracy, sobre todo por el registro vocal. Con un planteamiento clásico, en el que las canciones son el principio y el fin de todo, pero sin jugar la carta de la nostalgia, el debut de Fake Names no rompe esquemas, ni aporta nada novedoso, pero escucharlo seguro que ayudará a que tu día sea un poquito mejor. JORDI MEYA

WESTERN ADDICTION Frail Bray (FAT WRECK) HARDCORE PUNK

s una pena que sobre Western Addiction siempre haya revoloteado ese aura de que se trata de simplemente un pasatiempo para sus componentes. De hecho, cuando editaron su primer álbum, el celebrado Cognicide, allá por 2005 lo que más de destacó es que eran empleados de Fat Wreck, su propio sello discográfico. No es de extrañar que Fat Mike cayera rendido a sus pies porque Western Addiction eran en aquel momento, y lo siguen siendo ahora, una gran banda de hardcore punk. Que hayan pasado tres años desde su anterior

álbum, es una minucia, si comparamos los doce que transcurrieron entre Cognicide y Tremolous, así que parece que los californianos están algo más por la labor de ser más activos. En este tercer álbum, Frail Bray, ya no hay sorpresas porque sabemos a qué juega el quinteto, pero siguen facturando ese punk de la vieja escuela a lo Circle Jerks o TSOL, como muy pocos lo hacen actualmente. Once temas en media hora son la prueba de que el Wester Addiction no están para perder el tiempo y, acompañadas de unas letras de lo más inteligentes –destaquemos las dos partes ‘Rose’s Hammer’ centradas en la maternidad y paternidad– el álbum no decae ni un momento en intensidad gracias a canciones como ‘They Burned Out Paintings’, ‘Lurchers’ o ‘Laurette’. Hacer un disco de un estilo como éste, donde ya está todo dicho y hecho, y que todavía puedas sentir un golpe en el estómago no es tarea fácil. Sobra decir que Western Addiction lo han conseguido. Esperemos que vuelvan a golpearnos pronto. RICHARD ROYUELA

ASKING ALEXANDRIA

Like A House On Fire (SUMERIAN) ROCK ALTERNATIVO

omo tantos grupos surgidos de la explosión del metalcore durante la pasada década, los británicos Asking Alexandria se han ido alejando progresivamente de su sonido original para llegar a un mayor público. Repasando su trayectoria, es evidente que a la banda nunca le ha importado demasiado lo que se dijese de ellos, así que no sorprende que en su sexto álbum ya casi nada tenga ni de metal, ni de core. Ya en su anterior álbum, el homónimo de 2017, que marcó el retorno a sus filas del vocalista Danny Worsnop, se orientaron a un rock duro mucho más melódico, y, en Like A House Of Fire

todavía han ido más lejos en esa dirección. Parecerá exagerado, pero a día de hoy Asking Alexandria suenan más como unos Fall Out Boy rockeros que a ellos mismos. De verdad, temas como ‘They Don’t Want What We Want (And They Don’t Care)’, ‘Antisocialist’ o las estrofas de ‘The Violence’ podrían colar perfectamente en un disco de los de Chicago si le quitaras algunos riffs. Worsnop, en concreto, parece haber encontrado su inspiración en el R&B a la hora de confeccionar las líneas vocales, lo cual podría aportar un toque de originalidad, pero por contra los hace sonar genéricos. Algo a lo que también contribuye la típica producción radiofónica a cargo de Matt Good. Es innegable que el grupo ha aprendido a confeccionar temas con gancho (la balada ‘I Don’t Need You’, ‘Take Some Time’ o ‘Down To Hell’), pero incluyendo 15 canciones, la sensación es que las mismas ideas se van repitiendo a lo largo de su escucha. Peor, su evolución parece más fruto de ir allá donde sopla el viento (o el dinero) que de una necesidad artística. DAVID GARCELL

PARADISE LOST Obsidian

(NUCLEAR BLAST) GOTHIC DOOM METAL

esulta muy interesante la etapa sénior de muchas formaciones, entre ellas Paradise Lost. Descorchando su cuarta década como banda, parece que Greg Mackintosh y compañía han comprendido plenamente cuál es su papel en este mundo y en la música, y afortunadamente, a eso se dedican sin pretender transgredir aquello por lo que se les conoce o aventurarse a experimentaciones, ahora mismo, difícilmente comprensibles. De esta forma, si Faith Divides Us – Death Unites Us y mi favorito de su etapa actual Tragic Idol nos devolvieron a los Paradise Lost con más ganas de seguir siendo relevantes

dentro del doom gótico, hábiles ejercicios de estilo como The Plague Within y el disfrutable, aunque sobrevalorado Medusa certificaron que los de Halifax, tras 32 años de carrera, han tomado plena consciencia de quiénes son y qué se les da mejor. Obsidian vuelve a ser otro disco típicamente Paradise Lost, aunque algo más variado y limpio que sus predecesores. De hecho, presenta un trabajado equilibrio entre sus dos facetas más reconocibles, la del gothic metal (goth rock incluso…) y la del doom más pulcro y descorazonador. Como el mismo Mackintosh apunta en la nota de prensa, ‘Ghosts’ podría bailarse en cualquier antro gótico de finales de los 80, también la certera ‘Forsaken’ remite a su veta más siniestra, pero por otro lado, ‘The Devil Embraced’ o la lúgubre ‘Ravenghast’ ciernen una negra sombra sobre nosotros y, con la clase habitual, articulan esos dolorosos panegíricos tan deleitosos. Paradise Lost orbitan sobre su propia fórmula para demostrar que la sangre todavía fluye con fuerza en sus venas. PAU NAVARRA

C TRIPTYKON

Requiem (Live At Roadburn 2019) (CENTURY MEDIA) AVANT-GARDE BLACK METAL, DOOM METAL

uando una banda se junta con una orquesta, suele despertarme recelo. Lo de Deep Purple quedaba muy lejos y S&M de Metallica nos pilló con la guardia baja, pero creo que ninguna persona con el oído fino puede negar que, dentro de esta moda que aún sigue, se han publicado una buena ristra de ladrillos. Obras que nunca tendrían que haber salido de una letrina salvo honrosas excepciones, como por ejemplo las mejores elucubraciones de Septicflesh o el DVD que éstos lanzarán en julio. ¿Podía Tom G. Warrior presentarnos una cagarruta hortera como los demás? ¿Era eso posible? Por supuesto que no, y de hecho, los atrevimientos más vanguardistas de Celtic Frost ya daban fe de ello. El Padre Omnipotente sigue por encima de todo y de todos, y es por eso que, with the

R CALIGULA´S HORSE Rise Radiant (INSIDE OUT) ROCK PROGRESIVO

ecuerdo como en 2017 Caligula´s Horse parecían la banda a escuchar si estabas metido en el prog de corte moderno. Y es que su In Contact reventó todas las listas del género para competir por el trono, y por eso había tantas ganas de escuchar su nuevo Rise Radiant. Por suerte, no decepciona. En este álbum siguen la misma dirección a la que ya estaba viajando, pero a una velocidad, intensidad y explosividad mayores. Por sus venas fluye un crisol de influencias de las que consiguen la materia prima para potenciarlo hasta hacerlo más pesado y actual. Casi lo primero

Metropole Orkest, compuso un temarraco totalmente nuevo de más de media hora para este show tan especial en el Roadburn del pasado año. Se trataba de crear con la orquesta directamente, no de vulgarizar clásicos con estridencias y secciones de indiscutible mal gusto como tantos otros antes. Sirviéndose de ‘Rex Irae’ como apertura y de ‘Winter’ como final, es el capítulo dos de Requiem la joya de la corona. En ‘Grave Eternal’, lo

realmente inédito, Triptykon y sus inusuales aliados despliegan su vertiente más cinemática, experimental y doom, logrando mantenerte con el corazón en un puño con la maestría habitual. Te metes tanto en este corte que llegas a olvidarte de que se trata de un concierto, por lo que, cuando estallan los aplausos del público entre los dos últimos movimientos, te sacan del ensimismamiento a lo bestia.

que choca es el nivel de artesanía con el que modelan los temas. Cuando tocan acordes distorsionados en la rítmica, Adrian Goleby no intenta retroalimentarlas con la técnica del palm mute, y éste es sólo un ejemplo de que todo es tan increíblemente preciso en todo este álbum. Dicho esto, tampoco es que suene artificialmente perfecto. Es animado, nítido, emotivo y dinámico como siempre ha sonado la banda. La forma en la que cada nota se elige de manera tan decidida, entre todas las pistas vocales, la interacción entre las guitarras, las notas de percusión en el bajo y las partes de

batería rimbombantes es simplemente impresionante. Pero sin duda donde atrapan del todo es en el final con ‘The Ascent’, donde se ve a la banda creando su nivel más alto de composición hasta la fecha, dejándonos la sensación de que podría ser una pieza creada por un compositor del periodo romántico de la música clásica, pero en clave de metal. Es como un cataclismo, épico pero armoniosamente encantador, y todo al mismo tiempo. Les va a ser muy difícil superar lo que han hecho aquí. El disco que ya les gustaría haber sacado a Leprous.

PAU NAVARRA

JORGE FRETES

JEFF ROSENSTOCK No Dream (POLYVINYL) PUNK ROCK

speramos que te haga sentir bien. Si no lo hace, el problema lo tienes tú”. Así ha vendido el travieso Jeff Rosenstock su cuarto trabajo de estudio, No Dream, aparecido prácticamente por sorpresa. El músico y activista underground empezó su trayectoria en solitario en el 2015 con un trabajo más indie rock como We Cool? y ahora vuelve a sus orígenes con una nueva entrega mucho más fresca y sobre todo punk rock como No Dream. El nuevo disco está formado por canciones cortas y directas, algunas por debajo del minuto de duración (la inicial ‘NO TIME’, ‘Monday

At The Beach’), con una propuesta afín a Joyce Manor (‘Nikes (Alt)’, ‘The Beauty of Breathing’) y a los Weezer más rabiosos (el solo y la parte de los coros de mi favorita ‘Scram!’ podría pasar por una versión moderna de ‘El Scorcho’). El disco fue grabado en directo bajo la supervisión de Jack Shirley (Deafheaven, Super Unison), también responsable del sonido del fantástico POST- de 2018, un trabajo conceptual influenciado por el contexto político en Estados Unidos, escrito poco después de las elecciones que convirtieron a Trump en el nuevo inquilino de la Casa Blanca. Las cosas en su país no han mejorado. Al contrario. El negacionismo de Trump, que igual te niega el cambio climático o el derecho de los inmigrantes que te subestima una pandemia, está destruyendo el sueño americano. “Todos lo sabemos pero no sabemos qué hacer. ¿Qué podemos hacer?”, canta en el corte que da nombre al disco. Jeff clava sus incisivos en todos esos asuntos sin caer en las clásicas proclamas de izquierdas y sin perder la sonrisa. LUIS BENAVIDES

PALMAR DE TROYA

Palmar De Troya (LINIER DISCOS) POST HARDCORE

i hablamos de El Palmar De Troya, seguro que a todos se os viene a la cabeza el municipio sevillano donde se encuentra la sede de la pseudo secta de la Iglesia Palmariana, sin embargo, aquí no habláremos de ello, sino del debut homónimo de la banda granadina que adopta este mismo nombre. Con ex miembros de bandas como Maine, Gentemayor, Alondra Galopa o Red Passenger y un sonido post hardcore que recuerda a bandas como Girls Against Boys, Fugazi o Hot Snakes, la banda nos deja seis cortes que conforman sin duda

un debut notable y una de las sorpresas de la escena nacional en este 2020. Empezar con afilados riffs de guitarra sin duda ya les da una ventaja en este análisis, a lo largo del trabajo nos encontramos canciones con coros infantiles, riffs espectaculares, bases rápidas, actitud punk y una energía impresionante. ‘Libro Rojo’ y ‘Dystopian Blaster’ son para mí los temas clave del álbum, donde la banda mezcla a la perfección toda la actitud y energía que mencionaba anteriormente, y por si fuera poco aparece un coro de niños gritando la frase quizás más memorable del álbum a pleno pulmón: “No habéis robado el futuro”. Los pelos de punta. En tan sólo 17 minutos la banda logra sorprender y crear uno de los EPs revelación de la temporada. En la época en la que vivimos donde lo que triunfa es la música mainstream, da gusto sentarse y poder escuchar bandas que aún apuestan por la calidad e innovar dentro de un género tan amplio y explorado como es el rock. Si siguen así, Palmar De Troya también crearán su propio culto. ALEJANDRO TEIGA ROBLES

