RockZone 168

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzonemag.com rockzone@rockzonemag.com Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona.

Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez, Sergio Pozo, Blanca Gemma Fuerte.

Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Blanca Gemma Fuerte, Alex Belza, Andrea Estebaranz, Unai Endemaño Foto de portada: Eric Altimis

Joooder... Mira que durante los 15 años que llevamos haciendo la revista nos ha pasado casi todo, pero nunca hubiéramos imaginado que un día nos veríamos obligados a hacerla confinados en casa. La pandemia del COVID-19 ha supuesto un mazazo en nuestras vidas, y en especial en el sector de la música en vivo. Ahora mismo nadie sabe muy bien cuándo ni cómo saldremos de ésta, pero está claro que el día que podamos volver a asistir a un concierto, lo disfrutaremos como nunca. Hasta entonces, nos consolaremos escuchando discos tan buenos como el que este mes entregarán Viva Belgrado. Enjoy!

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Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Turbonegro (Azkena Rock Fest) © Eric Altimis

EDITORIAL

SUMARIO

Nº 168

06 / OZZYO 10 / DE CINE 12 / GREY DAZE 18 / ALL TIME LOW 24 / GYOZA 28 / AUGUST BURNS RED 34 / DESAKATO 40 / THE MOTHERCROW 46 / VIVA BELGRADO 52 / DISCO DEL MES 54 / CRÍTICAS 72 / JOE SATRIANI 77 / DOSSIER DEATH METAL 88 / DANKO’S HALL OF FAME TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY. ¡GRACIAS!

OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO

EL HUMANO

PERSÉPOLIS

Varela y

Marjane

Agrimbrau

Satrapi

(LA CÚPULA)

(RESERVOIR BOOKS)

Un científico con la misión de estudiar La Tierra en un lejano futuro se las verá con un mundo muy diferente al que dejó atrás, poblado de extraños simios (que recuerdan a los morlocks de Wells) y con la única ayuda de unos ciborgs que, a la larga, se terminarán mostrando más humanos que su creador. Esta obra, aunque parte de una melodía interpretada infinidad de veces, cuenta con la suerte de estar ejecutada con gracia en el texto e impecable en el trazo, por lo que aunque ya escuchada, se disfruta como si fuera la primera vez. SG BARRIOS, BLOQUES Y BASURA Julia Wertz (ERRATA NATURAE)

Atípico retrato de Nueva York a golpe de cómic elaborado por Julia Wertz, colaborada habitual en The New Yorker. Desde cierta perspectiva de despecho de quien ha sido desahuciado por los procesos gentrificadores, Julia elabora una mastodóntica carta de amor sobre rincones e historias de pie de calle, muchas de ellas mugrientas, completamente alejado de lo que suele ofrecer una guía de viajes al uso. Para leer con calma y admirar algunas de las planchas donde superpone el paso de las décadas por los barrios. SG

Persépolis es una novela gráfica imprescindible a guardar en la estantería de casa junto a Maus. Porque no solo es la autobiografía de Marjane Satrapi, sino que nos explica cómo se vive el día a día en la República Islámica de Irán. El principal activo de esta obra, además de su valor histórico, es el contraste entre la inocencia/simpleza de los dibujos de la autora y la dureza de lo relatado: falta de libertades, torturas, masacres, etc. Y eso que Satrapi tiene la suerte de que sus padres gozan de una buena posición social y económica y son muy cultos y modernos: por ejemplo, en la época punk de Marji, su madre le hace un jersey con agujeros y un collar de cadenas y en un viaje a la más liberal Turquía, le compran un póster de Iron Maiden que tienen que camuflar en el forro de un abrigo para burlar la censura y entrarlo en Irán. Viendo el panorama, incluso deciden enviarla a vivir sola a Viena para alejarla de la guerra con Irak, aunque “si hubieran sabido que su hija se maquillaba como una punk, que fumaba porros para quedar bien, que había visto a hombres en calzoncillos mientras que a ellos los bombardeaban a diario, no habrían seguido considerándome la hija soñada”. La joven Marjane se va espabilando y sobrevive como puede, poco a poco va despertando su conciencia política y feminista, hasta que decide regresar a su Irán natal. Todo esto se cuenta en esta edición integral con nuevo diseño. JF

CIELOALTO Agrimbau y Pietro (GRAFITO)

Primera obra del año de ciencia ficción que me arranca unos cuantos ¡bravo! mientras la leo. Cieloalto es una ciudad que se extiende hacia adelante y hacia atrás, nunca a los lados, porque crece sobre un puente infinito. En ella viven los viajantes y los permanentes. Los primeros, mortales, pueden ir a dónde quieran, los segundos, eternos pero con edades variables dependiendo del lugar que ocupen en el plano. Tan demencial como eficaz es esta historia sobre personas y conflictos de clase. Más real de lo que nos gustaría. SG SQUEAK THE MOUSE Massimo Mattioli (FULGENCIO PIMENTEL)

Clásico del underground italiano, Fulgencio Pimentel ofrece en un tomo integral esta obra completa que, parodiando a Tom y Jerry, llegó a influenciar a Matt Groening para crear los gags de Rasca y Pica. Squeak The Mouse es una completa marcianada de porno gore bajo el prisma de gag de dibujo animado. Sexo, mutilaciones, historias dentro de historias, todo se sucede a un ritmo trepidante en clave muda, pero donde resuena cada una de sus muchas tremendas (y satisfactorias) salvajadas. SG

OZZYO

LA VENGANZA DE LAS PUNKS Vivien Albertine (CONTRA EDITORIAL)

DAR LA CARA. UNA VIDA AL DESCUBIERTO Paul Stanley- Tim Mohr (ES POP)

TEXTOS: RICHARD ROYUELA, JORDI MEYA

A primera vista un libro como La Veganza De Las Punks podría ser visto como una obra oportunista teniendo en cuenta estos momentos que estamos viviendo, en los que por fin la mujer está teniendo esa voz en la sociedad por la que siempre ha luchado y merecido. Por desgracia, eso ha llevado a ensayos que nada tienen que ver con la raíz de este movimiento feminista se hayan aprovechado de la situación. No es el caso de La Venganza De Las Punks. Su autora Vivien Goldman no es nueva en esto. La perspectiva histórica que tiene del movimiento punk, por haber estado allí, le dota de total autoridad sobre lo que habla. No en

vano su currículum incluye hitos como haber sido la primera publicista de Bob Marley en el Reino Unido, además de escribir más adelante una biografía del mito jamaicano, manager de Generation X o haber colaborado musicalmente con John Lyndon en sus primeras andadas post Sex Pistols.

Goldman sabe ir a la esencia de lo que quiere explicar –el libro no llega a las 250 páginas- eso sí, sin que sobre ninguna de ellas y con una capacidad de síntesis envidiable. A través de las páginas explica cómo revolucionarias punk – aunque aquí el término punk es casi más ideológico que musical; Madonna o Neneh Cherry son citadas- tuvieron

que luchar para sacar cabeza en una escena donde no estaban muy bien vistas o, en el mejor de los casos, recibidas con recelos iniciales. Y claro una cosa puede ser Inglaterra y otra en países como India, la antigua Checoslovaquia o aquella España con una democracia en pañales, donde Las Vulpess pusieron del revés un país tras su mítica aparición televisiva un sábado por la mañana; algo que la autora explica con emoción. El carácter global del ensayo es lo que lo acaba por redondear la obra y, por su fuera poco, Vivien nos regala unas playlist para no dejarnos escapar de una lectura a la que nunca ves el momento de dejar. RR

Como tantos otros artistas veteranos, Kiss han incurrido en el pecado de no haberse retirado a tiempo.

Aunque en este momento se encuentren inmersos en su enésima gira de despedida, es evidente que el legado del grupo hubiera quedado más resguardado de haber lanzado la toalla unos cuantos años atrás. Y buena parte de la culpa, la tiene esa mentalidad empresarial de la que han hecho gala sus dos miembros fundadores.

Porque Gene Simmons será quien hace una mayor ostentación de ello, pero como queda claro leyendo esta biografía, Paul Stanley tam-

poco se le queda muy atrás, si bien su ambición queda autojustificada por un constante afán de superación.

Nacido con una deformidad en su oreja derecha y en el seno de una familia disfuncional, Stanley encontró en el rock’n’roll el medio para cambiar el rumbo de su vida.

Y vaya si lo consiguió. En el libro relata el ascenso de Kiss, valorando cada paso como una victoria, eso sí, dejando claro que fueron gracias a él. De hecho, sorprende su constante voluntad de minimizar el papel de Simmons, a quien muestra su afecto, pero matiza su importancia a la hora de haber convertido

a Kiss en una marca de éxito.

De Ace Frehley y Peter Criss, mejor ni hablemos. No dudo que lidiar con ese par no tiene que haber sido fácil, pero como fan es doloroso ver el trato que les depara. A pesar de su enorme ego, Stanley reconoce, al menos, algunas cagadas memorables de su carrera, como su fallida incursión en el cine con la peli Kiss Meets The Phantom. Como libro de cotilleos y autoayuda de una diva, su lectura es entretenida, pero seguramente es su falta de autocrítica y narcisismo los que explique nque todavía se atreva a su subir a un escenario pese a haber perdido su voz. JM

DE CINE_ CON MIGUEL BAIN LA CAZA

EL JUEGO DE LA VENGANZA

D

oce extraños se despiertan en el claro de un bosque. No saben dónde están ni cómo han llegado hasta ahí. Tampoco saben que han sido escogidos para algo muy concreto. Han sido seleccionados para ser cazados. A raíz de una teoría conspirativa nacida en la dark web, un grupo de la élite mundial se reúne por primera vez en una recóndita mansión para divertirse cazando a seres humanos.

Sí, lo has visto docenas de veces. Más en serio, más en broma, la nueva creación de Damon Lindelof (junto a su colega Nick Cuse) toma como base The Most Dangerous Game, la historia creada por Richard Connell que ya ha tenido otras adaptaciones cinematográficas como El Malvado Zaroff (1932), Blanco Humano (1993), Un Tío Llamado Peste (1997) o The Eliminator (2004), entre otras.

Después de cumplir una tem10

porada en la nevera, debido a tragedias humanas en forma de tiroteos masivos en Estados Unidos, la película, que ya tenía fecha de estreno y a la prensa opinando al fin, ha visto como la crisis sanitaria mundial ha vuelto a condenarla al ostracismo del vod o la descarga zorruna.

A pesar de que muchos espectadores puedan no entrar en su juego (de manera literal, porque esto es uno muy grande y aparatoso), hay que estar a favor de obra con The Hunt y su espíritu gamberro y crítico, también cercano al Kevin Smith de la excelsa Red State, otra obra clave para entender ciertas tendencias norteamericanas y globales con las que hemos convivido hasta ahora.

Con La Caza, Lindelof prolonga su racha de aciertos con una verbena satírica entre la Troma y Armando Iannucci, y pone todas las cartas sobre la mesa sin esconder nada en la manga. ¿La mejor mano de todas? La de Betty Gilpin, imparable caballo ganador.

Noventa minutos de pura evasión y mala uva sanguinolenta que hacen de esta cacería el producto Blumhouse más eficiente de una temporada que, al menos en chez Blum, ha cerrado hasta el año que viene.

Ideal para estos días de justicieros de balcón.

EL HOMBRE INVISIBLE EL ENTE

A

unque tengamos en la cabeza la exquisitez de James Whale al servicio del desatado Claude Rains como pieza inicial de este rompecabezas transparente, la realidad nos dice que la primera adaptación de la novela de H.G. Wells la realizó nuestro Segundo de Chomón en el lejanísimo 1909. Más de un siglo después, Leigh Whannell readapta la idea a los tiempos actuales y la jugada, aún con algunas sombras un tanto incómodas, acierta de pleno.

Y no me entiendas mal: sus sombras nada tienen que ver con el posicionamiento de la historia ni con su punto de vista.

Empecemos por los aspectos menos positivos, que podríamos resumir en uno: el tremendo combo de problemas que la historia arrastra desde el momento en que damos por sentado, sobre todo los personajes principales, que los hechos son así y así debemos

asumirlos. Sin cuestionar ni una sola línea. Y teniendo en cuenta que uno de los personajes es un agente del orden que no parece ningún pardillo, lo cierto es que cuesta hacerse a la idea. Pero esas son las reglas y aquí hemos venido a jugar. Una vez superada la incredulidad provocada por la parte más ‘real’ de una película de cine fantástico, empieza lo bueno.

El Hombre Invisible es un trabajo delicioso de Leigh Whannell a la hora de poner en escena cada plano de la peli, porque todos son sospechosos y sientes como ese ‘ente’ está siempre en algún rincón. Es decir, el director de Upgrade (Ilimitado) vuelve a entrar por los ojos.

Es una gozada cómo en sus (excesivas) dos horas hay sitio para prácticamente toda la saga de largometrajes clásicos y que, de alguna manera, sea el equivalente a La Mosca (1986), aunque su mayor referente, tanto visual como sonoro, sea El Ente, la peli de Sidney J. Furie que protagonizase Barbara Hershey.

Poco que objetar si pasamos por alto todos los temas legales y burocráticos que rodean a la trama. El resto, cine de género de calidad que disfrutas en la sala, pero que cuando te tomas un café y piensas en lo que has visto no aguanta el envite.

GREY DAZE

PASADO PRESENTE

TRES AÑOS DESPUÉS DE LA TRÁGICA MUERTE DE CHESTER BENNINGTON, LOS COMPAÑEROS DE SU ANTIGUA BANDA, GREY DAZE, LE RECUERDAN LANZANDO UN DISCO CON NUEVAS GRABACIONES DE VIEJAS CANCIONES QUE HIZO CON ELLOS. ÉL SE HA IDO, PERO SU VOZ PERMANECE. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A

NTES DE QUE EL MUNDO DESCUBRIERA EL TALENTO VOCAL DE CHESTER BENNINGTON,

cuando en octubre de 2000 se publicó el millonario debut de Linkin Park, algunos ya habían tenido la oportunidad de escucharlo a través de Grey Daze, su anterior banda. El grupo estuvo en activo entre 1993 y 1998, y publicaron dos discos, Wake Me y …No Sun Today, de rock influenciado por el grunge. En 2017, Bennington decidió junto a sus antiguos compañeros, el batería Sean Dowdell y el bajista Mace Beyers, regrabar algunas de sus canciones para darles una nueva oportunidad. Por desgracia, su inesperado suicido en julio de ese mismo año dejó el proyecto a medias.

Sin embargo, el resto de la banda, con la ayuda del guitarrista Cristin Davis y miembros de grupos como Korn o Helmet, decidieron terminarlo una vez tuvieron el permiso de la familia del cantante, regrabando las partes instrumentales y utilizando las pistas originales de voz. Eso es lo que podremos escuchar en Amends (Warner), aunque todavía tendremos que esperar un poco más de lo previsto. Debido a la crisis del coronavirus, su lanzamiento se ha aplazado del 10 de abril al 26 de julio, una decisión que en el momento de charlar con Sean Dowdell todavía no se había tomado.

Llevas mucho tiempo trabajando en este disco. ¿Cómo te sientes ahora que por fin podrá escucharlo todo el mundo?

SEAN DOWDELL “Es un momento

un poco agridulce. Me hubiera gustado que mi amigo hubiera estado aquí para disfrutarlo también. Era una misión que teníamos que llevar a cabo, y en ese sentido estoy feliz de haberla terminado. Me siento orgulloso de haber llegado al final”.

Vamos a ir al principio de todo. ¿Cómo conociste a Chester y cuál fue tu primera impresión de él tanto como persona que como cantante?

“Conocí a Chester en 1992, cuando estábamos buscando a un cantante para una nueva banda. Chris, el guitarrista, nos dijo que conocía a un chaval que cantaba con la banda de su hermano pequeño y que deberíamos llamarle. Así que lo hicimos y vino al día siguiente. Mi primera impresión es que no parecía una estrella del rock.

Tenía muchas ideas preconcebidas sobre cómo debía ser un cantante de rock y era bastante arrogante al respecto. Así que mirando atrás tengo que reírme de mí mismo porque claramente estaba muy equivocado. Pero es que Chester era muy delgado, con gafas, el pelo rizado, parecía un nerd (risas). Pero le hicimos cantar ‘Alive’ de Pearl Jam y nos quedamos boquiabiertos. Era increíble. Estaba clarísimo que tenía una gran voz. Le pedimos que se uniera al grupo, pero nos dijo que tenía que pedir permiso a su padre y si podíamos acompañarle a su casa para hablar con él. Piensa que nosotros teníamos 17 años y él 15. Así que fuimos a hablar con su padre y nos

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hizo un montón de preguntas sobre nuestros planes, sobre si tomábamos drogas, y finalmente le dio permiso.

Así que tengo que darle crédito a su padre por apoyar a Chester en ese momento”.

Por lo que veo, aunque sólo teníais 17 años, ya ibais muy en serio con la música.

“Sí. Con 17 años quería girar y tocar para mucha gente. Y gustar a las chicas, claro (risas). Así eran las cosas entonces. A medida que fuimos mejorando como compositores, empezamos a pensar más en el futuro y en grabar discos y conseguir un contrato. Ése era nuestro sueño”. ¿Musicalmente conectasteis rápidamente con Chester?

“Fue bastante fácil. A Chester le gustaban mucho Jane’s Addiction, Stone Temple Pilots, Alice In Chains, Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden… los mismos grupos que a mí. En ese momento la escena grunge era enorme y a todos nos encantaba. No sonábamos como esos grupos, pero eran nuestras influencias”.

Con el tiempo grabasteis un par de discos y estuvisteis girando. ¿Cómo te sentiste cuando Ches-

punto, pero Mace Beyers tenía problemas de adicción y no se presentó a la prueba de sonido, y luego durante el concierto hubo una pelea en la pista que acabó trasladándose al escenario. Dejamos de tocar y en el camerino todo el mundo estaba súper cabreado, en ese punto ya nadie quería seguir adelante. Era demasiado estrés. Eso es lo que pasó”. ¿Cómo viviste el gran éxito de Linkin Park?

“Oh, me sentía muy feliz por Chester.

Siempre me alegré de su éxito. Nunca he querido vivir mi vida sintiendo envidia de nadie. Y la música que hacían era buena. Eran una banda muy trabajadora, así que merecían todo el éxito que tuvieron. No fue un golpe de suerte. Así que en este sentido, para mí era fácil llevarlo”. ¿Cuándo volviste a conectar con Chester?

“Fue en 2001, cuando a Bobby, nuestro guitarrista, le diagnosticaron un tumor cerebral. Chester me llamó e hicimos las paces por teléfono. Me dijo que me echaba de menos y yo le dije que también, y me dijo que era estúpido estar peleados por lo que había pasado. A partir de entonces volvimos a ser amigos”.

ter decidió dejaros para unirse a Linkin Park?

Y de hecho, os hicisteis socios.

“Tuvimos una gran pelea. Teníamos un par de contratos en marcha y llenábamos los conciertos que hacíamos, las cosas nos iban muy bien.

Warner nos hizo una oferta para grabar una maqueta para ellos, pero unos días antes de que fuéramos a grabarla, todo explotó. Decidimos hacer un concierto para ponernos a

“Sí, nos hicimos socios en 2003.

Mi empresa, Club Tattoo, es un estudio de tatuajes y piercings de lujo, tenemos locales en Las Vegas y Arizona, y Chester entró a formar parte de ello. Le encantaba la marca y ayudarnos a crecer. Gracias a él ganamos mucha notoriedad a nivel global y nos convertimos en una de

las marcas más conocidas. Nos encantaba trabajar juntos”.

Unos años más tarde, Chester comentó que quería volver a hacer música con Grey Daze. ¿Te sorprendió cuando te lo propuso?

“No, porque habíamos intentado reunir el grupo varias veces.

Una fue en 2002, en 2007 y en 2008, así que no me sorprendió, especialmente porque fue cuando dejó Stone Temple Pilots.

Sé que le molestó mucho. Sus palabras fueron ‘Echo de menos tener mi banda de rock y echo de menos hacer música contigo’.

Creo que en ese momento, la amistad era incluso más importante que la música”. ¿Intuiste en algún momento que estaba pasando por un momento malo y que, por desgracia, acabaría suicidándose?

“Su muerte me cogió totalmente por sorpresa. No tenía ninguna sospecha de que acabaría haciendo lo que hizo. Hablábamos muy a menudo, de nuestros amigos, del grupo, del negocio… La última vez que hablé con él fue dos días antes de que muriera. Se iba a ir a Sedona con su familia, estaba ilusionado, tenía energía, hablamos de hacer otro estudio en Las Vegas, estaba en la cima del mundo. No tenía ni idea de que nada malo pudiera pasar.

Fue una sorpresa absoluta”. ¿Y has llegado a resolver lo que pasó?

“LOS DOS PRIMEROS MESES EN LOS QUE ESCUCHAMOS LAS PISTAS DE VOZ AISLADAS FUERON MUY DOLOROSOS. HUBO MUCHAS LÁGRIMAS”.

SEAN DOWDELL

“Tengo una idea bastante clara de lo que pasó. Creo que fue una combinación de cosas. El problema principal, y es algo que siempre había visto en Chester, es que tenía muy poca autoestima como consecuencia de los abusos que había sufrido de niño. Nunca sentía que era lo suficientemente bueno en nada.

Sabía eso de él, pero no pensaba que fuera algo tan profundo. Sé que dejó de tomarse una medicación… fue una combinación de cosas. Mucha gente especuló que lo hizo por Chris Cornell, pero nada está más lejos de la realidad. Era amigo de Chris, pero fue una coincidencia.

Simplemente ese día estaba de bajón y estaba solo porque su familia estaba en Sedona, y él había vuelto a Los Ángeles para un anuncio, y luego iba a volar a Phoenix para reunirse conmigo. Pero nunca llegó.

Creo que pilló un bajón que no pudo superar. Pero estoy seguro que justo en el momento en el que lo hizo, se arrepintió. Estoy seguro que hubiera hecho las cosas diferentes porque no quería hacerle daño a nadie”.

Para mí era muy importante que se sintiera cómoda con la idea. Y su respuesta fue que yo era uno de los mejores amigos de Chester, que sabía que tenía buenas intenciones y que hiciera lo que considerara oportuno.

Después llamé a Susan, la madre de Chester, y a Lee, su padre, y ambos también me dieron su bendición. Fue entonces cuando ya lo puse todo en marcha”.

borar el álbum? ¿Disponías de los masters originales?

“Cuando Chester estaba vivo, ya habíamos empezado a recopilar material, así que tenía los masters del disco …No Sun Today. Empezamos a regrabar ese disco, y como a mitad del proceso, recibí una llamada de nuestro primer guitarrista Jason Barnes diciéndome que había encontrado los masters originales de nuestro primer trabajo, Wake Me, y eso cambió un poco las cosas porque entonces tuvimos acceso a nuevas canciones. Así que cogimos tres temas del primero y ocho del segundo para crear Amends”.

edición de Amends, que cuenta

¿Cómo te sentiste al revisar

con el beneplácito de su viuda,

todo ese material? ¿Pensaste

Talinda Bennington. ¿Cuándo

que había envejecido bien?

le contaste tu intención de tirar

“Cuando estuve trabajando con Chester, nos sentimos muy cómodos, nos parecía que había grandes canciones. Después de su muerte, las cosas cambiaron un poco porque el estado de ánimo había cambiado por completo. Los dos primeros meses en los que escuchamos las pistas de voz aisladas fueron muy dolorosos. Hubo muchas lágrimas y momentos en los que tenía que salir del estudio porque

“Talinda es amiga mía, y también es socia de la empresa, así que tenemos una muy buena relación.

Cuando tuve esta idea, primero quise comentarlo con el resto del grupo, para asegurarme de que estaban de acuerdo. Una vez dijeron que sí volé a LA para hablar con Talinda, esto fue antes de empezar con nada.

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Así que te sentías identificado con las canciones, a pesar de haberlas escrito siendo apenas unos adolescentes.

¿Y cómo fue el proceso de ela-

Y llegamos al presente con la

adelante este proyecto?

era demasiado duro. Luego, cuando empezamos a añadir pistas instrumentales nuevas, empezamos a sentirnos mejor. Fue muy catártico, así que me alegro de haber pasado por los momentos difíciles porque nos ayudó a pasar el duelo”.

“Sí, desde luego. Las canciones eran buenas, y después de la muerte de Chester adquirieron un nuevo significado para mí, las letras ganaron en profundidad. Chester y yo habíamos escrito las letras, y aunque mi estilo era más filosófico, pude ver que Chester hablaba directamente desde el corazón, compartiendo su dolor con el mundo”. ¿Va a ser este disco el punto final para Grey Daze o tenéis la intención de seguir adelante con el grupo?

“Hicimos este disco como tributo a Chester, y ahora sería deshonesto presentarnos con un nuevo cantante.

La única manera que haríamos algo, sería hacer un concierto tributo en el que participaran otros cantantes en honor a Chester. Nunca va a haber un sustituto de él. Pero si este disco es bien recibido, tenemos material para hacer uno o dos más repitiendo el proceso. Y si no, pues nos quedaremos con la alegría de haber hecho lo que estaba en nuestra mano para recordar a Chester”.

