Sabotage Magazine by Sabotage Magazine

or fin terminó rocktubre, gracias, adiós. Y esta vez, estuvo lleno de aventuras y conciertos inolvidables y ahora, entramos a la última recta del año. Noviembre es para mí uno de los mejores meses, tenemos cambio de clima y de horario, y festejamos Halloween, aunque no sea nuestra tradición como muchos dicen. Pero en Sabotage Magazine festejamos casi todo el año, como buenos mexicanos, y empezamos a calentar motores para las próximas fiestas decembrinas y… ¡para nuestro próximo aniversario!

jefe de información rocco portillo

Siguiendo con las sorpresas en este número les traemos grandes reportajes con algunas de las mejores bandas del mundo. En esta edición tenemos el regreso de Pearl Jam, una banda que ha dejado un legado valiosísimo en la música mundial y que ahora entregan un disco maduro donde se les escucha como a una banda que disfruta de hacer música entre amigos, sin tener que aparentar ni demostrar rebeldía o enojo. Por otro lado está una banda que es todo lo contrario a Pearl Jam; se trata de Arcade Fire, formada en el 2011 en Canadá y que ya cuenta con 5 álbumes, que nos demuestran que no son sólo músicos de un disco o un éxito para las estaciones de radio, si no que son una banda con una gran propuesta musical que va a perdurar por lo menos una década más. Siguiendo con esas bandas que han dejado historia en la música y en los corazones de muchos fans, recordamos este mes, en nuestra sección El álbum, al disco que a muchos nos cambió la vida cuando éramos adolescentes y que nos hizo soñar con tener una banda con los instrumentos más básicos, desconectados o en acústico, para hacer rock y no sonar a trío, se trata del Unplugged de Nirvana. Si todavía no lo conocen o hace mucho que no lo escuchan, éste es un buen momento para darle una revisada. Espero que esta edición sea de su agrado y nos regalen sus comentarios en las redes sociales, tal y como lo han hecho a lo largo de estos ya casi 2 años de existencia. Sin más por el momento me despido de ustedes deseándoles felices pesadillas.

corrección de estilo ana jácome

MAX OLVERA

Editor SABOTAGE MAGAZINE

rocco@sabotagemagazine.com.mx

columnistas elán nena mounstro

diseño daniel padilla daniel@sabotagemagazine.com.mx

fotografía x/o oyuki aceves colaboradores eunice victorino rodrigo prieto luis palmeros magalie torres editora web magalie torres magalie@sabotagemagazine.com.mx

colaboradores web alberto castro victor lópez alfredo godínez chilangas hambrientas victor castillo relaciónes publicas oyuki aceves oyuki@sabotagemagazine.com.mx

gerente comercial césar raño cesar@sabotagemagazine.com.mx

legales Sabotage Magazine, Año 2, No. 22, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora Pernas y CIA S.A. de C.V. Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo, C.P. 02300 Deleg. Azcapotzalco México D.F. Este número se terminó de imprimir el 28 de octubre de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.

el equipo de sabotage magazine trabaja con la camara EOS MARK III

comercialización m.g manuel@sabotagemagazine.com.mx

productor de eventos/btl the happy freaks factory producción audiovisual sol sours

nofm-radio.com

andrea@sabotagemagazine.com.mx

#sabotageradio

coordinadora editorial andrea paz

@sabotage_mag

EN NOVIEMBRE

SabotageMagazine

max@sabotagemagazine.com.mx

www.sabotagemagazine.com.mx

editor max olvera

FRONT FEATURES BACK

newsletter

4 6

discos

zoom out

arte

primer acto

diván

séptimo arte

máquina del tiempo

soundtrack

washed out

travis

lou reed

pearl jam

arcade fire

darcys

nirvana

numeralia

meanwhile

underground

radiografía

gadgets

rip

cuatro

ZOOM OUT

EL LÍDER ESPIRITUAL

DEL FUTURO NORMAN SEEFF 1984

l joven fotógrafo fue mandando a los austeros cuarteles de Apple en 1984 para hacer fotos promocionales del staff, en un momento de la noche se encontró platicando y tomando cerveza en el piso con el fundador y líder de la empresa, Steve Jobs. Cuando las cerveza se terminó, Steve se levantó por más y regreso con su computadora, se sentó en flor de loto y la puso en sus piernas; aunque la sesión ya había acabado, Norman se sintió obligado a capturar el momento, sin idea de que ese hombre sería, en unos años, uno de los más influyentes de la historia.

GACETILLA

newsletter

por: Juanma Borbolla

LEO TEZCUCANO Y DIESEL

seis

l pasado mes, la boutique de Diesel se convirtió en el escaparate y lienzo de Leo Tezcucano, un artista plástico, diseñador gráfico, fotógrafo y muralista mexicano con más de 14 años de trayectoria, que ha representado a varias marcas de talla internacional. La obra se realizó en un lapso de 3 días y finalizó en la tienda con la celebración de un coctel. A través del uso de diversos materiales como pinturas acrílicas, impresiones, aerosoles, carbón, crayones de óleo, y otros materiales, Leo construyó un gran collage inspirado en la más reciente campaña de la marca titulada #DIESELREBOOT.

45 AÑOS DE THE VELVET UNDERGROND

KASHMIR E.A.R LTD. MÉXICO TOUR EDITION Sony Music México lanza en formato físico, una versión única y exclusiva para el mercado mexicano, del nuevo álbum de Kashmir, “E.A.R.”. La edición limitada se titula “E.A.R. – LTD. MEXICO TOUR EDITION”, un CD+DVD que incluye el álbum, un DVD con material para los verdaderos fans mexicanos de la banda y un making of de “E.A.R.”, además de cinco clips extraídos del documental “Piece 12”, donde la propia banda explica el desarrollo de este nuevo álbum.

S A Í B A ¿S

? E U Q

FELIX WHITE Y JACK PENATE JUNTOS Felix White, integrante de The Maccabees estrena un proyecto solista al lado de Jack Peñate lanzando un EP de 5 canciones bajo el seudónimo Cosmo. En su debut se acompañan con las colaboraciones de Florence Welch y Jessie Ware. El EP está a la venta en la página de Universal Music: http://store.universal-music.co.uk

El vómito en The Exorcist estaba hecho de sopa de chícharos Andersen y originalmente sería de Sopa Campbell, pero no daba la textura buscada.

The Velvet Underground reeditarará una edición de lujo que se llamará White Lie/ White Heat para celebrar el 45 aniversario de la banda. Contará con 3cds y será lanzada el próximo 3 de diciembre. El material está curado por Lou Reed y John Cale. Contiene versiones originales remasterizadas, versiones alternas de Hey Mr. Rain y tracks grabados durante la última sesión de estudio de John Cale.

Si alguna vez se preguntaron cómo es que los esqueletos en Poltergeist lucen tan reales es porque eran reales. La razón: era más barato que usar de plástico.

MAJOR LAZER EN ANGRY BIRDS Major Lazer ha colaborado con la edición especial de Halloween de AngryBirds, Bad Piggie. El remix es el tema principal del juego y la canción se puede escuchar al momento de jugar y también se puede descargar de la tienda en línea de Apple.

Después de que el legendario músico anunciara que pronto trabajaría con el dúo Disclosure, a través de se cuenta de twitter (@nilerodgers), también informó que está en puerta una colaboración con Giorgio Moroder aunque no se han revelado detalles al respecto. Tan sólo este año Rodgers ha colaborado con Daft Punk, Avicii, Chase and Status y Tensnake.

COLIN GREENWOOD COMO SOLISTA

MORRISSEY AUTOBIOGRAFÍA

Mientras que el líder de Radiohead está de gira con Atoms For Peace, el bajista de la banda hizo su debut como solista durante el Paris Fashion Week para la pasarela de Dries Van Noten. La pasarela se llevó a cabo en una bodega gigantesca y mientras que las modelos caminaban de un lado a otro de la pasarela, se veía a Colin de pie con su bajo y un amplificador.

El cantante británico ha lanzado a la venta su primer autobiografía; en ella habla de la sociedad británica, su experiencia en el ambiente discográfico y sus vaivenes amorosos tanto con hombres como con mujeres. Con 470 páginas la publicación ha sido catalogada como “entretenida y llena de detalles fuertes y graciosos”.

En la película con la que comienza la popular saga Nightmare On Elm Street ningún personaje utiliza las palabras “Elm Street”, lugar donde ocurrieron los asesinatos perpetrados por Freddy.

ESO QUE NO VEMOS SIEMPRE PERMANECERÁ DEBAJO DE LO QUE NO QUEREMOS VER POR : ELÁN

NILE RODGERS Y GIORGIO MORODER

Eso que no vemos siempre permanecerá debajo de lo que no queremos ver. La vida, tan bonita y tan filosa; tan misteriosa hasta cuando viste de rosa. Habría que tomarse toda la botella entera de esta substancia que respira y terminar empapados de lecciones antes de poder llegar a conclusiones que se borran con el tiempo, decepciones que después hasta parecen favores. Hablamos de la vida como si supiéramos de qué trata porque es lo que hay, peor sería no hablar de lo que significa vivir, ya que a nadie le gustan las cosas inconclusas, las preguntas sin respuestas, los destinos sin mapa y las calles sin salida excepto a los pocos valientes que vivimos con una emoción aterradora del miedo que implica “vivir”; esto que hacemos todos los días, a veces con ganas, a veces sin querer. Vivir es un deporte extremo en el que nunca sabemos cuánto dolor hay detrás de las sonrisas o cuánta felicidad puede existir detrás de un mar de lágrimas. Asumimos que todo es lo que parece porque pensar que “hay algo detrás de algo más” es para los supersticiosos que rara vez se equivocan. Pero les voy a contar algo que, al menos a mí, la vida me ha enseñado: la vida no viene con instrucciones, ni coordenadas, ni maquetas, ni acordeones, ni pistas. De pronto, al recordar que existe una cosa llamada “criterio” y otra cosa llamada “carácter”, agilizamos el proceso que requerimos todos para tomar decisiones difíciles y percibir qué hay detrás de cada puerta que queramos abrir o cerrar. Los que padecemos de una sensibilidad extrema, en todos los sentidos, siempre estamos curándonos las alas del último vuelo. Pero somos realistas al darnos cuenta que soñar despiertos siempre terminará en un desvelo interminable y que sí valen la pena todas las ojeras que nos acompañan. El verdadero reto de vivir, según yo, consiste en improvisar, de manera casi impecable, e intentar hacer lo mejor que podamos con las cartas que nos tocan; consiste en saber sonreír cuando da por llorar y en saber encontrarle la salida a un laberinto infinito... To be continued sabotagemagazine.com. mx

GACETILLA

newsletter

DISCOS

newsletter

DISCO DEL MES PEARL JAM LIGHTNING BOLT

por: Magalie Torres

earl Jam ya no es una banda de jóvenes anarquistas enojados con la vida. Crecieron, maduraron y se nota en la ejecución perfectamente pensada y en la voz de Eddie que nos transmite una calidez como en ningún otro disco. Seis canciones de classic rock y seis baladas, un balance perfecto para caer un disco “favorable” juegan con melodías y arreglos. Del carraspeo country como en Let The Records play a una secuencia de percusiones en Pendulumm, es notable la evolución en cuanto a género en un sólo disco sin salirse de la línea. Lightning Bolt tiene todos los ingredientes perfectos para llegar a considerarse un álbum clásico de rock americano. Después del Binnaural, éste es su mejor disco. Es una banda que está envejeciendo con mucha dignidad, es como no pintarse las canas, ya no salir a emborracharse con los amigos. Un álbum de este tipo es mucho más honesto y real que otro donde hubieran querido seguir con la misma línea del grunge enojado.

ocho

DANNY BROWN OLD

por: Luis Palmeros

El Rapero en su segundo álbum le da vitalidad al rap posmoderno, los infantilismos e inexperiencia se combinan con sensibilidades estéticas y musicales. El flow es grotesco, rapea sin misericordia, tiene un registro agudo que en momentos caricaturiza fatídicamente la decadencia en sus palabras, y de manera habitual. Old se dividide en dos partes: Side A (Old) y Side B (Dope Song). En la primera mitad, los beats son una mezcla de vieja escuela con producción moderna; en la segunda, el ahora muy popular trap reina. Old es Danny Brown definiendo a su vieja persona desde la perspectiva de su nuevo ser que intriga, atrapa y asusta inmediatamente, más cuando llega la segunda mitad, en la que Danny resulta esclavo de sí mismo y se dispara a un final de excesos desenfrenados, como un suicidio en movimiento. El disco es una historia con una narrativa coherente a pesar del humo de marihuana, pastillas, polvo y pesadillas que lo envuelven. PAUL MCCARTNEY NEW

por: Andrea Paz

“¿Para qué otro disco?” decían, la respuesta porque Paul siempre tendrá algo a qué cantarle y porque de él nunca tendremos suficiente. Ya nadie le puede exigir, no se le puede pedir frescura, locura, arrebato porque, aunque no nos demos cuenta, cada uno de sus discos tiene algo de todo eso. Como solista ya no tiene a la expectativa a nadie, sabemos lo que se va a obtener y cuando eso pasa, simplemente se agradece. New es ese estilo que tenía McCartney con los Wings, rítmico, alegre, con bajos elegantes, teclados discretos pero bien plantados y destellos de algunos bongoes en el lugar correcto, basta escuchar Queenie Eye. Tiene también en Early Days mucha melancolía. Casi 50 minutos con canciones inéditas del siempre Beatle son la mejor compañía. Con cuatro manos en la producción el resultado es limpio y con hermosas e inesperadas transiciones como en Looking At Her. Es el mismo Paul inconfundiblemente,tiene letras nuevas y beats electrónicos que lo hacen actual y que conviven con su cambiante voz.

UE? Q S A ¿SABÍ

Uno de los candidatos para el papel de Jack en The Shining fue Robert De Niro. Pero Kubrick, después de ver Taxi Driver, consideró que el actor no era suficientemente psicótico.

Roger Waters tuvo la idea para The Wall en un momento asqueroso. Fue durante una gira en Canadá cuando un fanático subió al escenario sólo para escupirle.

por: Nena Mounstro

por: Rocco Portillo

KINGS OF LEON MECHANICAL BULL

La banda cool no está de regreso… la verdad es que nunca se fueron. Mechanical Bull no es un joven aspirando a la grandeza, es un hombre regresando a su pueblo, después de probar las glorias y humillaciones de la ciudad. Es una banda reencontrando su furia, lujuria y música en un escenario sucio; eso es Mechanical Bull. Las baladas son perfectos gritos melancólicos y los temas dinámicos se sienten honestos y sucios, como debe de ser un tema de rock. Supersoaker, es el perfecto equilibrio entre esa anhelada furia y distorsión de los primeros discos y la sensibilidad pop de los himnos de estadio, Rock City baja de ritmo y Caleb habla sobre buscar mujeres en el desierto y llenarse de drogas. Parece que los autores de canciones como Charmer por fin están de regreso, desde hace dos discos no hacían una sola canción con esta energía.

por: Luis Palmeros

DRAKE NOTHING WAS THE SAME

Con tres álbumes de estudio en cuatro años, el oriundo de Toronto es una auténtica superestrella. Esta última es la menos amistosa para estaciones de radio, pero como él bien sabe tiene el éxito asegurado. NWTS es minimalista en comparación con el excelente Take Care o el debut Thank Me Later, Drake adornó esta placa con beats fríos, lentos y poco presuntuosos, crean una atmósfera auténtica y fácil de identificar, sin recurrir a producciones más luminosas como la de Jamie XX en Take Care. Nothing Was The Same es el álbum más Drake que Drake podía hacer, lleno de todo lo que muchos hemos aprendido a amar del artista, pero con un ritmo y una vibra suficientemente diferente como para considerarlo un cambio en su trayectoria, sin que realmente lo sea.

