RockZone 169 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: DR

Se está haciendo largo ya ¿no? Por segundo mes consecutivo hemos tenido que hacer la revista sin pisar la redacción ni habernos visto las caras, más allá de las cañas virtuales de los viernes (se necesita mucho más que un virus para jodernos eso). Aunque parece que en breve, al menos podremos salir a la calle, lo de poder asistir a un concierto en condiciones cada vez pinta más lejos. Por los globos sonda que van soltando desde las administraciones, se nota que no tienen ni idea de cómo funciona el negocio de la música. Lo cual hace sospechar que igual tampoco saben mucho de todo lo demás. Por suerte, discazos como el de Elder, a quienes colocamos en portada por primera vez, ayudan a que nos podamos evadir del resto. Enjoy!

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Refused (Gasteiz Calling) © Alex Belza

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 169

06 / OZZYO 08 / DE CINE 10 / FAKE NAMES 16 / LIHER 22 / UMBRA VITAE 28 / ENTER SHIKARI 34 / ELDER 42 / COBRA 46 / HEAVEN SHALL BURN 51 / DISCO DEL MES 52 / CRÍTICAS 68 / WHITE STONES 74 / BOSTON MANOR 78 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

OZZYO TODOS NAZIS Aleix Saló (RESERVOIR BOOKS)

El regreso de Saló tras siete años ausente en el mundo del cómic se produce con este ensayo sobre el auge del partido ultraderechista VOX y cuales han sido las estrategias de izquierdas y derechas a lo largo de los años en los que, desde el 15M, el statu quo de los grandes partidos se ha visto amenazado por la irrupción de nuevas fuerzas. Aleix reflexiona, además, sobre los sentidos actuales de la semántica que rodea a los conceptos fascista/nazi y traza el recorrido de esos términos en los casi últimos 20 años en España. SG LECTURAS A DOMICILIO VV.AA. (ASTIBERRI)

Como muchas editoriales que han parado la distribución de sus novedades, Astiberri se ha buscado la forma de mantenerse activa en los tiempos de confinamiento y primeras semanas de cuarentena. Sumándose al especial cariño con el que muchos creadores ofrecieron su trabajo gratis al comienzo de la cuarentena, la editorial ha ido preparando antologías de relatos cortos de autores y colaboradores de la casa. Por ahora son dos tomos, el verde y el naranja, de casi 200 páginas, a plena disposición gratuita para los lectores en descarga desde la web de la editorial. SG

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA

ALMA VAGABUNDA. LA VIDA DE CURTIS MAYFIELD Todd Mayfield (ES POP EDICIONES)

Puede que el calado popular de Curtis Mayfield esté algo por debajo de otras figuras claves de la música negra, pongamos a Stevie Wonder o Marvin Gaye, pero su influencia, incluso en la música popular, es infinitamente mayúscula. Curtis no sólo dejó en el camino una larga lista de canciones atemporales caso de ‘Superfly’, ‘Freddie’s Dead’ o ‘People Get Ready’, una de las composiciones más versionadas de la historia, que grabó junto a su primera banda, The Impressions, sino que fue todo un activista en favor de los derechos de los afroamericanos. Que su vida da para un libro, está fuera de toda duda. Lo que, a priori, podría resultar más complicado, era encontrar una voz autorizada para explicar una vida compleja y llena de matices. Y la respuesta viene de la mano Todd Mayfield, segundo hijo de Curtis, que ha tenido el valor de embarcarse a explicar la vida de su propio padre. Con esto en mente, se podría pensar que Alma Vagabunda ofrece una mirada amable y que apenas se profundiza en la capacidad del artista. Nada más lejos de la realidad. Una vez leído el libro, uno tiene la sensación que hubiese sido imposible de haber tenido un mejor narrador de lo que ha sido el propio Todd, dejando de lado sentimentalismos, que se los guarda para él, y dotando a todo de una objetividad digna de elogio. Una biografía por encima de la media. RR

MIL LOBOS David Braña y Óscar Bermejo (NOWEVOLUTION)

Para cuando se pueda empezar a visitar establecimientos , Mil lobos te espera en las librerías, ya que se distribuyó poco antes de los confinamientos. En este extensa obra de más de 120 páginas, David Braña, ya conocido en el mundillo por sus guiones, se une al debutante Óscar Bermejo en una aventura de fantasía heroica con animales antropomorfos, criaturas místicas, reinos y facciones enfrentadas en la linea de la literatura fantástica juvenil que no solemos ver con continuidad en formato cómic. SG EL VÍBORA VV.AA. (LA CÜPULA)

16 años después de su cierre, El Víbora, uno de los nombres más importantes del cómic underground en nuestro país, ha vuelto a la palestra en una versión online recopilatoria con algunos materiales extra e inéditos. La Cúpula ofrece, desde las primeras semanas de encierro, una entrega semanal que puede leerse gratis en su página web. Por ahora ya han publicado cositas de Bagge, Jaime Martín, Bagge, Miguel Angel Martín, Álvarez Rabo y muchas otras firmas asociadas a la cabecera. Esperamos que la iniciativa se alargue pasada la cuarenta. SG

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN BEASTIE BOYS STORY - RAP ENTRE AMIGOS

ace prácticamente una década que nos despedimos de la banda más molona que haya vivido la cultura pop. Ad-Rock y Mike D colgaron las botas cuando el bueno de MCA nos dejó por culpa del cáncer. Decisión automática, elegante, coherente. Ya no tenía sentido seguir sin su amigo. Había que decir adiós a los Beastie Boys. Pero en realidad, gracias a dios, sólo era un hasta pronto. Esta historia oral, más cercana a un especial de stand-up que a un documental convencional, que abarca 25 años de trayectoria profesional, pero casi 40 de amistad a prueba de bombas, es una de las cosas más entrañables, emotivas y lúcidas que verás este 2020, año nefasto para el consumo audiovisual de calidad. Las dos bestias supervivientes confirman cosas que sospechábamos, otras que dábamos por seguras y otras que jamás se nos habrían ocurrido. Sobre todo a quienes no han tenido la oportunidad de disfrutar del espectacular libro que presentaron hace un año. Esta versión dicharachera, registrada durante la última de las funciones en las que llenaron el King’s Theatre de Brooklyn, recoge durante poco menos de un par de horas toda la esencia

de una banda, de una gente, de unos colegas, que empezaron como espectadores de conciertos de los Bad Brains y terminaron siendo la gente más elegante que haya pisado Nueva York. Adam Horovitz y Mike Diamond nos llevan de la mano, con cariño, desde sus inicios adolescentes, distorsionando algún detalle sin importancia con la única excusa de hacer ambiente. Porque lo que cuentan es real. Es incluso más real que la vida misma, porque dicen que todo lo que rima es verdadero. Si eso es así, no hay nadie más auténtico que ellos. Ambos miembros se disculpan cuando toca y piden perdón con nombres y apellidos pero sin tampoco volverse locos. Que una cosa es reconocer que algunas líneas políticamente incorrectas (vistas HOY) no son muy afortunadas y otra muy distinta es andar dándose latigazos por haber escrito una canción como ‘Girls’. Con la ayuda de Spike Jonze, herramienta de la que siempre han dispuesto los neoyorquinos, con Jonah Hill en la producción y Bill Hader sonorizando un gag recurrente durante dos horas, Beastie Boys Story se guarda un par de sorpresas durante unos créditos finales que se antojan obligatorios. Sólo el director de Adaptation (El Ladrón De Orquídeas), compañero de fechorías de la banda y realizador del videoclip de ‘Sabotage’ (por poner un ejemplo) estaba capacitado para, a estas alturas de la vida, ofrecer una autopsia tan certera, humilde y amable. Mucho ojo con la actual faceta del cineasta como realizador de shows en directo. Lo que se intuía en Aziz Ansari: Right Now ya es una confirmación bestial aquí. Nada que no supiéramos ya, claro.

FAKE NAMES

DOBLE IDENTIDAD

POCAS VECES SE TIENE LA OPORTUNIDAD DE PODER CHARLAR CON DOS TIPOS COMO DENNIS DE REFUSED Y BRIAN BAKER DE BAD RELIGION. FAKE NAMES, SU NUEVA AVENTURA CONJUNTA, LO HIZO POSIBLE. SÓLO POR ESO, YA HABRÁ MERECIDO LA PENA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ODOS ESTAMOS YA UN POCO CANSADOS DE SUPERGRUPOS, pero Fake Names,

en el que coinciden Dennis Lyxzén (Refused), Brian Baker (Bad Religion, Dag Nasty, Minor Threat), Michael Hampton (S.O.A., Embrace) y Johnny Temple (Girls Against Boys, Soulside) bien merece ese calificativo. No es nada exagerado decir que, sin sus respectivas bandas, el punk y el hardcore serían muy distintos a como hoy los conocemos. Pero lo que hace de su primer disco -que Epitaph publicará el 8 de mayo- algo especial no es el enorme legado que acumulan sus miembros, sino la modestia de su planteamiento. De hecho, como nos cuentan, lo que escuchamos no es más que las maquetas que habían grabado para buscar un sello y que Brett Gurewitz tuvo el acierto de convencerles de que ‘eso’ era el disco. Seguramente la frescura y la urgencia y las pocas vueltas que le dieron era justo lo que necesitaban estas canciones,. Pero mejor que nos lo cuenten sus protagonistas, con quienes pudimos hablar a principios de abril. Brian, tú y Michael sois viejos amigos y los instigadores de esta banda. ¿Cuéntame cómo

que me interesé por el punk rock. Y luego, cuando empezó el hardcore, Michael y yo tocábamos siempre juntos. Minor Threat tocábamos con S.O.A., Dag Nasty tocamos con Embrace… Así que nuestra historia viene de muy lejos. Pero Michael llevaba veinte años sin tocar, y yo siempre había querido hacer algo juntos. Hace unos años me mudé a New Jersey, y Michael vive en Nueva York, así que estamos muy cerca. Empezamos a quedar más y empezamos a tocar otra vez. Fue una manera de volver a conectar como amigos y conseguir mi propósito de que volviera a tocar la guitarra, joder (risas). Quería que la gente viera lo bueno que es”. Así que fue como volver a tocar como niños, pero con 50 años. BRIAN “Sí (risas). Yo vivo en la pla-

ya, así que quedamos un día para trabajar, y luego se queda dos más porque le gusta estar aquí. Y a mí mujer no le importa (risas)”. Y Michael fue quien sugirió a Johnny, ¿verdad? BRIAN “Sí. Habían estado tocando

juntos y se lo comentó. Fue genial porque yo también conocía mucho a Johnny. De hecho, también fue a nuestra escuela (risas)”.

empezó todo? BRIAN BAKER “Michael y yo nos

Pues vaya escuela…

conocemos desde los 7 años. Íbamos a la misma escuela y a los dos nos regalaron una guitarra por Navidad en 1973. Ya tocábamos juntos de niños. Cuando íbamos a dormir uno a casa del otro, escribíamos canciones muy simples. Cuando el punk rock empezó en DC, Michael fue el primero en meterse. Él me descubrió a The Clash, a Sex Pistols… Es gracias a él

BRIAN “Sí, y es una escuela peque-

ña, no te creas. En nuestra promoción éramos unos 30, pero así salió. Pero Dennis no fue a nuestra escuela (risas). Es más joven y vive en Suecia”. Dennis, te entrevisté cuando Refused sacasteis un nuevo trabajo. Supongo que en ese momento no podías contarlo, pero

¿ya habías grabado el disco de Fake Names? DENNIS LYXZÉN “Sí, sí. Lleva bas-

tante tiempo grabado. Supongo que podría habértelo contado entonces, pero tenía la cabeza puesta en Refused. Fake Names se fue cociendo a fuego lento. Creo que ahora hará dos años de cuando ensayamos por primera vez”. ¿Cuál era tu relación con los otros miembros? ¿Conocías a Brian de haber coincido en festivales o así? DENNIS “En realidad no conocía

bien a ninguno. Conocí a Johnny, el bajista, porque mi otro grupo INVSN tocamos con Girls Against Boys hace como seis años en Copenhague. Estuvimos toda la noche hablando, es un tío muy majo. Con Brian me he cruzado un par de veces y le he saludado porque, joder, es Brian de Minor Threat (risas). Y a Michael le conocí en el Riot Fest cuando tocamos con Refused hace dos años y hablamos. De hecho, al día siguiente, Brian se me acercó y me dijo que tenían un proyecto nuevo y si quería ser el cantante, y dije que sí (risas). Me vieron con Refused y debieron pensar que era un cantante decente (risas). Me mandaron unas maquetas, grabé la voz en Suecia, se las mandé de vuelta y me dijeron ‘vente para aquí para ensayar’. Todos esos tíos forman parte de mi colección de discos, así que es un poco raro, pero cuando toqué con ellos todo fue muy natural, sin pretensiones. Si cuando tenía 15 años me hubieran dicho que a los 40 tendría un grupo con alguien de Minor Threat hubiera pensado que era imposible. Es todo bastante loco (risas)”.

“SI CUANDO TENÍA 15 AÑOS ME HUBIERAN DICHO QUE A LOS 40 TENDRÍA UN GRUPO CON ALGUIEN DE MINOR THREAT HUBIERA PENSADO QUE ERA IMPOSIBLE. ES TODO BASTANTE LOCO” DENNIS LYXZÉN

Por lo que cuentas, dijiste que sí sin haber escuchado ni una sola nota. ¿Qué hubiera pasado si te hubieran mandado algo que no te gustaba? DENNIS “Bueno, era Brian de Minor

Threat, Dag Nasty y Bad Religion (risas). No me importaba cómo sonara. Sólo quería estar en un grupo con

esta gente. Cuando me mandaron la maqueta me sorprendió, pero vi que podía hacerlo bien. Puede que la gente pensara que íbamos a hacer algo más hardcore, pero es más pop. Está más cerca de Dag Nasty o Embrace que de Minor Threat”. Brian, ¿habíais pensado en

otros cantantes o Dennis fue la primera opción? BRIAN “La verdad es que cuando

quedamos para ensayar con nuestro amigo Matt (Schulz) a la batería, estuvimos pensando en quién podríamos coger. Pero como ha explicado, todo ocurrió en el Riot Fest. Fue como un accidente”. 13

Cuadra porque, Dennis, en The (International) Noise Conspiracy, también habías mostrado tu cara más melódica. Un tema como ‘Driver’ podría ser de esa banda. DENNIS “Sí. Y también mi grupo an-

terior a INVSN, The Lost Patrol Band, era rollo power pop. Creo que esa sensibilidad pop encajaba muy bien con Fake Names. Un día Michael me llamó y me dijo ‘hey, he encontrado el disco de The Lost Patrol Band en casa y mola mucho’ (Risas). No creo que haya estado en ningún grupo que suene como Fake Names, pero he hecho cosas similares. Como cantante he hecho cosas diferentes. Para mí fue fácil porque me gusta este tipo de punk, me salió muy natural”. El disco me ha gustado mucho.

Brian, en Bad Religion Greg

A pesar de estar formada por

Graffin y Brett Gurewitz compo-

¿No creéis que, aunque sea co-

nombres importantes, la banda

nen todos los temas. ¿Hay algu-

nocida, Dag Nasty es una banda

suena como si os estuvieseis di-

no aquí que tuvieses en la recá-

que se reivindica poco?

virtiendo.

mara y no se hubiera usado?

BRIAN “No. Yo creo que Dag Nasty

BRIAN “Tienes razón. Hemos tenido

BRIAN “No, no. Greg y Brett son los

suerte de que suene así. Aunque tengas una buena canción es muy fácil cagarla (risas). En realidad, el disco son las maquetas que le mandé a Brett (Gurewitz) de Epitaph para ver si conocía algún sello que quisiera sacar algunas como singles. De verdad, no estaba pensando en que nos fichara, pero las escuchó y me dijo ‘esto mola, quiero sacarlo’. Y le dije ‘vale, vamos a grabar el disco’. Y me dijo ‘¡No, esto es el disco!’. Pensaba que me estaba tomando el pelo, pero fue lo suficientemente listo para ver que molaba tal como estaba”.

mejores compositores para Bad Religion que existen (risas). Nunca les he llegado a presentar ningún tema”.

tenemos un buen reconocimiento. La confusión puede ser porque tuvo muchas formaciones distintas. Creo que el primer disco de Dischord está considerado como una pieza básica en todo esto”. DENNIS “Sí. Yo llevo escuchándolos toda la vida. Es una de mis bandas favoritas. Lo mismo con Embrace. Y también me encantaban Soulside. Ese rollo de finales de los 80 de Washington DC con Rites Of Spring y tal me flipa. Creo que ellos sabían que soy coleccionista de discos, que conocía su pasado y de dónde vienen, y que podía entender lo que habían hecho y lo que querían”.

Sí, el álbum no es nada pretencioso. No hay nada artificioso. BRIAN “No. Aunque en las fotos de

promo salimos trajeados (risas)”. 14

Los temas tienen el toque de los temas más melódicos de Dag Nasty. ¿Teníais clara la dirección musical del grupo cuando te juntaste con Michael? BRIAN “Bueno, yo sí sabía lo que

quería hacer, pero cuando nos juntamos ni siquiera estaba pensando en hacer un grupo. Tenía trozos de canciones y Michael otros, así que al principio sólo intentamos terminar una canción. Pero todo salió muy fácil, y en lugar de una, acabamos con tres más ese mismo día. Todas tenían un rollo punk, power pop, como Badfinger y The Damned”.

¿Te mandaron temas terminados o sólo riffs o esbozos? DENNIS “Un poco de todo. Algunas

eran sólo esqueletos, yo grababa la voz y luego lo cambiaban. Pero todo eran instrumentales. Mi trabajo era hacer todas las melodías y las voces. Como te decía, me resultó fácil”. ¿Cómo fue la primera vez que quedasteis los cuatro para tocar en el local? DENNIS “Fue divertido. Todos son

muy simpáticos. Primero quedamos en casa de Michael y hablamos de música, de influencias, de lo que querían... Supongo que querían pillarme un poco la onda. Pero desde el primer momento, el ambiente fue muy bueno. Luego ensayamos un par de veces y a la tercera viajé allí para grabar las voces en un par de días. Ellos ya habían grabado el resto. Todo fue muy rápido, muy old school (risas)”. BRIAN “Para mí es bastante normal. Incluso con Bad Religion, me aprendo los temas en mi casa, y sólo ensayamos un par de veces antes de entrar en el estudio. Así es como lo hacemos”. Usasteis un estudio que tiene

estamos muy ocupados. Brian con Bad Religion, Johnny tiene una editorial de libros de mucho éxito, Michael hace música para películas y yo estoy con Refused, pero espero que a finales de año o principios del otro podamos hacer al menos dos conciertos. No creo que nunca podamos girar, pero sí tocar en festivales o cosas sueltas”. BRIAN “Sí, es una pena todo lo que ha ocurrido. Cuando Bad Religion y Refused no estén de gira deberíamos tocar. Para mí la gracia de todo esto es poder tocar en directo. Dennis es un frontman increíble”. ¿Qué planes tenéis con Refused? DENNIS “Por ahora lo hemos tenido

que cancelar todo hasta mayo. Y no creo que los festivales de verano puedan hacerse. Con un poco de suerte quizá los de finales de todo. Este verano teníamos un calendario muy bueno para tocar por toda Europa. Además, a partir de octubre, todos tenemos cosas programadas con otros proyectos, así que no podemos mover la gira al año que viene. Es una pena”.

Steve Van Zandt en Nueva York. ¿Es amigo tuyo, Brian?

Cuando te entrevisté para War

BRIAN “No, pero me encantaría

Music dijiste que pensabas que

que lo fuera (risas). Es un tío muy guay. Pero somos amigos de Jeff, el ingeniero que se lo lleva, así que si tenía algún hueco o alguna cancelación, nos llamaba y nos lo dejaba muy barato (risas). Espero que a Steve le guste el disco y nos ponga en su programa de radio”.

iba a gustar más a vuestros fans

Llegasteis a dar uno o dos conciertos el año pasado, ¿verdad?

que Freedom. ¿Ha sido así? DENNIS “Sí, desde luego. Especial-

mente cuando tocamos en directo, los temas de War Music han funcionado súper bien. En la última gira americana tocamos seis o siete cada noche. Son muchos temas nuevos, pero a todo el mundo le gustó el repertorio y la energía. Para nosotros ha sido un gran éxito”.

sar toda la gira. Lo creas o no, estoy aprovechando la cuarentena para aprender a tocar mejor la guitarra (risas). No tengo hijos y vivo fuera de la ciudad, así que estamos muy tranquilos. Estoy viendo un montón de vídeos de YouTube de guitarristas que me gustan e intentando arreglar algunos amplis viejos”. Dennis, me gustaría que la última pregunta para Brian la hicieras tú, si me permites el atraco. DENNIS “Oh, tengo muchas (risas).

Para mí es interesante que en 1986, él y Michael ya estaban como de vuelta del hardcore, pero ahora cuando hablas con ellos se nota que les gusta. Me gustaría preguntarle cuándo volvió a sentirse orgulloso de su pasado. En parte para mí fue lo mismo. Cuando nos separamos Refused, era en plan ‘que le jodan a Refused’. Pero un día me di cuenta que Refused molaban (risas). Me gustaría saber si pasaste por lo mismo”. BRIAN “No lo sé. Supongo que a medida que te haces mayor te das cuenta de lo que es importante y lo que no. Después de tocar varios años en Bad Religion empecé a ver cómo se cerraba el círculo. En realidad, antes no me había dado cuenta del impacto que lo que había hecho siendo un chaval había tenido en la gente. Pero girando con Bad Religion hablaba cada día con gente que me decía lo importante que había sido para ellos Minor Threat y Dag Nasty, y me di cuenta de la suerte que había tenido. Supongo que maduré (risas)”.

DENNIS “Sólo uno en Nueva York.

Teníamos otro planeado para cuando saliera el álbum, pero ya no podrá ser, claro. Esto es un proyecto. Todos

Y con Bad Religion todo está en el aire también, ¿no?

“Sí. Supongo que será inevitable retra15

LIHER

CARRETERA PERDIDA

CON HEMEN HERENSUGEAK DAUDE , LIHER HAN DADO FORMA A SU OBRA MÁS AMBICIOSA HASTA LA FECHA. POR DESGRACIA, EL MALDITO COVID-19 SE HA INTERPUESTO EN SUS PLANES MÁS INMEDIATOS. ESTABLECEMOS CONTACTO CON LOS DE SAN SEBASTIÁN PARA CHEQUEAR SU ESTADO DE ÁNIMO EN ESTOS TIEMPOS INCIERTOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

NO NUNCA LLEGA A ENTENDER LO QUE SIGNIFICA EL PERDERLO TODO EN UN INSTANTE HASTA QUE LO VIVE EN SUS PROPIAS CARNES. Desde hace

Un par de semanas después de volver al hogar, pudimos hablar con Lide e Iñigo para que nos relatasen toda esta catarata de acontecimientos que han volcado la realidad del grupo y del mundo entero.

unas semanas Lide Hernando (voz, guitarra), Iñigo Etxarri (guitarra), Johska Natke (bajo) y Ander Berzosa (batería), los componentes de Liher, pueden contarlo de primera mano. Todo el planning que habían establecido para la salida de su tercer trabajo, Hemen Herensugeak Daude, se vio truncado durante la gira europea que realizaron a comienzos del pasado mes de marzo. Mientras recorrían Alemania y Suiza metidos en una furgoneta, iban recibiendo las noticias de cómo el coronavirus estaba afectando el día a día de millones de personas en todo el planeta. Tampoco ellos escaparon de sus consecuencias, encontrándose con conciertos cancelados a medida que avanzaban las horas en un desesperado intento por seguir adelante y regresar a casa. Pero nada de toda esta surrealista situación debería apartar el foco de que la banda de Donosti ha facturado uno de los trabajos más sorprendentes de esta primera mitad de curso. En un momento en el que el estándar de la industria apuesta por álbumes breves y concisos, ellos se la han jugado con un LP de largo recorrido. En él han sido capaces de capturar un universo musical en el que tiene cabida el stoner, el punk, el soul y hasta cadencias bailables, que sirve como banda sonora a una historia conceptual que parte de una pregunta directa: ¿Qué harías si te violaran?

