EDICIoN DE ANIVERSARIO
REVISITANDO LOS CLaSICOS
NEIL YOUNG LOS LOBOS JERRY LEE LEWIS SONIC YOUTH PETER GABRIEL THE JAM TOM WAITS TALKING HEADS TRAVELING WILBURYS
LOS MEJORES 20 DISCOS Y 13 CANCIONES DEL 2013
LEONARD
COHEN
OMAR ZAMORA
aterista, productor y cantante. A lo largo de casi 30 años de carrera ha trabajado con varias bandas emblemáticas de nuestro rock como Caifanes, La Barranca y Jaguares. Recientemente debutó como cantante con Cerro del Aire, su primer álbum como solista. Actualmente se encuentra trabajando en la que será su segunda producción.
ditor de Deezer México, amante de la música desde niño. Ha compartido ese amor colaborando en diversas revistas y portales musicales. Toma té, no café, come tacos y pinchadiscos a ratos. En su próxima vida quisiera ser inglés para beber una Guiness por las mañanas.
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@SZurita
@JairoCalixto
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SERGIO ZURITA
ramaturgo, director, actor y locutor. Ha dirigido las obras Verdadero Oeste de Sam Shepard, ¡Al fuego! de Lanford Wilson, Lírica en Escena de Jaime López, Aullido de Allen Ginsberg y Placer o no Ser de José Joaquín Blanco. Debutó como dramaturgo con No te Preocupes, Ojos Azules, un diálogo imaginario entre Kurt Cobain y Frank Sinatra, Los Hermosos Gitanos (No sea payaso, doctor), Tiro de Gracia y recientemente, Antes de Irme, el Amor. Ha actuado en obras de Beth Henley, José Joaquín Blanco, David Olguín, Martin McDonagh, Carmina Narro y Jaime López; con quien produjo los discos Ymivozquemadura y Gran Quinqué de Maru Enríquez. Sus textos han sido retomados por páginas como expectingrain.com. Actualmente escribe para la revista Tiempo Libre y conduce el programa de radio Dispara, Margot, Dispara que se transmite de lunes a viernes a las 13 hrs por EXA FM.
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LEO AUGUSTO E
scritor, editor, periodista, en ocasiones DJ y eventualmente “negro” literario. Entre sus gustos están; descubrir nuevos lugares para comer antojitos mexicanos y memorizar recetas de cocina. Ha compartido la mesa de dominó con importantes figuras de la vida pública nacional. También es columnista político en el periódico El Gráfico de El Universal y gracias a la música de Los Lobos aprendió que nunca se deja de ser mexicano. @LGSrock101
ALFONSO ANDRÉ B
@LeoAgusto
@chapopo
@AlfonsoAndre
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JAIRO CALIXTO ALBARRÁN
u título obtenido después de un vía crucis en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM lo condena a ser comunicólogo. Ha sido de casi todo y sin medida, pero cuando ha trabajado lo ha hecho en el periódico Excélsior, Rock 101, TV Azteca, Casa Lamm, Televisa y el IMER. Por lo tanto, sólo le falta hacer una película con Alfonso Arau –ojalá y fuera Zapata 2– o con los Cuarón para salir de patiño de Gael y Diego. Ha colaborado en publicaciones como Revista X, La Mosca, Casa del Tiempo, Generación, Rolling Stone, GQ. En el periódico Milenio Diario y la Revista Milenio, es esclavo del sector 7G y edita las secciones QRR, El Ángel Exterminador y Mil Cosas Más. En sus ratos libres escribe dos columnas: Política Cero y Pepe el Toro es Inocente. También es autor de Episodios Nacionales y conduce Coordenada 102.5 en MVS Radio de lunes a viernes de 10 a 12 hrs.
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LUIS GERARDO SALAS
ue uno de los pioneros en organizar conciertos en la Ciudad de México. Su primer programa radiofónico se llamó “Proyecto 101” en Núcleo Radio Mil, el cual, meses después, se convertiría en Rock 101. Fue promotor de la idea de escuchar música no comercial, de la espontaneidad frente a un micrófono y del ingenio para presentar la estación. En el 94, Rock 101 desaparece dejando un legado de cómo hacer radio. Posteriormente trabajó con Martín Hernández en WFM y después se hizo cargo de la estación convirtiéndola en W Radical donde presentaría música electrónica de vanguardia. En el 2009 regresó Rock 101 en versión web siendo él la cabeza del proyecto. Luis Gerardo nos presentó al rock no como un género musical, sino como un concepto.
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undador de la banda de rock Botellita de Jerez. Director de cortometrajes, antropólogo, performancero, argumentista de la serie de televisión el Güiri-Güiri, catedrático y promotor de talleres de escritura, escalador de montañas nevadas, buzo de aguas dulces y saladas, corredor de maratones, trotamundos y trovador de veras. Ganador de tres premios nacionales de literatura, y dos de guión cinematográfico, ha publicado ya dieciocho libros y en la actualidad escribe una columna de ensayos sobre cine en Emeequis y otra de ficción en Dónde ir.
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IVÁN NIEBLAS
ejor conocido como “El Patas”, se ha dedicado al periodismo musical desde los 90 iniciándose como colaborador y columnista de la revista Banda Rockera. Ha incursionado en otras actividades musicales como booking agent, personal manager, DJ, organizador de conciertos, locutor, podcaster y ha sido guitarrista de Bloodsoaked, El Diablo y 34-D. Fue columnista y coordinador editorial de R&R. Ahora toca en Black Overdrive, dirige su propio sitio elpatas.net y es locutor del programa “Huele a Patas” en Reactor 105 así como programador y locutor en Sopitas FM.
@eltalcha
@ivannieblas
antante cordobesa que debutó discográficamente con Desvelo, una placa en la cual reversiona clásicos del rock y el pop internacional junto a destacados músicos invitados como Osvaldo Fattoruso, Jota Morelli, Guillermo Vadalá, Juan Carlos Ingaramo y Gonzalo Aloras, entre otros. Lleva ya varios meses viviendo en México, le gusta eso de cambiar de ciudad, es una inyección de energía que se renueva todo. Tiene una nueva banda y un nuevo disco, Ahora Vienen Por Nosotros le ocupa el 100% de sus momentos.
ARMANDO VEGA GIL
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CHA
uando era niño no lo dejaban salir ni a la esquina. Se pasaba los días encerrado en casa dibujando y leyendo cómics, viendo la TV y escuchando la radio. Eventualmente tuvo la oportunidad de ser escuchado en la radio como locutor en Radioactivo 98.5, como músico con Fobia y Moderatto y de poder seguir dibujando para su estudio de diseño Hula Hula, siempre con sus mejores amigos sin importarle mucho el qué dirán.
editor max olvera max@sabotagemagazine.com.mx
coordinadora editorial andrea paz andrea@sabotagemagazine.com.mx
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columnistas elán nena mounstro corrección de estilo ana jácome diseño daniel padilla daniel@sabotagemagazine.com.mx
dolores jiménez
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fotografía edlin castro jimena martínez colaboradores xuan long luis humberto eunice victorino rodrigo prieto luis palmeros magalie torres juanma borbolla maría sánchez editora web magalie torres magalie@sabotagemagazine.com.mx
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productor de eventos/btl the happy freaks factory producción audiovisual sol sours
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DANIELA SPALLA
@ArmandoVegaGil
@Danielaspalla
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LÁGRIMAS, EUFORIA, CARTERAS GASTADAS Y LOS MEJORES CONCIERTOS DEL 2013 Este recuento final no podía terminarse sin incluir una lista de los mejores conciertos del año en la humilde opinión de todos los que trabajamos en esta revista. Difícil coincidir con todos los gustos y mezclas, ya que cada vez es más y más la oferta que, tanto promotores como productores traen a nuestra ciudad. las tarjetas se desgastan de tanto pasarlas y al final del día, o del año, es mejor no hacer un presupuesto de cuántas quincenas se quedaron invertidas en boletos, lo importante es el recuerdo y la experiencia de muchas primeras veces de bandas que pensamos jamás vendrían y por fin llegaron a la ciudad. La sobre demanda de conciertos se ha visto enriquecida más y más por promotores interesados en traer propuestas diferentes. Desde música electrónica hasta la escena del metal y el indie se han visto favorecidas año con año y éste no fue la excepción. Bandas tan míticas y legendarias como Blur, Stone Roses o Black Sabbath regresaron la nostalgia a quienes crecieron de su mano e instruyeron a las nuevas generaciones. También pudimos ver impresionantes debuts y caras tan nuevas e inocentes como la Jake Bugg, entre otros. Y por otro lado, tuvimos propuestas culturales-musicales que retaron nuestros sentidos musicales, fuera de la zona mainstream y de niveles internacionales como Moonchild (John Zorn, Mike Patton y John Medeski). Propuestas que, una década antes, era imposible siquiera imaginar verlos en nuestra ciudad.
Enero 31 Auditorio BlackBerry
Grizzly Bear
Marzo 15 Plaza Condesa 9
Blur Mayo 16 Lunario del Auditorio Nacional
Boris y Liturgy
Agosto 6y7 Plaza Condesa
Alt-J
Agosto 23 Plaza Condesa
Yo La Tengo Septiembre 14 CeremoniaCentro Dinámico Pegaso diez
Nicolas Jaar
Octubre 9 y 10 Pepsi Center
Atoms for Peace Octubre 12 Corona CapitalCurva 4 Autódromo Hermanos Rodríguez
Toy
Octubre 13
Queens Of The Stone Age
Corona CapitalCurva 4 Autódromo Hermanos Rodríguez
Octubre 13
Sigur Rós
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Corona CapitalCurva 4 Autódromo Hermanos Rodríguez
Octubre 24 Salón José Cuervo
Tame Impala Octubre 26 Foro Sol
Black Sabbath
GACETILLA
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TRÓPICO
FESTIVAL EN LA COSTA
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rchipiélago, 8106 y Pegaso traen a este final del 2013 un festival que será realizado en la costa de Acapulco el 6 y 7 de diciembre. Bajo el nombre de Trópico que significa “Darle la vuelta al lago”, más allá de ser sólo un festival musical contará con presentaciones de moda, proyectos artesanales, diseño, discotecas, cocteles y trajes de baño, entre muchas cosas más. Entre los talentos que integran el cartel se encuentran Little Dragon, Nicolas Jaar, Darkside, Washed Out, Jawar Ma, Nortec Bostich + Fussible, Poolside, Centavrvs y un largo etcétera. En la primera edición de Trópico el objetivo principal es vivir un Acapulco diferente, un Acapulco que retrate un espectacular 2013.
PRIMERA
DIRECTORA ÁRABE La película llamada Wadjda, dirigida por Haifaa Al-Mansour es la primera que se filma por completo en Arabia Saudita y no será estrenada en su país de origen ya que, por ser ilegales, los cines ahí no existen. Wadjda es el conmovedor relato sobre una niña que sueña con comprar una bicicleta para competir con un amigo y para conseguirla busca dinero hasta debajo de las piedras; a pesar de la oposición de su madre, puesto que en Arabia las chicas decentes no montan en bicicleta. La crítica internacional la ha recibido con comentarios favorables.
JULIAN ASSANGE, UN AÑO
MUERE
LOU REED
COMO REFUGIADO DE ECUADOR
EL 27 de octubre, de forma inesperada, el mundo le dijo adiós a Lou Reed. Las sentidas despedidas de famosos y covers no se hicieron esperar. El cantante se había sometido con anterioridad a un trasplante de hígado y tras algunas complicaciones había ingresado hacía unos cuantos días al hospital. Finalmente uno de los más importantes representantes del rock murió a los 71 años. NY nunca volverá a ser igual.
Julian Assange, periodista australiano y fundador de WikiLeaks, cumplió en junio un año de vivir como refugiado en la embajada de Ecuador en Gran Bretaña y librar su comparecencia ante la justicia sueca por las acusaciones de agresión sexual en su contra. Además de ser buscado por el gobierno de E.U.A. por difundir miles de documentos secretos del Departamento de Estado.
METODOLOGÍAS PARA LA SOLEDAD:
GACETILLA
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“COMPANY´S OKAY, SOLITUDE IS BLISS”
C MUERE
BREAKING BAD
JAMES GANDOLFINI
Una de las series televisivas más exitosas de los últimos años llegó a su fin después de 5 temporadas. Y lo hizo acompañada de una innumerable cantidad de teorías sobre el desenlace y un Emmy a Mejor Serie Dramática. Walter White, el profesor de química, de 50 años, con cáncer terminal de pulmón transformado en prolífico productor de metanfetaminas y su amigo Jesse Pinkman, terminaron la historia creada por Vince Gilligan ante poco más de 6.6 millones de espectadores.
El actor, famoso por su personaje en la serie Los Sopranos, murió a los 51 a causa de un infarto al corazón mientras se encontraba de vacaciones en Italia. El actor que debutó en Broadway en 1992 en el montaje de Un Tranvía Llamado Deseo, obtuvo tres premios Emmy y un Globo de Oro al mejor actor gracias a ser Tony Soprano, jefe de una banda de mafiosos en Nueva Jersey y padre de familia que sufría ataques de pánico.
PROTESTA
ATENTADO
EN BOSTON El 15 de abril, mientras se llevaba a cabo el maratón de Boston, en Boylston Street ocurrió un lamentable acto terrorista que provocó la muerte de tres personas y dejó a otras 282 heridas. Poco antes de la meta, y dos horas después de que el ganador cruzara, explotaron dos bombas hechas de forma casera aunque 5700 corredores aún no habían acabado la carrera. Los responsables fueron identificados como Tamerlan y Dzhokhar Tsarnev, hermanos de una familia de origen checheno residentes ambos en E.U.A.
DE LA CNTE Profesores de varias entidades del país como Guerrero, Michoacán, Durango, Chiapas, Veracruz y Oaxaca entre otras, agrupados en varias organizaciones, marchan en contra de la Reforma Educativa. La jornada de protesta inició en la Ciudad de México con una doble marcha a la residencia oficial de Los Pinos y evolucionó a la toma del Zócalo capitalino, mientras que manifestaciones similares se han replicado en los estados. Las manifestaciones ocurrieron un día después de que se promulgaran las tres leyes secundarias que regulan dicha reforma.
aminar con los audífonos bien puestos y rezar porque no haya ninguna interacción espontánea, fumar un cigarro en silencio y rogar por no escuchar un amable pero molesto “Hola, disculpa…”. Estar solo en casa y voltear hacia el teléfono con curiosidad mas no esperanza. El arte de estar solo y disfrutar cada segundo del encierro requiere de organización y racionalización, como todo en la vida. Métodos que te guíen hacia un espacio vacío lleno de nadas. Si el antojo es de sustancia, preparar los discos o películas, todo dependiendo de los tonos de humor. Silenciar todo lo demás: cerrar puertas, apagar electrónicos y avisar al mundo de la poca ansia por socializar, un tweet o mensaje será suficiente. Ah, y no hay que olvidar la comida, uno de los mayores regalos para consentir a la soledad es el alimento. Lo goloso, lo no regular. Palomitas con chocolate blanco derretido y oreos trituradas, la infalible combinación de dulce y salado, ¿papas y malteada, tal vez? En realidad todo funciona, es la dulce muerte calórica la que hace algo de la nada. Lo fundamental es el orden. ¿El cigarro antes o después de la comida? ¿O la bocanada de nicotina pervierte al paladar virgen? Lo mejor es trazar un camino que ayude a alargar el placer por el mayor tiempo posible; si la sustancia es ilegal…siempre hay que empezar por lo ilegal, ya que todo lo que le siga será doblemente dulce. La nicotina debería de ir al final de la comida, como todo buen fumador sabe. Los antojos, esos son recomendables durante la actividad principal (cine, música o ambas), harán del viaje más denso algo amable y de lo amable algo más gracioso. Primero se enciende el reproductor y se prepara la función, después se elabora el platillo perfecto para posteriormente presionar play y hundir la mano en el pecado. ¿Cómo terminar con la soledad perfecta? Preparando la siguiente.
