Sabotage Magazine by Sabotage Magazine

PIXIES

s y tabletas e l i v En PC, Mac, mó

Descarga la aplicación y obtén 15 días gratis* *Más de 25 millones de canciones, 100 millones de playlists, 1 app studio y mucho más por compartir Twitter: @deezermexico • Facebook: deezer • www.deezer.com

andrea@sabotagemagazine.com.mx

Esta empresa ha aprovechado nuestras temáticas de moda, viajes, arte, vida, estilo y sobre todo música, para hacer su propio negocio olvidándose que todos somos mexicanos y debemos apoyarnos, ellos hacen que caigamos en la ley del que distribuye sin pagar y nos deje a nosotros desamparados sin ganar el porcentaje que nos corresponde como empresas innovadoras en el ramo editorial que aportan un futuro para el país.

diseño daniel padilla

Por primera vez, su editor Max Olvera no se queda callado ante estas injusticias y con justa razón y argumento me permito mentarle la madre a esta empresa nombrada CITEM que no contribuye al desarrollo editorial de este país y al progreso como mexicanos unidos que festejamos nuestro puto mes patrio. Agradecemos a ustedes nuestros lectores, el apoyo incondicional que siempre han tenido para que todas nuestras revistas como INDIE ROCKS! y otras más en el mismo género, sigamos informando y llevándoles cada mes los acontecimientos musicales, ya que gracias a ustedes seguimos publicándonos. This is music.

jefe de información rocco portillo rocco@sabotagemagazine.com.mx

columnistas elán nena mounstro corrección de estilo ana jácome

daniel@sabotagemagazine.com.mx

fotografía x/o oyuki aceves colaboradores eunice victorino rodrigo prieto marc sander luis palmeros magalie torres web master mariela martínez mariela@sabotagemagazine.com.mx

Dolores Kroquetowsky Gerente de seguridad SABOTAGE MAGAZINE

colaboradores web alberto castro alexis bravo relaciónes publicas oyuki aceves oyuki@sabotagemagazine.com.mx

MAX OLVERA

Editor SABOTAGE MAGAZINE

gerente comercial césar raño cesar@sabotagemagazine.com.mx

comercialización m.g

legales Sabotage Magazine, Año 2, No. 20, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora Pernas y CIA S.A. de C.V. Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo, C.P. 02300 Deleg. Azcapotzalco México D.F. Este número se terminó de imprimir el 28 de agosto de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.

el equipo de sabotage magazine trabaja con la camara EOS MARK III

manuel@sabotagemagazine.com.mx

productor de eventos/btl the happy freaks factory producción audiovisual sol sours

nofm-radio.com

eptiembre es considerado el mes patrio por toda nuestra carga histórica, sin embargo; es momento de replantearnos que tanto la tecnología y la globalización nos permiten identificarnos con eso, si estamos inmersos en una era de twitter y Facebook, nuestra revista quiere mostrarles que a pesar de esto, seguimos luchando por nuestra identidad y buscamos día con día, número con número, edición con edición, que se sientan identificados con la empresa mexicana que somos siempre pensando en ustedes y en nuestro país. Lamentablemente a pesar de que habemos diversas publicaciones enfocadas al mismo medio que es la música, existen otras revistas como nosotros, que sufren de este abuso de robo de capital que ustedes han aportado en el consumo de nuestros números editoriales.

#sabotageradio

coordinadora editorial andrea paz

@sabotage_mag

max@sabotagemagazine.com.mx

SabotageMagazine

NADIE SABE PARA QUIEN TRABAJA

www.sabotagemagazine.com.mx

editor max olvera

FRONT FEATURES BACK

ndic Daniel Padilla

zoom out

newsletter

discos

arte

primer acto

diván

séptimo arte

máquina del tiempo

soundtrack

babasonicos

alt-j

prucence fest

pixies

imagine dragons

arctic monkeys

nine inch nails

astro

the smiths

numeralia

meanwhile

underground

radiografía

rip

cuatro

ZOOM OUT

(The Clash, Al Fields, David Johansen, Debbie Harry)

TWENTY-FOUR HOUR SHOPPING IN RAPTURE BOB GRUEN 1979

a exuberancia es algo que se ha perdido en el rock en los últimos años y no sólo debido a la gran cantidad de bandas que hay o el declive de la industria discográfica; lo que no hay es una intimidad creativa entre los artistas, ya sea en una ciudad o en un pensamiento. Uno de los grandes momentos fue en Nueva York a finales de los 70’s y hubo alguien que estuvo ahí para enmarcarlo. Bob Gruen fue el historiador del punk, amaneciéndose con los artistas sin importar qué tan locos estuvieran, siendo parte de ellos, un amigo más del rock.

GACETILLA

newsletter

por: Juanma Borbolla

MIXUP CELEBRARÁ EL

CORONA CAPITAL 2013

seis

a nueva edición del festival Corona Capital 2013 está a la vuelta de la esquina y Mixup tiene preparado un especial de discos físicos a la venta de bandas que serán parte del tan esperado fin de semana. Jimmy Eat World, Peace, MS MR, Travis, Arctic Monkeys y Miles Kane figuran dentro de lo que podremos encontrar antes y durante el festival en las tiendas para agrandar esa colección que todos tenemos en casa.

MS MR MILES KANE Por primera vez en México, Miles Kane se une al increíble cartel del Corona Capital 2013 para presentar su más reciente álbum Don’t Forget Who You Are. Ya falta menos para escuchar Come Closer y esas guitarras muy al estilo británico al que nos tiene acostumbrados.

S A Í B ¿SA

? E U Q

El dúo originario de Nueva York llega a nuestro país para presentarnos su Secondhand Rapture. Canciones como Hurricane y Bones seguro se volverán favoritas de muchos melómanos en el próximo Corona Capital. Lizzy Plapinger y el productor Max Hershenow seguro sabrán cómo lograrlo.

Axl Rose solía obtener 8 dólares la hora por fumar cigarrillos como parte de un experimento científico para la universidad californiana UCLA.

TRAVIS Sin duda uno de los actos más esperados del Corona Capital. Travis llegará a nuestro país con un nuevo álbum recién salido del horno: Where You Stand y claro, estamos seguros que no faltarán hits pasados como Flowers in the Window entre otras para hacernos cantar.

En 2006 la obra “No. 5, 1948” de Jackson Pollock se convirtió en la pintura de mayor valor al ser vendida por 140 millones de dólares.

ARCTIC MONKEYS “AM” es el título de su nueva producción y desde hace algunos meses, la agrupación inglesa no ha dejado de ser tema de conversación para los amantes de la música. Con seguridad es de lo más esperado para esta nueva edición del Corona Capital. Imperdibles.

JIMMY EAT WORLD La agrupación estadounidense acaba de lanzar su más reciente material que lleva por nombre Damage. Llegarán a nuestro país con nuevos temas como I Will Steal You Back, pero seguro no faltarán los clásicos Big Casino y Always Be como parte de su presentación en el Corona Capital 2013. Estaremos pendientes.

De las propuestas más recientes que ha lanzado Inglaterra al mundo, Peace es una de esas bandas de las que no hay que despegarse. California Daze, Bloodshake y Follow Baby son pruebas claras de esto. Recomendamos escuchar su nuevo álbum In Love, una y otra vez, para llegar al Corona Capital listos para ser capturados por su sonido.

QUADRON Desde Dinamarca, llega a nuestro país Quadron presentando su más reciente álbum Avalanche. Una propuesta bastante fresca que seguro pondrá a bailar a muchos aunque no estén familiarizados con ellos. Recomendamos Favorite Star para que empiecen a conocerlos antes del Corona Capital este próximo mes de octubre.

“Back In Black” de AC/DC ha vendido, a nivel mundial, aproximadamente 45 millones de copias lo que lo hace el disco más vendido de una banda y el segundo más vendido de la historia detrás de “Thriller” de Michael Jackson.

COMO ARRUINAR TUS CANCIONES FAVORITAS EN 10 SIMPLES PASOS: POR : ELÁN

PEACE

1 - Dedicarle una canción a la persona con la que según tú “podrías pasar el resto de tu vida”. 2 - Enseñarle una canción que amas a alguien que, sabes, no sabe apreciar un género que no sea el que generalmente escucha y ver que la canción no sólo no la entiende, sino que antes de que termine la mitad del primer coro te dice: “está linda pero tienes que escuchar una que se llama, etc., etc.” 3 - Componerle una canción o dos, o tres, o discos enteros y (avisarles) que son para él/ella sabiendo que en el momento es “romántico” para después tener que soportar los pleitos con tu próxima pareja, de “por qué a ellos/as sí les componías canciones y a mí no”. 4 - Mandar una canción “porque está increíble y crees que le va a gustar”, cuando lo que realmente quieres es que entienda que “la canción dice todo lo que no te atreves a decirle.” Y aun así, tampoco entiende. 5 - Llevarlos/as al concierto de tu banda favorita y dedicarles medio set list cuando, claramente, no les está gustando el concierto o se fueron al baño justo cuando comenzó la rola que estabas esperando. 6 - El “playlist de la boda”. Éste es peligroso porque en teoría es ese momento que ha cambiado tu vida para siempre. Para este paso la clave es que nunca se llegue al divorcio, pues eso podría costarte tu colección entera de música. 7 - Enseñarle a un amiga la canción que le dedicaste a tu ex y que, casualmente, ahora tu ex es novio/a de tu amigo/a y pone la canción en el “playlist de su boda”. 8 - El botón “Repeat” arruina canciones después de casi 459 reproducciones. 9 - Dedicar tu canción favorita cuando no estás seguro si saben lo que significa esa canción para ti. 10 - Dedicar canciones. PUNTO. Y bueno, después de compartir estos pasos claves para NO arruinar la música que nos hace sentir vivos, sé que nadie me hará caso; así que lo único que puedo decir es: piensen bien con quién van a arruinar la próxima rola.

