RockZone 167 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: DR

Hacía muchos años que nos rondaba por la cabeza dedicarles una portada a Kvelertak, uno de los grupos que más nos han hecho vibrar en la última década. Sin embargo, por una cosa o por otra, nunca les habíamos podido hacer una entrevista en las condiciones necesarias para realizarla. Pero por fin, hace unas semanas se nos brindó la oportunidad de encontrarnos con los noruegos cara a cara, y nada menos que en su ciudad natal donde ofrecerían el primer concierto de su nueva gira. Sobra decir que dijimos que sí sin pensarlo, y en las próximas páginas podrar leer el resultado del encuentro. Enjoy! SÍGUENOS EN WWW.ROCKZONEMAG.COM - ACTUALIZACIÓN DIARIA

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: The Maine (Barcelona) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 167

06 / EN DIRECTO 18 / OZZYO 22 / CODE ORANGE 28 / APHONNIC 34 / BLOOD INCANTATION 40 / ASH 44 / KVELERTAK 54 / DISCO DEL MES 56 / CRÍTICAS 72 / REDD KROSS 80 / HABITAR LA MAR 86 / LUCIFER 90 / OPINIÓN 92 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

EL CONCIERTO DEL MES BY:

PAPA ROACH 16/2/20 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO: SANDRA ASTOR FOTOS: EDUARD TUSET

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HOLLYWOOD UNDEAD

ué mejor manera de anticiparnos a la celebración del 20 aniversario de uno de los discos más emblemáticos del nu metal de principios de los 2000, el contundente Infest, que recibiendo la visita de Papa Roach en el inicio de su nueva gira europea. Dos paradas españolas con motivo de la presentación de su último largo, Who Do You Trust?, donde siguen demostrando que no se conforman con haber sido referentes del sonido de una época. En su regreso a España tras pasar por el Download Festival en 2019 se acompañaron del rap rock de Hollywood Undead y de unos Ice Nine Kills que prendieron la mecha de un Razzmatazz con aforo completo. Pasaban las 19:00 de la tarde cuando la melodía del Halloween de Carpenter daba paso al metalcore de la banda de Boston, cuyas letras e iconografía rinden homenaje 8

explícito al slasher y a los más famosos psycho killers cinematográficos. En el escenario, hinchables con forma de guante de Freddy Krueger, guitarras ensangrentadas y miembros de la banda caracterizados. Un teatro macabro liderado por el vocalista Spencer Charnas, quien se convirtió en Freddy, Jason y Pennywise para interpretar los temas de su último trabajo, The Silver Scream, frente a un público que se quedó con ganas de más. Hollywood Undead se desvirgaron con buena nota en nuestro país, su potente mezcla de estilos y dinamismo en las voces conectó con la sala al instante. Los temas de su recién estrenado New Empire, Vol. 1 no hicieron sombra a los hits más esperados por sus fans como ‘Undead’, ‘Comin’ In Hot’ o ‘Day Of The Dead’. La furia de la cucaracha tomó el escenario de Razz pasadas las 21:30 de la noche con un arrollador inicio en el que Jacoby Shaddix y los suyos

encadenaron ‘Dead Cell’ y ‘Blood Brother’s’ para deleite de su público más old school. Se excusaron por la baja del guitarrista Jerry Horton, sustituido por el hermano del bajista Tobin tras romperse dos dedos de la mano antes de la gira. Alta intensidad, mucho agradecimiento e interacción constante con el público durante la hora y media de un repertorio que transitó entre una vuelta a los orígenes (‘Between Angels and Insects’, ‘Broken Home’), sus cortes melódicos más coreables (‘Help’, ‘Scars’), los himnos de una generación (‘Last Resort’, ‘... To Be Loved’), algunos temas más recientes (‘Elevate’, ‘Feels Like Home’, ‘The Ending’ en acústico) y una versión apoteósica del ‘Firestarter’ de The Prodigy. En una entrevista reciente para esta revista, Shaddix apuntaba que “el directo es una de las pocas cosas sagradas que quedan en la música”. Su entrega aquella noche en Barcelona no hizo más que confirmarlo.

CROSSFAITH 8/2/20 - RAZZMATAZZ 2 (BARCELONA) TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: NADIA NATARIO

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ORANGE GROVE

a oferta para la noche del pasado 8 de febrero ejemplifica que la globalización es imparable. Dos bandas de la otra punta del planeta iban a regalarnos una fiesta en la que no importaban ni las fronteras geográficas, ni lingüísticas, ni musicales. Para empezar, Ocean Grove desde Australia. El cuarteto nos ofreció un viaje al pasado con un rock alternativo heredero de los 90 y pinceladas de aquello que se llamó funk metal. Pese a que no creo que mucha gente estuviera familiarizada con sus canciones, los tipos consiguieron meterse a todo el mundo en el bolsillo con su entrega y desparpajo. El vocalista Dale Crover, que al igual que el bajista Twiggy Hunter lucía falda, se descubrió como un perfecto maestro de ceremonias, corriendo arriba y abajo y saltando al foso para dejarse arropar por las primeras filas. Su reciente single ‘Sunny’ y ‘Ask For The Anthem’

con la que cerraron su breve, pero intenso, set fueron lo más destacable. Seguro que más de uno se los puso para volver a casa. Con el público ya caliente, Crossfaith lo tenían a huevo para firmar una gran noche. ¡Y vaya si lo hicieron! Es curioso, pero da igual el estilo que practiquen, todas las bandas japonesas se caracterizan por una pasión desbordada, que roza la locura. En su caso, además, encaja totalmente con el cocktail musical que ofrecen. Empezaron muy fuertes con ‘Destroy’ de su último disco Ex_Machina, suficiente para dejarnos aplastados por su contundencia sonora y lumínica. Era difícil procesar todos los estímulos que recibías, más teniendo en cuenta la movilidad constante de los músicos. Su entrega era tal que parecía que pudieran desmontarse en cualquier momento. Hasta el batería Tatsuya Amano era un auténtico espectáculo. Sin dar

descanso, siguieron con ‘The Perfect Nightmare’, otra de sus piezas más metálicas que convirtió la pista en un terremoto. El ritmo trepidante de la hímnica ‘Jägerbomb’ hizo que todo el mundo bailara al son de esa melodía de teclado tan característica, y sirvió de excusa para que los músicos se metieran un trago del brebaje del ciervo. Después de ‘Kill ‘Em All’ sucedió un contratiempo técnico que nos hizo temer lo peor. Sin que supiéramos por qué, el sonido desapareció por completo. Por suerte, la banda se lo tomó a bien y aprovecharon para pegarse unas risas. La cosa no fue a más y pudieron reinciar el bolo con ‘Freedom’ y su flamante nuevo single ‘Endorphin’. Su atómica versión de ‘Omen’ de Prodigy transformó la sala en una rave con todos sus fans bailando. El remate final vino de la mano de ‘System X’, ‘Xeno’ y la indispensable ‘Monolith’. Quienes se quedaron en casa, no saben lo que se perdieron. 11

TESTAMENT 27/2/20 - RAZZMATAZZ (BARCELONA) TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÏGUEZ

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DEATH ANGEL

res bandazas como tres soles. Todas históricas, cualquiera pudiendo liderar su propia gira. Esto es lo que nos trajo a Barcelona la peña del Resu: Testament, Exodus y Death Angel en The Bay Strikes Back, el tour thrash del año. Ante un cartel de semejante calibre da cosita hablar de ‘bandas teloneras’, y así lo debió entender también el público, que desde muy temprana hora ya llenó la grande de Razz para recibir a los de Mark Osegueda. Presentando su más que bien recibido último trabajo, Death Angel dejaron claro que nada iba a fallar esa tarde, empezando por un sonido intachable. Al menos desde donde estaba situado un servidor… Nunca han sido Sick Of It All sobre las tablas, pero aun así, un poco más de nervio por parte de sus miembros no habría estado mal. El vocalista sí agitó todo lo que pudo a la gente, brincando y reivindicando ese thrash tan especial suyo, donde cada día se adivina más esa inclinación por

EXODUS

el heavy clásico. La sala, entregada de principio a fin. Aunque Exodus tiraran de cachondeo al usar como intro el himno futbolero ‘Alcohol’, lo que despacharon luego fue de lo más serio. Con Gary Holt de nuevo totalmente centrado en su banda de siempre, ya desde la primera ‘Body Harvest’ tuvimos claro que aquello iba a ser una carnicería. Los californianos lo dieron absolutamente todo, no cesó su headbanging, y lecciones como ‘Fabulous Disaster’, ‘Bonded By Blood’ o una atronadora ‘The Toxic Waltz’ nos pasaron por encima. Estará todo lo orondo que ustedes quieran, pero desde luego Steve ‘Zetro’ Souza sabe cómo calentar una sala. Para cuando Exodus terminaron yo ya no sabía ni dónde tenía la cresta. Parece que por fin se ha hecho justicia con Testament. Poseedores de una fórmula absolutamente única e inimitable de hacer thrash metal, algunos incluso consideran que deberían formar parte del Big 4. Así,

uno sólo podía sentir orgullo al verles llenar un recinto de esta capacidad en la capital catalana. Que contaron con la ayuda de otros dos combos tremendos para lograrlo, pero ya me entendéis… Enseguida notamos el cambio de tercio. De las cuchilladas a destajo de Exodus pasamos a un estilo mucho más técnico y cerebral, por decirlo de alguna forma, y debo reconocer que a mí me dio algo de bajona este hecho. Por suerte, nada como una buena ristra de temazos clásicos, y no tan clásicos, como ‘Dark Roots Of Earth’, ‘The New Order’, la reciente ‘Night Of The Witch’, ‘Into The Pit’, ‘Practice What You Preach’ u ‘Over The Wall’ para acabar rendido ante Chuck Billy y los suyos. Luminaria impresionante, numerosos cañones de humo, y Alex Skolnick encandilando con su virtuoso trato del mástil. ‘Disciples Of The Watch’ acabó por mandarnos a la lona en un show notable, aunque les hayamos visto mejores.

THE MAINE 19/2/20 - SALA BÓVEDA (BARCELONA) TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

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STAND ATLANTIC

legados a este punto de su carrera, con siete discos a sus espaldas y tantas otras giras mundiales -ésta era su cuarta visita a nuestro país-, nada nos hace pensar que The Maine vayan a convertirse en un grupo de masas, pese a tener el potencial y la calidad para merecerlo. Dando un vistazo a la Bóveda, me sorprendió que tantísimas caras me resultaran familiares de su última visita hace tres años en esta misma sala. Está claro que el grupo de Arizona no ha ganado fans desde entonces, pero tampoco los ha perdido. Y lo mejor de todo es que la banda no sólo es consciente de ello, sino que lo valora. Son esas ganas de ver el vaso medio lleno, algo que se transmite cada vez que The Maine se suben a un escenario. Pero antes nos tocaba disfrutar del debut en directo en Barcelona de Stand Atlantic. El grupo australiano ofreció una dosis de pop punk con la vocalista Bonnie Fraser ejerciendo de anfitriona. Un buen bolo en el que destacaron

temas como ‘Speak Low’ o su nuevo single ‘Shh!’. En esta ocasión, The Maine llegaban con un show más elaborado que en visitas anteriores, con una pantalla rectangular en posición vertical encima del escenario -la gira ha sido bautizada como The Mirror- y con algunos elementos de iluminación extra. Además, los seis músicos sobre el escenario iban vestidos iguales, con camisas naranja y traje oscuro, dándoles un punto de elegancia. Pero el grupo no sólo ha cuidado la presentación visual, sino que también han agitado su repertorio, prescidiendo de algunos de sus hits más conocidos como ‘Right Girl’, ‘English Girls’ o ‘Don’t Stop Now’ para dejar espacio a temas de sus últimos discos, incluido el más reciente, You Are Ok. Precisamente arrancaron, después de una cuenta atrás en la pantalla como si estuviera a punto de llegar el año nuevo, con ‘Slip The Noose’, con ese coro a varias voces, y ‘Best

Habit’, los dos temas que lo abren. De ahí saltamos a ‘Like We Did (Windows Down)’ de Pioneer y aún más atrás con la coreada ‘Inside Of You’ de Black & White. Con todas ellas dejaron clara su maestría para facturar temas de pop rock y su capacidad para ofrecer un sonido más robusto que en estudio. La animada ‘Don’t Come Down’ (pedazo de estribillo) dejó paso a una intensa ‘Heaven, We’re Already Here’ en la que sonaron unas cuerdas pregrabadas. La fiesta llegaría con la bailable ‘I Am Pretty’ en la que John O’Callaghan bajaría a la pista para bailar con sus fans y celebrar la diversidad. Más adelante, el simpático frontman se quedaría solo para interpretar trocitos de temas de My Chemical Romance o Blink-182 y finalmente una versión desnuda de ‘(Un) Lost’. Ya con sus compañeros de vuelta nos ofrecerían temas como ‘Black Butterflies & Dejà Vú’ y ‘Numb Without You’ y cerrar el círculo con la épica ‘Flowers On The Grave’. Otra gran noche junto a The Maine.

OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

POR UN PUÑADO DE DRACMAS

Anacleto

MATERIAL INFLAMABLE Richard Lloyd

(PANINI)

(CONTRA)

(GRAFITO)

MARVELS: EL OJO DE LA CÁMARA Busiek, Stern y

La secuela de la obra maestra de los 90, Marvels, vuelve en una cuidada edición que ningún completista debe perderse. Busiek regresa al mundo de Phil Sheldon para narrar los años correspondientes a las décadas de los 60 y 80 como fotógrafo de los prodigios, haciendo al lector partícipe de todos los cambios sociales usamericanos que trata de reflejarnos; de paso, nos deja uno de los retratos más crudos y verosímiles de la lucha contra el cáncer que he leído en cómic en toda mi vida. SG CREDO Samuel González (LA CÚPULA)

Biografía de la coautora de La Casa De La Pradera, pionera del feminismo liberal, además de fundadora del movimiento libertariano de EEUU. Peter Bagge tiene ganado el cielo de los cómics por obras clave del underground, pero en los últimos tiempos se hace muy cuesta arriba afrontar sus trabajos: descaradamente proselitista -de trazo grueso- hacia sus ideas libeGales y anti-izquerdistas. Sigue narrando y dibujando que da gusto, pero a poco que sudes ‘izquierda’ por tus poros se hace muy jodido leerle. Complicado. SG

Pese a que el glamour de los grandes nombres es imbatible y son los que pasaran a la historia del circo del rock n roll en letras grandes, la historia de verdad se construye a base de miles de actores secundarios, muchos de ellos teniendo papeles más relevantes de lo que el destino les ha querido reconocer. Definitivamente Richard Lloyd sería alguien dentro de ese segundo grupo, y es todo un lujo que nos haya querido regalar unas memorias en las que explica de primera mano cómo fue vivir aquel New York de los 70, tan mítico e influyente dentro de la historia del rock. A priori, Lloyd podría ser uno de los cientos de protagonistas que que dejaron un granito de arena en el CBGB, pero hay algo en sus prosa que lo hace diferente y electrizante. Bien es cierto que su pertenencia a Televisión con los que grabó uno de los discos de culto más importantes de todo los tiempos, Marque Moon, es por lo que será principalmente recordado, pero Lloyd en Material Inflamable no se recrea en esos momentos de gloria o en los elogios que le han dedicado diferentes guitarristas a lo largo de los años. Más bien al contrario, el relato desmitifica y normaliza una escena que para él fue simplemente la que le tocó vivir y la naturalidad que habla de sus compañeros de generación, de cómo encara su perennes problemas con Tom Verlaine en Televisión o las droga son los que le acaban de dar personalidad al relato. RR

Iván García, Ruth O’Leary

Uno de los primeros lanzamientos potentes de este año. La historia de dos tipos que buscándose la vida terminan liberando a una ciudad del tirano de turno, situado todo en el periodo moderno de la Grecia clásica, atrapa por su estupenda ejecución, cuidada ambientación y estudiada representación de la época. La aventura fluye de forma tremendamente natural, los sucesos que se desencadenan nos hacen cómplices del ‘sí, podría haber ocurrido’ y el sugerente color nos transporta dos milenos atrás en el pasado. Obligatoria. SG CUENTOS DE GAMAYUN 1 Alexander Utkin (DIBBUKS)

Hermosa compilación de cuentos de tradición rusa ofrecidos con un atractivo formato estilo cartoon donde destaca la plasticidad de las escenas que recrea el autor. Este primer tomo, que ofrece un primer tramo de presentación del universo y personajes, nos traslada a una manera de pensar y narrar completamente diferente a los cuentos y fábulas que conocemos, aunque las moralejas sean bastante similares. Ayuda a la lectura el halo de misterio que Alexander utiliza para mantener la atención en todo momento. Muy curioso. . SG

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN BLOOD & FLESH: THE REEL LIFE & GHASTLY DEATH OF AL ADAMSON

DIAMANTES EN BRUTO JO, QUÉ PIEDRA

oshua y Ben Safdie son dos traviesos autores que llevan toda la vida reflejando sus inquietudes desde distintos teleobjetivos con los que retratar lo más cerca posible las malas calles de su ciudad. Y su ciudad no es una cualquiera: es Nueva York. Tras un no parar de documentales y cortometrajes, dieron el salto al largometraje de ficción con dos obras que no tardarán en redescubrirse o, incluso, descubrirse del todo. Sería con su simpática (por decir algo) Good Time, una pesadilla y una puesta al día del cine callejero del director de Jo, Qué Noche o Al Límite en un formato más reducido y mucho más cerrado, cuando empezaron a estar en boca de todos. Ahora estrenan a bombo y platillo en Netflix Diamantes En Bruto, su mejor trabajo hasta la fecha. Estos dos chicos de origen judío conocen a la perfección el distrito joyero de la Gran 20

Manzana, puesto que su padre se dedicaba a mantener un negocio como los que vemos en la película. De hecho, el proyecto llevaba más de diez años listo para ser filmado, pero no sería hasta la llegada de Adam Sandler que se puso en marcha. Darius Khondji y el ritmo de la edición elevan por encima de la media lo nuevo de los Safdie. El ritmo no les ha faltado nunca, por supuesto. Y por si fuera poco, Martin Scorsese aparece como productor ejecutivo de una cinta tan deudora como de su cine como Joker, sólo que molestándose en trabajar la propuesta y no quedarse en las apariencias. Por desgracia, como en todo lo que he visto suyo, una extraña fuerza invisible me mantiene más alejado de su corazón de lo que realmente me gustaría. Al final uno corre el riesgo de quedarse tan lejos como esas lentes y teleobjetivos con las que gustan encimar a sus personajes desde la distancia. Que no se me interprete mal: Diamantes En Bruto es una película estupenda, Sandler vuelve a demostrar por enésima vez que no tiene límites y los hermanos tienen un gran futuro por delante. Es sólo que tal vez va llegando el momento de cambiar un poco la fórmula.

sí, a lo sorpresa, Amazon Prime estrenaba hace unos días un excelente documental dirigido por David Gregory, quien ya nos brindó hace unos años el alucinante viaje al corazón de las tinieblas de Richard Stanley. El fundador de Severin Films ha puesto ahora el ojo en una de las mentes más preclaras e hiperactivas del cine B, Z, Trash o como quieras llamarlo. Bienvenidos al mundo de Al Adamson donde te esperan con los brazos abiertos salvajes moteros satánicos, estrellas del porno, Charles Manson y otras sectas, monstruos clásicos, ciencia ficción, pollo frito o samuráis negros. Queda claro que Al Adamson no conocía límites. Heredero de artistas como Ed Wood, y contemporáneo de Roger Corman, Adamson fue en cierto modo un precursor de la mecánica que perfeccionarían los Golan-

Globus de la Cannon a la hora de aprovecharse de los “vacíos” del sistema industrial de Hollywood. El fabuloso mundo de Al Adamson terminó como nadie habría imaginado: con su director protagonizando la película más aterradora de su vida. Narrado a través de los testimonios de amigos, familiares, colegas e historiadores, el nuevo documental de David Gregory incluye docenas de clips bizarros y entrevistas de archivo con el propio Adamson, incluyendo la última que dio y que se convierte aún en más escalofriante a medida que avanza. Sólo Blood & Flesh: The Reel Life & Ghastly Death Of Al Adamson puede pasar del retrato de un cineasta histórico al documental true crime con empleados del hogar homicidas. Sin duda alguna, estamos ante uno de los mejores documentales sobre “cine” que veremos este año y que volverá loco a cualquier habitual del festival de Sitges. Sangre y carne (y cemento) es el resumen de la obra y milagros de uno de los reyes del cine de guerrilla con un final perturbador y, sobre todo muy, muy triste. Otro estupendo trabajo y otra alma perdida para el catálogo de David Gregory. Que no pare la fiesta.

CODE ORANGE

PLAN DE ESCAPE SI ALGO NO LES FALTA A CODE ORANGE ES AMBICIÓN. PESE A QUE SU MÚSICA NO ES PRECISAMENTE APTA PARA TODOS LOS PÚBLICOS, NO RENUNCIAN A LLEGAR A QUIENES TODAVÍA NO SABEN DE SU EXISTENCIA. CON UNDERNEATH, LOS DE PITTSBURGH PONEN TODA LA CARNE EN EL ASADOR PARA DEJAR SU HUELLA. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR/ERIC ALTIMIS (DIRECTO)

ACE TRES AÑOS ESCOGIMOS FOREVER, EL TERCER TRABAJO DE CODE ORANGE, como nuestro

la cantidad de ideas y detalles

número 1 en la lista de mejores discos internacionales. En él, la banda elevaba su cáustico metalcore a nuevas cotas creativas incorporando elementos de la electrónica, el rock industrial o el grunge. La canción que le daba título incluso fue nominada al Grammy en la categoría de Mejor Interpretación Metal (perdieron contra Mastodon). Sinceramente, se hacía difícil pensar que podrían superarlo. Pero Underneath (Roadrunner), que llegará el próximo 13 de marzo, hace ahora que su anterior álbum parezca simplemente un borrador de lo que realmente tenían en mente. O al menos lo que Jami Morgan, su co-vocalista y batería, llevaba imaginando desde que en 2008 se juntara con Reba Mayers y Eric ‘Shade’ Balderose mientras todavía iban al instituto. Más tarde llegaría el intimidante bajista Joe Goldman y, finalmente, hace un par de años el guitarrista Dom Landolina, completando una formación que pese a su juventud, ya tiene una década de experiencia a sus espaldas en la que han pasado de tocar en sótanos a abrir para Slipknot en su próxima gira americana. No en vano, Corey Taylor les ha citado como uno de los grupos destinados a marcar el metal del futuro. Un cumplido que, después de escuchar su nuevo disco y charlar con Jami Morgan a mediados de febrero, no parece inalcanzable.

vais probando y quitando cosas

que hay en cada canción. ¿Tenéis una idea clara de lo que vais a hacer antes de grabar o es más un proceso en el que a medida que avanzáis? JAMI MORGAN “Desde fuera me

imagino que puede parecer muy complicado, pero nosotros nos lo tomamos más como un gran puzle que hay que completar. Te planteas qué piezas tienes, cuáles te faltan, cuáles necesitas… Mi trabajo es imaginarme eso y el resto me proporciona, gracias a sus habilidades, el material necesario para llenar esos huecos. Con todo eso voy construyendo un arco, ya sea musical como temático, para que el viaje que quiero plantear al oyente tenga sentido. Nos llevó mucho, mucho tiempo, implicó un trabajo extremo y mucha dedicación porque no hay ni un solo segundo que esté en el disco por azar. Nunca nos conformamos con ‘bueno, ya está bien así, pasemos a otra cosa’. Nunca trabajamos así. Por ejemplo, hicimos como veinte mezclas distintas de cada tema hasta darlo por bueno”. Suena casi enfermizo…

“(Risas) No me considero un perfeccionista porque seguro que hay mucha gente a la que el resultado no le parece perfecto, pero el resultado es lo más cercano a lo que tengo en la cabeza. El disco no se da por terminado hasta que llegamos a ese punto”. ¿Cuándo empezasteis a darle

“Estuvimos presentando Forever durante algo más de un año y medio. Realmente hasta que no terminamos la gira no nos pusimos de verdad a pensar en ello. En junio de 2018, antes del último tramo de la gira como cabezas de cartel, empezamos a barajar algunas ideas y cuando estamos en la carretera, voy pensando ideas porque soy muy inquieto, pero realmente no nos centramos en hacer algo nuevo hasta estar ya en casa. Y desde entonces trabajamos cada día en el disco. De hecho, seguimos haciéndolo porque ahora estamos pensando ya en cómo llevarlo al directo, el diseño del merch, los vídeos... No hay descanso porque nos ocupamos personalmente de todo”. ¿Cómo cambió la banda después de ese año y medio de gira?

