Rockzone 171 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: DR

Menudo año más extraño estamos viviendo. Aunque poco a poco las cosas van mejorando, se nos va hacer muy extraño un verano sin festivales. A estas alturas ya estaríamos a punto de partir hacia el Resu... pero va a ser que no. Como es habitual, este número corresponde a los meses de julio y agosto. Esperamos que durante el confinamiento os hayamos podido traer un poco de distracción tanto con la revista como a través de la web. Ahí seguiremos activos hasta septiembre, donde esperamos poder reencontrarnos con todos vosotros y mejores perspectivas, sobre todo en lo que a conciertos se refiere. Que paséis un buen verano. Enjoy!

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: In Hearts Wake (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 171

06 / INTERFERENCIAS 12 / EMMURE 18 / IN HEARTS WAKE 22 / AHAB 26 / JARDÍN DE LA CROIX 32 / NECK DEEP 40 / DISCO DEL MES 42 / CRÍTICAS 56 / STRIKE ANYWHERE 62 / ALAIN JOHANNES 68 / AVATAR 74 / DANCE GAVIN DANCE 78 / OPINIÓN 79 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

OZZYO EL SUPERPODER MÁS IMPORTANTE David Rubín (ECC)

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO

UN HIPSTER EN LA ESPAÑA VACÍA

EL MURCIÉLAGO SALE A POR BIRRAS

Daniel Gascón

(¡CARAMBA!/ASTIBERRI)

Álvaro Ortiz

(RANDOM HOUSE))

Uno de los tebeos más importantes de Superman que se han publicado en décadas; por lo que cuenta, por cómo lo cuenta y por cómo nos retrata como sociedad. Con motivo de la apertura de liberarías, ECC y David Rubín elaboraron esta historia corta, disponible gratis en todas las tiendas, donde el autor trata la pandemia que hemos vivido desde el punto de vista de una cajera de supermercado de un barrio obrero de nuestro país. Se recordará durante muchos, muchos años. SG ¡SÉ QUE ESTÁIS AHÍ! José Tomás (AUTOEDITADO)

El nuevo tebeo de José Tomás, veterano de la escena underground patria, es como ese grito que le dedicas a tus colegas cuando has parido una absoluta genialada en un momento de desfase brutal y recibes como respuesta un rotundo silencio. Su nuevo fanzine se mueve en ese terreno, el de los chistes sobre temas cotidianos, anodinos, a los que el humorista les da una vuelta y ofrece un punto de vista inédito: el del grito en un momento de máximo ruido. Algunos gags son, de verdad, para quitarse el quitarse el sombrero. SG

Los conceptos ‘Hipster’ y ‘España vacía’ están muy de moda en los últimos años, así que unir ambos en el título de un libro parece una buena idea a priori. El problema surge cuando el contenido no está a la altura de las expectativas. La historia de un moderno que cambia su ajetreada vida en el barrio madrileño de Lavapiés por otra más tranquila en un pueblo rural de Teruel tiene mucho potencial, pero el enfoque de Daniel Gascón no acaba de ser el correcto. El escritor de Zaragoza intenta dotar de gracia y de ingenio las peripecias del urbanita, pero al caer en tantos tópicos acaba resultando previsible e incluso pueril. El protagonista hasta consigue ocupar la alcaldía del pueblo, intentando como puede desarrollar un programa de lo más progresista: “Cuando el hipster se quedaba en blanco hacía lo mismo que había hecho en la campaña electoral: traducía trozos de canciones de Bruce Springsteen, cambiando las referencias geográficas, porque se adaptan bien a Aragón”. También son desafortunados los comentarios sobre los independentistas catalanes; aunque lanzados desde la ironía y la subjetividad que da el relato, resultan bastante ofensivos en el contexto actual. Pues eso, que cuando lo mejor de un libro son el título y la portada (bonita ilustración de Sonia Pulido), es que el problema está en las páginas escritas. JF

Uno de los primeros cómics comercializados realizados durante la pandemia y que nos llegan durante el confinamiento por el COVID-19 es esta parodia del mejor detective del mundo que logró en redes sociales una potente repercusión en el sector. El zaragozano Álvaro Ortiz dejó que fuese su trasunto de Batman el que sublimase alguno de los momentos de la dura abstinencia que sufrió el personal en esas semanas y, de paso, aprovechó para colar algunos gags meta y otros tantos de contenido crítico durante su desarrollo. SG SEXO MAL Carles Ponsí (FANDOGAMIA)

Recopilatorio revisado y ampliado de la serie de tiras cómicas ofrecidas online por Fandogamia de temática LGTBIQ en las que el autor de Socorro, Mi Madre Tiene Facebook ofrece un extenso recorrido por infinidad de situaciones bochornosas y desternillantes basadas en sus encuentros sexuales. En la línea del running gag por acumulación, Carles hace en este cómic un repaso a sus relaciones, escarceos y crecimiento (o no) como persona con cada aventura sexual y deja un poso de liberación bufonesca y cachonda tras cada tira. SG

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN PERRY MASON - L.A. NOIR

ientras el azucarillo de True Detective se diluía ya en su segunda temporada, Nic Pizzolatto meditaba si saltar a otro charco y tomar las riendas de una historia de orígenes de un personaje mucho más popular para las generaciones más entradas en años. Y aunque finalmente el escritor decidió volver a su saga detectivesca, está claro que Perry Mason bebe de unas aguas con los mismos nutrientes que su, de momento, trilogía. Producida por el Team Downey que pondrá en imágenes el Sweet Tooth de Jeff Lemire, Perry Mason se presenta al nuevo espectador de pago con un remake, un reboot y al mismo tiempo algo completamente nuevo. Distinto. Violento. El tratamiento de la violencia de la serie que dirige en su mayor parte Tim Van Patten -veterano de la casa que ha rodado episodios de las series que han convertido a HBO en lo que es-

tiene unas connotaciones muy similares a las de la anterior serie de Pizzollatto. Ron Fitzgerald y Rolin Jones, dos escritores con toneladas de televisión a sus espaldas, de Westworld a Boardwalk Empire, por ejemplo, se han sacado del sombrero una nueva intriga criminal como nunca antes habíamos visto en el día a día del mítico personaje. Y es que esta nueva versión es un sórdido, extremadamente violento y muy duro retrato detectivesco que merece la mejor de las suertes. Este personaje quemado y armado con su cámara, sus pesadillas bélicas y sus resacas llega dispuesto a arrastrarnos por el fango de la ciudad de las estrellas. El reparto de la nueva serie está a la altura del desafío, con un Matthew Rhys que tarda diez minutos en convencernos de que él es Perry Mason y que se encuentra rodeado de excelentes elecciones de casting, como las de John Lithgow, Robert Patrick, Lili Taylor o Shea Whigham.Eso sí, aquí el que se lleva la palma y lo que termina siendo uno de sus grandes aciertos es el tratamiento de maquillaje de la serie. Los cadáveres más exquisitos y las batallas más cruentas hacen mella en el espectador, poco acostumbrado a tanta casquería en un mundo que intenta por todos los medios lo más elegante posible. Vamos, que a tope con Perry Mason.

PISANDO FUERTE - STAND ATLANTIC

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Bonnie

Fraser (voz, guitarra), David Potter (guitarra), Miki Rich (bajo), Jonno Panichi (batería) PRESENTAN: Pink Elephant (Hopeless Records) AFINES A: Paramore, Against The Current, Waterparks

acar un segundo disco siempre da miedo”, reconoce Bonnie Fraser, cantante y guitarrista de Stand Atlantic. “Pero quizá sea bueno, porque así nos hemos esforzado muchísimo en hacer algo de lo que sentirnos orgullosos”. El joven cuarteto de Sydney puede estar tranquilo. Pink Elephant, que se publicará el próximo 7 de agosto, ofrece una mejoría sustancial respecto a su debut de Skinny Dipping de 2018. “Nuestro primer EP era como si tuviera 12-13 años”, comenta Bonnie. “Skinny Dipping era como si tuviera 16-17, y en éste nos hemos hecho mayores de edad. Es más maduro y hemos traspasado límites que no hubiéramos hecho en el primer disco. En este sentido es especial”. La cantante también atribuye este salto a la experiencia que han ganado tocando por todo el mundo. “Antes del COVID estábamos girando nueve, diez meses al año y tuvimos la oportunidad de ver y

experimentar muchas cosas que en una situación normal no podríamos. Creo que todo eso tiene su influencia en la música que escribes. Y también hemos crecido como personas. Las canciones de Skinny Dipping las escribimos siglos antes de que saliera el disco. Ahora somos personas distintas y una banda distinta. Al menos así nos sentimos. Esta vez dijimos ‘A la mierda, vamos a hacer el disco que queramos’. Experimentamos mucho más y queríamos demostrar que no sólo sabemos hacer una cosa”. Por todo eso Pink Elephant no es un disco de pop punk al uso, sino que encontramos desde baladas a influencias del rock alternativo de hace unas décadas. “Todos crecimos en los 90, así que es la música que escuchábamos entonces. No es algo que fuera intencionado, pero acaba saliendo”. El elfante rosa del título hace referencia a la expresión ‘el elefante en la habitación’; esos temas difíciles que solemos esquivar,

pero que en algún momento hay que afrontar. “A mí ya me cuesta ser honesta conmigo misma, imagínate con los demás”, reconoce. “No sé, supongo que es miedo al rechazo, o quizá simplemente es que tenemos miedo a la verdad. Todavía es algo en lo que tengo que trabajar”. Y es que como explica Bonnie, estar en una banda, por muy apasionante que sea, también tiene sus complicaciones. “Las relaciones son mucho más difíciles, es un hecho. Todas las emociones son mucho más intensas. Cuando estás en la carretera no tienes a tu familia, no tienes a tus amigos, están cansado, a veces enfermo, y no tienes tiempo para asimilar las cosas. Es una experiencia distinta a la que tienen los demás, pero no lo cambiaría por nada”, concluye.

EMMURE

INSTINTO PRIMARIO

AMADOS Y ODIADOS A PARTES IGUALES, EMMURE VUELVEN A ESCENA CON SU OCTAVO ÁLBUM HINDSIGHT. PERO SI EN EL PASADO PARECÍA QUE QUISIERAN DAR LA NOTA PORQUE SÍ, AHORA SU ENERGÍA PARECE HABERSE DIRIGIDO HACIA LA MÚSICA. ¿UNOS EMMURE MADUROS? TAMPOCO NOS PASEMOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UANDO HACE UNAS SEMANAS LA WEB LOUDWIRE HIZO UNA

LISTA de ‘10 bandas a las que no les

importa si las odias’, Emmure aparecían en ella junto a artistas como GG Allin, Behemoth o Sex Pistols. Y como era previsible, su vocalista, Frankie Palmeri, no dudo en darle un retweet. Desde que se formaran en 2003, el grupo de Connecticut se ha visto acompañado de polémicas. Su actitud de ‘me la suda todo’ les ha convertido, efectivamente, en una de las bandas más criticadas de la escena metalcore, ya fuera por canciones como ‘Bring A Gun To School’, los diseños de sus camisetas (en una de ellas se podía ver a los asesinos de Columbine con la frase “Shoot first ask questions last”), acusaciones de racismo, o sus peleas internas que les ha llevado a cambiar casi tanto de formación como de calcetines. Y sin embargo, pese a todo eso, Palmeri ha conseguido mantener la banda a flote. Es más, desde que en 2016 entrara en el grupo el guitarrista Josh Travis (que por cierto, es negro, algo que apunta a que Palmeri igual más que racista es un provocador nato), Emmure han entrado en un periodo de estabilidad. Algo que también se refleja en el buen nivel de su flamante nuevo álbum Hindsight (Sharp Tone), en el que se alejan de los clichés del metalcore para ofrecer unas canciones densas, gruesas, con toques industriales y, naturalmente, sin perder su sonrisa burlona. Hoy, 26 de junio, es justo el día en que se publica vuestro nuevo trabajo. ¿Sueles celebrarlo de alguna manera? FRANKIE PALMERI “La verdad

es que no, pero siempre es un poco abrumador. Hay mucha gente que hoy parece que quiera ser amiga mía, pero no es malo (risas). Fuera de eso, es un día normal. Estoy contento con que la gente pueda escuchar el disco”. ¿Os planteasteis retrasar el álbum por la pandemia?

“No. Terminamos la grabación en agosto de 2019, así que lo teníamos planeado desde hace tiempo. Hemos intentado ir sacando contenido ya que no podemos girar, y ésta era la mejor opción. El último concierto que dimos fue en diciembre, así que ya son seis meses sin tocar. En abril deberíamos haber ido a Europa, pero no pudo ser. Pero en cuanto al disco decidimos seguir con el plan”. ¿Se te ha hecho duro no poder

tenga su propia personalidad aunque tengan una base similar”. Siempre me has parecido alguien muy motivado. ¿De dónde te viene? ¿Ya eras así de pequeño?

“Tengo una habilidad para tirar las cosas adelante. No puedo rendirme o dejar cosas a medias. Cuando quiero algo, no paro. Me da igual lo que tenga por delante. Si me pusieran un muro de cemento delante, encontraría la manera de atravesarlo. Soy muy competitivo, pero sobre todo lo soy conmigo mismo. No celebro las cosas, sólo quiero tener el motor en marcha y tirar adelante. Tenía una visión desde que era pequeño y he hecho todo lo posible para hacerla realidad. Para mí la libertad para hacer lo que quiero hacer es lo más importante”.

salir a tocar? Sois una banda que gira mucho.

Volviendo al disco, ¿lo has

“Sí, en lo que respecta a la banda ha sido duro. Me gustaría poder tocar y hacer música, claro. Pero esperamos que la cosas mejoren y podamos volver a la normalidad. A nivel personal no me he sentido ansioso o deprimido. Supongo que lo he llevado lo mejor que he podido, como todo el mundo”.

vuelto a escribir todo con Josh

Vuestra productividad es bastante asombrosa. Éste es vuestro octavo disco en trece años.

“Solemos trabajar bien bajo presión. Componemos de manera muy intuitiva y lo que sale es lo que sale. Creo que cuando analizas demasiado las cosas, no es bueno. Preferimos componer, grabar y seguir adelante. Creo que eso hace que cada álbum

como el anterior Look At Your-

self o has trabajado con otra gente también?

“No, Josh y yo lo hacemos todo. Él tiene ideas, yo tengo las mías, las compartimos e intentamos encontrar un punto en común. Hay grandes momentos en los que nos entendemos a la primera, y grandes momentos en los que hay tensiones creativas, pero creo que las dos cosas son necesarias para que salga algo interesante”. ¿En qué soléis chocar más a nivel creativo?

“Nos ponemos de acuerdo en que queremos hacer algo duro, agresivo y divertido. El problema principal es cuando tenemos demasiadas cosas

“SI ME PUSIERAN UN MURO DE CEMENTO DELANTE, ENCONTRARÍA LA MANERA DE ATRAVESARLO. SOY MUY COMPETITIVO, PERO SOBRE TODO LO SOY CONMIGO MISMO” FRANKIE PALMERI

con un sentimiento parecido. No todos los temas pueden ser iguales, porque si no, lo que hace que un tema sea especial se diluye. Así que encontrar diferentes emociones para cada canción es un desafío. No queremos que el tema 8 sea igual que el tema 3. El 8 tiene que destacar igual que el 3. Ésa es la misión y lo que nos resulta más difícil”.

empezamos una amistad a través de internet. Me encanta su manera de tocar y todo lo que hace es fenomenal. Cuando en 2015 me quedé sin guitarra, fue la primera persona a la que llamé. Me siento muy agradecido de haber creado esa relación porque contar con su talento, para el grupo, es algo increíble”. Aunque el disco sea agresivo y

Cuéntame un poco lo que su-

duro, por debajo hay como una

puso para ti su entrada en la

vena cómica. ¿Buscabais esa

banda. ¿Tuviste claro desde el

especie de humor oscuro?

primer momento que habías

“Sí. Aunque para mí, como cada persona lo perciba, me parece bien. Pero siempre hemos tenido un punto de humor. Creo que el estar asociados al mundo del rock y el metal, venimos de la escena deathcore y metalcore, hace que se nos asocie con esa agresividad, pero uno de los objetivos de Emmure es hacer música divertida, que la gente lo pase bien

encontrado al socio perfecto?

“Yo conocía a Josh desde mucho antes de que entrara en el grupo, hará unos 13 años o así. Descubrí una banda en la que él había estado mucho antes, When Knives Go Skyward, y me encantó. Eso fue en la época en la que empezaba MySpace y Josh me respondió. Y a partir de ahí

cuando la escuche. Que cuando está corriendo o conduciendo y la escuche, la ponga de buen humor o le dé energía”. Algún tema incluso me ha recordado a Marilyn Manson. ¿Es alguien que te haya influenciado?

“Me gusta Marilyn Manson, pero no diría que es una de mis influencias principales, aunque ame su música. La verdad es que cuando hacemos canciones raramente escuchamos otra música. A veces igual ponemos algo como referencia de alguna atmósfera interesante, o para inspirarnos, pero la mayoría de veces estamos en nuestro propio mundo”. Creo que se nota, porque no respondéis a los clichés del metalcore.

“Desde luego queremos crear algo con su propio rollo y sónicamente

poderoso. Mi objetivo es hacer algo que casi ni sepas qué estilo es. Sabes que es duro, que hay guitarras, pero la producción es distinta a la típica del metal”. Sí, los graves retumban como si fuera un disco de dubstep.

“Sí, sí, estoy totalmente de acuerdo. No queremos sonar como otras bandas. Queremos un elemento especial”.

“¡De muchas! He tenido la oportunidad de compartir escenario con muchos grupos que admiro. Tocar en el Knotfest, girar con Korn en el Mayhem Fest. Para mí formar parte del mismo momento de esos grupos es siempre especial. Girar con Ill Niño o Static X, que escuchaba de pequeño, también fue increíble. No puedo ni decirte lo agradecido que me siento hacia nuestros fans que nos han permitido vivir eso”.

¿Sientes que en cierta manera

eso sin tener que mover el culo y sin peligro. No me gusta la gente que hace eso, pero hasta cierto punto lo entiendo. Yo intento no meterme con nadie, porque creo que todos compartimos la rareza de ser seres humanos. Pero me siento mal cuando a alguien le atacan por algo que hizo cuando igual era una persona totalmente distinta. La gente cambia y crece”. ¿Te sorprende que Emmure to-

habéis trascendido a la escena

Sin embargo, vuestra carrera

davía exista pese a todo?

de la que venís?

ha estado llena de obstáculos

“Yo creo que no. Tocaríamos con cualquier grupo de hardcore o metal. La verdad es que no me importan los estilos, me da igual cómo la gente clasifique a Emmure. Si escuchas todos nuestros discos, vas a escuchar muchos estilos distintos. Lo escucharás todo. No hacemos música para un tipo determinado de gente, sino que hacemos lo que nos resulta interesante”.

y habéis recibido muchos ata-

“La única cosa que tengo clara es que algún día moriré. Hasta entonces pienso hacer lo que me dé la gana. Para mí Emmure es lo más divertido e interesante que podría hacer, así que mi intención es seguir hasta donde pueda. No sé cuándo llegará el final, pero incluso cuando termine Emmure pienso seguir haciendo música y compartiendo experiencias con la gente”.

¿Pero te sientes cercano a alguna otra banda actual?

“Seguro que hay grupos interesantes, pero al final Josh y yo siempre acabamos referenciando a las bandas con las que crecimos: Fear Factory, Korn, Limp Bizkit, Nothingface, Candiria, Hatebreed… la lista es interminable. En cierta manera somos un homenaje a todos ellos. Creo que todos los grupos toman sus influencias e intentan hacer algo propio. En ese sentido no somos distintos al resto”. La lista de giras en las que habéis participado es bastante impresionante. ¿Guardas un recuerdo especial de alguna de ellas?

ques. ¿Te sientes ya inmune hacia las críticas?

“Mmm… No me siento ligado emocionalmente a lo que otra gente piense sobre mí. La gente puede decir lo que le dé la gana. Está en su derecho y no me lo tomo como algo personal. Nunca he dicho que fuera una persona perfecta. No creo que sea inmune, pero intento que no me afecte. Me lo tomo más como un observador”.

Ahora que hay tantos documentales musicales, ¿nunca has pensado en hacer uno sobre

Está bien. Es que ahora parece

Emmure?

a veces que casi haya una caza

“La verdad es que sí. Pronto cumpliremos veinte años. He estado trabajando en un libro que será una historia visual del grupo con textos que explicarán las imágenes. Tengo cosas guardadas de cada gira que hemos hecho. Voy a intentar poner el máximo de imágenes e historias. Por ahora no he tenido ninguna oferta para un documental, pero espero que podamos hacerlo en el futuro”.

de brujas… Cuando la gente saca un tweet de hace diez años para atacar a alguien, me parece ridículo.