GACETILLA

newsletter

DISCOS

newsletter

DISCO DEL MES ALUNA GEORGE BODY MUSIC

por: Luis Palmeros

s el debut del dúo londinense de Aluna Francis y George Reid, cuya obra es inconfundiblemente inglesa, minimalista, vanguardista y pop. Los finísimos beats, en combinación con la sensual y femenina voz de Aluna, hacen de Body Music un álbum que en momentos es erótico, sin ser vulgar. Durante el álbum también transcurren temas extremadamente electropop, como de una fiesta privada en un loft; es obviamente música corporal. Provoca ganas de mover el cuerpo con ondulaciones imposibles para el poco agraciado. Gotas de vapor escapan de los audífonos y las melodías de Aluna se repiten con frecuencia aunque la música ya haya terminado. Es un disco que llega al verano con modestia y seguridad, es el after de una larga fiesta y todos sabemos que, en una fiesta de verano, lo que más esperas es separarte de la multitud y llegar al final de la noche con sólo una persona a tu lado.

ocho

WHITE LIES BIG TV

por: Rocco Portillo

El nuevo disco de White Lies no es completamente conceptual pero sí tiene una historia que lo define, el romance de dos jóvenes es el pretexto en el que Harry Mcviegh se desahoga. Es tan dramático, inocente y bellamente caótico, como sólo puede lograrlo un programa de televisión. El problema es la teatralidad que tiene, podríamos llamarle “El síndrome With Or Without You”, se presenta en un joven guapo, con talento musical y gran capacidad para componer canciones de rock sobre amor. Este disco, es ambicioso y pretencioso, pero no de una mala manera. La historia es interesante y está repleto de canciones que podrían funcionar como sencillos, sin embargo no deja de sonar a una secuela del Hot Fuss o el Black Holes.

EDWARD SHARPE & THE MAGNETIC ZEROS EDWARD SHARPE & THE MAGNETIC ZEROS

por: Andrea Paz

Éste el material perfecto para atrapar al más desinteresado en la banda californiana, es ese experimento bien realizado que demuestra esa etapa en la que el amor deja de ser objeto de opresión y libera para tener un futuro más brillante. Hay reminiscencias de Folk, Sol y el R&B que se hacía en los 50’s, pero también tiene esa alegría y ritmo que caracterizó a los 80’s, como si estuvieras en una película de Whoopi Goldberg. El reciente material rompe con sus anteriores trabajos pero no de forma desestabilizadora, pareciera que es una especie de liberación personal y musical; se sienten más homogéneos como banda y más consolidados como músicos, las transiciones rítmicas y la voz de Nora Kirkpatrick son los suaves detalles que hacen armonías perfectas en todas las composiciones.

E? U Q S A ¿SABÍ

Las zapatillas de Aschenputtel (Cenicienta) en la historia original estaban hechas de piel pero fueron cambiadas, desde 1600, por un traductor y la zapatilla que perdió en la escalera, al ser perseguida por el príncipe, fue la izquerda.

TRAVIS WHERE YOU STAND

A veces las buenas canciones no sólo son el motivo para tenerle cariño a una banda, hay algo más que te mueve y no sabes qué es, Travis entra en esa categoría. Ya no importa lo que pase, un nuevo disco de los ingleses no encabezará las listas de mejores lanzamientos pero tendrá algo lindo, sin duda. Así es Where You Stand, es ese mismo lugar dulce y con aires suaves al que nos han llevado durante años, sin sorprender, sin arriesgarse; pero aún con canciones entrañables como Warning Sing o Another Guy. El disco entero es como un sofá cómodo del que siempre tendrás buenos recuerdos aunque jamás lo sentiste parte de tu vida; si en la mudanza lo pierden, su ausencia no alterará el ambiente.

por: Emmanuel Espinosa

NEVER SHOUT NEVER SUNFLOWER

Christopher Drew, Taylor Macfee y Hayden Kaiser hacen de su quinto álbum de estudio una experiencia folk que puede alegrar tus oídos, donde además convergen otros géneros como el indie rock, el country y el blues. Éste último es la pieza más importante en la amalgama musical creada. Hay temas interesantes sobre locura, amoríos y algunos buenos tiempos que contrarrestan a los malos dándole sentido a la existencia, mostrando que vale la pena sufrir un poquito para después alcanzar la felicidad. En fin, Sunflower presenta un progreso en la corta pero fructífera carrera de la banda. No es un material glorioso pero viene bien para cuando se necesita recobrar el ánimo.

NoFm-Radio @nofm_radio

por: Andrea Paz

escuchas radio por internet

BLONDES SWISHER

En pleno 2013 no existe tal cosa como el baile de parejas, ahora los artistas “dance” buscan una de dos cosas: hacer a miles de personas brincar agitando los brazos o lograr que cada una de ellas se pierdan por sí solas. En esta segunda categoría está la música de Blondes; Swisher, su segundo material, es esa gasolina para aquellos que llevan muchas horas despiertos, una especie de chispa que no permite que te duermas aunque cierres los ojos. El viaje va a ser tranquilo, sin grandes explosiones, siempre creciendo hacia algo más. Este material funciona mucho mejor para aquellos que llevan varios kilómetros recorridos, aquellos que ya alcanzaron su máxima velocidad varias horas antes y ahora están conformes con mantenerse con un ritmo estable, con la inercia de su propia experiencia.

por: Rocco Portillo

NO FM RADIO.COM

WASHED OUT PARACOSM

El origen de la palabra Paracosm viene de un fenómeno en donde la gente recrea a detalle mundos imaginarios. Tomando ese concepto como base y partiendo de ahí, escuchar el disco me remite a imágenes burdas, vacías y un poco sentimentaloides, como gente desnuda corriendo en un campo, sonriendo a lo tonto, que no saben ni por qué pero corren porque todos corren. En el disco suenan campanitas, pajaritos cantando, un xilófono por ahí y sonido de agua corriendo, imagina que es un Lucy In The Sky With Diamons meets Love Is All Around de Wet Wet. Así de cochina es la mezcla que imaginé en toda la duración Paracosm.

6274-8323

por: Nena Mounstro

TODO MENOS MIEDO

newsletter

ARTE

CULTURA newsletter

por: Cultura Colectiva

LOUIS MORRIS

Fue su visita, en 1954, al estudio de Helen Frankenthaler, pintora representante del expresionismo abstracto, lo que cambiaría su visión sobre la técnica pictórica y su manera de llevar a cabo su futura producción artística. Louis Morris (Baltimore, 1912) supera el expresionismo abstracto y se reconoce dentro de la pintura color field, los conocidos “campos de color”, que podían ser vistos a través de formatos lisos, rayas, patrones geométricos, entre otros.

diez

A partir de la visita a Frankenthaler, Morris comienza a utilizar pintura acrílica diluida, la que vierte directamente sobre grandes lienzos dejando que forme manchas involuntarias, esto recuerda la escuela de Pollock y la técnica conocida como dripping. Es decir, Louis chorreaba pintura diluida sobre telas de algodón, lo curioso de su obra es que los distintos tonos nunca se mezclaban entre ellos, como en su pieza Beta Lambda (1961).

Es pionero en los campos de color y uno de los pintores que conformaron la Escuela de Color en Washington. Fue, también, un innovador en la técnica con la pintura Magna, una pintura acrílica elaborada a base de un aceite hecho por sus amigos. En la década de los 50, y establecido en la capital norteamericana, comienza, junto a otros artistas como Kenneth Noland, Gene Davis y Anne Truitt, una exploración profunda en el color field; estos pintores, también inmersos en la Escuela de Color, toman como referencia el trabajo de Pollock, Barnett Newman, Robert Motherwell, Clyfford Still y, por supuesto, Rothko, siguiendo el ritmo del lienzo sin una figuración, plasmando pintura diluida en una libre composición.

newsletter

En el 54 realizó la serie Velos, la que consistía en verter la pintura sobre el lienzo pero ésta estaba tan diluida que se chorreaba como transparencias, de ahí el nombre “velos”, que por ser de esta forma, no daba cabida a modificaciones. Esto comenzó a causar desesperación en el artista, quien decidió destruir gran parte de su obra producida en ese periodo. Louis pintó el último de sus velos en 1960. Ya años antes, Louis había experimentado con otras técnicas y procesos, pero fue hasta que decidió concluir sus anteriores obras que desarrolló los Desplegables (1960-1961): más de 100 pinturas en gran formato caracterizadas por mantener limpio (en blanco) la zona central del lienzo, no así las esquinas o laterales, los que se cubrieron de líneas diagonales de colores formando medios triángulos y dejando en blanco la parte media del espacio. Tras un año de producirlas, Louis da inicio a la que sería la última de sus series: Stripes (franjas o bandas), en ésta un conjunto de franjas se apreciaban al centro del lienzo dejando el resto del espacio vacío. Louis Morrison hizo estudios en el Maryland College of Art. Durante su estancia en Nueva York conoció a Arshile Gorky y al muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. La aportación de Louis al arte viene por la revalorización de los colores como recurso y discurso en la obra; los tonos no sólo pintaban el lienzo sino significaban una técnica, que si bien ya había sido explorada por otros grandes como Rothko, adquirían una nueva connotación a partir del tratamiento de la pintura, lo que significaba un nuevo mensaje al dificultar los límites entre un tono y otro. Jugaba, además, con el concepto de la profundidad, pues la cuestión de los planos no estaba clara en sus obras debido a las transparencias y a la composición de obras como los Desplegables.

Louis murió el 7 de diciembre de 1962, se cree, por la exposición prolongada a los vapores de pintura. La valoración de su obra como el eslabón entre el expresionismo abstracto y los campos de color se retomaría en distintas exposiciones organizadas por el Guggenheim de Nueva York (1963), el Museo de Bellas Artes de Boston (1967) y la Galería Nacional de Arte, en Washington (1976). En 1986, el MOMA de Nueva York dedicó una retrospectiva a la obra del artista, y en el periodo 2007-2008 distintos museos en San Diego y Atlanta celebraron, también, una importante retrospectiva sobre el pintor.

TEATRO

1er ACTO newsletter

QUE NUNCA FALTE…

doce

SALOMÉ

Por: La Nena Mounstro Un “Plis-love-me” que trate de agradar a todos. No nos confundamos con un “Cachacuetes”, éste es un ser mitológico tan vacío de amor por sí mismo y tan condicionado a los círculos sociales, y con una autoestima de tres centímetros, que necesita, por obligación hacia él mismo, caerle bien a los demás. A todos. El Plis-love-me hará todo lo que esté en sus capacidades histriónicas, emocionales, físicas y económicas para complacer a todos. Nunca le niega su amistad a nadie, impensable rechazar una invitación, por más que ésta sea a último minuto y por compromiso. Es un especie de fantoche vulgar que hará lo que sea para tener un lugar en tu corazón. A él/ella no le interesa otra cosa mas que caerte bien y que lo quieras. El Plis-love-me cuando se va de viaje pregunta si se te ofrece algo, él “con mucho cariño y mucho gusto te lo trae”, no importa que tenga que caminar kilómetros o gastar su tiempo en una tienda de libros o discos. Él, o ella, estará encantado de hacerte un “mandado”. En los cumpleaños o las fechas importantes, es quien te mandará un “detallito”, acompañado de algo como: “deberías de ver el trabajo que me costó encontrarlo”. Buscando ganarse más puntos por el esfuerzo. Su corazón de servilleta sólo espera un abrazo, una sonrisa y un “gracias, güey, eres lo máximo”. Es un peligro tener a este tipo de gente alrededor, ya que todo el tiempo estarán analizándote y tomando nota de tus gustos para un día “sorprenderte” con un presente. Es alevoso porque te estudia tan bien que sabe cómo y con qué ponerte una sonrisa en los labios. Tampoco es por casualidad. Son meses de estudiar tu persona. A final de cuentas, es una cucarachilla más que no puede vivir sin la adoración, el agradecimiento y el amor (superficial) de los demás. Un rechazo para él significa que ha fallado en la misión de caerte bien. Su corazón de servilleta lo único que grita es eso: “Por-Favor-Quiéreme.”