ANNA CALVI ONE BREATH

En los primeros minutos del segundo álbum de la inglesa es clara la evolución personal, pero sobre todo la musical. Tintes de St. Vincent se asoman muchas veces pero no todo el tiempo, aunque quizá sólo sea esa capacidad que Calvi ha desarrollado con la guitarra. One Breath es una historia más personal con situaciones fuertes, que hieren pero que disfrutas sólo por el hecho de estar acompañadas de una voz suave, que explotan de locura y a veces de dolor sensual. Es tan rítmico como caótico y dramático. Es esa niña grande refugiada en el dolor, que sabe que el cambio da miedo pero hay que enfrentarse a él. Definitivamente esta parte más personal y casi autobiográfica de Anna (muchas de las canciones fueron compuestas cuando sufrió la pérdida de un ser querido) es más placentera que su debut, más adulta y también más ambiciosa, una muy bien lograda vista a la bipolaridad femenina.

TODO MENOS MIEDO

por: Andrea Paz

NO FM -RADIO.COM

JUSTIN TIMBERLAKE 20/20 EXPERIENCE 2 OF 2

The 20/20 Experience es sobresaliente y funciona, 20/20 nos presentó un concepto, como FutureSex. ¿Qué se esperaba de una segunda parte? Pues un complemento, 10 canciones que en combinación con otras 10, (desgraciadamente, son 11 en la segunda parte y la reflexión es fallida) error fatal de Justin, el primero en su carrera musical. La segunda parte oscurece muchas bondades de la excelente primera. La primera parte es la “classy” y la segunda la “slutty”, el problema es que 2 of 2 ni siquiera tiene la consistencia y forma para respaldar ese argumento. De alguna manera, este nuevo cuerpo acaba cansando, es un collage pop, con fillers demasiado forzado todo por el autocomplaciente autor y su determinada necesidad por llevar a cabo su concepto.

escuchas radio por internet @nofm_radio NoFm-Radio 6274-8323

newsletter

ARTE

CULTURA newsletter

por: Cultura Colectiva

TIENDA EN LÍNEA CULTURA COLECTIVA

LOURDES VILLA GÓMEZ CALAVERAS SABIAS

diez

En Cultura Colectiva nos interesa trabajar de la mano con los artistas para la difusión de su trabajo en la plataforma digital y ser un primer acercamiento con quienes, afuera, pueden leer su propuesta. Ahora, un nuevo proyecto que acorta la distancia entre el artista y sus lectores nace del interés de promocionar la obra con fines de exhibición y comercialización. El trabajo de los artistas es una labor que debe reconocerse y retribuirse.

CARLA ANDRADE BIOCENTRISMO DEL SUEÑO #6 JORGE BORDELO BOOM

Cultura Colectiva abre un nuevo espacio para los artistas a través de su portal digital, que ahora ya no sólo funcionará como un canal de difusión y medio de información, sino como una ventana de comercialización para la obra de creativos emergentes. La tienda online en Cultura Colectiva es la nueva propuesta que permitirá a artistas visuales promover su trabajo y obtener ingresos a partir del mismo.

newsletter

17 artistas componen esta primera etapa de la tienda en línea de Cultura Colectiva. Fotografía, pintura e ilustración son las disciplinas que podrás encontrar en este link: http://culturacolectiva.com/tienda Ahora podrás llevar a casa, en prints o enmarcada, la obra de los artistas que ilustran nuestras letras.

NATALIA EFE SIN NOMBRE Comprar es muy sencillo, sólo tienes que elegir la pieza que más te guste, el tipo de impresión (print o enmarcado) y el tamaño. El pago lo realizas a través de PayPal o por depósito a cuenta bancaria. Al final, la obra llega a tu casa como un regalo, pues creemos que los detalles son lo más importante. Comparte con nosotros esta nueva etapa en Cultura Colectiva. Lee la obra de los artistas y llévatela a casa porque, quizá, puedas formar la que será la mejor colección de arte de mañana.

TEATRO

QUE NUNCA FALTE…

Por: La Nena Mounstro

doce

1er ACTO newsletter

La denominada “gallina” dentro de un grupo, que puede ser de amigos o conocidos, es aquella persona que tratando de quedar bien con un miembro de dicho grupo, o en el peor de los casos que le guste y busca llamar su atención, se la pasa “cacareando” a su alrededor. Todo lo que el susodicho / susodicha diga será alabado, aplaudido, reído, cacareado por la gallina. Desde el comentario más estúpido hasta el de mayor relevancia, la gallina no deja pasar una foto sin like, ni un tuit sin favoritear. Con la intención mugrosa de que el susodicho le haga caso, la gallina será capaz de hacer lo que sea. Desde llevarle remedios médicos si éste dice estar enfermo, hasta hacerle comidas y pasárselas a dejar a su casa. La gallina tiene como función principal quedar bien con el “gallo” al cual le cacaraquea, siempre. Si el gallo llegara a hartarse de ella y la empujara al rincón más oscuro de su olvido, la gallina seguirá fiel y a su lado, sin importar los desprecios y desaires que le hagan. Para eso es una gallina. La podrán maltratar y zapear, la gallina sólo reirá. Lo común es tenerles un poco de compasión por ser almas pérdidas en un mundo de insanos mentales que gustan de tener gente que les aplauda todo. La gallina no conoce un límite ni tampoco cuando parar. Se debe agregar que para aquellos que sufren de una autoestima chiquita, tener gallinas es una manera de fortalecer ese ego chiquito con el que nacieron. No importa que sea gente horrible, el gallo estará muy orgulloso de regentear a su gallinero y de vez en cuando, regala maíz a sus seguidoras contestando un reply o palmeándoles la espalda con un favorito a alguno de sus comentarios o cacareos. Si usted es de ego lastimado, le conviene tener un séquito de gallinas que le aplaudan todos sus sinsentidos. Si no, descártelas, son una plaga.

UN CORAZÓN NORMAL TEATRO HELÉNICO Corren los primeros años de la década de los 80 en Nueva York y una extraña plaga ataca a la comunidad homosexual. El escritor y activista Ned Weeks decide hacer algo al respecto y funda, junto con otros hombres, una de las primeras organizaciones de lucha a favor de los enfermos de este mal y, al mismo tiempo que la Doctora Emma Brookner, descubre que esta enfermedad probablemente se transmite por contacto sexual. Una puesta que retrata los conflictos que el VIH-SIDA tuvo en su aparición y sus implicaciones en la vida privada y política de los Estados Unidos. La dramaturgia es original de Larry Kramer y en la puesta en escena en nuestro país corre bajo la producción de Horacio Villalobos y en el reparto encontramos a Eduardo Arroyuelo, Juan Ríos y Pilar Boliver, entre otros. Horario: Viernes 20:30 horas, sábados 18:00 y 20:30, domingos 18:00 horas. Boletos: $450, $350 y $250. Adolescentes y adultos

EL DIABLO EN EL JARDÍN LA CASONA DE COYOACÁN Sábados de septiembre, octubre, noviembre y diciembre de 2013. En este mundo tan loco poblado de seres que se asumen cuerdos, el desenlace sorprende con un alto contenido irónico. El diablo expone sus motivaciones a la vez que devela su naturaleza lúdica y maligna al aprovechar la frágil condición humana en cuanto a fe o a creencias se refiere. El Diablo en el jardín critica una fórmula basada en apariencias en donde nada de lo que parece es lo que debiera ser y evidencía, a partir de una situación simple, la compleja realidad de algunas personas que se asumen santas. Horario: Sábados 18:00 horas. Boletos: Entrada general $120. INAPAM, maestros y estudiantes 20% de descuento, al reservar al 04455 1452 4132 3×2. ADIOS CARLOTA CASTILLO DE CHAPULTEPEC Elenco: Espectáculo con marionetas hiperrealistas. Adiós Carlota es una recreación poética de cómo se derrumba el mundo interior de una mujer de veintiséis años que, habiendo sido educada dentro de la realeza, pierde la razón al enfrentarse con el mundo real y el fusilamiento de su marido Maximiliano de Habsburgo. La narrativa deja abierta la posibilidad de que el espectador esté siendo testigo de los recuerdos, sueños o el fantasma de la locura de la Emperatriz Carlota. Horario: Jueves y domingos 20:00 horas. Boletos: Entrada general $250 EL JARDÍN DE LAS DELICIAS FORO SHAKESPEARE Con la dirección de Franco Guzmán, en un cuarto de hotel transcurre una noche para Luisa y Leopoldo, donde el amor o lo que ellos conciben como ello, crea una nueva realidad donde tienen todas las posibilidades de escap... pero que los guía hacía ninguna parte. Su jardín de las delicias… Su prisión exquisita. Horario: Viernes 19:00 horas, sábados 20:00 horas. Boletos: Entrada general $150. Adolescentes y adultos.

por: Eunice Victorino

EL DIVÁN

LIBROS

newsletter

EL FAVORITO

Si por algo se ha distinguido Israel, además de aquellos elementos culturales que ya conocemos, ha sido por su prolífica actividad editorial,. Por lo que este mes es el país invitado a la Feria Internacional del Libro y aquí te recomendamos algunos títulos con los cuales darle entrada a la literatura Israelí.

EL CANTAR DEL FUEGO A.B. YEHOSHUA Uno de los escritores israelitas invitados a la FIL es A.B. Yehoshua, considerado parte de la nueva ola de escritores israelitas que se diferencían de sus predecesores por su interés en contar historias acerca de individuos y sus problemas en vez de ocuparse de una comunidad. En “El cantar del fuego” la atención se centra en un matrimonio de treinta años, que por primera vez en mucho tiempo deben pasar una semana lejos uno del otro. El hombre permanece en Tel Aviv al cuidado de la casa y ocupado por un problema en los elevadores que diseñó, mientras que la mujer viaja a Tanzania a encontrarse con parte de su familia después de una pérdida. Separados, como individuos, se encuentran con los pensamientos y sensaciones que se negaban a reconocer por el cariño e interés en mantener sus vidas como las habían vivido durante tantos años.

La Jerusalén bajo el mandato británico es el marco en el que transcurren los tres relatos reunidos en este libro. En el primer relato, que da nombre a la obra, un veterinario y su familia ven alterada su vida cuando son invitados a pasar una velada en un evento organizado por el Comisionado Británico. En otro relato, titulado “El señor Levi”, un niño narra la relación que mantiene con Efraim, hijo de un viejo poeta y de quien se sospecha es miembro destacado de la resistencia contra los británicos. “Nostalgia”, por su parte, describe cómo en un barrio de Jerusalén todos los habitantes se preparan para una guerra que parece inminente. Entre ellos, un médico enfermo que escribe cartas a su antiguo amor, en las que alterna su nostalgia de tiempos pasados con descripciones de su vida cotidiana durante esos críticos momentos.

NOVEDADES

DELIRIO DAVID GROSSMAN Cada tarde la esposa de Shaul se ausenta de la casa conyugal para ir a nadar. Sin embargo, Shaul sospecha de la fidelidad de su esposa. Sus celos lo llevan a imaginar a su esposa con otro hombre, las caricias entre ellos, oye las conversaciones entre los amantes, mientras visualiza los juegos que nunca ha experimentado con él. Así, el lector sigue a ese marido despechado en un viaje que supuestamente lo llevará al refugio de los amantes. Lo acompaña en su aventura su cuñada, una mujer que no ha tratado mucho con él y que se involucra en sin saber lo que le espera. Ella conduce mientras él viaja en el asiento trasero, y así, sin mirarse, cada cual cuenta su historia con la soltura de dos viajantes que sólo comparten el destino. Al final, poco importa si de verdad este hombre desesperado encontrará a los amantes. La realidad pura y dura es lo de menos; lo que queda y cala hondo es el dolor de un ser humano que necesita de un rival para definirse a sí mismo y definir su mundo.

EL CLÁSICO

DE REPENTE LLAMAN A LA PUERTA ETGAR KERET “Cuéntame un cuento o te mato. Cuéntame un cuento o me muero”. Es la premisa que da inicio a la colección de relatos de Etgar Keret. Son treinta y ocho cuentos los que conforman “De repente llaman a la puerta”, entre los que podemos encontrar una variedad de tópicos; desde los relatos que son exploraciones de temas como la otra vida, la soledad, la muerte o la violencia, hasta aquellos que nos ayudan a entender el índice de Bolsa. Lleno de situaciones absurdas, de humor, de tristeza y compasión, esta colección de Etgar Keret, que contiene una profunda influencia de Kafka e incluso de Kurt Vonnegut, lo confirma como uno de los escritores más originales de su generación y de Israel.

LA COLINA DEL MAL CONSEJO AMOS OZ.

CINE

newsletter

CINEMA COYOTE

NOVIEMBRE

EN CARTELERA EN EL AUTOCINEMA COYOTE (ÚNICO AUTOCINEMA EN MÉXICO DF, WWW.AUTOCINEMACOYOTE.COM)

THE DREAMERS ocas películas muestran la magia, belleza y rebeldía de la juventud como esta gran historia ambientada en la Francia de 1968 y dirigida por Bernardo Bertolucci, sobre un chico que forma una amistad con unos hermanos y juntos descubren cosas excitantes. Miércoles 6 de noviembre, 9 pm.

catorce

Por: Isaac Ezban CARRIE Ahora que el remake de esta gran adaptación de la novela de Stephen King sobre una chica molestada en la escuela que decide vengarse usando sus poderes telequinéticos está por estrenarse, no hay mejor forma de estar listos que venir al Autocinema Coyote a disfrutar de el clásico original de Brian De Palma, protagonizado por John Travolta y Sissy Spacek, que marcó a una generación en los 70. Sábado 2 de noviembre, 11 pm.

INTO THE WILD Dicen que no hay como una película que te lleva de viaje, y ésta es una de las mejores historias de viajes. Basada en una historia real, Sean Penn dirige esta conmovedora cinta sobre un joven que decide dejar todo y dirigirse rumbo a Alaska, encontrando un nuevo estilo de vida, excitante y peligroso. Con música de Eddie Vedder. Sábado 9 de noviembre, 7 pm.

ROBOCOP + TERMINATOR DOUBLE FEATURE Para los fanáticos de la tecnología y su combinación con los cuerpos humanos, el Autocinema Coyote presenta este gran maratón de Terminator (la secuela, por supuesto) y Robocop (la versión de los ochentas). Sábado 16 de noviembre, 7 pm.

