Sabotage Magazine

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FLEETWOOD MAC

PD: El cambio es un curso natural de la vida.

MAX OLVERA

Editor SABOTAGE MAGAZINE

jefe de información rocco portillo rocco@sabotagemagazine.com.mx

columnistas elán nena mounstro corrección de estilo paulina farías diseño daniel padilla fotografía x/o oyuki aceves colaboradores eunice victorino rodrigo prieto marc sander luis palmeros magalie torres viri flores rafael martínez web master mariela martínez mariela@sabotagemagazine.com.mx

colaboradores web alberto castro alexis bravow edgar valencia sandra campos

*FE DE ERRATAS: Nos gusta creer que nuestros errores sirven como una herramienta para demostrar nuestra característica humana, pero la verdad es que en algunas ocaciones solo somos distraídos, ésta fe de erratas es la madre de las fe de erratas. Es nuestro pequeño intento por no cometer errores. Borrón y cuenta nueva.

directora comercial oyuki aceves oyuki@sabotagemagazine.com.mx

gerente comercial césar raño cesar@sabotagemagazine.com.mx

legales Sabotage Magazine, Año 2, No. 18, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calz. de Tlalpan No. 572, Dpto. C 302, Col. Moderna, Del. Benito Juárez, C.P. 03510, México D.F. Este número se terminó de imprimir el 28 de junio de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.

el equipo de sabotage magazine trabaja con la camara EOS MARK III

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SabotageMagazine

L

a lealtad es un valor que nos enseñan en la infancia la vemos en películas y la escuchamos en historias y esto implica que tenemos que serle fiel a alguien o a sí mismo.

Con el paso del tiempo este valor a se va deteriorando y olvidando, ya sea porque crecemos y nos damos cuenta que podemos estar por arriba de las personas a las que les tenemos que ser files o por que buscamos nuestras propias convicciones para satisfacer nuestros egos, naturalmente la lealtad nos hace pertenecer y participar dentro de grupos sociales, por ejemplo en las escuelas, cuando te juntabas con un grupo de amigos y conoces otros dejas de serle leal a ese grupo y de esta manera es como se van haciendo nuevos bandos en las escuelas, los chicos con los que te juntabas ahora ya no son tus amigos , la música que te encantaba antes ya no es la que escuchas ahora , cambias por completo.

Pero creo que lo único que no tiene porqué cambiar son los valores, por eso que Sabotage Magazine seguirá entregando mes con mes las secciones que tanto les gustan intentando no cambiar radicalmente para que ustedes encuentren siempre la información más actualizada y fresca. Esta edición tiene una variación en contenidos clásicos que son entrañables para chicos y grandes también contiene descuentos en tiendas y una cámara de regalo, que gustoso mandó uno de nuestros anunciantes así es que les dejo en sus manos este número que espero disfruten como lo disfrutamos nosotros.

andrea@sabotagemagazine.com.mx

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THE TIMES ARE CHANGING

coordinadora editorial andrea paz

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editor max olvera

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numeralia

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meanwhile

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underground

56

radiografía

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gadgets

60

rip

64

cuatro

ZOOM OUT

WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS BRAD ELTERMAN

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iempre han existido clubs exclusivos, no aptos para los mortales como nosotros. En 1976 en Los Angeles, On The Rox era el mas exclusivo de todos. Sólo entraban miembros, que necesitaban presentarse a través de un interfon. Sin embargo, las celebridades internacionales tenían una llave especial para entrar al lugar.

Un amigo del fotógrafo Brad Elterman le informó que Ringo estaba en la lista de invitados para un íntimo concierto de Bob Marley. Nadie esperaba que llegara con John Lennon y Yoko.

GACETILLA

newsletter

ADELE MIEMBRO DE LA ORDEN DEL IMPERIO BRITÁNICO

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Gracias a sus aportaciones artísticas al mundo de la música, la cantante Adele recibió la condecoración del MBE, Miembro de la Orden del Imperio Británico, que se le otorga a los ciudadanos más destacados de Inglaterra. Estas medallas son entregadas como parte de los festejos anuales del cumpleaños oficial de la soberana la reina Isabel II. Este reconocimiento se le suma a la lista de premios que ya tiene la intérprete, varios Grammys y un Oscar por la banda sonora de la última película del agente James Bond.

FALLECE

ARTURO VEGA Vega, el artista detrás del icónico logo de la banda de punk Ramones, falleció el pasado 8 de junio, a los 65 años de edad. Vega, procedente de Chihuahua, vivía cerca del bar CBGB en Bowery, lugar en donde conoció a la banda e incluso dejó que Joey y Dee Dee vivieran con él antes del lanzamiento del primer álbum de Ramones. Además del logotipo del águila con una rama de manzano, un bate de béisbol, la frase “Hey ho! Let’s go!” y el nombre de los músicos, diseñó varias de las portadas de sus álbumes y todo tipo de accesorios, carteles y camisetas a lo largo de más de veinte años.

S A Í B A ¿S ?

QUE

REEDITARAN THE AEROPLANES FILES HIGH La recopilación de The Smashing Pumpkins, titulada The Aeroplane Files High lanzada en 1996, será reeditada por EMI y estará disponible a partir del próximo 23 de julio.

El paquete incluirá los sencillos del disco Mellon Collie and The Infinite Sadness, 33 versiones remasterizadas de los tracks originales, 90 demos, grabaciones en vivo, un disco extra con versiones en vivo de la gira Mellon Collie (1996) y un DVD que documenta un concierto en Francia, así como un libro de 46 hojas con anotaciones de Billy Corgan y David Wild.

Prince Rogers Nelson, el nombre completo de Prince, es la herencia del antiguo conjunto de jazz de su padre Prince Rogers Trio.

ONE BIG DAY El One Big Holiday es un evento que se llevará a cabo en la Riviera Maya, del 26 al 30 de enero del 2014, el cual contará con la participación de la banda My Morning Jacket, quienes darán tres presentaciones totalmente únicas, y una fiesta que promete muchas sorpresas. Además incluirá otras actividades como excursiones, noches temáticas, catas de tequila, entre otras. El evento tendrá un cupo limitado de 2500 personas.

En los 50’s a Little Richard le disgustaba que Jimi Hendrix robara la atención de los fanáticos y los medios, por lo que decidió echarlo de la banda.

GACETILLA

VUELVEN PET SHOP BOYS El dúo británico conformado por Neil Tennant y Chris Lowe regresará a la escena musical con el álbum Electric, que estará a la venta a partir del próximo 15 de julio. Este nuevo material discográfico fue producido por Stuart Price y contará con ocho nuevas canciones, además de un cover de la canción The Last To Die de Bruce Springsteen.

SPRINGSTEEN & 1 El documental que retrata la relación e importancia de Bruce Springsteen “The Boss” en la vida de sus fanáticos, se estrenará el próximo 22 de julio. El filme fue dirigido por Baillie Walsh en colaboración con Ridley Scott, y contiene música y actuaciones de dicho compositor, así como material inédito de los conciertos de Bruce alrededor del mundo, además de testimonios hechos y enviados por los mismos seguidores del músico.

Este 27 de agosto saldrá a la venta una colección titulada Made In California, la cual contendrá seis CD’s que abarcan siete horas y media de música, distribuidas en 60 canciones originales, demos, tomas alternativas, además de una gran variedad de conciertos, actuaciones en televisión, radio, y temas inéditos como Goin’ To The Beach, California Feelin’, y You’ve Lost That Lovin’ Feeling. Además de mezclas a capela de From The Vaults, entre otras cosas.

NO AGE PRESENTA AN OBJECT El dúo conformado por Randy Randall y Dean Spunt, No Age, lanzará el próximo 20 de agosto An Object su tercer material discográfico.

El álbum cuenta con 11 temas y fue grabado en Los Ángeles, California junto al colaborador frecuente del dúo Facundo Bermúdez. El arte del disco fue creado por los mismos músicos junto al diseñador Brian Roettinger.

El vocalista de The Who, Roger Daltrey, fue expulsado de la banda por tres días en 1965 tras una pelea con Keith Moon, ya que el primero se atrevió a tirar sus drogas por el inodoro argumentando que estaban afectando su desempeño.

P

ues sí; era predecible pero nadie pudiera haber sabido exactamente cómo ni cuándo sucedería, y yo menos.

Lo más probable es que ya te enteraste de Spotify. Seré sincera, la primera vez que escuché acerca de “Spotify” confiaba en que era algo interesante y que en “su eventualidad” llegaría a crecer mucho más; estaba intentando entender mejor cómo funcionaba y de qué exactamente se trataba, pero no le presté tanta atención porque antes de que existiera este “nuevo” monstruo, para mi gusto “NADA podía ser mejor que iTunes”.

Al final superó todas mis expectativas, pues ahora por lo que antes pagábamos por UN solo disco en iTunes, podemos escuchar TODOS los discos que queramos al mes (si tienes el servicio “Spotify Premium”); o si prefieres puedes escuchar música de todo tipo, GRATIS, desde una computadora.

(Cabe mencionar que hasta ahora he buscado a propósito discos súper difíciles de encontrar y he encontrado todos.)

Les voy a resumir la pequeña joya que se ha vuelto Spotify para todos los que, como yo, somos adictos a la música: • Playlists infinitos que puedes escuchar mientras estés en línea o cuando no estás conectado.

• No hay preocupaciones de gigabytes ni miedo a que tu “smar tphone” o computadora exploten por falta de espacio.

• La calidad de toda la música es excelente.

• Spotify Radio, en el que das click a un género que prefieras y escoge por ti un playlist. (Gran herramienta para encontrar música nueva.)

Ah! y un correo semanal en el que te avisan de nuevos lanzamientos y sugerencias.

Estoy sorprendida de lo mucho que ha crecido esta nueva adicción, y sigo ansiosa por ver cómo seguirá evolucionando. Debo admitir que muero por saber qué harán nuestros amigos de Apple para volver a ganarse el lugar que tenían antes de que existiera Spotify. Una batalla que no será fácil, ya que Spotify se ha ganado el respeto del público desde su lanzamiento y ha crecido considerablemente en los últimos meses.

Definitivamente es un tiempo emocionante para la música... Así o más chulo?

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THE BEACH BOYS

SPOTIFY POR : ELÁN

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DISCOS

DISCOS

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DISCO DEL MES SIGUR RÓS KVEIKUR

por: Luis Palmeros

A

pesar de su portada y sencillos, Kveikur no es el disco más pesado del trío islandés, sino el más accesible. Suenan cómodos sin sonar monótonos, exponen desde su sonido más agresivo hasta su encanto más pop. Es el disco más terrenal de una banda que siempre había operado desde otro plano.

Las estructuras son más fáciles de relacionar con el pop o el rock, aunque no deja de ser un sonido sombrío. La salida de Kjartan (teclista) significa menos arreglos clásicos y de profundidad, pero encuentran un nuevo sentido de textura. Kveikur es un acierto en muchos sentidos, pero lo más contundente es la accesibilidad para los novatos y la suficiente experimentación como para satisfacer a los conocedores.

SURFER BLOOD PYTHONS

por: Andrea Paz

ocho

Después de 3 años de su debut, la banda de Florida regresa con un material más estructurado y producido pero no por eso con menos fuerza. Continúan bajo la línea de un rock veraniego pero al mismo tiempo de garaje que a veces pareciera ser un post-punk con destellos menos adolescentes. Atrapa desde el primer momento, sí, pero el material en conjunto no es uno de esos que se pueda colar a lo mejor del año y tampoco es decepcionante aunque vale la pena llegar al final. Prom Song sin duda puede ser uno de los sencillos que enganchen adeptos. No hay muchos rastros de lo que fue Twin Peaks o Swim, Pythons quizá es un ejemplo de que a veces la madurez ya no es divertida.

DISCLOSURE SETTLE

por: Luis Palmeros

Los hermanos ingleses no pasan de los 22 años, pero entienden las debilidades y fortalezas de las carpas de electrónica alrededor del mundo, Settle es la cura. Su debut llena el espacio que dejó RAM de Daft Punk, es el mejor disco de dance/pop del año. El álbum emula el clímax de una fiesta: la combinación de escalofríos, adrenalina y excitación. Settle también es excelente en los audífonos, su impecable producción provoca una experiencia igual de estimulante sin tener que bañarte o manchar la camisa. Derrocha clase con su feminidad y arreglos que contrastan con las tendencias híper-masculinas de la escena electrónica en el mundo. Éste es el debut más incluyente en años.

UE? Q S A ¿SABÍ

Es algo muy común escuchar la trágica historia de aquella estrella musical que murió por sobredosis, bueno el rock cuenta con más de 40 de estos sucesos.

El álbum con el que el conjunto The Cure debutó, llamado Killing An Arab, generó gran controversia, lo curioso es que está basado en la novela El Extranjero de Albert Camus.

por: Andrea Paz

MILES KANE DON’T FORGET WHO YOU ARE

Al señor Kane le ha llegado la hora de tomar identidad propia, se ha safado casi por completo de los aires de The Last Shadow Puppets.

Este segundo disco si bien sigue teniendo reminiscencias noventeras (quizá por la influencia que siempre ha tenido de Noel Gallagher), es rítmico desde el primer track, es beatlesco y nostálgico. Es un material bien balanceado, no explota en ningún momento pero bien puede repetirse más de una vez por completo. Out Of Control es la pieza que lo coloca como –ahora sí– un gran músico, sin pretensiones, propositivo y natural, que habla por sí solo y que sobre todo habla por él como nunca antes.

por: Luis Palmeros

J. COLE BORN SINNER

Jermaine Cole es una promesa en desarrollo. En este segundo álbum trabaja con excesiva ambición y altas expectativas que cumplir, el resultado es un disco muy fácil de disfrutar; ni más, ni menos. La característica principal de Cole en Born Sinner no son las “perras” o el dinero, sino el amor que le tiene al Hip Hop y a sus ídolos, su sonido remite a las primeras producciones de Kanye West (cuando se dedicaba a complacer, no a crear arte sublime). Con una producción de primer mundo y un flow suave, Cole presume varias joyas en este gran álbum. Aunque no es un clásico o disco del año, es una afirmación que fortalece los fundamentos de J. Cole como promesa.

NoFm-Radio escuchas radio por internet

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BEADY EYE BE

Flink Of The Finger hace que pongas atención y comiences a creer que tal vez el hermano menor de los Gallagher por fin logró espantar a sus fantasmas del pasado. Lamentablemente, él es el primero en recordarnos a Oasis, no atreviéndose a experimentar un poco más y darle una personalidad propia a la banda. Siempre quedándose a medio riff o a dos rimas de hacer grandes canciones que lograran abrirle un lugar a Beady Eye en nuestros corazones. Hay momentos que son pequeñas muestras de genialidad pero se van rápidamente. Lo que más se reprocha es que pudo ser mucho más y se queda a la mitad.

@nofm_radio

por: Rocco Portillo

O FM RADIO.COM

PORTUGAL. THE MAN EVIL FRIENDS

¿Quién es diabólico en esta historia? ¿Quién representa al pecado y a la diversión? El pop. Potugal. The Man hace su disco más experimental y a la vez el más conciso y directo de su carrera, mucho de ello gracias a la mano de Danger (creador de exitos) Mouse. Es experimental porque por primera vez se meten de un clavado a la alberca del pop sin perder ni un gramo de credibilidad en el camino. El quinteto de Alaska entrega con Evil Friends un material que resume su trayectoria para conseguir nuevos adeptos y se revitaliza para los fieles creyentes.