“Bueno, ten en cuenta que llevamos girando juntos desde que teníamos 17 años. La diferencia fue que por primera vez alguien de fuera de nuestra burbuja nos hacía caso. Pero para nosotros sólo fue un año y medio más. Empezamos a tocar con 14 años. Ésta es nuestra vida. Ayer estuve con Reba preparando los diseños para el merch hasta la una de la mañana. Yo sigo viviendo en la misma casa con Joe y Dom. Es nuestro estilo de vida y nos sentimos afortunados. Es duro, pero merece la pena porque podemos hacer arte y presentarlo a gente como tú a la que le interesa. Somos una familia. Nos peleamos, claro, pero luego seguimos adelante. Tenemos una relación saludable”.

vueltas a la idea de hacer un Escuchando Underneath con

nuevo disco tras la gran reper-

¿Consideras a Code Orange más

auriculares, te das cuenta de

cusión de Forever?

una comuna que una banda?

“SOMOS UNA FAMILIA. NOS PELEAMOS, CLARO, PERO LUEGO SEGUIMOS ADELANTE” JAMI MORGAN

“Mucho más que cualquier otro grupo, eso seguro. Pero es lo que nos permite aislarnos de todo. Hacer este disco fue muy estresante porque teníamos una visión muy clara y teníamos que conseguir hacerla realidad. Las únicas personas que compartían o entendían esa visión eran los otros cuatro. No podría ni imaginar hacer algo así yo solo”. Ahora contáis con muchos más recursos que cuando empezasteis y en Underneath habéis podido contar con la producción de Nick Raskulinecz y Will Yip. Sin embargo, ¿hay algo que añores de aquellos primeros tiempos?

“No. Seguimos viviendo de la misma manera que antes. Ahora incluso

peor porque como no hemos estado girando, no nos queda dinero. Nada ha cambiado. La principal diferencia es que pudimos tener más tiempo para hacer el disco, pero gran parte de él lo dedicamos a grabar maquetas lo más específicas que pudimos. Nosotros mismos hicimos las mezclas en nuestros ordenadores. Eso llevó mucho tiempo. Luego lo llevamos todo a Nick Raskulinecz y lo reconstruimos todo de la manera más fiel posible consiguiendo las mejores tomas durante dos meses, y luego lo pasamos a Will Yip y estuvimos haciendo las mezclas con él cada día, así que moló tener los recursos para poder disponer de ese tiempo. Antes lo hacíamos todo en nuestro local de ensayo y luego lo trabajábamos en el ordenador; ahora podemos ha-

cerlo en un estudio de verdad. Pero la realidad es que hemos trabajado más duro que nunca”. ¿Podrías poner algún ejemplo de la transformación que sufría un tema al pasar de vuestras manos a las de Nick y luego a las de Will?

“Claro. Nosotros grabamos las maquetas por nuestra cuenta, luego grabamos las voces con Will, luego con Nick grabamos todos los instrumentos. Y Nick nos hacía sugerencias como ‘aquí deberíamos alargar esta parte’ o ‘ésta debería ser más corta’, cosas así. Pero tampoco hubo mucho de eso porque nosotros ya habíamos creado una hoja de ruta muy concreta. Todo el proceso fue muy intenso e interesante. Te pondré un ejemplo: 25

hicimos un riff que convertimos en un loop loco y eso es la intro del tema ‘You And You Alone’. El loop mola tanto que después lo volvimos a convertir en un riff que podamos tocar en directo. Todo lo que suena en el disco podemos tocarlo en directo. Todo es muy rítmico”. En Forever ya experimentasteis con sonidos electrónicos e industriales, pero aquí están a menudo en un primer plano. ¿Cómo explicarías esta evolución?

“Creo que tiene que ver con haber aprendido a cómo hacerlo bien. Antes quizá no sabíamos hacerlo o ni siquiera teníamos la visión para hacerlo. Lo que de verdad queríamos era crear un mundo inmersivo. No se trata tanto de qué elementos son electrónicos y cuáles no, sino que lo interesante está en que lo sitúas en un punto en el que no sabes qué es qué. Queríamos que te desorientara, pero no de una manera azarosa, sino muy controlada. Los elementos electrónicos son simplemente más música. Todo el hip hop es electrónico. Para mí eso no es importante. Muchos riffs de guitarra se grabaron directamente a un ordenador para poderlos manipular. Queríamos fusionar todos los sonidos en uno, no separarlos. Al mismo tiempo, queríamos que en el núcleo hubiera algo real y agresivo y por eso fuimos a un estudio de verdad para grabar”. ¿Crees que este álbum podría cambiar la percepción de cómo entenderemos la música agresiva de ahora en adelante? De la misma manera que lo hizo

Pretty Hate Machine de NIN en su momento, por ejemplo. ¿Le 26

ves el potencial para ser un disco influyente?

“Falta ver qué pensará la gente, pero eso es a lo que aspiro. Lo que nos excita es encontrar la manera de llevar este tipo de música a un plano nuevo. La gente siempre se queja de que no haya nada nuevo en la música heavy, así que aquí os traemos algo que es genuinamente nuevo, aunque esté inspirado en cosas anteriores, como todo, pero la combinación es nueva. No suena a nada que se haya hecho antes. La pregunta es si nuestra música encontrará una plataforma suficientemente grande para que la gente la descubra. No tengo la respuesta, pero

desde luego si no encontramos esa plataforma será muy difícil que el disco pueda ser considerado influyente. Ahora es muy complicado que algo obtenga un reconocimiento universal, especialmente en la música… hay muchas bandas haciendo cosas. Pero nosotros no queremos ser una banda más. Si aspirara sólo a eso, ni siquiera me molestaría en hacerlo. Espero con todo mi corazón que consigamos nuestro objetivo, pero vivimos en un mundo digital lleno de ruido, con muchas cosas sucediendo a la vez. De hecho, el álbum trata sobre eso”. Quizá otro obstáculo, aparte de

“NOSOTROS NO QUEREMOS SER UNA BANDA MÁS. SI ASPIRARA SÓLO A ESO, NI SIQUIERA ME MOLESTARÍA EN HACERLO” JAMI MORGAN

“Escribimos el disco con varios propósitos. Por un lado es una historia que puedes mirar desde varios ángulos. Escribí el significado de cada canción en relación a esa historia. Pero sobre todo es una reflexión de la sociedad y de nosotros mismos dentro de esa sociedad. Nos levantamos, tenemos una pantalla en el bolsillo, y la gente puede escucharte a través de ese aparato, se meten en tu vida a través de tu bolsillo. Es como si constantemente el ruido te arrastrara hacia un submundo. Nos guste o no. Se crea una espiral en la que la gente vive como actuando y te obligan también a actuar a ti. Ése es el mundo en el que vivimos y en el que la banda tiene que moverse, nos guste o no”. Como artista supongo que tienes que tomar la decisión de jugar con las reglas de este sistema aunque no te gusten o pasar totalmente de ellas con el riesgo de que nadie sepa de tu existencia.

la difusión que pueda tener el disco, es que es un trabajo que requiere que el oyente le preste mucha atención. No sé si hay demasiado público que ahora esté dispuesto a invertir el tiempo necesario en un producto que no te lo da todo masticado.

“Sí, estoy de acuerdo. Por eso tengo curiosidad por ver cómo será recibido. No es música para escuchar de fondo. Pero los estribillos son mucho más pegadizos de los que habíamos hecho hasta ahora, así que espero que sirvan para atraer a más gente. De todos modos, no vamos a rebajar nuestra música para ser más populares, pero nos gustan muchos grupos

con grandes estribillos. Simplemente nos gustan, así que es un ingrediente más que hemos incorporado a nuestras canciones más rock. Venimos del hardcore y del punk, donde existe una ética muy fuerte de no adaptarte al consumismo; nosotros nos adaptamos a lo que nos gusta. Por eso luchamos tan duro para tener exposición en distintas plataformas, porque no vamos a cambiar nuestra música para gustar más”. A mí el álbum me transmite la

“Exacto. En realidad, en el disco me estoy hablando a mí mismo. No le estoy diciendo a nadie lo que tiene que hacer. Mucha gente nos ha criticado porque parecemos demasiado serios o como que nos damos demasiada importancia, pero eso es porque no nos exponemos como hacen otros artistas colgando cualquier bobada. Las bandas que nos gustaban no se exponían. Eso no quiere decir que seamos personas que no sabemos cómo divertirnos, pero es sólo que nos tomamos nuestra música muy en serio”.

ansiedad y confusión que supone vivir en el mundo actual. ¿Para ti hacer música es una manera de aliviar esa ansiedad? 27

APHONNIC

REYES POR UN DÍA

NO ES FÁCIL ESCRIBIR HIMNOS, PERO APHONNIC HAN DADO CON LA TECLA PARA QUE CADA UNA DE SUS CANCIONES MEREZCA ESE CALIFICATIVO. EN LA REINA , LOS VIGUESES NOS OFRECEN UNA NUEVA OPORTUNIDAD PARA CANTAR CON ELLOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A REINA, EL SEXTO ÁLBUM DE APHONNIC,

una cuestión de pasta, de querer trabajar con tranquilidad…?

suena con esa naturalidad y fluidez que sólo ocurre cuando piezas como el talento, la confianza y el trabajo encajan a la perfección. Sólo Chechu (voz), Iago (guitarra), Richi (bajo) y Alén (batería) saben las horas, días y años que les ha costado llegar hasta aquí, pero finalmente han alcanzado ese nivel al que quizá sólo imaginaban cuando empezaron a tocar en Vigo a principios de la pasada década. Además, en Vasco Ramos (More Than A Thousand) encontraron ese aliado imprescindible para sacarles todo su potencial. El portugués se ha convertido no sólo en el productor de sus tres últimos discos, sino también en una especie de mentor. Pero para La Reina el grupo también ha contado con un nombre de prestigio como David Bendeth, un tipo que ha trabajado desde con clásicos como Jeff Beck hasta bandas del nuevo milenio como Bring Me The Horizon. Pese a que, como nos cuenta Chechu, les hizo sudar, el resultado salta a la vista.

“Normalmente solemos sacar disco cada tres años, y más o menos ha ido por ahí. Pero también es verdad que la gira de Indomables se estiró bastante porque iban saliendo cosas. Normalmente nos gusta sacar los discos en otoño, y ésa era la idea, pero al final se retrasó un poco. Pero total, nosotros no vivimos de esto, y lo que no queremos es dar un paso atrás. Preferimos tomárnoslo con calma y hacer las cosas bien para seguir creciendo un poquito”.

Las críticas de La Reina están

Pero algún mérito será vuestro

siendo muy buenas. Estaréis

también… (Risas).

contentos…

“(Risas) Sí, bueno, todo tiene que ver, pero seguimos teniendo la filosofía que muchos grupos del llamado underground superan muchas veces a los que están arriba, lo que pasa es que no se les dan oportunidades. Álvaro conoce el gremio de muchos años con Hamlet, conoce a las salas, a los promotores, y eso lo hace más

CHECHU “Sí, la verdad es que a la

gente le está gustando. Creo que al principio parece un poco raro por el sonido, pero una vez empapado, puede molar a bastante gente”. Os habéis tomado hacer este disco con relativa calma. ¿Era

Desde fuera parece que Indomables fue un punto de inflexión, al menos en cuanto a oportunidades, conciertos…

“Sí. Digamos que trabajar con Álvaro de Wilma Producciones es un aliciente. Las puertas que antes no se abrían y parecían inaccesibles, ahora ya se abren un poco y te puedes colar. Trabajar con él está siendo cojonudo, porque al menos con nosotros se mete en el papel. Estamos contentísimos de poder contar con él”.

fácil. Luego nosotros hacemos el trabajo, claro”. Sigues pensando que el mundillo de la música todo es un pasteleo.

“Prácticamente sí. Creo que es pasteleo, un puto monopolio, hay muchos amiguismos… Vamos, como la vida misma. Si no tienes un padrino es jodido. Hay casos que sacan un disco y gracias al boca-oreja, lo petan y van hacia arriba. Pero son contados. Por ejemplo, ahora con Desakato. Yo me alegro muchísimo porque es un grupo que lleva 30 años, pero demuestra lo jodido que está todo. Nosotros seguimos a lo nuestro y si pasa algo, pues cojonudo. Pero es una opinión personal, eh”. ¿Fuisteis componiendo mientras seguíais dando conciertos con

Indomables o esperasteis a tener ya toda la agenda limpia?

“No, el álbum lo fuimos haciendo durante el último año. Con los bolos que teníamos, nos daba tiempo. Normalmente cogemos dos semanas para trabajar con Vasco Ramos en la producción, una a final de año y la otra en enero, para no joder los días de vacaciones por si salen bolos”. ¿Costó arrancar?

“Esta vez teníamos bastantes ideas. Pero con Vasco nunca sabes. Había dos canciones que me gustaban mucho y fueron las dos primeras que mandó a la mierda. Pero ya llevamos nueve años con él y, bueno, te jodes, 29

y quedan esos dos temas para escucharte en casa. La verdad es que llevamos bastantes cosas de riffs, baterías, melodías de voz y al final el disco salió bien”. Antes hacías una referencia a que el sonido podía parecer raro. ¿Teníais claro que queríais darle un giro?

“En un principio nosotros nos dejamos guiar por Vasco. Él quería que las mezclas las hiciera Henrik Udd, que trabajó doce años por Fredrik Nordström. Vasco tenía buen rollo con él, y era fácil trabajar con él. Le pedías cambios y te los hacía sin problemas, pero nosotros estábamos inquietos con lo que nos mandaba y decidimos parar. Básicamente nos estaba mandando un Indomables II, tal cual, y no era lo que queríamos. Luego salió lo de David Bendeth y fue arriesgado porque esta gente cobra por respirar, pero lo hicimos y quedamos bastante contentos. Lógicamente se podrían mejorar muchas cosas, pero creo que el resultado quedó chulo”.

con gente de este nivel. Yo también entiendo que eres tú quien quiere trabajar con él, y hace las cosas a su manera. Si no te gusta, pues hazlo tú en tu casa. Pero, de hecho, Bendeth nos escribió hace poco y nos dijo que para el próximo disco quería trabajar directamente con nosotros y producirlo. Mola que un fulano como éste te diga algo así, pero ya veremos lo que hacemos. Para nosotros, Vasco es el primero”. Bendeth tiene la fama de ser un puto sargento, así que si vais al estudio con él, prepararos.

“También ocurrió que durante la mezcla, justo a la madre de Vasco le dio una parálisis cerebral y básicamente tuvo que saltar del barco y no estuvo en ningún momento, nos comimos nosotros la historia. Esos 25 días nos hizo sudar, el hijo de puta. Es muy jodido el cabrón. Pero ahí se abrieron también otras puertas. Por ejemplo, Kevin Churko quería mezclar el disco a toda costa, pero ya nos habíamos comprometido con Bendeth. Fue una experiencia de cojones”.

¿Qué cambiarías en concreto?

“Bueno, al final se volvió un poco loco con algunos efectos y creo que ensucia un poco, pero son pormenores. Y sobre todo no haber tenido más tiempo porque trabajar con Bendeth es bastante jodido. No da margen de maniobra. Tienes que entender que ha mezclado discos de Paramore, la mezcla de Sempiternal de Bring Me The Horizon… y cuando le apretabas un poco te decía que los botones estaban equivocados, como diciendo ‘a mí me vas a decir lo que tengo que hacer’. Es jodido

“SI NO TIENES UN PADRINO ES JODIDO” CHECHU

“Ése es el gran problema, que hay que ahorrar demasiado. Por lo menos ya te conocen. Pero de ahí a que salga otro disco, ya veremos”. ¿Tienes la sensación de que cada vez domináis más cómo hacer una buena canción, cómo grabarla… todo el proceso para ha-

Veo que os están saliendo no-

cer un buen disco de Aphonnic?

vias importantes…

“Sí, claro. El tema viene de cuando empezamos con Vasco hace nueve años. Ahora ya sabemos lo que quiere, cómo lo quiere, todo es más fácil. Él da mucha importancia a las voces y los coros porque dice que la gente va a los conciertos a cantar más que a otra cosa. Siempre presta mucha atención a las melodías. Nosotros nos guiamos con él porque tiene una visión brutal que nosotros no teníamos. Quitando lo de Henrik, el resto lo grabamos todo rápido y fue todo

“La verdad es que no contábamos con eso. Vino por un mail que le envié con una canción, sin poner el grupo ni nada. Y la mánager, que no sabía que era la mujer también, nos escribió que quería hacerlo, que nos ajustaba el precio… Pero no podía ser. La verdad es que un poco flipante… Al menos nos reímos (risas)”. Pues poneros a ahorrar desde ya mismo.

bien. Fue rocambolesco pero al final acabamos con David Bendeth, así que guay”. ‘Crisantemos’, la canción que cierra el disco, me parece muy valiente por tu parte y por la del grupo. ¿Puedes explicar el origen de la canción? ¿Tuvisteis dudas de meterla en el álbum una vez terminada?

“‘Crisantemos’ la hicimos en el estudio en los últimos días. Teníamos una línea de piano, Vasco metió dos cositas por encima. Y me lo dijo muy claro: ‘Este tema sólo irá en el disco si hay una letra jodida, una letra que te ponga nervioso. Depende de ti’. Terminamos esa semana, me fui a casa… Nunca la ensayamos porque es algo que hice yo. Y no es una historia que haya vivido yo, pero como padre de dos hijos, perder a un hijo

tiene que ser jodido, y tenerle que explicar a tu hija pequeña que ha perdido a su hermano y que no lo verá más, creo que era un tema para sacarle partido y hacer algo diferente. La verdad es que yo no pensaba que esta canción fuera a ser tan comentada, pensaba que pasaría más desapercibida. Pero lo bonito y grande de Vasco está en cómo se grabó. Quiso que la grabara después de estar cuatro días grabando voces, cuando ya tenía la garganta reventada y que la hiciera toda de una toma. Fue de daño puro y duro. La canté en dos tandas, y me dijo ‘ya está’. Le dije que me dejara repetir, pero me dijo que no. ‘Esta mierda está brutal’, me dijo. Se sale totalmente de lo que es el disco porque es minimalista a tope. Pero la verdad es que me ha sorprendido la acogida que ha tenido”.

¿Hay algún otro tema del disco que pienses que lo bordaste como cantante?

“Hombre, bordar, no sé (risas). A mí me gusta mucho ‘KabeloRockNRoll’, me mola un huevo, tiene muy mala hostia, con un estribillo brutal. Realmente hay temas muy chulos”. ¿Qué sentido tiene para ti La

Reina, la portada?

“Presentamos tres portadas. Dos eran tipo cómic, parecidas a Indomables, y Alén trajo esa foto, y era diferente. Como queríamos un sonido diferente, pensamos que igual ya debíamos mostrarlo desde la portada. Lo de La Reina vino después, porque no hay un concepto ni nada. Pero queríamos mostrar a una mujer, que, aunque esté en la sombra, como ocurre en la sociedad, está mirando al frente, con personalidad y con actitud. Podría-

“LA RIDICULEZ ESTÁ TANTO EN UN CRÍO COMO EN UNO DE CUARENTA Y PICO. LA ESTUPIDEZ ESTÁ ROZANDO NIVELES ABSURDOS” CHECHU mos decir que es una reivindicación del papel de la mujer”.

da de las gordas”. ¿Ves un atisbo de esperanza o

A nivel de letras, te veo un poco

crees que va a ser así de chun-

como un narrador de lo que

go para siempre?

pasa fuera y de lo que te pasa

“Políticamente yo espero que las cosas cambien. También es verdad que con el tinglado de las redes sociales se ha desenmascarado a todo el mundo. Ves gente que parece que salga de las cavernas. Joder, estamos en 2020. Parecía que en 2020 tuvieran que venir naves espaciales, y en lugar de eso vemos a niños en una clase y niñas en otras, apedrear a homosexuales, es todo un sinsentido”.

dentro. ¿Es así como lo enfocas?

“Es un poco lo de siempre. No hablamos de cosas diferentes a las que hablan otros grupos, pero tenemos un enfoque distinto, con muchas metáforas, no repitiendo cómo lo dicen otros. Al final es contar el día a día de lo que nos pasa a los cuatro. En este último año que hicimos bastantes bolos vimos lo que estaba pasando en este puto país, que es de auténtica traca. Básicamente es eso”.

En ‘Mickey Y Minnie’ hablas de las redes. Es una lástima porque

Diría que hay un tono de denun-

por un lado sirven para difundir

cia y resistencia.

información que antes se tapa-

“Sí, creo que ésa es nuestra actitud. A nivel de país es un cristo sin puto sentido. Ahora mismo es una jodien-

ba, pero por otro generan un

culto a la imagen y la frivolidad que no son nada positivos.

“Ahora puedes escuchar más opiniones de otros medios, pero mucha gente parece que no tenga vida. Y aun así formo parte del engranaje, todos estamos metidos ahí. Es jodido”. ¿Has llegado a esa edad en la que no entiendes a las nuevas generaciones como les pudiera pasar a nuestros padres con nosotros?

“Lógicamente hay cosas que no entiendes. Pero no es por una cuestión de edad, veo tíos de 40 años que se comportan como colegialas o niños de 13. La ridiculez está tanto en un crío como en uno de cuarenta y pico. La estupidez está rozando niveles absurdos”.

BLOOD INCANTATION

PORTALES ESTELARES

SI HASTA AHORA LAS CANCIONES DE BLOOD INCANTATION HAN EXPRIMIDO AL MÁXIMO NUESTRAS OREJAS, CONOCER SU CARGA FILOSÓFICA EXIGIRÁ LO MISMO A NUESTRA MATERIA GRIS. EXPANDIMOS LA MENTE PARA CHARLAR CON LOS ILUSTRADOS AUTORES DE HIDDEN HISTORY OF THE HUMAN RACE , EL ÁLBUM DE DEATH METAL MÁS LAUREADO DEL PASADO CURSO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

A PRIMERA RESPUESTA DE PAUL RIEDL, CANTANTE Y GUITARRA DE BLOOD INCANTATION, ya ma-

rea, pero en serio, vale muchísimo la pena prestarle atención si uno es algo abierto de miras. El grupo que completan Morris Kolontyrsky (guitarra), Jeff Barrett (bajo) e Isaac Faulk (batería) no sólo tiene de insólito su meteórico ascenso, sino la suma total de lo que verdaderamente entrañan sus enrevesadas composiciones. Mientras diseccionamos su segundo largo Hidden History Of The Human Race (Century Media/Dark Descent), no podemos evitar compartir nuestro amor por Morbid Angel con Riedl, aunque si algo nos queda claro es que el estadounidense es un pozo de sabiduría, una persona que posee unos conocimientos, así, a nivel general, bastante por encima de lo que nos solemos encontrar ante muchos músicos de metal extremo. Interesante lo es un rato, vaya que sí. Agradecido, amante de lo analógico y con la lección bien aprendida, uno de los principales artífices del álbum que arrasó el pasado año en lo que a death se refiere nos abre las puertas de su mundo… y las de muchos otros. Quién sabe… igual las próximas fotos de Blood Incantantion son tomadas desde cierto enclave en Catalunya.

No he tenido acceso a las letras,

solidar toda esta información en una aceptación no lineal de su lugar en el cosmos”.

detrás de lo que llamas ‘realidad humana’ es verdaderamente más extraña que la ficción”.