Teatro Helénico Bajo la dirección de Mauricio García Lozano llega a esta sala de teatro la adaptación de la obra de Oscar Wilde, Salomé. Una princesa de Judea que queda impactada por la voz de Juan el Bautista y decide que éste debe responder a sus deseos. Al ser rechazada despierta su deseo de venganza y el destino pondrá en manos de la princesa la posibilidad de cumplir su revancha. Herodes le pide que baile para él la danza de los siete velos y, como premio, le concederá lo que ella quiera. Ha llegado el momento de tomar venganza, de hacer que aquél que la despreció pague por su osadía… Horario: Viernes 20:30 hrs, sábados 18:00 y 20:30 hrs, domingos 18:00 hrs. Boletos: $400, $300 y $200. Adolescentes y adultos.

LA VIE BOHEME La Casona de Coyoacán La puesta en escena es una adaptación libre de la ópera “La Boheme” de Giacomo Puccini y el musical “RENT” de Jonathan Larson, y cuenta la historia en la que un grupo de jóvenes bohemios en NY enfrentan su dura realidad, una realidad con amigos, amores, amantes, desengaños, drogadicción y sida, que gira alrededor de 8 personas durante un año de sus vidas entre llanto, alegría, soledad y amor. Horario: Domingos 16:00 horas. Boletos: Entrada general $150. Descuento de 20% a maestros y estudiantes, 3×2 al reservar al número celular 55 1452 4132. Adolescentes y adultos.

LA NOCHE JUSTO ANTES DE LOS BOSQUES Disfruta de un monólogo protagonizado por Abraham Vallejo, un joven que trata de retener con sus palabras a un desconocido al que aborda en la calle. Necesita hablar de sí mismo, de su universo habitado por gente sin rumbo y sin trabajo, de su ser extranjero, de su orfandad humana. Sus palabras parecen ser la única salida ante la dificultad de existir y las ganas de vivir. Horario: Lunes 20:30 horas. Boletos: $150. Descuento de 30% a estudiantes, maestros el INAPAM.

MACBETH Foro Círculo Teatral En realidad hay poco que reseñarle a esta obra, Macbeth es ese otro clásico de William Shakespeare; es un viaje donde una pareja se pierde en un camino de ambición del cual no hay retorno ni salida posible. Un mundo donde la tragedia no está en la muerte, sino en la posibilidad de que un medio hostil pueda tragarse y convertir en asesino a cualquiera. Horario: Viernes 20:30 horas, sábados 19:00 horas, domingos 18:00 horas. Boletos: Entrada general $200. Estudiantes, maestros y afiliados INAPAM $100.

por: Eunice Victorino

EL DIVÁN

LIBROS

newsletter

LA EDAD DE LA PUNZADA XAVIER VELASCO

EL FAVORITO

La presencia de la música en la vida y obra de Xavier Velasco es innegable. Desde sus principios en la palabra escrita, el mexicano ha declarado que la música ha sido su acompañante y que resulta una herramienta perfecta en la literatura para definir un momento o época, y que además es universalmente comprendida a pesar del lenguaje. En la adolescencia o “La edad de la punzada” la música se vuelve la barrera tangible entre el mundo adulto y aquel otro al que se quiere pertenecer, el de tus padres. Velasco relata La rebeldía de Xavier, protagonista de la historia, que comparte nombre y vivencias con el autor, le llena de desgano ante las expectativas del mundo adulto. Sin embargo, su historia no es una exaltación de la adolescencia. Xavier una y otra vez se ve atacado por el fracaso, el desazón y un vacío que es parcialmente llenado por los máximos símbolos de la rebeldía adolescente: una motocicleta y música rock.

NOVEDADES

El fundador de una de las bandas más importantes del rock mexicano como botellita de Jerez en esta ocasión nos trae esta obra inspiarada en el mejor amigo del hombre. El Perro De Oventic es un poema ilustrado con influencias en la cultura indígena que nos transporta a los Altos de Chiapas. Entre tradiciones arraigadas y naturaleza desbordante en la comunidad de independiente de el Caracol de Oventic abordando temas como la niñez, la muerte y las pérdidas. Las ilustraciones corrieron a cabo de Rafael Ontiveros “Apper”. Este poema es la forma de Vega-Gil de corresponder a la comunidad todo lo que le dieron y enseñaron durante su estancia en aquel mágico lugar. ESPEJO RETROVISOR JUAN VILLORO La carrera literaria de Juan Villoro mereció recientemente una recopilación de los trabajos más significativos que ha producido durante treinta años. El mismo Villoro es quien eligió de entre sus múltiples textos, aquellos cuentos y crónicas que resultan en un variado mosaico que ejemplifica el interés del autor por un sinfín de actividades y condiciones humanas. En sus cuentos la tragedia y el humor se complementan para hacer una narrativa entretenida y perspicaz; mientras que sus crónicas se valen de la experiencia que a través del tiempo adquirió como periodista con un interés especial por el rock y aquella oportunidad que tuvo de entrevistar a Mick Jagger.

EL CLÁSICO

FRUTA VERDE ENRIQUE SERNA Enrique Serna es un escritor nacido en la Ciudad de México que es conocido y reconocido por sus relatos históricos como “El seductor de la Patria”. En el caso de “Fruta Verde”, Serna crea una historia de amor al mismo tiempo que construye un conflicto entre madre e hijo y narra el descubrimiento de una vocación literaria. Un bolero de Luis Alcaraz da título a la novela. Serna se vale de la música como herramienta para dar un contrapeso lleno de sentimentalismo al tono irónico con el que desarrolla la historia central. También es una exploración de ese género musical en el que se encuentran boleros alejados del típico dedicado a la novia y se acercan más a la tradición de aquellos en los que la sensualidad tiene un matiz casi pecaminoso.

E? U Q S A ¿SABÍ

John Bonham, baterista de Led Zepellin, fue conocido por su fuerte adicción al alcohol, la cual lo llevó a la tumba. Se dice que la dosis final consistió en 18 botellas de whisky que lo mandaron a dormir para no despertar.

La banda Judas Priest fue demanda después de que dos jóvenes, supuestamente después de escuchar el disco “Stained Class”, golpearon y asfixiaron a la madre de uno de ellos, causaron estragos en el pueblo y robaron dinero.

EL PERRO DE OVENTIC ARMANDO VEGA-GIL

CINE

newsletter

CINEMA COYOTE NOSOTROS LOS NOBLES Domingo 15 de septiembre, 8pm. El Autocinema Coyote siempre ha querido incluir más cine mexicano en su programación, y no hay mejor noche para hacerlo que el 15 de septiembre con una noche especial mexicana, incluyendo un nuevo clásico nacional elegido por el mismo público en una votación entre más de 30 películas nacionales.

catorce

Por: Isaac Ezban ONLY GOD FORGIVES (SOLO DIOS PERDONA) 90 mins. Dirige: Nicolas Winding Refn. Actúan: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas. Por fin se estrena comercialmente en nuestro país la nueva cinta del aclamado Winding Refn (director de Drive, Bronson, Valhalla Rising y otras grandiosas cintas) y su nueva cinta, aunque de nuevo es una propuesta completamente distinta a la anterior (como en todos los trabajos de este director), el estilo de Winding Refn esta presente: en su impecable faceta visual y sonora, en sus personajes definidos más por gestos y actitudes que por diálogos, y en una violencia extrema aterradora y hermosa a la vez. Todo esto junto, en una obra maestra electrizante e inolvidable que narra la historia de Julian (casi mudo pero soberbio Ryan Gosling), criminal que vive en Bangkok y que debe complacer a su compleja madre buscando venganza por la muerte de su hermano, entrando en un tunelde violencia y sadismo infernal que a ratos parece ser una mezcla de las mejores cintas de Alejandro Jodorowski (a quien esta película está dedicada), David Lynch y Gaspar Noe. No se la pierdan.

SUPERBAD Miércoles 11 de septiembre 9pm Estupenda comedia de culto sobre unos chicos que tienen que lidiar con una noche bastante singular al no poder colarse a la fiesta de fin de la preparatoria. Si tienes un amigo que se parece a McLovin, tu mejor oportunidad para molestarlo es invitándolo a esta función!

VIERNES 13 Viernes 13 de septiembre 9pm. Si son supersticiosos, no les recomendamos salir el viernes 13 de septiembre…mucho menos si es al Autocinema a ver una terrorífica doble función de VIERNES 13 1 y 2. En “Viernes 13” (1980), y no se sorprendan si Jason Vorhees se mete a su coche a la mitad de la película.

OLDBOY Sábado 14 de septiembre, 11:59pm. Una de las cintas más representativas de cine asiático de los últimos años porfin llega a las pantallas del Autocinema Coyote a la media noche, para ver la historia de un hombre que fue encarcelado sin razón aparente por 20 años y liberado también sin razón aparente, y que decide buscar venganza, y sentido en su vida. VERTIGO Sábado 21 de septiembre 11:59pm El clásico más afamado, renombrado y revisado de gran maestro Alfred Hitchcock porfin llega al Autocinema a la media noche para deleitarnos con la historia clásica de un detective retirado con miedo a las alturas… y con unas cuantas obsesiones por chicas supuestamente muertas.

SEPTIEMBRE

MÁQUINA DEL TIEMPO

newsletter

1945 - Se firma la rendición del Japón a bordo del Acorazado Missouri con lo que termina de forma oficial la Guerra Mundial. 1944 - Anna Frank es enviada a Auschwitz.

1946 - Nace Freddie Mercury. 1997 - Fallece Teresa de Calcuta, monja católica albanesa, fundadora de las Misioneras de la Caridad y premio nobel de la paz.

1920 - Nace Mario Benedetti, ensayista, escritor y poeta uruguayo.