Evil Friends es el disco que tal vez los ponga en el mapa para algunos pero, más importante, es en donde la banda se da la libertad de pecar y eso se agradece.

6274-8323

por: Rocco Portillo

TODO MENOS MIEDO

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LIBROS

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EL DIVÁN

por: Eunice Victorino

H

ay historias que saben mejor cuando te las cuenta alguien más, pero hay ciertas historias que sólo aquellos que las vivieron pueden narrar. ¿Quién no quisiera saber los secretos íntimos de sus artistas favoritos? ¿Saber cómo creció y vivió ese cantante que te ha acompañado desde la infancia? Pues aquí te presentamos una selección de las mejores autobiografías musicales.

CRÓNICAS VOL.1 BOB DYLAN GLOBAL RHYTHM PRESS

D EL FAVORITO

ylan es un hombre de letras y el recuento de su vida en Crónicas es prueba de ello. Dylan recuerda con impecable pero intrincado estilo su primer año en Nueva York, mientras entrelaza cándidos recuerdos de su infancia en Minessotta. La ambición que lo impulsó como artista, las influencias musicales de folk y la enumeración de libros evidencian a Dylan como un hombre culto cuya obra musical está profundamente vinculada con la literatura. Sin embargo, el velo sobre los años en los que las drogas circulaban sin restricción es evidente, demostrando que él siempre está en control de sus palabras y nunca deja ver más allá de lo necesario. A pesar de esto, el Bob Dylan que él mismo escoge mostrarnos resulta ser una fascinante perspectiva del improbable muchacho sin una gran voz que llegaría a transformarse en ícono musical.

diez

MÖTLEY CRUE LOS TRAPOS SUCIOS: CONFESIONES DEL GRUPO MÁS INFAME DEL MUNDO TOMMY LEE, MICK MARS, NIKKI SIXX, VINCE NEIL

EL CLÁSICO

NOVEDADES

La biografía es una colaboración entre los cuatro integrantes de la banda nacida en los años ochenta.

A través de varios capítulos, en los que la perspectiva cambia de un integrante a otro, se relata la historia de la formación del cuarteto en Sunset Boulevard, los años en la cumbre del éxito y los años más bajos debido al abuso de drogas. Es un relato de primera mano de las experiencias cercanas a la muerte de Nikki Sixx, de la enfermedad del sistema óseo que aqueja a Mick Mars, la infame relación de Tommy Lee con Pamela Anderson, y el dolor de Vince Neil ante la tragedia de perder a su hija.

CLAPTON, LA AUTOBIOGRAFÍA Eric Clapton admite que las malas decisiones han plagado su vida. El abuso de sustancias, que durante una época de su vida lo dominó, es prueba de ello. El libro está plagado de anécdotas musicales de los años en que compartió escenario con Jimi Hendrix, Bob Dylan, The Rolling Stones y The Beatles, y por supuesto de aquella legendaria amistad que tuvo con George Harrison.

Su vida personal, por otro lado, deja huella en las dificultades que Clapton tuvo que atravesar y debido a las cuales escogió la música como único y verdadero refugio.

MILES: LA AUTOBIOGRAFÍA El genio que transformó el Jazz recuenta, con increíble desenfado y lenguaje cotidiano que raya en la obscenidad, las anécdotas que plagaron su carrera musical; desde los días en Julliard en los que faltaba a clases para tocar con otra leyenda del jazz, Charlie Parker conocido también como Bird, hasta las anécdotas de racismo que plagaban la industria musical y de las cuales Davis fue objeto.

A través de su autobiografía el genio de la música adquiere una cualidad más terrenal; el hombre contradictorio y complejo es revelado por su propia pluma.

UE? Q S A ¿SABÍ REGALA TE N O K I N

Nikon y Sabotage Magazine te regalan una cámara fotográfica Coolpix S800c de 16 megapixeles con GPS y Wi-Fi integrado. Busca las bases en nuestras redes sociales a partir del 1 de Julio. @sabotage_mag fb/sabotagemagazine

TEATRO

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1er ACTO HOMBRE VERTIENTE

Plaza Condesa Corta Temporada: del 09 al 28 de julio Hombre Vertiente es una experiencia sensorial que envuelve al espectador en un viaje a través de diversos mundos imaginarios. Un mundo donde los personajes caerán del cielo para luchar contra la fuerza del agua. En este performance se narra la odisea de un ser que lucha por descubrirse a sí mismo mientras viaja a través de mundos creados por su propia mente. Esta obra cuenta con las actuaciones de Ignacio De Santis, Eugenia Di Marco y Diego Echegoyen entre otros, bajo la impecable dirección de Pichón Baldinu, considerado uno de los directores más originales y arriesgados de la escena argentina y el ganador del premio Tony en más de una ocasión.

Martes a sábado 21:00 y domingos 17:00

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DIARIO DE UN LOCO Foro Cultural Chapultepec Un funcionario de la burocracia ucraniana del siglo XIX nos va mostrando, a través de las anotaciones en su diario íntimo, cómo en medio de la rutina de su trabajo y las pequeñas humillaciones cotidianas surgen en su mente extrañas ideas.

Lunes 20:30

HARD CANDY Teatro Helénico Heyley, de 16 años, conoce por internet a Jeff, un fotógrafo de 35 años. Heyley accede a verlo en su casa y cuando él ya siente que seducirá a la inocente niña, cae adormecido por el somnífero que ella le ha dado sin que se percatara.

Viernes 19:00 y 21:15, sábados 18:00 y 20:30 y domingos 18:00

EL FINAL Teatro El Granero Un anciano que ha sido expulsado de la institución de beneficencia donde había vivido por años inicia el camino rumbo a El Final. ¿Quién es? ¿Por qué está solo? ¿Está loco? ¿De dónde viene? ¿A dónde va? ¿Cómo llegó ahí?

Lunes y martes 20:00

MARY POPPINS Centro Cultural Telmex La niñera más famosa de la pantalla grande llega ahora al teatro con un musical completamente en vivo y con una súper producción respaldada por Disney y Cameron Mackintosh, además de poder ver en el escenario a una Poppins más humana y cantando de manera entrañable encarnada por la actriz Bianca Marroquín. Una obra que chicos y grandes no deben perderse.

Juéves 20:00, viernes y sábados 17:00 y 20:30, y domingos 13:00 y 17:30

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CINE

7ºARTE newsletter

QUE NUNCA FALTE…

por: Rodrigo Prieto

Por: La Nena Mounstro Ese día en particular donde te sientes mal de algo, desde un simple dolorcito de estómago hasta un fin del mundo porque tu novio te dejó. Suponiendo que no eres el típico llorón que todos los días dices que te vas a morir de algo, todos en esta vida tenemos derecho a sentirnos fatal un día. ¡Ah, pero no! Nadie nos deja ser el peor ni un día, hasta para eso los demás se pelean. Nunca falta el “yosoymejorquetúentodo” hasta para los peores momentos. Siempre hay alguien que te arrebata ese momento de gloria en donde creías que hoy era el peor día de tu vida. Siempre hay alguien que te arrebata ese día, tú día de la queja extrema. Ya ni para ser el peor hay lugar.

No digas que te duele el estómago porque te dirán que eso no es nada, que a ellos los operaron ayer para quitarles quince centímetros de intestino. No puedes traer el ojo irritado porque ellos tienen conjuntivitis y hasta perro lazarillo tienen. No digas que te duele la cabeza porque ellos tienen un tumor inoperable y no sabes las migrañas que le causa. Lo tuyo nunca es nada comparado a su vida miserable.

Jamás se te ocurra decir que anoche no dormiste bien porque ellos te dirán que llevan despiertos ocho días seguidos.

Nadie les gana en estrés, en insomnio, en dolor, en malos días, en corazones rotos. Nunca podrán darte palabras de ánimo porque SIEMPRE querrán estar peor que tú. SIEMPRE. Que nunca falte el atrofiado que tiene una vida peor que la tuya. Mira, pedazo de conchudo, déjame vivir en el infierno aunque sea una semana, déjame tener un día de furia, una noche en la que creo que me voy a morir. Ya sabemos que eres un despojo humano y que hasta para ser el peor, quieres ser el mejor. Pero por favor, deja a los demás sentirse basuras por un minuto.

Y si nos quieres ganar en todo, mejor ya muérete.

Los directores Pierre Coffin y Chris Renaud regresan con uno de los supervillanos consentidos del público junto con los afamados minions. Gru, a quien da vida Steve Carell, es reclutado por la liga de antivillanos para acabar con un nuevo enemigo que amenaza la ciudad. Para completar un divertido elenco, la cinta cuenta con las participaciones de Russell Brand y Steve Coogan, entre otros.

THE LONE RANGER (EL LLANERO SOLITARIO) El habitual colaborador de Johnny Depp y realizador de las tres primeras cintas de Pirates of the Caribbean, Gore Verbinsky, trae la historia del profundamente espiritual nativo-americano Tonto (Depp). Junto a su compañero de ruta y aventuras, aparentemente opuesto, John Reid (Armie Hammer), terminarían por convertirse en leyendas de la justicia. Helena Bonham Carter y Joaquín Cosío forman parte del elenco.

THE WOLVERINE (WOLVERINE: INMORTAL) Esta vez la historia es en la época actual, particularmente en Japón, territorio desconocido para Wolverine (Hugh Jackman), donde deberá enfrentarse con su principal enemigo en una lucha a muerte. En la batalla tendrá que superar sus limitaciones físicas así como las de carácter emocional.

Esta batalla interior lo convertirá en un mutante de poder inimaginable. La película dirigida por James Mangold (Girl Interrupted, Walk The Line) promete una entrega con mayor desarrollo del personaje.

FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS

DVD Y BLU-RAY

catorce

DESPICALBE ME 2 (MI VILLANO FAVORITO 2)

Basada en la obra de Hunter S. Thompson, el imaginativo director Terry Gilliam trae esta road movie sobre la búsqueda del sueño americano de Raoul Durke (Johnny Depp) y su abogado el Dr. Gonzo (Benicio Del Toro), al cual no podrían llegar sin la ayuda de todas las sustancias que se encuentren en el camino, todo convenientemente almacenado en el convertible conocido como “The Red Shark”, el cual los llevará por una carretera muy sensorial.

IT MIGHT GET LOUD Este documental nos muestra a tres grandes manipuladores de la guitarra eléctrica cuyas contribuciones a la historia de la música han sido de gran influencia: Jimmy Page, Jack White y The Edge. Con puertas abiertas a su gran pasión, la música, exponen sus sensaciones, miedos y hasta experimentos a lo largo de su trayectoria para obtener nuevos sonidos y satisfacer hasta el punto de las lágrimas al público que abarrota arenas, plazas y estadios.

MÁQUINA DEL TIEMPO

1 de julio

newsletter

1961: Nace Diana, Princesa de Gales. (Lady Di)

2 de julio

1874: en Filadelfia (Estados Unidos) se abre el primer zoológico público

JULIO

1566: Muere Nostradamus, profeta francés

1946: El bikini se presenta en sociedad por primera vez, creado por el francés Louis Réard 1996: La oveja Dolly se convierte en el primer mamífero clonado 1889: Nace Jean Cocteau, poeta, novelista, dramaturgo, pintor, diseñador, crítico y cineasta francés

1882: En Londres se realiza el primer torneo de tennis Wimbledon.

1789: Inicia la Revolución Francesa con la toma de la Bastilla en París 1995: Una semana después de haberlo creado le dan nombre al formato de audio como MP3 1955: Inauguran Disneyland en Anaheim, California 1928: Asesinan a Álvaro Obregón en la ciudad de México

1969: El hombre llega a la luna

1964: Nace Chris Cornell, front man de bandas como Soundgarden, Audioslave y Temple Of The Dog 1741: Muere Antonio Vivaldi, compositor italiano 1954: Nace Hugo Chávez, presidente venezolano

17

20 de julio

1956: Nace el actor Tom Hanks

28 de julio

1810: Comienza la guerra de Independencia de Venezuela

9 de julio

1916: Primer partido de fútbol por la Copa América entre las selecciones de Uruguay y Chile 1883: Nace Franz Kafka, escritor checo, autor de La metamorfosis y El proceso, entre otras obras literarias 1971: Muere Jim Morrison, cantante, poeta y vocalista de The Doors

14 de julio

5 de julio

3 de julio

1915: Muere en París Porfirio Díaz

soundtrack

La música está en el tuétano de todas las existencias humanas.”

JULIO PATÁN por: Andrea Paz Fotografía: Sol Sours

Existen personas que están tan sumergidas en la literatura, en la cultura, el arte y sus nuevas vertientes que nos hacen pensar que sus tendencias musicales son todo un enigma, y sí, pero el trasfondo de eso nos deja saber que de lo terrenal se desprenden peculiares soundtracks de vida como en el caso de Julio Patán.

ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

ntremos en contexto: Si él pudiera viajar en el tiempo lo haría a la década de los 80’s, para así presenciar alguno de los conciertos que terminaron por formar esa pequeña obra maestra de Tom Waits llamada Big Time, o a uno de Led Zeppelin en los momentos de The Song Remains The Same...

Julio es escritor y conductor de radio y televisión, su padre también es escritor y profesor en la facultad de filosofía y letras inglesas al igual que su madre, digamos que trae el gen intelectual. Los gustos musicales adquiridos marcaron su vida, en su casa se escuchaba música clásica como Beethoven, “en casa siempre nos repetían que en la música está Beethoven y todos los demás”. También se escuchaba a Elvis, por supuesto, y por influencia de su padre a The Kinks que aunque estaba un poco negado al rock, la banda londinense sí era de su preferencia. Julio cree que esa cercanía puede ser debido a un alumno de la facultad, en realidad nunca lo ha sabido.

Las notas de Bob Dylan y sobre todo de The Beatles también resonaban en su casa. “Cuando descubrí a los Beatles con una antología que se llama Oldies But Goldies fue un claro parteaguas en mi forma de entender la música. Todo siempre nos cambia la vida de una u otra forma, sólo que no nos damos cuenta. Los Beatles tienen el significado perfecto de un clásico, conectan con todas las generaciones y bajo diferentes contextos les encuentras algo diferente cada vez, esto aplica tanto a la música como la pintura o la literatura.

Los clásicos se van actualizando por sí mismos con cada generación, se va leyendo, viendo o escuchando de diferentes maneras y siempre encanta. Es simplemente el resultado de la brillantez y el talento.”

Después de haber estudiado filosofía (lo cual le fue algo insoportable), comenzó a escribir para tranquilizar a sus padres sobre su vocación profesional, publicar incidentalmente para el periódico –ahora desaparecido- El Nacional, fue un alivio.

Lo demás ha sido un camino natural, saltando a otras revistas y suplementos donde trabajó como editor por muchos años.

Ahora además de dar clases, hace otras tantas cosas en paralelo.

Para cuando todo ser humano llega a esa edad en la que quiere tener una banda de rock, él comenzaba a salir solo a la vida nocturna y la sociedad comenzaba a abrírsele, esto coincide con una notable vitalidad del rock mexicano, brotan espacios como Rockotitlan que fue toda una institución, el Look en donde llegó a tocar Jane’s Addiction, el Rock Stock, Tutti Frutti, y un lugar llamado Bar 9, un bar gay que tenía algunos días de convivencia plural y cuyo lugar –según el escritor– debería tener una investigación histórica, ya que de ahí salieron artistas visuales, revistas y, obviamente, mucha música; incluso tocaron los Caifanes antes de ser famosos.