“Yo creo que la razón por la que la gente hace eso es porque vivimos en una época en la que los hombres no tienen un enemigo. Vas a la compra y alguien ya ha matado a los animales por ti y ha recolectado los vegetales (risas). Creo que de manera instintiva nos sale buscar cierta tensión. Es como ir de caza. E internet es un lugar perfecto para hacer

IN HEARTS WAKE

PROFETAS DEL CAMBIO

HABLAR ES FÁCIL, PERO ACTUAR ES OTRA COSA. IN HEARTS WAKE LLEVAN DESDE SUS INICIOS LANZANDO MENSAJES ECOLÓGICOS EN SUS CANCIONES, PERO PARA SU NUEVO ÁLBUM KALIYUGA HAN IDO UN PASO MÁS ALLÁ, CREANDO UN ÁLBUM ‘LIBRE DE CARBONO’ QUE ESPERAN QUE ABRA EL CAMINO PARA QUE OTRAS BANDAS SIGAN SUS PASOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

S EVIDENTE QUE TAL COMO ESTÁ MONTANDO EL MUNDO,

la opción de que un grupo pueda girar, y más a nivel internacional, de forma totalmente ‘verde’ es una utopía. Más todavía si tu lugar de origen es Australia y tienes que coger un avión para salir del continente. Pero lo que sí se puede hacer es tomar decisiones que sean lo menos nocivas posibles para el medio ambiente. Los siempre concienciados Jake Taylor (voz), Eaven Dall (guitarra), Ben Nairne (guitarra), Kyle Erich (bajo, voz limpia) y Conor Ward (batería) decidieron atacar el problema de raíz desde la propia gestación de su quinto álbum Kaliyuga (UNFD), que verá la luz el 7 de agosto. La banda de Byron Bay, el mismo paraje idílico del que salieron Parkway Drive, han calculado que durante el proceso de grabación (incluyendo la electricidad, viajes, comidas etc…) han producido 26.37 toneladas de CO2e y lo han compensado comprando créditos de carbono en el Yarra Yarra Biodiversity Corridor Of Western Australia. Además tienen previsto minimizar el impacto de la huella ambiental usando material reciclado para crear los formatos físicos del álbum y sin usar plásticos. Una decisión encomiable que además viene acompañado de un salto creativo importante, introduciendo ideas frescas a su habitual metalcore.

de dañar al medio ambiente.

de todo esto?

¿Te imaginabas que algo como

“Creo que alguna gente lo hará y otra no. Como decías ahora hemos tenido la evidencia de nuestro efecto sobre el medio ambiente. Pero creo que el cambio tiene que venir de la ciudadanía. Si sacudes la base, los de arriba se mueven. Ahora los de arriba están preocupados en reactivar la economía lo antes posible, así que tendrán que ser los de abajo los que decidan si quieren un mejor futuro para sus hijos, y eso puede hacerse a través del consumo, por ejemplo. Veremos si como colectivo tenemos la fuerza para generar ese cambio. Es un reto monumental”.

la pandemia actual pudiera ocurrir? ¿Crees que es una consecuencia de cómo tratamos el planeta? JAKE TAYLOR “No me imaginaba

una pandemia a tan gran escala. No creo que nadie lo supiera. De todos modos cuando pones a hervir una olla, empiezan a crearse burbujas que salen a la superficie. No hay duda de que hemos estado hirviendo y la olla, y cómo esas burbujas exploten es muy difícil de predecir. Creo que el hombre ha ido invadiendo espacios naturales de los animales, así que es posible que cada vez veamos un aumento de nuevas enfermedades. Sin duda creo que esto es una consecuencia de cómo tratamos la naturaleza y a nosotros mismos. Espero que no volvamos a la normalidad. La normalidad no era buena (risas). En Australia hemos tenido bastante suerte porque nuestra población está muy dispersa, y no ha sido tan grave como en otros países, pero pueden llegar nuevos peligros”. La pena es que en este caso, los gobiernos sí han actuado, o al menos la mayoría, con medidas drásticas, pero en cambio en lo referente al calentamiento global no se hace apenas nada. Ahora hemos visto de primera mano, que es posible parar la

Vosotros lleváis años muchos

contaminación. ¿Crees que se

años alertando de los peligros

puede sacar una buena lección

Vosotros no sólo cantáis sobre estos asuntos, sino que también actuáis. Vuestro nuevo disco se producirá sólo con materiales reciclados y habéis intentado que todo el proceso sea ecológico. ¿Crees que habéis abierto un camino para que otras bandas os sigan?

“Creo que sí. Creo que cada vez será más frecuente, simplemente como una cuestión de supervivencia. La gente está despertando y va a querer gastar su dinero y su energía en empresas, marcas, productos o, también, arte que no sea perjudicial para el medio ambiente. Creo que es el siguiente paso: pensar más a largo plazo y menos en el beneficio a corto”. ¿Fue difícil conseguir vuestro ob-

jetivo o las opciones están ahí, pero simplemente se ignoran?

“Fue un desafío porque es un camino poco explorado. Tuvimos que descubrir las áreas en las que generamos residuos de carbono, pero una vez las supimos no es tan complicado actuar sobre ellas. No es complicado calcularlo. Bueno, no estuvimos nosotros haciendo las fórmulas, sino que trabajamos con un profesional que hace este tipo de consultoría para empresas. Nunca lo había hecho con un grupo de música, pero el modelo es el mismo. Ahora que hay un precedente, creo que será mucho más fácil para que otros lo apliquen. Cualquier banda puede hacerlo”.

“Bueno, es cómo funciona el mundo, lo cual viene a mostrar que no funciona bien. Se intenta generar una oferta para crear una demanda, en lugar de dejar que la demanda venga a ti. Se necesita más paciencia para crear y crecer. Pero creo que también tiene que ver con la edad. Cuando tienes 20 años, tienes mucho que decir y mucha energía. Queríamos expresar muchas cosas. Pero llega un momento en el que ves que necesitas dar un paso atrás y coger un poco de perspectiva. Creo que a partir de ahora vamos a seguir así. No vamos a sacar otro disco el año que viene, sino que nos daremos el tiempo necesario para que cada paso tenga un sentido”.

Hablando ya de música. El disco me ha sorprendido muy grata-

¿Confiáis también en que vues-

mente. He tenido la impresión

tros fans hayan crecido y os

de haber escuchado algo nuevo

sigan?

en vosotros, es más imaginati-

“La confianza no viene tanto de los fans. Nos da permiso para poder experimentar, pero la cuestión es que si quieres hacer algo nuevo, tienes que probar cosas nuevas. Es la única manera. Siempre vas a tener la duda de si va a gustar a la gente, pero tienes que arriesgarte a ser vulnerable si quieres expresar cosas nuevas. El compromiso del artista no tiene que ser con gustar a la gente, sino con decir lo que sientes y ser honesto”.

vo. ¿Dirías que es un nuevo punto de partida para el grupo?

“No diría que es un nuevo comienzo, sino que lo veo más bien como una nueva temporada de una serie de televisión en la que presentan nuevos personajes. Creo que seguimos siendo nosotros, pero es la versión 5.0 de la banda. Hemos crecido mucho en los cuatro años transcurridos desde que escribimos el último disco. Creo que ese crecimiento es lo que se escucha en el disco. Hemos tenido el tiempo, y la oportunidad, para crecer”. Sí, de hecho vuestros primeros discos salieron muy seguidos. Sacasteis cuatro discos entre 2012 y 2017 ¿Crees que iba en contra de vuestra propia evolución?

rado es más fácil que aparezcan distintos matices porque cada uno ha empezado desde un punto distinto. Incluso geográficamente. Buena parte de este disco lo escribí estando en América, mientras que el resto estaba aquí. Creo que todo eso le da más diversidad a la música, voces distintas. Creo que todo eso se nota en el disco”. Desde luego. La combinación de influencias creo que es mucho más rica que antes.

“Sí. Teníamos una regla para este disco: en cada canción tenía que haber una decisión que fuera atrevida. Y si no había una decisión atrevida, teníamos que explorar algo nuevo, fuera un concepto para la letra, un instrumento nuevo, o una estructura diferente”. ¿Cuál dirías que fue la decisión más atrevida?

“Yo diría que la dureza de ‘Worldwide Suicide’, que es de lo más cañero que hemos escrito, pero que se va ralentizando cada vez más es una estructura muy convencional. Y luego contrastándola con la suavidad de ‘Crossroads’. Para mí esa decisión fue muy atrevida”. ¿Cómo te sientes respecto al punto en el que está el grupo?

¿Habéis cambiado vuestra ma-

Cada vez os conoce más gente,

nera de componer?

pero da la sensación que hay

“Sí, hemos cambiado. A medida que vas cogiendo más seguridad como compositor, eres capaz de empezar canciones de manera individual, en lugar de tener que quedar toda la banda y construir algo de cero todos juntos. Cuando lo haces por sepa-

una especie de techo de cristal para muchas bandas que resulta muy difícil de romper. ¿Tienes la sensación de estar siempre dando vueltas al mismo circuito y que es complicado poder salir de él?

“TENÍAMOS UNA REGLA PARA ESTE DISCO: EN CADA CANCIÓN TENÍA QUE HABER UNA DECISIÓN QUE FUERA ATREVIDA” JAKE TAYLOR

“Bueno, yo creo que hay muchas bandas que rompen ese techo. Pero tienes que estar satisfecho aun permaneciendo en ese circuito más minoritario. Algunos de nuestros mejores conciertos los hemos dado con sólo 20 personas. Creo que el crecimiento tiene que estar más en la música que en el número de gente que te sigue. Antes el techo era ser cabeza de un cartel en un festival y actuar ante 100.000 personas, pero ahora mismo nadie puede hacerlo, así que ese techo ha bajado. Pero

nunca sabes qué será lo que permita romper ese techo. Puede ser que una canción tuya suene en una serie de televisión o cualquier cosa. Pero lo importante es disfrutar del arte sea en el circuito que sea”. Sí, pero también tiene que ser viable desde un punto de vista económico.

hacia adelante. En Australia están cambiando las cosas, estamos creciendo y podemos tocar continuamente. En el resto del mundo es más complicado porque sólo podemos girar cada dos años o así, pero incluso si no ganamos nada o perdemos un poco, estamos contentos con poder tocar en otros continentes. Quizá no ganemos dinero, pero sí experiencias”.

“Creo que mientras no vayas hacia atrás, y con eso quiero decir que pierdas dinero, depende de ti tener la energía para que las cosas vayan

AHAB

LA BALLENA BLANCA AHAB NO TIENEN NUEVO ÁLBUM TODAVÍA, PERO PARA SACIAR NUESTRA SED ACABAN DE PUBLICAR LIVE PREY, UN DIRECTO ÍNTEGRAMENTE DEDICADO A LA OBSESIÓN DE CUALQUIER MARINERO QUE LES SIGA: THE CALL OF THE WRETCHED SEA , UN DEBUT DEL TAMAÑO DEL CETÁCEO MÁS TEMIBLE QUE SE RECUERDE. UNA FANTÁSTICA EXCUSA PARA PONERNOS AL DÍA SOBRE SU ACTUALIDAD MÁS INMEDIATA. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: STEFAN RADUTA

OMO NOS EXPLICA DANIEL DROSTE, CANTANTE Y GUITARRA DE AHAB , “Hay bastantes perso-

nas que nos dicen que nuestro primer álbum fue su entrada al funeral o doom extremo”, y entre ellas bien podría contarme a mí. Cierto es que en 2006 ya estaba familiarizado con formaciones como Thergothon, Evoken o Skepticism, pero realmente, no fue hasta caer rendido ante la enormidad de su ópera prima que irremediablemente me enganché al

Grabado en el Deaf Row Fest 2017 de Jena, Alemania, y editado previamente en cinta, Live Prey es todo lo sincero que puedas esperar de una banda sin artificios ni egos, sólo dedicada a conmovernos con su lenta navegación. Si encima nos ayuda a esclarecer en qué punto se encuentra el disco que sucederá a The Boats Of The Glen Carrig, que ya suma cinco años, podemos darnos por más que satisfechos. ¿Qué os ha motivado a publicar Live Prey ahora? ¿Es como

tudio, pero en este momento estamos trabajando en nuevo material. Nunca hemos podido ensayar semanalmente como otras bandas porque casi todos tenemos familias ahora y nuestro batería está viviendo a cientos de kilómetros de nosotros. Tenemos más tiempo dada la situación del coronavirus, pero tampoco poder usar ese tiempo para ensayar fue más que molesto, así que trato de agarrar la guitarra con la mayor frecuencia posible para grabar cosas en casa y tener la máxima cantidad de material posible cuando nos volvamos a juntar en los ensayos”.

una forma de decir ‘hey, es-

estilo hasta a día de hoy. Los germanos han ido evolucionando su propuesta en sucesivos álbumes, pero lejos de la pose de algunas bandas y de renegar de sus inicios, ahora nos regalan Live Prey, un caramelo en forma de directo en el que sólo tocan canciones de su primer trabajo. Demasiado tentador como para no ponernos en contacto con el grupo que completan Christian Hector (guitarra), Stephan Wandernoth (bajo) y Cornelius Althammer (batería).

tamos vivos, en breve nuevo

Ees de agradecer que el sonido

material’?

de Live Prey sea como fue, así de

DANIEL DROSTE “En realidad,

honesto. Imagino que no se tra-

nunca planeamos lanzar un álbum en directo, para ser honesto. Después de tocar ese show en el Deaf Row Fest de 2017 descubrimos que el técnico de sonido que nos mezcló esa noche había grabado el concierto. Estábamos agradecidos por el material, por supuesto, pero no teníamos más planes para ello. Supongo que fue el pasado año cuando uno de nuestros amigos baterías que también dirige el sello de cintas Low Fidelity Assaults tuvo la idea de publicar nuestro show en Jena como un bootleg oficial en cassette. Pero cuando Napalm Records escucharon las grabaciones se entusiasmaron tanto que también quisieron sacarlo en LP y CD. Además, recientemente celebramos nuestro decimoquinto aniversario, por lo que sentó bien lanzar ese disco en ese momento”. Para ser claros, cinco años han pasado ya desde The Boats Of

The Glen Carrig... ¿Para cuándo un nuevo álbum?

“Todavía no hemos reservado el es-

taba de dar una imagen que no se correspondiera con la realidad como tantos otros antes, y eso es porque simplemente se recogió mediante un USB, y punto.

“Hasta donde yo sé, sólo obtuvimos una sola pista como mezcla del show, por lo que nuestras posibilidades de ajustar cualquier cosa eran limitadas, por supuesto. Sin embargo, un concierto en vivo tiene un ambiente especial y, en mi opinión, no debería sonar como una producción de estudio. Siempre tratamos de ser auténticos como banda, y Live Prey es un reflejo muy claro del show que hicimos en Jena por aquel entonces. Cuando surgió la idea de publicar ese material en cinta en un número muy limitado para los coleccionistas, estuve absolutamente de acuerdo en hacerlo, pero con el interés de Napalm Records en publicarlo también y, de ese modo, ponerlo a disposición de la masa… No estaba seguro de si algunos pudieran esperar una grabación en vivo muy pulida y podrían estar decepcionados con el sonido crudo. 23

Seguramente hay mucha gente ahí fuera que ni siquiera sabe que muchos discos en directo se trucan después en los estudios de grabación para crear la impresión de un show en vivo con un sonido grueso. Promover el álbum como bootleg oficial fue una buena opción en nuestra opinión para señalar de qué se trata Live Prey”. Como no podía ser de otra forma, durante el concierto hay un silencio casi sepulcral entre el público. Por desgracia, es algo que se está perdiendo, y algo también absolutamente esencial para grupos como el vuestro…

“Definitivamente lo es, sí. A menudo veo gente en nuestros shows escuchando con los ojos cerrados, especialmente en las partes más calmadas de las canciones. Esas personas vinieron a escuchar música, hablar puede ser realmente molesto y perturbador. Reconozco el ruido también desde el escenario, claro, y no lo aprecio, porque, en primer lugar, es un comportamiento irrespetuoso hacia el resto de la audiencia que pagó por ver el espectáculo. Valoro más a esos públicos que respetan a los demás y evitan el ruido durante las partes más tranquilas. Desafortunadamente, ése no es siempre el caso, pero parece que ha ido a mejor durante los años”. Si hay algo que hace especial este concierto, es que todas las canciones tocadas pertenecen a vuestro debut, The Call Of The

Wretched Sea. Es mi álbum favorito vuestro y, para mí, uno de los más importantes del funeral doom. ¿Por qué decidisteis centrar el repertorio en ese disco, y sientes lo mismo hacia esa obra? 24

“Cuando nos confirmaron para el Deaf Row Fest, el organizador, que es amigo nuestro, nos pidió que hiciéramos un set especial. Como dije antes, no tenemos tanto tiempo para ensayar, y ya hicimos un ‘repertorio especial Call Of The Wretched Sea’ en el Roadburn de ese mismo año que no nunca habíamos tocado antes, así que era obvio que también íbamos a elegir ese set para el show en Jena. No depende de mí juzgar si uno de nuestros álbumes es importante para la escena o no. Lo que comenzó como un proyecto en ese entonces recibió mucha más atención de la que esperaba. Si miro hacia atrás en mi viaje musical como oyente, hay muchos lanzamientos que realmente disfruté durante un periodo de tiempo, pero la mayoría de los que me guiaron a un nuevo género todavía son especiales para mí. Hay bastantes personas que nos dicen que nuestro primer álbum fue su entrada al funeral o doom extremo; realmente lo aprecio y considero que es un gran cumplido”. Os vi en un Fall Of Summer y aunque no fue el mismo setlist, el disco ha servido para que recupere algunas de las sensaciones que viví en Francia… ¡‘The Hunt’ siempre debe terminar vuestros conciertos!

“Si podemos transmitir el estado de ánimo de un concierto de Ahab con Live Prey, estoy satisfecho. Se convirtió en una especie de ritual terminar nuestro set con ‘The Hunt’. Supongo que fue la tercera canción que compusimos y posiblemente siga siendo nuestro tema más famoso. La gente siempre la pide y la desaceleración en su segunda mitad funciona tan bien para terminar que simplemente tenemos que tocarla en esa posición”.

Cuando tocáis se produce como un efecto mantra que te abstrae de lo que te rodea, como si nada más importara más allá de aquello que suena. ¿Sientes tú lo mismo cuando tocas, es una especie de ritual místico?

“No lo llamaría ‘ritual’ porque mucha gente puede conectar eso con algo oculto o religioso, pero definitivamente diría que me sumerjo en el sonido y a veces incluso me olvido del público”. Como hemos dicho antes, no somos pocos los que sentimos predilección por vuestro primer disco… ¿Resulta eso frustrante para ti, porque nunca habéis parado de evolucionar, o te hace sentir orgulloso, lo entiendes…?

“Soy un oyente también, por supuesto, y hay muchas bandas de las que también me quedo con el primer álbum que escuché de ellos, así que entiendo eso absolutamente. Mientras las personas sean lo suficientemente tolerantes como para aceptar que hay formaciones que están dispuestas a desarrollar su sonido, estoy de acuerdo con eso. Algunos siempre criticarán que nuestro material más nuevo no ha sonado como funeral doom nunca más, y tienen razón, pero la mayoría de ellos parecen ignorar que nunca afirmamos eso. Todavía considero The Call Of The Wretched Sea como nuestro álbum más importante, su lanzamiento nos dio mucha atención y nos abrió las puertas. Aunque no lo escucho hoy en día, todavía me encanta el sentimiento de las canciones y realmente disfruto tocándolas en vivo”. Con lo largos que son vuestros temas, tiene que ser complicado elaborar un setlist… Si nos olvi-

“TODAVÍA CONSIDERO THE CALL OF THE WRETCHED SEA COMO NUESTRO ÁLBUM MÁS IMPORTANTE, SU LANZAMIENTO NOS DIO MUCHA ATENCIÓN Y NOS ABRIÓ LAS PUERTAS” DANIEL DROSTE

damos de la particularidad de

Live Prey, ¿en qué os soléis ba-

estaríamos totalmente perdidos con el tiempo, supongo”.

sar para elegir las canciones?

“Por supuesto no es fácil fijar canciones largas como las nuestras a un periodo de tiempo determinado. Si estamos promocionando un nuevo álbum, por ejemplo, tenemos que tocar más de ése, claro, pero en general tratamos de incluir al menos una canción de cada disco. Eso es lo que esperaría de un buen concierto al que asisto, así que tratamos de implementar eso también. Estamos usando samples programados como interludios entre las canciones desde hace unos años que podemos ajustar a la duración del repertorio. Eso y el hecho de que nuestro batería está tocando bajo una pista de claqueta programada en el PC hace que la planificación de nuestros shows sea mucho más sencilla. Especialmente en los festivales es absolutamente necesario ajustarse a la franja horaria; si actuáramos de otra forma

¿Todavía sigues tan fascinado por los océanos como antes? ¿De dónde sale todo ese amor?

“Ese tema todavía me tiene fascinado de muchas maneras. Está la literatura, las películas o el puro estado de la mar en sí mismo. Lamentablemente vivo a unos cientos de kilómetros de la costa alemana. Cuando era niño, mi familia solía visitar a amigos de mis abuelos que tenían una residencia de verano en el Mar Báltico. Imagino que nunca olvidaré esos días y las impresiones que me llevé. El océano es siempre parte de los viajes vacacionales más grandes que hacemos hoy en día… su ambiente relajante, su fuerza increíble, así como el aspecto místico de sus profundidades inexploradas, siempre me llamarán, supongo”.

tras y nos sorprenderéis con un disco alejado de todo eso?

“Los temas náuticos son una de nuestras marcas registradas y Ahab se fundaron como una plataforma para componer música basada en historias náuticas, por lo que no habrá viajes líricos por territorios completamente diferentes. Todas las historias que usamos tenían un trasfondo náutico pero con un contenido distinto, por supuesto, eso sigue siendo interesante compositivamente pero también desafiante. No siempre es fácil encontrar una novela que todos consideremos que es una base adecuada, para ser honesto, pero es un proceso democrático en la banda y siempre fue importante para nosotros. Y es sin duda una de las razones por la que todavía tocamos con la misma alineación desde hace casi una década y media”.