ALL TIME LOW

UN CHORRO DE SOL PESE A QUE SE CONCIBIÓ MUCHO ANTES DE LA PANDEMIA DEL CORONAVIRUS, EL NUEVO DISCO DE ALL TIME LOW LLEGA EN EL MOMENTO OPORTUNO. WAKE UP, SUNSHINE NO SERÁ UNA VACUNA CONTRA EL COVID-19, PERO AL MENOS AYUDARÁ A LEVANTARTE EL ÁNIMO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

D

ESPUÉS DEL MÁS OSCURO Y URBA NO The Last Renegade,

a los componentes de All Time Low -Alex Gaskarth (voz, guitarra), Jack Bakarat (guitarra), Zack Merrick (bajo) y Rian Dawson (batería)- les apetecía volver a hacer un disco más luminoso y optimista. Para ello decidieron volver a componer al estilo que lo hacían en sus inicios: con los cuatro músicos juntos bajo un mismo techo. Pese a que su primer intento, a principios del año pasado en Nashville, ciudad en la que reside el batería, no acabó de funcionar, unos meses después la chispa surgió de nuevo y el resultado es Wake Up, Sunshine (Fueled

By Ramen), un trabajo en el que encontramos el entusiasmo de sus primeros discos con la madurez compositiva que han adquirido en sus 17 años de carrera. De su octavo álbum tuvimos la oportunidad de charlar con el frontman de la banda de Baltimore, aunque antes le empezamos preguntando por otro proyecto musical en el que ha estado involucrado.

En el último año has estado muy centrado en Simple Creatures, tu proyecto con Mark Hoppus de Blink-182. Supongo que para ti tuvo que ser todo un sueño poder trabajar con él.

ALEX GASKARTH “Sí, desde lue-

go fue surrealista. Es una dinámica interesante porque conozco a Mark desde hace muchos años y somos buenos amigos, así que no empecé el proyecto desde la perspectiva de un fan, sino simplemente como colaboradores. Pero había momentos en 19

los que pensaba ‘Dios mío, esto es una locura’. Si me hubieran dicho a los 14 años que estaría grabando con Mark de Blink-182 no me lo hubiera creído.

Estoy muy contento de que saliera bien porque Mark es uno de los responsables de que quisiera meterme en el mundo de la música. Blink-182 fueron quienes me inspiraron a coger una guitarra y tocar rápido y alto. No estaría aquí sin su influencia”. ¿Tenéis previsto hacer más cosas juntos?

“Sí, desde luego. Tenemos el compromiso de seguir haciéndolo. Sacamos dos EPs para presentarnos al mundo, pero creo que todavía estamos dando nuestros primeros pasos. Cuando tengamos tiempo volveremos a hacerlo, seguro. Me hace mucha ilusión trabajar con Mark”. ¿Y cuándo empezaste a pensar de nuevo en All Time Low?

“Empezamos a componer en enero del año pasado, pero en aquel momento no estábamos pensando en serio en hacer un disco nuevo. Simplemente nos reunimos en el estudio de Rian en Nashville para crear. Era como una especie de prueba para ver qué pasaría al juntarnos de nuevo. Y de hecho, al final algunas de esas ideas han terminado en el disco. Luego nos tomamos un descanso e hicimos otras cosas. Como decías, yo estuve durante unos meses liado con Simple Creatures, pero en cuanto volvimos a tener un periodo libre, en verano, nos volvimos a reunir. Esta vez alquilamos una casa en Palm Desert, en California. Estuvimos viviendo los cuatro juntos con nuestro productor Zakk Cervini y repasamos todo lo que habíamos hecho

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en enero y compusimos cosas nuevas.

Fue realmente allí cuando la idea de hacer un álbum nuevo de All Time Low empezó a tomar forma. Sentíamos que era el momento de hacerlo”.

parte de una misma obra. Es algo que tenemos en consideración, sí”.

Ahora ya estáis en vuestros 30 y, naturalmente, os apetece hablar de cosas que os afectan

¿Cómo describirías ese senti-

en este momento de vuestras

miento? ¿Se trata simplemente

vidas que seguro son muy dis-

de que os gusten las canciones

tintas a cuando empezasteis la

o hay algo más?

banda en 2003. ¿Qué hace que

“Yo diría que es una combinación de varias cosas. Para empezar, nos tienen que gustar las canciones, claro. Tienes que sentir que te apetecerá tocar estas canciones durante el resto de tu carrera. Pero también es importante que todo tenga una cierta coherencia.

A veces, cuando empiezas a probar ideas no siempre funcionan juntas.

Pero en esta ocasión, sentíamos que eran piezas de algo mayor. Pero también se trata de estar preparados para hacer un disco. Cuando nos reunimos en enero, mentalmente no estábamos con la cabeza para ponernos a grabar. Yo especialmente estaba pasando por una especie de bajón anímico.

Pero en Palm Desert ya notamos que algo había cambiado y nos sentíamos con fuerzas para hacerlo”.

All Time Low siga siendo un buen vehículo para hacerlo?

“Claro, ya no somos adolescentes haciendo ese tipo de música. Lo importante es crecer, estar abierto y tener un nuevo punto de vista. Tu esperanza es que tus fans estén dispuestos a seguirte en este viaje. Ya no escribo desde la perspectiva de un chaval de 17 ó 18 años. Algunas de las canciones son historias, otras son reflexiones, otras tratan sobre cosas que veo a mi alrededor o a gente cercana a mí, pero todo lo hago desde mi perspectiva actual, no quiero hacer nada que no sea genuino o forzado. La manera más fácil es ser honesto contigo mismo y pensar en cómo te sentirás cantando algo desde el escenario todos los días.

Tener eso en cuenta es algo que me ayuda mucho a la hora de escribir”.

En comparación con vuestros primeros discos, los dos últimos,

Madurar nunca es fácil para

Future Hearts y Last Young Re-

las bandas que vienen del pop

negade, fluían muy bien. ¿Pres-

punk, muy a menudo la gente

táis más atención a ese aspecto

se queda con la imagen inicial

ahora pese a que el mercado se

de un grupo y no hay manera

basa más en singles?

de sacarla de ahí. ¿Crees que All

“Para mí siempre es importante que haya una conexión entre los temas.

No iría tan lejos como llamarlos discos conceptuales, pero me gusta que cada álbum tenga su propia narrativa y que cuando lo escuchas de principio a fin, sientas que todos los temas forman

Time Low lo habéis conseguido?

“No lo sé. Supongo que todo el mundo tiene una idea preconcebida sobre lo que una banda de pop punk puede hacer o no. Pero sinceramente, ahora mismo no nos considero una banda de pop punk. De hecho, nunca nos he

“AHORA MISMO NO NOS CONSIDERO UNA BANDA DE POP PUNK” ALEX GASKARTH

considerado dentro de esa etiqueta.

Creo que tenemos influencias del pop, del punk, del rock, e intentamos casarlo todo de la mejor manera. Algunos temas tiran más al rock o al punk, y otros más al pop. All Time Low nos sentimos muy cómodos en ese espacio más amplio y creo que es lo que nos ha permitido seguir sintiéndonos inspirados. Eso es importante”.

Esa mentalidad abierta es la que os ha llevado a colaborar con Blackbear en el tema ‘Monsters’, supongo.

“Sí. Somos amigos de Blackbear desde hace un tiempo, pero nunca habíamos pensado en colaborar. Pero escribimos ‘Monsters’ con nuestro amigo Andrew Goldstein, que también la produjo, y él había estado trabajando con Blackbear en su nuevo disco, así que fue él quien hizo la sugerencia.

Tenía una energía parecida a lo que

había estado haciendo con él y pensó que molaría unir los dos mundos.

Le mandamos la canción y grabó la segunda estrofa, y la verdad es que encajaba a la perfección. A veces haces colaboraciones y el resultado no acaba de tener sentido, pero en este caso lo tenía. Una de las cosas que más me gusta es que creo que nadie lo esperaba, porque nunca habíamos tenido a alguien de otro estilo haciendo algo así. Cuando llevas siendo una banda durante 16 años es complicado encontrar nuevos trucos, así que tener el talento de Blackbear nos ayudó a cumplir ese propósito”.

Y también están The Band Camino en ‘Favourite Place’…

“Sí, ellos están en nuestro sello y estoy muy feliz de ver lo rápido que han logrado establecerse. Cuando escribí el tema, lo escuché y, por algún motivo, pensé en ellos. Era como si pudiera

escuchar su influencia, y como les respeto y escucho mucho su música, pensé que era justo que pudieran formar parte de ello. Me alegró mucho que dijeran que sí porque hicieron que la canción fuera mucho mejor”.

El primer single que lanzasteis, ‘Some Kind Of Disaster’, me parece de los mejores temas que habéis hecho. ¿Pensaste que era algo especial cuando la escribiste?

“La verdad es que sí. Cuando la escribimos sentimos que sería un tema que formaría parte de nuestro catálogo de ahora en adelante. Creo que es un tema que puede gustar tanto a los viejos fans de All Time Low como a los nuevos. Creo que es una pieza muy sólida. Cuando llevas tanto tiempo en un grupo, empiezas a desarrollar una intuición para saber qué temas son especiales, y éste lo era. Para mí tenía

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“HEMOS TENIDO MUCHO ÉXITO, PERO LO MÁS IMPORTANTE ES QUE NOS SEGUIMOS DIVIRTIENDO” ALEX GASKARTH

una energía especial y vi claro que tenía que ser lo primero nuevo que escuchara la gente. A veces tienes dudas sobre qué lanzar como primer single, pero en este caso, lo tuvimos muy claro. Eso nos quitó mucha presión”.

Fuera de All Time Low has escrito canciones para otros artistas. ¿Te arrepientes de no haberte guardado alguna para la banda?

“(Risas) En realidad no. Cuando escribo para otra gente, estoy trabajando para ellos. Desde el principio sé que la canción será suya y que mi trabajo es ayudarles en el proceso, así que nunca me he arrepentido de no quedarme un tema para All Time Low (risas). Pero tengo que decirte que hay temas que me encantan, como ‘Criminal’ de State Champs… es una de mis canciones favoritas que haya escrito. Me gustó mucho cómo la hicieron y encaja a la perfección con lo que hacen. Me gusta escuchar esa canción y sentir mi influencia”.

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Hoy en día es muy difícil para los grupos mantener una formación estable. ¿Cuál dirías que ha sido vuestro secreto?

“Creo que el secreto es que nos tratamos como una familia. Cada uno de nosotros se siente una parte fundamental del grupo. Creo que las bandas empiezan a tensionarse cuando los egos se meten por medio.

Nosotros somos como hermanos, nos cuidamos, nos apoyamos, pero no nos metemos en la vida de los demás.

Creo que eso nos ha unido, en lugar de alejarnos. Y también hemos tenido suerte, supongo. Hemos tenido mucho éxito, pero lo más importante es que nos seguimos divirtiendo. Poder reírte, incluso en los momentos malos, es lo más importante”. ¿De qué te sientes más orgulloso y qué sientes que os falta conseguir?

“De lo que me siento más orgulloso es de nuestro legado. No es habitual que un grupo tenga éxito durante tantos

años. Es un honor poder seguir haciendo música con la banda. Y sí, todavía nos quedan cosas por hacer. Nuestros conciertos siguen creciendo, pero me gustaría poder compartir nuestra música con todavía más gente, traspasar generaciones”. ¿Te gustaría que All Time Low llegaran a ser un fenómeno como el de BTS?

“(Risas) No, pero creo que es maravilloso ver un fenómeno global así. Es inspirador. Me encanta lo que hacen y cómo lo hacen. Es salvaje ver el alcance que puedes conseguir a través de la música. Me encanta ver que artistas de otras culturas puedan llegar al mainstream. Creo que el streaming ha roto las barreras y, al final, la música logra por sí misma llegar a todas partes sin importar la lengua o la cultura de la que provenga”.

GYOZA

ALZANDO EL VUELO GRACIAS A SU IMPONENTE PRIMER DISCO Y UN PODEROSO DIRECTO, GYOZA IRRUMPIERON CON FUERZA EN LA ESCENA NACIONAL COMO RARA VEZ SUELE OCURRIR CON UNA FORMACIÓN DEBUTANTE. ESA SEGURIDAD EN SÍ MISMOS SE VE REAFIRMADA EN UN SEGUNDO TRABAJO DONDE EXPANDEN AÚN MÁS SU ABANICO SONORO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: LAIA FLYNN

A

L ANALIZAR LAS CARRERAS DE MUCHOS GRUPOS,

es frecuente observar cómo cada lanzamiento supone un paso adelante en la búsqueda de una personalidad propia. Sin reinventar la rueda, se podría decir que Gyoza la encontraron a la primera.

El debut homónimo que protagonizaron en 2017 Adrià Marva (voz, guitarra), Xavi Montferrer (guitarra), Alex F. Cardellach (bajo) y Antonio Postius (batería) oscilaba en una sugerente mezcla de rock alternativo, indie y una descarada tendencia por los riffs rompenucas en la onda de Queens Of The Stone Age, Muse y Audioslave. Un artefacto que les sirvió para curtirse encima de los escenarios durante los dos años siguientes, sumando más de un centenar de actuaciones y enganchando a todo aquel que tuviese la suerte de verles en acción.

Lejos de bajar el ritmo, el cuarteto barcelonés acaba de publicar Early Bird, una reválida que afianza todo lo bueno que encontramos en su ópera prima, pero que al mismo tiempo amplía su campo de visión incorporando nuevas influencias. Todo ello hace que nos encontremos ante uno de los álbumes nacionales que más alto apunta en este primer semestre del año.

ADRIÀ MARVA “Desde un primer

momento dijimos que iríamos a por todas. Somos personas que nos gustan los retos y no las medias tintas. Hemos trabajado mucho para llegar hasta aquí y somos de los que pensamos que cuanto más toquemos, mejor. Es verdad que ahora nos hemos relajado bastante y nos hemos vuelto más selectivos, pero nos seguimos apuntando a un bombardeo”.

En su momento se os etiquetó como una mezcla entre rock alternativo e indie, cosa que me sorprendió, porque en vuestras canciones hay una clara inclinación hacia los riffs gruesos y guitarrazos en la cara. ¿Creéis que es algo que puede llegar

Early Bird mantiene vuestras se-

a confundir a algún oyente un

ñas de identidad, pero al mismo

poco despistado?

tiempo se abre a otras influen-

“Creemos que es el sello personal del grupo. En la misma canción te puedes encontrar estructuras suaves con estribillos pegadizos pero que acaben con un riff duro. Al final la cabra tira al monte (risas). No sabemos si puede despistar a algún oyente, pero lo que está claro es que hacemos la música que nos sale de dentro. Por eso a veces hay temas más electrónicos con guiños a Deftones y en otros gritos muy de la casa como Refused o Foo Fighters”.

cias que acaban enriqueciendo

Tengo que decir que me gustó muchísimo la producción que

Desde que apareció vuestro de-

hizo Lluis Cots en Nautilus Es-

but a finales de 2017 no habéis

tudio. Os sacó un sonido muy

parado. Más de cien conciertos

compacto y potente. Siendo así,

en poco más de dos años es una

¿por qué esta vez os decidisteis

auténtica barbaridad, sobre

por Santi Garcia en lugar de

todo para un grupo novel. ¿Es-

repetir con él?

perabais tanta actividad o en

“Nuestra idea principal para grabar el segundo disco era hacerlo otra vez con Lluis Cots, pero por varios motivos

realidad fuisteis a por ello desde el principio?

fue imposible. Básicamente, renovación del estudio, incompatibilidad de agendas... Casualmente, en diciembre de 2018, Santi le comentó a Antonio que algún día le fliparía producir un disco de Gyoza. A nosotros esto nos encantó y halagó. Que una persona como él, que ha trabajado con tanta gente que nos gusta, nos proponga esto, es increíble. En marzo, al saber que no podríamos trabajar con Lluis Cots, le reescribimos y por suerte aún tenía un hueco, ocho días entre junio y julio. Creemos que el sonido compacto y potente en gran parte se debe al haber grabado las baterías en Cal Pau. Esa reverb y el sonido de sala sólo se puede conseguir en una antigua masía”.

más vuestra propuesta. ¿Era lo que pretendíais con este álbum?

“A la hora de componer no nos basamos en un estilo en concreto. Con este disco hemos recopilado antiguos riffs, melodías y las hemos mezclado con nuevas ideas a medida que se iban creando los temas. Los llevábamos a nuestro local de ensayo o directamente nos las enviábamos por mail o WhatsApp para tener el visto bueno por parte de todos y seguir trabajando. Sí que es verdad que hemos comentado que este álbum tiene nuevos sonidos, pero se debe a que nunca hemos querido tirar por la vía fácil y sacar algo rápido. Nos gusta experimentar y probar diferentes cosas con la música que hacemos”.

Lo mismo es una sensación mía, pero temas como ‘Veins’ y ‘Glitch’ me han recordado en 25

hilo en común entre ellas...

cierta manera a Incubus y Def-

que recuerda más al primer disco”.

tones respectivamente. ¿Diríais

“Inevitablemente al escribir siempre la misma persona, en este caso yo, creemos que es difícil no enlazar canciones a través de la letra y que compartan la misma temática. En algunos temas como ‘In My Room’, ‘Glitch’, ‘Sold’ y ‘Burden’, después de analizarlos con perspectiva podemos ver que están relacionados entre sí. También podemos ver esa relación entre ‘Up Where They Belong’ y ‘Young Stranger’ de nuestro debut, ya que ambas hablan sobre la posibilidad de que haya vida más allá de la Tierra. En general, Early Bird trata un poco sobre las inseguridades y miedos que puede sentir una persona hacia algo desconocido, hacia sí mismo, hacia la vida que tiene por delante”.

que hay una influencia, al me-

Como decíamos, también habéis

Me llama la atención que en la

nos indirecta, de esas bandas

dado entrada a algunos arreglos

portada vuelva a aparecer la

del nu metal que rápidamente

electrónicos, que aunque son

mano que también estaba pre-

se alejaron de los patrones co-

más bien puntuales, le dan otro

sente en la cubierta de vuestro

munes del estilo? Además, no sé

aire a vuestra música. ¿De dónde

debut homónimo. ¿Hay algún

si por edad son grupos que os

os viene ese interés por explo-

tipo de historia detrás de todo

tocaron de cerca cuando erais

tar otros recursos que no sean

esto o es una paranoia lynchia-

más jóvenes…

los habituales dentro del rock?

na para que la peña se coma la

“No vamos a negar que ambas bandas nos encantan. Por edad en los 90 seguro que no nos pillaron, pero como son grupos que aún tocan…

(Risas) Creemos que los últimos discos de Deftones tienen texturas o sonidos que nos han ayudado a componer en Early Bird. Hablando sobre esas dos canciones, ‘Glitch’ sale de un arpegio de guitarra que Xavi hizo hace más de cinco años y no fue hasta hace unos meses que lo rescaté y lo llevé un día al local hecho con un sintetizador y con una base totalmente electrónica. Por otro lado, ‘Veins’ es el primer tema que se compuso después de sacar el primer álbum y se quedó en un cajón para más adelante. Por eso es una canción

¿Creéis que es algo que iréis ex-

cabeza?

pandiendo más en el futuro?

“Aunque el disco sea diferente al primero, musicalmente hablando ambos tienen similitudes y si escuchas uno seguido del otro puedes ver nuestra evolución. La portada no deja de ser un guiño al primer disco y, como con la música, demuestra una evolución ya que no olvidamos de dónde venimos pero tampoco volveremos a hacer lo mismo. Quién sabe si es una paranoia a lo David Lynch… Que la gente decida (risas)”.

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“Siempre nos ha gustado probar cosas nuevas. De hecho, yo dedico tiempo a preparar intros y arreglos para el impasse entre canciones en los directos. Así que aprovechamos para ver si podíamos utilizar estos nuevos recursos en el segundo disco. Definitivamente iremos probando nuevas técnicas para componer. Pero como hemos dicho antes, la cabra tira al monte y creemos que siempre acabaremos mezclando canciones animadas con riffs pesados… O no (risas)”. ¿De qué tratan las letras de

Early Bird? Si es que hay algún

AUGUST BURNS RED

OCÉANO DE EMPATÍA PARA AUGUST BURNS RED HACER MÚSICA ES ALGO MÁS QUE UNA EXPRESIÓN ARTÍSTICA, ES UN VEHÍCULO PARA LLEVAR AL MUNDO UN POCO DE POSITIVIDAD. EN SU NUEVO ÁLBUM GUARDIANS, VUELVEN A HACERLO CON SU HABITUAL BRUTALIDAD Y PRECISIÓN. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

C

ON OCHO ÁLBUMES A SUS ESPALDAS Y 17 AÑOS DE CARRERA, uno podría hasta es-

perar que a los componentes de August Burns Red les apeteciera bajar el pistón.

Pero lejos de eso, Jake Luhrs (voz), JB Brubaker (guitarra), Brent Rambler (guitarra), Dustin Davidson (bajo) y Matt Greiner (batería) parecen aún más comprometidos con su música. Para su nuevo trabajo, Guardians (Fearless), los de Pennsylvania dedicaron más tiempo que nunca a su composición y grabación. Dividiendo las sesiones en dos periodos distintos a lo largo del año pasado, la banda tuvo la tranquilidad para ser más autocríticos y colaborar conjuntamente en sus creaciones. Pese a haber estado siempre abierto a experimentaciones, su nuevo repertorio se caracteriza por mostrarnos su lado más duro. Quizá por ello, el primer tramo de la gira la iban a hacer abriendo para Killswitch Engage. Y hablo en pasado porque, aunque

cuando contactamos con su batería, se encontraban en la segunda fecha de ésta, pocos días después se cancelaría por culpa del COVID-19. Por ahora, su fecha prevista para el 23 de junio en la sala Razzmatazz de Barcelona sigue en pie, pero habrá que ver cómo evolucionan los acontecimientos hasta entonces.

Acabáis de empezar una nueva gira. ¿Qué te pasa por la cabeza la noche antes? ¿Te cuesta dormir?

MATT GREINER “Para mí girar

sigue siendo divertido, pero es importante crearte una rutina. En esta gira sólo tenemos 50 minutos por concierto, así que no hay mucho trabajo. Nuestro equipo trabaja mucho más, pero para la banda es básicamente probar, tocar, y ya está.

Así que tienes que aprovechar para ir al gimnasio, visitar las ciudades y, en general, mantenerte ocupado, porque hay muchas horas libres y puedes volverte loco. Depende mucho de las aficiones que tengas.

A mí no me gusta estarme quieto.

Por ejemplo, en esta gira voy a dar clases de batería cada tarde, de cuatro a cinco. Tengo como 40 estudiantes confirmados y haré clases de dos cada día. Es agradable porque puedo practicar fuera del escenario y es una oportunidad para conocer a baterías locales y enseñarles algo que quizá no sepan”.

Cuando os he visto en directo siempre me ha gustado ver que estáis muy conectados entre vosotros. Como que tocáis casi tanto para vosotros como para

precisamente antes de empezar esta gira comentamos que nuestros fans aprecian mucho ver que todavía nos divertimos. Llevamos mucho tiempo juntos y es fácil de ver cuándo una banda odia lo que hace y simplemente toca para ganarse la vida.

Siempre hay noches en las que no te apetece tocar, porque no te encuentras bien o añoras estar en casa, pero ya que tienes que hacerlo, intenta divertirte. Y la mejor manera de conseguirlo es seguir siendo amigos.

Eso es algo que no se puede fingir en el escenario. Pero si te llevas bien y te diviertes, disfrutamos mucho tocando. Por ejemplo, en este gira, sabemos que hay muchos fans que vienen a ver a Killswitch Engage y que no tienen muchas ganas de vernos, así que ya que no vamos a tener una reacción por su parte, lo mejor es que disfrutemos del hecho de simplemente tocar con tus amigos”.

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los demás de manera altruista.

Es algo que está muy ligado a los valores cristianos que vosotros defendéis. Sin embargo, muchas veces vemos actitudes muy excluyentes por parte de miembros de la Iglesia. ¿Te provoca una contradicción?

“Sí (risas). Tienes mucha razón. La letra de ‘Lighthouse’ va en la línea de lo que dices. Está inspirada en la historia del buen samaritano. Según cuenta la Biblia había un hombre que estaba hundido, herido, y necesitaba ayuda, y la gente pasaba por su lado y le ignoraban totalmente.

Y ‘Lighthouse’ es una manera de decirle a la Iglesia que su trabajo es ayudar a la gente y no darle la espalda. En el tema hay una estrofa de una congregación en una iglesia, rezándole a un Dios que no está con ellos, sino al lado de ese hombre necesitado”.

Guardians sigue la estela de Phantom Anthem en términos

Mucha gente a la que le gusta

de agresividad sonora. ¿Hay

vuestra música, no comparte

algún tema que una vez escrito

vuestras creencias. ¿Cómo te

pensaras que sería la bomba

sientes al respecto?

en directo?

“Nuestra intención es lanzar un mensaje positivo para todo el mundo, sobre todo para aquéllos que más lo necesitan. Creo que nuestros fans se identifican con eso, sean o no creyentes. Cada miembro del grupo tiene su propia perspectiva, pero todos tenemos en común que queremos hacer la mejor música posible y ayudar en todo lo que podamos.

Cada persona necesita algo distinto, unos necesitan dinero, comida, una oración o, simplemente, un abrazo.

En general, creo que a la gente que le gusta nuestra música y nuestras letras, suelen identificarse con esa

“Espero que muchos (risas). Tocar en directo afecta nuestra manera de componer, aunque no es que lo tengamos presente de manera consciente. Cuando grabamos un tema y lo escuchamos, normalmente ya sabemos si funcionará bien en directo. Si tiene un breakdown chulo o alguna parte que la gente pueda cantar, casi siempre funciona. Pero cuando componemos, no lo hacemos con esa intención. Eso siempre viene después”.

el público.

“Es curioso que lo digas, porque

de esas personas que ayudan a

El disco habla a nivel general

“CUANDO ALGUIEN TE DICE QUE UNA LETRA LE HA AYUDADO EN UN MOMENTO COMPLICADO, ES EL MEJOR CUMPLIDO”oMATT GREINER

idea. Si vienen a un concierto nuestro, para ellos no es sólo una noche más, sino que cuando llegan a casa, se sienten un poquito mejor respecto a sus vidas porque han recibido un impacto positivo. Al menos eso es lo que esperamos. Creo que para nosotros sería difícil que todo empezara y acabara en la música o sólo en lo que ocurre en el escenario. Nos gusta que trascienda eso y se convierta en algo más personal. Llevamos 17 años en esto y es gracias a nuestros fans, así que para nosotros es un honor poderles conocer personalmente o que quieran escuchar nuestras opiniones. Cuando alguien te dice que una letra le ha ayudado en un momento complicado, es el mejor cumplido”.

