Sabotage Magazine by Sabotage Magazine

DAVID LYNCH

MAX OLVERA

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eliz feliz no cumpleaños a ti, a mí. Hace un par de años comencé un proyecto con un grupo de personas en las cuales confiaba mi vida y futuro para poder crear una revista que no tenía nombre, estilo, ni nada. Así se presentó la oportunidad de no solo hacer una revista, mas bien de pensar en grande y por qué no, de tener una editorial. Es así que con mi gran amiga y socia Oyuki Aceves comenzamos un sueño que en este mes cumple un par de años el cual, si estás leyendo esto, es por que ya sabes a qué me refiero o lo conoces bien. Pero también es un mes de fiesta para México o para España, pues hace 521 años nuestro país fue invadido por unos extranjeros viajeros que estaban en busca de conquistar o colonizar la India y que por error se encontraron con este continente al cual durante años pudieron saquear y casi exterminar a su población inculcando nuevas costumbres y creencias. A partir de esto es que surge nuestra raza mestiza, la cual ha estado “dañada” por años y años de sumisión aunque me gusta pensar que las cosas están cambiando y nuestros muchachos jóvenes tienen en sus manos el cambio, creo que eso es realmente algo para festejar y al igual que Happy Freaks Editorial cumple sus primeros dos años. En hora buena.

coordinadora editorial andrea paz

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Sabotage Magazine, Año 2, No. 19, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora Pernas y CIA S.A. de C.V. Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo, C.P. 02300 Deleg. Azcapotzalco México D.F. Este número se terminó de imprimir el 28 de julio de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.

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DAVID LET TELL YOU

SHE’LL NEVER BE QUEEN DAVE HOGAN 1985

urante el Live Aid del 85 en el estadio de Wembley, Bob Geldof, que recordarán por su papel de Pink en The Wall, tiene una plática con el príncipe Charles y una “entretenida” princesa Diana. Mientras que en la fila siguiente otro tipo de nobleza tiene otra plática: David Bowie con Mick Taylor y Brian May de Queen.

Foto: Camilo Christen

ESTILO DE VIDA CULTURAL

Encuéntrala gratis en las sucursales de Café El Jarocho y más establecimientos.

@CM04100

GACETILLA

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ACETATO INÉDITO DE THE BEATLES

seis

La versión en acetato de un álbum inédito de L os Beatles será subastado el próximo 9 de agosto por Heritage Auctions. La placa no había salido a la luz por que según expertos los derechos de las canciones pertenecían a la disquera Vee-Jay en su totalidad. El disco titulado Best of the Beatles, es un compilado por Capitol Records como un set de dos LP´s, en los que se recopilaban los éxitos de la banda publicados por Vee-Jay y Capitol. El álbum estará certificado con una carta de autenticidad, firmada por Clifford J. Yamasaki de Let it Be Records en San Francisco. Además la subasta iniciará con la cantidad mínima de diez mil dólares.

MUERE

RICHARD MATHENSON El escritor estadounidense Richard Matheson, conocido por sus novelas de ciencia ficción como “I Am Legend”, “Real Steel”, “The Last Man on Earth”, entre muchas otras, murió el pasado 23 de junio, a los 87 años de edad en su vivienda a las afueras de Los Ángeles, California. Matheson tenía apenas 22 años cuando cosechó su primer éxito y 28 cuando publicó su primera novela: “Soy leyenda”. Poco a poco, Matheson se fue definiendo más como guionista de cine y es considerado uno de los mejores escritores de ciencia ficción en la historia.

S A Í B A ¿S ?

QUE

FESTIVAL CEREMONIA 2013 El próximo 14 de septiembre, en el Parque Ecológico Xochimilco, se llevará a cabo el festival Ceremonia, el cual contará con la participación de artistas como Animal Collective, Justice, Nicolas Jaar, Toro y Moi y Breakbot, entre muchos otros. En conjunto con INJUVE habrá transporte para los asistentes del centro de la ciudad al venue del evento como una acción ecológicamente responsable. Los precios de los boletos son de $750 general y $1,350 VIP.

El niño que representa el logo de Dreamworks es el hijo de Hunt William, pintor al que se le encargó el diseño.

DOCUMENTAL DE JIM MORRISON Before the end: Jim Morrison Comes of Age, es un nuevo documental que trata sobre la vida de Jim Morrison, el proyecto fue realizado por los cineastas Jess y Jeff Finn, quienes retratan la infancia y adolescencia del líder de The Doors. La cinta también reúne testimonios de familiares, amigos, profesores, el técnico de la banda Gareth Blyth y su hermano Andy Morrison. Before the end: Jim Morrison Comes of Age, se espera salga el próximo 03 de julio del 2014.

Los CDs fueron diseñados para contener 72 minutos de música debido a que esa era la duración de la novena sinfonía de Beethoven.

GACETILLA

NOVELA GRÁFICA DE WAYNE COYNE El vocalista de la banda The Flaming Lips, Wayne Coyne, presentó una novela gráfica titulada“The Sun is Sick”, dicho trabajo fue descrito por el músico, como una fantasía psicodélica a color, en forma de cómic clásico. “The sun is Sick”se estrenó en la pasada edición de Comic Con 2013, en San Diego y ya se encuentra disponible en la página oficial de la agrupación

FUCK BUTTONS AL CORONA CAPITAL Andrew Hung y Benjamin John Power, dueto de música electrónica es la más reciente banda agregada al festival Corona Capital que se llevará a cabo el próximo mes de octubre. La dupla inglesa cuenta con tres álbumes de estudio que han sido bien recibidos por el público y la crítica, se presentarán el segundo día del festival.

El guitarrista Slash estrenará su primera película de horror, producida por su compañía Slasher Films, el próximo mes de octubre. La cinta se titula Nothing to Fear y estuvo dirigida por Anthony Leonardi III. El filme está ambientado en un pueblo en Kansas, el cual de acuerdo a leyendas locales es una de las siete puertas del infierno. Se pretende lanzar una segunda película llamada Wake the Dead.

SMASHING PUMPKINS Ha salido a la venta una reedición extendida de The Aeroplane Flies High en la que hay temas con versiones exclusivas de la banda Smashing Pumpkins. El material está compuesto por más de 33 canciones y alrededor de 90 nuevas versiones como “1979” en acústico que es el primer single que sale a la luz. La reedición tendrá varios formatos como CD’S, LP’S, DVD’S y formatos digitales.

El instrumento musical más antiguo es una flauta de 20 centímetros tallada en hueso de buitre, encontrada al sur Alemania. Su antigüedad se calcula en 35,000 años.

a soledad más preocupante, es aquella que sentimos cuando estamos acompañados, nos sobra fatiga y en defensa de cualquier situación que requiera de un poquito de paciencia o atención, nos aferramos a cosas de menor importancia para no tener que pensar en NADA MÁS que en nosotros mismos. Invertimos más tiempo pensando en qué tuitear, en cómo saldremos taggeados en las fotos de Facebook y cuál filtro quedaría mejor para la foto de la vida que quisiéramos tener. Lamento romperles esta gran ilusión, pero la realidad es que pocos viven las vidas aparentemente “perfectas” que vemos en Instagram; sus playas con atardeceres impresionantes que nadie está disfrutando realmente por estar pensando en qué van a decir todos cuando vean “lo bien que la estamos pasando en un martes”. Las botellas de champaña y vino rosado, el yate del amigo del primo del cuñado, la vista desde el último vuelo que tomamos, el café de Starbucks, el plato de quesos y carnes frías, el postre, la clásica “selfie” en el espejo del baño y 350 hashtags #Por #Si #Nadie #La #Vio. Por si fuera poco, hablamos tanto por whatsapp que se nos olvida que estamos sentados unos frente a otros; sin embargo, nunca es suficiente porque siempre estamos presentes... pero invisibles. Es una presencia ausente en la cual la vida sólo requiere que contestemos un “¿sí, verdad?” de vez en cuando si alguien nos habla, mientras nosotros le sonreímos fielmente a nuestros celulares. Vivimos eternamente prisioneros de un “que me mande mensaje, pero por favor que no me marque”. O viceversa, “¿por qué no me ha marcado? Seguramente no le importo.” Y en el momento que menos lo esperamos, antes de poder pensar un segundo más en lo mismo, ya abrimos Candy Crush y pedimos vidas en otras redes sociales, cuando irónicamente la vida que se nos está derritiendo es la única real: la nuestra. Somos un mar de agua seca en la que nos ahogamos en el intento de ser “únicos”, cada día pareciéndonos más. En fin, ayer no salí, así que me voy porque tengo que revisar qué hicieron todos anoche, sin mí.

SLASH ESTRENA CINTA DE HORROR

OTRO NIVEL DE ENCANTADOR EGOCENTRISMO POR : ELÁN

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DISCOS

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DISCO DEL MES DEAP VALLY SISTRONIX

por: Rocco Portillo

i Jack White hubiera tenido un par de rebeldes niñas con Karen O podrían haberse llamado Deap Vally. Los genes están ahí, la guitarra, el garaje y los gritos; una bizarra versión de las chicas superpoderosas, pero siguen siendo más rudas que nosotros. Su álbum debut contiene varias canciones que ya conocíamos gracias a su anterior EP, así que no es sorpresa este disco, su furia y su enojo Lies y Gonna Make My Own Money son las que a primera escucha se ubican como highlights las dos resumen casi a la perfección todo lo que estas dos chicas tienen que decir: Una batería, una guitarra con distorsión, maquillaje, teen Angst y una carga fuertísima de hormonas. Si Sistrionix fuera un personaje sería el de Julia Stiles en 10 Things I Hate About You, feminista, intelectual y enojada contra el mundo. Una mujer independiente en toda la extensión de la palabra, un rock pesado y con riffs poderosos.

ocho

JAY-Z MAGNA CARTA -HOLY GRAIL

por: Luis Palmeros

El retorno del rey es penoso, busca apantallar una y otra vez, pero en la mayoría de los intentos, falla miserablemente, buscó llevar el Hip Hop al siguiente nivel por medio de colaboradores estelares: Justin Timberlake, Timbaland, Pharrell, Frank Ocean, Beyoncé, etc. Pero la mayoría de estos se encuentran en su cúspide creativa, mientras “Hovito”, no ha producido un buen testamento creativo en 10 años. Los colaboradores brillan, pero el flow de Shawn Carter (Jay-Z) es tan pausado y despreocupado que al final del día, no parece estar diciendo mucho, y lo poco que dice no es interesante. Es un disco plano, olvidable y algo forzado, como la carrera musical de Jay-Z post-2003.

TRIVIA Skullcandy

CRUSHER: LA NUEVA EXPERIENCIA MUSICAL DE BAJOS QUE PUEDES SENTIR! Crusher ofrece una experiencia sensorial de bajos únicos gracias a su tecnología “Dual Driver”. Equipados con los drivers Sensations55® ubicados en cada auricular proporcionan bajos atacantes mientras el Supreme Sound es subministrado por otro driver independiente, el REX40®, ambos diseñados exclusivamente por Skullcandy para adaptarse a las características de este innovador Audífono. Los drivers Sensation55® propiedad de Skullcandy no solo proporcionan que bajos que puedes oír… proporcionan bajos que puedes sentir. Sabotage Magazie en conjunto con Skullcandy te regalamos dos de estos increibles audifonos para que puedas escuchar y sentir tu música en cualquier parte que te encuentres busca las bases en : @sabotage_mag fb/sabotagemagazine sabotagemagazine.com.mx

por: Nena Mounstro

PET SHOP BOYS ELECTRIC

Mientras pasaban los años, pensábamos que les vendría mejor el nombre de Old Pet Shop Grandpas pero se han levantado de entre los muertos para decir que siguen siendo Boys y le enseñan al mundo cómo es eso de reinventarse. Desde el nombre sabes qué esperar, es una fiesta de serpentinas, bebidas de colores fluorescentes en una mansión con luces verdes y alberca, todo es muy lujoso y opulento. Es un disco atmosférico donde el talento que siempre los caracterizó se volvió a hacer presente para hacer un synth-pop más elaborado, hicieron lo que quisieron y suenan a nuevos. Te encuentras que una canción superó a la anterior, cosa que creías improbable. Salpicado de detalles con beats muy particulares hace que por momentos detengas todo lo que estás haciendo y les pongas atención.

por: Nena Mounstro

NEW ORDER LIVE AT BESTIVAL 2012

No se puede ser amigable con una banda que saca un disco en vivo por varias razones: los aplausos del público, los cortes de canción, los mini discursos que escuchas, quiebran el ánimo, rompen el hilo conductor de la concentración. En este Live at Bestival 2012 la única canción que remite a estar ahí es How Does It Feels donde de verdad escuchas a la gente medio prendida. Nos tenemos que hacer a la idea de que New Order es de esas bandas estáticas que ya no tienen magia, que ya no la quieren hacer, aunque verlos en vivo sí tiene su chorrito de experiencia única. Por honores, por cariño y por reconocimiento a los ingleses se queda en el cuadro de honor del remember y la forevereada. Por futuro, por cariño y por favor, vuelvan a hacer magia, que el truco más viejo del mundo ya es conocido por todos.

NoFm-Radio escuchas radio por internet

LE BIFF LE BIFF

Le Biff es un trío mexicano con un corto periodo de vida, sin embargo, su excelente debut homónimo suena a la transición que ocurre después de la misma. El EP contiene arreglos math rock con romanticismos que remiten, en momentos, a Foals. Durante su corta duración se presenta un sonido melancólico y moribundo, rock alternativo con una voz que carga muchos años y espera el final. Son estas características que facilitan el explicar la urgencia con la que canta Carlos Arteaga. Le Biff parece escapar de la muerte y sus fantasmas durante todo el debut, hasta que llega el último tema, 22 (Death) en donde toda esa energía que arrastran les alcanza y consume en una explosión de ruido y resonancias, para, inevitablemente, encontrarse con el silencio.

@nofm_radio

por: Luis Palmeros

O FM RADIO.COM

DAVID LYNCH THE BIG DREAM

6274-8323

por: Andrea Paz La segunda placa del cineasta no tiene referente alguno, no hay comparaciones, no tiene un género que prevalezca aunque lo más notorio es que es una composición exacta, obsesiva y cautivadora. Lynch ha encontrado otro lugar para la experimentación, ha hecho de la música un espacio en el que te lleva a un lugar inexplorado a través de sonidos poniendo imágenes en la mente… Imágenes que no sabías que existían. The Big Dream es turbulento, abrupto y desquiciante, un trabajo introspectivo en el que hay tanto que a cada escucha podrías encontrar algo nuevo haciendo su descripción casi interminable. Hay guitarras, blues, amplificadores, psicodelia oscura, ritmos lentos y cadenciosos que te absorben la energía, te quitan una parte de ti, de la mente y del alma.