¿Crees que algún día te cansarás de la temática náutica en las le25

JARDÍN DE LA CROIX

DESPERTANDO A LAS MUSAS

DESPUÉS DE MUCHOS AÑOS PICANDO PIEDRA, A LOS CHICOS DE JARDÍN DE LA CROIX LES LLEGÓ LA RECOMPENSA A TANTO ESFUERZO CON CIRCADIA . AQUEL DISCO LES LLEVÓ A LUGARES QUE HASTA ENTONCES PARECÍAN INALCANZABLES PARA ELLOS. LEJOS DE ACOMODARSE, EN SU NUEVA AVENTURA ESTÁN DISPUESTOS A AGITAR UN POCO LAS COSAS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

UNQUE INICIARON SUS CARRERAS CASI AL MISMO TIEMPO

y es fácil encontrar similitudes entre ambas formaciones, a Jardín De La Croix les ha costado algo más que a Toundra el empezar a obtener el reconocimiento que por calidad sin duda merecen. Sin bien a priori sus canciones resultan algo más enrevesadas y difíciles de asimilar para el oído medio debido a sus dejes progresivos y math, no fue hasta que entraron a formar parte de las filas de Aloud Music (sello del que Toundra también formaron parte en sus inicios) cuando comenzaron a asomar la cabeza más allá de las profundidades de nuestro underground. La publicación de Circadia en 2016 colocó a Ander Carballo (guitarra), Pablo Rodríguez (guitarra), Israel Arias (batería) y Nacho Hernández (bajo) en los mejores escaparates festivaleros de nuestros país además de realizar sus primeras incursiones en territorio europeo. Una situación que muchos grupos firmarían encantados. Sin embargo, a la hora de darle continuación, los madrileños sufrieron un bloqueo creativo del que salieron con ideas renovadas. En lugar de lanzar un álbum al completo, sus nuevas composiciones verán la luz en los próximos meses a través de una serie de 10”, con dos canciones cada uno, repartidas en tres entregas. Aunque

el coronavirus ha truncado parte de sus planes de que éstas apareciesen a lo largo de 2020, no ha impedido que el primer capítulo, Letargo, ya esté en la calle. La misma semana que abrieron el pre-order, Ander atendió nuestras preguntas para saber más sobre esta etapa que se abre ante una de las bandas instrumentales más punteras que tenemos por aquí. Con Circadia parece que vivisteis vuestro mejor momento como grupo: gira europea, lleno en la presentación del disco en una sala como Caracol, un montón de festivales importantes... ¿Lo consideráis más el fruto recogido después de años de mucho curro o pensáis que el fichaje por Aloud os abrió algunas puertas que antes estaban

sado por nosotros no sabemos muy bien dónde estaríamos, pero te aseguro que no se nos hubieran abierto tantas puertas”. ¿Con qué momento os quedaríais de todo el ciclo del álbum?

“Hay muchos que destacar, pero sin duda nos quedamos con el verano de 2017: Primavera Sound, Be Prog! My Friend, Download Festival, Tsunami y ArcTanGent. Fue un verano sin descanso y sin casi vacaciones, pero fue maravilloso. Un sueño cumplido para nosotros. Siempre hemos pensado que Jardín no era un grupo de grandes festivales y que nunca llegaríamos a estar ahí, pero nos equivocamos. Nuestra música también tiene cabida en grandes escenarios. Ahora que somos mainstream, a ver si Rosalía nos llama pronto para abrir sus conciertos (risas)”.

cerradas? ANDER CARBALLO “Creemos que

Por otro lado, el éxito de Toun-

ha sido una combinación de ambas cosas. Nosotros como banda llevábamos tocando muchos años sin apoyo de sellos, era todo autogestionado 100%. Obviamente cuando Aloud entró en la ecuación todo empezó a cambiar a un ritmo al que no estábamos acostumbrados: primera gira europea, festivales, promoción muy profesional y entrar a formar parte de una familia que se vuelca totalmente con sus bandas. A día de hoy, si Aloud no se hubiera intere-

dra también habrá tenido que ver para que ahora se le preste más atención a grupos instrumentales como el vuestro. De hecho, yo os he visto compartir escenario juntos cuando apenas estabais empezando ambas bandas. ¿Crees que sin ellos gente como Syberia o vosotros lo hubiera tenido mucho más complicado?

“Desde luego que Toundra han abierto un camino para el resto de

bandas instrumentales, de eso no hay duda. Si no recuerdo mal, empezamos más o menos en el mismo año. Eran propuestas muy diferentes a pesar de compartir la etiqueta de instrumentales, pero por aquella época ellos hacían melodías armoniosas y bonitas y nosotros nos preocupábamos por tocar toda nuestra música en compases impares, reventar tímpanos con disonancias... Nuestro lema principal era ‘cuantas más notas toquemos y más rápido, mejor’. ¡Seguramente de ahí nuestra falta de éxito! (Risas) Eso ahora ha cambiado. A día de hoy también nos preocupamos de que la gente disfrute con nuestras bonitas melodías en 7/8. En 2008 hicimos nuestro primer concierto con ellos en la sala Siroco, y por aquel entonces ya se notaba que empezaban a despuntar con una propuesta atípica para ese momento. ¿Seríamos los mismos si Toundra no hubieran existido? Pues creo que no. Quizás en España la música instrumental se habría quedado en un pequeño nicho de mercado y no hubiera llegado a los grandes festivales o a un público mucho más amplio, pero nunca lo sabremos. Lo que sí te puedo decir, no sé si a raíz de que Toundra empezaran a destacar, es que hay un montón de bandas instrumentales en nuestro país que merecen muchísimo la pena, entre ellas nuestros compis Le Temps Du Loup, con los que compartimos bajista, Syberia y Böira desde Barcelona, Our Next Movement desde Valencia, y muchas más. Con esto quiero decir que dentro de nuestras fronteras también se hace música de calidad que muchas veces pasa desapercibida por el mero hecho de vivir donde vivimos”.

Aunque no se suele hablar tanto de él como pasa con Aloud, también Lar Gravacións ha tenido un papel importante en todo este camino. ¿Qué me puedes contar de Anxo y su sello?

“Recuerdo un primer contacto con él precisamente en el foro de ZonaZero. Nosotros estábamos buscando un sello para editar 187 Steps To Cross The Universe en vinilo y todo eran negativas. Un día recibimos un mensaje de un tipo que parecía interesarle el proyecto y que comentaba que podía hacerse cargo de la edición. Para nosotros en aquel momento era una oportunidad de oro. ¡Podíamos editar nuestro trabajo en vinilo! Desde aquel día se ha forjado una relación de amistad y casi hermandad con él. Siempre que puede se viene con nosotros y es uno más del equipo”. Curiosamente, para grabar estas nuevas canciones os fuisteis hasta Verín, en Orense, que es donde Carlos Santos ha trasladado sus Sadman Studios. ¿Os cambió mucho la mentalidad de no estar grabando en casa?

“La sensación ha sido muy diferente. Carlos sigue siendo Carlos y Sadman Studios mantiene el listón de calidad o incluso lo mejora. Las instalaciones son increíbles, un entorno precioso en un pueblo pequeño en el que la gente bebe mucha cerveza y sale hasta altas horas de la noche, lo cual nos pasó factura alguna mañana que otra (risas). La sensación, como comentaba antes, fue totalmente diferente a grabar como lo habíamos hecho otras veces. Estuvimos completamente aislados y centrados en

grabar. Creo que eso te hace meterte de lleno en el proceso. El itinerario era siempre el mismo: nos levantábamos, tomábamos café, comprábamos cervezas, y al estudio. Por la noche otras cervezas que hacían el efecto de Dormidina y a dormirla para estar frescos el día siguiente. Desde aquí recomendamos encarecidamente grabar con Carlos Santos. Es una experiencia que recordarás toda la vida”. Esta vez habéis optado por dividir la obra en tres partes con dos temas cada una. ¿Por qué hacerlo así en lugar de publicar un álbum completo?

“Realmente la idea surgió en un momento de bloqueo. Teníamos algún tema compuesto, pero sin proyección de poder terminar un disco de 40 minutos en menos de un año. Un día charlando con Mau y Sergio de Aloud, comentando el futuro de la banda, nos propusieron hacerlo de esta forma y se nos encendió la bombilla. Seguramente a mucha gente no le parezca bien, pero nosotros creemos que por salud mental de la banda y por amor a nuestra música, debíamos hacerlo así. En el momento actual en muchos géneros musicales se tiende a hacer este tipo de estrategias para mantener viva la llama durante más tiempo. Quizás no ha sido nuestra premisa para hacerlo de esta manera, pero no hay una respuesta clara a esa pregunta. Simplemente ha surgido de forma natural. Nos llama mucho la atención el poder hacer algo especial y poco común. La idea de sacar los tres EPs y hacer un box set que junte las tres entregas nos ilusiona un montón. A

“¿SERÍAMOS LOS MISMOS SI TOUNDRA NO HUBIERAN EXISTIDO? PUES CREO QUE NO” ANDER CARBALLO nivel de edición va a ser algo muy especial”.

discos, ésta también es una obra conceptual. El primer capítulo se titula Letargo. ¿Puedes

Me vas a permitir que haga de

contarnos de qué trata?

abogado del diablo, pero ¿no

“El concepto de esta primera entrega nace de buscar un símil con nuestra propia realidad y lo que hemos vivido estos últimos años. Letargo significa literalmente ’estado de inactividad y reposo en el que permanecen algunos animales durante determinados periodos de tiempo’. Si extrapolamos esta definición a nuestra realidad, ha sido lo que hemos vivido. Ha habido momentos de inactividad total y momentos en los que la banda ha estado en reposo, quizás por situaciones personales o por una desmotivación un poco generalizada. Esto a día de hoy ha cambiado completamente. Hemos despertado de ese letargo con más ganas que nunca y eso que

es más caro de esta manera? Me refiero a que tanto vosotros como el público va a tener que rascarse el bolsillo tres veces en vez de una.

“Obviamente es más caro y hay que invertir más tiempo en el proceso de grabación, pero como comentaba antes, creo que es necesario hacerlo así. Respecto a la edición, aseguramos desde ya que va a merecer la pena. Nos podremos encontrar tres artworks diferentes, tres discos distintos a nivel musical y un resultado que no dejará indiferente a nadie”. Como en cada uno de vuestros

las responsabilidades vitales cada vez son mayores. Pero creemos que a pesar de las circunstancias que vivimos, Jardín va a vivir una segunda juventud”. ¿Hay algo que una los tres EPs temática y musicalmente o cada uno va a presentar una cara distinta del grupo?

“Van a estar conectados y el artwork va a seguir una línea estética similar que dé continuidad a las tres entregas. Rebeca Valenciano se ha encargado de la parte creativa haciendo un trabajo muy elegante desde nuestro punto de vista. En el terreno musical siempre va a existir esa esencia que caracteriza a la banda, pero van a ser temas diferentes que expresen de alguna manera las sensaciones que vivamos en ese 29

momento. Éste no es un disco que ya esté compuesto al 100% y que lo vayamos a separar en tres entregas. La realidad ha sido un poco distinta a nuestros planes. Con lo sucedido estos últimos meses se nos han trastocado los tiempos. El siguiente EP está compuesto y teníamos ya fecha para grabarlo en mayo, que ha tenido que ser desplazada en el tiempo. El último bloque está en proceso de terminar las composiciones y empezar a preproducirlo para grabarlo. La idea era cerrar todo el ciclo en 2020, pero tras lo sucedido, va a dilatarse hasta 2021”.

pasaba. Hoy en día se ha convertido en un instrumento protagonista dentro de la banda que nos ha dado muchas alas para salir del formato guitarras, bajo y batería. Era una evolución necesaria para variar un poco el sonido en aquel momento. No estamos cerrados para nada a incluir más elementos en el grupo si éstos encajan bien musicalmente. De hecho, puede haber alguna que otra sorpresa en el segundo EP”. Me ha llamado la atención que por primera vez los títulos de las canciones están en castellano en vez de aparecer en

¿Los otros dos EPs que quedan

inglés.

por salir los grabaréis también

“Simplemente surgió de manera natural. Un día estábamos en el local pensando los títulos de las canciones y decidimos hacerlo así. En la música instrumental creo que importa menos cómo llames a los temas. Es más encontrar un nombre que represente algo y que en conjunto con el artwork tenga un sentido visual. Es cierto que el concepto que hemos elegido y los títulos que dan nombre a las canciones representan nuestra situación actual, pero éstas no nacen en base a ese concepto, y quien te diga lo contrario miente. El concepto y la historia vienen siempre un poco después. Una vez empiezan a tomar forma los primeros temas, vemos ese sentido a lo que ya ha surgido musicalmente, y ahí les damos un significado. Eso en muchos casos es lo que luego da continuidad al resto de temas del disco que igual están en una fase previa o aún ni siquiera existían. De manera inconsciente ya tienes esa idea ahí y todo fluye más natural con el resto, dentro de ese

con Carlos Santos o probaréis con otros productores? Por aquello de darle un toque diferente a cada capítulo...

“La idea en principio es grabar en Sadman los otros dos EPs. No valoramos cambiar de estudio por ahora. Sabemos que hay otros sitios que podrían funcionar muy guay pero priorizamos la relación que tenemos con Carlos y creemos que los resultados son bastante buenos”. En Circadia comenzasteis a introducir arreglos de piano y cuerdas que ayudaban a refrescar vuestro sonido. En ‘Ciclos’ además de teclados, también se pueden escuchar algunos detalles electrónicos. ¿Va a haber más sorpresas de este tipo en los siguientes lanzamientos que están por venir?

“Lo de los pianos fue algo totalmente improvisado. Había un teclado en el local y decidimos probar a ver qué

contexto conceptual. Pero en nuestro caso la música nace siempre antes que el concepto”. ¿Cuándo saldrán las otras dos partes?

“La idea es que los tres EPs estén publicados en 2021 si las pandemias y los virus lo permiten. Con Letargo nos hemos arriesgado un poco sacándolo en mitad de toda esta locura, básicamente porque no vamos a poder presentarlo hasta el año que viene seguramente, así que vamos a ir viendo cómo evoluciona la situación actual y en función de esto definiremos un calendario, pero la idea a priori es ésta”. Para acabar, precisamente no puedo evitar preguntarte por cómo os ha afectado el coronavirus. ¿Ha alterado mucho los planes que teníais programados?

“A nivel composición nos ha enseñado que se puede trabajar de otra manera. Hemos hecho mucho trabajo de composición en casa pasándonos ideas casi a diario. Hemos echado mucho de menos poder ensayar y sentir ese punch en el pecho, pero siendo sinceros, no nos ha venido mal en ese ámbito. Respecto a los planes que teníamos, obviamente nos ha partido todo por la mitad. Teníamos programados un montón de conciertos que seguramente no se hagan. No sé cómo saldremos de todo esto, pero las ganas de tocar están ahí y en cuanto se pueda seremos los primeros en echarnos a la carretera”.

NECK DEEP

BUENAS INTENCIONES PARA SU CUARTO DISCO, LOS GALESES NECK DEEP SE PROPUSIERON EL RETO DE CREAR UN ÁLBUM QUE CONTASE UNA HISTORIA DE FICCIÓN DE PRINCIPIO A FIN. PERO AL CONTRARIO QUE OTRAS OBRAS CONCEPTUALES, ALL DISTORTIONS ARE INTENTIONAL NO CAE EN LA GRANDILOCUENCIA O EN DIATRIBAS POLÍTICAS, SINO QUE SE CENTRA EN EL ASPECTO MÁS IMPORTANTE QUE DA SENTIDO A NUESTRAS VIDAS: EL AMOR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OMO RECONOCEN LOS NOVELISTAS, EN CUAL QUIER RELATO DE FICCIÓN SIEMPRE HAY UNA PARTE DE VERDAD. Y el

que cuentan Neck Deep en su nuevo álbum All Distorsions Are Intentional, que lanzará Hopeless Records el 24 de julio, no es una excepción. En sus once canciones nos describen la historia de amor entre Jett, un punk con tendencias nihilistas, y una chica llamada Alice. El primero vive en una ciudad imaginaria llamada Sonderland, un juego con las palabras ‘sonder’ y ‘wonderland’. Sonder es la comprensión de que cada persona con la que te cruzas tiene una vida tan compleja como la tuya, y ese concepto también está en la esencia de lo que nos quieren contar Ben Barlow (voz), Sam Bowden (guitarra), Matt West (guitarra) y Dani Washington (batería). Aunque la vida de estos chavales de Wrexham, una pequeña ciudad de Gales, cambió para siempre en 2013 cuando el sello Hopeless Records decidió ficharles y publicar su primer disco Wishful Thinking en enero del año siguiente, hasta convertirse en uno de los mayores activos que tiene el punk pop en Europa, su voluntad ha sido la de permanecer lo más cercanos a sus raíces. Prueba de ello es que el nuevo bajista del grupo no es otro que el hermano de Ben, Seb Barlow, el mismo que se encargó de grabar los primeros EPs de la banda con un rudimentario equipo en su habitación. Cuando contactamos con el cantante a mediados de junio, le encontramos feliz de haber superado ya el confinamiento, que ha pasado con su novia, su perro y su gato. Aunque nos

dice que ha pasado la mayor parte del tiempo cocinando, leyendo y jugando a videojuegos, reconoce que la incertidumbre ante la imposibilidad de presentar su cuarto álbum en condiciones normales le ha quitado alguna hora de sueño. Con la esperanza de que puedan volver a la carretera pasado el verano, empezamos nuestra charla preguntándole sobre cómo se plantean sus próximos conciertos. Teniendo en cuenta que el álbum tiene una narrativa, ¿habéis pensado en tocarlo entero en la próxima gira? BEN BARLOW “Es algo que tenemos

que valorar. Creo que puedes tocar temas de los tres primeros discos mezclados y no pasa nada, pero para tener el efecto completo de las nuevas canciones tendrías que tocarlas en el orden del álbum. A mí me encantaría hacerlo, creo que sería una gran experiencia, pero tendremos que ver cómo funciona. Nuestro trabajo es escoger las canciones que tocaremos, así que habrá que hacerlo en algún momento (risas). En septiembre tenemos nuestros primeros conciertos programados, pero habrá que ver cómo evoluciona el coronavirus. Crucemos los dedos”. Sí, la verdad es que todos tenemos unas ganas locas de poder volver a disfrutar de la música en directo. Hablando ya de All

Distortions Are Intentional, el disco anterior The Peace And The

Panic lo grabasteis en Los Ángeles; en cambio éste lo habéis

aislamos completamente… antes de que el resto del mundo también lo hiciera (risas). Nos fuimos, literalmente, en medio de la nada en Gales, a los estudios Monnow Valley. Vivimos en el estudio durante seis semanas, sin wi-fi, sin cobertura, y eso nos llevó a concentrarnos mucho más en el disco. La composición de The Peace And The Panic fue mucho más estresante. Lo hicimos en L.A. y creo que no nos sumergimos tanto en el proceso. Había muchas distracciones y trabajábamos con un horario fijo, mientras que esta vez podíamos hacer lo que quisiéramos a cualquier hora del día. Pudimos ser mucho más creativos, tuvimos más libertad. Para mí The Peace And The Panic es más una colección de canciones, en el que se tocaban muchos temas distintos, mientras que en éste todo tiene más coherencia. Sin duda es el disco que más nos hemos divertido haciendo y en el que más relajados hemos estado. No había ninguna presión y teníamos tiempo. Es la combinación perfecta para crear”. Desde luego, desde vuestro primer álbum se nota la diferencia.

“Estamos constantemente evolucionando. Empezamos el grupo cuando éramos muy jóvenes. En nuestros dos primeros discos todavía estábamos aprendiendo a escribir buenas canciones, pero creo que ya con el anterior tuvimos la sensación de saber lo que estábamos haciendo, tanto en la composición como en la manera de tocar o grabar. Ahora todo está mejor ejecutado y resulta más fluido”.

hecho en Gales. ¿Crees que el cambio de entorno tuvo una in-

¿Tenías la historia que contáis

fluencia en el resultado final?

en All Distortions Are Intentional

“Sí, creo que sí. Para este disco nos

pensada antes de ir al estudio?

“NO TENGO LA EXPERIENCIA DE ESTAR EN UN ACANTILADO A PUNTO DE TIRARME, PERO SÍ HE TENIDO ESE SENTIMIENTO. SENTIR TANTO DOLOR QUE HARÍAS CUALQUIER COSA POR TERMINARLO” BEN BARLOW

“La mayoría sí, pero había algunos agujeros que teníamos que llenar. La idea del concepto me vino cuando estaba escribiendo ‘Lowlife’. En ese momento ya teníamos un par de canciones, pero con ‘Lowlife’ vimos claro que podíamos escribir el disco desde la perspectiva de un personaje, que podíamos escribir una historia. Es algo en lo que no había pensado antes. No soy un gran fan de los álbumes conceptuales. Para mí los discos tenían que ser muy directos y basados en las canciones. Pero escribir una historia de ficción me dio mucha libertad creativa porque no tenía que guardarme nada. Si escribes sobre ti, sabes que la gente analizará cada palabra, pero en este caso puedo expresar lo

que siento o lo que pienso con el velo de un personaje. Antes de ir al estudio teníamos unas siete u ocho canciones que encajaban en la narrativa, pero luego tuvimos que ir ajustando algunas cosas. A mí me gusta mucho trabajar en el estudio. Creo que doy lo mejor de mí cuando tengo una fecha de entrega. Cuando me aprietan es cuando soy más productivo”. Por lo que dices, escribiendo como un personaje has revelado más de ti que nunca.

“Totalmente, pero no me di cuenta hasta hace poco. Pensaba ‘bueno, son personajes, no soy yo’. Pero cuanto más he escuchado el disco más cuenta me he dado de que realmente soy yo.