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LUIS PALMEROS
LIBROS
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LA ISLA DESIERTA
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EL DIVÁN
ROCCO PORTILLO
stoy empacando las cosas. No tengo que preocuparme por la ropa, dijeron que sólo podía llevar un par de playeras, ropa interior, pantalones y zapatos. No creo necesitar una chamarra, ¿qué tan fría puede ser la noche en una isla? Cada vez que me preguntaron: “¿qué llevarías a una isla desierta?” Contestaba: “El Abbey Road de los Beatles, Sex, Drugs & Cocoa Puffs de Klosterman y Manhattan de Allen”. Un disco, un libro y una película que han cambiado mi perspectiva del mundo, fácil. Normalmente uno contesta sus cosas favoritas prefabricando un equilibrio entre el amor que se le tiene más lo que creemos que estas obras dicen sobre nosotros. Normalmente la lista de cosas para una isla desierta sólo es una manera muy gastada de entablar una conversación con el sexo opuesto, generada para terminar en la cama con la otra persona. Pero ahora que tengo que meter cosas a la maleta, me queda claro que llevar un disco, un libro y una película puede ser una estupidez. ¿Dónde carajos voy a reproducir estas cosas? ¿Cuántas veces puedo ver a estos cuatro ingleses cruzando la calle? Y más importante, si todos vamos a una isla desierta... ¿A alguien se le ocurrirá llevar un reproductor audiovisual? Quizá el intercambio cultural sea lo mejor, yo te doy mis cosas favoritas y tú las tuyas; pero, ¿qué pasa si alguien llevó la foto de su abuelo? “¡La obra maestra de Allen no se compara con ninguno de tus parientes!”. Gritaré cuando encuentre a ese pobre. No quiero que terminen usando mi libro para una fogata, no. Será mejor llevar unas cuantas cosas útiles, como una navaja o una cuerda y llevar algo que represente la sabiduría de la humanidad, quizá algo de Dostoyevski. (¿Así se escribe Dostoyevski?) Y podré cazar y alimentar el cuerpo y el espíritu, quizá me salga barba y pueda ser un naúfrago sabio. No, mejor llevémonos a los Beatles y esperemos que alguien lleve un reproductor.
LOS MEJORES LIBROS DEL 2013 Es imposible enumerar la cantidad de libros que salen por año, así como de imposible es leer todas las novedades. A pesar de que en la redacción somos asiduos lectores, nuestra capacidad se ve minimizada ante la cantidad de nuevos autores y nuevos títulos. Así que en esta ocasión hicimos una breve y rápida lista de todo, lo que a nuestro parecer y nuestro tiempo, nos pareció lo mejor de este año.
I WEAR THE BLACK HAT CHUCK KLOSTERMAN SCRIBNER
JOHNNY CASH: THE LIFE AMERICAN GODS ROBERT HILBURN NEIL GAIMAN
LA VERDAD SOBRE EL CASO HARRY QUEBERT LITTLE, BROWN & COMPANY ROCA EDITORIAL DE LIBROS JOËL DICKER ALFAGUARA
TURN AROUND BRIGHT EYES ROB SHEFFIELD
CANADÁ RICHARD FORD ANAGRAMA
LA INVENCIÓN DEL AMOR AUTOBIOGRAPHY MORRISSEY JOSÉ OVEJERO ALFAGUARA
PENGUIN CLASSICS
LA TRAMA NUPCIAL JEFFREY EUGENIDES
DÓNDE ESTÁS BERNADETTE MARÍA SEMPLE
ITBOOKS
LA CASA REDONDA LOUISE ERDRICH EDICIONES SIRUELA
DR. SLEEP STEPHEN KING SCRIBNER
ANAGRAMA
MONDADORI
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TEATRO
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AHORA TODO ES LO MISMO… PERO DIFERENTE.
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ANDREA PAZ
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ada año usamos las mismas frases de cajón para decir que terminamos un ciclo difícil o hermoso, complicado o aleccionador. Últimamente, todo el tiempo, nos asombramos de la inmediatez con que corre la vida: todo es desechable e increíble. No importa si tienes 20 ó 40 años, todo gira a un ritmo que te arrastra en esa gran bola de nieve que empieza en enero y va rodando hasta diciembre. La música, el cine, la literatura, el arte…, nos obligan a disfrutar el momento, por muy trillado que suene. Sabemos que mañana se estará hablando de algo distinto y el no tener una opinión puede obligarnos a ser rezagados sociales. Ya no se aprecian las primeras veces, cuando estás dentro de esta extraña cultura pop se pierde lo especial; lo único que importa es el “yo soy más fan que tú porque…”. Hay que desacreditar al otro porque eso nos llena el alma. Que si te uniste al YOLO, que si escuchaste más de 50 discos y por lo menos 48 “te volaron la cabeza”, aunque sólo tengas tres en la memoria. Que si viste Breaking Bad en dos semanas para unirte a la histeria del capítulo final o que si bailaste el Harlem Shake como si no hubiera mañana. De eso y más estamos obligados a llenarnos la mente. Quizá ya no recordamos lo que es hacer algo por placer y no por quedar bien. Aunque ese “deber de” tampoco es tan malo, te llenas de otras perspectivas y creer que te estalla la cabeza con tanta información, es divertido. Cada año lo siento más invasivo que el anterior, y cada vez más, me pierdo en algún punto desconocido; pero no importa, siempre habrá algún espacio de descanso mental. Me siento mejor pensando que los que vienen detrás tendrán más tarea para cuando se haga el recuento de mitad de siglo. En el camino será curioso saber a cuántos les explota el cerebro. La única regla es que si te gusta todo, en realidad no te gusta nada y tienes que volver a empezar.
IMPRO BEACH TV - CARADURA De los creadores de Impro Lucha. Se trata de una puesta de programa televisado de improvisación teatral en vivo desde alguna playa del mundo. Con las indicaciones de la hot-hostess, tres experimentados improvisadores recrearán historias, juegos y retos basados en anécdotas del público. Todo esto en un coctel de playa, sol, creatividad, bebidas y bikinis; sólo como en la playa podría suceder. Dentro del elenco están Alfonso Borbolla, Omar Medina y José Luis Saldaña con la musicalización en vivo de Hazael Rivera. Todos los martes, 20:30 hrs. Boletos: $180 e incluye una cerveza.
PROYECTO DE CHÉJOV: VANYA - FORO SHAKESPEARE El profesor y escritor Serebriakov y Elena, su esposa, llegan a su hacienda en la que residen Sonia, tío Vanya y la madre de éste, quienes se hacen responsables del lugar con la finalidad de que el profesor perciba una renta fija y pueda vivir de los artículos que escribe. Los ánimos cambian cuando el profesor anuncia los planes de vender la finca; tío Vanya enfrenta a Serebriakov, acusándolo de egoísmo, sufriendo una crisis que lo lleva a intentar el suicidio y Sonia, la hija del profesor, se siente atraída por el doctor Astrov quien, a su vez, corteja a Elena. Todo un drama y enredo familiar con Gabriela de la Garza como parte del elenco. Horario: viernes 20:30, sábados 19:00 y 21:00 hrs. Domingos, 18:00 hrs. Boletos: Entrada general $300
DOSTOYEVSKI: EL DEMONIO Y EL IDIOTA - TEATRO EL GRANERO “El alma humana es capaz de contemplar a la vez los dos abismos; el de los sentimientos sublimes y el de la más innoble degradación”, dice Dostoyevski en Los Hermanos Karamazov. Cuatro enamorados que se baten entre el bien y el mal, la pasión desbordada y sin control de Rogozhin, el sufrimiento y desenfreno de Nastasia, el orgullo de Aglaya y finalmente, la “idiotez” de Mishkin, quien a pesar de tener la locura dentro de sí, opta por lo sublime: el amor. Horario: Jueves y viernes, 20:00 hrs. Sábados, 19:00 hrs. Domingos 18:00 hrs. (31 de octubre - 15 de diciembre, 2013) Boletos: $150 general.
EXTRAÑOS EN UN TREN - EL TELÓN DE ASFALTO Basada en la novela de Patricia Highsmith y en la película de Alfred Hitchcock. Bruno y Paul son dos desconocidos que se encuentran por casualidad en el vagón comedor de un tren, entablan un diálogo que los lleva a revelar cuestiones personales que los conducen a concretar un pacto siniestro. Además de ser un trabajo de contrastes entre escenas opuestas, se mantiene intacta la intriga, el suspenso y la ironía de Hitchcock, y se logra hurgar en la verdadera esencia de la historia de Patricia Higshmith. Horario: Viernes, 19:30 y 21:45 hrs. Sábados, 18:00 y 20:30 hrs. Domingos 17:00 y 19:30 hrs. Boletos: $500 y $300
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CINE
LA OBRA IMPOSIBLE DE GG ALLIN
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dieciocho
7ºARTE newsletter
EMILIO B. FROSEL
s notabilísima la colección de proyectos que quedaron enlatados en un estudio, en un acuerdo que no tuvo fecha; ésas que podemos llamar obras imposibles y que en sí mismas podrían considerarse un género dentro de la música de rock: el disco de Jimi Hendrix con Miles Davis, quienes ya ensayaban juntos en 1969; el que nunca grabaron The Screamers, la banda punk que idolatraba Jello Biafra y que sólo utilizaba teclados; y, siempre coronando la lista, el Smile de The Beach Boys, del que pudimos tener un avistamiento en 2011, con la remasterización de algunas de las sesiones, pero del que queda como única pieza segura la inmortal Good Vibrations. Dentro de esa lista que al mismo tiempo puede ser tachada de gloriosa e infame, me gustaría dejar aquí a modo de introducción la que quizá es la más espuria de cuantas adiciones pudiera haber en ella. G G Allin, personaje de poca valía y que parece encajar solamente en la clandestinidad y ser defendido únicamente por criminales e inadaptados, además de dejar un cúmulo de canciones mal grabadas en bandas como The Jabbers o The Murder Junkies a lo largo de los ochenta, también fraguó una obra imposible. En 1989, después de haberse proclamado “el último de los verdaderos rockeros” (quizá aludiendo a nociones tan impuras como la política o cierto “espíritu rebelde”), escribió una carta a la revista Maximum Rockandroll en la que aseguraba iba a suicidarse con sus fans en el concierto que ofreciera en la noche de Halloween. En 1993, después de haber vivido como pocos, muere de una sobredosis de heroína a los 36 años, en lo que parece el único error en su misión de desordenar las cosas. Su muerte resulta el común denominador de una industria frívola, con pocos talentos genuinos, que constantemente falla en hacer el justo homenaje a las creaciones que guarece, y que nunca tarda en comercializar sus acercamientos con la muerte.
LO MEJOR DEL CINE 2013
Este 2013 nos deja producciones que, a través de sus poderosas secuencias, emocionaron a los espectadores entregados al poderío cinematográfico de aquellos realizadores que, con un derroche de talento, invadieron la cartelera de este año. Desde aventuras espaciales, dramas profundos, hilarantes comedias e incluso un remake que dio la sorpresa; un año de historias que además de conseguir entretener a la audiencia, se enfrentaron a la ardua tarea de conquistar crítica y taquilla. En SABOTAGE escogimos aquellos filmes que, sin importar si son o no los mejores del año, se ganaron un lugar especial en nuestra colección filmográfica. A continuación nuestros favoritos del 2013:
GRAVITY
ALFONSO CUARÓN Más allá del entusiasmo que pueda generar que este largometraje dirigido por un director mexicano sea uno de los más probables contendientes al Oscar, Gravity ha conseguido una hazaña que pocos filmes pueden presumir: conquistar a crítica y taquilla por igual. La aventura espacial protagonizada por Sandra Bullock se ha posicionado como una de las películas más taquilleras del año y a la par, el nuevo largometraje de Cuarón ha conquistado los corazones de grandes cineastas como James Cameron, quien la ha denominado como “la mejor aventura espacial de todos los tiempos”. Hay incluso quienes señalan a Gravity como la heredera directa de Odisea 2001.
BLUE JASMINE
WOODY ALLEN Woody Allen es uno de los cineastas habituales en estas listas. Entregarse a la vena cómica del neurótico neoyorkino, significa sumergirnos en el torrente de emociones por el cual atraviesan sus personajes. En esta ocasión, Allen nos presenta la dramática catarsis de Jasmine, una mujer de la alta sociedad que lo pierde todo y ve como su acomodada vida se derrumba mientras que la ansiedad y la crisis se apoderan de ella conforme avanza el metraje. Aparte de lo bien construido y planteado del argumento, mención especial merece la extraordinaria interpretación de Cate Blanchett, hoy en día una de las favoritas para competir por el Oscar a Mejor Actriz.
Sin duda alguna la mejor tragedia del año. No se extrañen si este filme compite en la categoría de Mejor Película en la próxima entrega de los Premios Oscar, no sería nada disparatado que se coronara con el galardón. Basada en una historia real narra la vida de Solomon Northup, un hombre afroamericano que es privado de su libertad y condenado a vivir una terrible vida de esclavitud. Es una historia que tiene una fuerza y un poder extraordinario para hacer vibrar los corazones de la audiencia, posicionándose como un filme épico y brillante que con el paso del tiempo terminará convirtiéndose en un clásico.
BEFORE MIDNIGTH
THE WOLF OF WALL STREET
MARTIN SCORSESE
Más allá del entusiasmo que pueda generar que este largometraje dirigido por un director mexicano sea uno de los más probables contendientes al Oscar, Gravity ha conseguido una hazaña que pocos filmes pueden presumir: conquistar a crítica y taquilla por igual. La aventura espacial protagonizada por Sandra Bullock se ha posicionado como una de las películas más taquilleras del año y a la par, el nuevo largometraje de Cuarón ha conquistado los corazones de grandes cineastas como James Cameron, quien la ha denominado como “la mejor aventura espacial de todos los tiempos”. Hay incluso quienes señalan a Gravity como la heredera directa de Odisea 2001. Más allá del entusiasmo que pueda generar que este largometraje dirigido por un director mexicano sea uno de los más probables contendientes al Oscar, Gravity ha conseguido una hazaña que pocos filmes pueden presumir: conquistar a crítica y taquilla por igual. La aventura espacial protagonizada por Sandra Bullock se ha posicionado como una de las películas más taquilleras del año y a la par, el nuevo largometraje de Cuarón ha conquistado los corazones de grandes cineastas como James Cameron, quien la ha denominado como “la mejor aventura espacial de todos los tiempos”. Hay incluso quienes señalan a Gravity como la heredera directa de Odisea 2001. Difícil que una producción de los hermanos Coen no se cuele a una lista como ésta cada año. El dúo de hermanos se aventura en los terrenos de la música folk, del cual salen bien parados narrando la historia de un cantautor que recorre la escena musical de Nueva York en el año 1961. Basada en las memorias del músico Dave Van Rock, esta película ya ha conquistado el amor de la crítica llevándose el Gran Premio en Cannes, por lo cual es muy probable que sea un título constante en la próxima temporada de premiaciones.
INSIDE LLEWYN DAVIS
BLUE IS THE WARMEST COLOR
Jean Luc Godard solía decir que para hacer una película sólo necesitabas una pistola y una mujer; pero quizá sea mejor sólo un hombre y una mujer hablando entre sí, para crear el mejor romance filmográfico de los últimos 20 años. La tercera parte de la trilogía de Richard Linklater nos muestra la parte más realista de estos personajes, el amor añejado y sin maquillaje. Una vez más el guión está escrito por Linklater en compañía de sus protagonistas, Ethan Hawke y Julie Delpy; tres voces que en conjunto culminan esta historia tan neurótica y romántica como la vida misma.
ABDELLATIF KECHICHE
A Danny Boyle le fascina crear conceptos enriquecedoramente visuales. En Trance, Boyle ofrece un retorcido banquete visual que se transforma en un acertijo, de modo que el público llega a sentirse aprisionado en la turbulenta historia. Trazando una suculenta trama de estafas y demencia, Boyle lleva de la mano a la audiencia en un viaje lleno de traiciones y desquiciantes romances, evitando en todo momento convertirse en el típico cliché de una película de robos. En manos del ganador del Oscar, la película se transforma en un atractivo viaje, lleno de giros y curvas que sumergen al espectador en un tortuoso juego mental.
JOEL/ETHAN COEN
RICHARD LINKLATER
TRANCE
DANNY BOYLE
12 YEARS A SLAVE
STEVE MCQUEEN
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Sabotage Magazine tienen para ti esta navidad una copia de regalo de cada una de estos DVD s . Lo único que tienes que hacer es estár al pendiente en nuestras redes sociales. La trivia estará disponible el 6 de enero y contiene un estuche conmemorativo.