S MARK LANEGAN Straight Songs Of Sorrow (HEAVENLY) ROCK, CANTAUTOR

e le podrá acusar de muchas cosas, pero nadie puede negar que Mark Lanegan es un culo inquieto. Ya sea con su carrera en solitario o en cualquiera de los innumerables proyectos en los que no duda en involucrarse, el pelirrojo de Seattle nunca ha menguado su actividad. Tan sólo siete meses después de colocar en las estanterías Somebody’s Knocking, ahora lanza Straight Songs Of Sorrow, un álbum con nuevas canciones surgidas a raíz de escribir su también reciente autobiografía Sing Backwards And Weep. Unas memorias en las que, entre otras cosas, aprovecha para arrear varios palos a sus ex-compañeros en Screaming Trees. De todos modos, este trabajo sirve de perfecto complemento al libro, ya que aquí observamos las dos vertientes estilísticas por las

C HORISONT

Sudden Death (CENTURY MEDIA) CLASSIC ROCK

on esto del revival del rock hay que ser muy cuidadoso, que si uno se pasa de la raya le puede ocurrir lo mismo que a Greta Van Fleet, y nadie quiere tener la misma cantidad de seguidores que de detractores. Por suerte hablamos de Horisont, una banda sueca que si bien emula el sonido de los 70 también desprenden la autenticidad y talento que muchos de sus compañeros de juego no demuestran. Es posible que Sudden Death sea considerado su obra maestra, no por nada lo han estado marinando los últimos tres años consiguiendo cosas como que las melodías de piano tengan mucho más

que se ha desarrollado su discografía: La tradicional y cercana al cantautor de folk-blues de sus inicios y las más actual de los últimos años con esos coqueteos con la electrónica. Y aunque algunos preferirán una etapa u otra, si algo ha caracterizado a Lanegan es una habilidad casi camaleónica para adaptarse a cualquier terreno. Cuando se hace acompañar por una acústica (‘Apple From A Tree’, ‘Stockholm City Blues’,

‘Hanging On (For Drc’), su personal timbre vocal brilla sin esfuerzo, mientras que en ‘I Wouldn’t Want To Say’, ‘Bleed All Over’ (aquí se nota y mucho la mano de su amigo Greg Dulli), y ‘Skeleton Key’ certifica su versatilidad. Pero es el tono confesional de ‘Churchbells, Ghosts’ o ‘Daylight In The Nocturnal House’ el que acaba dando ese extra a la obra. Sea de un modo u otro, parece que a Lanegan le queda cuerda para rato.

peso en un género dominado totalmente por las guitarras. El gran mérito de Horisont vuelve a salir en este LP: conseguir que su sonido no sólo sea audaz y descarado, sino que complemente con una gran claridad todo lo que hace grande al blues rock: armonía, luz y distorsión en su medida justa. Lo cuidan todo tanto que la producción de su sexto trabajo bien podría haberse grabado en los 70, sin notarse ni pizca de la era digital. Horisont han entendido bien que esto no va sólo de mirarse en el espejo de los demás, sino de crear una propia imagen basada en una gran etapa del rock’n’roll con guiños al hard (‘Pushin’ The Line’) o

el AOR (‘Free Riding’) que recuerdan a Blue Oyster Cult, Boston o Rainbow. Les ha dado por experimentar un poquito, y por ejemplo tenemos una canción, ‘Graa Dagar’ en sueco que hace que el dulce idioma agregue otra dimensión de suavidad y magia. También tienen al final del álbum encontramos una ‘Breaking The Chain’ con sonidos del espacio exterior filtrados por un sintetizador retro que sin duda logran romper cadenas, arriesga y sale airosa. De su nuevo trabajo podemos concluir que vuelve a ser poco convencional y muy interesante.

GONZALO PUEBLA

JORGE FRETES

esperas. Casi calcada extensión para ‘When The Path Is Unclear’, otra vaporosa composición muy fantasmagórica que sigue demostrando la alta calidad de este dúo canadiense. La cantante y vigorosa batería Vic llega incluso a apretar un poco el acelerador en el último tramo del tema, VILE CREATURE Glory, Glory! Apathy pero no nos engañemos, porque en gran medida esto Took Helm! va de tempos macilentos y (PROSTHETIC) no tardan a volver a tirarse SLUDGE METAL de bruces al doom ruidoso y cavernario. Algo más 8 convencional es ‘You Who Has Never Slept’, que incluso odo parece gracioso se permite la licencia de en Vile Creature… aportar algún riff melódico. todo menos su música Es tras ella que alcanzamos y sus letras. Esta pareja de finalmente el quid de la músicos de Hamilton, Ontario, cuestión. Los coros celestiales practica un ofuscado y de ‘Glory! Glory!’ nos muchas veces experimental trasladan súbitamente a una sludge metal orientado a la misa solemne, a un réquiem liberación animal y la lucha precioso acompañado de contra los distintos tipos teclas sutiles que estalla por de opresión actuales. En los aires con la aparición de espíritu, también cuentan con la bombástica ‘Apathy Took el apoyo de un perro y seis Helm!’. Ésta resulta el colofón gatos, aunque no llegan a que certifica que estamos ante aparecer en esta grabación. un combo inusual. Podríamos En realidad, mucho mejor situar a Vile Creature entre dejarlos de lado en agonías como ‘Harbinger Of Nothing’, Jucifer y LINGUA IGNOTA, y creo que estaremos de una dolorosa pieza inicial acuerdo en que eso son de más de 11 minutos que palabras mayores. de pronto se abre a una PAU NAVARRA luminosidad que para nada

CARACH ANGREN Franckensteina Strataemontanus (SEASON OF MIST) SYMPHONIC BLACK METAL

ecuerdo muy bien la primera vez que escuché Lammendam, el debut de Carach Angren. A ver, no eran Obtained Enslavement o Limbonic Art, pero sí es cierto que, en 2008, los holandeses eran de los pocos que estaban defendiendo el black sinfónico con cierta dignidad. Con éste son ya tres álbumes en caída libre, pero parece que, cuanto más tenue es su capacidad artística, mayor respuesta de público consiguen. Un público que, dicho sea de paso, poco o nada está versado en el under extremo… ¿Pero a quién le

importa eso mientras pueda vivir de la música? Me alegro por ellos, pero de verdad, escuchando sus últimas obras, y Franckensteina Strataemontanus no es la peor, llego a sentir la misma vergüenza ajena que cuando recupero algún trabajo de Cradle Of Filth. Suenan infantiles, ingenuos, rimbombantes, anodinamente cargantes y, por supuesto, absolutamente sobreproducidos. Que es imposible llevar esto al directo sin que el técnico te haga casi toda la faena desde la mesa, vamos. Hay líneas vocales deleznables que me tomo como una ofensa personal, así que, aunque el corte homónimo, ‘Monster’ o ‘Skull With A Forked Tongue’ todavía aporten formas interesantes, os aseguro que tras terminar esta crítica no vuelvo a pincharme este disco en la vida. Si tuviera 10 años y estuviera leyendo algo de Harry Potter igual vería ‘Like A Conscious Parasite I Roam’ con otros ojos, pero desde luego no es el caso. Otro álbum para otakus, para blackitos y blackitas con la habitación atestada de cabezudos Funko. PAU NAVARRA

JASON ISBELL AND THE 400 UNIT Reunions

(SOUTHEASTERN) ROCK AMERICANO

uando Jason Isbell abandonó en 2007 el cobijo de toda una institución como DriveBy Truckers para arrancar su trayectoria en solitario, parecía una jugada arriesgada. Sin embargo, el tiempo ha acabado por darle la razón. 13 años y 6 discos de estudio después, el cantautor de Alabama está más que afianzado junto a su banda, The 400 Unit, como una de las grandes estrellas en las emisoras de rock tradicional americano de Estados Unidos. Tras una temporada en la que su figura ha sido duramente criticada por algunos de sus fans más conservadores debido a

82 52

sus comentarios en contra de Donald Trump, Isbell regresa al ruedo con un álbum de plena madurez vital cumplidos los cuarenta. Sin ser tan inmediato como el notable The Nashville Sounds, Reunions pone el foco en temáticas más reflexivas como la estabilidad de su matrimonio (‘Rivers’), la paternidad (‘Letting You Go’) o la continua batalla con sus problemas de adicción a la bebida (‘It Gets Easier’). Para ello, hace valer el respalda que le otorgan sus compañeros cuando se trata de poner músculo en cortes como ‘What’ve I Done To Help’ (¿soy el único al que le recuerda a Michael Kiwanuka?), ‘Overseas’ y ‘Running With Our Eyes Closed’, o simplemente acompañar desde la retaguardia en los momentos más recogidos como ‘Dreamsicle’. Aunque sigue siendo cuando saca su lado más rockero y directo en ‘Be Afraid’ y la mencionada ‘It Gets Easier’ donde Isbell vuelve a demostrar que está entre los compositores más brillantes de su liga. Desde luego, poco tiene que envidiar a sus ex-compañeros. GONZALO PUEBLA

APOSENTO

Conjuring The New Apocalypse (XTREEM MUSIC) DEATH METAL

o tarda mucho en liberarse el vendaval que significa la nueva obra de Aposento. Los de Logroño están verdaderamente on fire desde que volvieron y las amenazantes guitarras del inicio de ‘Liber Al Vel Legis’ te lo van a recordar rápidamente por si andabas despistado. Ya en este tema casi alcanzan el brutal death, el slam incluso, y en ‘Akerbeltz’ y sobre todo la cruel ‘Vamachara – The Left Hand Path’ vas a sufrir el mismo tipo de tormento. Los riojanos no se paran a pensar en las consecuencias de sus actos, simplemente va a hacer daño a través

de su tercer álbum. Al contrario que tantas otras formaciones europeas, la escuela americana es la que más ha marcado su estilo y, así, ‘Kadosh – Spitting On The Trisag’ les ha quedado bastante Cannibal Corpse, y la carnicería de ‘Samhain – The Night Of Ignis Fatuus’ es muy Suffocation también. Llegados a este punto, Mark Berserk es una figura imprescindible aquí, acabando de afilar con su gutural el filo de unas guitarras ya suficientemente asesinas. Antes de marcharse, a Gabri Valcázar (Wormed) le dio tiempo a poner la batería a Conjuring The New Apocalypse y, créeme, lo vas a notar en estas diez canciones, que no tienen otra intención que patearte el trasero y aplastarte cada uno de tus pobres huesos. ‘Noli Me Tangere’, ‘Revelation777’, ‘Doomsday – The Metanoia Of Redemption Process’… Palizas sónicas inspiradísimas, jefadas de las que despeinan, 36 minutos de riffs perforadores a un ritmo vertiginoso. Imponente segunda juventud de uno de nuestros decanos del death metal. PAU NAVARRA

THE BLOODY MALLARD Realm

(ONSLAUGHT) ROCK PROGRESIVO

eniendo en cuenta que muchos de los grandes lanzamientos que estaban programados para estos meses se han visto obligados a retrasar sus planes debido al coronavirus, quizás esta situación juegue en favor de otros más modestos. Bien podría ser el caso de The Bloody Mallard. Este proyecto surgido de la mente del guitarrista británico Tom Walding se presenta como una amalgama de sonidos entre el progresivo, la psicodelia y el post rock desde una perspectiva orgánica en cuanto a producción. Ayudado por el bajista Raihan Rubin y el batería Jake Bradford-Sharp,

sus primeras composiciones ven la luz bajo el nombre de Realm. Y aunque sobre el papel el asunto no pinta nada mal, lo cierto es que encontramos momentos un tanto desiguales a lo largo de la obra. Bien es cierto que la inicial ‘Haemoglobin’ promete emociones fuertes, conjugando varios pasajes que remiten al doom y el stoner a lo largo de sus once minutos de duración. Sin embargo, no son capaces de dar una réplica a la altura con los siguientes cortes. En ‘Subject To Entropy’ y ‘Noble Rot’, es como si la banda se sometiese a un encorsetamiento voluntario, sin atreverse a desarrollar más los temas. No es hasta la recta final, con las dos mitades de ‘Ceremonious Sinapsis’, que el trío decide soltarse la melena y operar con mayor libertad de movimientos, dando rienda suelta a sus habilidades. Las guitarras de Walding se vuelven más versátiles, mientras que la sección rítmica funciona a pleno rendimiento (incluso hay cierto deje a Tool bastante agradable). Para un futuro segundo disco, les animaría a seguir esa dirección más atrevida. GONZALO PUEBLA