¿Fue eso lo que te motivó a empezar a escribir letras además de tocar la batería?

“Sí. Siempre me ha gustado escribir.

Recuerdo que tuve una profesora de inglés, Miss Bell, que era la más dura que he tenido nunca. Todo el mundo me dijo que suspendería porque era muy difícil (risas). Así que estaba aterrado (risas). Pero recuerdo mandarle varios trabajos y que me pusiera buena nota, así que eso me animó a escribir más. Me gusta mucho, es divertido. Cuando empezamos el grupo, ya tenía varios textos que había escrito. No sé muy bien cómo fue, pero creo que un día nos sentamos y dije ‘tengo un par de letras o poemas que podríamos probar’. Creo que fue en Messengers

cuando empecé a escribir para el grupo. En esta banda, si tienes una buena idea, tienes que presentarla.

No importa si no es tu instrumento o no es lo que haces habitualmente, la mejor idea gana. Más ideas, nunca menos. A veces, tu idea no es tan buena como la de los demás, pero al menos has intentado aportar algo.

No hay nada que perder e incluso puede que acaben en el disco. Y con las letras es lo mismo. A lo largo de los años, todo el mundo ha aportado alguna letra”.

Parece una manera muy saludable de gestionar el grupo.

Muchas veces los egos son los que provocan más conflictos.

“Sí, tienes toda la razón. Nosotros 31

también tuvimos que encontrar la manera de lidiar con esas situaciones.

Siempre es doloroso cuando creas algo y otra persona te dice que no es lo suficientemente bueno. Tienes que cambiar tu perspectiva y en lugar de tomártelo como un ataque personal, pensar que es en beneficio de crear algo mejor. Eso lleva tiempo, pero ahora llevamos el suficiente como para haber aprendido (risas)”.

Dirías entonces que ahora hacer un disco es una experiencia más agradable que antes.

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“Sí, desde luego. Mi parte favorita de estar en un grupo es la parte creativa. Escribir partes de batería, escribir letras y grabar. Es estresante porque siempre intentas hacer algo del máximo nivel, pero creo que ahora todos disfrutamos de ello. Nos lleva muchísimo tiempo, pero merece la pena. Piensa que empezamos a grabar las guitarras la primavera pasada, luego nos fuimos de gira, y luego estuvimos otro mes entero con las baterías y las voces. Fue un largo camino desde que nos pusimos en faena hasta que terminamos”.

Respecto a la batería, ¿crees que has conseguido hacer algo en este disco que no habías hecho antes?

“No sé si probé nada nuevo. Pero Dustin tenía algunas ideas para sus canciones que eran bastante difíciles. Por ejemplo, hay una parte que me llevó dos semanas poder tocarla bien. Cuando lo conseguí fue muy gratificante, ¡pero me llevó dos semanas para una parte de 10 segundos!

(Risas) Así que la respuesta corta es que no hice nada distinto, pero creo que tuve más tiempo para fijarme

“SIEMPRE ES DOLOROSO CUANDO CREAS ALGO Y OTRA PERSONA TE DICE QUE NO ES LO SUFICIENTEMENTE BUENO” MATT GREINER

más en los detalles. Creo que de aquí a diez años seguiré sintiéndome orgulloso de lo que hice en este álbum”.

A mí me ha parecido que la batería suena más natural. A menudo en los grupos de metalcore suena muy procesada.

“Gracias, para mí es un gran cumplido. Precisamente nuestro objetivo en este disco era que no todo fueran sonidos sampleados, que la batería no sonara mecánica. Para esta grabación hicimos algo distinto. Carson

(Slovak) y Grant (McFarland), los productores, y yo, grabamos nuestros propios samples usando mi batería y mis platos. Estuvimos tres días para grabarlos. Me pasaba dos horas dándole a la caja hasta conseguir el sonido que queríamos.

Y usamos esos samples en la grabación. Otras veces habíamos usado samples pregrabados profesionalmente que suenan increíbles. Pero si lo haces muchas veces acaba sonando manufacturado. En este caso, al usar los nuestros propios, todo suena más orgánico”.

Pues eso es todo, esperamos que podamos veros en junio como está planeado.

“Sí, por el momento todo sigue en pie. Esperemos que todo se resuelva rápidamente y podamos veros muy pronto. Hasta entonces cuidad los unos de los otros, manteneros alerta y ojalá nuestra música os pueda hacer compañía”.

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DESAKATO

LA TIERRA PROMETIDA PESE A LLEGAR EN EL MEJOR MOMENTO DE SU CARRERA, LA MIEL DE LAS FLORES MUERTAS, EL NUEVO DISCO DE DESAKATO, VUELVE A PRESENTAR UNA MIRADA CRÍTICA SOBRE EL SISTEMA. Y ES QUE, AUNQUE AHORA TENGA EL VIENTO A FAVOR, EL COMBO ASTURIANO NO HA OLVIDADO SU COMPROMISO INICIAL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

C

OMO CASI TODO EL MUNDO, EN EL MOMENTO EN EL QUE CONTACTAMOS CON PABLO, voz y guitarra de Desa-

kato, se encuentra confinado en su casa. Son días extraños para todos, y el músico reconoce que no sabe si está del lado de los alarmistas o de los escépticos, pero, por prudencia, prefiere ser conservador. “Aunque sólo en este caso”, puntualiza bromeando. Y es que en 15 años de carrera, ésta sea seguramente la única vez que podríamos asociar ese adjetivo y Desakato en una misma frase.

Desde que nacieran en Llanera en 2004, la banda que completan Pepo (voz), Gabri (guitarra), Mario (bajo) y Nano (batería), ha utilizado su música para denunciar injusticias y meter el dedo en la llaga del poder. Pero en este tiempo, la banda ha ido aprendiendo a modular su discurso, tanto lírica como musicalmente. El punk rock más ortodoxo de sus inicios ha dado paso a un rock abierto a otras influencias. Su flamante sexto trabajo La Miel De Las Flores Muertas (Autoeditado) vendría a ser la culminación de esa evolución. Producido por Manuel Cabezalí (Havalina), el nuevo disco llega en el momento más álgido de su carrera, y es, sin duda, uno de los álbumes más esperados a nivel nacional.

La gira de su anterior EP, Antártida, fue todo un éxito, con más de 70 conciertos, entre ellos dos noches en La Riviera de Madrid, algo que apenas unos años antes hubiera parecido una utopía. El propio Pablo reconoce que no sabe muy bien la razón de este aumento exponencial en su popularidad, pero desde luego, están dispuestos a disfrutarla.

Faltaría más.

Me ha sorprendido que ya tuvierais un álbum nuevo a punto, porque tengo la sensación que hasta hace nada estabais todavía dando conciertos presentando Antártida.

año que el tomaros un descan-

A mí me ha parecido como si

so? ¿No os apetecía desconec-

hubierais purgado arreglos in-

tar ni que fuera seis meses?

necesarios, ir mucho a la esen-

“Desde siempre hemos necesitado tocar. En toda nuestra trayectoria hemos estado dando conciertos.

Quizá sorprende un poco más ahora porque tenemos más trascendencia, pero es una filosofía que hemos tenido desde el principio. Estar en la carretera constantemente es lo que mantiene viva a la banda. La mayoría de las canciones de este disco surgen de la energía del directo, de estar tocando. Todas esas sensaciones que vas acumulando durante la gira se traducen en necesidades creativas”.

cia de los temas.

PABLO “No es una sensación, es

literal. Estuvimos tocando hasta el 22 de noviembre. Ha ido todo bastante rápido”.

Pero ya debíais haber estado preparándolo desde antes, ¿no?

“Teníamos un montón de bocetos que íbamos perfilando en el local a lo largo de la gira, así que el proceso fue mucho más largo de lo que parece. Una semana después del último concierto ya empezamos con Manuel (Cabezalí) en mi estudio aquí en Asturias, en OVNI, e hicimos dos tandas de preproducción. Luego ya empezamos a grabar las baterías y todo iba bastante claro. La verdad es que con Manuel fluyó todo muy rápido y por eso el disco ha tardado tan poco en salir. Estamos muy orgullosos de lo que hizo él y de lo que hicimos nosotros también”. ¿En esta rapidez ha pesado más el aprovechar el impulso que habíais cogido en el último 36

¿Qué queríais presentar que fuera nuevo en este disco respecto a Antártida?

“Creo que el álbum tiene una visión estética muy diferente a todo lo que veníamos sacando. Es cierto que las melodías, la voz gutural de Pepo, los riffs, siguen teniendo ese mismo tono, pero el maquillaje de los temas, la producción de Manuel, la mezcla y la búsqueda de un sonido mucho más orgánico, más natural, creo que hace que el disco sea diferente y tenga una personalidad muy fuerte.

Puede ser algo positivo y que a la gente que nos sigue le entre bien, o puede ser una apuesta un poco arriesgada y que haya gente que no lo entienda. Porque, aunque el disco tiene mucho punk y mucho rock, queríamos huir de los estándares de estos géneros y aventurarnos a buscar algo más nuestro. Creo que, con Manuel, que tiene una visión muy amplia del sonido y de los estilos, lo conseguimos. Otra cosa será cómo lo reciba el público”.

“Totalmente. Manuel tiene una fórmula para trabajar que le da mucho carácter a sus producciones. Quiere hacer las cosas sencillas para que suenen grandes. Es algo muy acertado. Aprendimos un montón de cosas con él. Es un disco de búsqueda de nuevos sonidos para los instrumentos y las voces, pero tiene muy pocas capas, y eso al final se agradece en la escucha. Estamos acostumbrados a que las producciones modernas tengan un montón de capas con arreglos, pero luego en el directo, las canciones cojean. Nosotros huimos de artificios y vamos a ser lo que es una banda de rock tocando.

Hemos girado con grupos que utilizan un montón de samplers en directo, que utilizan secuencias… Yo no lo critico, pero parece que es una tendencia ir a la electrónica. Nosotros queremos investigar, pero con cosas que podamos tocar. Huir de tanto procesamiento e ir más a la raíz”.

El haber dado tantos conciertos también es el examen perfecto para saber cuáles son los puntos fuertes y dónde cojeáis.

“Es un buen test. Pero en este disco vamos un poco más allá de eso. Las cosas que nos funcionaban, hemos intentado no repetirlas. Queríamos que cada canción tuviera una personalidad nueva, que todo el álbum tuviera un aura diferente”.

Llevando a Manuel a trabajar a OVNI, ¿buscabais el equilibrio entre la comodidad de trabajar en casa pero a la vez tener una visión externa?

“QUERÍAMOS QUE CADA CANCIÓN TUVIERA UNA PERSONALIDAD NUEVA, QUE TODO EL ÁLBUM TUVIERA UN AURA DIFERENTE” PABLO

“Sí. Las dos últimas producciones del grupo las había hecho yo, y creo que me di cuenta de que no se puede estar a todo. Creo que es de sabios saber delegar, aunque tengas muy claro cómo quieres sonar.

Tener una visión externa te ayuda a mirarlo desde otro prisma. Nos dio muchísimo aire. Manuel se adaptó perfectamente al estudio. Tenemos una sala muy grande de piedra en la que es bastante cómodo trabajar en directo. El hecho de grabar una maqueta todos juntos nos ayudó a ver cuáles eran las necesidades reales de las canciones, qué cambios necesitábamos meter. Íbamos tocando y escuchando con calma. La verdad es que fue un proceso muy necesario”. ¿Teníais alguna relación previa

con Manuel?

“Personalmente no le conocía. Éramos muy seguidores de Havalina de siempre y me gustan mucho las producciones que hace. El disco de Rufus T. Firefly me parece una obra maestra en cuanto a producción y sonido. Creo que se merece mucho más reconocimiento. El caso es que hablando con Esteban de Toundra, que es amigo de siempre y quien nos lleva la prensa, se lo comenté y aprovechando una jornada de prensa que teníamos en Madrid quedamos con Manuel, nos tomamos una cerveza, y el flechazo fue instantáneo.

Es una persona muy tranquila y te da mucha confianza. Es muy respetuoso con las ideas de la banda y se implica mucho. Aporta muchas cosas.

Todo el proceso fue súper divertido y

le estamos muy agradecidos”. ¿Conocía vuestra música o vino totalmente virgen?

“Le sonaba el grupo. Nos tenía medio ubicados, pero no nos conocía en profundidad. Le invitamos a nuestro último concierto en La Riviera y ahí se hizo una idea mejor de lo que era la banda. Creo que al final es del directo de donde más información puedes extraer de la personalidad de un grupo. Creo que Manuel lo vio rápido y bien. Buscar un sonido muy cañero, pero muy natural, que es algo que buscábamos desde hacía tiempo. Sobre todo en las baterías, que es algo que va evolucionando hacia algo más sintético y electrónico, pero Manuel tiene un concepto totalmente diferente del 37

“ES COMO SI ALGUIEN NOS HUBIESE TOCADO CON UNA VARITA Y TODO HUBIERA CRECIDO DE FORMA EXPONENCIAL” PABLO

Manuel se sumó y acabó grabando alguna cosa que quería aportar”.

Antártida era un EP conceptual. ¿Definirías La Miel De Las Flores

Muertas de esa misma manera?

“Sería un poco pretencioso decir que es conceptual. El disco tiene una visión un poco apocalíptica, pero también hay canciones muy emocionales. Tiene un concepto estético general en cuanto a sonido, pero los textos son bastante dispares”.

Aunque no haya una narrativa, sí queréis ofrecer vuestra visión del mundo.

“Sí, es lo que llevamos haciendo en cada disco. Todos los discos tienen un concepto, pero, así como en Antártida había un hilo conductor, aquí volvemos un poco al álbum clásico de rock. A mí me gustan los discos que tienen canciones muy dispares, aunque en conjunto tengan un concepto global”.

Ha sido casualidad, pero muchas de las cosas de las que habláis en el disco, ahora las estamos viendo de primera mano.

rock y de la mezcla. Consiguió cosas que nosotros no hubiéramos podido.

No creo que sea la última vez que trabajemos con él”. ¿Tocó alguna cosa en el disco?

“Sí, alguna cosa metió. Nosotros somos muy de intercambiarnos los 38

instrumentos, que fue algo que le sorprendió mucho. Hay partes de las guitarras de Gabri que las grababa yo, partes de bajo que las grababa Gabri o yo. Nadie tiene un orgullo de tocar lo suyo, sino que vamos construyendo el álbum en conjunto.

Y en esa ola de compañerismo,

“Por desgracia sí (risas). La verdad es que no nos lo veíamos venir, al menos un virus, pero sí veíamos una sociedad que se está devorando a sí misma. El pensamiento colectivo se está comiendo el individual. Todo el mundo tiene una corriente y tiene que seguirla. Encima a través de las redes sociales se magnifica un montón, y al final el mundo se va al traste por todos los lados. Lo más importante, que es la salud del ecosistema, se va a la mierda, la economía te obliga a llevar una vida que es contra-

producente para el medio ambiente, las nuevas corrientes de pensamiento influyen negativamente sobre los valores de la sociedad… Es muy difícil ver la luz. Esa aura de pesimismo se refleja en el disco y los textos”.

esto. Hoy parece que hay un poco más de apoyo en cuanto a la oficialidad, así que es el momento de empujar todos juntos”.

En el álbum hay dos temas en

kera o el gallego.

asturianu. A veces se confunde

“Sí. En muchas partes del país se le sigue llamando bable, que para nosotros es algo despectivo. Es como si fuera algo que no se sabe muy bien lo que es. Para nosotros es importante que se sepa que es una lengua que tiene una normativa, una gramática, que está estructurada y que hay gente que hace arte con ella. Queremos que nuestros hijos la puedan estudiar con más intensidad que hasta ahora”.

trabajando mucho, íbamos ganando seguidores, íbamos entrando en más festivales, pero todo a nivel bastante underground. Antes tocábamos a las cuatro de la tarde o a las cuatro de la mañana, y fuimos viendo que nos iban dando mejores horas. Pero todo esto no fue ni siquiera con la salida del disco, sino a mitad. No sé, es como si alguien nos hubiese tocado con una varita y todo hubiera crecido de forma exponencial. Estamos muy agradecidos, pero no sabemos lo que pasó. Nunca hubiéramos pensando en llenar una Riviera, y menos hacer dos fechas en Madrid. Ahí estuvieron nuestros padres emocionados, y nosotros también porque ellos estuvieran ahí. Fue una noche espectacular y muy emotiva y mágica”.

Perdona mi ignorancia, ¿es una

Supongo que les pudisteis decir

asignatura obligatoria en las

‘¿Veis como no estábamos tan

escuelas?

locos?’.

“Para nada, es una optativa. Son clases semanales y no hay ninguna otra asignatura que se haga íntegramente en asturiano. Creo que es importante que eso cambie”.

“(Risas) Sí, es verdad. De eso hace ya un tiempillo cuando empezamos a profesionalizarnos. Yo le decía ‘Mama, tú te acuerdas, cuando tocábamos con el grupo y nos decías que decíamos palabrotas y teníamos esas pintas…’. No entendía que dedicáramos tantas horas a algo que no nos iba a dar de comer. Pero gracias a Dios, ya cambió la visión que tiene de la banda y se siente súper orgullosa. Al final era un viaje suicida, porque nadie podía pensar que un grupo que empezamos en el instituto pudiera llegar a donde hemos llegado. Tenemos que disfrutarlo porque somos unos putos privilegiados”.

Sois como los grandes olvidados respecto al catalán, el eus-

el reivindicar una cultura propia con un nacionalismo excluyente. Vosotros defendéis que es posible no querer banderas y al mismo tiempo defender lo propio.

“Totalmente. Es un terreno que es un poco difícil de entrar en él porque da pie a malentendidos. Pero lo que has dicho resume nuestra manera de ver el mundo. Queremos, necesitamos, que se respete nuestra cultura, la cultura de nuestros abuelos, de nuestro pueblo, para que no se pierda. Pero no creemos en las fronteras ni en las banderas. Queremos que lo que se percibe como nuestro, pueda ser compartido. Para nosotros es un orgullo poder escribir en nuestra lengua materna, y más cuando tenemos cierta trascendencia, y podemos llevar el asturianu a otros países.

Creo que tiene una parte educativa muy importante. Yo aprendí un montón de palabras de mi abuela, que es con quien más hablo en asturianu y siempre aprendo cosas nuevas, y luego de la música que se viene haciendo desde un tiempo aquí. Nosotros tenemos la suerte de conectar con los chavales y creo que es una responsabilidad por nuestra parte hacerles ver que tienen que luchar por su lengua. Más cuando el asturiano estuvo en peligro de extinción durante mucho tiempo. Para nosotros es casi una obligación ayudar en

La última gira os debió ser flipante en cuanto a la repercusión que tuvo. ¿Habéis encontrado alguna explicación a por qué habéis dado ese salto ahora y no antes?

“Sinceramente es algo que nos preguntamos a menudo. Cuando empezamos a notar esa subida fue como a mitad de la gira de La Teoría Del Fuego, nuestro anterior largo. Empezamos a ver más gente con mucho interés y no entendíamos por qué. Nosotros llevamos haciendo las cosas de manera bastante similar desde hace mucho tiempo,

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THE MOTHERCROW

LAS NEGRAS ALAS DEL DESTINO

LLEVAN MUCHO TIEMPO DANDO QUE HABLAR. SUS PODEROSOS DIRECTOS Y LA EDICIÓN DE DOS EPS MÁS QUE PROMETEDORES HAN IDO CIMENTANDO UNA TRAYECTORIA QUE ESTÁ HACIENDO DE ELLOS UNA DE LAS BANDAS CON MÁS FUTURO DE NUESTRA ESCENA. CON USTEDES, THE MOTHERCROW. TEXTO: ANDRÉS MARTINEZ FOTOS: LUIS LECUMBERRY

A

UNQUE LES HABÍAMOS ESTADO SIGUIENDO DE CERCA, la edición

de su primer largo, Magara, el año pasado era la excusa perfecta para traerlos a nuestras páginas por primera vez. Karen Asensio, su carismática cantante, fue la encargada de ponernos al día de esta formación que fundó en 2015. Junto a ella encontramos a un viejo conocido, Pep Carabante (batería), al sueco Max Eriksson (guitarra) y al bajista brasileño Daniel Medeiro, quien se incorporó a filas en octubre del año pasado.

Un auténtico melting pot cultural con base en Barcelona que también queda reflejado en su música. Si bien el rock de los 70 es el punto de partida, en sus canciones encontramos variados e interesantes matices.

6/4, decidimos que era la intensidad perfecta para enmarcar todos los sentimientos que encierra el álbum.

En cuanto a la portada fue creada a partir de una tormenta de ideas que cayó sobre el dibujante y pintor Jalón de Aquiles (risas). Inspirada principalmente en la canción ‘Lizard Queen’, quisimos aunar los diferentes conceptos y atmósferas del disco como son desierto y espacio, la vida y la muerte, todo ello custodiado por la solemne imponencia de la Reina Lagarto en su palacio de sanguíneo mármol”.

satisfactorio el apoyo recibido a cambio de todo el trabajo realizado y el que aún teníamos por delante. Una vez tuvimos las primeras mezclas en nuestras manos, nos dispusimos a encontrar el apoyo necesario para poder volcarlo en formato físico, y tanto Nasoni Records, como Nooirax y LaRubia Produciones, se dispusieron desde el primer momento a ayudarnos a cumplir nuestro objetivo para que The Mothercrow pudiera alzar el vuelo”.

Escuchando vuestros anteriores EPs y las composiciones inclui-

El disco en su versión en vinilo

das en el disco, es evidente que

sale adelante a través de un

ha habido una evolución en el

crowdfunding también apoyado

sonido de la banda. Después de

por el sello alemán Nasoni. En

la marcha de la bajista Claudia

CD, Nooirax y LaRubia Produc-

y siendo tú la única miembro

ciones han sido los encargados

que todavía sigue con respecto

de darle cobertura. Hoy en día

a la formación original, ¿han

La palabra Magara, resulta

es relativamente sencillo regis-

sido las entradas de Max Eriks-

enigmática y misteriosa. Y tam-

trar tus canciones, pero tremen-

son y Pep Caravante importan-

bién su portada. Explícame lo

damente difícil darles salida.

tes a la hora de ir definiendo

que habéis querido expresar en

“Encontrar el apoyo adecuado y necesario, y más para un proyecto novel como es un álbum debut, no es nada sencillo. Teníamos muy claro cómo queríamos grabar el disco y sin ninguna discográfica que respaldara la grabación, decidimos embarcarnos en el crowdfunding, una auténtica odisea que por suerte se vio recompensada con más de 150 discos vendidos tanto en formato digipack como LPs antes de entrar al estudio a grabar el álbum siquiera.

Fue un sentimiento apabullante y muy

vuestro estilo?

ambos conceptos.

KAREN ASENSIO “No fue fácil en-

tre tanta variedad de estilos escoger una canción que pudiera representar globalmente el disco con su nombre.

‘Magara’ es una palabra que tiene su origen en el animismo, es el nombre dotado a la Energía Vital Universal que conecta a todos los seres vivos o muertos, fenómenos naturales e incluso objetos cotidianos. Dada la fuerza, tanto de su letra y significado como de su rotundo caminar en

“La incorporación de los chicos ha sido una suma de factores que ha influido mucho a la hora de definir el sonido de The Mothercrow, ha sido como subirle las marchas a un bólido de carreras. Con los caballos que ha aportado Pep y las revoluciones de los riffs de Max, los nuevos temas se definían como composiciones más robustas, sin obviar el rock clásico y el blues en la base, pero coqueteando más que nunca con los inicios del heavy metal”.

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A Pep ya lo conocíamos de su estancia en Warchetype y los enormes Cuzo, pero de Max no teníamos noticias. ¿Cómo llegan ambos a The Mothercrow?

“Max y yo nos conocimos meses antes de que éste se integrase al grupo. Él se encontraba en una banda de Poble Sec (un barrio de Barcelona –ndr.) llamada Los Apuñálales, y no fue hasta un encuentro en un concierto de nuestros amados Graveyard cuando se ofreció a una primera toma de contacto para unirse a nosotras. Justo esa semana nos habíamos dispuesto a colgar anuncios para completar la formación y a los pocos días Pep contactó con nosotros, pues no quería parar su actividad dado que Cuzo llegaba a sus últimos días.

Fue todo un cúmulo de casualidades que consiguieron crear una formación con un objetivo común y un sonido más contundente que nunca”.

encanta jugar y fusionar. A pesar de toda esta mezcla, nos sentimos muy orgullosos de haber definido un sonido propio, en el que mi voz no se puede negar que juega un papel fundamental, pero no son menos las cartas que juegan el resto de músicos. Tanto la contundencia de la base rítmica como las composiciones de Max son importantísimas para dar vida a Magara”.

cualidades que poseéis es la originalidad de vuestra propuesta.

Es difícil tratar de explicar vuestro sonido. Está claro que todo aquel primigenio hard rock procedente de los 70 es una de vuestras grandes influencias, pero también la psicodelia, algo de stoner, el blues e incluso el soul. Esto último procedente, sobre todo, por tu voz, que me parece especialmente cálida y poderosa a la vez. ¿Estás de acuerdo?

“Siempre explicamos que no queremos cerrarnos puertas a ninguno de los estilos que nos apasionan y nos influencian. Todos tenemos un amplio espectro de gustos con los que nos

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que además está cantada en euskera. ¿Cómo fue incluir un texto en esta lengua cuando todo vuestro repertorio está expresado en inglés? Sé que en vuestras letras se incorporan personajes de la mitología vasca y además tus raíces están allí… ¿Pensáis que incluir más textos en euskera es una vía a seguir explorando en el futuro?