Human Race, entiendo que el

Vaya... Yendo hacia un plano

Vivo relativamente cerca de

álbum trata sobre la teoría de

menos trascendental, te quería

Montserrat, una casi mítica mon-

los Antiguos Astronautas, o los

preguntar por la serie Proyecto

taña con un largo historial de

Antiguos Alienígenas. ¿Estoy en

Blue Book, que ha conseguido

sucesos místicos, y también es

lo cierto?

renovar mi interés por el fenó-

uno de los principales focos de

PAUL RIEDL “Cada álbum tiene un

meno OVNI y el trabajo del doc-

avistamiento de OVNIs del mun-

tema lírico distinto, ninguno de los cuales es los Antiguos Alienígenas. Interdimensional Extinction trata sobre el nihilismo primitivo de la muerte cósmica, la atrofia del alma sin sentido contra el vacío implacable y la indiferencia del cosmos. Luego, Starspawn trató sobre los mundos internos de la mente y la conciencia como un puente hacia la realización cósmica y la evolución trascendental del espíritu humano. Para Hidden History Of The Human Race, las letras hablan de las fuerzas cósmicas invisibles detrás de los sistemas de opresión cuántica omnidimensional, los ciclos de tiempo, muerte y renacimiento, etcétera, que definen el samsara y la transmigración del alma a través de los milenios atemporales comprometidos con la materia. En pocas palabras… primero, debe establecerse que nada importa, especialmente ‘tú’, como en el ego. Entonces debes darte cuenta de que ‘no hay muerte como se la conoce, sólo portales’, y que ‘tú’, como en el alma, eres la puerta estelar. Ahora es el momento de que recuerdes quién ha construido el portal estelar, qué ha desarrollado e implantado la matriz en la consciencia humana y cuándo pueden terminar los abismos materiales interminables de los deseos mundanos. Siguiendo esta corriente de pensamiento, el próximo álbum será ambiental para permitirle espacio y tiempo a la mente para con-

tor Josef Allen Hynek. ¿La has

do. ¿Conoces este lugar?

visto? ¿Qué te parecen sus inves-

“Nunca hemos estado allí, pero realmente me encantaría visitar un sitio así algún día. Pinta increíble. Deberíamos tratar de coordinar una foto de la banda allí. Es difícil encontrar tiempo en las giras para hacer turismo, pero bromeamos de cómo algún día sería genial hacer un Lugares Misteriosos del Mundo Tour, donde sólo tocaríamos en esos lugares”.

pero por los títulos de las canciones, la portada y el nombre del disco, Hidden History Of The

tigaciones?

“No la he visto, pero estoy familiarizado con Majestic 12 y las PSYOP de los OVNIs (Psychological operations –ndr.). Al igual que Ancient Aliens en sí (serie de ‘documentales’ del canal Historia –ndr.), cualquier programa de televisión es más desinformación que cualquier otra cosa, específicamente diseñados para confundir y entretener al público mientras esquiva estas ideas con graves implicaciones políticas y religiosas. Una cosa a considerar es la realidad del presupuesto negro (los fondos que un gobierno destina a operaciones secretas o clasificadas –ndr.) y los programas espaciales secretos. Que la persona común del mundo no crea en estas ‘conspiraciones’ no es realmente relevante… El hecho es que literalmente se gastan trillones de dólares en ciencias esotéricas, marginales, como psicodélicas, MK-Ultra, visión remota, viajes interdimensionales o proyecciones astrales, antigravedad o levitación, el sonido como arma, frecuencias que cambian los estados de ánimo… los cuales todos han sido puntos focales de la investigación gubernamental y militar durante décadas. Todos los que están en la cima de la pirámide saben que hay millones de formas de vida más allá de lo que conocemos en este planeta. La verdad

Yendo hacia la música en sí misma, con vuestro primer álbum ya alcanzasteis una relevancia muy significativa dentro del under-

ground, no parasteis de tocar y se vendieron unas 10.000 copias del vinilo. Ahora, con el apoyo de Century Media, todo tiene que haber sido aún más grande… ¿Te sientes cómodo ante tanta atención?

“Tocamos esta música porque queremos hacerlo, hacemos giras tan a menudo porque queremos, y ahora estamos cooperando con un sello más grande por lo mismo. Mientras para el underground del siglo XXI 10.000 copias parecen un número tremendo, en última instancia no es muy significativo. En el pasado, un álbum subterráneo como Altars Of Madness vendía 30.000 incluso en los años 80. El primer pressing para The End Complete fue de 60.000 copias. De

“TODOS LOS QUE ESTÁN EN LA CIMA DE LA PIRÁMIDE SABEN QUE HAY MILLONES DE FORMAS DE VIDA MÁS ALLÁ DE LO QUE CONOCEMOS EN ESTE PLANETA” PAUL RIEDL

todas formas, Starspawn se ha estado vendiendo cada edición constantemente desde el principio, sin signos de desaceleración. Casi en todas partes donde vamos de gira, las tiendas de discos no pueden mantenerlo en stock, incluso si pueden obtener copias de la distri. Cada vez que se anuncia un pre-order, las copias ya son mayormente repartidas incluso antes de que el palé llegue al sello. En consecuencia, el mercado de reventa ha sido increíblemente estúpido y poser, con personas intercambiando nuestros discos y merch por precios desorbitados durante años. A pesar de todo esto, la gente nos escribe regularmente sobre lo difícil que les resulta obtener nuestra música en muchas partes del mundo. Una de las razones principales por las que empezamos a trabajar con una discográfica más grande fue

para rectificar estos problemas con la distribución y la disponibilidad, y lo hemos conseguido. Hidden History Of The Human Race ha vendido más en dos meses que Starspawn en tres años, simplemente porque ahora está disponible para más personas que antes”. La nueva obra ha aparecido en casi todos los tops de lo mejor del año de la prensa especializada. ¿Es algo a lo que prestes atención, te sientes honorado…?

“Claro, es halagador que a la gente le apasione tanto, pero en última instancia, éstas son cosas más importantes para los sellos y los fans. Simplemente hacemos la música que más queremos escuchar en relación a nuestras ideas y habilidades de ese momento. Cada disco es meramente un documento de un lugar específico en el tiempo

en nuestro viaje como banda y como individuos, y realmente buscamos hacer algo intenso lo mejor que pudiéramos. Todo lo que llevó a la creación del nuevo álbum fue más intenso que lo que condujo al disco anterior. Entonces, es natural que el nuevo trabajo sea más intenso, así como que la gente tenga una relación, de nuevo, más intensa hacia el mismo. Ya sea que la gente lo ame o lo odie, está teniendo una conexión apasionada con él, lo cual es genial”. Una cosa que me ha gustado es que continuáis trabajando con Dark Descent en Norteamérica. La banda habrá alcanzado una mayor relevancia, pero no os olvidáis de aquéllos que os han estado apoyando desde que empezasteis… 37

“Somos una banda underground, y nuestra prioridad es la autonomía artística. Queremos retener el control creativo que hemos tenido la suerte de obtener con el artwork o la presentación mientras trabajamos con Dark Descent. Conocemos a Matt (Calvert, propietario del sello –ndr.) desde hace años, y nunca ha tratado de guiar la dirección de nuestra música o imagen. Del mismo modo, Century Media no quieren esculpir nuestro grupo como algo que no es, y aprecian la visión que estamos tratando de poner en la banda. Es un win-win para todos; Dark Descent Records no tiene el mismo alcance en el extranjero que Century Media, mientras que Century Media no tiene la misma relevancia en la escena estadounidense, en la que operamos principalmente, que Dark Descent. Para todos los involucrados, sólo estamos tratando de que sea una locura”. Si veo una influencia clara en vuestro death metal, ésa es Morbid Angel. Incluso alguna camiseta suya en vuestras fotos me lo confirma… Quizá llevados a un terreno más progresivo, ¿pero también los consideras la más importante?

“Morbid Angel son una banda increíble con excelentes arreglos, estética y camisetas, pero lo que más nos inspira, más allá de sus riffs divinos, es su ambición creativa, enfoque artístico y filosofía espiritual de constante crecimiento y evolución que conforma tanto sus letras como sus campañas profesionales. Hablando de sus eras superiores, por supuesto… Grupos como Gorguts o Death también nos inspiran de forma similar, lo que debería ser igualmente obvio. Lykathea Aflame también cam38

biaron nuestras vidas con su increíble confianza para mantenerse firmes en su camino excéntrico, tanto musical como líricamente. Desde el principio hemos adorado siempre a bandas oscuras, así como a formaciones clásicas, y nos vemos a nosotros mismos tratando de ocupar el terreno compartido de esos estilos”. El sonido del nuevo disco te retrotrae completamente a los 90. ¿Echas de menos esa época, cuando el death metal sonaba más natural y orgánico? El legado de bandas sin normas como Nocturnus, Pestilence, Gorguts…

“¡Muchas gracias! Creemos que la producción analógica es simplemente perfecta. Pasamos al menos tres semanas con la mezcla tras grabar durante dos semanas antes, y Pete deBoer realmente lo logró. Personalmente, no nos gustan los estilos de producción modernos, especialmente para el metal. Nos encantan las producciones dinámicas de los viejos discos progresivos de los 70, los álbumes de heavy metal de los 80 y los de death metal de principios de los 90, los cuales fueron todos grabados en cinta analógica. Hay muy pocas grabaciones de los últimos 25 años de las que realmente, realmente, ame la producción y la mezcla, pero Hidden History Of The Human Race, e incluso Starspawn, definitivamente encajan ahí perfectamente”. Y para llegar a Hidden History

Of The Human Race, ¿qué bandas consideras estrictamente necesarias? Aquéllas que no paraste de escuchar durante tu juventud…

“Como he dicho, Death, Gorguts,

Morbid Angel y Lykathea Aflame fueron muy importantes para el inicio del grupo, y continúan siéndolo hoy. Bandas contemporáneas como Nile y Defeated Sanity, así como otras oscuras como Supuration, Absorbed, Timeghoul y Purulence, todas nos vuelan la cabeza. Pero, para serte sincero, entre todos tenemos miles de discos, CDs y cintas que abarcan docenas de géneros más allá del metal, cientos de los cuales han estado en las colecciones que nos inspiraron desde que éramos adolescentes. Entonces, realmente no es posible destilar toda una vida de pasión y placer musical en una mera respuesta, lo siento”. ‘Inner Paths (To Outer Space)’ contiene una colaboración de Antti Boman de Demilich. Un colega hecho en la carretera, imagino.

“Sí. Conocimos a Antti por primera vez cuando nuestras bandas tocaron en el California Deathfest de 2016. Fui a traerle algunos CDs y camisetas y, para mi sorpresa, ya estaba familiarizado con nuestra música. Terminamos girando juntos en 2018, primero durante la primavera Demilich, Blood Incantation y Artificial Brain por Estados Unidos, y luego en otoño, con Demilich y Spectral Voice por Europa. Pasamos mucho tiempo bromeando, de fiesta y hablando de música, y todavía charlamos regularmente. La colaboración fue bastante espontánea. Mientras trabajábamos en la parte instrumental, sabíamos que al final al menos tendría que haber un gruñido sobre el golpe. Realmente no quería hacerlo yo mismo ya que mi voz no puede ser tan baja como un riff realmente lo requiere, y la primera persona que vino a nuestras mentes

para ello fue Antti. Fue tan fácil como mandarle un mensaje de texto por si le gustaría hacer el gruñido, y unos días más tarde tuvimos varias versiones con las que trabajar. Como de costumbre para un dios de su estatus, lo clavó”. Mención especial merece la larga canción que cierra el disco. Creo que da sentido al álbum entero… Viene a ser una conclusión final, como una epopeya.

“Muchísimas gracias. Isaac escribió esa canción en casa en el transcurso de aproximadamente dos años, entre 2017 y 2019 más o menos, con muchos cambios a lo largo del proceso. Llegados a un punto el tema tuvo una secuencia final completamente distinta, y se omitieron unos 10 minutos de riffs. Estamos muy orgullosos de esta canción, ¡e Isaac realmente subió la apuesta! Creemos que es un viaje bastante épico”. Hay gente que os ha criticado por recuperar esa ilustración de Bruce Pennington para la portada, como si la hubierais plagiado o algo, cuando en realidad es un absoluto tributo a su obra y a toda la imaginería de ciencia ficción de los 70, ¿verdad?

“Espero que esa gente no escuche Blessed Are The Sick, Wrath Of The Tyrant, To Mega Therion, Beneath The Remains o cualquier otro de los miles de álbumes que usan portadas de libros y obras de arte antiguas (risas). Me pregunto, ¿dónde estaban estos críticos cuando se lanzó Interdimensional Extinction? Utilizamos el artwork de Bruce Pennington de los 70, pero a nadie pareció importarle. Para éste en cuestión, los guerreros de internet no parecen darse cuenta de que en reali-

dad fue robado por una banda canadiense llamada Agony para una cinta demo de 1995. Literalmente plagiaron la imagen sin contactar con el patrimonio de Bruce Pennington, la manipularon pobremente como algo así como una abominación cursi de Photoshop, e incluso después tuvieron el descaro de acreditar sin vergüenza alguna el ‘cover artwork’ a su vocalista Filip Ivanović. Por aquellos tiempos también fue robado por el artista techno Alec Empire en su álbum Hypermodern Jazz 2000.5, de nuevo pobremente editado y acreditado a Henni Hell. Habiendo trabajado con el patrimonio del señor Pennington desde nuestra segunda demo de 2013, pudimos verificar que ninguno de estos discos licenció esta imagen de manera adecuada, o que incluso intentaran contactar con el artista. Así que Hidden History Of The Human Race de Blood Incantation es actualmente el único legitimado real para usar esta imagen, tanto con licencia oficial como acreditada, así como la única representación precisa de la obra de arte original”.

tour con Spectral Voice por mi país… ¿Crees que se podrá repetir algo así en un futuro próximo?

“Lo pasamos muy bien en ese tour y disfrutamos de España, pero nunca volveremos a hacer una gira doble como ésa. Fue simplemente demasiado largo, demasiado brutal, y demasiado agotador (risas). Verás nuevamente a Blood Incantation en España con seguridad, pero a Spectral Voice… quién sabe”. Habéis tocado en eventos como el Brutal Assault, Party.San, KillTown, Beyond The Gates, Maryland Deathfest… es un gran currículum. ¿Tenéis festivales en Europa para este verano?

“Estaremos por toda Europa en 2020, incluidos muchos grandes festivales y giras individuales. Actualmente estamos trabajando en algunos paquetes de tours en torno a los festivales, y esperamos con ansia el verano”.

Volviendo un poco a las giras, guardo un gran recuerdo del 39

ASH

UNA VIDA NADA ORDINARIA

SIN HABER LLEGADO TODAVÍA A LA MAYORÍA DE EDAD, LOS COMPONENTES DE ASH VIERON A MEDIADOS DE LOS 90 CÓMO SUS PRIMEROS SINGLES ENTRABAN EN LAS LISTAS DE ÉXITOS. A PARTIR DE AHÍ, SU VIDA NUNCA VOLVERÍA A SER LA MISMA. 25 AÑOS DESPUÉS HACEN BALANCE CON UN NUEVO RECOPILATORIO Y UNA GIRA QUE LOS TRAERÁ POR AQUÍ EL MES QUE VIENE. SE LES ESPERA CON GANAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

EENAGE WILDLIFE 25 YEARS OF ASH ES EL TÍTULO del nuevo

álbum recopilatorio del trío norirlandés con el que celebran su primer cuarto de siglo como banda. Como ocurre con cualquier carrera que se prolonga durante años, Tim Wheeler (voz, guitarra), Mark Hamilton (bajo) y Rick McMurray (batería) las han visto de todos los colores. Desde saborear las mieles del éxito con discos como 1977 o Free All Angels a caer en el olvido mientras otras bandas ocupaban su puesto. Pero si algo queda escuchando esta irrefutable colección de canciones es que sus hits siguen sonando hoy en día con la misma frescura que entonces. Además, para aquéllos que no hayan seguido con atención sus pasos es una magnífica oportunidad para redescubrir un montón de temas que están a la altura de sus clásicos más conocidos. Sin ir más lejos, ‘All That I Have Left’ de su último trabajo Islands de 2018 merecería haber tenido una repercusión mucho mayor. Es posible que en el clima actual ya no haya sitio para una banda como Ash en el mainstream, pero mientras ellos sigan tocando, seguro que seremos unos cuantos los que querremos seguir escuchándolos. El 31 de marzo la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, el 1 de abril el Kafe Antzokia de Bilbao, el 2 de abril la Joy Eslava de Madrid y el 5 la sala Capitol de Santiago de Compostela volverán

a llenarse de sus grandes melodías. Hace unas semanas teníamos la oportunidad de repasar con su batería estos 25 años de carrera, aunque con sólo 20 minutos de tiempo, se nos quedaron un montón de asuntos en el tintero.

tarme y estaba con Mark, y me dijo que habían formado un grupo y que necesitaban a un batería. Si no me equivoco el kit del antiguo batería todavía estaba ahí. En apenas unas semanas ya estábamos grabando nuestro primer material”.

Vuestro nuevo disco lleva el sub-

¿Desde el principio viste el po-

título de 25 Years Of Ash, pero

tencial de Tim como compositor?

en realidad el grupo empezó

“Tim y Mark empezaron el grupo sin apenas saber tocar (risas), pero enseguida empezaron a componer. Así que desde el principio tenían el ansia de hacer canciones, incluso más que de saber tocar bien (risas). A los pocos meses de estar juntos, Tim trajo ‘Jack Names The Planets’, que era mucho más melódica. Parecía una canción de verdad (risas). Bueno, en realidad lo era. Fue nuestro primer lanzamiento y ya llamó la atención. Y poco después escribió ‘Girl From Mars’. Creo que desde el principio Tim tenía ese don para la melodía. Para cualquier banda es genial tener temas que la gente pueda cantar”.

unos años antes. ¿Tienes una fecha exacta de cuándo nació el combo? RICK McMURRAY “Fue en junio de

1992; no recuerdo el día, lo siento (risas). Pero los 25 años se refieren a cuando tuvimos nuestra primera canción en el top 40, así que el recopilatorio se hizo tomando esa fecha. En realidad llevamos 28 años como banda, una locura (risas)”. ¿Recuerdas vuestro primer ensayo juntos? ¿Qué tocasteis?

“Conocí a Tim en la escuela, en clase de teatro, haciendo una obra rusa llamada El Suicidio. Yo interpretaba a un detective ruso y Tim a un guitarrista gitano. En el camerino, le vi tocando la guitarra y le pregunté si sabía tocar de verdad. Y me dijo que sí, que iba a reunirse con unos amigos para tocar versiones; me preguntó si yo también tocaba, le dije que la batería, y me invitó a ir a su casa. Así que me llevé mi batería y tocamos algunos temas, no recuerdo cuáles. Pasadas unas semanas, volvió a invi-

En ese momento el grunge estaba pegando fuerte, pero ya estaban emergiendo grupos como Green Day o Weezer, que eran mucho más melódicos. ¿Crees que salisteis en el momento adecuado?

“Sí. Cuando empezamos todo el mundo ya estaba muy metido en Nirvana, que tenían un estilo mucho más simple. No se trataba de ser un 41

virtuoso o de tocar muchas notas. Al final era hacer canciones pop con guitarras agresivas. Ésa era la base de nuestra música”. Desde el principio teníais influencias del pop, del rock alternativo, del punk, del metal…

“Sí, los tres escuchábamos de todo, pero quizá Mark es el más punk, le iba mucho el rollo DIY, Tim quizá era el más pop y yo era el más rock. Pero ninguno de los tres estábamos cerrados a un estilo”. Vuestro debut 1977 salió en 1996 y fue un verdadero pelotazo. ¿Fuiste capaz de asimilar todo lo que os estaba ocurriendo?

“No estábamos preparados para eso. El año anterior tuvimos una cadena de hits con ‘Kung Fu’, ‘Girl From Mars’, ‘Angel Interceptor’ y ‘Goldfinger’, todos ellos antes de que saliese el disco, y la cosa iba a más y más. Hicimos una pequeña gira mundial con el EP Trailer, fuimos a Japón, a Australia, a Estados Unidos, pero ni eso nos preparó. Nuestra reacción inicial cuando el disco fue número 1 en Inglaterra fue la de ‘Oh, ya está, lo hemos conseguido’, pero no pensábamos en lo que iba a conllevar toda la atención mediática y el trabajo que teníamos que hacer. De lo que teníamos ganas era de estar de fiesta 24 horas al día, pero la discográfica y el management querían hacernos trabajar, naturalmente (risas). Nos llevó un tiempo acostumbrarnos a todo eso. Estuvimos dos años de gira y creo que quedó muy bien documentado que al final del ciclo de 1977 estábamos totalmente quemados”.

Es que erais muy jóvenes, es normal que se os fuera de las manos.

“Ya, pero de todos modos no creo que haya nada que pueda prepararte para eso. Nada es comparable y te jode la cabeza. Igual nos podría haber pasado lo mismo con 25 años, yo lo veo así”.

nos sentíamos frustrados, así que fue un momento raro para que entrara alguien nuevo. Pero tiramos adelante (risas)”. Nu-Clear Sounds no acabó de funcionar, pero luego en 2001 volvisteis a lo más alto con Free

All Angels, un disco con canciones fabulosas, y entrasteis en

¿Cuál es la mayor estupidez

una etapa mucho más estable.

que cometisteis en esa época?

¿Te sientes orgulloso de que el

“No lo sé. Hicimos lo que pudimos para asimilarlo. Quizá lo más estúpido fue no tomarnos algunos descansos durante esos dos años para recargar baterías, recordarnos por qué habíamos empezado el grupo y componer algo nuevo. Durante ese tiempo nos fue imposible crear nada. Bebíamos toda la noche, hacíamos entrevistas durante el día, viajábamos, tocábamos, no había nada de tiempo para crear. Por eso cuando entramos en el estudio, no teníamos ni un solo tema. Seguramente por eso no funcionó y tuvimos que cancelarlo y tomarnos un tiempo extra para hacerlo”.

éxito viniera por vuestras can-

En 1997 Charlotte Hatherley se

ciones y no por vuestra imagen o asuntos extramusicales?

“Desde luego. Habíamos vivido el éxito con 1977 y el fracaso con NuClear Sounds, y en ese momento decidimos hacer nuestro álbum más comercial. Habíamos visto cómo a otros grupos los habían echado de sus sellos y no queríamos que nos pasara, pero la amenaza estaba ahí. Así que decidimos que, si iba a ser nuestro último disco, al menos tuviera nuestras mejores canciones. La presión vino de nosotros, pero al final nos sentimos más orgullosos del éxito de Free All Angels que del primer disco, que había pasado casi sin querer”.

incorporó como guitarrista y os convertisteis en cuarteto duran-

La lista de singles de este re-

te unos años. ¿Fue su entrada

copilatorio es impresionante.

un intento de domesticaros?

¿Crees que descubristeis la fór-

“No, no. Más bien fue que estuvimos girando con Weezer durante semanas y vimos las posibilidades que daba tener dos guitarras. Fue interesante. Charlotte era un poco más joven que nosotros, así que pudimos ver a través de sus ojos todo por lo que habíamos pasado, pero con la experiencia ya vivida. También pasamos por un bloqueo creativo,

mula del single perfecto?

“Mmm… No creo que tengamos una fórmula, porque siempre hemos intentado no repetirnos, pero creo que el secreto son las melodías de Tim. No importa lo que hagamos, siempre ha sido capaz de ponerle una gran melodía encima que atraiga a la gente”. Más adelante dijisteis que ya no

“AL FINAL DEL CICLO DE 1977 ESTÁBAMOS TOTALMENTE QUEMADOS” RICK MCMURRAY

ibais a grabar más álbumes y que sólo publicaríais singles, e hicisteis la serie A-Z. Pero luego volvisteis a sacar un disco convencional… ¿Qué os hizo cambiar de opinión?

“En 2007 las ventas de los discos estaban por los suelos, todos los fans estaban entrando en masa en el mundo digital y parecía que sólo importaran los singles. Parecía que los álbumes ya no importaban. La industria estaba totalmente desorientada y lo vimos como una oportunidad. Supongo que en el fondo también nos veíamos como una banda de singles y decidimos afrontarlo con una nueva perspectiva creativa. Así que sacamos un nuevo single cada dos semanas durante un año, y fue excitante. Para nosotros era un poco como volver a la época pre1977, pero luego vimos que tam-

poco acababa de funcionar. Nuestra predicción de la muerte del álbum no se cumplió (risas), y para 2012 parecía razonable volver a ese formato. En parte nos arrepentimos de haber dicho que nunca más grabaríamos un álbum, pero no pasa nada, fue un periodo divertido”. Personalmente prefiero el formato álbum.

“Lo entiendo. Fue una decisión creativa en un momento de confusión. Quizá nos creímos los únicos que lo veíamos como una oportunidad en lugar de algo de lo que estar asustado”. En Teenage Wildlife habéis incluido algunas rarezas como

2001 durante la gira de Free All Angels, en un festival. Nos contó lo mucho que le gustaban Ash y que le habíamos inspirado a formar un grupo. Nos dijo ‘estos chavales tienen mi edad y ya tienen hits en la radio, ¿por qué yo no?’ (Risas). Pero convirtió los celos en inspiración. Luego con el tiempo Tim se hizo muy amigo suyo. Pero la verdad es que no recuerdo haber estado nunca en el estudio con él (risas)”. Ahora que se han girado las tornas, ¿te cambiarías por Coldplay? Ni que fuera un día...