TODO MENOS MIEDO

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LIBROS

EL DIVÁN

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por: Eunice Victorino

LAS TEJEDORAS DE DESTINOS GENNIFER ALBIN

EL FAVORITO

En un mundo lleno de retos e intrigas donde una joven controla los destinos de todos, menos el suyo, Adelice se ve forzada a cumplir con esta labor para mantener en paz y armonía la sociedad en donde viven las personas que más ama. La joven de dieciséis años tiene un secreto: sus errores son intencionados. Ser hilandera significa privilegios, riqueza y belleza eterna; y no sólo eso, también significa tener la facultad de bordar la esencia de la vida. Pero para ello hay que pagar un precio que Adelice no está dispuesta a asumir, puesto que deberá controlar absolutamente todo lo que las personas son: lo que comen, dónde viven, cuántos hijos tienen…A partir de ese momento, dejará de tener control sobre su vida y pasará a convertirse en un instrumento más de la omnipresente Corporación. Sin embargo, una vez dentro, el poder de Adelice irá creciendo mientras aprende a manejar su don y a decidir en quién confiar, a quién vigilar y a quién amar SANGRE EN EL OJO LINA MERUANE

diez

La protagonista de esta historia es Lina Meruane, quien basó la novela en la experiencia propia de perder temporalmente el sentido de la vista. El accidente oftalmológico que ciega a Lina ocurre mientras se encuentra en un punto decisivo en su vida, la mudanza de Santiago de Chile a la ciudad de Nueva York. El relato transmite efectivamente la frustración resultado de tener que adaptarse, de tratar de conciliar los otros sentidos que han sido agudizados con la memoria de una imagen. Más allá de los problemas cotidianos que supone la pérdida de un sentido, la nueva situación propone a Lina retos que involucran la relación amorosa que sostiene. La vulnerabilidad y dependencia que trae a la relación amorosa la ceguera de uno de los cónyuges obliga a ambos a replantear las preguntas que originaron la relación que sostienen.

NOVEDADES

MIRE AL PAJARITO KURT VONNEGUT Esta colección de cuentos inéditos de Vonnegut, resultó un recordatorio de la gran pérdida que significó para la literatura la muerte del escritor estadounidense. Los catorce cuentos reunidos en “Mire al pajarito” resultan perfectas viñetas de la vida en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial; Vonnegut relata con el humor que le caracterizó al final de su carrera, las historias de genios de preparatoria, oficinistas rechazados y donjuanes de poca monta quienes luchan con las nuevas tecnologías y los nuevos límites morales de una sociedad al borde de un cambio. Aunque las historias van desde el romance hasta el misterio, cada una contiene el distintivo estilo ácido, irónico y satírico que caracteriza a Kurt Vonnegut

EL CLÁSICO

LA VIDA ES UN SUEÑO PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA Del Barroco español, surge “La vida es sueño” como una de las joyas de esta corriente literaria, al contener uno de los monólogos más famosos del teatro en el cuál la naturaleza misma de la vida es cuestionada. Es el mejor ejemplo de las características oníricas y fugaces de la vida, ideas que están profundamente ligadas con la concepción ideológica de la época. Calderón de la Barca juega con la línea que divide la realidad, la ilusión y la percepción humana con un lenguaje de gran belleza y nos hereda una de las obras teatrales más importantes de la literatura universal.

UE? Q S A ¿SABÍ

Alfaguara y Sabotage Magazine regalan 2 ejemplares de Las Tejedoras de Destinos, busca la dinámica en nuestras redes sociales durante este mes.

William Shakespeare es el autor que más veces ha sido llevado al cine ya que alrededor de 350 películas se basan directa o indirectamente en sus obras.

TEATRO

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1er ACTO

LA VOZ HUMANA

Foro Shakespeare Esta es una adaptación de Antonio Castro al texto clásico de Jean Cocteau de 1931, a través de un monólogo con la intérprete de la obra, el director Antonio Castro nos presenta esta versión que es “una especie de radiografía emocional de un personaje”, en la que se nos plantea cómo una mujer exitosa y con incidencia social transita por la brutal experiencia del desamor. Así vemos en el escenario a Karina Gidi, una mujer que lidia con esta experiencia y se desahoga de su agonía en el teléfono, debatiéndose entre la vida y el abandono: ¿Qué hacer, hacia dónde continuar, cómo re inventarse? ¿Existirá el futuro? Horario: Jueves 20:30 horas. Entrada general $250. Adolescentes y adultos.

ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, UNA NUEVA ALICIA

doce

La clásica historia de Lewis Carroll con un giro completamente distinto traído por la pluma de Frank Wildhorn y Gregory Boyd que nos presentan a una nueva Alicia casada y con una hija de 9 años quien no está a gusto con la vida que tiene. A punto de perder su matrimonio, Alicia cae en la conejera llegando al País de las Maravillas donde la Oruga, El gato y el Conejo blanco le enseñarán un par de lecciones de vida, la maldad también da un giro; una sensual mujer que amenaza la paz de este país llegando a tener de carnada a la hija de Alicia para poder acabar con ella. Sábados 17:00 hrs. y Domingos 12:00 hrs. Entrada libre. Todo público.

LA NOCHE DE SAN JUAN Foro La Gruta, Centro Cultural Helénico (Hasta el 18 de agosto de 2013) Dos caballeros pretenden intercambiar hermanas para así, al casarse, ahorrarse la dote. Pero ellas ya han elegido a sus propios maridos y deciden escaparse aprovechando el desorden de la noche de San Juan. Un clásico del Siglo de Oro traído a nuestros días con técnicas teatrales clásicas y contemporáneas gracias al dramaturgo Lope de Vega y la dirección de Ricardo Zárraga con música coral e instrumental en vivo. La puesta en escena conmueve describiéndonos las mismas pasiones y provocándonos las mismas carcajadas desde el siglo XVII hasta nuestros días. Horario: Domingos 18:00 horas. Entrada general $180. Descuento del 30% para estudiantes, maestros e INAPAM.

LA TRAGEDIA DE JULIO CÉSAR Centro Cultural del Bosque Obra escrita por William Shakespeare, probablemente en 1599 recrea la conspiración en contra del dictador romano Julio César, su homicidio y sus secuelas. A diferencia de muchos personajes principales en otras obras del artista género, César no es el centro de la acción, apareciendo tan sólo en tres escenas, y muriendo al comienzo del tercer acto. La figura más relevante de la historia es Bruto, y la trama gira en torno a la lucha psicológica entre las demandas en conflicto sobre el honor, el patriotismo y la amistad Jueves y viernes 20:00 hrs, sábados 19:00 hrs, domingos 18:00 hrs. Boletos: $150 general. 50% de descuento a estudiantes, maestros, afiliados al Inapam, Tarjetas Maestros a la Cultura y Sépalo. Jueves al Teatro todas las localidades a $30.

MI AMIGO MAX Teatro Orientación, Centro Cultural del Bosque Olivia, una niña de 12 años, cae un día en una coladera. Max, un viejo indigente, se ofrece a ayudarla pero ella lo rechaza porque el aspecto del hombre la atemoriza. Sin embargo, la necesidad la hace aceptar y poco después descubre que su salvador tiene habilidades mágicas. Así da inicio una estrecha amistad que vence las dificultades y abre los ojos a Olivia y la ayuda a entender que las cosas no son lo que parecen. Un día Max debe partir para siempre pero ha dejado una huella imborrable en el corazón de su pequeña amiga. Horario: Sábados y domingos, 12:30 horas. Boletos: $80 general. 50% de descuento a estudiantes, maestros, afiliados al Inapam.

CINE

7ºARTE newsletter

QUE NUNCA FALTE…

por: Rodrigo Prieto

KICK-ASS 2

Ese día en donde tienes que hacer fila para algo. Aunque México debería de ser el país de “hago fila porque me gusta no porque tenga que hacerla”. Es increíble ver a personas que aun teniendo boleto numerado para entrar al cine siguen haciendo fila, como en los tiempos de Arturo y los Caballeros de la Mesa Redonda. Ni qué decir de un avión a la hora de abordar. La gente se forma para ir pasando, como si fuera microbús y no alcanzaras lugar si no subes primero. Así que cada vez que veo este comportamiento anormal me dan ganas de levantar el puñito al cielo y gritar ¡está numerado su boleto, por qué se forman! Y lo peor es ¡¿por qué me hablan mientras estamos esperando?! En el banco, en Hacienda, en una sala de espera, donde uno puede ser víctima de esos platicadores solitarios y la situación se agrava cuando por esas pláticas vacías a mí me retrasan en el tiempo. Los servicios en México se eternizan por las pláticas tontas. Pareciera que los cajeros, los de atención a cliente, los servidores públicos también tuvieran un cartel que dice: hágame plática, al fin que para esto me pagan. Irreal ver la cantidad de chit-chat que se dan con la secretaria cuando van a dejar un paquete de DHL, de comentar el tráfico con el de la ventanilla del banco, de cómo los hijos crecen con la barista de la cafetería. ¡Deje de hablar y hágame el favor de avanzar! Que nunca falte el simplón que cree que es suúper simpático con sus comentarios que a nadie le importan. Que nunca falte ese que te quita el tiempo porque te hace una pregunta llena de nada. Que nunca falte el que se voltea a decirte que él también odia hacer filas. Y que nunca falte alguien como yo a la que no le gusta hablar con extraños de nada.

THE CONJURING (EL CONJURO) El especialista en suspenso James Wan (SAW, Insidious y Dead Silence) trae una nueva historia la cual muestra a los investigadores paranormales Ed y Lorraine Warren ofrecen su ayuda profesional a una familia acechada por una presencia sumamente poderosa y malévola, algo a lo que los hermanos están habituados sin embargo éste podría ser el caso más peligroso al que se han enfrentado donde la experiencia servirá de poco y los recursos serán limitados.

EL CUERPO Este thriller del escritor Oriol Paulo promete mantenernos al borde de la butaca con el relato de una morgue y sus empleados en el fatídico día en el que uno de ellos huye del edificio sólo para ser atropellado, durante el alboroto el cadáver de una mujer ha desaparecido, por lo que la policía investiga qué ha ocurrido con los restos solicitando ayuda a su esposo sin descartar la posibilidad de que este último esté envuelto con el crimen.

CRÓNICAS

DVD Y BLU-RAY

catorce

Por: La Nena Mounstro

Inspirados por el súper héroe aficionado “Kick-Ass”, interpretado por Aaron Taylor-Johnson, un grupo de ciudadanos comunes deciden formar una liga contra el crimen de la cual desean que Kick-Ass forme parte, mientras esta unión se conforma el malvado Red Mist (Christopher Mintz-Plasse) elabora un plan para acabar con todo lo que es importante para el enmascarado. Como parte de elenco regresa Chloë Grace Moretz como “Hit Girl” y se une Jim Carrey como “Colonel Stars and Stripes” para garantizar una buena mezcla de acción y diversión.

Babahoyo es una pequeña villa ecuatoriana en la que el dicho “Pueblo chico, infierno grande” cobra mucho sentido ya que la población se encuentra bajo la amenaza de un asesino en serie de niños que, además de tragedia ha traído consigo a una estrella de la prensa sensacionalista con esperanzas de obtener una gran historia pero su ambición por la gloria periodística consume su persona con severas consecuencias, un fabuloso thriller con grandes actuaciones que cualquier fanático debe ver.

MAXIMUM OVERDRIVE Algunas de las curiosidades que rodean a esta cinta la hacen más atractiva e interesante de lo que por sí sola lograría, podemos empezar con que de todas las películas basadas en un libro de Stephen King ésta es la única que el escritor ha decidido dirigir y si el título les suena familiar es debido a que la banda sonora esta proporcionada por AC/DC con el álbum “Who Made Who”. La trama es simple, la gente trata de luchar por su vida cuando las máquinas comienzan a cobrar vida con el objetivo primordial de eliminar a los humanos.

MÁQUINA DEL TIEMPO

1914 Alemania le declara la guerra a Rusia, dando inicio a la I Guerra Mundial. 1936 Nace Yves Saint Laurent, diseñador de moda francés.

AGOSTO

1385 se celebra la primera corrida de toros en Pamplona

1981 IBM introduce al mercado el primer ordenador personal (PC o personal computer).

1925 Se estrena La quimera del oro en Nueva York, primer largometraje de Charles Chaplin.

1982 Muere Henry Fonda, actor estadounidense.

15 de agosto

1988 Se lleva a cabo el estreno de la película de Martin Scorsese “La última tentación de Cristo”. 1769 Nace Napoleón Bonaparte

1932 En Nueva York empieza a funcionar la emisora de televisión CBS, que difunde la primera serie del mundo: Revista mundial.

1958 Nace Madonna “La Reina del Pop”.

1972 Deep Purple da un concierto en Osaka del que saldría la mayor parte de su reconocido disco en directo Made in Japan. 1977 Fallece Elvis Presley.

1982 Se crea el primer CD

1883 Nace la diseñadora francesa Coco Chanel. 1936 Muere Federico García Lorca, poeta y dramaturgo español. 1940 Fallece León Trotsky, político y teórico revolucionario soviético. 1952 Nace el cantante de la banda The Clash Joe Strummer. 1797 Nace la escritora británica Mary Shelley, autora de la novela Frankenstein. 2002 Muere J. Lee Thompson, cineasta británico.