EN CARTELERA DE OTRAS SALAS: GRAVITY No tienen que haber monstruos gigantes, planetas extraños, aliens o naves espaciales para causar temor. El espacio por sí solo ya es un lugar bastante aterrador, y “Gravity” es la primera película en mostrar eso. ¡Bravo! No puedo decir mucho sobre el guión o los diálogos, pero visualmente es tan espectacular que todo lo demás no importa. “You really do feel like you are in space”. Veánla en 3D y en la pantalla más grande que encuentren.

VIDEO JUEGOS

newsletter

PLAY THE GAME BEYOND TWO SOULS

diecisés

Por fin llega a México Beyond Two Souls, un videojuego que propone un gran reto mental al jugador, quien podrá ser parte de un intenso thriller psicológico. Esta joya fue creada por David Cage -director del multipremiado Heavy Rain™, quien incluyó las actuaciones de Ellen Page y Willem Dafoe. En una emocionante hazaña una niña con poderes sobrenaturales va de la mano del propio gamer, quien podrá tomar decisiones para elegir el rumbo del mismo videojuego. Como nota importante, esta compleja aventura no podría estar completa sin una gran banda sonora a cargo de Lorne Balfe y producida por Hans Zimmer, quien ha elaborado bandas sonoras para cintas como Inception, The Dark Knight, The Last Samurai, Gladiator y The Lion King, entre otras

THE LAST OF US Después de una pandemia que azotó al mundo nos pondrán a prueba y medirán nuestras habilidades para sobrevivir en un mundo nuevo y salvaje. The Last of us es un videojuego lleno de forcejeos y golpes donde la única meta es la sobrevivencia. Los productores de la exitosa franquicia de Uncharted, en esta ocasión nos entregan una emocionante aventura que es sólo para ps3. La historia comienza cuando Joel, por encargo de su jefe, debe transportar a Ellie fuera de la zona de resguardo. Por desgracia para ambos, los planes se complican cuando los militares encargados de cuidar la zona se percatan de su escape. Descubre tú el final.

PUPPETEER Un juego tridimensional muy recomendado para menores de edad lleno de hechizos y conjuros. Este game es para las nuevas generaciones que desean adentrarse en el mundo de las marionetas, pero seguramente a muchos adultos los llenará de recuerdos de la infancia. Puppeteer es una versión donde las aventuras corren a cargo de Kutaro, quien fue embrujado por el rey hechicero Moon Bear cuando le corta la cabeza con unas tijeras especiales. La misión del protagonista será regresar a casa y no perder la cabeza usando diferentes cosas para portar en la parte superior de su cuerpo. Recomendado para todas las edades. Exclusivo para ps3 cargado de visuales y aventuras.

MÁQUINA DEL TIEMPO

newsletter newsletter

1571 - Se establece la Inquisición en México. 9

2006 - Saddam Hussein, ex presidente de Irak, es condenado a morir en la horca, sentencia que se cumplió el 30 de diciembre de ese mismo año.

1911 - Empieza el gobierno del presidente Francisco I. Madero.

1996 - La NASA efectúa el lanzamiento hacia Marte, de la sonda espacial Mars Global Surveyor. 1847 - Nace en Clontarf, Irlanda, el escritor Bram Stoker, autor de Drácula.

1989 - Cae el Muro de Berlín que separaba Alemania Occidental de Alemania Oriental desde el 13 de agosto de 1961. 1918 - Concluye la Primera Guerra Mundial con la rendición de Alemania frente a los Aliados.

1945 - Se funda en Londres la UNESCO, organismo especializado de las Naciones Unidas para la educación, ciencia, la cultura y las comunicaciones.

1928 - Walt Disney crea a Mickey Mouse, protagonista del primer cortometraje de dibujos animados.

1928 - Nace en la ciudad de México el escritor, novelista y ensayista Carlos Fuentes. 12

1651-Nace en San Miguel Nepantla, México, Sor Juana Inés de la Cruz, poetisa y dramaturga novohispana, conocida como “La décima Musa”. Dí a Mu n d i a l d e l a Diabetes.

1923 - Nace Alan Shepard, el primer a s t r o n a u t a estadounidense. 30

1835 - Nace Mark Twain, novelista y cuentista estadounidense.

1900 - Muere Oscar Wilde, escritor, poeta y dramaturgo británicoirlandés.

NOVIEMBRE

soundtrack

…En el discurso de la música actual hay un vacío, en lugar de que se hiciera un Soundtrack de la realidad mexicana, hay un desgajamiento de la realidad que la música no toca”.

ARMANDO

VEGA GIL EL ESQUIZOFRÉNICO

ARTE DE ESCRIBIR por: Rocco Portillo Fotografía: X/O

ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

soundtrack

“Muchas veces me preguntan que con cuál me siento más cómodo, pero la verdad es que si alguna me faltara estaría incompleto”, me comenta Armando. Las tres formas de expresión entraron a la vida de Armando desde la infancia, el cine por su padre quien era fotógrafo cinematográfico, la escritura por parte de una tía escritora y la música por parte de su hermano que le enseñó los acordes de canciones como Gloria. Sin embargo, cada una de las artes requiere diferentes procesos creativos, el cine y la música tienen la ventaja de ser una colaboración de ideas de varios integrantes, mientras que él define la escritura como el proceso más esquizofrénico de todos. Jugar a tener diferentes personalidades algunas tan brutales y obscenas como el narrador de Diario Íntimo de un Güacarocker, y otras tiernas y amables como es la voz detrás de su último libro infantil El Perro de Oventic. “Cuando escribo para adultos escribo para mí, quizá pienso mucho más en el lector cuando escribo cosas para niños. La complejidad de tus construcciones sintácticas tienen que tener una forma específica, sin embargo en El Perro de Oventic me dejé ir con todo lo que estaba sintiendo y era hasta que terminaba una estrofa o un verso cuando volvía a pensar en los lectores”. Armando también ha escrito sobre cine y siempre ha tenido una opinión acerca de los acontecimientos tanto culturales como sociales de México, es ahí donde el también se convierte en intérprete de la obra de terceros: “Más que crítica, hago una reflexión. Hablando con Xavier Velasco hace unos años, llegamos los dos a una conclusión; ambos hacíamos críticas en periódicos sobre cine y música, dijimos que si algo no nos gustaba no hablaríamos de eso, no tiene caso ensañarte. En cambio nos concentraríamos en las cosas que nos sorprenden y nos dicen algo, en eso es en lo que vale la pena aprovechar el tiempo y sentarte a escribir”. Algunos artistas ignoran la relevancia del proceso creativo, dándole importancia únicamente al producto terminado, el “detrás de cámaras” es para ellos sólo una anécdota y no debería de afectar al público, Armando sí toma en cuenta el proceso y es ahí donde se marca su diferencia como crítico, ya que cuando tiene que entrevistar a directores o dar su opinión acerca del trabajo ajeno, el esfuerzo con el que se hizo es un factor determinante para analizar el trabajo final. “Creo que por eso a veces soy barco, pero en general estoy muy animado con lo que se hace en cine ahora, aunque sea experimental o incomprensible, creo que siempre hay algo rescatable”. La Ciudad de México ha mutado de forma curiosa desde la década de los ochenta... “está mucho más cómoda, debido a las facilidades tecnológicas, las

editoriales alrededor del mundo están esperando que llegue la gente con ganas de publicar; puede ser más cómoda, pero la gente sigue siendo igual de caníbal, con una competencia brutal. Hay más libros de los que se pueden leer”. Antes los autores eran celebridades, los reconocían en las calles y su opinión creaba una influencia social, ahora la cantidad de libros supera en demasía el número de lectores. “En la época de la generación Beat, Ginsberg o Kerouac, eran intelectuales que vendían un montón de libros o la literatura de la Onda, donde no había tantos escritores y estos jóvenes que llegaban a tocar las barbas del dios editorial eran muy influyentes y les iba muy bien”. Cada vez es más difícil que una persona le dedique mucho tiempo a algo. Cada vez la cantidad de lectores de una novela profunda son menos y Armando comenta con una sutil tristeza: “El asalto de los medios electrónicos está dejando de lado muchas cosas. Nos va a pasar como hace dos siglos que los lectores de novelas eran muy poquitos”, el ciclo en la cantidad de lectores siempre tiende a repetirse, llega a un nivel masivo y luego comienza a convertirse en un grupo de élite que necesita generar una reacción social e intelectual para influir de nueva cuenta a las masas y así seguirá siendo, a veces más rápido y otras tantas menos revolucionario. “En la música, la situación de los ochentas era peor, si llegabas a conseguir una disquera, lo más seguro era que te enlataran y no le pusieran ganas a la venta de tus discos. Ahora haces una rola, sin tener siquiera un disco y la subes a Internet, ya no necesitas tanto dinero, pero la competencia es muy alta”. Nuestra juventud conoce muy poco acerca de eventos sociales, climatológicos o culturales capaces de provocar una catarsis. “…En el discurso de la música actual hay un vacío, en lugar de que se hiciera un Soundtrack de la realidad mexicana, hay un desgajamiento de la realidad que la música no toca, es esta musiquita alegre tocando atrás de un monstruo de mil cabezas. Supongo que tiene que ver con el desazón de la falta de utopías”. -¿El arte necesita ser reaccionario? – pregunto por inercia. “El arte necesita conmoverte, necesita hacerte reflexionar, necesita traerte de vuelta a los muertos, necesita regresarte a la vida, cuestionar y desarmar la realidad. Hay arte de entrenamiento, que yo no le llamaría arte, más que arte es cultura de masas. El arte tiene que sacudir, tiene que abrirte ventanas”. Hay gente talentosa que nunca sale de la calle y muchos sin talento que llegan al reconocimiento mundial, ese balance entre ambas parece ser la verdadera meta en nuestra moderna humanidad, pero ¿es posible en México? “Hay momentos de ceguera, la supuesta famita que tienes te puede hacer pedante y soberbio, aunque tu obra sea chingona. Yo conozco escritores o músicos cuya obra es brutal pero son insoportables, pero te dicen cosas chidas con su obra. Creo que lo más importante es que el autor se acerque a esa obra de revelaciones. Afortunadamente yo no soy famoso, hay cariño, pero hay que trabajar todos los días”.

l cine, la escritura y claro, la música, son las formas artísticas que encuentran lugar en la mente de Armando Vega Gil, catalogarlo como músico o sólo escritor sería minimizar su aportación cultural a nuestro país.

WASHED OUT

ALGO QUE TIENES

QUE SE SIENTE COMO UN SUEÑO por: Luis Palmeros

Fotografías: Cortesía de Arts&Crafts MX

En algún lugar del mundo, Ernest Green, la mente detrás de Washed Out, se enlaza para una entrevista que desemboca en México. Investigar que hacía o dónde se encontraba estaba de más, quizás para no desinflar la imagen mental de él en un jardín lleno de colores y cálidos sonidos. La música de Washed Out ha crecido de manera sumamente interesante con el paso de los años; el teléfono sirvió para tratar de entender ese crecimiento y los sentimientos que conlleva en palabras del responsable. Los saludos iniciales se vieron afectados por una mala recepción (la Ciudad de México se hace presente) pero pronto llega la claridad y, sin tiempo que perder, la primera pregunta.

Sabotage: Paracosm suena a un álbum de verano, lleno de colores y sonidos luminosos, ¿qué pasaba en tu mente cuando empezaste a trabajar en el disco? Ernest Green: Sí, creo que ese es un gran resumen de lo que intentaba hacer con el disco. Terminé la gira de Within and Without en el otoño pasado, así que regresé a casa a principios de noviembre y creo que fue cuando empecé a escribir. Comenzaba a relajarme aquí en Georgia, y escribí desde el otoño hasta el invierno, tenía muchas imágenes en mi cabeza, como fotografías mentales donde estaba en la playa o caminando por un jardín. Creo que intenté generar sonidos que funcionaran como soundtrack para esos pensamientos, así es como comenzó este disco. Tenía muchas ideas que quería explorar, sentir diferentes sonidos y texturas; se sintió muy bien poder volver a escribir, estábamos tan ocupados dando conciertos y viajando que no había mucho tiempo para trabajar en nuevas canciones, así que fue un tiempo muy especial para mí.

veintidos

Sb: Y visitaste The Audities Foundation en Canadá donde tuviste la oportunidad de tocar algunos de los instrumentos especiales que preservan, ¿cómo se coló esa experiencia en el álbum? EG: Pues es gracioso, pude visitar Calgary hasta terminar el disco, pero cuando trabajaba en él estaba usando sonidos interesantes de esos viejos instrumentos, sólo que son tan raros y caros que no estaba usando el instrumento en sí, sino samples grabados. Estaba muy interesado en usar tantos sonidos extraños como pudiera, sonidos que no se habían puesto en discos antes, o al menos en grabaciones modernas. Descargué varios softwares de instrumentos y fue una gran experiencia terminar el disco para luego ir a Calgary y tocar el instrumento de verdad, escucharlo en persona. Más adelante estaría bien… puedes grabar sesiones en ese estudio de Canadá, así que estaría genial componer allá. Washed Out siempre ha sido este pequeño proyecto de DIY (Do it yourself ), todos los discos los hago yo mismo con el equipo más simple, casi siempre; así que me gusta la idea de que hice el álbum sin tener que usar un estudio grande o ese extraño y caro equipo. Sb: Paracosm significa “un mundo imaginario o de fantasía”, pero creo que es extraño en el sentido de que el disco se siente tan surreal como terrenal. Dentro de las canciones hay grabaciones de gente y naturaleza, como un picnic musicalizado por una fantasiosa arpa, así que para ti, ¿el sentimiento de Paracosm es algo que tienes que se siente como un sueño, o algo que sueñas con tener? EG: Wow, esa es una pregunta interesante. Creo que puedo verlo funcionar de las dos maneras, en algunos sentidos Washed Out siempre ha tenido un tipo de conexión con la nostalgia, y aún más importante con idealizar cosas, así que de alguna forma creo que tienes razón. Paracosm es como tomar memorias pasadas pero sólo ver la versión idealizada, probablemente una versión más perfecta y realizada de lo que en realidad experimenté, de eso se trata la canción, esa es la imagen que intento pintar, o lo que sea, no sé, es una idea interesante. Creo que desde una perspectiva práctica tenía estas imágenes en mi cabeza e hice lo mejor que pude para, como dije, usar el sonido para pintar esta imagen, me gusta que una audiencia puede tener su propia interpretación de lo que eso significa, o algo así.