Hay cosas que no me hubiera atrevido a decir si lo hubiera escrito desde mi perspectiva”. Dame un ejemplo.

“En el disco se habla de la felicidad extrema de enamorarte, pero al mismo tiempo sentirte frustrado y triste. Hay muchas referencias del personaje hacia el suicidio porque siente que no encaja en el mundo, no tiene un propósito en la vida. En la canción ‘Quarry’ piensa tirarse de esa cantera y acabar con su vida. No es algo en lo que piense mucho, pero creo que cualquier persona al menos una vez ha pasado por algo que le ha hecho pensar en eso. Y si no, le pasará en el futuro. Es un sentimiento muy poderoso

“NO QUERÍA HACER UN DISCO ÉPICO. AMERICAN IDIOT ES UN DISCO ÉPICO. EL NUESTRO ESTÁ MUCHO MÁS CENTRADO EN SITUACIONES DE LA VIDA DE LAS QUE LA GENTE NO HABLA MUCHO” BEN BARLOW

y real, y posiblemente es algo sobre lo que no me hubiera atrevido a escribir. Me hubiera dado miedo. Pero como tenía el personaje, me atreví. No tengo la experiencia de estar en un acantilado a punto de tirarme, pero sí he tenido ese sentimiento. Sentir tanto dolor que harías cualquier cosa por terminarlo. Puede parecer contradictorio, pero en este disco están nuestras canciones más auténticas y honestas”. ¿Están los personajes de Jett y 36

Alice inspirados en alguien que conoces?

“Como te decía, todo surgió de ‘Lowlife’. Estábamos de gira con Blink-182 y, para serte sincero, teníamos mucho tiempo libre. Sólo tocábamos 35-40 minutos y eso era todo lo que teníamos que hacer en todo el día. Así que el 99% del tiempo lo pasábamos fumando hierba, bebiendo y divirtiéndonos. Era como un mundo de ensueño. Sentía que nadie podía decirme nada. Así que escribí esa

canción sobre alguien al que le da todo igual y sólo piensa en hacer lo que quiera. Y en parte forma parte de quien soy, pero no siempre me siento así. Y ahí empecé a desarrollar ese personaje muy libre, al que le gustan los excesos. Pero pensé que no podía escribir todo un disco sobre eso, sería aburrido, tenía que buscar algo que le afectara emocionalmente. Y desde mi experiencia, lo que más te sacude a ese nivel es el amor, la música y la aceptación”.

situaciones de la vida de las que la gente no habla mucho. No es que Jett se convierta en un personaje increíble que todo el mundo ama. Sólo aprende a amarse a sí mismo y las pequeñas cosas de la vida. Quería que la historia pareciera real, no una película en la que el personaje pasa por una transformación épica, sino esa aceptación de que la vida es imprevisible y son las cosas pequeñas las que te hacen seguir adelante. No puedes esperar que te pasen grandes cosas, sino que tienes que buscar la felicidad en las pequeñas. Quería que cualquier persona se pudiera sentir identificada porque, a fin de cuentas, hablo de personas normales que no se sienten conectadas al mundo que les rodea. Y eso nos pasa a todos alguna vez”.

demasiada presión. La mayoría de mis amigos de la música que han querido llevar una vida de estrella del rock se han quemado bastante rápido. Pero yo no estoy hecho de esa pasta. Crecí en una pequeña ciudad, soy de una familia humilde. La banda me lo ha dado todo, pero no quiero que eso cambie quien soy. Creo que nuestra manera de ser es tan importante como la música que escribimos. Creo que es importante no perder la perspectiva de de dónde vienes. Por eso seguimos teniendo el mismo mánager, la misma crew, mi hermano que empezó el grupo conmigo ahora está en la banda, todo es muy humilde y familiar. Es peligroso alejarte de tus raíces. Y de todos modos, las estrellas de rock de ahora son los raperos (risas)”. ¿Ha supuesto un cambio positivo

En tu caso, o en el de muchos

el que tu hermano se haya inte-

músicos, quizá la dificultad es

grado oficialmente en la banda?

mayor. Antes hablabas de estar

“Sí, desde luego. Seb estuvo ahí desde el principio. Nos grababa en su habitación y nos ha ayudado muchísimo. Siempre ha formado parte del grupo, era el sexto miembro. Pero él estaba feliz grabando bandas y quedándose en casa con su pareja. Pero creo que en los últimos dos años quizá se sentía preparado para entrar en el grupo. Teníamos a nuestro amigo Josh (Halling) tocando el bajo durante un tiempo y casi se unió al grupo, pero Seb estaba en el estudio mezclando el disco mientras grabábamos y una noche estábamos borrachos y hablamos sobre quién íbamos a coger de bajista, y West dijo ‘Pero si tenemos al bajista aquí sentado’, y Seb dijo ‘estoy listo’. Fue así de fácil. Todavía no hemos dado ningún concierto con él , pero en cuanto a la dinámica interna es genial. No es como traer a alguien nuevo. Lo

viviendo en un mundo de ensueño, y supongo que no tiene que ser fácil sentirse adorado por miles de personas, pero en el fondo no dejas de ser una persona normal con sus propias inseguridades. ¿Aceptación de qué?

“De que no tienes por qué cambiar el mundo, o ser alguien famoso, o tener un propósito en la vida. Mientras tengas el amor de un amigo, de una pareja o de una familia, eso es suficiente para aguantar. Recuerdo un periodo de mi vida en el que perdí perspectiva sobre lo que era importante y entré en episodios de depresión. La cuestión es que no quería hacer un disco épico. American Idiot es un disco épico. El nuestro está mucho más centrado en

“Siempre he intentado ser humilde y modesto, intentar ser ‘normal’. Una de las cosas que más me ha preocupado desde que empezamos es esa presión de las expectativas por tener que ser una persona espectacular simplemente porque eres cantante de un grupo. Tienes que ser la mejor persona, el mejor músico, el más sensible, y eso es una trampa. Es como si siempre estuvieras andando en una cuerda floja y, si te caes, ahí acaba todo. Es como si, si sacaras un disco malo, fueras a retroceder cinco o diez años. Es

“BLINK-182 MUESTRAN MUCHO AMOR Y CUIDAN A LA GENTE QUE TRABAJA CON ELLOS. SON LA PRUEBA DE QUE SE PUEDE SER BUENAS PERSONAS Y TENER ÉXITO” BEN BARLOW

sabe todo sobre Neck Deep, incluso más que yo, siempre ha estado comprometido con la banda. Pensar que cuándo teníamos 8, 9 años y estábamos en el garaje escuchando discos de Blink, New Found Glory y Green Day jugando a que estábamos en un grupo, pero sabiendo que nunca ocurriría, y que ahora sea una realidad, es una locura. No hay nada mejor que poder compartir todo lo que ha conseguido el grupo con él”. Has mencionado a Blink-182 y a New Found Glory. ¿Si pudieras elegir la carrera de uno u otro con cuál te quedarías para ti?

“Vaya, ésa es una gran pregunta. Mmm… Creo que Blink siempre serán los número 1 para mí. Me gustan mucho New Found Glory, pero Blink son una leyenda. Tienen un legado más 38

universal, New Found Glory es algo más específico para la gente que le gusta el punk pop o el punk. Nosotros estuvimos de gira con Blink y Lil’ Wayne, así que puedes ser fan de Lil’ Wayne y que te guste Blink. Yo quiero ser una de esas bandas que traspasan géneros. No creo que nunca dejemos lo que somos atrás, pero si pudiéramos hacer como Blink, que definieron su sonido hasta el punto en que pueden hacer lo que quieran y sigue sonando a ellos, me encantaría. Especialmente con su disco homónimo hicieron algo único, y creo que con All Distortions nosotros también hemos hecho algo que suena sólo a nosotros. Hay influencias varias, no puedes decir que es un álbum de rock o de punk pop o de pop, es un disco de Neck Deep. Cualquier grupo quiere llegar al máximo de gente y visitar el máximo de

lugares, así que, lo siento New Found Glory, os quiero, pero me quedo con Blink-182 (risas)”. Siendo tan fan, para ti girar con ellos debió ser increíble.

“Sí, lo fue. Para mí fue un sueño. Alguna gente dice que es mejor no conocer a tus ídolos, pero, joder, con Blink es todo lo contrario. Aunque Mark sea un poco más viejo y más serio que antes, todavía es muy divertido. Cada vez que hablas con él te acaba soltando un chiste o tomándote el pelo. Travis es una jodida máquina. Cada vez que pasas por su camerino está tocando la batería, siempre está ocupado. Y Skiba es todo un personaje, es muy interesante. Siempre habla de cosas raras, de magia negra o cosas así (risas). Todos son unos personajes, pero están muy comprometidos con lo que hacen.

Y en el aspecto familiar se parecen a nosotros. Tienen el mismo management que hace veinte años y gente de su equipo que lleva todo ese tiempo a su lado. Es muy inspirador ver a una banda de ese calibre y ver que no tienes por qué convertirte en Metallica (risas). Muestran mucho amor y cuidan a la gente que trabaja con ellos. Son la prueba de que se puede ser buenas personas y tener éxito.”. ¿Y con Lil’ Wayne tuviste trato?

“Lo suyo es otra cosa. Viene del mundo del rap y casi nunca le veíamos. Veíamos a su crew, que eran muy buena gente, pero nunca a él. Llegaba un minuto antes de empezar su show, tocaba y se iba. En cambio, Blink estaban todo el día allí trabajando y ayudando. El mundo del rap y el rock son muy distintos, pero es maravilloso que una gira así pueda hacerse. Es una muestra de lo mucho que ha evolucionado el mundo de la música y que la gente tiene la mentalidad más abierta”.

DISCO DEL MES

R The Great Flood (IRON BONEHEAD) ROCK, POST PUNK

ope Sect son la gran gamberrada de Iron Bonehead, su caballo de Troya para conquistar mentes influenciables. Un solo tema suyo basta para preguntarse qué pintan en un sello tan animal, especializado en death cavernícola, war metal y black death, pero en realidad, a su manera, la propuesta del combo germano puede llegar a ser tan inquietante y nociva como la de cualquier otro compañero de disquera. Precedido de algunos singles y EPs, The Great Flood es su esperado primer álbum y, a través de ‘Prison Of You’ o ‘The Underground Paradise’, Ghost te vienen a la cabeza escuchándolo. Pero unos Ghost que se mantengan

ROPE SECT

íntegros y, lo más esencial, que tiren hacia el post punk y la melancolía de los 80 góticos. Unos en los que Mat ‘Kvohst’ McNerney de Hexvessel y Grave Pleasures pueda participar en las letras y cante en dos temas, o que también puedan compartir cartel con King Dude sin desentonar. De la simplicidad pero terrible eficacia de estos cortes también emana oscuridad, y es que estoy seguro que esta banda viene del black o coordenadas más extremas, algo que, con distinción, sale a flote hacia el final de la preciosa ‘Hiraeth’ o con el blast de ‘Issohadores’. Pequeños guiños para aumentar el misterio. Esto son canciones livianas en las que el master cristalino de Damian

Herring de Horrendous ha jugado un papel estelar, aunque uno no puede evitar sentir que algo maligno se está cociendo, que algo va terriblemente mal en bellezas como ‘Rope Of The Just’ o ‘Eleutheria’. Menudas canciones, pero es que esta última ya se sale. Delicadeza, texturas orgánicas y voces de lo más cuidadas en ‘Flood Flower’ o la introspectiva ‘Dilluvian Darkness’ para una ópera prima muy ilusionante, que anticipa una discografía de lo más suculenta. No creo que tarden mucho en petarlo, así que disfrutemos de Rope Sect antes de que el moderneo los descubra y exista la posibilidad de que su magia se diluya. PAU NAVARRA

HYEDRA

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Jon

Sainz (guitarra), Manu Collado (guitarra), Xabier Arratibel (teclados, guitarra), Francis Larrañaga (batería) Iñigo Sanchez (bajo) PRODUCIDO POR: Haritz Hurreguy AFINES A: Toundra, Russian Circles, Explosions In The Sky PÁGINA WEB: www.facebook.com/hyedraband

C Séptimo Invierno (AUTOEDITADO) POST ROCK

ontando con miembros procedentes de bandas como All Became Dust, Chase The Mayhem, Krilin, Thanks To Losers, Cohen o The Animal Within, uno tiene la certeza que el nivel musical de Hyedra está garantizado. Si a eso les sumamos que el combo donostiarra se toma su tiempo cada vez que se decide a publicar nuevo material, todavía más. Su segunda referencia llega dos años después de que debutaran con un EP homónimo, tiempo en el que la banda no ha parado de tocar y curtirse, todavía más, sobre las tablas. Producidas por el maestro Haritz Harreguy el pasado

enero, estas cinco nuevas canciones vienen a confirmar lo que apuntaron en su primer trabajo. Estamos ante una banda que domina perfectamente el lenguaje del post rock, utilizando con acierto los cambios de dinámica y prestando una gran atención a los detalles. El épico inicio de ‘Heryda’ es suficiente para que tus oídos se abran de par en par. La preciosa melodía de guitarra que sigue a continuación, bañada por un manto de una segunda guitarra, te va cautivando hasta que, sin darte cuenta, el tema ha cogido una intensidad brutal. ‘Galerna’ vuelve a jugar con ese efecto de caricia/bofe-

tada con mucho acierto. ‘La Tempestad (antes de)’ y ‘La Calma’ podría tomarse como una única pieza en la que Hyedra juegan primero con la contención hasta explotar con una tormenta eléctrica digna de Envy. Finalmente en ‘Nonbait’, introducen a Gartxot Unsai como vocalista invitado, sumando un elemento más de emotividad y creando una pieza incluso pegadiza. Quien esté habituado a escuchar a bandas similares, tendrá la sensación de haber visitado paisajes sonoros similares, pero está claro que Hyedra saben facturarlos como los mejores. MARC LÓPEZ

BONUS TRACK CON... MANU COLLADO Parece que sois una banda que os gusta hacer las cosas sin prisa. ¿Os consideráis unos perfeccionistas?

“Desde el principio nos hemos tomado las cosas con calma, no es por una razón en especial. Somos un grupo de amigos que decidimos montar un grupo para pasarlo bien tocando juntos, supongo que por ello llevamos un ritmo más relajado en cuanto a sacar material. Siempre hemos sido más activos en montar bolos y tocar lo máximo posible en directo”. ¿Resulta difícil encontrar un punto de originalidad en un campo en el que hay tantas bandas?

“Nuestra personalidad reside sin duda en los gustos musicales de cada uno de nosotros. Algunos más metaleros, otros más pop punk, y esa mezcla supongo que luego se refleja en nuestra música de cierta manera. Sabíamos desde el

principio que tiraríamos por el instrumental, justo descubríamos grupos como Russian Circles o Explosions In The Sky y sabíamos que era el camino”. ¿Fueron ‘La Tempestad’ y ‘La Calma’ concebidos como dos temas que debían ir juntos?

“Sí, en un principio teníamos ‘La Tempestad’ como una intro, y empezamos a componer partiendo de la melodía principal del bajo, y salió ‘La Calma’. En un principio era un tema pero decidimos separarlos y convertir ‘La Tempestad’ en un interludio porque vimos que funcionaba a la perfección como un ecuador en el disco”. Viendo los buenos resultados en ’Nonbait’, ¿os plantearíais fichar a un vocalista fijo?

“Seguiremos siendo una banda instrumental. Estamos contentísimos con la recepción que ha tenido ‘Nonbait’, pero sobre todo por haber podido colaborar con Gartxot, amigo nuestro y

artistazo con el que llevábamos tiempo queriendo hacer algo. En el futuro sería genial poder seguir colaborando con más vocalistas que admiramos, y seguro ocurrirá”. Por último, podrías explicar el significado del logo con las manos, y la relación con la foto del niño de la portada.

“El niño de la portada es el hermano pequeño de mi pareja. Es una foto vieja sacada hace años en su pueblo y desde que la vi noté que era sangre de portada. Sabíamos que en Séptimo Invierno queríamos usar una imagen que reflejara un momento en especial. Recordé esta foto y al compartirla con el resto lo vimos enseguida, tenía que ser ésa. Y el logo surge del gesto que tiene el niño. Hice pruebas de como podríamos destacar un elemento de la portada para convertirlo en logo y sin duda tenía que ser las manos”. (MARC LÓPEZ)

GREY DAZE Amends (WARNER) ROCK ALTERNATIVO

unque muchos fans de Linkin Park conocían de la existencia de Grey Daze, la banda anterior de Chester Bennington, no tantos habían escuchado su música. El grupo publicó una maqueta y dos álbumes a mediados de los 90, pero excepto en su ámbito local, apenas tuvieron repercusión. Ahora, gracias a Amends, su música tiene una segunda oportunidad para llegar a mucha más gente. El álbum presenta una recopilación de versiones regrabas de 11 de sus canciones, conservando las pistas originales de voz grabadas por Chester. Si bien, musicalmente, sus canciones se mueven correctamente

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entre ese post grunge y metal alternativo que dominaba en la época (piensa en Staind), lo realmente atractivo es poder escuchar las interpretaciones del vocalista, en las que queda clarísimo su enorme talento. Teniendo en cuenta que las grabó con 18, 19 años, el nivel que alcanza en temas como ‘In Time’, ‘Soul Song’, ‘Morei Sky’ o ‘What’s In The Eye’ (en la que se nota la influencia de Scott Weiland de Stone Temple Pilots), es realmente destacable, y explica por qué un ejecutivo de Zomba Music le ofreció una audición con Linkin Park. El resto, como suele decirse, es historia. Y quizá ése sea principal el valor de Amends. Más allá de que en estas nuevas grabaciones hayan participado figuras como Head o Munky de Korn, Page Hamilton de Helmet, Marcos Curiel de P.O.D. o su propio hijo, Jaime Bennington, el álbum nos da la oportunidad de recuperar un trocito de la historia de un cantante icónico que quizá hubiera quedado en el olvido para siempre. DAVID GARCELL

INCANTATION Sect Of Vile Divinities (RELAPSE) DEATH METAL

sta última década de Incantation ha sido francamente buena. Vanquish In Vengeance, Dirges Of Elysium y Profane Nexus demostraron que esta leyenda del death, con 31 años a sus espaldas ya, todavía tenía mucho por desollar. Además, si algo pudimos celebrar muchos es esa tendencia cada vez más marcada de bajar los tempos, aprovechar el temible y cadavérico vozarrón de John McEntee y caer en el doom más ominoso y viciado. Es por eso que, lo que más me ha sorprendido de Sect Of Vile Divinities, su decimosegundo largo, es tener que ensalzar

precisamente lo contrario: sus canciones más rápidas. Con ‘Propitiation’ a la cabeza, los primeros temas apuntan maneras, pero al llegar a ‘Guardians From The Primeval’ el disco gana enteros. Ni 2 minutos y medio para que una sucesión de riffs retorcidos te empalen. Casi el mismo caso en ‘Chant Of Formless Dread’, aunque tampoco hay que perderle la pista a momificaciones como la destacadísima ‘Black Fathom’s Fire’, en la que hay de todo, la prehistórica ‘Ignis Fatuus’ o a ‘Scribes Of The Stygian’ y ‘ShadowBlade Masters Of Tempest And Maelstrom’, ambas de conseguidos aires ritualísticos y arcanos. Aplastado te va a dejar ‘Unborn Ambrosia’ con su medio tiempo y acelerón súbito, y qué decir de la última ‘Siege Hive’. Por si había alguna duda, con esta canción final los estadounidenses certifican que han querido volver a sus raíces y a la oscurísima tralla por la que son venerados. Una obra que va de menos a más, imagino que al sentirse paulatinamente aupada por todos esos seres malignos de diversas culturas que, corte tras corte, han sido invocados. PAU NAVARRA

temas que le iba mandando a Refree para que éste los acompañase a su gusto. Escuchando el resultado, se aprecia el esfuerzo y la intención por desmarcarse de la banda madre. Es verdad que el registro roto y la manera de recitar son reconocibles, pero la labor NOSTALGIA.EN.LOS. del productor aquí es crucial para encontrar ese toque AUTOBUSES diferenciador. En cortes como 2.0.2.0. ‘las tumbas de los escritores’ (AUTOEDITADO) y ‘naturaleza’ abundan CANTAUTOR, EXPERIMENTAL los arreglos de teclados, los ritmos programados y 8 las texturas ambientales que acaban diseñando uchos una personalidad estética sospechábamos distinta. De algún modo que tarde podríamos entroncar esta o temprano David Ruiz serie de canciones con ‘La acabaría haciendo algo fuera Zona Galáctica’, aquel single del marco de La Maravillosa de aire experimental que La Orquesta Del Alcohol. Lo que MODA publicó el pasado desde luego nadie pensaba curso como resultado de su es que ese momento fuese a primera colaboración con el llegar en una situación tan Refree. Sea un aviso de por extraña como la que estamos dónde pueden ir los tiros de viviendo. Pero seguramente ese cuarto disco de estudio sea la inercia creativa en la que están preparando o un que se encontraba el conjunto mero entretenimiento puntual de Burgos, comenzando la fruto de las circunstancias, grabación de su nuevo álbum David demuestra que bien junto a Raül Refree, la que ha podría desarrollar una originado un proyecto como carrera propia en paralelo nostalgia.en.los.autobuses. tan interesante como la Tras paralizar las sesiones que ha labrado junto a sus y regresar a casa, David compañeros de viaje. empezó a componer nuevos GONZALO PUEBLA