HAVOK V

(CENTURY MEDIA) THRASH METAL

precio el esfuerzo de Havok por mostrarse lo más variados posibles en V, obviamente su quinto disco, pero al mismo tiempo, escuchando estas canciones no puedo evitar sentirme ante una larga sucesión de tópicos. Al fin y al cabo, tanto los nombres más laureados del thrash como su suculento underground lo dejaron todo dicho en la primera década de existencia del estilo, y no parece que los más acérrimos del género y la nueva hornada de bandas quieran apartarse demasiado de aquellas coordenadas. La carga crítica y política

de estos temas es la que esperas, les sienta bien, pero igualmente, pese a su acercamiento contemporáneo, no dejan de ser tan fáciles y superficiales como siempre. Pero, dejando eso de lado, no se puede negar que los de Denver tocan de fábula. El debutante Brandon Bruce va mucho más allá del acompañamiento rítmico y consigue que salives con su bajo, y es que Mark Lewis (Cannibal Corpse, The Black Dahlia Murder) le ha dado especial peso en su sonido desde su estudio en Nashville, Tennessee, así como a una pulcritud y limpieza en la que igual echas en falta algo más de grasa y hollín. ‘Phantom Force’, ‘Ritual Of The Mind’ o ‘Cosmetic Surgery’ fijan su objetivo en tus cervicales, y puede que la técnica de ‘Betrayed By Technology’ te avasalle si no has escuchado a Toxik y similares. Lo mismo ocurre con ‘Panpsychism’, un tema notable, aunque demasiado Megadeth. A ‘Don’t Do It’ le sientan fatal las voces melódicas, pero hay que reconocer que es un destacable final de álbum. PAU NAVARRA

ICE WAR

Defender, Destroyer (FIGHTER) HEAVY METAL, SPEED METAL

ólo la militancia férrea y la pasión enfermiza por el metal y la música subterránea en general pueden llevarte a publicar un álbum como Defender, Destroyer. Tras dar carpetazo a Iron Dogs, el canadiense Jo Capitalicide fundó Ice War para encargarse absolutamente de todo y, a disco por año desde 2017, ahora ha llegado el momento de recuperar el chaleco parcheado y pillarse una buena cogorza con su cuarta bacanal. Partiendo del heavy metal y el speed más propio de su país natal, el de Ottawa da rienda suelta a sus impulsos más bajos con

diez cortes disparados a discreción, aunque para nada disimule sus pulsiones más cercanas al punk y el crossover. Algunas letras anticapitalistas y contestatarias le delatan, y así, la misma ‘Defender, Destroyer’ es un pepinazo al rojo vivo que puede recordar a D.R.I. o a cualquier otro grande del estilo, e incluso ‘Soldiers Of Frost’ o ‘Crucified In Fire’ en realidad son temas punk rock a mil revoluciones por segundo. Poned especial atención a los coros y las voces si no me creéis… Todo ello conforma un mejunje maravilloso que puede chiflar peligrosamente a cualquier amante de lo vetusto y las joyas añejas grabadas en condiciones precarias, pues ‘Rising From The Tomb’, ‘Mountains Of Skulls’ o ‘Demonoid’ son como elixires infalibles de amor a primera vista. ‘Skull And Crossbones’, ‘Running Out Of Time’… Logra temas tan arcaicos y auténticos que sólo puedes rendirte ante ellos. Una gira suya con Toxic Holocaust o Midnight ya sería como tocar el cielo. PAU NAVARRA

VADER

Solitude In Madness (NUCLEAR BLAST) DEATH METAL

ómo nos gusta complicarnos la vida. Buscar tres pies al gato, filosofar y darle vueltas a cualquier álbum que caiga en nuestras redes, cuando a veces, todo es mucho más sencillo. Éste es el caso de Solitude In Madness, el nuevo trabajo de los curtidos Vader, y lo siento, pero pasaré de ello. La única pregunta ante una banda en activo durante 37 años y su decimosexto disco debería ser ‘¿Pero todavía rockean o no?’, y ya lo creo que sí. ¿Para qué vamos a comparar esta obra con sus clásicos o a evaluar un supuesto ‘efecto

Nuclear Blast’ en su sonido si ‘Shock And Awe’, seguida de ‘Into Oblivion’, nos atropellan vilmente nada más darle al play? Esto son 29 minutos íntegramente dedicados a tus cervicales, donde cortes como ‘Incineration Of The Gods’, ‘And Satan Wept’, la súper heavy ‘Emptiness’ o ‘Final Declaration’ van a asegurarse de que lo pases pipa con su tralla y ramalazo thrash. Éste es su sexto disco en una década, algunos aparecidos en este tiempo tienen el calibre de Tibi Et Igni, así que estamos ante un grupo muy lejos del estancamiento y la autocomplacencia. Junto a Behemoth, Piotr Wiwczarek y sus Vader han sido los que más empeño le han puesto a situar el metal extremo polaco entre los más reconocidos del mundo, y dudo muchísimo que alguien pueda sentirse defraudado con un álbum como Solitude In Madness o canciones como ‘Stigma Of Divinity’. ¿Y es que acaso no se trata de eso, de abstraerte media horita y rendirse al headbanging? Va, píllate una birra, y a la salud de Peter. PAU NAVARRA

E MY OWN PRIVATE ALASKA Amen (AWAL) AVANTGARDE, POST METAL

l mundo ha cambiado mucho en los últimos 10 años. Pero si nos metemos en una máquina del tiempo para viajar a 2010 podremos ver a My Own Private Alaska en su mejor momento, siendo teloneros de Metallica y trabajando con Ross Robinson. ¿Tiene sentido reeditar este trabajo de ‘pianocore’? Sí, si es que los rumores son que la banda de Toulouse están trabajando en un nuevo álbum. La magia que siempre tuvieron los franceses fue la de tocar como si estuviesen flotando, y esa energía de sus directos también se podía notar en los álbumes, siendo Amen uno de los más representativos. Poco o nada ha cambiado en esta reedición, pero sirve de golpe nostálgico para recordar de lo que

era capaz esta banda. ¿Y sigue siéndolo? Disonancia y armonía oscura es lo que predomina en estas canciones, como nos explota en la cara en ‘Kill Me Twice’, que con la voz dramática de Matthieu Miegeville consigue acrecentar todo su potencial. Pianos tradicionales y teclas de sintentizador que en su

momento nos parecieron transgresores en ‘Anchorage’ hacen que no nos pese tanto esta reedición ni nos parezca redundante, aunque extraña que no incluyan algo más de material inédito para un 10º aniversario. Aunque si todavía no les conoces, éste es un buen punto de partida. JORGE FRETES

BLEED FROM WITHIN

ESPIRAL POSITIVA NO HAY NADA MÁS DIFÍCIL QUE ROMPER CON VIEJOS HÁBITOS. PERO DESPUÉS DE AÑOS DE NEGATIVIDAD Y FRUSTRACIONES, LOS ESCOCESES BLEED FROM WITHIN HAN CONSEGUIDO REVERTIR ESA ESPIRAL NEGATIVA Y GRABAR FRACTURE , SU MEJOR DISCO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

VECES LA CULPA DE TODO LA TIENE UNA COSA TAN TONTA COMO UN PEINADO.

El flequillo que lucía el cantante Scott Kennedy en sus primeros años, muy al estilo del de Oli Sykes en aquellos tiempos, hizo que las comparaciones con Bring Me The Horizon fueran constantes. Y aunque a nivel musical podía haber algunas similitudes, viendo la evolución musical de ambos grupos queda claro que sus intenciones eran muy distintas. Mientras los primeros se han ido alejando progresivamente del metal, Bleed From Within se han ido endureciendo. Aun así, es comprensible la frustración que los de Glasgow pudieran sentir al ver que ni grabando un disco más comercial como Uprising (2013) no podían cumplir las expectativas que la industria y los medios habían puesto en ellos. Pese a todo, el combo escocés no se rindió, y tras un cambio de formación, se tiró durante meses abriendo para bandas como Lamb Of God, Of Mice And Men o As I Lay Dying presentando su siguiente disco Era (2018), y poco a poco fue recuperando la autoestima y ganó estabilidad. Por primera vez el grupo podría

grabar su siguiente trabajo con la misma formación, con Kennedy, Craig ‘Goonzi’ Gowans (guitarra), Steven Jones (guitarra), Davie Provan (bajo) y Ali Richardson (batería). Este nuevo empuje es el que han plasmado en Fracture (Century Media). Ahora sólo cabe esperar que el coronavirus no les afecte demasiado… Como mínimo, cuando charlamos con Steven –con un parecido asombroso a Frank Turner si tuviera melena-, parecía estar con la moral más que alta.

“A ver, es decepcionante tener que cancelar todos los festivales y teníamos que anunciar una gira abriendo para una banda que admiramos mucho, y eso también se ha ido al traste por ahora. Pero llevábamos desde diciembre con el plan de lanzamiento y no queríamos esperar más. Entiendo por qué otros grupos están retrasando los lanzamientos, pero para nosotros la música sigue siendo algo que la gente quiere, y si podemos aliviar a quien lo escuche, ni que sea un poco, creo que merece la pena”.

viste al resto del grupo cara a

En parte Fracture es un buen ál-

cara?

bum para quien quiera liberar su

STEVEN JONES “Hace ya dos me-

rabia. Es posiblemente el disco

ses. Seguramente sea el tiempo más largo sin verlos desde que entré rn la banda hace cinco años. Y lo estoy disfrutando (risas). No, es broma, tengo ganas de poder quedar ya”.

más heavy que habéis hecho.

¿Has estado tocando mucho en

¿No crees que hay una especie

casa?

de imagen errónea sobre vues-

“Sí. Quiero estar preparado para cuando podamos volver a tocar. Lo hago cada día”.

tra música? Quizá por el nombre

“Sí, estoy de acuerdo. Tenemos algunos elementos más atmosféricos, pero en conjunto es nuestro trabajo más bestia”.

o por la imagen de los primeros discos se os tiene como una banda de metalcore comercial, pero

¿No os habéis planteado ensa-

en realidad sois una banda de

yar con Zoom o algo así?

metal.

“Es gracioso que lo digas porque lo hemos hablado, aunque no sabemos si es del todo factible. Pero en general intentamos ser optimistas. Seguimos haciendo planes para los próximos meses. Queremos estar preparados para cuando sea posible salir de gira de nuevo”.

“Sí, desde luego. Para mí es interesante esa opinión porque no sé muy bien cómo nos percibe la gente. Por lo que te puedo decir, antes de que me uniera al grupo, yo creo que al menos aquí en Glasgow sí que consideraba a Bleed From Within como una banda de metal. Quizá en España es distinto. Quizá en Uprising había coros más grandes, y la verdad es que en directo eso funcionó muy bien, pero en este disco creo que hay un muy buen equilibrio entre eso y la faceta más cañera del grupo”.

vosotros habéis conservado la fecha prevista para el lanzamiento, el 29 de mayo. ¿Cómo se tomó esa decisión? 58

grupo lo vieron como una oportunidad para reconducir la dirección del grupo?

“Sí, seguro. Creo que entre Uprising y Era, la banda pasó por un momento bastante chungo. La industria musical puede ser muy dura y se sentían muy decepcionados, hasta el punto que el grupo se planteó dejarlo. Pero cuando yo entré, creo que les aporté un poco de optimismo”. ¿Cuánto te llevó a ti a descubrir la cruda realidad?

¿Cuándo fue la última vez que

Al contrario que otros grupos,

¿Crees que cuando te uniste al

“La verdad es que cuando me contaban según qué cosas no podía ni creérmelo. Hay cosas muy oscuras que piensas que no ocurren, pero ocurren. La gente es capaz de cualquier cosa por dinero y no tiene ningún escrúpulo en robarte. Por suerte, cuando yo entré, tenían un nuevo management y he tenido la suerte de no ver cosas demasiado chungas. Pero siempre tienes que ir con cuidado y mirar a tu espalda. Creo que con Era decidimos cerrar filas, hacer las cosas lo mejor que poduiéramos y olvidarnos del resto. En parte el título Fracture va de eso, de romper con nuestro pasado y centrarnos en el futuro”. Volviendo a Fracture, tú tuviste un papel importante en la grabación del álbum, ¿no?