Creo que la grabación del disco fue especialmente dura y maratoniana, y escuchando el álbum enseguida te das cuenta de que está cargado de matices y detalles. ¿Teníais muy trabajadas las canciones a la hora de entrar en el estudio o hubo horas extra para acabar de definir todo lo que queríais expresar? También creo que la labor de vuestro productor, Alberto Pérez, fue especialmente importante.

Creo que una de las grandes

folk titulada ‘Gauan (Lo-Kanta)’,

“Sinceramente, ¡perdimos años de vida durante aquella semana! (Risas) Pero fue muy gratificante toda la experiencia de grabar junto a Alberto Pérez en Sol de Sants, nos quedaríamos a vivir allí. El trabajo de preproducción por parte de Max fue muy minucioso e invertimos muchísimas horas durante los meses anteriores al estudio en pulir letras, coros, arreglos... Fue duro, sin duda.

Aun así, sin la maestría de Alberto no hubieran sido posibles todos los matices conseguidos en las atmósferas de canciones como ‘Gauan’, ‘Magara’ o ‘Ashes’”.

“Tenemos en la familia euskera, catalán, castellano, sueco y ahora portugués… ¡Así que nunca se sabe!

(Risas) La canción de cuna ‘Gauan’ la compuso Max en uno de sus viajes a Suecia y cuando la mostró a su regreso, los aires andaluces de los acordes inspiraron a hacer una letra en castellano, hasta que una noche de fiesta desenfrenada con los bilbaínos The Wizards se planteó el porqué no usar una lengua tan primitiva y desconocida como es el euskera.

Era el contrapunto territorial perfecto para esos acordes sureños”.

Me encanta ‘Swait It!’ con ese aire tan vacilón y sureño, pero a la vez otros temas como ‘Magara’ desprenden un aire de exótica melancolía realmente hermosa. Diferente sonido pero mismo concepto. Esta variedad es la que creo que os aparta un poco de otras bandas de parecido estilo al vuestro donde el repertorio es más repetitivo recurriendo a la fórmula del riff contundente y poco más. ¿Cómo es vuestro proceso de compo-

Precisamente una de las cosas

sición? ¿Rechazáis ideas por

que más me ha gustado y sor-

considerarlas poco aptas o tiene

prendido es esa tonada medio

cabida todo lo que os parezca

“TENEMOS UNA FUERTE VISIÓN AUTOCRÍTICA” KAREN ASENSIO

interesante?

Ahora a presentar el disco. Ya

“Cuando Max, antes Claudia o ahora en la actualidad Dani, aportan líneas para un nuevo tema, nos gusta experimentarlo todos juntos en el local, para poder darle vida y forma de una manera en que todos nos sintamos cómodos con la composición. Ir probando diferentes vueltas, breaks de batería, líneas de voz, intensidades… componer es algo que nos apasiona y por supuesto, tenemos una fuerte visión autocrítica, por lo que no todas las composiciones acabaron perteneciendo al disco, ya sea porque no nos convencieran o porque en conjunto no casaban con el resto de canciones”.

habéis hecho unos cuantos conciertos para dar a conocer estas nuevas canciones… ¿Habrá gira de presentación? ¿Salidas fuera? ¿Cuál es el futuro próximo para la banda?

“Ahora comienzan unos meses bastante ajetreados, nos embarcamos en la grabación del siguiente videoclip y las demos de lo que será el segundo trabajo de The Mothercrow, pero a partir de abril continuaremos con la presentación de Magara por el territorio nacional. Tenemos ya cerradas fechas en Madrid, Zaragoza, Donosti, Badajoz, Pamplona, Pedreguer…

¡Y muchas más por confirmar! Además podemos desvelar que en algunas de ellas tendremos acompañantes de lujo como nuestros hermanos Electric Monolith o los zaragozanos White Coven, ambas bandas bajo el sello Nasoni Records. Os invitamos a todos a bailar, beber y sudar con nosotros, ¡no dudéis si tenéis la oportunidad de acercaros a nuestros conciertos para conocer la experiencia de un salvaje live show con The Mothercrow en estado puro!”.

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VIVA BELGRADO

ESTAMOS VIVOS EN ESTOS TIEMPOS DE INCERTIDUMBRE, LA MÚSICA SE HA CONVERTIDO MÁS QUE NUNCA EN UN REFUGIO. Y MUY, MUY PRONTO PODRÉIS ACOGER EN ÉL A BELLAVISTA , EL NUEVO ÁLBUM DE VIVA BELGRADO. OS ANIMAMOS A QUE LO DEJÉIS ENTRAR CON LOS BRAZOS ABIERTOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

C

UANDO EN NOVIEMBRE DE 2017 VIVA BELGRADO

publicaron el single ‘Guillotinas’, muchos de los seguidores de la banda cordobesa se sintieron confundidos. Las reacciones fueron de lo más dispares. Desde quienes se emocionaron ante el nuevo sonido que ofrecían, a quienes directamente pensaron que se les había ido la olla. ¿Se habían pasado al emotrap? ¿Sería un experimento puntual o su próximo disco seguiría esa línea?

Durante varios meses después, la poca actividad del grupo, sumada a la anterior salida del batería Álvaro Moreno, hicieron pensar incluso en si habría próximo disco.

Los rumores y especulaciones siguieron flotando en el aire hasta que ellos mismos se encargaron de desmentirlo un día antes de terminar 2019. “Durante todo este tiempo no hemos dejado de ensayar ni componer con asiduidad, pero hasta ahora no podíamos decirlo con seguridad: estamos vivos”, escribían en un comunicado. Mejor aún, prometían que en 2020 habría nuevo disco, aunque sin determinar una fecha.

La incógnita la resolvimos a finales de febrero cuando la gente de Aloud Music nos invitó a escuchar en primicia Bellavista, y nos confirmaban que su tercer largo vería la luz el 30 de abril.

En su estudio y acompañados de Cándido Gálvez (voz, guitarra), Pedro Ruíz (guitarra), Ángel Madueño (bajo) y Álvaro Mérida (batería) escuchamos por primera vez sus once canciones grabadas en los Ultramarinos Costa Brava junto a Santi Garcia y Borja Pérez durante tres semanas del pasado diciembre.

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Sin ánimo de hacer spoilers, sólo te contaremos que si, como nosotros, te enamoraste de lo que hicieron en Flores, Carne y Ulises, puedes respirar tranquilo: es otro discazo. La banda no ha abandonado las guitarras y baterías por la electrónica, y tampoco faltan algunas estrofas gritadas, aunque las melodías han ganado peso. Pero al mismo tiempo, es evidente que el grupo no es el mismo que hace tres años. Sólo hace falta prestar atención a las letras para ver que el vuelo de Ulises a Bellavista, un vuelo que les llevó a Londres, Tokio o Moscú, no estuvo exento de turbulencias. Frases como “He trepado en un árbol del que no sé bajar”, “Vine a por un aplauso, la cosa se torció. Más adictivo que la cocaína y no sé yo” o “La soledad del corredor de fondo bien quemado. Pienso en dejarlo a menudo, sé que nunca lo haré” exponen sin tapujos las dudas y temores que han circulado por sus cabezas.

La buena noticia es que todo eso parece haber quedado atrás y, ahora, armados con estas canciones y los ánimos renovados, el grupo está más listo que nunca para llegar hasta allí donde siempre habían podido, pero quizá no se habían atrevido.

Por miedo, por humildad, por inseguridad… Posiblemente por una combinación de todas esas cosas.

El mismo día que estrenaban el vídeo del primer single, ‘Bellavista’, contactamos con Cándido para conocer la intrahistoria de su nuevo álbum. Aunque, lógicamente, empezamos hablando del dichoso virus que, en ese momento, ya nos había obligado a encerrarnos en casa durante una semana.

¿Cómo llevas el confinamiento? ¿Cómo están las cosas por vuestra ciudad?

CÁNDIDO GÁLVEZ “Lo llevo bas-

tante guay. Soy bastante casero y tengo terraza y eso. Yo vivo en la zona periférica de Córdoba y de momento está todo tranquilo. No he visto nada raro. De hecho, no he visto ni policía”.

Bien, hablemos de cosas más agradables. La verdad es que no me esperaba que el disco fuera tan bueno.

“¿De verdad?”.

Bueno, me daba la sensación que habíais estado un tiempo un poco confusos, y no estaba seguro de que os hubieseis centrado a tiempo para hacer un gran disco.

“Te lo agradezco. La verdad es que tuvimos muchas dudas. Pero al final no creo que sea un cambio tan, tan brusco. Opino que hay un salto, yo creo, sobre todo a nivel lírico, pero no ha sido tan bestia como podría haber sido”.

El álbum lo veo como el fruto de una crisis existencial, tanto a nivel personal como de banda. ¿Lo compartes?

“Sí, totalmente. Hubo una crisis muy clara como grupo. Creo que coincidió con el salto de la época final de Flores, Carne y Ulises. Éramos recién graduados y podíamos dedicarnos a girar libremente. Pero luego vino una etapa de transición de buscar trabajos, Ángel abrió una empresa…

Era una fase en la que teníamos que recolocarnos todos. Había que ver cuáles eran nuestras perspectivas

“PUEDES DAR 150 CONCIERTOS, PUEDES TOCAR EN 23 PAÍSES, HACER UN MONTÓN DE COSAS Y PIENSAS QUE, CUANDO LLEGUES A CASA, VA A PASAR ALGO, Y NUNCA PASA NADA” CÁNDIDO GÁLVEZ como banda y a qué aspirábamos cada uno, tanto en la banda, como en la música en general”.

te racional y la emocional. Pero si gana la racional, te puedes frenar a ti mismo de no llegar a todo tu potencial. Es un dilema

¿Y ahí es donde surgieron las

difícil de resolver.

discrepancias?

“Sí. Cuando tenía 16, 17 años, salieron los documentales de Berri Txarrak, Zertarako Amestu, y el de Standstill, 10 Años Y Una Zanahoria, y los dos hablan de eso, de una banda underground que sale, que se supera, consigue vivir el sueño, hacer unas giras loquísimas… Ésos eran mis referentes, a lo que yo aspiraba.

Y creo que en parte hemos cumplido muchas de esas cosas”.

“Lo que siempre ha pasado es que yo era el que aspiraba a ir hacia arriba, a girar mucho, quería tomármelo muy en serio… Y a ver, la realidad es que, con la música que hacemos en el país en el que la hacemos, es idealista y utópico pensar en poder dedicarte a esto exclusivamente.

Yo creo que la responsabilidad de mis compañeros de tener los pies en la tierra ha pesado mucho”.

¿Crees que la gira de Ulises Es esa lucha eterna entre la par-

ayudó a decantar la balanza?

“Sí, creo que sí. Fue un poco el darte de bruces con la realidad. Puedes dar 150 conciertos, puedes tocar en 23 países, hacer un montón de cosas y piensas que, cuando llegues a casa, va a pasar algo, y nunca pasa nada. Me refiero a nivel profesional. Obviamente lo que hemos vivido, no lo cambiamos por nada.

Y luego también ocurrió que al final de esa gira, se fue Álvaro Moreno.

Personalmente fue duro porque yo empecé a tocar con él cuando tenía 15 años, y cuando se fue, yo tenía 27. Fueron doce años, y hasta hubo una temporada en la que vivimos juntos. Para mí fue muy traumático y creo que no lo valoramos como hubiéramos debido, parando un tiempo

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y reflexionando. Recuerdo que se fue él y nosotros seguimos girando.

Su marcha nos hizo darnos cuenta del peso que tiene cada persona a nivel emocional y anímico dentro de la banda. Quizá hasta entonces no le habíamos dado importancia”.

Casi parece como si no hubierais pasado el duelo de su marcha del grupo.

“Así es. Yo creo que el duelo lo pasamos después, cuando nos sentamos y dijimos que había que hacer un disco nuevo. Fue cuando nos dimos cuenta de cómo habían bailado los roles, de cómo nuestras personalidades se conjugaban de manera distinta al no estar Álvaro.

Nos llevó un tiempo volver a poner las piezas en su sitio”. ¿Álvaro lo dejó precisamente porque no veía compatible seguir en el grupo con su situación profesional o personal?

“Él es un par de años mayor y fue el primero en darse cuenta de que aspiraciones profesionales no había. Se fue simplemente por eso. Le gusta mucho estar en Córdoba, con su pareja, es muy familiar, y eso es muy difícil de compaginar con las giras que aspirábamos a hacer”.

Por lo que cuentas, tú papel es el de tirar del carro. Eso también conlleva un desgaste.

“‘GUILLOTINAS’ FUE UN EXPERIMENTO, PERO SE QUEDÓ AHÍ. AUNQUE EN EL DISCO NUEVO HAY UN POCO DE ESO” CÁNDIDO GÁLVEZ

“En algunas cosas sí y en otras no.

Creo que a día de hoy cada uno tenemos nuestras pequeñas parcelas de poder, más o menos acotadas. Pero es verdad que al final parece que yo tenga más presencia porque soy el que tiene la responsabilidad lírica y

el que se pone delante del micrófono, aunque tampoco se me dé muy bien hacer de frontman (risas)”.

Creo que en 2018 hubo un primer intento de grabar un álbum nuevo, pero no fructificó. ¿Qué pasó exactamente?

“Nosotros reservamos un estudio en primavera de 2017, justo antes de salir de gira, y grabamos tres temas.

De ahí salieron los singles, ‘La Cima’ y ‘Guillotinas’, que publicamos a final de año. Luego en mayo de 2018, reservamos como tres semanas con la intención de hacer el disco. Haces como el calendario perfecto, pensando que vas a llegar y todo va a funcionar. Pero no funcionó. Cancelamos un mes antes. Sobre todo fue por un tema de motivación. Fue una buena decisión porque, realmente, no iba a salir un buen trabajo porque no estábamos todos involucrados al 100%”. ¿Pero ya teníais las canciones que saldrán en Bellavista o éstas llegaron después?

“Sí, sí. ‘Ikebukuro Sunshine’ fue la primera que hicimos y ésa es de verano de 2017. Nosotros hasta entonces siempre habíamos hecho el grueso del disco cinco meses antes de grabar, pero aquí tuvimos tiempo para trabajar temas más antiguos y rescatar cosas”.

Pues una de las cosas que más

“Mola. Me alegro que lo veas así porque teníamos muchas dudas con el orden. De hecho, el tracklist que habíamos hecho como banda era un poco diferente. Fue Sergio (Picón, de Aloud Music –ndr.) el que nos convenció para cambiarlo. Ha quedado muy bien, la verdad”.

Para mí ‘Lindavista’ podría ser el último tema porque acaba muy arriba, pero luego llega ‘¿Qué Hay Detrás De La Ventana?’ y es como un epílogo que queda muy bien.

“Sí, a mí me gusta que termine con ese tema también”.

El single ‘Guillotinas’ descolocó muchísimo, hubo mucha dispa-

¿Fue esa serie tu entrada a la

ridad de opiniones. ¿En algún

cultura japonesa?

momento os planteasteis hacer

“Diría que no. Ya desde muy pequeño me flipaba Dragon Ball, Oliver Y Benji y esas cosas. De adolescente ya me metí de lleno. Pero tampoco soy súper otaku. Me mola, pero no soy experto”.

un disco entero en esa línea o era más un experimento?

“Nos planteamos hacer algún tema así, pero nos seguimos viendo como una banda de cuatro personas que tocan juntas. Al final los recursos que manejamos son las guitarras, batería y bajo. ‘Guillotinas’ fue un experimento, pero se quedó ahí. Aunque en el disco nuevo hay un poco de eso”.

No te disfrazas…

“No, de momento no (risas)”.

También me ha llamado la atención la parte flamenca de ‘Un

Sí, en ‘Más Triste Que Shinji

Collar’. ¿Cómo surgió?

Ikari’. Supongo que la sacareis

“Yo llevaba un tiempo queriendo hacer un tema mezclando screamo o post hardcore con flamenco. Teníamos varios riffs, varias versiones, y al final se quedó en este tema porque es la que más nos moló. De hecho, yo para esa parte flamenca estaba obcecado con que fuera con una guitarra eléctrica con reverb, y fue Santi Garcia el que se empeñó en hacerlo con guitarra acústica. Y que-

como single.

“Sí, es la idea. Hoy salió el primero, y en una, dos o tres semanas sacaremos ésa”.

me ha gustado del disco es que daba la impresión como si los

¿Por qué cogiste ese personaje

temas se hubieran escrito en or-

para ese tema? ¿Eres fan de la

den cronológico. Hay como una

serie?

narrativa que fluye muy bien

“Sí, a mí me flipa Evangelion Unit01. Aquí la veía en Canal Andalucía

de principio a fin.

con 10, 11 años. No me enteraba de nada, pero me molaba mucho la estética. Ya cuando la volví a ver de mayor me flipó muchísimo. El rollo con ese tema era que queríamos hacer una canción de lo-fi chill hop que se puso de moda en esas listas para estudiar. Hacer un tema pequeñito, sintético, con la batería sampleada. Al final quedó un poco diferente, pero la idea original era ésa. Normalmente los temas de chill hop los suelen loopear con un vídeo de anime, y nos pareció que quedaría súper redondo si hacíamos una referencia, también en el título, porque es una serie que conoce mucha gente. Nos hacía gracia”.

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dó muy guay”.

También hay referencias a

Antes hablabas del cambio en

banda underground, parece

las letras. Me ha parecido que

como que hubieras catado lo

había mucha influencia del hip

que es ser una estrella del rock

hop, en el sentido de hablar de

a tu escala. ¿Crees que has vivi-

ti mismo como si fueras un per-

do cosas que no hubieras vivi-

sonaje y a la vez ser muy con-

do si no fuera por el grupo en

fesional. ¿Has intentado escribir

ese aspecto concreto?

sobre ti, pero viéndote desde

“Yo creo que el estilo de vida derivado de la música, participes más o menos, convive un poco con eso. A ver, nosotros somos la última mierda (risas), pero sí que notas… No sé cómo decirlo sin sonar un poco capullo…”.

abierto muchas cosas. Me ha dado cierta autoestima que antes no tenía.

Sobre lo que dices de las chicas…

Tampoco somos los más ligones del mundo, para nada (risas). Es una pregunta que nos hacen a menudo de si cuando estás de gira ligas, pero qué va. Ya te habrán contado muchas bandas que no. Al final llegas, pruebas, tocas, y cuando acabas estás tan cansado y sudado, y al día siguiente tienes que hacer siete horas en furgo, que no te quedan ganas de nada. No somos esa clase de banda. Al menos todavía (risas)”.

Dilo aunque suenes un poco

Pero yo diría que parte del

capullo (risas).

conflicto es que por un lado te

“Bueno, notas que hay gente que te respeta por cosas de la banda, o que te trata de otra manera que te trataría si no fuera por la banda.

A todos nos pasa. Yo delante de Gorka Urbizu, que es mi súper ídolo, también me pasa. No sé…”.

gusta tener la autoestima más

Una cosa es que admires a al-

No digo que lo seáis, sino que

guien o que haya un respeto

te da miedo que parezca eso.

sincero, y otra, que igual es lo

“No me gustaría proyectarlo. Creo que por el tipo de banda que somos siempre hemos intentado huir de eso.

A ver, internet es muy grande, siempre hay cosas en foros, en Twitter…

Cuando empezamos, que quizá no éramos tan buenos, te llegaban comentarios… No sé”.

sexo, a drogas. Aun siendo una

fuera?

“Sí. Durante un tiempo he escuchado mucho hip hop. Era como inevitable porque la música urbana se estaba quedando con todo y, en general, le hemos prestado más atención. A mí siempre me ha gustado el rap. Había un intento de en lugar de escribir hacia dentro, hacerlo más hacia fuera o algo así. Rebajar la carga metafórica. ¿Es eso a lo que te referías?”.

Sí, sobre todo veo como si hubieras conseguido tomar distancia respecto a ti mismo, reírte

alta, pero quizá tengas miedo de que se confunda con cierta arrogancia.

“No sé. Intentamos mantenernos bastante humildes, cercanos y transparentes”.

de ti mismo…

“Sí, tiene un punto más irónico, sobre todo en los cuatro primeros temas, y el último. Es un poco más ácido. Son recursos estéticos que me apetecía utilizar, quizá distanciarlo un poco del rollo súper emo, tan derrotista, que siempre hemos tenido”.

Hay una actitud bastante cínica,

que te provoca más dudas, es la gente que se te acerque por interés.

“Sí. Pero tampoco hemos tenido una experiencia súper desagradable en ese sentido”.

o ácida, como dices, pero el primero que se pone en la diana

¿Pero has tenido dudas, por

eres tú.

ejemplo, de haberte acostado

Antes decías que no eres el

“Es verdad que quizá es algo más tradicional del hip hop, pero fíjate que en Brand New, que me molan mucho y de los que he copiado y me he inspirado, Jesse Lacey habla de sí mismo de esa manera. Eso siempre me ha atraído mucho. Son también una banda referente para nosotros”.

con alguien y pensar que si no

mejor frontman del mundo…

fuera por el grupo ni de coña

¿Crees que en esta gira te vas

hubiera pasado?

a soltar más? ¿Has superado el

“Ése es un debate que he tenido muchas veces. Es complicado. Nosotros somos los cuatro bastante cortados.

Yo siempre he sido el típico chico tímido de la clase. A mí la banda me ha

miedo escénico o te sigue cos-

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tando igual?

“Me sigue costando, tío. Me cuesta dirigirme al público desde el micrófono. No creo que nunca seamos una

“YO SIEMPRE HE SIDO EL TÍPICO CHICO TÍMIDO DE LA CLASE. A MÍ LA BANDA ME HA ABIERTO MUCHAS COSAS. ME HA DADO CIERTA AUTOESTIMA QUE ANTES NO TENÍA” CÁNDIDO GÁLVEZ

banda que incita a participar. No va con nosotros. Ya sabes que nosotros tocamos como en círculo, pero en la última gira empecé a girarme un poco más, a hablar un poco más, a interactuar un poco más. No sé, por ningún tema político, es que se me da muy mal. Me pongo muy nervioso y no sé hablar. Y cuando me veo en los vídeos, me odio (risas)”.

Pero después de 300 conciertos, ¿no llega un momento en que subirte a un escenario es como atarte los zapatos?

“El hecho de subir a tocar lo tenemos bastante interiorizado. Ya no es como al principio que te tiemblan las rodillas. Es el hecho de verbalizar los pensamientos cuando sabes que todo el mundo te está prestando atención. Se me hace muy raro, me cuesta. Supongo que es algo que tendría que practicar para acabar dominándolo”.

Mucha gente que escucha rock o hardcore, odia el trap. ¿Cómo les animarías a entrar en él?

“Yo creo que cada estilo tiene unos recursos estéticos que te permiten decir unas cosas de una manera o de otra.

Una vez escuché a Gorka Urbizu en una entrevista que decía que él del rap aprendió a soltar nombres propios y que es algo que cobra muchísima fuerza. Es una música que se puede disfrutar muchísimo. Las cosas que se cuentan en el rap o en el trap, en la música urbana, son diferentes. A mí de más adolescente me flipó el Jazz Magnetism de Kase.O. Luego me reenganché cuando Suite Soprano sacaron uno que se llama Domenica. Tenía 23 años o así, y las letras eran como muy emo, me engancharon mucho. Luego Agorazein de Kind Of Red. Y luego de lo que hicieron de rap más mirando hacia dentro también mola. Un poco lo que hablábamos de los personajes que se crean, son muy distintos a los

de la escena del rock. Quizá con este disco hemos querido mirar algunas de esas cosas”.

Para terminar, ya que has citado a Gorka un par de veces, ¿cómo te tomaste la noticia de que lo dejaran Berri Txarrak?

“Yo creo que es una de las cosas que molan de ellos. Esa honestidad brutal. Justo cuando piensas que están en la cima de su carrera, van y lo dejan. Evidentemente me entristeció porque cada tres años esperabas un nuevo disco de Berri, pero creo que como fan se podía intuir después del Denbora Da Poligrafo Bakarra. Yo les admiro mucho por hacerlo. Pero espero que vuelvan dentro de siete, ocho, nueve años. Bueno, cuando les apetezca (risas)”.

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DISCO DEL MES

A Mestarin Kynsi (NUCLEAR BLAST) PSYCHEDELIC BLACK METAL

8

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su absoluta bola, sin relacionarse con la tremebunda y ultratrue escena black de su Finlandia natal, los excéntricos Oranssi Pazuzu regresan cuatro años después de publicar Värähtelijä dispuestos a aprovechar el tirón de aquél e incluso ampliar fronteras psíquicas.

Siendo Mestarin Kynsi su quinto largo y viniendo de ese Syntheosis de Waste Of Space Orchestra, su colaboración con Dark Buddha Rising que nos vaporizó los sentidos, ahora mismo el quinteto ya no tiene nada que demostrar.

O más bien, por disimular. El electro es parte fundamental en ácido cyberpunk como ‘Uusi Teknokratia’ o la embriagadora ‘Kuulen Ääniä

ORANSSI PAZUZU

Maan Alta’ (¡Menudos patrones, cómo se mueve esta fiera!), se van a encargar de subrayarlo muy especialmente, y también, por si a alguien no le había quedado suficientemente claro, Oranssi Pazuzu acentúan sin remilgos que hoy en día les interesa más el krautrock o el progresivo de los 70 que la gran ola noruega de black metal, por ejemplo. De verdad, cada vez resulta más obvio que tienen más en común con Swans o Neurosis que con Burzum o Immortal.