Todos estos fueron como una especie de CBGB mexicano.

Estos acontecimientos en la vida de Julio, como el esplendor del Rock en tu idioma y los medios de comunicación abriéndose a estas propuestas, dejan una huella imborrable en su forma de ver la ciudad y su contexto social, como

en su más reciente obra “Conspiraciones”, que si tuviera un soundtrack sería el siguiente: para la parte del tema extraterrestre Kraftwerk porque tiene un tono clásico y antiguo; para la derecha Norteamericana, Tom Waits por ser un gran retratista satírico de la vida urbana decadente americana que fundamentalmente es de donde salen este tipo de movimientos; para la conspiración judía, a manera de homenaje, elegiría a Mahler y en los momentos desagradables y estridentes a Wagner (del que habla con bastante frecuencia aunque no le gusta, pero aprecia su incomparable genialidad musical); para cuando habla sobre los masones, él mismo dice: “No sé, hay rumores de que Beethoven lo fue, se dicen muchos nombres que quizá lo fueron pero no hay forma de saberlo, también se ha mencionado a Mozart como parte de sociedades secretas.”

A pesar de su influencia beethoveniana, Julio también nos cuenta algo de su experiencia hacia el connato del canto nuevo y el folklor, que no le gustaban en lo absoluto, pero lo estaba viviendo y por tanto había que prestarle atención a la escena. Aquel momento era el del último coletazo del post marxismo setentero y principios de los ochentas, era entonces cuando quizá la sociedad se sentía un poco obligada a escuchar esa trova cubana. “Recuerdo un concierto de Silvio y Pablo en el Auditorio, creo que también estaba Amaury Pérez. Mis amigos se emocionaban y me decían que eso era lo que tenía que escuchar porque para ellos era como una revelación, pero me aburrió muchísimo y me sigue aburriendo la trova cubana.”

Su visión sobre la ruptura de la escena nacional también es algo particular. “En Estados Unidos y Reino Unido estaban Elvis y Little Richard, de ellos hasta hoy hay una continuidad, se generó una industria, espacios y formas de convivencia. Desde el siglo XX hasta el presente la música impacta fuertemente en las formas de socializar. Woodstock transformó la manera en la que usamos el mundo, pero esto sucedió en sociedades democráticas. México, como sabemos, tuvo un gran periodo gris y se escuchaba la música más clásica, y se veía al Mariachi como la encarnación de los valores. La represión de los 70’s conllevó a la clandestinidad, a los hoyos funkies que vivían en una permitida ilegalidad, porque obviamente había una plena complicidad de muchas autoridades. El rock mexicano se desarrolla en una especie de periferia. Se hizo un esfuerzo muy importante con Avándaro, en definitiva pone en el mainstream a ese mundo subterráneo.”

Por lo pronto, mientras sigue escribiendo nuevos proyectos, busca música con manifestaciones menos pretensiosas, música que ya esté muy dentro de su mente para que lo deje trabajar en paz. Y aunque aún sigue escuchando a The Beatles, ahora lo hace junto a sus hijos cuando van en el coche, siempre encontrándoles un significado especial y diferente.

EL TOP DE JULIO PATÁN 1. The Beatles 2. Tom Waits 3. Talking Heads

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E

soundtrack

“Sí, aparentemente nuestra música es un conjunto de lágrimas doradas que caen del cielo, o algo así. (Risas) Es definitivamente fantástico que la gente aprecie lo que estamos haciendo. Hay un capítulo en el libro de Tommy Lee en donde se describe a sí mismo tirado en el piso en posición fetal escuchando a Sigur Rós. Un amigo suyo llega y le apaga la música. (Risas)”

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por: Luis Palmeros Fotografías: Cortesía de Terrícolas Imbéciles

veintI dos

H

ay diferentes tipos de ll a n t o, s e n o t a n p o r l a s diferentes combinaciones de temperatura,estado de ánimo, peso y cantidad de lágrimas. He llorado frío, he llorado con acalorada impotencia, he derramado lágrimas que cargan todo el peso de mi mundo y he llorado con Sigur Rós. El último, no es un lamento, sino un estado de híperconciencia, es cálido pero no hierve; es frío al mismo tiempo, pero sólo para contrarrestar la calidez. Es un perpetuo estado de shock ocasionado por los bruscos pero más placenteros cambios de temperatura. El llanto de los islandeses no es un estado de realidad, sino una extensión de la misma.

Heima (At Home)

Islandia, hogar del trío , despide un aura muy particular. Por medio de la música y el cine los acercamientos a esta isla europea son visiones específicas de terceras partes, pero todas comparten cierto exotismo, paz y espiritualidad; como un cliché tepozteco. Si ignoramos a la primera obvia referencia islandesa en la música que es Björk, Sigur Rós es el causal del incontrolable anhelo new age de querer vivir en Islandia.

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Hace poco la banda hizo una aparición estelar en Los Simpson. Aparte de ser simpsonizados por unos cuantos segundos, crearon música original para el episodio, y sí, suena exactamente a ellos. En “The Saga of Carl” (nombre del episodio) uno de los amigos con los que Homero se emborracha, Carl, huye a Islandia con dinero que no le pertenece.

Homero, Moe y Lenny lo persiguen y…

bueno, es irrelevante, el punto es que ya en Islandia los personajes amarillos se duermen y se pierden de una noche con gnomos, magia y una aurora boreal. Es gracioso, porque es cierto; vemos tanto a Islandia y a Sigur Rós como estos símbolos etéreos inamovibles, cuando en realidad son sólo un país y un grupo de personas que disfrutan de una buena fiesta al igual que Homero.

Si Jónsi, Georg y Orri leyeran el inicio y el final de este texto se reirían, porque así son, les gusta el metal, ponerse borrachos y reírse, no son autoridades que guardan los secretos sagrados de la humanidad mientras derraman oro de sus ojos y flotan cruzados de piernas.

Pero esa es la magia en el sonido de Sigur Rós, se siente trascendental sin ser inhumano, es de los sonidos más humanos en la actualidad.

Inni (Within) Los paisajes sonoros de Sigur Rós cargan con muchas etiquetas: postrock, dream pop, post-angel, ambient, perfection wave, etc. Estas etiquetas no son más que referencias para adentrarse en su universo.

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Son artistas con una obra única. Su discografía es un cuerpo, uno que difícilmente podremos entender en su totalidad hasta que llegue el tan temido final del proyecto. El año pasado presentaron Valtari, un sexto álbum de estudio criticado por su glaciar movimiento, por ser su faceta más tenue, pero este año le pertenece a Kveikur.

Tonos oscuros, sonidos apocalípticos y

1 Sigur Rós dejó de ser un cuarteto con la partida de Kjartan Sveinsson a inicios del año.

2 Un par de esos “géneros” me los acabo de inventar, pero ¿de verdad pueden adivinar cuáles?

estruendosos preparados para estremecer a un estadio completo, una nueva cara que no hubiera apabullado a este grado si no se tuviera a Valtari como precedente.

Son polos opuestos que funcionan uno con el otro y los dos te quiebran y dejan de rodillas como sólo Sigur Rós sabe.

En realidad no mucho ha cambiado, sí, quizás lo pensamos en demasía, es un movimiento lógico. Nos han acercado al cielo, ahora nos acercan a otro lugar menos esperanzador; aunque la catarsis emocional que conlleva sigue siendo la misma.

No tomarse demasiado en serio es de vida o muerte en este conjunto, es más, se han alejado conscientemente de la perfección cristalina que los rodea. En su proyecto audiovisual de 2011, Inni, los islandeses estuvieron a punto de descartar el DVD por esto, porque era muy frágil y bello (aunque ellos se refirieron a este primer corte como limpio y aburrido), al final se decidieron por una estética rasposa y, en sus palabras, “shitty”. Transfirieron ese primer corte a una película de 16 milímetros y emplearon filtros inusuales, como cristal.

El no tomarse en serio les ayuda a no tener un plan en específico. Por más delineada que parezca su trayectoria en retrospectiva, el trío nunca entró al estudio con un plan finamente trazado y estructurado; al contrario, es un proceso emocional y orgánico. A pesar de que han reiterado esto en muchas ocasiones, también enfatizan la extrema atención a los detalles, son meticulosos y creen que si una parte microscópica está mal acomodada en sus piezas, todo el sonido falla.

Los dos canales primordiales para acoger estos sonidos son el visual y el en vivo.

La experiencia Sigur Rós está altamente abierta a la autointerpretación y el trío celebró esto con The Valtari Mystery Film Experiment. Dieciséis videos realizados por diferentes directores inspirados en la nueva música del grupo, hoy Valtari. El resultado es espectacular, cada video tiene una estética individual, y por si fuera poco, el último filme del proyecto, el dieciseisavo, fue dirigido por Floria Sigismondi.

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El segundo canal, es el en vivo. Toda esta lectura de la esencia del trío islandés viene irremediablemente de la experiencia de verlos en directo. Hay un antes y un después de Sigur Rós en vivo.

Sí, es una expresión desgastada, pero si con alguien aplica al 100% es con ellos. Sus shows son una experiencia envolvente que llega a un punto casi metafísico.

En donde más les queda la etiqueta de post-rock es en vivo, ya que el género en sí, está manufacturado para conciertos.

Edifican poco a poco, la sangre empieza a hervir, llega al punto de ebullición y, de ahí, el espíritu se quiebra o se libera para dejarse llevar por completo. Cada uno de los temas es una inmersión distinta, toquen lo que toquen, sin importar la duración del set, día o noche, sin visuales o con visuales, con calor o frío.

Ver la práctica de la guitarra con arco en directo es, por sí sola, im-pre-sionan-te. Suena como el lamento de una ballena moribunda.

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Ambos canales tienen efectos postexperiencia, ecos que dejan algún tipo de marca, unas más aparentes que otras.

Este texto es un eco, una resonancia que se manifiesta en papel impreso, en algo tangible; con olor y sabor (aunque no es el más agradable para el paladar). Zumbidos eternos que se pueden manifestar de cualquier manera: en conversación, tinta, pensamientos, sentimientos, creación

de arte o apreciación de la misma. Este escrito es una expresión del zumbido con el cual espero quedarme para siempre.

Epílogo En el cortometraje de Svefn-G-Englar, de su segundo álbum (Ágætis byrjun, 1999), un grupo de personas con síndrome de Down hacen una coreografía, los movimientos son pacíficos y las mantas que cubren sus cuerpos no podrían ser más blancas. Ese video siempre ha definido a Sigur Rós para mí. Estas personas discapacitadas con una copia extra del cromosoma 21 pisan el pasto color esmeralda como ángeles, su cromosoma extra luce como el cromosoma del ángel.

Ese es el divino efecto ocasionado por los islandeses, hacen de una realidad algo más, algo reconfortante, que cobra importancia, un pequeño pedazo de cielo al alcance de todos, sin importar colores, idiomas o genética. Sigur Rós no es mi banda favorita, sino mi parte favorita de la vida.

Fotografía: Lilja Birgisdóttir

Nunca queremos que nuestra música llegue con una respuesta emocional preprogramada. No queremos decirle a nadie cómo sentirse y qué llevarse. Con estos filmes literalmente no tenemos idea de lo que van a presentar los directores. Ninguno de ellos sabe lo que están haciendo los demás, así que ojalá sea interesante.”

3 Floria Sigismondi ha dirigido videos para Björk, David Bowie, Marilyn Manson, Leonard Cohen, y más. En 2010 escribió y dirigió The Runaways.

4 La guitarra con arco es un método para tocar guitarra en el que se usa el arco, accesorio para frotar las cuerdas de instrumentos como el violín.

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Með Suð Í Eyrum Við Spilum Endalaust (With a Buzz In Our Ears We Play Endlessly)

EL SONIDO LOS ENCONTRÓ EN EL CAMINO por: Luis Palmeros Fotografías: Cortesía de Universal Music

A los seis días de comenzar la gira promocional para Save Rock and Roll, Patrick Stump, vocalista de Fall Out Boy, se toma unos minutos para platicar con nosotros. Desmayos, libertad creativa, Rock and Roll, The Clash, Blondie, Ray Charles y un largo etcétera.

SB: ¿Qué tan difícil fue reconectarse creativamente con el grupo después de un descanso tan largo?

PS: Fue interesante porque no fue tanto reconectarse sino crear nuevas conexiones. Creo que muchas de las maneras en las que hicimos nuestros álbumes anteriores no eran sustentables, o saludables. Todavía había mucha tensión al hacer este disco, siempre que haces arte con alguien será difícil, pero no fue tan personal, fue más pelear con los obstáculos alrededor de nosotros, ese fue el desafío.

SB: Han expandido su sonido, FOB podría ir a cualquier parte. ¿Todavía necesitas un desahogo creativo como solista, o viertes todo en FOB? PS: Es una gran pregunta. Ya no siento que sea tan necesario; siento que los proyectos de solista están ahí para sacar todo lo que no puedes en otra parte, y creo que ahora hay mucha más libertad para ir a donde queramos y creo que así debe ser.

Digo, no creo que hagamos un disco R&B. (Risas) SB: El título de este disco, Save Rock And Roll, ha sido un poco controversial, ¿qué defines como “rock and roll” y qué quieren salvar?

PS: Creo que el Rock and Roll es una idea, un sentimiento que necesita ser rescatado de la estricta definición de lo que es. Y es frustrante que se haya convertido en esta cosa estrictamente definida de chamarras de mezclilla y motocicletas, pelo largo y barba, guitarras pesadas, todas estas cosas. Pero cuando ves los orígenes del Rock and Roll y su linaje, hay muchísimas ideas afuera de eso. No es sólo 1975…

SB: ¿Es como rescatar el espíritu del Rock and Roll?

PS: Exacto. Cuando vi a The Clash tocar Rock The Casbah y a Blondie haciendo Disco, eso fue Rock and Roll para mí. Creo que era un tiempo muy similar al de ahora, donde la gente estaba muy clavada con las etiquetas, y ellos tuvieron la audacia de tocar eso, como para señalar lo estúpido que era. Había un mensaje detrás ¿sabes? Creo que eso es Rock and Roll, eso es lo que estamos diciendo, esa actitud debe regresar, la gente necesita aceptar que están demasiado ocupados forzando el Rock and Roll hacia esa idea que recuerdan de cuando eran niños. Hay mucha gente haciendo discos interesentes, sorprendentes y alocados en este momento, sólo que no necesariamente se ven y suenan como la gente piensa.

SB: Vienen de un origen Punk-Rock y han expandido sus horizontes hacia este espíritu del Rock and Roll sin el estereotipo del género, ¿este cambio fue intencional o se dio con el tiempo?

PS: Sí, es gradual pero esto pasa con cualquier banda,

cuando empiezas dices “ok, estas son las cosas que nos gustan, esto es lo que hacemos” y montas esta persona, inventas una idea de ti mismo. Ray Charles cuando empezó quería ser Nat King Cole e intentó sonar como él. NOFX cuando empezaron querían sonar como una banda de Punk en específico, no recuerdo cuál, no sé, no quiero equivocarme… Pero tienes estas ideas al inicio y mientras caminas pierdes esa persona y te encuentras a ti mismo. Creo que por eso es fácil ver nuestro primer disco y decir “eso suena a…”. Pete escribía algo y se frenaba, todos estábamos muy asustados de hacer cosas que fueran naturales para nosotros. Mientras más tiempo llevamos como banda, más desaparecen esas cosas.