“Bueno, grabamos las baterías en Middle Farm Studios con Adam ‘Nolly’ Getgood, y luego las guitarras, bajos y las voces las grabamos en nuestro estudio en Glasgow y yo hice de ingeniero. Fue un poco extraño hacerlo en diferentes sitios, pero funcionó muy bien. Hacerlo en nuestro estudio nos permitió tener todo el tiempo del mundo. Fue muy cómodo”.

“CON ERA DECIDIMOS CERRAR FILAS, HACER LAS COSAS LO MEJOR QUE PODAMOS Y OLVIDARNOS DEL RESTO” STEVEN JONES

¿Cuál fue el tema más complicado de grabar?

“Como guitarrista, para mí fue ‘A Depth That No One Dares’. Hay unos tappings durante las estrofas que son bastante difíciles de tocar (risas). Seguramente cuando escuches la canción no parece que sea nada especialmente complejo, pero no es fácil tocarlo bien. Pero Craig es muy buen guitarrista y a menudo él acaba grabando muchas de las guitarras”. En ‘Night Crossing’ tenéis a Matt Heafy de Trivium. ¿Es amigo vuestro o fue algo que movió vuestra discográfica?

“Hace como un año, Matt colgó la portada de Era en su Instagram diciendo que era uno de sus discos favoritos. Alucinamos mucho, claro.

No sé exactamente cómo fue, pero nos acabó dando su email y el pasado verano, durante la temporada de festivales, coincidimos en un día libre en Luxemburgo y quedamos en un bar. Acabamos todos borrachos (risas). Fue como si fuéramos viejos amigos, conectamos mucho. Y creo que Matt dijo que si queríamos que en nuestro próximo disco hiciera algo, se lo dijéramos. Pasados los meses, Scott le mandó un email y le dijo que teníamos una parte para un solo en ‘Night Crossing’, y dijo que lo haría. Nos reunimos todo el grupo para ver desde el ordenador cómo grababa el solo (risas). Tener a alguien tan respetado en nuestro disco mola mucho”.

bien. Sería una pena que os perjudicase mucho.

“Sí. Tenemos muchas ganas de que la gente escuche el disco y aunque quizá hasta final de año no podamos presentarlo, creo que todos tenemos ganas de defender este álbum tanto como podamos. Por lo que estamos viendo, la gente está hablando de él, así que creemos que tendrá una buena acogida. No vamos a renunciar a este disco tan fácilmente. Trabajamos muy duro en él y no estamos preparados, ni queremos, simplemente aparcarlo y pasar a otra cosa por el coronavirus. Seguimos estando muy ilusionados con Fracture”.

Desde luego. Esperemos que pese a la pandemia, todo salga 59

NEW FOUND GLORY

LA FAMA

CUESTA NO ES FÁCIL ENCONTRAR GRUPOS QUE, TRAS MÁS DE DOS DÉCADAS DE TRAYECTORIA, SIGAN CON LA MISMA FRESCURA E ILUSIÓN DE LA DE UNOS RECIÉN LLEGADOS. PERO ÉSE PARECE SER EL CASO DE NEW FOUND GLORY, QUIENES, PARA DEMOSTRARLO, ACABAN DE GRABAR UNO DE LOS MEJORES ÁLBUMES DE SU CARRERA. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

SÍ SON LAS COSAS. Parece que

no fuera hace tanto cuando veíamos cómo el nombre de New Found Glory se hacía grande por momentos gracias a una capacidad para grabar hits inagotable. Pero han pasado ¡20 años! Y aunque temas como ‘Hit Or Miss’, ‘My Friends Over You’ o ‘Truth Of My Youth’ son ya parte de la historia del punk pop y piedra angular sobre la que se han construido bandas posteriores, el auge del punk pop se fue diluyendo y los de Florida no pudieron aguantar el tirón de la misma manera que sí lo hicieron otras bandas como Green Day, Blink-182 o Fall Out Boy. Problemas internos como la salida del guitarrista Steve Klein, que sigue siendo un tabú a día de hoy, no ayudaron tampoco a que la banda pudiese aguantar en la cima. Pero visto con perspectiva, eso no ha hecho desistir a Jordan Pundik (voz), Chad Gilbert (guitarra), Ian Grushka (bajo) y Cyrus Bolooki (batería) ,y New Found Glory han sabido estar unidos en lo bueno y en lo malo, como dice el sacramento. Por el camino han ido quedando grandes discos que no han tenido el reconocimiento que merecían y cientos de conciertos que, una vez tras otra, demuestran que pocos grupos del estilo hay mejores que New Found Glory encima de un escenario. Ahora, en el inicio de su tercera década, editan el que es su décimo álbum, Forever + Ever x Infinity (Hopeless), un auténtico ejercicio de estilo, ideal para los que quieran saber de qué va esta banda. Al habla Cyrus, quien nos empieza explicando, de manera inevitable, cómo está llevando estos días tan extraños.

¿Estás intentando ocupar tu

Sois una banda que siempre ha

tiempo o más bien te los estás

mantenido su identidad, pero

tomando como un relax?

si le has de enseñar a alguien

CYRUS BOLOOKI “Sí intento estar

cómo suena New Found Glory,

ocupado, pero también no dejo de estar encerrado en casa con mi familia, lo cual está muy bien. Es un momento único para aprovechar y disfrutar de tu familia de una manera que de otra forma sería muy complicado. Si hay algo bueno en todo esto es poder estar con los tuyos. Normalmente no suelo tocar la batería en casa, por sorprendente que pueda parecer. Voy a un estudio que está cerca de mi casa que suele servir de sala de ensayos, aunque ahora mismo todo está cerrado en Florida… como en todo los sitios, vamos”.

un álbum como éste funcionaría

Sin duda alguna. Yo mismo tengo una hija y es genial poder ir a pasear con ella un día cualquiera a las doce de la mañana. Para mí es un lujo. Sé que no es posible vivir así para siempre, pero no está mal poder aprovecharlo mientras dure.

“Absolutamente, yo tengo dos hijos. Mi hijo tiene 5 años, y mi hija, 2. Jugamos mucho, porque la verdad, si salimos no quieren ir muy lejos, prefieren correr por la casa o salir al jardín. Lo más complicado es que no entienden muy bien lo que pasa. El mayor un poco, pero obviamente la pequeña nada de nada, es muy probable que no se acuerden de nada de esto en veinte años”. Y bien, entre todo este lío tenéis un nuevo álbum preparado, Forever + Ever x Infinity. Lo estáis vendiendo como una vuelta al más puro sonido New Found Glory y, sin duda, así es.

perfectamente. ¿Algún motivo para ello?

“Creo que es la combinación de múltiples factores, ya que en el momento de escribir y grabar el álbum estábamos de gira, lo que significa que estábamos todo el tiempo juntos y eso te lleva a actuar de cierta manera. Llevamos algo más de veinte años y cada vez estamos más unidos entre nosotros, así que realmente éramos una unidad cuando tocó escribir y grabar el álbum. Eso hizo que tuviésemos muy claro entre nosotros qué hacer y que las influencias externas se redujeran al mínimo. Cuando hay alguien externo siempre acaba influenciando en el resultado final, no es que te digan lo que tienes que hacer, pero sí teníamos claro ciertas cosas que queríamos hacer esta vez. En Resurrection, el primer álbum que hicimos como cuarteto, nos centramos principalmente en las guitarras, ya que queríamos demostrar que podíamos funcionar con sólo un guitarrista. En el siguiente, Makes Me Sick, rescatar el sonido de teclados nos motivaba, aunque no de una manera poppy como pudo ser en Coming Home. Como puedes ver, siempre tenemos una idea establecida de cómo queremos, o no, que sea un álbum, y con éste simplemente nos dijimos ‘vamos a escribir un disco’. Chad, que es quien normalmente suele escribir el esqueleto de la canción, tenía un montón de riffs que nos mostraba con una acústica o en las mismas pruebas de sonido, y yo le

ayudé a grabar esas ideas en unas demos muy sencillas… y eso es en lo que ha acabado evolucionando Forever + Ever x Infinity, el trabajo de una banda haciendo lo que sabe hacer mejor. Fíjate que hemos metido 15 canciones en el álbum, cuando hoy en día no es lo normal, ya que al público cada vez le cuesta digerir más un disco con muchas canciones, pero no queríamos limitarnos si las canciones nos gustaban, y ésas son las que han acabado en el disco que, además, es muy variado”. Esas cosas, imagino, demuestran el grado de confianza que tiene una banda en un momento concreto de su carrera.

“Sí. Justo ahora, mientras hablábamos, he puesto en mi ordenador el listado de las canciones con su duración. Hay una canción que se llama ‘Nothing To Lose’ que dura 2 minutos y rompe todas las reglas. Cuando fichamos por una multi, nos decían que un single para la radio tenía que durar 3 minutos y medio. Era el número mágico, ya que era perfecto para las radios. Una canción de 2 minutos hubiese sido imposible para un single. Ahora no le damos demasiadas vueltas a una canción si creemos que va en la dirección correcta. Probablemente en otros tiempos nos lo hubiésemos pensado más. Eso demuestra la manera tan orgánica con la que trabajamos ahora”. El título del álbum, Forever + Ever

x Infinity, da la impresión de ser una declaración de principios.

“La verdad es que nos gusta que la gente busque un significado por ella misma, sin que tenga que ser igual

para todo el mundo. Si analizas el título es evidente que tiene que ver con el concepto de tiempo ilimitado, pero si te fijas en la portada, que es colorida con un parque de atracciones, lleva a la gente a un periodo de su vida, que puede ser hace diez meses o veinte años, en la que se divertía muchísimo, que quiere recordar para siempre y asociar a recuerdos positivos… ya sea amigos, una novia… Y también es una metáfora de nuestra banda, que lleva ya más de veinte años y acaba de sacar su décimo álbum. Cuando llegas a este punto, no puedes sentirte más que feliz por el camino recorrido y de verdad creemos que vamos a hacer esto para siempre, mientras nuestra capacidad física nos lo permita. Así que ahí tienes diferentes interpretaciones sobre lo que puede suponer el título”. El disco tiene un toque optimis-

de cuando era adolescente, jugando a videojuegos en mi vieja Nintendo… Sé que mucha gente lo está haciendo y pienso que es porque eso te hace olvidar el momento que estás viviendo y te devuelve a un momento donde no tenías que preocuparte mucho por la cosas. Puede que este disco tenga esa cualidad, que al escucharlo te olvides durante un rato de todo lo que está pasando”. ¿Te frustra tener el disco y no poder hacer mucho con él?

“Claro, el no poder salir de gira es un gran inconveniente porque es justo lo que más ganas tengo de hacer. Se supone que íbamos a empezar en unas semanas y ahora mismo es imposible predecir cuándo estaremos de nuevo en la carretera. Creo que va a pasar aún una buena temporada hasta que podamos hacer shows de la misma manera a como lo hacíamos antes de esto”.

ta. Todo se grabó antes de que la pandemia estallara. ¿Cómo

En el punto en el que está New

lo ves ahora mismo? ¿Te ale-

Found Glory no necesita sa-

gras de que sea un disco alegre

car obras nuevas para seguir

o crees que sería muy diferente

funcionado, tenéis un catálogo

de haberse grabado ahora?

enorme que la gente quiere

“La verdad es que es muy complicado saber cómo hubiese sonado el álbum bajo estas circunstancias y es muy pronto para decidir cómo será nuestro próximo disco. Como has dicho, todo está hecho antes de la pandemia, pero no deja de ser irónico que hayamos hecho un disco tan optimista y que se dé a conocer en un momento tan complejo e inesperado. No sé si te pasa a ti, pero debido a la cantidad de tiempo que paso en casa, muchas veces tiendo a echar la vista atrás. Ya sea escuchando música

escuchar. Con esto en mente, ¿cómo sabéis que ha llegado el momento de componer y grabar material nuevo?

