THE CLASH
THE CLAS
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editor max olvera max@sabotagemagazine.com.mx
LO QUE HACE LA MANO LO HACE EL DEL ATRÁS…
A
ctitud, pose y represión son síntomas a los que se enfrenta la juventud en cualquiera de sus generaciones. A finales de los 70’s surge un género que combina la moda y la música dando como resultado un estilo de vida con una conciencia social. Este género nos muestra en todo su esplendor a esa juventud que estaba en desacuerdo con los clichés y estereotipos que les obligaban a vivir en ciertas represiones sin darse cuenta que en el futuro tendrían que entrar en esos clichés para formar parte de ciertos círculos sociales, en la actualidad, esos son nuestros padres ahora. Por otra parte las grandes marcas, corporativos y emporios ocupan este movimiento como estandarte para poder vender sus productos y atrapar a nuevos compradores compulsivos, dándonos una opción para identificarlos o identificarnos y diferenciarnos de los demás o de otros movimientos sociales por medio de la rebelión, de la cual muchos no sabemos ni por qué nos rebelamos, sólo queremos ser parte de algo adoptando ideologías y sobretodo apariencias. La música forma parte importante de este género, cargándola de mensajes violentos y criticas políticas junto con una gran diversidad de mezclas y subgéneros de este gran sonido llamado PUNK. ¿Qué es un punk? Creo que a ciencia cierta muchos no sabemos pero creemos que cuando alguien está enojado solo se pone “punk” y ya está. Espero que esta edición de Sabotage Magazine sea de su agrado ya que el equipo editorial documentó en este número un poco de todo esto que les comento para crear una edición especial de música punk, pero no importa qué estilo o género musical adopten, la cosa es que sigamos escuchando música, comprándola y escuchándola, que a fin de cuentas eso es lo que importa Punk o no, esta edición es para todas las edades por que a todos nos gustan las bandas que están reseñadas en este gran número Se punk o no, pero se tú.
MAX OLVERA
Editor SABOTAGE MAGAZINE
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legales Sabotage Magazine, Año 2, No. 17, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calz. de Tlalpan No. 572, Dpto. C 302, Col. Moderna, Del. Benito Juárez, C.P. 03510, México D.F. Este número se terminó de imprimir el 24 de mayo de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.
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GOD SAVE THE QUEEN GRAHAM WOOD
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nfrente del palacio de Buckingham la banda más controversial de su tiempo firma un contrato con la disquera A&M, sin embargo, el contrato es anulado seis días después. La disquera se vio presionada por su distribuidora, demás artistas, empleados e incluso inversionistas para terminar todo tipo de relación con esos punks. Para festejar el 25 aniversario del mandato de la reina, los Sex Pistols le regalaron un himno: “God Save The Queen”.
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GACETILLA
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MUERE SID
VICIOUS
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El bajista del grupo Sex Pistols, John Simon Ritchie, mejor conocido como Sid Vicious ha muerto a causa de una sobredosis de heroína, irónicamente después de haber festejado su liberación de la prisión de Rikers Island. Vicious había pasado ya por una terapia de rehabilitación de drogas. El músico tenía sólo 21 años de edad, se sospecha que fue un suicidio, pues en su chaqueta se encontró la siguiente nota: “Hicimos un pacto de muerte, yo tengo que cumplir mi parte del trato. Por favor, entiérrenme al lado de mi nena. Entiérrenme con mi chaqueta de piel, vaqueros y botas de motociclista. Adiós. Con amor, Sid.” 2 de febrero de 1979, Nueva York
EL RECIENTE FILME DE
LOU ADLER Se estrena la cinta Ladies & Gentlemen, The Fabulous Stains ideada por Lou Adler. El film refleja de forma descarnada el ascenso de un grupo de chicas punk procedentes de una gris ciudad industrial de los Estados Unidos, unas auténticas white trash. Las protagonistas son Debbie Harry, Siouxsie Sioux y Cherie Currie (The Runaways). Aparece además la banda The Looters liderada por Ray Winstone con Steve Jones, Paul Cook y Paul Simonon. De hecho las canciones del grupo pertenecen originalmente a The Professionals, grupo que Jones y Cook formaron tras los Sex Pistols. Octubre 1981
S A Í B A ¿S
? E U Q
NUEVO DISCO DE THE CLASH La banda británica de punk lanza su tercer placa de estudio bajo el título London Calling con el sello discográfico CBS Records. Se trata de un disco doble pero al precio de uno sencillo. El material contiene temas que hablan sobre el desempleo, conflictos de razas y el descontento con la corona inglesa y su primer ministro Margaret Thatcher. Además, como no se pensaba, han incluido géneros como el ska, pop, soul y rockabilly. 14 de diciembre 1979
El primer detective de ficción en la historia fue presentado por Edgar Allan Poe en 1841 bajo el nombre de Auguste C. Dupin en la historia “The Murders in the Rue Morgue”.
ANARCHY IN THE U.K. TOUR
Grandes bandas de la escena punk como The Clash, The Sex Pistols, The Damned y Johnny Thunders and The Heartbreakers, entre otros, se estarán presentando en un tour por el Reino Unido, los boletos estarán a la venta a través de 400 Ballroom Torquay, obviamente sólo en las ciudades británicas. Diciembre 1976
Todas las ganancias obtenidas por el libro Peter Pan de James M. Barrie fueron donadas al Hospital Great Ormond Street para los niños enfermos de Londres.
GACETILLA
Another State of Mind es un documental que relata la aventura de dos bandas de punk (Social Distortion y Youth Brigade) mientras se embarcan en su primer gira internacional. En el camino se reúnen con otro grupo de punk progresivo, Minor Threat. El material cuenta con la dirección de Adam Small y Peter Stuart, y es protagonizada por Mike Ness, Dennis Dannell, Brent Liles, Derek O’Briend, Adam Stern, Sean Stern y Keith Morris. Verano de 1982
FACTORY RECORDS Factory Records es una nueva compañía discográfica independiente de Manchester (Reino Unido) para el mundo. La iniciativa parte de Tony Wilson, periodista de Granada TV como plataforma de salida para las nuevas bandas underground británicas que programa en su club The Factory. Está asociado con Alan Erasmus y Rob Gretton (manager de Joy Division), el productor Martin Hannett y el diseñador Peter Saville. Enero 1978
N
o es casualidad que las canciones que más duelen son las tristes... canciones llenas de verdades, de realidades que no queremos asumir, de conversaciones que hemos tenido con nosotros mismos. Canciones que dicen lo que todos hemos querido decir pero no sabemos cómo hacerlo. No podemos culpar a la música por conocernos mejor que nosotros mismos, y no porque duela es necesariamente “triste”... Triste es no tener a quién dedicarle canciones. Triste sería no tener en quién pensar cuando ponemos play; o bien ponerle play a una canción la cual sabes que aquella persona no recuerda que se la dedicaste. Triste sería una vida sin decepciones, pues sin ellas asumo que no existirían muchas de las canciones que han cambiado nuestras vidas para siempre; la sustancia, la historia, el dolor detrás de la letra, el ruido detrás de los silencios.
THE STOOGES Raw Power es el tercer álbum de la banda americana The Stooges, perteneciente al sello disquero Columbia Records. Originalmente Iggy Pop fue quien produjo y mezcló el álbum, pero debido a diferencias creativas fue remezclado por David Bowie en un estudio de Los Angeles. Search and Destroy es el primer sencillo que se desprende del material. Febrero 1973
FESTIVAL HEATWAVE
Quizá uno de los problemas más deprimentes de nuestra generación, es esa falta de “sustancia”; nuestras ganas de no sentir; nuestras ganas de tapar recuerdos con nuevas ideas acerca de lo que fue el pasado; nuestras ganas de no permitirnos sentir lo que sentimos aun cuando no queremos que así sea.
Mosport Park, a las afueras de Toronto, será la sede del Festival Heatwave que se llevará acabo el 23 de agosto. Entre las bandas que forman parte del line up están Talking Heads, The Pretenders, Elvis Costello y The Kings, entre algunos más. Agosto 1980
Pues les tengo noticias, tarde o temprano la canción que menos queremos que nos encuentre, nos encontrará justo en el momento que menos esperamos; ya sea al final de una fiesta a la cual no querías ir o en el coche de tu ex, perdida dentro del maldito shuffle del iPod cuando creías que ya habías eliminado todas esas canciones que no querías que volvieran a abrir heridas.
El 23 de abril de 1616 murieron Cervantes y Shakespeare. Por esa curiosa razón, la UNESCO distinguió esa fecha como Día Internacional del Libro.
Toda la música de la cual nos escondemos el día de hoy, por miedo a recordar, mañana nos recordará que olvidar es un trabajo de tiempo completo. Así que mejor vayamos haciendo las paces con las cortadas, con los vacíos interminables y con los corazones llenos de fracturas irreparables. Los valientes seguimos escuchando canciones que duelen, para no olvidar... o quizá para no olvidar lo que se siente sentir.
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ANOTHER STATE OF MIND
LOS VACÍOS INTERMINABLES POR : ELÁN
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DISCOS
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por: Luis Palmeros
DISCO DEL MES DEERHUNTER MONOMANIA
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ALIZÉE 5
radford Cox es el motor de Deerhunter, una fuerza creativa impredecible y errática que crea materiales que reflejan su obsesiva e incómoda persona. Con Monomania, el proyecto liderado por Cox y Lockett Pundt vuelve a sorprender y rompe el espacio-tiempo de Deerhunter. Después del sueño lúcido que fue Halcyon Digest (2010), el pop psicodélico pasa por filtros noise y garage, el resultado es un disco rock n’ roll que tiene el sonido rasposo y granulado de décadas pasadas, sin sonar envejecido. Este es un guiño a los inicios del proyecto de Atlanta, un álbum sumamente apegado a la esencia del conjunto, según ellos: “ambient punk”. Deerhunter es punk en espíritu. Monomania te escupe en la cara, es una decadente taberna que apesta a sudor y veneno. Las luces son baratas, poco acogedoras, y afuera en lugar de coches hay motocicletas. En el escenario hay una banda que tose sangre de vez en cuando, pero no se detiene a limpiar la sangre en el suelo, porque la música debe seguir… y ese, es el espíritu punk.
ocho
Esta superestrella pop fue descubierta en un show de talento en 1999. Alizée debutó con el sencillo Moi, Lolita, y a sus escasos 15 años explotó esa seductora y precoz imagen en su nativa Francia. Ahora, la Lolita se ha convertido en mujer, con una imagen y sonido sofisticado. Su quinto material derrocha clase con arreglos de cuerdas, sonidos vintage, y una envolvente estética. Las canciones saben a vino tinto y se sienten como galas pop con una vibra Bond. Cuando ella te susurra al oído en francés, sobre una instrumentación meticulosa y un fino recorrido sonoro, lo único que puedes hacer es dejarte enamorar.