Sb: Sí, y a veces audiencias rechazan letras cuando vienen de un lugar de felicidad y amor, quizás porque esos sentimientos son percibidos como regulares o mundanos en la música, y tal vez la tristeza mantiene un valor mayor por la dificultad personal que podría conllevar el ser tan íntimo con desconocidos, pero para ti, ¿qué tan difícil fue transmitir las emociones positivas de este álbum en relación con lo que has comunicado antes? EG: Sí, creo que quise intentar escribir un disco positivo y optimista, eh… para mí, en realidad fue mucho más difícil hacer eso que escribir un álbum melancólico. Como dijiste es muy fácil caer en lo dramático, así que el verdadero reto fue escribir este tipo de canciones sin cruzar esa línea, fue un reto al principio. Quise intentar algo diferente para mí, así que quién sabe a qué sonará el siguiente disco. Sb: La portada de Life of Leisure (2009) tiene el estilo de una foto vintage, una estética chillwave, pero con tiempo ahora tienes una portada floral y colorida, ¿cómo se dio esa transición? EG: Sí, tienes razón, como en 2009 preInstagram, no sé qué tan grande sea Instagram en México, tenía mucho sentido continuar con ese estilo visual sólo porque estaba en todas partes, creo que eso fue parte. También la idea con la portada de Within and Without fue hacer lo contrario de esos viejos y saturados colores, quise que fuera un blanco puro para lograr un cambio dramático, y ahora con Paracosm, de nuevo, quise un cambio dramático hacia estos colores brillantes. No sé, nunca quiero hacer el mismo disco dos veces, quiero una conexión que sea fácilmente identificable con Washed Out pero, al mismo tiempo, quiero seguir haciendo las cosas de manera diferente. El trabajo de arte en particular es algo en lo que paso mucho tiempo pensando, es tan importante para mí como lograr la música correcta. Para este disco todos los elementos visuales, los videos, la mercancía, nuestro escenario en vivo... todo tiene la misma idea de naturaleza, es muy importante para mí tener todo eso bien. Sb: Sí, y Life of Leisure parece tener un lugar en la historia que ayuda a definir el término “Chillwave”, Within and Without se siente como una transición que crea distancia entre ti y la música de laptop, ahora Paracosm incorpora aspectos psicodélicos y de

álbum que hay que pensar mucho en cómo juntar y arreglar todo, es mucho trabajo y preproducción para llegar al punto de tocar; entonces, a veces frustrante y a veces divertido.

EG: Creo que esa es una gran síntesis. La banda ha crecido, el acto en vivo se ha vuelto más importante… Estamos tocando para mucho más personas, varias de las canciones fueron compuestas pensando en los shows grandes en festivales. Hay un reto en tocar canciones tan gentiles enfrente de 10,000 personas, y algunas de estas nuevas canciones tienen grandes coros que van a funcionar totalmente en esos momentos, todo eso fue planeado. El show en vivo ha sido una gran parte de este cambio. He estado trabajando en un nuevo material y estoy pensando en regresar a canciones un poco más simples, teniendo menos en cuenta los conciertos, como antes, igual para mantener las cosas frescas.

Sb: Leí en una entrevista que eres fan de Terrence Malick y The Tree of Life y creo que lo que tienes en común con esa película es el lenguaje, creo que la música de Washed Out es como una pintura que se derrite ante ti, y aunque no ahondes en las letras, que son importantes, te llenas de emociones en el camino, como la película. Así que mi pregunta es, ¿cómo preparas las canciones, piensas primero en la música y luego en las letras?

Sb: Desde mi perspectiva, pareces tener una relación con música afroamericana contemporánea, como R&B y Hip Hop, ¿es eso acertado? Y de ser así, ¿cómo se traduce cuando creas música, es de manera consciente o inconsciente? EG: Sí, empecé creando beats de Hip Hop, de ahí surgió Washed Out. Me siento muy conectado con el Hip Hop en particular, aunque las canciones suenan muy diferente ahora y uso instrumentos en vivo, sigo componiendo canciones como lo haría un productor de Hip Hop, donde todo sucede con loops en una computadora. Supongo que todo yace en mi mente, pero llevo tanto tiempo haciendo música que hay muy poco pensamiento consciente, todo es como… sabes, puedo sumergirme a trabajar por largo tiempo y veo hacia arriba y me doy cuenta que no tengo idea de lo que estaba pasando, todo es sentimientos reales. No pienso tanto, sucede naturalmente. Sb: Y como dices, cuando compones un disco es un proceso por el que pasas solo, ¿cómo funciona cuando agregas a más personas al proyecto para el acto en vivo? EG: A veces es divertido, a veces es frustrante, es genial escuchar a las canciones cobrar vida, pero también puede ser bastante frustrante porque, bueno cuando hago un disco no pienso en la ejecución con la banda. Lleno de capas, pueden resultar como 15 pistas diferentes y obviamente sería imposible viajar con una banda de 15 personas, puede ser un reto descifrar el balance entre qué se queda y qué no. Hemos llegado a un lugar en el que improvisamos un poco, pero hay tantos sonidos en este nuevo

EG: Sí, empiezo con la música primero. Normalmente lo que pasa es que mientras construyo las progresiones de acordes para las canciones, las capas y la instrumentación encima de una idea inicial, surge una melodía y me da una idea de lo que trata la canción. Las letras siempre llegan al final del proceso, lo que sucede es que, especialmente con las primeras canciones, la melodía se aparece de la nada y trato de grabarla lo más rápido que pueda para no olvidarla, así que grabo palabras sin sentido, muchas veces puede ser una frase interesante pero es algo natural, y construyo la canción alrededor de eso, y termina siendo como una secuencia de conciencias. No sé, son ideas simples que escribo, personales o interpretaciones de lo que sucede con otras personas. Tienes razón, es un paquete completo, no es todo sobre las letras, y está muy orientado hacía emociones... puedes tener un sentimiento general al escuchar la canción. Sb: Creo que mucha gente se aleja de sonidos nuevos porque muchos se sienten familiares, pero creo que la nostalgia es una cosa hermosa que incorporas en tu música y la haces sonar actual. Ahora tenemos discos de Daft Punk y Justin Timberlake que han capitalizado el sentimiento, ¿cómo crees que la nostalgia está influenciando a la música en 2013? EG: Es difícil, creo que tanta nueva música ahora está inspirada por el pasado, creo que en algún nivel eso siempre pasa, pero por algún tiempo se sintió que la música mainstream, especialmente el Hip Hop y el R&B, estaba interesada en el futuro de la música y nuevas ideas… Es interesante ver al mainstream entrándole al Lo-fi, disco de los setentas o lo que sea; no sé si sean acercamientos buenos o malos. Yo vengo de un lugar en que me inspira la música del pasado y quiero cambiarla, llevarla a un lugar nuevo al incorporar ideas más modernas. No sé, es difícil apuntar un dedo y decir eso está mal y eso está bien.

banda en vivo que parece un crecimiento increíble de tus raíces, así que, ¿qué esperas o sientes que será o es el lugar de Paracosm en tu música?

UN CORAZÓN HONESTO

ES UN ACCESORIO DE LUJO por: Magalie Torres

Fotografías: Cortesía de Sont music

Cuando nos ponemos a pensar en la carrera de Travis siempre encontraremos por lo menos una canción que nos remita a ellos. Una banda que ha viajado en el inconsciente colectivo desde 1993 hasta el día de hoy, una banda que sabe hacer pop y lo borda a mano; una banda que, por lo menos, abarca tres generaciones y pareciera que el tiempo no pasa por ellos.

veintiseis Sing, Why Does it Always Rain On Me, Side, U16 Girls, All I Want to do is rock, Driftwood, Turn, Flowers in the Window, The Beautiful Ocupation, Selfish Jean, Closer, My Eyes y las dos de este año Where We Stand y Mother son canciones que por lo menos tarareas y que siempre hay alguien que dice: me suena. Es que si algo saben hacer es música melódica y cálida con un toque de dramatismo para aquellos que perdemos la esperanza de vez en cuando y necesitamos refugiarnos en un lugar seguro. Hablando así hago sonar a Travis como una banda muy vieja, la realidad es que sólo tienen 7 álbumes y veinte años de carrera estable. Han sabido dosificar su presencia y sacar discos cuando quieren hacerlo y no cuando tienen que hacerlo. Nunca les ha preocupado estar a la moda o ser parte de un suceso masivo de éxito para después caer en el tedio y el olvido. Travis ha logrado lo que pocos: permanencia. Sus mejores años fueron en los noventa y parecería que no podrán tener un segundo aire como otras bandas, como Snow Patrol o los snobs de Coldplay que supieron tomar la fórmula –que Travis puso en el camino– y atascaron a la gente de ese pop que debería de tomarse tan en serio como se toma el rock and roll.

Platicamos con Neil Primrose (baterista de Travis) y esto fue lo que nos dijo: “Ha pasado mucho tiempo, pero estoy seguro que el éxito se lo debemos a que hemos sabido usar un lenguaje que no tiene contexto temporal. Hoy en día todo se mueve muy rápido pero la música que hacemos nos lleva tiempo, esfuerzo y seguramente no somos tu tipo de música si estás buscando una innovación en figuras y sonidos. Nos mantenemos en lo que sabemos hacer y somos muy buenos en eso”. Este último disco es más contemplativo que su álbum pasado (Ode to J Smith) en el cual tenían más guitarras, más sintetizadores y un pop-rock muy elaborado. ¿Podría decirse que regresaron a su fórmula anterior como en The Boy With No Name o en 12 Memories? “Somos una banda que podemos llegar a ser muy ruidosa y tan versátil que tocamos desde jazz hasta lo que hace Mars Volta, pero para los discos nos hemos mantenido fieles a un estilo. Tardamos dos años en preparar las canciones para Where You Stand y teníamos cinco años sin sacar material. Queríamos

Por otro lado, Ode to J Smith es un álbum fantástico con un sonido arriesgado, progresiones más extensas y muchos elementos pop, parece que no todos entendieron esa cualidad del disco por lo que decidimos no hacer cosas tan complejas”. Where You Stand ha sido bien recibido por la crítica, a estas alturas ¿a ustedes les sigue importando o crees que ya tienen un lugar seguro en la música? “Decirte que no nos importa sería soberbio, sí nos importa aunque también sabemos que ya tenemos un lugar. Fuimos apertura para otras bandas que empezaron a hacer algo similar a nosotros. Es muy fácil criticar algo y no ver más allá de lo superficial. Sí nos importa la crítica pero no nos obsesionamos con ella, porque en el momento en que le empieces a prestar mucha atención a eso, te desvías del camino, te confundes y empiezas a pensar en complacer a los demás y no en hacer las cosas de corazón”. Si algo ha caracterizado a Travis es que hacen música sin pretensiones, en este último disco logran, una vez más, tener la integridad, simplicidad y honestidad que en todos sus discos. ¿Cómo lograr eso, ahora que hay tanta música desechable? “Esa es una muy buena pregunta y estoy de acuerdo contigo. Creo que hemos logrado mantenernos así porque Travis es una banda muy artística. Todos leemos mucho, vamos mucho al cine. Nos gusta la pintura, la música de otros lados. Siempre estamos observando todo lo que pasa a nuestro alrededor. El arte viene de la ansiedad, de un lugar en tu subconsciente que te obliga a hacer cosas que te gustan. A algunos les gustarás y a otros no, pero al final, nunca hemos intentado estar a la moda, ya que la moda cambia de una semana para otra. Lo más importante es hacer lo que sientes, lo que quieres y tener tu propio sello, de eso se trata la verdadera independencia”. La música hoy está muy disponible en todos los sentidos. Un clic y ya grabaste un demo, un

clic más y nace una banda, ¿qué piensas de esta accesibilidad que tenemos hoy para hacer de quien sea alguien famoso? “Estoy de acuerdo con tu observación, pero no porque tengamos una computadora y acceso a Internet, quiere decir que tengamos que absorber todo lo que encontramos. No tenemos por qué escuchar música horrible sólo porque tenemos acceso a ella. Con tanta tecnología ya cualquiera cree que puede grabar un disco desde un programa, pero nunca será lo mismo que grabar en un estudio, ya que hay maneras y métodos para lograr la calidad. No es lo mismo subir un video a Youtube que meterte a grabar y hacerlo de la manera rudimentaria, que tiene un proceso muy específico y muy puro. Hoy en día con tantas opciones y facilidad de obtener las cosas el verdadero reto es encontrar algo que valga la pena”. ¿En qué lugar se encuentra Travis ahora, desde el Good Feling hasta el Where You Stand? “Seguimos en el camino, no hemos parado de buscar nuevas cosas y cada vez tratamos de mejorar todo, desde el sonido hasta los shows, la composición y grabación. Y no intentamos llegar a algún lugar en específico, sino mantenernos; así como los Rolling Stones que siguen haciendo música”. Travis ha sabido navegar por todas las transiciones de la música desde Blur pasando por Coldplay, The White Stripes y Arctic Monkeys, y si lo han hecho y siguen firmes es porque hacen música honesta: “Ver a la gente cantar nuestras canciones y amarlas como nosotros lo hacemos es completar el círculo, nosotros somos proveedores de emociones, así que nos damos por bien servidos”. Es una de las pocas bandas que escogió el lado artístico de la música en donde disfrutan hacer canciones sin presiones y sin intentar ser un referente cultural. La música importa y un corazón honesto es un accesorio de lujo. Si quieres escuchar canciones poéticas sin caer en lo fatuo, pon un disco de Travis y ellos harán el resto. Ahora están de regreso siendo el Travis que conocemos (y que nos gusta) y a Fran Healy falta darle un premio por ser uno de los grandes letristas de nuestro tiempo (junto con Noel Gallagher, Ryan Adams o Rufus Wainwright). Ser un fan de Travis no te ayudará a hacer amigos hipsters, pero quizá esa es una buena razón parar querer más a esta banda.

perfeccionar el sonido y tener las canciones correctas. Nuestro productor, Michael Ilbert, fue uno de los más emocionados en grabar el disco el cual quedó perfecto y cuando nos escuchen en vivo no notarán la diferencia. Definitivamente este disco trae el ADN de 12 Memories y a nuestro parecer, es el disco más pulido, más fuerte y el más completo que hemos hecho hasta ahora.