VIDEOJUEGOS
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SIEMPRE HAY QUE RECORDAR LO QUE QUEREMOS OLVIDAR
PLAY THE GAME
PS4 EN MÉXICO NENA MONSTRUO
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s normal que al acercarse el fin de año, se haga un recuento de todo lo que pasó y se escriban listas con lo “mejor del año”. Muchos expertos se dedican a enlistar hechos internacionales, discos, canciones, películas, noticias y hasta escándalos. Es un buen ejercicio hacer memoria y cerrar el año con una lista de lo que más nos gustó. Los humanos tenemos una necesidad imperiosa por nunca olvidar nada. Aunque olvidemos todo. Hay una lista más importante, una que cada año deberíamos de hacer a modo personal. Una lista que hable de todo lo que nos salió mal. De lo que no debimos decir y dijimos. De lo que no debimos hacer e hicimos. De toda la gente que dejamos atrás y los motivos que tuvimos. Una lista donde se incluya todo aquello a lo que nos negamos a lo largo del año y de paso, valorar si tuvimos razón en dejar ese trabajo y estar, desde hace tres meses, sin encontrar otro; o pensar en porqué dejaste de hablarle a esa amiga con la que pasabas madrugadas enteras compartiendo tonterías y que ahora te hace falta. Hagamos una lista de las cosas inútiles que hicimos y nos quitaron tiempo valioso. De los berrinches que nos aislaron del mundo por una noche. De ese orgullo que no nos dejó ceder y nos hizo perder a una persona. Es mentira cuando decimos que no nos arrepentimos de nada. Por unas horas, siéntate contigo mismo y haz tu lista de “todo lo que hice y no debí hacer”. Está bien que hayas dejado ese trabajo, que te hayas olvidado de esa amiga o que hayas roto tu corazón, tus razones tendrás. Y está bien. Esta lista no es para arrepentirte, esta lista es para conocerte y saber por qué haces las cosas que haces. Es para saber quién eres cuando recuerdas lo que quieres olvidar. Anda, ve, recuerda, escríbelo. Atrévete, tus demonios te esperan pacientes.
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or fin “El lanzamiento de PS4 es significativo para jugadores fanáticos Mexicanos que cada día viven y respiran video juegos. El nuevo sistema del PS4 permite que los desarrolladores de juegos hagan realidad su visión creativa en una plataforma específicamente diseñada para satisfacer sus necesidades, facilitando la creación de enormes mundos interactivos en fluida resolución HD 1080p*. Su cargadísima arquitectura de PC – que incluye una GPU (Unidad procesadora de gráficos) y 8GB de memoria de sistema unificada GDDR5 – está diseñada para facilitar la creación de juegos y ofrecer un dramático aumento en la intensidad del contenido disponible en la plataforma. El resultado final para los jugadores es una biblioteca completa con el mejor contenido de software de la industria, con más de 180 juegos actualmente en desarrollo. Es por eso que en esta navidad el regalo que tiene que estar debajo de tu arbolito de navidad es una de estas consolas las cuales estan volando de las tiendas gracias a la gran demanda que tiene de sus files gamers. precios aprox. $ PlayStation®4
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ARTE
CULTURA
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por: Cultura Colectiva
REBECCA HORN
Rebecca Horn (Michelstadt, 1994) va de la poesía al arte y, en medio, se halla en el performance. Sus letras empapan su obra y ésta última, también, se puede extender a la literatura.
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Cuando se encontró con la decisión de elegir su carrera, descartó la economía y se enlistó en la Academia de Bellas Artes de Hamburgo. Su contexto se configuró en el tiempo posterior a la Segunda Guerra Mundial y la aversión a los alemanes, pero encontró en el dibujo la negación de su origen para evitar el rechazo. Hablaba con el trazo. Una complicación pulmonar, a causa de trabajar con fibra de vidrio
y resinas sin la debida protección, la mantuvo en total aislamiento, la enfermedad agravó tanto que se internó en un hospital de Barcelona, donde vivía desde hace tiempo. El envenenamiento la condicionó a mantenerse activa y fue entonces cuando, en cama, comenzó a dibujar con pinturas de madera. Durante esta etapa comenzó a crear sus primeras esculturas corporales elaboradas con madera y tela. De vuelta en la Academia de Hamburgo, profesionalizó su trabajo escultórico y comenzó a trabajar con extensiones corporales y materiales acojinados, de textura suave y algunos ligeros, como vendas y pinturas. Su trabajo más reconocido es dentro del performance, el que comenzó a experimentar a finales de los años 60. Una mujer joven y “burguesa” está lista para casarse. Está vestida para la ocasión: luce un cuerno blanco que le crece de la cabeza y se sostiene de su cuerpo por unas fajas. La chica camina por el campo rozando el trigo con sus caderas. La pieza se titula Einhorn (Unicornio). Rebecca Horn hace instalaciones a partir de modificar el cuerpo de los involucrados; les crea un traje y los viste con un concepto. Su inspiración está arraigada en las obras de Kafka y Jean Genet, y en las películas de Buñuel y Pasolini.
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Otra de sus obras más reconocidas es Pencil Mask. De nueva cuenta bajo la idea de hacer extensiones del cuerpo, Horn diseñó una máscara compuesta por nueve correas como una cuadrícula. En la intersección entre las correas se colocó un lápiz, la idea es que con el movimiento de la cabeza los lápices hagan las marcas correspondientes. Para Finger Gloves se colocó un par de guantes que simulaban la extensión de los dedos, hechos con madera de balsa y tela en color negro. La experiencia sensorial a partir del tacto era el objetivo con esta pieza: lograr engañar al cerebro para hacerle creer que verdaderamente se está tocando un objeto. Otro ejemplo que implicaba el sentido del tacto y la modificación de las manos es Feather Fingers, plumas de aves cubrían los dedos de la mano al punto de “sustituirlos” y convertir la palma en una sensitiva ala de pájaro; las caricias que una mano ofrecía a la contraria representaba una experiencia más natural, aunque ajena por la condición “animal”.
Este uso intuitivo de las plumas lo maduraría en sus obras para las décadas posteriores, ejemplos de esto son: Cockfeather (1971), Cockfeather Mask (1973), Cockatoo Mask (1973), Paradise Widow (1975) y The Feathered Prision Fan (1978), capullos, máscaras y abanicos humanos que funcionaban como un traje al cuerpo, algunas, al punto de encapsularlo. La reflexión de Rebecca Horn gira en torno al cuerpo, su extensión y “maquinización”. Para Horn el cuerpo es objeto y debe ser manipulado para exaltar sus posibilidades. Hace una indagación de las formas corporales, de su sensibilidad no explotada y el espacio que las contiene, a través de la escultura, el video, la instalación, el performance y el cine. En la búsqueda constante de la multiplicidad del cuerpo, Horn se obliga para configurar un proceso creativo superior al anterior. Los trabajos recientes de la artista comprenden instalaciones cinéticas, la integración de la luz y la música para generar una interacción con el espectador.
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POR: ANDREA PAZ ENTREVISTA: MAGALIE TORRES FOTOGRAFÍA: JIMENA MARTÍNEZ
ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III
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“Soy de Sinaloa y lo regional es abrumador, casi 80% y puede que hasta el 90% de los fenómenos gruperos se gestan ahí, hay una actitud muy natural en el pueblo, eso te obliga a crecer con esa música a tu alrededor”. Pero no por eso Miguel tiene el iPod lleno de notas norteñas. A los 14 años se fue a Indiana a estudiar, por lo que su panorama musical cambió de muchas formas. Descubrió bandas como The Cure, The Smiths, mucho del New Wave de esos años, para cuando volvió a Sinaloa tenía un espectro musical muy amplio. Cuenta que era muy difícil encontrar un disco de Joy Division o New Order, por ejemplo, porque en las tiendas el catálogo no estaba tan globalizado. La música de vanguardia o por lo menos distinta a lo acostumbrado la podía escuchar en los antros, fiestas y con otros pocos amigos que escarbaban por lugares extraños para conseguir algo fresco. “Queríamos ser parte de esa oleada que estaba sucediendo, cuando vienes de una ciudad pequeña y de provincia le das más importancia a los elementos de afuera, de lo contrario te quedas en un contexto muy local y eso no es aceptable”. Pareciera que hablamos con Miguel de muchas décadas atrás, pero en realidad no es así, su contexto ya tiene una subcultura, algo poco más trendy, con proyectos más alternativos y fuera de lo mainstream. Sería muy fácil pensar que la ciudad en la que naces determina tus gustos musicales pero este actor ha roto el cascarón, a su alrededor hay todo tipo de personas, desde DJs, gruperos, poperos, rockeros, amigos que componen música clásica o judía. “Para mí la música es la forma de vivir, mi principio es ir bailando en el camino de la vida, la música es mi forma de fuga y de llevar el día a día. Podría incluso bailar con la alarma de un coche”. Mientras platicamos con él se pone a sí mismo una prueba, una de esas que hablan con más verdad que cualquier cosa que puedas decir; saca el iPod y en el modo shuffle comienza a nombrar sus tracks más escuchados recientemente. The
XX, LCD Soundsystem, Grateful Dead, Metronomy, Thom Yorke, Toro y Moi, Lykke Li, Janet Jackson, The Postal Service, Poolside, Little Dragon, Mayor Lazer y James Blake son algunos de los que salen entre la plática. “Creo que no tengo tan mal gusto, aunque claro, de pequeño escuchaba mucho a Alaska y Dinarama, era de mis favoritas en español, también la pasé bien cuando comenzó el rock en tu idioma. El escenario alternativo siempre ha sido parte de mi inclinación personal, pero la cruz de mi parroquia me sigue y disfruto mucho lo que se hizo en lo grupero allá en los 70, era más romántico, como Terrícolas, los Yonic’s o el grupo Indyo; yo era un niño y la señora que iba a mi casa a limpiar o cuando me dejaban encargado en otra casa era lo que se escuchaba y me las aprendí. Siempre he tenido una conexión especial con las canciones, sobre todo cuando estoy emocionalmente susceptible, a todos nos pasa, cuando tienes rupturas amorosas, vas en el pesero y escuchas a Laura Pausini o a Tiziano Ferro y lo que dicen cobra sentido, las cantas con fervor aunque no sabes lo que diga la canción, la letra no importa mucho porque el sentimiento conecta de alguna forma”. Ahora que ha interpretado a Zacarías, le imprimió su estilo. Le dio una personalidad propia que ha traspasado la pantalla como cuando Los Héroes del Norte le abrieron a la banda El Recodo, así ha compartido crédito con Los Ángeles Azules, Nortec y otros más. “El ser actor también conlleva estudiar al personaje y tomar muchas referencias, en mi caso escuché de todo, desde Rigo Tovar, pasando por Selena, Marco Antonio Solís, Los Tigres del Norte y Valentín Elizalde, por decir algo. Tomar referencias de estas estrellas dentro de su género te nutre y compartir escenario con profesionales te hace aprender mucho”. Tener todas estas experiencias lo han enriquecido mucho, pero Miguel no se aventaría a tomar la música como segunda profesión, ama lo que hace y así se siente bien. La música, de todos modos, es parte de su vida. Con su productora Alcachofa ha producido videos de bandas como Zoé (Deja Te Conecto). “Respeto mucho el acto de subirse a un escenario y cantar ante 16 mil personas o más, porque el contacto es directo. Dar un concierto no se compara con ninguna otra forma de trabajo, la música te hace sentir más fuerte que todo, la música es vida; por ahora me siento perfecto en el momento en el que estoy”. Próximamente lanzará un proyecto de un DJ y compositor que conoció en Valencia. Parece que Miguel Rodarte siempre estará rodeado de múltiples sonidos.
la música es la forma de vivir, mi principio es ir bailando en el camino de la vida, la música es mi forma de fuga y de llevar el día a día.
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ara alguien que nace en el norte, tener un soundtrack de vida con música regional es algo natural, se trae en los genes. Así es para Miguel Rodarte con la diferencia que, desde pequeño, por distintas circunstancias ha tenido un panorama muy abierto y le presta oídos a propuestas que, al leer las primeras líneas de su biografía, pudieran parecer impensables. Demás está decir que Miguel es actor y productor, su cara es bien conocida por cintas como El Tigre de Santa Julia, Salvando al Soldado Pérez o recientemente por la serie Héroes del Norte en la que interpreta al personaje principal, Zacarías III; un cantante de música regional que es todo un nuevo rock tar.
POR: SERGIO ZURITA
“I’m listening to Neil Young, I gotta turn up the sound. Someone’s always yelling turn it down. Feel like I’m drifting Drifting from scene to scene I’m wondering what in the devil could it all possibly mean?” Bob Dylan, HigHlands
En el capítulo 22 de su autobiografía, “Waging Heavy Peace”, Neil Young cuenta cómo llegaron a entrevistarlo un par de reporteros de la Associated Press (AP). Ronald Reagan acababa de llegar a la presidencia. En cuanto llegaron con Neil, comenzaron a hablar mal de Reagan.
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ran arrogantes. Yo me daba cuenta de que creían saber exactamente quién era yo: el hippie que escribió Ohio [acerca del asesinato de cuatro estudiantes de la Universidad de Kent, Ohio, que protestaban contra la invasión de Camboya en 1970] y Southern Man [sobre la esclavitud en el Sur norteamericano]. El hippie que cantaba con el grupo Crosby, Stills, Nash & Young. Entre más decían cosas para agradarme, peor me caían. “Les pregunté si alguna vez habían conocido a Reagan. Dijeron que no. Yo tampoco. Les dije que no creía en pintar a la gente con un solo pincel, que una persona era mucho más que eso, y que a mí me caía bien Reagan por algunas cosas que había dicho. Reagan había hablado de lo importante que era que las comunidades se unieran para ayudarse de maneras que me parecían razonables, y les dije que no creía que él fuera el villano que muchos decían que era. El hecho de que no creas en ciertas cosas que dice un hombre, no significa que ese hombre sea malo. Hay cosas buenas en la mayoría de las personas. También les dije que el tipo era el presidente, así que alguien debía pensar que era buena persona. Que no todo mundo estaba en su contra. Me di cuenta de que no me creían. Reagan para ellos era sólo un hijo de puta. Así que escribieron un artículo en que me hicieron
sonar como un fanático de Reagan, y todo mundo me hacía comentarios al respecto. Uno de mis colegas músicos, a quien respeto, dijo que yo era un bufón que no sabía lo que decía, y luego se puso a desvariar respecto a Guatemala. Desde el momento que conocí a ese par de cretinos de la AP, he estado tratando de dejar en claro lo que dijeron. Lo que dijeron que yo dije. Así que, para acabar pronto, detesto las entrevistas”. Así es Neil Young, el hippie máximo, el pacifista, teniendo una opinión inesperada que le valió una crucifixión inmediata. Pensar tiene un costo. Ser original tiene un costo aún más alto. Ser un individuo en un mundo de masas puede ser letal. Lo admirable es que Neil Young siga amando tanto al prójimo después de todas las demostraciones de idiocia que ha atestiguado. También es increíble que ame la vida después de tantos reveses que le ha dado. Cuando era niño sufrió poliomielitis, estuvo paralizado mucho tiempo y tuvo que volver a aprender a caminar. Luego, ya viviendo en California como músico, sufrió su primer ataque de epilepsia, cuya descripción en Waging Heavy Peace es aterradora y hermosa. Luego, en un pasaje escalofriante, habla de la zozobra que le provocaba la idea de que le diera otro ataque. Más tarde tuvo un hijo, Zeke, que nació con parálisis cerebral. Después conoció al amor de su vida, Pegi Morton (llamada Pegi
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Justo cuando crees que no puedes admirar más a alguien, ese alguien dice algo que nunca esperaste oír.