COLIN STETSON NEW HISTORY WARFARE VOL. 3: TO SEE MORE LIGHT Colin Stetson es un vanguardista en los instrumentos de viento, miembro no oficial en las presentaciones en vivo de Arcade Fire y Bon Iver (incluso Justin Vernon plasma su celestial voz en el disco). Además, ha trabajado con Feist, Tom Waits y TV On The Radio. To See More Light es la voz de su saxofón a través de diferentes texturas y ambientes. Se construye como Walt Disney en Fantasia, el ambiente crece con altibajos y caos hasta que se pierde el control; Colin, como Mickey, combate ese caos con magia. Explota y distorsiona los confines del bajo sax. Esta obra de Colin Stetson es magia y exploración que pasa por lugares extremos para llegar a un estado de nirvana.
E? U Q S A ¿SABÍ
Oz z y Os bourne s e ganó sus primeros sueldos trabajando en un matadero.
El nombre completo de Pablo Picasso era: Pablo Diego José Francisco de Paula Nepomuceno Crispin Crispiano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso.
VAMPIRE WEEKEND MODERN VAMPIRES OF THE CITY
El tercer LP del cuarteto neoyorquino es su diploma universitario. Abandonan la fiesta y los colores tatemados para poder madurar. La portada es una vieja imagen en blanco y negro de la ciudad de Nueva York completamente contaminada, debajo de esa densa cortina de polución hay un sonido delicado y refinado; paradójicamente, es una limpia. Modern Vampires Of The City es un paseo por una ciudad que creías conocer, pero ahora ves con distintos ojos. Es caminar y darte cuenta que tus creencias han cambiado, que el amor no es lo que pensabas, que la adultez ha llegado, y que ahora pasas de ser un estereotipo a ser una persona.
6274-8323 NoFm-Radio @nofm_radio escuchas radio por internet
IGGY AND THE STOOGES READY TO DIE
“I’m on my knees for those DD’s, why tell a lie, I’m stupefied.” Sí, los 66 años no le pesan a Iggy Pop, probablemente tampoco le pesen las malas críticas y las ridiculizaciones. Después de un regreso calificado como “patético”, llega este nuevo disco. Repentinos pero lógicos espasmos de guitarra, despliegues de energía y actitud, todo es muy familiar, es un rencuentro grato que no redefine absolutamente nada, le entrega a los fans lo que tanto pidieron. En la portada de Ready To Die, Iggy Pop se muestra listo para detonarse a sí mismo, pero el álbum no refleja esa urgencia o determinación; es complaciente y cómodo. Para muchos devotos de Iggy, eso es más que suficiente.
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SAVAGES SILENCE YOURSELF
Savages pide silencio, apaga tu celular, cierra la boca, cállate. Este grupo de mujeres londinenses no encaja en la corriente, ni siquiera llegaron a tiempo para el post-punk revival, pero ese es el punto. Muy de vez en cuando, llega un álbum que secuestra de tal manera. Savages es una necesaria inyección de adrenalina, una vacuna contra lo predecible, el abuso de las redes sociales y mucho de lo que tiene sentido en el siglo XXI. El mejor y más emocionante debut del año, no es incluyente, actual o nostálgico. No es fácil, sino salvaje y demandante. Llevan el post-punk al límite. Es un debut intenso, oscuro y feroz.
M RADIO.COM
MIKAL CRONIN MCII
Mikal Cronin es la media naranja de Ty Segall, ha colaborado en muchos proyectos, y a pesar de que este es su segundo álbum como solista, definitivamente es el primero que lo expone como un individuo sobresaliente, no es sólo “el amigo y bajista”. En MCII, toma lo mejor del power pop y hace un disco adictivo; uno que enamora, que pide a gritos acompañamiento fan en los coros. En momentos se refleja su vida alterna en el garage rock, y sus influencias están muy marcadas, pero con MCII más que rendirles tributo, Mikal Cronin parece que trató de emular esa obsesión que le provocaron sus artistas favoritos, esa “universalidad”. Y lo consigue.
TODO MENOS MIEDO
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LIBROS
EL DIVÁN
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por: Eunice Victorino
BAJO EL VOLCÁN MALCOM LOWRY
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EL FAVORITO
l escenario donde Bajo el volcán ocurre es el valle de Quauhnahuac, ahora conocido como Cuernavaca, el cual es dominado por la imponente vista del volcán Popocatépetl. El tiempo es a finales de los años treinta en el día de los muertos, cuando la tradición estaba con más vida. La novela es un relato semi-biográfico de la propia estancia de Lowry en la población mexicana mientras luchaba con una adicción al alcohol, que finalmente le traería la muerte. Bajo el volcán es un viaje vertiginoso a las entrañas de la oscuridad que habita en el hombre, que se manifiesta en impulsos destructivos. Es también un vistazo breve pero conciso a un México que ha dejado de existir y que vive sólo en relatos, pero cuya sutil influencia es palpable aún en nuestros tiempos.
EL CLÁSICO
NOVEDADES
diez
LA SENDA DEL PERDEDOR CHARLES BUKOWSKI La franqueza y crudeza son rasgos dominantes en la obra de Bukowski y son fruto de la vida llena de excesos y desenfreno que vivió. Aunque fue alemán de nacimiento, es en la ciudad de Los Angeles donde pasó la mayor parte de su vida y es en los lugares más sórdidos que la ciudad podía ofrecerle donde encuentra inspiración para su obra. Es en esta ciudad donde Henry Chinaski, álter ego del autor, vive su infancia y juventud, es en Los Angeles donde Bukowski expone la visión de las clases bajas, las que no encajan en la imagen impuesta del ideal americano, es decir, su propia visión. EL DÍA DE LA LANGOSTA NATHANAEL WEST Por mucho tiempo, Hollywood ha sido identificada por excelencia como la ciudad en la que los sueños se hacen realidad. La visión romántica y glamourosa de la Meca del cine es destruida despiadadamente por la descarnada novela de West. El Hollywood de El día de la langosta es uno sórdido y grotesco, en donde los sueños se convierten en pesadillas y los soñadores son asumidos como fracasados. Cada fiesta salvaje, cada acto violento, cada situación al límite, revelan la falsedad y oropel del ambiente. La furia de los personajes frustrados es despertada al ver su sueño arrebatado, teniendo que enfrentarse a la realidad, una muy distinta a la prometida por el sueño americano que persiguen. LAS FLORES DEL MAL CHARLES BAUDELAIRE Obra máxima del poeta maldito, fue censurada en su tiempo y hasta los años cincuenta del siglo pasado debido a la exaltación del disfrute de los placeres de la vida. La inmoralidad de la que se acusó al escritor francés está reflejada en la obra poética de Las flores del mal cuyos versos están cargados de erotismo y de un tinte decadente. Baudelaire se rebela ante la visión establecida de que los pecados y las frustraciones, aquello que se considera vicioso, no pueden engendrar belleza.
E? U Q S A ¿SABÍ
El 24 de febrero de 1968 el telón de la Deutsche Oper de Berlín se alzó 165 veces consecutivas para que Luciano Pavarotti recibiera los aplausos del público que duraron 1 hora y 7 minutos.
La oreja de Van Gogh. Paul Gauguin y el pacto del silencio es el título del libro que sostiene que Gauguin le cortó la oreja a Van Gogh en una pelea y que en realidad su órgano no fue un obsequio a una prostituta.
CINE
7ºARTE
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WORLD WAR Z (GUERRA MUNDIAL Z)
Marc Foster (Quantum of Solace y Stranger Than Fiction) trae esta adaptación de la novela homónima de Max Brooks. La cinta es estelarizada por Brad Pitt quien interpreta a un empleado de la ONU que hará todo lo que esté en sus manos para enfrentarse al letal brote zombie que acaba con poblaciones y amenaza con extenderse por todo el mundo comprometiendo el futuro de la raza humana. La misión se vuelve extremadamente complicada tomando en cuenta que los gobiernos y sus respectivos ejércitos, que han hecho frente a la pandemia, han caído.
La clásica historia del hijo de Krypton, Kal-El, es traída nuevamente a la pantalla grande para contar el origen del superhéroe; es dirigida por Zack Snyder y producida por Christopher Nolan, con Henry Cavill y Amy Adams como Clark Kent y Lois Lane respectivamente. La historia narra el proceso de crecimiento de Clark, la relación con su familia adoptiva y lo complicado que resulta controlar sus poderes sobrehumanos para convivir en sociedad. Cuando la Tierra es invadida por habitantes de su planeta natal, el mítico hombre de acero emergerá para hacer frente a la amenaza.
THE GREAT GATSBY (EL GRAN GATSBY)
Ambientada en Nueva York en la segunda década del siglo XX; el corredor de bolsa Nick Carraway (Tobey Maguire) es guiado por su prima Daisy (Carey Mulligan) para conocer nuevas amistades, amantes e identidades, algo que aumenta de manera exponencial cuando empieza a convivir con Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), el rico vecino conocido por sus extravagantes fiestas dedicadas al sector social más alto. Conforme Nick conoce más sobre la vida de Gatsby y sus secretos, se da cuenta que toda esta opulencia puede ser sólo una forma de cubrir su verdadera personalidad.
EASY RIDER
DVD Y BLU-RAY
doce
MAN OF STEEL (EL HOMBRE DE ACERO)
Un hito de las denominadas “road movies”, Easy Rider narra el viaje de Los Angeles a Nueva Orleans de los motociclistas Billy y Wyatt para disfrutar el popular Mardi Gras; en el camino se encuentran desde los típicos viajeros de autostopistas hasta un abogado alcohólico, además de visitar destinos turísticos como la cárcel estatal o un prostíbulo. La cinta es dirigida y estelarizada por Dennis Hopper, acompañado de Peter Fonda y Jack Nicholson. Una historia que los amantes de la carretera deben experimentar.