Liher apenas contáis con cinco

LIDE “En el País Vasco desde luego

años de vida, pero en ese tiem-

si hay algo son oportunidades para tocar, sobre todo comparado con el resto de España. Tenemos suerte porque entre las fiestas de los pueblos, los gaztexes y tal, hay mucho circuito. Lo que pasa es que hay mucha gente que se conforma con eso. También el tema del idioma es un poco barrera cuando intentas salir fuera. Creo que fue Gorka de Berri Txarrak quien dijo que hay algunos que prefieren ser reyes en el acuario antes que salir al mar y ser un pez pequeñito. Nosotros desde el principio ya teníamos la intención de que, en cuanto pudiéramos y reuniésemos algo de dinero, teníamos que movernos fuera de Euskadi”.

la siguen siendo bandas muy modestas. ¿Por qué creéis que pasa esto? ¿Pensáis que hay grupos que prefieren centrarse en el mercado local en lugar de intentar expandirse por el resto del Estado?

po habéis tenido una progresión meteórica. Contadme cómo han ido las cosas desde que empezó el grupo. LIDE HERNANDO “El proyecto

arrancó en mayo de 2015. Al principio era yo en solitario, por eso escogí Liher como nombre artístico. Pero a los pocos meses se formó la banda. No en plan que me juntase con unos músicos y seguir como un proyecto en solitario, sino que queríamos que fuese un grupo de verdad. Intentamos cambiar de nombre pero no se nos ocurrió nada mejor (risas). Saqué una maqueta por mi cuenta, pero nuestro primer disco juntos fue Hauts. Ahí empezamos a tocar sobre todo por el País Vasco, en fiestas de pueblos, salas pequeñas... Luego con Tenpluak Erre en 2018 estuvimos durante año y medio o algo así, casi cien conciertos. Hemos salido a Catalunya, Madrid, Asturias, también una pequeña gira europea... Empezamos a movernos más. Ya a finales de 2019 cambiamos de management y enfocamos este nuevo disco a nivel estatal. Lo que pasa es que con esto del coronavirus se nos ha ido un poquito a la mierda (risas)”. Precisamente en Euskal Herria

De hecho ya habéis realizado un par de incursiones europeas. LIDE “Siempre hemos tirado de con-

tactos. El padre de nuestro bajista es alemán y ha vivido en diferentes partes del país, así que gracias a su familia hemos podido movernos sabiendo que habría gente que iría a vernos. Lo que hemos notado en Alemania, Austria y Suiza, que es donde hemos tocado, es que el rock lleva en decadencia más tiempo que aquí y se acercan bastantes más nostálgicos. Se alegran de ver que aún hay gente que hace el mismo rock de hace veinte o 15 años”.

tenéis bastante seguimiento. Es algo que también les pasa a

Centrándonos en Hemen Heren-

gente como Willis Drummond o

sugeak Daude, salta a la vista

Zea Mays, pero luego cuando

que es un álbum tremendamen-

salen al resto de la Penínsu-

te ambicioso en todos los aspec17

tos. Empezando por lo musical; un sonido estilísticamente más abierto, 14 canciones, producción con Santi Garcia... ¿Erais conscientes de que si queríais dar ese salto del que hablábamos teníais que ofrecer un producto de primera? LIDE “Sin querer sonar pretenciosos,

el siguiente paso que intentamos dar siempre es que cada álbum sea mejor que el anterior. Desde que publicamos Tenpluak Erre y empezamos a dar bolos, ya en las entrevistas promocionales nos dimos cuenta que se nos quedaba un poco vacío el discurso en cuanto a lo que trataba el disco. Entonces ya sabíamos que el próximo que hiciésemos tenía que tener un plus, que no fuese simplemente unas canciones y ya está. Tenía que ser un proyecto con una idea global, que nosotros mismos nos creyésemos en su totalidad y pudiésemos contarlo no sólo en las entrevistas, sino también en los conciertos. Con eso en mente comenzamos a trabajar para conseguir que fuese lo mejor que podíamos ofrecer hasta la fecha. Todo ha ido en relación a eso, como el hecho de trabajar con Ayuken (su agencia de management -ndr.), porque sabíamos que con ellos podíamos salir a tocar mucho más”.

tizado a la hora de crear. Cada uno de nosotros tiene sus ideas, sus manías y la música que estamos escuchando en cada momento es distinta. Y eso se acaba notando en el local. Por ejemplo, aquí Iñigo es un culo inquieto y cuando tú has hecho una canción, él ya ha escrito cinco (risas)”. IÑIGO EXTARRI “Hay gente que sale a correr al monte y se hace 18 kilómetros. Yo agarro la guitarra y hago canciones (risas). Voy grabando cosillas y almacenando ideas, así que siempre hay material”. LIDE “Al final el disco se va creando según lo que aporta cada uno. En mi caso, soy la que más alejada estoy del rock. Aunque me guste, pero escucho más blues y soul. Las canciones que van por ese rollo o con un ritmo más atresillado, como ‘Gorri Ilun’ o ‘Oskarbi’, han salido de mi cabeza, aunque luego las hayamos arreglado en el local. Iñigo es más punk. Joshka, el bajista, también tenía alguna melodía pensada... Ha sido una mezcla entre todos”. Supongo que es una referencia muy obvia al cantar en euskera, pero no he podido evitar pensar en Berri Txarrak escuchando

riffs que te pueden recordar a Berri Txarrak, te diría que nos hemos basado en ellos pero inconscientemente. Puede que tengamos grupos fetiche de los que nos gustaría hacer alguna canción en su estilo, pero con Berri Txarrak no nos ha pasado. Al menos conscientemente”. IÑIGO “También yo creo que de algún modo compartimos con ellos ciertos referentes. Por ejemplo, Gorka seguro que en algún momento de su vida habrá tenido muy presentes a Queens Of The Stone Age. Y nosotros también. O a Nirvana y Foo Fighters. Berri Txarrak han sido parte de la banda sonora de nuestras vidas porque los hemos escuchado desde que éramos niños, en la adolescencia, y hasta el pasado noviembre los hemos tenido muy cerca. Sería mentira decir que no han tenido ninguna influencia sobre nosotros”. Ahora que están de descanso, ¿veis a alguien capaz de recoger su relevo en el rock vasco? LIDE “Yo creo que en cuanto a rock, al

menos durante un tiempo, va a haber un gran vacío. Hay grupos que lo están petando en el País Vasco y pueden tener proyección internacional, pero dentro del folk y el pop”.

algunos riffs. ¿Los consideráis una influencia, no ya en lo musi-

Volviendo al disco, Hemen He-

El paso adelante en lo musical

cal, sino en cuanto a mentalidad

rensugeak Daude cuenta una

es grandísimo. Vuestra base si-

como grupo?

historia conceptual acerca del

gue siendo el stoner, pero aquí

IÑIGO “Tengo que decir que nos han

amor, la violencia, el feminismo

también hay mucho punk rock,

enseñado mucho fuera de lo musical en cuanto a hacer las cosas. No en plan como si fuesen unos maestros que vienen y te dan una clase, sino que han sido ejemplares y han dado muchas lecciones a las bandas que hemos venido por detrás”. LIDE “Pero igual que hay algunos

y viene apoyado por un com-

canciones con diferentes dinámicas como ‘Teloia’ o ‘Zure Azal’. ¿Esa evolución surge de manera consciente o es más natural de lo que parece? LIDE “Ha sido súper natural, la ver-

dad. No tenemos un sistema automa-

ponente visual muy potente, tanto en el libreto como los videoclips. No sé si podéis contarme un poco de qué trata... LIDE “El álbum cuenta la historia de

una chica desde que socialmente se convierte en una mujer, desde que se le

“SERÍA MENTIRA DECIR QUE BERRI TXARRAK NO HAN TENIDO NINGUNA INFLUENCIA SOBRE NOSOTROS” IÑIGO ETXARRI

baja la regla, hasta que termina en la cárcel (risas). La protagonista sufre una violación por parte de alguien muy cercano a ella. A lo largo del disco se cuenta cómo reacciona de una manera muy violenta hasta el punto de llegar a matar a su violador y entonces decide huir. Si tuviéramos pasta haríamos un videoclip para cada canción y contaríamos toda la historia entera. Pero lo que esperamos conseguir, si todo va bien y no acabamos arruinados por el tema del coronavirus (risas), es que haya unos cuantos vídeos que ilustren todo lo que se relata en las letras de las canciones”. Os tengo que preguntar, ahora ya sí, por lo que os ocurrió durante esta última gira europea, cuando estalló toda esta locura respecto al virus. ¿Cómo estaba yendo todo hasta que el asunto

empezó a irse de madre? LIDE “Fue algo gradual, como un efec-

to dominó. Nosotros salimos cuando todavía el virus era un chiste. Ahora me siento mal pensándolo porque se acabó convirtiendo en una broma de mal gusto. Marcos, nuestro mánager, vino con nosotros y empezó todo con él. Estábamos tan contentos en uno de los días de descanso que teníamos y él empezó a recibir noticias de que se cancelaban los bolos grandes en los que tenía que trabajar en producción técnica. Nosotros intentábamos consolarle porque estaba muy jodido. Pero no pensábamos para nada que nos fuese a afectar directamente”. IÑIGO “Yo estaba convencido de que no íbamos a suspender ningún concierto, porque nosotros tocamos para poca gente”. LIDE “El quinto concierto que teníamos era en Lugano, en Suiza, que está

pegado al norte de Italia. Ése sí que decidimos cancelarlo pero intentamos hacer el de Berlín, que era la última fecha. Nos pasamos un día entero conduciendo hasta que tres horas antes de llegar nos avisaron de que también se cancelaba”. IÑIGO “Hicimos siete horas desde Basilea hasta Berlín y otras siete de vuelta en un mismo día para llegar al mismo punto en el que estábamos. Nosotros hasta ese momento estábamos viviendo en una burbuja. Todo el mundo estaba alerta, pero España seguía siendo España. Antes de salir no me creía que fuese para tanto porque toda la gente seguía funcionando igual”. LIDE “Para mí el momento clave fue cuando nos llegó la noticia de que se suspendía la fecha de presentación que teníamos en Donosti. Ahí nos dimos cuenta de que todos los demás iban a ir cayendo uno por uno. Fue

“ESPERAMOS QUE CUANDO TODO ESTO ACABE LA GENTE VENGA A LOS CONCIERTOS Y APOYE A LAS BANDAS LOCALES” LIDE cuando cambiamos el chip y decidimos volver a casa”. Estamos viendo estos días que toda la industria se ha visto afectada, pero encontrarte con que el asunto te estalla en la cara en plena faena es otro nivel. ¿Cómo gestionasteis la situación a nivel emocional? LIDE “Yo estoy muy sorprendida de

mí misma, porque soy una dramas, pero la verdad es que lo llevé de una manera muy serena. Igual es un poco cruel, pero me tranquiliza saber que todos estamos igual (risas). Así que lo que hace falta es apoyarse los unos a los otros, sobre todo entre los músicos y cualquiera que esté relacionado con el sector artístico”. IÑIGO “Para mí ha supuesto un batacazo muy serio porque muchas de las fechas que hemos suspendido las cerramos entre Marcos y yo. Teníamos todo planificado: primero hacer capitales, luego sitios donde siempre hemos tenido muy buena respuesta de 20

público, festivales de verano... Ha sido un trabajo de varios meses y en cuestión de un par de días se ha ido todo a tomar por culo. Para nuestra salud mental hemos decidido hacer un reset y empezar a crear la gira desde cero para hacerla en otoño. Nosotros al menos hemos podido dar cuatro conciertos y hacer algo de promo. Pero hay gente como Grises o Cobra, que también son de nuestro management, que apenas han podido hacer nada”. LIDE “También si hubiéramos sabido que iba a pasar todo esto, no habríamos salido a Europa. Todo el dinero que habíamos ahorrado durante la gira de Tenpluak Herre lo habíamos invertido en este disco y el tour europeo. Furgoneta, gasolina, peajes, dietas... Ahora nos vemos en una situación muy jodida. Por eso estamos sacando ofertas de los vinilos porque necesitamos recaudar de alguna manera durante estos meses”. Hay quienes dicen que esta situación hará cambiar la mentali-

dad de la gente. Personalmente no estoy tan seguro de ello… ¿Creéis que el público reaccionará apoyando más a las bandas locales? LIDE “Es tan impredecible la sociedad

como masa que no te sabría ni decir. Ojalá ocurriese. Pienso que al final habrá un pequeño periodo de euforia cuando se levante el Estado de Alarma. Al igual que durante la primera semana de confinamiento todo el mundo quiso sacarse un máster sobre cómo estar encerrado en casa, cuando podamos salir todos empezaremos a hacer cientos de cosas sociales como ir a los bares o a conciertos. Pero luego todo volverá otra vez a su cauce normal. Sinceramente, esperamos que cuando todo esto acabe la gente venga a los conciertos y apoye a las bandas locales”.

UMBRA VITAE

TORMENTA DE HONESTIDAD SI JACOB BANNON HICIERA UN DISCO DE K-POP CON MANDOLINAS, IGUALMENTE LE ENTREVISTARÍAMOS. EL FRONTMAN DE CONVERGE ES UNO DE LOS MÚSICOS MÁS RESPETADOS EN ESTA CASA, ASÍ QUE SI SE JUNTA CON GENTE DE THE RED CHORD, JOB FOR A COWBOY O UNCLE ACID PARA HACER DEATH METAL, SOMOS TODO OÍDOS ANTE LO QUE TENGA POR CONTARNOS. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

MBRA VITAE ES L A NUEVA CRIA TURA DEL SIEMPRE INQUIETO JACOB BANNON , que como nos con-

fiesa durante nuestra conversación, siempre está componiendo. Cada día del año. Lo que ha acabado por llamarnos la atención es por quién se hace acompañar en esta aventura: ni más ni menos que miembros y exmiembros de The Red Chord, Twitching Tongues, Hatebreed, Uncle Acid o Job For A Cowboy como Mike McKenzie (guitarra, voz), Sean Martin (guitarra, voz), Greg Weeks (bajo) y Jon Rice (batería). La cosa promete, ¿verdad? En Shadow Of Life (Deathwish Inc.), Umbra Vitae realizan un viaje de no retorno hacia el death metal, un personal y urgente ejercicio que también evidencia la indisimulable huella del punk y el hardcore de estos contrastados músicos, cuando no directamente grindcore. Es mi primera vez con el cantante de Converge y puedo comprobar todo lo que me imaginaba sobre él: es pausado y reflexivo, dejando la furia sólo para cuando se sube a un escenario. Lo sigue viviendo apasionadamente, contándolo todo con la sinceridad que cabría esperar de un artista como él. Cualquier cosa alejada de esto sí que nos habría roto los esquemas… Para ponernos en contexto, Umbra Vitae empieza con tu otro proyecto Wear Your Wounds, ¿no? JACOB BANNON “Sí, nació de

mi voluntad y de la de los demás de tocar música pesada. Fuimos 23

calentando y fuimos trabajando en estas canciones, con los chicos compartiendo ideas para mejorar el material de una forma que fuera divertida para nosotros a través de algo tan heavy y fresco. Tenía sustancia para ello, es algo que nunca he hecho, así había ido almacenando en mi cabeza ideas de este tipo de música. En el último par de años Mike McKenzie estuvo tocando y nos presentó un buen número de cosas heavies, pero nada que se pareciera realmente al material que suela componer para The Red Chord, que ha sido su banda principal durante mucho tiempo, y nos movimos hacia algo ajustado a nuestras raíces death metal, algo similar a eso. En el disco queríamos algo fuerte, súper simple, súper rápido. Así es como le llamaría a la música que hemos querido hacer”. Sí, tenemos diez canciones en 26 minutos… El espíritu del punk y el hardcore nunca os abandona, ¿verdad? El álbum cuenta con cierta esencia grindcore también.

“Por supuesto, sí. Diría que, si trato de describir el álbum ante la gente, lo puedo hacer en uno, dos minutos de canción. Así que, sí, es algo que está en el disco, es algo muy directo y tradicional en el death metal. No creo que sea un cantante de death, estoy casi en esa parcela, pero he tratado de volver hacia ahí”.

idea del grupo es ir al grano,

intuir una crítica feroz hacia

directo a la esencia de cada

nuestras sociedades y este sis-

tema sin distraerse en tonterías

tema económico. Éstas también

y adornos.

nos hablan de una pérdida to-

“Correcto, está hecho desde la pura posibilidad de realizar algo que sabemos que nos gusta como oyentes de música. Pretendemos tener una banda que capture eso, amamos el poder de los primeros días y discos, el poder de Obituary y cosas así. En muchas de estas ideas encuentras eso, pero también con la diferencia de su naturaleza en comparación con la típica identidad metal. No escribo canciones que, líricamente, deban cubrir necesariamente esos mismos temas, como ocurre en el death metal. Eso es lo que me ha desconectado del metal a través de los años. Cuando escucho música generalmente necesito un concepto lírico, no haré nada desde de la fantasía, no haré nada desde el gore, o algo así. Para mí la música es una conexión personal, me gustan las canciones con emociones personales, incluso sobre ideas originales. Creo que puede ser un valor chocante para un montón de metalheads, y opino que eso marca la diferencia en esta banda frente a otras cosas a las que se pueda parecer sónicamente, aunque no conectemos líricamente con eso como oyentes. Éste es el carácter distintivo que nos diferencia y representa a todos nosotros”.

tal de esperanza.

Citándote, esta nueva banda

“es oscuramente conflictiva” y Sí, en canciones como ‘Mantra

tus propias luchas internas “es-

Of Madness’, ‘Fear Is A Fossil’

tán anidadas dentro de cada

o ‘Shadow Of Life’ ocurren

canción”. Comentas que tratas

muchas cosas, pero son despa-

de ser mejor persona, pero le-

chadas en muy poco tiempo. La

yendo las letras también puedo

“Sí, bueno, más que una pérdida total de esperanza, siento que es una mirada realista de los sucesos actuales. A veces tienes que mirar en el fondo de las cosas para obtener una perspectiva, ¿verdad? Pienso que muchas cosas que la gente produce no son veraces, pero yo opino que las cosas tienen que hablar de la realidad de estos tiempos. Desde que empecé ha habido una evolución como persona. Ese tipo de honestidad la veo más… es más probable que se dé en el punk y el hardcore, tienes la alternativa de ser libre más allá de la decoración de los metalheads, y ese aspecto creo que nos da frescura”. Como bien decías, tu manera de cantar no es la típica del death, con todos esos guturales… No, es algo más ahogado, como una agonía. Quizás me recuerda a Tomas Lindberg de At The Gates o Disfear…

“Sí, Tomas y yo tenemos un tipo de voz muy similar. Una de las cosas divertidas de esto es que, hace unos años, recuerdo que cuando salió The Red In The Sky Is Ours de estos chicos decía ‘OK, este vocalista no suena como nadie más, pero lo hace de una forma similar a lo que yo puedo hacer’. Cuando llegas a controlar tu voz, ves que muchas cosas son posibles trabajando más o menos si eres el cantante en alguna banda. Así es como han salido muchas de las cosas que he hecho en Converge,

“EN EL DISCO QUERÍAMOS ALGO FUERTE, SÚPER SIMPLE, SÚPER RÁPIDO” JACOB BANNON ¿no? Me he movido así tanto al cantar como en las letras. En mi caso, en las bandas en las que he estado he tratado de tener una actitud punk, de capturar la energía del momento, y él suena de una forma más similar a lo que yo he hecho. Otra de las cosas interesantes aquí es que es algo un poco diferente a lo que puedes escuchar más allá del típico gutural, o voz destrozada, del death metal. La voz natural de Tomas suena más punk que death, para mí Tom suena más a Mille de Kreator que a otros chicos. Pero sí, es una inspiración, es un buen amigo mío y por supuesto, es un honor que se me compare con él de alguna forma, porque amo absolutamente todo su trabajo”. Si no pudieras expresar todo lo que sientes con tus bandas,

¿qué crees que pasaría? Siempre has sido un cantante muy honesto, tú y tus grupos, así que no sé qué sería de ti sin la música…

“En este punto de mi vida, desde que tenía 13 años, y voy para 44, he estado activo en la música pesada de una forma complicada de describir. Bueno, desde los 12, 13 años, antes como fan de todo ello. Cuando escuché música pesada por primera vez conectó conmigo de una forma… que me habló para que me expresara de forma artística, tuve como una necesidad de expresión artística. Ha sido un progreso como persona, como grupo, de manera individual o como sea. Todo ha sido una evolución hacia hacer música y ser creativo. Es complicado decir qué habría sido de mi vida, pero

sólo sé que ha sido un auténtico placer; las formas artísticas siempre son un placer, y lo es todo para mí. Es una parte positiva de mí poner una emoción compleja en el trabajo. Me siento afortunado de tener esta plataforma, de poder hacerlo de una forma sana, porque no es toda mi personalidad. Es parte de mi personalidad, por supuesto, pero no es definitivamente todo lo que soy. Creo que al haber podido trabajar con estas cosas… Considero que alguien que escucha música pesada es más complejo, pienso que una persona que escucha death metal o hardcore va más allá de las opiniones de like o dislike ante las experiencias vitales. Es más compleja. No sé qué sería de mí si no hiciera cosas creativas, lo hago todos los días. Hacer música, es la dinámica de un grupo

“CADA TÍO DEL DEATH METAL QUE HE CONOCIDO NO ES UN OYENTE DE PURO DEATH SOLAMENTE, SABE QUE HAY ALGO MÁS AHÍ FUERA” JACOB BANNON y también un trabajo individual en la música embalar pedidos, trabajar en casa, estar al tanto de la atención al cliente del sello, donde tenemos un inteligente grupo de personas. Trato de ser flexible y honesto en el trabajo que hago, haciendo música, así que no lo sé. Sólo intento hacer algo bueno en el mundo”. Llegados a este punto imagino que grabar con Kurt Ballou en God City Studios debe de ser como estar en casa, y publicar el álbum con Deathwish, igual de confortable. ¿Crees que has encontrado la fórmula perfecta para editar toda la música dura que quieras?

“Mmm… No sé si la fórmula perfecta, porque creo que todo puede mejorar con el tiempo. Así que no diría que necesariamente sea perfecto, pero pienso que es bueno, es eficiente, y que eso es lo que buscaba cuando fundé el sello. Inicié la discográfica un par de años después de que Kurt abriera la segunda versión del estudio, empecé en el 2000, cuando buscaba empezar a practicar lo que había hecho en otros sellos de artes visuales, trabajo el diseño… Fue entonces cuando empecé a trabajar en discos de todas esas formas que antes no había hecho aún. Cada aspecto del diseño, haciendo la campaña de promo… Así que sólo empecé el sello por mí mis-

mo, pretendiendo proveer esos servicios que muchos sellos no dan con todas esas complejidades existentes todo el tiempo, tratando de construir algo simple y eficiente. Pienso que lo hemos hecho. Siempre se puede ir a mejor, pero es divertido estar involucrado en todo eso y ya hemos sacado más de 200 discos. También hemos trabajado con otros sellos a modo de distribuidora con más de 600 títulos en el mundo… Sí, todavía siento que podemos conseguir más atención, seguramente sí, pero está guay tener ese tipo de lugar donde podemos existir, gustar, es útil ahora mismo. Es perfecto para crecer, pero trato de ir mejorando todo el tiempo. Estoy contento porque me permite hacer más música, mantenerme creativo y no tener que pararme en algún punto, pero pienso que la siguiente versión que puedas hacer siempre será mejor que la última, y en eso es en lo que trabajamos”. Muchos fans se sorprenden cuando un músico asociado a un determinado estilo, como podrías ser tú con el hardcore o Mike y Greg con el death metal o el deathcore, realiza un disco con otros artistas o rollos con los que no se les relaciona. En realidad, los músicos tienden a ser mucho más abiertos que los fans musicalmente hablando, y conocéis a mucha gente de otros estilos en festivales, giras, en vuestros sellos o donde sea.