FOR THAT MAN por: Magalie Torres

treinta

veces escuchamos un disco o una canción sin saber que es un artefacto peligroso... Peligroso porque nos puede cambiar la vida y saldremos de ese lugar siendo otros. Era un miércoles en la casa de una abuela a la que poco conozco y de la que nada sé. La casa estaba llena de gente que entraba y salía llorando, arrastrando los pies y caminando de un lado a otro. Yo tenía doce años cuando un abuelo que nunca conocí murió. Me senté en un sillón con el walkman puesto y escuché “Argonautica”, el programa de Jordi Soler. Hubo una canción de Peter Gabriel y otra de Lou Reed. Es todo lo que recuerdo. Y si lo sé es porque Soler, con esa manera tan poética y dolorosa de presentar las canciones, dijo algo como “una escalera al cielo que sirve de trampolín para pasar de la noche a la mañana”. Mi abuelo estaba en el cielo y Soler dedicaba esas líneas a Sword of Damocles de Lou Reed. Lou Reed me acompañó la noche que murió mi abuelo. El día de hoy (27 de octubre, 2013), Lou Reed ha muerto. Lo primero que pensé fue en mi abuelo; al que, igual que a Reed, nunca vi en vivo. Recuerdo la noche de mi pequeño caos familiar y ahora, me toca vivir el día del caos mundial. Personas de todas partes del mundo detuvieron su domingo para entrar y salir de sus oficinas, sentarse en sus computadoras, abrir los micrófonos de sus cabinas de radio y hablar de Lou Reed. Ahora yo me aíslo de ese mundo sentada frente a mi computadora con mi iPod puesto para escribir estas líneas. Ahora el recuerdo de mi abuelo es el que me acompaña en la muerte de Lou Reed. Andy Warhol tenía una manera muy particular de retratar a sus amigos y a sus estudiantes: los dejaba en una pose por cierto tiempo mientras la cámara rodaba, les pedía que no se movieran. La gente que trataba de aparentar perfección en la primer toma, con el paso de los minutos, empezaba a perder el estilo y la pose, y entonces era cuando Warhol los disfrutaba más; decía que después de un rato se empezaban a mostrar tal y como eran. En estas sesiones estuvo Lou Reed, su protegido, su alumno y al poco tiempo, su amigo entrañable. La mirada corrosiva, la cara cuadrada, el cuerpo echado para adelante y una postura de cordial hostilidad fue lo que Lou Reed demostró que era. Nunca perdió la pose. Sus principios no son tan diferentes a los del resto de los mortales. Pasó por todos los caminos que cualquiera que decide dedicarse

a la música pasó o tendrá que pasar. Y así como todos, un día, después de tanto intentarlo chocó con su destino. Llegó el día en que todo lo que quiso lo tuvo. Incluso, la incomprensión y el rechazo. Un licenciado en letras inglesas que decía que para poder hacer una revolución primero había que saber escribirla. Lou Reed sabía escribir personajes y crear historias para cada una de sus canciones. Sus letras hablaban de él, de lo que veía, de lo que sentía, de lo que tenía y de lo que no. Lo real, lo crudo y lo duro, y esa melancolía infinita enredada con rabia hacía de sus canciones algo hermoso, sencillo y directo. Hay muchos genios que se adelantan a sus épocas, escriben y componen discos que no corresponden a su tiempo, el destello de Lou Reed, entre tantos más, era saber hacer discos para su época y su generación. Después de Warhol llegó Bowie y con él, Reed empezó sus trasformaciones. Un hombre que nunca tuvo miedo de pintarse las uñas de negro y salir con un collar de perro a cantar Sweet Jane o una canción tan pueril como lo puede ser New York Telephone Conversation. Como lo dice su canción I’m so free, Reed vivió la libertad de la transformación y el choque cultural. La androginidad y el cantar para gente homosexual nunca le preocupó. Él estaba marcado por los tabúes, sometido a una terapia de electroshock siendo un niño para “curar” sus pensamientos homosexuales, Lou Reed estaba decidido a luchar contra la moral. Walk on the wild side está inspirada en su totalidad en The Factory y en la gente que formaba parte de ese círculo elitista y cultural. Lou iba de lo aristocrático intelectual a lo marginal y decadente en sólo un disco. De ser el Transformer lleno de glitter, delineador, zapatos color verde y peinados estrafalarios, regresó a sus orígenes y para el Rock and Roll Animal vestía pantalones de cuero y cabello pintado de amarillo. Ninguno de los discos de Reed –a excepción de Transformer– tuvo tanto éxito como Berlin. Su época más dolorosa y lastimosa donde se dedicó a eliminar todo lo que ya había alcanzado. El desastre personal lo tomó de la mano y le hizo escribir uno de los disco más caóticos, terroríficos, oscuros y hermosos de todos los tiempos. Cuando alcanzas todo lo que quieres, y lo que no quieres también, sólo hay un momento cumbre: cuando todo eso que está arriba empieza a derrumbarse. Así la vida y carrera de Reed, donde la

gente asistía a sus conciertos por el sólo hecho de pensar que ese día podía morir sobre el escenario. “Die, die, die, die” la gente le gritaba eufórica. Pero no sucedería. Las leyendas no mueren como cualquier mortal. Las leyendas mueren en domingo, muchas décadas después. En realidad no sé si hoy escribo esto por lo que veo o por lo que recuerdo. Llevo toda la tarde escuchando sus discos buscando un hilo conductor que me permita expandir mis sentir por su pérdida, no sé si lo encontré. Pero como decía Lou: “Como autor, callarme forma parte de mis privilegios” . Reed tenía el poder de la transformación, de ser otro o de hacértelo creer. No sabemos hasta dónde llegaba ese personaje al que él mismo mataba y daba vida en cada uno de sus periodos. Con él la línea entre la realidad y la fantasía era invisible. Invisible detrás de un par de lentes oscuros. Era un tipo difícil, corrosivo, toxico, ególatra que hizo su música sin pensar en dejar un legado y que, sin quererlo, cambió al mundo. Supongo que Reed sólo se protegía de una realidad donde las letras, la música, la parafernalia, los brillos y el glamour te llevan a una dimensión donde eres intocable, donde crees que lo tienes todo. Lou sabía tenerlo todo pero también sabía dejarlo ir. Hoy tuvimos a Lewis Allen Reed, hoy lo dejamos ir.

But there are things that we can’t know, maybe there’s something over there. Some other world that we don’t know about. I know you hate that mistic shit…” Sword of damocleS. Lou Reed.

illo ort

occ

r: R

’M

treinta y dos

TO TH SE LIG E E HT …

H de oy e pa un s u am ra a m n d do arg el ane ía au min a pa mun ra s tri te nq go ra do up ste esp rre ue . Ho la a . E erfi , no ac str sien y L co s u cia pe io e c d o stu na l e rs y om o u R mb d s u on no o si ee r os n al s o no nce d ada is dí me bs so ro dej no de a tr nte e t s ó , s m de rvab ros, nu est talg asia iste am a d el nc e p ia do or es pe a lan de de rt fu et l . un ene e u a, sat cía n él al ite

GRACIAS E LOU s fácil aprovecharse de la noticia de que alguien murió, hoy en día todos escupimos en la red lo que está en nuestra cabeza y noticias como ésta para muchos sólo son un pretexto para unificar la conversación digital. Hay muchos “RIP Lou”, extractos de sus letras y un sin fin de mensajes de tristeza, no soy nadie para juzgar la veracidad de estos mensajes, pero prefiero pensar que en este domingo, muchos estamos honrando a Lou. Me siento obligado a hablar de él y a escribir una especie de obituario, hablar de Warhol, de su minimalista forma de tocar la guitarra, del número de ventas de White Light/White Heat y omitir a Metallica por completo. Sería fácil escribir una retrospectiva de Lou, sería fácil atiborrarnos de datos sobre su vida, pero aceptémoslo, también sería bastante robótico y Lou merece más que eso. Suena estúpido, pero hay quienes tenemos una relación muy fuerte con aquellas personas que con su trabajo cambiaron nuestras vidas, estamos mal de nuestros cables, lo sé, pero este fanatismo musical no conoce de formalidades, sé que muchos de los que hoy lloran la muerte de Lou Reed hace años que no escuchan su música y se llegaron a reír de aquella chavita con una playera del plátano que no tenía idea de quién era Nico. Yo no quiero hablar de Lou hoy, no quiero recordarlo, quiero ser la persona callada en el funeral; porque hablar de los buenos tiempos es un requisito post mortem, pero es doloroso. Estamos aquellos inadaptados que adoptamos a músicos y artistas como parte de nuestra familia, su manera de ver la vida nos educó para bien o para mal. A mí, Lou Reed me enseñó a ser libre, muy libre, aunque sólo fuera viendo al techo de mi cuarto con los audífonos puestos. Al escribir estas líneas desde un café de la Ciudad de México, pensando en Lou e intentando organizar mis pensamientos, leyendo en twitter que muchos músicos mencionan como Lou Reed fue esencial

para sus vidas... Entonces una chica de unos catorce años (braquets, mochila y ropas negras) llega a la cafetería con los ojos llorosos, le cuesta trabajo hablar y abraza a un par de amigos más grandes que la esperaban. -“Es una estupidez” repite sin dejar de llorar, “no sé por qué estoy tan triste”.

treinta y cuatro

Ella estaba llorando por un hombre de 71 años, que nunca conoció, un hombre cuyo mejor trabajo fue hace más de tres décadas; sin embargo entiendo su dolor a la perfección, es una estupidez pero yo la entiendo, quizá aquellos músicos conocieron a Lou en persona, quizá escucharon el Transformer el día de su lanzamiento, quizá lo vieron en vivo. Yo no hice ninguna de esas cosas, yo soy como esa niña que llora frente a mí, sin saber que estamos tristes por la misma razón, los dos perdimos parte de nuestra familia. Conocí a Lou (le llamo Lou por que ejemplifica mejor, el ridículo y platónico cariño que siempre le tendré), por medio del cine, cuando Val Kilmer en pantalones de cuero y dirigido por Oliver Stone caminaba en una ficticia fiesta de Andy Warhol, en ese entonces no conocía ni quién era ese hombre güero con lentes oscuros, y mucho menos el trabajo de Lou Reed, y empezó una de las canciones en el Soundtrack que no era de los Doors. Hablaba de heroína, era más oscura que cualquier cosa que hubiera escuchado antes y mi puberto ser se sentía maravillado por esa sucia y bohemia vida. La segunda ocasión, también cinematográfica, y también había jeringas, fue

la primera vez que conocí el trabajo solista de Reed. Perfect Day era la irónica acompañante de un Renton con sobredosis en la película de Danny Boyle. Era la cereza en el pastel de la película, era musicalmente más alegre que la película, pero tenía una oscuridad abrumadora, era de un humor tan perverso que hacía que cualquier otro artista se viera como un mojigato. Sus mejores canciones estuvieron en los primeros años de su carrera, cuando todo el mundo lo ignoró, él estaba haciendo música para personas que no habíamos nacido, sus discos iban a ser estándares en una cultura que todavía no existía, él era uno de esos claros ejemplos de que hay personas que están adelantadas a su tiempo. Él entendía que un artista no era un ser humano, sabía que pertenecía a otra especie y que eso le permitía ser tan arrogante, destructivo, psicótico, irreverente y perverso como se le diera la gana. En la humanidad necesitamos alguien que acelere el proceso mental, alguien que vea algo que para el resto es invisible, alguien que como Lou comience a ver la luz antes que el resto. Lou me hizo pensar en todas las fiestas de mañana. En mujeres fatales que destruyen a los hombres, me hizo caminar por el lado salvaje, hizo melancólicas mis mañanas de domingo, me contó al oído que las palabras “bien” y “mal” están muertas y sobre todo, me enseñó a apreciar la suciedad y la perversidad humana, porque en nuestras grandes frustraciones, en nuestros puntos más bajos hay algo de que reírse y en esa oscuridad hay algo que disfrutar. No sé si Lou se refiriera a eso cuando decía que comenzaba a ver la luz, pero gracias a él creí que yo lo hacía.

Dejé de hacer aquello [trepar por el escenario] porque no iba a aguantar más de cuatro conciertos así. Mi cuerpo hubiese acabado siendo un tórax con una cabeza”. Eddie Vedder

PEARL JAM LET THE RECORDS PLAY por: Magalie Torres & Andrea Paz Fotografías: Cortesía de Universal Music

Me tomé más tiempo del debido para escribir estas líneas, no sé por qué, a veces es terapéutico dejar descansar la emoción y escribir con más realismo. Pearl Jam ha sobrevivido los muchos cambios en las tendencias musicales para quedarse como una de las bandas más representativas hoy en día. Se trata de ellos cuatro tocando juntos, se han resignificado y reexaminado en su sello y firma; sin prisas por ser rockstars. Hay que ver a Pearl Jam más allá de un concepto, de una idea, de un sonido.

treinta y ocho

Creo que hay una diferencia entre querer ser famoso y otra querer ser exitoso dentro del mundo de la música. He trabajado muy duro para que así sea. Me alegro de haberlo hecho. Llegar veinte años después tan íntegros y fieles a lo que siempre hemos hecho –que es música honesta– se debe a que amamos lo que hacemos”. Eddie Vedder

H H

an ido en contra de los sistemas y no porque quieran mantener una posición desafiante, o rebelde; es para mantenerse sanos y balanceados, sin perder lo que empezaron a hacer desde el día que nacieron: lo que a ellos les parece correcto, no lo que los medios, o cualquiera, demandan o esperan de ellos. Nunca es tarde para hablar de Pearl Jam y menos después de 23 años de carrera y miles de momentos que han acompañado a mi generación y que le han hecho descubrir otra parte de la vida a otras tantas que han llegado detrás. Estas letras no sólo son para halagar a Vedder, sería injusto, aunque sí he de decir que a veces pienso que él no existe, que es una creación de otro planeta y que sólo nos lo prestaron

por un instante. Su manera tranquila, pausada y hasta a veces tímida para hablar fuera de un escenario, no tiene nada que ver con la música ruidosa que tanto ama hacer. Ese hombre tiene la claridad suficiente para ver más allá y ser generador de una catarsis, un caos creativo y emotivo con sólo robarle unos minutos al tiempo. Pearl Jam no sólo fue una estadística más de las bandas de los 90 y de la ola que trajo el famoso grunge. Ellos fueron LA banda de esa década; porque reconozcámoslo, de no haber muerto Kurt, Nirvana en algún momento hubiera quedado enterrada por todos los fantasmas que los rodeaban. En cambio de Pearl Jam se sigue hablando, siguen haciendo música sin perder la tan manoseada “esencia”. El grunge no murió con el rubio de ojos azules, como los periodistas se encargaron de hacernos creer