THE SCORE Al comenzar a envejecer, el hábil ladrón de joyas Nick Wells (Robert De Niro) decide retirarse con el fin de disfrutar de todo lo que ha obtenido, hasta que un viejo socio le ofrece un jugoso trabajo difícil de rechazar. Para completar el robo debe asociarse con Jack Teller (Edward Norton) quien trabaja encubierto en el lugar donde está resguardado el objetivo. Un apasionante filme en el que se detalla la planeación del atraco y todos los recursos necesarios para efectuar un plan infalible; ésta es la última aparición de Marlon Brando en el cine.
por: Rodrigo Prieto
QUE NUNCA FALTE…
Por: La Nena Mounstro
…ese ser amaestrado por aquellos que nunca le van a dar nada más que las gracias por los favores recibidos, como si fuera un San Juditas moderno. Esos que muchas mujeres tienden a tener, todos los conocen como “pagafantas”. Y no sólo es una cuestión del género femenino hacia el masculino, también tiene ida y vuelta. Hay mujeres que también pagan, la hacen de amiga, amante y pagafantas. El esclavito o el pagafantas es aquel que derrite su cerebro y corazón por acercarse al objeto de su deseo pero que no reúne las cualidades físicas o emocionales para que a este “objeto” se le mueva una sola célula emocional (y ya no digamos sexual) y lo voltee a ver. Lo usa como chofer, jardinero, psicólogo, secretario, asistente y, claro, lo más importante: para que él/ ella paguen. Y no es porque el otro sea pobre, sino que el buen y solitario corazón del pagafantas siempre está dispuesto a gastar sus centavitos por una buena causa: dejar de estár tan solo. Preso de la cárcel de unos besos que nunca va a recibir, el pagafantas está dispuesto a todo, o a casi todo, para que ese amor no correspondido pase tiempo con él. Aunque no siempre el pagafantas está “enamorado”, a veces es la única manera que tiene de conseguir la atención de uno u otro. Hay otros que van cazando a su presa lentamente y se cansan. Si a la tercer cita no afloja la bestia, pues ya no aflojó y se van a buscar a otra/otro. El pagafantas pasará por ti, pagará el cine y la cena de salida. No confundamos esto con una cita romántica, porque también las hay. La diferencia es que al pagafantas NUNCA le van a aflojar. Lo usan de plan Z, lo usan cuando necesitan algo. La disposición de este changuito amaestrado es impresionante. Él es a quien puedes llamarle a las tres de la mañana ahogada de borracha para que vaya por ti y tus amigas al antro, obvio, le llamas los domingos por la tarde, cuando te estás muriendo de aburrimiento para que te lleve al cine. Le aceptas los regalos que te de y nunca se los retribuyes, ya que él se conforma con tu presencia, aunque tengas un chícharo de cerebro. Es el que en Twitter te comenta todo, en tu FB te likea todo, está al pendiente de ti, porque…¡adivina! ¡quiere tus carnes! O en un defecto más romántico, quiere tu puerco corazón. Los pagafantas rotan, también tienen su corazoncito y se cansan de ser los pagadores-acompañadoresguardaespaldas de todos tus caprichos. Ya aflójale, y si no regrésale su dignidad.
MÁQUINA DEL TIEMPO
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5 de junio Día mundial del Medio Ambiente
7 de junio Día de la Libertad de Prensa
JUNIO
catorce
9 de junio de 1934 El personaje de historietas de Disney, el Pato Donald aparece en el cine con la cinta The Wise Little Hen (La gallina sabia).
10 de junio de 1829 Es clausurado definitivamente el Tribunal de la Santa Inquisición. 16 de junio de 1963 Se pone en órbita la nave Vostok 6 tripulada por Valentina Tereshkova, la primera mujer cosmonauta.
NACEN 1 de junio de 1974 Alanis Morissette 8 de junio de 1977 Kanye West 14 de junio de 1961 Boy George 15 de junio de 1899 Federico García Lorca 18 de junio de 1942 Paul McCartney
MUEREN 6 de junio de 1948 Louis Lumière, inventor del cinematógrafo 9 de junio de 1870 Charles Dickens, escritor británico 14 de junio de 1986 Jorge Luis Borges, escritor argentino 27 de junio de 1988 Hillel Slovak, fundador y guitarrista de los Red Hot Chili Peppers 29 de junio de 1973 Germán Valdés “Tin Tan”
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JAIME VIELMA DE LO POPULAR A LO CULTURAL por: Mariela Martínez Fotografía: Federico Benegas
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Jaime es de esas pocas pero afortunadas personas en el mundo que tiene talento para más de una disciplina, siendo la pintura por la cual es más conocido. En sus ilustraciones ha buscado plasmar lo que para él representa la vida, lo cual logra a través de la creación de mundos imaginarios que conviven entre colores vivos, texturas, paisajes alucinantes y personajes, representados con todas sus contradicciones: amor y nostalgia, alegría e impotencia. Como la vida misma. La rebeldía es un rasgo que lo ha caracterizado siempre, siendo un adolescente decidió estudiar Diseño Gráfico, una meta nada fácil para su entonces situación. Si hoy en día incursionar en el mundo del arte es difícil, en la década de los 80’s cuando Jaime se enfrentó a esto lo era aún más. Con firme determinación Jaime abandonó México en busca del llamado “sueño americano”, para poder ahorrar y pagar sus estudios, durante estos años se encontró con una realidad llena de carencias y trabajo duro, lo que despertó en él un profundo sentimiento nacionalista. A pesar de las adversidades, Jaime es un hombre de convicciones firmes: “La vida no es lo que me falta, es lo que voy encontrando y lo que voy construyendo.” Y con esa determinación, después de pasar una temporada en E.U.A., regresó a México para alcanzar su meta, cursar la carrera de Diseño Gráfico. Como cualquier inicio, las cosas no fueron fáciles, tuvo que lidiar con la falta de apoyo, el elitismo y los mismos comienzos de la carrera en nuestro país, pues el programa educativo de Diseño era impartido por primera vez en la UAM de Azcapotzalco a nivel Latinoamérica. Sin embargo, los obstáculos sólo reafirmaron en él su deseo de aprender. Para hacer lo que amas debes estar dispuesto a pagar el precio. Para algunos artistas un lienzo en blanco puede convertirse en un objeto sumamente intimidante e imponente; para Vielma significa la oportunidad de crear algo nuevo y poder plasmar en él su sentir. Nuestra cultura mexicana ha vivido grandes momentos en su abanico artístico, desde las pinturas prehispánicas hasta su gran auge con el muralismo en manos y pinceles de artistas como Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, artistas que marcaron precedente en nuestra historia durante el siglo pasado y sin quienes no podríamos estar hablando de arte gráfico mexicano.
En el nuevo milenio, Jaime Vielma se ha hecho de un espacio a base de esfuerzo y talento en el diverso panorama cultural de nuestro país, escena que está viviendo un resurgimiento no sólo a nivel cultural sino también a nivel intelectual. Como espectador y actor, Jaime se ha dado la oportunidad de experimentar con el performance y un proyecto que lleva desarrollando desde sus años como estudiante, la fotografía de desperdicios. Una actividad que lo ha llevado a explorar desde una visión diferente los desperdicios de la sociedad consumista en la que habitamos. Siendo la música un miembro de las bellas artes, Jaime no se define como su fiel amante, mucho menos como un apasionado melómano; sin embargo, el ilustrador asegura que tampoco está ausente en su vida: “Yo nunca he escuchado música, procuro siempre hacerla para mi alma.” Actualmente Jaime divide su tiempo entre la creación de su arte y transmitir sus conocimientos a las nuevas generaciones en su alma mater la UAM (Universidad Nacional Autónoma Metropolitana). A principios de este 2013, Vielma presentó un nuevo proyecto titulado “El Sentido de la Vida”. ¿Qué significa para el ilustrador el sentido de la vida? “Buscar tocar la esencia de los seres humanos, traer el espíritu más allá de lo intelectual y poder transmitirlo a través del arte.” Al final, el arte es el alimento del alma.
Para mí la música no tiene nombres, no tiene fronteras, no tiene cara.”
PD: Por cierto, Sabotage Magazine tuvo la fortuna de contar con su talento en nuestra edición de aniversario, en la cual Vielma creó dos ilustraciones en donde reversionó la icónica lengua de los Rolling Stones.
EL TOP DE JAIME VIELMA 1. Los Ángeles Negros 2. El Son Cubano 3. La Sonora Santanera
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E
l arte requiere de sensibilidad y habilidad, en ocasiones la persona poseedora de ambos talentos se da cuenta de su poder a raíz de experiencias vividas que le cambian la perspectiva que tiene del mundo; en otras ocasiones nacen sabiéndolo. Jaime Vielma descubrió su vocación desde muy joven. Su pasión por el arte comenzó con la arquitectura, prosiguió brevemente a la danza folclórica y fluyó a la poesía, para finalmente establecerse en las artes gráficas. Pareciera que buscaba explorar cada ámbito que conforman las bellas artes.
EL PUNK NO
ESTÁ LISTO PARA MORIR por: Magalie Torres
“Un tipo se me acercó y me preguntó ¿qué es ser Punk? Así que pateé un bote de basura y le dije ‘Eso es punk’. así que él pateó el bote y me dijo ¿Eso es punk? Le contesté ‘no, eso es ser trendy’.” Billie Joe Armstrong
Qué desafortunado no haber nacido en la época en la que el punk cambió al mundo. En la que ya había un Deep Purple, Black Sabbath y Led Zeppelin haciendo rock y la psicodelia era el día a día. Donde una mujer de color llamada Diana Ross y sus vestidos de lentejuelas incendiaron las pistas de baile. Y también, llegó el punk, donde ser diferente se puso de moda. Diez años fueron suficientes para cambiar el universo musical. Así como llegó el punk, atrás de él el glam-rock y el alternativo ya reclamaban su lugar. Una década es suficiente para cambiar una generación, y la nuestra donde nuestras mejores mentes beben té chai, leen a Murakami, y cuidan al planeta ya huele mal; nos urge que alguien llegue a cambiar el rumbo, así como lo hizo Led Zeppelin, Iggy Pop o Nirvana. Nos hace falta otra seducción musical revolucionaria llena de dramatismo natural así como la que se vivió en ese ayer que hoy sólo vemos en fotos. Necesitamos una juventud que reclame algo, que busque su lugar y lo encuentre; tal como Iggy Pop lo hizo, el hombre más temerario e intransigente que la música ha conocido. El “real wild child” de la música. Iggy Pop y la música Mucho antes de que Sex Pistols tuviera himnos, Iggy and The Stooges salían de Detroit con un concepto cargado de violencia justificada que influenciaría a generaciones enteras de músicos, pintores, escritores, cineastas, y hasta el mundo de la moda. Mientras que en el resto de Estados Unidos se hacía música para hippies y se escuchaba Jefferson Airplane, Iggy y su banda llegaron para cantar sobre lo que es no ser nadie y no tener nada, demostrando su enojo y su desacuerdo con la vida y con sus leyes, él quería vivir al límite.