“Sí, primero debo decir que la gente es bastante compleja, estoy seguro que hay peña ahí fuera que necesita nombrar el tipo específico de música

que escucha, pero yo no necesito eso en este punto de mi vida, en mis 40, cuando quiero descubrir, sé lo que quiero y amplío el ámbito todo el tiempo. Cuando tengo 40 quiero acceder a algo súper ruidoso, a bandas que te destruyan, Amebix, cosas súper oscuras e intensas desde muchos puntos de vista. Amo todo eso, es lo que siempre quiero escuchar, y cuando empiezo algo busco soltarme emocionalmente de una forma positiva. Pero cada tío del death metal que he conocido no es un oyente de puro death solamente, sabe que hay algo más ahí fuera, porque si no sería cansado todo el tiempo, estaría haciendo lo mismo todo el rato. Creo que de una forma natural queremos experimentar y encontrar músicos con los que compartimos facetas de nuestra vida, porque somos músicos y gente creativa”. Sí, pero con personas involucradas en The Red Chord, Converge, Hatebreed, Job For A Cowboy, Twitching Tongues o Uncle Acid podría haber salido un disco muy raro y experimental, pero la verdad es que

Shadow Of Life tiene consistencia, suena duro como una roca.

“Sí, sí, ése era nuestra deseo, porque no necesariamente debes poner cada estilo en un disco. Para nosotros hay muchos tipos de música y tenemos bandas en activo, pero eso es algo que esta banda tenía claro, fue algo intencional: ‘OK, abre aquí la agresión, abre aquí la capacidad técnica, y obtendremos algo distinto a lo que tenemos en otros grupos’. Porque tiene una voz distinta, un carácter diferente, y ésa fue nuestra

intención. Un grupo que nos diera la oportunidad de hacer esto”. Muchos proyectos con grandes miembros de otros grupos tienden a grabar un álbum y luego no vuelven a trabajar juntos nunca más. ¿Habéis hablado de darle continuidad a Umbra Vitae, crees que os convertiréis en una banda que gire y lance más obras?

“Sí, para ser claro, actualmente esto no es un proyecto, esto es una banda. Grabamos esto como un proyecto entre distintos chicos, pero ahora es más que eso, tocaremos más. Esto es mucho más una banda. Tendremos una existencia, tocaremos en directo, giraremos cuando volvamos a nuestra vida normal… Ésa es nuestra intención completamente. Es una nueva banda, con la que haremos otras cosas, girar, hacer más discos… todo lo que un grupo hace. También hay que decir que, como tenemos otros conjuntos, habrá complicaciones al hacer música o lo que sea, pero creo que todos nosotros querremos estar activos algunas veces. Grabar el disco obviamente nos ha dado la oportunidad de desarrollarnos más como grupo. Converge está de gira todo el tiempo, tocar es para lo que vivimos, es divertido, lo amo, queremos tocar más, pero somos una banda y para eso la hemos hecho”. Hablando de Converge, The

Dusk In Us ya tiene tres años…

Ruin, lo grabamos después… Pero tenemos material, tenemos ideas, pero en realidad supongo que deberíamos estar en el estudio ahora mismo grabando algo de material, pero ya sabes que no podemos en este momento… No podemos estar ahí todos juntos. Pero estamos siendo lo más productivos que podemos con el tiempo que tenemos, así que depende completamente de cómo de complicadas estén las cosas que ocurren… Pero tenemos muchas cosas ya, y eso es algo muy bueno para Converge”. ¿Y cuando piensas en Converge, de qué aspecto te sientes más orgulloso?

“Mmm… Probablemente del hecho de haber conectado con la gente. Cuando tienes bandas, es algo realmente comprometido, por eso el conectar emocionalmente con la gente es algo por lo que me siento afortunado. Todos nosotros tratamos de estar involucrados en la música, y eso puede darse de muchas formas. Nos comunicamos con ahí fuera haciendo música, y el hecho de reunirnos haciendo algo que la gente encuentra especial, que la gente también lo encuentre así, es algo hermoso. Puedo decir que toda la música de la que he formado parte me ha dado un lugar, una voz, y ha podido hacer que la gente tenga un día mejor. Se lo puedo reconocer. En la vida, cuando me siento solo y quiero explorar, y otros lo sienten de la misma manera, es una conexión increíble”.

¿Estáis componiendo nuevo material?

“Sí, tendríamos que estar grabando ya, pero bueno, que hicimos un EP tras The Dusk In Us llamado Beautiful

ENTER SHIKARI

FACTOR HUMANO

SI DE LO QUE SE TRATA ES DE SER ECLÉCTICOS, ENTER SHIKARI PUEDEN DARNOS UNAS CUANTAS LECCIONES. EN NOTHING IS TRUE & EVERYTHING IS POSSIBLE , EL CUARTETO BRITÁNICO HA VOLCADO MÁS IDEAS QUE NUNCA PARA SEGUIR HABLANDO DE LOS PROBLEMAS DE SIEMPRE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ESE A ESTAR ENCERRADO EN CASA, ROU REYNOLDS no

ha tenido tiempo de aburrirse. Con el sexto disco de Enter Shikari a pocos días de publicarse, el cantante ha estado ocupado con toda la promo que conlleva un lanzamiento de una banda de su entidad. Todo ese trabajo ha tenido premio, ya que a la semana siguiente se confirmaba que Nothing Is True & Everything Is Possible (So Recordings) había entrado en el número 2 de las listas del Reino Unido, la posición más alta conseguida nunca por el grupo en sus 17 años de carrera. Es un hito considerable teniendo en cuenta que Rou y sus compañeros Rory Clewlow (guitarra), Chris Batten (bajo) y Rob Rolfe (batería) nunca han ido a lo fácil. Su debut Take To The Skies (2007), pese a la repercusión que tuvo, poco tenía que ver con grupos con los que compartían festivales o páginas de revista como My Chemical Romance o Fall Out Boy. Desde entonces, el grupo no ha parado nunca de experimentar, intentando borrar las fronteras entre géneros y estilos. Su nuevo trabajo es un paso más en esa ambiciosa misión, con Rou tomando las riendas como productor. Nadie mejor que él para contarnos por qué nada es verdad, pero todo es posible. Me gustó mucho el giro que disteis a vuestro sonido en el ante-

rior disco, The Spark, y en éste habéis ido aún más lejos. Pero diría que éste tiene más chispa,

biera sentido mal pidiéndole a otro ser humano que hiciera lo mismo (risas)”.

si me permites el chiste. ROU REYNOLDS “(Risas) Creo

Supongo que ejercer el papel

que cuando empezamos a hacer este álbum nos sentíamos más libres. Cuando hicimos The Spark yo venía de unos años un poco difíciles a nivel personal y tenía la necesidad de hablar de ello, pero en cambio ahora estaba en un lugar más estable, y realmente podía escribir sobre lo que quisiera. Quizá por eso este disco es más animado y también más ambicioso”.

de productor te sitúa del algún

¿Es por eso que decidiste producirlo tú mismo también?

“Sí. Hay varias razones que nos llevaron a esa decisión. En realidad, tiene sentido porque cualquier madre querría hacerse cargo de su hijo, y como artista das a luz música y entregarla a un productor siempre es doloroso. Es como si perdieras algo. Ahora, si tengo una idea puedo hacerla realidad y ya está. No tengo por qué guardarla en un ordenador hasta que vayamos a un estudio con un productor. La inspiración te viene a ráfagas y es bueno poder capturarlas. En este disco también hay una atención a los detalles que no habíamos tenido antes, y eso exigía sumergirse totalmente en el proceso. De hecho, dejé de lado cualquier otro aspecto de mi vida (risas). Era necesario hacerlo así, y casi me hu-

modo en un nivel superior al resto. ¿Cómo se lo tomaron tus compañeros?

“Estuvieron totalmente de acuerdo y me apoyaron mucho. Fue muy importante porque personalmente no tengo mucha confianza en mí mismo, y hasta que no has producido un disco no tienes ningún tipo de crédito. No tienes la prueba de que puedas hacerlo y la parte ansiosa de tu cerebro te hace dudar de todo. Rory, en especial, me ayudó mucho. Hizo mucho trabajo de ingeniero y es brillante, muy creativo. Él también sabía que a veces había momentos de magia en las maquetas que luego nunca podíamos reproducir en las versiones finales. Estábamos un poco cansados de que nos pasara eso. Así que, en ese aspecto, me animaron a tomar las riendas de la producción. A veces las cosas se ponen muy intensas en el estudio, pero creo que encontramos la manera adecuada de gestionarlas a nivel interno. Realmente no hubo luchas por el poder ni nada de eso”. ¿Lo grabasteis en tu estudio o fuisteis a uno profesional?

“Un poco las dos cosas. En mi estudio hicimos las voces, las guitarras y los sintetizadores. Y luego grabamos

en otros dos estudios. Uno en el campo, donde grabamos las baterías, bajos y algunas guitarras, y también grabamos en un estudio en Dallas mientras estábamos de gira. Ah, y la pieza orquestal la grabamos en Praga con la filarmónica de allí”. ¿Es el disco más caro que habéis grabado?

“Mmm… Creo que nos gastamos más o menos lo mismo con el anterior. Nos ahorramos mucho dinero no contratando un productor, pero la orquesta es muy cara (risas). Supongo que en cierta manera soy un romántico y me gusta usar músicos de carne y hueso, y no hacerlo todo con máquinas. Siempre que es posible intento evitar usar secuenciadores o MIDIs, porque creo que se pierde algo cuando no participa un ser humano. Obviamente es mucho más caro porque en una orquesta tienes a 60 ó 70 músicos, pero para mí fue una de las experiencias más maravillosas de mi carrera”.

instrumentos. No sonaba a la banda, claro, pero para mí tenía algo que encajaba con el rollo Shikari y pensé que podría tener su sitio en el disco. Necesitaba ayuda para poder escribirlo para una orquesta, porque, aunque he escrito música para vientos o cuerdas, esto era algo mayor, con percusiones y tal. Fue una locura. Conocí a George en una reunión con Universal, nuestra editorial, y acabó viniendo a un concierto nuestro en Londres. Le encantó y se quedó muy intrigado con lo que hacemos. Tuvimos alguna reunión más y aceptó ayudarme. Fuimos los dos a Praga para grabar la orquesta. Para mí fue un gran empuje poder contar con alguien de su categoría”. ¿Sueles escuchar música clásica?

“Me encanta la música clásica. Mis padres tenían una colección enorme de discos y tenían muchos de clásica. El primer instrumento que aprendí a tocar fue la trompeta (risas)”. Realmente el álbum es muy va-

De hecho te quería preguntar si

riado. ‘Waltzing Off The Face

las cuerdas y los vientos eran

Of The Earth’ tiene un rollo Tom

reales. Creo que combinar soni-

Waits. ¿Es lo que buscabas?

dos orgánicos con electrónicos

“¡A saber lo que estábamos buscando! (risas). Debido a que la letra es una retahíla de mentiras, quería que la música fuera desconcertante. Nuestras letras son siempre honestas, así que quería remarcar con la música que esto era otra cosa. La mayoría de la música rock y pop tiene un ritmo de 4x4 y un vals es 3x4, así que esa diferencia iba a hacer que la gente le prestara atención. No es algo tan raro como un ritmo 7x8, queríamos que la gente pudiera cantarlo, pero que le encontrara un

es lo que hace que los temas sigan teniendo alma.

“Exacto. Estoy totalmente de acuerdo”. La pieza orquestal, ‘Elegy For Extinction’, ¿la compusiste tú o te ayudó alguien?

“La orquestó George Fenton. La empecé a escribir sin saber muy bien qué sería, porque me gusta componer cosas fuera de Shikari, ni que sea sólo para mí. Llegué a terminarla, tenía clara la estructura y los

punto extraño. No sé por qué, pero el vals siempre me ha parecido algo perturbador (risas)”. A pesar de que algunas de las bases musicales sean extrañas, creo que en The Spark y en éste te has revelado como un gran creador de melodías pop. ¿Cómo te diste cuenta de que podías combinar esos dos aspectos opuestos a priori?

“No sé cuál es el truco. Creo que en gran parte es suerte (risas). Tuve la suerte de crecer escuchando música complicada, fuera música clásica o bandas de hardcore locales. Aquí también había mucha escena de metal técnico, así que tenía acceso a todo eso. Pero mi padre era DJ de northern soul y no hay música más melódica que ésa. Llevo la melodía en la sangre. Si una pieza es muy vanguardista me puede gustar desde un punto de vista analítico, pero necesito una melodía para que me mantenga el interés y conecte emocionalmente. Así que cuando compongo algo más extraño o interesante, no puedo parar hasta que le encuentro una melodía que le vaya bien”. ¿Crees que el público está más abierto a un disco como éste de lo que hubiera estado hace diez años?

“No sé si tiene que ver con la edad o con la posición que tiene la música en general. Hace diez años todo estaba más segregado. A nosotros nos odiaban en 2003 dentro de la escena alternativa o post hardcore simplemente por tener un teclado. Los puristas nos odiaban (risas). En cambio, ahora creo que los puristas son

“HACE DIEZ AÑOS TODO ESTABA MÁS SEGREGADO. A NOSOTROS NOS ODIABAN EN 2003 DENTRO DE LA ESCENA ALTERNATIVA O POST HARDCORE SIMPLEMENTE POR TENER UN TECLADO” ROU REYNOLDS

una minoría. Todo el mundo entiende que los géneros musicales son una limitación. Nadie se define ya por la música que escucha. Antes eras un emo, un metalhead, un punk, un raver… Las generaciones actuales no limitan sus gustos a una escena. Aunque tenemos fans de nuestra edad, tenemos una parte considerable que son muy jóvenes y creo que para ellos es muy natural escuchar música como la que hacemos”. ¿Te sientes más cómodo en este clima?

“No creo que la comodidad tenga nada que ver. Cuando todo estaba más segregado, tenía esa actitud juvenil de ‘me importa todo una mierda’ (Risas). Así que cuando la gente

nos atacaba, me daba igual, porque era la música que me gustaba. Sabía que no tenían razón (risas)”. En tus letras siempre te has mostrado muy crítico con el sistema, pero la realidad es que las cosas no cambian, incluso diría que van a peor. ¿Te resulta frustrante tener que cantar una y otra vez sobre lo mismo?

“Sí. Espero que en este álbum la gente encuentre un espectro de emociones, pero creo que la frustración está en el centro de este disco. Como dices, vengo cantando sobre estos temas desde nuestro primer álbum (risas). Y ahora mismo parece que estamos en un hoyo. Creo que, si lo miras con una perspectiva tem-

poral muy amplia, la sociedad va mejorando gradualmente, es más segura, más progresista, obviamente la tecnología no para de avanzar… Pero la pregunta es si tenemos la capacidad moral y política para gestionar bien esos avances tecnológicos. Es frustrante, por eso en cada disco hay al menos un tema sobre el cambio climático, en éste es ‘Elegy For Extinction’. Intentamos encontrar nuevas perspectivas para hablar de lo mismo. Por eso en este caso queríamos que la propia música contara la historia”. Estoy de acuerdo en parte en que las sociedades tienden a ser más progresistas, pero quizá con lo que no contábamos es

“EN EL FONDO SOY LA MISMA PERSONA QUE GRABÓ EL PRIMER DISCO” ROU REYNOLDS

que iba a haber una reacción en

sona que cuando empezasteis?

contra, y veríamos gente joven

“Tiene que haber un nombre para esa tendencia a volverse más conservador con la edad… pero no sé cuál es (risas). Ni tampoco sé por qué ocurre”.

apoyando a la extrema derecha. Es como si esa lucha siempre estuviera ahí.

“(Risas) Lo es. Pero te diría que algo que me ha animado en los últimos años es el entusiasmo de la gente más joven por la lucha contra el cambio climático. Es gente muy joven, muy inteligente y motivada. Eso nos da combustible para seguir luchando ni que sea en una época deprimente como ésta”. La gente tiende a volverse más conservadora con la edad, primando la seguridad por encima de todo. Sin embargo, tú parece que tienes los mismos ideales que cuando empezaste el grupo. ¿Sientes que eres la misma per-

Bueno, yo creo que es una cuestión de que cuando eres joven realmente no tienes nada, así que no tienes nada que conservar. Cuando te haces mayor, tienes más cosas, y tiendes a querer protegerlas.

“Ya. La cuestión es ser consciente de esa tendencia, saber que hay una parte cognitiva que te hace ver las cosas de manera distinta. Pero volviendo a tu pregunta inicial, creo que en el fondo soy la misma persona que grabó el primer disco. Pero si algo te da la experiencia es saber apreciar los matices.

Ver que no todo es blanco o negro. Cuando eres joven es muy fácil ser demasiado emocional, y dejas que tus ideas políticas se basen en tu instinto, lo cual en parte es bueno. Pero creo que es muy importante ver los matices de la realidad. La gente no es buena o mala, sino que hay grados que pueden variar dependiendo de las circunstancias. En este momento todo el mundo está muy cerrado en su ideología y es muy fácil que cualquier conversación se convierta en una discusión. Quizá ser un poco menos emocional sea algo bueno. Así que te diría que ésa es la mayor diferencia respecto a cómo era de más joven”.

ELDER

AVANCE Y PROGRESO GRACIAS A SU IMPRESIONANTE EVOLUCIÓN, ELDER SE CONVIRTIERON EN UNA DE LAS FORMACIONES MÁS INTERESANTES SURGIDAS DE LA ESCENA STONER DURANTE LA PASADA DÉCADA. PERO CUALQUIERA QUE LES HAYA ESCUCHADO SABRÁ QUE SUS LARGUÍSIMAS CANCIONES ESCAPAN DE CUALQUIER ETIQUETA. EN OMENS CONTINÚAN MOLDEANDO UN ESTILO TAN PROPIO COMO INALCANZABLE PARA LA MAYORÍA. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

NTES DE EMPEZAR NUESTRA ENTREVISTA , BROMEO CON NICK DISALVO sobre que po-

dría considerarse a Elder casi como una banda europea. Tal y como me reconoce, tres de los cuatro componentes del grupo (el guitarrista Mike Risberg, su nuevo batería Georg Edert y él mismo) viven actualmente en Berlín, mientras que el bajista Jack Donovan continúa residiendo en su Boston natal. Allí mismo hace 14 años dieron el pistoletazo de salida a una de las carreras que más se ha esforzado por refrescar un estilo tan estático como el stoner rock en los últimos tiempos. Personalmente, mi flechazo con Elder llegó bastante más tarde a raíz de su confirmación para el Kristonfest de 2018. Al investigar en su catálogo, me encontré con una serie de grabaciones muy por encima de la media de cualquier otra banda con la que se pudieran comparar. Sí, había stoner y doom, pero también grandes cantidades de rock progresivo y psicodélico ejecutado de una manera soberbia dando como resultado discos tan imprescindibles como Dead Roots Stirring y Lore, con los que pusieron de acuerdo a la inmensa mayoría de fans del género. No en vano, recuerdo que yo mismo arrasé con su merchandising al finalizar su actuación en el festival madrileño. Es por ello que tenía apuntado en rojo la publicación de Omens (Stickman) como uno de los lanzamientos principales para este año. Como apuntábamos antes, la disponibilidad geográfica del núcleo

de la formación hizo que esta vez se decantasen por los estudios franceses Black Box con Peter Deimel a los mandos de la mesa. Con estas cinco nuevas y extensas canciones, Elder han vuelto a dar otro pasito en su sonido, maximizando su vertiente psicotrópica en forma de sugerentes desarrollos a base de teclados y sintetizadores, al mismo tiempo que la maestría de DiSalvo a las seis cuerdas se mantiene como seña de identidad. Pueden apostar seguro a que volverán a aparecer en muchas listas a final de año. No sé qué media de edad tendréis ahora mismo en el grupo, pero creo que empezasteis Elder siendo muy jovencitos, ¿no? NICK DISALVO “Sí, todos en la

banda tenemos alrededor de 30 años. Nuestro nuevo batería tiene 29, así que es el más joven (risas). Matt (Couto, batería original -ndr.), Jack y yo fuimos los miembros fundadores. Nos conocemos desde la infancia. Ya habíamos estado tocando juntos antes de que empezásemos a interesarnos por el stoner rock y el doom, así que decidimos comenzar un grupo nuevo para tocar ese estilo. Eso fue en 2006. Por aquel entonces era lo que hacíamos todo el rato: formábamos bandas para intentar emular lo que fuese que estuviésemos escuchando. Pero por algún motivo Elder permaneció más tiempo que el resto. Quizás porque era en el que mejor nos lo pasábamos y más atención recibíamos”. Vuestro primer álbum homónimo de 2008 poco tiene que ver con lo que sois ahora. Tirabais

mucho del doom y el sludge más pesado de una manera una tanto genérica, a pesar de que ya había algunos detalles interesantes que después habéis ido desarrollando muchísimo más. ¿Como ves ese disco ahora?

“La verdad es que se me hace muy extraño ver que ese álbum lleva el mismo nombre que usamos ahora. Para mí es como si fuese otra historia completamente diferente. Por supuesto, hay algunos elementos similares: son canciones largas, hay algunas partes psicodélicas y es un poco más melódico que muchas bandas de stoner. Pero la realidad es que es un álbum que hicimos sin verdaderas aspiraciones. Cuando grabas tu primer disco, no te imaginas que te vaya a fichar una discográfica y que quieran editarlo físicamente, y mucho menos en vinilo. El modo en que lo encaramos fue completamente distinto a como lo hacemos ahora. Además, las letras eran del tipo Conan el Bárbaro y rayadas cósmicas del estilo. Para mí es un disco un poco estúpido (risas). Pero es lo que éramos: unos críos tocando música y pasándoselo bien”. ¿Pero sois de los que renegáis de vuestro pasado? Te lo pregunto porque ya no tocáis canciones de vuestro debut en los conciertos.

“No, ya no las tocamos. Creo que cualitativamente esas canciones no son tan buenas como las que hemos hecho en los discos posteriores. Todos nuestros temas duran 10 minutos y en directo tocamos una hora u hora y media. Sería estúpido perder

“LA MÚSICA QUE HACEMOS EN ELDER ES MUY EXIGENTE. ES ALGO QUE VEMOS EN ALGO TAN SIMPLE COMO LAS ESTADÍSTICAS DE STREAMING” NICK DISALVO

el tiempo con una canción que ni siquiera nosotros creemos que sea tan buena (risas)”.

de esta música. Tenía un foro y hasta una tienda online donde gasté todo mi dinero comprando discos (risas)”.

nuevo, pero sin duda aquél fue de largo el mayor avance que hemos hecho para encontrar nuestro propio camino”.

¿Qué grupos escuchabais y te-

Con Dead Roots Stirring en 2011

níais como influencias por aquel

y, sobre todo, en 2015 con la

En vuestra música es muy fácil

entonces?

publicación de Lore, empezáis a

adivinar esas influencias del

“En aquella época estaba muy metido en todo lo que tuviese que ver con el stoner, doom, sludge... También algo de psicodelia, pero sobre todo la parte más dura. Electric Wizard, Sleep, Church Of Misery, Eyehategod, Fu Manchu... Cualquier cosa que sonase a Kyuss y Black Sabbath, ya sabes. No sé si conoces una web que se llamaba stonerrock. com… A principios del 2000 era el lugar de referencia para los amantes

llamar la atención de un público

stoner y el doom, pero también

cada vez mayor. ¿Dirías que ahí

del rock progresivo, la psico-

encontrasteis de verdad vuestro

delia, incluso diría que hay

sonido?

algo de post rock... Parece que

“Sin duda. Hay un salto en todos nuestros discos y el más grande creo que lo dimos entre Dead Roots Stirring y Lore. Ésa fue la primera vez que conscientemente sentí que estábamos haciendo algo único. Es complicado dentro del rock decir que estás haciendo algo completamente

hemos llegado a un punto en la música donde es muy difícil crear algo realmente original y la única forma de seguir avanzando es mezclar distintos elementos de otros estilos. ¿Piensas que ésa es la clave en el caso de Elder?