1998 - Estados Unidos: Nace oficialmente el motor de búsqueda Google. 1533 - Nace Isabel I de Inglaterra.

SEPTIEMBRE

1969 - Se inaugura el metro en México, D.F. con 11.5 kilómetros y 16 estaciones.

1830 - Se inaugura el ferrocarril de Liverpool a Manchester, en Gran Bretaña.

1936 - Nace el cantante Buddy Holly.

1894 - Nace Jean Renoir, cineasta.

1854 - En el teatro Santa Anna de la Ciudad de México es cantado por primera vez el Himno Nacional Mexicano.

1895 - Muere Louis Pasteur, padre de la microbiología. 1934 - Nace Brigitte Bardot, actriz francesa.

2004 - Muere Johnny Ramone.

1813 - Se usa por primera vez el término “Tío Sam” para referirse a los Estados Unidos.

1828 - Nace León Tolstói, escritor ruso, autor de Guerra y paz y Anna Karenina.

1982 - La NASA lanza el satélite Intelsat V.

1964 - La tira cómica Mafalda, creada por Quino, ve la luz por primera vez en Argentina.

1939 - Muere Sigmund Freud

1924 - Nace el novelista Truman Capote.

1980 - Muere John Bonham.

1955 Muere James Dean, actor estadounidense

soundtrack

por: Andrea Paz Fotografía: X/O

ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

soundtrack

semanas, para el festejo del 4 de julio (día de la independencia de EUA) Gerardo viajó con algunos amigos de la marca para conocer la destilería, entre ellos estaban los chicos de DLD y así es cómo vive una de las experiencias más especiales en su trabajo. “Como parte de la viaje fuimos al showroom de Fender que es el patrocinador del equipo de DLD y de pronto se pusieron a tocar los 3 con Jorge Poza, y se aventaron 3 canciones y fue algo muy especial. No es lo mismo que cuando los vas a ver en conciertos que vas predispuesto y sabes lo que puedes esperar, esto fue totalmente espontáneo y los tuvimos a menos de 3 metros, fue algo muy privado y con la convivencia que tuvimos antes del palomazo nos sentimos más amigos, más cercanos y Gerardo Lascurain estudió Mercadotecnia en la Universidad en otro mood”. Anáhuac y tras haber trabajado cerca de año y medio para un Counting Crows fue la banda que marcó una de las mejores laboratorio ambiental se dio cuenta de que eso no era lo suyo. etapas personales de Gerado, la secundaria y prepa, en resumidas Esto coincidió con la llamada de uno de sus amigos, Rodrigo cuentas es la banda favorita del soundtrack de su vida, aquellos Gómez, director de la marca Jack Daniel’s para decirle que años del August and everything after que también era estaban buscando a una persona justo con sus características cuando sonaban Mr. Jones y Round Here. “Counting Crows y es a partir de ese momento que Gerardo se une a la familia me encanta, pero últimamente la banda que me pone más de Daniel’s. “Ha sido un experiencia buenas es Phoenix, el último disco increíble y es de esos trabajos en los me gustó, aunque no tanto como que te pagan por hacer un hobby, los anteriores. If I Ever Feel Better es por pasarla bien”. como la rola que me puede poner de Así como Nashville, capital del buenas en todo momento”, cuenta. “no importa qué tan cliché sean estado de Tennessee se puede En cuanto a su apreciación musical porque las mil veces que ya las considerar cuna del rock, ya que vista de forma profesional es hemos escuchado siempre nos dicen ahí hemos visto nacer grandes obvio que tiene un ligue diferente, algo diferente y motivador”. A eso estrellas de la música, el caso más “procuramos estar donde están se le llama tener el mejor trabajo obvio, Elvis Presley; Dolly Parton y los rockeros, por ejemplo el del mundo. Johnny Cash hasta los más recientes Corona Capital y el Vive Latino, como los Kings of Leon y Jack aunque son públicos completamente White. El White Rabbit Sloon fue diferentes. La música es un valor el primer lugar donde vendieron muy importante y Jack es una marca Jack Daniel´s y el lugar donde tocaba la Silver Cornet Band, que no hace distinciones de género, todo se puede conjuntar agrupación de músicos locales, lo que nos lleva a la primera amigablemente; por ejemplo desde Bruno Mars , pasando por vez que Gerardo bebió whisky; podría pensarse que fue cuando kesha, otros famosos que ya son parte de la imagen de la bebida pretendía ser un chico rudo y de mundo pero no, “tomé Jack como Keith Richards, AC/DC, Slash y Janis Joplin, además por primera vez como a los 18 (dice dudoso entre risas) en casa tenemos muchos amigos aquí como los Daniels, Dapuntobeat, de unos tíos que vivían en Washington, mi tío era súper fan y en los Condord, Elis Paprika, Elán, A Band of Bitches y otros México era una marca poco conocida y es gracioso que tiempo tantos”. después, estoy trabajando para la marca”. Durante todo este mes de septiembre estaremos celebrando un año más de Mr. Jack y como parte de los festejos estarán Here Algo que también es gracioso y paradójico es que Lynchburg We Go Magic, Miami Horror, Los Concord, Vicente Gallo y Los es un condado seco, irónicamente el lugar donde se produce Daniels, sólo por mencionar algunos. Todos estos talentos estarán el whisky más vendido del mundo no se puede consumir. Pero definiendo y festejando muy a su manera con quienes se unan a la aun así Jack Daniel’s es el trago del espíritu americano, beberlo fiesta. Si Gerardo tuviera que definir a Jack con alguna o algunas es como un sentido de pertenencia y lo han adaptado como canciones según su experiencia sería con las siguientes: We are the su bebida pero sobre todo como un estilo de vida. Hace unas champions o My Way.

asi todos los fans del whisky más famoso del mundo saben la historia básica, que es originario de Lynchburg, Tennessee; que Frank Sinatra siempre fue y será el fan #1, tanto que cuando estaba en un concierto pedía que le pusieran cajas de Jack Daniel’s para que la gente con la que iba conectara de la misma forma que él con lo que cantaba; que es la bebida por excelencia del rock y que en septiembre es un mes para festejar al hombre que ha hecho felices a muchos durante más de un siglo. Gerardo –embajador de Jack Daniel´s– nos contó desde otra perspectiva lo que significa Jack y la música para él.

veinte

La mejor definición de romance por: Magalie Torres Fotografías: Esteban Calderón

ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

a cita era al medio día en el helipuerto de las oficinas de Sony en la Ciudad de México. Con equipo y cámaras en mano, esperábamos a los Babasónicos para un shooting y una entrevista. Estaban de regreso en nuestro país para una presentación en el Metropolitan con una estancia muy corta. Venir a México es como regresar a casa. A pesar de ser una banda que juega en las grandes ligas, siguen con una terrenalidad natural. Veintidós años de carrera y un nuevo disco: Romantisísmico. Hacer música y no parar.

Babasónicos es de las pocas, poquísimas bandas latinas, que puede contar tres generaciones. De tocar en lugares donde el diablo escupía ahora son headliners en todos los festivales de música de América. Desde el Quilmes Rock (Argentina) al Vive Latino (México) y Rock al Parque (Colombia), por nombrar algunos. Son una banda que llena lugares, hacen giras cada dos años y lo más importante, venden discos. Siempre han tenido claro para quién va, para qué sirve y quién lo va a querer.

“Nunca hemos pensado en hacer otra cosa. Por muchos años nos hemos exigido mucho para que nos guste lo que hacemos y nos den ganas de salir a representarlo. Sí, hemos invitado a la suerte pero, también, esto no es un juego de azar. Si no funciona haces que funcione.” Nos dijo Diego Tuñón, desde atrás de un par de gafas oscuras.

Mariano: Cada vez hay menos bandas con presencia en toda la región latina. Claro que cada país tiene a sus bandas locales, en Argentina hay un montón, acá en México, también. Lo que cada vez hay menos, son bandas con hambre de más como Soda Stereo, Café Tacuva o incluso nosotros mismos que tenemos presencia en todo el continente. Supongo que no les interesa trascender y sólo quieren hablar de lo que pasa en sus ciudades.

Mariano Roger: “Hemos trabajado mucho para llegar hasta aquí, siempre tomamos el camino del trabajo arduo. Seguimos haciendo giras por todos los rincones de cada país al que vamos, a comparación de muchas bandas que están en nuestra posición y que ya no lo hacen porque les da flojera recorrer muchas ciudades. Nosotros no damos por sentado nada. Y te aseguro que hemos tocado en lugares muy feos.”

Una banda que, a pesar de su prolífera fama, siguen siendo los mismos tipos normales y han aplanado el camino difícil que significa dedicarse a la música. Insistieron tanto que siguen trabajando a conciencia en todos y cada uno de sus discos, poniendo la misma atención y el mismo esfuerzo de la primera vez.

veintI dos

“Siempre intentamos tener una novedad en lo que vayamos a hacer. Tenemos que inspirarnos y esa inspiración, sólo viene trabajando, aparece en un segundo, pero lo tienes que hacer diario.” Mariano Roger sonríe mientras hace un ademán con la mano que parece decir: ni modo. Diego: El hecho de tener nuestro propio estudio nos facilita las cosas. De hecho, Romantisísmico es el primer disco hecho completamente en el estudio. Es más fácil moverte de una situación a otra en el mismo lugar, ahí se produce, se ensaya y se graba. A Propósito se grabó ahí pero no se mezcló. Éste también se hizo con Phill Brown. Y hablando del nuevo disco, siempre es difícil, nos exige tener inspiración e intentar escribir cosas que nadie ha plasmado y tocar diferente también. Mariano: Romantisísmico se compone de muchas mezclas, de música que alguna vez encaramos pero que aquí las mejoramos. Es el disco que más tiempo nos ha tomado en composición y grabación. Tomando elementos musicales y líricos, esta banda desglosa un

universo de imágenes donde cada canción cuenta una historia bien estructurada, interesante y que resulta un complemento perfecto de una música propia. Alejados de todas las modas del momento, Babasónicos se caracteriza por conservar su esencia propia. La música ha cambiado y eso los obliga a tratar de hacer cosas diferentes. En Romantisísmico hay diferentes estilos, pop, ritmos electrónicos y disco. Mariano: Este disco abarca un poco más. Babasónicos es una banda que tiene muchas manos, muchos vericuetos donde puede entrar dándole mil formas musicales. Los últimos dos discos Mucho y A Propósito estaban enfocados en partes personales con un tono unificado, un estilo muy definido y una tendencia hacia un sonido. Romantisísmico es más abierto, más explosivo, donde hicimos cosas que nos salieron naturales y que en los discos anteriores habíamos frenado un poco. Acá hay música acústica, rock, disco. Vamos de un lado a otro de una forma muy variable. Diego: Lo más difícil de cada disco, y éste no es la excepción, es empezar de cero. Es estar en la oscuridad de no tener nada y pensar que tienes que hacer algo nuevo. Eso es lo más duro,

la creación de algo. No somos gente que vayamos acumulando canciones. No nos damos la ventaja de ir componiendo en nuestros ratos libres, no tenemos canciones de reserva ni nada bajo el colchón. El momento más duro es ese: empezar. Lo más fácil es lo complicado.

vivencias personales y en desenredar marañas de conflictos con sólo palabras claves de cada canción.