1984 Muere Truman Capote, escritor estadounidense.

21 de agosto

1934 Adolf Hitler asume la presidencia de Alemania.

19 de agosto

1892 Nace Jack Warner, productor de cine y fundador de Warner Bros.

16 de agosto

12 de agosto

2 de agosto

1969 Se inaugura el metro en México, D. F.

30 de agosto

1 de agosto

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soundtrack

por: Andrea Paz Fotografía: Oyuki Aceves

ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

soundtrack

Daniel es español y aunque es historiador nunca se vio siendo profesor. Desde pequeño tuvo inquietud por la pintura pero sobre todo por el maquillaje, jamás pensó que su actual profesión sería ésta a la que se dedica ahora, es maquillista Internacional de Lancôme México y ha trabajado para marcas de lujo como Armani y Versace, con actrices, cantantes, gente de la política y los deportes. Un ejemplo de que perseguir tu sueño es la mejor recompensa que puedes tener en esta etapa llamada vida. “La historia me gusta, cuando doy capacitaciones siempre incluyo historia del maquillaje y el peinado porque creo que es importante saber la evolución de esto para entender las modas de hoy en día, siempre me gustó el tema del maquillaje y peinado, desde que tengo 9 años mi madre me vio dotes y me metió a escuelas de acuarela, óleo y demás, jamás me imaginé que me iba a dedicar a estas cosas”. Inspirado por la música de los 60’s y 70’s que se escuchaba en su casa como Mina Mazzini cada vez se envolvía más en la magia del maquillaje: “para mí fue como la primera Lady Gaga, las portadas de sus discos eran impresionantes, el make up era lo que la hacía especial, ella puso de moda el smokey eyes, el delineado sesgado y eso me influyó mucho, su presencia y su actitud, también Marisol que aquí es conocida por La vida es una tómbola fue un icono de moda”, cuenta. El círculo del arte es cerrado, el de la música muy competido, el de las letras hostil, pero el de la moda reúne todos los elementos anteriores; para este Arquitecto del rostro, como él se denomina, tampoco fue fácil. Se tiene que saber iluminar, saber hacerlo para cine, teatro, tv, fotografía, pasarela, para cosmética y como alguien profesional, se tienen que dominar todas las vertientes. Cuando comenzaba hubo momentos difíciles, pero de cada uno de esos malos tragos aprendió y formó carácter, porque aunque cree que ha tenido suerte para estar en el momento y lugar indicado tiene la firme convicción de que las oportunidades hay que salir a buscarlas, ellas jamás tocarán la puerta de tu casa. Después de haber estudiado en el London Collage of Fashion comenzó con Armani en el 98. Cuando se lanza por primera vez Giorgio Armani Cosmetics a nivel internacional, en España, estuvo entre los cuatro elegidos para formar parte de su grupo de maquillistas. La formación fue en Roma, ese fue su primer trabajo de forma profesional. Después trabajó para Versace gracias a un amigo que llevaba la línea de Versace en España, con él aprendió más de ese mundo donde ahora se desenvuelve, además de haber participado en distintas ocasiones en el Fashion Week España. “En esta profesión lo que tienes

que brindar es seguridad con tu trabajo, es como una labor de psicólogo, tienes que hacer pensar que lo que estás haciendo es lo correcto para que las mujeres se sientan relajadas, me gané a Anne Igartiburu que es una de las conductoras más famosas y prestigiadas de España a base de esfuerzo, incluso trabajé con la Princesa Letizia cuando daba las noticias en televisión”. Así, con el paso del tiempo, ha tenido la oportunidad de conocer a gente de la talla de Pedro Almodóvar, Penélope Cruz, Mariah Carey, Shakira y a la top model Carla Crombie. Uno de sus sueños es poder maquillar a Madonna: “la amo, me encanta como se reinventa cada día y las tendencias que ha marcado”, además de Beyoncé. Con 14 años de trayectoria obviamente la música y México han marcado cosas importantes en su vida, “la música es muy importante para todos, me despierto y pongo música para animarme, es como terapia; es como el make up, te pones un poco de color, te ves en el espejo y te animas. Me gusta la música de los 50’s, obviamente Elvis, también cosas como los Beach Boys, Brenda Lee y tengo esa otra parte donde me encanta el dance y lo electrónico como Inna; también Zoé me encanta, la voz armoniosa y varonil de Larregui con la música nostálgica hacen un todo perfecto, además de Café Tacvba y Camila”. Así como diferentes bandas llegan a nuestro país a probar éxito Daniel se confiesa eternamente agradecido por la forma en la que México le ha abierto las puertas, ha hecho amigos importantes como Macario Jiménez y Eva Hughes, directora de Vogue México y Latinoamérica y Conde Nast. Sintiéndose orgulloso de lo que ha logrado hasta ahora Daniel Gómez sigue aprendiendo día a día y entre fotos para Harper’s Bazar, Giafranco Reni o alguna pasarela. Uno de los conciertos que jamás olvidará es el de Kylie Minogue cuando visitó por primera vez España y el de Cold Play en el festival de Benicassim.

“La música es muy importante para todos, me despierto y pongo música para animarme, es como terapia, es como el make up, te pones un poco de color, te ves en el espejo y te animas”.

EL TOP DE DANIEL VICENTE GÓMEZ Madonna Coldplay Bruce Springsteen Rolling Stones

esde tiempos casi remotos ya se usaba el maquillaje, primero como forma de cuidado personal, luego como símbolo de status social y después para fines estéticos; en fin, el maquillaje es todo un arte, Cleopatra y María Antonieta son los primeros iconos que lo ejemplifican; a partir de ellas las mujeres que han marcado tendencia forman una larga lista. Daniel Gómez es un artista del maquillaje y es el responsable de que el brillo de muchas estrellas parezca propio.

as decisiones que tomas a lo largo de tu vida son las responsables de marcar esos caminos por los que andarás, esas decisiones se toman buscando sólo un objetivo: Ser feliz. Si decides ser doctor, ingeniero o abogado no importa, pero debes de ser el mejor; algunos deciden ser productores, escritores, músicos o junkies y justo en eso Pete Doherty ha sido el mejor, un músico, un junkie y un socialité profesional. Es poco objetivo juzgar el trabajo de alguien por su vida personal, sí, pero en este caso, en el de los Babyshambles -o cualquier otra banda de la que Doherty haya formado partees casi imposible, ambos mundos están tan unidos que tiene que ser así.

*Warnings: Este texto es un gran spoiler del nuevo disco de Babyshambles, escúchelo antes o absténgase. Yo he tenido que crecer, pero al escribir estas líneas descubrí que sigo anhelando pasar mis días al lado de alguien a la Pete Doherty, un ensimismado con la convicción del rock como una loca adolescente. Antes y/o después de leer esto es necesario ver Beginners, la lección se adquiere sola.

You make me happy, but is not funny. Como producto funcionaba para disqueras, promotores de conciertos y publicaciones, y también lo hacía para los hambrientos y necesitados de ídolos y de música en la década de los dos miles. Pero de otra manera: no era una banda más, veían en Pete una esperanza encarnando el rock, él y sus aliados tenían lo que a muchos pudo seducir: una guitarra (y una banda) propia, discos que hablan bien de sí, fiestas, drogas, alcohol y las primeras planas de múltiples publicaciones a lo largo del mundo. Eran modelos aspiracionales de los amantes de la música (adolescentes en su mayoría). Pero, llega ese momento en la vida que atemoriza: crecer. Tienes que poner los pies en la tierra, tener el valor de perseguir tu sueño, trabajar en grandes corporativos; hacerte de una vida, que si no será ejemplar, que por lo menos cubra las exigencias “normales” de una sociedad; si alguna vez lo tuviste, el deseo puberto de tener un novio(a) perdido y autodestructivo se va desvaneciendo, ya sólo puedes acariciarlo cuando asistes a conciertos o escuchas un nuevo disco que te despierta esa nostalgia. Es así como en este momento, en el que presumiblemente eres un adulto, en el que llega Sequel To The Prequel, dejas de creer que este tipo de músicos son tus rockstars favoritos de adolescencia para entonces entender lo difícil que es tener más de 20 años. Como lo dijo en alguna entrevista Pete Doherty: “Siempre pienso que el cuerpo estará bien, que se reparará, que habrá otra oportunidad. Pero ahora soy mayor y el cuerpo no podrá seguir ese ritmo. Te das cuenta de que algo está mal…” Y comportarse de acuerdo a la madurez que se supone debes tener, ya no son “héroes” o mejor dicho antihéroes, entiendes

por: Andrea Paz Fotografías: Cortesía de Warner music

Babyshambles son una banda que surgió como un desahogo después de la separación de The Libertines que sonaba bien y sobre todo, que tenía la atención mediática gracias a su líder. Digamos que era un proyecto rentable para todos, medios, disquera e integrantes; “Era” es la palabra clave porque después de 6 años a su regreso, se han convertido en una banda para sus fans con un disco que también es sólo para sus fans y no porque la agrupación en cuestión sea de culto, eso no tiene nada que ver, simplemente es porque el contexto en el que se ha desarrollado el proyecto va casi de la mano de sus escuchas.

que son seres atormentados como muchos otros pero con la capacidad de conectar hasta cierto punto con la vida cotidiana de quien los escucha, porque aunque ellos tengan una vida peculiar hay aspectos por los que todos tenemos que pasar, traiciones, justificación de errores, lealtad, enfrentarse a la realidad… Pete se ha encargado de que Babyshambles lo haga de forma más sutil que en sus proyectos alternos, suave podría ser la palabra.

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Los Babyshambles están formados ahora por Adam Falkner, Drew McConnell, Pete Doherty y Mick Whitnall. Son más que un grupo de ingleses confundidos y ahora podríamos decir que Stephen Street también forma parte de ellos, pues el productor que una vez más los acompaña puso el toque perfecto en este disco, todo el trabajo que hicieron juntos es un equivalente a “no importa lo que me digas, sino cómo me lo digas”, los refresca sin alejarlos de sus ya encarnadas características musicales; sin Street, Babyshambles y sus fans serían forevers atrapados en dos discos y tres EP’s y al ritmo de vida actual una brecha musical de más de 10 años pesa mucho. La tercer placa tiene 12 canciones, de las cuales sabes lo que vas a obtener, espontaneidad, imperfección y desaliño, pero aún así provoca emoción darle el primer play para “recordar viejos tiempos”. Una vez más los ingleses, que ya no son tan jóvenes, se plasman plagados de culpas, arrepentimientos y vidas tortuosas a lo largo de distintas etapas rítmicas. Composiciones como Fireman y Nothing Comes To Nothing dan una entrada fuerte, haciéndote pensar que será casi una hora de estruendos y momentos acelerados pero, al llegar a New Apair es como si el disco volviera a su realidad después de un rush de adrenalina. ¿Por qué Sequel To The Prequel es un disco para fans? Pues porque queramos o no la vida de Pete Doherty es el punto de fuga y si estás enterado de quién es (o fue) en la escena musical y la nota rosa entenderás mejor el disco que traiga bajo el brazo sea con la banda que sea. Sequel to the Prequel no es un gran hilo que teja la nueva oleada musical como en algún momento se pensó con The Libertines, Doherty, Falkner, McConnell y Whitnall; en esta ocasión se han dejado llevar por lo que mejor saben hacer, música volátil. Las guitarras están más cuidadas que nunca, en ningún momento compite un elemento con el otro, letra, acordes y voz se han complementado armoniosamente. Después de 6 años la reciente entrega no eclipsa a los anteriores ni se subestima, simplemente la trilogía de larga duración (Down in Albion, 2005 y Shotter’s Nation, 2007) se toman de la mano una tras de otra. Es notable cómo

retoman momentos más orgánicos como en Fall From Grace que es campirana, natural, delgada en su textura y luego Dr No. (Sharks In The Water) que es el más puro ejemplo de lo gozoso que puede ser la bohemia con una mezcla de reggae y soul, sin duda el mejor momento de los casi 60 minutos que dura el álbum. Y, ¿qué sería de una vida sin contradicciones? Este nuevo disco se quedará perdido entre las listas de todos los lanzamientos de este 2013, será devorado por impresionantes debuts y manchado por enormes regresos de leyendas, el que esté bien logrado le servirá de poco, la justificación viene cuando aceptas que, como ya dije, está hecho para fans; lo es por esos sentimientos que despierta, por aquellos sentimientos que has pensado que se fueron sin avisar y que liberan pero en realidad ahí están latentes y te dan la posibilidad de saber que los has superado y reírte de lo que fue, lo es también porque Pete quiso compartir con el mundo, a través de sonidos, varios momentos de su vida con la ayuda de Stephen Street y no a través de tabloides del corazón. También, obviamente hay detalles que duelen como Picture Me In A Hospital o Seven Shades of Nothing porque sabes que los finales son inevitables pero cuando te confirman que así será tarde o temprano (sobre todo temprano con el ritmo de vida del frontman) se siente un golpetazo en el estómago. Así que tienes que disfrutarlo todo cuanto más puedas, así es este disco, simple, sencillo y gratificante pero crudo y directo. ¡Es un disco para fans! Terminado Sequel to the Prequel, Babyshambles tienen una apreciación diferente, ahora son como esos amigos a los que quisiste (o quieres) mucho pero que tomaron otro camino, que se aferraron a sus convicciones y están dispuestos a seguir con ellas hasta el fin, esos amigos que tuviste que dejar de ver porque simplemente los caminos se separan, aquellas afinidades ya no están pero gracias a todo lo vivido juntos les guardas afecto y respetas su forma de vida. Entiendes que la felicidad es otra para cada ser humano y dejarlo ser es la clave, no importan las veces que se equivoquen porque estarás ahí para tenderles la mano y si van hacia el vacío, los dejas llegar al fondo por si en algún momento salen tengan un brazo (o un oído en este caso) que les de la bienvenida. Babyshambles aún no llega al fondo porque Doherty se rehusa a llegar a él, Babyshambles será ese amigo que tocará fondo eventualmente, con la diferencia de que sin Pete todo se acaba y no habrá a quién darle la bienvenida al mundo, simplemente quedará la nostalgia de lo divertido que fue antes de que todo se perdiera.

Siempre pienso que el cuerpo estará bien, que se reparará, que habrá otra oportunidad. Pero ahora soy mayor y el cuerpo no podrá seguir ese ritmo. Te das cuenta de que algo está mal…”

por: Rocco Portillo

Fotografías: Cortesía de Sony Music Fotografías: Andy Knowles

veinticuatro

CUANDO LAS PALABRAS SON LAS CORRECTAS

Hay ocasiones en que las cosas suceden como si se tratara de piezas de dominó perfectamente alineadas. algunas de ellas no serán agradables, pero todo es parte de un sistema más grande e importante que cada una de ellas. después de cuatro años, las piezas del rompecabezas se han acomodado para que Franz Ferdinand saque la continuación de TonighT (2009). La mañana siguiente resulta ser varios años después, pero las palabras, los pensamientos y las acciones parecen ser los correctos. No hay presiones detrás de este disco, no quieren cambiar la fórmula que los hizo famosos, sólo son cuatro escoceses haciendo lo que más disfrutan: Rock sencillo y fantástico, sin complicaciones.

veintiseis

l primer disco de este cuarteto, cambió la manera de ver y de percibir el mundo, para mí. Hombres de traje con guitarras casi al hombro, haciendo riffs, con una elegancia que sus contemporáneos Strokes jamás tuvieron, por eso quizá varios años después los neoyorkinos sólo son un chiste de lo que fueron y Franz Ferdinand logró encontrar la manera de evolucionar. La evolución de la que hablo no tiene que ver con el cambio, no es necesario transformarse, sólo mejorarse y hay ocasiones que la mejor manera de hacerlo es ser tan sencillo como cuando empezaste. Los Beatles lo hicieron (como siempre, serán el mejor ejemplo para todo) después de experimentar con su etapa psicodélica, lo único que podían hacer era regresar a ser cuatro personas en un cuarto tocando rock ‘n roll. Aún no sé qué vaya a ser del cuarto disco de Franz Ferdinand, puesto que al momento de escribir estas líneas no está disponible, lo que sí sé es que estos escoceses alguna vez me abrieron los ojos de más de una manera. Hay ocasiones en que los pensamientos, las palabras y las acciones son las correctas, aunque de momento pensemos lo contrario.