“AHORA MISMO TRES CUARTAS PARTES DEL GRUPO VIVIMOS EN BERLÍN, POR LO QUE SE HA CONVERTIDO EN NUESTRO CENTRO DE OPERACIONES” NICK DISALVO

“Bueno, no digo que estemos creando un género completamente nuevo. Más bien nos dedicamos a combinar elementos de todo lo que escuchamos. Creo que aún es posible inventar un nuevo estilo, pero al mismo tiempo estoy convencido de que dentro del rock, que es donde nosotros nos movemos, ya está todo hecho. Por supuesto puedes hacer algo nuevo mezclando distintos estilos, pero no es como en la década de los 50 y 60 donde aparecían nuevos géneros constantemente, como podía ocurrir con el primer disco de Black Sabbath. Puedes describir lo que hacemos usando las etiquetas habituales. Es heavy psicodélico con partes de rock progresivo, otras más stoner

o doom... pero no es nada nuevo que no seas capaz de explicar con palabras que ya existen (risas)”. Siguiendo por ahí, el EP The

Gold & Silver Sessions que publicasteis el año pasado parece haber tenido una gran importancia en Omens. ¿Os lo tomasteis como una especie de experimento?

“Lo que ocurrió es que el sello Blues Funeral nos propuso participar en una serie de lanzamientos en vinilo a través de una suscripción. La idea de la grabación era hacer algo experimental entre un álbum y otro. Éramos conscientes de que no iba a ser un disco normal, así que, por primera

vez en mucho tiempo, no teníamos esa presión por hacer canciones muy elaboradas. Era una buena excusa para darnos un respiro respecto a intentar darle sentido a las composiciones y simplemente relajarnos e improvisar alrededor de un par de ideas. Y fue algo muy terapéutico y entretenido. Tuvimos una respuesta mucho mejor de la que esperaba con ese trabajo. Para mí tiene mucho valor que fuésemos capaces de bajar el nivel de intensidad, dedicarnos a jammear y dejar que las canciones fluyesen cuando lo necesitaban. En Lore y Reflections Of A Floating World ya habíamos ido en la dirección de lanzar un riff detrás de otro sin parar, y con este álbum quería-

cada vez más. En este álbum,

Otra incorporación importante

por ejemplo, el uso de teclados

ha sido la de vuestro nuevo ba-

y sintetizadores es constante,

tería, Georg Edert. ¿Qué tal ha

siendo incluso protagonista en

ido su integración?

muchos momentos. ¿Cómo ves

“Fue algo muy suave en realidad. Conozco a Georg desde hace algunos años porque tocamos con su otro grupo hace tiempo cuando estuvimos girando por Alemania. Cuando me mudé a Berlín quedamos para improvisar en otro proyecto que nunca llegó a despegar. Pero me gustaba mucho su forma de tocar. En el momento que Matt dejó la banda, pensamos inmediatamente en él. Fue la primera opción, ya que éramos amigos y nos parecía una buena manera de mantener nuestra relación. Si vas a irte de gira con alguien, siempre será mejor si le conoces de antes. De hecho, ahora mismo tres cuartas partes del grupo vivimos en Berlín, por lo que se ha convertido en nuestro centro de operaciones a la hora de planear los tours y trabajar en nueva música”.

su evolución dentro de Elder?

mos añadir algo más de espacio. Así que sí, el EP tuvo bastante que ver”. De hecho, en el nuevo disco da la impresión de que intentáis incorporar el sonido del EP a lo que normalmente soléis hacer.

“Bueno, no es tanto que quisiéramos sumar lo que ya hicimos en The Gold & Silver Sessions, sino que ése era el tipo de música que ya estábamos componiendo para Omens. Ésa era la dirección en la que estábamos moviéndonos después de Reflections Of A Floating World”. OK. Por otra parte, desde que Mike Risberg se unió al grupo, su aportación ha ido creciendo

“Es curioso que le relaciones a él con los teclados, porque si bien es cierto que se encarga de ellos en los directos, todas las partes de sintetizadores en Omens las escribí yo usando algunos cacharros que he estado coleccionando durante los últimos años. Así que yo soy el culpable de que haya tantos en el disco (risas). Sé que es difícil de ver sin estar ahí durante la composición y la grabación de las canciones, pero Mike tiene un estilo de tocar muy diferente al mío. Él es responsable de gran parte de la psicodelia que puedes escuchar en el disco. Todas las partes más suaves y relajadas de Omens son cosa suya. Yo me encargo de la parte cañera (risas). Pero aunque los teclados y sintetizadores los escribiese yo, en el estudio los tocó Fabio Cuomo, un pianista italiano muy amigo nuestro que ha colaborado en el álbum. Siempre estamos aprendiendo sobre cómo escribir una canción y, al menos en este momento, nos hemos dado cuenta de que es importante tener dinámicas y que haya picos y valles durante los temas. Cuando tocamos en directo, puedes acabar exhausto de tantos cambios de riff todo el rato. Es divertido de tocar, pero también el público necesita que le des una pausa para que pueda relajar los oídos en lugar de estar bombardeándole continuamente con música pesada. Tal vez es que nos estemos haciendo viejos (risas)”.

También he apreciado que el tratamiento de tu voz ha variado en Omens. No usas tantos filtros y efectos. ¿Dirías que te sientes más seguro como cantante?

“Sí, desde luego. Creo que en Omens hemos probado muchas cosas distintas en cuanto a la producción, y una de ellas ha sido el no enterrar las voces entre todos los instrumentos. Lo grabamos de una manera muy natural, con un buen micrófono y muy poco tratamiento en posproducción, como decías. No pienso que las voces sean el punto fuerte de nuestras canciones, pero esta vez queríamos que sonasen lo

“CREO QUE TODOS VAMOS A APRECIAR DIEZ VECES MÁS DE LO NORMAL ALGO TAN SIMPLE COMO IR A UN CONCIERTO DESPUÉS DE LO QUE ESTÁ PASANDO” NICK DISALVO

más parecido a un disco de rock clásico, y eso suponía que debían de tener un mayor protagonismo en la mezcla. A lo largo de los años hemos intentando que el papel de las voces nos ayudase a mejorar las canciones en lugar de ser algo que añadíamos casi a última hora como hacíamos al principio. Siempre he intentado mejorar mis partes vocales como si fuese un músico, no como un cantante. Yo soy guitarrista. Puede que sea el cantante del grupo, pero no es mi función principal. Aun así, me gusta intentar mejorar en ese

aspecto de manera gradual”. Según has declarado, éste es un disco conceptual que aborda la vida entera de una civilización. ¿Podrías desarrollar más esta idea?

“Básicamente es una metáfora sobre ver el mundo arder delante de nuestros ojos. Trata sobre cómo la civilización es considerada como la principal forma de progreso y crecimiento, de tal manera que acaba consumida llevándola a su propia decadencia. Creo que todos estaremos

de acuerdo en que estos últimos diez años han sido muy extraños. Hemos visto llegar muchas crisis y este álbum es una especie de metáfora sobre ese ambiente de destrucción irreparable que está conduciendo al hundimiento de nuestra sociedad. Es la idea de que podemos concebir cómo la destrucción está en nuestro camino pero somos incapaces de corregir su curso. Ésa es la temática principal del álbum. Como digo, son impresiones que he ido teniendo. Pero es más sencillo considerarlo como un álbum conceptual, ya que si

y olvidarte de toda la confrontación que estamos sufriendo. Por eso usamos muchas metáforas de una forma un tanto vaga en lugar de etiquetarlo como un álbum político”. Por otro lado, sois una banda muy exigente para el oyente. Imagino que cuando la gente se pone a escucharos por primera vez y ve que vuestras canciones pasan de los 10 minutos, se deben asustar. En estos tiempos en los que cada vez se estilan más los álbumes cortos y directos al grano, debe ser complicado para una formación como la vuestra conseguir que la gente se siente a escuchar vuestros discos enteros del tirón.

alguien quiere escucharlo, al menos puede evitar ser consumido por toda la muerte y destrucción que hay en el planeta y simplemente relajarse y decir: ‘Oh, es una buena historia’ (Risas). No sé si la gente que nos sigue pensará lo mismo, pero a nivel político y medioambiental los últimos años han sido muy complicados en muchos sentidos. Es lógico que la música refleje los tiempos que estamos viviendo y creo que es importante que sea así, pero a la vez también debería servir como vía de escape. Está bien poder escuchar un disco

“Tienes toda la razón. Hoy en día pedirle a la gente que se siente a escuchar una canción de 10 minutos o un disco que dura una hora, y no sólo escucharlo una, sino varias veces para llegar a entenderlo, es muy difícil. Para serte honesto, me sorprende que haya tantas personas que sean capaces de hacerlo. La música que hacemos en Elder es muy exigente. Es algo que vemos en algo tan simple como las estadísticas de streaming. Mucha gente escucha los tres primeros minutos de la primera canción y de ahí no pasan. Pero somos conscientes de ello y está bien que sea así. No hacemos música para ser ricos y famosos, sino para que la gente la aprecie y la disfrute”. También con tantos riffs y partes

de ensayo donde ir apuntando la estructura de cada canción para no perderos…

“De hecho teníamos algo parecido cuando estuvimos haciendo Dead Roots Stirring y Lore. Pero llegó un punto en el que no tenía sentido porque teníamos apuntadas cientos de partes de cada canción, en plan ‘Parte 1, parte 2, parte 3...’ (Risas). Ahora trabajamos mucho a partir de demos que nos vamos enviando los unos a los otros. Yo soy el compositor principal y para mí todo es cuestión de ejercitar la memoria muscular. Se trata de recordar y practicar intensamente. A veces me tengo que poner en plan dictador con los demás (risas). Pero al final la clave es pensar en que cada canción es como si fuesen otras tres. Imagina que estás haciendo la misma cantidad de trabajo, pero en una sola canción en vez de tres. Te sorprendería la cantidad de cosas que el cerebro es capaz de recordar (risas)”. Si tenemos suerte, este verano estaréis en el Resurrection Fest. ¿Os volveremos a ver más adelante por las salas de nuestro país?

“Sí, estamos planeando algunos conciertos en España para octubre. Volveremos en otoño cuando toda esta locura del coronavirus haya terminado. Creo que todos vamos a apreciar diez veces más de lo normal algo tan simple como ir a un concierto después de lo que está pasando”.

distintas, imagino que tiene que ser un auténtico rompecabezas llegar a montar los temas. No sé si tenéis una pizarra en el local

COBRA

SERPIENTE DE FUEGO

DESPUÉS DE 15 AÑOS DE CARRERA INTERMITENTE, COBRA QUERÍAN PONER TODA LA CARNE EN EL ASADOR CON EL LANZAMIENTO DE SU NUEVO DISCO FYRE. CON UN SONIDO RENOVADO Y MÁS DISPOSICIÓN QUE NUNCA, LOS VASCOS QUERÍAN SALDAR LAS DEUDAS CON ELLOS MISMOS. POR DESGRACIA, AHORA HABRÁ QUE ESPERAR. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

NA PUTADA. ASÍ ES COMO DEFINE DAVID GONZÁLEZ, bajista de Cobra,

la situación que está viviendo la banda debido al coronavirus. Justo en el momento en el que le habían dedicado más tiempo que nunca a la creación de su nuevo disco, el maldito bicho ha provocado que no puedan salir a defenderlo. Dado que ya habían lanzado dos adelantos y tenían la promo avanzada, decidieron publicar Fyre, su cuarto álbum, el 27 de marzo tal como tenían previsto, pero naturalmente todos sus conciertos han quedado cancelados. Es una lástima, porque además de tratarse de su trabajo más redondo, la banda, que completan Haritz Lete (voz), Josu Luengo (guitarra) y Ekain Elorza (batería), tenía ahora la posibilidad de funcionar a pleno rendimiento una vez David había quedado liberado indefinidamente de sus compromisos con Berri Txarrak. Esperemos que una vez todo vuelva a la normalidad, o lo más parecido a ella, Cobra tengan la oportunidad de llevar a buen puerto todos sus planes. El año pasado estuviste a tope

Lo primero que hice fue juntarme con Josu, Lete y Ekain, les comenté la situación y les pedí que me gustaría parar todo lo de Cobra porque todavía estábamos haciendo algunos bolos sueltos de Riffyard. Quería planificar un fin de gira de ese disco, y parar para poder centrarme en la gira de Berri. En enero del año pasado hicimos ese fin de gira de Riffyard y luego ya me dediqué a Berri. Luego en verano volvimos a juntarnos, estuvimos intercambiando opiniones y vimos que era una buena opción juntarnos en noviembre y remar todos en la misma dirección. Por primera vez en 15 años de historia de Cobra íbamos a poder tener toda la disponibilidad que queríamos para componer, grabar y sobre todo, dar conciertos. De alguna manera, esta banda siempre ha sido un poco inactiva por las circunstancias que hemos tenido los miembros del grupo. Personalmente sentía que tenía una deuda que pagar con Cobra. Tenía la sensación de que les debía algo. Cobra tiene 15 años de vida y yo he estado 11 en Berri, y siempre he sido el que más compromisos ha tenido y ha frenado un poco todo. En cambio, ahora podíamos poner toda la carne en el asador”.

con la gira de despedida de Berri Txarrak. ¿Tuviste tiempo para

Además, en los últimos años

compaginarlo con la creación del

Ekain también ha estado súper

nuevo disco de Cobra o no os pu-

liado con Morgan…

sisteis a ello hasta que quedaste

“Sí. Pero que yo recuerde, cuando empezamos con Cobra, Ekain ya vivía en Madrid o se fue a los pocos meses. Siempre ha apostado muy fuerte para poder tirar adelante en la música y hacerse un hueco, y salvo el primer disco

libre? DAVID GONZÁLEZ “Cuando en Be-

rri decidimos que el grupo llegaba a su fin, organizamos el calendario y vimos que la gira Ikusi Arte iba a ser larga.

que sí hicimos todos los bolos con él, ya con el segundo vimos que su compromiso era más complicado. Él quería seguir formando parte del grupo, pero vimos que sólo podríamos contar con él para componer y grabar. Ha hecho bolos sueltos, pero desde Thriller, tenemos a Iñaki como batería de directo”. Tener en el horizonte el grabar un disco con Cobra y volver a salir de gira, ¿te ayudó mentalmente a llevar mejor la resaca de la separación de Berri?

“Sí, de hecho una de las principales motivaciones fue ésa. Yo realmente no necesitaba descansar, me refiero a Berri. Eran situaciones personales diferentes. Por lo que a mí respecta yo no estaba cansado, sino todo lo contrario. Quería seguir ensayando, tocando, girando, así que para mí Cobra ha sido como una medicina. Creo que fue en septiembre, después de una gira por Asia con Berri, que ya nos pusimos a ensayar y a hacer canciones. Así que el final de uno y el principio con el otro se solaparon. No ha habido un parón, ni un vacío, ni un cambio muy brusco. Yo he seguido haciendo lo mío y, de hecho, estoy currando más que nunca. Han sido unos meses duros, sacrificados, de componer, de grabar… A veces una banda más pequeña te da más quebraderos de cabeza que una banda grande. El trabajo es más duro porque obtienes menos resultados. Y eso hace mella, pero me he sentido muy a gusto haciendo este disco”. Es más voluntarioso, claro. 43

“Yo he tenido la suerte de estar en ambas situaciones. He alternado estar en festivales de cabezas de cartel y en salas con miles de personas, y al finde siguiente tocar para diez en una sala. He vivido esas dos realidades. Cada una tiene lo suyo. Una banda grande también implica mucho sacrificio, mucha carga de responsabilidad, hay mucha exigencia porque todo lo que haces tiene mucha responsabilidad, pero en una banda pequeña haces muchas cosas, pero igual se quedan en nada. A la vista está todo lo que nos está pasando con este disco. Las trabas son constantes. Hoy en el negocio musical se mide más los tickets que vendes que la calidad. En el mercado de los festivales prima lo que tú generas, no el tener un buen disco o no”. Fyre lo es. En cierto modo es una

Cobra, porque no creo que suene a otro grupo, pero queríamos estirar la cuerda. Eso era vital”. ¿Costó salir de vuestra fórmula?

“Sí, mucho. Al principio, sobre todo. Por lo que respecta a mí tengo una carpeta con muchos riffs e ideas que podrían haber entrado en un disco si no hubiéramos tenido esa premisa de renovarnos. No tenían ese punto de ser algo nuevo. Hay un ejercicio de intentar desprejuiciarnos a la hora de enfrentarse a un riff o a una línea de voz, o a un coro. Pero en un proceso creativo encontrarse en caminos en los que no sabes por dónde tirar es lo que más satisfacción me da. Ese punto de incertidumbre, mola. Al final, cuando logras plasmarlo, es muy gratificante. Nuestra sensación es que no nos hemos equivocado”.

evolución de lo que ya apunta¿Qué tema os provocó más dolo-

había que renovar la banda mu-

res de cabeza?

sicalmente?

“Fíjate que igual el que más curro nos dio es ‘Parasites’, que quizá es el que pienso que más se puede asemejar al disco anterior. Tiene una sonoridad, un tempo, un riff que puede recordar a los anteriores discos. Era una continuación bastante lógica. Nos costó porque es de los primeros que hicimos, pero claro, nos habíamos propuesto hacer algo distinto, así que había que darle una vuelta. Nos costó encontrar las estrofas, pero al final tratamos las voces de manera distinta y creo que ha quedado guay. Es como una bisagra entre Riffyard y Fyre. Pero hay más, como ‘Oroiminduak’. No costó hacerlo, pero sí asumir que iba a formar parte del disco”.

Es un álbum muy completo para alguien que os descubra por primera vez.

bais en Riffyard. ¿Sentíais que

“Sí, totalmente. Cuando nos juntamos puse encima de la mesa que después de 15 años, el planteamiento cambiaba. Antes a la hora de hacer un disco siempre teníamos que lidiar con el calendario, un poco a salto de mata. Esta vez podíamos tomarnos el tiempo que fuera necesario, ensayar con constancia durante varios meses y cuando lo tuviéramos todo claro entraríamos a grabar. Y lo íbamos a grabar en casa, aquí en Bilbao, con Xanpe, nuestro técnico. Queríamos quedarnos en nuestra zona de confort para poder salir de ella a nivel creativo. Estrujarnos al máximo para llegar a algo que refrescase nuestra propuesta musical. Había esa voluntad, pero no sabíamos qué es lo que iba a salir. No queríamos un segundo Riffyard. Seguimos siendo

“Ése en la mezcla le tuvimos que meter bastante mano. Yo tenía muy claro cómo quería que sonase porque tiene como un rollo BCore, post rock, un punto punk… Es una de las novedades que me parece que le ha sentado muy bien a Cobra y que me gustaría conservar. Es como uno de los extremos estilísticos del disco, en el que más hemos estirado la cuerda. Como te decía, dudamos en meterlo. Pero al final, sólo es música, no pasa nada. Muchas veces nos tomamos demasiado en serio. Las canciones son muy importantes, pero a la vez no son nada importantes. Si no te gusta, te pones otra. Si no te gusta un grupo, te pones otro. A veces hay que sentirse incómodo para conseguir resultados interesantes”.

Sí, tiene un sonido mucho más limpio.

“Sí, yo también lo creo. Son 37 minutos y más de una persona me ha dicho que la escucha es muy sencilla, muy rápida, porque ocurren muchas cosas. Pero hay un hilo conductor, quizá la voz, no sé, que hace que todo tenga sentido. Hay variaciones, pero tiene coherencia. No quiero menospreciar el resto de la discografía, pero Fyre es como un renacer para el grupo. Es como si hubiéramos abierto la ventana y la habitación se hubiera aireado. La habitación es la misma, pero hay otro ambiente”. En ‘We Are Next’ aparece Liam de Cancer Bats. ¿Le mandasteis ese tema en concreto o le disteis varias opciones y eligió? ¿Cómo fue todo?

“Tuve la suerte de conocer a Cancer Bats con Berri, tocamos varias veces juntos, también en festivales, coinci-

“ES COMO SI HUBIÉRAMOS ABIERTO LA VENTANA Y LA HABITACIÓN SE HUBIERA AIREADO. LA HABITACIÓN ES LA MISMA, PERO HAY OTRO AMBIENTE” DAVID GONZÁLEZ

dimos en el South By Southwest en Austin, y para mí son una banda que son un ejemplo a seguir. Para mí es la banda perfecta. Están súper comprometidos musicalmente, son muy activos, tienen un directo brutal y, encima, tienen la virtud de que son gente cojonuda. Liam es un encanto de tío. Mira que nos hemos cruzado con grupos, pero para mí Cancer Bats son una banda mágica. Por el estilo que tenemos, siempre habíamos hablado con Cobra que a una canción le sentaría de puta madre que cantase Liam. Justo el riff donde canta Liam es el primero que escribí para este disco. En cuanto lo tocamos en el local, los cuatro vimos claro que tenía que cantarlo él. Y nada, le escribí y fue súper amable y me dijo que tenía muchas ganas de hacerlo. Maquetamos la canción, escribimos la letra y, al poco tiempo, nos mandó la pista de audio. Por una story que hizo su compañero que lo grabó, por lo visto lo hizo a la primera toma. Grabó

una segunda para divertirse, pero la que nos mandaron fue la primera y así se quedó. Maravilloso”. Además mola porque no es un dueto, sino que aparece en la parte final.

“Sí, es un tema curioso porque tiene una estructura en dos partes. La primera es muy densa, me recuerda un poco a Ghost, luego en el medio tiene unos acordes a lo Cult Of Luna, como muy ambiental y la voz melódica de Lete, y luego se corta y entra el final más hardcoreta y metalero. Es un tema del que estamos muy contentos”. Para terminar, ¿crees que ahora que Berri ha desaparecido, la percepción de Cobra pueda cambiar? En el sentido que no se vea

“No tengo ni puta idea. Lo único que sé es que estoy en casa encerrado sin poder salir a tocar. Pero en ningún momento Cobra ha sido una banda secundaria o un proyecto paralelo. Como te decía, llevo más tiempo tocando en Cobra que en Berri. Empezó siendo nuestro grupo principal con el que grabamos un disco y luego las circunstancias cambiaron. Pero los cuatro decidimos seguir adelante y seguir haciendo discos y tocando cuando pudiéramos. Al final tenemos cuatro discos, un EP, cada uno con sus bolos, así que hemos hecho bastante camino. Quizá de manera intermitente, pero hemos estado ahí. Lo que ocurra a partir de ahora no depende de mí. Ojalá que cuadre todo lo que tiene que cuadrar para que un grupo funcione, pero por nosotros no será”.

como un proyecto paralelo o un pasatiempo, sino como algo con más entidad y que se os tome más en serio. 45

HEAVEN SHALL BURN

ROMPER LA RUTINA PESE A SER UNA DE LAS BANDAS EUROPEAS DE METALCORE MÁS POPULARES, HEAVEN SHALL BURN SIGUEN TOMÁNDOSE SU CARRERA COMO SI FUERA UN HOBBY. SEGÚN NOS CUENTAN, EL SECRETO PARA CONSEGUIR UN SUEÑO ES PRECISAMENTE NO OBSESIONARSE CON ELLO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

N LA PRIMAVERA DE 2018, TRAS FINALIZAR LA GIRA DE SU ANTERIOR DISCO, Heaven

Shall Burn decidieron tomarse un descanso y dejar el calendario en blanco. Wanderer no había terminado de convencer a sus seguidores, e incluso el grupo sentía que era necesario hacer un reset. Su intención era dedicar a su próximo álbum el tiempo que fuera necesario, aprovechando que su guitarrista Alexander Dietz tiene su propio estudio de grabación. Allí estuvieron trabajando a lo largo de los dos siguientes años hasta dar con las 19 canciones que componen Of Truth And Sacrifice (Century Media), un ambicioso doble álbum en el que han experimentado con sonidos que nada tienen que ver con su metalcore y en el que tratan temas como la hipocresía de las redes sociales y los líderes políticos, o la alienación de la sociedad. Naturalmente, lo que tenía que ser un año de mucha actividad se ha convertido en todo lo contrario. Con mucha probabilidad, la banda que completan Marcus Bischoff (voz), Maik Weichert (guitarra), Eric Bischoff (bajo) y Christian Bass (batería) tenga que cancelar todos sus planes de gira, incluida su visita en el próximo Resurrection Fest. De ahí que cuando contactamos con Maik, en lugar de estar de camino a su próximo concierto, esté en su casa haciendo

entrevistas aprovechando que su hijo está durmiendo en la habitación de al lado. “Casi ni me apetece hablar del disco existiendo una amenaza como ésta ahí fuera, pero supongo que tenemos que hacerlo”, nos dice. Y sí, no hay otra. ¿Cómo estáis llevando todo esto? MAIK WEICHERT “Yo vivo en una

zona muy rural, donde no hay grandes ciudades, y tengo una casa con un gran jardín, así que no estamos tan mal. Pero naturalmente ver las noticias de lo que pasa en Francia, Italia o España me pone triste. Todos nosotros tenemos nuestros trabajos fuera del grupo, porque nunca quisimos ser una banda profesional, así que no nos ha afectado tanto, aunque tuvimos que cancelar los primeros conciertos de presentación y un festival en México porque suspendieron los vuelos. Es una pena decepcionar a los fans, pero creo que todo el mundo está siendo muy comprensivo teniendo en cuenta las circunstancias. Eso está bien”. Of Truth And Sacrifice es vuestro trabajo más ambicioso. ¿Fue una especie de accidente feliz o desde el principio teníais la intención de hacer un disco doble?