Es muy interesante cuando tocamos en vivo, porque tocamos canciones de todos nuestros discos, y cuando mezclas todo tiene absoluto sentido, se siente como una banda, como una carrera. Si ves fotos es más dramático el cambio, pero tiene sentido cuando llegas a la raíz de todo.

SB: Están acostumbrados a las colaboraciones, pero en este disco tienen invitados eclécticos: Courtney Love, Big Sean, Elton John y Foxes. ¿Cómo fue trabajar con estos artistas tan diferentes y cómo escogieron un artista en específico para cada canción?

PS: Esa es una gran pregunta, me encanta el último punto.

Creo que a veces en la industria hay esta idea de usar los invitados para vender discos y llamar la atención, pero es una idea terrible porque el hecho de tener un invitado no garantiza que quede con la canción. Nosotros teníamos una idea clara y consciente de con quien queríamos trabajar, teníamos una canción específica que necesitaba de un invitado específico.

Por ejemplo, si Elton no hubiera hecho Save Rock And Roll no hubiéramos conseguido a ninguna otra persona. Lo mismo con Courtney Love.

Creo que estábamos buscando lo que encajara con la música, es increíble estar en un lugar donde podemos hacer esto, tener a Elton John en nuestro disco es increíble, poder trabajar con Big Sean es increíble. Al mismo tiempo, cuando invitamos a Foxes al disco no era un nombre que la gente hubiera escuchado, pero la disquera nos apoyó y eso es increíble.

SB: Ésta es la última pregunta, han pasado diez años desde su primer álbum, desde entonces la industria musical y los medios de consumo han cambiado mucho, y ustedes son parte de esta transición, ¿cómo han afrontado estos cambios?

PS: Creo que los cambios son buenos, al principio fue difícil, confuso sin duda. Éramos lo suficientemente viejos en ese entonces para haber visto estas diferentes eras. Ahora, creo que muchas bandas emergentes nunca tendrán que autocensurar sus videos para que los pasen en TRL (Total Request Live), o incluso mandar demos físicos a las disqueras. Hoy ya no tienes que salir, todo está en línea.

Creo que los cambios nos han permitido muchas cosas, creo que varias personas ven los cambios desde una perspectiva vieja y no intentan ver lo bien que está todo ahora. Hay artistas y gente de negocios más joven que no ven lo importante que fueron algunos de los viejos modos.

Los videos siempre serán importantes, igual la música, la relación con los fans y con las estaciones de radio. Al final del día el factor primordial es la calidad.

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S

abotage Magazine: ¿Cómo están reaccionando los fans con su regreso a los escenarios? En Twitter varios fans se han desmayado.

Patrick Stump: (Risas) Sí, eso fue estúpido, caí redondo. Unos chicos decían que han habido muchos desmayos, y yo contesté: ah! necesitan más agua. Entonces lo comenté en Twitter y todos me contestaron “se están desmayando porque están felices de verte”, y entonces me sentí como un idiota, sólo me preocupaba por su hidratación.

veintiseis

por: Rocco Portillo Fotografías: Cortesía de Terrícolas Imbéciles

Ese disco debería venir con una leyenda de precaución, algo así como: “No apto para corazones frágiles”.

Ese disco tiene la misma tristeza y ansiedad que siempre ha caracterizado a The National, pero ahora la manera en que te aborda es diferente, es más directa y envolvente que antes, como su título lo indica: el problema te encontrará… si se lo permites.

Es ese momento de placer que brinda llorar sin reparos durante horas, ese analgésico natural que brindan las lágrimas, esa aparente fortaleza que se tiene cuando se ha perdido todo; es desde ahí que Matt Berninger canta. Por eso es un disco no apto para corazones frágiles, porque quieras o no te llevará hacia un punto obscuro, en el cual si no estas suficientemente entrenado puedes perderte. Es para aquellos que pueden encontrar un extraño placer en la melancolía. Para aquellos que aunque estén solteros, cantan canciones tristes con sentimiento, imaginando historias de desamor, celos y pasión por puro gusto.

Un hombre con el corazón roto no podría aguantar la tristeza que presenta esta banda en sus canciones, podrían parecerle algo demasiado real para sentirse identificado. Un hombre con el corazón roto buscaría refugio en gente como Morrissey que le canta a la tristeza desde una perspectiva general y escondida entre metáforas. The National es para aquellos que están listos para tocar fondo, pero que están sumergiéndose por voluntad propia. Es para masoquistas de las grandes ligas, no para aquellos que presumen estar tristes.

Alguien muy acertadamente me comentó: “Cuando alguien está verdaderamente triste no grita, guarda silencio”, y es una verdad que hemos visto muchas veces en la cultura popular.

A mediados de la década pasada, había todos estos pubertos diciendo que estaban tristes, con sus flecos y playeras de rayas llegaron a gritar y anunciarse como personas deprimidas.

Nadie de ellos realmente lo estaba, la tristeza era un juego que querían jugar pero para el que no estaban capacitados, ni emocional ni mentalmente. Con el paso del tiempo sus flecos desparecieron por casquetes cortos y los pantalones ajustados se cambiaron por uniformes que siguieran los lineamentos de las empresas para las que ahora trabajan. La tristeza era para ellos sólo parte de una moda juvenil.

The National es para aquellos que saben sufrir en silencio y que lo hacen como un ejercicio espiritual que no necesita ser presumido.

The National es una agrupación formada por dos pares de hermanos y un vocalista. En este 2013 son todo menos una banda joven, llevan más de diez años juntos y han aprendido a vivir entre las sombras durante mucho tiempo. Así como James Murphy de LCD Soundsystem, Matt Berninger es un hombre al que la fama le llegó ya que tenía varios años encima. Atrás está el buscar un regocijo en las drogas y las fiestas, la felicidad se ha transformado en una meta totalmente diferente, incluso

I

have only two emotIons, careful fear and dead devotIon.”

ha dicho que prefiere estar en su patio trasero con su esposa y una copa de vino que en el after de alguno de sus conciertos.

Con el tiempo todos vamos llegando a la misma conclusión, dándonos cuenta que la tristeza no es tan bellamente adornada como la de un joven rockstar tocando fondo.

La melancolía ahora se ha convertido en una amiga para Matt Berninger, la ha acompañado muchos años y ahora la utiliza como lienzo para sus desgarradoras letras, ya no para exaltar sus experiencias, sino también como parte de una ambientación a muchos personajes que, como él, encuentran mejor refugio en una nublada tarde que yendo en un convertible a toda velocidad bajo los rayos del sol.

Con High Violet, su disco anterior, The National tuvo por primera vez un reconocimiento casi universal, uno que se ganaron gracias a sacar un disco sólido tras otro; no es que High Violet fuera significativamente mejor a The Boxer, era que después de una carrera tan estable, era tan sólo cuestión de tiempo para que finalmente explotaran.

Lo mismo le pasó a The Black Keys, quienes demostraron que esa ruta es un arma de doble filo, pues cuando la proyección crece, las expectativas también, incluso las de los mismos fans.

Inevitablemente el siguiente trabajo pasa por un escrutinio digno de un laboratorio, los ojos del mundo los observan. Un proceso del cual la banda de Cincinnati sale victoriosa, como Arcade Fire que ahora cuentan con el cobijo de los críticos y una exposición a miles de oídos que están dispuestos a perderse entre los melancólicos rumbos de su música. Como dice la letra de la interpolesca Graceless: “There is a science in walking through windows”.

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E

l sexto disco de The National ya tenía un lugar en el corazón de sus fans antes de que saliera y era porque sabían lo que iban a recibir. No es una banda que cambie radicalmente de sonido, aunque siempre que se preparan para crear uno nuevo ese es su objetivo. Lo que The National te brinda es una experiencia, lo hace muy bien.

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Fotografía: Dierdre O’Callaghan

Por ello insisto en esa advertencia: “No es apto para corazones frágiles”. Ahora que muchos escucharán sus canciones, es momento de decirles que tienen que pasar por este tipo de álbums con cuidado, es un juego peligroso y en cualquier momento de descuido puedes terminar perdido, tomando las letras como knockouts emocionales, sin saber dónde es que perdiste toda esperanza. Este tipo de materiales es para aquellos que saben pasearse entre la melancolía sin perder la sonrisa en el proceso, “es una ciencia caminar a través de las ventanas”.

“There’s some things that I should never laugh about in front of family, I’ll try to call you from the party, It’s full of punks and cannonballers”.

Desde Pink Rabbits hasta I Need My Girl, durante el disco se regresa una y otra vez al concepto de un amor imposible, una mujer digna del mundo fílmico, esa musa con la que todo hombre sueña, esa mujer ideal, esa Summer que termina haciéndole añicos el corazón al protagonista. Pero sólo se muestra como un concepto que se desvanece, un recuerdo que se va y que sirve mejor como recuerdo. Muchos hemos aprendido que ese concepto no es real, con el tiempo te das

cuenta que la realidad puede ser mucho más obscura, pero que sentimentalmente nunca llegará a los tonos de la ficción.

“Is there a powder to erase this?, is it dissolvable and tasteless? You can’t imagine how I hate this”. En Graceless piden una forma de alejarse de la tristeza pero no es algo que de verdad quieran. Matt Berninger, los hermanos Dessner y Devendorf pertenecen a ese grupo de músicos que se desenvuelven mejor en la obscuridad emocional. ¿Imaginas a Ian Curtis, Morrissey, Thom Yorke o Robert Smith felices? No, su felicidad es otra, es aquella que se encuentra después de pasar mucho tiempo sin luz, cuando los ojos se acostumbran y pueden ver con claridad en la obscuridad.

No es casualidad que Trouble Will Find Me tenga algunos de los momentos mas dinámicos y “alegres” musicalmente, es solo que ellos han pasado tanto tiempo coqueteando con la tristeza y los tonos sombríos que han aprendido a ver claramente en ella. Para ellos la luz es parte de la obscuridad y la felicidad es parte de la tristeza. Una con la que han aprendido a vivir.

Después de un tiempo, tocar fondo es la única salida. Pero se los digo una vez más, la tristeza no es para cualquiera.

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FLEETWOOD MAC por: Magalie Torres

Fotografías: Cortesía de Warner

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CUANDO EL AMOR DURA POCO Y EL DESAMOR TODA LA VIDA

Fotografía: Herbert W. Worthington

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C

on tanta tecnología uno ya puede manipular y simular que cantas bien o que eres un músico extraordinario, sólo hace falta dar un click para arreglar esa voz desafinada, y otro click más para hacer que la batería suene más brillante. Hoy, cualquiera puede hacer música perfecta pero: ¿Cómo conservamos el elemento humano? ¿Cómo hacemos que la música siga sonando como si la tocara gente que no es perfecta y que tiene alma?” Esto se pregunta Dave Grohl en Sound City, esto me pregunto yo misma.

“

treinta y dos

“Well, just remember: A heroe is so hard to find” No siempre se vive de la música. No todos cuentan con el placer de ser elegidos para vivir la vida que siempre han querido. Lindsey, Stevie, John, Mick y Christine a pesar de que convivieron con la fatalidad, el amor, el desastre, y que estuvieron amenazados por la destrucción y las separaciones, siempre hubo una necedad y un destino que los mantuvo unidos.

Desde sus inicios en 1968, Fleetwood Mac fue una banda que estuvo destinada a la oscuridad y al abandono. Peter Green, fundador y creador de la banda, abandonó a sus amigos después de dos años de estar en gira. Decidió unirse al Highfish Kommune. Ahí conoció el LSD, las malas compañías y, literal, se quedó en el viaje. Un genio del tipo Syd Barret que no pudo con el mundo real y escogió quedarse en las sombras. Tiempo después Green fue diagnosticado con esquizofrenia.

Muchos músicos pasaron por suplentes, ninguno llenó el vacío dejado por Green. Christine McVie en una espiral de enamoramiento que sólo da la juventud se casa con John McVie y se une a la banda. Es una de las mejores letristas que el mundo ha dado y fue la columna vertebral de Fleetwood Mac. Con todos los desastres pisándoles los talones, se mudan de Inglaterra a EU y ahí reescriben la historia, así inicia la segunda parte de la agrupación. Conocen a los Buckingham-Nicks, otro par de adolescentes enamorados que hacían música juntos. Cuánto amor había en los 70’s.

De ser una banda de blues, cambian abruptamente a ser una banda de soft-rock. Ahora, no sólo tenían a una letrista, tenían tres. “…Dreams unwind, love’s a state of mind…”

Todo lo que empieza o se reescribe es fresco, es nuevo.

Los fans radicales y anarquistas de Fleetwood Mac nunca perdonarán la transcición del blues al rock, una que sin embargo les dio fama e inmortalidad. Para mí todo es una exageración. Cada época tiene su encanto.

Pocas veces el destino y el universo se alinean para que tanta gente excepcional se reúna, que todos coincidan en un lugar, en un momento y en un estudio de grabación. El primer disco de Fleetwood Mac, de nombre homónimo, fue muy sencillo de hacer. Todo era nuevo, todos estaban llenos de amor, embotados de sueños y con la oportunidad en el

corazón. Grabaron el disco y cruzaron los dedos deseando que todo explotara.

Con Buckingham y Nicks llevando la responsabilidad de adueñarse del escenario, el grupo rápidamente se convirtió en una bomba. Todo era singular. Dos mujeres y tres hombres que sabían hacer armonías, que jugaban con las voces al mismo tiempo que imprimían un sello único lleno de sombras.

Nadie ha podido escribir desde la esperanza, el amor, la lejanía o el daño como Chris McVie lo hizo. Nadie ha podido escribir desde el desamor, la soledad y la desesperación como Lindsey Buckingham lo hizo. Y no hay un corazón tan roto como el de Stevie Nicks.

Lo que caracterizó a Fleetwood fue la mutabilidad y versatilidad que tenían para pasar de una voz a otra. De un sentimiento tan inofensivo y soñador como en Landslide y esa voz tan suave de Nicks, a uno tan desolado como Storms o uno tan salvaje como Rhiannon. De Don’t Stop con una Chris cantando desde el piano, sonriente y llena de vitalidad, hasta un Songbird donde el escenario se apagaba y sólo quedaba ella haciendo llorar hasta a sus propios compañeros. De un desamparo como en I’m So Afraid de Buckingham, hasta Big Love donde le brillaban los ojos. Para terminar con Chain o Tusk donde había una detonación de sonidos y todos sonreían. Qué caos.

Cuántas opciones había entonces, cuánta gente con ganas de cambiar el mundo y hacer historia. También era la época de Jethro Tull, Cream, The Who, Genesis, Elton John, Pink Floyd. Era el período de la diversidad, del amor libre, de la creatividad y también de la destrucción. Muchos nacieron en los 70’s y otros tantos vivieron esos años pero para no contarlos. “…Damn your love, damn your lies, break the silence, damn the dark, damn the light…”

Fleetwood Mac tiene una de las historias de amor y desastre más tóxicas de la música. Creo que por eso me gusta tanto, sí por su música, pero el morbo que provocan las historias personales y el espanto humano que a todos nos envuelve, me lleva a otro lugar.