Igualmente, la banda sigue siendo extrema. Como ya demostraron Arcturus o Blut Aus Nord, la vanguardia no impide herir. Por muchas sustancias que le echen al caldero, por mucha politoxicomanía que

desprendan estos seis temas, los norteños continúan siendo capaces de despedazarte cuando les place, como en la final y agobiante ‘Taivaan Portti’. Y eso por no hablar de las voces de Jun-His, ese diablo hippie del espacio exterior…

Seguramente no estemos ante el disco más apropiado para afrontar un confinamiento, pero si cierras los ojos y expandes tu mente, en cuanto te atrape el tempranero mantra de ‘Ilmestys’ serás capaz de escapar de estas cuatro paredes, dejar atrás la claustrofobia y viajar hasta ahí donde te alcance la imaginación. ¿Quién necesita tripis pudiendo echar mano de la extravagante ‘Tyhjyyden Sakramentti’?

PAU NAVARRA

MOURA

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Diego

Veiga (voz, guitarra), Hugo Santeiro (guitarra), Pedro Alberte (bajo), Fernando Vilaboi (teclados, sintetizadores), Luis Casanova (batería) PRODUCIDO POR: José Gutiérrez Costas AFINES A: Atavismo, The Soulbreaker Company, Arenna PÁGINA WEB: www.eiradamoura.bandcamp.com

A Moura (SPINDA) ROCK PSICODÉLICO

8

lgo bueno debe estar ocurriendo cuando no nos cansamos de señalar que el nivel de muchas bandas de aquí está a la altura de cualquiera que venga de fuera. Ya no sólo porque encontremos formaciones que están empezando a ser referencia para el resto dentro de nuestras fronteras, sino porque observamos que no son pocas las que comienzan a fijarse en las influencias propias de su tierra para dar forma a algo único e intransferible. Berri Txarrak han llevado el rock en euskera más lejos de lo que nadie podría haber imaginado, mientras que otros como Atavismo o Ella La Rabia

han sabido inspirarse en las raíces de su tierra para armar su discurso. En esa misma mentalidad musical parecen encontrarse Moura. Aunque ya llevan en activo unos cuantos años, es ahora cuando este grupo de A Coruña se dispone a presentarse en sociedad por la puerta grande. Mucho y para bien habrá pesado ese periodo de tiempo empleado para madurar un álbum de debut que huele a uno de los pelotazos de la temporada para la parroquia amante de los sonidos psicodélicos y lisérgicos. Como si de un ritual ancestral perpetrado por antiguos druidas se tratase, estos gallegos nos invitan a su par-

ticular congregación musical.

Hay grandes riffs de guitarras y teclados sugerentes, pero es la influencia de su tierra a través de canticos, percusiones tradicionales y el uso del gallego la que acaba perfilando su personalidad. Destacar uno de los cuatro largos movimientos aquí incluidos por encima del resto sería injusto, pues todos ellos forman una unidad indivisible para entender la experiencia en su totalidad. Aunque quizás sea esa ‘Ronda Das Mafarricas’ la que mejor consigue cohesionar los dos universos por los que transitan.

Deseando estoy de presenciar el aquelarre eléctrico en vivo.

GONZALO PUEBLA

BONUS TRACK CON... DIEGO VEIGA Todos venís de distintos grupos como Lüger, Guerrera o Holywater entre otros. ¿Cómo acabais tocando juntos?

“Nos conocíamos todos más o menos de distintas etapas musicales y a base de coincidir en otros proyectos, festivales y, sobre todo, en los conciertos del tristemente extinto CSA Casa Tomada ó Nave 1839, donde tanto los otros músicos que pasaron por Moura como la formación actual nos relacionábamos y acudíamos frecuentemente”.

El componente de folk lisérgico de vuestra tierra es fundamental en el sonido. ¿De dónde surgió ese interés por las música de raíces galaicas?

“A partir de experimentar con la canción del gran artista portugués Zeca Afonso, ‘Ronda Das Mafarricas’, nos dimos cuenta de las posibilidades de usar nuestras influencias foráneas y hacer un ejercicio de introspección con nuestra

cultura madre. A todos nos interesa en mayor o menor medida la historia, el ocultismo, la etnografía y antropología y comenzar a explorar otras vías como la mezcla entre el rock progresivo, la psicodelia y el folk tradicional galaico.

Es un reto, un camino de aprendizaje con músicos que vienen de otras escenas y una motivación”. ¿Creéis que los grupos nacionales están empezando a darse cuenta del valor que tiene fijarse en lo que hay en casa en lugar de mirar lo que viene de fuera?

“Creo que es algo que viene sucediendo desde hace tiempo en sitios como Euskadi, Andalucía, Asturias, Catalunya... aunque sea un movimiento mayormente underground. Pienso en bandas favoritas como Akauzazte, Lisabö, Atavismo, proyectos como Lucas 15, la interesante propuesta de Rodrigo Cuevas, el éxito de los Derby Motoreta’s Burrito

Kachimba... Lo que sí noto es que Galicia está pasando por un buen momento en este aspecto con multitud de proyectos que concilian tradición autóctona con diversos estilos. Parece que al fin se ha perdido el miedo a combinar nuestra identidad cultural con otros vehículos musicales como puede apreciarse en el maravilloso trabajo de Xose Lois Romero e Aliboria o sus colaboraciones con el proyecto electrónico-visual de Baiuca, los experimentos con loops y cello de Margarida Mariño, el folk de Caldo, los inclasificables Cró!, Faia, Tanxugueiras, la siempre transgresora Mercedes Peón... Creo que sí hemos aprendido a disfrutar de géneros más exóticos, de tuaregs tocando rock desértico u otras fusiones, también debemos ser conscientes de la riqueza de lo nuestro y poder conectar con unas pandereteiras armonizando voces, drones de zanfoñas o folk psicodélico cantado en gallego”.

(GONZALO PUEBLA)

55

PEARL JAM Gigaton

(MONKEYWRENCH/REPUBLIC) ROCK

6

D

urante la pasada década hemos visto como Pearl Jam alcanzaban la mayoría de edad celebrando su 20 aniversario y se consolidaban como un grupo de grandes recintos. Pero si encima de los escenarios han mantenido su estatus de gigantes, por contra en el estudio la situación ha sido más preocupante. Desde que editasen en 2013 el prescindible Lightning Bolt, Eddie Vedder y compañía no han dado la sensación de estar muy preocupados en seguir lanzando nuevo material. Así pues, llegados a su undécimo álbum de estudio, Gigaton debía servir para despejar dudas entre su fans. Sin embargo,

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mucho me temo que el efecto va a ser justo el contrario. Porque este disco en lugar de intentar corregir los errores que presentaba su predecesor, vuelve a reincidir en ellos.

Su hora larga de metraje presenta altibajos de lo más desiguales, con algunos aciertos pero también con bastantes fallos. Cuando se ponen en modo rockero, combinan momentos notables (la dinámica ‘Who Ever Said’ es el mejor arranque que les recuerdo en bastante tiempo, y ‘Quick Escape’ presenta un groove zeppeliniano comandado por el bajo de Jeff Ament), con otros que parecen insertados para justificar la cuota de guitarras. Al bajar las revoluciones, el asunto no da síntomas de mejoría.

Al binomio formado por ‘Alright’ y ‘Seven O’Clock’ le sobra el querer sonar tan amable e inofensivo.

Mismo camino corre una recta final donde el grupo entrega directamente las armas con la intrascendente ‘Retrograde’ y una ‘River Cross’ alargada sin razón alguna. Y es que a Pearl Jam la crisis de la mediana edad no parece haberles sentado nada bien.

GONZALO PUEBLA

ME AND THAT MAN

New Man, New Songs, Same Shit, Vol. 1 (NAPALM) BLUES, COUNTRY, FOLK

7

S

iempre es de agradecer que cuando un artista se decide a hacer un proyecto paralelo, éste se distancie el máximo posible de su línea habitual. Porque ¿qué sentido hacer lo de siempre bajo otro nombre? Desde luego, cuando Nergal lanzó el debut de Me And That Man en 2017, no podría haber sido más distinto al de su trabajo en Behemoth.

Junto al cantante y guitarrista John Potter, Nergal nos presentó en Songs Of Love And Death, una colección de canciones que nada

tenían que ver con el black metal, más allá de su tono oscuro, y sí con el legado de artistas como Nick Cave o Johnny Cash. Ahora, tres años después, y sin Potter, el líder de Behemoth vuelve con un segundo disco en el que ha reclutado a algunos amigos célebres para que le echen una mano. La principal gracia es que todos los invitados han entrado en el juego de salir de su zona de confort, y se han puesto en el papel para interpretar estas canciones que beben del blues, el folk y el country.

La influencia de Nick Cave vuelve a estar omnipresente.

Casi todos los vocalistas, ya sea Sivert Høyem de Madrugada en ‘Coming Home’, Mat McNerney de Grave Pleasures en ‘Burning Churches’, Ihsahn de Emperor en ‘By The River’ o Matt Heafy de Trivium en ‘You Will Be Mine’ intentan acercarse al estilo torturado del australiano. Y la verdad es que resulta curioso escucharles en un registro distinto. El único pero es que sus 11 canciones dejan la sensación de que se trata de un ejercicio estético, más que de algo que haya salido de las entrañas. Aun así, el experimento funciona.

JORDI MEYA

DESAKATO

La Miel De Las Flores Muertas (AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

7

D

esakato están intentando hacer lo más difícil, a paso lento, pero firme. Es arduo el trabajo de desprenderse de una etiqueta como la que tiene la banda, ligada al punk estatal, pero con su sexto trabajo aceleran el proceso que empezaron con el EP Antártida hace un par de años, y despliegan una paleta de colores más amplia con la que su base de seguidores pueda seguir sintiéndose cómoda. Es por eso que en este La Miel De Las Flores Muertas, los asturianos nos presentan no sólo punk, sino también pinceladas de stoner, rabia hardcore y algún coqueteo con el metal que les favorece y del que

espero se beneficien más en futuros lanzamientos.

Manuel Cabezalí (Havalina) les ayuda en la producción, pero la sensación es que el grupo sigue llevando las riendas, y por eso, aunque el sonido se diferencie del resto de sus trabajos en lo orgánico, no acaba siendo tan distinto como para suponer una ruptura.

Lo que más ha cambiado es el tratamientos de las voces, o eso es la impresión que nos da, y ahora Pepo se pone al frente en varios momentos, y la voz melódica de Pablo intenta acercarse más al rock en diferentes tempos. Puede que esto haga que las canciones no tengan tanto gancho como los himnos de antes, pero sí que sean más ricas, que abarquen más terreno. Eso hace de él uno de los discos más abiertos y disfrutables de la banda. Está claro que quieren desprenderse de cánones, con en ‘Nueva Religión’ o ‘Nuestro Legado’, donde para nuestra alegría tiran mucho del post hardcore con arreglos de guitarras muy elegantes. Pero es posible que con otro enfoque en cuanto a la mezcla y masterización estuviéramos hablando de un disco más redondo si cabe.

JORGE FRETES

THE SUICIDE MACHINES

Revolution Spring (FAT WRECK) PUNK ROCK

7

P

arece increíble pero han pasado 15 años desde que The Suicide Machines editaran War Profiteering Is Killing Us All, su último discos de estudio; sin aire me he quedado yo también cuando he visto el dato.

Y desde que en 2009 se reunieran de nuevo ya sin el guitarrista Dan Lukacinsky, parte importante en la composición de sus temas clásicos, la actividad de la banda ha sido moderada, por decirlo de una manera amable.

Sin embargo, viendo lo que nos ofrece Revolution Spring parece que hayamos sido nosotros los que nos

hemos congelado en el tiempo disfrutando de las novedades de un nuevo milenio. Puede que estos Suicide Machines sean algo más maduros en sus letras –la furia se ha sustituido por la reflexiónpero si de mezclar punk, hardcore y ska hablamos no han perdido ni un ápice de maestría. No hace falta más que oír los dos primeros temas del álbum ‘Bully In Blue’, a ritmo de punk rock contagioso, y ‘Awkward Always,’ ska punk repleto de melodía, para saber que el mojo de los de Detroit sigue intacto.

A partir de ese momento el álbum conciso -son 16 temas en poquito más de media hora- es un pequeño festival de temazos que pasan del hardcore ortodoxo de ‘Detroit Is The New Miami!’ a las melodías de ‘Well Whiskey Wishes’ sin que nada chirríe. Definitivamente en este clima musical cuesta pensar en la relevancia que pueda tener un nuevo álbum de The Suicide Machines, pero en ese pequeño mundo del punk rock que vive resistiendo al invasor, diría que es hasta necesario.

RICHARD ROYUELA

HEAVEN SHALL BURN Of Truth And Sacrifice (CENTURY MEDIA) METAL

7

D

iecinueve canciones suelen ser muchas, ni que estén divididas en dos discos. Por lo general, significa que habrá mucho relleno o pasajes inútiles que arruinen el resultado final. Por suerte, en Of Truth And Sacrifice no hay mucho de eso, aunque te quedas con la sensación de que algunas de las canciones más largas (de más de 7 minutos) podrían haberse recortado. La parte buena de este álbum doble de los alemanes es que tiene todo lo que la gente busca en este tipo de música ‘dura’ sin llegar a ser extrema. Tiene tempo, agresión, diversidad

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entre canciones, batería dura y pesada, guitarras de bombeo y una sensación de violencia completa para sus casi 100 minutos de música. Sin tener un oído entrenado para lo técnico, simplemente se nota que esto suena agradable a la vez que complejo. Hay canciones y álbumes que te ponen la piel de gallina y te dan una sensación de completa libertad, agotando toda la agresión y tensión acumuladas tanto en el cuerpo como en la mente. Si buscas eso, éste es el disco perfecto.

Hay canciones brutales, hay acercamientos a la electrónica, hay invitados como Andreas de Caliban y hasta una version de ‘Critical Mass’ de Nuclear Assault. Variedad no falta.

Insisto en que los pasajes instrumentales podrían haber sido más cortos y menos en cantidad, lo cual no reduciría la experiencia sino que ayudaría a su fluidez. En especial, esos 10 minutos de estática hacen que baje la calificación del álbum, que por otro lado no deja de ser otro gran disco de una banda que sigue jugando con las mismas ideas sin sonar a monótono.

JORGE FRETES

ELDER

Omens (STICKMAN/ARMAGEDDON) ROCK PROGRESIVO

9

M

entiría si les dijese que Elder no han sido la banda guiri que más me ha entusiasmado en el último lustro. Cuando les descubrí con su anterior Reflections Of A Floating World me pillaron en un momento personal en el que estaba obsesionado con la psicodelia más ácida, y en Lore encontré una obra maestra absoluta como pocas se han publicado recientemente dentro de su estilo. Es por ello que después del aperitivo que supuso el EP instrumental The Gold & Silver Sessions del pasado verano esperase ansioso su nueva entrega. Pues bien, el quinto álbum de los de Boston es un nuevo paso

adelante en su evolución.

Basta darle una primera vuelta para darse cuenta de que su referencia editada en 2019 no fue un experimento puntual, ya que esos sonidos más ambientales han encontrado un espacio dentro de su discurso.

Precisamente lo primero que escuchamos nada más abrir Omens no es un riffaco inmenso de Nick DiSalvo, sino una introducción a base de teclados a cargo de Mike Risberg. Es obvio que su incorporación en Elder ha ido adquiriendo más peso y aquí reclama protagonismo en mucho momentos, oxigenando sus ya de por sí recargadas composiciones.

Un buen ejemplo es la majestuosa ‘Halcyon’, donde los sintetizadores se funden dentro de sus habituales pasajes instrumentales.

Pero no se asusten, ya que el combo ha sabido encontrar el equilibrio entre sus diferentes sonidos. Y por supuesto, ahí DiSalvo sigue cortando el bacalao como el guitar god que es.

Quizás menos centrado en lucirse y más integrado con el resto de sus compañeros, pero igualmente en ‘In Procession’ y ‘Embers’ acaba imponiendo su ley.

GONZALO PUEBLA

COBRA Fyre

(AUTOEDITADO) HEAVY ROCK, STONER

8

T

eniendo en cuenta lo ocupadísimos que han estado sobre todo dos de sus miembros -David González con Berri Txarrak y Ekain Elorza con Morgan- a nadie debería extrañar que a Cobra les haya costado otros cuatro años volver a asomar la cabeza. Pero una vez más, cuando lo han conseguido, es para mordernos con fuerza. Como ya hicieran en el anterior Riffyard (2016), el cuarteto muestra su ambición para no quedarse atado a estilos como el stoner o el sludge con los que se les asoció en sus inicios. Naturalmente, algo de eso queda en temas como ‘Parasites’ y algún otro

pasaje mas setentero, pero en Fyre dan un paso más para liberarse de cualquier corsé. Ya de entrada, ‘Firebird’ inicia el album con un arranque blackie, para dar paso a un riff hard rockero que hubieran firmado Kvelertak con orgullo. Luego, ‘No Miracle’ galopa sin mirar atrás con un punteo más heavy a cargo de Josu Luengo y un estribillo notable. En ‘Emerald City’ salen con el turbo puesto a lo Motörhead, antes de que Haritz Lete matice el tema con un giro melódico.

Seguramente sean la mayor velocidad de los tempos y las melodías, los dos elementos que más distancian este álbum de los anteriores. Por ejemplo, ‘Oroiminduak’ -uno de los temas cantados en euskera- difícilmente hubiera encajado en otro de sus discos, pero aquí ayuda a que todo fluya mejor.

‘Letdown’, con su aire a lo Turbonegro, y ‘We Are Next’, con un inicio más pausado que desemboca en una parte más rabiosa con Liam de Cancer Bats como invitado, son otras novedades que se agradecen. Puede que la serpiente esté mutando de piel, pero sigue siendo igual de mortífera.

JORDI MEYA

WHITE STONES Kuarahys

(NUCLEAR BLAST) DEATH METAL

7

C

uando Eloi de Vidres A La Sang me chivó que su amigo Martín Méndez de Opeth le había reclutado como cantante de su nuevo proyecto, además de Jordi Farré, batería también de Vidres, Cruciamentum y tantos otros, captó toda mi atención. Luego me contó que les había fichado Nuclear Blast, el sello de metal más tocho del planeta, y que en directo se harían acompañar por otro Vidres y Foscor como Albert Martí para la guitarra rítmica y el exNuckin’ Futs Joao Sassetti para la solista. Ahí ya empecé a flipar… y cuánto me alegré por ellos. Como decíamos, White Stones es la criatura de

Méndez, contrastado bajista (en este debut también guitarra) al que le sigue ardiendo la llama del death metal, aunque eso no quite el amor que siente hacia lo que Mikael Åkerfeldt compone actualmente. Pero cuidado, porque el death es un territorio muy amplio, y es que el suramericano se encarga, en todos los sentidos, de mostrarnos que este grupo es algo muy íntimo e introspectivo. De hecho, incluso el nombre del combo hace referencia a su barrio de origen en Montevideo: Piedras Blancas. Escarbando en sus raíces y orígenes, Martín construye un conjunto de lienzos dinámicos, orgánicos, progresivos y de trazo gordo, tanto que puede recordar a los Morbid Angel más densos y menos veloces.

Igualmente, esto es sólo una mera referencia, porque como apuntábamos, White Stones aporta una visión del estilo de lo más propia.

Si os faltan personajes de relumbrón en esta aventura, los solos de este trabajo han sido grabados por su compañero Frederik Akesson y Per Eriksson (Katatonia, Bloodbath) en el tema ‘The One’.

PAU NAVARRA

N LUCIFER

Lucifer III (CENTURY MEDIA) HARD ROCK

7

o quisiera restarle méritos a Johanna Sadonis, pero es innegable que la entrada de Nicke Andersson tuvo un papel crucial en la segunda entrega de Lucifer.

Su alianza (tanto musical como sentimental) se dejó notar en una transición que pasó del doom al hard rock de corte setentero en tan sólo un disco. Ahora el matrimonio se afianza equilibrando la balanza entre ambas vertientes. Por supuesto el hecho de que Andersson haya ejercido nuevamente de productor y co-compositor se hace patente en todo el álbum (mismamente ‘Flanked

By Snakes’ parece un descarte de Imperial State Electric), pero también la vocalista alemana se ha preocupado de que esta vez su personalidad quede mejor remarcada. Así pues en ‘Coffin Fever’ y ‘Leather Demon’, donde se convierten

E NIGHTWISH

Human. :II: Nature (NUCLEAR BLAST) METAL SINFÓNICO

8

60

ste nuevo disco de Nightwish ofrece ‘algo más’. Sí, tiene el ADN Nightwish al completo, pero al mismo tiempo, es mucho más complejo y progresivo.

Ya desde el principio contiene introducciones que recuerdan a la música clásica con secciones de cuerda, pero también una advertencia de que lo que escucharás aquí no es fácil de digerir. Hay muchísimas melodías vocales impresionantes, coqueteando con cada posición en la escala con la voz de Floor Jansen que sube y baja, y te lleva a lugares a los que no ha ido antes en todo el universo Nightwish. Hay armonías vocales que a

en una versión diabólica de Fleetwood Mac, la oscuridad se cuela por la puerta sin preguntar. No llega a rozar el metal más ortodoxo de su debut, pero desde luego no supone un cambio tan brusco. También Sadonis hace valer su imponente registro melódico en las más accesibles ‘Midnight Phatom’ y ‘Lucifer’, en las que se mete en su papel de hechicera enfundada en traje de cuero.

Aunque del mismo modo que ocurrió con ‘Faux Pharaoh’,

vuelve a ser el corte final, en este caso ‘Cemetery Eyes’, el tema que mejor recoge todas las virtudes del grupo, con un duelo de guitarras digno de esos grandes discos que tanto les han influenciado. Tal vez lo de ponerse a la altura de Ghost (como bromeaba el líder de The Hellacopters en la entrevista que publicamos el mes pasado) aún les quede muy lejos, pero con trabajos como este se van acercando un poquito.

veces recuerdan vagamente a la utopía armónica de un dúo como Simon & Garfunkel. Hay momentos de riffs monumentalmente pesados ​​que nos llevan a discos como Once, y momentos en los que el lado más folk de la banda se hace cargo. En algunas canciones hay indicios sutiles de melodías del Medio Oriente, y canciones como ‘Noise’ y ‘Harvest’ (en la que Troy Donockley ejerce de vocalista) son probablemente las más pegadizas del álbum, dejando las demás para una profunda reflexión.

Hasta hay trazos de doom sinfónico en ‘Endlessness’ donde Marko Hietala presta su voz, o canciones tan duras

como ‘Pan’ en las que nos recuerdan que las raíces de esta banda siempre han estado en el metal finlandés.

Con la segunda parte del álbum, instrumental y clásica, te das cuenta que Tuomas Holopainen no es más que un impresionista moderno.

Escuchar este disco de golpe es como salir de ver una película extraordinaria en el cine, pero que no terminas de entender del todo, que necesitas ver más veces para buscar explicaciones. En una sentada el cerebro humano no puede procesar todo esto. No me esperaba nada de ellos y acaban de parir un señor disco.

GONZALO PUEBLA

JORGE FRETES

BIZNAGA

Gran Pantalla (SLOVENLY RECORDINGS) ROCK, PUNK

8

T

ras lo escuchado en sus dos primeros discos nadie podía dudar que Biznaga es una banda de las buenas. Y podrían haberse quedado ahí grabando un disco tras otro repitiendo lo que tan bien han demostrado saber hacer, y más o menos todos nos hubiésemos quedado contentos. Pero los madrileños dan a entender con este tercer álbum, Gran Pantalla, que no se quieren conformar con ser solamente una buena banda. Quieren dar ese paso a ser una banda especial, una de ésas que se escapen del

pelotón, abrazando el riesgo aunque sea metiendose donde no les llaman. Tanto la portada del álbum, como su temática –una cruda realidad de cómo la tecnología domina el mundo y por tanto nuestras vidas – deja claro que la intención del cuarteto no era la de entregar un disco amable, aunque musicalmente en algunos momentos sí arrojen algo de luz. Curiosamente en un álbum tan oscuro de espíritu, Biznaga han grabado algunos de los temas más accesibles de su carrera como pueden ser ‘2K20’, ‘Libertad Obligada’ o ese rock and roll que cierra el álbum, ‘Ultimo Episodio’, capaz de poner una sala del revés en medio segundo.

No todo va por el camino fácil, ahí están ‘Adorno’ o ‘Atentado, pero en definitiva Biznaga han sabido dar en Gran Pantalla con ese difícil equilibrio que juega entre la integridad y el saber llegar a un público amplio. Que el disco haya entrado en el número cinco de las listas atestigua que han dado en la diana.

RICHARD ROYUELA

WARBRINGER Weapons Of Tomorrow (NAPALM) THRASH METAL

7

H

ubo un tiempo en que parecía que formaciones como Evile o Warbringer iban a conseguirlo. A recoger el testigo de los grandes del thrash metal en cuanto a popularidad y llenar grandes recintos, me refiero, pero ese espejismo de finales de la primera década de los 2000 no duró más que un par de álbumes. Pronto tocó darse de bruces con la realidad, arremangarse y volver a sudar sólo para obsesos del estilo en las salas que hiciera falta. De esa inesperada transfusión de juventud al

thrash sólo quedaron los más fuertes, los más devotos, y en ésas tenemos a los de Ventura, ya presentando su sexto trabajo. Es un topicazo, pero en esta obra los californianos continúan su proceso de maduración y de expansión de recursos. Para entendernos, canciones como ‘Defiance Of Fate’ serían muy complicadas de hallar en sus primeros discos. Con una producción matadora como punta de lanza y un John Kevill tan asesino como siempre a la hora de desgañitarse, el quinteto estadounidense no se olvida de repartir estopa en ‘Firepower Kills’, ‘Unraveling’ o, como ya empezaron a incluir en su anterior Woe To The Vanquished, un arrebato death melódico como ‘Heart Of Darkness’. Clase media como ‘Power Unsurpassed’ o ‘Notre Dame (King Of Fools)’ consiguen que el álbum no decaiga, demostrando que, por muchas altas y bajas que sufran sus filas, por muy chunga que esté la situación, Warbringer nunca van a tirar la toalla. Da gusto escuchar cómo tocan en ‘Glorious End’ u ‘Outer Reaches’.