Constantemente frustrado, intensamente irritado y con ganas de cambiar las cosas, nació en la época adecuada para hacerlo. Tuvo a David Bowie como roomate y compañero de perdición, que además le ayudó a hacer dos de los discos más relevantes de su carrera The Idiot y poco después Lust For Life. Pocos cambios tan relevantes y desafiantes como los que sucedieron en los 70’s. Nadie se atrevió a pervertir tanto a la música como él. Pop es la figura que demuestra que se puede vivir al límite, revolucionar al mundo y vivir para contarlo. Todos hemos sido influenciados por alguien, a todos se nos notan las cicatrices del pasado que nos tocó vivir. Iggy de quince años sentado escuchando a Ottis Redding, Johnny Cash, Little Richard y Frank Sinatra. Su madre rentándole un piano para que pudiera practicar. Iggy pasó por fracasos frecuentes y periodos de lucidez vs. periodos de auto destrucción donde nunca conoció la palabra estabilidad. Mucho que decir en una época tan atractivamente violenta para la música y el arte. El punk se consideraba más que una ideología positiva-negativa. Igual de condenada que imitada. Varias generaciones después AC/DC, Joy Division (Ian Curtis se suicida mientras escuchaba The Idiot, dato geek), Red Hot Chili Peppers declaran que Iggy fue una influencia para la música que ellos hacen, y por si fuera poco Kurt Cobain declaraba que Raw Power era el mejor disco que haya escuchado en toda su vida. Posterior a Iggy llegaron bandas bastante respetables del punk como Dead Kennedys, The Cramps o The Misfits. Ya después de eso, hoy en día el punk es pura vacilada. Sólo The Stooges sonaron peligrosos. Iggy Pop y el espectáculo Qué bien me sentaría describirles que lo vi en concierto y se abrió la boca con el micrófono para poder cantar I’m Your Dog. Que fue el primero en lanzarse desde el escenario hacía el publico. Que rompía las baquetas para cortarse el pecho. Nada de esto era accidental, todo lo hacía para conmover y dejar en estado de shock. Parecido a lo que Antonin Artaud hacía con su Teatro de la Crueldad, donde el objetivo era sorprender e impresionar. Cantar con esa fuerza que nada tenía que ver con una potencia de voz, sino con un hombre tan sensible que se desmayaba en el baño después de un
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ex Pistols y The Clash en Inglaterra, The Velvet Underground, Patti Smith, The New York Dolls, The R a m o n e s e Iggy Pop en Estados Unidos. Genios que despertaban con tres dólares en la bolsa, desayunaban café con whiskey y leían a Burroughs, Rimbaud, Mallarmé y Baudelaire. La decadencia, la inconformidad y las drogas como forma de vida. De ahí el big-bang. De ahí el punk. De ahí el resto.
espectáculo. Esa atracción al peligro y a la muerte rayando en lo demencial, fue lo que partió a la música en dos, en un antes y un después de él. Cada vez que se subía al escenario demostraba que si algo tenía era audacia. Y ¿a quién no le atrae, de vez en cuando, asomarse a un abismo? Iggy Pop y la Literatura “La literatura es como la cocaína y la música como la heroína: la primera agudiza al espíritu, la segunda lo idiotiza”, en palabras de Pop.
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Libros que hablen de él hay montones, desde recopilaciones de periodistas donde se habla de esta época, biografías no autorizadas, hasta con autorías de Mick Rock o Lynn Goldsmith. S u m e j o r l i b ro e s I N e e d M o r e . Qué mejor que leer a un atormentado hablando de sus demonios, de sus irrealidades, de sus paranoias, del amor y de los excesos. De algunas cosas no se habla, hay que guardar palabras para salvarnos. Burroughs, creador de un terremoto cultural llamado Beatnik, fue una gran influencia para él. En Lust For Life se le honra. Dostyevski con su cuento “El idiota” es otro autor que lo llevó a sentarse a escribir canciones para el disco que lleva el mismo nombre. Michel Houellbecq y la novela La posibilidad de una isla le conmovió a tal punto que le escribió dos canciones Spanish Coast y A Machine For Loving, que vienen en el disco Preliminaires, donde se nota una clara melancolía por esa crisis de los cincuenta años. Iggy Pop y el cine William Burroughs: A Man Within es un documental que habla sobre el escritor, e Iggy hablando de cómo y por qué lo influencia. Otros más como Frank Zappa, Sonic Youth y Michael Stipe también hablan del autor y la influencia de su literatura en su música. Danny Boyle y Martin Scorsese son dos de los muchos directores que han querido tener las canciones de Iggy
dentro de la trama de sus películas. Lust For Life aparece en otro parteaguas generacional: Trainspotting, película basada en la novela de Irving Welsh que retoma el punk de los 80’s. Un papel escrito específicamente para él en The Crow: City of Angels y una voz que prestó para darle vida al tío de Marjane en Persépolis. Cómo no llamarlo para actuar, cuando es considerado el mejor frontman de la música. Iggy Pop y la moda Una figura del underground y de culto como lo es Pop, no puede pasar desapercibido para el mundo de la moda. ¿Un tipo que pasó la mayor parte de su vida sólo en jeans y mostrando el torso, marcó tendencia en la moda? Sí, también. Fue el primero en usar los jeans rotos, más por decadencia financiera que por moda. Iggy nunca tuvo dinero. Trusas transparentes, botas rotas, chamarras que compraba en los mercados de pulgas o pedía prestadas y
pantalones de cuero acompañados por una bolsa crearon todo un estilo. Un hombre que nunca siguió una tendencia, se ponía lo que le gustaba. Andrógino, espectacular o asombroso, lo que fuera con tal de verse interesante. Su look y su manera tan desfachatada de llevar la moda que él mismo se creaba, inspiró a marcas como Dolce & Gabbana, Paco Rabanne, Vans, Steve McQueen y Balmain (entre otros) a tomar como estandarte lo peligroso, lo desafiante, lo espectacular y crear líneas con esta fijación. ¿Iggy Pop o Iggy Pimp? Iggy Pop y el final Difícilmente podemos ponerle un punto final, Iggy lleva haciendo historia desde hace más de tres décadas y será una referencia obligada a escuchar, sentir y ver por aquellas nuevas generaciones que se jacten de conocer y saber de música. Todo lo que él creo es atemporal, no hay fecha de expiración, no pasa de moda.
Este año regresa con su nuevo disco Ready To Die. Qué título tan preciso, pero viniendo de Iggy no podía ser de otra manera. Una vez más James Williamson y él regresan a retar los escenarios, después de años de separación y enojos debido a los constantes abusos de sustancias ilegales que Iggy tuvo en sus mejores épocas.
Hoy, Iggy ya no vive en un trailer park, ya no pide dinero prestado para abusar de la realidad, lleva sobrio muchos años y vive en las playas de Malibu rodeado de hipsters. Usa ropa de 1500 dólares, maneja un convertible y lleva una dieta macrobiótica. Ya hizo lo que tenía que hacer y movió cada célula de la cultura pop para permanecer. Lo vemos en la música, en un stand de una librería, en una pasarela y en el cine. Así de relevante es Iggy Pop, el junkie más respetado de la historia, demostrando que el punk también se puede vestir de Versace y no morir en el intento.
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En este “final” no sabemos si será el último disco de la banda. ¿Una gira? Con suerte llegaremos a verlo en vivo, como aquella y única vez que pisó México en el 2007.
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INCLUSO
EL PUNK
N E C E S I TA
UN HOGAR por: Rocco Portillo
No, no es una marca de playeras En 1973 un ex-marine abrió un bar en The Bowery, una zona al sur de Manhattan que representaba la verdadera antítesis del glamour de la ciudad de los rascacielos, una zona en donde los pordioseros convivían junto con las prostitutas y la clase media baja. La renta del lugar era bastante económica por un pequeño detalle, estaba justo debajo de un asilo para que los pordioseros pasaran la noche. Este ex-marine respondía al nombre de Hilly Krystal y era un fanático de la música, principalmente del Country, el BlueGrass y el Blues. Géneros que inocentemente bautizaron este lugar con sus iniciales: CBGB. La otra famosa línea que compone el logo del bar es OMFUG, que a diferencia de lo que creen todas aquellas personas que usan playeras del Che Guevara sin saber que es argentino, quiere decir: Other Music For Uplifting Gourmandizers. “¿Qué es un Gourmandizer? Es alguien hambriento, en este caso de música”, diría Krystal. Afortunadamente para la historia de la música, el sueño de Krystal de tener un foro para el country y el blues nunca se materializó, y sin jamás proponérselo Hilly Krystal se convirtió en el tío adoptivo de un genero huérfano y rebelde: el punk. A mediados de la década de los 70’s el disco y la complejidad del rock progresivo eran, respectivamente, algo desagradable y una barrera para una juventud ávida por expresarse. A diferencia del movimiento hippie, en esta ocasión los jóvenes no querían ser parte de algo más grande que ellos o de conceptos como la paz y el amor; ahora el Yo era más importante que el nosotros. No importaba si sabían cómo armar su discurso, lo importante era dejarlo claro, aunque hubiera que gritarlo.
Hilly Krystal tenía una mentalidad que cobijaba a la perfección este sentir. Las bandas no necesitaban ser famosas para tocar en este lugar, la única condición inamovible era que tocaran material original, nada de covers. Primero estaba la autenticidad y en segundo plano (bastante fuera de foco) estaba la técnica. Durante los primeros años la mayoría de las ganancias de la entrada se irían a la banda y el ingreso del bar sería para el local. La evolución para convertirse en la cuna del punk fue un proceso natural. La banda Television rentaba un cuarto para ensayar a unas cuadras del bar y al darse cuenta de que había un foro en el cual podían tocar le dijeron a su manager Terry Ork que lo consiguiera, después de varios intentos Terry convenció a Hilly Krystal de agendarlos los domingos, el resultado fue lamentable. Pero ahí estaba la magia de Krystal en su tolerancia y capacidad de apoyar a personas que a simple vista no tenían ningún talento. Television y Terry le suplicaron a Hilly que también le permitiera tocar a una banda amiga de Detroit: los Ramones. El resultado fue igual o peor. Para tener una escena no sólo es necesario que haya varios artistas con intereses en común o ideologías afines, es necesario que entre ellos haya un convivencia, que se encuentren en las calles, que haya un diálogo o incluso una confrontación para poder superarse entre ellos mismos y que por consecuencia todos crezcan como parte de una escena. En ese entonces Nueva York era un lugar en donde la gente iba para poder estabilizarse artística, económica y mentalmente, donde se podía vivir de hacer arte por un precio moderado, donde había un sentimiento de riesgo y de innovación en el aire. Eso es lo que CBGB les permitió a los músicos neoyorkinos. A pesar de que muchos vivían al día y los artistas se mezclaban con ladrones y pordioseros en las calles, “a diferencia de ahora, que las personas vienen con su vida resuelta, tienen dinero y creen que la ciudad les pertenece” llegaría a decir Patti Smith. Para 1975 los Ramones ya eran una promesa en la escena underground pero seguían tocando con el PA que la banda abridora pudiera conseguir (durante varios años CBGB no tenía PA propio).