Hablé con Paul Thomson baterista de la banda, sobre el nuevo -Tengo entendido que grabaron gran parte del disco los disco, Jay Z, la industria y las hamburguesas. Después de un cuatro juntos en la misma habitación en Escocia. par de intentos con problemas de comunicación así se dio nuestra plática: -Lo grabamos en Escocia, Londres, Suecia y Noruega, pero la mayoría fue en Escocia en el estudio de Alex que está en su casa, -Tengo muy mala recepción en mi casa, una disculpa. es genial tener una especie de base con un ambiente de hogar y no sentir que estás atrapado en el estudio todo el tiempo. En el disco -No te preocupes, te preguntaba si es cierto que llevas una anterior compusimos gran parte en el estudio y en esta ocasión bitácora de hamburguesas queríamos llegar con las canciones, si bien no terminadas, bastante avanzadas para sólo llegar a enfocarnos en la grabación. ¿Ya -Nunca tuve una bitácora como tal, es sólo una historia chistosa escuchaste el disco? que Alex inventó para su libro, no llevo estadísticas ni me pongo a hacer diagramas, sólo me gustan mucho las hamburguesas. -No, aún no lo he escuchado, pero quién mejor que tú para decirme cuáles son las canciones que no debo perderme, mas -Han tocado varias de las nuevas canciones en el último año bien, ¿cuáles son tus momentos favoritos del disco? en festivales, ¿qué sorpresas quedan para los fans en el disco? - A mí me gusta mucho “Stand On the Horizon”, es probablemente -Creo que las dos canciones que hemos lanzado hasta ahora mi favorita, también “Evil Eye” y “The Universe Expanded”. Me (Right words y Love Illumination) resumen muy bien cómo va encanta lo que hizo Alex con las melodías en esa. toda la vibra del disco, sin embargo hay algunos detalles como espacios largos instrumentales o arreglos de cuerda, cosas -Acabo de ver el video para Right Action y estéticamente que no habíamos intentado antes, así que eso puede ser una es muy similar al de Take Me Out, después me enteré que especie de sorpresa para algunos. también lo dirigió Jonas Odell, ¿por qué fue esa decisión? -¿Fue un movimiento consciente regresar al sonido del primer - Queríamos volver a trabajar con él. A la hora de planear le dimos disco? un montón de referencias visuales. Es un director que está muy conectado con la música y eso hace que visualmente trabajemos -No (risas) muy bien juntos, está muy enfocado a la estética de la propaganda de los 40’s que tanto nos gusta. -Han pasado casi diez años desde el primer disco y la industria musical ha cambiado muchísimo, ¿cuáles de estos cambios -¿Qué parte de estar en una banda como Franz Ferdinand es han tenido un impacto más grande en ti? la que más disfrutas, la creativa, la grabación o la experiencia sobre el escenario? -Musicalmente casi ninguno, seguimos escribiendo de la misma manera que hace diez años y como dices, el cambio ha sido más en -A mí me gusta hacer discos, es poder hacer algo que va a seguir la industria y nos gusta mantenernos lo más alejados que podemos existiendo mucho después de que te mueras. porque somos muy malos para lidiar con eso, por eso todo lo dejamos en las manos de nuestro manager para que él tenga que enfrentarse -Honestamente, ¿cuál de los cuatro discos es tu favorito? a ese monstruo y nosotros sigamos haciendo música. Como fan, ahora consumo mucha más música y están los medios para hacerlo. -Obviamente el último es mi favorito (risas), fue el más divertido Pero también, hace diez años no tenía nada de dinero, así que de hacer, espero que el próximo sea mi favorito, en este último ahora puedo permitirme comprar más discos. Creo que los cambios todos teníamos toda la disposición y estábamos muy emocionados en la industria hacen que los verdaderos fans compren discos, por hacerlo, desde la composición, los arreglos, la grabación y la porque descubres más música y si en verdad te gusta quieres tenerlo mezcla. en físico.

-Con el pasar de los años, ¿cuál es tu relación con las canciones que hicieron todo esto posible como Take Me Out o This Fire? -Mmm, bueno, las tocamos porque la gente espera escucharlas en los conciertos, pero en lo personal no me emocionan tanto ahora. -¿Cuál fue el ultimo disco que te voló la cabeza? -Oh, estaba escuchando varios en la mañana, era de lo que hablamos hace rato sobre los cambios en la industria y como consumimos música, estaba en Spotify esta mañana y estaba escuchando el nuevo disco de Jay-Z y es una basura (risas). -He escuchado bastantes comentarios parecidos... -Sí, tiene todas estas cosas sobre coleccionar arte y ser un hombre de negocios totalmente absurdas, pero bueno, ese disco no me voló la cabeza. Pero me gustó mucho Yeezus de Kanye, he estado escuchando ese durante las últimas semanas. Me gusta mucho que es este hombre inmaduro e incluso superficial, pero la producción es

fantástica y creo que Kanye toma todo eso y lo re-contextualiza para una audiencia que sólo consume pop y de alguna manera influencia la manera en la que se consume música en los clubs, pero no deja de haber toda esta basura narcisista encima de todo y curiosamente me gusta por ello. -Ahora que mencionas discos como Yeezus que son extremadamente autoconscientes, ¿qué tan consciente de sí misma puede llegar a ser Franz Ferdinand como banda? - Creo que para personas como Kanye es muy importante, pero nosotros somos exactamente lo contrario. Este disco es una prueba de ello, porque no es que tuviéramos ninguna especie de contrato discográfico que cumplir ni nada de eso. Nunca tuvimos ningún tipo de plática como ‘¿cuándo será bueno sacar otro disco o cómo funcionaría este año’. Domino Records nunca nos ha presionado en ese sentido y eso nos permite experimentar un poco de la vida real y después tener algo que poner en el nuevo disco y comenzar a hacer canciones, pero nunca lo haremos por la industria musical, lo haremos porque es divertido

por: Magalie Torres Fotografías: Sacred bones records

“El mundo se divide en dos; entre los que son personas y los que son personajes. Si tuviéramos que definir la vida y obra de este enfant terrible sería: David Lynch es el epicentro del universo en su forma alterada, deformada, oscura y pragmática. También podríamos definirlo como un oasis en medio de tantas emulaciones, reciclajes y demás tomaduras de pelo. A las personas se les entiende, a los personajes se les deja ser y si alguien ha sido ese, es David Lynch.”

icen que sólo los gatos tienen siete vidas, pero con una sola no nos alcanzaría para ser y hacer todo lo que Lynch hace. Tendríamos que tener la misma cantidad de vidas que él para entender cada uno de los universos en los que este pintor/director/fotógrafo/músico/ empresario/filántropo se mueve. Vive manipulando y creando historias, personajes, imágenes y música a su antojo. Es el Rey Midas del culto y los más fandomes hasta crearon la corriente llamada “Lynchian”. Todo lo que toca lo convierte en belleza perturbadora, tiene un ticket de ida a lo siniestro y uno de regreso a la oscuridad. Duerme con la perversión y despierta con lo supernatural. No hay que intentar meternos en la cabeza de este genio, ya que podríamos salir bastante frustrados, sólo hay que dejarlo ser y nosotros, dejarnos estar. La incomodidad de hablar de los significados.

treinta

Si algo caracteriza a Lynch es su espesura, su pastosidad y la textura combinada con una belleza indescriptible. La belleza del terror visible, la oscuridad de lo posible y la creación de atmósferas donde manipula tu estado de ánimo como se le antoje. Lo hace en imágines y también sabe transmitirlo en sonidos. Qué vulnerables somos ante nuestra propia imaginación que nos puede llevar a los lugares más oscuros de nuestra mente. Lynch ha tomado el camino más extraño para hacer arte. Hace música de la misma manera en que hace cine, sólo porque sí, sólo porque le nace y porque tiene algo que decir. Es por eso que desde hace diez años no hace ninguna película, ya que por el momento no ha encontrado la idea o bien la inspiración o la necesidad de decir algo. Sin embargo encontró una vía de escape, encontró otra manera de decir lo que necesita; en sonidos. Que todo sea abstracto y que las cosas las sientas. Lynch no ha estado despegado de la música en ningún momento, de una u otra manera se ha colado a ese universo participando como director, fotógrafo y colaborador de algunas bandas. Trabajó con Michael Jackson. Dirigió el Unstaged de Duran Duran (un concierto que fue transmitido en vivo por Internet). Con Danger Mouse and Sparklehorse realizó un proyecto en el cual se incluía su trabajo fotográfico y Danger Mouse ponía la música. Tiene un dueto con Karen O y otro con Lykke Lee (incluido en su más reciente material y que es de una belleza sorprendente). Recientemente en el último video de Nine Inch Nails, Came back haunted, en el cual se incluye la etiqueta: Precaución: puede producir epilepsia. No es la primera vez que Reznor trabaja con el director, ya lo habían hecho para el soundtrack de la película “Lost Highway”. Y claro que el video es perturbador, pero ¿qué se podía esperar de este dúo que fue hecho en el cielo del rock gótico? Se llama a sí mismo un “no músico que es músico”. Es un autómata y empírico de la música y las letras. Por autómata,

entenderemos que Lynch es una máquina con determinados movimientos que le permiten realizar ciertas acciones, que imita las figuras y las formas de un ser con vida. Y por empírico, entenderemos que David lo hace como talento nato. Soñar en color negro. El universo musical de Lynch está tan bien diseñado que para éste construyó un estudio dentro de su casa, el famoso Asimmetrical Studio, cuya verdadera finalidad era que ahí mismo se hiciera la música de sus películas. Y con esto nos muestra que todos tenemos un poco de control-freaks por dentro. Está equipado con la más alta tecnología y lleno de amigos. Cuando toma su guitarra eléctrica es sólo para pasar el rato. Es un “crasher” de extraños riffs de guitarra los cuales no puede volver a repetir de la misma manera ya que no los escribe, sólo los piensa y ejecuta. Salpica la música con notas espeluznantes

gusto a hacer lo suyo. Aunque eso de ensayar para tocar ante un público no es para él. Él hace música para procrastinar mientras por esa mente brillante y torcida se le ocurre algo para hacer una película. Repito, ya no son las cinco de la mañana ya son las seis cincuenta y nueve y dejé la incomodidad del sillón y me paré a terminar, porque desde ya, THE Big Dream me parece una obra de arte en su forma más salvaje. Entre más grande el conocimiento, más grande es el temor.

Pero en estos días que el rock está por los suelos, y que todo lo demás está tan prostituido por el hype y manoseado por lo mainstream, la música que hace David Lynch es una alternativa saludable. Y si también eres de esos alzaditos que se la dan de tener música invaluable y jamás tocada por las manos de lo mainstream, échate un clavadito a la música de este gato con siete vidas y siete universos. Párate el cuello y presúmete diferente. Es para todos, sólo permítete abrir tu chacra musical. “Lo que hago con la música es meramente orgánico que sólo sucede y no es repetible. Todas las ideas salen de algún lugar, de una fuente. Y yo encuentro inspiración en cada cosa que veo o escucho. Encuentro belleza en la luz, por eso vivo en Los Ángeles; encuentro caos en los sonidos, por eso hago música y encuentro perfección en las imágenes, por eso hago cine.” Una buena idea es como enamorarse… (en el buen sentido) y ecos de un rock and roll muy salvaje, muy primario. Me voy a permitir tomar prestado el término que el jefe de información de esta revista inventó para catalogar su música: Trip-Blues. O bien, como los demás le dicen: “Modern-Blues” pero no, me quedo con el primero, es mucho más acertado. Imaginemos que Muddy Watters conoció a Massive Attack e hicieron un disco. O que un día Unkle y B.B. King se sentaron a echar un palomazo. Ésta es la combinación perfecta, una alteración más a su caótico entorno. Con Big Dean Hurley en la consola y jameando en la batería y los teclados y él con la guitarra que alguna vez Ben Harper le regaló y su hijo de 21 años –que también participa en el disco–. No lo imaginemos, sucedió y está el proyecto que se convirtió en disco THE Big Dream. Éste es el segundo álbum formal del director, el primero fue Crazy Clown Time en el 2011, y pues no tardó nada en tomarle

No esperen verlo de gira jamás, ni siquiera una tocadita en un barecito underground en Los Ángeles, no, nunca. Jamás. Ese mundo del ensayo y la presentación ante cientos de personas, no es para él. Lo que Lynch hace es pasar el tiempo haciendo discos mientras se le ocurre otra idea para una película. Su música la podemos catalogar como: tensa, ansiosa, espacial, sombría, atmosférica, nocturna, hipnótica, enigmática y todo menos aburrida, todo menos predecible. Lynch tuvo ideas, se enamoró de ellas y nos permite ser sus amantes. No esperemos verlo en las listas de Billboard, ni que su disco alcance las mejores críticas, es música para oídos siniestros y almas con ciertos grados de terror. El don de Lynch no es hacer que lo mundano parezca surreal, es hacer que lo surreal parezca mundano. Por una vez, dejémonos ser.

Si alguien conoce el lado más oscurito y temerario de la naturaleza humana ese es Lynch y su música pudo haber existido en cualquier momento de la historia. Si viviéramos en la época de las cavernas, él hubiera puesto huesos de mamut, rocas y palos y hubiera hecho exactamente lo mismo que hizo con esto. Por que la música que él hace es más instintiva que racional. No es un músico dedicado ni estudiado, es un personaje que deja sacar su amor por el sonido de la forma que su experimentación le permite. Parece que la trajera encima todo el tiempo.

BAM BAM

EN LA MÚSICA

TODO SIGNIFICADO es algo relativo por: Andrea Paz

Fotografía: Alberto Mandujano Iluminación: Karla Caudillo

no hay una escena mexicana porque la gente no trabaja en conjunto.”

Con la inmediatez de la información no es necesario que vierta aquí más de lo que ya sabemos, que Mou es el responsable de este emergente proyecto regiomontano y que el pretexto de esta entrevista fue Arre KrishnA, su reciente EP, entonces hagámoslo más fácil para todos, porque tampoco es necesario tejer una historia alrededor de esto, basta con saber que hay más de qué hablar con alguien que tiene un nuevo material.