“Al principio del proceso le dijimos a todo nuestro equipo que no agendaran ningún concierto ni nada. Queríamos trabajar sin tener una fecha de entrega y con total libertad. Queríamos grabar el disco primero y luego hablar con el sello sobre su lanzamiento. No queríamos ningún tipo de presión y eso nos liberó totalmente la mente. Tuvimos como una explosión creativa. Podíamos traba48

jar en una canción, y si no nos gustaba, la tirábamos y no pasaba nada porque no teníamos ninguna fecha límite. Tener esa libertad artística tuvo como consecuencia que tomáramos muchos más riesgos y acabáramos acumulando mucho material. El título del disco nos vino bastante pronto, y esa dualidad también nos inspiró. Sé que hacer un disco doble es muy ambicioso, pero realmente pensábamos que el material era muy bueno. Creo que no es aburrido para nada”. Efectivamente. El disco es muy variado. ‘La Résistance’ es un tema electrónico, en ‘Übermatch’ hay sintetizadores… ¿Queríais abrir vuestro sonido, sorprender?

“No creo que realmente hayamos abierto nuestro sonido, sino que lo hemos expandido. Quizá antes no teníamos una canción electrónica, pero sí partes electrónicas. Cuando tienes un álbum doble, tienes mucho más espacio para perseguir tus experimentos. Lo que antes era sólo una prueba en una parte de un tema, aquí podías convertirlo en un tema, porque teníamos veinte canciones en lugar de sólo diez. Básicamente tuvimos más tiempo y espacio para profundizar en cosas que quizá antes sólo habíamos tocado superficialmente por esas limitaciones”. ¿Hubo alguna idea que resultara incluso demasiado loca para meterla en el disco?

“No, todo era bienvenido. Todo lo que componemos potencialmente puede entrar en un álbum nuestro. Otra cosa es que, al cabo de un tiempo, lo revisemos y pensemos que no es suficientemente bueno, pero si

la idea es buena, seguimos trabajando en ella el tiempo que haga falta hasta que nos guste. Por el camino puede que desaparezcan todos los riffs que había al principio, pero son ese tipo de sorpresas las que más nos emocionan. Lo importante es el final del proceso, no el principio”. ¿No os atascasteis en ningún momento?

“No (risas). Normalmente yo escribo la música y las letras y Alex se encarga de la producción. Pero en esta ocasión, como le dedicamos tanto tiempo a la grabación, todo el mundo participó de manera más activa. Hacer este disco fue como una gran comuna hippy (risas). Fue muy agradable. Trabajamos en varias canciones al mismo tiempo, y cuando terminábamos una, nos poníamos a trabajar en algo completamente nuevo. Todo fluyó muy bien”. Además también invitasteis a algunos amigos músicos a la grabación… ¿Cómo fue la selección?

“Nunca invitamos a nadie a nuestros discos para darle un empuje comercial, sino que sólo lo hacemos con gente que realmente pueda aportar algo a la canción que nosotros no podemos. Por ejemplo, en ‘Land Of The Upright Ones’ hay un solo muy thrash a lo Slayer que Alex o yo no podemos tocar, y por eso invitamos a nuestros amigos de la banda thrash Macbeth para que lo hagan. O para la versión de Nuclear Assault, ‘Critical Mass’, necesitábamos una voz rollo Agnostic Front y por eso llamamos a nuestro amigo de Nasty. Y Andreas de Caliban tiene una voz parecida a Markus, pero no suena como Markus. O con

“SIEMPRE HAY UNA ENERGÍA CREATIVA CUANDO NOS REUNIMOS. PUEDE QUE SEA PORQUE NO NOS VEMOS COMO MÚSICOS PROFESIONALES” MAIK WEICHERT

Chris de Lords Of The Lost. Necesitábamos una voz gótica a lo Pete Steele, como una versión gótica de Manowar. Teníamos eso en mente (risas)”.

A muchos grupos les cuesta encontrar nuevas ideas cuando ya llevan bastantes discos a sus espaldas, pero en vuestro caso parece ser lo contrario. ¿Cómo lo explicarías?

¿Cómo os habéis planteado el repertorio para la próxima gira? Es evidente que tendréis que dejar fuera muchos de los temas nuevos.

“Así de entrada te diré que tocaremos seguro los temas que hemos sacado como singles. Pero para serte sincero, a la hora de hacer los repertorios te diré que nos fijamos mucho en las estadísticas de Spotify o YouTube para ver qué temas son más populares de un disco nuevo. Al final, queremos tocar lo que la gente quiere escuchar”.

“Creo que tiene que ver con lo que te comentaba antes. Nosotros seguimos teniendo una vida normal, estamos en contacto con la realidad. Te pondré un ejemplo: cuando nuestro cantante va a Wacken, está en el camping con su novia, no en una zona VIP. Somos como el resto de gente. Cada día vamos a nuestros trabajos. No damos 300 conciertos al año ni estamos siempre en un avión o un autobús de gira. Creo que ese estilo de vida acaba secando tu creatividad. Si llevas una vida ordinaria, como todo el mundo, nunca te falta la inspiración. Somos como

cualquier banda amateur que se reúne en un sótano una vez a la semana para ensayar y componer, y ahí puede hablar de sus problemas y de las cosas que les cabrean. Siempre hay una energía creativa cuando nos reunimos. Puede que sea porque no nos vemos como músicos profesionales”. ¿Recomendarías a otros grupos que tomaran vuestro ejemplo?

“Sí, totalmente. Deberían intentar que su seguridad económica estuviera en otro campo fuera de la música porque eso les liberaría para hacer la música que quieren. Cuando no te preocupas por las cosas, es cuando ocurren. Quizá lo que digo suene muy hippy, pero lo creo. Por supuesto hay gente que se dedica sólo a la música y es muy creativa, como 49

“ESTO NO ES UNA PELÍCULA DE HOLLYWOOD. CREO QUE ESTA CRISIS NO CAMBIARÁ QUE LOS HUMANOS SIGAN COMPORTÁNDOSE COMO HUMANOS” MAIK WEICHERT

Devin Townsend. Pero la mayoría deberían dejar de soñar con ser estrellas del rock y hacer otras cosas. Y quizá así es como lo conseguirían. Es lo que nos pasó a nosotros. Nunca nos hemos preocupado por estar en las listas de ventas o tocar en festivales, y ahora estamos en las listas y tocamos en festivales. Teníamos sueños, claro que sí, pero no expectativas. Son cosas diferentes”. Junto al disco habéis lanzado también un documental, Mein

Grünes Herz In Dunklen Zeiten, que todavía no he tenido oportunidad de ver. ¿Por qué deci-

Ingo (Schmoll), que es director de documentales, pensó que la gente debería conocernos más porque somos gente particular (risas). Así que, además de la grabación, puedes conocer a los miembros del grupo, dónde vivimos, cómo pensamos, cómo crecimos en la Alemania del Este y cómo eso sigue siendo importante en nuestra manera de pensar. Así que esperemos que con el documental la gente entienda un poco mejor lo que es Heaven Shall Burn. En Alemania tuvo mucho éxito. Se estrenó en más de cien salas de cine, lo que no está nada mal para una banda de death metal”.

disteis hacerlo y qué podremos ver en él?

Vosotros siempre os habéis po-

“En un principio la idea era hacer un making of del disco, con una cámara en el estudio. Pero nuestro amigo

sicionado en favor de los dere-

chos de los animales, todos sois veganos o vegetarianos. ¿Crees

que la crisis actual puede hacer que mucha más gente se plantee dejar de comer carne?

“Esto no es una película de Hollywood. Creo que esta crisis no cambiará que los humanos sigan comportándose como humanos. Quizá cambie la manera de pensar de algunas personas, y eso a largo plazo, cambie su manera de actuar. Pero por desgracia, creo que cuando haya pasado un año de esta crisis, todo seguirá igual. Se ve en la manera en que se está planteando la salida de ésta. El objetivo es recuperar el estilo de vida que teníamos antes, no cambiarlo”.

DISCO DEL MES

R Strike.Smother. Dehumanize (SEASON OF MIST) BLACK DEATH, WAR METAL

Revenge es uno de esos pocos grupos que todavía son capaces de hacerte reflexionar sobre los límites de la música. Ya hay formaciones que han conseguido ir más rápido y chamuscarte las neuronas a través de otros crímenes tan o más atroces, pero ocurra lo que ocurra, para mí el proyecto de J. Read seguirá conservando el estatus de banda más violenta del panorama actual. Lo suyo continúa siendo tan natural, abominable y sincero que no parece que nadie vaya a poner en peligro esa condición. Cinco años después del demencial Behold.Total.Rejection y de disfrutar por fin de su culto en los escenarios más extremos del planeta, los

REVENGE

canadienses vuelven a por nuestras cabelleras con el esperado Strike.Smother. Dehumanize, álbum que también coincide con el 20 aniversario de su fundación. Como no podía ser de otra forma, en este nuevo agravio nos enfrentamos a otra tromba inclemente de ruidos excretados desde el más puro odio misantrópico, pero entre ese tumulto de alaridos histéricos e inhumanos, entre corrosivos solos que muerden sin ton ni son, esta vez Revenge nos asaltan con una altanería más machacona y punk que, de verdad, va a tener gravísimas consecuencias para tu salud. Su punto grind está más acentuado aquí, así que no te extrañe si ‘Reaper Abyss (Real Rain)’, ‘Oath Violator’, ‘Salvation

Smothered (Genocide Of Flock)’, ‘Excommunication’, ‘Apostasy Imposed (Takeover Mode)’ o el abusivo parón de ‘Lightning Mythos’ te provocan una merecida hernia de disco cervical. En ‘Self Segregation (System Torched)’ o ‘Death Hand (Strike Dehumanization)’, donde casi parece que a Gutalax les haya poseído el espíritu de Blasphemy y obviamente Conqueror, nos encontramos con una banda que ha comprendido plenamente el alcance de todo su poder. Prosigue esa iracunda cruzada que nunca llegaremos a comprender del todo. Estamos ante el combo que debería determinar qué es metal extremo y qué no lo es. PAU NAVARRA

THEE OPERATORS HAS DE SABER... FORMACIÓN: Kiko

Muro (voz, guitarra), Tato Isoba (guitarra, voz), Vini Serrano (bajo, voz), Víctor del Río (batería, voz) PRODUCIDO POR: Santi Garcia, Borja Pérez AFINES A: Teenage Fanclub, Pixies, Airbag PÁGINA WEB: www.theeoperators.bandcamp.com

D Mucho Peor (BCORE) POWER POP, INDIE ROCK

esde que el mundo es mundo, el hombre no ha cesado en su empeño de buscar la canción pop perfecta. Han sido muchos los que se han colgado la etiqueta ‘power pop’. Desde los tiempos de Raspberries o Big Star, han sido muchas las bandas que han opositado a liderar el movimiento década tras década. The Knack, Flamin’ Groovies, Cheap Trick, The Cars, The Muffs, Guided by Voices, Cotton Mather, Teenage Fanclub, Weezer, Fountains of Wayne… todos ellos artífices de una retahíla de hits que los ha convertido en clásicos con la inestimable

ayuda del paso del tiempo. Y es que, amigos, qué jodido es lograr el álbum perfecto dentro de un movimiento donde, cuando alguien la clava, se vuelve eterna. En esas estábamos, comenzando nuestra paciente travesía por el año de la plaga, cuando los asturianos Thee Operators publican su primer álbum. Y lo clavan. Y perdurará. Tras casi una década en activo como banda, esta conjunción de viejos zorros de la escena ha dado con la clave tras una serie de cambios en la formación y, sobre todo, cambiando el inglés por el castellano. Sin rastro de los complejos que

puedan quedar cuando uno decide semejante cambio de rumbo, Mucho Peor es, desde su extraordinario `Todo Es Inútil´, impecable declaración de intenciones, una gema perfectamente pulida donde es imposible imaginar una melodía más gustosa que las que juguetean durante sus, atención, 26 minutos. Tres años después del EP Thee Operators Ruined My Life, que estaba realmente bien, la banda da un salto de gigante, convirtiendo el fatalismo y las espirales vitales alrededor del hastío y el conformismo en música para nuestros oídos. De la mejor, además. KIKO VEGA

BONUS TRACK CON... KIKO MURO Aunque lleváis varios años en activo y habíais publicado dos EP’s, éste es vuestro primer largo. ¿Qué propició que ahora pudierais hacerlo?

de las cuales están en el LP que acabamos de editar con Bcore.”

“Durante el periodo de los dos EP’s anteriores la banda estaba en formato trío. Tocábamos bastante en directo y nos centramos en depurar el sonido del grupo para sonar lo mejor y más compacto posible. En los ratos que quedaban libres intentaba componer nuevas canciones para llevar al local. Al poco de editar el segundo EP nuestro batería de aquélla, Rubén, dejó la banda y eso nos forzó a un parón obligatorio. Pasamos a ser cuarteto incorporando a Víctor a la batería y Tato a la guitarra y empezamos a trabajar desde cero. Era eso o abandonar el proyecto. Fue un proceso meticuloso y lento, porque así lo quisimos, que me dejó tiempo para dedicarme a componer y poder reunir 15 canciones para llevar al estudio, 12

“Hay un poco de las dos cosas. Por una parte sí que antes buscábamos un sonido más sucio, menos producido y por otra, los medios a veces eran escasos. También estábamos probando cosas y en ocasiones no sabíamos muy bien lo que hacíamos (risas). Estoy convencido de que si a un grupo que vale la pena se le da tiempo para madurar acaba dándote alegrías. Además, el hecho de incorporar a Víctor y a Tato no fue sólo una cuestión de cubrir puestos vacantes. Al igual que Vini, nuestro bajista, y yo mismo han sido piezas imprescindibles para lograr el sonido que estábamos buscando. Y Santi Garcia era, sin duda, la persona adecuada para ayudarnos a conseguirlo”.

¿El sonido más lo-fi de los EP’s era una decisión estética o era más una cuestión de medios?

También por primera vez to-

das las canciones son en castellano. ¿Por qué ese paso?

“Uffff, eso trajo mucha cola (risas). Nosotros venimos de una tradición musical anglosajona y siempre vimos muy normal desde críos montar grupos para cantar en inglés. Por una parte, un buen amigo mío, Pablo Fernández, capo del sello Humo, no dejaba de decirme que deberíamos cambiar al castellano para tener mayor proyección. Por otra, no somos ajenos a la escena musical actual y veíamos grupos cantando en castellano con propuestas muy chulas y, por otra, nosotros mismos empezábamos a tener ganas de hacer ese cambio. Aunque no fue nada fácil. De hecho las letras del disco están compuestas en inglés y en castellano! Una vez en el estudio, después de grabar un par de canciones en ambos idiomas Santi nos dio el empujón final. Y estamos muy contentos con la decisión tomada”. (JORDI MEYA)

THE STROKES

The New Abnormal (CULT/RCA) ROCK

an innegable es el impacto que tuvo el debut de The Strokes en 2001 como su incapacidad para haber creado algo igual desde entonces. Sin embargo, la larga gestación de The New Abnormal hacía presagiar que la banda no se resignaba a ser un animal disecado. Que contrataran a Rick Rubin como productor, un tipo exigente y acostumbrado a relanzar carreras con su toque mágico, no puede ser casualidad. Pero una cosa es querer, y la otra es poder. La inicial ‘The Adults Are Talking’, sustentada sobre una caja de ritmos y un riff familiar, es prometedora, pero acaba sonando como unos Strokes bajados de revoluciones. Algo parecido

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pasa con la siguiente ‘Selfless’ o ‘Eternal Summer’, con una atmósfera similar a la banda sonora de Drive y Casablancas cantando en falsete. Apenas dos destellos de brío en los singles ‘Brooklyn Bridge To Chorus’, con esos teclados ochenteros, y ‘Bad Decisions’ (con un estribillo fusilado de ‘Dancing With Myself’ de Billy Idol, a quien al menos acreditan como autor) sirven de contrapunto a los abundantes medios tiempos en los que el oyente espera paciente un clímax que nunca llega. ‘At The Door’, ‘Why Are Sundays So Depressing’, o las baladas ‘Not The Same Anymore’ y ‘Ode To The Mets’ desprenden una mezcla de nostalgia, morriña y languidez. Son reconfortantes al oído, pero carecen de efecto duradero. Sin pretenderlo, The Strokes han creado una banda sonora que encaja a la perfección con estos días tan extraños que estamos viviendo -empezando por su título- pero The New Abnormal no consigue llevarte a un estado de excitación como para afirmar que ‘han vuelto’. Su propio Gigaton. MARC LÓPEZ

VIVA BELGRADO Bellavista (ALOUD) POST HARDCORE

ellavista, el tercer largo de Viva Belgrado, tiene todo lo que le pido a un disco. Cada vez que lo escucho, tengo la sensación de que sus autores me han dejado entrar en su círculo íntimo Que me han contado cosas que probablemente nosotros no nos atreveríamos a compartir. Esa cadena de confianza entre artista y receptor es fundamental para establecer un vínculo emocional con su obra. Cándido Gálvez se revela aquí como un letrista de primera. Sin necesidad de usar grandes palabras, ha conseguido transmitir las dudas, miedos e inseguridades que cualquiera

pueda sentir, aunque nunca haya tocado en una banda de post hardcore. Y encima lo hace con un ácido sentido del humor que todavía lo hace más atractivo. Pero además, Bellavista también presenta el equilibrio perfecto entre familiaridad y evolución. En sus tres primeros temas nos reencontramos con los Viva Belgrado guitarreros, gritones y tensos, que quizá algunos temían haber perdido. ‘Una Soga’ con ese “me subo al escenario, saludo a la afición” y ‘Bellavista’ con “esta mierda no se puede salvar”, con una algo de los Berri Txarrak más melódicos, nos anticipan que en sus conciertos se seguirán viviendo momentos de catarsis colectiva. Pero entonces llega ‘Más Triste Que Shinji Ikari’ y nos descubren que son capaces de crear un tema de pop perfecto, con unas rimas y una base chillhop que no podrás quitarte de la cabeza. El toque flamenco de ‘Un Collar’, el acercamiento a Touché Amoré de ‘Amapolita Blues’ o el épico final con ‘¿Qué Hay Detrás De La Ventana?’ son otras sorpresas que esconde un álbum del que todos nos podemos sentir felices. Ellos por crearlo, nosotros por escucharlo. JORDI MEYA

TRIVIUM

What The Dead Men Say (ROADRUNNER) METAL

uién hubiera apostado allá por 2005 que Trivium seguirían con vida 15 años más tarde y ya con la friolera de 9 álbumes en su haber? Pues por increíble que pueda sonar y a pesar de varios altibajos, la realidad es que la tropa liderada por Matt Heafy ha llegado a este punto como una banda consolidada y en un buen momento de forma. Atrás quedaron trabajos tan irregulares como Vengeance Falls y Silence In The Snow que por poco no les convierten en otra de esas formaciones que siguen funcionando por pura inercia. Afortunadamente, con The Sin And The Sentence

recuperaron las buenas sensaciones regresando al lugar que les correspondía. Y por ahí parecen querer seguir con What The Dead Men Say. Sin experimentos. Los de Orlando se han decidido por fin a sonar a ellos mismos y salen en tromba con una tripleta inicial formada por el corte titular, el sonoro mamporrazo que es ‘Amongst The Shadows And The Stones’ y una ‘Catastrophist’ que resume todas su cualidades: velocidad, técnica y melodía cuando ésta es requerida. Todo ello propulsado por esa ametralladora tras la batería llamada Alex Bent que da un verdadero clinic justificando su sueldo. Sin embargo, lo que le resta puntos a este disco respecto a su predecesor es esa parte central en la que quitan el pie del acelerador con las accesibles ‘Bleed Into Me’ y ‘Scattering The Ashes’ (aunque por ahí se acaba colando todo un potencial single como ‘The Defiant’). Por suerte ‘Bending The Arc To Fear’ y ‘The Ones We Leave Behind’ les ayudan a remontar en el descuento para firmar una obra que les sostiene entre los puestos de honor de la categoría. GONZALO PUEBLA

DANZIG

Danzig Sings Elvis (CLEOPATRA) ROCK

a idea sobre el papel parecía excelente. Pocas voces se nos antojan mejores para afrontar el repertorio de Elvis Presley como la de Glen Danzig, el gran ídolo, por otra parte, del vocalista de Misfits. Y una vez escuchado el álbum la idea se ratifica, ya que Danzig aborda el repertorio con todo el respeto del mundo –fuera de ‘Always On My Mind’ o ‘Fever’ hablamos de temas relativamente poco conocidos de la leyenda de Tupelo-, vocalmente raya un nivel más que alto y los ásperos arreglos instrumentales nos devuelven al Elvis más introspectivo que

encaja como una guante con la personalidad de Danzig. Hasta la portada tiene su encanto. ¿Hay algún fallo entonces? Pues por desgracia sí. El mismo que lleva acompañando a Danzig desde mucho tiempo: la sensación de que las ideas brillantes se quedan enterradas en subproductos. Cuesta de entender como alguien que facturó aquellos primeros cuatro discos de la mano de Rick Rubin y que iba camino de convertirse en uno de los vocalistas de rock más grandes del planeta, no haya sido capaz de grabar con la calidad que muchas veces los temas requerían. El gran problema de Danzig Sings Elvis es justo ése. Uno acaba pensando que es un disco hecho de manera casi casera, con pocos matices, y sin aprovechar las posibilidades que su interpretación y los temas dejan entrever. Una pena porque el vocalista, ya a sus 65 años, podía haber encontrado en este tipo de versiones un filón para encarar la última fase de su carrera. Ahora ya no está tan claro que eso vaya a pasar. Una lástima. RICHARD ROYUELA

CIRITH UNGOL Forever Black (METAL BLADE) HEAVY DOOM

ocas bandas más merecedoras de la medalla ‘de culto’ se me ocurren que Cirith Ungol. Incomprendidos todavía hoy, aunque reclutando permanentemente a más devotos desde las catacumbas más trues del heavy metal, los californianos resucitaron hace justo un lustro y, tras un single suelto y un directo, ha acabado ocurriendo lo impensable: Elric de Melniboné ha vuelto a desenvainar su temible espada y aquí tenemos, 29 años después, un nuevo álbum de Cirith Ungol. Sepultado entre una producción profunda, cavernosa y oxidada –