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as grandes ideas no sólo son cargadas sobre los hombros de unas cuantas personas, las grandes ideas se convierten en movimientos y aquellos héroes siempre necesitarán un lugar al cual llamar hogar, paredes que hablan historia mejor que muchos historiadores, lugares que son personajes vitales. Los renacentistas tuvieron París, los mexicas Tenochtitlán, el imperio romano el Coliseo, Alicia al país de las maravillas y el Punk tuvo a CBGB.
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El Rock siempre tendrá a CBGB, no importa si esté abierto o cerrado”. Chris Cornell
THE C LA ÚNICA BANDA QUE IMPORTA
por: Rafael Martínez Ramones, Sex Pistols y The Clash, estandartes del punk. Resulta casi natural mencionarlos en este orden cuando se habla de ellos. Las primeras dos bandas alternan a veces el primer y segundo lugar, usualmente The Clash son quienes ocupan el tercer puesto. Pero de los tres pilares del punk, sólo una llegó a convertirse en “la única banda que importa”.
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l anterior es sin duda un título que no cualquier agrupación musical, por más talento y trascendencia que hayan alcanzado, podrían jactarse de tener. El músico, productor y leyenda en la industria, Gary Lucas fue el encargado de darle lo que originalmente fue un slogan promocional para el grupo que vendría a darle un giro al punk y a la música contemporánea como la conocemos.
Con un sonido que destacó en una etapa musical en donde las feroces guitarras a un rápido ritmo de 4/4 dominaban, The Clash fueron los únicos que experimentaron con el nuevo concepto de musicalidad de adquisición personal que el punk significó en el espectro del rock. Dicho en palabras más sencillas, ellos fueron los más talentosos dentro de una generación de músicos que no eran músicos. Desde la introducción que tuvo la banda ante las masas (y por supuesto la primera vez que la comunidad punk los acusó de venderse) con su primer trabajo en estudio The Clash de 1977, ya estaba presente la actitud e ideología punk de la agrupación en su música. Pero había también una característica peculiar en el sonido de The Clash, una característica rara dentro de la escena musical inglesa de finales de los 70’s, incluso también de la americana: el eclecticismo. Y es que el punk, en un inicio, fue un fenómeno que pretendía racionalizar y dotar de cierto sentido a todo lo que rodeaba al individuo. La juventud tenía una percepción general de las cosas rebelde y hasta cierto punto acertada, considerando las circunstancias sociales y políticas de la época en el Reino Unido. Una percepción que fue reflejada en la cultura popular también, y nos dejó auténticas joyas musicales de muchas otras bandas. Sin embargo, hasta antes del legado de The Clash, una percepción que resultaba bastante sobria.
Su segundo esfuerzo Give ‘Em Enough Rope perfilaba ya a una banda más en forma y acoplada que haría historia con el icónico London Calling, un álbum lleno de momentos cruciales para la cultura pop, comenzando por su icónica portada. La imagen de Paul Simonon azotando su bajo contra el suelo es quizá la representación visual más emblemática de la historia del Rock N’ Roll. Es también una imagen que estuvo a punto de perderse en la vastedad del mundo de la música, pues Pennie Smith la fotógrafa que capturó el momento en un inicio no quería que fuera la portada del disco, ya que consideraba que la foto estaba desenfocada; sin embargo, tras la insistencia de Joe Strummer, la imagen fue usada. Añadido a la gran imagen, se decidió rendir homenaje a la portada del disco debut de Elvis Presley con la tipografía del álbum. De manera no intencional, The Clash fueron los primeros en dotar de sentimiento a la música e incluso a la ideología punk, y en poco tiempo serían imitados por bandas como PiL y The Damned. Comenzó a surgir en la escena musical un intento por alejarse de las estridentes guitarras como el común denominador del sonido punk, además los temas políticos de las canciones se desviaban y se empezaba a tratar con asuntos más personales; la variedad abundaba en una comunidad donde (de manera redundante) la intolerancia reinaba. Este fenómeno eventualmente se desarrollaría y se convertiría en el movimiento perezosamente catalogado como New Wave, que a su vez derivaría en la hoy omnipresente música electrónica. La influencia de The Clash en nuestra cultura popular es reminiscente de los orígenes underground de la banda; no se encuentra en la superficie, pero es más importante que muchas cosas que están a plena vista. Un buen ejemplo de esto es el caso de la película Moneyball estelarizada por Brad Pitt, que cuenta la historia real de Billy Beane, manager del equipo de baseball Oakland Athletics quien
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TONY WILSON SI HAY QUE DECIDIR ENTRE LA VERDAD Y LA LEYENDA QUÉDATE CON LA LEYENDA por: Rocco Portillo
música propositiva, eso no era suficiente, Tony Wilson no tenía un plan pero tenía algo mas importante: decía sí a todo, no importaban las consecuencias.
El 20 de febrero de 1950 nació el hombre que se volvería el representante de una ciudad y el catalizador de uno de los momentos más interesantes de la música contemporánea. Egresó de Cambridge con una licenciatura en Letras y se planteó la posibilidad de ser periodista. Las cadenas televisivas inglesas en ese entonces sólo tenían unas cuantas plazas disponibles las cuales eran bastante disputadas entre los jóvenes egresados; sabiendo de antemano que había sido rechazado en cadenas como la BBC, Tony Wilson entró a su entrevista en la cadena regional ITN.
“The musicians own everything, the company owns nothing, all our groups have the right to fuck off.” Eran las palabras escritas con sangre en una servilleta, ese era el contrato de Joy Division con Factory Records, la entonces nueva disquera de Tony Wilson. Un contrato que marcaría la filosofía de Factory Records, y sería también una de las pruebas de que Wilson es uno de los grandes mártires en la historia del rock. Unknown Pleasures (el primer disco de Joy Division) fue grabado con el dinero directo de su bolsa. El creía en las bandas, creía en la magia de Manchester como ciudad y no quería nada a cambio, él estaba ahí para hacer que el fuego ardiera, aunque se quemara en el proceso. El problema con esa ingenuidad es que los negocios no funcionan así.
¿Qué opinas de nuestra cadena?, le preguntaron, y el siempre elegante y pretencioso Wilson contestó: “Creo que cuando cubrieron la muerte de Hendrix no le dieron la importancia debida. Tal vez para ustedes no importe, pero para la cultura de la que yo vengo Hendrix es una persona muy importante y deberían haberle dado ese lugar y no tratarlo como algo de la contracultura que puede parecerles amenazante”. El trabajo era suyo. Para mediados de los 70’s era el conductor del programa nocturno So It Goes. Después de esa pequeña dosis de contexto, regresemos al concierto de los Pistols… Entre los asistentes estaban Howard Devoto y Peter Shelley quienes formarían inmediatamente a los Buzcocks, así como Peter Hook y Bernard Summer quienes más tarde fundarían Joy Division y después New Order. Todos los presentes fueron conmovidos profundamente por la agresividad y actitud de los Pistols, pero fue probablemente Tony el mas afectado. En ese concierto tuvo una epifanía, el mundo tenia que cambiar. La revolución cultural estaba a la vuelta de la esquina. La primera temporada de So It Goes cerró con los Sex Pistols. El programa se convertiría en el único espacio para
El punk permitió decirle “Fuck you” a la sociedad, a la moral, bueno a lo que se pusiera en frente. Pero eso sólo fue algo liberador, como un grito cultural que cuando termina y regresa el silencio hay que decir otra cosa. El punk decía “estamos enojados” pero había una banda que decía algo más cierto, “estamos perdidos” y era Joy Division. “Factory Records no era un negocio, era un experimento social.” Tony Wilson
“Heaven knows, it’s got to be this time…” Como bien saben, Ian Curtis se suicidó en 1980 justo antes de la primera gira de Joy Division por E.U., el resto de los integrantes siguieron juntos y crearon New Order. Rob Gretton (su manager) era socio de Factory Records, así como Alan Erasmus y Peter Saville, el diseñador encargado de las portadas de Joy Division (y la mayor parte del material visual de Factory). La disquera estaba inspirada en la hedonística ideología establecida por Andy Warhol en los 60’s y de ahí tomaba su nombre. “Firmamos a las bandas que nadie más quería y hacíamos que vendieran millones de discos”, decía Tony. En un principio lo hacían muy bien, eran el grupo de personas más cool en el planeta Tierra pero unos idiotas en el mundo de los negocios. Factory Records no hacia marketing, generaban hype a base de lo mítico que parecían sus artistas. Que Tony Wilson fuera un genio que podía pasar por un bufón quedaba claro en casos como Blue Monday, canción de New Order que a
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rian Eno dijo: “Sólo mil personas compraron el primer disco de The Velvet Underground, pero cada uno de ellos se convirtió en músico”. Había sólo una docena de espectadores en la uíltima cena y cada uno de ellos se convirtió en evangelista, Arquímedes estaba solo en su tina cuando gritó el famoso “eureka”. Sólo había cuarenta y dos personas en la primera tocada de los Sex Pistols en Manchester y cada uno de sus asistentes saldría de ahí a cambiar el mundo de alguna forma. Uno de ellos, no era ni artista ni líder de masas, sin embargo cambió la historia de la música para siempre, vamos, ni siquiera era el protagonista de su propia historia pero fue el factor más importante en la vida de muchos, su nombre era Tony Wilson.