“Quizá durante un año (risas). Sólo para pillar un verano de festivales y luego retirarnos (risas)”.

una versión de los Buzzcocks con Chris Martin de Coldplay. No sabía que erais amigos.

“Creo que conocimos a Chris en

KVELERTAK

ACORDES Y DISCORDIAS

LA IRRUPCIÓN DE KVELERTAK CON SU PODEROSO DEBUT EN 2010 FUE DE LO MEJOR QUE LE HA PASADO A LA ESCENA ROCK Y METAL EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. AHORA LOS NORUEGOS INICIAN UNA NUEVA ETAPA CON OTRO VOCALISTA Y ENERGÍAS RENOVADAS. VIAJAMOS HASTA STAVENGER, SU CIUDAD NATAL, PARA ASISTIR AL ARRANQUE DE SU GIRA EUROPEA Y CHARLAR CON LA BANDA AL COMPLETO SOBRE SPLID, SU NUEVO ÁLBUM, Y EL LARGO CAMINO RECORRIDO HASTA AHORA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/ERIC ALTIMIS (DIRECTO)

O HAY MEJOR OPCIÓN PARA CONOCER A ALGUIEN QUE OBSERVARLO EN SU HÁBITAT NATURAL. Teniendo en

cuenta lo ruidosa que es la música de Kvelertak, podría sorprender que Stavenger, una ciudad portuaria situada al sudoeste de Noruega, sea tan tranquila. Si estadísticamente es la cuarta por número de población del país, más que una ciudad, parece un pueblo con sus características casas blancas de madera y apenas un centro de tres calles donde se concentran todas las tiendas y restaurantes. Si algo me quedó claro en las apenas 36 horas que pasé ahí es que no hay mucho que hacer. Quizá por eso, los componentes de Kvelertak, y de tantas otras bandas escandinavas, decidieran de adolescentes que la mejor opción para divertirse era aprender a tocar un instrumento y encerrarse durante horas en un local de ensayo para hacer música juntos. También porque aunque la temperatura no era tan extrema como esperaba para un 22 de febrero, con máximas de 8 grados y mínimas de 3, el cielo encapotado, la llovizna permanente –a ratos convertida en un fino granizo que te pica en la cara como si fuera un enjambre enviado por Odín- y el constante viento, te animan a cualquier cosa menos a salir al exterior. Afortunadamente, mi hotel se encuentra a apenas 100 metros de la sala Folken, donde me han citado para entrevistar a la banda a media mañana y donde esa noche ofrecerán su primer concierto ante 600

fanáticos que les recibirán como los héroes locales que son. En el amplio camerino situado en la primera planta me esperan el cantante Ivar Nikolaisen, los guitarristas Bjarte Lund Rolland, Vidar Landa y Maciek Ofstad y el nuevo batería Håvard Takle Ohr, el único junto a al cantante con un poco de imagen de rockstar, en comparación con la pinta absolutamente normal del resto. Ausente de entrada está el bajista Marvin Nygaard, quien ha perdido las llaves de su coche; algo que, visto el cachondeo con el que lo cuentan sus compañeros, es de lo más normal. Les noto relajados y de buen humor. Aunque su recién aparecido cuarto álbum se titule Splid, ‘discordia’ en castellano, las aguas parecen mucho más calmadas en el seno de la banda que hace dos años. Fue entonces cuando el vocalista Erlend Hjelvik decidió dejar inesperadamente el grupo sin que se sepan muy bien los motivos. De hecho, a día de hoy nadie sabe muy bien lo que ocurrió, y cuando les pregunto al respecto, enseguida dejan claro que no van a hablar del tema. Pero la sorpresa y la decepción por la salida de Erlend pronto se convertía en alivio cuando Kvelertak presentaron a su reemplazo Ivar Nikolaisen, un viejo amigo suyo, desconocido para la mayoría, pero con experiencia de sobras en bandas como Silver, Happy Dagger o The Good, The Bad And The Zuggly. Su solvencia quedó demostrada durante su gira abriendo para Mastodon y en sus posteriores apariciones en festivales, y ahora también en el magnífico Splid (Rise). Grabado, como sus dos primeros discos, junto a Kurt Ballou de Converge en su God-

City Studio de Salem, Massachusetts, su cuarto álbum disipa definitivamente cualquier duda sobre si Kvelertak serían capaces de superar la marcha de su antiguo frontman. Y vista la reacción de sus fans durante el concierto unas horas más tarde, y comprobar que la banda nunca ha sonado tan bien en directo, tengo claro que su futuro está asegurado. Tras preguntarme cómo me ha ido el viaje, ofrecerme una cerveza y charlar sobre algún amigo en común, llega el momento de encender la grabadora. Contadme cómo es crecer en una ciudad como Stavenger. MACIEK OFSTAD“Todos crecimos en

las afueras de la ciudad. Lo único que hacíamos era esperar a que no lloviera, lo cual sólo ocurre seis días al año, para poder salir con el skate”. VIDAR LANDA “Había muchos párkings donde patinar porque debido a la industria petrolera construyeron muchos edificios en las afueras. Había muchos americanos por las empresas multinacionales y necesitaban mucho sitio para aparcar. Aquí vivimos en la constante contradicción de saber que nuestro estado del bienestar depende de algo que perjudica al planeta. Tenemos acceso gratuito a la educación y a los libros gracias al petróleo. Educamos a los niños para que sepan que nos estamos cargando el medio ambiente y se sientan mal (risas)”. MACIEK “La realidad es que no había mucho que hacer. Aquí nunca pasa nada. Si esta noche te atracaran en la calle, mañana saldrías en los periódicos. Sería la primera vez en la historia de Stavenger (risas)”. ¿Creéis que este clima os ayudó

“CREO QUE NINGUNO DE NOSOTROS HABÍA ESTADO NI SIQUIERA EN OSLO ANTES DE TOCAR EN KVELERTAK” VIDAR LANDA

a convertiros en músicos? MACIEK “El clima, lo que consiguió

es convertirnos en unos amargados (risas). No para de llover y de hacer viento”. VIDAR “Lo que también pasaba es que muchos grupos internacionales venían a tocar aquí porque había un ferry desde Newcastle. Recuerdo haber venido a muchos conciertos en esta misma sala. Teníamos carnets de identidad falsos para poder entrar. Había una pequeña escena punk y hardcore straight edge”. MACIEK “Yo recuerdo haber visto aquí a Rose Tattoo. También a UK Subs, a Exploited. Creo que esa escena DIY punk fue la que hizo que me convirtiera en músico. Había un

promotor que tocaba en el grupo Uprising Hour y montaba bolos en un club de una iglesia para bandas locales y también tenía una sala en la que montaban un festival de hardcore que era bastante conocido”.

grupo antes”. BJARTE LUND ROLLAND “Sí, lue-

go empecé a tocar con Marvin y él trajo a Vidar. Así fue más o menos como empezó el grupo”. ¿Visteis el grupo como una

¿Os conocisteis yendo a bolos?

oportunidad para escapar de

VIDAR “Sí, así es como conocí a

aquí?

Marvin. Él es de aquí, pero se mudó al norte de Noruega con su madre y luego volvió cuando tenía 16 años”. MACIEK “Recuerdo verle en el tren. Y pensar ‘¿Quién es este chaval nuevo con tatuajes en el cuello?’ (Risas)”. VIDAR “Sí, acabó yendo al colegio con Bjarte. Y Erlend era de la misma zona que Bjarte. Ellos dos tenían un

MACIEK “Yo no sabía que en el

norte hacía buen tiempo hasta que fuimos a tocar allí con la banda en 2010 ó 2011”. VIDAR “Creo que ninguno de nosotros había estado ni siquiera en Oslo antes de tocar en Kvelertak”. Con este disco iniciáis una nueva etapa con Ivar como

cantante, algo que siempre es complicado. ¿Podríais explicar un poco qué pasó con Erlend y cómo fue la transición hasta llegar a Ivar? BJARTE “No podemos contar nada

sobre Erlend, lo siento. A Ivar le conocemos desde hace 12 ó 13 años. Tocamos con su antigua banda, Silver, en un festival de punk rock. A todos nos gustaba mucho su banda y él en particular. Le pedimos que cantara en la maqueta y en la versión en estudio de ‘Blodtørst’ de nuestro primer disco. A partir de ahí mantuvimos el contacto. También me gustaba mucho su otro grupo The Good, The Bad And The Zugly. Fue la primera persona en la que pensamos cuando necesitamos a un nuevo cantante. Le llamamos enseguida”. ¿Y aceptaste a la primera o te lo tuviste que pensar? IVAR NIKOLAISEN “Dije que sí.

Hace como dos años Vidar me llamó y me dijo que Erlend iba a irse. Pero luego pasó un tiempo en el que no me dijeron nada. Y de golpe un martes me llamaron porque Erlend se había ido y tenían un concierto ese mismo viernes. Sólo teníamos tres días para ensayar. Yo quería ensayar, pero a ellos les daba igual. Decían ‘tú puedes hacerlo, tranquilo. Lo que necesitas es un tatuaje nuevo’ (Risas). Así que primero fuimos a tatuarme (risas). Y luego quedamos para ensayar y Bjarte no vino. Y cuando llegó, ensayamos media hora y se fue porque tenía que pasear al perro (risas)”. Pues no son canciones fáciles. IVAR “¡Exacto! Por suerte estaba

muy familiarizado con su música, pero no me sabía las letras. Y en algunos temas es difícil entender lo que Erlend canta. Así que algunas me las inventé, pero nadie se dio cuenta (risas)”. ¿Tienes un buen recuerdo de vuestro primer concierto juntos? IVAR “Sí. No creo que hiciera un

muy buen trabajo, pero no me echaron (risas)”. MACIEK “¡Qué dices! Lo hiciste de pelotas”. IVAR “Oh, gracias. La verdad es que el ambiente era perfecto. Tocamos a dos horas de aquí en un festival. Yo soy de más cerca de ahí, así que conozco a mucha gente. Fue como tocar en casa”. MACIEK “Fue una semana muy intensa. Erlend se fue un lunes, el martes llamamos a Ivar, el miércoles le tatuamos, el jueves ensayamos, y el viernes ya estábamos tocando”.

permitirme vivir en una casa normal”. VIDAR “Sí, teníamos un poco de miedo de que no quisiera volver. Nos sorprendió agradablemente cuando dijo que quería unirse al grupo”. IVAR “¡Es que siempre he amado a Kvelertak! Creo que durante los diez últimos años han sido la mejor banda de Noruega. Y también quizá la banda más grande. Pueden vivir de esto y tocar por todo el mundo. Y entrar en el backstage, y ¡mira todo lo que tenemos aquí! ¡Cerveza gratis! ¡Comida gratis! Es perfecto. Cada vez que entro en un backstage me siento taaan afortunado, muy feliz. A veces es fácil olvidarte de la suerte que tenemos, pero somos muy afortunados, aunque no todo el mundo está hecho para llevar esta vida”. Esta actitud de Ivar, ¿os ha hecho apreciar más lo que tenéis al resto? VIDAR “Sí, desde luego. Tener a

Ivar, leí hace poco que antes de entrar en Kvelertak vivías de okupa medio perdido en el bosque. ¿Es verdad? IVAR “Sí, sí. Hace ya unos cuantos

años. Era simplemente porque era muy pobre. ¡La cerveza es muy cara en Noruega!”. En España somos pobres, pero al menos la cerveza es barata. IVAR “(Risas) Noruega es un buen

país para ser pobre porque hay muchas ayudas sociales, pero si te gusta beber, resulta muy caro. Así que tienes que vivir en el bosque donde no tienes que pagar facturas de la luz, ni nada, y puedes beber. Pero ahora ya no bebo tanto y puedo

gente positiva a tu alrededor ayuda mucho”. IVAR “Y creo que Håvard también aportó eso cuando entró el año pasado. También lleva toda la vida tocando en grupos”. HAVARD TAKLE OHR “Sí. Yo no vengo del bosque, sino del océano, en medio de Noruega. He tocado en grupos desde que dejé la escuela, hace 25 años. Nunca he trabajado en nada más”. IVAR “Eso mola mucho. Me pregunto, ¿soy el único que ha tenido un trabajo de verdad en esta banda?”. BJARTE “Yo trabajé tres años como paisajista”. VIDAR “Yo trabajé en una tienda de discos y también hice de profesor de

primaria durante casi un año. Ahorré el dinero para poder salir de gira por primera vez con Kvelertak”. MARVIN NYGAARD “A mí me han echado de todos los trabajos que tuve. Trabajé en una fábrica de pescado, en un supermercado, en una empresa de mudanzas… Por suerte, he podido mantener este trabajo (risas)”. VIDAR “Es que quí nunca se echa a nadie. Les obligamos a que lo dejen (risas)”. Es curioso porque el estilo de Ivar es muy distinto al de Erlend, pero ha encajado muy bien. Creo que hay que resaltar que has tenido la confianza para probar cosas nuevas y traer tu propia personalidad. No todo el mundo se hubiera atrevido. IVAR “Oh, muchas gracias. Cuan-

do te encuentras en una posición como ésta tienes que confiar en lo que haces. Yo no puedo hacer lo que hacía Erlend. Hubiera sido estúpido intentarlo. Me pidieron ser su cantante porque les gustaba lo que hacía en otros grupos, así que simplemente hice lo que había hecho siempre”. En algunos temas de Splid hay un feeling más punk rock. ¿Fue por influencia de Ivar? VIDAR “Creo que con Ivar pode-

mos hacer más cosas. Esa influencia siempre estuvo ahí, pero quizá ahora haya salido de manera más clara”. MACIEK “Sí, Ivar tiene más registros. Es más musical”. IVAR “Oh, tíos, gracias. No sé.

“NO TENGO AUTOESTIMA EN MUCHAS COSAS, PERO CUANDO SUBO A UN ESCENARIO SÉ LO QUE TENGO QUE HACER” IVAR NIKOLAISEN

Llevo veinte años en grupos, así que sé lo que hago. No tengo autoestima en muchas cosas, pero cuando subo a un escenario sé lo que tengo que hacer”. En vuestra música hay influencias punk, del black metal, del rock escandinavo. ¿Diríais que sois algo así como la síntesis de las distintas escenas musicales de Noruega? BJARTE “No creo que fuera la in-

tención, pero salió así. No sé si es tanto porque fuera música noruega, sino porque era la música que escuchábamos. Éramos fans de bandas como Turbonegro, Hellacopters, Gluecifer… Aquí lo llamamos ‘scandirock’. Silver también entraban en esa categoría. The Hives eran posiblemente la banda más grande surgida de ahí. Sonaban en anuncios de coches y giraban por todo el mundo. Era una escena enorme. La mayoría de los sellos estaban en Suecia y Dinamarca: Burning Heart, Bad Afro, White Jazz… Era una escena única de esta zona. No existía en Reino Unido o Alemania. Todo eso fue el caldo de cultivo perfecto para que saliéramos nosotros”. IVAR “Y Nicke Andersson de Hellacopters y Entombed también fue una figura muy importante”. BJARTE “Sí, Nicke fue el nexo de unión entre la escena rock y la metal. Y Turbonegro también, claro. Recuerdo que giraron con Mastodon y con un montón de bandas de metal. A todos los metalheads les gustaba Turbonegro. Yo no soy un súper fan del metal, pero me gusta el black y el sludge americano, y algo de eso también se coló en nuestra música. El black metal tiene mucha inspiración 50

del punk rock, porque es más primitivo y melódico, y tiene breakdowns, eso es lo que me gusta de él. Cuando nosotros empezamos, Satyricon, Darkthrone o Enslaved estaban experimentando con sonidos más rock, lo cual molaba porque por otro lado muchos grupos de black metal habían tirado por lo sinfónico y era muy aburrido. Naturalmente los fans del black metal lo odiaban, pero, por ejemplo, a mí me encantaba Volcano de Satyricon. Personalmente me gusta más ese rollo que sus primeros discos. Así que Kvelertak somos un producto de todo eso”. VIDAR “Satyricon eran enormes en esa época. Sonaban en radios comerciales. ‘Fuel For Hatred’ sonaba en todas partes. Fue un gran hit”. BJARTE “Era una canción de rock cojonuda y todos los blackies la odiaban (risas)… hasta que no les quedó más remedio que admitir que era una canción cojonuda (risas)”. Y junto a todo eso, sobre todo en el disco anterior, Nattesferd,

jamos más en el local. Y ahora las letras las hace principalmente Ivar”. VIDAR “A veces Bjarte trae canciones totalmente terminadas y luego el resto nos ocupamos de los detalles, y otras simplemente empezamos con un riff y ya está”. IVAR “Para este disco pasamos muchas horas en el local de ensayo. Muchas más que con cualquier otro grupo en el que haya estado”. VIDAR “Hay muchos detalles. Pasamos muchas horas ocupándonos de esos detalles. Hay tres guitarras, así que los detalles son importantes”. IVAR “El diablo está en los detalles (risas)”. Habéis titulado el disco como ‘discordia’. ¿Discutís mucho? BJARTE “Todo el tiempo”. VIDAR “Pero no por la música o

cuando componemos. Normalmente es por otras cosas”. IVAR “Creo que la música es lo único en lo que estamos de acuerdo (risas). Es lo único que nos mantiene unidos (risas)”.

había un rollo más AOR, con unas guitarras en plan Boston o

¿Sobre qué fue vuestra última

Queen.

discusión?

VIDAR “Sí, eso es porque Bjarte

VIDAR “Sobre si tenemos más fans

aprendió a tocar la guitarra escuchando a Fleetwood Mac y los Beach Boys. Creo que eso también nos ha dado un toque diferente. Piensa en esos arreglos grandilocuentes”.

del metal o más fans del rock. Eso se convirtió en una discusión que acabó convirtiéndose en algo personal”. MACIEK “Nos pasamos horas discutiendo sobre eso. O también discutimos sobre si cuando le haces ‘psss, psss’ a un gato se acercará a ti o se alejará. Empezamos a discutir sobre eso en 2010 (risas)”. VIDAR “Por eso se fueron los antiguos miembros del grupo (risas)”.

Bjarte, ¿entonces eres tú el que marcas la dirección musical a seguir? BJARTE “Bueno… Normalmente yo

soy el que pienso las ideas y luego las presento al resto. Antes hacía más maquetas, pero ahora las traba-

¿Esto de discutir por todo es algo noruego o sois sólo vosotros?

““CREO QUE LA MÚSICA ES LO ÚNICO EN LO QUE ESTAMOS DE ACUERDO (RISAS). ES LO ÚNICO QUE NOS MANTIENE UNIDOS (RISAS)” IVAR NIKOLAISEN VIDAR “Sólo nosotros”.

MACIEK “Håvard grabó todas sus

IVAR “Te aseguro que no es nada

baterías en cuatro días y se largó. Él sí es un profesional (risas)”.

normal para un noruego discutir tanto”.

al estudio y era como que tenías que volver a mentalizarte de que estabas grabando un disco. En Salem sólo nos dedicábamos a eso”.

¿Hay mucho que hacer en Sa¿Y con Kurt Ballou, vuestro pro-

lem o se parece a Stavenger?

En Splid habéis incluido por pri-

ductor, discutís mucho?

VIDAR “Es una ciudad bastante boni-

mera vez dos temas cantados en

VIDAR “No

ta, la verdad. Hay buenos restaurantes, tienen un puerto… Es tranquilo, así que es un sitio perfecto para grabar”. MACIEK “Es la ciudad de las brujas, allí el Halloween dura un mes entero. Pero no salimos mucho. Creo que sólo dos o tres veces en tres semanas. Vivíamos en el piso de arriba del estudio, sólo íbamos a la tienda del lado a comprar plátanos (risas)”. VIDAR “Era un poco claustrofóbico, pero nos gusta. Es como estar en el autobús. Se va generando tensión y luego la liberas en la música”. MACIEK “Sí, está bien grabar fuera y vivir juntos. Cuando grabamos Nattersferd en Oslo, salías del estudio, te ibas a casa a cenar, quedabas para un cumpleaños y al día siguiente volvías

inglés. ¿Es vuestro primer paso

(risas). Kurt es muy organizado, lo cual es bueno porque somos muchos. Es el productor perfecto para nosotros. Cuando vamos al estudio las canciones ya están terminadas, pero él sabe sacarles el mejor sonido”. BJARTE “Es un tío que se concentra mucho en el trabajo”. MACIEK “Ahora ya nos conoce bien y sabe cómo hablar con cada uno acorde a su personalidad”. VIDAR “Esta vez sólo teníamos tres semanas y al final fue un poco estresante porque se nos acabó el tiempo”. IVAR “Yo grabé el último grito justo antes de montarme en el taxi hacia el aeropuerto”.

para la dominación mundial? BJARTE “Sí. En la radio americana

nunca nos pincharán cantando en noruego. Ahora quizá lo hagan o quizá no. Pero queríamos probarlo”. ¿Os veis grabando un disco entero en inglés? MACIEK “No, no. De hecho ya que-

rían que hiciéramos todo el disco en inglés, pero no pudimos…”. IVAR “Lo que pasó es que utilicé todas las palabras que sé en inglés en esas dos canciones, así que tendrán que esperar a que aprenda más para poder escribir más canciones (risas). Y eso llevará años, así que el próximo disco será en noruego. 51

¿Os gustan Ghost? MARVIN “Musicalmente no me gus-

“LOS TÍOS DE METALLICA Y SU CREW SE PORTARON DE MARAVILLA CON NOSOTROS, LO DISFRUTAMOS MUCHO” VIDAR LANDA Quizá en 2030 podamos grabar un álbum entero en inglés (risas)”. Hablando de dominación mundial, ¿la gira que hicisteis con Metallica marcó una diferencia en vuestra carrera? Porque a veces cuesta ver realmente si sirve para tanto como parece. El año pasado con Ghost, nadie parecía que les hiciera caso. IVAR “Yo creo que sí sirve. Hoy

vendrá gente de toda Europa porque vieron a Kvelertak con Metallica”. VIDAR “Tocamos en arenas de entre 15 y 30.000 personas. Aunque sólo te hagan caso 2.000 personas, ya son más de las que te verían si tocaras por tu cuenta. Sinceramente, en algunos conciertos la gente parecía que sólo quisiera ver a Metallica, pero en otros, tuvimos una buena reacción”. MACIEK “Tuvo un efecto positivo. Nuestro número de seguidores en redes y de escuchas en streaming creció en cada concierto. Y además Metallica nos mencionaban en cada 52

entrevista. Incluso gente que no iba al concierto, oyó de nosotros”. MARVIN “Nos pasó lo mismo cuando abrimos para Slayer. Fue duro, pero recuerdo cuando Mastodon abrieron para Slayer y era un poco lo mismo. Pero yo recuerdo su concierto. Cada gira es importante, pero preferimos dar nuestros propios conciertos, claro”. VIDAR “Yo creo que la última gira con Mastodon nos fue muy bien. Las salas siempre estaban llenas cuando tocábamos. Pero los tíos de Metallica y su crew se portaron de maravilla con nosotros, lo disfrutamos mucho”. MARVIN “Además eran dos semanas de gira y dos de descanso, así que era súper cómodo. No me importaría llegar a ese nivel”. MACIEK “Pero nos queda un largo camino hasta llegar ahí, si es que llegamos”. VIDAR “También depende de tu ambición. Un grupo como Ghost se planteó eso desde el principio. Escuchas hablar a Tobias y se nota”.

tan mucho, aunque su nuevo tema ‘Kiss The Go-Goat’ es cojonudo”. IVAR “De hecho yo giré con Silver con Subvision, una de las bandas de Tobias Forge, en 2001 o así. Pero no sabía que eran los mismos tíos de Ghost (risas). Toqué con ellos en ciudades muy pequeñas y mira, ahora son una de las bandas más grandes del mundo. Es cojonudo”. VIDAR “Yo creo que el rock necesita bandas así para atraer al público joven. Además, Tobias siempre habla en las entrevistas de otras bandas, así que está haciendo algo bueno”. Pero bueno, me imagino que si os ofrecieran seguir donde estáis durante los próximos veinte años, firmaríais. VIDAR “¡Mira lo bien que estamos!”. MACIEK “Nos hemos vuelto más lis-

tos a la hora de llevar esto como un negocio. Yo soy el más joven y tengo 33 años. Pensamos en el futuro. De todas maneras, Noruega es un buen país para ser músico”. BJARTE “Mientras sigamos siendo buenos haciendo esto y pasándolo bien, seguiremos adelante. Giramos con Converge, y esos tíos ya son mayores aunque no lo parezcan, y lo siguen dando todo”. VIDAR “Viendo cómo está el mundo, estar en un banda de rock se ha convertido en uno de los trabajos más seguros (risas)”. IVAR “Y si esto se termina, siempre puedo volver al bosque y beber cerveza (risas)”.