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cualquier otra cosa no hubiera tenido ningún sentido- y contando con Jarvis Leatherby de Night Demon para el bajo, los de Ventura nos entregan un quinto disco con toda la pausa que les caracteriza, y que te necesita involucrado, como también cualquier otro trabajo de su trayectoria. Los años no pasan en balde y Tim Baker, pese a seguir siendo absolutamente reconocible al micro, ha perdido algo de ese aguijonazo tan particular suyo, pero en resumidas cuentas, tras una intro de rigor y ‘Legions Arise’, encontramos muchas razones para estar felices ante este retorno discográfico. Los solos son dignos de su primera época, ‘Stormbringer’ es una delicia de principio a fin y ‘Nightmare’ avanza triunfal con toda esa crujiente oscuridad que puedas esperar de ellos. En ciertas ocasiones vas a creer que estas canciones han sido recuperadas de una cápsula del tiempo, y un finalazo como ‘Forever Black’ nos insufla toda la épica necesaria para un momento tan especial como éste. PAU NAVARRA

su discográfica retrasara la salida de este nuevo álbum hasta octubre para favorecer sus ventas una vez pasara la crisis del coronavirus, Apple ha dejado claro una y otra vez quién mandaba. Fetch The Bolt Clutters vendría ser la culminación de su visión artística. Grabado en su casa de Venice Beach FIONA APPLE Fetch The Bolt Cutters con una pequeña banda de acompañamiento, su (EPIC) quinto álbum es lo más CANTAUTORA cerca que estaremos del interior de su fascinante cerebro. La propia casa se 9 convierte en un instrumento más al lado de su piano, l primer trabajo de pudiendo escuchar sonidos Fiona Apple en ocho de percusión construidos a años, más que un disco es un estado de ánimo. partir de golpes en la pared, Como pasa con las películas el suelo o lo que podría ser un cajón lleno de cubiertos. de Michel Gondry, lo que se Incluso se oye el ladrido cuenta pasa a un segundo de sus perros. A menudo, plano respecto al cómo como en la juguetona ‘For se cuenta. El medio es el Her’, te sientes como si mensaje. En cierta manera, estuvieras en el interior de la propia carrera de Apple una fiesta montada por obedece a ese patrón. Pese los fantasmas de quienes a tener un hit, ‘Criminal’, con una vez habitaron allí. Este su primer disco Tidal (1996) enfoque más experimental y con el que ganó un Grammy rítmico, lejos de ser gratuito, y dos MTV Music Awards, es lo que le da carácter a la neoyorquina se resistió unas canciones en las que desde el primer momento a Apple reivindica su libertad jugar según las reglas de la no sólo como mujer creativa, industria. Desde cancelar una gira mundial para poder sino como mujer a secas. Un triunfo. poder estar con su perro MARC LÓPEZ moribundo a negarse que

INCUBUS

Trust Fall (Side B) (ISLAND) ROCK ALTERNATIVO

ace un par de años Mike Einziger me comentaba en una entrevista que lo que tenía que haber sido la cara B del EP Trust Fall se acabó convirtiendo en el último álbum de Incubus, 8. De hecho, el propio guitarrista admitía que no se terminaban de sentir cómodos publicando material en un formato tan reducido. Algo debe haber cambiado en la mentalidad del combo californiano en todo este tiempo, porque justamente cinco años después, y sin esperarlo de ningún modo, nos entregan ahora la segunda parte de su referencia editada en 2015. O al menos eso parece si

hacemos caso al título de la obra. En cualquier caso, el método utilizado resulta casi tan irrelevante como su contenido, porque Trust Fall (Side B) sirve como perfecto resumen del camino que ha recorrido el grupo en la última década. Estas cinco nuevas canciones son tan diferentes entre sí como desiguales en resultado. El asunto empieza bien con ‘Karma, Come Back’ y un sugerente groove que se va desarrollando con estilo hasta que acaba explotando. Lástima que no sean capaces de mantener el nivel en ‘Our Love’, una pieza que parece construida a base de “corta y pega” que no termina de funcionar en ningún momento, ni en ese hit single que pretende ser ‘Into The Summer’ que, aunque es resultona, peca de todos los clichés del pop ochentero. ‘On Without Me’ se podría salvar de la quema, pero es el típico medio tiempo que llevan haciendo ya desde hace años, mientras que la balada al piano ‘Paper Cuts’ huele a descarte de Brandon Boyd en solitario para rellenar. En resumen, este EP es como un aperitivo de media mañana; ni alimenta ni quita el hambre. GONZALO PUEBLA

PEARS Pears

(FAT WRECK) PUNK ROCK, HARDCORE

ue el tercer largo de Pears sea un homónimo no es casualidad. La banda capitaneada por el energético y versátil Zach Quinn debe estar muy orgullosa de sus 14 nuevas canciones despachadas en solo media hora. Y tienen motivos para estarlo, vaya si los tienen. El presente Pears es un disco de punk rock superlativo, un disco sin complejos y muchos aciertos que va mucho más allá del sota, caballo y rey del género. Han pasado cuatro largos años desde su anterior largo, el recomendable Green Star, donde la banda empezó a soltarse, y durante todo este tiempo

no solo han publicado un compartido con sus compañeros de sello Direct Hit y girado por medio planeta sino que también han puesto en marcha otros proyectos en solitario y paralelos como los eclécticos Bandaid Brigade. Todo este bagaje se cuela de manera natural en el nuevo largo del cuarteto de New Orleans, un disco con muchos estribillos pegadizos grabado con la ayuda de Chris Fogal (The Gamits). Ya en su anterior trabajo introducían numerosos giros repentinos y guiños a otros estilos y artistas. Aquí se multiplican estas benditas locuras con valientes incursiones en el heavy metal (‘Pepaw’), el progresivo (‘Worm’) y el indie rock (la estrofa de ‘Traveling Time’ colaría en el repertorio de The Pixies) sin alejarse demasiado de su punk rock. Los más exigentes alucinarán con su pericia, digna de los míticos ALL (‘Zero Wheels’, ‘Dial Up’ y ‘Nervous’) y Rich Kids On LSD (¿’Rich To Rags’ es su particular homenaje?). En serio, hacía mucho tiempo que no me sorprendía tanto un disco de punk rock y hardcore. LUIS BENAVIDES

C XIBALBA

Años En Infierno (SOUTHERN LORD) DEATH METAL, DOOM METAL, HARDCORE

inco años sin nuevo álbum de Xibalba. Qué paciencia la nuestra, y qué brutalidad y densidad la suya. A priori, echándole una oreja a ‘La Injusticia’, poco ha cambiado para los de Pomona. Heavy hardcore dolorosísimo y death primitivo y triturador. Échenle al caldero varias cucharadas de doom, aunque siendo ellos, una descripción tan simple se queda corta. ‘Corredor De La Muerte’ y su bajada de tempo unida a los mejores Obituary dan buena cuenta de su singular idiosincrasia. Has llegado a ‘Santa Muerte’, el tercer corte, y ya tienes claro que Años En Infierno será otro gran álbum de los californianos, y eso que aún no te han golpeado las percusiones de ‘Saka’… Un corte instrumental, que remite a su ascendencia, y más espeso que una

odo es posible en el mundo de Enter Shikari. Incluso que llegados a su sexto disco, el cuarteto de St. Albarns siga siendo capaz de sorprendernos mezclando más estilos que nunca. El álbum empieza con la potente ‘The Great Unknown’ en la que Rou ENTER SHIKARI Reynolds se pregunta Nothing Is True & “¿Hay alguien ahí fuera? Everything Is Possible Sólo dame una señal” (SO RECORDINGS) mientras un tecladillo ROCK, ELECTRÓNICA, POP maquinero se encarga de provocar el punto justo de tensión. Una invitación a 8 lo desconocido que sirve tanto para enfrentarnos a la incertidumbre del mundo en el que vivimos, un tan tema recurrente en sus 58

sopa de alquitrán. Llegan compactos y camorristas en ‘Años En Infierno’, una compresión que sólo es aligerada cuando la explosión de energía ‘En La Oscuridad’ se abre paso. Aquí no hay espacio para las gorras planas y los guapitos de cara. Esto es hardcore pasadísimo de rosca, incapaz de sonreír mientras mastica tabaco y esboza una mueca de desprecio. Empalmada a ‘El Abismo I’ y ‘El Abismo II’,

el cuarto largo de Xibalba desciende en picado por un hoyo introspectivo que para nada esperabas, aunque no exento de acelerones autodestructivos y cuerdas de guitarra con el diámetro de una plaza de toros. ¡Si casi que terminan a lo Ahab! 35 minutos que deseas volver a recorrer tan pronto como acaban, por mucho que te hayan molido los huesos. El ruido y la furia.

letras como en el contenido musical del disco. Como si observaras el caos a través de un calidoscopio, el disco alterna desde temas muy pop en la línea de The Spark como ‘Crossing The Rubicon’ o ‘modern living…’, a otros como ‘{ The Dreamer’s Hotel }’, en el que mezclan unas estrofas sobre bases jungle con un estribillo más melódico, a sorpresas como ‘Waltzing Off The Face Of The Earth (I. Crescendo)’, un vals con unos trombones que le dan un aire de circo decadente, o ‘the king’, con un estribillo impulsado por unas trompetas verbeneras. Los contrastes son constantes. En medio de chispazos de pop electrónico

como ‘T.I.N.A.’ o ‘satellites’, te encuentras con ‘Elegy For Extintion’, un corte orquestal grabado por la Orquesta Filarmónica de Praga, que da paso a las dos partes de ‘Marionettes’. Sobre el papel podría parecer que se las ido definitivamente la olla, pero el gran acierto de Nothing Is True & Everything Is Possible es que no resulta un batiburrillo inconexo, sino que la solidez de las canciones te van llevando de un sitio a otro sin que requiera ninguno esfuerzo. Se necesita mantener una mentalidad abierta, claro que sí, pero si has seguido a Enter Shikari hasta aquí, eso se da por sentado ¿no?.

PAU NAVARRA

DAVID GARCELL

DANI LLAMAS Grant

(ONE WEEK) ROCK

ontra todo pronóstico, la cuarentena no está frenando el que las bandas sigan grabando discos. Un buen ejemplo de ello es el de Dani Llamas, quién ha aprovechado el confinamiento para saldar una deuda pendiente con un viejo amigo. Y es que desde que recibiésemos la triste noticia del fallecimiento de Grant Hart en septiembre de 2017, el cantante y guitarrista de G.A.S. Drummers llevaba pensando en rendirle un sentido homenaje. Ambos compartieron una gira acústica por nuestro país en 2011 y de ahí surgió la amistad entre los dos. Registrado en tan sólo una

semana desde casa, Dani ha revisado diez composiciones que sirven de recorrido por toda la carrera de Hart. Desde los días de gloria junto a Hüsker Dü, pasando por su aventura como líder de Nova Mob, hasta llegar a sus álbumes en solitario. Lo primero que sorprende es que siendo una grabación casera, la producción sea de primer nivel. Se aprecia mucho el mimo y el cariño que se ha puesto en cada una de las canciones. Lo segundo es comprobar lo bien que Llamas ha sabido llevarse estos temas a ese terreno del rock americano de cantautor por el que tan bien sabe desenvolverse. Así, en ‘Old Empire’, (donde colaboran Ramón Rodríguez de Madee y The New Raemon a los coros y Álvaro Escribano de Swampig y Crazy Stacey & The Customs a la guitarra), captura ese espíritu power pop que junto a ‘You’re The Reflection Of The Moon On The Water’ dotan de músculo al conjunto. Pero son piezas como ‘Books About UFOs’ y ‘Sorry Somehow’, desprovistas de distorsión, las que acaban adquiriendo un nuevo significado otorgando a este Grant su razón de ser. GONZALO PUEBLA

HOLLYWOOD UNDEAD

New Empire Vol. 1 (BMG) METAL ALTERNATIVO

ollywood Undead están de vuelta con su sexto álbum de estudio. Como su propio título indica, en él buscan reinventar su propio estilo añadiendo nuevos sonidos y matices aún no probados por la banda, acercándoles a un sonido característico de bandas como Sleeping With Sirens o A Day To Remember, entre otras. Buscando ser una banda única y diferente dentro del rap metal, la banda coquetea con el sonido EDM, los estribillos melódicos y unos impresionantes riffs de guitarra con los que buscan expresar su lado más pesado. Esto no es

todo, sino que Hollywood Undead también nos trae un álbum lleno de letras más reivindicativas y directas, muy representativas de la sociedad actual y en las que no tienen miedo de meterse con todos los influencers del planeta. El disco no ofrece respiro alguno, desde los dos adelantos ‘Time Bomb’ y ‘Already Dead’, la banda te prepara para un frenético viaje de estilos que no decepciona. Si buscas su lado más electrónico te encontraras con canciones como ‘Empire’, pero si por el contrario buscas ese rap más crudo y oscuro que caracteriza a la banda, tu canción sin duda será ‘Killin It’. Como os adelantaba, no todo es frenetismo en este álbum, la banda se deja querer con grandes pasajes melódicos como ‘Upside Down’. Breve, directo y divertido, son las tres palabras con las que resumiría el disco. En apenas 33 minutos, Hollywood Undead logram una gran mezcla de sonidos y un chute de energía para todos los oyentes. Quizás no es la máxima revolución que prometían en redes sociales, pero sí la revolución que necesitábamos. ALEJANDRO TEIGA ROBLES

PARKWAY DRIVE

Viva The Underdogs (EPITAPH) METALCORE

uando vi por primera vez en directo a Parkway Drive en 2007, ni en sueños, hubiera imaginado que un día los australianos serían capaces llenar grandes recintos y ofrecer espectáculos con casi tantas llamaradas como los de Rammstein. Más allá de la suerte, siempre necesaria para alcanzar un éxito de semejante calibre, es evidente que el giro musical que dieron en Atlas (2012), y que todavía llevaron más lejos en Ire (2015) y Reverence (2018), acentuando su lado más metal y esos coros ‘llenapistas’, también ha tenido mucho que ver. Eso les ha valido no pocas críticas,

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pero es el precio a pagar por cualquier banda que quiera ampliar su radio de acción. Pero escuchando este Viva The Underdogs también resulta evidente que la banda no ha vendido su alma al diablo para conseguirlo. Grabado en el festival de Wacken del pasado verano, el disco es un documento de su poderío en directo, pese a no contar con el elemento visual. Abriendo con una brutal ‘Prey’, la banda se muestra impecable sometiéndonos con la fuerza de ‘Carrion’, ‘Karma’ o ‘Crushed’. Es difícil no sentir cierta nostalgia al escuchar a miles de personas cantando las melodías de ‘Wild Eyes’ o ‘The Void’, pero también reconfortante volver a sentir ese cosquilleo que te producen ciertos riffs o punteos de guitarra. Además de los 11 cortes en vivo, el disco también ofrece tres bonus tracks en estudio con versiones cantadas en alemán de ‘Vice Grip’ (‘Würgregriff’), ‘The Void’ (‘Die Leere’) y ‘Shadowboxing’ (‘Schatteboxen’) con el rapero Casper. No dejan de ser una curiosidad, pero tienen su gracia. DAVID GARCELL

VIOLENT SOHO

Everything is A-OK (PURE NOISE) ROCK ALTERNATIVO

os australianos Violent Soho asomaron por estas páginas por primera vez con su cuarto trabajo, el exitoso WACO, y cuatro años después vuelven con Everything Is A-OK, un título doblemente irónico. Sale a la luz con una pandemia azotando medio planeta y la composición de este nuevo largo tampoco fue un camino de rosas. Algunos componentes pasaron por momentos complicados a nivel personal y se agarraron a la banda como su tabla de salvación después de un año sabático (de ahí el corte inicial, ‘Sleep Year’). Con la ayuda de un viejo

conocido como Greg Wales (You Am I, Sandpit), con el que ya habían grabado en sus comienzos, el cuarteto ofrece ahora un trabajo con la energía habitual pero algo menos de agresividad, con sorprendentes medios tiempos semiacústicos como ‘Slow Down Sonic’ y ‘AOK’, encargada de poner el broche final al disco. Siguen siendo los abanderados del revival grunge pop en las antípodas, siguen bebiendo del legado de Nirvana, Weezer y Pixies (el inicio de ‘Shelf Life’, ’Lying On The Floor’) y su cantante no puede evitar hacernos pensar en Billy Corgan (‘Canada’, ‘Easy’), pero el refrescante Everything Is A-OK suena totalmente actual. Cuando las guitarras chirrían más se acercan a Dinosaur Jr. (‘Pity Jar’) y por su gusto melódico también tiene algo de The Lemonheads. Una buena mezcla. Por todo esto creo que el debut para el sello californiano Pure Noise convencerá a sus seguidores de siempre y puede conectar con mucha más gente. Con permiso del inspiradísimo Hungry Ghost del 2013, su disco más sólido hasta la fecha. LUIS BENAVIDES

WITCHCRAFT Black Metal (NUCLEAR BLAST) CANTAUTOR

ace no mucho comentaba que la de Wolfmother me parecía una de las carreras peor gestionadas de las últimas décadas. Pues bien, la de Witchcraft tampoco se queda atrás. Magnus Pelander siempre ha sido un personaje inestable, en contraste con el altísimo nivel que ha demostrado como compositor. Con sus tres primeros álbumes consiguió situarse entre las bandas más alabadas del revival setentero, y tras deshacerse de sus compañeros siguió recogiendo elogios con Legend y Nucleus. En su contra jugó un interés nulo por conceder entrevistas promocionales o salir de

gira de manera más regular. Para más inri, tras una temporada en la sombra, Pelander reaparece ahora con un disco que dejará descolocado a cualquiera de sus seguidores. Y es que por mucho que Black Metal nos llegue bajo la firma de Witchcraft, aquí no hay ni rastro del ingenioso y abrasador doom con el que nos deleitó en el pasado. Hasta el título parece una especie de broma viendo que en realidad este es un trabajo en solitario en la línea de Time, publicado en 2016. Pero si en aquella aventura nuestro hombre al menos vestía las canciones con algunos arreglos interesantes, esta vez ha optado por lo más básico. El resultado es nefasto. Cortes únicamente armados de acordes acústicos propios de un aprendiz que acaba de dar su primera clase de guitarra. Si lo que pretendía trasmitir en ‘Elegantly Expressed Depression’ y ‘Sad People’ era desidia y apatía, desde luego que lo ha conseguido. Un movimiento a todas luces incomprensible en una trayectoria hasta ahora repleta de sobresalientes. Si sufren de insomnio aquí tienen la solución. GONZALO PUEBLA

SPARTA

Trust The River (DINE ALONE) ROCK ALTERNATIVO

n los 14 años transcurridos desde que Sparta publicaran su último disco, parece claro que la música ha pasado a tener un papel secundario en la vida de Jim Ward. Es una opción totalmente respetable, faltaría más, pero para sus seguidores no ha dejado de ser un poco decepcionante tanto su ausencia en la reunión de At The Drive-In (irónico que Keeley Davis de Engine Down y miembro de Sparta durante 6 años fuera su sustituto) como la poca actividad que ha tenido con su banda, más allá de algún single aislado. De ahí, la sorpresa cuando a finales de enero se anunció la salida de este cuarto álbum de

Sparta e incluso su intención de salir de gira. Pero como podíamos sospechar, Trust The River no es un disco que pretenda volver a colocar a Sparta en el mapa o venderse como un ‘disco de retorno’. En el álbum nos encontramos a una banda más relajada que coge distancia respecto al sonido post hardcore y el emo de principios de los 2000. Salvo alguna excepción como ‘Cat Scream’, la distorsión de las guitarras se ha rebajado, también la agresividad de las voces y la contundencia de la base rítmica. Por ejemplo, ‘Turquoise Dream’ es un medio tiempo que por su melodía podría ser un tema de The Killers si tuviera una producción más pomposa. En ‘Spirit Away’ se acercan al folk crepuscular de Murder By Death, mientras que ‘Graveyard Luck’ camina como un rock de carretera. Nuevos registros para un Ward que ya no intenta revivir su pasado, ni tampoco huir de él, pero que sigue escribiendo buenos temas como ‘Miracle’ o ‘Empty Houses’. Ninguna de ellos va a cambiar el rumbo de la historia, pero todos desprenden sinceridad. JORDI MEYA

C TESTAMENT

Titans Of Creation (NUCLEAR BLAST) THRASH METAL

uando alguien se enfrenta a un nuevo disco de Testament, sabe que juega sobre seguro. Incluso en 2020. En mi opinión, y junto a Overkill, Alex Skolnick y compañía son los únicos de la vieja guardia thrash que siguen publicando obras musicalmente relevantes, y en Titans Of Creation vuelven a manifestarlo de forma entusiasta. Bastante menos veloz que sus predecesores Brotherhood Of The Snake, Dark Roots Of Earth o The Formation Of Damnation, Testament abogan por atacar aquí con recursos distintos, aunque seguro se ganarán el aprecio de todos aquellos acérrimos que ya peinen canas. Para empezar, su decimotercer álbum presenta un trabajo de guitarras digno de un orfebre, y todas esas filigranas son acertadamente acompañadas de un sonido real y ochentero, que poco

D ALL TIME LOW

Wake Up, Sunshine (FUELED BY RAMEN) POP PUNK

esde que Fall Out Boy se reinventaran como una banda de pop modernete en su exitoso retorno en 2013, no han sido pocas las bandas de su escena -desde Panic! At The Disco hasta los propios Blink-182- que han intentado seguir sus pasos. Naturalmente All Time Low tampoco escaparon a la tentación, y durante varios años estuvieron probando fortuna, bajando el volumen de sus guitarras y trabajando con compositores y productores que les ayudaran a entrar en el mundo del mainstream. La estrategia les funcionó sólo a en parte, y a la que uno empieza a escuchar su

se ha dejado contaminar por el plástico actual. ‘WW III’ debe ser matadora, con un título así no tiene otra, y mientras te deleitas otra vez con Eric Peterson y Skolnick, mientras certificas que los infalibles Steve DiGiorgio y Gene Hoglan golpean de lo lindo en el aparato rítmico, también Chuck Billy saca pecho para demostrar que el tiempo no pasa para él y que todas las voces y coros han sido especialmente mimados en este disco. Si hasta escuchamos ecos

de sus notables noventas… No se me ocurre ningún ‘pero’ para una canción tan redonda y atractiva como ‘Dream Deceiver’, ‘Night Of The Witch’ puede hacer que tus altavoces se tambaleen dada su pegada, pero mi favorita es la nocturna ‘City Of Angels’. Igualmente, yo quizá habría descartado alguna pieza menos relevante del disco para aligerar minutaje y conseguir, a su vez, un bofetón aún más palpable.

nuevo disco, parece que la banda de Baltimore haya querido rectificar el rumbo y recuperar la identidad de sus inicios. Sin embargo, a medida que avanza, ves que este retorno al pop punk es sólo a medias. La primera mitad empieza de manera muy prometedora con ‘Some Kind Of Disaster’ (una de las mejores canciones que hayan parido, todo sea dicho), ‘Sleeping In’, ‘Getaway Green’ y ‘Melancholy Kaleidoscope’, ‘Trouble Is’ y ‘Wake Up, Sunshine’. En todas ellas, en mayor o menor grado, encontramos un nivel de entusiasmo y energía que echamos de menos en el anterior Last Young

Renegade (2017) y buenas melodías marca de la casa. Pero a partir del séptimo tema, ‘Monsters’, en el que cuentan con la colaboración del rapero blackbear, y la semi acústica ‘Pretty Venom (Interlude)’, el cuarteto vuelve a decantarse por su vertiente más comercial con medio tiempos y temas más bailables donde los elementos electrónicos ganan peso. No es que sean malas canciones per se, pero aquí All Time Low suenan mucho más genéricos y con menos chispa. Si esto fuera un vinilo, diríamos que en la cara A está el punk y en la B, el pop. Tú sabrás con cuál te quedas.