Young desde hace mucho tiempo) y tuvieron un hijo llamado Ben, diagnosticado con la misma condición, pero mucho más severa, que lo ha tenido postrado en una silla de ruedas toda su vida. Durante mucho tiempo, Neil no fue capaz de concebir que sus dos hijos, con dos distintas mujeres, padecieran el mismo mal, que ni siquiera es hereditario. Más tarde nació su hija Amber, quien, al igual que su padre, sufre de epilepsia. “Detrás de cada cosa bella hay alguna especie de dolor”, canta el amigo de Neil, Bob Dylan. Y las canciones de Neil Young son bellísimas. Oyéndolas, escribí lo siguiente:
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Rommel usaba un anillo en el dedo, Sólo se lo quitaba para volar. Un día me dijo por qué. Dijo: “Todos tenemos que volar algún día”. Neil Young, Someday. Ahí estabas, a la orilla de tu pluma, Con la esperanza de volar. Mientras reía me preguntaba Si te podía decir adiós, Sabiendo que te había perdido. Neil Young, Expecting To Fly. Escribo sobre Neil Young. Escribo a mano porque así es como me imagino que escribe él. Muchas portadas de sus discos tienen los títulos escritos a mano. Es su letra. Es inconfundible. Tiene temperamento. Cuando se lee a mano algo escrito por él, casi pueden oírse los guitarrazos. Neil Young no es delicado con el papel y la pluma. Mucho menos con sus instrumentos. Mete las armónicas en agua para que suenen como a él le gusta. Las cuerdas de sus guitarras son jaloneadas y rasgadas hasta el desgarre. Sus pianos son aporreados hasta que el teclado es blanco y negro y blanco y negro y blanco y negro y de pronto escarlata. Sangre. Y de la metafórica, que es la que más duele. Neil Young es un salvaje. Viene de donde los vientos pegan sin misericordia, al norte de Ontario, en la lejana y helada Canadá, donde uno hace chillar las notas para entrar en calor. Donde se desciende al centro de la tierra, a la mina más honda, buscando un corazón de oro. “He sido un minero por un corazón de oro”, canta Neil Young en la canción más famosa del disco más famoso de la historia del rock canadiense: Harvest. “¡Jesús, Neil, ¿no pudiste encontrar una banda?”, exclamó un día Bob Dylan al leer la impresionante alineación de músicos que tocan en ese disco, que además de Heart of Gold trae Old Man y The Needle And The Damage Done (“cada junkie es un sol en el ocaso”, dice una de sus líneas), entre otras joyas. Harvest es cosecha y, por lo tanto, muerte. La parca trae una guadaña para cortar nuestras cabezas, del mismo modo que los
granjeros la usan para cercenar el trigo, dorado como ese corazón que Neil Young busca tanto. Pero no es cosecha la palabra que mejor define a Neil Young, sino libertad. Su mejor disco de los años 80 se llama así: Freedom. Y es un título perfecto para toda su discografía. Porque Neil Young hace lo que se le pega la gana. No creo que haya una estrella de rock más fachosa que él (¿de dónde saca esas pinches camisetas horrendas y esos sombreros?) pero su pensamiento es similar al de Giorgio Armani. Para ambos, el lujo máximo es la libertad. Y Neil Young es libre: por las pasarelas de sus discos, las modelos caminan ataviadas con las canciones más caprichosas y extrañas que se hayan visto/oído. Neil Young no hace canciones fáciles. Al menos, nunca son fáciles para él. Todas ellas, todas, tienen un costo emocional tremendo. Por eso te agarran del pecho, como ladrones que se quieren robar una joya codiciada. Rompen el cristal de tu caja torácica, la alarma suena, y el cojín donde descansaba tu corazón de oro está vacío, como la almohada que un borracho enamorado huele en Too Far Gone, porque dicha almohada está impregnada del perfume de la mujer con quien pasó la noche, con quien consumió drogas y alcohol y con la que, esa mañana de cruda sublime, quería casarse. Too Far Gone, del disco Freedom, parece una séntida canción ranchera. Un blues de Cuco Sánchez. Pero el borracho de Too Far Gone no es el único que quiere casarse en el universo de Neil Young. Hay una película hermosa, Rachel Getting Married, en la que el prometido de Rachel, en vez de decirle: “Yo, Fulano, te acepto a ti, Rachel…”, le canta Unknown Legend, del disco Harvest Moon, que apareció exactamente veinte años después de Harvest. En esa cosecha lunar, Neil Young parece haber encontrado el corazón de oro que tanto buscaba. Ahora, la alquimia consiste en no permitir que la rutina, bautizada por Samuel Beckett como “el cáncer del tiempo”, convierta el oro en metal oxidado. El óxido nunca duerme. Neil Young lo sabe. Por eso, uno de sus mejores discos se llama Rust Never Sleeps. “Mi vela arde por ambos extremos/ No durará toda la noche;/ Pero, amigos y enemigos míos/ Qué luz tan hermosa emite”. Así va un bellísimo poema de Edna St. Vincent Millay. Acompañado de la banda más pesada de la historia del rock, Neil Young & Crazy Horse, dicho poema sonaría así: “Es mejor arder que irse apagando” (“It’s better to burn out than to fade away”). Esa línea aparece en la canción Hey Hey My My (Out Of The Blue), que abre acústicamente Rust Never Sleeps, y también en My My Hey Hey (Into The Black), que lo cierra con una descarga eléctrica. Entre los paréntesis de esas canciones está la esencia de Neil Young, cuya vela ha ardido por ambos extremos, emitiendo una luz dorada, intensísima, que milagrosamente ha durado toda la noche. Que los despiadados vientos del norte jamás la apaguen.
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33 POR: ARMANDO VEGA-GIL “Well, the eggs chase the bacon round the fryin’ pan and the Whinin’ dog pidgeons by the steeple bell rope and the dogs tipped the garbage pails over last night
and there’s alWays construction Work bothering you.”
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xisten músicas secretas, tonadas milagrosas que fueron creadas antes de la noche de los tiempos, que abren puertas profundas y desconocidas, atávicas, en una memoria colectiva y que nos guían, uno a uno, como el instinto de supervivencia, por los estruendosos caminos de la vida. Como el canto del tocino abrazando el desayuno de huevos revueltos del día a día o el susurro de los perros rebuscando en los montones de basura de las esquinas de nuestro barrio. Como el ruido y la furia, el susurro y la calma; esas músicas viven dentro de nosotros. Duermen. Esperan. Estas criaturas esperan dentro de cada cual (los hijos todos de la especie humana) para ser paridas, no sólo en fogonazos deslumbrantes, sino también en sutiles caricias, en mariposas dentadas revoloteándonos (royéndonos) el alma, al reconocerlas fuera de nosotros en una sucesión de sonidos y silencios. La música de las esferas, las melodías concéntricas, sus armonías misteriosas —y a la vez cotidianas— que se curvan sobre sí mismas como el propio cosmos, tanto o más que las cuerdas que agitarán las campanas que redoblan por ti. Quienes logran dar con estas “revelaciones sónicas” son una suerte de brujos malditos o magos beatificados, de maestros de la construcción, aunque también las descubren seres anónimos en el azaroso juego de las notas, quizá una única vez en sus vidas, o artistas tenaces que en su trabajo cotidiano son atrapados por ese ente dionisiaco (ebrio) que los no entendidos llaman inspiración. Uno de estos alquimistas monstruosos es Tom Waits, y su llave maravillosa se llama In the neighborhood.
En el barrio. En el territorio donde nacen nuestros puentes al futuro: los hijos. Donde muere nuestra memoria un viernes común y corriente: mueren los abuelos, mueren los padres, moriremos nosotros mismos. Donde comienza el relato: allí contrajimos nupcias un sábado perdido, antes de emigrar y asumir el fracaso del hijo pródigo que regresa al hogar materno después del divorcio y sus abandonos. Esos espacios entrañables donde el olor de la comida de nuestras madres —ventanas de cocinas que dan a la calle— nos lleva de regreso a la materia inestable de la memoria, al retrato impreso en el papel de lo añorado que se borra lentamente hasta volverse ese polvo por donde desfilan los locos de la cuadra portando un revólver, bajo el árbol hoy talado donde nos besó por primera vez el amor, en las banquetas sucias donde recibimos los golpes del amigo que un día se fue para jamás volver. Lo inexplicable, lo incomprensible, lo que se presenta como un sueño con sabor a mantequilla. La canción milagrosa, su creador. Tom Waits. “Well, Big Mambo’s kickin’ his old grey hound. And the kids can’t get ice cream, ‘cause the market burned down. And the newspaper sleeping bags blow down the lane. And that goddamn flatbed’s got me pinned in again.” Antes de entender a Tom Waits, lo sentí. De hecho, hoy en día, no he logrado desanudar con la razón la letra de su In the neighborhood, no pasa por mi cabeza, sino que se dispara directo a lo más inasible (¿lo menos putrescible, eso crees, Armando?) de mi cuerpo: el alma. A este taumaturgo brutal, lo conocí en la sala de la casa de uno de los más grandes amigos que he tenido en mi vida: Manuel Ahumada. Acabábamos de comer chuletas en salsa de anguila y brotes de soya, en medio de las risotadas y el bullicio de una reunión de fin de semana que celebraba mi cumpleaños, después de recetarnos cada quien y sin compasión nuestros hallazgos musicales recientes, algo de Patti Smith y David Bowie, algo de Peter Gabriel y Jaime López, en aquellos años en que comprar un disco era un ritual hierático: ir en metro y camión a la tienda especializada para gastarse, de un solo bofetón, el medio sueldo de la semana en un acetato importado desde Estados Unidos o Alemania para escuchar la presa de la caza sonora en un aparato estereofónico estorboso y chirriante (herencia de la tía solterona), oler el cartón de la portada después de rasgar su panza de celofán, limpiar con un trapo especial el plato, depositarlo en el tornamesa como si fuera una hostia bautismal
en la lengua del pecado, aterrizar con cuidado la aguja en el surco madre, giratorio, y comenzar a escuchar. “¡Atención!”, gritó Manuel, mientras alzaba sobre su cabeza la portada de aquel disco profano, Swordfishtrombones, pero no le hacíamos caso pues acababa de entrar, por la puerta grande, Toño, ¡coño!, con un cartón de cervezas frías-frías a ambos brazos. El disco había andado ya sus rumbos un rato largo, sin llamar nuestra atención, lo que tenía a Manuel con el orgullo frustrado, cuando una sensación de agua tibia comenzó a ganarle espacio a la ola de hielo de la cerveza en mi barriga. Y no, no estaba ebrio. Pero sí lo estaba una voz rasposísima que subía por mi garganta sin que fuera mía, un gemido gutural que era la suma de todas las borracheras del mundo. Un recuerdo que comenzó a aparecer delante de mí sin que fuera del todo mío: una canción. Los amigos no dejaban de gritar y, entre sus anécdotas y chistes, la voz de Tom Waits me dio alcance cruzando por callejones de carne y huesos, escurriéndose por el subsuelo hasta llegar a la planta de mis pies. Y me eché a andar como un Lázaro, sin sentido del arriba o del abajo, del lado y del detrás. Me quedé frente al par de bocinas del estéreo y comencé a llorar, a gemir quedito, con un dolor sutil y delicado, anticipando algo que aún no ocurría. ¿Qué es lo que vendría por delante, más allá de las horas y los años? De golpe el silencio abrazó la voz-sangre de Tom Waits y los amigos reunidos en la sala de la furia vinieron a abrazarme, a besarme, a susurrarme al oído a través de una canción que no era de ellos, ni mía, pero que era da cada uno de nosotros. “There’s a couple Fillipino girls gigglin’ by the church. And the window is busted. And the landlord ain’t home. And Butch joined the army, yeah, that’s where he’s been And the jackhammer’s digging up the sidewalks again. In the neighborhood In the neighborhood In the neighborhood” Desde aquel día, Manuel me llamaba por teléfono cada seis de julio, y ponía a todo volumen en su tornamesa la canción de Waits para que me echara a llorar en un ritual que no era de dolor sino de sanación, como un río que me limpiaba a fondo, sin explicación alguna, con un marejada tibia y cáustica que me rejuvenecía en la inminencia de la vejez, que anticipaba la muerte de nuestros padres, que nos advertía que mi amigo y yo nos separaríamos sin remedio porque nuestros barrios se alejaron y alejaron a pesar de vivir a diez cuadras de distancia, a un salto de mata, a la distancia que salvaría una llamada telefónica para hacerme llorar cada seis de julio con una música secreta, escrita para mí antes de la noche de los tiempos, en la memoria colectiva de los que aún no nacen en nuestro barrio actual que es la vida misma.
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“Well, Friday’s a funeral and Saturday’s a bride And Sey’s got a pistol on the register side and the goddamn delivery trucks, they make too much noise and we don’t get our butter delivered no more.”
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PETER GABRIEL
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Y LA ÚLTIMA
TENTACIÓN DE CRISTO POR: JAIRO CALIXTO ALBARRÁN
Tenía los oídos vírgenes y Peter Gabriel me vino a desquintar. No como hacen los bárbaros que llegan con un plan ni como los barbajanes guiados por el instinto. Lo hizo por las vías sutiles, aunque escasamente glamorosas, de un disco de acetato extraviado en un carrito de supermercado. Se trataba del mítico Security, donde se incluía un clásico de la postmodernidad: Shock the Monkey, que se me presentaba enrarecido y provocador en medio de pollos, enceres de cocina y el departamento de ‘carnisalchichonería’ del supermercado del IMSS. Era el último de la serie de portadas que los demiurgos del conglomerado hipgnoSiS (elfos de las artes gráficas y del diseño que construyeron la imaginería y la consolidación del rock setentero, comenzando con Pink Floyd en el 68 y terminando en el 82 con Led Zeppelin). Ya había escuchado a Gabriel de pasada con geneSiS (el ejercicio exponencial de la progresión que inaugura la alucinación y el montaje en el espectáculo rockero), pero no sabía que era capaz de superar aquellas glorias. Él no quería hacer pop usufructuado en parcelas al estilo de su sucesor Phil Collins, quien desde la batería acechaba la oportunidad para tomar las riendas de la banda hacia Hollywood. Él deseaba desmarcarse y desenmascararse envuelto en disfraces, maquillajes, oropeles; construir mundos nuevos, explorar otras voces, otros ámbitos… reinventarlo todo.
IN YOUR EYES Colocar los ojos sobre un planeta como el nuestro, poseído por la amnesia y el olvido. En donde los recuerdos son dosificados, pulverizados y amaestrados en antologías y en ventas por pieza en el deshuesadero del iTunes, despreciando todo lo que no provenga de las pasteurizaciones de los medios masivos de comunicación. Peter Gabriel emprendió una gran cruzada por el rescate y reproducción de la memoria, él mismo es un atentado en contra del imperio de la repetición. Por eso, con la habilidad del viajero que renuncia a su visa de turista –como exige Paul Bowles en El Cielo Protector –, Peter Gabriel escapó a los esquemas de la industria del entretenimiento. Y reza la leyenda que a pesar de ello, de romper todos los esquemas, Peter Gabriel llenaba estadios y multiplicaba ventas, y el mainstream tuvo que rendirle culto y comunión.
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SLEDGEHAMMER Pero no se conformó con la carga de ser un triste rock star, –que lo puede ser cualquiera que caiga en la tentación de chapotear en cualquier charco–, ávido y curioso, se propuso recolectar y aprender de las musicalidades que emergen de la flauta de los demonios de esas latitudes ajenas a los rígidos esquemas de la cultura occidental y que, como dice Michel Tournier, “lloran la belleza del mundo.” De ahí que la discografía de Peter Gabriel sea en realidad una especie de carta de navegación de viajes por las geografías del tótem y el tabú, a través del rigor, el lirismo desbocado y la vena vanguardista que atrapa la mirada fugitiva y el oído avizor. Sus proyectos WOMAD dan fe de esas batallas con decenas de artistas extraídos de los parajes más ignotos: de África al Caribe, de Yemen a Veracruz.
BIG TIME Y así como don Peter ha creado geografías fantásticas desde la sonoridad, su labor también ha sido la de gran creador de conceptos visuales que se decantan desde y por su trabajo musical. Allí, en esa caja de resonancia iconográfica se manifiesta una suerte de striptease creativo e intenso frente el murmullo bárbaro de quimeras, metáforas, elipsis y ensoñaciones de los hombres que se sienten intrusos en su propio planeta. Allí se convocan y reúnen un revelador discurso musical, la exaltación poética de la experiencia sensible a través de las manipulaciones sonoras y una serie de propuestas plásticas hechas a la par con directores y artistas que recrean el espíritu de cada track, apelando a los encantamientos simbólicos de la imagen como conciencia.
SOLSBURY HILL Vemos una turba de fantasmas, basiliscos y angélicas criaturas, cuyo transitar por las habitaciones de la conciencia provoca la perturbación de los materiales de que está hecha el alma. Aquí, Peter Gabriel no sólo observa y se explica el mundo a través del lenguaje verbal y el arsenal poético y metafórico del que dispone,
o del pelotón de especulaciones musicales que ha recolectado cuidadosamente, sino que a su vez explora la fe a través de los sonidos. Si los trabajos de Gabriel son un crucigrama de criaturas, paisajes, sensaciones, sometimientos, júbilos y rebeldías, su deconstrucción del éxtasis religioso por las vías de la sonoridad es reveladora. Cada producción es en sí la manifestación de los contenidos que sustentan las propuestas, por medio de las metaficciones que lo habitan, y que son la base del discurso con que establece un diálogo con Dios y con el hombre: Dios como confabulador de escenografías y reglamentos, el hombre como habitante angustiado y tergiversador de esas instancias.