¿Te consideras parte del resurgimiento de la escena mexicana? No sé que sea la escena mexicana, la desconozco, no sé quiénes la conforman o quién diga que está ahí y quién no. Eso es algo que no nos ha preocupado, las cosas que hemos hecho han sido por simple placer propio y por sentir que nuestro deber artístico tiene que ir por ahí. Yo sé que hay muchas bandas que dicen que son únicas y que lo que hacen es especial y diferente, yo no quiero decir eso, así que no nos sentimos parte de la escena mexicana. Las escenas están hechas por amigos, por gente que se conoce, para mí la escena es gente que trabaja junta y no hay una escena mexicana porque la gente no trabaja en conjunto. Cada quien tiene que buscar los medios para hacer lo que le gusta, nosotros afortunadamente tenemos el apoyo de Arts & Crafts, pero eso es de hace apenas 2 años y tenemos tocando como banda 5 años, y yo como músico más de 12... Porque tú solito te apoyas. ¿Qué hay del recibimiento fuera de México, como SXSW, por ejemplo?

¿Cómo hacer que la música sea algo interesante? Siempre somos muy exigentes, empujamos juntos a lugares de la música que no hemos experimentado nunca porque es muy aburrido hacer la misma cosa dos veces. Si ya hiciste algo exitoso, ¿para qué hacer otra vez lo mismo? Aunque parece que es lo que todo mundo hace, el refrito de algo que ya les funcionó y de eso se nutre la industria, el mundo de la música y el mundo del arte en general; en el caso de la música nosotros nos obligamos a no hacer lo mismo, incluso en vivo todo cambia siempre, desde los integrantes hasta la repartición de instrumentos y la forma en la que se tocan las canciones. ¿Han pensado cantar en inglés para fomentar su mediatización? La onda de cantar en inglés para un público mexicano es una estupidez, si van a cantar en inglés debería ser para países anglos, aunque la única forma en la que nosotros cantaríamos en inglés sería como Shakira o Ricky Martin, que lanzan un disco y tienen su versión en español, eso se me hace padre y comercialmente también es interesante porque nunca le vas a dejar de cantar o de expresarte a la gente que conoces. ¿Eres la mente detrás de la banda, tú pensaste en el nombre de Arre Krishna, tienes influencias budistas? Esa es una cosa de respeto hacia el Hare Krishna, fue una ocurrencia de alguien y sabíamos que la teníamos que usar para algo pero fue hace mucho, ya cuando acabamos las rolas, quedó el disco completo y el arte –que sólo está en formato digital–

Es relativo, nos la hemos pasado bien mejor dicho, hemos tenido la oportunidad de llegar a Austin y a otros lugares fuera de México, desde unos muy feos y otros muy padres, las tocadas allá siempre son raras en cuanto a la aceptación porque nunca sabes el impacto que tu presentación va a tener, siempre ha sido un misterio la gente con la que nos vamos a encontrar.

sabíamos que ese nombre iba a estar bien para lo que había resultado, refleja una espiritualidad que tal vez quisiéramos tener y perseguir; una especie de despertar, es como yo lo percibo porque hacemos cosas no conscientemente, yo tengo otro significado cuando hago las canciones y cuando las escucho, es como descubrir cosas de ti mismo.

treinta y cuatro

Hay Influencias de Tame Impala, Ravi Shakar, Portugal. The Man … ¡No! ¡No jamás! Para nada, qué asco Tame Impala, no me gustan esas bandas. De Tame Impala me gustó un disco que no recuerdo cómo se llama, estaba muy bien aunque no era nada del otro mundo, es una banda muy revival y se esforzaron demasiado en sonar así, no sé cuánto les costó lograr eso y ahí la llevaban; pero el último, qué disco tan aburrido y comprometido a sonar de esa forma, a vender y a sonar más para una audiencia en específico. Esas bandas me decepcionan porque al principio tienen una propuesta interesante queriendo experimentar y luego se clavan en lo mismo. Creo que tiene que pasar lo contrario, entre más te clavas con algo te vas a ir alejando de lo que querías en un principio, te vas a ir alejando de lo que se hace todos los días y de lo que se oye, te vas hasta el infinito. Siempre pasa lo mismo, lo que me ha dicho mi experiencia es que comienzas de una forma y luego vas para atrás, aunque a veces también depende mucho de las disqueras que te “obligan” de alguna forma a sacar un disco por año para que la gente no se olvide de ti y eso condena a las bandas al suicidio, es el resultado cuando te tardas en componer algo impresionante unos 5 años porque no tenías prisa de nada, porque no tenías un contrato y luego entra una presión de estar haciendo disco tras disco.

Led Zeppelin lo hacía… Y los Beatles, pero ahorita esas bandas ya no existen porque la mayoría de los músicos tenemos que sacar dinero y trabajar, no conozco músicos que nada más estén haciendo eso aquí en México, quizá en otros países es más fácil pero aquí te mueres de hambre. Hay bandas que pueden vivir de su música pero son esas que terminan haciendo música para comerciales o cosas que tienen que jalar, es como si estuvieras trabajando en una oficina, ya sólo lo hacen por dinero. Cuando existía Led Zeppelin había un modelo de negocio que funcionaba para mantener a una banda así y para que pudieran estar todo el día con la guitarra en la mano, ellos hasta el día de hoy son millonarios gracias a eso, ahora es difícil que alguien se mantenga el vicio de hacer música con la misma música. Entonces ustedes no están presionados para sacar otro disco de larga duración No. En caso de querer sacar algo que no sea un EP sí nos tardaríamos un buen rato porque somos bastante autocríticos y nos destrozamos a nosotros mismos, sí es mi intención hacer un disco largo pero no sabría en cuánto puede pasar eso; es imposible decir una fecha, pero el proyecto lo tengo en la cabeza. Así podríamos haber seguido hablando del modelo de negocio que representa la música, la responsabilidad artística de quien la hace y el tener que sobrevivir en este mundo que cada vez se hace más y más grande, pero la plática fue a larga distancia y quienes nos enlazaron desafortunadamente tenían pensado que yo no fuera la única que entrevistara a Mou ese día.

sacar un disco por año para que la gente no se olvide de ti y eso condena a las bandas al suicidio.”

treinta y seis

EAT WORLD

UN POCO DE REBELDE NOSTALGIA por: Raúl Singer Fotografías: Cortesía de Sony Music

“¿Te acuerdas de Jimmy Eat World?” me dijo un amigo en cuanto salió el cartel del Corona Capital. Claro que lo recuerdo, fue una de esas bandas que me sirvieron como propedéutico a ese estilo de vida llamado rock.

n la vida de cualquier hombre o mujer que tenga más de veinte (y probablemente menos de treinta) años, Jimmy Eat World, significó más que una simple banda con una canción pegajosa (aunque ni siquiera fueran fans). ¿Por qué? Preguntarán algunos. Fueron canciones como The Middle y Pain las que mostraron a una generación que el rock y el sufrimiento podían ser también canciones para encender una fiesta. Ese dulce y cómico desamor adolescente también podía ser un momento generacional, era esa inocencia que nos permitía creer que el sufrimiento puede ser colectivo, incluso algo de moda. Jimmy Eat World es más que una banda de happy punk, de alguna forma son los auténticos “emos”, los más honestos y a la vez irónicos respecto a ese burdo género a principios de este milenio y también, son en parte culpables de esa lamentable moda. Héroes, exfamosos o culpables, depende de quien lo vea. Ahora sacan Damage y siguen siendo los mismos que siempre conocimos, no hay nada nuevo pero siempre endulza el alma tener un poco de rebelde nostalgia en nuestros oídos. Platiqué con ellos y a continuación la entrevista:

Bueno, pues la industria musical ciertamente está cambiando y todos estos cambios están completamente enfocados a mantener la mayor cantidad de control posible sobre el producto final. Para nosotros, el poder ser económicamente independientes para poder lanzar discos nos ha dado una libertad creativa sin necesidad de que nadie nos influencie en ese rubro. Al final nuestra música y el proceso de hacer discos son una de las pocas cosas sobre las que tenemos control, así que nos gusta mantener el proceso de esta manera. -¿Qué opinas acerca de la ausencia de solos en la música actual? -Hmm, hacer solos es bastante cool, pero no siempre es lo indicado para varias canciones, nosotros no hacemos tantos de ellos y no es porque no nos gusten, sólo que hay ocasiones que sentimos que no cuadran lo suficiente con la canción. -Jim ha dicho en varias ocasiones que no le encuentra mucho sentido a hacer canciones felices, ¿crees que sea más fácil hacer música o crear arte desde una perspectiva triste? Entiendo a la perfección porqué Jim ha dicho eso. Las canciones felices pueden ser muy buenas, pero como en toda historia es más divertido explorar los conflictos inevitables en las relaciones humanas. -¿Cuál es el mejor recuerdo que tienes sobre el proceso de grabación de Damage? Creo que sin duda el mejor fue el momento en el que terminamos los tracks de la primera canción, ese instante cuando te das cuenta de qué tanto te gusta el sonido que estás generando y te enamoras de la vibra del álbum. Fue muy divertido este disco. -Es la primera vez que graban en análogo en mucho tiempo. Para ti ¿cuáles son los pros y contras de trabajar así para un músico en el 2013? Trabajar con cintas es genial en muchos sentidos, tiene un sonido incomparable que es bastante cálido y con mucho “cuerpo”. Uno de los mayores contras es obviamente lo caro que resulta grabar así. La cinta es muy cara y las máquinas no son confiables al cien por ciento. También se requiere una cantidad de tiempo considerable para trabajar así, a diferencia que en el formato digital. -En octubre se presentarán en México como parte del festival Corona Capital, ¿han tenido oportunidad de ver el cartel? ¿Qué opinan del resto de las bandas? -El cartel está increíble, estamos muy emocionados de tocar allí, en especial queremos ver a Queens Of The Stone Age, a The Breeders y a Dinosaur Jr.

JIMMY

En el 2001 lanzaron Bleed American de una manera muy independiente y han mencionado varias veces que gracias a las ganancias de la gira anterior, este nuevo disco fue posible, ¿qué opinas acerca de la evolución de la industria discográfica, especialmente sobre el proceso de lanzamiento de los discos?

No creo que haya honestidad en la música actual.”

por: Rocco Portillo

Fotografías: Cortesía de Sony Music

Lentes obscuros, la arrogancia que sólo la nacionalidad inglesa puede darte, zapatos de piel, un traje hecho a la medida, el mundo y la paleta de colores de Jean Luc Godard, un cigarro y el porte de un protagonista de Fellini. Todas ellas cosas que este hombre aspira a tener, todo ello se puede percibir en la música que hace. Para entender a Miles Kane, hay que ubicar primero de dónde vienen todas esas aspiraciones, lograr navegar en las aguas más profundas de la cultura pop del siglo XX y entonces, podemos entender a Miles como algo más que un inglés haciendo rock.

“Estoy en un hotel en Bristol”, me contesta Miles con un inconfundible (y difícil de descifrar a larga distancia) acento de Liverpool. Miles Kane es un hombre joven que siempre ha estado buscando hacerse de un lugar en la cultura pop, pero él no quiere ser un rockstar (aunque parezca intentarlo), él no quiere ser un artista vanguardista, él está enamorado de otros moldes, de otro tipo de iconos. Él, más que aspirar a ser aclamado por la crítica, está obsesionado con tener la vida que personas como Serge Gainsbourg, tuvieron a mediados de los setentas; las mujeres refinadas entre sus sábanas, cantarle al amor pero ser un rompe corazones. Él busca que el humo del cigarro no sea sinónimo de cáncer, él está a favor de que ese humo sólo sirva como una especie de maquillaje poético y de que todo lo que envuelva se convierta en algo más bohemio instantáneamente. Pueden ser ideas obsoletas para el 2013 pero este romance por el pasado siempre nos va refrescar a las nuevas generaciones.

cuarenta

“When the novelty wears off and we just drift away” Miles dice que todo empezó por la música que su madre le ponía cuando era pequeño, viendo los vinilos una y otra vez y asombrándose con la imagen de los músicos que aparecían en ellos. Siempre hay un momento en la vida en el que ves a un hombre o una mujer en la calle y cambia tu mundo por completo, puede ser un modelo, un actor o sólo tu primo mayor, pero la imagen de esa persona trastorna tu mundo y es porque, a partir de ese momento, lo único que quieres es llegar a ser como él. Vaya, es el verdadero primer amor, aquel que tienes por tu primer héroe. El de Miles fue un cantante francés de los 60’s, Jaques Dutronc. “Recuerdo que un amigo de mi mamá, me enseñó unos videos de Jaques y los seguí viendo una y otra vez, no sé por qué fue, creo que tenía mucho que ver con cómo se veía y su música que hicieron una conexión muy fuerte conmigo cuando era niño”. Los lentes obscuros y la seguridad del cantante fueron una revelación para el pequeño Miles, fue ese momento en el que todos decimos: “Quiero ser como él o ella”. Por lo menos a este humilde escritor le pasó con Morrison, sin embargo otros, como Miles, siguieron ese encanto hasta las últimas consecuencias, “La canción que me enganchó se llama Le responsable, como era francés no entendía mucho de lo que decía, pero un amigo me tradujo las letras y entonces me percaté de que no sólo me gustaba, también eran letras muy inteligentes”, me comenta (con la emoción que la imagen de casanova le permite) Miles. Los ídolos que tenemos terminan convirtiéndose en figuras paternas y formando de una forma u otra nuestra percepción del mundo, lo que tiene Miles Kane es que es muy fácil saber qué tipo de personas son sus ídolos y cómo lo han afectado, la influencia más clara es la de la subcultura Mod, un movimiento cultural inglés que se dio en los sesentas, en donde estos jóvenes estaban obsesionados con los trajes,

las Vesspas y las drogas. Los Mods se convirtieron en la antítesis de los rockers por un breve tiempo, en donde lo más importante era el traje, pero eso no significaba que dejaras de ser un hombre peligroso1. “The finest clothes that you can find. Dressed in my coats, I’m feeling fine” Sin embargo, no estamos aquí para hablar de The Who. La otra figura paternal que tiene Miles es Paul Weller, el puente generacional que con The Jam, revivió el Mod y a su vez le dio: un corte de pelo a Noel Gallagher, un nacionalismo a Blur, un traje a Jarvis Cocker y un poco de punk a Alex Turner. Paul Weller es el ídolo de los ídolos y en el nuevo disco de Miles funge como padrino, compartiendo la autoría de un par de canciones, “Fue genial trabajar con Paul Weller en el disco, creo que You’re Gonna Get It es de las mejores canciones del disco y él personalmente se ha convertido en un verdadero amigo para mí”. Miles me comenta que se conocieron en un desfile de modas, siguiendo la filosofía Mod, el look es fundamental, “La ropa es muy importante, es una de las razones por las que hago esto, es muy importante cómo te sientes, que estés bien vestido y salir al escenario es como un sueño para mí. Creo que la imagen es parte de quien eres como músico” sus respuestas son intercaladas2 por fumadas al cigarrillo en el reflexivo e irónico estilo de Jean Paul Belmondo. Las colaboraciones, si bien geniales, han ensuciado un poco el camino de Miles, que a lo largo de su carrera ha tenido tres discos debut con diferentes proyectos, el primero con The Rascals, obviamente su anterior disco como solista y el famoso dueto con Alex Turner llamado de Last Shadow Puppets. Resulta sencillo preguntarle a Miles sobre el esperado segundo disco de este dueto con tintes de pop sesenteros, pero él me deja claro que quiere hacerse un lugar por sí mismo en la música, que si bien su amistad con Alex Turner le ha permitido llegar a donde está y el mismo Alex lo ayudó a componer su álbum debut, es hora de que Miles Kane, valga como un artista con una personalidad propia. “Lo mío con Alex es genial y tenemos magia cuando trabajamos juntos, por ello es muy probable que estemos en el mismo escenario durante algún festival”. Es por ello que Don’t Forget Who You Are, su segundo material funciona como una especie de grito al mundo, en el cual Miles deja en claro que está ahí, puede sonar un poco desesperado pero no deja de ser honesto. Él se refiere al material como honestidad pura, donde las letras reflejan a la perfección lo que estaba sintiendo en ese momento: “No creo que haya honestidad en la música actual”, me contesta. Hacer un disco como éste es un arma de dos filos, es tan directo y con tanta energía que por un momento podría volverse un bloque de lo mismo, que te golpea sin que te de tiempo de analizarlo. Los riffs y la cualidad como guitarrista