Las condiciones musicales se les ponen a los pies, como en el 92, que con apenas dos años sobre los escenarios ya estaban grabando un unplugged para MTV; los tomó por sorpresa, sí, pero un concierto ofrecido en Zúrich de forma espontánea y sin los instrumentos acostumbrados les sirvió de “ensayo” para enfrentarse al monstruo televisivo que fue MTV. La facilidad con la que hoy llegan a cumplir más de veinte años, es que nunca se lo imaginaron. Sólo trabajaron en lo que creyeron, todos los días, todo el tiempo, con la honestidad bajo el brazo; ya lo dijera Stone Gossard cuando cumplieron 20: “La gente deja pasar mucho tiempo para dar con el momento perfecto en el que tomar decisiones. Nosotros pensamos: No nos mareemos. Hagamos música, simplemente”. Y así lo han hecho una vez más, han entendido también que aunque su importancia en la historia musical les asegure parte del éxito a cada nuevo paso que den, tienen que aceptar los cambios y unirse a la nueva forma de mediatizar su trabajo. A inicios de septiembre sorpresivamente comenzaron una cuenta regresiva que no sabíamos si se trataba de una gira o de un nuevo disco, poco a poco fueron dando pistas de su nuevo material con imágenes que desnudaban lentamente el arte de otro material tomando las redes sociales como punto de partida. Todas las imágenes filtradas en su cuenta de Instagram correspondían a cada tema del álbum, realizadas por Don Pendleton. De éstas se especularon diferentes teorías dándole un significado más allá de lo obvio a los iconogramas, aunque finalmente fueran una representación de la columna vertebral de cada canción. Después del goteo con los sencillos Lightning Bolt y Sirens, que abrieron el abanico estético vino “Lightning Bolt, A Short Film”; un mini-documental de nueve minutos en el que entrevistas hechas por personajes como Judd Apatow, Carrie Brownstein, Mark Richards y Steve Gleason daban un panorama del nuevo disco, y en el que dejaron en claro que la placa está inspirada en Seattle y la nostalgia de su clima, y que este resultado también se debe a las personas que siempre han estado detrás de los reflectores, que no son vistas pero que son importantes en la realización. Se percibe esa sinceridad que tenían cuando daban sus primeras entrevistas, en

la voz aún se les desborda el amor por su trabajo y sobre todo, siguen teniendo ese espíritu tímido debajo del escenario, aunque claro está, mejor trabajando y mesurado, jamás podremos volver a verlos ante las cámaras jugando, haciéndose bromas o golpeándose como lo hacen los hermanos, tratando de hacer del momento siempre algo divertido. Ahora, justo cuando lanzan su décimo disco, Lighting Bolt, las diferentes personalidades en Pearl Jam han formado un notable y sagrado espacio para ellos mismos, en donde cada uno confía en sus instintos, derriban las paredes del ego, enfatizan la fuerza a pesar de que les gane la debilidad y ven la diversidad como un reto no como una amenaza. Todos escriben canciones, un logro de la confianza que se tienen unos a otros como miembros de un todo. Este disco es ese momento en el que dejaron de gritar, de estar enojados. Han aceptado que son padres, esposos, ejemplos de muchos otros; han dejado de ser adolescentes enojados para ser adultos que trabajan limpiamente, con acordes perfectos, ejecutando como nunca antes. Y no es que no lo hayan hecho antes, no. Pero ahora Vedder grita cuando debe y porque puede, pero también muestra una nostalgia y dulzura que jamás pensamos pudiera desprenderse de esa voz. Todos en conjunto han formado una armonía de Classic Rock ya concretado. La importancia de llamarte Pearl Jam. Suben al escenario, se miran unos a los otros y piensan “¿qué haremos mañana? No sabemos, pero hoy haremos música”. ¿Cómo han sobrevivido? parte de eso, es no matarse en el camino. Mantener un perfil bajo les ha ayudado a darse cuenta que no tienen que seguir las normas del juego del rock and roll para seguir siendo una gran banda. La frase que siempre se agrega a una banda con un cambio musical determinante en su carrera, “han madurado musicalmente”, al fin ha encajado perfecto, dándole el mejor de los significados. Pearl Jam hace música porque quiere, no porque debe y tampoco para vender cantidades brutales, para eso trabajaron décadas atrás y lo hicieron de la mejor manera, tan bien, que el saber que están de regreso hace extasiar el corazón de miles alrededor del mundo, el cariño es innegable y la expectativa sobrepasa los niveles lógicos de adrenalina. ¿Qué significa ser exitoso? Es ser capaz de hacer arte para vivir de él y no tener que regresar a otro trabajo para mantenerme de eso. Sus presentaciones en vivo son una cátedra de cómo hacer música y de cómo transmitirla para que todos y cada uno de los asistentes que estén o estemos ahí, derramemos una lágrima… o varias. Si cerramos los ojos, ¿en dónde queda Pearl Jam, en qué parte de la historia? Yo digo, que en el epicentro.

durante mucho tiempo; PJ sigue tocando su música y punto. Aquí no estamos poniendo a competir la importancia de una u otra banda, ambas tienen su importancia y jamás será puesta a juicio. En Seattle esos chicos que no tenían expectativas, que no esperaban nada y hacían de sus ideas y sentimientos canciones, se ayudaban unos a los otros, se inspiraban entre sí en una camaradería inusual, pero hay alumnos que superan a los maestros y que con lo aprendido van más allá de sólo hacer historia, como en este caso.

cuarenta y dos

ARCADE

FIRE

MITOLOGÍA MODERNA por: Rocco Portillo

Fotografías: Cortesía de Universal music

Luces de neón en las paredes, una bola disco en el centro del escenario. Personajes con enormes cabezas alrededor de nosotros, la cantidad de colores es abrumante. Por un momento pareciera que estamos reviviendo aquel lisérgico viaje de Hunter S. Thompson a Las Vegas. Mujeres con risas tenebrosas y hombres con cabezas de dinosaurios, vaya, incluso Michael Cera es el bartender del lugar. Varias personas de traje blanco y con las caras pintadas toman el escenario; son presentados como The Reflektors, la cara del frontman parece conocida. Todo es parte de la promoción del último disco de Arcade Fire, un especial de 30 minutos en donde nos permiten adentrarnos en el mundo de la banda. Durante meses, la agrupación de Montreal ha mantenido el suspenso alrededor de su lanzamiento, campañas de guerrilla con logotipos, videos interactivos y especiales de televisión no son sólo una estrategia de mercado; Win Butler, el líder de la agrupación, ha comentado que para ellos es como un proyecto universitario. Todo tiene un por qué, nada es al azar, cada color y línea poética tiene una referencia, sólo hay que aprender a localizarlas. Esos personajes de cabezas enormes no son los mismos que nos llevaron a los suburbios en el 2010. Arcade Fire sigue siendo la misma banda pero ahora parecen venir de otro mundo, uno en donde la mitología y la ciencia ficción se confunden. En Reflektor (el primer tema del disco) Regine Chassagne canta “If this is heaven, I need something more…” (Si esto es el cielo, necesito algo más). Eso es lo que hace a Arcade Fire una de las mejores bandas en el planeta, siempre necesitan algo más. Reflektor es un disco doble, en la esencia original del término, es un disco con dos lados, cada uno con su propia esencia, dos cabezas del mismo cuerpo, cada una con su propio carácter. Reflektor es la aportación de Arcade Fire a ese olimpo habitado por álbumes como Exile On Main Street o Abbey Road. Si las bandas nuevas no pretendieran ser algo más que un acto de entretenimiento jamás tendríamos leyendas. No importa que hayamos llegado al cielo, queremos algo más. “Children wake up, hold your mistake up, before they turn the summer into dust”.

â&#x20AC;&#x153;When love is gone. Where did it go? And where do we go? Itâ&#x20AC;&#x2122;s just an afterlife.

cuarenta y cuatro

Funeral (su álbum debut) adquirió ese nombre porque durante su creación murieron muchas personas cercanas a la banda, la muerte y el arrebato de la inocencia eran los temas centrales del disco. Así nos demostraban que se puede empezar después de la muerte. Su carrera comenzó como una resurrección, después vinieron los libros de conocimiento y su propia biblia para una generación que había crecido con luces de neón. Arcade Fire nos ha dicho que despertemos, que nos rebelemos, que nuestro cuerpo es una jaula, que veamos más allá de las montañas. Éstas han sido sus lecciones pero ahora, sólo quieren que bailemos. No confundamos el baile con una técnica superficial, como decía Nietzsche: “Bailemos entre santos y prostitutas, entre dios y el mundo”. “Haïti, mon pays…Throw my ashes into the sea”. Primero comenzaron los círculos con la palabra Reflektor por las calles, la estética era un guiño cultural a los viejos códigos haitianos, aquella tierra de la que Regine tiene ascendencia. La relación entre Haití y Arcade Fire es una tan mística como natural, durante su carrera Win Butler y compañía han hecho grandes obras benéficas para la isla. Pero más que eso, es gracias a Haití que parte de Reflektor sea una danza espiritual. Win Butler le confesó al locutor inglés Zane Lowe que cuando se presentaron por primera vez en Haití, se cuestionaron cómo conectar con un público que no tenía una cultura del rock, las referencias a los Beatles o los Stones eran inexistentes, así que la única solución era comunicarse por el lenguaje más viejo en la humanidad: el ritmo. Lo más básico que tenemos para expresarnos es el movimiento de nuestro cuerpo. Las reflexiones filosóficas sobre nuestra existencia pueden ser embellecidas cuando miramos al horizonte con nostalgia, muchos han escrito poemas, canciones y un sin fin de obras desde el lado oscuro del corazón. Quizá sea momento de regresar a lo mas básico para aspirar a lo más sagrado, quizá sólo bailando podemos alcanzar un nivel más alto de existencia o tal vez, sólo queremos divertirnos. Arcade Fire no son los únicos en tomar este rumbo, Thom Yorke, el maestro de la nostalgia y la melancolía, también se ha enfocado en la danza; el líder de Radiohead con su proyecto alterno Atoms for Peace, baila sin ataduras y por momentos parece desconectarse del resto del mundo. “Now, the signals we send, are deflected again. We’re still connected, but are we even friends?”

“Una mezcla entre vudú haitiano y Studio 54”, fue otra manera de describir el cuarto material de la banda, la segunda variable en la ecuación viene de la mano de un Gurú posmoderno de la pista de baile: James Murphy. El líder de LCD Soundsystem toma el control de la producción de Reflektor y es gracias a él que el futurismo encuentra armonía con el instinto de la danza. Murphy es el monolito presentado a los simios de Odisea del espacio. Él es el factor que junta la magia con la ciencia. La presencia de seres mitológicos como Bowie, sólo son meras bendiciones del universo. La portada de este disco es una imagen de la escultura de Auguste Rodin sobre Orfeo y Eurídice, una curiosa referencia (si hacemos un innecesario y rebuscado análisis). Orfeo y Eurídice eran esposos, así como Win Butler y Regine Chassagne, los indiscutibles líderes de Arcade Fire. El mito griego relata que cuando Eurídice murió, Orfeo (un talentoso músico) lamentó su pérdida cantando las canciones más tristes, tanto que los dioses sintieron pena por él y le recomendaron bajar al mundo de Hades (el inframundo) para salvar a su amada. Después de sobrepasar peligros mortales, Hades le concedió a Orfeo regresar con Eurídice al mundo de los vivos pero con una condición: durante todo el trayecto de regreso no podría voltear a verla por ningún motivo. Orfeo cumplió el reto pero un instante antes de que Eurídice abandonará el Hades por completo, volteó y ella desapareció para siempre. Las referencias al mito no sólo están en el arte del disco, en la segunda mitad hay un par de canciones alrededor de los dos amantes: Awful Sound (Oh Eurydice) e It’s Never Over (Oh Orpheus). Hay que tomar a Arcade Fire como le fue ordenado a Orfeo, no volteemos y no analicemos la música. Dejemos que nos lleven por la obscuridad, como lo han hecho anteriormente. Que durante 74 minutos sean nuestra guía y si en algún instante desistimos, hemos de perder la magia como Orfeo a su amada. La tragedia y pretensión de los párrafos anteriores es sólo una excusa para romantizar algo tan cotidiano como puede ser un artista de rock pero, ¿no es gracias a los mitos y las leyendas que podemos comprendernos mejor? Acaso, ¿no se necesita dejar de humanizar lo que tenemos frente a nosotros para poder tener leyendas en el siglo XXI? Y sólo para agregar, quizá en la pista de baile estén todas las respuestas, tal vez John Travolta conoce algo que un ser contemplativo como Freud no sería capaz de racionalizar.

THE DARCYS

ENTREVISTA CON WES MARSKELL por: Rocco Portillo

Fotografías: Cortesía de Arts&Crafts MX

Quitarse ese peso de encima les vino bien, en el 2011 sacaron su disco homónimo y fueron firmados por Arts & Crafts, anunciando que sería la primera parte de una trilogía. La segunda entrega llegó un año después de una forma bastante inusual, su segundo disco era una interpretación del clásico disco de Steely Dan Aja. Sin descansar, en el 2013 llega Warring. Platicamos con Wes Marskell, baterista y líder de la banda sobre las conexiones que hacen a sus discos una trilogía y las dificultades de ser una banda independiente en nuestros tiempos. -Warring es la tercera entrega de la trilogía pero se siente como el verdadero álbum debut de The Darcys. “Absolutamente, me siento de la misma manera, creo que esos dos discos surgieron a partir de situaciones que no teníamos contempladas y éste es el primero que realmente planeamos, los anteriores tenían una cualidad de improvisación, de ir generando sobre la marcha. En muchas formas Warring es nuestra carta de presentación”. -¿Cuáles son las características que unen a estos tres discos como una verdadera trilogía?

“Creo que la gestación de las ideas. Los tres discos fueron escritos casi al mismo tiempo, hay cosas en Warring que ideamos desde que salió el disco debut, otras cosas que queríamos hacer para una canción propia terminaron convirtiéndose en arreglos para algunas partes de Aja. Nuestro primer disco era nosotros aprendiendo a ser una banda con todas las dificultades que eso implica, el segundo era probarnos a nosotros mismos nuestra capacidad musical y nuestros límites, y creo que Warring es el disco que realmente queríamos hacer. Creo que los tres discos dejan muy claro nuestro aprendizaje como músicos, aprender a ser mejores compositores, a andar de viaje e incluso a vender discos. Ahora por primera vez tenemos una disquera que nos apoya y estamos muy agradecidos, creo que sin ellos jamás hubiéramos podido hacer este disco tan ambicioso en el aspecto técnico. Creo que los tres tienen una unidad y espero que algún día podamos sacarlos en un mismo paquete, creo que eso sería una muy buena manera de mostrarlo”. -He leído que son muy perfeccionistas durante el proceso de grabación, ¿cuáles son las dificultades que enfrentaron con Warring? “Creo que el mayor problema fue que pusimos demasiada presión en nosotros mismos para hacer el mejor disco que pudiéramos y llegamos al punto en donde todo el tiempo era: “¿Puede ser mejor? ¿Puedo escribir algo mejor? ¿Qué tal si hacemos de nuevo esa parte?” Terminábamos una canción y pensábamos que tal vez si era un poco mas rápida podría ser mejor, entonces teníamos que volver a grabarla desde el inicio, terminamos metidos en este círculo vicioso, en el que perdimos todo tipo de visión o dirección de lo que queríamos hacer. No era que no pudiéramos manipular los sonidos en el estudio,

sta banda canadiense es la definición perfecta de perseverancia, cuando terminaron de grabar su disco homónimo su vocalista renunció dejándolos en shock. Y hay ocasiones en que no puedes dejar que la vulnerabilidad de una persona afecte tu carrera de forma grave, eso evitaron The Darcys cuando decidieron regrabar y volver a mezclar su disco para que reflejara la recién encontrada personalidad de la banda.

lo que sucedía era que estábamos obsesionados con este concepto del ‘sonido perfecto’. Tuvimos que aprender a dejarnos llevar y dejar que los sonidos evolucionaran y se asentaran por sí solos, sólo así pudimos lograr que Warring fuera este disco coherente, conciso y que fluyera naturalmente como una unidad”. -¿Todas las canciones del disco tuvieron que pasar por este proceso de reescritura? “Sí, por ejemplo, Pacific Theatre, esa canción con sólo piano, la grabamos tres veces; en una de ellas estaba demasiado producida, con batería, cuerdas y un coro enorme, y fue a través de regrabarla que pudimos encontrar la verdadera esencia de la canción”.