PAU NAVARRA

DAVID GARCELL

THE USED

Heartwork (BIG NOISE) ROCK ALTERNATIVO, PUNK

uy pocos hubiésemos pensado en 2002, cuando The Used se convirtieron durante cinco minutos en la banda del momento, y su cantante Bert McCracken cumplía a la perfección su papel de nueva estrella del rock, que dos décadas después seguiríamos hablando de ellos. Y menos aún que la banda tendría un estatus competente. Pero ahí han estado, editando álbumes con continuidad y construyendo una identidad como banda que, poco a poco, les ha ido granjeando un respeto. Heartwork es ya su octavo álbum y

llega en un momento en que gracias a la vuelta en olor a multitudes de My Chemical Romance, toda aquella escena emo parece tener una nueva oportunidad. Heartwork los reúne de nuevo junto a su productor fetiche, John Feldman, lo que significa en sí mismo que la banda no quiere dar un paso en falso. Y lo consiguen. Llama la atención lo actual que suena la banda, sin perder su esencia, y como son capaces de seguir generando buenos estribillos y canciones pegadizas. Acompañados por esos textos de perdidas, angustia, redención… que tan bien se le dan a McCracken, nos encontramos algunos pequeños diamantes como la inicial ‘Paradise Lost’, exacto, el mítico poema de John Milton musicado, ‘Cathedral Bell’, la propia ‘Heartwork’ o la emotiva ‘To Feel Something’ cerrando el álbum. Todos ellos dejan clara la versatilidad y madurez de The Used a estas alturas. Quien no lo haya hecho nunca, debería tomarse en serio, de una vez por todas, a los de Utah. RICHARD ROYUELA

NECROPHILIAC No Living Man Is Innocent (XTREEM MUSIC) DEATH METAL

ay retornos, y luego hay retornazos. Lo de Necrophiliac es lo segundo, desde la primera letra hasta la última. 28 años después de su primer álbum, la banda considerada por muchos como la decana de nuestro death metal vuelve a sacar un largo, y menudo material contiene, señoras y señores… En No Living Man Is Innocent encontramos guiños a Chaopula, Citadel Of Mirrors, esa lejanísima ópera prima, pero también a un grupo que ha tenido todo el tiempo del mundo para dar lo mejor de sí y pulir las composiciones

hasta el punto de dejarnos anonadados en varios momentos. Los aires Asphyx de ‘Piper Leading Innocents’ o ‘Inhabitants Of The Red Forest’ son indiscutibles, también podemos seguir apreciando el impacto que tuvieron Possessed durante su etapa de formación, pero como demuestran en ‘Hunting Humans’ o ‘Magma Of Flesh (Beasts Of The Earth)’, Necrophiliac también tienen una personalidad definidísima. Para darse cuenta de ello sólo hay que prestar atención a la cantidad ingente de enigmáticas segundas guitarras que apuntalan muchas de estas canciones, dotándolas de cierta melodía exótica, arabesca incluso. El quinteto suena muy de su Andalucía, por otra parte… En ‘When Mother Ate Son’ puedes imaginarte a unos Obituary tirándose de bruces hacia la épica, y el trallazo ‘Kill All, Burn All, Loot All’ y el corte homónimo te dejan flipando, así de simple. Ante tamaño bicharraco solamente podemos rendirnos. Visto lo visto, ojalá no tengamos que esperar tanto para un hipotético tercer álbum. PAU NAVARRA

C TREES WILL TELL Negative Results (VARIOS SELLOS) POST HARDCORE

on el paso del tiempo uno va desarrollando ese sexto sentido que es la intuición y aprende de quién se puede fiar musicalmente hablando. Digo esto porque hace dos temporadas los colegas de The Braves Records me avisaron de que tenían entre manos un diamante en bruto llamado Trees Will Tell. Me bastó apenas una escucha a su opera prima, L’appel Du Vide, para percatarme de cuanta razón tenían. A los barceloneses se les podía situar en esa liga del nuevo post hardcore encabezada por La Dispute y Touché Amoré, pero ellos venían a jugar con sus propias armas. Dispuestos a continuar desmarcándose de las corrientes del género, Negative Results afianza con mayor rotundidad la personalidad del ahora cuarteto. Seguimos encontrando señas de identidad como

A SOUL ASYLUM

Hurry Up And Wait (BLUE ELAN) ROCK

l igual que Counting Crows, Soul Asylum sufrieron el síndrome del one hit wonder sin en realidad serlo. Su caso incluso es más injusto, teniendo en cuenta que antes de ‘Runaway Train’, el grupo ya había publicado cinco discos, y que después han editado otros seis contando este Hurry Up And Wait. Si en su día, eso le provocó no pocos dilemas internos, con 56 años recién cumplidos, Dave Pirner, lo tiene su superado. O como mínimo lo disimula muy bien porque estas 13 nuevas canciones suenan con la naturalidad de alguien que sabe que su pelea ya no está en competir en las listas. Pese a que sólo

el componente melódico y diferenciador de Joey Rego en ‘All The Wasted Lights’, donde su voz consigue abrirse camino entre la descarga de sus compañeros. Esa dualidad entre la rabia y la belleza continúa presente en cortes como ‘We Will Never (Be The Same)’ y ‘Sober King / Bastard Wing’. Ambas contienen las mejores cualidades de la banda con una inyección extra de épica bien entendida en su recta final. Pero hay mucho más.

Su capacidad para abrirse en canal puede manifestarse de un modo tan sombrío como en ‘About Crosses With No Name’ o en formato acústico, caso de ‘I’d Rather Stay’. Dos registros hasta ahora inéditos que se añaden a su currículum. Y cuando se trata de poner la directa, salen airosos en el cierre de ‘Stand And Stranded’. Como las mejores plumas, Trees Will Tell saben cómo encontrar la poesía en el lado más amargo de la vida.

queda él de la formación original -en este disco debuta el guitarrista Ryan Smith-, el sonido del grupo no ha variado demasiado desde que triunfaran en los 90. Quizá han dejado de lado algunos de los tics del rock alternativo de entonces, pero en el fondo, la base es la misma, con guitarras eléctricas y acústicas conviviendo en perfecta armonía y la voz arañada de Pirner soltando buenas melodías. Especialmente deliciosas son la inicial ‘The Beginning’, con un buen riff de entrada, la vibrante ‘Hopped Up Feeling’, o esos medios tiempos que se la dan tan bien como ‘If I Told You’, ‘Make Her Laugh’

o ‘Silly Things’, o la folkie ‘Dead Letter’. Personalmente, sigo echando en falta los licks, las dobles voces y alguna composición de su antiguo socio Dan Murphy (abandonó la nave en 2012 para llevar una vida más tranquila alejado del rock’n’roll), pero hay que reconocer que Pirner sigue siendo un buen capitán. A pesar de que en todos sus discos encuentras buenas canciones, en éste la media es superior y podríamos decir que se trata de su disco más completo desde Let Your Dim Light Shine de 1995. Si les habías perdido la pista, éste puede ser un buen momento para reengancharte.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

OKKULTOKRATI La Ilden Lyse (SOUTHERN LORD) BLACK METAL, PUNK, POST PUNK

escubrí a Okkultokrati tras empalmar un bolo soporífero de Meshuggah con el suyo. Les conocía de nombre y me atraía su logo, pero puede decirse que con ellos practiqué uno de mis deportes favoritos: asistir a ciegas a shows en Rocksound. Ahí reunidos estábamos la escasa escoria de siempre, los adictos que vamos a dos o tres conciertos por semana, y debo decir que por fin una banda nos dio la dosis justa de guarrería, mala uva y rock que necesitábamos esa noche. Con muchas ganas he esperado La Ilden Lyse, el quinto largo de los noruegos, y puedo afirmar

rotundamente que no me ha decepcionado lo más mínimo. Imagínate a unos Tribulation que no hayan conseguido nada en la música, tengan al batería más brutote que puedas echarte a la cara y se dediquen a patearse recintos grasientos con sus monos de currelas. Que Motörhead se hubieran convertido en vampiros en ‘Loathe Forever’. Que Venom hubieran surgido en este siglo y se hubieran dedicado a pegarse viajes psicotrópicos del calibre de ‘Kiss Of Death’. Que Darkthrone todavía tuvieran algo relevante por decirnos y volvieran a su etapa más punk, caso de ‘Grimoire Luciferian Dream’ o ‘Freezing Vortex Death Dreamer’. Encima, hay un punto trágico e irresistible en estas canciones, una especie de aura gótica, como en ‘Mother Superior’ o ‘Lunatics-Mondsüchtig’… Algo que las convierte en himnos descacharrados para chupasangres acabados. Una producción sudorosa y maloliente, absolutamente idónea, acaba por redondear el nuevo plástico de un grupo inusual, con muchas opciones de cautivar a lo bestia. Muy buena mierda, peña. PAU NAVARRA

Of Paralysis, lo nuevo de Paul Kelland y compañía no me ha castigado con la severidad que esperaba. Lo he disfrutado a saco, por supuesto, y siguen a años luz de muchísimas bandas de death y brutal que defienden la bandera del technical, pero esperaba un aplastamiento aún más ULCERATE Stare Into Death And considerable. De hecho, aseguraría que su sexto Be Still álbum deja de lado la (DEBEMUR MORTI) opresión para centrarse TECHNICAL DEATH METAL en una belleza de lo más curiosa, casi etérea, y muy 9 envolvente. Es como una ensoñación, por decirlo i no estás de algún modo. Stare familiarizado con Into Death And Be Still se Ulcerate y Stare instala en un ecosistema Into Death And Be Still es respirable, siempre repleto tu primera vez con ellos, de disonancias y baterías cuidado, porque mientras de otra galaxia por cortesía transcurre puede darte de Jamie Saint Merat un soponcio. Mejor que (‘Inversion’), claro, pero los temas imposibles como el riffs de guitarra de Michael corte homónimo, ‘Exhale Hoggard, tremendos todos The Ash’ o ‘There Is No ellos, te emocionan más que Horizon’ te pillen sentado, aterran. No todo tiene que porque la endemoniada ser violencia gratuita en esta destreza instrumental de vida, y dentro de su parcela, los neozelandeses parece seguramente estemos ante no conocer límites. Aquí el mejor álbum del año. ocurren mil cosas por Ulcerate son fascinantes, canción y sólo ellos pueden eso es lo que no cambia. salir airosos de semejante A ver quién tiene agallas a entuerto. Por el contrario, echarse una cover suya… tras el impactante Shrines PAU NAVARRA

LION’S LAW

The Pain, The Blood And The Sword (HFMN) HARDCORE, STREET PUNK

finales de su última gira, Vattie, el vocalista de Lion’s Law tenía las cuerdas vocales destrozadas. Hasta el punto que su voz no ha vuelto a ser la que tenía antes. Pero lejos de ser un problema, el cantante le ha sacado el mejor partido posible y ha potenciado un registro más rugoso y grave que al grupo le ha sentado de maravilla, dándole a su música un toque más hardcore. De hecho, todo el sonido de la banda parece haberse ‘engordado’ respecto a su anterior álbum From The Storm de 2016. Las guitarras, el bajo, la batería, todo suena mucho

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más fiel a la fuerza que tienen en directo. La agresividad e intensidad son las dominantes en piezas como ‘The Reaper’, ‘Roses And Fire’ (con colaboración de Scott Vogel de Terror) o ‘The Enemy’ donde los temas presentan tempos subidos de revoluciones. Pero naturalmente a los parisinos no se les ha olvidado de dónde vienen, y en el álbum también encontramos temas más cercanos al street punk y el Oi!. Es el caso de ‘Destin Criminel’, con un punteo de guitarra muy pegadizo, ‘Escape’ con un coro dispuesto a ser cantado a pleno pulmón, ‘Un Jour’ o la más melódica ‘Damaged Heart’. Como ya habréis deducido por los títulos, la banda alterna canciones cantandas en inglés con otras en francés, y la verdad es que les animaría a pasarse completamente a su idioma natural. No sólo les hace sonar más personales, sino también más reales. Pero hagan lo que hagan, lo que está claro es que con The Pain, The Blood And The Sword, el grupo ha dado un salto notable. JORDI MEYA

CÉNOTAPHE Monte Verità

(NUCLEAR WAR NOW!) BLACK METAL

l black que surge de Francia suele ser indómito, de fervor inquebrantable, y entre bastiones como Deathspell Omega, Antaeus, Mütiilation o cualquier otro grupo de Les Légions Noires quizá vamos a tener que sumar a Cénotaphe, dúo que de seguir así podría situarse entre lo más granado del país vecino. Que también se decanten por el francés no ha tenido nada que ver, pero a quien más me han recordado es a Forteresse o Aorlhac. Los riffs de guitarra del multiinstrumentista Fog son bellísimos, apelan directamente a esa parte

de tu mente que no dominas, y los tempos aceleradísimos son una característica que no se discute. Asimismo, toda su música resulta un puro estallido de emotividad, aunque cabe decir que Cénotaphe suenan más raw y descarnados. Parte importante de ello la juega Khaosgott, un cantante cuya angustia es real y palpable, un señor que de verdad se debate entre la vida y la muerte en casi todas sus apariciones, dando relevancia capital a cada frase de esta obra conceptual. Incluso las pocas partes con voces claras son un acierto, para nada echan para atrás en este sobrecogedor ejercicio de reflexión. Estamos ante un debut de lágrima, y aunque no sea precisamente original, el resultar melódicamente excelso supera cualquier examen al que le quieras someter. Si crees que exagero es que aún no has oído ‘Myosis’, ‘Intolérante Thébaide’, ‘Emersion’, un espléndido final como ‘Monte Verità’ y, sobre todo, una maravilla como ‘Ne M’Oubliez’. Esto es lo que deseo escuchar, así de simple. PAU NAVARRA

DRAIN

California Cursed (REVELATION) CROSSOVER

ay bandas a las que les resulta prácticamente imposible gabar un disco que les haga justicia. Y aunque nunca he visto a Drain en directo, por los vídeos que corren en YouTube, sospecho que entran en esa categoría. La que llegan a liar encima de un escenario no se puede capturar en una pista de sonido, porque aquí, más que las canciones en sí, lo que importa son las sensaciones. Escuchar California Cursed, con el que debutan en un sello capital del hardcore como Revelation, en el fondo, es como ver una foto de un plato de comida sin poderle

hincar el diente. De poco te sirve con ese riff a lo early Metallica de ‘Feel The Pressure’ si a continuación no sientes a cuerpos moviéndose por encima de tu cabeza o el acelerón de ‘Sick One’ si no se monta un circle pit durante los 58 segundos que dura. También hay que decir que la producción buscadamente old school de Taylor Young (Nails, Twiching Tongues), si bien les diferencia de otras bandas actuales, no ayuda a que la hostia sonora sea mayor. Es evidente que ser originales no es una de las motivaciones del cuarteto de Santa Cruz (California), pero desde luego tienen la lección bien aprendida, fusionando hardcore y thrash con total naturalidad. Mientras suenen temas como ‘Hyper Vigilance’, ‘Army Of One’ o ‘The Process Of Weeding Out’ por tu cabeza pasarán imágenes de tíos haciendo skate con camisetas de Suicidal Tendencies, Black Flag o Cro-Mags mientras a su alrededor todo está en llamas y el vocalista Sam Ciaramitaro se desgatiña montado encima de un coche de policia destrozado. Sugerente. JORDI MEYA

NAGLFAR Cerecloth

(CENTURY MEDIA) MELODIC BLACK METAL

o creía que Naglfar lo habían dejado hace mucho. Cuál fue mi sorpresa cuando empezaron a confirmar algunas fechas selectas, pude verlos en Europa y, para culminarlo, anunciaron un nuevo álbum ocho años después. Cerecloth ya está entre nosotros y lo primero que me llama la atención, aparte de la portada de Necrolord, es su sonido. El tema homónimo se encarga de abrir la lata y se trata de un zarpazo la mar de satisfactorio, pero la canción suena rara, quizá los parches de la batería de Efraim Juntunen, reclutado para la ocasión,

estén demasiado tensos. Para cuando llega ‘Horns’ ya te has acostumbrado bastante, pero mucho debe de haber tenido que ver el hecho de que el guitarrista Marcus E. Norman haya grabado y mezclado su séptimo disco para que Dan Swanö lo remate con su master. A ver, el trabajo suena lejano, oscuro y a la escandinava, mucho mejor que cualquier pegote de chicle actual, pero estoy seguro que más de uno también lo advertirá. No estamos ante su mejor obra, esto no es Vittra, pero el sello de Naglfar permanece en la maléfica ‘Like Poison For The Soul’ o ráfagas heladas como ‘Vortex Of Negativity’, ‘The Dagger In Creation’ o esa ‘Cry Of The Serafim’ letal cuando despega. Con mayor o menor entusiasmo, Cerecloth agradará a fans de Dark Funeral, Dissection, Dawn o los propios Naglfar, y si algo me refrendan temas como ‘A Sanguine Tide Unleashed’ es que sólo los suecos pueden practicar así el black melódico. Adivinas su nacionalidad al instante. Lo llevan en la sangre. PAU NAVARRA

WHITE STONES

O R Í G E N E S WHITE STONES Y SU PRIMER ÁLBUM KUARAHY NOS HA PERMITIDO CONOCER MUCHO MÁS A MARTÍN MÉNDEZ, EL ETERNO LUGARTENIENTE DE MIKAEL ÅKERFELDT EN OPETH. PARTIENDO DE URUGUAY REALIZAMOS UN RECORRIDO NOSTÁLGICO POR SU INTERESANTE VIDA, UN CAMINO QUE TARDE O TEMPRANO DEBÍA VOLVER A CONDUCIRLE AL DEATH METAL. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

S UN SOLEADO DOMINGO DE ABRIL CUANDO RECIBIMOS LA LLAMADA DE MARTÍN MÉNDEZ, el conocido

las últimas tres décadas. Este segundo contenido sólo lo encontraréis en exclusiva en nuestra web. ¿Cuándo empieza White Stones,

algo que surgió en el estudio?

bajista de Opeth. Afincado en Catalunya desde hace ya un tiempo, ni él ni yo podemos disfrutar como deberíamos de una mañana tan preciosa, pero en cambio, sí tenemos todo el tiempo del mundo para desgranar todas sus grandes pasiones y experiencias, que no son pocas. Kuarahy, el debut de su proyecto personal White Stones, rememora otro astro rey que suele brillar con fuerza, el de su natal Uruguay, al mismo tiempo que recupera otro de sus mayores amoríos, ese death metal que sigue latiendo en su corazón. Editada directamente por Nuclear Blast, en esta ópera prima se hace acompañar por viejos conocidos de nuestra escena: Eloi Boucherie de Vidres A La Sang al micro y el rodillo pluriempleado de Jordi Farré para la batería. Además, como Méndez ha grabado todas las guitarras exceptuando los solos, otro Vidres y Foscor como Albert Martí y el exNuckin’ Futs Joao Sassetti se encargarán de las seis cuerdas en directo. De nuestra charla casi podríamos decir que se derivaron dos entrevistas, pues a todo lo atractivos que White Stones resultan, también hay que sumar el enorme interés que suscita el conocer cómo funcionan Opeth por dentro, sin que Åkerfeldt nos tutele el discurso, además de cómo ha transcurrido la singular vida de un chico extranjero que, de pronto, se encuentra en el epicentro del death europeo y acaba tocando en una de las bandas más relevantes de

cuándo te decides a iniciar un

“Surgió totalmente en el estudio. Fue algo muy improvisado, porque la idea era que cantase yo. Al principio, como no tenía expectativas de lanzar nada de esto, me pareció algo curioso y me dije ‘mira, lo voy a cantar yo’, porque yo cantaba hacía veinte años, en algunos grupos canté death metal. Y dije ‘bueno, voy a probar’. Y creo que hice un tema, el primero lo llegué a grabar, pero no me convencía mucho. Después, cuando tenía los cinco o seis aquéllos listos que te he comentado, e intenté grabarlos otra vez, como que me sentí fatal. Que no, que esto no… no me sentía cómodo, no me sentía bien, y tenía a Eloi justo al lado. ‘Oye, prueba tú’, y bueno, fue ponerse y ya tomó color todo. Y dije ‘vale, ya está, no se discute más’”.

ya empezó a ganar cuerpo, ¿no?”. ¿Y a Eloi le dijiste que pusiera la voz desde el principio o fue

proyecto en solitario? MARTÍN MÉNDEZ “Todo esto co-

menzó sin planes. Cuando terminamos la gira de Sorceress con Opeth empecé a componer enseguida, nada más llegar a casa. Me empezaron a salir un par de temas bastante rápido, y me gustó la idea. Me sentía bien componiendo ese tipo de canciones. Yo la verdad es que ya venía de componer en casa, pero cosas diferentes, estaba experimentando con otros sonidos. Hacía bastante que no escribía una canción metal y, bueno, me gustó lo que empezó a salir, y al cabo de tener seis temas listos y grabados, cuando vi el resultado, fue cuando más o menos empecé con la idea de ‘bueno, pues esto no está tan mal, a lo mejor podría lanzarlo por cuenta propia o lo que sea’. Pero empezó ahí, después de haber terminado ya unos cuantos temas y de tenerlos grabados”.

La banda es una vuelta a tus orígenes, tanto musicales como familiares. A tu tierra, a Uruguay, y al death metal. ¿Por

¿Pero grabados ya en el Farm

qué crees que te ha venido aho-

Of Sounds con Eloi o en un

ra toda esta nostalgia? ¿Se tra-

home studio por tu cuenta?

ta de una crisis de los 40 algo

“Sí, en el Farm Of Sounds, sí, porque yo iba haciendo los temas en mi casa, en el estudio de mi casa, pero estaba viviendo en la granja en esa época, y tenía el estudio al lado, o sea que, cuando iba avanzando de tema en tema, ya me iba metiendo en el estudio y lo iba grabando, y al tener cuatro o cinco, fue cuando llamé a Jordi, y puso las baterías ahí. Fue cuando se formó un poco todo y

más artística? (Risas).

“Sí… (Risas) No lo sé. Si te digo la verdad, no lo sé. Esto surge todo en el momento un poco, y cuando ya tenía las canciones y me venía a la cabeza ‘a ver, cómo le pongo al grupo’, como que me vino esta ola nostálgica. Pero bueno, que siempre he tenido todo esto muy presente igualmente. Pero no sé, lo vi bonito en el sentido de poder expresarme con

estos sentimientos que tengo, reflejados en la música. Es como dar una parte de ti un poco más profunda en el trabajo, así que lo quise expresar de esta forma. A Uruguay hace tiempo que no voy, pero siempre la he tenido muy presente, y lo que son las raíces de los indígenas, de los ancestros, siempre me han llamado la atención también. Tengo curiosidad hacia eso, así que este disco ha salido así, pero el que viene no creo que tenga nada que ver con esto, ¿eh? No es una imagen que esté creando con el grupo, sino que este álbum ha sido con este tema y ya está”.

en ese territorio”. Y conociendo todo esto de tu país, ¿ves paralelismos con la situación en Catalunya, el Procés y tal, o crees que es distinto porque aquí se habla, es oficial…?

disco?

“No, no, claro… Ya te digo, prácticamente nadie en Uruguay presta atención a estas cosas de los indígenas, la verdad. No es algo que llevemos en la sangre y digamos ‘éste es nuestro pasado’. No, qué va. Es una lástima que ni en la escuela te enseñen prácticamente nada sobre los indígenas que han vivido allí. Ya me gustaría que el pueblo lo llevara con un poco más de orgullo, pero qué va”.

“No, no he comenzado a componer todavía, pero tengo ideas y ganas, sí”.

Supongo que alguien que ha

¿Estás ya metido en un segundo

vivido en Uruguay, en Suecia y Como su propio nombre indica,

en Catalunya, en el Estado espa-

Kuarahy contiene palabras de la

ñol, tiene que tener una visión

lengua nativa de tu país en va-

bastante cosmopolita de las

rias canciones… ¿Es una lengua

cosas. Imagino que en algunos

que dominas o sólo has recurrido

aspectos socioculturales somos

a ella de forma puntual para con-

muy distintos, pero seguro que,

tinuar con ese homenaje?

al ser humanos, en tantos otros

“No, sólo de forma puntual. Me encantaría hablarla, pero no, no la hablo. En Uruguay no la habla casi nadie, prácticamente nadie. Paraguay es el único país que ha conservado esta lengua, y hoy en día el guaraní es una lengua oficial allí. Tanto el castellano como el guaraní, pero no, no, qué va, me encantaría… Es la lengua tradicional de los charrúas, una de las etnias más conocidas que vivían en la región que es Uruguay hoy, y hablaban el guaraní, y también había otras etnias que lo hablaban… los guaraníes mismos, así que era una lengua muy dominante

también somos muy parejos. No

sé si alguna vez has hecho alguna reflexión de este tipo…

“Sí, claro, yo siempre digo que trato de recoger un poco lo mejor de cada sociedad que me ha tocado vivir. La sueca es una sociedad muy diferente a la latina, pero tiene sus partes muy positivas y otras más chocantes comparado con ésta. Igual que aquí. Hay un estilo de vida que en pocos sitios lo encuentras, y en Uruguay igual. Es un país que tiene algunas semejanzas con esto, pero poca cosa, no es lo mismo. Pero sí, a mí me gusta sacar lo más positivo

que pueda de cada sitio y tratar de adaptarme para entender esa sociedad, tienes que adaptarte un poco y respetar su forma de vivir y de creer para entenderla, especialmente la sociedad sueca… que es complicada de entender. Hasta que no te metes a vivir allí algunos años y gestionas con gente, no la entiendes del todo bien”. ¿Y eso por qué?