RED RAIN Y es que la historia de Gabriel es la exploración de los gemidos rítmicos, las vivas coloraciones atormentadas por los tribalismos y el desmenuzamiento de las culturas que escaparon al salvaje ejercicio colonial del imperialismo. Al embarcarse en un safari antropológico, que le permitió aproximarse al pergeñamiento taumatúrgico de sincretismos, Peter Gabriel sostiene un aguerrido diálogo con Dios y con el hombre, en la exploración de sus respectivos reinos y las relaciones que guardan entre sí. Es como si él estuviera empeñado en servir de interlocutor y enlace entre quien ha concebido las estructuras del mundo y quienes deben padecerlas. Su papel lo permite: su canto, el pelotón de sonidos de que están formadas sus creaciones y sus interpretaciones, son necesariamente el reflejo de esa voluntad de descifrador de oráculos. Por eso sus uñas desgarran las escenografías de Occidente, y su voz de martillo-bisturí ensangrentado contribuye a la devastación ideológica del neoliberalismo. Su música es trampolín y anzuelo, batiescafo y catapulta; y las palabras que emanan del recinto de su lengua son carabelas nómadas patrullando los diálogos entre el ser y la memoria sensorial, entre las cosas y sus usos, entre las acciones y sus consecuencias, entre el patrimonio de la verdad y sus metáforas. En Peter Gabriel conviven el cyberpunk y el apóstol, el médico brujo y el agent provocateur. Peter Gabriel agita los árboles de la cultura, la sensibilidad, la fantasía y la introspección para que caigan los frutos de la tentación que habremos de consumir como eternas representaciones de Eva y Adán en el paraíso de la Tierra.
DON’’T GIVE UP He visto a Peter Gabriel como gran chamán en sus bestiales espectáculos y como humanista. Sus contribuciones a los derechos humanos son múltiples, pero quizá el más vigoroso haya sido cuando en el momento en que se linchaba planetariamente a Sinéad O’ Connor por romper una foto de Juan Pablo II y criticar su venerada figura, Peter la trajo para su primer concierto en México. Aquello fue apoteósico. Hoy, vemos al maestro envejecer con una dignidad superior; ajeno a la geriatría aplicada a la conversión de las viejas estrellas de rock, Peter Gabriel vive su última tentación de Cristo.
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SEIS ACORDES PARA HACER POESÍA POR: ALFONSO ANDRÉ
Leonard Cohen es, sin duda, uno de los grandes poetas del rock. Y no sólo usa certeramente las palabras, también logra bellísimas y desoladas melodías que interpreta con esa voz profunda y densa, cargada de un sarcasmo particular que tan bien se lleva con sus intensas y melancólicas historias de desamor, aislamiento y héroes caídos.
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eonard Norman Cohen nace el 21 de septiembre de 1934 en una familia judía de clase media en Westmount, barrio de habla inglesa en Montreal. Su padre muere cuando él tiene apenas nueve años, hecho que lo marca de por vida dándole ese aire serio e introspectivo que lo acompañará para siempre. Cuando cumple 15 años llegan a su vida una guitarra acústica y la poesía de Federico García Lorca. Mucho tiempo después, durante la entrega del premio Príncipe de Asturias de las Letras, Leonard relata cómo fue que aprendió a tocar esa guitarra. Conoció a un joven español en un parque y él comenzó a darle clases: “El día de la cuarta clase, cuando llamé a su pensión, la casera contestó el teléfono. Me dijo que el guitarrista había muerto. Se había suicidado. Yo no sabía nada de aquel hombre, por qué había venido a Montreal, por qué se había quitado la vida, pero aquellos seis acordes que me enseñó han constituido la base de todas mis canciones y de toda mi música”. A los 17 años forma un trío de country-folk, The Buckskin Boys, y al poco tiempo abandona la casa familiar para irse a vivir con un amigo a un departamento en el Little Portugal, un barrio de clase trabajadora donde escribió muchas de sus más famosas canciones. En 1951 se enrol en la universidad McGill, donde preside el Grupo de Debate y gana la competencia Chester MacNaghten. Esto daría inicio a una fecunda carrera literaria: en 1954 publica sus primeros poemas en una revista y en 1956, a sus 21 años, su libro de poesía Comparemos Mitologías, dedicado a su padre. A éste le siguen varios poemarios como El Especiero de la Tierra (1961) y el controvertido Flores para Hitler (1964). Cohen, que ha escrito y publicado doce libros de poesía, novelas y dibujos, así describe su proceso creativo: “Soy como un oso tropezando sobre una colmena. Estoy tropezando justo encima y me quedo pegado, es delicioso y horrible, estoy metido y no es muy grácil. Es muy incómodo y doloroso pero hay algo inevitable al respecto”. Luego de graduarse en McGill, cursa un año en la Universidad de Columbia, y define la experiencia como: “pasión sin carne, amor sin clímax”. Durante esta etapa universitaria gana una beca y viaja por Europa. Se establece en la isla griega de Hidra, junto a Marianne Jensen. Aunque la poesía parecía ser su principal centro de interés, por ahí de 1966 comienza a frecuentar los clubes de folk de Greenwich Village en New York, y para 1967, a los 33 años de edad, Columbia Records edita su primer álbum, que lo catapulta de inmediato a ocupar un lugar privilegiado entre los cantautores de la época, liderados por Bob Dylan. Desafortunadamente no pudo disfrutar del éxito que se avecinaba. Su lucha con trastornos bipolares, agravados por el abuso del alcohol y drogas, lo lleva a un estado cercano a la locura y eventualmente al hospital. La depresión se convierte en una constante implacable que lo amenaza a lo largo de toda su vida. En 1993, a los 60 años, se despide del mundo de la música y se recluye en el monasterio de Mount Baldy, en Los Ángeles, para vivir sirviendo a Roshi, su maestro, un anciano monje japonés. En 1999 abandona el monasterio y viaja a la India para ponerse al servicio de Ramesh S. Balsekar. En Bombay, según sus propias palabras, logra al fin “disipar el velo de la depresión”. Sin embargo, en 2004 vendrá otro duro golpe: Cohen descubre que su dinero se ha esfumado. Kelley Lynch, su mánager y amante
ocasional, lo ha estafado por más de cinco millones de dólares. A los 73 años, edad en la que debería estar disfrutando de su jubilación, esta mala jugada lo obliga a volver a las giras. En 2012 edita su más reciente álbum de estudio, Old Ideas, el número doce de su carrera. Un álbum otoñal en el que el artista hace frecuentes referencias a sus recuerdos del pasado y a su propia mortandad. Recuerdo bien la primera vez que escuché a Leonard Cohen. Estaba cursando la prepa y mis gustos musicales iban más por la estridencia y la distorsión, que por cantautores atormentados y profundos armados con guitarras acústicas y versos ácidos y mordaces. El hermano mayor de uno de mis mejores amigos de esa época me mostró los tres primeros trabajos de Cohen: Songs of Leonard Cohen (1967), Songs From a Room (1969) y Songs of Love and Hate (1971). Fue amor a primera oída: su desolada y agridulce voz aunada a los desnudos y sobrios arreglos me atraparon de inmediato. Dentro de estos tres hermosos, tristes y áridos paisajes conocí rolas clave de la discografía de este gran compositor que sin duda me marcaron: So Long, Marianne, Hey, That’s No Way to Say Goodbye, You Know Who I Am, The Partisan, Bird On The Wire, Last Year’s Man y muy particularmente Famous Blue Raincoat, una verdadera joya en la que en poco más de cinco minutos L.C. entreteje el amor, la amistad, la traición y el perdón, como si se tratara de una novela magistral. Después de esta reveladora experiencia, sin pensarlo dos veces, fui a comprar mi primer LP de Cohen. Se trataba de su cuarta producción en estudio, el fantástico New Skin for the Old Ceremony (1974), que hasta el día de hoy se mantiene como uno de mis discos favoritos de la vida y un seguro candidato a mi lista para sobrevivir a la famosa isla desierta. Desde la combinación de la portada (un antiguo grabado medieval en el que dos ángeles se cachondean en pleno vuelo) y con el título te puedes ir dando una idea de por dónde va esta colección de irreverentes y cáusticas canciones. Bajo la producción y arreglos de John Lissauer, es sin duda uno de los álbumes más musicales de su carrera. Las incisivas letras y los temas recurrentes siguen ahí (amor, religión, desolación, las relaciones amorosas vistas como un campo de batalla), pero los arreglos magistrales de Lissauer y la elegancia de los músicos que lo acompañan, elevan este grupo de canciones a otra dimensión. Cohen está lejos de ser un cantante virtuoso, pero su voz grave y seca es el vehículo ideal para darle vida a sus bellas canciones. Sin embargo, en este disco decide ir un poco más allá: se le escucha seguro e intenta llevar su instrumento a otro lugar. Aunque a ratos su voz pueda sonar algo forzada, las canciones son interpretadas desde el corazón, con una pasión que no le conocíamos en discos anteriores. Como muestra del tesoro que es New Skin for the Old Ceremony y de la calidad de la pluma de este artista, permítanme mostrarles un par de letras que bien reflejan la aguda narrativa y el negro humor de Cohen. La primera describe un encuentro cercano con la legendaria Janis Joplin en el neoyorkino Chelsea Hotel. La otra es una observación del artista ante el poder, el Estado y sus mecanismos represivos:
CHELSEA
HOTEL
NO. 2 Ésas eran las razones y ésa era Nueva York, corríamos tras el dinero y la carne y a eso le llamaban amor los trabajadores de la canción, probablemente aún lo sea para los que quedan. ¡Ah!, pero te escapaste, ¿verdad, nena? Sólo le diste la espalda a la multitud. Te escapaste, ni una sola vez te oí decir: “Te necesito, no te necesito, te necesito, no te necesito”. Y todo ese palabrerío confuso alrededor. Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea. Eras famosa, tu corazón era una leyenda. Me dijiste otra vez que preferías hombres guapos, pero que por mí harías una excepción. Y apretando el puño por los que como nosotros están oprimidos por los cánones de la belleza, te arreglaste y dijiste: “Bueno, no importa, somos feos, pero tenemos la música”. Y luego te escapaste, ¿no es así nena?, sólo le diste la espalda a la multitud. Te escapaste, ni una sola vez te oí decir: “Te necesito, no te necesito, te necesito, no te necesito” Y todo ese palabrerío confuso alrededor. No pretendo sugerir que yo te amé mejor. No puedo llevar la cuenta de cada pajarillo caído. Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea.”
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“Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea, hablabas tan valiente y tan dulce, mamándomela en la cama deshecha mientras en la calle esperaban las limusinas.
UN CANTOR
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DEBE
MORIR “Eso es todo, ni siquiera pienso en ti tan a menudo. El juzgado ahora está en silencio, pero ¿quién confesará? ¿Es verdad que nos traicionaste? La respuesta es que sí. Entonces léanme la lista de los crímenes que son míos, yo pediré la misericordia que ustedes aman negar. Y todas las damas se mojan y el juez no tiene opción. Un cantor debe morir por la mentira en su voz. Y les agradezco, les agradezco por hacer su deber. Guardianes de la verdad, guardianes de la belleza. Su visión es correcta, mi visión, incorrecta. Me disculpo por ensuciar el aire con mi canción. ¡Oh! La noche es densa, se ocultan mis defensas en la ropa de una mujer a la que me gustaría perdonar. En los anillos de su seda, en la bisagra de sus muslos donde debo ir a mendigar en el disfraz de la belleza. ¡Oh! Buena noche, buena noche, mi noche, tras noche, tras noche, tras noche… Tengo tanto miedo de escucharte a ti. Tus protectores con lentes de sol te hacen eso. Es su forma de detener, su forma de desgraciar sus rodillas en tus bolas, y su puño en tu cara. ¡Sí! Y larga vida al Estado por quien sea que está formado. Señor, yo no vi nada, sólo llegaba a casa tarde.” La música de Leonard Cohen es atemporal. Nunca estuvo de moda, sin embargo, siempre será relevante y actual. Sigue y seguirá seduciendo a nuevas generaciones de oídos ávidos de belleza, verdad y genio. ¡Bienvenidos sean! El viaje vale totalmente la pena…
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e apodan “The Killer”. Cuando toca el piano parece que no le está extrayendo notas, sino que lo está torturando para que confiese todos sus secretos. Grita, baila, aúlla; cabalga sobre él. Su cuerpo, aunque ya envejecido, canaliza el espíritu salvaje, desinhibido, furioso, rebelde e incontenible del rock & roll. A pesar de que tuvo pocos éxitos en las listas de popularidad, su nombre ocupa uno de los lugares de honor en la historia de la música moderna. Junto con Chuck Berry, es uno de los últimos sobrevivientes de esa camada de personajes que dieron origen al gran ritmo. Jerry Lee Lewis nació en Ferriday, Louisiana y creció lleno de limitaciones. A pesar de esto, la música desbordaba su hogar. La radio le llevaba las transmisiones del Grand Ole Opry y programas como Louisiana Hayride, había también algunos sencillos de 78rpm de cantantes de country y blues, y se deleitaba con el góspel de la iglesia. Escondido en algún bar, llegó a presenciar a un muy joven B.B. King tocando el más sentido blues. La guitarra no llamó su atención, su preferido siempre fue el piano. Con gran sacrificio sus padres hipotecaron su granja para adquirir un modesto piano. Lewis hizo que el sacrificio valiera la pena. Se dedicó por completo al instrumento, al grado que en dos semanas lo dominaba con soltura y maestría. Su primo mayor, le enseñó algunos secretos para tocar estupendos boogies; pero todo lo demás lo aprendió de oído. Jerry Lee Lewis derribó el mito contemporáneo de que los músicos profesionales son los que van a escuelas de música y estudian 15 horas al día. Lo que realmente se requiere es talento y para Lewis, era un regalo de Dios. Alguna vez lo describió como si sus dedos tuvieran cerebros individuales y supieran exactamente qué hacer. A la par de su habilidad, se debatía en un terrible conflicto moral a causa del rock & roll, ritmo diabólico y satanizado que contradecía sus rigurosas enseñanzas cristianas. Ver a la gente feliz con lo que hacía le llenaba de gozo, pero al mismo tiempo sabía que estaba tocando “la música del diablo”, y aceptó su destino pecador. Su primera aventura musical fue al lado de sus primos, Mickey Gilley y Jimmy Lee Swaggart (quien curiosamente en los 80 se convertiría en un famoso televangelista, férreo detractor del heavy metal). Sin embargo, algo le decía
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POR: IVÁN NIEBLAS
que su camino por la música sería solitario. Y, después de leer un reportaje sobre Elvis Presley en la revista Country Roundup, decidió visitar a don Sam Phillips y su discográfica Sun Records en Memphis, viaje costeado por su familia tras la venta de 33 docenas de huevos. Para su mala suerte Phillips había salido de vacaciones, así que el ingeniero Jack Clement se ofreció a hacerle una audición. Lewis tocó una muestra con sabor Country. Clement le preguntó si tenía algo “un poco más rock & roll”. Jerry Lee Lewis tocó un arreglo de la canción Crazy Arms, del indomable Ray Price, y una composición propia, End of the Road. Ambas fueron editadas en un sencillo que apareció bajo el nombre de Jerry Lee Lewis & His Pumping Piano, teniendo una aceptación moderada. Lo de ‘pumping’ se debía al estilo característico de Jerry para tocar el piano: mantenía un ritmo pulsante, casi percusivo, en las teclas graves, al estilo del boogie; mientras que con las teclas agudas metía melodías deslumbrantes, como ráfagas. Se construyó una sólida reputación como músico de estudio, el propio Carl Perkins estaba entre quienes solicitaban sus servicios al piano. Un día de diciembre de 1956, Jerry Lee y Perkins trabajaban en los estudios de Sun, cuando el joven Elvis se apareció para saludar a Sam Phillips. El trío de músicos, al
calor de la charla y algunos cigarrillos, comenzaron a palomear algunas canciones populares y Phillips accionó el control de grabación de una cinta de carrete que casualmente tenía montada, al tiempo que llamaba al hombre de negro, Johnny Cash, para que se uniera al trío. Interpretaron canciones de góspel y algunas de Elvis, Chuck Berry y Pat Boone. A pesar de su baja calidad, la grabación fue editada a mediados de los 80, bajo el nombre de The Million Dollar Quartet. En 1957, Lewis grabó su segundo sencillo, Whole Lotta Shakin’ Goin’ On, con sus 2:58 minutos de devastadora fuerza rocanrolera. La canción era un arrebato de rebeldía y diversión de ritmo incendiario. Esta rola lo hacía sacudirse, aventar el banquillo y retorcerse en el piano, al grado de subir, sentarse o aporrear las teclas en una especie de posesión musical-espiritual que pronto llamaría la atención de público y empresarios. El 28 de julio de 1957 se presentó en el programa de Steve Allen, dando una sorprendente actuación. A partir de ese momento, Whole Lotta Shakin’ Goin’ On comenzó a escalar en las listas hasta llegar al primer lugar de todas las categorías musicales de las que se llevaba registro en ese entonces: pop, country, estern y R&B, algo que sólo Elvis Presley y Carl Perkins habían logrado. Con su siguiente canción, Great Balls of Fire, escrita por Otis
53 Blackwell (responsable del éxito de Elvis con Don’t Be Cruel) lo volvería a lograr y dejaría a sus contemporáneos atrás. Contrario a lo que se piensa, Jerry Lee no era un gran escritor de canciones, pero sí un excelente arreglista; un “estilista” de la música, capaz de darle un sello propio a la canción de alguien más. Así, su carrera comenzó a ascender con canciones como Breathless y High School Confidential. La fama lo alcanzó y se encontró en los cuernos de la luna. Empezó con desplantes de grandeza como cuando Alan Freed organizó una gira de rocanroleros y Jerry peleaba con Chuck Berry por decidir quién era más importante para cerrar los shows. Freed se inclinó por Berry, a lo que Lewis respondió incendiando su piano mientras tocaba (¿qué más?) Great Balls of Fire. A ver cómo superaba eso el viejo Chuck. También, ha sido marcado por el escándalo y la controversia. A los 23 años, ya se había casado dos veces, y la tercera vez fue en 1957, con la hija de 13 años de su primo Mickey Gilley. El matrimonio escandalizó a todo el mundo y provocó que fuera vetado de la radio y abucheado en conciertos, pasando a ganar de 10 mil dólares a 250 por noche. Jerry pagó una página entera
de la revista Billboard para declarar que si bien su vida personal era tormentosa, esperaba que eso no juzgara su trabajo como artista. A finales de los 60, se apuntó hits con Another Place, Another Time y What Made Milwakee Famous (Made a Loser Out of Me). Sin embargo, el influjo del rock & roll fue más poderoso y, a finales de los 70, retomó su vena rockera, grabando álbumes llenos de fuego y vitalidad a pesar de su edad avanzada. Para el soundtrack de la película basada en su vida, “Great Balls of Fire”, se le pidió que cantara sus éxitos de nuevo y lo hizo con tal empuje que parecía que había regresado hasta 1957. Basta escuchar su sensacional álbum de 1995, Young Blood, para ser testigos de que el viejo Jerry está aún lejos de apolillarse. Jerry Lee Lewis es un personaje que sigue desafiando las convenciones sociales y rehúsa ser olvidado o catalogado como un artista “de nostalgia”. Su talento, la calidad de sus interpretaciones, el fuego, la desfachatez, la actitud y, sobre todo, el legado de sus canciones le han otorgado un lugar dentro del olimpo del rock & roll.