1 Tomemos como ejemplo los primeros de The Who, los iconos del movimiento Mod que hicieron de queadrophenía un glorioso homenaje. 2 O al menos me gusta pensar, recordemos que esta entrevista es por teléfono.

de Miles siempre están en primer plano, “Creo que todo el proceso de grabación tenía mucha adrenalina, porque siempre tuve el concepto de este disco en mi cabeza como algo en vivo. Todas las partes con guitarra, las grababa pensando en como sonarían en vivo, pero sobre todo creo que lo que más disfruté fue la libertad con la que hice este disco y creo que eso es lo que sobresale en el álbum”, contesta Miles y se toma un par de segundos para acomodar las palabras: “La electricidad de la gente cuando estás en el escenario, eso es lo que hace que mi mojo vibre.” “Saw you in a magazine and I read your double spread” Los Beatles mencionaron en varias entrevistas que gracias a que se tenían los unos a los otros fue que lograron mantenerse cuerdos durante su carrera, porque tenían a alguien más que estaba pasando por toda esta locura y que pensaban en solistas como Elvis que no tenían con quien compartirlo, que quizá sería imposible mantener la lógica de estar solos. Miles en cambio me dice: “No creo que se difícil ser solista, bueno tal vez porque cargas con toda la responsabilidad, pero disfruto ese tipo de presión y mi música es rock’n roll como cualquier banda ahí afuera, no quiero hacer ningún tipo de discurso o separarme de ello”. No sé si Miles tenga que aportar algo a la música actual, seguramente no, pero hace algo que también es importante, representa una manera de ver la música que no hay en los artistas de su generación, un poco de esa nostalgia artificial por tiempos que no hemos vivido y que sólo imaginamos.

Me doy cuenta que mi lugar en la historia es ser la voz de esta generación, de esta década, seré la voz más ruidosa.”

n ídolo es una figura a la cuál se adora en exceso, una divinidad en la tierra. Como en todo exceso, existe un contrapunto, y es así que un ídolo también debe ser odiado y rechazado. ¿Qué es Kanye Omari West sino un ídolo? Es el Dios de una legión de fanáticos, el genio de la crítica, el arrogante nefasto de los detractores y el 1 “gay fish” de South Park. Who will survive in America?

Hoy en día, Estados Unidos, para bien o para mal, es el núcleo artístico del planeta Tierra. La nación norteamericana envuelve todos los excesos existentes y contagia al resto del mundo. Estos excesos dictan un nuevo modus vivendi, en el cual la información dura segundos y la capacidad de retención del ser humano es decadente. La música ya no reina en tiendas y formatos físicos,

Por: Luis Palmeros Fotografías: Cortesía de Universal music

1 El apodo “gay fish” viene de un episodio de South Park, en cual un chiste se convierte en éxito global, pero Kanye es el único en el planeta que no lo entiende. El chiste juega con la palabra “fishsticks” que suena a “fishdicks”, por lo tanto, si te metes fishsticks a la boca eres un gay fish, pero Kanye se ofende y alega que él no es un pez homosexual, sino un genio.

sino en nubes y formatos digitales. La apreciación y digestión de un material ya no dura días, sino minutos. Este es nuestro marco. Nuestro modus vivendi, cualquier otra dinámica pertenece a un nicho nostálgico que lucha contracorriente en búsqueda de un presente distinto. Los músicos nacen y mueren en menos de 24 horas. Las nuevas generaciones sufrimos de incertidumbre y ponderamos sin cesar con una gran pregunta: ¿Quién es el artista-músico-voz más importante de esta generación? En retrospectiva, los representantes generacionales descansan en su trono de manera inamovible. Pero hoy... ¿Quién? Aferrarse a Paul McCartney, por ejemplo, es una respuesta natural. Viejos conocidos cuyos tronos vienen de la conquista musical inglesa que siempre había opacado o dirigido a los Estados Unidos. Pero hoy las cosas han cambiado, hay demasiado que procesar en tan poco tiempo y para muchos el trono americano parece desocupado. Power Kanye West es un personaje errático, desenfrenado, egocéntrico y exageradamente ambicioso; cómo todo buen alborotador. Es una anti-celebridad. En muchos sentidos, West es como un niño: impulsivo, ingenuo, con una mentalidad de posibilidades creativas infinitas, sin ningún tipo de filtro. Esa personalidad infantil, en combinación con su inteligencia adulta, le lleva a momentos que se han convertido en clásicos de la cultura pop en Estados Unidos. Protestó el triunfo de Taylor Swift sobre Beyoncé en los premios de MTV, y su actual presidente, Barack Obama, se refirió a él como un “Jackass”. En un programa de apoyo a los damnificados del huracán Katrina, Kanye dijo lo siguiente:

El entonces presidente se refirió a ese momento televisivo como el más asqueroso de su gobierno (uno que incluye el ataque terrorista con más impacto en el siglo XXI). Sí, Kanye West está en la conciencia de dos mandatarios de estado. Los gritos de Yeezy, nefastos, arrogantes u honestos, tienen ecos en la cultura popular. Dejemos el argumento musical de lado, él es una de las figuras más influyentes en el país más poderoso del mundo, hay una diferencia entre lo que él dice y lo que dicen otras celebridades, porque el hombre es una bestia mediática y cada vez que abre la boca hay noticia en todo el espectro mediático; lo que dice rompe con el discurso “políticamente correcto” de un icono pop. Más que un innovador, es un representante que no fue elegido por todos, es el resultado de muchas circunstancias: la necesidad de un nuevo ídolo popular, la inconformidad, el aún muy activo racismo y, por qué no, la falta de un Rock Star destructivo e incómodo. Apoyado en talento y falta de miedo, reta a las masas con una personalidad “terrorista” y, últimamente, con música igualmente transgresora. El poder que tiene Kanye molesta a muchos, pero a su vez, es de beneficio para el desarrollo de la música contemporánea. El peso de su nombre descansa en su apabullante éxito estadístico (21 Grammys y exuberantes ventas de discos), la influencia de sus decisiones en la música popular es contundente. Ha atravesado los límites sonoros y hasta estéticos del Hip Hop. Es un representante porque abre puertas que ya estaban construidas, pero sólo para nichos, es el único que puede acercar el “under” al mainstream con tal impacto. Es el borrego negro, un productor que surge en una época en donde el mejor rapero era el más gángster, el que había recibido más balazos, el que presumía la jersey de americano más grande y los jeans más caídos; él, llegó a pavonearse con una Polo rosa y mocasines.

“Odio la manera en que nos retratan los medios. Si ven a una familia negra, dicen que están saqueando. Si ven a una familia blanca, dicen que están buscando comida.

A George Bush no le importa la gente negra.”

I Am a God ¿Qué buscamos en la voz de una generación, del representante artístico? Es imposible que el mundo se una para corear una canción con una sonrisa en la cara. La vida no es un anuncio de refresco. El artista más influyente de una generación no tiene que ser el artista favorito del pópulo, sino el más criticado y aclamado. Tiene que ser Dios y Satanás al mismo tiempo, arrogante y honesto, imperfecto y perfecto, contradictorio y contundente. Debe ser el tema de conversación en toda sobremesa en donde se sirvieron discos de cena. 30 años después… Hipotéticamente, un niño tiene que investigar sobre presidentes estadounidenses, llega a George W. Bush, entra a YouTube, busca lo peor y lo mejor de su gobierno, reproduce un video y se encuentra con el nombre Kanye West. El niño le pregunta desconcertado a su papá ‘¿quién es Kanye West?’ y el papá le contesta. En la noche, el padre sale a tomar con sus amigos y les platica lo acontecido, se arma una campal de melómanos para discutir al personaje, unos le vuelven a llamar Dios y otros un imbécil sobrevalorado. Al final de la noche, el hombre se acuesta en su cama y piensa ‘¿Quién le competía a Kanye? ¿Quién era más controversial? ¿Odiado? ¿Famoso? ¿Idolatrado? ¿Influyente?’ Y finalmente, se da cuenta que 30 años después, fue el tema de una aguerrida conversación por más de dos horas. Sonríe y cierra los ojos.

por: Rocco Portillo Fotografía: Cortesía de Universal music

THERE GOES OUR LOVE AGAIN

¿Qué tanto han cambiado como artistas en estos últimos 5 años? Creo que sí es un álbum conceptual, al menos en comparación con los discos que van a salir este año.”

-“Creo que probablemente mucho, quiero decir como personas no creo que seamos tan diferentes, aunque sí hemos evolucionado de las personas que éramos hace cinco años. Creo que somos las mismas personas pero hemos aprendido a crecer juntos a lo largo de cinco años, todos los cambios han sido progresivos y hasta cierto punto naturales. Artísticamente no hemos cambiado casi en nada, hemos buscado lo mismo desde que empezamos White Lies: crear música melódica y pop bastante upbeat y creo que con los años hemos logrado hacernos cada vez mejores en eso. La mayor diferencia en estos cinco años es que ahora estamos mucho más cómodos en lo que hacemos.”

-“No es algo que disfrute mucho, no hay nada que me guste más que el proceso de hacer discos, quiero decir, hacer este disco (Big TV) fue masivamente divertido y un proceso extremadamente disfrutable a pesar de que es un proceso largo, porque nos tardamos para sacar cada disco. Involucrarnos con el proceso en esta ocasión fue bastante fácil. Desde el primer día que llegas al estudio hasta el día que sales con el disco terminado no estás muy consciente, pero con los días te das cuenta que ese tiempo es lo más divertido de tu vida.” Leí que este nuevo álbum es sobre la historia de una pareja de jóvenes...

Por lo regular una entrevista se prepara como una especie de examen de preguntas abiertas, en algunas ocasiones el entrevistado contesta con grandes respuestas, la meta es convertir la entrevista en una plática y en pocas ocasiones pasa que no te das cuenta que llevas mucho tiempo hablando, hasta que alguien interrumpe para decir que ya es hora de terminar la entrevista. Esto fue lo que pasó con Jack Lawrence de White Lies, con él hablé sobre el tercer disco de la banda Big Tv, los discos conceptuales y bastante sobre los Talking Heads, aquí un poco de dicha conversación.

-“Bueno, la historia tiene algo que ver con sentirte desconectado del mundo y continúa con este tema, pero el álbum no termina convirtiéndose en un disco de rock progresivo, el tema está ahí sin que cada canción sea una referencia directa a la historia, aunque sí está referenciada a lo largo del álbum. Es acerca de personas mudándose a la ciudad y el tipo de experiencia que se tiene cuando eres joven y llegas a una gran ciudad, creo que tiene una herencia muy clara de que hemos viajado mucho en estos años y ves cosas tan diferentes en el día a día, que muchos de los conceptos y las letras están basadas en eso. En la experiencia de la vida, en el camino y descubrir nuevas maneras de ver el mundo.”

¿Cómo es el estilo de vida entre un disco y otro?

cuarenta y ocho

“Los Talking Heads son la primera banda a la que intentamos hacerle un cover con seriedad, aprendimos a tocar Psycho Killer juntos cuando teníamos dieciséis años… creo que ellos son la primera banda que marcó a White Lies

Con temas tan específicos, ¿crees que sea correcto llamarlo un álbum conceptual? “-Mmm, es en cierta forma un disco conceptual, pero no en la manera en que lo eran en otras décadas, no es como The Wall o algo así, pero creo que sí hay una historia que continúa y es muy diferente a muchos discos modernos. No creo que ningún disco de rock actual tenga esa idea de llevar un concepto a través de todo el material. Pero creo que sí es un álbum conceptual, al menos en comparación con los discos que van a salir este año.” -Durante mucho tiempo los compararon con bandas como Joy División y ustedes dijeron hasta el cansancio que no tenían ninguna relación con ellas, sin embargo siempre han citado a los Talking Heads como una verdadera influencia, ¿cuál es su relación con el trabajo de David Byrne y compañía? “-Los Talking Heads y en general todo el trabajo de David Byrne, son un punto clave para lo que White Lies siempre ha querido hacer, siempre ha sido sobre dejar ser y composiciones libres. Por ejemplo: ¿Cuál es la característica fundamental del sonido de los Talking Heads? La voz, y David Byrne no se caracteriza por tener una gran voz, pero tiene tantas emociones y las letras son tan importantes que todo evoluciona de maravilla y eso lo hablamos mucho, no se preocupan por que las cosas sean perfectas y las dejan ser, creo que eso es lo que siempre hemos querido hacer con White Lies, crear música emocional y que sea respetable. Los Talking Heads son la primera banda a la que intentamos hacerle un cover con seriedad, aprendimos a tocar Psycho Killer juntos cuando teníamos dieciséis años. Creo que sí fue nuestra primera influencia extranjera y marcó cómo percibíamos la música, vaya los Talking Heads son una de las bandas más respetadas de todos los tiempos. Y sí, creo que ellos son la primera banda que marcó White Lies y su música nos sigue impresionando de la misma manera ahora como lo hacía hace diez años cuando empezamos.”