“No hay un gran plan detrás, simplemente sabemos que ha llegado el momento. Cuando finalizamos Make Me Sick, teníamos claro que el siguiente paso iba a ser la tercera parte de From The Screen To Your Stereo y que luego iba a venir nuestro 20 aniversario… éramos conscientes de que había un montón de cosas para hacer antes de pensar en un nuevo

“CREO QUE VA A PASAR AÚN UNA BUENA TEMPORADA HASTA QUE PODAMOS HACER SHOWS DE LA MISMA MANERA A COMO LO HACÍAMOS ANTES DE ESTO” CYRUS BOLOOKI

álbum, que ha acabado siendo éste. Éste es nuestro décimo disco y es muy especial para nosotros porque es echar la vista atrás y sentirnos felices con lo que hemos logrado. Ésta no es una simple banda que graba discos y sale de gira a presentarlos; es una forma de vida. Además, 2020 es el 20 aniversario del disco homónimo y pensábamos celebrarlo de alguna manera. Ya fuera tocándolo todo, editando una reedición con material extra… evidentemente este año no podrá ser, pero sí que lo tenemos en mente para 2021. En dos años más será el de Sticks And Stones… también nos gustaría hacer algo. Tenemos muchas cosas en el futuro próximo para hacer, así que

pensar en hacer un disco depende de muchas circunstancias y más si estamos tan ocupados. Por otro lado, ahora todo el mundo está muy feliz con el álbum, cree que hay grandes canciones, etcétera. Pero, ¿quién sabe? Igual no le gusta a nadie y eso nos motiva para escribir uno nuevo inmediatamente. Somos libres de poder hacer lo que queremos y nunca dejaremos de escribir nueva música”. ¿Te sorprende la gran respuesta que sigue teniendo todavía

From The Screen To Your Stereo entre los fans? Se ha convertido ya en una seña de identidad

que me sorprenda mucho. Eso pasó al principio, cuando sacamos el primero, porque eso sí que fue una sorpresa ver la reacción que tuvieron esas versiones, hasta el punto que tuvimos que tocar muchas de ellas en directo. Y desde entonces es una especie de, no diría broma, pero sí un juego para nosotros. Ir haciendo nuevas partes es lo mismo que cuando una peli hace su secuela, seguimos el juego a eso. Ahora ya hacía diez años del último y esta vez decidimos abrir más el espectro de versiones, no centrarnos tanto en las películas de los 80 y 90. No sé si habrá más en el futuro, pero de momento ahí quedan las tres partes”.

vuestra.

“Llegados a este punto no puedo decir

La verdad es que ahora cada

“TODO EL ÉXITO QUE HAYAMOS PODIDO TENER DURANTE TODOS ESTOS AÑOS, HA SIDO COMPARTIDO POR NOSOTROS CUATRO. Y LOS MOMENTOS COMPLICADOS TAMBIÉN” CYRUS BOLOOKI

vez cuesta más que las películas

no pasa en New Found Glory.

tengan temas emblemáticos.

¿Cuál es tu explicación?

Ha cambiado bastante esto. Los

“La clave es que estamos juntos desde el principio. Todo el éxito que hayamos podido tener durante todos estos años, ha sido compartido por nosotros cuatro. Y los momentos complicados también. No siempre es todo fácil en una banda, pero podemos ir al origen de nuestra carrera y recordar los motivos por los que tenemos New Found Glory y lo que significa para cada uno de los cuatro. Y sería un error no darse cuenta de lo genial que es estar en esta banda y ver la cantidad de cosas que hemos conseguido. Es una oportunidad única que hemos tenido y seguimos teniendo. Pero también hemos crecido como personas y hemos aprendido a respetarnos y ser conscientes de que también hay vidas personales. Tres de los cuatro de la banda ya tenemos hijos,

blockbusters ya no producen hits atemporales.

“Así es. La música en las películas es cada vez menos popular. Disney es la única excepción. En los 80 y 90 cada gran película tenía una gran canción”. Los cuatro componentes lleváis juntos desde el inicio, algo muy complicado de ver ya. Cuando los componentes de una banda llegan a cierta edad, los compromisos de la vida, familia, trabajos, les obliga a tener que dejar la música, además del desgaste que supone estar constantemente en la carretera. No es lo mismos irte de gira con 20 que con 40. Sin embargo, esto

nos hemos ido casando y entendemos lo que en un momento dado es una prioridad personal. Cuando montamos una nueva gira todos los factores se tienen en cuenta y nadie se desespera porque haya que cambiar ligeramente los planes porque alguno de nosotros lo necesita. Yo mismo lo he vivido con el nacimiento de mis dos hijos. Con el primero me quedé en casa mientras la banda estaba en Australia y con mi hija hace dos años, montamos la gira alrededor de su nacimiento y acabó funcionando. Definitivamente hay un fuerte sentimiento de familia donde todos intentamos cuidarnos. Sé que con otras bandas no es así, porque no llevan tanto tiempo o los componentes no son los originales y no saben lo que era ir a tocar en los inicios para que te vieran dos personas… nosotros no nos olvidamos de todo eso”.

Aparte de vuestros hits y cancio-

Como banda de carretera, ¿qué

Me gustaría repasar un par de

nes, uno de los aspectos en los

opinas del futuro de la música

álbumes extraños dentro de

que realmente destacáis es en

en directo? Grupos como voso-

vuestra carrera. Creo que Ra-

directo. Realmente New Found

tros sois los grandes damnifi-

diosurgery es uno de vuestros

Glory sí que es un grupo de di-

cados. Sin ir más lejos, teníais

grandes discos, pero tengo la

recto. ¿Crees que se os reconoce

una gira con Simple Plan donde

impresión de que apenas existe.

lo suficiente en ese aspecto?

estaban casi todas las entradas

Seguramente tiene algo que ver

“No creo que sea justo que yo conteste a esta pregunta. Todo lo que puedo decir es que el mérito está en la longevidad de la banda y el hecho de que estamos aquí 22 años después. No es nuestro momento de más popularidad, hubo épocas en que podíamos llegar a meter 20.000 personas en uno de nuestros shows, pero seguimos aquí tocando para un número muy razonable de fans y si nos fijamos, estamos llevando más gente a nuestros conciertos ahora que hace diez años, lo que viene a demostrar que seguimos en el camino correcto y que probablemente demuestra que somos una buena banda en directo. La energía o la química encima de un escenario es algo que ni se puede aprender ni enseñar, simplemente está allí y basta con cuidarla. Vuelvo a los shows que me perdí en Australia con el nacimiento de mi hijo. La banda me dijo que no quería volver a tocar sin mí porque no era lo mismo y lo puedo entender porque es lo mismo que me pasa a mí cuando uno de nosotros, en contadísimas ocasiones, no ha podido tocar en algún concierto. Tampoco hay que pasar por alto que no somos un grupo que salga borracho a escena o sin ganas, somos conscientes que hay un trabajo que hacer y que no podemos olvidarnos una vez más que somos afortunados de lo que hacemos y que hay un público delante con ganas de pasarlo bien”.

vendidas…

con que fue un periodo raro para

“Creo que lo que te puedo decir es lo mismo que te diría la mayoría: ¿Veo el futuro con esperanza? Sí. ¿Estoy asustado por el futuro? Sí. ¿Sé lo que va a pasar? No. Nadie lo sabe. Todo lo que te puedo decir es que nosotros no nos vamos a retirar, no nos vamos a dejar vencer. Supongo que hemos de encontrar una forma de arreglar esta situación, pero también es cierto que la música en directo es de las cosas que más va a sufrir y que nos va a llevar más tiempo del que nos gustaría en volver, al menos de la manera en que estábamos antes. Además, y vosotros tenéis el ejemplo con el fútbol, estoy seguro que el gobierno pensará mucho antes en cómo meter a la gente en un estadio de béisbol que en una sala de conciertos. Va a ser duro, pero encontraremos la forma de sobrevivir hasta que podamos tocar de nuevo. La tecnología nos permite ir haciendo cosas como un Zoom que hicimos entre los cuatro hace poco en abierto para quien quisiera verlo. Pero volveremos, porque la gente no puede sobrevivir sin música en sus vidas. Me preocupa cuánto tardaremos, pero también la cantidad de bandas que no podrán sobrevivir a esto. Hay muchos negocios que no van a poder abrir de nuevo y esto también va a pasar con muchos grupos, lo estoy viendo ya, porque al final todo el mundo tiene facturas que pagar”.

la banda. No continuasteis en Epitaph, explotó el problema con Steve…

“Como has dicho, estaban pasando un montón de cosas en aquellos momentos y sí, creo que a ese álbum no se le ha dado el reconocimiento que merece, empezando por mí mismo. Cuando miramos atrás siempre tendemos a ir a discos como Stick And Stones o Catalyst, que es mi favorito personal. Tengo un gran recuerdo de la grabación de Sticks And Stones con Neil Avron, lo bien que lo pasamos en el estudio y la de cosas que experimentamos. Fue la primera vez que sentí que la banda estaba funcionando a pleno rendimiento. En lo que respecta a Radiosurgery, lo que lo emparenta con Catalyst es que volvimos a trabajar con Neil Avron, no olvidemos que él fue quien produjo nuestros tres discos más exitosos, y fue uno de esos discos que teníamos una idea predeterminada de lo que queríamos. Justo antes habíamos grabado nuestro álbum de versiones de los Ramones, e incluso habíamos tocado con Marky Ramone en algunos festivales, y eso nos hizo estar en un modo Ramones total. Y cuando fuimos al estudio le dijimos a Neil que queríamos hacer un disco como si New Found Glory fuesen los Ramones como punto de partida. Creo que las canciones son buenas y que suenan a New Found Glory, pero me hubiese gustado, visto con perspectiva, que 65

“GENTE DE LA INDUSTRIA NOS HA DICHO MUCHAS VECES QUE SI HUBIÉSEMOS APARECIDO SÓLO UNOS POCOS AÑOS ANTES, HUBIÉSEMOS VENDIDO MILLONES” CYRUS BOLOOKI

nos hubiésemos quitado de la cabeza esa historia de los Ramones y que las cosas hubiesen fluido de una manera más natural, porque probablemente las canciones hubiesen acabado siendo un poco mejores. El tempo de algunas de ellas es un poco más lento de lo que podían haber sido, pero seguimos tocando algunos de esos temas en directo y siguen teniendo una gran aceptación. Las canciones desde luego son tremendamente pegadizas”. Antes has comentado que Ca-

talyst es tu álbum favorito de la banda. Curiosamente vuestro siguiente álbum fue Coming Home, vuestro trabajo más polémico y el menos New Found Glory de todos. ¿Fue una reacción a pensar que en Catalyst habíais llegado al límite como banda de punk pop? ¿Crees que fue un

buen movimiento hacer un disco como ése?

“No tengo nada de lo que arrepentirme y si lo tuviera es por cosas que no estaban bajo nuestro control. Nos pasó lo que a tantas otras bandas, que el personal de nuestro sello cambió por completo. De hecho, fue un proceso que ya empezó en Catalyst con ese lío de un sello que lo absorbe otro, etcétera. Pero fue en el periodo de Coming Home cuando de verdad lo notamos. Un momento, además, que coincidió con la caída de la venta física de discos. Nos encontramos con un montón de gente que no sabía muy bien quiénes éramos y simplemente se guían por un papel donde ven tus ventas. Creo que somos una banda que para trabajar con nosotros has de entender de qué vamos. Es verdad que hemos vendido álbumes y que algunos de ellos han sido Oro, pero no somos lo que

se puede considerar unos superventas. Antes lo has comentado, para nosotros el directo es muy importante, pero a los sellos eso no les importa lo más mínimo y ese nuevo equipo no intentó buscar la mejor manera de poder trabajar con nosotros. De hecho, en Catalyst acabaron sacando como single ‘I Don’t Wanna Know’, que era el tema más lento del álbum, que además funcionó, y eso daba una pista de lo que podían querer de nosotros. Cuando llegó el momento de Coming Home nos adelantamos al sello y hablamos con ellos. Les preguntamos qué necesitaban para que nuestra banda pudiese salir en la radio o la televisión. Seguíamos funcionando muy bien en directo, pero todo estaba cambiando y la tendencia era que todo era más pop, y nosotros no somos una banda de pop. Nos tiramos un montón de tiempo dándole vueltas a las canciones y pensando qué es lo

que podía funcionar en la radio, bajando el tempo… Si de verdad he de buscar alguna cosa de la que ahora me arrepiento es que no trabajamos de nuevo con Neil Avron. Fuimos nosotros los que no quisimos y aunque el productor de aquel disco, Thom Panunzio, estuvo correcto, hizo más de supervisor que otra cosa, porque quisimos hacerlo nosotros mismos y nos hubiese ido muy bien alguien que nos guiara un poco. Pero cuando ves que el sello se va a la mierda, que cada vez es más complicado que los fans encuentren tus CDs en las tiendas, es lógico que tengas alguna duda e intentes adaptarte”. La influencia de New Found Glory es innegable y cada vez son más las bandas que os citan como el motivo por el cual empezaron a tocar. Tenéis unos cuantos clásicos, discos de oro, no os va mal en directo, pero nunca habéis podido llegar al nivel de unos Green Day o Blink-182. Personalmente creo que tiene que ver con que sois un grupo que os habéis centrado simplemente en la música y carecéis de ese elemento extramusical que tanto Green Day o Blink-182 han sabido jugar muy bien.