Pronto llegó Rumors uno de los discos más vendidos de la historia y considerado como obra maestra de pies a cabeza.

Y lo es. Pero el éxito no venía sólo, los siete jinetes del Apocalipsis le acompañaban. Destrucción, drogas, celos, infidelidades, traiciones y oscuridad, todo lo anterior velado por esos momentos en los que te das cuenta que el amor no lo puede todo. Que paisaje tan desolador.

Ese disco es la mejor novela de amor, traición, esperanza, pasión, dolor, rabia y furia humana jamás expresada, y de qué manera lo hacen. Nadie estaba preparado para el cataclismo que venía. El amor dura poco, pero el desamor es para toda la

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You Can Go Your Own Way de Lindsey para Stevie, Dreams de Stevie para Lindsey. You Make Loving Fun de Christie para Dennis Wilson (baterista de los Beach Boys). Y la ironía de Don’t Stop. ¡Qué devastación, qué furia, qué dolor!

Sólo hay que ver esos bootlegs donde se les ve en concierto cantando esas canciones. Hay que ver una divinidad como Stevie con los ojos llenos de lágrimas y rabia cuando tiene que hacer los coros de esa canción. Hay que ver el desprecio y la violencia con la que Buckingham se la canta. “…My little demon’s turnin’ me around…”

Con los años encima y los daños en la espalda, un día Lindsey Buckingham puso punto final y decidió irse. Después le seguiría Christie, cuando ya no tenía fuerza para pelear con sus demonios, cuando prefirió dejarse arrastrar por el infierno. Hay una cierta fascinación al desastre que provoca que derrumbemos todo para ahogarnos en los escombros, vivir en la oscuridad y regresar al mundo de los vivos. A pesar del terremoto emocional, la música fue sólo el pretexto para

Fotografía: Sam Emerson

seguir juntos, un lazo que nunca han podido romper. A pesar de que en esos momentos de separaciones todos tuvieron sus proyectos solistas, siempre regresaron a ese lugar llamado hogar, llamado Fleetwood Mac. Llegó Tusk (para mí, el último gran disco de ellos), y le seguirían Mirage, Tango In The Night, Behind The Mask, Time y The Dance que sólo quedaron como constancia de la historia, aunque cada uno con varias canciones brillantes. El último fue Say You Will, y después de diez años un EP con sólo cuatro canciones. Nada que probar, nada que cumplir, sólo hacer música. “…Your pain had to sleep…”

Si aprendemos a pensar en nuestra vida no como la línea del tiempo de Aristóteles, sino como cada uno de los intensos momentos individuales, sabremos que incluso en el momento más difícil, el más desesperado y hasta en el más humillante fuimos felices. Por eso Fleetwood Mac es una de esas bandas que es necesario e incluso imperativo escuchar, porque fue gente que vivió lo mejor del amor y se arrodilló ante él cuando se había terminado.

No importa cuánto haya cambiado la escena de la música desde entonces, todos los álbums de Fleetwood reflejan la naturaleza humana y las relaciones, algo que nunca pasará de moda. Su encanto radica en que son gente que siente, que no es perfecta y que tiene alma. Y para mostrar eso, no hay ningun click en ningún programa que mejore la condición humana.

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vida. La rutina, el tiempo, las drogas, el alcohol y la intensidad se hicieron cargo de separar a Christie de John y a Stevie de Lindsey. Los cuatro fueron gente que no huyó del desastre, que decidieron quedarse y admirarlo de frente. La destrucción fue parte de la magia y de la creatividad, aprovecharon todo el daño, se sentaron y crearon uno de los mejores discos de la historia.

EL ORGULLO BRITÁNICO DE LA GENERACIÓN DIGITAL por: Marc Sander Fotografías: Cortesía de Sony Music

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o hay duda alguna, desde hace muchas décadas, la mejor música se hace en el Reino Unido.

The Clash, Radiohead, Black Sabbath, Blur, The Who, David Bowie, The Rolling Stones y ese pequeño cuarteto de Liverpool, todos son de aquella isla. Sin importar el género, pareciera que el talento se transmitiera con la incesante lluvia o con el té de las cuatro.

Con una población de apenas poco más de 61 millones de habitantes, el porcentaje de bandas per cápita es probablemente más alto que en cualquier otro punto del orbe. Desde las highlands escocesas hasta las montañas galesas, desde los callejones de Oxford hasta Trafalgar Square en Londres, en cada rincón de la escarpada geografía de la Gran Bretaña surgen talentosos músicos, como si de generación espontánea se tratara.

El condado de Worcestershire (sí, donde se fabrica la salsa del mismo nombre, esa que usamos en las micheladas) vió el nacimiento de Peace, un cuarteto que en este 2013 busca convertirse en el nuevo estandarte del Rock inglés. La banda está formada por los hermanos Harrison y Samuel Koisser –en la voz y el bajo respectivamente–, Douglas Castle en la guitarra principal, y Dominic Boyce en la batería.

Como buenos representantes de la generación digital, la presión y el hype no se han hecho esperar. Los rotativos especializados han puesto la vara muy alta comparando a Peace con bandas ya establecidas como Foals, The Maccabees y hasta los ya extintos WU LYF. Hace unas semanas el morbo me llevó a escuchar a la banda en vivo; buscaba una justificación a la cobertura mediática con la que esta novel banda cuenta. Las condiciones eran idóneas para disfrutar a un acto en vivo: un escenario pequeño a media tarde y bajo una llovizna ligera pero constante. Muchas personas se encontraban en la misma situación en la que yo me encontraba, buscábamos despejar dudas… y al final de un corto set quedamos maravillados. Peace es más que una banda promesa, es ya toda una realidad. Es sumamente injusto realizar comparaciones con otras agrupaciones del presente o pasado, pero lo que sí puedo afirmar es que cuenta con la irreverencia de la nueva ola de bandas inglesas de rock alternativo.

Bloodshake Aunque el nombre Peace apenas se asoma en los blogs especializados, la banda se creó en el 2009 con el nombre November and The Criminal, bajo el cual publicaron un EP homónimo en marzo de 2010.

En octubre del mismo año el grupo renació como Peace, luego de que una foto conmemorativa del final de la segunda Guerra Mundial con este mismo título los conmoviera fuertemente.

Peace es, probablemente, el nombre menos “googleable” en toda la historia, pero al cuarteto no parece importarle.

A principios del año pasado, Peace fue nombrada por NME como una de las bandas a seguir durante 2012. En abril del mismo año, la banda sacó a la venta su primer sencillo Follow Baby en un vinyl de 7 pulgadas, la distribución se limitó a 500 copias. Es una de las agrupaciones que aboga por la utilización del vinyl como formato vigente y del disco como artículo de colección, entregando ediciones especiales; práctica que siempre es bien recibida por los melómanos en todo el mundo.

Durante el verano salieron de gira con Palma Violets, Miles Kane, Django Django, The Vaccines y Mistery Jets; y para otoño la banda lanzaba un EP con cuatro canciones llamado Delicious, con exitosos cortes como Bloodshake y California Daze.

treinta y seis

Lovesick Después de generar una considerable fama entre los medios especializado, la disquera transnacional Columbia tuvo la visión de llevarlos a sus filas y apoyarlos financieramente en la producción de un LP. El 25 de marzo del 2013 llegó el estreno del tan esperado álbum debut In Love, conformado por material totalmente inédito. A la semana de su estreno, con casi diez mil copias vendidas, se coló al número 16 de la lista de popularidad británica.

La espera de casi un año valió la pena, In Love es un sólido primer disco. Un concepto bien definido a lo largo de las diez canciones que lo conforman. La voz de Harrison Koisser funge como guía en un psicodélico viaje que te atrapa desde la primera escuchada.

Los hermanos Koisser son compositores natos, tienen esta angustia juvenil que le otorga a cada acorde una sonoridad fresca, sin perder la irreverencia típica del adolescente británico. En este disco no hay lugar para pretensiones, sólo para guitarras nadando en mares de reverberación y melosas letras cobijadas por sencillas melodías.

El disco es una honesta reinterpretación del sonido y estética de los años sesentas con un twist del siglo XXI. In Love es muy ecléctico pero cuenta con una peculiar sonoridad que da congruencia al álbum y permite que fluya como una entidad y no como aislados destellos de genialidad.

Hay momentos en los que el folk roza con guitarras mathrockeras que bien podríamos escuchar en Don Caballero o Battles. En su breve historia, a Peace nunca le ha importado romper paradigmas. Los géneros musicales son obsoletos como concepto y ellos lo han entendido mejor que ninguna otra banda. ¿Qué género tocan? ¡Qué más da! Suenan a lo que siempre han sido y a lo que quieren ser; muestran una honestidad y congruencia envidiables.

Lovesick, Follow Baby y Wraith se desprendieron como sencillos

y tuvieron una buena respuesta en las estaciones radiofónicas inglesas. Esto no sorprende, las tres canciones cuentan con un coro sumamente pegajoso y duran menos de cuatro minutos, por lo que son ideales para ser programadas continuamente en la radio.

El futuro inmediato Durante este verano, Peace emprenderá un ambicioso tour por festivales europeos y asiáticos, entre los que destacan Glastonbury, Reading y Leeds. Durante el otoño tienen además un par de fechas en Nueva York y en la lluviosa costa oeste de Vancouver.

Además, para nuestro regocijo, visitarán la ciudad de México para presentarse el día sábado 12 de octubre en el festival Corona Capital. Perdérselos sería un grave error. Peace está catalogado como uno de los mejores actos en vivo de la actualidad y con la experiencia adquirida en estos casi dos años de tour, sonarán aún mejor.

Harrison Koisser cuenta con uno de esos espíritus creativos incansables, tengo por seguro que pronto escucharemos nueva música producto de su genio, ya sea bajo el cobijo de sus compañeros de banda o experimentando con nuevos espectros sonoros en algún proyecto alterno.

De cualquier forma, el cuarteto está listo para tomar la estafeta del rock británico. Talento, agallas y humildad, Peace parece tener el paquete completo. Si continúan por este camino en un futuro no muy lejano llegarán muy lejos.

Y sí, la reina Isabel II debería estar orgullosa, la mejor música se sigue haciendo en el Reino Unido.

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LIFE IS SHORT, SO DON’T BE SHY por: Rocco Portillo

Fotografías: Cortesía de Sony Music

La batería anuncia una entrada magistral, y cuando los instrumentos de viento se añaden a la mezcla pareciera que estamos frente a la entrada de un príncipe: alfombra roja, guardias, fanfarrias y todos los estereotipos incluidos. Un hombre engreído baja del carruaje con la cabeza en alto, lleva lentes obscuros, ya no es ningún joven, detrás del cristal están las pocas arrugas de un ser humano de cuarenta años.

Detrás de él bajan sus hombres de confianza. El príncipe es déspota y camina con seguridad, no es agradable pero la entrada musical es tan enaltecedora que por un segundo crees en él, su presencia te pesa y la gente lo aclama con vehemencia. Quién sabe, quizá después de todo el hermano menor será el que gane esta batalla. Flick oF the Finger, la primera canción de BE, segundo material de Beady Eye, da esa ilusión.

Es una lástima que el príncipe maldito no tenga los argumentos para quedarse con la corona.

A

l hablar de Liam siempre estará ese elefante en la sala, ese fantasma que lo perseguirá por el resto de sus días, esa persona que sirve de parámetro para todo lo que hace. Y no es que uno quiera meter siempre al mayor de los Gallagher cuando se habla de Beady Eye, lo que pasa es que el mismo Liam es quien saca su pasado a la luz, no sólo en la entrevistas, también en su trabajo musical. En el nuevo álbum de Beady Eye esta Don’t Bother Me, una canción que sin nada de sutileza se refiere a su hermano mayor: “Did you shoot your gun/Always in the sun/ with your Number One...”.

1

Como todos saben, en un reino lejano, hubo un tiempo en que los dos hermanos lideraban el territorio. Los Gallagher eran amos y señores de la escena musical, con el tiempo se enfrentaron a grandes enemigos y perdieron algunas batallas (véase Blur), pero lo más importante que se perdió fue la hermandad que alguna vez los hizo grandes. Mientras Noel brillaba por su creatividad, Liam se fue convirtiendo en uno de los ejemplos psicológicos más estereotipados del la psicología básica, el del hermano que siente recelo por su hermano mayor.

Como Abel y Caín, los dos hermanos más egocéntricos y problemáticos de la música terminarían enfrentándose a muerte. La historia marcó que no podrían seguir juntos y Noel dejo atrás el reino, inmediatamente convirtiéndose en un tesoro nacional y demostrando frente al publico y la critica que él era uno de los mejores valores de Oasis. Liam junto con Andy Bell y Gem Archer se enfrentaron al primer round discográfico con Different Gear, Still Speeding perdiendo debido a la energía inocente que no supieron condensar frente a un más consciente y menos voluble Noel.

cuarenta

2

Liam y sus fieles comandantes se retiraron del campo de batalla y buscaron guía en un inusual hechicero llamado David Sitek, quien aparte de su trabajo con TV On The Radio, le ha dado un toque especial a gente como los Yeah Yeah Yeahs. Esta colaboración provocaba emoción en unos cuantos y curiosidad en muchos más. Quizá el hermano menor podría ganar el segundo round de esta guerra fraternal. Hay momentos en los que parece cierto, canciones de BE demuestran lo mejor de la banda cuando no se esfuerzan tanto por demostrar su calidad, sin embargo, y aunque él diga lo contrario, Liam siempre está demasiad consciente y preocupado por la recepción que su trabajo tendrá. En las entrevistas siempre habla y da juicios polémicos sin pensarlo dos veces, lo que le ha generado muchos detractores, pero siempre habrá que reconocerle la fidelidad a esa arrogancia que lo caracteriza. Ojala hubieran creado BE con la misma despreocupación con la que su vocalista habla en las entrevistas.

En temas como Flick Of The Finger y I’m Just Saying, Beady Eye logra grandes cosas, y es precisamente porque son momentos en los Liam suena a Liam y no a la copia barata de Lennon –momentos que marcan los puntos más bajos de su carrera.

La gran decepción de Beady Eye es, que aunque siempre han

dicho que buscan una identidad propia, continúan regresando a personificar los modelos que tan bien conocen. No permiten que gente como Sitek los lleve a nuevos territorios y los haga brillar. Liam, Bell y Archer son los primeros en regresar a las formulas tradicionales, y por ende el fantasma de Oasis regresa. Los trucos de David Sitek terminan por perderse en el fondo, en un segundo plano muy desenfocado.

Oasis siempre fue esa banda que se ama o se odia sin puntos medios, para los Gallagher todo siempre fue blanco o negro, no existía una escala de grises. Después de su separación fue fácil para sus detractores desvirtuar a Liam y a duras penas reconocer el valor de Noel. Todo esto gracias a que Liam se puso en una situación en la que sería fácil juzgarlo. Ahora sin su hermano, el trío tenía mucho que demostrar. No es que BE sea un disco malo, para nada, las composiciones de Bell y Archer son grandes aportaciones. Face The Crowd es una canción que emociona por su furia, y Liam canta con una fuerza infinitamente mayor a la que escuchamos en los últimos dos discos de su anterior banda. El dilema está en los detalles, Beady Eye se queda cerca de hacer clásicos pero no termina de lograrlo, son pocas las letras que pasan de las rimas obvias y juveniles; lo mismo sucede con los riffs, están cerca de lograrlo pero hay una cautela que le quita todo el magnetismo a las canciones. ¿No hubiera sido increíble que con este material Beady Eye dejara al mundo con la boca cerrada? ¿Qué dejara a Oasis como parte del pasado y sólo pudiéramos hablar de ellos por ser una gran propuesta? ¿Qué Liam con este disco lograra validar su lugar entre los grandes vocalistas y dejaran de verlo como el hermano menor?