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por: Alberto Castro
La idea de crear una banda de rock es común desde hace ya varias décadas. Ver cómo los Beatles y los Rolling Stones pasaban de ser músicos a convertirse prácticamente en deidades, hacía que los músicos soñaran con tan siquiera una pequeña parte de esa atención para su obra. En los 70’s existió una explosión musical y social representada por el movimiento punk, bandas como los Sex Pistols y The Clash se estaban haciendo escuchar en todos lados, y la gente les ponía atención. Para cualquier músico que viviera en esa década en Inglaterra parecía lo más indicado seguir estos mismos pasos. En el Londres de 1976, Gordon Sumner, bajista de jazz quien era conocido en los bares de este género bajo el sobrenombre de Sting, el baterista Stewart Copeland y el guitarrista francés Henri Padovani forman un trío para subirse al carro del punk que recorría con éxito el Reino Unido. Parecía lo correcto ya que los tres compartían los ideales del movimiento y pensaban que sólo así la gente también escucharía lo que ellos tenían que decir. En cuestión de meses grabaron Fall Out, su primer sencillo bajo el sello independiente IRS (International Record Syndicate), sello fundado por Miles Copeland (hermano de Stewart), quien también era su manager. Sencillo en el que la guitarra fue grabada enteramente por Stewart, debido a la técnica tan limitada de Padovani, quien no podía llegar al nivel que tenían los otros dos miembros de la banda; eso se iba a convertir en la primer piedrita en el camino. En esta época Sting y Copeland conocieron a Andy Summers, un guitarrista y músico de sesión experimentado quien ya había desfilado por las filas de bandas conocidas como The Animals y Zoot Money. Un par de ensayos para ensamblar un tributo a Gong fueron
suficientes para que Sting lo invitara a ensayar con la banda, y rápidamente a unirse a ella. El contratiempo se resume a que Copeland deseaba mantener el estilo punk de la banda, género que Sting ya odiaba debido a las limitaciones estructurales que no lo permitían desplegar sus capacidades. El interés del bajista por mantener a Summers en la banda ocasionó un conflicto digno de cualquier reality show con Padovani. Sin embargo, Stewart tenía dudas ya que Andy provenía de una corriente “enemiga” al punk, siendo un músico con basta técnica y experiencia, mientras que Padovani tenía los ideales y actitud punk, pero era bastante limitado en su forma de tocar. Las fricciones entre los guitarristas iban en ascenso, peleaban por los amplificadores, por las partes de las canciones, prácticamente por todo, esto hasta que Summers dio a Copeland y Sting un ultimátum: se quedaría en la banda sólo si él era el único guitarrista. La historia se encargó de demostrar que la decisión que tomaron fue la correcta y a partir de ese momento el trío quedo conformado por la alineación que los hizo leyenda. El siguiente problema que los abordó (que en realidad es uno que cualquier banda le gustaría tener) fue que eran demasiado buenos y su música muy compleja para tocar en los lugares acostumbrados para el punk. La buena noticia fue que su anterior grabación con IRS les ayudó para que la disquera A&M (dependiente de Universal) escuchara su material y los buscara para grabar un disco. Durante esa época viajaron a París para actuar en el club Nashville, pasaron su estadía parisina en un viejo hotel, Sting gastaba el tiempo mirando a las prostitutas que trabajaban cerca de la esquina, y en ellas se inspiró para escribir una canción llamada Roxanne. En 1978 The Police lanzaría su disco debut Outlandos D’Amour, éxito en toda Inglaterra y Europa. Es aquí donde más que decir que tuvieron sus primeros grandes éxitos con canciones como la misma Roxanne, So Lonely, o Can’t Stand Losing You, es justo decir que con este disco The Police presentó al mundo un nuevo género, el New Wave. No decimos que fuesen los inventores, pero sin duda fueron el punto de partida y los más grandes representantes del género, el cual nacía a la par del desvanecimiento del punk (al menos en la superficie).
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n la vida, como en las bandas de rock, siempre se tienen grandes expectativas de lo que se puede lograr. Tomas los elementos de tu entorno para crear algo que con suerte pueda dejar huella. Pero ¿qué pasaría si estos elementos te dan para llegar más allá, y lo que querías lograr queda muy atrás, te conviertes en pionero y eres ahora la influencia y el elemento que tomará la siguiente generación para tratar de lograr algo? Esto es lo que sucedió con un trío de Londres llamado The Police.
UNA TARDE CON
THE VACCINES
Wreckin Bowling (blah, blah, blah) por: Rocco Portillo Fotografía: X/O
Este compromiso es un poco peculiar, “vamos a jugar boliche con los Vaccines”. Ellos se presentarán en la noche y hemos conseguido que la sesión de fotos y la entrevista sean en un lugar más divertido e interesante que una habitación de hotel, y será en uno de esos lugares que tanto amaba el señor Lebowski. Obviamente como no somos un emporio editorial, este tipo de privilegios tienen que ser compartidos y estaba acordado que The W Music Project y Lifeboxset nos acompañarían en esta interesante tarde de jueves, ambos proyectos son digitales, conocen los trucos de las redes sociales mejor que muchos, están acostumbrados a los videos y las fotos publicadas en cuestión de segundos. Nosotros somos más arcaicos, más “old school”. Como decía, el cambio de locación puede significar llegar tarde. Llegar tarde significa que me estreso mucho, casi como una señora gruñona. Lo sé, nada punk de mi parte. Después de muchos gritos y esquivar el caos de esta bella y sucia metrópoli, llegamos al destino. Como era de esperarse, llegamos a tiempo y nos indican que la banda va “un poco” atrasada, el tiempo que tenemos es para acomodar las luces y ponernos de acuerdo entre los tres medios sobre la logística de las entrevistas. Como es un formato especial sólo tenemos una hora con la banda, tenemos que hacer fotos y entrevistas para los tres medios en esa hora. He ahí la razón de usar comillas para decir: “Vamos a jugar boliche con los Vaccines”. Ellos tirarán unos cuantos tiros pero serán incapaces de llevar un marcador, nosotros venimos a trabajar, a tomar fotos y hacer las entrevistas lo mas rápido posible para que los chicos londinenses lleguen a tiempo a su soundcheck. Un pequeño detalle: “las entrevistas serán en video1. Después de varios (muchos) minutos la banda llega. Los primeros en subir las escaleras son Freddie Cowan, Pete Roberston y el manager de la banda; el sonriente Freddie lo primero que hace es quitarse la chamarra y mostrarnos su camisa de boliche que dice The Vaccines en la parte trasera. Los muchachos se notan bastante emocionados por jugar, lo que hace que el ambiente sea mucho más relajado. Es increíble que a pesar del cansancio que representa la vida en tour, los músicos estén con la energía para hacer estas cosas, es entonces cuando se demuestra que tienen el mejor trabajo del mundo. Justin Young y Árni Arnason nos alcanzan y, después de ponerse de acuerdo, comienzan a jugar. Los flashes inundan el boliche. The Vaccines es una banda bastante joven, su primer disco salió en el 2011 y rápidamente inundaron la prensa internacional y los reproductores digitales de los jóvenes. Su sonido punk rock es, a falta de un mejor término, divertido. Las letras de Justin Young reflejan la ansiedad de la adolescencia y ese
inestable amor que se siente cuando eres menor de edad, digo todo esto como un halago. En el universo del rock hay dos tipos de bandas: A) aquellas que crecen con su audiencia, es decir bandas como The Beatles, Radiohead o Bowie, que comienzan su carrera cantando sobre temas juveniles y al madurar como personas su trabajo evoluciona con ellos y los conceptos de su música no vuelven a ser los mismos, cada disco es diferente; y B) grupos que están ahí para una etapa en la vida de todo fan, aquellas que son obligatorias de la adolescencia o de la madurez, pero que encapsulan sentimientos de la vida de un hombre por etapas. En este segundo tipo están bandas como: Led Zeppelin, Guns n’ Roses y Los Ramones entre muchas otras. Bandas que marcan la vida de muchos, pero que con el pasar de los años se quedan en el recuerdo de la música que escuchabas cuando eras más chico. Aún es muy pronto para decir si los Vaccines entran en la primera o en la segunda categoría, pero al parecer están más inclinados a la segunda. El grupo sigue jugando boliche con las reglas tradicionales, los medios jugaremos con otras reglas: cada una de las tres entrevistas será grabada en video, la banda se dividirá en parejas para contestarlas, cada medio con su representante jugando el papel de VJ de MTV en los 90’s. Claramente yo soy el encargado de Sabotage y no estoy cómodo con la idea de estar frente a la cámara. Pero si estas son las reglas, hay que jugar. Justin (Voz) y Árni (Bajo) son los que nos toca entrevistar, elegimos la dulcería del establecimiento y me siento en la barra, posición equivocada ya que la interacción se ve un poco rara frente al lente de la cámara. Cada uno de ellos se coloca a mi lado detrás de la barra, Justin no suelta su Coca durante la entrevista. La cámara cambia mucho la dinámica de una entrevista, el tiempo es más reducido y por ende no se puede ahondar tanto en los temas. Antes de que se comience a grabar les pregunto cómo van en el juego: “Horrible, mis mejores tiros han sido puntos para alguien más”. Como van cambiando los turnos a raíz de las entrevistas, no pueden disfrutar el juego tanto como quisieran. ¿Qué esperan de los Vaccines? Les pregunto haciendo un bobo juego de palabras con el nombre de su primer disco (What do you expect from the Vaccines?). “Algún tiempo para dormir”, contestan ambos rápidamente, es ahí cuando vuelve a salir a la superficie que a pesar de lo divertido que puede parecer, ser un músico sigue siendo un trabajo. La vena punk que tienen los Vaccines es bastante clara. Con el pasar de los años el termino punk ha sido masacrado y honorado infinidad de veces, no estoy seguro si actualmente exista algo realmente “punk” pero, ¿para Young qué es? “No es sobre lo que tocas, es más sobre ‘cómo’ lo tocas, tiene mucho más que ver con la convicción que con el talento o cualquier cosa. Fui a muchos conciertos así cuando era un adolescente, y eso es lo que amaba de las bandas. Lo único que separa a una buena banda de una mala es lo que está por debajo de la imagen.” Contesta mientras le da otro sorbo a su refresco.
Nota al lector: como ya habrá notado, la crónica está enfocada al detrás de cámaras y no tanto a un análisis sobre los Vaccines, la entrevista en forma está en algún lugar de la red. Le sugiero no se fije en mi nervio frente a la cámara. Por suerte hay más entrevistas de la banda.