DISCO DEL MES

P Underneath (ROADRUNNER) METALCORE INDUSTRIAL

ese a sus modestos inicios, cuando todavía se hacían llamar Code Orange Kids, la banda de Pittsburgh siempre ha dado la sensación de que aspiraba a más. A mucho más. En las entrevistas solían desmarcarse de toda la escena metalcore y aseguraban que su intención era ofrecer una alternativa a todos aquellos que les gusta la música agresiva, pero no se conformaban con lo que se les estaba ofreciendo. Su fichaje con Roadrunner, sello con el que lanzaron su aclamado tercer álbum, Forever, les dio el empuje necesario para disfrutar de una serie de oportunidades que pocas veces se presentan a una banda acostumbrada a girar en furgoneta. Por eso verles en la alfombra roja de los Grammy en 2018 fue tanto un shock como un motivo de

CODE ORANGE

esperanza. Esperanza de que quizá su plan no fuera tan loco, o arrogante, como pudiera parecer. De ahí que la aparición de su siguiente trabajo se esperase con tanta expectación. Y bien, ¿dónde encaja Underneath en todo esto? Pues se hace difícil de decir. Artísticamente ofrece una experiencia intensa, interesante e inquietante, pero objetivamente cuesta imaginarlo desplazando de las listas a Five Finger Death Punch. Aunque algunas de sus canciones son las más melódicas que han hecho hasta ahora, caso de la propia ‘Underneath’, ‘Who Am I’ o ‘The Easy Way’, en las que suenan más como unos discípulos de Nine Inch Nails que de Converge, la banda ha optado por una producción abrasiva y ruidista, en la que los efectos te perforan el oído y entran

a saco para irrumpir en lo que está sucediendo. Puede que hasta te preguntes si tu reproductor está fallando como en ‘In Fear’. Al igual que en Forever, Code Orange alternan algún tema cercano al rock alternativo (‘‘Sulfur Surrounding’, ‘Autumn And Carbine’) con cacofonías como ‘Cold Metal Place’ o ‘Back Inside The Glass’, y piezas en las que recuperan su lado más hardcore, si bien revestidas de texturas electrónicas, como ‘Last One Left y ‘Erasure Scan’. Me encantaria que Code Orange lo petasen, pero si The Dillinger Escape Plan, otra de las influencias aquí presentes, no lo lograron, mucho me temo que les costará lo suyo. Aunque viendo que la chavalada se vuelve loca por alguien como Ghostemane, quizá tengan su oportunidad. JORDI MEYA

OZZY OSBOURNE Ordinary Man (EPIC/SONY MUSIC) HARD ROCK

on viejos lobos como Ozzy nunca se sabe. Pero todo apunta a que estamos delante del que será el último álbum de Ozzy Osbourne teniendo en cuenta su frágil salud. Por eso es de admirar que en vez de haber seguido la pauta de sus últimos trabajos, los ya lejanos Black Rain y Scream, que eran simples ejercicios de estilo con muy poco a destacar, el mítico vocalista haya querido despedirse con un disco sincero y que, con el tiempo lo acabaremos de corroborar, es su mejor trabajo en décadas. En cierta manera, y salvando las distancias, Ordinary Man se empareja con 13, el álbum de despedida de Black Sabbath. Dos testamentos que miran con nostalgia unas carreras sin igual, pero con la dignidad de seguir todavía en pie y haciendo honor a su propia leyenda. Ordinary Man podría no haber existido, pero gracias a la colaboración de Ozzy en el último álbum de Post Malone, el productor de éste, Andrew Watt, vio claro que todavía le quedaba 56

magia y que había que aprovecharla. ¡Quién nos iba a decir que Post Malone iba a ser el catalizador de esta despedida en forma de álbum! La única petición de Ozzy para aceptar fue que todo el proceso tenía que ser rápido, que no estaba ya para pasarse meses en un estudio repitiendo tomas. Por lo tanto, Watt tiró de dos pesos pesados como Chad Smith y Duff McKagan para la sección rítmico y amigos como Slash o Tom Morello para algunos solos, y le dejaron el disco preparado para que el Madman pusiera su particular voz que, dicho sea de paso, suena a gloria. Y eso es lo que juega a favor de Ordinary Man: la frescura. Watt ha sabido ir a la esencia de la leyenda y ha creado un álbum que discurre todo el rato entre unos cuantos medio tiempos en los que el vocalista se mueve como pez en el agua. ‘Under The Graveyard’, ‘Holy For Tonight’ o ese emocionante ‘Ordinary Man’ junto a Elton John… temas que nos recuerdan a Sabbath caso de ‘Goodbye’ o ‘Eat Me’ –esa harmónica inicial nos devuelve a ‘The Wizard’ 50 años atrás- o simples rockers como ‘Scary Little Green Men’ o ‘It’s A Raid’, donde Post Malone le devuelve el favor colaborando. Un trabajo que evidencia la versatilidad que siempre ha querido mostrar Ozzy fuera de Black Sabbath, donde todas las canciones se mueven entre el bien y el sobresaliente y, en definitiva, un álbum que contra todo pronóstico acabará la carrera de Ozzy Osbourne tal como ésta se merece. RICHARD ROYUELA

BRIAN FALLON Local Honey (LESSER KNOWN) FOLK, CANTAUTOR

i alguien todavía albergaba esperanzas de que la reunión de The Gaslight Anthem hace dos años pudiese significar un reinicio de su carrera, habrá encontrado en Local Honey todo un jarro de agua fría. El tercer trabajo de Brian Fallon viene a certificar que el de New Jersey tiene la mente puesta al 100% en su trayectoria en solitario. De hecho, sus recientes giras actuando tan solo con una acústica y un piano son las que han motivado esta nueva obra. Esquivando cualquier escarceo con sus raíces entre el punk y el rock, Fallon se lanza a desnudar una serie de composiciones

hasta lo más básico a modo de cantautor tradicional. No es nada que no le hayamos escuchado con anterioridad en el pasado, pero el tono sosegado y contemplativo a lo largo de todo el disco sí que supone cierta novedad. Sin embargo, ese mismo punto es el que juega en su contra. A pesar de su brevedad, ninguna de las ocho canciones aquí presentadas contienen la capacidad de emocionarte. Todo suena excesivamente genérico y plano. Tampoco la labor del productor Peter Katis (colaborador habitual de The National) consigue elevar los temas a otro nivel. Los arreglos de lap steel y teclados en ‘21 Days’, ‘I Don’t Mind (If I’m With You)’, ‘When You’re Ready’ (dedicada a su hija) o la folkpop ‘Lonely For You Only’, no acaban de potenciar sus escasas virtudes, convirtiendo a Local Honey en un álbum menor e irrelevante dentro de su aún corta discografía. Y es que me temo que a pesar de su empeño por desmarcase de la banda que le dio a conocer, muchos seguiremos teniendo en cuenta a Brian más por su pasado que por su presente. GONZALO PUEBLA

FIVE FINGER DEATH PUNCH F8

(BETTER NOISE) METAL

n los 13 años transcurridos desde la publicación de su primer álbum, Five Finger Death Punch han crecido y se ha expandido hasta límites insospechados, convirtiéndose en el grupo de rock más escuchado en las plataformas de streaming sólo por detrás de Metallica y AC/DC. ¿Pero en qué méritos se sustenta su imparable ascenso más allá de una determinación casi militar que les permitió hasta superar el periodo de turbulencias provocados por los problemas de adicción de su cantante Ivan Moody? Es una pregunta que después de escuchar F8, su octavo trabajo, sigue en el aire. Lo

que está claro es que están aquí para quedarse y que, como con el coronavirus, todavía no se ha inventado la vacuna para pararles. Al igual que en sus anteriores álbumes, Five Finger vuelven a aplicar aquí la ley del mínimo común denominador para llegar al máximo de público posible. En su sonido confluyen influencias del groove metal (‘Inside Out’), del nu metal (‘Full Circle’), del thrash (‘Bottom Of The Top’) y del modern rock más comercial (‘A Little Bit Off’), todas buscando ese calculado equilibrio entre la agresividad y la accesibilidad que tanto dominan. Todo perfectamente ejecutado (no se puede negar que son grandes músicos), pero con muy poca alma o riesgo. Por supuesto, tampoco faltan esas baladas como ‘Darkness Settles In’ o ‘Brighter Side Of Grey’ que a buen seguro les asegurará sonar en las radios de su país. Nada que no hayas oído antes y nada que no vayas a escuchar en su siguiente trabajo en un par de años. Y es que dada su mentalidad de blockbuster, podría decirse que la banda no graba discos sino secuelas. Si te gusta la saga, adelante. DAVID GARCELL

BODY COUNT Carnivore

(CENTURY MEDIA) RAP METAL, CROSSOVER

unteado, sirenas de bofias y, de pronto, los guitarrones de Ernie C y Juan Garcia cortando cuellos. Estás en el universo Body Count, no te quepa duda, ahí donde reinan las pipas y se denuncia la maldita guerra racial en la que vive inmersa la enferma sociedad estadounidense. Ese lugar en el que, por encima de todo, manda un hombre llamado Ice-T. Ya me pasó con Bloodlust y me ha vuelto a ocurrir con Carnivore: primera escucha y dejarme frío. Luego, aquél se posicionó entre los dos o tres álbumes que más he quemado en el último lustro, y estoy seguro de que

cuando enchufe este nuevo cóctel molotov en mi coche, ahí se quedará instalado por una larga temporada, ganando enteros mientras atemoriza apacibles abuelitas que se afanan a cruzar el semáforo. Aupada por Riley Gale de Power Trip, ‘Point The Finger’ se convierte en un zambombazo crossover de los que hacen daño. ‘Bum-Rush’ trae consigo un ritmillo que vuelve a ser pura dinamita, es imposible mantener el esqueleto quieto ante ella, y por su parte, Lemmy y Motörhead son esta vez los homenajeados en una fidedigna ‘Ace Of Spades’. Efectivamente, en la compacta ‘Another Level’ se han trabajado las voces hasta lograr cotas más altas, con mi querido Jamey Jasta poniendo su granito de arena. Esta ‘Colors’ ha quedado resultona, pero en cambio ‘When I’m Gone’ no me ha acabado de convencer. Nada tiene que ver con las aportaciones de Amy Lee de Evanescence, la verdad, pues me pensaba que su presencia me chirriaría mucho más en este corte. Con un estribillo antológico, ‘The Hate Is Real’ cierra con todo lo que nos chifla de Body Count. PAU NAVARRA

GREEN DAY

Father Of All Motherfuckers (WARNER/REPRISE) ROCK

i como se ha rumoreado la única función de Father Of All Motherfuckers es librarse del contrato de su discográfica, al menos lo disimula muy bien. Al contrario de lo que pudiera parecer, no estamos ante una obra hecha con desgana y una producción de tres al cuarto. Precisamente, la elección de Butch Walker como responsable de los controles seguramente ha tenido mucho que ver con la intención de Green Day de querer hacer un disco sencillo, directo y, sobre todo, divertido. Porque si algo transmiten estos diez temas que pasan en apenas un suspiro, es que Billie Joe

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Armstrong, Mike Dirnt y Tré Cool se lo han pasado en grande grabándolos, sin la presión de tener que escribir otra ópera rock o la enésima canción protesta contra el gobierno estadounidense. Esta vez se han centrado en dar rienda suelta a su amor por el rock and roll clásico (‘Stab You In The Heart’), el garage (‘Fire, Ready, Aim’) y el pop de los 60 (‘Meet Me On The Roof’). Influencias que siempre han dejado entrever de manera puntual, como en su proyecto Foxboro Hot Tubs, pero que nunca antes habían expuesto de un modo tan claro en un álbum propio. Si tuviera que destacar mis dos momentos favoritos, sin duda serían ‘I Was A Teenage Teenager’, una triunfal pieza de ensoñador glam rock, y la final ‘Graffitia’, donde se vuelven a disfrazar durante tres minutos de The Who, una de sus bandas favoritas. Y es que por extraño que parezca, a día de hoy Green Day suenan más convincentes y frescos cuando se les pira la pinza y van a su bola que cuando pretenden ponerse serios. GONZALO PUEBLA

BEST COAST

Always Tomorrow (CONCORD/UNIVERSAL) POP ROCK

s una pena que la regularidad y la continuidad no sean las mayores virtudes de Best Coast. Seguramente esa sea la mejor explicación que se nos ocurre para entender como el dúo californiano, no está a día de hoy, llenando grande recintos o tocando en la parte más alta de los festivales…o simplemente tocando, porque verlos en directo no es tarea nada fácil. Todo lo que tiene de carisma y talento Bethany Cosentino, parece que lo tiene proporcionalmente de inconstancia. Ella misma ha dicho que este es un álbum marcado por una fase personal oscura

y un bloqueo creativo importante. Nos lo creemos porque cinco años de distancia entre disco y disco no son fáciles de justificar, aunque por medio hubo un curioso y catártico disco de canciones infantiles titulado Best Kids. Pero reamente no hay mucho que diferencie a este Always Tomorrow de su anterior California Nights y eso, lo digo como halago. Best Coast suenan a lo que mejor saben sonar que es simplemente a Best Coast. Puede que en este álbum suenen un pelín más rockeros en temas como ‘Wreckage’ o ‘Everything Has Changes’, donde casi juegan a ser Def Leppard, o que dejen al descubierto otras influencias 80’s con los teclados de ‘Master Of My Own Mind’, en cualquier caso todas ellas son una delicia. Naturalmente no faltan esas joyas pop caso de ‘For The Firs Time’ perfectas para enomarte de un atardecer californiano. Y es que Best Coast son justo eso. La mejor representación actual de lo que es la California que amamos: llena de vida, diversión e imperfecciones. Una metáfora absoluta de la propia carrera de Best Coast. RICHARD ROYUELA

TOUNDRA

Das Cabinet Des Dr. Caligari (INSIDE OUT) BANDA SONORA, EXPERIMENTAL

ecibir el encargo de poner música a una de las películas más emblemáticas del expresionismo alemán debería ser visto tanto como un desafío como un verdadero marrón. Imagino que los chicos de Toundra afrontaron la tarea de crear una nueva banda sonora para El Gabinete Del Doctor Caligari con respeto, pero también con la convicción de dar su interpretación personal de la misma. A pesar de venir firmada con su nombre, tiene lógica que el grupo no acabe de considerarla como un nuevo álbum al 100%. Los seis actos en los que se

divide la obra escapan de las estructuras habituales de una canción al uso, incluso tratándose de una banda de post rock. Aunque hay ciertos desarrollos, las composiciones buscan más el ambientar las distintas escenas de la cinta que el crear un hilo continuo a lo largo de todo el largometraje. Por supuesto, el diálogo entre las guitarras de Esteban y Macón les hace reconocibles, pero es la labor más contenida a la batería de Alex y sobretodo el uso de los teclados por parte de Alberto los que acaban otorgando a este Das Cabinet Des Dr. Caligari su propia identidad. Se podrían destacar situaciones puntuales como el tramo inicial del ‘Akt I’ o los momentáneos picos de intensidad como el de la recta final del ‘Akt III’. Pero sin duda lo mejor es hacer el experimento casero de ver la película al mismo tiempo que suena la música para así vivir la experiencia al completo. Teniendo en cuenta el resultado y proyectos como el de Exquirla, ¿quién sabe si a partir de ahora el ingenio de Toundra habrá que empezar a buscarlo en este tipo de aventuras paralelas? GONZALO PUEBLA

BENIGHTED

Obscene Repressed (SEASON OF MIST) BRUTAL DEATH GRIND

la hora de enfrentarse a cualquier nuevo álbum de Benighted hay tres factores a tener en cuenta: primero, que tanto Asylum Cave como Carnivore Sublime establecieron un techo de cristal que, posiblemente, ya nunca sean capaces de superar. Luego, que Julien Truchan sigue empeñado en demostrar que es uno de los vocalistas más versátiles y letales que haya dado el brutal contemporáneo. Por último, que su nivel de ejecución es siempre, siempre, apabullante. A los franceses se les podrá criticar que parece que estén obligados

por contrato a incluir algún momento ‘caribeñojazzístico-raruno’ porque, efectivamente, en Obscene Repressed vuelve a aparecer en ‘Muzzle’, pero en cambio, les aplaudo que se acuerden de su pasado más remoto al incluir más riffing black metalero en ‘Casual Piece Of Meat’, esa ‘Mom, I Love You The Wrong Way’ con Karsten Jäger de Disbelief o ‘Implore The Negative’, que también cuenta con el pluriempleado Jamey Jasta al micro. De igual manera, que la urgencia grind tenga muchísima más presencia en este trabajo es revitalizante, y que por fin se hayan olvidado de los sampleados con vocecitas infantiles también lo celebro, pues se repetían más que el ajo. De todas formas, no parece que Benighted estén por ofrecer demasiadas revoluciones en su propuesta y puede que haya seguidores que se queden algo fríos ante este nuevo plástico. Con temas como la misma ‘Obscene Repressed’, ‘Brutus’ o ‘The Starving Beast’ con Sebastian Grihm de Cytotoxin, desde luego triza no le falta. PAU NAVARRA

O MONDO GENERATOR

Shooter´s Bible (HEAVY PYSCH SOUNDS) ROCK

cho años han pasado desde el último lanzamiento de Mondo Generator. Se dice rápido, y tampoco es que el ex-Kyuss y QOTSA se haya estado quieto, pero cuando hablamos de Shooter´s Bible, la emoción va in crescendo porque se trata de un disco grabado en 2010 y nunca editado. Diez años han estado estas canciones encerradas en un cajón, pero la arena del desierto sigue intacta, así como el resacón por todas esas sustancias ilegales. Son 13 canciones en escasos 39 minutos donde su actitud punk abrasiva rebota por los cuatro costados. En su momento el disco se dejó aparte ya que la gira de reunión Kyuss Lives! estaba tomando forma (de la que al final Oliveri no formó parte), y es que la violencia de estas canciones que a todo momento coquetean con la melodía no cazaba

S ENVY

The Fallen Crimson (PELAGIC) POST HARDCORE

i la música es un lenguaje universal, Envy son uno de los mejores embajadores de tal afirmación. No hace falta saber ni una sola palabra de japonés para sentir, que no entender, lo que expresan Tetsuya Fukagawa y sus compañeros en cualquiera de sus canciones. Eso no quita la sensación que si la banda hubiera procedido de Nueva York o Los Angeles en lugar de Tokyo, su reconocimiento sería mucho mayor. Su rompedora mezcla de hardcore, shoegaze, post rock y metal ha influenciado a bandas como Thursday (con quienes compartieron un split en 2008), Deafheaven

mucho con el material tan stoner de Kyuss. Aquí no se sabe exactamente en qué momento Oliveri va a presentar un ataque rabioso dejándose la garganta y tirará directamente por el punk rock del que le conocemos en The Dwarves, pero queda claro que las drogas han tenido mucho que ver en cuanto a la composición de este disco. Toca el bajo y la guitarra en todas las canciones, mientras que el bueno de Hoss hace lo suyo en la batería, con

la única excepción de la versión de ‘Dog Food’ Iggy Pop en en la que Happy Tom de Turbonegro se encarga del bajo y Dave Grohl de Foo Fighters pone la batería. Shooter´s Bible es un testimonio curioso de una tormentosa década en la vida de Oliveri, quizás más cruda que el material en el que se vería envuelto después, pero sin duda estas canciones son dignas de rescatar si te gusta el lado más cafre del desierto.

o La Dispute, y sin embargo todavía siguen siendo unas grandes desconocidos para gran parte de un público que fliparía con su música. Si eres de ellos, The Fallen Crimson puede ser una buena puerta de entrada para adentrarse en su mundo. En su primer disco en cinco años -en los que la banda ha pasado por varios cambios de formación, incluida la ida y vuelta de Fukagawa-, Envy no presentan nada especialmente novedoso, pero en lo suyo, siguen haciéndolo como los mejores. La base de su sonido sigue surgiendo de la fricción entre la belleza de sus cristalinos pasajes instrumentales y la rabia

controlada de los arrebatos más duros. ‘Statement Of Freedom’, el tema que abre el disco o ‘A Step In The Morning Glow’, que lo cierra, son buenos ejemplos de esa fórmula que vienen puliendo desde los 90. La banda despliega toda su majestuosidad en ‘Swaying Leaves And Scattering Breath’ con una deliciosa melodía de guitarra a lo Explosions In The Sky combinada con pasajes de spoken word, ‘Memories And The Limit’, la feroz ‘Fingerprint Mark’ o esa ‘Hikari’ en la que el batería Hiroki Watanabe despliega su potencial. Otro tanto para estos maestros japoneses.