3

Muy tristemente en el round dos Beady Eye ya mostró sus cartas y no sorprenden. El As bajo la manga son las canciones que se encuentran en las ediciones de lujo, Back After A Break y Girls In Uniform. Éstas son verdaderas joyas y no hay justificación para su exclusión del material. Es en estas canciones en donde se muestra el lado vulnerable de los artistas, y aunque tienen toda la capacidad de recordarnos a la banda que hizo What’s The Story? (Morning Glory), brillan por ser auténticas. Oasis siempre pendulaba en los extremos, o eran geniales o tenían momentos deplorables, y ese es el defecto de Beady Eye, ellos son toda la gama de grises, nunca llegan alcanzan el blanco o el negro.

Cuando los arrebatos se quedan en berrinche y no hay consecuencias, cualquier discusión pierde importancia. Los Gallagher fueron reyes en su momento y fueron ellos los que le quitaron el valor a la corona. Irónicamente son demasiado parecidos a la verdadera nobleza, tienen un lugar honorario pero no serán tomados en cuenta para las decisiones importantes.

Era el momento de brillar como fuegos artificiales en el cielo o simplemente explotar destructivamente, nada estalló y todo quedó en una triste fumarola, es una lástima. I’m just saying.

1 A.K.A. Noel Gallagher.

2 No que hubiera mucha duda.

3 Siempre habrá gusto en que alguien en quien no se tiene ninguna expectativa sorprenda y deje calados a todos esos haters, y tenía la ilusión de que Liam lo lograra.

it’s

i’m Feeling Fine, this is my time to shine

nearly but it’s not too late, the Future’s getting underway

i’m just saying, i’m just saying

QUEENS

OF THE

STONE AGE Por: Rocco Portillo

WAKE UP cuarenta y cuatro

H

ay algo que debemos tener en cuenta, todos los discos son conceptuales o mejor dicho, todos los discos tienen la capacidad de ser conceptuales. El truco está en saber substraer el concepto, separarlo de los términos comunes y convertirlo en algo más. La objetividad no debería existir cuando se habla de un álbum, eso esta ahí para todos, los números y datos siempre terminarán siendo irrelevantes. Lo único que realmente importa es cómo lo procesan distintos individuos. No importa si el artista no piensa en el álbum como un concepto unificado, si Lynch no piensa en qué significan sus películas o si Picasso nunca romantizó su arte. Si la audiencia es capaz de encontrarle un significado, debe ser más que suficiente, de no ser así, el rock sólo sería un tipo de música y no algo capaz de cambiar la vida. Todos los discos pueden ser conceptuales, …Like Clockwork lo es, al menos para mí.

Hay muchos seres míticos reunidos en este material, todos ellos sirven como un gran cast a una película bastante trágica que se acerca al sci-fi y a la obscuridad de la animación japonesa, todos aparecen como si se tratara de cameos o fantasmas del pasado de la figura central: el único rey de Stone Age, Josh Homme.

A Man Walks Into A Bar...

Nunca fue una banda en forma, nunca hubo una alineación clásica que durara por un tiempo considerable, siempre ha sido Josh el único miembro estable, el director, el guionista y el actor de esta historia. Los videos animados hechos por Boneface y Liam Brazier son una gran muestra de este tétrico universo, lleno de seres desagradables que mueren tan violenta como poéticamente uno tras otro, sin embargo estos videos sólo son un vistazo a ese obscuro estado que Josh Homme y el resto de sus fantasmas pueden provocar.

Hay un hecho que está en el aire siempre que se habla de …Like Clockwork y es que durante el 2011 Josh Homme estuvo hospitalizado durante trece días debido a una complicación en una cirugía de rutina, hubo un momento en el que su corazón dejó de latir y en ese minúsculo instante el líder de QOTSA dejó este planeta. No estamos aquí para hablar de ese momento, sino para tomar esa pequeña fracción de tiempo como pretexto que permita

contar la historia que se puede interpretar en este nuevo material de portada roja y 45 minutos de duración. Una historia sobre una vida muy diferente…

Es un futuro post-apocalíptico en donde todos los estratos sociales han desparecido, las ciudades son sólo ruinas que nos recuerdan mejores tiempos, en donde había algún tipo de orden imaginario. Las calles están desiertas, la sangre está seca en el asfalto y los únicos que se atreven a caminar en el exterior son estos extraños y valientes seres, que sin un orden superior se destrozan en una lucha, en donde el único sobreviviente será el aparente vencedor.

Desde que empieza Keep Your Eyes Peeled, la invitación a este lugar, queda claro que hay términos y condiciones específicos e inapelables para entrar a este mundo; como el nombre de la canción indica, uno de ellos es no cerrar los ojos (por más desagradable que pueda llegar a ser la imagen que se nos presenta).

A condition wherein things appear more beautiful than they are… Él camina por el desierto, acaba de despertar, su cuerpo esta lleno de vendajes, y en el saco hay una leyenda escrita con sangre que dice: “Wake Up”. Está despertando en un espacio irreconocible, en algún momento después de la muerte.

Un escenario similar al que Etgar Keret establece en su cuento “Kneller’s Happy Campers”, hay un lugar especial al que se va después de morir, pero en él siguen existiendo las mismas reglas, celos y responsabilidades que siempre hemos conocido; hay que tener un trabajo para sobrevivir y buscar el amor (cosa que sigue siendo una angustia). En este contexto, la muerte no significa descanso, sólo un viaje hacia otro lugar parecido. “The rest feel the sting of the words, as they run, to hell.”

A pesar de invocar todas estas obscuras e incómodas ideas, en este material Josh Homme es más romántico y vulnerable que en ningún otro de Queens Of The Stone Age. Un hombre

…Like Clockwork es el testimonio de un hombre haciendo las paces con sus demonios internos, como si se tratara de una versión cruda y verosímil de Scrooge. L os fantasmas del pasado, presente y futuro lo llevan a una autoevaluación catártica.

Desde Elton John mostrando que incluso una reina tiene su lado salvaje en Fairweather Friends, desestabilizando no sólo al artista, sino también a los conceptos preestablecidos que todo el mundo tiene. Trent Reznor, siendo un ref l ejo del lado obscuro y violento de Homme, afirma que no es coincidencia que en Kalopsia las voces de estos dos genios se pierdan una sobre la otra y se unan en un mismo lamento. L os viejos conocidos regresan, incluso aquellos que estaban enterrados en la memoria (Nick Oliveri) y otros melancólicos buenos recuerdos también (Mark Lanegan). No hay que ocultar las cicatrices, hay que aprender a reconocerlas. “See me dancing on the scars.

See me dance…”

Las colaboraciones pueden parecer el factor que fragmenta al disco, pero es el concepto de desolación el que después de varias veces de escucharlo le brinda una nueva cohesión.

En el cortometraje animado que acompaña al álbum, los

muertos regresan de la muerte para hacerse uno mismo con un amorfo, caricaturesco y tenebroso Dios, que simboliza esa totalidad y omnipresencia cegadora. Al volver a abrir los ojos regresamos al principio, todo estuvo en nuestra mente pero no somos los mismos que antes, siempre está la obligación de continuar despertando.

“The Vampyre of time and memories has died, I’ve survived, I speak. I breathe, I’m incomplete, I’m alive, hurray, you’re wrong again coz’, I feel no love. Does anyone ever get this right?”

The Crack Of Doom Es difícil atestiguar lo vulnerables que somos y la crueldad que puede existir en nuestra realidad. La ficción y el arte han sido usadas por muchos como un escape a las dificultades de la vida ordinaria y cotidiana, sin embargo hay quienes hacen de su trabajo una verdadera proyección de nuestros más internos deseos, miedos y traumas.

Ahí es cuando el arte deja de ser entretenimiento, cuando el cine deja de ser un pasatiempo o el rock deja de ser sólo ruido entre compases.

Es cuando nos vemos reflejados en el trabajo de alguien más, cuando aprendemos algo que no conocíamos de nuestro propio ser. Hay muchas personas que prefieren divertirse y no tiene nada de malo, el mismo Homme aseguró que está bien buscar la fama, porque la fama n o e s r e a l . Pe r o e s t a m o s aquel los dispuestos a sacrificar las comodidades en busca de algo más, no sabemos qué, pero está en esos discos, en esos libros viejos y en una olvidada proyección de un filme.

Tarde o temprano siempre lo encontramos, y en cada ocasión estamos en el tiempo perfecto, ...Like Clockwork

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que va caminando solo y reflexionando sobre su vida. Las colaboraciones con otros artistas sólo son recuerdos de viejos amigos, fantasmas que están presentes pero sólo como ideas.

La voz de Alex Turner se percibe sutilmente en If I Had A Tail y el sonido de su guitarra es apenas presente, el regreso a la batería de Dave Grohl es una intermitente entre los tracks, y en el inter regresa el fantasma del ex baterista Joey Castillo (quien fue despedido por Homme a mitad del proceso de grabación).

cuarenta y seis

SAVAGES NO MORE FEAR, NO MORE DARK SHADOWS

por: Andrea Paz Fotografía: Richard Dumas Fotografía: Cortesía de Matador Records

Siempre he agradecido a Londres esa capacidad, que aún no logro entender, de ser la más grande y vigente meca musical de la historia. Es casi irrefutable el hecho de que por cada tres bandas que impactan al mundo, dos son inglesas. ¿Es algo genético o es sólo esa inexorable esencia under que se sigue apoderando de las nuevas propuestas? ¿Cuándo nacen en los hospitales les dan a beber agua del Támesis? No lo sé, pero qué gusto que llegaran cuatro chicas unidas bajo el nombre de Savages.

Escuchar Silence Yourself, su primer material de larga duración –su primer trabajo es un EP, I Am Here, que fue lanzado en el 2012–, es escuchar uno de los lanzamientos más prometedores del año (al menos hasta ahora). Pero volvamos al bar, una plática sobre cualquier tema siempre es más agradable en un lugar de excesos y perdición; pongámosle play al disco y dejémonos adentrar en los pensamientos y ser atraídos al círculo de sus repeticiones, ese lugar es quizá donde uno puede al fin desaparecer.

Silence Yourself es pretencioso, sí, pero hay que saber poner cada pieza en su lugar para gustar y mostrar que bajo tanta producción hay algo bien pensado, con un objetivo lógico.

Y sabes que lo han logrado cuando el disco sigue y sigue y mientras más lo escuchas más te cuesta marcharte. Para Savages no es necesario todo un análisis social y musical, algunos simplemente cuentan historias de vida, experiencias que no lo son hasta que alguien las cuenta, como para dar a cambio a sus escuchas y benefactores algo de bondad aunque sean sólo palabras. Otros tienen verdadero talento sin tener que esforzarse de más, otros trabajan para aparentar tenerlo, y ocasionalmente te puedes topar con genios; algunos van desde lo simplemente menesteroso hasta lo absolutamente miserable, pero donde quiera que mires allí están.

El mundo de las chicas solía ser hasta cierto punto silencioso, suave y armonioso, pero bajo la tutela y voz de Jehnny Beth este cuarteto grita en la oscuridad del rock británico.

Hay teclados, una imponente batería, agresión, influencias de Siouxsie & The Banshees, incluso algo de la lírica de los comienzos de Patti Smith, pero jamás hay algo predecible.

El avance de los 11 tracks que componen la placa es una extraña claustrofobia que no te causa ansiedad porque no quieres escapar, sorprendentemente todo se vuelve un refugio magnético.

Recientemente nos hemos encontrado con bandas que se niegan a dejar su lugar en la escena, ese lugar que ocuparon en su momento de gloria e irse con dignidad, pareciera que mendigan con una apariencia de orgullo, “dame ese dinero (o esa escucha) -parecen decir-, y pronto volveré a estar frente a ustedes yendo y viniendo alrededor del mundo”. Otros han renunciado a la esperanza de salir de su marginalidad demasiado derrotados como para dar las gracias a quienes dejan caer un play sobre ellos, justo como ese hombre borracho al final de la barra, con una copa de ron añejo, sucio y desaliñado, al que el bar tender deja estar allí por pura lástima, porque es más sencillo dejar que se ahogue solo a decirle que es momento de retirarse y lidiar con su necedad de aferrarse a lo que algún día fue.

Afortunadamente estamos llegando a un momento en la escena musical en el que un “wow, son chicas” ya no es argumento suficiente para sobresalir; a final de cuentas simplemente se tiene talento nato o no se tiene. Las letras de Silence Yourself son sencillas pero estruendosas que bajo cualquier contexto tienen un fuerte significado, mórbido e incluso lastimero.

“Now you find your nights deeper without anyone else, without anyone else around…” se escucha en Waiting For A Sing.

Afuera de los bares, en los que quizá se refugie una banda que cambiará la vida de alguien, hay vagabundos dormidos en las puertas, derrumbados en las aceras o tambaleándose que parecieran estar en todas partes en el momento en el que los buscas. Savages te da el valor para caminar por esas sucias calles al salir de aquel bar porque si te identificas con alguna de sus canciones entonces estás listo para afrontar a quien sea y a lo que sea, tienes miedo, sí, pero justo esa es la mejor arma que alguien pueda tener.

En el mundo de la música hay una ley que siempre prevalecerá: unos morirán por inanición, otros serán apaleados y otros simplemente se quedarán en el olvido, pero Joy División y el post-punk siempre tendrán un relevo en cada generación.

Después de deconstruir todo debemos de pensar la manera de conjuntar todo nuevamente.”

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P

or un momento me sentí en los años 80’s, en un bar de Londres, oscuro, con una nube de humo que nubla la vista, y al fondo una banda que no alcanzo a vislumbrar, pero no es necesario, la fuerza de sus instrumentos basta para saber que vale la pena esperar a que termine su presentación, y cuando ese final llega me doy cuenta de que sigue siendo 2013 y estoy en México. ¿Qué estaba escuchando entonces?

Fotografía: Oyuki Aceves

por: Andrea Paz

REVOLUCIONARIO

centavrvs Un frankenstein

No sabemos cuándo vamos a sacar el disco nuevo pero si será este año. Producimos una rola y si nos gusta la subimos a los shows en vivo, Esa es la meta de este año.”

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“Sin la herramienta que es internet no estaríamos aquí y esta entrevista no existiría.

“Entre las interpretaciones más comunes sobre la Revolución Mexicana están las que la califican como democrática, liberal, burguesa, política, social, popular, antiimperialista o campesina, con sus secuencias de concluida, derrotada, victoriosa, inconclusa, interrumpida o permanente”, dice el catedrático Rosendo Bolívar Meza; hay otros que simplemente dicen que tal hecho no existió. Pero ésta no es una clase de historia, ésta es la historia de Centavrvs.