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ubo una vibración en mi pantalón, había un problema y teníamos que cambiar de locación, “ anuncia la pantalla de mi inteligente teléfono. Resulta que tendremos que cambiar de boliche, está en la misma zona, pero en la ciudad de México un cambio de locación puede significar que llegues exponencialmente tarde a cualquier compromiso.
¿Pero de verdad existen los géneros como antes? ¿No será que los géneros son cada vez más una herramienta imaginaria para seguirnos definiendo? “Creo que son algo obsoleto, personalmente no conozco a nadie que escuche exclusivamente música de un genero. Siguen saliendo todos estos nuevos nombres para etiquetar cosas”, contesta Ernie y Justin interviene: “Las mejores bandas de la historia no se preocupan por un genero, siguen cambiando”. (Al final de cuentas, tal vez los Vaccines quieran entrar en la categoría “A”). Le comento a Justin que anteriormente él había dicho que
estaba a favor de bajar música en internet. “Bueno, no es que esté a favor –me contesta–, pero me molesta cuando las bandas se quejan sobre el tema, hay muchas maneras de hacer dinero en la música y hay personas que no tienen el ingreso suficiente para pagar por la cantidad de música que quieren consumir.” Otra de las cosas que han marcado la joven carrera de estos londinenses es el hype que tuvieron con su primer disco. Incluso antes de su lanzamiento, los medios británicos los tomaron como nuevos estandartes y la expectativa frente a la banda creció de una manera impresionante. Como todas las cosas que
5 47 generan esta extraña criatura llamada hype, el efecto fue bueno en proyección pero para algunos no cumplió las expectativas. “Es un arma de doble filo –contesta Justin–, te pone en el microscopio, lo que suma bastante presión, pero también ayuda a que saques lo mejor de ti.” Terminando la breve entrevista corro al exterior del establecimiento para fumarme un cigarro y justo detrás de mi sale Árni con el mismo objetivo. Le digo que me disculpe si fue un poco rara la entrevista, pero que no soy el tipo de reportero que le guste estar frente a la cámara, me dice que no me preocupe
que a ellos tampoco les gusta pero tienen que hacerlo, y que no se dio cuenta de mi falta de experiencia en el formato. Me pregunta por Guadalajara, ya que al día siguiente tocarán ahí, le interesa saber si la gente de allá es buena audiencia y si es una ciudad grande, a ambas dudas le contestó que sí. Es obvio que ambos nos sentimos mejor con la cámara apagada, tal vez fuera un poco mejor que habláramos sin ella de por medio. Pero aunque el boliche fuera parte del trabajo de ambos este día, no nos podemos quejar, ambos tenemos trabajos que nos permiten vivir de la música, aunque a veces tengamos que hacer sacrificios.
cuarenta y ocho
por: Andrea Paz
Los abuelos tienen Viniles, nuestros padres Cassettes y CD’s, nosotros MP3. Pero el objeto más representativo de la cultura pop creado en 1888 ha vuelto para coronar a “verdaderos fans” o para darle el título de hispters a quienes preferimos la fidelidad del LP.
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Mi padre era un melómano y él también me hizo descubrir grandes cosas, estaba bien, aprendí mucho y me impresionaba la cantidad de discos que tenía, aunque para ser sincera escuchar acetatos era mucho mejor, el sonido se notaba expandido, era más claro, definido, limpio, cada nota era fiel. El crujido que se escuchaba en el fondo me hacía sentir que con sólo cerrar los ojos estaba en el estudio donde el sueño de una banda o solista se materializó. Sentirme parte de eso no tenía precio, no importaba que el disco hubiera sido hecho muchas décadas antes de que yo naciera. Era la década de los 90’s y tal parecía que el acetato estaba muerto, y técnicamente era así desde 1985. La practicidad de llevar un CD de un lado a otro funcionaba bien. Y ni qué decir de quitar el celofán y sacar el booklet para aprenderte todas las canciones, sí, acepto que era divertido. Jamás he visto al CD como el malo del cuento, sólo como una solución a la evolución material. Es obvio que a todos nos ha gustado que los tamaños se reduzcan para facilitarnos la vida y la movilidad, pero seamos sinceros: escuchar tu canción favorita en MP3 es como comprimir todos los sonidos en algo que ya no podemos ver ni tocar, los bajos no suenan igual, ni la batería, ni siquiera la voz, es como si cada elemento estuviera compitiendo por no ser expulsado de un elevador en el que ya no cabe nadie más. Entonces, si estamos en una época en la que la practicidad lo es todo ¿por qué los músicos lanzan sus materiales también en formato de 45 revoluciones como un incentivo para que el fan lo compre? ¿Qué es lo que hace que ese enorme disco negro haya regresado cubierto por una estela de magia? El vinil se ha convertido en una pieza romántica y las tornamesas en objetos que poseen aquellos entes que de verdad gozan de la música y quieren atesorar eso que su banda favorita les ha entregado. Quizá la respuesta a este fenómeno de
comprar ediciones especiales en gran formato se debe a la necesidad estética y física que tiene cualquier ser humano, la necesidad natural de materializar un recuerdo. Supongo que es un bello acto a las futuras generaciones, heredar ese tipo de cosas es algo invaluable; y sinceramente no creo que alguien esté haciendo una biblioteca virtual con la intención de dejarla a sus hijos, pues es probable que esos hijos vean al MP3 como algo obsoleto, ya que seguramente habrá nuevos programas de reproducción y nuevos formatos. Neil Young ha complementado esta teoría explicando el por qué el LP con el paso del tiempo se ha confirmado como un gran invento musical, dice más o menos así: Lo más importante reside en la naturaleza del sonido, y sólo después en la calidad del soporte. El sonido de un disco de vinilo es analógico desde la fuente hasta la salida, no experimenta cambios de onda, en cambio al convertirlo a digital para un CD la información sonora al salir se debe convertir nuevamente en analógica y para ello se reducen las curvas originarias a un sistema binario (0,1) con lo que se pierden matices, es bastante simple. En pleno 2013 vivimos en una especie de “Yo soy más fan que tú porque…” y vienen miles de razones, porque me sé toda la discografía de X banda, sé en dónde fue grabado el disco y quiénes lo produjeron, sé las historias alrededor de la producción, y sobre todo se es fan porque tiene un LP con B sides que pocos han escuchado. Entonces poseer un LP le da una estocada perfecta al “Yo sí soy fan de verdad”. En realidad nada de esto importa, el tenerlo o no es algo que no puede asegurar el fanatismo, lo único y más importante que confirma es que eres alguien que aprecia la música. Es tu forma de agradecer a la industria que te haya devuelto el placer de escuchar tu canción favorita e incluso tocarla y saber que en efecto, está ahí en esos bordes que se sienten a lo largo de las líneas grabadas. Hace poco un buen amigo me regaló el Lodger de Bowie, la sensación de felicidad de poder tocarlo y olerlo es indescriptible. Me volví a sentar junto a la tornamesa como cuando tenía 6 años, sólo que ahora ya no uso vestidos floreados y calcetas con olanes, ahora las canciones toman un significado más adulto. Cuando cerré los ojos parecía que David cantaba junto a mí, quería abrazar el tocadiscos como si lo abrazara a él, pero Bowie obviamente no estaba ahí. Un vinil no es un regalo de millones de pesos (aunque no dudo que haya ediciones que tengan ese precio), pero justo ése es el mejor que he recibido en toda mi vida. Yo no obtendré como herencia casas, coches o fortunas de dinero, pero saber que la colección discográfica de los abuelos será completamente mía me conmueve hasta las lágrimas, el precio de la historia ahí conservada nunca podría ser valuada. Fans o hipsters, no importa, la realidad es que el consumo desde el 2005 del artístico formato del LP ha incrementado su venta de forma exponencial, las tiendas que los venden ven su momento de esplendor. Y aunque haya mejores tiempos por venir, la nostalgia se hará presente; podemos insertar aquí el lugar común de: Los clásicos nunca pasan de moda.
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Y
o nunca fui a campamentos de verano, si mis padres querían deshacerse de mí en las vacaciones sabían que bastaba con dejarme en casa de los abuelos. Los días allí eran como un sueño, pero indudablemente las tardes eran el mejor momento del día. A las 6 p.m. en punto la abuela servía té y galletas, el abuelo sacaba un vinil y lo ponía en el tocadiscos, su elección era todo un misterio, las ansias de escuchar algo nuevo cada día era mejor que abrir un regalo en Navidad. La cantidad de LP’s que tenía me tranquilizaba, porque aseguraba mi visita durante muchos veranos. Michael Jackson y su Thriller, David Bowie y Let’s Dance, Springsteen con Born To Run, los Stones con Sticky Fingers y otros tantos títulos más habitaban ese enorme librero. Regularmente me sentaba en medio de mis abuelos, pero si el disco que corría era particularmente de mi agrado prefería sentarme junto a la tornamesa, esa era mi forma de decir que eso que escuchábamos era fenomenal. La primera vez que me senté junto a la tornamesa, la recuerdo perfecto, fue cuando el abuelo puso la aguja en Abbey Road, los Beatles me gustaban, sí, pero cuando llegó el turno de Something no podía creer la armonía tan perfecta que de ahí se desprendía.
el álbum
RAM NES RAMONES HEY HO, LET’S GO!
cincuenta
Por: Luis Palmeros
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En 1976, con siete días y menos de 6,500 dólares, la banda punk más pop de la historia grabó su primer disco. El debut homónimo es el sueño húmedo de ese antisocial compañero de escuela, el que no se lavaba el pelo y parecía odiar a todas las instituciones, pero a pesar de eso, lo único que quería era un poco de romance en su vida. La música es rápida, los minutos escasos, y tanto los acordes como las letras son estúpidamente simples; ese, es el legado de los Ramones. Los primeros 20 segundos del álbum consisten en el riff más famoso de la banda. A la primera reproducción de Blitzkrieg Bop es fácil darse cuenta que ésta es el origen de todo el punk rock/pop que sonaba en la radio de los 2000es. El fuego de The Ramones baila con naturalidad sin cambiar de estado, canciones como Now I Wanna Sniff Some Glue y 53rd & 3rd pasan como momentos de una fiesta/concierto en la casa de tu mejor amigo, sin pausas o cordialidades, y sin que te des cuenta la fiesta termina y el fuego se esfuma, pero las brasas se refugian dentro de ti, son las que te impulsan a levantar un instrumento o a gritar “Hey Ho, Let’s Go!”.