POR: LUIS GERARDO SALAS ILUSTRACIÓN POR: XUAN LONG
55 Talking Heads es Nueva York. Más allá de la temática neurótica urbana de su música, su aparición en la escena a mediados de la década de los 70 y su transformación musical a finales de los 90 es la síntesis de la historia musical y cultural de NY: los psicodélicos, juguetones e irreverentes 60 Warholianos; los superficiales, plásticos y confundidos 70 de Studio54, CBGB, Harring; hasta los transformadores ecléticos y aperturistas 80 de Soho y Koch.
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alking Heads inicia su idea musical con un sonido alternativo al punk duro y sin concesiones que dominaba el lado bajo de Manhattan, sin embargo también ellos reunían las mismas características agresivas, contestatarias y antiestéticas. En donde el punk rugía, Talking Heads dialogaba con una mezcla de sonidos infantiles, furiosos, confusos, simétricamente ofensivos y muy divertidos. Psycho Killer del Talking Heads: 77 inicia esta relación perversa a través de la temática del momento inspirada en el “Son of Sam” o las leyendas urbanas cargadas de perversión, sadomasoquismo y excesos químicos que en el calor veraniego de los setentas corrían por una NY sucia, insegura y dividida social y culturalmente; confrontada por una diversidad latina, negra, oriental y wasp que no alcanzaba a simetrizar. La relación de la ciudad con la banda se resume a la perfección en el eclecticismo de su versión a Take Me To The River composición de Al Green del More Songs About Buildings and Food (1978); Life During Wartime del Fear of Music (1979) denuncia la inmundicia y decadencia del glamour uptown disco y el punk del Bowery –”this ain’t no party, this ain’t no disco... This ain’t no fooling around”–, que a los ojos de la banda no eran tan diferentes. Con Once In A Lifetime del Remain in Light (1980), la relación con NY llega a un punto de quiebre, mostrando una exposición definitiva de la influencia africana en la idea musical de Byrne y que los alejaría, por primera vez, de ese entorno caótico,
neurótico y urbano de Manhattan para entrar de lleno en una propuesta propia y universal que tres años después sería reafirmada en el Speaking in Tongues con Burning Down The House. Seis años de energía creativa efervescente que sonaban a la dirección que la cultura avant garde neoyorquina tomaba, en este caso cargada de la influencia intelectual y musical de Brian Eno, y de la estética y conceptual de Jonathan Demme, quien terminaría por definir visualmente a la banda en Stop Making Sense. Paradójicamente, en este punto del Speaking in Tongues, alcanzan el momento comercial más alto de su carrera y se define el camino final de la banda, y el inicio de la vida solista de Byrne. Aunque en 1985 publicaron Little Creatures y en 1986 True Stories, discos creados bajo una especie de regeneración o remasterización de los moldes rítmicos y musicales que habían logrado en los primeros seis años, y por consiguiente una especie de repetición de sí mismos. La influencia africana cargada de misticismo, y la nueva inquietud artística de Byrne, desintegró a la banda que, ya habiendo experimentado alternativas exitosas –el Tom Tom Club de los Frantz y la carrera de productor de Harrison–, insistía en seguir con la estructura colectiva de composición, ejecución y dirección musical. Las consecuencias de esa lucha interna se aprecian en el último álbum de la banda, Naked, que es una total imposición de los intereses musicales de Byrne,
obsesionado por las derivaciones de la música africana y que termina por hacer un disco que parece más un prefacio al Rei Momo que un disco de los Talking Heads.
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La primera vez que conocí a Byrne fue en 1990 cuando lo llevamos a México con el Rei Momo Tour al Ángela Peralta. Trece años después de su irrupción en la música visitó México –los Talking Heads nunca tocaron en nuestro país–. Llegó cargado de todas sus transformaciones cosmopolitas a una ciudad que apenas despertaba a manifestaciones culturales como las que transportaba sobre sus hombros. Si bien el Rei Momo como continuación del último trabajo de los TH parecía una evolución de la música de la banda y de la carrera artística de Byrne como su líder, era en realidad una desviación hacia otros intereses artísticos, estéticos y musicales, distintos a los que dieron origen a su música como banda. Neoyorquino esencial, como él mismo se considera –al igual que todos los miembros de la banda–, a partir de entonces dirigió su atención a las causas que envolvieron a la ciudad en los noventa y la primera década del siglo XXI: ecología, fashion, cine, Internet y transporte alternativo ecológico. El resto de la banda siguió haciendo música, intentando incluso rehacer la historia de los TH en un álbum con vocalistas invitados en 1996 bajo el nombre The Heads: No talking, Just Head. Escuchar a los Talking Heads es repasar los olores, sabores, velocidades y desórdenes de Nueva York. El último intento de la mitad de los TH, Chris Frantz y Tina Weymouth, a través de su banda Tom Tom Club,
de revivir esos momentos gloriosos de la transformación urbana se llama Downtown Rockers, y es un listado de aquellas bandas que a finales de los 70 transformaron la música desde la parte baja de Manhattan. En mi memoria, el peso de los Talking Heads y su relación con NY se resume en un momento del concierto Rei Momo en el Ángela Peralta: un aguacero infame que por poco tira la lona, caos en la entrada, colados por todas las bardas y confusión en backstage. Gente con toallas tratando de secar el escenario, alguna bocina sacando humo, los músicos cubanos cantando y bebiendo, David Byrne con la guitarra en el hombro y vestido para el concierto al lado de su manager que con cara de preocupación observa el caótico espectáculo. Me voltea a ver a mí, voltea a ver a David. La angustia de una posible cancelación. La cara de Byrne, que se había mantenido inmutable durante todo el viaje, medio sonríe, se emociona, se llena de caos y de adrenalina; confirma el inicio del show, sale a escena con el combo, la gente se vuelve loca y la intensidad del concierto aumenta hasta que llega el momento cumbre en donde veo a un Byrne que se contorsiona desmedidamente, despeinado, con la guitarra al frente y desbordando energía en una de las mejores versiones que he escuchado en mi vida de Burning Down The House. La neurosis perfecta de NY, 1975-1979 seduciendo y contagiando a la Ciudad de México, 1990.
POR: OMAR ZAMORA
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ablar de la escena punk en el Reino Unido durante la década de los 70 - 80 siempre nos hace pensar en The Clash, Sex Pistols, quizá hasta Buzzcok s. Pero había una banda originaria de Woking, Surrey, que logró un sonido único en la escena “punk”, mezclando beat music, soul, rythm and blues y rock psicodélico reviviendo el sonido del movimiento mod de los 60. Paul Weller (guitarra y voz), Bruce Foxton (bajo y voz) y Rick Buckler (batería), mejor conocidos como The Jam, tenían una ideología “punk”, como las otras dos bandas más reconocidas de la época, sin embargo, su música no buscaban la anarquía a la que llamaba Sex Pistols o un cambio revolucionario, como sugería The Clash. Siempre tuvieron una visión más enfocada a la sociedad británica y al acontecer de la misma. Así pues, los chicos desaliñados, pero ataviados con trajes que harían a Ace Face (Quadrophenia) morir de envidia, dejaban en claro la diferencia ideológica de la banda con sus contemporáneos. E n 19 7 7 l o g r a r o n u n g r a n reconocimiento dentro de la escena, gracias a una gira por los principales escenarios del circuito punk londinense, dicha gira llamada White Riot Tour junto a Buzzcocks , The Clash y The Jam, quien aprovechó la misma para promocionar su primer material In the City; en el que se notaba, en el sonido de la guitarra de Weller, la influencia de Wilko Johnson (Dr. Feelgood) y Pete Townshend (The Who), acompañado de letras expresando la frustración de todo adolescente de la época. Fue durante el White Riot Tour, y tras la salida de In The City, que el movimiento punk comenzó a distanciarse de la banda, tanto por su indumentaria, como por los famosos enfrentamientos físicos entre Paul Weller y Mick Jones (The Clash), y también con Sid Vicious (Sex Pistols). Incluso una incómoda situación
que ellos llamaron una “estafa económica” por parte de The Clash, que los llevó a abandonar la gira a tan sólo 8 conciertos de terminarla. Con todos estos hechos, la banda empezó a ser considerada la “oveja negra” del punk y no era para menos, ellos buscaban un sonido que perteneciera (o no) completamente al movimiento. Fueron el primer grupo “punk” de época en actuar en el afamado programa Top Of The Tops, en donde interpretaron All Around The World, canción en la que se burlan de la hipocresía de “ciertos” punks, y que daría paso a
su segunda placa This Is The Modern World, lanzada ocho meses después de la primera.No fue tan bien recibida por la crítica, pero mostraba a una banda con un sonido más experimental, un sonido que logró atrapar la atención de quien tuviera uno de los oídos más finos y educados del Reino Unido, John Peel. Volvieron a las listas de popularidad con el single News Of The World, el cuál dejó ver una notable mejoría en la composición de Weller con canciones como Down In TheTube Station At Midnight, en la que critica el resurgimiento de movimientos racistas, ‘A’ Bomb In Wardour Street una de sus canciones más agresivas, creada con la típica formula del
Para su cuarta entrega Setting Sons las canciones estaban más basadas en temas sobre la clase obrera y la nostalgia adolescente que abrumaba a la banda y que quedarían mejor plasmados en su álbum Sound Affects en donde el sonido del post-punk, de bandas como Joy Division o Gang of Four se hace presente. El fin de la banda llegó con el lanzamiento de The Gift su último material que si bien, incluye grandes canciones, tiene dos en especial, Town Called Malice, probablemente su canción más conocida en América (sí, ese gran tema que aparece en el soundtrack de Billy Elliot) y Beat Surrender, todo un icono, dentro de la cultura británica. Con este álbum llegaron las diferencias entre los miembros de la banda, por la constante experimentación de sonidos que Weller quería hacer y que al final, los llevó a separarse. Después de la separación, Foxton y Buckler se dedicaron a proyectos de media o baja repercusión, Bruce con Stiff Little Fingers y Rick en The Gift. Paul Weller por su lado creó The Style Council y desde el inicio de los 90, lleva una increíble carrera en solitario que hasta la fecha, no deja de sorprender a los viejos fans y consigue que nuevas generaciones se interesen en su trabajo. Sobra decir que, lamentablemente, nunca tuvieron el reconocimiento que merecían en América, mientras que en el Reino Unido, siempre estuvieron en los primeros lugares de los charts, al grado de que fueron un gran apoyo
e influencia para otras bandas de su época, incluso en otros géneros, como The Specials, The Beat o Madness en el Ska Two Tone, o en grupos que compartían su amor por el sonido ‘mod’ como Secret Affair, The Merton Parkas o The Lambrettas. The Jam fue una de esas bandas que impulsaron a toda una generación, con la idea de: “Estás sólo, es un mundo enorme y únicamente eres una persona, pero no tengas miedo de salir y conseguir un pedazo de él, ¡hazlo!”. Algo que hasta la fecha a más de uno nos sigue generando un impulso de lucha acompañado de inevitables movimientos de pies, gracias a la increíble riqueza de ritmos en sus canciones. Discos de The Jam que no pueden faltar en tu colección: In the City y All Mod Cons.
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punk, únicamente con tres acordes, acompañada del gran cover a David Watts de The Kinks, que dejó más que clara la gran influencia de Ray Davies en las nuevas letras de la banda y que capturó la atención de muchos amantes de la música británica. Con estos sencillos en el mercado, se lanza su tercer disco All Mod Cons en 1978, considerado por muchos el mejor trabajo de la banda, el disco que sacó por completo a los mod’s que llevaban dentro, separándolos del sonido del punk y llevándolos a la cima del éxito.
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POR: DANIELLA SPALLA
De Washing Machine, la canción que me cautivó al principio fue Little Trouble Girl. Recuerdo ir escuchándola en repetición interminable mientras caminaba a un estudio de grabación en Buenos Aires, donde hacía locuciones. Enero, pleno verano, mis orejas transpiraban con los auriculares. El aire etéreo y oscuro de la canción hacía mi caminata más aletargada. Aferrada a su letra, cantaba sin parar. Siesta y la ciudad vacía. Por más que quisiese escuchar el resto del disco, esta canción tenía algo que no me dejaba avanzar y me hacía volver al inicio. Superada la obsesión por este sexto track del disco, pude descubrir el resto y caer en las extensas secciones de ruidos e improvisaciones que me hacían perder la cuenta de qué canción estaba sonando. Con el correr de los días, canciones como Panty Lies, Junkie’s Promise, Unwind y Becuz se convirtieron en mis preferidas. La curiosidad me llevó a continuar mi exploración de la banda por el disco de la mítica portada: Goo. Sus estructuras más simples y hooks presentes en Mary-Christ, Dirty Boots, My Friend Goo y Kool Thing, me atraparon de inmediato. Seguí con Daydream Nation y The Eternal. El fraseo tan natural de Kim Gordon, por momentos sarcástico, por momentos enfurecido, lleno de convicción y mensajes, despertaba toda mi admiración. De la misma manera, caía rendida ante los numerosos pasajes sombríos, de armonías dominadas por la depresión, y ante las introducciones sacudidas por un bajo filoso y constante. Fue en esta época que, influenciada por esta corriente de bandas de rock alternativo, punk y post-punk, empecé a considerar la posibilidad de incorporar una guitarra eléctrica a mi banda. Hasta ese entonces mis shows en vivo tenían dos tecladistas, pero nunca un guitarrista. La energía de mis canciones estaba mutando y ya no podía ignorar la necesidad de alinear el sonido de mi banda con la
esencia más primitiva y visceral de la que nacían mis composiciones. Al poco tiempo cambié a todos los músicos y formé la banda soporte que más disfruté en Buenos Aires: tres chicos de Córdoba (mi ciudad natal) que ahora vivían en la capital, al igual que yo. Ellos tocaban batería, bajo y guitarra y, por primera vez, yo me hice cargo de los teclados. Al fin empezaba a sentir que en vivo estábamos todos en el mismo canal de energía y la actitud de los shows tomó mucho más poder. Pude ver a Sonic Youth sobre un escenario en noviembre del 2011, en el Personal Fest de Buenos Aires, festival que ese año trajo a varias de mis bandas preferidas y tuvo como cierre de gloria al grupo neoyorkino. Adolorida por el headbanging que apliqué durante esa tarde y el día anterior del evento, esperé a Sonic Youth mientras un interminable show de Calle 13 sonaba en la otra tarima. Un frente frío había ingresado con una tormenta la noche previa; yo aguardaba, sentada y congelada junto con una amiga, el comienzo de la actuación de SY. Finalmente, la acción se trasladó de escenario, y con el primer acorde de Sacred Trickster, la banda empezó a sacudir al público presente en el predio del Club GEBA, en la capital argentina. Al principio sentí una euforia desbordada: gritaba, saltaba, cantaba fuerte, como queriendo compensar todas las veces que los escuché en mi casa mientras soñaba con verlos en directo. Luego pasé a un estado donde me costaba creer que por fin estaba presenciando ese momento y que quizás no volvería a repetirse. La circunstancia era particular: era el primer show que hacían luego de anunciar el divorcio de la que, por mucho tiempo, pareció ser una pareja indestructible. Moore y Gordon no estaban más juntos, pero la banda estaba ahí arriba, completa y sonando como una entidad inquebrantable. Calmadas estas emociones, pude dejarme caer en lo hipnótico de sus ruidos y entrar en una especie de ritual y posesión. Cada fragmento instrumental se armaba con tal creatividad, concentración y entrega a lo incierto que parecían criaturas absortas, jugando con ventiladores, arcos de violín, baquetas de batería y cualquier cosa que tuvieran al alcance para alterar los sonidos de sus guitarras. Fue aquella, una noche de elevación para mí. Donde vi y recordé que la esencia del arte, y de cualquier cosa que uno hace, yace en la entrega absoluta de energía y entusiasmo. Que la unión entre un puñado de personas, cuando es genuina, puede traspasar los años, las distancias y las diferencias humanas. La juventud estaba intacta frente a las luces. Las ganas de jugar, el desenfado y el instinto desafiante, nos remarcaron a todos que lo grande aparece cuando la seriedad deja de pesar.