NEW FOUND GLORY

Forever + Ever x Infinity (HOPELESS) PUNK POP

l contrario que otras bandas con las que en su tiempo compartieron escenario como Blink-182 o Fall Out Boy, New Found Glory no han sentido la necesidad de modernizar su sonido, ni experimentar con otros géneros. En ese aspecto, su filosofía estaría más cercana a la de unos Bad Religion: se la juegan todo a seguir escribiendo buenas canciones. Y, desde luego, Forever + Ever x Infinity, las tiene. Además, quien se sintiera un poco decepcionado con el sonido más suave de su anterior largo, Makes Me Sick (2017), se sentirá

inmediatamente aliviado a la que suene el primer tema, ‘Shook By Your Shaved Head’. Su riff, empuje y melodía te transportará inmediatamente a cuando fuera que los escuchaste por primera vez. Aún más trepidante es el segundo tema, ‘Greatest Of All Time’, con un estribillo que en 2002 lo habría petado en la MTV. El típico riff saltarín de ‘Double Chin For The Win’, la inmediatez de ‘Nothing To Say’ o el toque más hardcoreta de ‘Himalaya’ o ‘Trophy’ resultan tan necesarios como bienvenidos cuando uno pincha uno de sus discos. Un par de baladas, ‘More And More’ y ‘Sleeping Away’, que cierra el álbum, son los únicos momentos de pausa en un repertorio que transmite la misma jovialidad que se vive en sus conciertos. Como la noria de la foto de portada que lo ilustra, este álbum es una invitación a subirse a su música y pasar un buen rato. No esperes de él nada rompedor, ni trascendente, pero su décimo trabajo de estudio vuelve a reivindicarlos como los mejores embajadores del punk pop. MARC LÓPEZ

S MUJERES

Siento Muerte (SONIDO MUCHACHO) ROCK

iento Muerte tiene todos los números para darle a Mujeres esa solidez y consolidación que parecía que siempre rozaban, pero que nunca acababan de llegar. Así, a lo tonto, han pasado una década desde su debut, y si analizamos ese primer trabajo en comparación con este nuevo lanzamiento, vemos que en la superficie el discurso de los barceloneses tampoco ha variado en exceso. Sin embargo rascando un poco, sí que notamos la evolución consecuencia de haber editado ya cinco álbumes y unos cuantos EPs. El ahora trío sigue practicando ese garage de espíritu punk que llevan descargando desde sus inicios, pero la maestría la han ido ganando con ese elemento pop que imprime a sus canciones algo más que urgencia y rebeldía. Que el cambio de idioma, iniciado con su anterior álbum, ha

S BELL WITCH, AERIAL RUIN

Stygian Bough Volume I (PROFOUND LORE) DARK FOLK, FUNERAL DOOM

tygian Bough Volume I es el primer disco, que no primer contacto, entre el dúo funeral doom Bell Witch y el artista de folk oscuro Aerial Ruin, proyecto de Erik Moggridge, y los frutos son altamente notorios pese a algún ligerísimo reproche. Una tonada acústica y melancólica te abre las puertas de ‘The Bastard Wind’, una holgada bienvenida de más de 19 minutos que podríamos catalogar de excelente… aunque predecible. Tras esa estampa bucólica-pastoril, ¿de verdad ningún fan de Bell Witch esperaba un estallido funeral, o esa progresión in crescendo final tan suya que la concluye?

jugado a su favor es algo que resulta hasta obvio. El inicio del álbum con ‘Tú Y Yo’,’Besos’ y ‘Cae La Noche’ se beneficia justo de eso y deja al descubierto a lo que mejor saben jugar Mujeres. Parecen querer devolver parte del sabor primigenio del rock’n’roll, hablando de amor sobre unas melodías pegadizas desde el primer segundo, condensando lo que tienen que decir en el tiempo necesario, poco, sin que haya espacio

para el aburrimiento. Que tienen algunos ases en la manga también queda claro conforme avanza el álbum -la final ‘Algo Memorable’ nos recuerda que deben ser fans de Jawbox o Jawbreaker- mostrando más que nunca que Mujeres son una banda de recursos dispuesta a recoger los frutos de todos estos años. Contradiciendo lo que indica su título, este disco te hará sentir muy vivo.

Y de igual manera, pese a todo lo familiarizado que puedas estar con el estilo compositivo de los de Seattle, ¿cómo oponerse a que nuestro corazón reciba una bendición tan conmovedora? ¿Cómo ponerse de culo ante su indiscutible talento? No seré yo el que le niegue al propio cuerpo alcanzar el éxtasis. Es una cuestión de hedonismo, tan simple como eso. La naturaleza contemplativa de esta obra se destapa del todo con otra extensa canción como ‘Heaven Torn Low I (The Passage)’, con Moggridge dejando claro que él va a llevar la voz cantante ante el micro, aunque para nada desentone dada la

idiosincrasia espiritual de Stygian Bough. Regresan las guitarras duras y el sentimiento lento, deliciosamente lento, en ‘Heaven Torn Low II (The Toll)’, pero otra pequeña duda me asalta: ¿De la unión de estos tres cerebros no podría haber salido un universo mucho más propio? Porque aunque lo esté gozando infinitamente, considero que en este trabajo se notan demasiado los dos mundos en los que normalmente habitan los proyectos madre, casi pudiendo identificar a un grupo concreto con cada corte. Aun así, una experiencia religiosa.

RICHARD ROYUELA

PAU NAVARRA

GRAVE DIGGER Fields Of Blood (NAPALM) HEAVY METAL, POWER METAL

l sabor agridulce que la intro ‘The Clansman’s Journey’ te deja en la boca no vuelve a aparecer demasiado en Fields Of Blood. Ésta es un guiño a Tunes Of War, seguramente el álbum más celebrado de la carrera de Grave Digger, pero no deja de evolucionar de una forma… dislocada. Y es que, para el disco que marca su 40 aniversario como banda, los germanos han querido volver conceptualmente a Escocia, un país cuya historia les ha valido para completar una trilogía. Si ‘All For The Kingdom’ se convierte en un corte resultón gracias a

la elasticidad de Axel Ritt al mástil y en ‘Lions Of The Sea’ observamos a unos Digger inspirados, ‘Heart Of Scotland’ o ‘Freedom’ sentencian que este álbum está bastante por encima de varios de los bodrios que han lanzado durante este siglo. Son dos canciones 100% suyas, no hay duda, pero sobre todo ponen de relieve que, lentos o rápidos, los teutones aún pueden sacar lo mejor de sí mismos si se lo proponen. Con una ‘Thousand Tears’ aceptable, que cuenta con la colaboración de Noora de Battle Beast, ‘Union Of The Crown’, una ‘My Final Fight’ algo Running Wild o ‘Barbarian’, transitamos por una obra amena, con pocas horteradas que horroricen. Yo habría sacrificado algún tema para ganar dinamismo, pero tal y como está el panorama y, como decíamos, comparado con ciertas obras que Grave Digger nos habían brindado últimamente, más que suficiente. Además, si la cazalla de Chris Boltendahl es lo que más disfrutas de este grupo, tranquilo, porque ésta se mantiene en forma. PAU NAVARRA

CROSSFAITH Species

(SPECIES INC) METAL, ELECTRÓNICA

o os voy a mentir, pero hasta que en 2018 Crystal Lake me rompiese por completo la cabeza en el Resurecction Fest, no me había interesado mucho por las bandas asiáticas de música extrema. Gracias a ellos empecé a escuchar diferentes grupos y entre ellos había uno peculiar, uno que mezclaba el futuro distópico de Blade Runner con el hardcore metal y la electrónica; eran Crossfaith. Lejos de dicho futuro distópico, pero en un presente no mucho más esperanzador, la banda ha decidido lanzar su nuevo EP Species, con el cual intentan buscar de nuevo

ese equilibrio entre el metal y la música electrónica que les caracteriza. En él, podemos encontrar cortes como ‘Digital Parasite’, una frenética canción de apertura donde desde el primer momento la banda nos muestra esta mezcla entre The Prodigy, Slipknot y el hardcore, para seguir con una ‘Endorphin’, la cual tiene uno de los mejores riffs del EP y un potente coro melódico. No podían faltar las colaboraciones, y en este caso nos encontramos la del rapero japonés Jin Dogg en el tema ‘None Of Your Business’, dejándonos un corte cargado de ira. Species es continuista, ya que explora un terreno muy trabajado por la banda, pero es un trabajo perfecto para familiarizarse con ellos, ya que encapsula en apenas 17 minutos el ecléctico sonido que ha caracterizado a los de Osaka durante los últimos años. Está lejos de ser su mejor trabajo, pero es un adecuado grito de rabia en los tiempos oscuros que corren. Otro tanto a su favor, aunque de momento ninguna de sus grabaciones consigue el grado de locura que se vive en sus conciertos. ALEJANDRO TEIGA ROBLES

BOB DYLAN

Rough And Rowdy Ways (COLUMBIA) CANTAUTOR, BLUES, FOLK

mediados de los 90, el Papa Juan Pablo II publicó un doble CD en el se le podía escuchar pasando el Rosario. Rough And Rowdy Ways, el primer álbum de Bob Dylan con material original en nueve años y trigésimo noveno de su carrera, viene a ser un poco lo mismo. Sólo si eres un converso a la fe del señor Zimmerman serás capaz de llegar hasta el final. Lo cual explica la disparidad de opiniones que ha levantado este disco. Unos lo consideran una de sus obras maestras, mientras que para otros resultan un tostón insufrible. Comprendo que para quienes no soportan la voz de Dylan, esto puedo

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resultar insufrible, pero para un servidor valorarle por su capacidad vocal me parece errar el tiro. A sus 79 años, su voz suena con las mismas arrugas que pueblan su rostro, pero logra que incluso los versos más estrambóticos suenen llenos de sabiduría y trascendencia. Como pasaba ya en sus últimos trabajos, el de Duluth se decanta en algunas piezas por el blues tradicional (‘False Prophet’, ‘Goodbye Jimmy Red’, ‘Crossing The Rubicon’) que no tienen demasiado interés más allá de verle como parte del paisaje musical americano del siglo XX. Sin embargo en otros temas consigue desdibujar la parte instrumental hasta convertirlos en algo así como una pintura abstracta que puede emocionarte aunque no comprendas del todo. A la preciosa ‘I’ve Made Up My Mind To Give Myself To You’, la minimalista ‘I Contain Multitudes’ o la monumental ‘Muder Most Foul’, de casi 17 minutos, me remito. Cada palabra es un toque de pincel, cada inflexión, un matiz entre el gris y el marrón crepuscular. JORDI MEYA

HAIM

Women In Music Pt. III (POLYDOR) POP, ROCK

icen que los terceros álbumes son los que marcan en muchos casos las carreras de las bandas. En el caso de Haim parece que, efectivamente, va a ser así. Por el momento está siendo el álbum más aclamado de las hermanas californianas, y es totalmente merecido. Sin duda Women In Music Pt. III es su disco más completo, pero estamos ya en puertas de afirmar que éstas son unas Haim diferentes. Empieza a quedar lejos aquellas canciones como ‘The Wire’ o ‘Forever’; hits de manual con los que caímos a sus pies. Ese pop rock luminoso californiano cada vez está menos

presente, probablemente, y aquí viene el motivo del giro, porque Haim es cada vez más un proyecto en solitario de Danielle con sus hermanas como comparsas de lujo. Women In Music Pt. III es un álbum pausado e introspectivo en el cual parece que la banda se haya sacado cualquier presión para facturar singles –será curioso ver cómo funciona en las listas- para simplemente crear el disco que han querido. Y en esa sinceridad es donde reside la clave de que estemos ante un disco tan redondo como éste. Las buenas canciones es lo que preside el álbum y Haim están consiguiendo lo que muy pocos puede decir ahora mismo: tener un sonido propio. Ya sea jugando con aires jazz en ‘Los Angeles’, la americana en ‘Leaning On You’, el pop en ‘Don’t Wanna’, e incluso los ritmos caribeños en ‘Another Try’, cada una de las canciones -por cierto ninguna pasa de los 4 minutos- es un pequeño mundo en sí misma, creando todas ellas algo cercano a lo que podríamos denominar como obra maestra contemporánea. Desde luego, la mayoría de edad ha llegado a Haim. RICHARD ROYUELA

VAMPIRE Rex

(CENTURY MEDIA) DEATH METAL

ampire son suecos y nunca lo han podido ocultar. ¡De Göteborg, para más inri! Entendedme, es imposible que esto tenga connotaciones negativas, pero sí suele condicionar tu estilo compositivo, pues ese ADN en particular te obliga a cultivar un refinado gusto por las melodías y te dota de una forma especial, casi única, de afrontar el death metal. Este Rex tiene más en común con Necrophobic o Dissection que con Unleashed o Dismember, y ese efluvio black que desprende se refuerza más aún con las labores al micro de Hand Of Doom, cuyo timbre puede recordar

al de Erik Danielsson de los diabólicos Watain. A todo eso hay que añadir su pasión por el heavy clásico, algo que se nota con creces en ‘Anima’, por ejemplo, con un segmento rematadamente Iron Maiden, o en ‘Pandemoni’ y ‘Melek-Taus’. No seré yo quien le haga ascos a este tipo de matrimonios, pero recurrir a esa fórmula no quita que ‘Inspiritus’ y ‘Serafim’ sean tópicas, o que, aunque ‘WiruAkka’ o ‘Moloch’ intenten descontrolarse, sigan siendo temas amables sin excesiva enjundia. Si algo me gusta de ellos es que en ciertos momentos te obligan a rememorar los 90, algo a lo que el uso de guitarras acústicas ayuda y mucho, pero sus lanzamientos me siguen pareciendo demasiado bonitos y alegres, inofensivos en cierta manera. Eso sí, cualquier amante de las producciones cuidadas y el metal extremo que para nada va a quemar tiene aquí un buen hilo del que tirar. Para ser sincero, Vampire siempre me han gustado más en directo que en disco… Serán cosas del sudor y la mugre. PAU NAVARRA

STRIKE ANYWHERE

Nightmares Of The West (PURE NOISE) PUNK ROCK, HARDCORE

i no fuese porque ya empiezan a peinar alguna cana, uno podría pensar que Strike Anywhere viven metidos en una burbuja de cristal inalterable al paso del tiempo. Digo esto porque después de escuchar Nightmares Of The West, cuesta creer que hayan pasado once años desde que publicasen su último álbum, Iron Front. Tanto su música como su mensaje de compromiso por una sociedad mejor apenas se han visto alterados y (por desgracia) siguen siendo tan vigentes ahora como en 2009. De hecho, no podrían tener más importancia viendo

la actualidad que está aconteciendo en la sociedad americana, con un Donald Trump absolutamente desatado. Si bien es un poco triste que tras tanto tiempo sin noticias suyas solo hayan entregado seis nuevos temas más una versión de los ingleses Blocko, la parte buena viene cuando nos encontramos a unos Strike Anywhere en su mejor versión. De nuevo con la ayuda en los controles de Brian McTernan, los de Richmond continúan sonando inmediatos, melódicos y reivindicativos a partes iguales. Sin muchas sorpresas, los cortes van desfilando en apenas un suspiro, haciendo especial hincapié en las hímnicas ‘The Bells’ e ‘Imperium Of Waste’ o la rápida ‘Frontier Glitch’ que te cargan las pilas de vitalidad y optimismo. No hubiera estado mal que arriesgaran un pelín, pero ya se sabe que el hardcore melódico no es el mejor terreno para los experimentos con gaseosa. Aún así, podemos hablar de un feliz reencuentro con una formación que ya empezábamos a dar por perdida creativamente hablando. Justo a tiempo. GONZALO PUEBLA

C BLACK CURSE Endless Wound (SEPULCHRAL VOICE) BLACK DEATH

on peña de Blood Incantation, Spectral Voice o Primitive Man, ¿qué se podía esperar? Pues si nos situábamos en el escenario más pesimista, una obra depravada, una hecatombe, el caos primordial. Y así ha sido, afortunadamente. Acoples, y en tromba que ‘Charnel Rift’ te arrebata toda dignidad. Eli Wendler está poseído por un ente de lo más perverso, durante el álbum de debut de Black Curse se muestra como un Attila Csihar torturado por la Inquisición. Parones doom ominosos, arrebatos de war metal totalmente insensatos, black death alevoso sin rasgo alguno de humanidad. Tremendo el destroce neuronal que ‘Enraptured By Decay’ puede provocarte, denunciable la humillación que ‘Seared Eyes’ significa, imposible ser más primitivo que ‘Lifeless Sanctum’. Y lo peor es que, con

S THOU

Blessings Of The Highest Order (AUTOEDITADO) GRUNGE, SLUDGE METAL

ería redundante hablar sobre la importancia de Nirvana en la historia del rock o del talento de Kurt Cobain como compositor. Pero que artistas tan distintos como Post Malone y Thou hayan coincidido en reivindicarles durante esta pandemia es un poderoso recordatorio del impacto que tuvieron a pesar de su corta existencia. En el caso de la banda de Louisiana lo ha hecho a través del lanzamiento por sorpresa de un álbum en el que recopilan 16 versiones que han ido grabando o interpretando en directo a lo largo de los años. No sé de dónde procede esta obsesión por ir

‘Endless Wound’ y ‘Finality I Behold’, el disco va a más y debes reconocer que es jodidamente sobresaliente. ¡Qué berridos, cuánta inquina! Arthur Rizk, el nuevo genio de los sonidos ultrajantes, la ha vuelto a liar bien parda aquí. Estos perturbados de Denver atruenan como si un chorro de lava fuera directo a tu jeta, estas canciones crujientes son como beberte ardiendo un cóctel de

boñiga en descomposición con orina, y todo ello acaeciendo en una cueva en la que ninguna luz ha penetrado durante milenios. A esta producción sólo le falta echar a trotar, pasarte por encima con el poderío de un mamut y morderte la entrepierna. De Tribunal de La Haya como mínimo. Esto sí es satisfacción instantánea, y no lo del McDonald’s.

acudiendo regularmente al cancionero de Cobain, más allá de que sus miembros crecieron en los 90, pero desde luego se les da muy bien. A pesar de que Thou son una banda mucho más dura que Nirvana, existen varios puntos en común que facilitan las adaptaciones: el gusto por el feedback y el ruido, la oscuridad de las letras, los riffs pesados… Y además cuando la materia prima es tan buena… Como era de esperar, Thou se han especializado en repescar los temas más ‘extremos’ y menos sobados de la banda (no esperes encontrar aquí ‘Smells Like Teen Spirit’, ‘Come As You Are’ o ‘Lithium’), pero pese a las

capas extras de suciedad y distorsión, la crudeza del sonido y la voz tirando a blackie de Bryan Funck, canciones como ‘Aneurysm’, ‘School’ o ‘Something In The Way’ siguen siendo reconocibles. El álbum lo cierra la versión de ‘Where Did You Sleep Last Night’ de Lead Belly que Nirvana grabaron para su MTV Unplugged, aquí rebautizada como ‘My Girl’. Casi nueve minutos agónicos que, como el resto del disco nos permite imaginar cómo hubieran sonado Nirvana de ser una banda de sludge metal. Aunque, bien pensado, para eso ya teníamos a los Melvins.