Mariano: Lo mejor del disco, de éste y de todos, es que seguimos teniendo la misma curiosidad. Los años nos dan la ventaja de superarnos y sobre todo de ser más concretos, de alcanzar un nivel de búsqueda particular, donde hay caminos a los que siempre quisimos llegar y ahora lo vamos logrando. Ese juego es lindo y también contar con personas que te ayudan a concretar una idea, ya que a veces uno cree que tiene una imagen fantástica y resulta que cuando la presentas a los demás, te ven con cara de: no, eso no funciona. Y que todos sigamos aquí, es lo que me parece excitante.

Diego: Es entretenido ver la interpretación que la gente le da al nombre del disco. La palabra “romántico” siempre generará mucha interpretación. Hay que tener en cuenta que la palabra en sí misma, es una palabra mucho más extensa que también tiene que ver con la actitud. Por ejemplo: nosotros somos unos románticos, si no ¿por qué llevamos tocando veintidós años? Porque insistimos, porque somos unos soñadores que vemos la vida de determinada manera y creo que el disco es romántico en ese punto. Claro que la palabra en sí, está presente en muchas canciones, pero no por eso es una canción de amor, ¿sabes? Hay algunas canciones nuestras que hablan de la adoración a la mujer, como Rubí, y que en ningún momento mencionan la palabra “amor”.

Marcando diferencias en cada disco, los Babasónicos se han caracterizado por crear un sonido y una estética oscura, depresiva, cínica, irónica, idílica, onírica y romántica, que cautiva a unos por una cosa y a otros, por otra. Lo cierto es que en cada letra hay una inmutabilidad absoluta en platicar

Mariano: Lo romántico es mucho más perverso de lo que el género romántico quiere demostrar. El amor puesto en la vida real tiene otros juegos, otras reglas y hasta estrategias de guerra. Ésa es la forma en la que nos gusta pensar sobre lo romántico. ¿Para qué hacer otra estúpida canción de amor,

veintI cuatro

para qué? Diego: Ya hay demasiado amor en este mundo como para nosotros venir a hablar de él. Hay más canciones de amor que amor. Para complementar un gran año para ellos, a parte del disco nuevo y gira por venir, se espera el estreno de “Jessico: Una historia de rock en tiempos convulsos.” Un documental de la banda dirigido por Alejandro Arias y que se estrenará en la próxima edición del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG). El trabajo fílmico narra el contexto político y socioeconómico que atravesaba Argentina y la música hace más de una década. Jessico es considerado uno de los discos más trascendentes de la última década del rock en español. Cumplir diez años de un disco y celebrarlo, no

cualquiera, pero en este documental con testimonios de la banda, nos cuentan cómo hicieron un disco a pesar de que todo se caía. Con este disco, contaríamos casi tres generaciones que han abarcado los Babasónicos. Lo que nos gusta de las bandas longevas como ellos, es que en un solo lugar pueden reunir desde chicos de quince años, que no habían nacido cuando salió “Pasto”, hasta gente como yo, que pasé de verlos en una casa abandonada en la Col. Roma hasta un cierre del Vive Latino. Es una banda de la que me ha tocado ver su evolución y que, guste a muchos y disguste a otros, se han ganado su lugar en la música. Tras la aparición de Romantisísmico se reitera que su eclecticismo no conoce límites y los veremos muchos, muchos años más. Es una banda que hace música y no para.

por: Rocco Portillo Fotograf铆as: Esteban Calder贸n

-Si hay algo que siempre es mencionado en todas las entrevistas o artículos que se escriben sobre Alt-J es que fueron estudiantes universitarios, específicamente estudiantes de arte. Hay algo que te enseñan en la escuela y es precisamente a analizar el arte, a intentar deconstruirlo y explicarlo. ¿Qué piensas acerca de la forma académica de ver el arte? Y, ¿cómo te sientes ahora que tu trabajo es analizado alrededor del mundo? - Oh, es una pregunta que requiere una gran respuesta. Creo que lo que he aprendido es a enfocarme en cómo el arte afecta y se relaciona con la realidad. La percepción humana es algo mucho más interesante que el análisis del arte. Quiero decir, sinceramente, sólo somos unos egresados de una escuela de arte que hicimos un disco y lo sacamos. Nunca esperé que sucediera nada. Obviamente si de niño me hubieran preguntado: “¿Te gustaría hacer un disco?” Enseguida habría contestado: “por supuesto que me gustaría hacer un disco, en algún punto de mi vida”. -Pero no veías la música como una carrera... -No, para nada. -¿Cuándo fue el primer momento en que pensaste: “tal vez sea un músico después de todo”? -(Piensa) Aún no sucede… La verdad es que no quiero ser un músico por el resto de mi vida, porque nunca me he considerado uno. No sé lo suficiente ni he estudiado para poder considerarme un músico; la verdad es que es mucho más intuitivo, las personas creen que es algo muy cerebral. -Alguna vez Terry Gilliam dijo que si tu nombre está en los créditos, entonces eres un director; de ser así, si la gente paga por verte tocar, entonces eres un músico. -Eso puede ser muy cierto, para muchas personas lo soy; pero al verme en el espejo no me veo como un músico.

-Sé que cuando empezaste, querías hacer que tu guitarra sonara a algo diferente porque no eres fan del rock en ese entonces, ¿es por esa razón que usas taping en canciones como Dissolve Me o Fitzpleasure? -Exactamente, en el rasgueo de una guitarra hay un límite de sonidos que puedes explorar y era algo en lo que no estaba interesado, es muy difícil hacer algo nuevo en la guitarra; así que tuve que improvisar estas cosas raras, por ejemplo el taping que hago en Taro con un rollo de cinta adhesiva es difícil. Son cosas que sólo suceden cuando estás “high” y jugando con la guitarra. -Gus (Tecladista) es el más entrenado musicalmente, ¿cierto?¿Cómo han logrado que su visión académica se acomode a una visión mas espontánea y empírica? -Cierto. Funciona bastante bien, porque obviamente nosotros necesitamos aprender más de la música y Gus es el único que sabe, así que siempre termina explicándonos qué demonios estamos haciendo y por qué funciona. Cuando empezamos a componer y jugábamos con los instrumentos, en algún momento Joe o yo metíamos algún acorde solo porque para nosotros sonaba cool y Gus sólo se agarraba la cabeza diciéndonos: “No pueden hacer eso”. Y le decíamos: “¿Pero porqué no?” y llegaba desesperarse un poco, cosas así sucedían. -Fuiste muy fan del hip-hop antes y hasta después llegó el amor por el rock, ¿cómo fue este proceso? -Creo que me sucedió como al resto de las personas. Cuando era muy joven, como de trece o catorce años, comencé a hacerme muy fan del hip-hop, antes de eso no me interesaba la música, creo que sólo era un adolescente enojado, bastante estereotípico (risas). Un adolescente de manual: sudadera y tenis. Estaba muy interesado en el hip-hop, creo que me atraía la violencia gráfica, las groserías y los beats. Es por eso que cada vez que escucho a una banda indie haciendo los mismos beats “indie” de siempre me molesta un poco. Porque no le veo sentido a seguirse repitiendo, por eso cuando conocí a Tom (Baterista) inmediatamente dije: “eso es lo que siempre he querido escuchar”. -¿Qué es lo que más te sorprende de los otros chicos musicalmente? -Es algo extraño porque cuando estamos trabajando, alguno de los chicos puede crear exactamente lo que la pieza necesitaba,

l ser periodista en una época de tanta inmediatez se vuelve complicado, pero eso mismo obliga al entrevistador y al entrevistado a pensar, pues la mejor arma es tener más de la información básica y ofrecer charlas que vayan más allá de cómo se preparó el disco de la banda en cuestión, en qué se inspiran y si les gusta la comida local. La que lees a continuación es una de esas, en donde el disco y los conciertos de Alt-J fueron el pretexto perfecto para platicar sobre celebridades, drogas, arte y la digitalización musical.

veintiocho

algo perfecto, pero nunca nos paramos para reflexionar sobre ello, jamás hemos tenido un momento de aplausos “¡oh Joe bien!” ni nada por el estilo, sólo continuamos como si nada. Escribimos canciones durante un periodo muy extenso de tiempo, nunca hemos tenido que ser rápidos para componer canciones; por ejemplo, Something Good es una de las primeras canciones que tocamos juntos y durante tres años sólo tenía un verso, un coro y tres minutos instrumentales. Creo que no tenemos presión por lo que venga después.

-(Sonríe) ¡Claro! Creo que nadie más puede saber cómo se siente, porque es muy específico. Puedes llegar a sentirte deshonesto en algunas ocasiones, dando las mismas respuestas que acabas de dar en la entrevista pasada.

-¿Han sentido la necesidad de componer durante la gira?

-Yo que estoy aquí en México y me toca entrevistar a los músicos en distintas etapas de su gira, me interesa mucho saber el otro lado de la entrevista, ¿cómo se sienten al llegar a un nuevo país y ser asediados con las que en muchas ocasiones son las mismas preguntas?

-Sí, hemos hecho un par de proyectos este año. Estar de gira puede ser muy frustrante y hay varios factores para esta frustración, estar lejos de casa y cosas por el estilo. Pero lo más fuerte es que la mayor parte del tiempo no puedes hacer nada, porque estás viajando. Llegas a un lugar y de ahí a hacer entrevistas, soundchecks, buscar un lugar interesante para comer, tocar, regresar al hotel y volar en la mañana. A pesar de eso hemos logrado hacer dos proyectos “fílmicos” este año, uno es como una película y el otro una especie de secuencia de una película, algunas cosas en estudio y otras nada más Tom y yo con nuestras laptops. Pero no veo el trabajo como algo hacia un segundo disco, nunca me pongo a pensar “oh esto sería genial para el próximo disco”, ni nada de eso. -Ahora que mencionas la otra parte del trabajo en la gira y lo desgastante que puede ser con todas las entrevistas, ¿alguna vez te ha llegado a cansar estar hablando de ti mismo?