JORGE FRETES

JORDI MEYA

GREG DULLI

Random Desire (ROYAL CREAM/BMG) ROCK

omo nos contaba Greg Dulli en la entrevista que publicamos el mes pasado, que ahora mismo nos encontremos ante su primer disco en solitario en lugar de uno nuevo de Afghan Whigs, obedece puramente a lo que él llama como selección aleatoria. El no poder disponer del resto de sus compañeros le obligó a meterse en el estudio él solo y grabar todos los instrumentos de Random Desire. Por supuesto, recibió alguna ayuda externa puntual de varios músicos, destacando entre ellas la de Jon Theodore (Queens

Of The Stone Age, The Mars Volta) a las baquetas. Esto mismo es lo que hace que las composiciones que escuchamos aquí tengan un inequívoco sabor familiar que nos pueda recordar a los propios Afghan Whigs -como en ‘The Tide’ o ‘It Falls Apart’- o a The Twilight Singers. Sin embargo, la manera de encarar el sonido es un tanto diferente. Si algo ha sabido hacer siempre muy bien Dulli es el saber adueñarse de diferentes influencias para usarlas a su antojo. Y aquí lo vuelve a demostrar en piezas como ‘Lockless’, por cuya base programada se acaban colando unas sugerentes trompetas. Su exquisito gusto por los arreglos vuelve a aparecer en la acústica ‘A Ghost’ y el final de ‘Slow Pan’. Aquí Dulli está soberbio utilizando distintos registros, desde el falsete a tonos más graves casi inéditos en su voz y que sirven para dar colorido. Desde luego, tiene mérito que a estas alturas de su carrera sea capaz de reinventar ligeramente su propuesta. Aunque sea por casualidad. GONZALO PUEBLA

NADA SURF

Never Not Together (ERNIE RECORDS/BARSUK) INDIE ROCK, POWER POP

odríamos pensar que el mundo agoniza, que se va al garete, que el ser humano no puede ser más detestable, que es egoísta, intolerante y violento. Pero el mundo está vivo y nada cambia la naturaleza de las personas. Algo así podemos extraer de las metáforas sobre la vida y la felicidad de ‘Something I Should Do’, primer adelanto que tuvimos del nuevo trabajo de Nada Surf y probablemente uno de sus temas más inspirados. Este mensaje, realmente más positivo que naif, es el asunto central del noveno trabajo de estudio

de la banda fundada por Mathew Caws, Ira Elliott y Daniel Lorca en 1990. Sin ir más lejos, la nueva entrega de los neoyorquinos arranca con ‘So Much Love’, un tema sobre la buena voluntad de las personas y el lado luminoso de la vida, sobre la necesidad de crear un espacio de tolerancia y respeto. El presente Never Not Together, otro llamamiento claro a la unidad, sigue las coordenadas power pop de la última etapa de la banda con un punto extra de calidez y melancolía, con momentos estelares e irrepetibles como la mágica ‘Looking For You’, con un coro infantil que aporta un halo a cuento navideño con moraleja, y la acústica ‘Mathilda’, una pieza basada en los episodios de bullying que sufrió el bueno de Caws de pequeño. El ahora cuarteto con la incorporación oficial del teclista Louie Lino -el Guided by Voices Doug Gillard ya aparece en las fotos promocionales- firma uno de sus trabajos más redondos desde aquel maravilloso Let Go de 2002. LUIS BENAVIDES

SEPULTURA Quadra

(NUCLEAR BLAST) GROOVE METAL, THRASH PROGRESIVO

n Quadra, el decimoquinto álbum de Sepultura, Derrick Green ha firmado sus mejores voces desde que está en la banda. Su renovada furia sorprende en ‘Isolation’, igual que la potencia con la que el resto de grupo arrea en este lanzamiento. En ello mucho tienen que ver sus composiciones, pero sobre todo las labores de Jens Bogren en sus Fascination Street Studios. De verdad, es que todo suena gordísimo y parece pedir a gritos el ser pinchado a un volumen exagerado… ‘Means To An End’ y ‘Last Time’ son una buena hostia donde los cariocas han conseguido que su reciente pulsión progresiva

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no nos chirríe, y con ‘Capital Enslavement’ siguen llevándoselo todo por delante. Qué decir de ‘Ali’… pues que golpea como el púgil y te duelen las muelas de tantos mamporros, saliendo airosos de un intrincado tema que a veces no sabes muy bien cómo van a resolver. Los coros y las orquestaciones actuales siguen sin convencerme, pero es de justicia reconocer que esto sólo obedece a gustos personales, porque si analizas este álbum como lo que es, una evolución de un combo con 36 años de historia, si consigues dejar atrás las comparaciones con su pasado glorioso, no puedes negar la evidencia: que su nuevo disco lo parte en casi todo su recorrido con un Kisser on fire. A ‘Raging Void’ hay que acostumbrarse, pero su flamante pasión por los estribillos a lo grande sí lo borda en ‘Guardians Of Earth’ o ‘Autem’. Flipando te deja la épica de ‘Agony Of Defeat’. Lo que vagamente se intuía en el flácido y fallido Machine Messiah de 2017 se ha visto fortificado y brutalmente mejorado aquí. Ahora sí que todo Quadra. PAU NAVARRA

GYOZA

Early Bird (VARIOS SELLOS) ROCK ALTERNATIVO

ocos debuts hechos aquí en los últimos años me han impresionado tanto como el de Gyoza. En 2017, este cuarteto barcelonés apareció de la nada con un álbum potentísimo que mostraba una seguridad y desparpajo impropios para tratarse de unos recién llegados. Por no hablar de un explosivo directo ganado con las tablas que solo te dan el haber ofrecido cerca de un centenar de conciertos. Dispuestos a demostrar que lo suyo no fue flor de un día, ahora vuelven con un Early Bird que nos trae todo lo que nos encandiló de su primer trabajo. Esa facilidad para sacarse de la

chistera unos riff crujientes por los que muchas bandas de stoner venderían a sus madres permanece intacta gracias al respaldo que da la acertadísima producción de Santi García. Ahí está el festín de guitarrazos que se pegan en ‘Killing Goode’ y la más melódica ‘Veins’, poniendo a prueba nuestras cervicales. Pero Gyoza son muchísimo más que energía desatada y disponen de varias vías para canalizarla. Así pues, en ‘Up Where They Belong’ van creando una tensión que aumenta con sutiles arreglos electrónicos hasta que te encuentras con la banda pasándote por encima con una furia inusitada. ‘Glitch’ juega con la dualidad atmosférica y la ferocidad de unos Deftones, al tiempo que ‘In My Room’ te va atrapando con un groove de lo más sexy al estilo de Queens Of The Stone Age. Y con ‘Requiem For A Lie’ siguen incorporando nuevos recursos al explorar senderos a medio camino entre el math y el post rock (ojo a los detalles que va dejando su base rítmica por todo el álbum). Desde ya mismo uno de los discazos nacionales de la temporada. GONZALO PUEBLA

TODAY IS THE DAY No Good To Anyone (BMG) NOISE ROCK

teve Austin ha guardado con mucho recelo todo lo relacionado al lanzamiento de No Good To Anyone, un disco del que poco se sabía (hasta la fecha de lanzamiento ha sido un misterio) y que tanto tiene que ofrecer. Dice que ha intentado hacer el disco más duro y pesado posible, con las canciones más psicodélicas de toda su carrera ¿El resultado? Un viaje sin retorno que es una tan buena experiencia como cualquier otra de la carrera que define tan bien el avantgarde rock de Today Is The Day. Uno nunca puede estar preparado para estas

canciones largas, algunas sobrepasando los 7 minutos, en los que encuentra una mejunje que va del goth al sludge en un momento, con blastbeats golpeando en los sitios menos esperados, y con cambios de tempo que a priori no tienen sentido pero que buscan su manera para cumplir el objetivo de todo esto: dejarte asombrado. Seis años ha tardado desde aquel Animal Mother, y ha valido la pena. Estamos ante un disco lleno de música extrema en forma de arte, con notas discordantes, voces temblorosas, un toque lento y lúgubre, y unas guitarras enmarañadas que sin duda tienen una historia que contar. 30 años han pasado desde que Austin se pusiera a experimentar, y aún no parece encontrar frontera con la que colisionar su música para definirla bajo unos patrones. Si algo tiene No Good To Anyone es que parece estar compuesto desde la mierda más absoluta en la que alguien puede estar sumido, para salir hacia la luz creando un legado único. Te va a dejar loco, y de buena manera. Si nunca te has atrevido con ellos, hoy es el día. JORGE FRETES

DEMONS & WIZARDS III

(CENTURY MEDIA) POWER METAL

stoy seguro de que no existe una etiqueta para el ‘power metal adulto’, el equivalente al AOR en el estilo, pero ante el tercer álbum de Demons & Wizards quizá habría que inventarla. Desde que en 1997 Jon Schaffer de Iced Earth y Hansi Kürsch de Blind Guardian decidieran unir sus caminos en este exitoso proyecto paralelo, el culto hacia él no ha parado de crecer, y todavía más en estos últimos tiempos, cuando el dúo ha demostrado una perfecta sincronía sobre los escenarios. El largamente esperado III es un álbum cuidado hasta la obsesión, donde ni un solo detalle, coro

o sonoridad ha quedado a merced del azar, y por supuesto, las composiciones no fallan. Intachable uso y conocimiento de sus propias armas en ‘Diabolic’, enérgica pegada en ‘Wolves In Winter’ o ‘Midas Disease’, remarcable solvencia para ‘Final Warning’, sabiduría y tablas en las dilatadas ‘Timeless Spirit’ y sobre todo ‘Children Of Cain’… O ‘Dark Side Of Her Majesty’, con esos únicos e inimitables riffs de la escuela Schaffer. Esta obra ha sido grabada en sus propios estudios Independence Hall y Twilight Hall, pero también en los míticos Morrisound Recording de Tampa con, entre otros, el mismísimo Jim Morris. Imaginad el resultado… Si me hubiera comprado este disco a los 13 años habría renegado de él por su falta de velocidad y dobles bombos, pero por suerte, el puretismo también te dota de la suficiente calma y serenidad como para disfrutar de esta clase de obras con una infusión al lado. No hay álbum en el que Jon no ofrezca destellos de calidad, pero estoy seguro de que éste es el Hansi que todas y todos deseamos. PAU NAVARRA

DRIVE-BY TRUCKERS

The Unraveling (ATO) ROCK AMERICANO

eguro que algún fan acérrimo se llevará las manos a la cabeza cuando lea esto que voy a escribir a continuación, pero desde mi punto de vista DriveBy Truckers son de ese tipo de grupos que casi nunca tienes en cuenta y sin embargo siempre están ahí. Dicho de otra manera más formal: son un valor seguro. Puede ser que sus días de gloria con Decoration Day y The Dirty South (cuando contaban con un jovencísimo Jason Isbell destapando su talento) sean cosa del pasado y los focos recaigan ahora sobre otros artistas. Pero la nave capitaneada por Patterson Hood y Mike Cooley sigue establecida y manteniendo un

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respeto dentro del circuito ganado más que de sobras durante dos décadas. Grabado en los míticos estudios de Sam Philips en Memphis, The Unraveling continua con esa nueva etapa que ya estrenaron con American Band, otorgando un mayor peso político y social a las letras. Esta vez es Hood quien toma la palabra con firmeza para tratar asuntos tan duros como el uso de las armas de fuego y las matanzas en los colegios (‘Armageddon’s Back In Town’, ‘Thoughts And Prayers’), el consumo de drogas entre los jóvenes (‘Heroin Again’) o el conflicto fronterizo de los inmigrantes (‘Babes In Cages’). Por su parte, aquí Cooley permanece en un segundo plano, aunque acaba aportando su habitual brío en ‘Slow Down Argument’ y en una ‘Grievance Merchants’ sobre la violencia racial imperante en la sociedad americana, mezclando lo político con historias personales. Todo ello acaba convirtiendo su duodécimo álbum de estudio en un retrato tan crudo como necesario del día a día de los Estados Unidos. GONZALO PUEBLA

BENEATH THE MASSACRE Fearmonger (CENTURY MEDIA) TECHNICAL BRUTAL DEATH

urante 30 minutos vas a ser víctima de un vendaval que se llevará tu colada como mínimo, donde la técnica te arrancará el peluquín como te descuides y gobierna una batería que no es de este mundo, esté ejecutada en el estudio por Anthony Barone o en directo por Patrice Hamelin. Las chifladuras de Christopher Bradley a la guitarra y su hermano Dennis al bajo tampoco se quedan cortas, claro… Con Elliot Desgagnés a los guturales son Beneath The Massacre, y se les echaba mucho de menos. Ocho años después por fin la bestia canadiense sale

del letargo discográfico y entrega un nuevo álbum, un Fearmonger que viene a poner las cosas en su sitio, si es que hacía falta… Por mi parte, desde luego no. Plena fe en unos colosos acostumbrados a ridiculizar a sus compañeros de cartel, a dejar anonadado a cualquier valiente que asista a sus conciertos. Si los has visto en directo, ya sabrás de lo que hablo. ‘Of Gods And Machines’, la durísima ‘Treacherous’, la aplastante y futurista ‘Autonomous Mind’, ‘Return To Medusa’… Poco importa la canción que elijas, porque el nivel aquí es enteramente descomunal. Que podría citar el tracklist entero, vaya… Soy poco amigo del virtuosismo exagerado, pero joder, hay excepciones, y una de ellas es Beneath The Massacre, los auténticos hijos del viento. Aturdido ante tamaña precisión quirúrgica, hercúlea resolución, formidable pegada contra el populismo y el anti-intelectualismo actual. Al alcance de poquísimas formaciones… y ninguna de ellas humana. La demostración más plausible de que hay vida en otros planetas. PAU NAVARRA

DÉCIMA VÍCTIMA En El Garage (MUNSTER) POST PUNK

i parecía que habías escuchado todo de estos pioneros del post punk nacional con la apabullante, nutriente caja incluyendo discografía, y compilación de singles y demos que se publicó hace diez años en Munster, todavía quedaba una última bala en la recámara. De los rincones de un trastero de uno de los miembros, surge este álbum de grabaciones que preludiaba lo que sería su segundo y último álbum en estudio, pero con un sonido aún más austero y letras diferentes, aparte de algún tema extra que jamás se había escuchado. En él se atisban los derroteros que

la banda había tomado en su opera prima y seguirían en su sucesor. Un sonido opaco y oscuro, tiñendo de negro el cielo de Madrid en los 80. Una auténtica joya de arquitectura siniestra para quiera ahondar más allá del legado de Parálisis Permanente, Ana Curra en solitario o los primeros Gabinete Caligari en aquellos años. Amantes de The Cure, Bauhaus y compañía, disfrutarán de un álbum grabado en la casa del productor del grupo y múltiples bandas imprescindibles de entonces, Paco Trinidad. Destaca la sobriedad con que ejecutan instrumentalmente unas canciones que sangran de melancolía y tristeza. La voz de Carlos Entrena nos sumerge en letanías de una textura grisácea y tenebrosa, sin caer en la sobreactuación. Siempre contenido sin llegar a frasear como otras bandas de aquella generación. Se podría llegar a establecer paralelismos con el Ian Curtis menos punk y más reflexivo. Eso es lo que encontramos en este álbum que dejará con ganas de más a los neófitos y será un caramelo a quienes pensaban que ya no quedaba más que exponer. IGNACIO REYO

NUKORE

One Minute Silence (BLOOD FIRE DEATH) CROSSOVER

ero, ¿de qué barrio de Nueva York ha salido esta gente? ¿Brooklyn? ¿Queens? ¿O del Bronx? ¿O tal vez lleguen desde la otra costa, desde el Compton más chungo? Pues nada de eso, Nukore son de Vitoria aunque el sonido apisonadora que han sacado en los Silver Star Studios para One Minute Silence nos remita directamente a las calles de Estados Unidos. Tras escuchar varias veces su cuarto disco puedo afirmar sin miedo a equivocarme y sin afán de ofender a nadie que estamos ante ¡los putos Biohazard vascos!

Ander Martínez afina su guitarra muy grave, el bajo de Unai Perales y la batería de Rafael Battaglia van construyendo ritmos gruesos y las voces no son sólo responsabilidad de Aitor Asso, sino que Ander y Unai colaboran en las tareas vocales y eso repercute positivamente en el resultado final de sus composiciones. La que entra más fácil del conjunto es ‘One Love, One Life’ por su estribillo, pero la tralla crossover es la que abunda (escucha sino el solo de guitarra garrulo en la inicial ‘Black Friday’ para corroborarlo) hasta llegar al extremo de la expeditiva canción que da título al LP, un minuto de caña burra sin respiro. Sorprende también que el material contundente del cuarteto vasco no se encuentre únicamente en su música sino también en sus textos: muy críticos con el capitalismo (‘Black Friday’, ‘Give My Pain’) y, en general, con el estilo de vida occidental (‘Erase & Redefine’, ‘Like My Likes’, ‘Shame’). Un material que seguro que nos demolerá aún más en directo. ¡Muerte al nu metal! ¡Viva el Nukore! JORDIAN FO

I GERONIMO BLACK

Freak Out Phantasia (MUNSTER) ROCK PSICODÉLICO

maginaros la locura de los 70 más lisérgicos, donde los grupos de improvisación mezclaban géneros y rompían las estrictas etiquetas puestas por los críticos de la época. Imaginaros un combo con miembros de los Mother Of Invention de Frank Zappa y Captain Beefheart, comandada por un miembro de la banda Dr. John. Improvisación, destellos de psicodelia y jams alargadas que bien se podría viajar en ellas tras tomarte un enteógeno. Cosa seria. Esto era Geronimo Black, una banda de efímera existencia que sólo grabó dos álbumes de estudio. Ambrosía para cualquier amante de las texturas más experimentales de una época en que los límites se establecían dependiendo de la atmósfera del momento. Lo que encontramos en este artefacto son varias canciones en vivo y algunas

S DEADYARD

Armageddon It! (HFMN) ROCK, PUNK

eñores, la cosa se pone seria. Deadyard han pasado de ser un pequeño pasatiempo sin muchas pretensiones montado por veteranos de la escena barcelonesa, a convertirse en una formación que, a base de conciertos impecables, ha demostrado que el potencial del quinteto es superior por encima de lo que todos, incluido ellos, pensaban. Tras el EP de debut The Monkey Monggah, el momento de la verdad tenía que ser su primer largo y, como hacen las grandes bandas, Deadyard no han fallado en ese momento crucial de dar un paso adelante. La fiesta y el cachondeo se han dejado

sesiones en estudio. Todo antes de su debut, de título homónimo. Un disco en el que no sabes qué te vas a encontrar, desde la típica jam psicodélica pasando por canciones más acordes a lo que se supone a una canción, de un blues arrastrado con pianos e incluso elementos de jazz rock para los amantes del Miles Davies más iconoclasta. Y si eso no os sirve de aliciente, se añade un cedé con cuatro canciones como

extra, aparte de un texto explicativo del cómo, por qué y cuándo de esta formación tan insólita para este milenio, y tan indicadora de los derroteros del underground setentero. Seguro que Omar de The Mars Volta los tiene más que escuchados, dadas sus texturas, su sonido moldeable a los designios de lo que deba pasar, sin premeditación, sin alevosía. Sólo música libre de convencionalismos.

algo de lado para construir un álbum de rock que mira en todas direcciones –desde el punk 77 al rock escandinavo de los 90- pero huyendo del plagio y transmitiendo honestidad. Deadyard no quieren jugar a ser unos jovenzuelos tocando rock enganchados al síndrome de Peter Pan. Armageddon It! es un álbum de textos agrios, de cruda realidad, regado de riffs y estribillos que a la segunda escucha ya te dejan pillado, ya sea con ese single inicial ‘The Escapist Man’ -junto a ‘Repo Man’ es el más personal del álbum-, con temas rozando el street punk caso de ‘Old & Angry’ o acercándose a unos AC/DC en esteroides

como en ‘Stench Of The City’. Son tan sólo unos ejemplos, porque los 32 minutos –así es, rápido y sin florituras como debe ser un buen álbum de rock- tocados de manera magistral (puede que el punk se pueda hacer sin saber tocar, pero aquí se demuestra que tocar bien no hace ningún mal), producidos sin artimañas extras y con una presentación gráfica de 10. Detalles que demuestran lo en serio que se ha tomado la banda este debut. Desde ya avisamos que el nombre de Deadyard lo vais a ver mucho más de lo ahora mismo podéis imaginar; un monstruo como éste va a ser complicado de parar.

IGNACIO REYO

RICHARD ROYUELA

INTRONAUT

Fluid Existencial Inversions (METAL BLADE) METAL PROGRESIVO

i algo ha caracterizado a Intronaut en los últimos 15 años ha sido la manera poco ortodoxa de acercarse al progresivo, experimentando con cuanto género cercano al metal se le cruzase por delante. En este Fluid Existencial Inversions los californianos nos dan otros 52 minutos de vueltas de tuerca en lo que podría ser su disco más redondo y las dinámico hasta la fecha, y en el cual las canciones tienen un discurrir más natural. Ya desde el single ‘Cubensis’ nos dejan claro que la

complejidad sigue siendo su carta de presentación, ya sea con voces brutales o con guitarras altamente distorsionadas. El nuevo baterista Alex Rudinger le da ese toque de math rock a estas composiciones, que con él ganan mucho peso en el lado melódico, mezclando lo bestia con pasajes tranquilos que crean un contraste único en esta experiencia visceral.Se dejan notar gotas de post metal e incluso jazz fusión según va avanzando el álbum, en canciones como ‘Speaking Of Orbs’, ‘Check Your Misfortune’ o ‘Sour Everythings’ que podrían ser las más siniestras que nos hayan presentado hasta el momento, y en el que sin duda tenemos los breakdowns más atronadores jamás grabados por Intronaut. Parecen jugar en su propia liga dentro de este estilo caótico, y es justamente lo ecléctico de estos músicos lo que tanto nos atrae. Podría sonar a cliché, pero es uno de esos discos que cambian la carrera de una banda. O al menos lo merecería. Clásico instantáneo. JORGE FRETES

BEAST OF REVELATION

The Ancient Ritual Of Death (IRON BONEHEAD) DEATH DOOM

h, papi… Me enamoré de la voz de John McEntee desde el mismo instante en que escuché por primera vez a Incantation, y si cuando más me gustan es en esos momentos en que bajan las revoluciones y se revuelcan por el miasma del death doom, su nuevo proyecto Beast Of Revelation está íntegramente dedicado a esparcir ese lodo que tan feliz me hace. Imaginad, menuda dicha la mía… Junto al batería Bob Bagchus (Infidel Reich, ex de Asphyx, Grand Supreme Blood Court, Soulburn…)

y el guitarra y bajista A.J. van Drenth (Temple, Throne, exBeyond Belief), la estremecedora calidad del trío ya queda netamente plasmada con una inicial y mortuoria ‘Legions’ que te dejará planchado, hecho puré. Sepelio estrictamente privado con ‘The Great Tribulation’, proceso de momificación forzosa en ‘The Fallen Ones’, y todo ello con múltiples referencias a las bandazas de las que toman o han tomado parte estos especialistas durante más de tres décadas, claro. ‘The Days Of Vengeance’, ‘The Ancient Ritual Of Death’ y ‘The Unholy Roman Empire’ de seguido te mandarán derechito a la tumba sin tiempo a redactar un testamento o a despedirte de los tuyos. Que no te pillen bajo de defensas porque pueden resultar de lo más nocivas. Canciones que son lápidas, y todas ellas no conforman un álbum, sino un cementerio ruinoso, antiquísimo y pasto del moho, con un cartel de bienvenida en forma de portada de Manuel Tinnemans. Riffs, riffs, riffs… Lento, lento, lento… El debut de Beast Of Revelation te hundirá en la miseria. PAU NAVARRA

REDD KROSS

ÉRASE UNA VEZ EN…

CALIFORNIA

PARECE ALGO INAUDITO QUE UN GRUPO CON UN TALANTE TAN PARTICULAR COMO REDD KROSS SE HAYA MANTENIDO A FLOTE DURANTE 40 AÑOS. TODO GRACIAS A LA INSISTENCIA DE LOS HERMANOS MCDONALD, QUE HAN FACTURADO UNA DISCOGRAFÍA QUE DESAFÍA LOS LÍMITES DEL OYENTE HABITUAL DEL PUNK, EL ROCK O EL POP. EN ABRIL VENDRÁN A PRESENTAR EL NOTABLE BEYOND THE DOOR . TEXTO: IGNACIO REYO FOTOS: DR

UANDO HACE UNAS SEMANAS SE PRESENTÓ LA OPORTUNIDAD de en-

trevistar a Redd Kross, no sabía si hacerla con su cantante y guitarrista Jeff McDonald, o con su hermano y bajista Steve. Pero recordé que mi debut en RockZone fue con un artículo sobre uno de sus discos, entrevistando a Jeff, justo hace una década, así que decidí hablar con su hermano, para tener su perspectiva de las cosas. Ambos llegarán el 16 de abril en Valencia (Loco Club), el 17 en Madrid (Teatro Barceló), el 18 en Gijón (sala Albéniz) y el 19 en Bilbao (Kafe Antzokia) acompañados del guitarrista Jason Shapiro y

el batería de los Melvins, Dale Crover, y con su séptimo álbum bajo el brazo. En Beyond The Door (Merge) vuelven aflorar todas sus obsesiones musicales y extramusicales que hacen de ellos dos de los nerds más entrañables del mundo del rock. Por eso, hablar con Steve McDonald va más allá de la típica entrevista promocional y tras la última pregunta, aún nos tiramos un largo rato hablando de Germs, Blondie y otras cosas. Señoras y señores, con todos ustedes, desde California… ¡Redd Kross! Publicasteis Beyond The Door en agosto. ¿Cómo lo ves pasados

unos meses? STEVE McDONALD “Creo que es un

gran ejemplo de lo que es Redd Kross en 2020. Estoy muy orgulloso del álbum, tiene un poco de todo, hay algo para cada fan de las distintas épocas de la banda. Ya hemos salido de gira en los Estados Unidos con este disco y estoy ansioso por ir a España y tocar estas canciones para vosotros”.

puente y que estaba impresionado por una modulación que hice al final de la canción, e incluso dijo ‘¿Por qué no pensé en eso?’. Fue muy importante para mí”. Hay una canción, ‘Jone Hopple’, compuesta por tu hermano y Kim Shattuck de The Muffs. Por desgracia, Kim falleció en octubre por culpa de la

Es curioso porque el álbum

ELA. ¿Qué recuerdos tienes de

empieza y termina con dos ver-

ella?

siones. Se abre con ‘The Party’

“Kim fue siempre como una hermana del rock’n’roll. La conocía desde sus días como bajista tocando en The Pandoras, de hecho estuve en su primer show. Recuerdo que era muy graciosa, le gustaba hacer niñerías. Luego en The Muffs vimos que era fantástica. Teníamos la misma sensibilidad y compartíamos el mismo amor por el rock’n’roll. En marzo tocaremos en un concierto con varias bandas en homenaje y para recaudar dinero para luchar contra esa enfermedad”.

de Henry Mancini y al final está ‘When Do I Get To Sing ‘My Way’’ de Sparks.

“Creo que vivimos tiempos extremos y todo el mundo necesita ir a una fiesta estupenda, entonces tenía sentido que empezáramos el álbum con una celebración tan divertida. Mancini es grandioso, lo hemos escuchado con frecuencia desde que éramos chicos. Fue idea de Jeff hacer la canción. Es uno de esos temas raros que ni siquiera encuentras en YouTube, muy difícil de hallar. Y sobre la versión de Sparks, he tocado con ellos durante cinco años y siempre sentí curiosidad sobre cómo sería tocar ‘When Do I Get To Sing ‘My Way’’ a mi manera (risas)”.