PAU NAVARRA

JORDI MEYA

RATPENAT

50% Glam 50% Clavegueram (KASBA MUSIC) ROCK, METAL, PUNK

i eres de Catalunya, y te interesa el rock más sudoroso, es más que probable que el nombre de Ratpenat te resulte del todo familiar. Desde luego oportunidades para verlos en directo no han faltado. Que su nombre se vaya expandiendo al resto del Estado es tan sólo una cuestión de tiempo, teniendo en cuenta que las bandas canten en sus lenguas autóctonas cada vez supone menos un hándicap. Y es que a pesar de todo el caos que parece rodear a la banda, en 50% Glam 50% Clavegueram el cuarteto demuestra que juega en serio. El paso

adelante dado por Ratpenat en el año transcurrido desde su debut a este segundo trabajo es sencillamente abismal. Desde la portada, presentación del álbum –nos hemos olvidado de que en CD todavía se pueden hacer muy buenos artworks– o una producción trabajada, las once canciones del álbum nos traen una mezcla de punk, metal y rock n’ roll donde en una misma canción puede haber de todo. Las fronteras estilísticas no van con ellos y la actitud (las letras no tiene desperdicio) es su principal baza. La final ‘Folla ‘n’ Roll’ sirve de perfecto ejemplo para definir lo que es una parte de Ratpenat, pero también tienen su vertiente más crítica, ‘Barcelona Ha Mort’’ -en la que colabora Morfi de la Trapera, creando así una versión actualizada de la mítica ‘Ciutat Podrida’- o ‘Mori El Mal Govern’ donde sacan su espíritu más punk.En definitiva un buen disco de rock n’ roll que muestra que con actitud y sinceridad, todavía se combinar desmadre y crítica social, y no dejar indiferente. Este murciélago viene a por ti. RICHARD ROYUELA

PRIMITIVE MAN Immersion (RELAPSE) DOOM METAL, NOISE

rimitive Man tenían casi imposible superar una obra tan sádica y abominable como Caustic, su anterior álbum publicado en 2017, y cabe decir que no lo han conseguido. Es lo que hay. En aquella ocasión, durante más de una hora y cuarto fuimos testigos de una cruel villanía difícilmente olvidable, una tropelía traumática, pero claro, eso tampoco debería echar por tierra los odiosos 35 minutos aquí enclaustrados. El trío sigue obsesionado con los aspectos más espeluznantes y tortuosos de la existencia, estos estadounidenses continúan empecinados en

hacer de su música el hoyo más deprimente, aciago y abyecto al que puedas caer de boca. Su universo es negro, no conoce luz, color o sombra, pero ante una estampa tan desoladora tienen el suficiente talento como para, mínimamente, tantear el camino de la variación. Es por eso que en la final y diabólica ‘Consumption’ recurren un poco al sludge y se permiten algún arrebato veloz, un blast inicial en ‘Menacing’, que algún corte es puro ruido sin paliativos y que su doom va oscilando entre tramos horripilantes y otros más deleznables aún a base de funeral. Lo que llega a afectarte el ánimo son esos momentos en que aprietan el freno mental y se quedan colgados, dándole vueltas y vueltas a un largo tema al que nunca deberías haber recurrido. Hay muchas formas de hacerle daño a una persona y los tres tipos de Primitive Man parecen conocer cada una de ellas. ¿Crees que has tenido un mal día? Pues sométete a ‘The Lifer’, la pesadilla de ‘Entity’ o ‘∞’ para darte cuenta de que siempre se puede ir a peor. PAU NAVARRA

F AVERSIONS CROWN

Hell Will Come For Us All (NUCLEAR BLAST) TECHNICAL DEATHCORE

eles a su álbum cada tres años, aquí llegan Aversions Crown con Hell Will Come For Us All, su cuarto largo. La mayor novedad la encontraríamos en la figura de Tyler Miller, su nuevo vocalista. También centrado en la ciencia ficción en las letras aunque sin perder el mundo real de vista, Miller destaca por su dominio de la melodía pese a no renunciar a los guturales, además de ofrecer una dicción mucho más entendible. Diría que ha aprobado el examen sobradamente, aunque claro, luego ya entraríamos en los gustos de cada uno… Un aspecto un poco más negativo sería el trato que han recibido las baterías, pues tras la primera canción he tenido que mirar si Jayden Mason seguía en la formación… ¡Tan depuradas están que me pensaba que era programming! Dejando esto de lado, lo cierto

E PUK 2 Apnea

(AUTOEDITADO) POP PUNK

l presente Apnea es la cristalización de una carrera de fondo iniciada a principios de los dosmiles. Puk 2 levan literalmente más de media vida tocando juntos y siguen ensayando cada semana con una disciplina encomiable, perfeccionando una propuesta cada vez más personal y ajena a las modas. Los referentes de estos tres amigos de Burriana siguen estando ahí, como buenos ‘pop punk defenders’ que son, pero después de tres trabajos han dado con su propio estilo. Reconoces una canción de Puk 2 casi al instante. “Te dirán que renuncies a luchar, te dirán que es mejor la estabilidad.

es que los australianos han entregado un disco trabajadísimo en texturas y ambientaciones, no tan bruto como Xenocide, pero igualmente lejos de ese deathcore que simplemente brinda breakdowns facilones para que la peña se rompa la crisma en los shows. Hay que ver qué velocidades alcanza el combo y cómo le dan a sus ocho cuerdas Chris Cougan y Mick Jeffery en ‘Born In The Gutter’, ‘Paradigm’ o ‘Scourge Of Violence’… Con

canciones sorprendentes como ‘Caught In The System’, que en un momento dado roza el doomcore de Black Tongue, o ‘Hell Will Come For Us All’, esta obra muestra una gran variedad y pasa como un suspiro. Las conexiones con Thy Art Is Murder siempre han estado ahí, aunque Aversions Crown, que no han parado de evolucionar desde sus inicios, son mucho más técnicos y sesudos a la hora de crear.

Sobran las excusas para renunciar”, cantan en la inicial ‘Entropía’, en la que parecen hablar de las dificultades y sacrificios que conlleva tener una banda. “Cuando crees en ti mismo sobra todo lo demás”, añaden al final del tema. Así son Puk 2 y sólo pensando así puedes acabar creando un cuarto disco como Apnea, con buenos temas y una factura impecable. Grabado en Rockaway Studios una vez más con su viejo amigo Noel Campillo (NoWayOut, Bipolar) como productor, el cuarto trabajo de la banda es posiblemente el disco que siempre quisieron hacer. Dos años han invertido en la composición

y grabación de estas 13 nuevas canciones, potentes y precisas, marca de la casa como mis favoritas ‘Libertad Condicional’ y la autobiográfica ‘Furgonetas Rotas’ -en sus guitarras observo un ligero influjo de los Descendents- y tan sorprendentes como la electrónica ‘Nube’ y ‘Eléctrica y Fugaz’, que arranca en clave indie folk y explota con un estribillo de rabioso punk rock o la bonita ‘Wendy’ que conecta con su lado Peter Pan. Normal, pues llevan muchos años en esto pero siguen siendo muy jóvenes. Sumérgete a pulmón en este disco y siente su contagiosa vitalidad.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

PROSCRITO

Llagas Y Estigmas (DISCOS MECAGONDIOS) DEATH, DOOM

o sé si en los tiempos que corren tiene demasiado sentido enfrentarse a discos como este segundo trabajo de Proscrito. Porque, una vez escuchados sus agónicos 40 minutos, lo único de lo que de verdad quedan ganas es de chapar la barraca y enviarlo todo a la mierda. Ni un segundo de amabilidad, ni un destello de luz. Todo aquí es oscuridad. Un verdadero pozo si fin, ni posibilidad de que entre un destello de luz, y que te hace preguntar cómo es posible que una banda pueda transmitir de esa manera tan cruda la

falta de esperanza. Pero, tampoco nos llevemos al engaño, Llagas Y Estigmas no es tan sólo un ejercicio de death y doom donde se intenta llevar todo al límite por el simple hecho de hacerlo porque sí. La duración de los temas -únicamente uno de los cinco cortes baja de los siete minutos- está al servicio de ir llevándolos por diferentes estados como demuestra la inicial ‘Persistiendo’, llena de atmosferas y con un deje de melancolía y tristeza tan propia del doom. Y desde ahí partimos en un viaje que acaba con los agónicos 11 minutos de ‘Pantalgia’ que vienen a decir un ‘hasta aquí hemos llegado’. Por el camino encontramos momentos de intensidad metálica suprema, como en la genial ‘Exequias’, que le da equilibrio a un trabajo dirigido genialmente por Javi Felez (Graveyard) a la producción. Un álbum donde el trío catalán se puede sentir bien realizado si su intención era crear uno de los discos más asfixiantes de este año. Y es que si alguno merecía una banda sonora como ésta es el que estamos viviendo. XAVIER IRIARTE

DEF LEPPARD

London To Vegas (EAGLE ROCK) HARD ROCK

ocas bandas están sabiendo rentabilizar tan bien su pasado como Def Leppard. Más allá de seguir llenado arenas, anfiteatros o encabezando festivales en sus ya clásicas giras de verano por Estados Unidos. y Europa -este año tocaba la gran gira de estadios junto a Mötley Crüe, Poison y Joan Jett con casi todas las entradas vendidas- la constante explotación de su legado discográfico no parece tener fin. Sin ir más lejos en apenas dos meses hemos visto como editaban un lujosa caja con sus dos primeros álbumes, On Through The Night y High

’N’ Dry, y ahora este mega pack en directo con dos actuaciones, una en Londres recreando íntegramente su multimillonario Hysteria y otra en Las Vegas dando rienda suelta a toda esa retahíla de hits que nunca parece tener fin. ¿Necesario? Pues probablemente no, y más cuando en 2013 ya sacaron otro directo interpretando Hysteria. ¿Alegría para los fans? Toda la del mundo. ¿Buena manera de constatar el estado de gracia en el que se encuentran encima de un escenario? Pues también. Al fin y al cabo los repertorios de los ingleses, a diferencia de la mayoría de bandas que viven una y otra vez de tocar lo mismo, suelen ir dejando joyas que van más allá de lo de siempre. Así que poder disfrutar de cosas como ‘Die Hard The Hunter’, ‘Foolin’ o incluso ‘Slang’ o ‘Now’ ya sirve para justificar que no vas a poner otro directo de Def Leppard en tu estantería donde lo único que cambia es la portada. Pocos pueden presumir a estas alturas del partido de ser una banda tan resolutiva, elegante, e incluso actual, como lo son ellos. RICHARD ROYUELA

L TEMPLE NIGHTSIDE

Pillars Of Damnation (IRON BONEHEAD) BLACK DEATH

a música de Temple Nightside avanza y avanza como la bola gigante de piedra que pretende apisonar a Indiana Jones, sólo que nosotros no tenemos tanta suerte y acabamos más planos que el vientre de un gimnasta. Totalmente chafados, aceleren o enlentezcan su paso… Ante ellos somos como insectos intentando impedir con nuestras patitas que una bota militar nos aplaste contra el pavimento. Así que es mejor no ofrecer resistencia y rendirse ante su cuarto álbum, otra obra que amplía la racha de los australianos. Como siempre recurriendo a ese efecto catacumba, grabando desde lejos, muy lejos, Temple Nightside inician este nuevo castigo con ‘Contagion Of Heresy’, un tifón de muy alteradas revoluciones. Con cortes como ‘Wreathed In Agony’ o ‘In Absentia’ comprobamos que este

C ULTIMATE FRISBEE Race Me

(SALTAMARGES) POP PUNK

uando escucho trabajos como Race Me pienso que la vida puede ser maravillosa. A veces suceden pequeños milagros como Ultimate Frisbee, una banda catalana de emo revival gestada por correo electrónico. Se conocieron en Barcelona, pero la banda comenzó a coger forma hace unos cuatro años con sus dos integrantes separados por miles de kilómetros. El guitarra, Tadhg, estudiaba a caballo entre Londres y Pekín; mientras el batería, Borja, vivía en Sant Feliu de Guíxols y empezaba a hacer sus primeros pinitos en los estudios Ultramarinos Costa Brava. Ultimate

trabajo contiene muchos más temas rápidos que The Hecatomb, por ejemplo, pero la híbrida y morrocotuda ‘Death Eucharist’, la funesta ‘The Carrion Veil’ o el semi medio tiempo ‘Blood Cathedral’ también darán buena cuenta de qué daños son capaces de producir sin que al batería Basilysk se le vaya excesivamente la flapa. Los temas se suceden y se suceden y tienes la

impresión de enfrentarte a un aguacero bíblico que no da tregua, donde no hay lugar alguno en el que cobijarse. ‘Damnation’ y sus 9 minutos y medio se encuentran en la cúspide de la pirámide que mide la malicia, oteando con orgullo el alcance de esta fechoría. En Temple Nightside habita una criatura perversa y arcana que no tiene previsto dejar de atormentarnos.

Frisbee se materializó en el verano de 2017. Se juntaron en el local para acabar de cerrar algunos temas, dieron sus primeros conciertos y grabaron un par de demos en el ático de Borja. Ya con Tadgh de vuelta tras finalizar sus estudios, la banda preparó su debut. Esta primera referencia recupera sus dos primeros temas, la exultante ‘Senippah’ (que no es otra cosa que ‘happiness’ del revés) y ‘Traffic’, dos piezas que parecen escritas por unos American Football con 20 años menos (y más gamberros). Se nota que han mamado y mucho el llamado ‘sonido Philadelphia’ de bandas

como Snowing, Algernon Cadwaller y Marietta en la impetuosa ‘Dandelion’, mi favorita por su sentimiento y dinámicas, y ‘Race Me’, presentada como una crítica romántica al capitalismo que nos empuja a competir en numerosos ámbitos de nuestra vida. El corte encargado de cerrar este debut, ‘Teriyaki’, sorprende agradablemente al cocinar elementos en el papel tan alejados del emo como la electrónica y el hip hop. Al igual que la salsa asiática de la que toma prestado el nombre, este corte deja un muy buen sabor de boca. Agridulce, claro, como el buen emo.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

TYRANT

Hereafter (SHADOW KINGDOM) HEAVY METAL

os Tyrant de Pasadena han vuelto a publicar un disco 24 años después, ¡y qué álbum! Aupados por el superdotado Robert Lowe (Solitude Aeternus, Candlemass…), quien pasó a ocuparse del micro en 2017, el cuarteto se ha sentido con la suficiente confianza como para grabar su cuarto álbum, un nuevo trabajo que francamente maravilla en demasiados momentos. ‘Dancing On Graves’ será el primer sopapo de true metal que te vas a llevar, pero cuidadito, que en estos 53 minutos van a ser varios los cortes que te van a freír las partes

nobles cual pantalón de cuero en pleno agosto. Sin compasión, las guitarras de Rocky Rockwell te darán fuerte en la mandíbula, ya sea con riffs robustos como un baobab o solos de obligado air guitar en tu choza. Cuando llega ‘Fire Burns’, Dios mío de mi vida… Pero tampoco es que ‘Pieces Of Mine’, ‘Bucolic’ o ‘Until The Day’ (buah chaval…) se queden cortas precisamente. El mítico productor Bill Metoyer les ha vuelto a dotar de un sonido perfecto para su propuesta, profundo, contundente y poderoso, pero vintage y brutalmente honesto al mismo tiempo. En un momento en el que el heavy metal sólo logra congregar a varios cientos de personas si se recurre a la caspa y la mendicidad mental, qué gusto da comprobar que tantas formaciones legendarias del underground no están dispuestas a que esto se convierta en un maldito parvulario. ‘From The Tower’ pone el broche de oro a un álbum que ni el más optimista podía imaginar que pudieran lanzar hoy en día. Puto acero americano. PAU NAVARRA

VASSAFOR

To The Death (IRON BONEHEAD) BLACK DEATH

uánto zumbado en Nueva Zelanda y qué tremenda escena del más bárbaro metal extremo tienen actualmente. Vassafor, el veterano dúo de Auckland con miembros y exmiembros de Temple Nightside, Diocletian, Ulcerate e incluso Blasphemy para directos, publican To The Death, su rocambolesco tercer largo. Una ruidera in crescendo a lo Slayer anticipa el tema titular, más de 12 minutos muy suyos de riffs en plan diluvio de placas de acero y esos murmullos del inframundo en vez de voz, amenizados por alaridos de

brujas medievales ardiendo en la hoguera. Los fraseos en modo tromba prosiguen en ‘Egregore Rising’, un mal trago para tus cervicales, y ‘Eyrie’ presenta un sonido aún más profundo, siendo un abismo que te succiona el alma mientras desciendes más y más. No es hasta el penúltimo tema que dan alguna tenue muestra de pertenecer a la humanidad, con VK desprendiéndose de efectos en muchos momentos y ofreciendo un chorro ante el micrófono identificable con un ser de este plano. Queda ‘Singularity’, el tormento más prolongado del lote y la confirmación de cuán particulares pueden ser sus negrísimos atentados sónicos. Mucho cuidado con su parte central ambiental… aterradora de veras. Las intenciones de Vassafor son más malvadas que las del microchís de Bill Gates, pero no les perdono que me hayan dejado con vida en este álbum. El interludio ‘Black Talon’, algunos tempos que bajan la guardia, el inicio de ‘The Burning Íthyr’… Os parecerá de locos, pero esperaba más trallaca incandescente todavía. PAU NAVARRA

STRIKE ANYWHERE

PESADILLA ANTES DEL VERANO TRAS MÁS DE DIEZ AÑOS SIN NUEVO MATERIAL QUE LLEVARNOS A LOS OÍDOS, STRIKE ANYWHERE NO PODÍAN HABER ELEGIDO UN MEJOR MOMENTO PARA REGRESAR A LA ACCIÓN. SU NUEVO TRABAJO, NIGHTMARES OF THE WEST, ES LA BANDA SONORA PERFECTA PARA LO QUE ESTÁ OCURRIENDO AHORA MISMO EN SU PAÍS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JOSH CASINO

UEDE PARECER HECHO ADREDE, PERO LO CIERTO ES QUE DIFÍCILMENTE STRIKE ANYWHERE hubieran

podido reaparecer en una época tan oportuna como la que está viviendo Estados Unidos para publicar sus primeras canciones en más de una década. Con un panorama completamente revuelto entre la crisis del COVID-19, las protestas en contra de la violencia racial por parte de las autoridades y un Donald Trump cuya gestión resulta cada vez más desastrosa a cada paso que da, una obra como Nightmares Of The West (Pure Noise) refuerza aún más si cabe la importancia de sus letras de lucha en favor de la justicia social. Pero no es que Thomas Barnett (voz), Matt Smith (guitarra), Mark Miller (guitarra), Garth Petrie (bajo) y Eric Kane (batería) hayan decidido tomar partido ahora, sino que llevan haciéndolo desde que fundaran la banda en su Richmond natal en 1999. Aunque nunca han alcanzado las cotas de popularidad de otros compañeros de batalla como Rise Against o Anti-Flag, su hardcore melódico cargado de mensaje siempre ha estado bien considerado entre los seguidores del género. Es por ello que muchos contaban con su participación en el Tsunami Xixón como una de las actuaciones más

esperadas de este verano tras varios años de ausencia por los escenarios de nuestro país. Como es lógico, habrá que esperar a que el panorama se aclare para que su descarga tenga lugar en un futuro aún por definir. Mientras tanto, aprovechamos la oportunidad de charlar con Thomas unas semanas antes de que su nueva criatura viese la luz.

visto en nuestras vidas. Es justamente lo que hemos estado cantando desde que existe el grupo”.

rado con el resto del mundo, las

por la gestión de Donald Trump.

medidas que ha tomado Trump

Como es costumbre en él, parece

son casi inexistentes. ¿Cómo has

que su solución para apagar los

llevado el confinamiento? ¿Te ha

incendios es echar más gasolina

resultado duro?

al fuego. Su intención de decla-

“He tenido la suerte de poder mantener mi empleo y no caer enfermo. Pero otros compañeros están sin trabajo o ni tan siquiera reciben algún tipo de ayuda por desempleo. Algunos de mis familiares también han fallecido durante la pandemia, haciendo que sea tremendamente difícil darles la despedida que se merecen. Es duro ver a tus amigos estar pasando por unos tiempos tan inciertos. Ni siquiera podemos salir de gira y dar conciertos, que es una parte fundamental de nuestras vidas, y más ahora que estamos en un momento histórico que forma parte de todo por lo que hemos estado luchando”.

organización terrorista me ha

THOMAS BARNETT “Actualmente

llamado muchísimo la atención.

estoy viviendo en Berkeley, California. El resto del grupo sigue en Richmond, Virginia, donde empezamos Strike Anywhere hace veinte años”.

Es como reconocer que él mismo es un fascista y que de algún modo Estados Unidos estuvo en el frente equivocado durante la Segunda Guerra Mundial.

tas últimas semanas con todas las manifestaciones a favor del movimiento Black Lives Matter. ¿Ha habido enfrentamientos violentos o la cosa ha estado más calmada?

“En ambas ciudades, al igual que en otras muchas de Estados Unidos, ha habido continuas protestas, enfrentamientos con la policía, marchas pacíficas y huelgas a favor de la justicia. De todo. Precisamente hoy mismo es el Juneteenth, la festividad en la que se celebra la emancipación de los esclavos afroamericanos. Se están celebrando muchas manifestaciones en una gran cantidad de ciudades. Por ejemplo, en Richmond los monumentos a los generales confederados que apoyaban la esclavitud han sido retirados. Por fin hay un debate público sobre las injusticias raciales y se está formando un frente unido contra la cultura supremacista blanca. Estos movimientos son los más importantes y trascendentes que hemos 58

sistema sanitario tan precario

No puedo evitar preguntarte

¿Dónde te pillo ahora mismo?

taría saber cómo has vivido es-

la crisis del coronavirus, con un como el que tenéis allí. Compa-

rar a los antifascistas como una

Te lo pregunto porque me gus-

Por otro lado, hay que sumar

“Trump es un monstruo que no representa nada salvo su propia locura e ignorancia. A los historiadores les llevará décadas describir todo el daño que le ha hecho a nuestro país en tan sólo cuatro años. Por no hablar de la división que ha creado en la ciudadanía, la cual tardará aún más tiempo en cicatrizar. Está tan fuera de sí que cuando habla es como si escupiese un veneno instantáneo para toda la humanidad. Es como si viviese en otra realidad. Lo más llamativo es que su poder representa uno de los perfiles más clásicos de la personalidad estadounidense: la del emprendedor narcisista hecho a sí mismo de forma artificial. Él vende esa falsa historia de éxito a sus seguidores. Es una mezcla entre feriante y evangelista cristiano al grito de ‘riqueza y prosperidad’. Está creando una división muy grande entre el bienestar y la clase trabajadora mientras expande su crueldad de manera efectiva. Tiene mucho por lo que responder, pero creo que éste es el comienzo de su final. Pronto tendrá que rendir cuentas”.

Con todo esto en cuenta, parecería casi imposible que Trump fuese reelegido en las elecciones de noviembre, pero en Estados Unidos estáis acostumbrados a las sorpresas. ¿Cuál es tu pronóstico? ¿Le ves capaz de hacer alguna locura como usar al ejército para mantenerse en el poder?

“Todo es posible, tío. Ahora mismo es imposible imaginar cómo serán los meses previos a las elecciones. No quisiera sonar demasiado dramático, pero probablemente nuestro país sea más vulnerable ahora mismo que en cualquier otro momento de su historia desde la Segunda Guerra Mundial. Necesitamos unidad para salir de ésta. Si Trump

“A LOS HISTORIADORES LES LLEVARÁ DÉCADAS DESCRIBIR TODO EL DAÑO QUE TRUMP LE HA HECHO A NUESTRO PAÍS EN TAN SÓLO CUATRO AÑOS” THOMAS BARNETT

decide cuestionar el resultado de las elecciones, esto podría conducirnos a una crisis constitucional durante meses, lo cual sería una oportunidad peligrosa para que sus partidarios más fanáticos alimentasen sus fantasías de conspiración militar. Tenemos que estar preparados y cuidar de las comunidades más desprotegidas. De todos modos, para poner una nota de esperanza, creo que todos estos días de protestas están ayudando a construir y fortalecer los lazos que necesitaremos en el futuro”. Hilando un poco con vuestro caso, supongo que si toda esta situación os hubiera pillado escribiendo las nuevas canciones la temática tampoco hubiera cambiado mucho, ¿no?