cuarenta y ocho

-El trabajo vocal de Jason en el disco es sobresaliente, ¿cómo fue su proceso para convertirse en un vocalista hecho y derecho? “Creo que de verdad creció en este disco y consiguió llegar a lugares en donde encontró su propia voz. Nosotros criticábamos las letras hasta que llegarán mas allá de lo común. Hubo un momento en el que paramos toda la grabación, a excepción de la voz, y pasamos noches enteras en el estudio grabando esos grandes pasajes vocales que hay en el álbum hasta que Jason logró el sonido que todos estábamos buscando. Creo que fue algo arduo para él, pero estoy muy orgulloso de lo que logró”. -Has dicho que el remake que hicieron de Aja, aquel disco de Steely Dan, salvó a la banda... “Cuando hicimos Aja estábamos en un punto en donde pasamos de ser una banda de rock de guitarra a buscar crear nuestros sonidos y nos forzamos para aprender a integrar sonidos eléctricos, que los sintetizadores fueran parte de nuestro sonido, tratamos de hacer que las emociones se escucharan y de crear atmósferas específicas. Fue un proceso muy liberador ya que lo usamos como un lienzo en donde podíamos pintar lo que quisiéramos y tratar de crear una experiencia para el público pero sobre todo para nosotros mismos. Creo que por eso Aja fue un empuje tan grande para la banda”. -¿Ahora que la trilogía está terminada sintieron que el ciclo estaba completo? “Cuando salió el disco sentí que una puerta se cerraba y que el capítulo estaba terminado, en ese

momento supe que teníamos que movernos en otra dirección, creo que fue muy concluyente y ahora sí creo que nos sentimos libres de hacer lo que queramos, podemos ir hacia donde nuestra creatividad nos lleve y eso es muy emocionante. Nos atrevimos a hacer esta trilogía de discos tan dispersos y ahora tenemos que forzarnos a crear algo que nos llene”. -¿Cuál es tu relación sentimental con su disco homónimo? “Viene y va. Respeto ese disco por que sé que a la gente le gusta y sé que tengo que tocarlo porque la gente lo va a disfrutar y tiene una conexión emocional con ese álbum, pero a la vez siento que Warring es un disco mucho más completo y eso es lo que quiero presumir y tocar en las noches. Es una línea delgada entre respetar el pasado y seguir adelante. Creo que ahora somos mejores que antes y prefiero que las personas nos conozcan por lo que estamos haciendo ahora”. -Hicieron Aja de una manera muy independiente, ¿qué opinas de los cambios de presupuestos para grabar discos en los últimos años? “Con el primer disco aceptábamos muchos más sacrificios, hacíamos las cosas pero no exigíamos más de nosotros mismos, creo que por eso fue más cansado emocionalmente. Ahora podíamos estar en el estudio, ir a nuestra casa y regresar a hacer más tomas en la noche, te da la libertad de ser un poco más obsesivo. Aprendimos a contemplar nuestro trabajo y dejarlo madurar, algo que no podíamos permitirnos antes, porque cada segundo cuesta”. -Ahora que hablabas sobre la relación con tus primeros trabajos, ¿cuál es el balance entre canciones pasadas y nuevas para las presentaciones de la próxima gira? “Creo que tienes que ser condescendiente con tus fans y tocar lo que ellos esperan, preguntarles que quieren escuchar y satisfacerlos, no queremos ser esa banda que no toca nada de lo viejo, pero si estamos tocando una canción del primer disco me gustaría encontrar la manera de interpretarla de una manera fresca y que se asemeje más a lo que estamos haciendo con Warring. Hay que respetar el cariño que le tienen a esos discos, tal vez vía twitter preguntamos qué quieren escuchar para tener una idea y lograr un equilibrio entre el nuevo material y aquellas canciones”.

el álbum

NIRVANA cincuenta

Por: Luis Palmeros

Come as you are, as you were, as I want you to be”

el álbum

MTV

UNPLUGGED IN NEW YORK

El unplugged de Nirvana es considerado la mejor presentación en la historia de MTV y eso, aunque lo parezca en 2013 (con debida razón), no es en absoluto poca cosa. Kurt Cobain pidió específicamente velas y flores en el escenario, para que se asemejara a un funeral, el hecho de que Unplugged in New York sea el primer disco póstumo del músico tiene aires de coherencia divina... destino, pues. El álbum convierte las pseudo debilidades de Nirvana en fortalezas. Fortalezas que quizás no se aprecian en clásicos como Bleach, Nevermind e In Utero. La rasposa voz de Cobain se quiebra en los covers a Meat Puppets y Lead Belly, pero esos quiebres de voz resultan en el sonido grabado más hermoso en la atropellada historia del grunge. El trío de músicos, muy a pesar de la televisora, decidió omitir algunos de sus propios clásicos para homenajear temas que quizás representaban más para ellos: uno de Bowie, otro de The Vaselines, varios de los entonces “under” Meat Puppets (quienes los acompañaron en el escenario) y un desgarrador final cortesía de una composición original de Lead Belly. Los temas que sí son de autoría de Nirvana, son esos que no atesoraban las televisoras, sino los fans. Esos temas de “menor importancia” se ganaron una relevancia y aclamo gracias a esa noche de noviembre. El unplugged de Nirvana es un casi desnudo (Kurt Cobain sí estaba conectado) que nos permite ver a la música por lo que es, y esa pura visión, en cierto sentido es mucho más emocional y desgarrante que cualquier tema en los discos de estudio. Sin sangre, sin sudor, si exceso de ruido, con humo y velas, Nirvana sonó mejor que nunca.

uando MTV era emocionante, cuando las camisas de cuadros no eran sinónimos de lentes empastados, cuando Nirvana no era más que un recuerdo. El 18 de noviembre de 1993, el histórico trío de Washington se presentó en la ciudad de Nueva York sin sus aparentes fortalezas. En el escenario habían velas, flores drenadas de vida y sillas. Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic estaban acompañados por más músicos que disimulaban la falta de amplificadores y un público feroz enfrente de ellos. El setlist careció de Smells Like Teen Spirit, de muchos hits e incluso, de canciones del grupo. Todas estas ausencias que debieron incomodar (y lo hicieron) a Cobain y compañía, podrían haber resultado en un show desagradable que exhibe las debilidades de una banda extremadamente popular; pero de una manera, ahora poética, hicieron relucir las fortalezas de un trío que estaba por pasar a la historia como una de las agrupaciones más icónicas para toda una generación.

cincuenta y dos

n su edición 2013 cada espacio del cartel del Prudence Fest estuvo llenó de bandas estelares. Algunas ya consagradas y con experiencia en festivales de la talla del Vive Latino como La Banderville, Jumbo o Paté de Fua y otras incipientes pero con una energía arrasadora como The Billys: unos chavitos talentosos tocando riffs muy sencillos pero con mucho power. Aunque cada banda contó con un público entregado, sin duda las estrellas del Prudence Fest 2013 fueron Hello Seahorse quienes se presentaron en su formato de quinteto, ejecutando temas Criminal y Un Año Quebrado. Antes del gran cierre se presentó División Minúscula quienes presentaron un pequeño compendio de rolas del disco Extrañando Casa y temas consagrados como Tan Fuerte Tan Frágil y Las Luces de Esta Ciudad. El éxtasis de furia y calor finalmente dio paso a la banda principal: Los Amigos Invisibles. Acordes funkys llenaron el escenario del Pepsi Center para presentar temas como Sexy, Menturas y Plastic Woman. Así, con la segunda edición del Prudence Fest, Condones Prudence celebró la obtención de la Medalla de Oro a la Calidad y el Servicio otorgada por la Organización Mundial de Mercadotecnia S.C. en 2013. Veremos cuál será el cartel para su tercera edición en 2014, sin duda difícil de superar.

cincuenta y cuatro

meanwhile

por: Andrea Paz Fotografía: Carrez

Consumo mínimo por persona $200.00 Colima #110. Colonia Roma Norte Tel: 52.07.75.48 Martes a jueves 11-22hrs. Viernes y sábados 11-1 hrs Domingo 11-18hrs Escucha sus playlist en Spotify @carrezcu fb/Carrez

meanwhile

La vida de esta generación (mayoritariamente) se desarrolla en la RomaCondesa, quizá por ser una zona entre lo trendy y lo vintage o porque muchos de los temas de interés para la juventud de estos días están ahí; eventos culturales, deportivos, musicales y un largo etcétera. Si bien se dice que Polanco es el Manhattan mexicano, desde esta perspectiva el corredor Roma-Condesa sería el equivalente a la zona de Central Park. Aquí, desde hace unos meses, se ha establecido un nuevo lugar bajo el nombre de Carrez. En él, con apenas tener un pie dentro, te sientes en un típico comedor de NY. Carrez, lugar de decoración minimalista, es una nueva opción de cocina urbana para ir a desayunar, comer, beber y gozar de la compañía de alguien especial o simplemente de tu soledad. Los sandwiches son las estrellas de la casa, de hecho este lugar comenzó con el propósito de hacer sandwiches muy al estilo de algunos lugares de NY y Brooklyn. Y de lograr que la comida se sienta muy personal, relajada y nada pretenciosa. Lo cierto es que conforme pasas los minutos en Carrez, te das cuenta de que no sólo lograron sus propósitos, sino que los han superado. La calidez y la propuesta que aquí se ofrece es singular y sencilla: hacer sándwiches al estilo americano pero con recetas con un toque mexicano; como el típico sandwich de obrero gringo a base de queso, tocino, jamón y huevo pasando por fish & chips, chilaquiles, etc. Los dueños son dos parejas de amigos que, con la infalible ayuda de sus abuelas y madres, armaron un menú que está lleno de platillos que no puedes dejar de probar, como el estofado de res que es receta de la mamá de Erik Figueroa -uno de los dueños- y la Sopa Carrez que consiste en consomé sazonado con salsa de chile pasilla ligeramente picoso, con pollo y acelgas, aguacate, queso chiapaneco, crema, cebolla morada y cilantro. Otro de los detalles que este lugar ofrece es el pan, abastecido a primera hora por un establecimiento de pan artesanal llamado La Puerta. Así los comensales pueden comenzar su día de forma fresca, literalmente. Carrez, que se perfila para ser uno de los nuevos clásicos de la Roma, también tiene dentro de sus opciones algo más amigable para los veganos, como el Cono Carrez: vegetales rostizados en una cama de lechuga con queso feta, envueltos en pan pita y acompañados de las deliciosas papas bravas con receta de la casa.

Para beber hay desde el café negro Katsina, seleccionado especialmente por su sabor, el dulce capuccino o agua del día, que por lo general es de frutas de temporada, con un toque especial de jazmín o alguna otra flor aromática que cambia el contexto de la bebida. Además cervezas artesanales como la Cosaco que es una cerveza roja y frutal. Pero el detalle de este lugar es la variedad de vinos provenientes de productores mexicanos, gracias al proyecto 125; y claro, también puedes encontrar etiquetas francesas y españolas. Sin importar la hora en la que los visites, ya sean las 10 de la mañana o de la noche, puedes ordenar lo que más se te antoje, desde una sopa fría de aguacate (sopa de aguacate a base de yogurt, acompañada de pepino y cebolla) o sólo una tabla de quesos. O qué tal un french toast o un sandwich de Nutella mientras lees o disfrutas de una agradable conversación. ¡Ah! Y aunque los sábados cierran a la 1:00 am, si pides tu botella de vino a las 12:00, puedes permanecer en el lugar hasta que la termines. La decoración del lugar corrió a cargo de Alicia Rivera (Q.E.P.D), quien le otorgó toques modernos a muebles totalmente vintage. La música que puedes escuchar abarca todo el abanico de géneros y artistas que puedas imaginar: desde Paul McCartney pasando por My Morning Jacket y Michael Jackson, y es que no tienen un DJ o un disco de grandes éxitos corriendo en el reproductor, todo es gracias a Spotify y a los playlist que les preparan algunos amigos músicos como Teo, integrante de Liquits. Podríamos describir muchos más platillos que tienes que probar, pero sólo te diremos que el que elijas será suficiente para hacerte volver una y otra vez, hasta recorrer toda la carta. El secreto de este lugar es la vibra que desprende y el toque de lo hecho en familia. Con esta idea y la de mantener su sabor tradicional, es que no piensan abrir otra sucursal. Así que provecha, visítalos y déjate envolver por la magia Carrez, como si estuvieras en una de esas citas románticas en las que todo puede pasar, justo como en una película de Woody Allen.

underground

BLACK http://blackpony.bandcamp.com @BlackponyMx por: Andrea Paz

PONY

cincuenta y seis

ntes de hacerse llamar de esta forma, Cándido (vocal), Eber (bajista), Jorge (guitarra) y Pablo (batería) y Mario (sintetizadores) habían coincidido en una banda llamada Arty con grandes expectativas pero las cosas a veces no resultan como quieres, es por eso que han comenzado de cero retomando simplemente aquello que quedó pendiente. Con Blackpony se sienten tan libres que sus canciones son un reflejo de eso, tienen tracks como Vintage Dress, a veces hacen dream pop con Street Master, incluso con inclinaciones al Guincho como se puede escuchar en Cozumel de tropical. “Ya no tenemos el miedo que provocan las ataduras”, dicen. Son totalmente independientes, cada uno apoya de diferentes formas además de obviamente apoyarse de amigos. Residen en Guanajuato, pero desde que se presentaron en las sesiones de Mercado Negro con Ibero 90.9 han tenido un gran recibimiento, de tal forma que han dejado de esperar el estrellato de rockstars, ese quizá, vendrá después; por ahora con su EP homónimo que están promocionando se la pasan tan bien como nunca lo hubieran esperado. Puedes escuchar sus canciones en su bandcamp y estar a la espera de próximas presentaciones en el DF.