C

omo un sueño, como aquel que tuvo Keith Richards del cual surgió Satisfaction, este proyecto netamente mexicano llamado Centavrvs, antes de ser materializado, se manifestó en los sueños de Demián, justo cuando el ahora vocalista de la banda tenía una crisis creativa y de trabajo. Todo se estaba moviendo muy lento, era una extraña transición, sentía la necesidad de reinventarse pues como guitarrista se sentía en una zona de confort que ya lo incomodaba. La inquietud de hacer algo más y darle la vuelta a su vida coincidió con los preparativos para el festejo del centenario de la Revolución. “El tema revolucionario me gusta mucho, los personajes, las historias, las adelitas y los caudillos, y se me ocurrió hacer una especie de homenaje pero de otra manera, tomando los corridos y las crónicas, darles un aire actual y que se montara una crónica audiovisual.”

A este sueño se le sumaron Paco Martínez (guitarra y bajo), Alan Santos (sintetizadores y elementos electrónicos), DJ Rayo (tornamesas de vinil) y Carmen Ruiz (acordeón y percusiones).

Al principio comenzaron haciendo experimentos de sampleo con audios de películas mexicanas sobre la Revolución, como “Vámonos con Pancho Villa” y algunas del Indio Fernández para alejarse de las referencias escolares. En ese entonces Demián estaba trabajando con Luca Ortega (San Pascualito Rey) y él curiosamente vivía en frente del monumento a la Revolución, así que les servía como inspiración. De esas sesiones salió El Caudillo del Sur, que fue tocada por primera vez en la radio de Panamérika. Esta es la primera parte de Centavrvs.

Es difícil reconocer que hay momentos en los que si no se hace algo trascendental la oscuridad te come y hay que

cincuenta

luchar el doble para salir de ese abismo o simplemente resignarse a que si algo no fue, no será, como dice José José. La idea original de vender la proyección de la crónica audiovisual para los festejos del centenario no se logró, la planeación estaba ya muy avanzada y Centavrvs no pudo participar, aunque como señala Demián: “Si hubiera habido voluntad se hubiera podido hacer”. Pero el hubiera no existe, y voluntad no es una palabra que esté en el vocabulario de la mayoría de las personas que tienen poderío mediático en este país. El proyecto como se había pensado cayó en un hoyo negro alrededor de un año, cada quien se dedicó a sus cosas y la idea de que ésto algún día funcionaría se esfumó.

Cualquier comienzo nunca es fácil, se enfrentaron a varias puertas cerradas, pero –y eso es irreductible– no importa cuántas puertas sin abrir existan, en alguna alguien estará detrás esperando girar la manija. Aquella que se abrió estuvo en Mazunte, en un festival de Jazz al que los invitaron a tocar justo un 20 de noviembre, invitación que cayó como anillo al dedo después de que alguien los escuchara en internet. Hubo que rehacer algunas canciones para que se pudieran tocar en vivo, pero así comienza en forma el camino de Centavrvs.

En este grupo formado por grandes músicos (fundado por miembros de Los Dorados, Troker y Torreblanca) la propuesta y demostración de talento no se hizo esperar.

Internet fue una gran catapulta para que más oídos les prestaran atención, aunque claro, nunca falta el purista del folklor. “Cuando subimos La Cárcel de Cananea a YouTube un señor nos dijo ‘Ya le dieron en la madre a la canción de mi pueblo’; pero nos da gusto que el 99% de las respuestas

hayan sido positivas. No pasa nada si a alguien no le gusta, de eso de trata, de que todos aportemos ideas y opiniones.”

A partir de entonces los reflectores sobre ellos no han parado, tocaron en la Estela de Luz para uno de los festejos de la Revolución con una producción importante, le abrieron a Dirty Projectors en su reciente visita a nuestro país, tocaron con gran recibimiento en la última edición del Vive Latino y fueron acreedores a 3 premios IMAS (Disco de Electrónica, Artista Nuevo y Banda del Año). “La escena nacional está joven en el sentido de que se está renovando, aún tenemos el recuerdo de los 80’s y 90’s, pero hay un punto y aparte muy marcado. Ahora [la escena] apenas está volviendo a comenzar, y claro que hay mucho que criticar pero lo importante es enfrentarlas y seguir haciendo cosas nuevas para enriquecer el panorama”, cuenta Alan.

Después de su EP Pacífico, con destellos sónicos propios de los involucrados, y Aniv. de la Rev., que fue comisionado y un poco más temático, preparan su primer disco de larga duración en el que no planean continuar con esta línea tan definida. Al contrario, ahora más que nunca buscan una libertad creativa que les permita plasmar todas las influencias que tienen (electrónica, rock, jazz, hip hop, etc.), que harán que la banda perdure en la nueva escena mexicana.

Esto no puede terminar sin saber la respuesta de la ya gastada pregunta: ¿Por qué Centavrvs? “Porque todo comienza con el pretexto del centenario, por el centauro del norte Pancho Villa y la constelación Alfa Centauri.” La simple amalgama de estos tres significados originan este nombre tan pragmático.

el álbum

MÖTLEY CRÜE

SHOUT AT THE DEVIL

cincuenta y dos

Por: Luis Palmeros

el álbum

E

Estas cuatro figuras de acción nunca rompieron personaje. Tommy Lee sufre de hipersexualidad, se viralizó un video que grabó con Pamela Anderson en una lancha, los dos con las bocas ocupadas, y probablemente no le pese mucho que ese video sea uno de los pornos caseros más famosos de la historia. Vince Neil se sometió a cirugía plástica y triunfó en el irreal mundo de los realities. Nikki Sixx editó una autobiografía titulada The Heroin Diaries y literalmente regresó de entre los muertos. Mick Mars, bueno, siempre fue el más callado, pero seguro apesta a alcohol y malas decisiones. Como grupo, son el estatuto de cómo llevar la vida plástica de un metalero fresa en los ochentas. Qué miedo dormir a su lado, de preferencia acostarse boca arriba y ponerse un tapabocas.

Su segundo LP fue el que los sacó de los callejones orinados en los que probablemente vivían. Mötley Crüe se convirtió en MÖTLEY CRÜE, los héroes de Sunset Strip. Shout At The Devil no es ni su mejor, ni su peor trabajo, pero es el testimonio perfecto para demostrar lo que era la escena Glam metal de Los Ángeles. Metal hecho pop, motocicletas, prostitutas, maquillaje, brillantina, extensiones de pelo; una explosión de excesos hechos música.

La aguda y rasposa voz de Vince Neil fusionada con riffs que generan el mismo efecto dramático del hielo seco (cortesía de Mick Mars) es la fortaleza del sonido Crüe. Tommy Lee y Nikki Sixx lo espesan con coros e instrumentación pero, como en toda esa escena, las estrellas son el vocalista y el guitarrista. Las letras en Shout At The Devil, Looks That Kill y Ten Seconds To Love son himnos de bar redneck pasadas las cervezas y las 2 de la mañana. Canciones como Red Hot son prueba de la indeleble raíz punk, no importa qué tan pervertido y diluido esté el mensaje.

Shout At The Devil fue un disco sumamente influyente para una escena que murió con el nacimiento del grunge. Un álbum multi-platino que puso a la venta absolutamente toda una escena a precio barato, para una generación que todavía compraba discos. Fue (a lo que coloquialmente nos referimos) una ganga.

53

l amor es más complicado que el sexo. El primero requiere sobriedad física y espiritual, su concepto se debe desenmarañar y entender, mientras que el segundo sólo requiere la habilidad de bajarte los pantalones o el cierre sin verte torpe. Mötley Crüe es un conjunto de gringos hedonistas con nulo autorrespeto, y mucho menos respeto al amor o el satanismo. Nombran su disco Shout At The Devil, adornan su acto con pentagramas invertidos y listo. Llaman la atención y “ofenden” de un jalón tanto a la comunidad cristiana, como a la satanista, y son tan gringos, que no les importa. Ellos son pura acción sin premeditación, son trágicos personajes de la baja cultura norteamericana.

Y ¿por qué vale la pena recordar a esta banda? Porque, a riesgo de parecer un “forever”, ya no los hacen así.

C

9. The Passion of Joan of Arc

4. La Règle du jeu

10. 8 ½

5. Sunrise: A Song of Two Humans

3. Tokyo Story

8. Man With a Movie Camera

2. Citizen Kane

7. The Searchers

1. Vertigo

6. 2001: A Space Odyssey

Para el agrado de muchos la historia comienza con las diez mejores películas de la historia de acuerdo a la crítica, donde Vertigo ha destronado a Citizen Kane:

ualquier fanático del cine está familiarizado con el término “Blockbuster” el cuál se refiere a aquellas cintas cuya popularidad genera ganancias multimillonarias en pocos días, lo interesante (y en algunos casos inverosimil) viene cuando observamos los listados con las películas consideradas como las mejores, las más populares y, claro, las más taquilleras de la historia.

por: Rodrigo Prieto

numeralia

cincuenta y cuatro

Title Avatar Titanic Marvel’s The Avengers Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2 Iron Man 3 Transformers: Dark Of The Moon The Lord of The Rings: The Return of The King Skyfall The Dark Knight Rises Pirates of The Caribbean: Dead Man’s Chest

Studio Fox Par. BV WB BV P/DW NL Sony WB BV

Title Gone with the WindTitanic Avatar Star Wars Titanic The Sound of Music E.T. the Extra-Terrestrial The Ten Commandments Doctor Zhivago Jaws Snow White and the Seven Dwarfs

Jaws” es la película con la que el termino Summer Blockbuster nació y con razón, fue la primera película en generar ganancias mayores a 100 millones de dólares, eventualmente llegando a más de 470.

Rank 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Year 1939 2009 1977 1997 1965 1982 1956 1965 1975 1937 Rank Raring 9.2 1 9.2 2 3 9.0 4 8.9 8.9 5 8.9 6 7 8.9 8.9 8 8.8 9 10 8.8

Overseas/% $2,021.8 72.7% $1,526.7 69.9% $888.4 58.8% $960.5 71.6% $774.8 67.5% $771.4 68.6% $742.1 66.3% $804.2 72.5% $636.3 58.7% $642.9 60.3%

Year 2009 1997 2012 2011 2013 2011 2003 2012 2012 2006

10. Jurassic Park 9. The Lion King 8. Raiders of The Lost Ark 7. Star Wars: Episode I – The Phantom Menace 6. Star Wars: Episode VI – Return of The Jedi 5. Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back 4. Ben-Hur 3. Jaws 2. Star Wars: Episode IV – A New Hope 1. E.T.: The Extra-Terrestrial

Votes 973,941 692,414 447,400 757,703 295,203 947,341 39,506 499,026 695,061 741,104

“En 2005 Forbes indicó que las ganancias generadas por todo lo relacionado a Star Wars sobrepasan los 20 mil millones de dólares.

Title The Shawshank Redemption (1994) The Godfather (1972) The Godfather: Part II (1974) Pulp Fiction (1994) The Good, The Bad and The Ugly (1966) The Dark Knight (2008) 12 Angry Men (1957) Schindler’s List (1993) The Lord of The Rings: The Return of The King (2003) Fight Club (1999)

Ahora, retomemos el tema de popularidad con la lista que ofrece Forbes (sí, la revista donde constantemente vemos al mexicano multimillonarios en sus conteos) catalogando las películas con mejor recibimiento al estrenarse:

Worldwide gross $3,301,400,000 $2,782,300,000 $2,710,800,000 $2,413,800,000 $2,269,800,000 $2,216,800,000 $2,098,600,000 $1,988,600,000 $1,945,100,000 $1,746,100,000

Domestic/% 27.3% $760.5 30.1% $658.7 41.2% $623.4 $381.0 28.4% 32.5% $372.8 31.4% $352.4 $377.8 33.7% $304.4 27.5% 41.3% $448.1 39.7% $423.3

La popular página de referencia para cinéfilos y curiosos, IMDB ofrece una lista con las películas con mejores calificaciones de acuerdo a sus usuarios, podrán notar que difiere mucho a la selección de la crítica especializada:

Worldwide $2,782.3 $2,185.4 $1,511.8 $1,341.5 $1,147.6 $1,123.7 $1,119.9 $1,108.6 $1,084.4 $1,066.2

¿Qué pasa con aquellas películas súper exitosas de la primera mitad del siglo pasado?

Aquí tenemos una lista tomando en cuenta la inflación, ajustando así el precio de las entradas para saber cuańto hubieran generado hoy:

Rank 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Seguimos con aquellas que han obtenido las mayores ganancias donde algunos se disgustarán al ver a James Cameron acaparando los dos primeros lugares.

meanwhile

UN PEDACITO DE

HUNGRÍA EN POLANCO por: Mariela Martínez

Fotografía: Oyuki Aceves y X/O

Sólo unos cuantos pasos son necesarios para trasladarnos en el tiempo y el espacio, al cruzar una puerta hacemos la transición entre la bulliciosa, moderna y cosmopolita zona de Polanco a una típica cafetería del siglo pasado en Budapest.

meanwhile

E

l lugar? Café Budapest Cukrászda, también conocido simplemente como Café Budapest, es una repostería y cafetería que representa un pedacito de los recuerdos de Monika Biringer y su madre Gabriela Biringer en donde quisieron plasmar sus raíces familiares y traer las recetas tradicionales de Hungría para los habitantes de la Cd. de México.

Como dato cultural Cukrászda significa “lugar del azúcar” en húngaro y es el término que se utiliza para decir “pastelería” en aquel país.

Ubicado en el corazón de la concept store Common People, propiedad de Monika, el Café Budapest ofrece principalmente postres. En el menú podemos encontrar desde el típico Strudel de manzana pasando por las especialidades como el Zserbó y Dobos que son pasteles típicos de Hungría, Isler que es una rosca de avellana y chocolate, galletas de almendra llamadas Keks, Linzer, Almás Pite –una especie de pie de manzana–, el famoso Sacher (pastel de chocolate) y algunos snacks salados como el quiche de cebolla y los pretzels preparados con granos gruesos de sal. También podrán encontrar postres de temporada y mermeladas artesanales.

Cabe destacar que cada uno de los postres son preparados por la misma Gabriela Biringer, por lo cual tienen ese toque hogareño que también se hace presente cuando ella atiende personalmente a los clientes.

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Todos estas ricas delicias las puedes acompañar con un café veracruzano, específicamente de Coatepec, o con un té importado, seleccionado por la primera tea sommelier de México Leticia Sáenz.

Cada detalle del Café Budapest fue cuidadosamente planeado, la decoración del lugar está íntimamente ligada a la familia Biringer. Alejandro Martínez, mejor conocido como “Chispa” en la industria cinematográfica, fue el encargado de ambientar el Café; gracias a su talento podrás sentarte a disfrutar de las delicias que el lugar ofrece en hermosos muebles vintage, ya sea adentro o en el balcón con vista al parque Lincoln. En las paredes podrás ver fotografías de la familia que datan de principios del siglo XX, incluso algunos elementos de la decoración son objetos personales de la familia, como juegos de té o café, un reloj o un violín.

Cada esquina de esta peculiar cafetería te espera con un detalle de nostalgia.

La señora Gabriela Biringer convivió durante mucho tiempo con Alejandro preparándole postres y mostrándole la historia familiar para que él pudiera entender la esencia del Café Budapest. La música también tiene un lugar especial, podrás sentarte a escuchar música húngara o música gitana mientras disfrutas de un té para que en cualquier momento puedas perder la noción del tiempo.