PAU NAVARRA

WITCHTOWER

Witches’ Domain (UNSILENT TOMBS) HEAVY METAL

9

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omo Wytch Hazel reivindicando el legado de Wishbone Ash, Thin Lizzy o Ashbury a través de superbas composiciones propias, nuestros Witchtower se han encomendado a una cruzada parecida, aunque muchísimo más centrada en la NWOBHM. No entraré a valorar si Witches’ Domain, su tercer álbum, es mejor o peor que Hammer Of Witches, es algo que imagino va a gustos, pero lo que sí haré es recomendar encarecidamente la atenta escucha de ambos trabajos.

Con el debido babero puesto, el irreductible investigador de incunables del periodo más cautivador

82 62

del heavy metal notará que en esta ocasión, Víctor M. de la Chica, el trovador tras estos temas, ha implementado su paleta de colores con pinceladas hard setenteras aquí y allá, casos de ‘Night Of The Witch’ o ‘Love Potion’. Más allá de estas novedades, lo que a mí me tiene obsesionado es la casi perfecta recreación del particular sonido de esa mítica etapa del heavy británico. Sumo respeto por el bajo, deliciosa presencia suya en la mezcla. Guitarras livianas que atacan todo lo necesario, pero sin decapitar a lo Painkiller.

Impecable gusto por la melodía, con un Víctor que tampoco renuncia al carácter de la working class en el micro, y solos, solos de aquéllos que logran alzarte el ánimo.

Por supuesto, canciones deleitosas como la inmejorable ‘Zugarramurdi (Sorginak!)’, ‘Mrs. Artisson’ o la orgásmica ‘The World Is Upside Down’ van a acabar por derribar las defensas del más purista de los puristas, quien terminará rendido ante las huestes de Jaén.

PAU NAVARRA

FOUR YEAR STRONG Brain Pain (PURE NOISE) PUNK POP, ROCK ALTERNATIVO

7

D

urante un tiempo parecía que Four Year Strong tenían muchos números para convertirse en una banda realmente grande. Pero ya se sabe que en el mundo de la música 2+2 raramente dan 4 y, quizá, les ha faltado saber camelarse a las nuevas generaciones como hicieron A Day To Remember. Tampoco les ha ayudado el haberse tirado cinco años sin publicar un disco, toda una eternidad en el hiperacelerado mundo en el que vivimos. Sin embargo, una sola escucha de Brain Pain basta para certificar que el barbudo cuarteto no ha perdido su

olfato para escribir esos temas pegadizos temas con los que se convirtieron en habituales del Warped Tour. De hecho, su séptimo trabajo supone una mejoría respecto al homónimo de 2015. El primer tema, ‘It’s Cool’, se abre con un coro angelical antes de dar paso un riff metalero y envolverlo con una gran melodía. En casi cada estribillo te llevan al huerto, pero antes de llegar a ellos te muestran su destreza para colarte un breakdown o un cambio de ritmo para que agites la cabeza y hacerlo todo más dinámico y entretenido.

El productor Will Putney (Knocked Loose, Stray From The Path) ha sabido encontrar el equilibrio perfecto entre la fuerza de la base instrumental y la luminosidad de las voces en temas como ‘Get Out Of My Head’, ‘Crazy Pills’ o ‘Mouth Full Of Dirt’. Un par de baladas, ‘Be Good When I’m Gone’ y ‘Young At Heart’, ponen el contrapunto a un disco rebosante de energía. A su manera, los de Massachusetts son unos maestros a la hora de mezclar influencias para dar con un popcore que, todavía, resulta revigorizante.

DAVID GARCELL

de engancharte desde los primeros segundos de ‘Gorri Ilun’ y hacer que no pierdas la atención hasta que suena el último acorde de la canción que da título a la obra. Es tan complicado nombrar cortes favoritos como encontrar tan solo uno que palidezca frente al resto.

Con una base que parte del LIHER Hemen Herensugeak stoner (‘Malinche’, ‘Thelma & Louise’), esta aventura en Daude forma de road trip conceptual (AUTOEDITADO) va tomando distintos ROCK atajos, ya sea en forma de latigazos punk como 8 ‘Ezti Eta Etsizko Egunak’ y ‘Ihesaren Dantza Arrotza’, iempre me ha rotundos mediotiempos en sorprendido que ‘Testigantza’ y ‘Marte’, o en Euskadi existan incluso ritmos bailables sin formaciones con un renunciar a la pegada como seguimiento a nivel local el adictivo single ‘Teloia’. bastante considerable pero No me gustaría desmerecer que fuera de su región sean a sus compañeros (la completamente desconocidas producción viene firmada para el resto de nuestra por Santi García, así que geografía. Con Hemen poco más que añadir), pero Herensugeak Daude Liher no puedo dejar de destacar parecen decididos a cambiar el trabajo de Lide a las esa tendencia. Para ello el voces. Es ella quien brilla grupo de San Sebastián ha con incuestionable autoridad colocado sobre la mesa una a lo largo de todo el disco. rotunda apuesta. Hay que Cuando acabe toda esta estar muy convencido para locura y podamos volver a lanzar en estos días de fast salir de casa para asistir a las food musical un álbum con salas de conciertos, háganse catorce temas sumando casi un favor y no se pierdan a una hora de duración. Pero esta gente. Lo agradecerán. es que Liher son capaces GONZALO PUEBLA

S

IGORRR

Spirituality And Distortion (METAL BLADE) AVANT GARDE

8

S

pirituality And Distortion nos asegura el aspecto pesado y más metálico del sonido Igorrr, eso sí, como era de esperar, lleno de contrastes exóticos. No hay muchas diferencias evidentes con respecto a los registros anteriores, pero en general estas canciones funcionan de otra manera. Las líneas de bajo tienen un sonido más grueso de lo normal y destacan bastante en la mezcla, dándole una gran presencia. La colaboración de George Fischer de Cannibal Corpse en particular es una que mucha gente estaba esperando escuchar y no

decepciona. Su voz es tan profunda y húmeda como habitualmente, con una buena muestra de rango, que se ayuda mucho de la forma en la que Igorrr coloca la música alrededor de su voz en un contexto nuevo para la banda.

Si ya eres seguidor del combo francés notarás que no hay mucha presencia de guitarras en todo el álbum, al menos no una que fluctúe mucho entre las progresiones de metal distorsionado e instrumentos acústicos. El ambiente general es más de la misma extrañeza esperada, pero con la sensación de ser una banda más grande gracias a tanta colaboración. Se dedica más tiempo a una idea, sea un riff de metal o una parte de violín, en lugar de optar por el cambio maníaco cada pocos segundos. Este enfoque extendido proporciona muchos momentos conmovedores, ya que las historias tienen espacio para jugar de una manera mucho más dramática.

Te permite comprender realmente el momento y seguirlo hasta el olvido. ¿Lo mejor que han hecho hasta el momento? Un gran sí.

JORGE FRETES

PINPILINPUSSIES Fuerza 3 (ALOUD) INDIE ROCK, PUNK

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n año después del lanzamiento de su primer EP 80/B, Pinpilinpussies vuelven a la carga desde Barcelona con su primer álbum de estudio.

El power dúo conformado por Ane y Raquel desarrolla en Fuerza 3 un sonido que mezcla garage, pop y rock alternativo envuelto de una estética cercana al post punk. El disco, grabado en los Estudios La Mina a los mandos del prestigioso productor español Raúl Pérez (Biznaga, Asunción…), se diferencia del primer EP en muchos sentidos: es mucho más cañero, y en él la pareja aprovecha a la

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perfección su intercambio de roles (voces e instrumentos) aportando una gran variedad de estilos y dinamismo al disco. Con un sonido que recuerda a formaciones pretéritas como Veruca Salt o Breeders, pero que enlaza con otras más actuales como Idles o Belako, Ane y Raquel nos han dejado un álbum de lo más completo, combinando su lado más melódico en canciones como ‘Balada #1’, ‘Antxoa’ o el gran single ‘Noventas’, con su lado más punk y reivindicativo que encontramos en temas como ‘Fiera’ o ‘A.M.O’, destinadas a ser cantadas y gritadas a puro pulmón en cada concierto Esperemos que pronto.

Como el propio título del disco indica Pinpilinpussies debutan con fuerza en el panorama nacional, pero lo mejor de todo es que su potencial apunta a que esto es sólo es el principio.

Confiamos en que el dúo nos seguirá dando muchas alegrías en forma de música en un futuro no muy lejano.

ALEJANDRO TEIGA ROBLES

de su potencial en el EP Wings Of Steel, pero va a ser este Dance With The Devil la prueba de fuego real.

Opino que supera el examen con nota, pues su garganta desprende una garra que por momentos parece que vaya a arrancarte la tráquea de un zarpazo. Echo de menos ese deje más Judas BURNING Priest que tenían, pero lo WITCHES Dance With The Devil que sigue bien presente es el ataque tan thráshico y (NUCLEAR BLAST) afilado en las guitarras, amén HEAVY METAL, POWER METAL de la pegada de Lala a los tambores. Lo que debe de 7 haber disfrutado Schmier de Destruction produciendo temas pesados como ‘Sea ay que ver cuánto Of Lies’, ‘Necronomicon’ han crecido Burning o ‘Threefold Return’ junto Witches en apenas a V.O. Pulver… Su osadía un lustro de actividad. No es tal que terminan con el tardarán en salir gilipollas ‘Battle Hymn’ de Manowar, ladrando que están ahí por con incluso Ross The Boss ser tías, porque resultan un sacándole brillo al mástil imán para los babosos y y Michael Lepond de eso vende, y tantas otras Symphony X y la banda memeces con las que tienen del guitarrista poniendo su que lidiar a diario ellas, bajo. Para mí es la mejor Nervosa, y muchas otras canción de la historia del gladiadoras. Piénsalo bien, metal, y aunque es imposible imbécil, que te veo venir: igualar a la original, debo tres álbumes, un directo y reconocer que también me sus consiguientes giras en ha emocionado. Irresistible esos cinco años en los que el toque ochentero de ‘The tú, desde el sofá, sólo has Final Fight’. Temazo ‘Six Feet lloriqueado en redes sobre Underground’. Las helvéticas lo mal que está la escena. son imparables.

Su nueva vocalista Laura PAU NAVARRA Guldemond ya dio muestras

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DOGLEG Melee

(TRIPLE CROWN) EMO PUNK

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ogleg llevan unos cuatro años dando forma a su emo punk de alto voltaje. Tras dos EPs grabados en casa, con pocos medios y toda la ilusión, ahora empiezan a brillar de verdad. Han dado en el clavo con el presente Melee, su álbum debut. No sé cómo llegó el disco a las oficinas de la disquera Triple Crown Records, hogar de bandas Tiny Moving Parts y Oso Oso, pero sí puedo imaginar por qué han fichado a estos chavales de Detroit. En mi caso fue un flechazo absoluto. Sólo necesité escuchar el primer

corte, ’Kawasaki Backflip’, para saber que estos tíos tenían algo especial. Este tema, en el que hablan de corazones rotos y quemar cosas, metafóricamente hablando, claro, te pasa por encima. Tocan con rabia y rápido, muy rápido, combinando la puntería pop de Joyce Manor y la fuerza punk de PUP. En este sentido el ahora cuarteto -tras la reciente incorporación de un segundo guitarrista para defender este disco en directo- se deja la piel y la garganta en cada tema, con la energía sin medida propia de los más jóvenes, pero nunca pierden de vista las melodías. El primer adelanto, ‘Fox’, ejemplifica muy bien esto. En este corte van a toda pastilla, pero ofrecen mucho más, empezando por unos parones brillantes, un estribillo pegadizo y unos coros pandilleros emocionantes. 2020 es su año. De momento ya se han ganado los piropos de la prensa especializada de su país y han podido salir de su ciudad, donde precisamente no hay demasiadas bandas de su rollo. Les seguiremos la pista.

LUIS BENAVIDES

RAMBALAYA Rambalaya (BUENRITMO) SWING, ROCK N ROLL, SOUL

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ras unos primeros escarceos bajo el nombre de The Ramblers, los ahora rebautizados Rambalaya llegan a la hora de la verdad con los deberes bien hechos.

Porque por mucho que se trate de su primera referencia, detrás de esta numerosa formación se esconden músicos experimentados de la escena barcelonesa con Anton Jarl, batería de Los Mambo Jambo, a la cabeza. No en vano, ha sido su compañero Dani Nel·lo quien se ha hecho cargo de la grabación, además de animarse con algún que otro arreglo de saxo y armónica.

Lo que aquí nos proponen es

todo un viaje hacia atrás en el tiempo de más de medio siglo, a una época donde las big bands eran la gran sensación del ocio nocturno.

Y es que escuchando títulos como la inicial ‘Bootlegger Man’, ‘Talking To Myself’ y ‘Chip On Your Shoulder’ (esta última recuperada de su primer EP), uno es capaz de imaginarse así mismo vestido de smoking, con un habano en una mano y un Martini en la otra en medio del club más molón de la ciudad. Aunque para sorpresón mayúsculo el de Jonathan Herrero de A Contra Blues al micro. Ojo con este tipo que es capaz de aterciopelar baladones como ‘It’s Gonna Rain’ o ‘Come And Lay Down Here Beside Me’ para después llevarnos al más puro desenfreno con ‘Can’t Take It No More’ y ‘Ain’t Gonna Put No Flowers On Your Grave’ como si le poseyese el mismísimo demonio. Todo ello bien escudado por una sección de vientos dispuesta a zambullirse en el rhyhtm ‘n’ blues, swing, soul, rockabilly y lo que les echen. El disco más cool que vas a escuchar durante estas semanas de confinamiento en casa. Palabra.

GONZALO PUEBLA

S NATHANIEL RATELIFF

And It’s Still Alright (STAX) FOLK, CANTAUTOR

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é que no debería, pero no puedo evitar comparar los nuevos discos que nos han entregado Brian Fallon y Nathaniel Rateliff en estas últimas semanas. Mientras que Local Honey del líder de The Gaslight Anthem ha resultado en un intento fallido de hacer un trabajo maduro e intimista, el del cantautor de Missouri es justo lo que debería haber sido. Tras dos exitosos trabajos previos junto a The Night Sweats, parecía que Rateliff había encontrado a sus compañeros de fechorías perfectos. Sin embargo, dos años después de Tearing At The Seems, ha optado por seguir su instinto y prescindir momentáneamente de su banda de acompañamiento.

Al menos en parte, ya que algunos de los miembros de la formación le echan un cable para arropar una serie de nuevas composiciones en

A MYRKUR

Folkesange (RELAPSE) FOLK

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primera vista parece que prácticamente no haya conexión entre el black metal y la música folk per se, pero en Folkesange, Myrkur transita ese puente. Amalie Bruun creó hace unos años un pequeño estruendo en la escena black metal con sus dos primeros discos M y Maredit, sin embargo después del nacimiento de su hijo se sintió más atraída por la música escandinava de su propia cultura danesa. En este álbum, toca todos los instrumentos y canta cada línea vocal, creando algo bonito, pero tampoco sorprendente. ‘Ella’ comienza con un latido que Amalie canta invitando

apariencia sencillas. And It’s Still Alright deja aparcado el musculoso soul sureño (no es casualidad que milite en un sello tan legendario como Stax) para adentrarse en terrenos más propios del folk. Una faceta que siempre ha estado bien presente en su discurso pero que aquí sale a flote recordando sus comienzos. Inspirado por el fin de su matrimonio y el fallecimiento de Richard Swift (quien produjo su debut junto a The Night Sweats), piezas como ‘And

It’s Still Alright’, ‘Tonight #2’ y ‘Time Stands’ adquieren un evidente tono confesional.

Aunque esas vibraciones positivas acaban también colándose de algún modo en ‘Expecting To Lose’, ‘What A Drag’ o incluso en el coro gospel de ‘Mavis’, impulsado por la honestidad de su profunda voz. Puede que parezca un mero alto en el camino, pero es que incluso para eso a este hombre le sobra clase. Así de grande es.

al oyente a entrar en un mundo muy diferente. A lo largo del álbum el énfasis está en los instrumentos acústicos tradicionales, como mandolinas o liras, enraizando la música a fuentes que yacen profundamente en el pasado. El disco, sin embargo, no es una pieza de museo. Por ejemplo ‘Leaves of Yggdrasil’ está teñida con cadencias de la época medieval, pero combina el amor trágico y la mitología con un mundo de cuentos de hadas, mientras que también se exhiben las debilidades humanas. Crear un coro de voces para el primer tercio de ‘Gudernes Vilje’,

cuando los instrumentos y la batería entran en la canción, se convierte en algo igualmente encantador.

También las voces en ‘Vinter’ transforman lo que es esencialmente una pieza en piano, llevándola a otra dimensión atractiva. Si bien cambiar de dirección no es nada nuevo para los músicos, la transformación del black metal al folk acústico es el tipo de swing que la mayoría nunca emprendería. Sin embargo, Amalie Bruun no sólo lo acepta, sino que cierra con éxito la brecha. Folkesange. no es el mejor trabajo del género, pero aun así es disfrutable.

GONZALO PUEBLA

JORGE FRETES

WOLF

Feeding The Machine (CENTURY MEDIA) HEAVY METAL

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n 1995, Wolf ya lo sabían. Que el heavy metal tradicional resurgiría con fuerza, que los momentos bajos que atravesaba eran pasajeros. Antes de este revival que tantas alegrías nos está dando, los suecos ya le realizaron un triple bypass al estilo, y ahora, un cuarto de siglo después, nos entregan su octavo álbum junto a dos refuerzos de lujo: el bajista Pontus Egberg (King Diamond) y el batería Johan Koleberg, ex de Therion, Lion’s Share o HammerFall. Tras seis años sin nuevo disco, lo que no varía es la pasión juvenil

con la que el cantante y seis cuerdas Niklas Stålvind y el también guitarra Simon Johansson siguen defendiendo la verdadera religión. Compactado y con plena consciencia de dónde se encuentran sus puntos fuertes, el cuarteto da muestras de mucha clase en ‘A Thief Inside’ o ‘The Cold Emptiness’, nos atrapa con el irresistible gancho de la oscurilla ‘Midnight Hour’ o deja que la potencia encuerada de ‘Devil In The Flesh’ o ‘The Raven’ hagan el resto. Cortes como ‘Mass Confusion’ o ‘Feeding The Machine’, donde brillan todos los instrumentos por igual, denotan el sonido impoluto que Fredrik Nordström les ha conseguido gracias a su mezcla y master. No podemos terminar sin destacar ese Koleberg que no deja de ofrecer buenos detalles tras los parches, mientras Stålvind, sugerente y agresivo al micro, reclama gran parte de tu atención.

Feeding The Machine no es un antes y un después en el movimiento, pero vas a notar cómo el cuello se te dispara solo en varias canciones.

PAU NAVARRA

SPANISH LOVE SONGS Brave Faces Everyone (PURE NOISE) EMO, ROCK ALTERNATIVO

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odos tenemos uno en nuestras vidas. Me refiero a ese amigo pesimista por naturaleza, que siempre ve las cosas de color negro, y que cada cierto tiempo te tiene pegado media hora al teléfono contándote lo mal que está todo. No conozco personalmente a Dylan Slocum, el líder de este quinteto de Los Angeles, pero apostaría a que entraría en esa categoría de personas. La primera buena noticia, tanto para él como para sus allegados, es que ha encontrado en

la música un vehículo para echar toda su mierda. La segunda, en este caso para sus oyentes, es que además sabe escribir buenas canciones. En el tercer álbum de su banda, vuelve a presentarnos una decena de temas inspirados por los golpes que te da la vida.

Aquí encontramos amistades rotas, corazones partidos, relaciones destrozadas por las adicciones, y todo ello en un mundo hostil. Vamos, un bonito panorama. Con un sentido melódico cercano al de The Menzinguers o The Wonder Years, y varios recursos tomados del emo de los 90, Spanish Love Songs le sacan punta a sus miserias. “¿Voy a estar así de deprimido para siempre?” se pregunta retóricamente en el primer tema ‘Routine Pain’, para responderse en el siguiente, ‘Self Destruction (As A Sensioble Career Choice)’, de manera irónica: “No será siempre así de desolador... Ya, claro”.

Pero hay que reconocer que hay algo reconfortante al escucharles. Y es que las desgracias ajenas, a menudo, te ayudan a pensar que, quizá, no estés tan mal.

JORDI MEYA

PROSCRITO

Llagas Y Estigmas (MEMENTO MORI) DEATH DOOM

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odavía no has exhalado el último aliento cuando Proscrito empiezan a clavar la tapa de tu ataúd. Esos martilleos condenatorios parecen obedecer al nombre de ‘Persistiendo’ y, en efecto, los catalanes persisten en su voluntad de enterrarte en vida. Chapa de la buena en Llagas Y Estigmas, su primer álbum tras un EP, El Calvario (de nuevo certeros…), que ya llamó la atención de todo un sellaco como Iron Bonehead. Memento Mori tampoco es que sea poca cosa dentro del under más mohoso, así que el apoyo de estas disqueras ante un combo con sólo cuatro

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años de trayectoria ya da serias pistas de la calidad mortuoria de sus artes corruptas. Parece que puedas dar una leve bocanada de aire fresco en ‘Tronos De Oprobio’, pero antes de que te des cuenta el trío ya ha dado un volantazo y vuelves a chapotear en su lodazal de miseria.

Pese a seguir hediendo a difunto, ‘Exequias’ es la más agitada del sepelio, y ‘Marcado Por La Pezuña’ se monta un ceremonial en el que no falta el movimiento de melenas, todo ello por mediación de la crucifixión riffera. ¿Cómo acabar de joderte la tarde?

Pues sencillo: más de 11 finales e instrumentales minutos de ‘Pantalgia’, cuyo descacharre, óxido, cuelgue y maratonianas progresiones son toda una incitación al destierro cerebral, a instalarse en ese plano donde tus patologías mentales son bienvenidas. Los que prefiráis ir al hoyo antes de pasar un solo día sin escuchar Winter, Coffins, Asphyx, Autopsy o Master ya podéis ir pegándoos un provechoso chute de Proscrito.

PAU NAVARRA

ROJO 5

Bestiario (THE BRAVES) ROCK ALTERNATIVO

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omo muchos otros grupos, Rojo 5 han puesto toda la carne en el asador para su puesta de largo. Para ello se han pasado cerca de un año encerrados en el local para ir con el mejor material posible a los Westline Studios de Juan Blas. De ahí han salido con Bestiario, una obra conceptual donde cada canción (o criatura más bien) representa una sensación o estado de ánimo con el que todos nos podemos sentir identificados.

Desde el primer riff de ‘El Padre Afligido’ intuimos la enorme influencia que Berri Txarrak parecen ejercer sobre ellos. El empaque y el

sonido robusto del conjunto prevalece por encima de las individualidades. Ahí reside el punto fuerte de la banda en títulos tan potentes como ‘El Esclavo Alado’ y ‘El Caballero De La Moral’, donde se les nota cómodos en el cuerpo a cuerpo.

Aunque es su guitarrista Trivi quien se encarga de las voces principales, el bajista Edu también aparece en ciertos instantes ayudando a dinamizar más las melodías.

Resulta curioso que aunque no encontremos estribillos muy evidentes a lo largo del disco, hay momentos que se consiguen quedarse almacenados en la memoria.

Echando un cable en esa parcela están también dos sospechosos habituales en esto de las colaboraciones como son Kantz de Habitar La Mar y Delobos en ‘El Protegido’ (quien también se encarga del artwork a través de The Braves Church), y Edu de Ella La Rabia haciendo lo propio con ‘El Inmortal’.

La post rockera instrumental ‘La Sirena Muda’ y el mediotiempo ‘El Devorador De Recuerdos’, otorgan una pequeña tregua en este desfile de bestias que conforman el LP de debut de los de Illescas .

GONZALO PUEBLA

RUINAS

Ikonoklasta (SPIKEROT) DEATH GRIND

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in sermones ni monsergas.

Suprimiendo el mensaje, vomitando desde la colérica mente del que afortunadamente ha comprendido que todo lo concerniente a la humanidad es una estafa y una absoluta pérdida de tiempo. Despotricando por despotricar, destruyendo por destruir. Pasando de aleccionar (aburrir) a nadie a través de porquería moralista.

Rober de Banished From Inferno y Ovakner, y lo más importante, ex de Machetazo, ha encontrado en el batería Ángel al perfecto cómplice para perpetrar nuevos crímenes.

En este caso, Ikonoklasta, el debut en largo de Ruinas. Partiendo del death grind para situar alguna coordenada en el mapa, el dúo gallego se abandona al oi! y hardcore en la intransigente ‘Instinto Genozida’, el sludge en ‘Vómito De Sangre’ o remata con una ‘Ad Vermibus Gloriam’ más propia de John Carpenter si así le viene en gana. Y es que, cuando estás de vuelta de todo, desde luego tampoco vas a autolimitarte creativamente hablando, o vas a adoptar estúpidas poses o clichés. Incluso dan rienda suelta a su vertiente más melódica en ‘Fauces De Saturno’. Si te practicaran una autopsia justo después de escuchar un inicio con ‘Trepanación’, ‘Ikonoklasta’ y ‘Ciclón Tarántula’, u otros temas como ‘Ira, Cuchillo Y Fuego’, en tu interior sólo encontrarían gusanos.

O Ruinas, o una bala en la cabeza para escapar de esta vacua sociedad hipócrita, mediocre y estupidizante. Punk, crust, algún retazo industrial.

Visceral, instintivo, honesto, directo, arisco, y tan oportuno como ‘Retrovirus’.