“Sí, creo que nuestra manera de escribir y lo que nos mueve como banda siempre ha sido lo mismo. Y estas canciones abordan gran parte de la lucha actual, tanto política, social como psicológica de los prejuicios en nuestra sociedad. Hemos estado componiendo tanto la música como las letras a lo largo de los últimos diez años, pero no ha sido hasta hace un par de meses que las terminamos de manera definitiva. Necesitábamos desesperadamente exorcizar el horror y la impotencia que estamos sufriendo. Corremos el riesgo de perder nuestras vidas en favor de los valores y objetivos inhumanos de los ricos. Estaba preocupado de que nos estuviéramos acercando a un nivel de agotamiento donde la propaganda barata nos poseyese a todos mientras nos entumece-

mos frente a las pantallas de nuestros teléfonos móviles. Las canciones de Nightmares Of The West hacen una referencia directa a la militarización de la policía y el legado racista de algunos monumentos, los cuales están siendo derrocados en muchas ciudades. En cierto sentido, todo tiene relación con lo que estamos viviendo ahora mismo. Pero tienes razón: era imposible saber cuán de importante y verdaderamente revolucionario sería este momento. Con suerte, espero que las próximas canciones que publiquemos sirvan para celebrar el fin de la presidencia de Trump, los abusos policiales, y que se abran los debates sobre la justicia racial para que todos podamos avanzar juntos, lejos de esta situación. Como decía Joe Strummer, el futuro aún no está escrito”. 59

Decías que habéis estado los últimos diez años preparando estas canciones… ¿Cuál ha sido el motivo por el que os ha llevado tanto tiempo?

“Sí, diez años son toda una vida (risas). La cosa es que, debido a nuestras obligaciones familiares, a partir de 2011 dejamos de girar tanto como lo solíamos hacer. Aun así, cada dos años podemos ir a tocar a Europa, hacemos pequeñas giras por Estados Unidos e incluso el verano pasado estuvimos en Australia. También cada uno de nosotros empezó a participar en otros grupos. Matt se unió a Senses Fail por una temporada, Eric tocó el bajo con Pygmy Lush, Mark estuvo en Sports Bar, Garth en Park Sparrows, y yo comencé a tocar con otros amigos en MAASK y Great Collapse. Pero hemos estado componiendo constantemente durante todo este tiempo. De hecho, algunas canciones ya las habíamos tocado en los conciertos. Las juntamos y eso ha acabado convirtiéndose en Nightmares Of The West. En realidad, Strike Anywhere siempre hemos estado activos todos estos años. Es sólo que nos hemos tenido que ajustar a nuestras vidas familiares, nuevas paternidades y otras circunstancias. No puedes estar viviendo metido en una furgoneta eternamente (risas)”.

“Al menos en nuestro caso, no creo que nunca lo hayamos sentido así. Empezamos a escribir estos temas cuando estuvimos descansando de las giras. Nos enviábamos pequeñas ideas y cuando regresábamos a la carretera las testeábamos en los conciertos o en las pruebas de sonido. Créeme, somos muy exigentes componiendo para ser un grupo de punk rock. Tenemos que amar las nuevas canciones, pero al mismo tiempo sentir que ha llegado su momento para que la gente las escuche. En un grupo como el nuestro, que lleva en esto veinte años y no tiene ninguna intención de parar, tenemos cientos de canciones. Mantener la mente y el corazón abiertos para encontrarlas es crucial. No queremos que sea algo forzado o demasiado conceptual. Sería arriesgarnos a desconectar de las raíces del movimiento al que hemos tenido el honor de formar parte durante todo este tiempo. Si una canción es sincera y conduce a un diálogo con nuestro público, ése es el punto en el que todo empieza”. Tengo que confesarte que, aunque el disco suena a puro Strike Anywhere, me ha decepcionado un poco que sólo sean siete cortes. ¿No teníais más ni tan siquiera para rellenar?

De todos modos, parece que las bandas veteranas, llegadas a cierto punto, le dan más importancia a estar en la carretera que en el estudio de grabación. ¿Crees que se está dando esa tendencia de que los grupos ya establecidos no tienen que estar trabajando tanto en cuanto a componer y simplemente se pueden dedicar a tocar en directo? 60

“El caso es que estas canciones parecían estar conectadas entre sí, como si formasen un álbum. Una vez acabamos de escribir ‘Documentary’ y ‘We Make The Road By Walking’, vimos que teníamos un comienzo y un final. Tenemos otras que se encuentran en diferentes estados de composición, pero para nosotros las que hemos incluido en el disco comparten una temática y hablan

directamente de lo que está ocurriendo ahora mismo. Creemos que es lo suficientemente grande e importante por sí solo”. Como te comentaba, no hay muchas sorpresas. Creo que este trabajo podría haber salido dos años después de Iron Front sin problema. Incluso habéis vuelto a grabar con Brian McTernan en Salad Days Studio al igual que todos vuestros álbumes anteriores. No sois muy amigos de los cambios, por lo que veo.

“Bueno, nosotros pensamos que estos temas tienen una energía diferente. Por ejemplo, al final de ‘We Make The Road By Walking’ hay un crescendo completamente ruidoso. Tal vez no sean detalles muy obvios, pero son nuevos para nosotros. Hemos intentado capturar todo lo que ha surgido en los últimos diez años en cuanto a temática. Si nos fijamos en la mayoría de medidas políticas, sociales y medioambientales que se han tomado, las condiciones en las que vive la mayoría de la gente son mucho peores que hace una década. La corrupción y la malicia de nuestro presidente, el surgimiento de líderes autoritarios en muchos países anteriormente democráticos y el nivel de división entre las personas han alcanzado una escala que nunca antes habíamos visto. Desde un punto de vista más local, hemos perdido a amigos y familiares durante este tiempo, pero también hemos visto cómo se han formado nuevas familias. Esos momentos felices y fugaces son mucho más importantes ahora que cuando sacamos Iron Front, donde sólo éramos nosotros cinco viajando por todo el mundo”.

“ AHORA MISMO ESTAMOS EN EL CENTRO DE LA TORMENTA” THOMAS BARNETT

Habéis incluido una versión de la banda inglesa Blocko en homenaje a su batería Marc ‘Mates’ Maitland, quien se suicidó el año pasado. ¿Cuál es su historia?

“Conocimos a Blocko cuando dimos nuestros primeros conciertos en Inglaterra. Después vinieron varias giras conjuntas, vacaciones familiares… Incluso nuestro guitarrista Matt participó en su disco Edmond Ave. Hemos pasado mucho tiempo con ellos, son como nuestra familia en Reino Unido. Perder a Marc fue un golpe durísimo y dejó muchas preguntas que quedarán sin resolver el resto de nuestras vidas. Muchos de

nosotros combatimos los problemas de salud y depresión mental dentro de la comunidad punk. Aún es algo difícil de abordar. Cada uno debemos esforzarnos por mejorar y entendernos mejor a nosotros mismos. Marc era un amigo muy generoso y de buen corazón. Por eso decidimos versionar ‘Opener’ como homenaje”. En agosto deberíais de haber venido a España para participar en el Tsunami Xixón. Sin embargo, parece que habrá

sí, pero mientras algunos del grupo estén sin trabajo y el virus siga creciendo en Estados Unidos, no podemos comprometernos con ningún tipo de plan. Ahora mismo estamos en el centro de la tormenta. Tendremos que esperar para saber qué nos deparará el futuro de aquí a un par de meses o quizás dentro de un año. Con suerte, todos superaremos esta situación y podremos volver pronto a España para tocar las nuevas canciones y ver a nuestros viejos amigos”.

que esperar al año que viene. ¿Puedes confirmarnos que volveréis en 2021?

“Me encantaría poder decirte que 61

ALAIN JOHANNES

EL ZUMBIDO DEL ALMA CANTANTE, MULTIINSTRUMENTISTA, COMPOSITOR, PRODUCTOR… ALAIN JOHANNES ES UNO DE LOS ARTISTAS MÁS COMPLETOS QUE UNO PUEDA ENCONTRAR. PERO HUM , SU NUEVO DISCO EN SOLITARIO, NO ES UN VEHÍCULO PARA EXHIBIR SUS MÚLTIPLES CAPACIDADES, SINO UNA PURA EXPRESIÓN DE SU YO MÁS ÍNTIMO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

L AIN JOHANNES ME RECUERDA A ESOS GRANDES ACTORES SECUNDARIOS DE HOLLYWOOD. Sea por su

personalidad o por otras circunstancias, su destino no parece ser el de acaparar los focos, sino el de ayudar a que otros brillen gracias a su talento. Pese a haber tenido su momento en los 90 con la banda Eleven junto a su esposa Natasha Shneider (fallecida en 2008) y el batería Jack Irons (Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam), su carrera ha estado centrada en ayudar como productor a artistas como Chris Cornell, Queens Of The Stone Age, No Doubt, Jimmy Eat World o músico de directo de PJ Harvey o Them Crooked Vultures, el supergrupo de Dave Grohl, Josh Homme y John Paul Jones de Led Zeppelin. Pero desde 2010 Johannes también ha desarrollado una discografía en solitario, siendo Hum (Ipecac), que verá la luz el 31 de julio, el tercer trabajo firmado con su nombre. Se trata de un disco muy intimista grabado tras haber superado lo que podría haber sido una infección por el coronavirus. Cuando contactamos con él a finales de mayo, Johannes se encuentra en Santiago de Chile, su ciudad natal, donde ha pasado cuatro de los últimos seis meses encerrado por el confinamiento. Hum es un álbum muy bonito, pero surgido de un momento complicado en tu vida. ¿Qué sentimiento te despiertan estas canciones ahora mismo? ALAIN JOHANNES “Necesitaba

hacerlas. Este último año y medio ha sido muy loco, y todo eso me llevó a este disco. Mi idea era haberlo 63

hecho antes, pero volví de Chile y empecé a tener problemas de salud, colesterol y esas cosas de gente mayor (risas). Empecé a cuidarme más, dejé de fumar, pero arrastraba muchas pérdidas, la de Chris, mi tío, mi madre… Natasha… y choqué contra un muro. Normalmente suelo llevarlo bien porque hago meditación, pero esta vez me deprimí y necesitaba evadirme un poco, así que organicé una gira (risas). Toqué por todas partes, cinco conciertos a la semana, y acabé en Milán, donde produje a una banda de Nápoles, The Devils. A mediados de noviembre volví, y me puse muy enfermo. Pensaba que era una gripe, pero cada vez iba a peor y acabé pasando dos meses en cama. Por los síntomas, pensé que igual era el COVID, pero me hice el test hace unas semanas y dio negativo. Pero puede que no fuera correcto, porque no podía respirar, los antibióticos no funcionaban y muchas noches no podía ni dormir, pensando en si lograría sobrevivir a la mañana siguiente. Luego me empezaron a dar cortisona y mi cuerpo empezó a responder, pero lo pasé muy mal”. ¿De dónde sacaste las fuerzas para hacer el disco?

“Empecé en febrero. Sólo tenía dos trocitos de música, un par de arpegios de ‘Mermaids’ Scream’ y el punteo de ‘Hum’. Pero estaba decidido a hacer el disco, así que me imaginé su secuencia, y cada día me levantaba y escribía la canción que correspondía para el orden que había imaginado. Lo escribí en doce días. Sólo me tomé un día libre. Mi amigo Dave Collins, que había masterizado los discos de Eleven y Soundgarden, lo masterizó en un día porque tuvo una cancelación. Y

luego grabé un par de vídeos, y luego volé a Chile para tocar en Lollapalooza y dar unos conciertos. Literalmente este álbum me sacó de la enfermedad. Estaba en un estado muy frágil, así que hay cosas que no pude hacer. En ‘Mermaids’ Scream’ quería poner una sección de vientos, pero no tenía capacidad pulmonar para tocarlos. Básicamente todo lo que se escucha son guitarras, percusión, un banjo y un harmonium. Las letras son muy desnudas también. No quería olvidar a las personas que he dejado atrás, pero necesitaba sacarme la pena y la ansiedad de dentro para poder seguir adelante. No quería perder más tiempo, sintiéndome deprimido o con ansiedad, quería salir a tocar y grabar discos con mis amigos. El plan estaba muy bien, pero no contaba con una pandemia global (risas)”. Por lo que dices, éste podría ser tu álbum más puro. Parece que

ciones, porque no recuerdo las afinaciones que utilicé. No pensé en los arreglos, ni hice maquetas, dejé que todo saliera solo, improvisando”. ¿Crees que a partir de ahora grabarás siempre tus obras así?

“Mis discos en solitario siempre han sido un poco así, aunque ésta es la culminación de ese enfoque. Spark lo hice en una semana, Fragments lo hice en un par… Pero tampoco descarto poder hacer un disco en el que dedique más tiempo a las interpretaciones. Me gustaría poder grabar con una sección de cuerdas tocando en directo. Estaría muy bien. Pero ahora me gustaría hacer un álbum con varios colaboradores basado en improvisaciones. También quiero hacer un disco instrumental, con partes escritas y otras improvisadas, con muchas texturas. He estado escuchando mucho a Arvo Pärt, Ryūichi Sakamoto, Bach… hacer algo tipo banda sonora, más ambiental”.

no hubo ningún filtro entre la composición y la grabación.

Como productor, ¿crees que hay

“Así es. Es mi disco más personal, el más yo. Siempre me ha gustado trabajar en base a mi relación con otras personas, me gusta el sentimiento familiar que tenía con Natasha, con Chris, con Queens Of The Stone Age, o con PJ Harvey, pero mis discos en solitario son más catárticos. Spark fue mi oda a Natasha, Fragments And Wholes Vol. 1 era más experimental, y el último que grabé en mi antigua casa, de la que me fui hace tres años. Había demasiado dolor en esas paredes. Y el alquiler era muy caro (risas). Para mí este álbum es un soplo de frescura por la manera tan espontánea en que lo hice. De hecho, ahora estoy teniendo que volver a aprender a tocar las can-

demasiada música que carece de esa espontaneidad?

“Cuando surgió Pro Tools en los 90, siempre lo vi como una manera de poder trabajar más rápido, sin tener que esperar a rebobinar las cintas, pero costó mucho encontrar la calidad sonora que me gustaba. Para mí, las cosas empeoraron mucho más cuando se empezó a utilizar el Auto-Tune. Me gusta poder utilizar una parte de una toma que es mejor y colocarla en otro sitio, pero siempre intento que el artista no dependa de eso. Hay guitarristas que graban un estribillo y luego simplemente quieren que lo cortes y pegues en los otros, pero para mí eso le quita mucha dinámica. Con Jimmy

“LITERALMENTE ESTE ÁLBUM ME SACÓ DE LA ENFERMEDAD” ALAIN JOHANNES

Eat World grabamos todo el disco en cinta analógica y estaban contentos con poder grabar todos al mismo tiempo. Me gustaba mucho su energía en directo y eso es lo que quería capturar en Damaged. Pero cada proyecto es diferente. Nunca intento forzar nada, sino que me adapto a lo que el artista quiere. Con Mark Lanegan, cada disco es diferente, por ejemplo. Pero creo que todos nuestros discos favoritos tienen ‘errores’. No se trata de que sea perfecto, sino de que transmita algo, por eso nos gusta tanto la música en directo. Un álbum grabado con cinta analógica siempre será atemporal, es como llevar una camiseta y tejanos, nunca pasa de moda. Mientras que algunas producciones de los 80 siempre van a ser identificables con un periodo de tiempo concreto”. Tengo curiosidad por saber qué pensaste del disco Scream de

Chris Cornell la primera vez que

Sé que eres muy fan de Led

lo escuchaste.

Zeppelin. ¿Alguna vez te ha

“Tengo cierta debilidad por ese disco porque sé que lo pasó mal por el contexto en el que se creó. No tengo todos los detalles, pero Chris era alguien al que le gustaba colaborar, pero también necesitaba su espacio. Cuando hicimos Euphoria Morning, él decidía cuándo quería cantar. No era una cuestión técnica, sino de ánimo. Así que imaginarle en el estudio, rodeado de veinte personas, con una persona que hace beats, un editor de Pro Tools… no creo que fuera el entorno adecuado. No creo que Timbaland le entendiera del todo. Creo que fue una oportunidad perdida para Timbaland para probar otras cosas. No sé, grabar con una orquesta o un cuarteto de jazz. Podrían haber hecho algo interesante, pero para mí Higher Truth y Euphoria Morning son mis discos favoritos de Chris”.

propuesto Robert Plant, o se lo has propuesto tú, producirle un disco? Creo que haríais un buen tándem.

“Coincidí brevemente con él porque vino a un concierto de Them Crooked Vultures, pero por lo que sea, nadie me lo presentó oficialmente. Estoy de acuerdo en que podríamos hacer algo bueno juntos. A él le interesa la música de raíces y podría funcionar. Me hubiera encantado poder trabajar con Bowie, pero nunca ocurrió. Fue Natasha quien me animó a producirnos, porque decía que podía cagarla igual que cualquier productor (risas). Cuando Chris nos ayudó a conseguir un contrato con A&M, cogimos todo el dinero de nuestro avance y construimos el estudio donde luego grabamos Euphoria Morning, Peace, Love, Death Metal de Eagles Of Death Metal…”.

“NO QUERÍA OLVIDAR A LAS PERSONAS QUE HE DEJADO ATRÁS, PERO NECESITABA SACARME LA PENA Y LA ANSIEDAD DE DENTRO PARA PODER SEGUIR ADELANTE” ALAIN JOHANNES Aunque Eleven fuisteis conocidos en vuestro momento, no es una banda que suela reivindicarse. ¿Cómo le explicarías a alguien la magia de ese grupo y el talento de Natasha?

“Puedo decirte con total seguridad que Nastasha era la persona con más talento que he conocido. Era brillante. Cerraba los ojos e iba probando distintas armonías, y siempre en el tono perfecto. Ella decía que no sabía improvisar, pero componía tan rápidamente que era como si lo hiciera. Estaba destinada a ser una gran compositora en la Unión Soviética porque había ido al conservatorio, pero ella era una rockera. Le encantaba el rock, Aretha, Motown… Cuando con 15 años dijo que ficharía por ese sello, todo el mundo se rió de ella, pero acabó fichando por Motown, relacionándose con Stevie Wonder y Marvin Gaye. Nos pasábamos 24 horas juntos, siete días a la semana, y nunca hubo un solo momento de aburrimiento. Yo era más un improvisador, y ella más una compositora, pero nos entendíamos muy bien. Nos complementamos muy bien. Creo que con Eleven tuvimos mala suerte, no acabamos de encajar 66

en la época. Aunque nuestra música era dura, teníamos un toque más soul y más clásico. Cuando A&M desapareció nos quedamos un poco a nuestra suerte. Creo que éramos la típica banda que gusta a otros músicos, pero no al gran público”. No puedo evitar preguntarte por la muerte de Chris Cornell. Mucha gente sigue sin entender por qué se quitó la vida. Supongo que es porque en el fondo no entendemos tampoco lo que son las enfermedades mentales. ¿Cuál fue tu reacción?

“Desde pequeño he tenido ataques de pánico y a lo largo de mi vida he sufrido tres crisis nerviosas y varias depresiones. Nunca he tenido pensamientos suicidas, incluso cuando murió Natasha. En ese momento mi vida no tenía sentido, pero escuchaba su voz en mi interior diciéndome ‘Ni se te ocurra’. Tuve mucho apoyo de Josh y de Chris. Con Chris es extraño porque pasé mucho tiempo con él, y siempre canalizaba su depresión a través de su arte, de sus letras. Hablábamos mucho sobre eso. Por eso para mí fue una completa sorpresa

cuando me enteré de su muerte. Unas semanas antes había hablado con él y parecía que estaba bien, pero seguramente hubo algo que provocó eso… y ocurrió. Parece que no tenía más medicamentos en su cuerpo de los que normalmente tomaba, pero nunca sabes cómo te pueden afectar. A mí me costó cuatro meses dejar de tomar Xanax, se acaba convirtiendo en una muleta. Le echo mucho de menos y es una pena toda la música que vamos a perdernos. Pero al final me siento agradecido por todos los recuerdos que tengo de él. De hecho, cuando tocamos con Chris en Barcelona en 1999, al día siguiente estuvimos mirando apartamentos en el periódico mientras desayunábamos porque nos encantó la ciudad, pero eran carísimos (risas). Tengo un muy buen amigo que vive en Perpiñán y mi intención sería mudarme a un pueblecito pesquero que hay por ahí algún día. Ahora estoy sin blanca porque no puedo girar, pero espero poder hacerlo en el futuro”.