Quería preguntarte, ¿por qué todos los miembros de Redd Kross son tan únicos? Este pasado verano estaba a punto de irme a dormir y empecé a chatear con Robert Hacker y nos

¿Qué les ha parecido a los her-

tiramos horas hablando de las

manos Mael de Sparks?

cosas más insólitas…

“Querían escucharla y les envíe la canción con bastantes nervios. Me respondieron inmediatamente. Quedaron fascinados y me dijeron cosas geniales. Ron me dijo que le resultaba increíble que hiciéramos una versión totalmente diferente, pero que a la vez mantenía el mismo corazón y el mismo impacto. El significado de la canción seguía allí. Y luego Russell me dijo que había hecho un gran trabajo con el

“Cada miembro de la banda siempre fue escogido no sólo por lo que podían hacer, sino por ser un freak, por su cierto nivel de peculiaridad. Nos gustan las grandes personalidades, que sean únicos. Y siempre los hemos alentado a levantar esa bandera en nuestra banda, los alentamos a que sean ellos mismos, a ser el centro de atención. Es por eso que siempre los hemos mencionado. Este año Merge

Records va a reeditar nuestro primer EP. Y hemos rescatado demos que han sido grabadas previamente a ese EP. Así que son demos del año 1979; nuestro primer EP salió en 1980. También hemos encontrado una canción en vivo que hicimos en nuestro primer año de existencia, grabada durante una fiesta en una iglesia en Hermosa Beach, junto a Black Flag. En junio, creo, vamos a hacer un show por nuestro 40 aniversario aquí, en Los Ángeles. Nos gustaría que estén todos los músicos que han pasado por el grupo, excepto Eddie Kurdziel, claro (falleció de sobredosis en 1999 –ndr.). Pero sí, será una gran fiesta donde toda esa gente vendrá y tocará con nosotros”. Vuestras conexiones también son geniales. Como Laura Lovelace, que bailó con vosotros en varios conciertos. ¿Cómo la conocisteis?

“La gran Laura Lovelace. Muchos la deben conocer por ser la camarera que aparece en los primeros cinco minutos del film Pulp Fiction. Es más, creo que habla en español en esos minutos, es bilingüe. Es realmente genial. Era la novia de un compañero de la secundaria que todavía sigo viendo, Chuck Kelley. Laura, Chuck y yo solíamos ir a un club en Hollywood llamado The Cavern Club, en los 80. El club era propiedad del empresario discográfico y editor de revistas Greg Shaw, dueño de Bomp! Records. El club era un pequeño espacio en Hollywood Boulevard, donde se reunían 150 chicos todos los fines de semana. La temática del lugar era ‘Amor por el garaje rock de los 60’. Así que los chavales se vestían como si fuera 1965. Era muy específico, nada tenía que pasar de noviembre de 1965 (risas).

“EL PRIMER GRAN SHOW DE ROCK QUE VI FUE KISS, CUANDO TENÍA 8 AÑOS, EN ENERO DE 1976” STEVE MCDONALD

Yo no tenía que vestirme de esa forma, era aceptado con mi raro estilo hippie glam punk rock, o lo que sea. Las chicas bailaban muy al estilo gogó de los 60, haciendo el baile pony o el jerk. Y Laura era la mejor, la más auténtica. Así que le preguntamos si quería bailar para Redd Kross en el escenario, creo que bailó una docena de veces, incluso me parece que bailó con nosotros en España. En un show en Los Ángeles, a finales de los 80, mientras Laura bailaba a un lado del escenario, por el otro bailaba Pat Smear, de los Foo Fighters, que en ese momento era conocido por haber sido miembro de la banda The Germs. Hay un vídeo de muy mala calidad en YouTube. En ese concierto también Cherie Currie de The Runaways subió a tocar ‘Cherry Bomb’ y ‘Neon Angels On The Road To Ruin’. Un show mágico”. De esa época, ¿te gustaban X?

“Me encantan. De hecho, fue la

primera banda que vi en un club. El primer gran show de rock que vi fue Kiss, cuando tenía 8 años, en enero de 1976. Pero unos años más tarde, cuando tenía sólo 10, fui al Whisky A Go Go y vi a X, que abrían para The Avengers. Ése fue mi primer show en un club”.

opinión reivindica a los familiares de las víctimas, reivindica a aquéllos que aman los años 60 y que Charles Manson mató. Es un hermoso cuento de hadas. Brad Pitt hace un trabajo espectacular, y especialmente me encantó la escena final, aunque no quiero hacer spoilers (risas)”.

Conociendo vuestra fascinación

Bueno, creo que a estas alturas

por los 60 me resulta imposible

todos la habrán visto. Una vez

no preguntarte por la película

leí que vuestra versión de Char-

de Tarantino, Érase Una Vez

les Manson ‘Cease To Exist’, en

En… Hollywood.

vuestro primer disco, era por

“Oh sí, vi la película con mi amigo Josh Klinghoffer (exguitarrista de Red Hot Chili Peppers –ndr.). Me invitó a verla justo en el 50 aniversario de la muerte de Sharon Tate. La vimos esa misma medianoche, en el Cinerama Dome de Sunset Boulevard, que aparece en la película. Fue como estar en el límite entre ficción y realidad, muy Twilight Zone. Me encantó la película, es como un cuento de hadas. En mi

toda esa conexión de la época, y que una vez tu madre os vio enarbolando algo de Manson y entró casi en pánico.

“(Risas) Crecimos temiendo a Charles Manson, era como hablar del hombre del saco. Pero a la vez podíamos ver todas esas imágenes del libro Helter Skelter, que encontrábamos en todas las casas de los padres de nuestros amigos. Era parte de nuestra cultura. 75

Entonces ya de adolescentes, cuando empezamos a expresarnos y a hacer música, tomamos toda esa cultura popular que ingerimos y la vomitamos”. ¿Qué te pareció que Guns N’ Roses versionearan a Manson en

The Spaghetti Incident? Axl Rose posteriormente pidió disculpas.

“No sé por qué ellos decidieron hacer una canción suya. Nosotros estábamos fascinados por Los Ángeles, los años 60, los Beach Boys, Dennis Wilson, las chicas hippies y este loco líder de secta. No sé si Axl estaría de acuerdo con la filosofía de Manson (risas). Pero ellos hicieron esa versión en los 90, y nosotros la hicimos en 1981. Así que, ¡venga ya! (Risas)”. ¿Por qué crees que hay toda esa fascinación por los asesinos en serie o líderes de sectas como Charles Manson en tu país?

“No soy sociólogo, pero pienso que hay algo único. No sé sobre asesinos en serie, pero sí sobre líderes de sectas. California siempre ha sido un semillero de locos místicos. Creo que tiene que ver con la expansión al Oeste, por estar en el límite con la frontera. En algún punto tiene que ver con los cultos. Toda religión es un culto o secta, incluso el cristianismo. Lo mismo se puede decir del rock’n’roll, que es mi tipo de religión. Pero es triste que no lo consideren un culto, porque no está libre de impuestos”. Aparte de Redd Kross, has tocado como músico de estudio o de directo con Melvins, Jellyfish o

con todos ellos. Con los Melvins fue como tomar una clase magistral sobre cómo ser una banda de rock underground, ir de gira todo el año, vivir de eso y hacer todo bien. Musicalmente fue genial y una experiencia desafiante. Buzz Osborne tiene una manera propia de escribir. Han pasado muchas cosas inesperadas y me han alentado a escribir mi propio material. Antes mencionaba esto de alentar a los músicos a ser ellos mismos y él hizo eso conmigo. Con Jellyfish fue una gran sorpresa, toqué para ellos en un disco, antes de que hicieran shows. Así que no los conocía realmente. Conocí a Roger Manning en una pizzería en Los Ángeles en 1989, se presentó a sí mismo y me dijo que era fan de Redd Kross, que tenía una banda y que estaban intentando hacer algo que sonara entre Queen y The Partridge Family. Y recuerdo que pensaba ‘Sí, claro, ¿a quién no le gustaría algo de ese estilo?’. Luego escuché su música y me di cuenta de que realmente sabían lo que hacían, eran increíbles. Fue alucinante tocar con estos músicos virtuosos. Con Beck pasé un gran momento de gira, con otros grandes músicos. Me encanta su música. Estaba presentando su disco Sea Change. Me encanta ese disco. Para mí fue como una gran lección sobre cómo ser un músico de parte de un gran cantante y compositor. Tocamos en arenas, recuerdo que tocamos en el Festival de Benicàssim. Tengo muy buenos recuerdos. Y también estaba Josh Klinghoffer, con quien armamos una banda y conservamos una amistad de años”.

Beck. ¿Qué te aportó tocar con cada uno de ellos?

¿Es cierto que no tocasteis con

“He aprendido cosas diferentes

Nirvana porque llamasteis gor-

da a Courtney Love y ella no os quería ver ni en pintura?

“Nunca le llamamos gorda. A fines de los 80, Jeff y yo nos portábamos mal y hacíamos llamadas de broma a mucha gente. El nombre de ella apareció y la llamamos toda una noche. En ese tiempo ella trabajaba en una cafetería. La llamábamos a su trabajo. Y también a un club donde solía ir, Jabberjaw. Le decíamos que éramos una banda rival de la zona. Fue una tontería. Ella, de alguna manera, logró saber quiénes éramos. Me parece que éramos famosos por hacer esa clase de bromas. Unos años más tarde, cuando apareció Nirvana, teníamos el mismo mánager. Entonces le preguntamos si podíamos tocar con ellos y él nos dijo que no, porque nos portamos mal con Courtney cuando era gorda (risas). Ése fue el mensaje que recibimos, así que fue el mánager quien lo dijo. Es agua pasada, porque toqué la guitarra rítmica en su banda por un breve periodo de tiempo. Creo que intentaron crear una historia escandalosa, una falsa rivalidad, pero está todo bien”. No sabía que habías tocado con Courtney… Sí que lo hiciste con Dave Grohl.

“Sí, tocamos juntos en Tenacious D. En la época que estaba con Courtney Love, yo tocaba el bajo para Tenacious D y Dave tocaba la batería. Todo pasó al mismo tiempo, finales de los 90, principios de 2000. Mucho antes de la introducción de Nirvana al Rock And Roll Hall Of Fame. En esa época Courtney y Dave se llevaban muy mal, así que me sentía como una especie de agente doble (risas)”. Aparte de Nirvana, ¿aprecia-

“CON STONE TEMPLE PILOTS LLEGAMOS A TOCAR EN ESPAÑA, Y FUERON UNOS DE NUESTROS MEJORES CONCIERTOS” STEVE MCDONALD

bas el grunge? Soundgarden, por ejemplo.

“Me gustan, tenían buenas canciones. Con Stone Temple Pilots llegamos a tocar en España, y fueron unos de nuestros mejores conciertos. Hay varias bandas que no fueron tan conocidas pero fueron importantes para el movimiento grunge, como Mudhoney y The Fastbacks”. Scott Weiland era fan de vuestra música.

“Oh sí, Scott era un gran fan nuestro, fue muy elogioso con nosotros, muy dulce. Es una pena la forma en que se fue”.

noches, en Londres. Esto fue en 2008 y yo toqué en 13 de ellas. Una de esas noches, creo que durante la noche del disco Kimono My House, Joe Elliot vino, fuimos a tomar una cerveza y me dijo que era fan de Redd Kross. Que le encantaba el disco Phaseshifter. Por cierto, este álbum y Show World van a ser reeditados esta primavera, ambos por Third Man Records. Llevaremos copias a España, cuando vayamos. Pero a lo que iba: Joe y yo tomamos unas cervezas y en forma de broma planeamos consumir hongos alucinógenos. Fue muy divertido”. Cuando lo entrevisté me pareció

También me sorprendió que

gracioso que al preguntarle por

Joe Elliot de Def Leppard os

el glam, me dejó muy claro que

haya puesto en su programa

le mola el de los 70, pero que re-

de radio. ¿Sabíais que era fan

pudia el de los 80, el hair metal.

vuestro?

Y me viene a la mente cuando

“Sí. Cuando estaba tocando con Sparks, tocaron 21 álbumes en 21

produjisteis a The Donnas y os llevaron discos de Mötley Crüe…

“Me quedé desconcertado. Pero no sé, ellas eran más jóvenes. De todas maneras, debo decir que durante nuestra última gira, Jeff estuvo muy obsesionado con la primera época de Mötley Crüe. Se pasó la gira mirando vídeos suyos en YouTube”. ¡Nunca me hubiera imaginado a tu hermano escuchando esa banda! ¿Has visto el biopic que sacaron en Netflix? “Aún no lo he visto, debería hacerlo.

Lo que sé es que Mötley Crüe usa en la película el mismo bajo que yo uso ahora, y la gente cree que es una copia barata. Pero el mío es Epiphone The New Vintage Pro Edition, de la reedición Gibson Thunderbird. Y creo que Nikki Sixx usa el White Gibson Thunderbird. Yo uso el Epiphone porque me recuerda al bajo que usa Jackie Fox en la portada del disco en vivo de The Runaways, Live In Japan. Hay una cierta conexión 77

“KIM FOWLEY ERA UN PERVERTIDO, UN PERSONAJE HORROROSO QUE NOSOTROS DE ALGUNA MANERA HABÍAMOS IDEALIZADO SIN NINGÚN MOTIVO” STEVE MCDONALD

con Mötley Crüe porque ellos usan una versión de ese mismo bajo en la película. Pero quiero dejar bien en claro para la gente de España que yo uso ese bajo porque amo a Jackie Fox, no por Nikki Sixx (risas)”. Me encantan The Runaways… así que dejemos a tu hermano lo de Mötley Crüe…

“(Risas) Son una buena banda, pero no es lo mío”. Ah, se me olvidó preguntarte por el incidente con Kim Fowley en una película que hicisteis,

Desperate Teenage Lovedolls.

“Cuando originalmente hicimos esa película, el director David Markey no entendía muy bien sobre derechos de autor, así que usó la música de The Runaways en el film. De hecho, el título original era Desperate Teenage Runaways. Pero no era un documental sobre ellas, sólo estaba haciendo uso de su música. Nosotros teníamos nuestra propia historia. Entonces Kim apareció en 78

el primer estreno, que se hizo en un pequeño club de Los Ángeles. Estaba muy enojado y pensó que mi personaje, el mánager Johnny Tremaine, estaba inspirado en él y en su historia. Entonces nos dijo que nos iba a quemar el club, al estilo Leonardo DiCaprio en esa escena de Érase Una Vez En… Hollywood (risas). También nos dijo que si Joan Jett estaba allí, nos iba a patear el trasero. Así que le dimos a todo la vuelta. Grabamos nuevas canciones, lo que deberíamos haber hecho primero. Y creamos las Lovedolls. Ése era el nombre de la banda en la película. Kim era un pervertido, un personaje horroroso que nosotros de alguna manera habíamos idealizado sin ningún motivo”. Para terminar, he visto ya el tráiler del documental sobre el grupo, Born Innocent, que todavía está por terminar. ¿Qué puedes avanzarnos sobre él?

“El documental va bien, creo que van a filmar algo durante el show

por el 40 aniversario y espero que con eso terminen el rodaje. Pero ha sido genial, es algo loco, una experiencia extraña para mí, porque me pregunto si mi vida es lo suficientemente extraordinaria como para hacer una película sobre ella. Pero de alguna manera nos han elegido y es un proyecto hecho con pasión, con mucha energía. A veces siento que soy demasiado joven para esto, pero a la vez siento que es un desafío porque hemos hecho como seis horas de entrevistas en un sofá. Jeff y yo hicimos varias de ellas. Es como hacer terapia, como todas esas preguntas existenciales del tipo ‘¿Eres feliz? ¿Tu trabajo ha valido la pena? ¿Por qué hiciste lo que hiciste?’ (Risas). Y todo esto con tu hermano sentado al lado, frente a una cámara. Espero que sepan cómo contar nuestra historia”.

HABITAR LA MAR

TARA SONORO TRES LANZAMIENTOS EN APENAS AÑO Y MEDIO. LA LOCOMOTORA CONDUCIDA POR HABITAR LA MAR NO ECHA EL FRENO Y POR DONDE PASA SU NOISE ROCK LA HIERBA NO VUELVE A CRECER. COMEDIA YOICA ARROJA MÁS COMBUSTIBLE A UNA MAQUINARIA HECHA PARA REVENTAR TÍMPANOS Y NEURONAS A PARTES IGUALES. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ANTONIO DE LA RUBIA

UANDO ESCUCHO ALGUNO DE LOS TRABAJOS DE HABITAR LA MAR , suelo visualizar la imagen

de un gamberrete llamando al timbre de tu casa para dejar un petardo con la mecha encendida. Cuando abres la puerta y todavía estás intentando asimilar la situación, el tío ya se ha largado corriendo a por más munición. Algo así es como lleva funcionando desde 2018 este combo afincado en su mayoría en Jaén con miembros de El Gran Oso Blanco,

y Víctor Díaz ‘Cubi’ (bajo), Habitar La Mar es una bestia que, aunque parece tener clara la dirección a seguir, todavía está por desarrollar todo su potencial. De ello da buena cuenta su tercera y por el momento última referencia, Comedia Yoica (coeditada por toda una legión de sellos independientes como The Braves, Spinda, Odio Sonoro, Violence In The Veins, Nooirax, Fuzz T-Shirts, Monasterio De Cultura, Gato Encerrado, Bandera Negra, Long Live, Quebranta, Kill Vinyl y BORX), donde los andaluces se adentran en terrenos más tenebrosos con sorprendentes novedades. Por supuesto, su siguiente acto vandálico ya se está cocinando en la sombra. El mal no descansa, y ellos tampoco. Tercer trabajo ya en poco más de año y medio. Habéis pillado una velocidad de crucero en lo

temas los escuchamos y hacemos una selección de lo que realmente nos gusta y consideramos que será divertido tocar en directo. Esto es una cosa que siempre tenemos en mente, ya que es donde al final los tocaremos una y otra vez y donde mejor lo tenemos que pasar. Una vez tenemos esto, los llevamos al ensayo donde entre todos ya vamos afinando detalles y cambiando cosas si es necesario”. KANTZ “También es cierto que no funcionamos como otras bandas en las que hemos estado, que cuando estamos en un proceso creativo pasamos las semanas en el estudio trabajando ideas día tras día. No es quedar un par de veces a la semana para ensayar en el local. Hablamos de estar ahí todos los días como si hubiera que fichar, sólo que por gusto. Tener estudio en casa es una ventaja y la verdad es que, en nuestro caso, se le saca jugo”.

creativo realmente increíble.

Xkrude o Delobos entre otros grupos. Su propuesta de noise rock retorcido en la onda de Metz e Idles suele ser entregado en pequeñas raciones de impacto inmediato. Contra todo pronóstico, lo que en un primer momento parecía la enésima banda paralela para muchos de sus integrantes, ha acabado por consolidarse como uno de los nombres más activos de nuestra geografía. Y es que como nos cuentan Kantz (voz), Kike Gutiérrez (guitarra), Frego (guitarra), Paco Reig (batería)

¿Cómo funciona el proceso?

A pesar de que Comedia Yoica

¿Le dais muchas vueltas a las

es el tercero en la cuenta, todas

canciones o todo surge de la

vuestras referencias son muy

espontaneidad del momento?

breves. No sé si clasificarlas

KIKE GUTIÉRREZ “Intentamos que

como EPs incluso. ¿Os gusta que

el proceso no pierda frescura. Frego y yo solemos escupir primeras ideas y darle un poco de forma. Seguidamente se las mandamos a Kantz para que ponga la voz. Si vemos que el tema realmente nos encaja, entonces se queda para trabajarlo más. Si no, va a la basura y a por otra idea. Una vez está la cosa encauzada los trabajamos con Paco y Cubi”. FREGO “Es así. Funcionamos de una forma, digamos, impulsiva e intensiva durante un mes o dos. De ahí van saliendo ideas, estructuras, conceptos... Cuando tenemos alrededor de diez

la banda funcione así? Supongo que eso también da pie a tener material nuevo cada poco tiempo… KANTZ “Quizás por cómo son

nuestras vidas y la manera en la que nos planteamos nosotros hacer música, condiciona un poco que lo que vamos haciendo termine en un determinado formato. Aunque si te fijas empezamos con cinco temas, después fueron seis, y ahora siete. En un par de trabajos más tenemos el doble LP (risas)”. KIKE “La verdad que nos da un 81

poco igual el formato en sí, si es un LP o si es un EP... Lo que queremos es que la música esté ahí fuera y no en los discos duros de los estudios de grabación. Pero sí nos gusta que la banda funcione sacando el material que tenga y no prolongando eternamente las producciones”. FREGO “Tras la corta experiencia que llevamos con esta banda hemos comprobado que esos tiempos son los que nos funcionan antes de que la cosa se empiece a volver un poco cansina y menos disfrutable. Lo hacemos para pasarlo bien y no queremos meternos en procesos eternos. La verdad que nos enteramos de lo que dura el trabajo completo cuando tenemos que enviarlo a mastering. El formato no es una cosa que nos obsesione y tampoco queremos meter material de relleno porque sí. Como decimos en ‘La Tara’, ‘el tic-tac dicta...’”.

do sonidos y definiendo a dónde va cada aspecto, ya no por cómo llegará afuera si no por la propia satisfacción de haber encontrado lo que estábamos buscando”. FREGO “Al final todo se va puliendo en varias pasadas. Siempre hacemos unas demos en plan bruto antes de grabar que nos sirven como un borrador, tanto para la música como el sonido, efectos e incluso la imagen. El sonido crudo es una cosa que realmente siempre buscamos conseguir porque para nosotros realmente refleja lo que es la banda en directo. Nos gusta que si alguien ha escuchado el disco y va a un concierto perciba la misma propuesta”. Esta vez habéis hecho una especie de Frankenstein en la grabación. La base rítmica fue registrada en el OVNI Estudio de Pablo de Desakato, en Asturias,

Vuestro sonido tiene una base

y el resto en vuestra casa Black

de noise rock muy caótica, pero

Bunker Records con Gonzalo

la realidad es que sacar ese

Presa controlando todos los

sonido tan crudo y bestia en el

detalles. ¿Por qué hacerlo así?

estudio debe tener su trabajo.

¿Cómo ha sido este proceso en

¿Es algo que cuidáis mucho?

comparación a los de La Deriva

KIKE “Sí, nos gusta cuidarlo bastan-

y Realismo Histérico?

te. La verdad es que nos mola cuidar cualquier aspecto de la banda: sonido, artwork, visuales… Trabajar rápido no quiere decir trabajar mal. Yo tengo un estudio de grabación, Frego es diseñador de sonido y Kantz diseñador gráfico. Así que, por defecto, al final somos unos freaks de todo esto”. KANTZ “La música que estamos haciendo es relativamente simple, pero la manera en la que se construye el ente tiene mucho trabajo y muchas capas detrás. Horas y horas proban-

KIKE “Esta vez queríamos contar con

una sala más grande de grabación para las baterías, para poder capturar la reverb natural de un espacio grande. Así que OVNI Estudio era perfecto para eso. Aprovechamos que nos dio tiempo para grabar los bajos también. Luego hicimos el resto en mi estudio, Black Bunker Records, y acomodamos todo a ese espacio traído de Asturias”. KANTZ “El propio concepto que estábamos dando al disco nos empujaba a hacer algo así. Hemos pen-

sado en la reverberación como un elemento que coexiste como la voz de la misma banda. De hecho, en la parte visual del álbum se representan figuras que muestran el comportamiento del sonido en una habitación como la sala de OVNI Estudio. Nos hemos vuelto un poco locos con el tema de que todo tuviera un sentido y la verdad es que nos ha llevado a buen puerto. Ahora mismo estamos convencidos de que dejamos en manos de quien lo escuche algo con contenido”. FREGO “Creo que también ha sido

“TODAVÍA ESTAMOS DESCUBRIENDO NOSOTROS MISMOS QUÉ ES HABITAR LA MAR. SABEMOS QUÉ ES EN FONDO, PERO EN FORMA, AÚN NOS QUEDA MUCHO POR RASCAR” KANTZ

por una cuestión de salir un poco de nuestra zona segura. Ir fuera a grabar te hace esforzarte más porque el tiempo corre en tu contra. Paco y Cubi hicieron un trabajo increíble llevando los temas súper currados al estudio, por lo que tuvimos tiempo hasta de disfrutar del paisaje”. Estilísticamente, Comedia Yoica sigue esa senda que ya habíamos visto anteriormente, pero también hay ejercicios que se abren a la experimentación, más oscuros y pesados. ¿Os

apetecía enseñar otra cara de Habitar La Mar? Que no todo fuese cera y zapatilla, vaya… FREGO “Al final el estilo en el que

nos movemos da bastante juego para probar muchas cosas. En ese sentido Comedia Yoica creo que mantiene el espíritu directo e incisivo que hemos venido desarrollando, añadiendo detalles más experimentales como comentas, producto de cacharrear más con lo que tenemos e intentar explotarlo de distintas formas”. KANTZ “Creo que al final no es otra cara, si no que todavía estamos

mostrando las diferentes partes de una enorme cara. Como bien decías, en muy poco tiempo hemos lanzado tres trabajos y todavía estamos descubriendo nosotros mismos qué es Habitar La Mar. Sabemos qué es en fondo, pero en forma, aún nos queda mucho por rascar”. En ‘Fantasmas’ aparece la voz de Anxela de Bala y en ‘Caos’, la de Donna Diane de los americanos Djunah. ¿Cómo surgieron ambas colaboraciones? ¿Qué es lo que queríais de cada una de ellas?