-Aunque estés diciendo la verdad... -¡Exacto! Pero de repente llegas a sentirte como un Robot Promocional.

-Lo encuentro bastante extraño. Hay una pregunta que nos hacen en cada entrevista que hacemos y es “Cuéntanos acerca del nombre...” Cuando me preguntaron eso en Canadá, no tenía la mente para ese tipo de preguntas, estaba sufriendo mucho con el Jet Lag y no podía hacerme a la idea de tener que explicarlo otra vez… Porque, todos tienen Google ¿cierto? Y en el mundo conectado todas las personas tenemos acceso a la información básica sobre cualquier tema. -¿Cuál es tu relación personal con In Rainbows? -Es el primer álbum que escuchamos juntos como una banda y uno de los únicos, tal vez sólo hemos hecho eso unas tres

veces. Fue algo parecido que cuando escuché a Tom tocar la batería por primera vez. Yo no era un fan de Radiohead, pero lo escuché y pensé: “sí, eso es lo que quiero escuchar de una banda”. Creo que todos nos sentimos de la misma manera y fue una de las primeras cosas con las que todos nosotros tuvimos una conexión. Creo que es bastante progresivo e interesante.

-Eso no va pasar...

-Ustedes usaron un tipo de nube digital en un show de Brixton para prevenir que los fans grabaran el concierto con el celular.

-Han sido muy abiertos respecto a la anécdota de cuando Joe probó por primera vez los hongos alucinógenos y cambió su forma de componer. Pero no quiero enfocarme alrededor de eso, me interesa saber qué opinas sobre la relación de las drogas con el rock en términos generales.

-¿Cual es tu opinión acerca de las descargas ilegales? -(Voltea a ver sospechosamente alrededor y susurra) No tengo ningún problema con eso. Hay muchas opciones pero la verdad es que ninguna de éstas funciona todavía y creo que tiene que ver con que nadie ha sabido adaptar una nueva forma de proteger los derechos de autor. Algunos países son más cerrados que otros. Hoy en día es muy difícil saber de dónde se está ganando dinero, por ejemplo en Italia te puedes olvidar por completo de él, no hay ninguna especie de sistema burocrático. Spotify es un tema difícil, todavía no decido sobre él… -¿Estás al tanto de todo el revuelo con Thom Yorke y Nigel Godrich? -Sí, porque en un principio estaba de acuerdo, como una banda nueva es un hecho que no vas a hacer absolutamente nada de dinero con Spotify, olvídate de ello, sólo va a generar ganancias para artistas del top 100. Tampoco es un sistema funcional y va seguir pasando con todos estos servicios de streaming. Creo que el copyright es algo que se tiene que revisar a fondo o se van a seguir gastando los fondos en bloquear el Internet de las personas y negar el acceso a Pirate Bay, como ocurrió en el Reino Unido. Mejor deberían reinventar el copyright porque esto no va a funcionar, si siguen lo único que les quedará será apagar el Internet. (risas)

-Creo que es una relación muy fuerte. No creo que sea tanto sobre tomar drogas, es más sobre distintos niveles de conciencia. Yo soy de la idea de que no puedes hacer algo tan asombroso si tu mente está totalmente enfocada y obsesionada con ello, personalmente no me gustan los Rolling Stones, porque considero que es algo que trata sobre egos, muy autoconsciente. No me siento muy cómodo con que las personas sepan cómo me veo, es raro llegar a aeropuertos y que haya fans, ser reconocido y cosas por el estilo… Perdón, ¿cuál era la pregunta? -Sobre la relación de las drogas y el rock... -Bandas diferentes, drogas diferentes… Digo, las personas fuman mucha hierba en los conciertos de Alt-J. -Alguna vez dijiste que no querías ser ni rico ni famoso, ¿por qué? -No creo que sea necesario que mi estúpida cara llegue a ser famosa. La música, por supuesto, ¡que sea famosa! Hace que todo sea más complicado, no tengo twitter ni nada de eso porque no quiero compartir mi vida con nadie, no estoy seguro del por qué alguien quisiera hacerlo, comparto suficiente de mí en las entrevistas y sobre el escenario. La verdad es que no estoy de acuerdo con la cultura de las celebridades, creo que destruye psicológicamente a las personas, las deja con muchos traumas. Todos quieren ser una celebridad, te conviertes en una y te pierdes. Como Justin Beiber, hace rato platicaba sobre que va estar muerto en menos de una década. -En los últimos años los rockstars son los bien portados y los popstars son los salvajes... -Precisamente, y creo que todo regresa a que comparten toda su vida. Porque no son los paparazzis, las revistas o la prensa, ellos son los primeros en regalar su vida. No sé qué sentido tenga para ellos tuitear o tomarle fotos a su comida, pero sé que es jodidamente aburrido.

-No es tanto sobre prevenir, es darles la opción. Escuchas sobre muchas bandas que le prohíben a la audiencia usar el celular y creo que eso está un poco jodido, pero fue agradable explorar otra manera de hacerlo. Sobre el escenario es algo decepcionante que en lugar de ver las caras de las personas, vemos puros teléfonos. Y no es algo de países, en algunos festivales sólo son 10 personas con el teléfono, en otros 50, pero hay ocasiones en que todo el público está viendo el show a través de la pantalla de su celular y eso es triste. Creo que es bueno darles la oportunidad de que tengan material que valga la pena ver, con calidad de sonido y video, no una grabación mal hecha. No creo que sea un sistema perfecto ni nada, pero creo que estamos en la dirección correcta.

-Pero está pasando de alguna manera, como te decía, ocurrió con Pirate Bay y es de miedo. Yo estaba de gira y no sabía nada, regresé y quería usar un torrent para ver Breaking Bad o algo por el estilo y Pirate Bay se había ido, bloqueado por mi servidor de Internet.

treinta

PRUDENCE FEST U

na de las marcas de condones elegida por muchos por excelencia, Prudence, tiene lista su segunda edición del llamado Prudence Fest el próximo 28 de septiembre, el cual tiene el objetivo de hacer llegar el mensaje de concientizar a los jóvenes a ser responsables en cuanto a la sexualidad, todo esto en un encuentro musical. Prudence Fest 2013 se llevará a cabo en las instalaciones del Pepsi Center WTC, al igual que la edición pasada, después de haber sido galardonados por parte de la organización mundial de mercadotecnia (S.C.) con la “Medalla de Oro” a la calidad y servicio, Prudence tirará la casa por la ventana con una gran festival musical en el que estarán presentes las bandas como: Hello Seahorse, Amigos Invisibles, División Minúscula, Jumbo, Paté de Fuá, Allison, Jauria, La Fridha y Tabaco de Liar entre otros además de una banda estelar sorpresa. El festival, auspiciado por esta marca de condones ha hecho de este evento una mezcla bastante interesante de géneros que prometen hacer pasar un día inolvidable, pero sobre todo será una gran oportunidad de tomar conciencia sobre la salud sexual y reproductiva entre estas nuevas generaciones. Los boletos ya se encuentran a la venta, a través de Ticketmaster y en taquillas del inmueble, con precios que oscilan entre los $311 y los $599 con recargos incluidos.

clรกsico

clásico

U-Mass

por: Marc Sander

Joey Santiago y Black Francis empezaron a tocar juntos en 1986. Surgió de una forma muy natural ya que ambos asistieron a la misma universidad (U-Mass) y vivían en el mismo piso. La banda realmente comenzó con un anuncio de ocasión en un periódico local. El dúo solicitaba a una fémina que tocara el bajo y que compartiera sus gustos por las estrellas folk “Peter, Paul and Mary” y por la banda Hüsker Dü. La única persona que respondió al anuncio fue Kim Deal. A pesar de que no sabía tocar el bajo eléctrico Kim fue inmediatamente aceptada, ya que las chispas que se desprendían de la reacción química que se produjo con los otros miembros de la banda era difícil de ignorar. El elemento de mayor peso para inclinar la balanza hacia la inclusión de Deal en la banda, fue la similitud de gustos musicales de Kim con Francis y Santiago. Esa fue una de las grandes decisiones de la historia del rock, Kim Deal se convertiría en algo más que esa chica rara con el bajo eléctrico. Fue el pilar y la brújula de la banda; fungió como el punto de encuentro y ancla en las largas sesiones de composición. La formación definitiva de la banda es una causalidad directa de la incorporación de Kim, ya que ella sugirió a su amigo David Lovering para ocupar el banquillo de la batería y regalarnos ese sonido garage tan distintivo. Las letras de Black Francis estuvieron cargadas de fuertes críticas sociales y culturales. Además de claras referencias religiosas y sus tabúes hacia el sexo.

i Pixies nunca hubiera existido, el mundo sería muy diferente. Bueno, al menos nuestro mundo; ese que sólo existe cuando nos ponemos los auriculares, ese donde escapamos para reflexionar en solitud y que consumimos con un hambre voraz. Al final es éste, el único mundo que importa. Era finales de los ochentas, esa década tan oscura que sólo es equiparable al medievo. Muchísimo antes de que Spotify o Soundcloud fueran siquiera concebidos, en ese entonces la única forma de que la música de una artista fuera escuchada a nivel masivo era contando con el respaldo de las grandes disqueras trasnacionales. Pixies fue una de las bandas pioneras en buscar una alternativa a este obsoleto modelo económico y descubrir una nueva forma de hacer negocios. Un pequeño estudio en su natal Nueva Inglaterra llamado Fort Apache Studios los acogió y apoyó hasta que se convirtieron en estrellas internacionales. Esto los llevó a convertirse en una de las primeras bandas “independientes”. Pixies comprobó que la grandeza de una banda no se mide con discos de platino. Una banda coherente en su sonido y estética es mucho más importante que un artista con cientos de nominaciones al grammy. Este movimiento, que empezó en parte con los Pixies, fue tan importante que ahora estas pequeñas disqueras independientes han hecho que la economía de las grandes transnacionales esté pendiendo de un hilo.