“Bueno, porque es una sociedad muy fría, muy distante con la gente. Les cuesta mucho hacer amistades, por ejemplo, pero uno va entendiendo con el tiempo, al final sabe que cuando haces una amistad es una amistad de verdad, pero cuesta muchísimo

“A URUGUAY HACE TIEMPO QUE NO VOY, PERO SIEMPRE LA HE TENIDO MUY PRESENTE, Y LO QUE SON LAS RAÍCES DE LOS INDÍGENAS, DE LOS ANCESTROS, SIEMPRE ME HAN LLAMADO LA ATENCIÓN TAMBIÉN” MARTÍN MÉNDEZ

comparado con países como éste o Uruguay. Eso es un ejemplo, pero bueno, que hay muchas cosas… Pero ya de por sí, al ser una sociedad tan fría, tan diferente, cuesta entenderla, al principio es más fácil juzgar que intentar comprender el caso”. Al final te das cuenta que el racismo es una de las mayores imbecilidades que existen, ¿no?

“Sí, sí, totalmente. Cada uno mira por su ventana y ya está, eso es así (risas). El resto es raro”. ¿Y cómo se ha traducido todo este proceso de volver a los orígenes en las letras? Por nombrar una, ¿de qué trata una

canción como ‘Worms’?

“La mayoría, y por ejemplo ‘Worms’, están más inclinadas hacia la sociedad, diría yo. Son… no diría antisistema, pero sí que son como una perspectiva del sistema. Van un poco en contra de la sociedad, políticamente hablando, pero con perspectiva, tampoco me estoy posicionando en ningún bando, por decirlo así. Estoy como observando desde arriba, y son inquietudes sociales, más que nada. ‘Worms’ va un poco contra el capitalismo, sobre lo que es. Worms (‘Gusanos’ –ndr.) seríamos nosotros, el resto de la gente a la que nos aplastan, y cómo se da la vuelta a la torta en la política, que un día es uno y al otro el otro el que machaca, y va

un poco de este palo. Muchas letras van de este rollo de la sociedad, de temas puntuales suyos, pero hay dos canciones… ‘The One’, por ejemplo, se lo he escrito a mi abuelo. Murió hace muchos años y le tengo mucho afecto, y es una letra transformada al death metal. La lees y dices ‘joder, ¿y eso le has escrito a tu abuelo?’ (Risas), pero para mí, en mi cabeza, es una letra de amor, podríamos decir, aunque adaptada al death”. ¿Qué es lo que más echas en falta de tu barrio, Piedras Blancas, o de Montevideo, o el país…? ¿Crees incluso que algún día volverás?

“Bueno, si te soy sincero creo que

“A LA HORA DE COMPONER, LO QUE MENOS SE ME PASA POR LA CABEZA ES INTENTAR SONAR COMO OTRA BANDA, Y MENOS COMO OPETH” MARTÍN MÉNDEZ

no, en este momento no tengo ni idea de plantearme volver. No sé qué echo de menos… tampoco es que eche nada de menos, si te soy honesto. Es algo que he vivido y que lo tengo dentro. Al haberlo vivido en una época como la juventud, pues es algo que te queda muy marcado, es algo que ha quedado ahí, pero no algo como que estoy aquí sufriendo porque no puedo volver. No, no, es algo que tengo dentro y de lo que no me he olvidado”. Como nos decías, al principio White Stones parecía algo más personal, pero se desmadra un poco cuando le presentas los temas al mánager de Opeth y él llama directamente a Nuclear Blast. No sé si al principio te

ga el disco a lo bestia’.

en el último disco de Vidres A La

“Sí, la idea era sacarlo de alguna forma. Yo quería alargarlo de alguna manera, pero la idea mía al inicio era que fuera por cuenta propia. La idea era un vinilo, sacar 200 copias y venderlas por un Bandcamp o lo que sea, pero cuando él vino con esta idea, como que todo se ha hecho más grande, sí. Al principio fue un poco un shock, porque me veía un poco atrapado, ‘uy, demasiada responsabilidad ahora’, estaba justo bastante cerca de las giras de Opeth y decía ‘no sé cómo gestionar esto’, pero bueno, después con el enfriamiento y pensándolo tranquilo, ‘¿Por qué no? Que no me va a llevar tanto tiempo tampoco’. Si ya lo tenía casi todo cocinado, así que... Fue una decisión bastante rápida de tomar igualmente, sí”.

Sang, así que debes estar fami-

pilló por sorpresa y luego dijiste

‘va, de perdidos al río, que sal-

Ya colaboraste metiendo un bajo

liarizado con sus obras. Imagino que también con Foscor, porque Albert será uno de los guitarras en directo. Te quería preguntar qué te parecen estas dos bandas y si has podido indagar algo en nuestro underground, en lo que se cuece por aquí.

“Estos dos grupos los conozco de hace tiempo ya porque soy amigo tanto de Albert como de Eloi. El resto de la escena… no estoy muy metido, la verdad. Si te soy sincero, todavía no me he introducido, no he ido a bolos locales aún. Normalmente estoy de paso siempre aquí, por decirlo así. Vengo de giras y estoy un tiempo en casa, y no me apetece salir de conciertos viniendo de dos meses de shows ahí, cada día. Pero he visto que hay mucha escena, que hay movimien-

to, mucho más de lo que imaginaba, y eso es bueno, eso siempre es saludable para la música. Algún día me gustaría meterme algo más en el estilo, en la escena de aquí, pero ya te digo, estoy un poco perdido con eso”.

uno en casa, y fue eso lo que me introdujo en la música. He tocado el bajo muchos años antes de tocar la guitarra, pero fue más que nada por eso: mi padre era bajista, lo tenía en casa, y ahí fue cuando descubrí un poco todo esto”.

Los solos te los ha puesto tu

influencias conscientes, y sí, esto ya me lo han comentado unas cuantas personas, así que no sé… Ha sido un poco de suerte también, de encontrar un estilo relativamente un poco propio y no volcarme en el estilo de Opeth, que es lo más normal cuando alguien ha tocado tanto tiempo en un grupo. Cuando uno tiene un proyecto aparte normalmente suele sonar un poco parecido a lo que has hecho anteriormente, pero no sé, he tenido la suerte de no hacerlo tan igual y tener un poco de originalidad en el sonido. Ésa era la idea”.

compañero Frederik Akesson,

Estoy de acuerdo contigo cuan-

menos en ‘The One’, que lo ha

do, en la nota de prensa, co-

grabado Per Eriksson de Ka-

mentas que White Stones no

tatonia o Bloodbath. Ya que

tiene demasiado que ver con

hablábamos de Albert, será él

Opeth, ni siquiera con la etapa

junto a Joao quien se encargue

death metal. A ver, la pulsión

de las guitarras en directo, pero

progresiva está ahí y el soni-

las has grabado tú mismo en

do orgánico y real también…

el álbum… Escuchando el disco

Además, Eloi sólo estaría en un

Sí, tu amor por Morbid Angel

se ve un nivel, así que, joder,

grupo que tuviera este tipo de

era conocido, ¿pero qué otros

¿cuántos instrumentos dominas?

sonido… (Risas) Pero llevando

grupos death u otros estilos te

“Dominar, dominar, sólo la guitarra y el bajo más que nada. Pero la guitarra la he tocado bastante tiempo, componía en los primeros grupos que tenía cuando tenía 15 años, por esa época ya componía con la guitarra y siempre la tocaba, siempre me ha gustado. A ver, yo no me considero guitarrista, no creo que pueda considerarme eso, pero bueno, la sé tocar, sí”.

casi un cuarto de siglo en el gru-

marcaron de joven?

po, está claro que eso tiene que

“Uff… Muchos estilos. Aquí, ya te digo… en este disco, aunque no se escuchen, hay influencias. Las hay del folk, de música folk de Uruguay mismo. Me acuerdo que en algunas partes le pedí a Eloi ‘por favor, hazte un grito como si fuese, por ejemplo, Los Olimareños’. Los Olimareños son un grupo folklórico, folklórico, de Uruguay, que tocan con acústicas, cantan de política… bueno, cantautores de éstos. Y lo dicho: ha habido pequeñas influencias de éstas aquí y allá. Escucho mucho jazz, música árabe, porque me gusta la música en general, o sea que influencias hay de todo. Que se escuchen, a lo mejor no, pero están ahí. Creo que es una recopilación de muchas influencias de a lo largo de los años. No podría decirte sólo una”.

¿Y por qué te decidiste por el bajo, qué te da este instrumento que no te den los demás? No sé si fue circunstancial, que justo Opeth necesitaban cubrir ese puesto…

“No, yo ya tocaba el bajo de antes. Mi padre era bajista, y comencé por ahí. Crecí en Uruguay y había un bajo en casa. Crecí en una familia bastante humilde, pobre, y no teníamos tampoco para… si yo quería tocar el bajo, ‘oye, cómprame uno…’. Pues no se podía, pero había

formar parte de tu ADN a la fuerza. Hay un poco de espacio para el rock también en ‘Infected Soul’… Pero ¿cómo describirías tú estas nuevas canciones? Porque el death metal es algo muy general, y lo tuyo es muy particular.

“No sé, creo que esto es un poco la combinación de influencias que he tenido durante los años, imagino. Ya te digo: yo, a la hora de componer, lo que menos se me pasa por la cabeza es intentar sonar como otra banda, y menos como Opeth. Es que no tendría sentido hacer una cosa así. ¿Que hay influencias? Sí, y Opeth son una de las bandas que más me gustan dentro del death metal. Siempre lo he dicho: tanto Opeth como Morbid Angel, musicalmente, son de las bandas que más me gusta lo que han hecho con el death metal. Pero lo dicho: la idea nunca fue tener

BOSTON MANOR

LIBERTAD CONDICIONAL

EL ÚLTIMO AÑO HA SIDO UNA VERDADERA MONTAÑA RUSA PARA BOSTON MANOR. DE ESTAR A PUNTO DE SEPARARSE A COMPONER SUFICIENTE MATERIAL PARA DOS ÁLBUMES. EL PRIMERO QUE VERÁ LA LUZ ES GLUE, EN EL QUE LA BANDA DE BLACKPOOL PROFUNDIZA EN LA SOFISTICACIÓN DE SU SONIDO CON BUENÍSIMOS RESULTADOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

O ES NINGÚN SECRETO. Pon a

cinco veinteañeros juntos a dar vueltas por el mundo durante un año y medio, y lo más probable es que cuando lleguen a casa estén hechos un desastre. No es fácil gestionar sentimientos como la adulación y la soledad, por no hablar de la falta de horas de sueño y el exceso de alcohol. Justo eso es lo que les ocurrió a Henry Cox (voz), Mike Cunniff (guitarra), Ash Wilson (guitarra), Dan Cunniff (bajo) y Jordan Pugh (batería). Tras terminar la gira de su segundo disco Welcome To The Neighbourhood, en el que los ingleses dejaron atrás el punk pop para presentarse como una banda de rock con influencias de grupos como Nine Inch Nails y Failure y un mensaje más político, el malestar que sentían les hizo plantear incluso tirar la toalla. Pero tras una breve descompresión y empezar a trabajar en nueva música, todo volvió a su cauce. Volando de nuevo hasta New Jersey para trabajar con el productor Mike Sapone (Brand New, Taking Back Sunday), el quinteto volvió a sacar lo mejor de sí mismo y canalizó todas sus frustraciones en un chorro de creatividad. Parte del resultado podrás escucharlo en Glue (Pure Noise). Merece la pena. Quería empezar preguntándote por el incidente que ocurrió en vuestro concierto en el Download Festival de Madrid el año pasado. No sé si lo recuerdas, pero al final del show alguien subió al

escenario y hubo una especie de

nas de poder volver a España”.

pelea. ¿Qué pasó exactamente? HENRY COX “Ya me imaginaba que

Vuestro nuevo disco sale el 1 de

me preguntarías por esto (risas). Fue muy raro. No me enteré muy bien, pero un tío subió y Jordan fue a pararle y pensó que iba a pegarle, y hubo un poco de jaleo. Creo que los de seguridad les estaban persiguiendo y se coló en el escenario. No sé. Fue raro porque tampoco le di ninguna importancia, pero luego en Europa todo el mundo nos preguntaba por ello. De hecho, luego el tío contactó con nosotros por Facebook para disculparse, eso estuvo bien. Creo que no quería hacernos daño ni nada, sino que quería protestar por algo de Marruecos porque él era de ahí. Me parece bien, pero invadió nuestro espacio mientras estábamos trabajando… Me sabe mal, pero fue un malentendido. Además, ese día fue una locura. Habíamos volado de Estados Unidos y todo nuestro equipo se perdió en el camino. Acabamos tocando a la una de la mañana”.

mayo. ¿Considerasteis retrasar

Es verdad… Pero a pesar de ser el último bolo de todo el festival, después de Tool, se quedó bastante gente.

“Sí, es uno de mis conciertos favoritos que hemos dado. Fue genial. Nos encantan Tool, pero nunca habíamos podido verles, aunque habíamos coincidido en algunos festivales. Ese día pudimos verlos desde el escenario, así que ya podría haberme ido a casa feliz. Pero como decías, luego se quedó mucha gente a vernos y la respuesta fue muy buena. Tenemos muchas ga-

su lanzamiento como han hecho otros grupos?

“La verdad es que todo es muy frustrante. Deberíamos haber estado ensayando para la gira, pero todo se ha ido al traste. Teníamos una producción muy chula para la gira, pero ya veremos qué pasa. Pero respondiendo a tu pregunta, no pensamos en retrasarlo. Toda la promo ya estaba en marcha y en el fondo, ese aspecto no me molesta. Sí a nivel personal porque me gustaría poder tocar estas canciones, pero creo que los fans agradecerán tener algo nuevo que escuchar. Podrán familiarizarse con el disco antes de que puedan vernos en directo y quizá eso hará que los conciertos sean aún mejores. No sé”. ¿Cuándo fue la última vez que viste al resto de la banda?

“Les vi en Blackpool hará como un mes. Una semana antes de que empezara la cuarentena. Tuvimos una reunión en la que hablamos sobre la posibilidad de que quizá tuviéramos que cancelarlo todo, y dos semanas después ya estaba clarísimo que no podríamos salir de gira. Así que empezamos a planear otro itinerario para más adelante. Pero no me quejo porque sé que hay bandas que lo están pasando mucho peor que nosotros. Mucha gente dice que los conciertos cambiarán para siempre, pero creo que el problema será la recesión 75

económica y que la gente no tendrá dinero para gastar en entradas. Habrá menos demanda y la industria sufrirá, pero quién coño sabe lo que ocurrirá”. En Welcome To The Neighbour-

hood tomasteis una nueva dirección musical y en Glue habéis ido incluso más lejos. Entiendo que os sentíais muy cómodos con el rumbo que habíais tomado y también con la respuesta del público.

“El cambio en Welcome To The Neighbourhood fue totalmente intencionado. Si queríamos dar un salto teníamos que hacerlo en ese momento o nos hubiéramos quedado en lo de antes para siempre. En cambio, Glue fue mucho más natural. No nos planteamos hacer algo diferente, sino que nos dejamos llevar. Fue más relajado. Empezamos a trabajar a principios del año pasado, pero el grueso lo hicimos a partir de septiembre, cuando terminamos la gira. La verdad es que fue todo bastante rápido y por eso creo que el disco es más visceral. Creo que el álbum es más amplio en todos los sentidos. Por ejemplo, a la hora de lanzar los adelantos teníamos muchas más opciones”. Comparado con lo que ocurría antes de que existiera internet, ahora los grupos sabéis al ins-

disco fue más relajado, tengo entendido que al final de la última gira incluso os planteasteis separaros.

“Bueno, estábamos muy quemados. Consideramos dejarlo o al menos desaparecer durante un largo tiempo. Llevábamos 18 meses girando sin apenas haber parado. Pero una vez nos libramos del mal rollo que llevábamos encima, todo fue bien. De hecho, teníamos material para hacer dos discos. No hablo de caras B, sino de otro disco totalmente distinto. Todavía no sé qué haremos con él, pero tenemos otro álbum entero preparado”. Vaya. Hablando de influencias, ‘Plasticine Dreams’ tiene un toque muy britpop. ¿Estuvisteis escuchando grupos de esa época antes o durante el proceso

británicas de nuestro estilo y quizá nos fijábamos más en el punk y el metal que venía de América. Pero creo que al final el ambiente en el que has crecido acaba saliendo. Es parte de tu historia. La realidad es que, desde que grabamos el primer disco hasta ahora, he descubierto un montón de discos de Radiohead que nunca había escuchado y cosas así”. Pese a eso, volvisteis a New Jersey para grabar Glue.

“Así es (risas). Simplemente es un gran estudio. Grabamos el disco anterior ahí y nos fue muy bien. Es muy tranquilo. Sólo hay una gasolinera, un restaurante y un bar. Grabamos un par de temas en un estudio genial en El Paso, en medio del desierto, pero a la hora de hacer el álbum entero preferimos hacerlo donde ya habíamos estado”.

de composición?

“Crecimos escuchando a Oasis, yo sobre todo porque soy del norte. Pero incluso algo como The Cranberries es algo que oías en la radio todo el tiempo cuando éramos niños. Así que ese estilo nos resulta muy familiar. Pero como te decía antes, en este disco todo salió de manera natural. Esta canción en particular, al principio yo la veía como algo más lento, tipo shoegaze, a lo My Bloody Valentine, pero acabó siendo un tema pop”.

tante si algo gusta o no. ¿Pres-

Ahora que los tempos de vuestros temas son más lentos y están menos basados en riffs, ¿te resulta más fácil escribir melodías o cantar?

“Sí. Siempre es más fácil escribir melodías sobre música lenta, y creo que mi voz suena mejor. Pero también echas de menos hacer headbanging, ¿sabes? Así que tienes que encontrar el equilibrio. Me gusta cantar temas lentos, pero en los conciertos me encanta ver a la gente saltando y hacer el burro (risas)”.

tas atención a lo que se dice en

¿Crees que los grupos británicos

redes?

de vuestra generación empezas-

“Bueno, estamos acostumbrados a que nuestra música sea analizada. Unos dicen que les suenan unas influencias, otros que les gusta, otros que no… Pero en general la respuesta ha sido muy positiva, así que estamos tranquilos”.

teis imitando más a grupos ame-

¿En qué canción de Glue crees

ricanos y ahora os habéis como

que habéis evolucionado más?

reconciliado con el legado de las

“Creo que ‘On A High Ledge’ es la mejor canción que hemos escrito y la más difícil de hacer. Pero ‘Plasticine Dreams’ seguramente sea la más distinta”.

Aunque has dicho que hacer este 76

bandas de vuestro país?

“No lo había pensado, pero tienes razón. Es algo que siempre está ahí. Creo que cuando éramos adolescentes no había demasiadas bandas

En Welcome To The Neighbour-

“LAS BUENAS CANCIONES DEBERÍAN SER POESÍA Y LA POESÍA SALE DEL DRAMA. ASÍ QUE TODO EL MUNDO BUSCA ESO EN LA MÚSICA” HENRY COX hood utilizasteis Blackpool, vuestra ciudad, como una excusa para hablar de asuntos más globales. En Glue hay algo de eso, pero también cuestiones más personales. ¿Has hecho más introspección a la hora de escribir?

“Sí, desde luego. En la carretera he tenido mucho tiempo para pensar. No es que me haya vuelto una persona más introspectiva, pero me siento más cómodo a la hora de abrirme en las letras. Supongo que es algo que tiene que ver con madurar como persona”. Y cuando miras hacia adentro, ¿te gusta lo que ves? Lo digo por la letra de ‘Terrible Love’…

“No sé (risas). Creo que es difícil ser amable con uno mismo. Pero en general, creo que estoy más tranqui-

lo a medida que me hago mayor. ‘Terrible Love’ salió en un momento realmente bajo. Llevábamos mucho tiempo de gira, volvimos a casa, teníamos que terminar el disco… sentía mucha presión. Y además, tenía que cuidar de mis padres porque son mayores y viven un poco aislados, así que me salió hacer una letra sobre todo lo que no me gusta de mí. Pero no lo hice desde un punto de vista negativo, sino por ver en qué cosas puedo mejorar. Pero no quería hacer todo un disco sobre eso, porque no creo que sea tan interesante, y siento que hay cosas más importantes de las que hablar. Ahora mismo estamos viviendo una jodida película, hay muchas cosas que decir. Y si te soy sincero, nunca me ha pasado nada malo. No tengo ningún trauma, tuve una buena infancia, así que no tengo nada horrible que sacar”.

¿Crees que a veces se glorifican esos traumas por parte de los músicos? Al final, la mayoría de la gente tiene una vida normal.

“Puede que tengas razón. Pero las buenas canciones deberían ser poesía y la poesía sale del drama. Así que todo el mundo busca eso en la música. Si no, estaríamos escuchando canciones infantiles todo el día. Pero atando todo lo que hemos hablado, creo que es un buen momento para mirarse a uno mismo en relación a lo que está ocurriendo en el mundo. Tenemos grandes desafíos ante nosotros, pero tenemos que afrontarlos haciendo cambios a nivel personal, pasar a la acción y mejorar como personas para hacer que el mundo sea mejor”.

DANKO’S HALL OF FAME

ste mes el disco escogido para mi Hall Of Fame particular es Animosity de Corrosion Of Conformity. Reed Mullin, batería de Corrosion Of Conformity, murió recientemente recordando a toda la gente del mundo del punk y heavy metal lo buenos que eran, y son, Corrosion Of Conformity. Eran una de esas bandas introductorias que uno necesita descubrir para adentrarse en la música heavy underground. C.O.C. eran percibidos como una banda de crossover, mezclando los diferentes estilos del punk con los del heavy metal, consiguiendo unir a esas dos escenas opuestas. Otros contemporáneos eran D.R.I., S.O.D., Suicidal Tendencies y Cro-Mags. Cuando eres un crío, lo que es casi más importante que la música es la mise en scène; es decir, todo aquello que rodea la propia música. Los chavales que se sienten atraídos por el punk y el metal son normalmente outsiders, y la música underground suele ser el primer lugar donde se sienten aceptados. Normalmente eso va acompañado de una actitud irreverente y una imagen diferente. Las bandas que tienen logos, símbolos, emblemas o nombres atractivos, tienen la venta asegurada de algunos discos y camisetas extras. Estoy convencido que la cantidad de álbumes y camisetas que Corrosion Of Conformity 78

vendieron gracias a su alucinante cráneo de radiación con púas, les ayudó a pagar hipotecas y coches durante años. Afortunadamente, el grupo supo acompañar eso con un buen puñado de metal punk acelerado. Animosity era el segundo álbum de la banda, pero para muchos, como yo, fue su puerta de entrada a Corrosion. ¿Cómo uno puede pasar por alto esa caótica y salvaje portada de Pushead, que nos atrapó a todos a primera vista? Vale que la producción no era la mejor y que el bajista Mike Dean no tenía el tono perfecto en su voz, pero esos gruñidos encajaban a la perfección en canciones como ‘Loss For Words’, ‘Mad World’ y mi favorita, ‘Holier’. Encajaba tan perfectamente que marcó el género y muchas bandas, incluso hoy en día, intentaron copiar su estilo. Siendo un trío, era fácil poder

descifrar lo competentes que eran cada uno con su instrumento a nivel técnico y siempre creí que la sección rítmica era sencillamente estelar. A veces me pregunto cómo la banda hubiese brillado de haber tenido un mejor presupuesto para la producción, reforzando las guitarras y subiendo el bajo un poco en la mezcla. Éste fue el último lanzamiento que tuvo a Mike Dean como cantante solista, hasta el álbum de retorno en 2012, que los volvió a situar como la banda de crossover metal punk que todo el mundo recordaba. Aunque la banda tuvo un éxito relativo cuando hicieron aquella transición de convertirse en una banda de hard rock con toques metálicos, siempre serán identificados como aquella banda de crossover llegada de Raleigh, Carolina del Norte. ¡Hasta el mes que viene!

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