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mpecé a escuchar Sonic Youth después de que mis oídos pasaran por los discos de muchas bandas influenciadas por ellos. Por eso, cuando escuché Washing Machine, el primer disco de la banda que llegó a mis manos, gracias a un vecino que me lo recomendó, encontré muchos elementos que estaban presentes en esta música que ya conocía, y esa familiaridad me hizo asimilarlos más rápido. La manera de cantar de Thurston Moore y de Kim Gordon, así como los sonidos estridentes de guitarras, los ritmos pesados y las armonías oscuras, me remitían por momentos a discos de Yeah Yeah Yeahs, PJ Harvey, Nirvana, The Kills, The Raveonettes o The Strokes.
POR: CHA! ILUSTRACIÓN POR: XUAN LONG
69 ncluye a un Beatle. A Bob Dylan y, por si fuera poco, a Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynne. Más súper que eso, está muy difícil.
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De estos nombres, tal vez el menos “famoso” sea el de Jeff Lynne, pero para mí era el más importante. Antes de escuchar a los Beatles, yo escuchaba a Electric Light Orchestra, de la que Lynne era el cantante, guitarrista, compositor y productor. En mi casa los Beatles no se escuchaban porque mi mamá era muy fan de Elvis. Los Beatles no le gustaban porque decía que estaban feos y que cantaban horrible. Entiendo su punto, comparados con Elvis, definitivamente no eran guapos y cantaban “feo”. Lo mismo pasaba con Dylan. Es por eso que en mis primeros años figuraban Queen y ELO, lo que escuchaba en la radio. Cuando me enteré de los Traveling Wilburys no lo podía creer. ¡Éste era EL súper grupo! Además me dio mucho gusto que mi ídolo de infancia estuviera
ahí con sus ídolos. Me daba entre emoción, orgullo y esperanza. Si él podía estar ahí con sus héroes, ¿quién dice que yo no podría estar en algún futuro trabajando con los míos? Su broma de ser medios hermanos, todos hijos de Charles Truscott Wilbury, Sr. Que se cambiaran los nombres para el segundo disco (Vol. 3). Que los liner notes fueran escritos por Eric Idle y Michael Palin de Monty Python, usando seudónimos… Me parece genial y de lo más divertido. A fin de cuentas, lo que querían era hacer música entre amigos y pasársela bien. A pesar de que los cinco vienen de generaciones distintas, lograron hacer lo que muy pocos, ser una unidad coherente, una pandilla, una familia con el mismo apellido: Wilbury. Eso es un grupo de rock. Esto es lo que los hizo ser un verdadero súper grupo.
cincuenta y ocho
Para bailar la bamba se necesita que me pases a tu hermana, que me pases a tu hermana y otra cosita. ¥Ay, arriba y arriba!� CÊsar Rosas Montreal, 1985.
POR: LEO AUGUSTO
setenta y cuatro
A
ño 1978, Argentina gana la copa mundial de futbol bajo el yugo de la dictadura militar y México queda en el deshonroso último lugar. En nuestro país el presidente era José López Portillo y las monedas de 100 pesos acuñadas en plata valían cada vez menos debido al pésimo manejo de la economía, las palabras inflación, crisis, carestía y devaluación se tatuaron en la memoria colectiva. Acapulco, hoy en desgracia política y ambiental, recibía el concurso Miss Universo donde Janelle “Penny” Commissiong (primera ganadora afroamericana del certamen en 1977), oriunda de Trinidad y Tobago, coronó a la rubia sudafricana Margaret Gardiner como su sucesora en el reino de la belleza femenina. Eran los tiempos del Apartheid. En los Estados Unidos, la música Disco de los Bee Gees reinaba en la pista de baile con tres éxitos en el Top Ten de las listas Billboard: Night Fever, Staying Alive y How Deep Is Your Love. En el cine, John Carpenter estrenaba Halloween. En Los Ángeles, California, los Dodgers perdían la Serie Mundial frente a los Yankees de Nueva York. Los Lakers arrancaban la temporada con tres derrotas consecutivas en la NBA y los entonces Carneros perdían la final de conferencia frente a los Vaqueros de Dallas. En el Este de Los Ángeles, luego de tocar durante cinco años juntos, principalmente en bodas y fiestas de quince años, Los Lobos: Louie Pérez, Conrad Lozano, David Hidalgo y César Rosas, lanzaban su primer LP. Just Another Band From East LA, un disco lleno de sabor a cumbia, bolero y son veracruzano con El Canelo, canción que años más tarde interpretarían en
una versión “spanglish” en la serie infantil Sesame Street. En el bolero Sabor a Mí, logran todo el candor del ritmo que enamoró a nuestros abuelos, se nota también el mestizaje con la música americana al incorporar coros llenos de la melancolía de Ry Cooder o Randy Newman. Aquí encontraremos las canciones que Los Lobos escucharon desde cachorros, fue un escape a los hits pegajosos que tocaban en las fiestas donde se ganaban la vida y que llegaban a asfixiarlos. En este primer disco, producido por el extinto sello New Vista Production, se define la base del estilo musical de esta banda: música mexicana y rock & roll. Los Lobos no olvidan su origen, toman lo mejor de su realidad chicana y de la hispanidad en el este de Los Ángeles, donde más del 90 por ciento de los habitantes hablan español como lengua materna (según datos del censo del año 2000). Dos años antes, en 1976, Los Lobos lanzaron un álbum con música tradicional de protesta; ¡Sí Se Puede! para apoyar la causa de la United Farm Workers of America. Con incendiarios temas como Huelga en General, Yo Estoy con Chávez (aclaración pertinente: se refieren a César, no Hugo) y No Nos Moverán. Lobos de allá, con alma y sentimiento de serpiente, águila y nopal conectados con el espíritu de la música americana. En 1984 lanzan su segundo disco que los lleva al mainstream: How Will the Wolf Survive? Aquí evolucionan al integrar blues, country y jazz a su ya existente toque mexicano. Fue considerado por la revista Rolling Stone (2003) como uno de los 500 álbumes más grandes de todos los tiempos.
40 Años años Aullando aullando En este 2013, Los Lobos cumplen 40 años como banda y para celebrarlo grabaron en el exquisito City Winery de Nueva York un disco acústico que recién lanzaron a la venta; Disconnected In New York City, material que se puede conseguir en disco doble, DVD y vinil. Debido al éxito del concierto agotaron tres fechas con su actual alineación: Louie Pérez en la batería, guitarras, percusiones y coros; Steve Berlin, sax, percusiones, flauta y armónica; César Rosas, voz, guitarra y mandolina; Conrad Lozano, bajo, guitarrón y voz; David Hidalgo, voz, guitarra, acordeón, percusiones, bajo, teclados, batería, violín y banjo.
De La Bamba A Desperado East LA es considerada por muchos como la meca latina en los Estados Unidos. La calle principal lleva el nombre del luchador de los derechos civiles de los campesinos indocumentados, César Chávez que en 1968, en pleno verano del amor, llamó a un boicot nacional contra la uva de mesa de California, con el fin de conseguir mejores condiciones laborales para los trabajadores temporales durante la vendimia. El boicot tuvo éxito y logró que los productores se sentaran a negociar con el sindicato. De ahí vienen Los Lobos, de una comunidad que no se doblega y que busca un lugar digno en la sociedad americana. En 1987, el director chicano Luis Valdez los invitó a interpretar nueve temas de la banda sonora de la película “La Bamba” que contaba la efímera vida de Ritchie Valens, quien en 1958 convirtió en hit de rock & roll la tradicional canción jarocha y murió a los 17 años en un accidente aéreo. Los papeles principales fueron interpretados por actores chicanos: Lou Diamond Phillips, Rossana DeSoto y Esai Morales. El OST vendió más de dos millones de copias. Años más tarde, en 1995, el director de cine Robert Rodríguez decidió que quería hacer una secuela de la película de culto “El Mariachi”. Desesperado bodrio protagonizado por Antonio Banderas y Salma Hayek, contó con un soundtrack interpretado principalmente por Los Lobos, con el tema de la película Morena de mi Corazón a dueto con Banderas; además de Tito & Tarantula y Santana.
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Los verdaderos fans que acuden al City Winery pueden pedir, por 35 dólares, un tinto Los Lobos Cabernet Sauvignon de las viñas del valle de Napa californiano y acompañarlo con la sugerencia del chef: salmón ahumado.
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ELÍXIR POR EXCELENCIA MÉXICANO
ochenta y dos
POR: ANDREA PAZ
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uando pensamos en México una de las cosas que se nos vienen a la mente al instante es el tequila, la comida picante, sus campos y su folklor. Cuando pensamos en Guadalajara una vez más pensamos en tequila acompañado de música de Mariachi. Es así como Sabotage Magazine visitó Casa Herradura ubicada en la Hacienda San José del Refugio. Todo estaba listo, sombrero, botas, jeans y camisa a cuadros para recorrer el empedrado suelo de la hacienda. El clima era perfecto y los anfitriones espectaculares. Casa Herradura está en el pueblo de Amatitán, el cual se encuentra a 45 km de Guadalajara y a 13 km de Tequila y fue fundada alrededor de 1870. Las historias que ahí se han formado entre agaves azules son casi interminables. Las primeras horas del día para beber tequila estaría mal visto, pero estando en Casa Herradura, es lo más natural y ni cómo negarte cuando es Cuco, la estrella de la hacienda quien te lo invita. Cuco es un burro que nació en este lugar y en su lomo lleva barriles con el más puro tequila que se haya bebido. Al menos el 65% del tequila que se produce en Casa Herradura es Jimador y es el más vendido en México desde el 94, además de que ésta es la única casa destiladora que ha mantenido como norma sólo la venta nacional y de exportación de tequila sólo embotellado de origen.
Mientras recorremos campos azules que parecen interminables, podemos ver que siguen ahí los originales hornos de piedra en los que se cose el agave con vapor, agave que después de ser plantado tienen que pasar de 7 a 10 años para que madure y pueda ser cortado por los auténticos jimadores (de ahí el nombre del tequila). Los jimadores son quienes al cortar la planta comienzan con el proceso de producción, son 20 hombres y cada uno corta alrededor de 80 a 100 agaves por día. De las casi 136 variedades de agave que existen la Norma Oficial Mexicana sólo permite una, el agave azul y aún así, durante el proceso de producción se pueden hacer 5 tipos de tequila, entre los que están: Blanco con 46° % de alcohol, Blanco Suave y Reposado con 40° %, Antiguo con 38° % y Añejo con 40° %, todos y cada uno con un sabor totalmente diferente. Si algo aprendes en esta visita es la verdadera forma de tomar tequila y a distinguir entre cada uno de sus tipos, desde el olor y el color. El paladar se educa, tu cuerpo le pierde el miedo y olvidas aquellas borracheras o resacas que te han hecho jurar
que jamás volverías a beberlo y que claro, nunca cumples. Algo de lo que nos cuentan mientras caminábamos al lado de Cuco es que el tequila fue la primera bebida destilada en América, que aquí es donde se lleva a cabo cada paso de su producción, desde la siembra del agave hasta el envasado, ni una sola gota es llevada a otro lugar, directo de la hacienda llega al tradicional caballito. El recorrido es amplio y la hacienda está abierta para turistas casi cualquier época del año y por si fuera poco el haber conocido cómo es que se prepara la bebida más tradicional de nuestro país, todo culmina con una incomparable invitación a comer y beber. Tortas ahogadas, cochinita, chiles rellenos, frijoles, quesadillas y otros platillos entre margaritas, caballitos derechos y otros cocteles es lo que tiene en Amatitán y claro, ni qué decir de la obvia compañía del mariachi mientras disfrutas de todo esto como si no hubiera mañana, incluso las ganas de volver a casa se ponen en duda. Así como en Francia solo se hace Champagne como su bebida nacional por excelencia, la Norma Oficial Mexicana reconoce que el tequila origina sólo se hace en México.
Trivia: SABOTAGE y Cuco de El Jimador te regalan 5 bag packs que contienen: 1 hoodie, 1 yarda, 1 lestes de sol y 1 botella de tequila reposado El Jimador. Está al pendiente de las redes sociales de Sabotage @sabotage_mag y fb/sabotagemagazine para saber la forma en la que puedes ganar uno de estos paquetes.
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LEONOR
ELEGANTE Y DISTINGUIDO POR: GRUPO ARCHIPIELAGO
ochenta y cuatro
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a noche comienza con uno de los tragos más especiales de la casa, una Leonoraica (mezcal con jamaica), al ritmo de la música que distingue al lugar y rodeados por una arquitectura vintage con tapices y el candelabro icónico de Leonor. Leonor es un bar donde la presencia constante de los socios hace que el ambiente se vuelva realmente cálido y siempre entre amigos. La fachada no es ostentosa, pero al entrar por el ya famoso portón negro, toda la atención se centra en la pista al tiempo que revienta con música disco, electro, funk, hip hop y rock. Para los que buscan un suspiro de tanto baile, la terraza ofrece el espacio perfecto para enriquecer la plática al calor de un buen trago. NUEVO LEÓN 163, CONDESA TWITTER @LEONORCONDESA
HAVRE CANCINO PIZZERÍA ARTESANAL
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n la colonia Juárez, donde alguna vez Porfirio Díaz y sus arquitectos quisieron construir una ciudad al estilo de París, se encuentran 5 edificios construidos en 1906. Su arquitecto de referencia, J.G. de la Lama, construyó esta serie de casas en la calle de Havre, cada una con un estilo europeo diferente. El sótano del número 64 está ahora ocupado por este rústico lugar enfocado a la pizza, la cerveza y el vino: Havre Cancino. Su principal visión es reactivar la auténtica pizzería de la colonia por estos rumbos.
HAVRE 64, JUÁREZ RESERVACIONES: 52074398
CANCINO CIBELES CON LA RECETA ORIGINAL
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ancino se encuentra en un rincón de la Glorieta de Cibeles, una zona llena de vida peatonal y de gran referencia en la Col. Roma como punto central de muchos bares y restaurantes. El ambiente casual y cálido, junto con buena música lo hacen un lugar ideal para pasar la tarde y acompañar una pizza con vino o aprovechar la variedad de cervezas. El menú respeta las recetas originales del Sr. Cancino, que llegó de Italia hace 80 años, y ofrece desde las pizzas más tradicionales, hasta combinaciones de parmesano con espinaca, huitlacoche con queso oaxaca y cuatro quesos con uvas, además de ensaladas y los Cancinos que son el plato de la casa. PLAZA VILLA DE MADRID 13, ROMA RESERVACIONES: 55331087
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SANDWICHERIE
FOGG UNA VUELTA AL MUNDO EN UNA MORDIDA
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ulio Verne creó a Philias Fogg para que así pudiera darle la vuelta al mundo en 80 días. Archipiélago creó Sandwicherie Fogg para ofrecerle al cliente una vuelta al mundo a través del sándwich.