“-La primera canción del disco es Big Tv y básicamente lo tomamos como estandarte, tiene mucho que ver con la historia de la que hablamos, de la pareja que va a la ciudad, la canción en sí tiene muchas referencias a esa historia y en sí, es la canción más clara y directa sobre esa historia en todo el disco. Creo que es una de las mejores canciones del disco e, independiente de toda la historia, creo que es un gran nombre. Con todas las personas con las que he hablado sobre el disco, me preguntan por qué se llama Big Tv y creo que ahí está la respuesta, es muy integrante y todos quieren saber el por qué. Es algo tan sencillo que puede tener muchos significados para todos sin importar que así se llame la canción.” Como todas las bandas cuando estrenan un disco, llega el problema de cómo balancear las nuevas canciones con el resto del catálogo en vivo. Para ti, ¿cuál es el equilibrio correcto en un setlist? “-Es un problema pero es genial tener un problema así, porque ahora tenemos tres discos de donde escoger y es algo muy divertido, cuando comenzábamos teníamos que tocar todas las canciones y sólo podíamos pensar en el mejor orden, ahora podemos elegir y darle un ritmo diferente a cada noche, espacios entre sencillos o un bloque de puras canciones de un disco o qué canciones queremos presumir del nuevo material. Todo es acerca de encontrar un balance. Hasta ahora hemos tocado muy poco y comenzaremos con festivales en los que llegas a tocar 40 minutos o una hora, lo cual es genial porque básicamente haces un Best Of de tus favoritas, lo siguiente será cuando tengamos que tocar solos durante hora y media, entonces sí que tendremos que pensar mucho en las canciones, no sé, quizá le preguntemos a nuestros fans por Internet qué canciones quieren escuchar cuando vayamos.” -En octubre vendrán a México como parte del Corona Capital “(Emocionado) ¡Claro! Siempre hemos tenido a México muy arriba en nuestra lista. Estábamos platicando con otras bandas y decíamos lo importante que México ha sido para varias de nuestras carreras, la reacción de la gente es impresionante. Hay algo curioso, cuando tocas en Europa e Inglaterra sucede que la gente espera que le demuestres algo, se vuelve un poco una especie de examen y eso no pasa en México. Espero que el concierto que daremos en el Corona sea el primero de varios en México con este disco.”

Ahora el mundo está más enfocado en la pantalla de su celular que en un medio como la televisión, ¿qué hay detrás del nombre del álbum Big Tv?

el รกlbum

THE SMASHING PUMPKINS

MELLON COLLIE AND THE INFINITE SADNESS

cincuenta

Por: Luis Palmeros

el álbum

os álbumes dobles son muy riesgosos. Primero, porque es difícil mantener una línea compositiva coherente entre tanto material. Segundo, porque al tratar de mantener esa coherencia, se puede caer en repetición y entonces se pierde el sentido de trabajar en dos discos, si agregamos como factor el propósito conceptual… los álbumes dobles son muy, muy riesgosos. Pero existen, y hay quienes los han ejecutado con maestría, como Pink Floyd en The Wall, la fuente de inspiración detrás de Mellon Collie. La diferencia fundamental entre estas dos obras, es que la de Pink Floyd es un universo conceptual con una narrativa específica, mientras que la de The Smashing Pumpkins es una explosión creativa que no pudo ser contenida por sólo un CD, sino por 28 canciones esparcidas en dos discos que conforman una pequeña galaxia.

Sigamos con la jerga espacial. El disco, musicalmente, contiene todo lo que hace a una galaxia. Estrellas y polvo cósmico en baladas como Tonight, Tonight, Take Me Down, inclusive en el glam que decora Here is No Why. Materia oscura y ásperos asteroides en temas demoledores como Tales of a Scorched Earth, X.Y.U. y Fuck You (An Ode To No One). Los planetas serían los géneros que podemos visitar en el álbum: dream pop, hard rock, metal, rock alternativo y hasta un poquito de shoegaze. Absorber todo de golpe es imposible, como es imposible descubrir los límites del espacio exterior; pero ese es el punto, visitar con frecuencia y maravillarse con lo que hay en el recorrido. La calidad, tanto producción (Alan Moulder/Billy Corgan) como de ejecución, hacen muy difícil el no querer regresar. La infinita tristeza se convierte en un hogar fuera de casa. Mellon Collie empieza con un frágil Believe in me y termina con un definitivo The sun shines but I don’t. Nos sumergimos en la galaxia fantástica de un personaje, pero mientras más visitas esta fantasía, te das cuenta que la galaxia es una vida y el personaje, en muchos sentidos, es una representación de aspectos sumamente innatos en la juventud. En retrospectiva, éste es el disco que mantiene con excelentes argumentos a The Smashing Pumpkins como una joya de los noventas. Comparte la misma extrema ambición con clásicos del rock. Su expansiva naturaleza se desenvuelve a la perfección. Mellon Collie and the Infinite Sadness posee un lugar dentro de los mejores álbumes dobles de los últimos veinte años.

Aquí no hay una narrativa coherente, sino emoción y creatividad. El álbum de 1995 no cuenta una historia, sino transmite sentimentalismos que construyen a un personaje. Ya en varias instancias se ha catalogado a este material como “self-indulgent” y así es, no tarda mucho Billy en cantar “I’m in love with my sadness”. Escuchar en una misma sesión todo Mellon Collie, es dejarte caer en el abismal agujero del conejo; en donde sí, reinan la melancolía y la tristeza infinita pero son musicalizadas por una abrumante cantidad de sonidos y géneros que aplastan cualquier sospecha de monotonía y conformidad.

numeralia

GRANDES

PRODUCTORES

WALK THIS WAY

En 1986 produjo el primer gran ‘crossover’ entre Run DMC y Aerosmith

I NEED A BEAT

El primer sencillo de Def Jam

DEF JAM RECORDS

RICK RUBIN

Co-fundador de

130

Son los discos que ha producido Rick Rubin

Son las veces que ha ganado el premio Grammy

Time lo nombró #8 en su lista de las 100 personas más influyentes del año.

PHIL SPECTOR 1964 63

A mediados de los 60’s le pagó 10,000 dólares a Ike para no asistir a las sesiones y trabajar solo con Tina. Fue el año en que conoció a los Beatles por primera vez Es el #63 en la lista de los más grandes artistas de Rock and Roll de la revista Rolling Stone.

QUINCY JONES

43 5 3

Álbums han sido producidos por él. Son los artistas a los que apuntó Phil Spector con un arma de fuego El 3 de febrero de 2003 fue arrestado por el homicidio de la actriz Lana Clarkson

Es el artista vivo con más Grammys en sus vitrinas, 26 en total.

1978

Conoció a Michael Jackson durante la filmación de la película The Wiz en 1978.

2 discos de frank SINATRA

10,000

Arreglista de:

cincuenta y dos

i bien el músico es quien tiene la idea e inspiración para crear una obra, es el productor quien la pule, y muchas veces convierte en algo que no podría ser por sí misma. En la era moderna los productores se han convertido en piezas claves en el proceso de grabación de un disco, y un puñado de ellos se han destacado al punto de ser sinónimos de éxito, artístico y comercial. Aquí algunos datos de los principales productores de los últimos años, clásicos y nuevos:

Con Michael Jackson trabajó en 3 discos de estudio: Off the Wall (20 millones de copias), Bad (45 millones de copias) y Thriller, el disco más vendido en la historia de la música con más de 110 millones de copias.

Dueto formado por:

PHARREL WILLIAMS CHAD HUGO

BUTCH VIG

Desde 1982 ha producido más de 60 discos de artistas como Nirvana, Green Day, Muse, Smashing Pumpkins, Garbage, Foo Fighters, Sonic Youth y un largo etcétera.

1961

En 1991 produjo el segundo disco de estudio de Nirvana, el Nevermind, grabado en los legendarios Sound City Studios y que desbancó a Michael Jackson del #1 de Billboard y se convirtió en el más vendido de ese año con más de 10 millones de copias.

Fue llamado el padrino del rock alternativo por haber producido los 3 discos más representativos de principio de los 90s, el Nevermind de Nirvana, el Gish de Smashing Pumpkins y el Dirty de Sonic Youth.

Billboard los rankeo #1 en su lista de los mejores productores de los 90s y 2000s.

Han producido 24 éxitos que llegaron por lo menos al top 10 de la lista de Billboard.

155

Se estima que han producido más de 155 millones de dólares en ganancias a los artistas con los que han trabajado.

1995 50

BRIAN ENO

En 1995 Microsoft encargó a Eno la composición del sonido de inicio de su sistema operativo Windows. Ha producido casi 50 discos de estudio desde 1974 (sin contar los propios como solista).

THE NEPTUNES Fue el productor de varios discos de estudio de U2, entre los que destacan: The Unforgettable Fire (1984), The Joshua Tree (1987), Achtung Baby (1991), Zooropa (1993), All That You Can’t Leave Behind (2000) y How to Dismantle an Atomic Bomb (2004). Considerados los más importantes de la banda.

Además de productor es un reconocido músico y compositor habiendo trabajado incluso con David Bowie en sus clásicos Low, Heroes y Lodger (de 1977 a 1979).

El arreglo de cuerdas en Yesterday o el solo de trompeta en Penny Lane son ejemplo de su influencia y ‘toque’ en las grabaciones de los Beatles. El 6 de junio de 1962 un grupo de jóvenes llamados The Beatles audicionaron para Martin

6 en los estudios Abbey Road. El 4 de septiembre tendrían su primera sesión de grabación. Ha sido productor de innumerables artistas desde 1952, destacándose Jeff Beck, UFO, 1952 The Kings, Celine Dion, Ringo Starr, Paul McCartney y por supuesto The Beatles. 5 1999

Se le conoce como “el quinto Beatle” debido a su papel en cada uno de los discos de estudio (originales) que grabó el cuarteto de Liverpool. 6 Grammys, 2 BRIT Awards, 2 doctorados honorarios por el Berklee College of Music y la Leeds Metropolitan University, además de haber sido inducido al salón de la fama del Rock and Roll en 1999, son algunos de los reconocimientos en la carrera de Martin.

SIR GEORGE MARTIN

numeralia

meanwhile

por: Mariela Martínez Fotografía: Rocco Portillo

Muchos aspectos de la cultura estadounidense como hoy en día la conocemos, principalmente la música y la comida, tienen parte de sus orígenes en Tennessee, estado ubicado en la región sur de la nación americana.

Tennessee vio nacer las carreras de grandes músicos como Johnny Cash, Elvis Presley, Roy Orbison, entre otras grandes estrellas del rock, folk y country, incluso Jack White escogió esta prolífica región para ser la sede de su compañía discográfica/tienda de discos y si nos queremos ver más frescos, Taylor Swift inició su único y constante amor con la música en este lugar. Así como la industria musical encontró un hogar en Tennessee, también la gastronomía tiene un espacio único en su historia.

meanwhile

El restaurant-bar Tennessee abrió sus puertas apenas en febrero de este 2013, tiene un concepto basado completamente en el estilo de vida norteamericano. Así como en Tennessee, el estado, se fusiona la música y la gastronomía; Tennessee, el restaurant, también tiene una interesante mezcla de ambos conceptos. A lo largo de su corto periodo de actividad se ha convertido en el favorito de muchos amantes de los cortes de carne acompañados de un buen whiskey, en especial del tradicional Jack Daniel’s. Si buscamos una palabra para describir las delicias de este lugar definitivamente tendríamos que usar la palabra “supremo”, la base de la cocina es la parrilla, aquí podrás degustar cortes de carne, hamburguesas, sándwiches, alitas, ensaladas y pocos pero muy deliciosos alimentos con ingredientes provenientes del mar, como fish & chips o salmón con brochetas de camarones asados.

Juan Pablo Garmilla, gerente de operaciones, nos contó que próximamente se lanzará un whiskey que Jack Daniel’s prepara exclusivamente para Tennessee. En la sección del primer piso se encuentra el bar, esta zona solamente abre de miércoles a sábado de 6:00 pm a 2:00 am, los miércoles podrás disfrutar de música en vivo y de jueves a sábado un DJ se encarga de la selección musical. Si quieres armar tu fiesta, el bar Tennessee también cuenta con una sección especial llamada “Whiskey Room”, un espacio pequeño y privado que requiere reservación.

Se ubica en el corazón de Polanco. Al llegar, el mismísimo señor Jack Daniel sentado en una banca espera por ti y te da la bienvenida. El restaurant se divide en dos secciones: la terraza donde podrás fumar un cigarrillo, si así lo deseas, y el salón que es bastante amplio y es en donde se encuentra la barra. Entrar al Tennessee es como entrar a una casa que ha sido heredada por generaciones y que combina en perfecto equilibrio entre lo moderno y lo antiguo, al pasar de la terraza al salón te encontrarás con un espejo enorme que te permite saber qué pasa en cada uno de los rincones del Tennessee y por qué no, espiar la comida del vecino. También podrás admirar las vitrinas que protegen y exhiben la colección de whiskey de la casa. Si además de deliciosa comida buscas un buen ambiente, el Tennessee te ofrece música de gran variedad para acompañar tus alimentos, desde Talking Heads, Oasis y Foals, pasando incluso por Coldplay, también podrás venir con tus amigos a disfrutar de eventos deportivos a través de las pantallas dispuestas a lo largo y ancho del lugar. Las bebidas no se quedan atrás siendo el Jack Daniel’s la estrella de la casa (tiene sentido partiendo del hecho de que dicho whiskey es nativo de Tennessee, EUA) de la sección de coctelería recomendamos los Rockstar’s Cocktails en especial el “Rolling Stone” Jack Daniel’s, cerveza y refresco de lima, el “Slash” y las famosas malteadas con un toque de whiskey, pero si estás buscando refrescarte de otra forma también te pueden ofrecer otro tipo de bebidas como cerveza.

Dirección: Av. Masaryk 270, Col. Polanco, Glorieta Arquímedes, México D.F. Horario: El Restaurant abre de lunes a viernes desde la 1:00 pm y hasta las 2:00 am El Bar abre sus puertas únicamente de miércoles a sábado de 6:00 pm a 2:00 am Good to know: Cuenta con servicio de Valet Parking y sección para fumadores.