El legado de este disco es claro. Julian Casablancas podría apellidarse Ramone, miembros de Green Day han bautizado a sus hijos con los nombres Joey y Ramona, y una infinidad de bandas suenan a ellos. No es ningún misterio, el primer material del cuarteto estadounidense es el punk rock 101 por excelencia. Es la introducción a un sonido que creció y evolucionó en proporciones industriales. Si en un concierto del género le preguntáramos a un fan joven con jeans rotos y ampollas de guitarrista en los dedos cuál fue la primer canción que se aprendió, su respuesta sería: una de los Ramones. La simplicidad que abunda en los menos de 30 minutos que dura el debut es tan fácil de digerir, como es de emular, y esto provoca que el disco cree conexiones tan fuertes e inmediatas; es una fuente histórica de inspiración. Ramones cierra con Today Your Love, Tomorrow The World, ningún otro título de cierre hubiera sido más adecuado.
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Después de 37 años de lo que para muchos es el primer disco de punk rock, el ritual de concierto no ha cambiado. Chamarras de cuero, unos tenis desgastados, predisposición para sudar y codearse con otros fans, hambre por coros sencillos y, lo más importante, una playera con el logo de tu banda favorita. Un común denominador en el 80% de los conciertos de rock son las playeras negras con el logo de los Ramones. El águila americana rodeada por los nombres de cuatro neoyorquinos: Johnny, Joey, Dee Dee y Tommy. El ícono es una sátira del escudo estadounidense, un rechazo; entendido y apropiado por “concert junkies” alrededor del mundo.
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Agujas, DJ Sets y socialité musical por: Andrea Paz
cincuenta y cuatro
Fotografía: X/O
ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III
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Las primeras apariciones de Ink.Inc. en público fueron en la última edición del Festival Vive Latino, Cráneo fue invitado a tatuar por 4ta ocasión y Meketrefe se encargó de cerrar el escenario Hospitality uno de los 3 días. Desde ese momento han sido recibidos de manera grata, al igual que los involucrados en este escaparate artístico como el DJ Gran Karim y Wachavato, famoso diseñador gráfico que hace colecciones de serigrafías de edición limitada de venta en el estudio. “Creo que lo del VL fue un gran detonador para la presentación, es como un ‘Hola qué tal, hemos vuelto’.”
Poco a poco los tatuajes han dejado de ser estigmatizados como símbolos denigrantes, por lo tanto quienes se dedican a este tipo de arte comienzan a ver su forma de vida como un negocio y sobretodo como una industria que puede empezar a ver la luz. Es así que en el D.F. entre Mr. Cráneo, uno de los tatuadores más reconocidos en el país, y Meketrefe DJ, productor e ingeniero de sonido, han creado Ink.Inc. Una plataforma artística que pretende ser una nueva escena emergente en la ciudad.
Para llegar a Ink.Inc. sólo hay que contactarlos a través del teléfono 65455137 o al mail quierountatuaje@inkinc.tv. Es un estudio privado, sí, pero todos están invitados, porque al final del día Cráneo es un artista, no un simple tatuador. La gente que los visita se va con algo único y original, algo bien pensado que la gente pueda valorar y no sea visto como algo de ocasión.
Ya han pasado 3 años desde que Meketrefe y Cráneo se asociaron para abrir un estudio de tatuajes, luego de eso “Meke” se fue a NY y Cráneo siguió con el estudio. En NY, Meke comenzó a tener influencias de gente del Street Art, de tatuadores, de un estudio de grabación en Brooklyn, y todo esto fue adaptandolo para traerlo a México. A su llegada comenzó a trabajar en un estudio con los Molotov y afortunadamente el trabajo llegó a él casi por sí solo. Para entonces el destino les jugaría una carta inesperada, casualmente Cráneo tuvo que dejar el local en el que había estado desde hace años; Ink.Inc. apareció en el camino. Con casi 4 meses de ser un proyecto formal, sus dos fundadores –entre otros miembros– lograron crear un estudio privado de tatuajes, música y arte urbano ubicado en la Condesa. Este local fusiona Live Acts y DJ Sets con sesiones de tatuajes, o sea que mientras te hacen el tatuaje soñado puedes ver y oír el acto de algún artista nacional o internacional en las tornamesas del lugar. Esta casa vintage que alberga música, diseño y arte le da la oportunidad al mundo del tatuaje para que sea visto con respeto, Meketrefe nos cuenta: “La mayoría de los lugares en los que se hacen tatuajes están sucios o desorganizados, no hay un trato amable, los tatuadores no están en óptimas condiciones o no hay la confianza de preguntar cómo se te va a ver o qué no te gusta, o que lo modifiquen tal y como tú quieras. [Este trabajo] es toda una responsabilidad porque es algo que vas a portar por siempre en el cuerpo, y hay muy pocos profesionales. Y aunque una persona tenga en mente tener 40 tatuajes, por lo menos nosotros queremos comprometernos a que la primera vez sea una experiencia agradable, y tener un buen recuerdo de quien te lo está haciendo.” A eso agrega que en nuestro país existe mucho talento pero, como no hay una seriedad en el trabajo, no pueden verse como empresarios visionarios.
Meke está actualmente en la producción de diferentes proyectos musicales, recientemente hizo un remix para el último sencillo de Quiero Club y está en planes de algo llamado Live Acts y DJ Sets, cápsulas aproximadamente de 56 minutos pensados para géneros emergentes con un formato de grabación diferente al de la TV, para todo esto ya tiene un line up de 32 confirmados. “Ink.Inc. también puede ser visto como una oportunidad de negocio para quienes les gusta el arte y quieran ser parte de la empresa que rompe estigmas. Hay quienes no se adaptan a los sistemas de la escuela pero son capaces para otro tipo de cosas y si ponen empeño pueden lograr grandes cosas a través de nuestro proyecto. Queremos crear una escena emergente.” Así que debemos estar al pendiente porque próximamente se abrirán una especie de vacantes para aprendices o para quienes estén interesados en hacer música, para que se den cuenta de que aunque parezca complicado, con los conocimientos necesarios y unos cuantos aparatos, se pueden hacer cosas impresionantes. Se pueden mandar propuestas y si tienen la oportunidad de mejorarse o impulsarlas son bienvenidas, todas serán valoradas y si van de acuerdo al perfil del estudio se tomarán en cuenta para futuros proyectos. Los seguidores para este estudio siguen aumentando porque están conscientes del valor que tiene este trabajo. Aquí se rompen paradigmas pues en Ink.Inc. todos son bienvenidos, aquí todos los perfiles socioculturales encajan a la perfección.
Creo que lo del VL fue un gran detonador para la presentación, es como un ‘Hola qué tal, hemos vuelto’.”
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n 1991 se encontró una momia del siglo II d.C. dentro de un glaciar de los Alpes austro-italianos con 57 tatuajes en la espalda. A la momia se le conoce como el Hombre de Hielo o como Ötzi, y es el cadáver humano con piel más antiguo que se ha encontrado. Es además prueba que desde tiempos remotos el arte en la piel ha existido como símbolo de identidad y pertenencia –ya sea a un determinado grupo social o por pertenecer a sí mismo–. Hoy en día ver pieles con diversas muestras de talento y con ideas cósmicas plasmadas en el cuerpo es algo cotidiano.
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MICHAEL
JACKSON por: Andrea Paz
sesenta y cuatro
Yo creo que los humanos también tienen capacidad de volar; el problema es que no sabemos concebir los pensamientos adecuados que nos permitirán levitar. MJ
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ener un título nobiliario en el mundo de la música no debe ser nada fácil, es necesario un temple de acero para que el monstruo de la fama no te envuelva y acabe por convertirte en algo irreconocible, irreconocible como persona y como artista. El autocontrol tal parece no ser para almas mortales. El mundo rebozaba de emoción por ver después de casi una década a Michael Jackson sobre los escenarios. Alrededor de 50 fechas estaban totalmente agotadas para verlo en el Reino Unido y posteriormente en otras partes del mundo con su tour This It It. Apenas anunciaron tal acontecimiento Michael y su equipo comenzaron a prepararlo todo, un show que paralizaría al mundo, cada detalle sería perfecto, nada más habitaba la mente del músico. Corría el año 2009 y todo parecía funcionar como de costumbre, escuela, trabajo y estrés –cualquiera que sea el orden–, era un 25 de junio común y corriente, o al menos eso se pensaba hasta que se encendiera el televisor o se le dedicara unos minutos a cualquier vía de comunicación donde todo el mundo se enteraba de una fatídica noticia.
ambulancia que de ahí salía transportaba el cuerpo de Michael Jackson con dirección al hospital de la Universidad de California en Los Ángeles, al cual llegó en estado de coma profundo. Nadie podía creerlo, pero había pasado; familiares, amigos y fans no dejaban de llorar. Una sobredosis de Demerol era la teoría que circulaba por doquier pero era evidente que detrás de eso había un (decadente) cuerpo que sólo pesaba 51 kilos, con pastillas parcialmente disueltas en el estómago, con varias costillas rotas como producto de los extremos ensayos y rastros de inyecciones que le proporcionaban adrenalina a su corazón. Aquel exceso de medicamentos, falta de alimentación y ejercicio excesivo cobraron factura, provocándole un paro cardiaco, Jackson fue declarado muerto a las 2:26 p.m. Aunque siempre estuvo rodeado de personas (en su mayoría emocionalmente destructivas), nadie sabe a quién le perteneció la última sonrisa o la última palabra de ese hombre que desde pequeño fue un alma perdida de sonrisa tímida y mirada profunda, que se refugiaba en la música y el baile.
A las 12:21 p.m. el servicio de emergencia norteamericano 911 había recibido una llamada proveniente de Bel Air solicitando ayuda, un hombre estaba inconsciente. El doctor ahí presente intentaba reanimarlo sin éxito alguno, de pronto todo era un caos, nadie sabía qué pasaba o lo que vendría al momento siguiente, los nueve minutos que tardaron en llegar los paramédicos fueron el equivalente a una eternidad.
Fotos del cuerpo sin vida circularon por diferentes medios, la verdad es que todas fueron falsas, y desde entonces el mundo sigue expresando dolor y anhelo de volver a verlo sobre el escenario vestido de lentejuelas, sombrero, un solo guante y esos mocasines con calcetas haciendo el inigualable Moon Walk. Los programas especiales, discos de edición especial y ene cantidad de material sobre su trayectoria para “recordarlo” jamás serán suficientes. Él fue quien le dio vida al pop, él era el pop encarnado.
Casi por generación espontánea reporteros y fotógrafos se encontraban afuera de una mansión en Holmby Hills, la
29/08/1958-25/06/2009