Si estás en busca de un lugar “cheap and chic”, definitivamente debes pasar a probar las delicias del Café Budapest Cukrászda. Aquí el presente rinde tributo al pasado.

Dirección: Emilio Castelar 149 PA Col. Polanco

Horarios: Martes a Sábado de 11:00 a 21:00 Domingo de 11:00 a 20:00

Consumo apróximado por persona: De $100 a $150 Tel. 5281 0800

underground

LOS McALLISTER

ALGUNOS COMIENZAN SIENDO GRANDES

cincuenta y ocho

por: Juanma Borbolla

En un mundo repleto de bandas nuevas con música diferente y propositiva, que incluyen principalmente sintetizadores y otros aparatos que hacen sonar melodías y acordes como algo fuera de lo común; también hay quienes todavía creen en ese rock crudo y directo como lo era hace muchos años.

Los McAllister, un trío poderoso conformado por Diego (batería y coros), Paco (bajo y voz) y Ronco (guitarra, armónica y coros), nos muestran que no necesitan saturarse de pedales y efectos para lograr un sonido explosivo y dinámico dentro del escenario.

La banda tiene en su corta carrera un EP homónimo de tres canciones, del cual se desprende Crazy June, canción que los ha llevado a estar en festivales compartiendo escenario con bandas de la talla de Molotov, Foster The People, Modest Mouse, Breakbot, entre muchas otras.

Actualmente se encuentran trabajando en su primer material de larga duración, material que se está cocinando en Topetitud (estudio de Molotov) y que saldrá a la luz próximamente. Esta es una banda que no hay que perderse en vivo si les gustan los shows energéticos y llenos de rock crudo pero certero.

The W Music Project presenta a Los McAllister, encuéntralos en: www.losmcallister.com Twitter: @LosMcAllister facebook.com/LosMcAllister

DHARMA

REVIVIENDO AL POP por: Juanma Borbolla

Si pensamos en el significado de la palabra Dharma como “orden social” o “ley natural”, quizá no sería la mejor definición para esta banda. Yo pensaría más en “virtud”. Todo esto por el talento y la creatividad que se necesita para componer y escribir la música y las letras de todas sus canciones, justo como lo hacen ellos.

Dharma empezó su camino en 2011 con Dan en la voz principal, Leo en la guitarra y Diego en el bajo.

Posteriormente en 2013 se unieron Eduardo en la otra guitarra y Michel en la batería. Empezaron a escribir juntos con influencias muy marcadas en el pop estadounidense como Michael Jackson y Maroon 5, entre otras que ellos mismos dicen escuchar frecuentemente. Esto los llevó a finalizar su primer material discográfico titulado Escaparate.

De este primer álbum se desprenden sencillos como el homónimo al disco

Escaparate y Es Veneno, los cuales están acompañados también por un videoclip, donde nos muestran la parte visual del proyecto.

Una propuesta encaminada a quienes se dicen versátiles dentro de este mundo de propuestas musicales infinitas. Una banda de pop mexicano que está abriéndose espacios en esta difícil industria. Destacan sus participaciones junto a Los Bunkers, Torreblanca y Liquits.

The W Music Project presenta a Dharma, encuéntralos en: www.dharmamusic.mx Twitter: @DharmaMx facebook.com/DharmaMx

underground

TWIN CABINS

LA POSIBILIDAD DE ESTAR EN UNA RECÁMARA Y EN LA PLAYA AL MISMO TIEMPO María Sánchez

Twin Cabins es el proyecto solista de Nacho Cano, mexicano de 21 años que actualmente vive en Los Angeles. Nacho toca múltiples instrumentos desde joven y en su adolescencia comenzó a grabar música, causando un impacto inesperado en internet. Su soundcloud llega a los 32,000 plays.

Nacho se considera un cantautor y productor de habitación, y asegura que esa es la razón por la que el sonido de su música tiene un sabor a sueños, soledad y rebelión juvenil.

Publicó su primer sencillo If You Could en 2012, y el año pasado lanzó su primer EP I’m Sure, una mezcla de ambient alternativo y dream pop. Es un material que nos lleva directo al verano, a la playa, que sabe a helado y, sobre todo, a libertad.

Lonely Summer te obliga a pararte y mover los brazos en el aire, Pier Café te hace desear una hamaca desde donde puedas sentir la brisa, y Pretty Bones es perfecta para una noche de fogata.

En estos meses Twin Cabins, después de reunir una banda conformada por destacados músicos, debutó en Los Angeles tocando en varios lugares, entre ellos el Amplify en Hollywood. El año pasado vino a México y tocó en un pequeño bar en Álvaro Obregón, no tiene fecha para regresar pero asegura que muere de ganas y en cuanto pueda lo hará.

Así que no dejen de darle una escuchada a Twin Cabins y envuélvanse este verano en su sonido. http://twincabins.bandcamp.com/

radiografía

ACORDEÓN EL CAMALEÓN DE LOS INSTRUMENTOS sesenta

por: Rafael Martínez

El acordeón es uno de los instrumentos con más presencia en diferentes géneros musicales. Sonóricamente hablando, su particular acústica es tan vasta que ha sido adaptado para encajar en diferentes tradiciones musicales de países con culturas que no tienen mucho que ver entre ellas. Si la música es un lenguaje universal, entonces el acordeón es su epítome instrumental.

radiografía

Para el año de 1831 el acordeón llega a Gran Bretaña convirtiéndose en instrumento popular, aunque al principio fue despreciado por los músicos de la región.

Hasta este entonces el acordeón sólo existía en una presentación prototípica de lo que sería el instrumento en un futuro, ya que tenía únicamente un teclado o serie de botones en uno de los extremos, mientras el otro solamente servía para abrir y cerrar el fuelle.

Las partes que conforman un acordeón como lo conocemos actualmente son un diapasón, dos cajas armónicas de madera –también conocidas como lengüetas (que ponen al instrumento bajo la categoría de viento)– y el característico fuelle encargado de contener y liberar aire. Los dos extremos con teclas o botones, en conjunto con el movimiento de abrir y cerrar el fuelle, producen el sonido pues el paso del aire hace vibrar las cajas armónicas.

Cabe destacar que si no se realizan las dos acciones simultáneamente, no se puede producir sonido. Usualmente el extremo izquierdo es utilizado para realizar un acompañamiento y el derecho para tocar una melodía principal.

Los acordeones más grandes tienen correas de sostén con hebillas para ajustar su longitud; son similares a un cinturón. También hay otra correa que a veces es ajustable para la mano que facilita el manejo del fuelle, ubicado en el extremo izquierdo del instrumento.

Existen tres tipos de acordeones: Acordeón a piano, Acordeón cromático y Acordeón diatónico.

Con más de dos siglos de historia, el acordeón continúa siendo un hito en la historia de la música y en su expansión

sobre el mundo. Es un instrumento que tiene tal riqueza musical que es mera naturaleza el hecho de que esté presente en tan vasta variedad de géneros.

FACTS

La concertina es un instrumento aerófono similar al acordeón desarrollado en Inglaterra y Alemania a principios del siglo XIX. Hay debate en si puede o no ser considerado un acordeón. Su mayor diferencia es la dirección que toman las teclas al presionarse.

Recientemente se descubrió el que puede ser considerado el primer acordeón de la historia, tiene grabado el nombre de su creador Friedrich Lohner Nurnberg, un sueco quien murió en 1816, seis años antes de la aparición del acordeón de Buschmann.

El acordeón fue el primer instrumento popular con incorporación de un teclado tipo piano en su cuerpo, pero no fue el primer instrumento en recurrir a esta manufactura. Se tienen registros en Europa de otros instrumentos portátiles con teclados desde 1821.

El instrumento no ha estado exento de los avances tecnológicos de la música. Existen ya varios modelos de acordeones con entradas tipo MIDI, lo cual significa que también puede utilizarse como un controlador con capacidad de producir cualquier tipo de sonido.

61

É

ste es un ejemplo de aquellos instrumentos que no lograron formar parte de los componentes básicos de la música popular contemporánea, pero que supo infiltrarse en ciertos actos en donde juega un rol muy importante. Siempre convirtiéndose en pieza fundamental de las piezas que hacen uso de él.

Más allá de la presencia que ha tenido el instrumento en la música folclórica de países europeos como Francia y Rusia, y la manera en que países sudamericanos lo han adoptado, el acordeón es un instrumento que está aún presente en nuestra cultura popular.

Actos como Gogol Bordello, Flogging Molly, “Weird Al” Yankovic y Dropkick Murphys son ejemplos anglosajones actuales que utilizan el instrumento frecuentemente. En cuanto a México respecta, sería imposible hablar del instrumento sin mencionar al maestro de la cumbia, el “Rebelde del Acordeón”, Celso Piña.

El origen del acordeón es algo incierto y nos remonta al siglo XIX. La teoría más aceptada ubica al inventor de instrumentos musicales alemán Christian Friedrich Ludwig Buschmann como el inventor del acordeón en el año 1822; también se cree que él desarrolló la armónica.

Sin embargo, es hasta el año 1829 que el vienés Cyrill Demian se convierte en la primera persona en patentar el instrumento, así como también la palabra “acordeón”. Lo re g i s t r ó b a j o el término alemán akkordion, que a su vez es un derivado de akkord cuyo significado literal es acorde. El nombre del instrumento hace alusión al sonido que se produce en el acordeón, donde sus cajas armónicas producen acordes.

I WANT TO RIDE MY BICYCLE

gadgets

6

5

9 1

4

7

1. Asiento Brooks B.17 (Varios colores) $1,600 aprox. Peopleforbikes.com.mx 2. Snoozer Sporty Bike Basket $700 Amazon.com 3. Veloc铆metro Giant Continuum Wireless (Varios Colores) $465 Bikestore.com.mx 4. Knog Blinder Skull Led Lights (delantera y trasera) $372 c/u Peopleforbikes.com.mx 5. Candados Crazy Tibur贸n (Varios modelos) $130 Bikestore.com.mx

gadgets

LA BICICLETA Y LA CIUDAD

H

4

e aquí algunos tips básicos extraídos del manual del ciclista de la ciudad de México:

Conducir de manera visible y predecible.

2

Evita la timidez en el momento de compartir la calle. Mostrar confianza y seguridad es casi tan importante como la precaución en la calle.

Titubear continuamente cuando se tiene el derecho de paso te hace perder tiempo, dificulta la prevención y resulta inseguro.

3

La bicicleta tiene que ser tratada como un vehículo, tiene los mismos derechos y obligaciones para transitar.

El ciclista jamás debe de ir en sentido contrario de los coches, el riesgo y las probabilidades de un accidente aumentan considerablemente debido al poco tiempo de reacción.

Hay que alejarse de los coches estacionados, de esta manera se puede evitar chocar con las puertas que puedan ser abiertas inesperadamente.

Rebasa solo por la izquierda. Ni peatones, ni conductores de otros vehículos ni los usuarios del transporte colectivo están preparados para prever un rebase por la derecha.

10

Haz ruido para asegurarte de ser visible cuando un automovilista esté a punto de hacer una maniobra complicada sin notar tu presencia.

8 6. Casco Nutcase Swirl $760 Nutcasehelmets.com 7. OYB Retro Pannier (Alforjas) $760 c/u atyourbackdoor.com 8. Trompeta Vértigo Galeria Vertigogaleria.com 9. Iphone/Ipod Case Biologic $860 Facebook.com/Labirula 10. Challenge Tool Bag (varios colores) $1,200 Peopleforbikes.com.mx

Negocia el rebase. Puedes solicitar el paso a un conductor señalizando con la mano izquierda y posicionando tu bicicleta poco a poco dentro del flujo vehicular del carril al cual te pretendes integrar. Haz el movimiento sin titubear. Si no te permite pasar, deja que te rebase colocándote en una posición en la cual no haya riesgo, e inténtalo con el siguiente coche.

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Respetar las luces de los semáforos para detenerte y cruzar.

R.i.p

BRIAN JONES MAJESTIES REQUEST por: Elán

sesenta y cuatro

It’s wet from all the guitar players crying.”

N

o hay forma de contar la vida de nadie en unos cuantos párrafos; ni palabras que nos ayuden a entender por qué han ocurrido ciertas tragedias (musicalmente hablando) que han paralizado nuestras vidas tantas veces.

El sentimiento de prender la televisión o leer el periódico, y enterarte que tu cantante o músico favorito ha fallecido... A todos nos ha pasado. Es un sentimiento de completa soledad e impotencia.

El primer instante es de shock. La noticia se percibe primeramente como una broma pesada, hasta que te das cuenta de que es todo menos una broma. Y de pronto tu mundo se congela. Te da miedo, porque esos que tanto nos han hecho creer y llenado de esperanza a través de su música, nos demuestran también lo común que se ha vuelto la muerte.

En varias ocasiones he llegado a pensar que todas las tragedias de los últimos 40 años en el mundo de la música (para no irme más lejos) son lecciones de las cuales vamos desaprendiendo generación tras generación.

Unos menos encubiertos que otros, la “modita” de decir que “ya aprendimos” de los excesos, de “no tener límites”, y aún así seguimos tentando al diablo, pues el rock and roll siempre ha sido y será un juego de fuego; lleno de retos, de ego, de melancolías, de confusiones, de creernos genios no comprendidos, de todas esas lástimas que nos encanta que nos tengan, los dilemas y los vacíos, las confusiones, EL DRAMA...

Lewis Brian Hopkins Jones, mejor conocido como Brian Jones, miembro fundador de una de las bandas más importantes de la historia del rock and roll, creó junto al tecladista Ian Stewart, el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards una banda llamada The Rolling Stones. Y el mundo jamás volvió a ser el mismo.

Brian, nació en Cheltenham, Inglaterra el 28 de febrero de 1942, y vivió una vida de la cual muchos podríamos sentir envidia y decepción al mismo tiempo.

Me las olía que leyendo muchas cosas acerca de la vida de Brian me iba a topar con muchas otras cosas negativas, pesimistas, muchas cosas que parecerían parte de una feria de quejas, reproches y prejuicios. Que “si embarazó a una niña de 14”, que “si se metió sentimentalmente con una de las mujeres de Richards y que por eso hubo tanta fricción entre ellos”, que “si fue o no fue una persona importante para Jagger”, “que si murió por un ataque de asma mientras nadaba en su piscina”, “que si jamás se ha sabido a ciencia cierta la causa de su muerte”, tantas dudas me quedan. Esa es la realidad.

Mi propósito, después de haber escrito todo esto, es dejar claro que después de morirnos cualquiera puede minimizar las cosas que hicimos en vida y pintarlas de negro después de morir.

Reconozco también que esto tampoco es la típica biografía acerca de Brian Jones. No sé qué sintió unos segundos antes de morir. No sé qué pasó por su cabeza o su memoria; ni quién habrá sido su último recuerdo; ¿habrá sido una persona o alguna canción? ¿O silencio?

Lo que sé es que Brian Jones fue una de las razones por las cuales existe una banda que no solamente cambió mi vida, sino la de miles y millones de personas en este planeta, y que quizá sin Brian, no existiría.

En su libro Stone Alone, Bill Wyman opina que “Si alguna vez un hombre vivió genuinamente la vida del rock and roll y caracterizó a los Rolling Stones en todos sus aspectos, mucho antes de que los cinco asumieran un estilo, ese fue Brian Jones.” Con eso me quedo.

28/02/1942-03/07/1969