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VENTANITA
PASEO INTERLOMAS TERRAZA HIGH PARK PISO 2 RESERVACIONES : 52908599
CAFETERIA CON HISTORIA
a Ventanita es un café de barrio con más de 30 años de antigüedad, que mantiene en su formato original, despachar café a través de una ventanita. Sus clientes pasan a diario a comprar su café y algunos se sientan en el parque o en la pérgola que lo rodea, algunos otros siguen de paso, todos unidos por la búsqueda de lo original, ya que este lugar no sólo se distingue por ser la única cafetería que tuesta su café, sino por ser de las pocas cafeterías que quedan de su tipo, manteniéndose fuerte ante las grandes cadenas modernizadas.
PLAZA VILLA DE MADRID 13, ROMA TELEFONO: 553336440
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En Sandwicherie Fogg buscaron los sándwiches más representativos de cada región del mundo y también reinterpretan los clásicos, sin olvidar cocteles, vinos, y cervezas artesanales. La ambientación del lugar, entre maletas, mapas y pasaportes, te transportarán a cualquier lugar del mundo para descubrir un poco de lo que más nos gusta hacer: Viajar Comiendo.
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MERENDERO AL ESTILO DE TUS ABUELOS
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POR: DOLORES DE LA O.
os años 60 están de regreso en la colonia Coyoacán, y aquí es donde hay un lugar retro con toques modernos apto para todos los comensales que buscan nuevas experiencias para disfrutar de sus platillos favoritos como hamburguesas, papas y malteadas acompañados de historias como las que contaban nuestros abuelos, o para sentirnos como en las películas de aquellas épocas. El merendero es una opción más dentro de Coyoacán un lugar para toda la familia.
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HIGUERA 22, COYOACÁN Teléfono : 63630975
SEPTIMO LA VIEJA ITALIA
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s un restaurante de comida italiana ,con toques clásicos de la misma desde maneras de elaboración hasta recetas clásicas que todos conocemos, también tenemos algunas creaciones del restaurante con su propio sello creadas por el cheff Jelsen Costales , quien dentro de varias de sus especialidades domina la tradicional comida italiana. En la carta de bebidas podemos encontrar una propuesta interesantes de vinos. La cocteleria es bastante amplia y cubre los diferentes gustos de nuestra clientela. es desarrollada por el jefe de barras Rene Navarrete y es a base de frutos y especies naturales con distintos alcoholes. Los horarios son de lunes a miércoles de : 1:30 a 11:00, jueves a sábado de : 1:30 a 2:00 am y Domingos de 1:30 a 10:00
Col. Villa Coyoacán Del. Coyoacán Teléfono : 55 56580571
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ANSELMA
NACIONALISMO GASTRONÓMICO
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l restaurante y cantina Anselma es un nuevo lugar en el corazón de Coyoacán para convivir y divertirse. Es una cantina ambientada en los años 20 y busca juntar la identidad cultural de Coyoacán al mismo tiempo de ser un restaurante con excelentes platillos en donde la experiencia gastronómica está basada en el Nacionalismo Gastronómico. El menú desarrollado por el Chef Héctor Pérez Figueroa, tiene una gran variedad culinaria. La propuesta es de comida mexicana con recetas tradicionales de varias regiones del país. Dentro de un grupo de socios dentro de los que destaca Paco Huidobro, guitarrista del grupo Fobia ha traído a Coyoacán una cantina mexicana en una ubicación privilegiada.
UN HOGAR EN COYOACÁN
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asa adoptada de los habitantes del sur de la ciudad de México, que desde hace dos años han encontrado en la Celestina un lugar espléndido para encontrarse con sus amigos. Entre sus paredes, el mezcal (el de la casa es un obligado) y la cerveza son los los liquidos vitales encargados de hacer fluir las pláticas entre sus visitantes. El menú es el que equilibra lo gourmet con la economía de la juventud, y digamos que el combustible es la música alternativa y siempre ecléctica que adorna el espacio sonoro. La Celestina se ha convertido en una joya de la vida nocturna en el sur del D.F. y es uno de los lugares que rejuvenece y moderniza la vida cultural de Coyoacán actualmente.
Caballo Calco 14 Teléfono : 55548920
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LA CELESTINA
Centenario Esquina Francisco Sosa DF 04100
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ENTRE LO TRADICIONAL ochenta y ocho
Y LO MODERNO
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armelo es un nuevo comedero y bebedero (como lo dice su nombre) en el corazón de Polanco que no cae en el lugar común de la zona; la variedad de platillos y (sobre todo) los precios son los responsables de que éste se vuelva el nuevo favorito de propios y extraños. El menú está compuesto por diferentes mezclas de recetas típicas mexicanas que con las bebidas que se ofrecen complementan un maravilloso maridaje. Tiene varias opciones de comsumo, desde antojitos de entrada, platos fuertes como cortes de carne o mariscos hasta postres peculiares como ate con queso o pastel de tres leches. Si lo que estás buscando es un lugar de precopeo también cumplirá con tus expectativas, pues los jueves son noches de karaoke y los viernes hay un DJ que le pone un toque especial al lugar y para pasar el rato puedes pedir el paquete Carmelo, el cual consta de una botella de la bebida de elijas más dos platones con todos los antojitos de la casa. Carmelo también es diferente desde su decoración, su atención y su sabor, pues es la combinación perfecta entre lo tradicional y lo moderno. Algo que el público agradece es que aquí no es necesario pararte de tu mesa para salir a fumar, pues en el interior está permitido. Los sábados y domingos lo más pedido es el menú para quitar la cruda. ¡Ah! y se cierra hasta que el último cliente se vaya.
TorcuatoTasso 357 Col. Polanco Teléfono : 5552031026
LAS ALITAS CONDESA meanwhile
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ingalesio, su icónico personaje, abrió sus alas en la sucursal ubicada en Baja California 265 y 267, Col. Hipódromo Condesa, para que todos sus invitados probarán la gran variedad de platillos entre los que se encuentran alitas, hamburguesas, sándwiches y ensaladas, que se pueden acompañar con cualquiera de sus 16 variedades de salsas originales y complementar con algún postre y bebida preparada. “Las Alitas” es un restaurante que ofrece a sus invitados una experiencia única y divertida, basada en la calidad de los alimentos, el servicio que vuela, la ambientación de las sucursales y sus característicos rituales. Las Alitas fue fundada en San Pedro Garza García, N.L. durante 1995, llamado originalmente Red Wings, la cual fue reabierta en 1996 después de un incidente y siendo bautizado por sus clientes como “Las Alitas”. En 1999 abre su primera franquicia en Ciudad Juárez, Chihuahua y en el año 2000 presenta a Wingalesio, su incansable personaje con carácter alegre y carismático que siempre está presente para recibir a sus invitados. La misión de Las Alitas es “Generar bienestar en nuestro entorno brindando a nuestros invitados una experiencia original, divertida e inolvidable en cada visita”. Con esta nueva apertura, Las Alitas busca convertirse en la opción ideal para gozar de un momento único.
lasalitas.com
BRASA
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EL PRIMER BUFFET DE PIZZAS CON EL SABOR DE
BRASIL EN MÉXICO
RODIZIO B noventa
DE PIZZA
POR: ANDREA PAZ
rasa Rodizio es el primer buffet de pizzas con el sabor de Brasil en el D.F. ubicado en la colonia Roma. Éste es un nuevo concepto en México en el que podrás probar a un solo precio la barra libre de ensaladas y los más de 50 tipos de pizza que aquí se ofrecen. Un dato curioso es que si llegas antes de las 18hrs el precio es mucho menor al real. Esta idea tan común en Brasil es la mejor oportunidad para disfrutar de una pizza recién salida del horno mientras bebes el agua del día, una cerveza fría o bien, una copa de vino de la casa. Entre las pizzas saladas hay unas cuantas que son las protagonistas, como la que lleva pollo, queso y elote, aquella de arrachera con pimiento o la gourmet de camarones al pesto. Y si esto no es suficiente, al final te sirven una variedad de pizzas dulces tales como: mozzarella, chocolate gourmet y fresas, mozzarela, plátano, coco y lechera o frutas al almíbar que bien puedes acompañar con una taza de café orgánico importado desde Brasil. El lugar es sencillo pero acogedor y al ritmo de música brasileña no te das cuenta de las horas que han pasado ni de cuántas rebanadas de pizza son las responsables de tanta felicidad en el paladar. Está atento de sus redes sociales, pues este cierre de año habrá sorpresas. Visítalos en Coahuila #148 Col. Roma Sur tel. 55.64.61.93 www.brasarodiziopizzas.com fb/brasarodiziopizzas
underground
DAYDREAM NATION
S noventa y dos
onic Youth nombró así a su quinto álbum de estudio y Michael Goldbach a una de sus películas, pero en esta ocasión, el nombre sirve para darle título a un dúo MéxicoAlemán que ha comenzado de manera más formal su camino por la música.
Martín llegó a San Cristóbal de las Casas, Chiapas en plan vacacional y no volvió a regresar a su país de origen, Alemania. Pedro en busca de una vida más tranquila y desconectada, literalmente, del estrés de la ciudad llegó al mismo lugar; ninguno de los dos podía imaginar que existiría tal química entre ambos como para crear un proyecto así de experimental. DDN es algo espontáneo, comenzaron sin grandes expectativas. Sólo querían tener una banda y ya, aunque ambos ya habían tenido cierta experiencia como músicos. Están juntos desde enero de este año y en febrero lanzaron su primer material homónimo. Ahora nos presentan el segundo bajo el título Underlight con un concepto diferente, tanto visual como sonoro. Básicamente este dueto trabaja con guitarras eléctricas, sintetizadores, beats electrónicos y a la vez voces, coros y una guitarra clásica española procesada por efectos. La mezcla es el detalle que los hace algo singular. “El primer disco se concentra más en el conocimiento que ya teníamos de los instrumentos, aunque en ambos discos los estados anímicos eran diferentes, con el homónimo estábamos más felices pero éste es más nuestra esencia y las cosas que nos gustan, habla más de nosotros”. El arte de Underlight es en 3D y encaja perfecto con la atmósfera del material.
“En el mismo año hemos sacado estos dos discos porque en San Cristóbal se vive bien, todo es barato y con nuestros trabajos podemos lograrlo, sabemos que ya ninguna banda puede aspirar a tener su propio avión, pero sí queremos en algún momento dedicarnos al 100% a la música”, dice Pedro. Con influencias de Pink Floyd, Depeche Mode, Massive Attack, Portishead, Tool y obviamente Sonic Youth, con el apoyo
ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III
de Intolerancia Records las diferencias culturales se unen y aquello que no conocen el uno del otro, lo aprenden. En vivo no es algo ortodoxo, son dos personas pero parecen 5, todas las cosas las hacen al mismo tiempo, es más bien un viaje en distintos espacios. Sus discos se venden en Intolerancia, iTunes, en sus tocadas y en Bandcamp. Estarán en el próximo VL en la carpa Intolerante.
underground
GLOOM
Fero y George (como les dicen) se conocen desde pequeños pero nunca habían decidido tocar juntos en serio. Desde hace dos meses grabaron algunas maquetas para el primer EP. “Nos juntamos para tocar porque siempre nos ha gustado más o menos la misma música como Arcade Fire, Radiohead, el post rock de Explotions In The Sky, Alexi Murdoch, etc. No hacemos algo parecido pero a veces la intención es que las canciones vayan in crescendo y exploten”, comenta Fer. Se espera que el EP completo con 6 tracks y cerca de 45 minutos de duración esté totalmente listo de forma física y digital a principios de este 2014. La mezcla y la producción será con Pedro y el Lobo Music, estudio de grabación y disquera independiente.
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ernando y Jorge le han dado vida a Gloom, un dueto de música que, por ser tan joven, es difícil definir en forma concreta. Gloom está compuesto por diferentes piezas. Van desde lo acústico con guitarras, chelo y voces en inglés hasta el clímax que explota con beats electrónicos distorsionados con loops stations. Estos jóvenes músicos tratan que las canciones crezcan, agregan atmósferas, saltos y transiciones a las melodías que crean sobre la marcha; esto hace posible reconocer los elementos que juegan dentro de cada una de sus canciones. Apenas están en la primera etapa, componiendo canciones. En su proceso van desde lo tradicional a lo tecnológico, en un sentido técnico no de género.
underground
noventa y cuatro
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MY EMPTY PHANTOM
esse Beaman es un multi-instrumentista, músico, compositor, pianista, baterista, guitarrista y cantante. Empezó a hacer música entre los 13 y 14 años. Tocaba con otras bandas, comenzó su propio proyecto My Empty Phantom a los 19. Escribir música, componerla y las experiencias de adentrarse en un tour comenzaron hasta los 21. Ahora tiene 26, ya no es un novato. “Tomemos en cuenta que vengo de una ciudad (Austin ,Texas) en donde vivimos de la música, donde no hay gente que conozcas que no haya pertenecido o esté en una banda. Ahí todos somos músicos. Cuando hice el primer tour, como a los 21, fue una experiencia que me abrió los ojos y me dio una nueva perspectiva. Nunca antes había estado en un escenario tan grande, ni en mi ciudad natal, fue en Virginia y NY; varias personas me dijeron que en verdad les gustaba mi música y para mí fue como un shock. Salir a tocar era como estar de vacaciones así que nunca pensé que a partir de ahí tomaría las cosas en serio”, cuenta Jesse. Siendo él solo su propio proyecto, la pregunta recurrente es la de sus influencias. Las obvias de alguien que se respete siempre serán los Beatles, por supuesto. Y Jesse nos cuenta que gracias a ellos fue que tomó la música en serio. También empezó tocando la batería por los Red Hot Chili Peppers y por Deftones pero toda su perspectiva cambió cuando escuchó a Sigur Rós. “Con ellos me di cuenta de que la música podía ser muy profunda y emocional. Otras bandas han dicho lo mismo, que su música es profunda pero no de la misma manera que lo hace Sigur Rós. Por ejemplo, no sabía que se podía hacer una canción con sólo un piano lento, ese tipo de cosas abrieron mi mente”. Ahora con su reciente material, Red Giants, ha tenido la inquietud de tocar en Latinoamérica, por lo que se acercó a la disquera de Pedro y el Lobo para recibir apoyo, es por eso que ahora conocemos a My Empty Phantom y pronto, a través de este sello estaremos escuchando más de Jesse Beaman.
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La revista Sabotage para mí, representa el verdadero formato con el que crecimos tantos, en búsqueda de información acerca de música y arte en general. Es una de las pocas revistas que quedan en las que podemos seguir encontrando un contenido absolutamente apto para amantes del rock n’ roll” ELÁN
Qué gusto que en México existan revistas como Sabotage Magazine, que su única misión es compartir su amor y pasión por la música de una manera especial y muy a su estilo. Para The WMP es un placer colaborar y nos sentimos afortunados también de haber encontrado buenos amigos con quienes hemos compartido experiencias únicas en este medio que todos amamos ¡felicidades por estos primeros dos años y que vengan muchos más!” THE WMP
Cerramos el año de la mano, mucha música para sonorizar Cultura Colectiva y páginas de arte en una revista profesional, divertida y siempre al día en el universo musical. Sobre Sabotage, son exclusivas, reportajes, reseñas, portadas, causa, recomendaciones y, sobre todo, amigos. Para este 2013 que termina sólo resta esperar, porque para el año que viene o que empieza, seguirá su pluma en la hoja de Cultura Colectiva, y nuestras letras en su papel. Felices fiestas para Sabotage” CULTURA COLECTIVA
Class Music les desea muchas felicidades por estos 2 años, que sean muchos más de éxito y larga vida para Sabotage, una revista fre s c a , co m p ro m e t i d a co n s u contenido, siempre preocupada por la difusión del arte y la música” CLASS MUSIC
“A s í c o m o D i s c o t e c a c e l e b r a y p r o m u e v e l a s i n i c i at i va s creativas de músicos emergentes, también aplaudimos a aquellos emprendedores como Sabotage que han creado una opción fresca y novedosa en el mundo de los medios impresos. Tanto en su diseño como en su contenido, Sabotage ha demostrado a lo largo de estos dos años que es capaz de i n f o r m a r, entretener y asombrar a un público muy especial… aquel que ama, respira y vive por la música. Muchas felicidades a nuestros colegas de Sabotage DISCOTECA ON LINE
“Personalmente tengo casi todas las ediciones de Sabotage. Creo que está compuesta por un excelente grupo de creativos, e d i t o r e s y c o lu m n i s ta s , q u e por su contenido l a hace una revista de colección. Épica para la cultura musical mexicana e internacional. Y para mi carrera como músico fue una excelente experiencia poder colaborar con una revista que se mantiene fiel a la música. ¡Felicidades por su Aniversario! ESTEFANI BROLO
“ Si buscas resultados distintos, no hagas siempre lo mismo’. Albert Einstein. Sigan moviendo al mundo y entregando esa divertida información que nos hace cada mes sonreír con Sabotage.... FELIZ ANIVERSARIO AUTOCINEMA COYOTE
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