“A VECES ACEPTARTE A TI MISMO TE ENSEÑA QUE LA MEJOR MANERA DE SER ES DEJAR DE PRETENDER Y LIMITARTE SÓLO A SER. CUANDO LLEGAS A ESTE PUNTO, LA ESCRITURA ES AUTOMÁTICA” KANTZ

KIKE “La verdad es que esta vez ha

surgido así; no sé cómo será en el siguiente. Nos movemos por lo que nos vaya apeteciendo en el momento. Es cierto que hay temas como ‘Caos’ que son más oscuros, pero también otros como ‘Arsonista De Mí’ que recuerdan a los anteriores trabajos. Creo que en este disco hay una mezcla de los dos anteriores. Respecto a Anxela era una idea que nos rondaba la cabeza porque Bala es una banda que admiramos muchísimo y nos encanta. Se lo propusimos a través de Unai García y fueron todo facilidades por su parte. Es una crack. Con Donna fue otro pelotazo para nosotros. Conocimos Djunah por Kantz y es un grupo que ahora escucho bastante. Habló con Donna y también salió adelante. Igualmente, en cuanto nos pasó la pista, flipamos. Son dos artistas que queríamos que estuvie-

ran presentes en este trabajo. Así pudo ser y damos gracias por ello”. KANTZ “Te alabamos, óyenos. Anxela es una fiera. Tiene actitud, fuerza y una voz que te deja claro tu sitio. Y Donna ni te voy a contar. Básicamente quiero ser ella. Dos voces que imaginamos en esos temas y no podemos estar más contentos con el resultado”. Precisamente estaba pensando que una gira conjunta con Bala sería fantástica. Sé que todos en el grupo tenéis relación con muchísimas bandas a lo largo y ancho del Estado, pero ¿hay alguna en especial con quien sintáis cierta afinidad en cuanto a lo que hacéis musicalmente o es algo que no os preocupa demasiado? KIKE “Hombre, ya te digo que poder

hacer una gira con Bala para nosotros sería una auténtica pasada. No conozco a Anxela personalmente, pero hemos hablado bastante por WhatsApp y parece ser una tía cojonuda. La admiro y sería estupendo”. KANTZ “Efectivamente y sí, sería bastante pepino algo así. Pero por ahora nos conformamos con que algún día podamos hacer el tema juntos en directo. Respecto a las bandas con las que sentimos afinidad, siempre las hay, por supuesto. Algunas veces por amistad, por conexión, y otras por la parte musical. En el caso de The Wax, por ejemplo, de una pasó a la otra. Una banda con una energía imponente. Así como Sudestada, Virgen o incluso gente de otras escenas como Nitro Pollo o Idiacanthus. Nos sentimos cercanos en lo musical a Gentemayor, Lisabö,

Cuchillo De Fuego, Tano!, Serpent... Podríamos hacer una lista inmensa y aun así hay quien no encontraría ninguna afinidad entre nosotros. Al final creo que la música en sí es lo que une, el interés por ella. La que no suena en la radio, claro”. Kantz, en Habitar La Mar estás cantando distinto a como lo solías hacer en los otros grupos en los que has estado. Usas una manera de interpretar más, no sé si llamarla así, vaga o descuidada, que sin embargo casa muy bien con ese sonido tan

más grande, y así es como intento que mi voz forme parte de las macedonias en las que me enrolo. En el caso de Habitar La Mar, donde los ritmos machacan, hay disonancias y ruido, trato de integrarme creando voces más percusivas, menos melódicas... Por eso quizás mucha gente se ha referido a ello como rapeos, aunque tampoco está muy alejado. En las letras de Habitar La Mar, muchos artistas que he escuchado y sigo escuchando encontrarán referencias y pequeños homenajes. Como dice Sagan, ‘Les dejo frases por si pulsan el play’”.

caótico y hasta desquiciado.

canción. Yo soy un nostálgico, pero a la vez un mala hostia, un tarado. A veces aceptarte a ti mismo te enseña que la mejor manera de ser es dejar de pretender y limitarte sólo a ser. Cuando llegas a este punto, la escritura es automática. Como ahora que he soltado un truño que nadie va a leer y si lo has hecho y me estás leyendo ahora mismo, te saludo: ‘Hola, ya estás en la secta’”. Teniendo en cuenta el ritmo que ha pillado el grupo, ¿tenéis ya en mente el siguiente asalto? No sé si vuestra intención es la de sacar al menos una referencia al año,

¿Cómo se te ocurrió empezar a

Comedia Yoica es un álbum que

aunque sea muy cortita.

usar ese registro?

versa sobre el concepto del ego

KIKE “Pues la verdad es que ya te-

KANTZ “Bueno, en realidad creo

en diferentes vertientes. Ya en

que todas las otras bandas en las que he estado han tenido su propio registro en cuanto a la lírica. Siendo la misma persona la que canta, lógicamente hay algo que las une. Pero si escuchas Delobos, poco tiene que ver con De La Cuna A La Tumba, por ejemplo, o Tenpel con Coilbox. Sí que es cierto que Habitar La Mar quizá es el proyecto más arriesgado para mí, pero también donde me estoy desenvolviendo en territorios que siempre he querido explorar. Y eso me interesa más que hacer lo que sé que, a la gente que suele seguir mis pasos, le va a gustar. Siempre he dicho que antes que para los demás, la música que hago la hago primero para mí, y esto no ha cambiado. No rindo cuentas a nadie y no tengo que ceñirme a nada. Así que simplemente dejo salir lo que la música me hace sacar. Creo que lo que hace que algo brille es cuando todos los elementos se mimetizan y forman algo

Realismo Histérico también se

nemos en mente sacar cosas nuevas. Estamos siempre frikeando con ideas, así que seguro que pronto habrá más novedades. La intención siempre será ésa. En cuanto tengamos temas que nos gusten, grabarlos y editarlos”. KANTZ “Como dice Kike, siempre estamos con ideas en la cabeza. De repente un día tienen forma y nos ponemos manos a la obra. Cuando sacamos Realismo Histérico ya estábamos trabajando en Comedia Yoica. Que tampoco es ninguna proeza, pero sí nuestra forma de currar. Ese doble LP que te decía al principio no va a hacerse solo (risas)”. FREGO “Algo hay. Nos atrae especialmente alguna propuesta para un split con bandas nacionales que nos flipan y que ojalá pueda materializarse pronto”.

apreciaban esos textos con una visión muy ácida y hasta sarcástica de la personalidad del ser humano. ¿De dónde os viene la inspiración para escribir las letras? KANTZ “La inspiración llega de vi-

vir, de estar vivo en un mundo como éste, de leer las noticias cada día, de compartir cosas muy profundas con personas que sólo rascan la superficie, de quedarte callado en una discusión que no avanza o de acabar dándote cabezazos contra una pared, de las pastillas para la tos o para la ansiedad. La inspiración llega a través de las experiencias. ¿Cómo puedo hablar de la vista desde la cima del Fuji si yo no he estado allí? A veces uno vive cosas maravillosas y otras veces cosas muy desagradables. Sólo tu estado de ánimo es el que determinará cuál de las dos escogerás para escribir una

LUCIFER

LUNA DE HIEL

SUELE DECIRSE QUE COMPARTIR TRABAJO CON TU PAREJA NO ES UNA BUENA IDEA. PERO ÉSE NO PARECE SER EL CASO DE JOHANNA SADONIS Y NICKE ANDERSSON, Y ESO QUE, COMO TODO MÚSICO SABE, CUALQUIER GRUPO ACABA SIENDO UNA FUENTE DE TENSIONES. EN LUCIFER III TENEMOS LA PRUEBA DE QUE EL IDILIO CONTINÚA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ETRÁS DE TODO GRAN HOMBRE HAY UNA GRAN MUJER. En el caso

de Lucifer, podríamos decir también lo contrario. Desde que Johanna Sadonis contactara con Nicke Andersson para que le ayudase a componer el segundo disco de Lucifer a finales de 2016, tras la salida del guitarrista Gazz Jennings (Cathedral), la relación entre ambos se estrechó tanto que acabaron casándose. Si bien aquí Andersson deja la guitarra para ocuparse de la batería, como en Entombed, está claro que su rol es mucho más importante que el de un simple instrumentista. De hecho, en su segundo álbum Lucifer II, el líder de Hellacopters e Imperial State Electric se encargó de grabar todos los instrumentos, a excepción de algunas guitarras. Sin embargo, para su tercer trabajo, que publicará Century Media el 20 de marzo, la pareja ha contado con las aportaciones de su banda de directo, el bajista Harald Göthblad y los guitarristas Martin Nordin y Linus Björklund. Quizá por eso Lucifer III suena más a Lucifer y menos como un proyecto más de Andersson. Hace unos días teníamos la oportunidad de charlar con el feliz y rockero matrimonio para que nos contaran cómo afrontan este nuevo ciclo que ahora empieza.

amigos, a pareja, a estar casa-

NICKE “Además es raro porque para

dos… ¿Se hace complicado eso

Johanna es el tercer disco, pero para mí es el segundo. No pensé en nada más que en que estaba muy ilusionado con hacerlo”. JOHANNA “Creo que es más cosas de los demás decir si éste es nuestro mejor disco”.

con tocar juntos en el mismo grupo? NICKE ANDERSSON “Creo que

lo único complicado es que estamos muy ocupados porque lo hacemos todo nosotros. Pero eso no tiene nada que ver con estar casados”. JOHANNA SADONIS “Lo bueno es que al menos el tiempo en el que estamos ocupados, lo pasamos juntos. Lo que me gustaría es tener más tiempo libre para disfrutarlo como pareja (risas). Por ejemplo, todavía no hemos podido ir de luna de miel. Y llevamos casados un año y medio. No hemos podido irnos a la playa a relajarnos (risas)”. NICKE “Alguna gente me dice ‘oh, pero cuando vais de gira es como ir de luna de miel’. ¡No, no lo es! (Risas) ¡Eso es trabajo!”. JOHANNA “No quiero pasar mi luna de miel en una furgoneta. Ni hablar (risas)”. NICKE “¿Con el guitarrista tirándose pedos? No es mi idea de una luna de miel. Pero la haremos algún día”.

¿Cuál fue el primer tema que escribisteis para este álbum? JOHANNA “‘Ghosts’, el tema que

abre el disco”. Y enseguida pensasteis que podía ser el inicio de algo… NICKE “Cuando terminamos el tema,

hicimos una maqueta y nos sonaba muy bien. Por eso la incorporamos enseguida al repertorio de nuestros conciertos”. JOHANNA “Sí, llevamos tocándola desde hace un año. No es fácil tocar un tema desconocido para el público porque la gente suele aburrirse con algo que no le es familiar, pero la energía de este tema era muy buena y la mantuvimos. También ése fue el motivo por la que la lanzamos como primer single”.

El tercer disco siempre es muy importante para una banda.

De hecho, todo el disco suena

Todos lo son, pero en el tercero

como si pudiese ser el set de un

parece que es donde se conso-

concierto. ¿Lo concebisteis así?

lida la identidad de un grupo.

NICKE “Me alegro de que suene así,

¿Creéis que os jugabais más en

pero no lo tuvimos en mente (risas)”. JOHANNA “La verdad es que no pensamos así. Cuando componemos seguimos nuestro corazón. Pensamos

Lucifer III? ¿Cómo habéis vivido la evolu-

JOHANNA “No. Eso nos hubiera

ción de vuestra relación? De

puesto demasiada presión”.

más en lo que el álbum necesita. Si tenemos dos temas más melancólicos, pensamos que igual hay que equilibrarlo con otro más rock o algo más doom…”. NICKE “Nosotros somos fans de los discos y nuestro principal objetivo es siempre hacer un gran disco. Queremos que haya variedad y que sea dinámico, como nuestros álbumes favoritos. Pero al final dejamos que la música nos guíe”.

más rock. JOHANNA “No creo que fuera por

hasta que la conocí a ella!”. JOHANNA “Y ahora no le queda más remedio que hacerlo a todas horas (risas)”. NICKE “Definitivamente es un ingrediente que está ahí. Cuando a veces nos piden que describamos al grupo digo que sonamos como un cruce entre Pentagram y Fleetwood Mac. Pero también somos grandes fans de Black Sabbath, y Black Sabbath no eran sólo doom. También nos fijamos en la parte pop de Sabbath”.

ellos. Empezamos a grabarlo a principios de otoño. Tenemos nuestro propio estudio, así que fuimos grabando canciones sueltas durante un par de meses”.

influencia de Nicke. Me gustaría darme un poco de crédito. Mi idea para el sonido de Lucifer era más parecido al del segundo disco. En el primer álbum tuve como compañero de composición a Gazz Jennings y eso hizo que fuera más doom de lo que yo hubiera querido. Así que cuando Nicke y yo empezamos a componer, me alegró mucho porque se acercaba más a lo que yo quería. De hecho, yo le dije de subir la afinación de las guitarras y fue Nicke quien me dijo ‘no, no, vamos a mantenerlas graves’”. NICKE “Sí, creo que forma parte del sonido del grupo. Quizá si no hubiera sido por mí, el segundo disco todavía hubiera sonado más distinto”.

Nicke, ¿te costó mantenerte al

En el álbum hay un tema lla-

margen y grabar sólo las bate-

mado ‘Lucifer’. ¿Queríais tener

rías? O estabas ahí incordiando.

vuestro propio himno como Iron

NICKE “Bueno, cuando compongo

Maiden?

me imagino cómo deben sonar todos los instrumentos, lo cual puede ser algo bueno o malo. Deberías preguntárselo al resto del grupo (risas). La realidad es que tengo un montón de ideas y les hago muchas sugerencias de lo que deberían tocar. No puedo evitarlo. Y creo que Johanna es igual en eso. Los dos tenemos una visión muy clara de hacia dónde hay que ir. Sé que a veces puede ser frustrante para el resto, pero las cosas son así (risas)”.

JOHANNA “Exacto. Ésa era la idea.

Johanna, ¿a la hora de hacer

Ya era hora de tener una canción sobre Lucifer. La tocamos en nuestra última gira americana y a la gente le gustó mucho. Creo que a partir de ahora siempre la tocaremos en directo”.

las letras también intentas ceñir-

¿Cuándo lo grabasteis? ¿Y participó el resto de la banda? NICKE “(Risas) Sí, lo hicimos con

En los temas lentos me parece que hay una influencia muy presente de los Fleetwood Mac de los 70. ¿Es una banda que os guste? JOHANNA “A mí me encantan Fleet-

En Lucifer II creo que se notó mucho la entrada de Nicke, pero en este diría que es más un punto medio entre el primero, más doom, y el segundo,

wood Mac. Me gusta la etapa de Peter Green, pero sobre todo a partir de cuando entró Stevie Nicks. Nicke creo que no tanto”. NICKE “¡Yo no los había escuchado

Supongo que al final la música de cualquier grupo no deja de ser un reflejo de su colección de discos. NICKE “Sí, así es. Pero cuando entré

en Lucifer me di cuenta que es importante que un grupo tenga una fórmula. Y me gusta que sea así. De otra manera, sería demasiado ecléctico. Somos una banda de heavy rock y nos ceñimos a eso”.

te a eso? JOHANNA “Siempre utilizo las

letras para hablar de cosas personales. Este disco es más personal. ‘Cemetery Eyes’, por ejemplo, habla de mi mejor amigo. Pero también hay una canción, ‘Flanked By Snakes’, sobre la cocaína, porque no la teníamos y ya era hora (risas). También hay otras más enfocadas al terror porque quería devolverle a la banda un punto oscuro, y es algo que nos gusta tanto a Nicke como a mí. La inspiración siempre es una mezcla de cosas personales, discos, libros, magia, historias de terror… todas las cosas que me obsesionan”.

“EL PRINCIPAL OBJETIVO ES QUE EN DOS AÑOS GHOST ESTÉN ABRIENDO PARA LUCIFER (RISAS). NO CREO QUE OCURRA, PERO COSAS MÁS RARAS SE HAN VISTO” NICKE ANDERSSON

De los conciertos que hayáis

NICKE “Bueno, he visto a grupos

vuestra música y le gusta, se-

dado juntos, ¿hay alguno que

mucho peores que el nuestro hacerse enormes (risas)”. JOHANNA “La verdad es que no pensamos en eso. Hacemos la música que queremos y si a la gente le gusta, genial. Por supuesto que me gustaría poder seguir haciendo esto en mejores condiciones, pero para que eso pase la gente tiene que comprar los discos y venir a los conciertos. Odiaría tener que volver a tener un trabajo normal. Pero no depende de nosotros. Sólo quiero tocar y grabar más discos. Nicke tiene muchas más opciones, pero yo no (risas)”. NICKE “El principal objetivo es que en dos años Ghost estén abriendo para Lucifer (risas). No creo que ocurra, pero cosas más raras se han visto”.

guramente os seguirá durante

recordéis por algo en especial? JOHANNA “Hay unos cuantos.

Hemos tocado en Japón un par de veces. El Kiss Kruise fue genial”. NICKE “Sí, el Kiss Kruise estuvo muy bien. También tocamos en el festival Psycho Las Vegas a 43 grados. Fue algo totalmente distinto a cualquier otra cosa. Pero también hemos tocado en sitios muy pequeños que molan mucho”. JOHANNA “Creo que estamos en una posición en la que podemos tocar en un gran festival y luego en un bar muy pequeño en América. Cada show es diferente, pero eso lo hace diferente”.

mucho tiempo. No os veo como una banda que se ponga de moda y luego desaparezca. NICKE “Eso es bonito por tu parte.

Desde luego no seguimos ninguna moda”. JOHANNA “Sí, no hacemos nada nuevo. No estamos inventando la rueda, lo sabemos. Pero si hacemos buenas canciones que resulten atractivas a la gente, con eso es suficiente. Ahora estamos planeando la próxima gira y queremos pasar por España, así que espero que nos ayude a darnos a conocer más”.

¿Pero os imagináis a Lucifer creciendo tanto como Ghost, por

A favor vuestro hay que de-

ejemplo?

cir que la gente que llega a

OPINIÓN

TOI’S IN THE ATTIC - LA COLUMNA DE TOI BROWNSTONE

LOS 50 AÑOS DE BLACK SABBATH

ola amigos! Creo que ya ha quedado más que demostrado que llevo unos cuantos años pensando que el tiempo se me escapa de las manos y que todo es efímero. El disco que antes digeríamos y disfrutábamos lentamente, ahora puede reducirse a escasas escuchas en Spotify, o incluso a un par de singles escuchados en bucle durante un mes, y quedar arrinconado en el olvido ante la ilusión de descubrir la siguiente novedad, y así sucesivamente. El esfuerzo y el talento compositivo queda devaluado de alguna manera, y ahora el músico, o compone canciones como pipas, o de lo contrario está muerto. La calidad baja en favor de la cantidad, y al final consumimos sin disfrutar. Pues llevo dándole vueltas a esto una vez más con motivo del 50 cumpleaños del disco debut de Black Sabbath. Un disco mayúsculo, que no dejaré de elogiar y disfrutar nunca, cuya primera escucha, a

mis 17 años, me dio un bofetón en la cara mientras una voz en mi cabeza repetía: “¡Esto es lo tuyo, maja!”. No lo confirmo yo, sino los sabios celestiales -esos que ponen los puntos sobre las íes en cuestiones musicales- quienes hablan de Black Sabbath como pilar fundamental y punto de partida de la historia del heavy metal. Un disco oscuro, con riffs pesados y perturbadores, y letras aterradoras y diabólicas, acompañados por la irritante voz del Madman. Todo esto que ahora es tan inherente al género, en el año 1970 era novedoso y escandaloso, creando ya mucho rechazo por su inaccesibilidad ¿os lo podéis creer?¡Claro que sí! Porque este rechazo sigue siendo vigente, aunque Ozzy sea multimillonario y siga sacando discos 50 años después. Así que celebremos los riffs, las cruces invertidas y las portadas con mujeres misteriosas y ¡VIVA BLACK SABBATH!

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Somewhere In Time de Iron Maiden. Powerslave de Maiden entró en mi Hall Of Fame durante el primer año de mi colaboración con RockZone. Está en mi top 20… bueno, en mi top 10 de discos favoritos de todos los tiempos. Va pasando el tiempo, pero no ha envejecido, y sigue tan fresco como cuando lo escuché siendo un pequeño mocoso. Pero Iron Maiden no se convirtieron en un fenómeno mundial con un solo álbum. Habla con diez fans de ellos y tendrás diez playlists diferentes con sus canciones favoritas. Su discografía es extensa, amplia y exitosa. Para mí, sus mejores años son los que van desde los inicios con Di’Anno hasta este álbum, Somewhere In Time. Por entonces, Bruce Dickinson ya se había acoplado totalmente a su sonido, lo cual dice mucho de él teniendo en cuenta lo bueno que era Paul Di’Anno como vocalista. Dickinson no sólo consiguió igualar a su antecesor, sino que lo usurpó. Se puede decir que junto al ataque de guitarras gemelas, el bajo galopante de Harris o la imaginería de Eddie, la voz de Dickinson es parte del sello Maiden. Sabiendo que Powerslave es uno de mis discos favoritos de todos los 92

tiempos, su sucesor realmente no tenía ninguna oportunidad. Llegué a estar tremendamente decepcionado con Somewhere In Time. Canciones como ‘Alexander The Great’ o ‘The Loneliness Of The Long Distance Runner’ eran pálidas continuaciones de ‘The Rime Of The Ancient Mariner’ y ‘Powerslave’. Además, no tenían el tinte diabólico de aquéllas. Por ejemplo, ‘Powerslave’ empezaba con la frase “Into the abyss I fall, the eye of Horus” y ahora Dickinson… ¿Parecía estar hablando sobre correr una maratón? ZZZzzzZZZ… Después del año agotador girando con Powerslave, la banda estaba quemada y buscando un cambio de dirección. El ángulo futurista de Somewhere In Time proporcionó la suficiente permuta tanto visual como sonora. En la portada del álbum, Eddie salía caracterizado como un cazarrecompensas del futuro y la tipografía del título del álbum estaba hecha con letras de reloj digital (eso era todo lo futurista que se podía ser en 1986). En el vinilo, el sonido de Maiden se pulió un poco, hasta el punto

de ser casi estéril. Esto se debe a la inclusión de sintetizadores en casi cada tema del álbum, excepto ‘Stranger In A Strange Land’. Mientras bandas como Judas Priest, que habían editado Turbo tan sólo unos meses antes, recibieron un varapalo en el mundo del metal por usar sintetizadores, Maiden supieron salir airosos del trance. Somewhere In Time fue doble platino, la primera vez que le sucedía al grupo. Debido a tener una pequeña colección de discos y la imperiosa necesidad de que me gustara lo que Iron Maiden consideraba que era valioso, escuché el álbum sin parar hasta que me acabó gustando. Incluso hoy, mientras me preparo para escribir esto, lo escuché de nuevo para asegurarme de que estaba en lo correcto sobre todo lo que quería decir, y me gustó todavía más. ¡Hasta el mes que viene!