PAU NAVARRA

13KRAUSS Redención (KASBA) PUNK FOLK

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upongo que en Zaragoza habrá unos cuantos pubs irlandeses donde poder tomarse unas pintas de cerveza con los colegas y no cabe duda que la banda sonora la deberían poner 13Krauss. Y es que la música de este sexteto nos traslada a las típicas tabernas donde se juntaban los marineros de Irlanda para contarse las aventuras vividas en la mar y para emborracharse mientras se corean cánticos de hermandad. El tercer LP de los maños empieza como a mí me gusta, con la sección rítmica a pleno rendimiento, y contiene once cortes de buen punk folk de carácter

celta. Las referencias a los máximos exponentes de este estilo son innegables: Dropkick Murphys, The Real McKenzies y Flogging Molly en las composiciones menos rápidas del álbum (‘Love At First Gig’, ‘El Sendero’, ‘Sinners And Liars’). Por estos títulos que acabo de mencionar ya habréis caído en la cuenta que la banda zaragozana alterna el inglés y el castellano en sus letras pero lo mejor de todo es que no chirría en ningún momento.

Aunque, si pudiera elegir, preferiría que todas las canciones estuvieran cantadas en la lengua de Cervantes porque eso da un plus de cercanía a su relato; de hecho, ‘Verte Perder’ (donde colabora Pimen de Milenrama a las voces) y “Voces quebradas” (cantada en modo coro desde el principio hasta el fin) me parecen las más auténticas del conjunto. De todas formas, Redención incluye otras canciones notables como ‘Maggie Dickson’, ‘Mary Tempestad’, ‘Star Of The County Down’ o ‘Mil Pedazos’, donde el violín, el banjo y la mandolina dejan su huella sonora.

JORDIAN FO

JOE SATRIANI

ESTELA PLATEADA

CAPAZ DE HACER CON LA GUITARRA LO QUE OTROS NI SIQUIERA PUEDEN SOÑAR, JOE SATRIANI HA DISFRUTADO A LO LARGO DE SU CARRERA DE UN ÉXITO DEL QUE POCOS INSTRUMENTISTAS HAN GOZADO, CON MÁS DE 10 MILLONES DE COPIAS VENDIDAS Y 15 NOMINACIONES A LOS GRAMMY. ESTE MES REGRESA CON SHAPESHIFTING, OTRO ÁLBUM EN EL QUE VUELVE A EXPRIMIR TODOS SUS RECURSOS SOBRE EL MÁSTIL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

S

ÓLO POR LA LISTA DE GRANDES GUITARRISTAS que ha

tenido como alumnos, desde Steve Vai a Kirk Hammett pasando por Alex Skolnick o Larry LaLonde, Joe Satriani ya merecería el calificativo de maestro de maestros.

Si a eso le añadimos su extensa discografía, a la que sumará un nuevo capítulo el próximo 10 de abril con Shapeshifting (Sony), es normal que conserve intacta su reputación como uno de los mejores guitarristas de las últimas décadas. Mientras otros guitar heroes de los 80 han caído en el olvido, Satriani sigue contando a sus 63 años con una fiel masa de seguidores por todo el mundo y el respeto de otros grandes músicos. De ahí que, en cada uno de sus trabajos, le encontremos arropado por alguno de ellos. En el caso de Shapeshifting se trata del batería Kenny Aronoff, el bajista Chris Chaney y el teclista Eric Caudieux. Un trío que le ha permitido materializar la visión más ecléctica que tenía para este álbum y con el que, en cierta manera, quería volver a sus orígenes.

Satriani tenía previsto presentar su nuevo disco en España en junio, pero debido al coronavirus se ha tenido que aplazar hasta otoño. A la espera de tener las fechas definitivas, os dejamos con la charla que mantuvimos con él hace unos días.

Si te tengo que ser sincero, a excepción de tus discos con la

superbanda Chickenfoot, en la última década te había perdido bastante la pista. ¿Está Shape-

shifting conectado con lo que venías haciendo últimamente o es algo distinto?

JOE SATRIANI “No sabría decirte,

la verdad. Como compositor siempre escribo según me siento e intento grabar esas historias de la mejor manera. Pero al mismo tiempo, también busco tener nuevas experiencias, y eso siempre depende de lo último que haya hecho. Así que en este caso mis últimas experiencias fueron grabar un disco durante doce meses, luego formar parte de la gira G3, y luego girar como trío con el Experience Hendrix Tour. Así que todo eso me motivó a hacer un disco en el que tocara en un estilo distinto en cada tema, de ahí que se llame Shapeshifting. En lugar de tener una dirección determinada, fui al otro extremo y me obligué a hacer canciones que me forzaran a tocar de manera distinta.

Fue muy inspirador tanto para mí, como para Kenny, Chris y mi productor Jim Scott. Esa libertad nos aportó una energía extra cada día que íbamos al estudio”. Éste es tu decimoséptimo álbum.

No tiene que ser fácil encontrar nuevas maneras de expresar tus sentimientos.

“Pues mira, en cierta maneras ahora me es más fácil grabar un disco. Tengo tanta experiencia que ya no me asusta hacerlo. La primera vez que

entré en un estudio tenía 16 ó 17 años y estaba en estado de pánico. Pero ahora me siento muy cómodo con lo que puedes conseguir en un estudio y sé que puedes corregir y modificar las cosas si es necesario. Ahora que soy mayor creo que soy más capaz de ser honesto en mis composiciones. Cuando eres más joven quizá eres más cauteloso. Estás más preocupado por tu imagen, por tu carrera, pero ahora nada de eso ya me preocupa. Lo que sigue siendo difícil es ser bueno (risas). Siempre tienes que esforzarte para hacer algo bueno”.

Para este disco te has rodeado, como siempre, de músicos excelentes como Kenny Aronoff. ¿Por qué ellos en particular para este proyecto?

“Kenny estuvo en Chickenfoot durante un año y todo el mundo sabe que es una leyenda, uno de los baterías que ha formado parte de más grabaciones de la historia. Y además es un tío muy especial, una gran persona.

Si tienes la oportunidad de sentarte con él, lo verás. El caso es que él también estuvo en el Experience Hendrix Tour junto a Doug Pinnick (King’s X), así que pasé mucho tiempo con él. Kenny tiene la habilidad para hacer que una canción suene mejor. Le das una maqueta con un loop de batería y sabe interpretarlo para hacerlo más excitante. A veces lo hace más complejo y otras, lo simplifica, pero siempre acierta. Y además, su sonido es increíble. Muchas veces graba73

ba una sola toma y Jim Scott decía ‘suenas como la mejor máquina del mundo’ (Risas). Es súper consistente.

Controla de manera imposible el sonido de la batería mientras toca.

Suena como si fuera el mejor sampler de batería”. ¿Y Chris Chaney?

“Hace años grabé un disco con él llamado Unstoppable Momentum y me impresionó mucho su diversidad estilística. Así que era perfecto para este disco. Es capaz tanto de tocar rock’n’roll como de hacerlo en una banda sonora. Tiene un gran groove, es muy flexible y siempre viene totalmente preparado al estudio. Es genial para trabajar. Y en cuanto a Eric Caudieux, llevo trabajando con él desde el 96 y hemos grabado muchos discos y girado juntos. Es co-compositor, coproductor, teclista, editor, y es alguien en quien siempre confío a la hora de compartir mis ideas. Me encanta trabajar con él”. ¿En el estudio les marcas mucho una pauta o les das libertad para hacer lo que quieran?

“Depende mucho de cada canción.

Por ejemplo, hay una llamada ‘All My Friends Are Here’ en la que toqué el bajo en la maqueta, en la que las líneas están totalmente integradas con la guitarra rítmica. Chris las memorizó todas, y sólo añadió un par de notas. Pero en otros temas hace lo que quiere. La verdad es que esta vez teníamos poco tiempo de estudio, así que en general siguieron lo que yo había hecho en las maquetas porque ya estaban muy detalladas.

Otras veces, como con Chickenfoot, hemos ido componiendo mientras

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grabábamos porque teníamos un mes entero para hacerlo, pero esta vez no fue así. Tuvimos que grabarlo todo en nueve días y marcharnos (risas)”.

momento musical que fuera esencial para la historia de una canción en concreto”.

Aunque has tenido la oportu-

¿Podrás tenerlos contigo en tu

nidad de tocar junto a grandes

próxima gira?

cantantes como Mick Jagger

“Bueno, Chris está comprometido con Jane’s Addiction en cuanto a lo de tocar en directo y Eric trabaja a tiempo completo como editor en Los Ángeles, así que no será posible. Kenny sí que estará conmigo en esta gira, Bryan Beller de Aristocrats también estará conmigo como en los últimos seis años como bajista, y luego estará un fenómeno australiano: Rai Thistlethwayte será el teclista y guitarra”.

o Sammy Haggar, siempre te

Tus líneas de guitarra son casi siempre muy melódicas, casi como si estuvieran pensadas como una melodía de voz. ¿Es así como las concibes?

“Simplemente es lo que me gusta.

La generación anterior a mí, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page, Keith Richards, Ron Wood, crecieron muy cerca el uno del otro, pero todos eran distintos. Así que no importa en qué ciudad hayas crecido o en qué época, al final es una cuestión de tu gusto personal. Aunque yo crecí al mismo tiempo que muchos otros guitarristas, había cosas que me aburrían y que no me molesté en aprender, y cosas que me impactaban, fuera Miles Davis, Jimi Hendrix, Tony Iommi o George Harrison. Si me impactaban, acababan formando parte de mí. ¿Por qué hay piezas musicales que nos llegan al corazón y otras no? No lo sé. El caso es que nunca me ha importado tocar menos notas si con ellas conseguía crear un

has orientado a la música instrumental. ¿No tienes paciencia para las chorradas de ego de los cantantes?

“(Risas) Hacer música instrumental fue un accidente, pero para mí era una experiencia musical demasiado gratificante como para renunciar a ella. En 1993, estuve seis meses tocando con Deep Purple y me ofrecieron unirme al grupo, pero, aunque sean una leyenda y fueran geniales como personas, no me veía sintiéndome satisfecho tocando las notas de Ritchie Blackmore para siempre (risas). Quizá desde un punto de vista profesional fue un error, pero me llenaba mucho más poder tocar mi propia música para mis fans. No me veía haciendo algo por el dinero o la fama por encima del arte. Por ejemplo, con Chickenfooot podía combinarlo todo y por eso lo hice: estar en una banda con músicos legendarios, pero al mismo tiempo crear algo propio”. ¿Volveréis a grabar algo con Chickenfoot?

“Con ese grupo nunca se sabe. Todo el mundo está muy liado con sus propias cosas, pero si sale la oportunidad, lo haremos”.

Cuando tú saliste a finales de los 80, los guitarristas eran piezas fundamentales en las bandas de rock y abriste la puerta

“AHORA QUE SOY MAYOR CREO QUE SOY MÁS CAPAZ DE SER HONESTO EN MIS COMPOSICIONES” JOE SATRIANI

para muchos guitar heroes. ¿Cuál era la relación entre vosotros? ¿Había un sentido competitivo de querer superar a los demás?

“La percepción que había desde fuera era muy distinta a lo que pasaba dentro. Steve Vai y yo hemos sido amigos desde que éramos niños y siempre nos hemos ayudado. Así que no había competencia entre nosotros. Sé que había otros guitarristas que iban de ese palo, pero esa nunca ha sido mi escena. Salía en revistas de metal, pero yo no hacía metal, y también salía en revistas de blues, aunque no hiciera blues. Creo que en parte no me veían como un competidor porque siempre fui por libre, no intentaba conseguir un trabajo entrando en una

banda. Cuando empecé con las giras G3 fue precisamente para que unos pudiéramos aprender de los otros tocando juntos. El público ya sabe qué guitarrista es su preferido, así que no se trata de plantearlo como un torneo.

Me llevó tiempo convencer a otros guitarristas porque tenían miedo, pero al final se demostró que podía ser un gran éxito”.

a cenar, y volvimos a decirnos la suerte que tenemos de seguir activos, seguir siendo amigos y seguir divirtiéndonos. Es una de las mejores relaciones que he tenido en mi vida”.

Aparte de Steve, de todos los alumnos que has tenido, ¿con cuál sentiste que tenía un talento especial la primera vez que le viste tocar?

Siempre me ha resultado increíble que Steve Vai y tú, dos de los mejores guitarristas de la historia, salierais del mismo sitio en el mismo momento.

“Sí, es muy inusual que dos chavales de Long Island pudieran hacer realidad su sueño. En enero tocamos dos veces juntos en Los Ángeles, y fuimos

“Oh, ha habido muchísimos. El otro día escuchaba el disco de Metal Allegiance en el que metí un solo y todos los guitarristas que están ahí son increíbles, pero Alex Skolnick es espectacular. Siempre pensé que Alex nació siendo músico. Su corazón y su cerebro están conectados a la música. Y tiene dedos mágicos,

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“SURFING WITH THE ALIEN FUE UN DISCO MUY COMPLICADO DE HACER” JOE SATRIANI

sorpresa. Ese álbum es el que mejor representaba mi manera de tocar, así que estoy muy orgulloso de que fuera también el que me dio a conocer”.

Para terminar, siempre he tenido una curiosidad. Cuando en 1998 publicaste Crystal Planet, apareciste con la cabeza afeitada en la portada, una imagen que has mantenido hasta ahora. ¿Fue simplemente porque se te estaba cayendo el pelo o había alguna razón más filosófica?

eso ayuda (risas). Si tienes esas tres cosas, puedes cambiar el mundo. Sus ganas de aprender son increíbles y eso se manifiesta en todo lo que ha hecho, puede tocar bebop y puede tocar metal con Testament por todo el mundo”.

A finales del año pasado reeditaste Surfing With The Alien, el disco que te puso en el mapa en 1987. ¿Qué recuerdas de su grabación? ¿Sentías que estabas haciendo algo rompedor?

“No, no, para nada. Fue un disco muy complicado de hacer porque no había ningún apoyo para hacer un álbum así. Era un estilo muy poco popular. Hice unas maquetas y tuve que hacer una prueba en directo para la discográfica para que me diera un presupuesto mínimo para terminar el disco. Fue muy estresante. Así que el álbum se fue haciendo durante nueve meses, haciendo horas aquí y allá.

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Terminé el disco haciendo de músico de sesión a cambio de tener más tiempo en el estudio. Fue muy, muy duro. Y durante el mastering hubo un problema técnico y tuvimos que remezclar una cara entera. Cuando lo sacamos, John Cuniberti y yo pensamos que se reirían de nosotros porque no había nada parecido. Lo habíamos hecho para nosotros, pero estábamos preparados para que nadie le hiciera ni caso. Así que fue un shock cuando salió el disco en octubre de 1987 y recibí una llamada de que había entrado en el puesto 186 de las listas Billboard. Para mí era alucinante. Y a partir de entonces cada semana me llamaban y me decían ‘no lo vas a creer, pero el disco está subiendo en las listas’. Y acabó llegando al puesto 29 y estuvo en las listas durante nueve meses. Era demasiado bonito para ser verdad.

Me encantó que las radios pusieran ese disco, pero fue una verdadera

“(Risas) Ésa es una historia divertida.

Un día estaba corriendo por San Francisco y hacía mucho viento, y el pelo se me estaba metiendo en la cara. Y me paré en una esquina, y en una tienda había un anuncio de una máquina para afeitarte el pelo. Entré y la compré. Estaba harto de tener un pelo muy fino, con clapas, así que pensé ‘soy un tío adulto, tengo un hijo, para qué quiero el pelo largo’.

Volví a casa y me afeité la parte izquierda de la cabeza, y llamé a mi mujer y mi hijo, pero de perfil, enseñándoles el lado derecho con el pelo todavía largo, y cuando vinieron me giré y vieron mi cabeza afeitada (risas). Mi hijo alucinó. Y luego me afeité el resto. Para mí era una cuestión de mostrarme tal como soy. Siempre cuesta no esconder lo que intentas ocultar, así que pensé que lo sincero, también para mis fans, era mostrarme tal como era. Siempre he querido ser honesto con mi música, así que lo más coherente era también hacerlo con mi aspecto”.

DOSSIER – DEATH METAL NACIONAL

EL AMANECER DE LOS MUERTOS UNA INESPERADA ALINEACIÓN DE LOS ASTROS HA PERMITIDO QUE, EN CUESTIÓN DE MUY POCOS MESES, MUCHAS DE NUESTRAS FORMACIONES DE DEATH METAL MÁS HISTÓRICAS PUBLIQUEN NUEVO ÁLBUM TRAS PRODUCIRSE REUNIONES QUE POCOS PODÍAN VATICINAR. HABLAMOS CON NECROPHILIAC, OBSCURE, UNBOUNDED TERROR Y APOSENTO, BANDAS CREADAS ENTRE 1988 Y 1991, PARA QUE NOS CUENTEN EL PORQUÉ DE SU REGRESO. Y POR SUPUESTO, NO PODÍAMOS DEJAR DE LADO A LOS AVULSED DE DAVE ROTTEN, EL PADRINO DE TODOS ESTOS LANZAMIENTOS BAJO EL AUSPICIO DE XTREEM MUSIC. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

NECROPHILIAC

CASI TRES DÉCADAS DESPUÉS, TENEMOS NUEVO DISCO DE NECROPHILIAC… ¡Y QUÉ ÁLBUM, CAMARADAS! NO LIVING MAN IS INNOCENT ES UNA EXHIBICIÓN QUE NINGÚN ENTE, VIVO O MUERTO, DEBERÍA PERDERSE. HABLAMOS CON BONGO, SU VOCALISTA, SOBRE TAN SONADO RETORNO.

Estáis considerados la primera banda de la historia de nuestro death metal. ¿Cómo te hace sentir eso?

BONGO “Creo que sobre esto en

particular hay diversidad de opiniones… Quizá sí fuimos los primeros en comenzar a distribuir una demo, Endless Death, no encuadrada plenamente dentro de los cánones del death metal, pero practicando un estilo extremo muy próximo influenciado por bandas pioneras del estilo. Si no me falla la memoria el primer LP de death metal editado en nuestro país fue el de Unbounded Terror, seguido del 78

nuestro, ambos por el sello Drowned.

Quizá nuestras demos comenzaron a ser más conocidas antes que las de otras formaciones; en cualquier caso nos damos por satisfechos con formar parte de las primeras bandas en tocar death metal en este país”.

Tras 23 años separados, volvisteis en 2016. ¿Qué os hizo tomar esa decisión y por qué crees que tantas bandas veteranas se están dando esta reválida?

“El detonante de nuestro regreso fue la reedición en vinilo de nuestro único LP de 1992 Chaopula, Citadel Of Mirrors

por un sello americano, Dark Symphonies, y la posterior reedición por Xtreem Music de un doble CD con todas las demos y material inédito: Maze Of Forking Paths. Comprobamos asombrados que nuestras demos y el mencionado LP, al cabo de tantos años, despertaban mucho interés y eran considerados en cierta forma obras de culto, quizá por la fecha en que fueron editados. Un tanto espoleados por esto quisimos probar cómo sonarían los temas hoy en día con un equipo y un sonido mucho más profesional que hace 30 años. Comenzamos a ensayar más en serio, realizamos al-

gún que otro directo, y aquí estamos.

Quizá el gusto por el old school está propiciando que muchas bandas que apenas eran apreciadas entonces ahora tengan cierto reconocimiento. Creo que es toda una experiencia revivir aquellos sonidos y temáticas y ver las reacciones del público actual, tanto los que ya te escuchaban entonces como otros que se enfrentan a tu material por primera vez”.

Imagino que grabar un disco

under en 1992 y hacerlo hoy en día tiene que ser una experiencia radicalmente distinta en todos los sentidos. ¿Cuáles son las principales diferencias?

“Muchas… principalmente el uso de herramientas digitales. Eso es algo que no conocíamos en 1992, o al menos no recuerdo que se usara nada parecido en aquella grabación. Hoy en día forma parte de todo el proceso y permite tener mucho más control sobre el resultado final. La elección de los Estudios Central quizá fue motivada por el hecho de tratarse de unos estudios ubicados en Sevilla, a tan sólo unos kilómetros de nuestra localidad.

Es cierto que el sonido final no fue el más acorde para una banda de este género, quizá por no usar el equipamiento adecuado y en gran medida por nuestra propia inexperiencia. He de decir que el técnico de aquella grabación, Alfonso Espadero, fue muy profesional en todo momento y consideramos que hizo un gran trabajo a pesar de lo limitado de los medios con los que contábamos. De hecho, Alfonso posteriormente ha participado en otras grabaciones del estilo con otras bandas muy conocidas en Sevilla. Para esta ocasión hemos contado con Jesús ‘Punti’ Montilla, amigo nuestro, que ha

invertido un tiempo y una dedicación extraordinaria para lograr el mejor resultado posible con los medios a nuestro alcance”.

Desde 1988, ¿cómo has visto la evolución del death metal como escena y sonido, ya sea como aficionado o músico?

“El death metal ha sufrido a mi juicio un estallido de popularidad que no hubiera esperado nunca con respecto a la escena de aquellos años, por 1988. Recuerdo que la música más extrema se veía entonces como una corriente marginal dentro del metal.

A veces incluso tuvimos la sensación de sentirnos como monos de feria tocando en directo junto a otras bandas que practicaban estilos más tradicionales. Ahora, sin embargo, lo habitual es encontrar bandas de death metal como cabezas de cartel en grandes festivales. El estilo ha evolucionado desde entonces y lo sigue haciendo, quizá hacia territorios donde se diluyen en exceso los patrones más clásicos que definen el death, pero bueno, esto sólo es una opinión personal”.

Escuchando No Living Man Is

Innocent puede que la influencia de Obituary sea la más palpable, ¿pero qué bandas os llevaron al death metal cuando os fundasteis y cuáles más jóvenes os llaman la atención actualmente?

“Bueno, sinceramente, a pesar de que Obituary sea una gran banda que hemos escuchado hasta la saciedad, no la consideramos una de nuestras principales influencias, al menos no conscientemente. Siempre hemos pensado que nos influenciaban más otras bandas como Carcass

hasta el Necroticism, Napalm Death en la época de Mentally Murdered o Harmony Corruption, Asphyx, Immolation y por supuesto Death. Puede que no se encuentren similitudes concretas con ninguna de ellas, pero son las que más hemos diseccionado a lo largo de estos años y creemos que nuestro estilo en cierta medida bebe de estas fuentes. En los inicios fue Possessed nuestra principal influencia para comenzar a crear temas y alguno de los pasajes incluidos en No Living Man Is Innocent creo que rescata algo de aquellos orígenes”. ¿Os costó volver a tomarle el pulso a los instrumentos durante los primeros ensayos de esta segunda etapa o ya veníais de otras bandas y no fue una experiencia tan chocante?

“En mi caso te puedo asegurar que no poseía memoria alguna de cómo disponía la garganta para emitir guturales hace 30 años. Tuve que ir recordando poco a poco. Los primeros ensayos eran una auténtica frustración, lo más habitual era acabar exclamando ‘¿Cómo demonios hacía yo para emitir tal o cual grito?’. De hecho, me ha venido bien porque ahora intento añadir alguna modulación adicional que antes no usaba en absoluto. El resto de miembros únicamente tuvieron dificultades a la hora de reconstruir los temas, ya que había pasado mucho tiempo desde que fueron compuestos y no recordaban notas y acordes aquí y allá. Durante estos años habían continuado tocando, algunos en alguna banda fuera del género, o bien practicando por afición de manera particular, así que a nivel de instrumentos no tuvieron demasiados problemas”.

79

OBSCURE

YA ERA HORA DE QUE LOS VALENCIANOS OBSCURE EDITARAN SU PRIMER ÁLBUM. A FINALES DEL PASADO AÑO DARKNESS MUST PREVAIL SALIÓ DE LA TUMBA Y DESDE ENTONCES NOS HA COLMADO DE PLACERES MÓRBIDOS. MUY CONECTADO A SUS INICIOS Y REIVINDICANDO SU LEGADO, CONTAR CON BELETH DE NOCTEM AL MICRO LES HA DADO EL EMPUJE DEFINITIVO.

Os formasteis entre el 88 y el 89, casi a la par que Necrophiliac… ¿Esa falta de memoria a la hora de recordar la fecha exacta hay que achacarla a las litronas o hay algún otro motivo que des-

qué momento dejaba de ser ese grupo para comenzar a ser Obscure. Para los que fundamos esa banda embrionaria fue simplemente una transición natural, pero nunca pusimos una fecha y hora al proceso de cambio”.

conozcamos? (Risas).

RAFA CORTÉS “Seguramente serán

Tantos años después, y vuestro

diversos los motivos, pero básicamente es porque Obscure, como tal, parte de una banda anterior. Teníamos que cortar por algún sitio y decidir a partir de

primer álbum aparece el noviem-

80

bre pasado… ¿Alguno de los miembros originales podía imaginarse algo así? ¿Que algún día

volveríais con tanta fuerza?

“Realmente nunca dejé de tener la esperanza de editar aunque fuesen nuestros temas inéditos en un formato menor, pero a veces el empeño te lleva a que se den las circunstancias adecuadas para poder volver de la forma en que lo hemos hecho. La idea principal era que fuese un álbum para nosotros, una especie de autorecompensa, sin pretensiones. Lo hemos hecho lo mejor que hemos podido dentro de

nuestras posibilidades y estamos muy orgullosos del resultado final. De todos modos, ni en el mejor de los casos lo imaginamos así”.

Darkness Must Prevail contiene canciones vuestras de los 90 inéditas hasta ahora. ¿Cuáles son? ¿Tuvisteis que retocarlas algo para adecuarlas a la tralla actual?

“No voy a decir qué temas son antiguos o nuevos. Creo que una gran parte del resultado reside justamente en ese punto, y si no eres capaz de diferenciarlos, sin trampear, es que hemos conseguido mantener nuestra personalidad en la composición.