No puedes venir y dejar de probar las “Red Buffalo Wings” alitas de pollo marinadas y bañadas en salsa picante, las “Baby Back Ribs” costillas de cerdo marinadas, asadas y bañadas en salsa BBQ Jack Daniel’s Spicy y acompañadas de gajos de papa y aioli de paprika, definitivamente una de las estrellas de la casa, así como los especiales del mes.

underground

cincuenta y seis

por: Viri Flores

Lucas Trotacielos es una banda originada en el 2011, conformada por Laura Llamas (voz y guitarra), Alonso Dorantes (guitarra), Daniel Badillo (batería) y Pitol (bajo). Durante su corta trayectoria la agrupación ya ha logrado tocar en lugares como el Imperial, Caradura, Centro Cultural España, La Casa del Lago y visitado algunos Estados de la República como Querétaro, Toluca, Tlaxcala, entre otros, para formar parte de algunos festivales. Sus principales influencias musicales van desde la música de los 90´s con bandas como My Bloody Valentine, o Nirvana, hasta bandas nuevas como Beach House y James Blake. La banda ya cuenta con un EP de

http://lucastrotacielos.com/ 7 canciones, mezclado por Julián Navejas y producido por Luis Navejas, ambos integrantes de Enjambre. El arte y toda la composición del disco estuvieron a cargo de los integrantes de Lucas Trotacielos. Actualmente se encuentran preparando su nuevo EP, pues estos jóvenes no dejan de trabajar en nuevas creaciones que trasciendan y dejen un buen sabor de boca. Los pueden encontrar en su página de Internet lucastrotacielos.com y bajar gratis su material.

por: Viri Flores

Joselo comenzó a desarrollar un proyecto como solista denominado Baquet, apodo que surgió en su niñez debido a un personaje que creó acompañado de un amigo. El proyecto comenzó hace apenas un año y su principal inspiración para poder crear música es simplemente dejarse llevar por el momento. Sus influencias musicales van desde Tame Impala, Led Zeppelin, Animal Collective y Los Beatles, entre otros. Por ahora se encuentra armando una banda que le servirá como apoyo para sus presentaciones en donde incluirá teclado, batería y bajo. Así como en la creación de su primer álbum que saldrá este mes de agosto, el cual se define como rock fusionado con sonidos electrónicos y un toque de psicodelia. Por otro lado el diseño del álbum buscará reflejar aspectos de la naturaleza y estará a cargo de uno de sus amigos. Baquet ya tiene tracks disponibles que pueden escuchar en la página http://baquet.bandcamp.com/

http://baquet.bandcamp.com/ ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

underground

por: Viri Flores

Los Avantgardes surgen como un proyecto musical que busca proponer cosas nuevas y transmitir cosas diferentes, tanto musicalmente como a sus propias vidas. El nombre de la banda parte precisamente de la ideología de los integrantes Rodrigo López y Daniel Casas, por ir siempre un paso adelante. Como muchas de las bandas iniciaron su carrera musical tocando algunos covers, principalmente de Rock y Punk, para poco después crear lo que sería su primer álbum, una propuesta musical definida por la fusión de los géneros Surf, Punk y Rockabilly. Con tan sólo un disco en su carrera, la agrupación logró captar la atención de la gente, logrando así presentarse en diferentes locaciones tanto en el Distrito Federal como en otras partes de la República. Este material fue grabado en Primitive Records con la ayuda de Esteban “Crunchy” López integrante de Lost Acapulco. Las canciones están disponibles en soundcloud para su descarga gratuita y los pueden encontrar tanto en Facebook como en twitter.

https://soundcloud.com/los-avantgardes

radiografía

SAXOFÓN LA CLAVE DE LA SENSUALIDAD ES LA FUERZA cincuenta y ocho

por: Alberto Castro Los instrumentos de aliento tienen una peculiaridad, no están hechos para ‘acompañar’, su sonido y características los convierten en instrumentos que destacan, y ninguno se destaca más que el saxofón. Desde baladas melosas hasta piezas de rock de estadio, cuando un solo de sax entra a escena le da otro volumen, otra atmósfera a la canción. El perfecto ejemplo de cómo un instrumento creado a mediados del siglo XVIII puede seguir vigente y encajar en la evolución que ha tenido la música durante casi 3 centurias.

in duda el eslabón que hizo que este gran instrumento diera el salto de la música clásica y orquestal a lo que podemos llamar como música moderna es el Jazz, la capacidad y complejidad de los arreglos de este género lo hacen el contexto perfecto para las cualidades del saxofón. Basta recordar el auge que tomo en los años 40s y 50s de la mano del virtuoso Charlie Parker, cuyo estilo bebop llevó al instrumento a ser prácticamente un sello distintivo del Jazz en todo el mundo, tanto que el mismo Miles Davis dijo una vez: “Puedes definir al Jazz con 4 palabras: Louis Armstrong, Charlie Parker”. La invención y primera versión de este instrumento se le atribuye a Adolphe Sax (evidentemente lleva el nombre de su creador). En el año 1841 habiendo heredado de su padre la pasión por la creación de nuevos instrumentos y basado en sus estudios en flauta y clarinete, Sax construyó en metal este instrumento con una abertura cónica que producía un sonido más grave al de los alientos conocidos en ese entonces. Este primer saxofón estaba afinado en C (Do Mayor) y fue presentado al afamado compositor Hector Berlioz quien fue el primero en utilizarlo y componer con él. Gracias a lo cual ganó una gran reputación en París y poco después por toda Europa. Para 1946 Adolphe Sax había patentado 14 diferentes versiones de su ‘saxophone’, según los tonos y octavas en que estaban afinados. Estas 14 versiones del instrumento se dividían en dos grupos o familias, las cuales siguen existiendo en la actualidad como forma de catalogar al saxofón. La familia orquestal que consiste en la gama afinada en

radiografía

Claro que estas bandas sólo lo usaron como recurso en algunos temas. Alguien que mantuvo al saxofón como parte fundamental de su obra, llevándolo al rock and roll de estadio y de grandes multitudes, es el jefe Bruce Springsteen con el fantástico Clarence Clemons de la E Street Band. Clemons se integró a la banda desde 1972, convirtiendo a su instrumento en sello característico de la banda de New Jersey. Su solo en el clásico de 1975 Born to Run es considerado como el mejor solo de saxofón en la historia del rock and roll. En gran parte, gracias a la aportación de The Big Man en el sax este

disco de Bruce Springsteen consiguió los primeros lugares en las listas y el no. 18 en la lista de los mejores 500 discos de todos los tiempos de la Rolling Stone. El gran Clarence Clemons participó en 18 de los discos de estudio de Bruce Springteen y la E Street Band, además de haber grabado como músico de sesión de artistas como Aretha Franklin, Ronnie Spector o Lady Gaga. Tal era la admiración que tenía Springsteen por él que lo menciona en una estrofa de la canción Tenth Avenue Freeze-Out, además de múltiples muestras de admiración después de que Clemons murió en junio de 2011 debido a un derrame cerebral.

sido influencia para nuevas bandas como Panteón Rococo.

Otros géneros adoptaron el uso del saxofón como parte fija de sus ensambles, sobre todo el ska, estilo nacido en Jamaica a mediados de siglo que tomó popularidad en los años 60s por su ritmo y melodías. Existen varios destacados saxofonistas en el ska, tal vez el más reconocido de ellos es Lee Thompson de Madness, banda inglesa nacida en 1976 que llevó este ritmo a las listas de popularidad alrededor del mundo con su hit ‘One Step Beyond’, canción donde el saxofón de Thompson lleva la melodía predominante haciéndola un clásico del género.

El tipo de saxofón más vendido y más usado en el mundo es el saxofón Alto.

En México (dentro del rock and roll), no podemos dejar de mencionar a Aldo Acuña, mejor conocido como Sax, de la Maldita Vecindad y los hijos del 5to patio. Con influencia de las bandas de ska de los 60s y una mezcla de los sonidos de la música popular de México, Maldita Vecindad fue uno de los precursores del rock en nuestro país en los 80s y 90s. Con clásicos como Kumbala o Pachuco, en los que destacan los intros y solos de Sax, crearon melodías que quedaron grabadas en la memoria popular y han

Sin lugar a duda el saxofón se ha convertido en un instrumento que ha traspasado géneros y estilos musicales a lo largo de casi 3 siglos, desde su invención y primer uso en la música clásica y de orquesta, hasta nuestros días donde la gente baila con solos de sax en el rock y ska. Vale la pena repasar algunos de los grandes de este instrumento, ya sea para conocerlo por primera vez o para disfrutar de su amplia gama de sonidos y estilos.

FACTS Los saxofones están hechos de latón (aleación de cobre y zinc), y necesitan de una caña o lengüeta para producir el sonido. Adolphe Sax inventó el saxofón en Bélgica en 1940, pero no consiguió la patente hasta 1946 en París. El productor más popular de saxofones es Yamaha, en la actualidad produce 62 series diferentes. El saxofonista de jazz Rahsaan Roland Kirk, es conocido por su acto donde tocaba varios saxofones al mismo tiempo, además era ciego. Lisa Simpson toca el saxofón Barítono. Saxofonistas profesionales de Jazz han grabado las partes donde Lisa y su amigo Encías Sangrantes Murphy tocan.

Do y Fa, y la familia de banda militar que es la más popular y usada, que ubica a los afinados en Mi ♭ y Si ♭. Charlie Parker utilizó al saxofón como herramienta para revolucionar al Jazz en la escena de los años 40s, al punto de ser considerado uno de los más grandes exponentes del género. Algo impresionante, considerando que en 1939 llegó a Nueva York a trabajar como lavaplatos y escuchaba Jazz todas las noches, hasta que tuvo la oportunidad de unirse a la orquesta de Jay McShann, teniendo ahí su primer oportunidad de grabación. Después, en 1945, se unió al trompetista Dizzy Gillespie con quien hizo historia al crear un nuevo estilo que sería el sucesor del swing. Dicho estilo llamado Bebop, le dio fama mundial gracias a sus solos de saxofón. Además, dado a que este ritmo es considerado como uno de los predecesores directos del rock and roll, algunas de las primeras bandas de rock no olvidaron incluir partes de saxofón en sus grabaciones, como The Coasters en su éxito Yakety Yak, o algunos años después leyendas como The Rolling Stones (Brown Sugar), David Bowie (Young Americans) o Pink Floyd (Money).

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MIND GAMES

sesenta

por: Rodrigo Prieto

XBOX ONE Microsoft ha integrado a la consola una perspectiva amplia hacia el entretenimiento: incluye un reproductor Blu-ray en conjunto con servicios similares a los que ofrece un sistema DVR, además de una interfaz capaz de integrarse al sistema de televisión de paga para manipular contenidos. Aparentemente también habrá videojuegos.

PLAY STATION 4 La consola que tiene el objetivo de ser la primera de 8ª generación ha sido nuevamente el parte aguas en la guerra de las consolas. Sony describe a su nuevo comandante como una PC con esteroides al demostrar sus capacidades gráficas y de procesamiento, además de una oleada de títulos prometedores para su lanzamiento.

BOCINAS PHILIPS PS1 Con tallos cromados de 1.1m y woofers de 6.5” esculpidos en madera cuentan con un diseño de vanguardia. Estas bocinas están diseñadas para conectar cualquier iGadget, conector a tv y Bluetooth.

gadgets

WALKMAN NWZ-W 273

GALAXY S4 El buque insignia de Samsung incorpora cámara de 13 Mpx, gestos para no tocar el teléfono al cambiar entre menús, fotos y aplicaciones selectas con las manos o incluso la mirada, el procesador seleccionado es Qualcomm de 4 núcleos; todo esto deriva en una duración realmente limitada de la batería.

LUMINIA 925 Con el fin de no seguir perdiendo lugares en el mercado Nokia regresa con el Smartphone que se esperaría de los daneses, cargado de tecnología que los mejores teléfonos del mercado aún no tienen e incorporando el sistema operativo que los mejores teléfonos del mercado no quieren.

El un tanto olvidado mercado de los reproductores portátiles saluda a un nuevo integrante orientado a la actividad física. Resistente al agua, diseño ergonómico y 4 Gb de almacenamiento, el principal reto está en acostumbrarse al software que incluye para la transferencia de música.

R.i.p

BILLIE HOLIDAY HOLIDAY

FORGET IF YOU CAN

You can’t copy anybody and end with anything. If you copy, it means you’re working without any real feeling. No two people on earth are alike, and it’s got to be that way in music or it isn’t music.”

sesenta y cuatro

por: Andrea Paz

illie Holiday tuvo una de esas vidas atormentadas con todos los matices de gris y que sólo después de haber terminado resplandecen cegando a quienes las descubren. Lady Day es una de las más grandes exponentes de la música y ni qué decir de lo que representa para el Jazz. Sintió en cada una de sus fibras la discriminación por el color de su piel, por ser hija ilegítima de unos adolescentes, por su sexo… Haber tenido todas las condiciones en contra le dio sentido a su vida, se hizo de un nombre y Leonora Fagan se hizo una leyenda. Prostituta y adicta a la marihuana a los 15 años ya tenía un vida torcida, las demás adicciones y el abuso de sus amoríos sólo le dieron la estocada final; no le hizo falta la más mínima preparación musical pues salía de ella lo que sentía, cambiaba los tonos para ajustarlos a su forma de entender la música, le quitaba las líneas rectas a las canciones, quizá ese toque peculiar fue el que hipnotizó a Sinatra para hacerla uno de sus referentes. La fuerza de su voz tuvo un ascenso relativamente rápido, fue la primera cantante negra que grabó con un conjunto de cuerdas y con una orquesta compuesta por blancos, aún así tenía que soportar intentos de linchamiento, maltratos en hoteles, bares y teatros. ¿Cómo demonios no tocar la decadencia cuando el sabor del éxito jamás fue dulce? A los 40 años su vida estaba casi destruida, sus días oscilaban entre rehabilitaciones, conciertos lamentables y grabaciones, durante casi una década ya no le bastaban la marihuana, el alcohol y la cocaína, el opio dejó de serle práctico pues le afectaba la voz, así que con la ayuda de latas de atún se inyectaba por lo menos 10 centímetros cúbicos de heroína en los pies (según “High times, hard times” de Anita O’Day, Billie se había

quedado sin venas funcionales en el cuerpo, por lo que recurría a inyectarse en ambos lados de la vagina para que no pudieran encontrarle marcas de agujas). Los problemas con la ley tampoco tardaron en llegar, pasó 8 meses en la cárcel por posesión de heroína y le fue suspendida la licencia para trabajar en los bares de Nueva York. En un acto casi desesperado la cantante lanza “Lady Sing the Blues”, una autobiografía que esperaba le diera un respiro monetario en su precaria situación. Después llegó “Lady in Satín” (1958) como el objeto testigo del acabose del hito musical. El semblante de su voz estaba roto, se fue a Europa volviendo fracasada, en sus presentaciones en vivo apenas si se sostenían en pie, su matrimonio se había terminado y sus amigos se alejaban. Fue entonces que con una reputación desgastada y una voz mermada, Holiday llegó al hospital por problemas en el hígado y corazón. Fue arrestada por ser adicta a los narcóticos, acto que en 1959 era considerado un delito, permaneciendo custodiada por policías en la habitación del hospital metropolitano en Harlem NY, hasta el día de su muerte por cirrosis hepática. A su deceso le han seguido tributos teatrales, cinematográficos, premios póstumos y miles de dólares en ventas, quién diría que aquel espíritu desahuciado murió con menos de un dólar en el bolsillo y con la única humillación que le faltaba: ser tratada como una delincuente. Aún con todo lo sufrido siempre fue valiente para enfrentarse al mundo y hacerse el propio, aunque más valiente fue haber estado tan deshecha por dentro y aún así cantarle al amor con todo el corazón.

07/04/1915-17/07/1959