“No sé hasta qué punto ha llegado la influencia de nuestra banda, pero lo que sí sé seguro es que hemos conseguido cosas que nunca pensé que conseguiríamos. Aquí en mi casa tengo algunos de nuestros discos de oro. Stick And Stones cuando salió entró en el número 4 de las listas vendiendo 100.000 copias la primera semana; aquella semana sólo nos superaron artistas como Eminem o Korn. Para mí estar en el mismo lugar

que esos artistas era irreal, porque había crecido con ellos. Así que no quiero quitar mérito a nada de lo que he hecho o conseguido. Hay una cosa que nunca sabremos si hubiese ayudado y es el hecho de que Green Day o Blink-182 aparecieron antes que nosotros. Las cosas en el mundo de la música eran diferentes entonces, porque cuando nosotros empezamos a ser populares, alrededor del año 2000, ya existía Napster. Mucho de nuestro éxito se cimentó en chicos jóvenes que iban al instituto y que consumían la música online, porque en muchos casos nuestros discos no se podían encontrar en las tiendas indies. Así que por un lado estaba muy bien que esos chicos pudiesen tener acceso a nuestra música aunque fuese gratis, pero por otro lado estaba la gran diferencia de cuando una banda como Green Day explotó. Cuando una canción suya sonaba en la radio, la única manera de tener esa canción era comprando el CD. Era un momento en que era mucho más fácil vender discos. Desde luego has de darles todo su mérito a Green Day ya que con American Idiot consiguieron reinventarse y ser, si cabe, todavía más populares llegando a llenar estadios. Blink-182 un poco lo mismo. Vendieron muchos discos y, sí, tenían ese elemento gracioso en sus vídeos e imagen, pero Enema Of The State salió en un momento donde aún el tema digital no estaba tan implantado. Todo cambió radicalmente en muy poco tiempo y ese cambio nos pilló a nosotros en medio. Gente de la industria nos ha dicho muchas veces que si hubiésemos aparecido sólo unos pocos años antes, hubiésemos vendido millones,

pero ¿qué podemos hacer? Es algo que se escapa totalmente a nuestro control. De todas maneras, como has dicho al principio de la pregunta, muchas bandas nos citan como una influencia. Una banda como All Time Low puso su nombre inspirado en una de nuestras canciones, lo mismo que The Story So Far… así que son grupos que no hubiesen existido, al menos de la manera en la que los hemos conocido, de no ser por New Found Glory. Dicho esto, no soy un tío que viaje en aviones privados o tenga una mansión y sé el sacrificio que nos ha costado conseguir todo lo que tenemos. Y bien, si no puedo conseguir un disco de platino, volver a tocar en estadios, tampoco me quejaré porque he llegado hasta donde nunca pensé que lo haría cuando imitaba a Billie Joe haciendo air guitar en mi habitación”. Pues bien, sólo nos queda veros en algún momento en nuestros escenarios. Ésa será la mejor de las señales de que hemos vuelto a la normalidad.

“Déjame decirte que no solemos ir muy a menudo por allí, pero las dos veces que hemos estado tocando en clubes ha sido tremendo y nos lo hemos pasado muy bien. Espero que sea más fácil que podamos ir a tocar a España”. Bueno, aquí decimos que no hay dos sin tres, así que una más seguro que toca.

“Pues ahí lo tienes. ¡Gracias!”.

PROTEST THE HERO

LA VIDA SIGUE PESE A NO HABER SACADO UN ÁLBUM EN CASI SIETE AÑOS, PROTEST THE HERO NO ESTABAN MUERTOS, NI TAMPOCO DE PARRANDA. LOS PROBLEMAS VOCALES DE SU CANTANTE Y LAS GANAS DE TOMARSE LAS COSAS CON MÁS CALMA DESPUÉS DE UNA DÉCADA MUY INTENSA, HAN HECHO QUE LOS CANADIENSES QUIERAN PRIORIZAR LA CALIDAD POR ENCIMA DE LA CANTIDAD. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

NOS AÑOS ANTES DE QUE EL METAL PROGRESIVO Y EL

DJENT salieran del underground, y

bandas como Periphery, Dance Gavin Dance o Monuments se dieran a conocer, una pequeña banda de Ontario ya había sorprendido al mundo con una música que desafiaba la ley de la gravedad. Desde su debut Kezia, publicado en 2005, hasta su último disco Volition de 2013, Protest The Hero siempre fueron a la suya, retando a sus oyentes, y, pese a ser

ve compensado por unos ingresos considerables, y a partir de 2013, con la salida de la sección rítmica original, la banda empezó a bajar el ritmo y a ampliar sus horizontes vitales, formando familias y buscando otros retos profesionales. Eso explicaría el tiempo transcurrido desde su anterior trabajo y el nuevo, Palimpset, que verá la luz el 19 de junio a través de Spinefarm y que es el primero que graba la formación actual con Rody Walker (voz), Luke Hoskin (guitarra), Tim Millar (guitarra) y Mike Ieradi (batería). Para conocer los detalles, contactamos a mediados de mayo con su cantante, quien a pesar de estar todavía confinado, parece que no lo ha pasado del todo mal. “He estado viendo Mulan con mi hijo un montón de veces, es una gran película, así que no me quejo”, nos dice riendo. “Y de paso me he ahorrado cumpleaños de niños, bodas y un montón de compromisos sociales en los que no quiero participar (risas)”. Han pasado más de seis años desde que publicasteis Volition. ¿Se te han hecho largos? RODY WALKER“La verdad es que

auténticos virtuosos con sus instrumentos, sin una pizca de ego. Además, su agenda de conciertos mostraba su total compromiso con un estilo de vida no apto para quienes buscan la comodidad. Cita cualquier grupo de metal o hardcore relevante de los últimos años, desde Avenged Sevenfold a Bullet For My Valentine, A Day To Remember o Trivium, y es seguro que Protest The Hero habrán tocado con ellos en algún momento. Pero tanta acción también conlleva un desgaste, sobre todo si tu esfuerzo no se

no. Es muy raro. Sacamos el EP Pacific Myth entre medio, y supongo que eso ha hecho que no me parezca tanto tiempo. Pero si hecho la vista atrás, 2013, mirando en el estudio los play offs de la NHL mientras estábamos grabando Volition, me parece algo muy lejano. Son casi ocho años, porque el disco tardó unos cuantos meses en publicarse. Sin embargo, todavía tengo Volition como algo fresco en mi mente”. Vuestro nivel de actividad se

ralentizó mucho en estos años. ¿Cuál fue el motivo?

“Sí, supongo que puede parecerlo, pero hicimos la gira de décimo aniversario de Fortress, e hicimos otras giras mientras estábamos componiendo. Pero durante esa gira de Fortress, mi voz explotó y no volvió a ser la misma. Tuvimos que tomarnos las cosas con más calma e incluso el futuro de la banda estuvo en cuestión. Así que estuve un largo periodo intentando recuperar mi voz, y finalmente pudimos hacer el nuevo disco y publicarlo justo a tiempo para una pandemia mundial (risas)”. ¿Habías tenido problemas antes con tu voz o era la primera vez?

“Es curioso porque nunca lo había pensado hasta ahora, pero tuve un problema parecido después de publicar Scurrilous. Fuimos a Australia y no sé lo que fue, pero en el primer concierto perdí la voz y no la recuperé durante meses. Volví a casa y estuve viendo a médicos, pero al final me tomé un antibiótico y la cosa mejoró. Pero esto fue completamente diferente. Entonces creo que fue una infección vírica y no podía ni hablar. Pero esta vez podía hablar con normalidad, era simplemente que cuando intentaba cantar y sostener una nota, me resultaba imposible. No podía hacer un falsete. He escuchado a cantantes de ópera quejarse de eso, y se ve que toman un montón de esteroides para solucionarlo, lo cual también intenté (risas), pero no me funcionó”. ¿Has tenido que cambiar tus hábitos o tu técnica?

“Desde luego. Tuve que visitar a un terapeuta vocal y me explicó la manera de llegar al registro al que 69

intento acceder, que a veces es muy agudo para un hombre de 30 y pico años (risas)”.

que ésa es la principal diferencia. Y en cuanto a las letras y melodías, me mandaron la música e hice lo que hago. Sea bueno o malo (risas)”.

Bueno, en el álbum no se nota para nada que hayas tenido

La verdad es que si me manda-

problemas.

ran las versiones instrumentales

“Agradezco que lo digas, porque me costó mucho trabajo”.

de estos temas, no sabría ni por dónde empezar. ¿Cómo encuentras las melodías dentro de una

¿Alguna vez te has arrepentido

música tan compleja?

de haber grabado algo sin pen-

“Tío, has dado en el clavo. Cada vez que recibo la primera canción para un disco nuevo es como si tuviera que empezar de cero. La escucho y pienso ‘¿Cómo voy a hacer esto? ¡No sé cómo hacerlo!’ (Risas). Pero una vez me mentalizo y empiezo a convertirme en parte del proyecto me va resultando más fácil, y, al final, me puedes dar lo que quieras, que seré capaz de sacar una melodía pegadiza. Lo difícil es arrancar. Supongo que es sólo una cuestión de tiempo y esfuerzo. Yo no entiendo de signatura de compases o de teoría musical, sólo sé cantar más o menos afinado (risas). Sólo intento hacerlo lo mejor que puedo”.

sar que quizá te costaría cantar cuando te hicieras mayor?

“No, no. A ver, siento envidia de mi yo joven que podía alcanzar esas notas con cierta chulería, sin calentar nada. Siento mucha envidia del cantante que era entonces. Pero a la vez me siento muy orgulloso de lo que hice. Aunque acabe cantando como Vince Neil, lo cual no sería demasiado bueno, seguiría sintiéndome orgulloso de lo que hice e intentándolo. En el peor de los casos, lo que puede pasar es que tenga que cantar de manera distinta. Hay muchos cantantes que lo hacen. Escuchas a Milo de Descendents y no es lo mismo que antes, pero la realidad es que la voz cambia cuando te haces mayor. Hay que saber adaptarse. Es la jodida naturaleza (risas)”. Después de tanto tiempo sin hacer un disco, ¿cambiasteis en algo vuestra modo de trabajar?

“Michael, nuestro batería, cogió mucho más peso. Luke siempre ha sido el compositor principal, pero necesita un socio. Siempre necesita un batería a su lado para que le toque el ritmo, si no, le cuesta mucho. Michael tenía mucho interés en componer, así que funcionó. Tim tuvo que dar un paso atrás porque tiene hijos y su propio negocio. Creo 70

influenciado el álbum de algún modo?

“Mmm… Me gustaría decir que no, pero ha influenciado mi vida en tantas cosas que seguramente en el disco lo ha hecho de maneras de las que no soy consciente. Mi instinto me dice que soy el mismo tío de siempre, aunque beba un poco menos (risas), pero seguro que he cambiado”. Sí, es algo peculiar. Es evidente que tener hijos te cambia, pero la mayoría de imbéciles que tienen hijos, lo siguen siendo después de tenerlos.