treinta y cuatro

clásico

Here comes your man El primer demo de la banda fue producido en los estudios Fort Apache, contaba con la increíble cantidad de 17 canciones y un peculiar fondo violeta (Fue conocido como Purple Tapes); con un pequeño tiraje, este demo se ha convertido en un objeto de culto entre los fanáticos de la banda y seguramente servirá como fuente de información en los estudios socioculturales acerca de la contra cultura de la costa este a finales de los ochenta. Este material llegó a manos de Ivo Watts-Russell de la emergente disquera independiente 4AD quien, gracias a la insistencia de su novia, extendió un contrato discográfico a la banda. El primer disco de la banda se llamó Surfer Rosa y fue grabado en el transcurso de dos semanas a principios de 1988. El disco fue recibido con muchos elogios por parte de la crítica y del público en general. Con el disco bajo el hombro realizaron su primer gira en la Gran Bretaña y en Holanda, con una increíble respuesta del público. Antes de que acabara el 88 ya habían firmado con Elektra, una disquera transnacional con mayor proyección. Las últimas seis semanas de ese fructífero año las pasaron encerrados en el estudio grabando Doolittle, su segundo álbum de larga duración. En él podemos encontrar temas de culto como Here Comes Your Man y Monkey Gone to Heaven lo que garantizó el éxito comercial del disco. Después del siempre complicado segundo disco, las tensiones

empezaron a brotar, especialmente entre Deal y Francis. Llegando al punto en que Francis arrojó una guitarra a Deal durante una presentación en Sttutgart. Después de esa desastrosa etapa en la gira europea, la banda decidió tomar un descanso. Francis se fue de tour alrededor de Estados Unidos como solista. Kim formó un proyecto alterno que lleva por nombre The Breeders. El éxito de Pixies llevó a Lovering, Francis y Santiago a dejar la costa este por la calurosa California. Cambiando a los académicos de Massachussets por los glamourosos actores de Hollywood. Kim Deal continuó viviendo en Boston. En 1990 grabaron Bossanova, un álbum donde Black Francis mantuvo una oligarquía absoluta que rozaba en despotismo dictatorial. El resto de la banda apenas tuvo opinión en la composición y producción del LP. El éxito en Norteamérica fue moderado pero llegó hasta el top 3 en los charts del Reino Unido. El año siguiente el cuarteto lanzó su disco más reciente: Trompe le Monde. Además fueron la banda soporte para la etapa europea del Zoo TV de U2, uno de los tours más ambiciosos de la historia. Los Pixies tocaban al fin en las grandes arenas que merecían desde años atrás. A final de 1992 las tensiones entre la banda fueron demasiado grandes para ser ignoradas y el cuarteto se separó.

clásico

Waves of Mutilation Los miembros de la banda se concentraron a trabajar con otros proyectos. The Breeders de Kim Deal fue sin duda el más exitoso. En 1993 lanzaron The Last Splash, un álbum plagado de éxitos; que por cierto tocarán en su totalidad en esta edición del Corona Capital para festejar los diez años de su lanzamiento. Durante los once años que duró su separación, el legado de Pixies se multiplicó exponencialmente y en 2003, cuando al fin se reunieron, se habían convertido en una de las bandas más grandes del mundo. En 2004 emprendieron una gira mundial que incluyó una recordadísima aparición en el desierto californiano bajo el marco del Coachella Valley Music and Arts Festival. En junio lanzaron un tema llamado Bam Thwok en formato digital. Los siguientes años fueron una constante espera por un nuevo álbum que nunca llegó. Francis argumentó que el mayor obstáculo para la consumación de este sueño fue la resistencia de Deal a grabarlo. La banda siguió haciendo numerosas giras alrededor del mundo, que incluso los llevó a la edición 2010 del Corona Capital.

El pasado 14 de junio amanecimos con una de esas noticias que caen como balde de agua fría; fuentes oficiales anunciaban que Kim Deal dejaba a los Pixies y que Black Francis, Joey Santiago y David Lovering continuarían por los intrincados caminos de la composición para al fin regalarnos nuevos tracks. Las redes sociales se convulsionaban y no es para menos; Pixies, una de las bandas más influyentes para el rock alternativo perdía a una parte fundamental de su todo. Una mujer que rompía paradigmas. Hay opiniones encontradas al respecto, es una situación muy delicada, Pixies sin Kim, es algo incomprensible, pero una ruptura definitiva significaría perdernos el genio de Francis, Lovering y Santiago componiendo juntos. El nuevo Pixies con Kim Shattuck en el bajo, dieron una probada de lo que se viene en esta nueva etapa. El tema Bagboy, lanzado a mediados de junio, cuenta con elementos musicales característicos de las épocas doradas de la banda, pero con la voz de Jeremy Dubs que no termina de encajar o tal vez, a la que no nos hemos acostumbrado. Lo único que queda es esperar que al fin podamos escuchar un nuevo álbum de los Pixies y que Kim continúe haciendo ese maravilloso trabajo con The Breeders. Ojalá que el cuarteto, no se convierta en una de esas bandas que continúan tocando por puro capricho y la única razón por la que llenan estadios es por la nostalgia de lo que alguna vez fueron.

Where is my mind?

por: Magalie Torres Fotografías: Cortesía de Universal Music

Su nombre parece sacado de un cuento de hadas o de alguna leyenda nórdica o galesa, pero la verdad es que no significa lo que parece, Imagine Dragons es una sopa de letras que forman un anagrama y sólo ellos saben qué significa.

treinta y ocho

a emergencia que la música tiene por ser escuchada, a veces es abrumadora. Nuestros sentidos van al máximo, sobre todo el de la vista y el del oído. Hay que ver mucho, hay que escuchar más. La velocidad con la que tenemos que absorber todo lo que se nos pase por delante hace que nos saturemos de noticias, de imágenes, y en nuestro caso, de música. Tenemos canciones nuevas todos los días, bandas que salen hasta por debajo de las piedras. Y no hay nada peor que quedarte detrás de todo lo que está sucediendo en el mundo. Mientras terminas de escuchar una canción nueva, ya hay diez más listas para salir. Mientras una banda, relativamente nueva, ya es considerada para alinearla en un festival, hay otras cinco que la están empujando. Imagine Dragons pasó de ser una banda local a una internacional en cuestión de un par de años. Está formada y arraigada en Las Vegas y sabe que ya es tiempo de brillar. Tuve el placer de hablar con Daniel Platzman –baterista de la banda– acerca de su pasado tormentoso, su presente brillante y su futuro prometedor. Una banda chica, en una ciudad grande. “No somos los nuevos chicos de la música, como algunos podrán pensar, llevamos muchos años tocando y nos ha tomado nuestro tiempo llegar a donde estamos. Afortunadamente vivíamos en un lugar donde casi todo era posible: Las Vegas. Teníamos muchos escenarios para presentarnos casi diario. Hoteles, bares, casinos, fiestas. Incluso llegábamos a tocar hasta dieciséis horas diarias en diferentes lugares, seis horas seguidas en un lugar, luego cuatro y así era casi diario. Tuvimos un par

de ofertas para firmar con disqueras, pero nos tomó nuestro tiempo decidirnos, saber si de verdad queríamos eso y sobre todo, teníamos que saber quiénes éramos y qué queríamos ser.” En ese entonces, la paga no era mucha, pero era lo que había y si de algo estaban seguros, era de que querían seguir por este camino. Finalmente, en el 2011 aceptaron la oferta de Interscope Records y grabaron su primer álbum de estudio: Night Visions que fue una recopilación de temas de sus pasados álbums: It’s time y Continued Silence que fueron EP’s con cuatro y seis canciones, respectivamente. En este 2013 lanzaron The Archive, otro EP con cinco canciones que se habían quedado guardadas y decidieron regrabarlas. Con éste, alcanzaron la posición número cuatro en iTunes. Y así llegó la tormenta. Radioactive ocupa el lugar número veinticuatro en los iTunes Top Music Videos. Night Vision alcanza el número 2 en la Billboard de USA y UK. It’s Time sostiene el récord del 2012 de ser la canción en los primeros lugares durante treinta y dos semanas consecutivas en los charts. Y también fueron nombrados como: “La Banda más brillante del 2012”. Y para finalizar este apenas comienzo, MTV los tiene como la banda más nueva, con la carrera más corta, que se logró colar para ser nominados como mejor video de rock. “Aún no perdemos la sorpresa de todo lo ocurrido. Una vez, estábamos grabando en el desierto de Las Vegas un video y sabíamos que esa noche iban a tocar It’s Time por primera vez en el radio, así que nos apresuramos a terminar para subirnos

La rapidez con que llegaron al apenas comienzo de algo no quiere decir que no tengan mérito para trascender. Saben muy bien qué quieren decir con su música. Sus letras se basan en la esperanza, la ensoñación y en el comienzo de momentos nuevos. “Un día asistimos a un concierto de Stevie Wonder en Alabama, y dijo algo que se me quedó muy grabado: Si mi música es capaz de reunir a la gente, con eso soy feliz. Le voy a robar la frase y me quedo con lo mismo que él. No pretendemos nada más, queremos que la gente se sienta bien cuando nos escuche, sin dar lecciones o consejos. No quiero arruinar algo definiéndolo por completo. Es por eso que cada quien debe de tomar lo que le sirva de nuestra música o de cualquier otra.” Imagine Dragons es una mezcla de power-pop con un lado más digerible del dubstep, y aderezado con algo de gótico y triunfalismo romántico revolucionario. En algunas canciones se habla de demonios, de revoluciones (propias, claro) esperanza, y en mi propia experiencia, me han llevado a campos de batalla con magos y duendes como en I Need a Minute donde empiezan con: Bienvenidos a la tierra del fuego, esperamos que hayas traído el altar correcto, el hombre sin piernas te espera”. No sé, me imagino un bosque con truenos y hadas y me gusta. “Supongo que es muy romántico y esterotipado poner al tipo torturado por sus demonios para que se ponga a escribir, pero creo que sí sirve de algo. Ryan –el guitarrista– sufre de un

trastorno de insomnio y creo que en las noches lo que hace es música y letras, una tras otra, así que eso habla mucho de quién es él y a la vez quiénes somos todos. ” Por otro lado, Reynold (vocalista) también ha declarado que fue diagnosticado con depresión y ansiedad. Claro que ser un artista atormentado tiene sus ventajas si se las sabes sacar. Y tomando como referencia sus letras tan idealistas, por un momento la conversación nos llevó a hablar del Apocalipsis –que es el tema central de Radioactive–. “Es una época en que el Apocalipsis lo vivimos diario, desde estar parados en el tráfico, hasta los mensajes por celular. La gente ya no se habla, ya no se toma el tiempo para verse y ni qué decir del amor. Todo lo queremos ya y lo queremos rápido. Cada uno tiene su propio infierno, pero para mí el Apocalipsis viene cuando tengo que viajar y cuando no tengo wi-fi.” Daniel es músico y compositor de jazz, así que también aporta esos conocimientos para la composición de la música dentro de la banda. Hablando por todos, les gustaría tocar un día con Dave Grohl o Jack White, dos de los supermúsicos que esta era nos ha dado. Sus mayores referencias son John Bonham (Led Zeppelin) y Stewart Copeland (The Police). Todo lo que hizo Michael Jackson le parece superior, aún hoy en día. En su iPod trae a Alt-J y SBTRKT. Atrás quedaron los días de tocar seis horas seguidas en un casino para pagar la renta, hoy se paran en un escenario frente a miles de voces y gargantas que corean todas y cada una de sus canciones como si el mundo se fuera a acabar mañana. Nosotros los podremos ver el próximo Octubre en el Corona Capital, en la Cd. de México por primera vez. Y Daniel se despide de nosotros diciéndonos: “será un honor y toda una experiencia tocar ante los mexicanos en el Corona Capital”.