DESERT DOLLS

www.soundcloud.com/desertdolls @desertdolls ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

por: Juanma Borbolla

ay pocas bandas en la escena independiente mexicana que aún tienen ese espíritu de hacer algo por gusto, que sea preciso y honesto como lo hacían en los años 50 y 60. Bandas que al verlas tocar transmiten propuestas únicas en una industria donde ese tipo de música parece estar extinguiéndose. Desert Dolls es una banda a punto de cumplir tres años de haberse formado y prometen grandes cosas en la escena local. Ian (guitarra y voz), Fran (bajo), Andrés (guitarra) y Eduardo (batería y percusiones) nos platicaron que cuando se junta gente con gustos similares, es difícil no hacer música sincera y con ganas de trascender en la industria. Están a punto de lanzar su primer material que lleva por nombre Hell is empty and all the devils are here. Una propuesta interesante como primer lanzamiento, será un vinyl doble, con una parte en estudio y la otra grabada totalmente en vivo, que estará disponible a finales de este 2013. Tienen planes de empezar una gira promocional por la república y fuera del país tratando de conquistar otras orejas.

underground

SILENT

LUNE

Silentlune.com @silentlune por: Andrea Paz

la primera escucha piensas que Silent Lune es una banda que oscila entre los 4 ó5 integrantes, como comúnmente sucede, pero después viene la verdadera sorpresa: este proyecto pertenece a un solista de nombre Roger Chávez. Roger graba las voces y las guitarras acompañado de un productor y en vivo tiene una banda de apoyo. Con claras influencias de grunge, power pop, post-punk, punk rock, hard rock, folk y progressive rock recientemente se ha dado la oportunidad de experimentar con otro tipo de tintes y de texturas encaminados hacia lo que más le gusta. “Siempre le tienes que decir al productor lo que quieres, yo llego al estudio con una maqueta al 90%, tomo referencias de la forma de trabajo de Radiohead, por ejemplo, y un poco de la oscuridad de Interpol”. Silent Lune inicia en el 2007 tocando en San Diego y los alrededores de California y apenas en el 2010 probó suerte en nuestro país cuando tocó en el Vive Latino con Los Kung Fu Monkeys. Desde entonces ha pulido más esas cosas que quería lograr. Recientemente lanzará un LP llamado Chapter que cuenta con 12 canciones divididas en 4 capítulos muy distintos, mostrando algo ecléctico y versátil que es el concepto y visión del creador.

radiografía

THIS IS REVOLUTION

HÖFNER cincuenta y ocho

BASS por: Alberto Castro Un músico escoge su instrumento entre una amplia gama de opciones, normalmente basado en la marca, características o simplemente por influencia de otro músico a quien admira. Pero sólo en ocasiones especiales esta relación entre el instrumento y su ejecutor llega al punto en el que no se puede deslindar uno del otro, cuando dicho instrumento te remite inmediatamente a su principal practicante y viceversa, basta recordar a “Lucille” de B.B. King o al famoso “bajo Beatle”.

arl Höfner fue un laudero alemán que en 1887 logró fundar su propia compañía, a la que bautizó con el apellido de su familia, y que rápidamente se convirtió en una de las productoras de instrumentos de cuerda más reconocidas de su país. Pero no fue hasta principios del siglo XX que sus hijos comenzaron a importar sus instrumentos a toda Europa, donde su línea de violas, violines, chelos y contrabajos comenzaba a ganar reconocimiento y prestigio. La Segunda Guerra Mundial ocasionó el cierre de la fábrica y no fue hasta la navidad de 1950 que pudieron reabrir. La diferencia fue que ahora, además de hacer instrumentos clásicos, los Höfner habían decidido entrar al mercado de los relativamente nuevos instrumentos eléctricos, entre ellos el que nos atañe en estas líneas. A mediados de los años 50 Höfner lanzó el 500/1, un bajo semiacústico amplificado eléctricamente cuya forma, parecida a la de un violín, lo hacía tan fácil de tocar como a una guitarra pero manteniendo la potencia y tono de un contrabajo clásico.

radiografía

La historia de Paul McCartney y el Höfner 500/1 se remonta a 1961, cuando él, John Lennon, George Harrison, Stuart Sutcliffe y Pete Best se encontraban forjando una reputación a base de tocar en los clubes nocturnos de Liverpool y Hamburgo. Sutcliffe era el bajista de la banda desde su formación, de hecho Lennon y McCartney lo habían convencido años atrás de comprar un bajo Höfner (un 333 para ser preciso) con el dinero que había ganado vendiendo una de las pinturas que hacía en la época. Este tipo de instrumento gustaba mucho a los jóvenes músicos, de ahí la intención que el bajista de la banda tuviera uno. Más tarde en ese año, y justo antes de que fueran contratados para grabar como músicos de Tony Sheridan, Sutcliffe decidió renunciar para regresar a Alemania y continuar sus estudios de arte. En ese momento Paul se convertiría en el bajista de la banda, primero utilizando el bajo que Stuart había dejado, pero al ser zurdo se dio cuenta que debía buscar uno que fuera más cómodo para él. Así fue como durante una de sus estancias en Hamburgo, McCartney compró su primer Höfner 500/1 por la cantidad de 30 libras esterlinas y comenzó su relación con el instrumento que aún utiliza en estos días. Él mismo ha comentado que lo que más le atrajo de este instrumento fue

su simetría, que lo hacía ver menos raro por ser un músico zurdo. En 1963 la banda estaba haciéndose de un nombre por sí misma, y Ringo Starr se encontraba ya en la batería. Fue en esta época cuando McCartney adquirió su segundo “bajo violín”, un modelo ‘62, en estética parecido al primero, pero con la diferencia que tenía colocadas las pastillas como en una guitarra, una cerca del puente y la otra pegada al cuello. Este bajo fue el que se convirtió en un ícono por ser el que utilizó desde el ‘63 y hasta el ‘66, durante la primera gira de The Beatles por Estados Unidos donde la gente comenzó a utilizar por primera vez el término de “Bajo Beatle”, ya que en este continente ese tipo de instrumento no era muy conocido. Esto ayudó enormemente a la marca y a su popularidad, ya que a partir del éxito de los Beatles, miles de músicos comenzaron a querer utilizar el mismo bajo que usaba Paul. Podemos citar a otros músicos que han utilizado el Höfner 500/1 en algún momento de su carrera: Brian Wilson (Beach Boys), Tina Wyemouth (Talking Heads), Christian Wargo (Fleet Foxes) e inclusive un joven Gene Simmons antes de su éxito con KISS. Pero para ninguno ha sido una insignia como lo ha sido para el bajista de la banda más grande que ha existido. Hoy en día Höfner es una de las marcas más reconocidas y tiene ene cantidad de instrumentos a la venta, con diferentes líneas en cada uno; sin embargo, el bajo estilo “violín” es su producto más vendido, por supuesto, a un precio mucho mayor que las 30 libras que pagó McCartney en 1961. Una vez más, el Rock and Roll salvó a una marca con un instrumento que pasará a la historia junto a su principal

usuario, el bajo Beatle estará en los anaqueles del salón de la fama y en todas las fotos y videos del legendario bajista de los Beatles, Sir Paul McCartney.

FACTS El primer 500/1 que McCartney compró en 1961 fue robado de los estudios Abbey Road durante las grabaciones de Let it Be, hasta la fecha no ha sido recuperado. Este bajo fue el preferido de Gene Simmons durante su juventud, por razones de imagen dejó de usarlo cuando KISS comenzó a ser un éxito. Son 9 modelos diferentes los que Höfner ha fabricado del 500/1, de los cuales actualmente sólo siguen 7 a la venta. En 1963 McCartney cambió la apariencia de su Höfner quitándole el golpeador. A pesar de las peticiones, Höfner nunca fabricó un bajo sin golpeador, por lo que la gente sigue quitándolo después de comprarlo para imitar a Sir Paul. En 1966, después de la separación de los Beatles, McCartney dejó de tocar el bajo durante dos años para retomarlo el 30 de enero de 1969, en la famosa reunión en la azotea de Apple Records.

En los próximos años el 500/1 de Höfner fue apodado como “bajo violín”, y ganó popularidad a lo largo del viejo continente gracias a la relación con la distribuidora Selmer. Llegando a ser de los más vendidos principalmente por su precio accesible, ya que era considerablemente más barato que los instrumentos americanos. Gracias a esto los Höfner fueron reconocidos por ser el primer instrumento de muchos músicos que iniciaban en aquella época y muchos de ellos se convirtieron en íconos de la industria.

gadgets

Costo: $12,000

sesenta

Costo: $10,000

TIME

TO GET

AWAY

Costo: N.D

4 Costo: $7,000

por: Rodrigo Prieto

Costo: $1,700

Los relojes son uno de los accesorios con mayor variedad, partiendo desde un simple digital o analógico, hasta aquellos que inventan formas para dar la hora. pasando por algunos que pudieran parecer cualquier cosa menos un instrumento de medición del tiempo. Es gracias a este gran espectro que son mundialmente populares, ya sea para el empresario que parece usarlo como un símbolo de poder o para el hipster que lo usa como reflejo de una manifestación artística, es una de esas cosas que “hay para todos los gustos”. Costo: $8,000

Costo: $2,600

gadgets

Tissot T-Touch II

QLCOKTWO W

La gama T-Touch cuenta con un amplio surtido de modelos, pero creemos que éste en particular se ajusta a cualquier necesidad; su caja de titanio ofrece ligereza y resistencia, el cristal de zafiro le otorga protección a rayaduras y su particular sistema de pantalla táctil remata para dar una personalidad única. Cuenta con dos zonas horarias, dos alarmas, brújula y altímetro.

Para los amantes de la lectura, la marca de relojes sin manecillas está próxima a estrenar su modelo de pulsera de simple operación y lectura, cuenta con calendario, selección de idiomas y 110 letras para combinar y dar la hora exacta.

Bulova Precisionist Champlain Collection

Hugo Boss Red Gold Chronograph

Lo primero que llama la atención es el movimiento continuo del segundero, después su robusto cuerpo ensamblado con 4 gruesos tornillos y por último, sus instrumentos con muchas más escalas de las que podrías necesitar.

Si el nombre no lo dice todo lo único que se debe saber es que además de fechador, tres cronógrafos, correa de piel y caja de acero negro, los acentos del cuerpo son de oro rojo, casi un símbolo de buen gusto.

Kisai Denshoku

R2-D2

Los relojes de esta marca son sumamente originales y ofrecen interesantes formas de presentar el tiempo, el modelo que ves aquí combina sencillez y elegancia (dependiendo de qué clase de círculo social frecuentes). Para saber la hora se debe presionar un botón que activa en tres segmentos las doce barras que tiene por pantalla.

Para recalcar que hay para todos, el sitio ThinkGeek ofrece una colección de relojes dedicados a los fanáticos acérrimos de Star Wars con personajes emblemáticos de la saga, cada uno con funciones específicas. Escogimos el más “discreto” inspirado en el querido robot.

Citizen Eco-Drive Blue Angels World Chronograph A-T La línea Eco-Drive no requiere de cambio de baterías, ya que incorpora un sistema muy eficaz de carga mediante cualquier fuente de luz. Este modelo ofrece precisión atómica en 26 ciudades, cronógrafo, calendario perpetuo y, para algunos, la satisfactoria sensación de no requerir cambio constante de esas contaminadoras baterías.

l pasado 3 octubre del 2013 Samsung Electronics Co., Ltd. presentó, en un evento sin precedentes en el Museo Soumaya, a los nuevos integrantes de la familia GALAXY; GALAXY Note 3 y su complemento perfecto, GALAXY Gear. Además de presentar los nuevos dispositivos, dentro del museo se presentó la nueva plataforma incluyente de moda 2014: “Samsung Fashion Nation”, la cual fusiona tecnología, estilo de vida y moda de una manerainnovadora. “Samsung Fashion Nation” será una feria que mostrará la moda de una manera única, concebida para exhibir e intercambiar tendencias y estilo. Este espacio abierto al público en general, tendrá la finalidad de apoyar a la industria de la moda a través de la venta de productos y marcas exhibidas en la plataforma. Su primera edición se llevará a cabo en 2014 y como embajadores invitados de esta plataforma estarán; Julia y Renata, Michelle Torres, Chantal Torres, Annie Lask, Paulina Madrazo, Gustavo Helguera, Mancandy, Paola Wong y Lorena Saravia. El momento más importante de la noche de lanzamiento fue cuando los asistentes pudieron descubrir los diferentes colores, aplicaciones, estilos y usos del nuevo Samsung GALAXY Note 3 + GALAXY Gear a través de cuatro sets donde modelos utilizaban el producto.

R.i.p

MICHAEL HUTCHENCE

GUNS IN THE SKY por: Alberto Castro

sesenta y cuatro

I don’t think success arrives and you’re suddenly happy. It’s not like that. If people think that they’ll be very disappointed”. La muerte de músicos, deportistas o actores siempre causa revuelo; pero existe un nivel más alto, cuando están rodeadas por drama y escándalo, y pocas han sido tan dramáticas como la muerte del vocalista de la banda australiana INXS, Michael Hutchence, en noviembre de 1997. En ese año la banda se estaba preparando, tras tres años de receso, para un tour de celebración por su 20 aniversario, el cual comenzaría en su país natal donde seguían siendo grandes estrellas. Hutchence se hospedó en el Ritz Carlton de la ciudad de Sydney donde se llevarían a cabo los ensayos. La historia alrededor de la posible causa y forma de la muerte de Michael Hutchence es como de segmento de TMZ o de revista de espectáculos, de hecho este tipo de medios se dieron un festín las horas que siguieron al descubrimiento del cuerpo en la habitación 524 del hotel antes mencionado. La policía local determinó que la causa de la muerte fue suicidio por asfixia con un cinturón de piel encontrado en la habitación, además de que la autopsia reveló presencia de alcohol y varios tipos de droga dentro de su organismo. Y aunque el suicidio se marcó como causa oficial, las versiones extraoficiales señalan que en realidad fue un accidente al someterse a una auto asfixia para incrementar el placer sexual mientras se masturbaba. La falta de nota suicida o mensajes póstumos hacen más factible esta última versión. Otra de las razones por la que los medios siguieron con fervor esta noticia fue por el drama que vivían Hutchence y Paula Yates, con la que tenía una hija de 15 meses de edad. Yates era la ex pareja de Bob Geldof con quien tenía 3 hijas y de quien se había divorciado un año atrás, supuestamente por su relación con el vocalista. El organizador de Live Aid ya había amenazado a los dos diciendo que él estaba “por encima de la ley”, refiriéndose a los poderosos amigos que tenía. En la mañana del día de su muerte Hutchence había hablado con Geldof sobre su negativa de dejar que Yates (y sus hijas) viajaran a Australia. El hecho de no poder ver a su hija lo deprimió, y se dice pudiera haber sido una de las causas del supuesto suicidio. Yo le voy más a la teoría de la autocomplacencia.

Claro que, independientemente de los rumores entorno a lo que pasó, el mundo de la música perdió a uno de los principales vocalistas que había tenido en los últimos años. El mismo Nick Cave, cercano amigo a Hutchence, interpretó su canción Into My Arms en el funeral, no sin antes pedir la salida de todas las cámaras y medios de comunicación. Durante los meses subsecuentes muchos colegas se mostraron consternados por el trágico deceso, Simon LeBon de Duran Duran declaró que se sentía algo culpable por no haber acompañado más tiempo a Hutchence antes de su muerte, ya que según él, se notaba que tenía bastantes problemas. Bono, cercano amigo, escribió la canción Stuck in a Moment You Can’t Get Out Of, de su álbum All That You Can’t Leave Behind inspirado en lo que le pasó a Hutchence y como una hipotética intervención e intento de convencimiento sobre lo estúpido que sería suicidarse. Él mismo la ha descrito como una pelea entre amigos, de la cual sale mal librado por la culpa que aún siente por no haber convivido con él lo suficiente. Así fue como se perdió la voz de una de las bandas más exitosas de los 80’s. No sabemos qué hubiera pasado si hubieran continuado con Hutchence (porque definitivamente sin él no fue igual), pero por lo menos queda el recuerdo de sus años de gloria. Como conclusión aquí un par de declaraciones de dos hermanos Farris. Jon Farriss: “No hay un día que pase que no piense en Michael. Me siento privilegiado de haberlo conocido en muchos niveles. Era un hombre de confianza, socio musical, socio de gira, socio de ejecución, un compañero de la banda, era como extensión de mi familia. Somos una familia”. Tim Farris: “En INXS fuimos/somos ‘Hermanos de sangre’, literal. Bebiendo el vino, saboreando la comida y los frutos de nuestro trabajo, pasando la vida juntos. Subiendo montañas interminables, superando todo lo que fuera posible… y ¡lo hicimos! ¡Lo hicimos Michael!” (22/01/1960- 22/11/1997)