“(Risas) Sí, tienes toda la razón. La cuestión es que no necesitas ser inteligente o buena persona para tener hijos. Cualquiera puede ser padre. Lo difícil es ser un buen padre. Yo lo intento, pero sin dejar de ser demasiado la persona que soy”. Antes has mencionado Pacific

Myth, el EP que sacasteis a través de Bandcamp. Supongo que queríais explorar nuevas maneras de publicar música, ¿pero

¿Tienes algún truco? ¿Por ejem-

crees que funcionó?

plo, aislar la pista de bajo y bus-

“Yo creo que sí. Como proyecto o experimento fue exitoso. Quizá algunas canciones podrían haber terminado siendo mejores, pero, por creo que ‘Caravan’ es una de las mejores que hemos hecho. No sé cómo la gente lo percibió, pero tampoco me importa. Creo que parte del proceso creativo es también ser creativo con cómo vas a publicar tu música. Sé que este disco parece que sea como una vuelta en serio, pero en Estados Unidos vamos a lanzar Palimpsest a través del sello de nuestro guitarrista. Es muy artesano en el fondo, pero para él es el lanzamiento más impor-

car algo que funcione con eso?

“A veces cuando estoy en el estudio, si me cuesta grabar algo, lo quito todo y canto sólo sobre la batería (risas). Mientras sepa el tono de entrada, para el resto, las guitarras pueden ser una distracción. Sobre todo en el pasado. Creo que en este disco lo han hecho mucho mejor, y las guitarras no están haciendo notas todo el rato (risas). En los estribillos por una vez han utilizado acordes abiertos, lo cual es de agradecer (risas)”. ¿Crees que tu paternidad ha

“ME SIENTO AGRADECIDO POR LA VIDA QUE HE LLEVADO HASTA AHORA” RODY WALKER

tante y resulta muy emocionante”.

(risas). Me siento agradecido por la vida que he llevado hasta ahora”.

Supongo que la intención es siempre llegar al máximo de

Teniendo eso en cuenta, si tu

gente posible, pero es eviden-

hijo quisiera ser músico, ¿le ani-

te que vuestra música no está

marías?

hecha para un público amplio.

“Ése es un asunto peliagudo (risas). Posiblemente no. Le diría que mantuviese sus inquietudes artísticas como un hobby y que buscase un trabajo normal. Si quisiera hacer música le ayudaría, pero le diría que no se centrase en eso”.

¿Crees que habéis tocado techo?

“Seguro que hay mucha más gente a la que podríamos gustar que no nos conoce, pero cómo llegar a ellos, es algo que no tengo ni idea. No sé si es una cuestión de promoción o qué, pero no me importa. Estoy orgulloso de esta banda y de la música que hacemos, y si seguimos así para siempre, me moriría feliz. Lo más probable es que nuestro público no crezca, sino que se haga más pequeño, hasta que desaparezcamos en la oscuridad. ¡Pero no pasa nada! Es el ciclo de la vida. He podido seguir siendo un crío más tiempo que la mayoría de gente. Nunca he ido a la universidad, lo cual es bueno y malo

Es una respuesta sincera.

“(Risas) Bueno, al final hará lo que le dé la gana. Pero te aseguro que es una mierda, despertarte con 30 años con una hipoteca, créditos por pagar y que te hayas quedado sin voz y ya no puedas rockear (risas)”.

Sinceramente, lo de girar como locos es cosa del pasado. Dejando de lado el COVID-19, nuestra idea ya era la de no girar mucho. Seguiremos haciéndolo, pero no tan a tope. La verdad es que nos gusta más hacer música que tocar en directo. Queremos dar conciertos y presentar el álbum, pero sin perder la cabeza. A nivel logístico nos será más fácil hacerlo a nivel doméstico que internacional”. ¿Cuánto metéis en Canadá?

“Depende de la zona. Podemos estar entre 800 y 2.000 personas”. ¡No está nada mal!

“Bueno, 2.000 sólo las metemos en Toronto (risas). Pero ya veremos la próxima vez que lo hagamos. Ha pasado mucho tiempo”.

¿Y a nivel de giras cómo os afecta?

“Dios, no vamos a seguir como antes. 71

TREES WILL TELL

COMBUSTIÓN ESPONTÁNEA HAY BANDAS QUE, ANTE LAS ADVERSIDADES, PARECEN SACAR LO MEJOR DE SÍ MISMAS. NEGATIVE RESULTS , LA NUEVA ENTREGA DE TREES WILL TELL, TRATA PRECISAMENTE DE ESO: DE APRENDER DE LOS ERRORES PARA ENCONTRAR TU MEJOR VERSIÓN. ESCUCHÁNDOLO, NO CABE DUDA DE QUE ELLOS LO HAN CONSEGUIDO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

STAMOS ACOSTUMBRADOS A REALIZAR DETERMINA DAS ACCIONES que nos pa-

recen tan habituales en nuestro día a día, que no es hasta que alguien nos lo agradece de forma realmente sincera cuando nos percatamos del valor que tienen por pequeñas que éstas sean. En nuestro caso particular, no son pocos los grupos que aprecian la labor que hacemos los medios como difusores de aquello cuanto son capaces de ofrecer. Pero no todos saben expresarlo de una manera tan sincera como los chicos de Trees Will Tell. Quizás ese agradecimiento continuo que hacen en cada intervención (ya sea a prensa, salas, promotoras, público o cualquiera que les preste una mínima ayuda) se deba a que, como tantísimos otros, nunca lo han tenido fácil para seguir adelante. Y ellos son plenamente conscientes de esa realidad. Pueda que ése sea uno de los motivos por el que muchos ven en los barceloneses algo especial. Pero que hayan sido capaces de facturar discos tan buenos como su presentación de hace dos años, L’appel Du Vide, o el recién salido del horno Negative Results, también habrá tenido mucho que ver en esa apreciación. Porque el combo que ahora forman Joey Rego (voz), Mario Pérez (batería), Bon Aleix (bajo) y Dani Muñoz (guitarra) ha hecho un nuevo esfuerzo creativo por procurar, si bien no desmarcarse de las corrientes del post hardcore contemporáneo, al menos encontrar un camino que les sea propio, sin necesidad de mirarse en espejos ajenos. 73

Con L’appel Du Vide tuvisteis la oportunidad de comenzar a girar de forma más frecuente. ¿Qué balance hacéis del ciclo de aquel álbum? JOEY REGO “Creo que fue una

experiencia muy aleccionadora en muchísimos sentidos. Crecimos como banda, como compañeros, y además, tuvimos la oportunidad de ver de una forma más genuina el impacto que puede tener en otras personas el exponerte emocionalmente. Quizás lo más valioso, al menos para mí, fue ver cómo dentro de un mundo tan competitivo y con tan poca inversión monetaria como lo es la música independiente, hay personas muy altruistas; pequeñas promotoras, dueños de bares y salas tratándonos de la mejor forma posible. Siempre se habla del dueño mezquino que no da agua o de la banda narcisista que quiere tocar 30 minutos de más, pero casi nunca de esas personas que ganan poco e igual te abren sus puertas, te dejan tocar y vender tu merch o de las bandas que nos tratan como en casa”. Recuerdo que cuando os conocí en persona me contabais que, como muchos otros grupos, tuvisteis que hacer sacrificios laborales para poder salir a tocar. ¿Quizás eso os ha frenado de poder dar aún más conciertos como os hubiera gustado? ¿Llega a compensarse tanto esfuerzo? MARIO PÉREZ “Salir a tocar fuera

de tu ciudad conlleva hacer sacrificios, tanto laborales como personales, los cuales estamos dispuestos a realizar siempre dentro de nuestras posibilidades. A nadie le va a sorprender saber

que las bandas no podemos girar siempre que queramos y dependemos de nuestros trabajos. Pero cuando salimos a tocar, por mucho esfuerzo que suponga, es muy gratificante. Somos muy felices de llevar nuestra música a todos los sitios que podamos y siempre vale la pena”. Siempre me ha llamado mucho la atención lo tremendamente agradecidos que sois con cada pequeño gesto que la gente tiene con vosotros, ya sea compraros un disco, acudir a vuestros conciertos, que se escriba una reseña... Son actos en apariencia muy simples, pero que solemos pasar por alto. ¿Creéis que la gente no los valora en su justa medida, más aún teniendo en cuenta la enorme oferta que existe ahora mismo en cuanto a cultura y ocio? JOEY “Creo que es una combinación

de componentes explosivos. Nos están constantemente vendiendo estereotipos de lo que se supone que significa triunfar. Y esos estereotipos son cada vez más inalcanzables: tener millones de seguidores, buscar la aprobación de celebridades o aparecer en ciertos programas de televisión, verte de cierta manera o publicar cierto tipo de contenido... y si no tienes eso, no eres nadie. Hay un bombardeo de información audiovisual y estamos tan acelerados por resaltar que olvidamos cuáles son los fundamentos que crean algo sólido y genuino: los detalles. Agrega vivir en la era de la vanidad, donde parece que se busca ser alguien sin hacer absolutamente nada original a cambio. Si a eso le sumas que hemos adoptado el ritmo del mundo digital

a la vida real, donde todo tiene que moverse a un paso absurdamente violento y de todo queremos reacciones despampanantes, pues no es sorpresa que la gente vaya olvidando cómo conectarse o ser agradecidos con los esfuerzos de los demás. Todos en esta banda venimos de un trasfondo humilde y de familias trabajadoras. Hemos aprendido a aferrarnos a las cosas reales, así que trabajamos por obtener cosas reales. Una acción, un sentimiento, una persona que en un mar de grupos decide gastar su dinero en el tuyo, un periodista que decide escribir un párrafo sobre una canción que hicimos por el simple hecho de no tener otra forma de cómo expulsar eso que sentíamos y que podría escribir sobre cualquier grupo que le traiga millones de visitas... Pero dentro de ese mar de información, algo entre esa persona, periodista, promotor, sea quien sea, hizo click con lo mismo que sentíamos nosotros. Es ahí donde surge algo genuino y eso hay que agradecerlo más que nunca”. A mediados del año pasado Eduard Oriach, vuestro guitarrista, dejó la formación. ¿Qué pasó? MARIO “Simplemente nuestros ca-

minos se desviaban hacia diferentes objetivos”. ¿Cambió mucho el enfoque de las canciones al pasar a tener una sola guitarra? ¿No pensasteis en buscar a alguien para ocupar su plaza? MARIO “Nos encontramos muy có-

modos siendo cuatro. El enfoque es claramente diferente, siendo un poco más directos. Pero realmente hemos en-

contrado la manera de funcionar que más nos gusta y como mejor podemos desarrollarnos personalmente en la banda y aportar lo mejor de cada uno al proyecto, que es lo que realmente importa al final. Después de cinco años como grupo vamos tejiendo ciertas ideas y nos han llevado a tener muy claro lo importante de estar todos comprometidos con Trees Will Tell. Ese compromiso hace que tanto la convivencia como las composiciones fluyan de una manera mucho más natural y con la sinceridad por delante”. ¿Por aquel entonces ya teníais muy avanzada la composición del nuevo disco? ¿Os trastocó los planes? MARIO “Apenas teníamos unas

demos de los que serían los primeros temas de Negative Results. Nos adaptamos muy rápido al nuevo formato y continuamos funcionando a la perfección. Añadimos nuevas influencias y maneras de aportar que beneficiaron directamente a las nuevas canciones que ahora os presentamos”. Habéis vuelto a confiar en Txosse Ruiz para la grabación en Wheelsound Studios. ¿Fueron las sesiones tan intensas como las de L’appel Du Vide, que alguno acabasteis vomitando y todo, o ya ibais un poco más relajados? JOEY “Quizás no más relajados, pero

sí más en control. Teníamos un poco más claro lo que queríamos. El tiempo entre el primer álbum y éste nos permitió conocernos más a nosotros mismos e indagar en otras maneras de mostrar nuestro sonido con un poco más de valentía. Es un álbum sincero y más

“HEMOS APRENDIDO A AFERRARNOS A LAS COSAS REALES, ASÍ QUE TRABAJAMOS POR OBTENER COSAS REALES” JOEY REGO orgánico. L’Appel Du Vide fue un trabajo que acumulaba mayormente fantasmas del pasado que nunca había realmente afrontado. Por eso explotó de esa manera grabándolo bajo presión. Tópicos que quizás estaba reprimiendo y se volvieron algo real en ese momento. Pero Negative Results habla de tormentas del presente y creo que el proceso más turbio fue el de composición. No es tan fácil hablar del infierno en el que estás mientras te quemas. Así que entrar al estudio fue una forma de cerrar esos capítulos. Sólo quería ponerle fin y seguir adelante. Eso es Negative Results: una despedida a un

infierno que nos hizo más fuertes”. Con un título así, no dejáis mucho margen a la interpretación. ¿Sigue siendo el lado amargo de la vida vuestra principal fuente inspiración? JOEY “Imagínate estar sentado en

el consultorio de tu médico. Entra, da la vuelta, se sienta con parsimonia y te dice que tiene los resultados en la mano. Y ahí la pausa es un eterno ahogo. Llevas meses tratando de entender si lo que falla es tu cuerpo o tu mente. Y ahí, te dice que los resultados son negativos, que estás bien. Que

“ESTANDO DE GIRA PODEMOS ESCUCHAR A FULL OF HELL, DANIEL JOHNSTON O COMBO CHIMBITA, ASÍ QUE SUPONGO QUE, DE UNA FORMA U OTRA, TODO SE CUELA” JOEY REGO vas a estar bien. Llegas a casa y te das cuenta que hay muchas cosas que debes cambiar. Hay un frío que te recuerda que estás vivo, y que nunca habías deseado tanto tener resultados negativos en algo en tu vida. Ahí nació el título. Y luego poco a poco fue cobrando otras texturas agregadas. Esos ‘resultados negativos’ no sólo eran papeles confirmando una respiración, eran una lección de cómo atravesar ciertos caminos que te enseña algo valioso si estás dispuesto a verlo. Hay una luz extrañamente necesaria en los errores que cometemos o el daño que nos hacen. No digo que estos infiernos no puedan repetirse, ya que somos criaturas de tropiezos, pero sin duda hay algunos que no vuelven a aparecer una vez nos queda la quemada como recordatorio”. Analizando un poco las letras, tengo la impresión de que se

vida, somos nosotros mismos

quedarme”. ¿Es una referencia

los culpables de nuestros acier-

que conecta de algún modo con

tos y errores, y que incluso

L’appel Du Vide?