AVATAR

GOLPE DE REALIDAD

CON UNA IMAGEN LLAMATIVA, CONCEPTOS LOCOS, Y UNA MÚSICA IGUAL DE EXUBERANTE, LOS SUECOS AVATAR SE HAN CONVERTIDO EN UNO DE LOS GRUPOS EUROPEOS QUE MÁS NOTORIEDAD HA CONSEGUIDO EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. SIN EMBARGO, EN SU NUEVO DISCO HUNTER GATHERER DEJAN LA FANTASÍA A UN LADO PARA PONER LOS PIES EN LA TIERRA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A ÚLTIMA VEZ QUE CHARLAMOS CON AVATAR con motivo de

su último disco Avatar Country en 2018, nos encontramos con una banda totalmente inmersa en ese mundo imaginario que habían creado para el concepto del álbum. Todas sus respuestas estaban enfocadas desde esa perspectiva en la que el guitarrista Jonas Jarlsby era el rey de un reino salvaje. Dos años después, la situación ha cambiado radicalmente. El vocalista Johannes Eckerström nos recibe virtualmente a través de Zoom en el salón de su casa, sin rastro de maquillaje en su cara, ni tampoco ninguno de esos modelitos llamativos que luce en el escenario o en las fotos promocionales. ¿Tendremos por fin la oportunidad de conocer a la persona detrás del personaje? Parece que sí. Su nuevo disco Hunter Gatherer, que lanzará Century Media el próximo 7 de agosto, es en sus propias palabras “una vuelta a la realidad”. Sin abandonar del todo su esencia teatral, el grupo que completan Tim Öhrström (guitarra), Henrik Sandelin (bajo) y John Alfredsson (batería) plantea en su nueva obra cuestiones casi filosóficas sobre el comportamiento humano y sus consecuencias. Es un disco más profundo y oscuro en el que los suecos recuperan también sus raíces más metálicas. Suecia ha seguido un camino distinto al de otros países en la gestión de la pandemia. ¿Cómo lo valoras? JOHANNES ECKERSTRÖM “Me

cuesta tener una visión cínica de la situación. No creo que ningún gobernante quiera que su gente se muera. 70

Ni siquiera un dictador sociópata querría que su pueblo muriera. Quizá aprendamos la lección de que si todo el mundo actúa globalmente se pueden superar otras crisis, como el cambio climático. Las cosas podrían haber ido mucho peor. Ahora vivo en Finlandia, pero obviamente sigo mucho la situación en Suecia, y cuando veo los debates entre políticos me hierve la sangre, porque veo mucho oportunismo. Obviamente nuestro primer ministro hizo las cosas mal, pero es muy fácil criticar a toro pasado. Este juego político me molesta mucho”. ¿Y cómo te sientes sacando un disco nuevo en este contexto? ¿Sientes que incluso puede verse como algo frívolo teniendo en cuenta que la gente anda preocupada por otras cosas?

“En realidad es siempre así. Antes de empezar la grabación del álbum, tuvimos una larga reunión en casa de Jay (Ruston) para hablar de la producción y escuchar las maquetas que teníamos y, al terminar, tuve esta visión de nosotros como banda corriendo súper alegres con un cubo de agua y lanzándolo al océano y gritando ‘¡De nada!’. Si abres Spotify puedes entender por qué. En cualquier situación, la música es muy importante para nosotros porque nos permite expresarnos, pero siempre hay cosas más importantes que suceden en el mundo. Es show business y entretenimiento, no es tan importante como llevar una ambulancia o ser un médico, nunca lo ha sido, pero no pasa nada. No debemos sentirnos culpables por tener hambre de cultura o querer expresarnos. Creo que el arte tiene un significado, un valor. Puede que en un momento dado algo

no sea culturalmente relevante, pero el valor del arte es constante. Se trata de ser humanos o no serlo. Y los humanos lo necesitamos. Y nosotros tenemos la suerte de que sea nuestra profesión”. Desde luego. Si piensas en lo que habría sido un confinamiento sin cine, música, literatura… ahí te das cuenta de la importancia del arte.

“Claro. Éste ha sido el mejor momento en la historia de la humanidad para un confinamiento porque tenemos un gran acceso a la cultura gracias a internet. He podido seguir vídeos de ejercicios en el salón de mi casa, tengo Netflix, una Xbox, puedes aprender a cocinar… Y aunque no pueda salir de gira, podemos seguir trabajando con la banda. Ahora mismo estoy haciendo la gira de promoción desde mi casa. Y también está bien. Podría haber sido mucho peor. Mi mujer y yo llevamos mucho tiempo sin ver a nuestras familias y amigos porque hemos sido muy cautelosos, y lo seguimos siendo, pero nos tenemos el uno al otro, a nuestro perro y donde vivimos es muy bonito ahora en primavera, así que podría haber sido mucho más duro. Pienso en la gente mayor que vive sola, viviendo en una gran ciudad, eso es realmente duro. Yo no he estado enfermo, así que no podemos quejarnos”. Aunque el nuevo trabajo se concibió antes de la pandemia, sí se nota una voluntad de hacer algo más conectado a la realidad y no tan fantasioso. ¿Qué os llevó en esa dirección?

“Hacer música es nuestra forma de terapia, y debido a Avatar Country

“TENÍAMOS QUE VOLVER A CASA Y ARREGLAR EL LÍO PSICOLÓGICO QUE TENÍAMOS” JOHANNES ECKERSTRÖM hubo una pausa de dos años en nuestra terapia. Así que la oscuridad que surgió de ahí era más compacta que nunca. Desde un punto de vista musical, sabíamos que queríamos hacer algo más heavy y más directo, más cercano a nuestras raíces. Nosotros aprendimos a tocar metal tocando temas de The Haunted, In Flames, Vader, Slayer, Cannibal Corpse y algo de Iron Maiden y Helloween. Así que queríamos volver a eso. Y también queríamos hacer algo más serio y volver a la Tierra porque nos habíamos ido a lugares locos primero con la fábula y luego Avatar Country. Teníamos que volver a casa y arreglar el lío psicológico que teníamos”. ¿Era ese país imaginario de Avatar una manera de esconderos?

“No lo creo, porque nos sentíamos muy apasionados con lo que hacíamos. Era nuestra expresión más honesta en ese momento. Toda esa

comedia está basada en una broma interna. Y a pesar de todo queríamos hacer las mejores canciones posibles, así que tienes que poner mucho de ti. La canción ‘King After King’ era un tema sobre Jonas siendo como Jesucristo, que si muriese, volvería de entre los muertos y salvaría a su pueblo. Y la idea era que el cristianismo había robado esa idea del país de Avatar, porque el país de Avatar es eterno y bla, bla, bla. Pero a pesar de ese enfoque sigue siendo una canción sobre procesar una pérdida y la muerte y la esperanza. Era una canción de amor para uno de mis mejores amigos. Pero eso era al componer el disco. Luego cuando salimos de gira, decidimos convertirlo todo en una performance. Escribimos documentos sobre cómo se debían escribir los posts en las redes sociales siguiendo el rollo del disco como si nos dirigiéramos a los súbditos del país de Avatar. Yo hacía las entrevis-

tas como si fuera el personaje, y era divertido, pero algunos días te llegaba a cansar”. Sí, en nuestra anterior entrevista respondías como el personaje, pero ahora eres tú.

“Sí, después de un año y medio estaba cansado porque al final tenía que hacerlo todo yo. Fue un buen desafío creativo, pero quizá lo llevamos demasiado lejos”. ¿Cuál es el origen de eso que antes describías como lío psicológico?

“Bueno, ésa es una pregunta muy amplia. Centrándome en lo que concierne al disco, hay aspectos macro como en qué manera la política, la avaricia, la ignorancia, el egoísmo ponen en riesgo nuestra supervivencia como especie, y luego aspectos micro que son cómo nos comportamos a nivel individual para llevar la vida que queremos. 71

“INTERNET ES UN EJEMPLO DE CÓMO UNA HERRAMIENTA ES PARTE DEL PROBLEMA, PERO TAMBIÉN PARTE DE LA SOLUCIÓN” JOHANNES ECKERSTRÖM

Normalmente nosotros solemos ser el principal obstáculo para conseguirlo. Esos dos conflictos son la base del álbum. El título del álbum hace referencia a la evolución del homo sapiens. Cuando pasamos de ser cazadores a recolectores y empezamos a cultivar y nos asentamos, ahí empezaron los problemas. Fue un gran paso para la especie humana porque podíamos alimentar a más personas, pero también empezaron las enfermedades y las guerras. Y luego dejamos de ser granjeros y pasamos a la revolución industrial, y empezamos a vivir más años, pero también nuestros cuerpos y nuestras mentes van degenerando porque nos hemos alejado de nuestras raíces. Ahora tenemos el cambio climático. Tenemos que encontrar una manera sostenible de vivir, y vamos a contrarreloj. Somos cazadores recolectores, pero no podemos ir hacia atrás. No podemos volver a vivir en un árbol y pensar que somos monos. Tenemos que seguir adelante, y de manera más rápida. Ese sentido de urgencia es uno de los núcleos del álbum. Decir ‘hunter gatherer’ es una manera de decir humano o individuo. Ser una persona dentro de esta jaula digital que hemos creado no debería ser algo malo, pero es un entorno nuevo para nosotros en el que tenemos que encontrar un equilibrio moral y técnico”. Es un concepto interesante. Yo creo que cuanto más el ser humano se ha alejado de la naturaleza, más prisionero se

“Sí, estoy de acuerdo. Pero nosotros hemos moldeado el mundo que tenemos. Internet es una ventana maravillosa al mundo. Puedo estar hablando con alguien de España en un segundo. Es un sistema de comunicación increíble, pero lo estamos usando de manera destructiva. Es un ejemplo de cómo una herramienta es parte del problema, pero también parte de la solución”. Estamos hablando de temas muy importantes, existenciales. Condensar todas esas ideas en canciones de heavy metal de cuatro minutos no tiene que ser fácil.

“No lo es. Pero el disco es un collage de las ideas más esenciales. Y cada canción se centra en una idea. No estamos intentando escribir una canción que hable sobre tooodo esto. Una letra puede ser una observación. Por ejemplo, ‘Silence In The Age Of Apes’ es una observación sobre cómo nos gritamos los unos a los otros cuando el universo está en silencio. Luego en ‘Colossus’ hablo sobre el método científico como una de nuestras invenciones, pero las cuestiones morales que plantea. En dos o cuatro frases de poesía puedes expresar esas inquietudes. Es nuestro vehículo. Otros escribirán ensayos o artículos, o hacen política. Es cuando contextualizas la poesía que adquiere un sentido mucho más amplio. Pero nuestra poesía tiene que ir acompañada de unos riffs de la hostia (risas)”.

ha vuelto de sus propios pensamientos y ha perdido la pers-

¿Crees que este disco puede

pectiva del resto. Vale, somos

cambiar la percepción sobre el

los animales más inteligentes

tipo de banda que Avatar es?

del planeta, pero tampoco so-

“Creo que el público que ganamos con Avatar Country estará tan con-

mos más que eso.

fundido como el que ganamos antes de sacar Avatar Country. Creo que a estas alturas nuestro público ha aprendido que siempre nos estamos reinventando. Éste es nuestro disco más heavy, agresivo y oscuro, pero está muy bien articulado. Es muy poderoso y creo que eso puede que llegue a más gente. Este disco es justamente lo que queríamos que fuera, y normalmente cuando consigues eso, la gente reacciona favorablemente. Pero el éxito comercial es algo secundario. Cuando escucho el master de un álbum terminado me imagino un mundo en el que es un fracaso comercial, y eso me da paz. Porque lo escucho y lo sigo amando, y sé que toda la banda piensa lo mismo. Si la gente lo odia, pasará como con Chinese Democracy, lo olvidarán y pasarán a otra cosa. Claro que quiero seguir haciendo música, girando y evolucionando, pero no creo que todo eso dependa de este disco”. No sé si ya habréis empezado a pensar en la gira, pero ¿qué tenéis en mente de cara a la presentación de este disco en directo?

“El show de Avatar Country era muy exagerado, muy 80’s, casi pornográfico, muy directo. Ahora queremos hacer algo más erótico, más sugerente, algo que amplifique la oscuridad en tu mente. Somos una banda teatral, pero esta historia está basada en algo real y el directo va a reflejarlo. Pero tendremos que esperar a 2021 para poder hacerlo realidad”.

DANCE GAVIN DANCE

SIN RESTRICCIONES CUANDO PARECÍA QUE NO PODÍAN IR MÁS LEJOS, DANCE GAVIN DANCE TODAVÍA HAN VERTIDO MÁS INGREDIENTES EN SU COCTELERA MUSICAL. EN SU NOVENO ÁLBUM, AFTERBURNER , ENCONTRARÁS ROCK, METAL, R&B, POP, JAZZ… Y SIN DESPEINARSE. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

OCOS GRUPOS SERÍAN CAPACES DE SOBREVIVIR A TRES CAMBIOS DE VOCALISTA , y

todavía menos que su popularidad llegara a sus cotas más altas en la fase más avanzada de su carrera. Pero después de que Tilian Person se incorporara al grupo en 2012 tras la salida de Jonny Craig, luego de Kurt Travis, y de nuevo de Craig tras su vuelta y marcha en 2016, la banda de Sacramento parece haber encontrado esa estabilidad que tan-

no han parado de crecer. Aunque parezca increíble para una banda que, al menos en Europa, todavía es relativamente desconocida, su último trabajo debutó en el número 12 de los discos más vendidos de su país. De todo ello hablamos con su batería hace unas semanas. ¿Qué destacarías sobre la creación de Afterburner?

“Creo que esta vez nos beneficiamos más de las cosas que hemos hecho fuera de Dance Gavin Dance. El proceso en sí no fue demasiado distinto, pero cada vez tenemos una manera más eficiente de trabajar y el nivel de estrés es mucho menor, lo que permite que te diviertas más. A Will le encanta componer riffs y estructuras de canciones, y luego todo el mundo le pone su propio sabor e influencias. Todo es bastante fluido”.

“Cuando cada uno haces sus propios proyectos es una manera de construir y explorar nuestras inquietudes artísticas. Cualquier cosa que aprendas, de manera natural va a beneficiar a la banda. Siempre intentamos crecer y expandir el territorio, así que es importante que cada uno tenga su propio camino”. ¿Cuál es la historia detrás del tema ‘Calentamiento Global’? ¿Por qué decidisteis hacer la letra en español?

ampliando vuestro sonido…

“La idea surgió una vez teníamos hecha toda la música. Will empezó a componer el tema a partir de un ritmo muy común en las canciones latinas. Quería incorporarlo porque es algo que nunca hemos hecho antes. Es divertido porque Tilian no habla español, pero creo que lo clavó. Aunque deberíais ser vosotros quien nos lo digáis…”.

¿Fue difícil incorporar todavía

Pues lo ha hecho muy bien.

más estilos en vuestra mezcla?

¿Hay algún tema que haya

La verdad es que cada vez vais

to se le había resistido. El quinteto, que completan los dos fundadores, Will Swan (guitarra) y Matt Mingus (batería), el bajista Tim Feerick y el segundo cantante Jon Mess, se ha mostrado de lo más inspirado lanzando cuatro álbumes en los últimos cinco años: Instant Gratification, Mothership, Artificial Selection, y el más reciente Afterburner (Rise), publicado en abril. Y a pesar de que su música se ha ido volviendo cada vez más inclasificable, tanto la asistencia a sus conciertos como sus ventas

a disco?

“Todos nuestros gustos y nuestras experiencias son una inspiración para nuestra música. Tilian puede escuchar hip hop raro o cosas emocionales, a otros les gusta la música más festiva, a mí me encanta el R&B. Pero nuestros gustos también van evolucionando a medida que crecemos como personas, así que nuestras fuentes para inspirarnos también lo hacen y eso acaba reflejándose en la banda”. Antes hablabas de la importancia de vuestros proyectos paralelos. ¿Crees que eso hace que la evolución de Dance Gavin Dance se haya acelerado disco

adquirido un nuevo significado después de la pandemia?

“No lo creo. Pero hace poco hicimos un meet and greet virtual y vimos que la canción ‘Parallels’ había gustado mucho”. Aunque en vuestras canciones pasan muchas cosas, la mayoría de ellas no pasan de los 4 minutos. ¿Es importante para vosotros ser concisos?

“Como he dicho antes, Will es quien escribe las estructuras, y aunque le gusta jugar mucho con ellas, al final siempre tiene en mente que está escribiendo canciones, no ejercicios de exhibicionismo”. 75

“UNA VEZ ENCONTRAMOS LA ESTABILIDAD INTERNA, NUESTRO NÚMERO DE SEGUIDORES EMPEZÓ A CRECER” MATT MINGUS

En los últimos cinco años, la po-

Aun así, creo que todavía hay

pularidad de la banda ha subi-

muchos fans, especialmente

do un montón. ¿Por qué crees

del rock progresivo, que no os

que finalmente la gente está

conocen. ¿Crees que haber sa-

conectando con vuestra música?

lido de la escena post hardcore

“Para empezar, creo que la gente ha sido capaz de ver más allá del drama que había caracterizado al grupo debido a todos los cambios de formación. Nosotros hemos sido constantes haciendo música y una vez encontramos la estabilidad interna, nuestro número de seguidores empezó a crecer. Creo que lo uno va ligado a lo otro”.

puede haber mandado una idea

equivocada de lo que sois realmente?

“Creo que lo que pasó es que todos amábamos esas bandas de post hardcore y queríamos hacer ese tipo de música, pero cuando nosotros empezamos, muchas de ellas empezaron a perder fuelle y la escena se fue encaminando hacia el metalcore, que

es algo que nosotros no hacíamos. Así que aunque empezamos haciendo música para poder encajar en el post hardcore, cuando nos fuimos quedando solos, pasamos a explorar más y a querer hacer algo diferente y nuevo. Afortunadamente gracias a eso hemos llegado a tener un sonido propio que cada vez ha ido generando más interés. Pero esperamos que todavía vaya a más”.

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

SIN FESTIVALES NO HAY VERANO

ola amigos! ¿Qué tal lleváis el comienzo del verano de nueva normalidad? ¿tenéis planes? ¿os podéis montar unas buenas vacaciones? Me siento muy desubicada por la cancelación de festivales este año, y es que ya os he contado que para mí significan el pistoletazo de salida al verano y una parte importante de vacaciones. Admito que estoy muy emocionada por el esfuerzo que han hecho nuestros festivales favoritos a la hora de cubrir las fechas con actuaciones pasadas en streaming, pero por otro lado me ha entrado una pena tremenda, porque ¡yo estaba allí! Y aunque nos podemos montar una buena fiesta en el salón de casa, cantando y bailando, viendo a nuestros grupos favoritos con una visibilidad privilegiada, un sonido perfecto y sin tener que hacer colas en baños apestosos, echo de

menos los apretones, los codazos en la cara, ver a mi alrededor un estado de felicidad colectiva, y aunque me arrepentiré de esto, echo de menos la cerveza aguachirri en un vaso de litro. Los reencuentros en la plaza, los abrazos con amigos, las cantidades masivas de ibuprofeno, el móvil echando humo porque no nos encontramos, Fulanito completamente borracho, los otros dos que ¡se han liado!, mi banda favorita que toca mi tema favorito… ¿cómo coño una emisión online va a poder sustituir el torbellino de emociones que supone un festival desde el momento en que haces la cola para que te pongan la pulsera? En mi empresa creen que estoy loca porque ya he pedido días de fiesta de 2021, pero es que necesito pasar este mal trago y centrarme en la cuenta atrás para el año que viene. Así que pongamos el cronómetro y esperemos: tick, tack, tick, tack…

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el disco escogido para mi Hall Of Fame particular es el EP homónimo de Moistboyz. A principios de los 90 nadie era más guay e irreverente que Ween, la banda de New Hope, Pennsylvania. Mientras otras formaciones estaban luchando duro por sobrevivir en clubes, daba la impresión de que Ween habían conquistado la corona de la nación alternativa sin casi pretenderlo. Como el dúo descarado que eran, las normas se rompían continuamente y todo lo que iba desde grabar a su manera de tocar podía ser lo minimalista o excesivo que ellos quisieran. Y casi de la noche a la mañana, todo el mundo se hizo fan de Ween. Un par de discos esenciales en los sellos Twin Tone y Kramer’s Shimmy Disc les llevó a firmar un contrato con Elektra. Nunca consiguieron un disco de oro o llegaron al mainstream, pero sí que marcaron una huella suficientemente grande en el underground como para que todo el mundo supiera quién eran y se polarizaron de tal manera que sólo podías amarlos u odiarlos. Mientras Gene Ween cantaba la mayoría de las canciones, la manera de tocar la guitarra y la musicalidad en general de Dean Ween era innegable y era fácil ver quién dirigía la banda. Así que era cuestión de tiempo que el genio derivara en otros proyectos y Moistboyz

fue el resultado directo de esa sobresaturada creatividad. Mositboyz tenía en común con Ween que eran un dúo, Mickey y Dickey Moist, pero ahí acababan las similitudes. Lo que ofrecían era errático, por decirlo de una manera amable. Desde que empezaron en 1991, el dúo ha editado un EP y cuatro LPs. Fue su primer EP de seis canciones en Gran Royal Records el que captó mi atención y me hizo fan para siempre. Moistboyz eran la cara rockera de los eclécticos Ween. Las canciones en este lanzamiento no eran más que toneladas de actitud empapada en la actitud ‘fuck you n’roll’ debido principalmente a la característica voz distorsionada de Micke Moist y la ronca guitarra rockera de Dickey Moist. Empezando por todo lo alto con ‘Carjack’, un acorde

metálico lento y poderoso, ésta nos lleva a la rockera ‘1.0 (Fuck No)’, que podría haber sido el himno de toda una generación. Nada decae cuando suena ‘Supersoaker MD50’ mientras llega ‘I Am The Jury’, que tiene una aire muy Ween con ese inicial ritmo reggae que Mickey Moist rompe en la segunda parte de la canción. ‘Adiós Amigo’ finaliza el EP de la misma manera abrasadora. Lo-fi en la grabación, pro hi-fi en su intensidad rockera, Moistboyz enseñaron a todo el mundo que con muy poco uno puede crear un titán sónico, inspirando a esos rockeros tímidos a iniciar su banda de hard rock de la misma manera que Ween lo hicieron con innumerables músicos que nunca hubiesen salido de su dormitorio. ¡Hasta el mes que viene!