Nunca hemos retocado ni una nota de los temas y poco nos importa la tralla actual porque no competimos por ello ni por nada. Es más, creo que hemos conseguido cierta personalidad en nuestro estilo de componer y tocar y nuestra meta es seguir como mínimo a la altura de la calidad que nosotros mismos nos hemos autoestablecido en este álbum”.

Todo un Dan Swanö se ocupó de la mezcla y el master. ¿Cómo

nos dijo que estaba convencido de que iba a ser un buen trabajo. Estoy seguro de ello aunque nuestra repercusión sea humilde, pero ahí estará para los restos. Trabajar con él ha sido un verdadero placer. Es un auténtico profesional y prácticamente soportó 24 horas, siete días a la semana, con cualquier aspecto del proceso de mezcla y masterización. Sin duda nos gustaría mucho que nuestra trayectoria continuase junto a él”.

Ya tuvisteis una segunda etapa

unos riesgos innecesarios donde se exponía al escrutinio y comparaciones donde tenía más que perder que ganar en una banda de mucha menos repercusión que Noctem. Además de lo profesional, en lo personal también ha sido un gran hallazgo y hemos congeniado al 200%. En cuanto a su experiencia es evidente que disfruta con su banda de giras, grabaciones y muchos otros acontecimientos que nosotros no hemos tenido ocasión y sus consejos serán bienvenidos si llegamos a ese punto”.

de 2005 a 2009… ¿Qué pasó, por qué no tuvo más continui-

Su garganta suena realmente

dad en ese momento?

atronadora durante todo el

“En mi opinión, no estuvimos las personas adecuadas. Fue una etapa bastante convulsa, sobre todo con muchos cambios de formación. Al final, si no eres un equipo de personas cohesionado y compartes objetivos comunes en la banda, no hay nada que hacer y simplemente esa circunstancia es la que se dio en aquel momento. No funcionó en absoluto a diferencia de ahora mismo, que somos los colegas de toda la vida y miembros originales excepto el cantante actual, nuestro querido Xavier Beleth”.

álbum, y junto al constante ma-

disteis con él? ¿Os lanzó algún piropo una vez escuchada la

Eso es, imagino que contar aho-

obra?

ra con Beleth de Noctem a las

“Dan no vive oculto en una remota cueva finlandesa. Su estudio Unisound tiene una página web, un Facebook, etcétera. En fin, que lo difícil no es dar con él sino que tenga tiempo para tu proyecto. En cuanto a los piropos, bueno, tuvo un par de momentos muy guapos. El primero me hizo mucha gracia y fue cuando recibió la pistas de la grabación y espetó un ‘it sounds fat as fuck!’. Era un buen comienzo y sí, al terminar

voces ha sido un empuje bestia a la hora de ajustar mucho mejor todas las piezas de la formación. ¿Ha sido realmente así? ¿Habéis notado su experiencia en otros muchos aspectos?

“Efectivamente, es así. Xavier es un tío que se ha adaptado muy bien a nuestra demanda en cuanto al estilo de voz, bastante diferente a lo que suele hacer en Noctem. Lo ha clavado.

Un tío inquieto que realmente asumió

chaque, os da un aire a Autopsy que no veas… ¿Una de vuestras bandas fetiche?

“Lo siento pero no, nunca me he decantado especialmente por el death americano. En cualquier estilo todos tienen un aire a todos. Rock, blues, flamenco... el death metal no iba a ser diferente. Por desgracia, en España siempre hemos tenido una cierta falta de autoestima y andamos buscando comparativas con otras bandas dando por hecho que en nuestro país somos los influenciados. En nuestro álbum, una gran parte de los temas se compusieron entre el 90 y el 91, justo después de grabar nuestra segunda demo y antes de la tercera, y esto está acreditado. La mayor parte de bandas con las que nos comparan ni siquiera habían grabado su primer LP. Empecemos a reconocer que nuestros grupos también son capaces de aportar cosas nuevas a las diferentes escenas. Me gustaría romper con esa visión no sólo por nosotros, sino también por todos los que también han tenido que aguantar esta constante toda su vida”.

81

UNBOUNDED TERROR

CON LA VUELTA DE UNBOUNDED TERROR, Y TAMBIÉN LA DE GOLGOTHA, EL ILUSTRE VICENTE PAYÁ ESTÁ ENTUSIASMADO. DISFRUTA COMO UN CRÍO DE SU DEATH METAL DE TODA LA VIDA, Y ES QUE ESCUCHANDO EL RECIENTE FAITH IN CHAOS, NO ES PARA MENOS. DIVERSO Y CONTUNDENTE, ES UNA DIGNA CONTINUACIÓN DEL CÉLEBRE NEST OF AFFLICTION .

Parece que estás viviendo una segunda juventud, porque no sólo has resucitado a Golgotha, también a Unbounded Terror…

VICENTE PAYÁ “Bueno, no es una

segunda juventud, es más bien motivación. Sigo siendo un jovenzuelo (risas). Lo de Golgotha está en marcha hace años, de hecho antes del nuevo álbum grabamos un EP, Arise, que no tuvo ningún resultado ni promoción. Después de eso Amon y yo 82

decidimos el camino que teníamos que seguir y los dos decidimos continuar solos, con un batería nuevo, y sacamos Erasing The Past. Las cosas habían cambiado tanto y estaba tan motivado que, por petición de algunos fans y ganas que tenía de hacía tiempo, volví a montar Unbounded Terror y a grabar un nuevo álbum, Faith In Chaos. Aquí no acaba la cosa, pues en breve tengo otros proyectos en mente para este año”.

Me fascina este momento actual en el que tantos veteranos estáis recuperando la pasión por tocar metal extremo, resucitando las bandas que teníais de jóvenes. Es como que, después de un periodo de pérdida de ilusión y de dejar de lado los instrumentos, muchos, a la vez, hayáis recuperado las ganas llegados a cierta edad.

“La verdad es que es un año car-

vosotros y en esta segunda etapa eres el único miembro original. ¿Qué has buscado en tus nuevos compañeros? ¿Has aprendido de errores del pasado que no quieres volver a

verdes. Pero bueno, los fans estuvieron ahí. Luego tocamos en Valencia un mes después y fue brutal. Nuestro último concierto en Mallorca también, ahora tenemos un buen directo, muy compacto y muy duro”.

repetir ahora?

“Gente con ganas, sin egos y buenos músicos. Hoy en día es importante saber con quién te juntas.

No sólo es tocar, es convivir y otras cosas. Y sí, se aprende del pasado, pero también yo soy más maduro y puedo ver las cosas de otra manera. Ahora estos nuevos chicos jóvenes me motivan para que esto salga adelante, los veo tan entusiasmados que me lo contagian. Por primera vez en mi vida estoy rodeado de personas con las mismas ganas que tengo yo”.

Faith In Chaos aplasta cuando quiere, es variado y tampoco le falta velocidad, atruena de lo más equilibrado. ¿Pusiste especial mimo en lograr eso?

gado de buenos clásicos, Obscure, Necrophiliac… No sé el caso de mis otros compañeros, pero el mío es que no he dejado nunca de tocar, simplemente no me veía motivado, algunas cosas me desanimaban. Seguía escuchando buenas bandas y cada día decía ‘tengo que hacer algo…’.

Y llegó”.

“Lo primero, quise hacer una continuidad de Nest Of Affliction. Todo son temas nuevos hechos en 2019, no quise en ningún momento innovar en el death, quería algo directo sin tecnicismos, pero con el sonido actual en la producción. Me gusta todo el death: el de antes, el de ahora… Pero para Unbounded Terror siempre haré old school death metal”. ¿Qué recuerdos tienes de vuestro show en el Iberian Metal Warriors del pasado septiembre, el primero en 26 años? ¿Qué sensaciones tuviste sobre el escenario?

Unbounded Terror se terminaron por desavenencias entre

“La verdad es que nos fue muy mal…

No estuvimos a la altura, estábamos

Vuestro debut en largo, Nest Of

Affliction, fue el primer álbum de death metal nacional en ser editado en CD, cassette y vinilo.

Medallas que uno se lleva a la tumba con orgullo, ¿no?

“La verdad es que me siento muy bien, ¿sabes la cantidad de gente que me dice ‘cuando era joven no dejaba de escucharlo…’? Y yo me quedo… y me siento viejo. Yo lo que creo es que en aquella época el death estaba en alza y al salir Unbounded Terror en ese momento, en España fuimos muy apoyados, por aquello de que ‘nosotros también tenemos una banda de death aquí’...

Ahora hay gente joven que lo escucha y me dice que es muy bueno, pero para mí hay algunas cosas que se podrían haber hecho mejor, pero para su época está muy bien. Es un álbum de culto… ¿o no?”.

A la hora de girar, ¿ser de las Baleares sigue siendo un hándicap o crees que lo vais a poder sortear mejor que tres décadas atrás?

“Ahora lo tenemos muy bien, tenemos subvenciones para viajar y para los instrumentos, y tenemos un precio muy asequible. En este momento tenemos varias fechas por la Península tanto Unbounded Terror como Golgotha, incluso algunas cerradas en el 2021. Antes era difícil, ahora es más fácil, o sea, que ya sabéis: contratación abierta”.

83

APOSENTO

MANOLO SÁEZ, ÚNICO SUPERVIVIENTE DE LA FORMACIÓN ORIGINAL DE APOSENTO, ES UNA DE LAS MEJORES PERSONAS QUE UNO PUEDA CONOCER EN ESTE MUNDILLO. ES HUMILDE Y CERCANO, PERO CUANDO EMPUÑA SU GUITARRA SE TRANSFORMA EN ALGO MUY DISTINTO. PREPARAOS, PORQUE SU PRÓXIMO CONJURING THE NEW APOCALYPSE , PREVISTO PARA EL 5 DE MAYO, ES UNA BARBARIDAD.

Desde que volvisteis en 2012 habéis cogido velocidad de crucero… Un EP ya ese mismo año, y luego, un álbum cada tres. Incluso tocasteis en el Resu en 2018… ¿Me lo parece a mí o estáis en vuestro mejor momento?

MANOLO SÁEZ “La verdad que se ha vuelto con muchas ganas… ¡El tiempo pasa y no es en balde! Se estuvo mucho tiempo inactivo y ahora, como bien dices, parece que no paramos, y ésa es la intención que tenemos mientras podamos. Estamos teniendo un mayor reconocimiento y participando en bolos y festivales con bandas de 84

primera línea, como ha sido el caso del Resu. Es algo que motiva bastante y más a la hora de seguir. Estamos intentando aprovechar al máximo, componer y grabar en un tiempo más corto de lo que hacíamos antes, aprovechar el momento”.

discos…’. Pero mira por dónde, aquí estamos, editando, dando bolos, ¡y que siga así!”.

A priori, Logroño no parece la ciudad más metalera del mundo, pero La Rioja ha ido sacando la cabeza con bandas como la

Si alguien a inicios de este siglo

vuestra o Tierra Santa, por ejem-

te hubiera dicho que en 2020

plo. ¿Cómo recuerdas la movi-

tendríais tres discos en la calle,

da cuando empezabais a tocar

¿qué le habríais dicho?

death metal y cómo es ahora?

“La verdad es que no lo esperaba, ya tenía por casi imposible volver a revivir a Aposento, así que le hubiera dicho ‘tú estás loco, volver y encima sacar

“Bueno, no lo parece, pero si miras en proporción al resto, no sé qué decirte, incluso en los 90 había cuatro bandas de death metal, que yo re-

y echamos unas risas recordando viejas historias”.

Eduardo Martínez como segundo guitarrista? ¿Puso mucho de sí en la composición del nuevo disco?

En 1993 tocasteis con Cannibal Corpse dentro del Demolition Festival, y en 2015 lo volvisteis a hacer en Bilbao. ¿Cómo fue el reencuentro? ¿Se acordaban de vosotros?

“La verdad es que, desde que tocamos en el Demolition Festival, he coincidido varias veces con ellos.

También tocaron en otra ocasión con Kreator y Krisiun en Logroño, aparte de que en varios conciertos que les he visto he ido a saludarles, en especial a Alex, que habla castellano, por lo que no nos han olvidado. Serán de las bandas que mejor me caen como personas. Cuando tocamos en Bilbao, por la tarde estuve unos minutos con Alex y se acordaba perfectamente de Aposento. Después del bolo compartimos un rato, pero lo mejor fue verles durante nuestra actuación observándonos desde la zona VIP”.

Conjuring The New Apocalypse no deja títere con cabeza. Diez temas a saco en 36 minutos y

cuerde: Visceral, Human Bait, Fossor, y nosotros. De heavy metal ahí tienes, como bien has dicho, a Tierra Santa, Zenobia, Infamia, Ethos… La zona heavy de Nájera, a la que venía mucha gente de todo el país. Hasta tuvimos aquel festival con Cannibal Corpse, Samael, Desultory… Así que no podemos quejarnos. Hubo un tiempo en que no tenías tiempo de aburrirte, a veces no te daba tiempo de ir a todos los garitos incluso después, en Logroño. Fuimos los primeros en hacer death metal en Logroño, pero aquí nos conocemos todos y nos llevamos bien. Alguna vez coincidimos

“Edu es un guitarrista cojonudo, pero viene de otros estilos. Apoya perfectamente como guitarrista rítmico. En esta ocasión no ha tenido mucho tiempo de componer, esperemos que para lo próximo que realicemos aporte sus ideas y talento ahora que está ya más involucrado en este estilo”.

Ya que hablabas de Gabriel Valcázar, hace nada anunció que dejaba la banda por ciertas discrepancias. Imagino que ya estáis buscando sustituto para la batería… ¿Nos puedes avanzar algo o contar más sobre ello?

“Ya hacía tiempo que Gabri nos había comunicado su intención de dejar la banda, algo que nosotros le respetamos. Tiene un talento y una técnica fuera de serie, pero nunca llueve a gusto de todos. Es un tío de puta madre, al que le apoyamos en lo que decida y haga. Sí que tenemos sustituto, pero por el momento nos reservamos lo de anunciarlo. ¡Tiempo al tiempo!”.

Mark Berserk desatado al micro. Qué pasote, oye… Si es que

Este año es vuestro 30 aniversa-

casi rozáis el brutal death ya…

rio. ¿Tenéis algo especial prepa-

“Bueno, para mí era algo más brutal el anterior, influye mucho también a la hora de meter la batería, la técnica de Gabri junto con la composición y el gutural de Mark le da más enfoque al brutal, pero he querido buscar unos riffs de guitarra menos rápidos y más machacones para diferenciar algo más del brutal. Eso sí, el último tema quería que fuera más agresivo que el resto en esa onda, brutal death”.

rado? ¿Iréis realizando concier-

¿Qué crees que ha aportado

tos para presentar el nuevo álbum y celebrar esta efeméride?

“¡Sí, claro! Pero ahora, con el tema éste del virus, hemos tenido que parar lo que íbamos a anunciar, a la espera de que se vaya resolviendo, porque es una incertidumbre… Tenemos varios bolos y uno especial aquí en Logroño, con dos bandas más.

Esperemos que en breve podamos anunciarlo y seguir presentando más fechas”.

85

AVULSED

SI EXISTIÓ UN NEXO DE UNIÓN ENTRE CASI TODOS LOS PIONEROS DEL DEATH METAL EN ESTE PAÍS, ÉSE FUE DAVE ROTTEN Y SU LABOR EN LA YA LEJANA DISQUERA DROWNED PRODUCTIONS. CHARLAMOS CON EL CANTANTE SOBRE TODA ESA MOVIDA MIENTRAS TAMBIÉN NOS PONE AL CORRIENTE DE LOS PRÓXIMOS PASOS DE AVULSED, POR SUPUESTO.

¡Estarás contento! Casi todos tus

grabas algo nuevo”.

compañeros de tropelías de fina-

tuviese una continuidad poco habitual, la verdad. Si las otras bandas hubiesen seguido, seguramente habrían alcanzado las mismas cosas que hemos logrado nosotros, o más, ¡quién sabe!”.

les de los 80, principios de los 90,

De toda esta generación de

parece que han vuelto a la activi-

death verdaderamente old

dad con sus viejas formaciones.

school, Avulsed sois los únicos

DAVE ROTTEN “Pues sí, desde luego

que realmente habéis aguantado

que es para estar contento, y sobre todo viendo los discazos que ha facturado cada banda. Se nota que el tiempo no ha pasado para ellos y con ayuda de las nuevas tecnologías, se puede escuchar a dichas bandas con un sonido y producción que hace 25, 30 años, era imposible de conseguir.

En aquellos tiempos era todo mucho más espontáneo, era la novedad, teníamos todos unos 20 años y se percibía todo de una forma mucho más intensa que hoy en día, pero la ilusión sigue intacta y siempre se tiene esa sensación especial cada vez que

todos estos años sin desfallecer.

Si hay algo que os unía a estos

¿A qué lo achacas?

grupos, además del estilo, fue tu

“Bueno, es innegable que cuando los grupos de finales de los 80 y principios de los 90 emergían, al ser chavales de 18, 20 años, indudablemente algunos, la mayoría, iba cambiando de gustos, de personalidad, de situación laboral, familiar… y todo eso suele influir en que las bandas duren poco tiempo. En mi caso, al estar ligado toda mi vida a la música y haber tenido la suerte de haber encontrado compañeros de grupos con cierto grado de compromiso, ha ayudado a que el grupo

seminal sello Drowned Produc-

86

tions. ¿Cómo decidiste embarcarte en aquello y cómo ves el legado de esa discográfica?

“Sí, excepto Aposento, las otras bandas pasaron por mi sello, ya fuese habiéndoles editado demos y/o álbumes.

Todo empezó en el 90, cuando veía que empezaban a emerger bandas nacionales de calidad, pero que realmente no sabían moverse muy bien a la hora de promocionar sus demos por el extranjero en zines de todo el

mundo como ocurría en otras escenas, así que me propuse editarles las demos con buena presentación y así impulsar fuera de aquí nuestra movida, y parece ser que algo ayudó. Hoy en día, todas esas bandas son leyenda viva de nuestra escena, y me alegra mucho verlos con nuevos trabajos, tocando en directo y demostrando que la experiencia es siempre un grado”.

Antes, por ponerte un ejemplo, Barcelona era de los mejores sitios donde hacer conciertos de death metal; hoy en día es de los peores, allí la moda es principalmente ‘post-loquesea’, muy modernete... ya no se estila el metal clásico, de greñudos feos… (Risas)”.

nuevo álbum de Avulsed. ¿Qué

labras, me explicaras qué es lo

nos puedes contar?

que más destacarías de las pro-

“Pues sí, andamos de lleno en la composición de nuestro nuevo álbum, el cual esperamos poder grabar a finales de año, o principios del que viene.

Vamos lentos, pero será otro gran álbum (risas). Nos gustaría lanzarlo sobre primavera, o cuando se pueda, la verdad es que no vamos con prisas ni estrés (risas). Mientras tanto, yo estaré ocupado presentando el nuevo álbum de Holycide, así que ando liado igualmente”.

esto, tienes que haber notado

cure, Aposento y Unbounded

una barbaridad cómo ha cambia-

Terror.

do todo en cuestión de comuni-

“Antes que nada, me gustaría destacar lo positivo de la escena española, y es que, aunque tampoco podamos decir que hayamos creado nada, ni seamos originales, al menos no tenemos un cliché de sonido por el cual la mayoría de bandas terminan sonando iguales, imitándose unas a otras, como ocurre en otros sitios. Sí, está bien tener identidad, pero cuando ésta se copia entre unos y otros, al final resulta cansino.

Las propuestas de las cuatro bandas que mencionas, y de Avulsed si me apuras, claro, es que todas tienen su estilo diferente. Necrophiliac fusiona un death metal primitivo en la línea de los primeros Death y Pestilence, con un toque Carcass, pero arreglado de una excelente forma con la destacable labor de Bongo a la voz. Obscure es pura esencia sueca, suenan como una versión pesadísima de Grave, Entombed y Dismember, mientras que Aposento maman más de la escuela americana de grupos como Cannibal Corpse, Suffocation, Malevolent Creation e incluso de Death y Massacre.

Los mallorquines Unbounded Terror hacen el death más clásico de todos, por decirlo de alguna forma. Tienen riffs muy pegadizos y contundentes, tomando influencias de grupos como

del under, modas que vienen y van… ¿Qué nos puedes contar?

“¡Sí, desde luego! En el 90 era todo a base de cartas y llamadas de teléfono fijo, actualmente ya es por WhatsApp, email, Facebook… y también por teléfono, claro. Antes, los grupos no solían tener un duro para gastarlo en grabaciones y se buscaban la vida con métodos bastante rudimentarios, pero hoy en día ya casi todos se lo graban ellos mismos y si se quiere un resultado mejor, se echa mano de un estudio y de un productor que haga la mezcla y/o masterización. Ahora es todo mucho más asequible y ya no sacas un sonido chungo ni aunque te lo propongas (risas). La esencia desde luego no es la misma, ni parecida… En la actualidad no hay la magia que existía antes cada vez que descubrías una de las cuatro bandas que había… Ahora surgen formaciones todos los días, todas graban y sacan discos antes de grabar demos, todas quieren triunfar del tirón, ganar dinero, ser famosas… todo sin quemar etapas y, claro, se desencantan rápidamente al ver que es casi imposible.

Las modas… sí, han cambiado mucho.

con Holycide, pero seguro que

Me gustaría que, en pocas pa-

puestas de Necrophiliac, Obs-

de grabación, la misma esencia

Actualmente andas muy liado ya tenéis bastante avanzado un

Tú, que llevas toda la vida en

cación para las bandas, métodos

Immolation, Benediction, Morbid Angel… Creo que cada banda tiene su espacio y aporta su visión del death metal en nuestra escena”.

Hay quien considera que el death está viviendo una segunda edad de oro, con más conciertos, bandas y festivales que nunca, y también afluencia de público, al menos fuera de nuestras fronteras. ¿Estás de acuerdo?

“Pues no sabría si llamarlo una nueva edad de oro… Lo que sí veo es que las bandas pioneras y veteranas del estilo son las que al final la gente quiere ver más. Obviamente hay grupos nuevos que están obteniendo una buena posición en la escena, pero a la larga, parece que la trayectoria y la constancia es lo que más valora la gente.

Lo de la afluencia, bueno, cuando son bandas relevantes, parece que sí, que actualmente hay más afluencia que hace diez, 15, veinte años, ¡y eso que las entradas valen más del doble que entonces, lo que no deja de ser un dato curioso!”.

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DANKO’S HALL OF FAME

E

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Kill ‘Em All de Metallica.

Es un poco ridículo que Kill ‘Em All haya tardado tanto en aparecer en esta sección, pero es que no puedo meter todos los discos a la vez.

Kill ‘Em All es el primer álbum de Metallica y, para una gran parte de la metal militia, el único intento de Metallica que de verdad se ajusta a la pureza thrash, que se ha ido diluyendo desde hace mucho tiempo. Nos muestra a una banda joven, hambrienta y buena, muy buena. Puedes sentir su potencial en cada canción e incluso en esa fase de su carrera, el grupo ya había cruzado la barrera de ser el mejor posible.

Uno de los elementos que se echaba en falta aquí era Dave Mustaine.

Expulsado a las puertas de la grabación del álbum, su aportación fue muy importante debido a sus composiciones, algo que incluso pasó en álbumes sucesivos de Metallica (llegando tan lejos como algunas canciones de Master Of Puppets, que fueron silenciadas en los créditos).

Temas como ‘The Four Horsemen’ tenían ya un deje épico y estaban muy lejos de lo que podía conseguir cualquier grupo de su quinta. Por supuesto, Mustaine regresó con Megadeth para entregarnos ‘Mechanix’ y demostrar al 88

mundo quién era el responsable de las mejores canciones en Kill ‘Em All. A pesar de que perdieron el genio metálico de Mustaine, no perdieron un ápice con la llegada de Kirk Hammett.

Fogueado en la banda amiga de la Bay Area Exodus, Hammett igualó el poderío guitarrero de Mustaine y, si las cosas hubiesen sucedido de manera diferente, podría haber conseguido también el siempre cambiante puesto de guitarrista en Megadeth. A pesar de que el camino del álbum ya estaba definido con los solos de Mustaine, Hammett brilló con luz propia y se graduó inmediatamente como dios de la guitarra.

Uno no puede hablar de Kill ‘Em All sin mencionar la canción número 5, ‘(Anasthesia) Pulling Teeth’, el monumental solo de bajo de Cliff Burton.

El hard rock/heavy metal suele otorgar el mérito a los guitarristas, a los agudos imposibles o a las baterías gimnásticas, mientras se ignora al bajista, pero Metallica hicieron lo opuesto. Por supuesto, Burton no era un bajista ordinario. Era mucho más sofisticado, sabio y etéreo que la mayoría de rockeros… qué narices, que la mayoría de músicos, como lo demostró en sus discos. Pero ahí estaba, demostrando su habilidad, al mismo tiempo que nos daba un respiro entre todas esas frenéticas canciones que la rodeaban,

metida en medio de ‘Jump In The Fire’ y ‘Whiplash’.

Desde el vertiginoso corte qua abría el álbum, ‘Hit The Lights’, hasta el vertiginoso final, ‘Metal Militia’, esto era una intransigente dosis de speed metal abrasador. Cuando uno mira con perspectiva y ve dónde está el grupo hoy, es casi como si fuesen dos bandas diferentes. Aunque me guste mucho esa banda evolucionada, inteligente y con experiencia en la que se han convertido hoy en día, siempre me gustará más esta versión.

Da igual la cantidad de millones de discos que hayan vendido, da igual la cantidad de ranchos o Basquiats que se hayan comprado: nunca serán tan buenos como aquí, lo capturado en Kill ‘Em All. Una banda preparada para conquistar el mundo. ¡Hasta el mes que viene!