éstos están condenados a repe-

JOEY “Me alegra que hagas esa

tirse, por desgracia.

conexión. Supongo que sí. Todo está conectado. El ‘salto’ de L’Appel Du Vide es un instinto inconsciente y peligroso, pero que puesto al servicio de la vida, nos humaniza. ‘I’d Rather Stay’ habla de un salto más literal. De cómo podía tener más que motivos para hacerlo, pero al final siempre es mejor quedarse e intentarlo. Si tomas un segundo para ver a través de una ventana o de una terraza, hay una ciudad en ebullición. Un montón de vidas e historias creándose que nos pueden inspirar a seguir escribiendo la nuestra. Estás esperando que la vida no pestañee ni un segundo, porque por fin te estás conectando con lo que florece. Y decides quedarte”.

JOEY “Algo increíble que tiene el arte es cómo cada persona le da una forma diferente y cómo se representa eso en el inconsciente. No lo sé. Creo que hay una obligación saludable en siempre cuestionarnos qué tanto nos pertenece en lo que nos sucede en la vida. Todos conocemos al menos un personaje que se pasa los días buscando a quién culpar por sus desgracias. El arte desarrolla la cualidad de permitirte ser introspectivo y revolver las cosas y no quedarte con lo primero que se sienta en tu cabeza. No es algo que te da una respuesta evidente, claro está, sino más bien es como una puerta que te permite hacerte preguntas en un espacio seguro. Algo que externamente puede ser demasiado complicado”.

Hace no mucho, me comentaba Kantz que en Habitar La Mar

centran en que, por mucho que culpemos a nuestro alrededor

En ‘I’d Rather Stay’ cantas

su manera de cantar se parecía

de nuestra mala fortuna en la

“Podría saltar, pero prefiero

un poco a rapear. Aunque hay

Lamar son discos que he escuchado hasta el cansancio y creo que recondicionan lo que se supone que es el hip hop, teniendo un acercamiento mucho más atrevido y sesudo a las mierdas que suenan todos los días en las radios y le crean mala fama al género. Al final todos en la banda estamos influenciados por un montón de cosas. Estando de gira podemos escuchar a Full Of Hell, Daniel Johnston o Combo Chimbita, así que supongo que, de una forma u otra, todo se cuela”.

te el post hardcore? ¿Dónde empieza y acaba? Creo que a veces queda encasillado en las tres o cuatro bandas de moda, pero en verdad abarca demasiados sonidos diferentes y es un género muy versátil. Así que creo que el abanico de influencias siempre está abierto, pero muchas veces recae el peso de vivir en una era de demasiada información poco filtrada”. Imagino que teníais muchos planes para la salida del álbum que ahora tendrán que esperar

Supongo que el rap es una re-

debido a la situación en la que

ferencia que mucha gente no

nos encontramos… Pero quería

asociaría con un grupo como

preguntaros: ¿Creéis que de

el vuestro. Lo más habitual es

haber escrito el disco ahora

diferencias, la forma que tienes

pensar en La Dispute, Defeater,

hubiera salido algo diferente?

de encarar los fraseados en las

Touché Amoré... ¿Os molesta

MARIO “Sin duda. Componer signi-

estrofas, Joey vas un poco en

que se os compare con esos

esa línea. ¿Te sientes influencia-

grupos? ¿Habéis intentado huir

do de alguna manera por el hip

de esos clichés del post hardco-

hop a la hora de escribir las le-

re en Negative Results?

tras o pensar en las melodías?

MARIO “No creemos que tengamos

JOEY “En términos personales, sí,

la necesidad de huir de clichés, ya que bebemos de muchas influencias y nunca componemos o enfocamos las canciones en dirección a un único estilo. Claramente nos encantan bandas como La Dispute o Defeater, pero no intentamos copiar su manera de hacer. Simplemente nuestra manera de ver la música en Trees Will Tell va navegando por estilos parecidos a esas bandas”. JOEY “Pienso que a medida que pasa el tiempo también vamos dirigiéndonos a otros lugares y añadiendo influencias diferentes buscando que se aprecien. Que otros nombres resalten. Mario lo comentaba hace poco en un live con Hache Bookings sobre cómo el post hardcore es un género muy amplio. ¿Qué es realmen-

fica plasmar todo lo que pasa en tu cabeza y por tu cuerpo en la música. Todo lo que vivimos y sufrimos queda plasmado de una manera u otra en lo que hacemos. A causa del COVID-19 hemos tenido que cancelar nuestra gira por Europa y la manera de soportar esta situación ha sido empezando a componer el tercer LP, o al menos, a comenzar a poner ideas en común y cómo queremos enfocarlo”. JOEY “Mira el impacto que ha tenido el COVID en el mundo entero. En términos sociales, económicos, artísticos... Es imposible que esto no sea un factor presente en próximas composiciones. Te hace cuestionarte no sólo tu mortalidad, sino tu acercamiento a la vida y a cómo hemos o no dado por sentado muchas cosas”.

pero nunca lo he relacionado cuando se trata de componer para Trees Will Tell, honestamente. En Kantz creo que es más notable porque Habitar La Mar lo exige de alguna manera al ser más violento. Pero para mí en Trees Will Tell creo que no es algo que esté presente al menos de forma consciente. No podría negar que me ha influenciado de alguna manera. Los Beastie Boys son uno de mis grupos favoritos. Creo que Licensed To Ill e Ill Communication son dos de los mejores álbumes de la música alternativa y tuvieron un impacto profundo en el sonido del hardcore a partir de ahí y en los 90 en general. It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back de Public Enemy, Illmatic de NAS o To Pimp A Butterfly de Kendrick

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

EL BUENISMO PANDÉMICO

ola amigos! Saludos desde la fase 1 todavía. Espero que estéis todos bien. Ahora que ya estamos saliendo del túnel parece que todos debemos sacar conclusiones positivas de este confinamiento y del impacto que esto ha tenido a nivel global, porque ya toca mirar hacia adelante ¿verdad? Ha pasado un siglo desde que la gente comenzara a asomarse a la ventana a aplaudir a los sanitarios, que más que aplausos merecen buenos sueldos y mejores condiciones laborales, aunque ahora no es el tema. La gente cree que, por hablar con su vecino, cantar la odiosa ‘Resistiré’ hasta la extenuación, aplaudir a las 8 de la tarde -hasta que nos permitieron salir a pasear- y hacer la compra al abuelico del 5º, nos hemos convertido de pronto en personas solidarias, y nuestros valores morales se han recargado con más fuerza que nunca. En definitiva, creemos que somos mejores personas. Si

esto fuera así, yo sería un puñetero Grinch, pero la realidad es que la sociedad es más gilipollas tragándose estos placebos. Estoy de frases cuyos enunciados comienzan como “Debemos aprender de esta pandemia y… [añade a tu gusto la conclusión correspondiente]”, “hay un antes y un después…”, por no hablar de la invasión de mensajes Mr Wonderful hasta las pelotas. Está muy bien apoyar el comercio local, hacer gasto en los bares, e ir de vacaciones a Salou para mantener la economía del país, pero ¿y todo lo demás? En cuanto pase el verano y la nueva normalidad se convierta en la puta realidad este movimiento de buenismo que está embriagando a la sociedad será una anécdota, y todos volveremos a estar igual de jodidos, algunos hasta peor, así que mejor dejemos estos delirios para los que tienen pasta y se lo pueden permitir, y que nos dejen tener la fiesta en paz.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el disco escogido para mi Hall Of Fame particular es Lick It Up de Kiss. Kiss es una banda que lleva activa cerca de 50 años. Saltaron a la fama en los 70 con su impactante maquillaje, inventado por ellos, a ritmo de hard rock. Gracias a ello, entraron en la cultura pop del milenio. De todas maneras, no han sido 50 años fáciles. Tan pronto como llegaron los 80, las cosas empezaron a complicarse para la banda de Queens, Nueva York. Sus fans se hicieron mayores y los ignoró, el público general se cansó de sus trucos, mientras sus miembros originales lo iban dejando. Esto dejó a Gene Simmons y Paul Stanley solos para ir escogiendo las nuevas piezas, a pesar de que las ventas y asistencia a sus conciertos iban descendiendo. Viendo cómo se iban arrinconando tuvieron que utilizar el último truco que les quedaba en su chistera: quitarse el maquillaje y abandonar su tradicional show de shock rock. Daba igual lo que la gente pensara de Kiss: ese último intento hizo que la gente les diese otra oportunidad para que volviesen a conseguir el éxito. Afortunadamente, cuando necesitaban que todo estuviese en su sitio, editaron Lick It Up y consiguieron el éxito de otra manera. Vale que no era el circo loco que había sido en los 70, pero

esta nueva era dio a Kiss más legitimidad en la comunidad hard rock. Enseñaron a todos los críticos, que los habían acusado de ser tan sólo una cosa del pasado, que estaban equivocados y que podían competir cara a cara con las bandas del momento. Sin el maquille y su carnaval de superhéroes, mostraron a todo el mundo que de verdad merecían estar en la cumbre del rock, y eso es lo que consiguieron con Lick It Up. El álbum es tremendo. Cierto que Creatures Of The Night, editado en 1982, los mostraba de nuevo en forma, pero los números no fueron los que Kiss esperaban y eso les hizo volver con un álbum todavía mejor, que es lo que era Lick It Up. Editado tan sólo once meses después de Creatures, la banda sonaba como si tuviese que demostrar algo. Desde el inicio con ‘Exciter’ no hay un momento de descanso. Pese a ser un clásico del hard rock, Creatures Of The Night tiene su talón de Aquiles en ‘I Still Love You’, una balada monótona. En Lick It Up no hay baladas aburridas, tan sólo tema hard rock tras tema hard rock. ‘Young And Wasted’, ‘Not For The Innocent’, ‘Fits Like A Glove’ y ‘Gimme More’ son todo diamantes roqueros de alta pureza. ‘All Hell’s Breakin’ Loose’ y el tema título eran dos hits infalibles y los catapultaron al estatus de contemporáneos.

No solamente tenían una imagen y un show renovado; la propia banda también tuvo una mejora importante. A pesar de que Eric Carr había tenido su debut con el anterior álbum, Lick It Up fue su entrada al reino de Kiss, mientras que el nuevo guitarrista Vinnie Vincent trajo al grupo esa sacudida que necesitaba con unos solos de guitarra atómicos y su talento para escribir canciones. Lástima que lo echaran al año siguiente. Esta era sin maquillaje empezó aquí y duró 13 años de sus cerca de 50 y, pese a que siempre serán una banda recordada por el maquillaje y su circo, son esos 13 años los que son especiales para los fans de Kiss de verdad. ¡Hasta el mes que viene!