al auto, manejar por carretera y escucharnos. Éste es uno de los momentos más agradables que tenemos como banda. Sabemos que no podemos perder esos detalles que nos hacen sonreír y decir: lo logramos, aunque sepamos que apenas estamos empezando y tenemos que mantener el equilibro”.

por: Rocco Portillo

Fotografías: Cortesía de Sony Music

Basado en hechos reales1:

cuarenta y dos

as calles, el acento, los sonidos de décadas pasadas y la inmensa cultura del país se convierten en cicatrices en el alma del joven. Esa isla lo cría a su imagen y semejanza como a todos sus hijos prodigios (tiene muchos). El humor ácido y su inquietante mente le reservan un lugar en el firmamento; pero es su voz, acompañada de la furia de sus tres hermanos, la que lo convierte en una estrella. A sus veinte años es el narrador de la vida nocturna, un cronista que en sus letras satiriza a sus vecinos y compatriotas, el hijo rebelde pero tan carismático que cuesta regañarlo. Sus hermanos mayores (que no comparten su apellido) fueron encomendados a llevar la bandera como estandarte, reinaron la isla y viajaron al nuevo continente para conquistarlo, para volver a colonizar una tierra que no tiene raíces, una tierra de celebridades, poetas y hamburguesas. Todos la despreciamos pero en el fondo queremos pertenecer a esa nación, queremos ser amados en sus calles de rascacielos y anuncios publicitarios2. El hijo prodigio era, por herencia, el nuevo encargado de ir a conquistar esta tierra, a poner tazas de té en cada restaurante de comida rápida y durante unos años lo logró. Venía de la tierra de viejos colonizadores, terratenientes que respondían a nombres como Lennon, Richards y Plant, héroes mitificados que invadieron la nación de las estrellas. En su tierra natal llamaban a este hijo prodigio la salvación del rock, la respuesta a esos cinco neoyorkinos y más limpio que su primo Pete (que estaba más interesado en las jeringas que en representar a una generación)3. Después de un par de discos, llegó (junto con su compañeros de banda) a la tierra que unos años antes transformó al Dr. William Bruce Jr. en el tenebroso Mr. Axel Rose, una tierra a la que Rose se refirió como una jungla, Kerouac como la ciudad más solitaria y brutal de Norteamérica y Norman Mailer como una constelación de plástico. Fue en esa artificial, salvaje y calurosa tierra de Oz, que conoció a un hombre del desierto, un stoner salvaje, de rasgos nórdicos enrojecidos por el sol de California, pero que se hacía llamar un monarca de Stone Age… Josh Homme. El guía espiritual que invocaría al Capitán América de Peter Fonda4, llevando a estos cuatro ingenuos ingleses a un viaje al desierto del que no regresarían. Estos lisérgicos hechos, están musicalmente registrados en un material llamado Humbug, que ilustra el momento etéreo y sombrío por el que pasaba la mente de estos cuatro 1 En medida de lo posible 2 Un poco de la gloria del coronel Sanders 3 Y en aquella modelo rubia, la verdad es que no podemos juzgarlo 4 Primera aparición en aquella película de superhéroes llamada “Easy Rider” 5 Probablemente

jóvenes ingleses... Justo cuando la puntualidad inglesa iba disolviéndose a causa de la libertad americana. Después regresaron a la estructura básica, a la vieja escuela de las canciones, pero algo era diferente, había un aroma a Johnny Cash en el aire, el joven ya no aspiraba a ser como aquellos hermanos que se preguntaban “What’s The Story? Mo…” Ya estaba lejos de los mods, su pelo era largo y su piel una chamarra de cuero, Paul Weller estaba inconsolable5. Una semanas después de que le dijeran al mundo que se lo tragaran y prestaran atención, algo paso en estos cuatro jóvenes… dejaron de ser ingleses. Love buckles under the strain of those wild nights Pudo haber sido sólo un arrebato de despecho después de terminar con aquella bella reportera de Hampshire, pero días de investigación indican que estos cuatro jóvenes fueron invadidos por los espíritus americanos de una costa tan salvaje como enigmática. Por un lado, nuestro antes tímido frontman comenzó a adoptar el estilo de héroes como Elvis o mártires de la juventud como James Dean. La mirada cabizbaja escondida detrás de un fleco cambió por un desafiante copete dirigido al sol y un par de lentes oscuros heredados de aquel poeta de Nueva York llamado Reed. Como lo hizo antes con Ozzy y compañía, California adoptó a los cuatro jóvenes como suyos. Incluso, incluyo murciélagos en el menú, aunque la banda indicó que habían dejado esos hábitos. La ciudad en cuestión es conocida por todos, no es necesario visitarla para ser testigos de lo que pasa ahí, sus calles han salido en más películas que ninguna otra en el mundo, el cine creció a unas cuadras de ahí y siempre ha estado rodeada de sueños (pocos se cumplen y sus calles están abarrotadas de muchos rotos). Esa ciudad despiadada ha inspirado más canciones que ninguna otra. Para entender cómo estos jóvenes ingleses fueron transformados por ella, hay que enfocarnos en tres tiempos específicos en su historia. Los primeros dos ya los he mencionado, el Hollywood de Presley y Dean; la segunda, el apogeo de los 70’s en donde Sabbath y los hippies de Fleetwood Mac consumían cocaína del mismo dealer. La tercera, es la nueva inclusión a esta ecuación cultural, el factor que convierte este experimento en algo interesante y demuestra la transformación completa, el hip-hop de Dr. Dre, Outkast y Snoop Dog. La escena Gangsta y violenta de finales de los 90’s entra en esta historia como un personaje secundario, casi como un tono diferente en la escenografía del

tercer acto, está aquí para incluir esa dosis de riesgo necesaria en la música de nuestros días. “No es nada de rap rock, eso es horrible” dicen los protagonistas de la historia. “Es un disco para la noche” dice Josh Homme. Caminando por una fiesta repleta de extraños, la música está a todo volumen y la gente se pone el disfraz amistoso por unas horas, es en estos momentos en los que la verdadera nostalgia llega con toda su fuerza. Este tipo de contradicciones son las que nuestros americanizados héroes viven en Los Ángeles, en el momento más alto de la fiesta llega la reflexión y caminando por las calles solitarias llega la lujuria más incontrolable, el caos en medio del orden y viceversa, todo dentro de un panorama nocturno en las calles de la California. Viajan por sus calles en motocicletas, le cantan a sus mujeres llenos de lujuria y la ciudad gira junto con ellos. El recuerdo de aquellos jóvenes ingleses con suéteres se desvanece cada vez más, incluso ellos mismos parecen haberse olvidado por completo

de esa etapa, quizá muy en el fondo ahí siga esa vena con sangre británica, pero por el momento dejamos que ellos sean los guías turísticos de América. Si cada disco puede interpretarse como un pasaje fílmico, entonces estamos frente a “la trilogía de Los Ángeles” de esta banda inglesa. En la primera parte el cambio es radical, extremo y tan curioso como juvenil. La secuela muestra la madurez con nuevas fórmulas y el cambio físico. Sólo con las iniciales de la banda bautizan la tercera parte que muestra el final de esta transformación. Ya no son los extranjeros, ya no se sienten alienígenas en esta ciudad, ahora son parte de ella y la interpretan a su gusto, desde el centro de todo. “It sounds like a Dr. Dre beat, but we’ve given it an Ike Turner bowl-cut and sent it galloping across the desert on a Stratocaster.”

NINE INCH

NAILS por: Luis Palmeros Fotografía: Cortesía de Universal Music

HALO 0 ¿Por qué el énfasis en la numeración y el orden? Trent Reznor, es un artista obsesivo y progresivo, por lo tanto, NIN es un proyecto con estas características. Un proyecto que por más de veinte años, ha plantado semillas en sus seguidores que germinan en rasgos de personalidad similares, o idénticos. Los HALOS, reflejan una verdad sobre cada release, re-release y sencillo de NIN: se han convertido en objetos de colección, como arte para un coleccionista empedernido. Éste es un logro tremendo para un conjunto tan contemporáneo y aún activo. El orden es fundamental para Trent Reznor, o al menos así se siente. Cada paso en su carrera con NIN, inclusive en sus desviaciones artísticas, parecen planeadas cuidadosamente hasta el último detalle.

Creo que hay algo extrañamente musical en el ruido.”

En 2013, Trent ha desarrollado músculos que luce en trajes apretados en premiaciones de prestigio, ya sean de cinematografía o música; pero antes era un joven escuálido lleno de odio. Supongo que todos estamos condenados a madurar, sólo que algunos maduran con trabajos de escritorio y otros se ponen una corbata para recibir honores por sus contribuciones al arte. En los noventas, la música del proyecto de Ohio era una incómoda mezcla de abrasión y pop. Las temáticas de los discos (sobretodo en Pretty Hate Machine y The Downward Spiral) son oscuras; probablemente, perdón, SEGURAMENTE, Reznor es el único artista con un Grammy que premia el uso de la palabra “Fistfuck”. Pretty Hate Machine, y sus aún menos benevolentes sucesores, son responsables en gran parte por la popularización de la música industrial. El rock industrial llegó a MTV en una bandeja de plata con el sello de Trent Reznor, él produjo gran parte de los inicios de Marilyn Manson, quién llevó el industrial al pópulo impulsado por la explosión de NIN. Nine Inch Nails le debe mucho a MTV y viceversa. En 1994, el video de Closer acaparaba mucho tiempo de pantalla, si ejercitamos la memoria lo suficiente, es posible tener destellos de un mono crucificado, imágenes grotescas, y quizás muchos,

os halos son fenómenos hechos de luz que toman la forma de un círculo, se encuentran en la atmósfera o en imágenes religiosas. Los HALOS, son un método para dar orden cronológico a la extensa lista de lanzamientos de Nine Inch Nails. Por ejemplo, el sencillo debut de la banda estadounidense, Down In It de 1989, es HALO 1, Pretty Hate Machine (su primer disco) es HALO 2, y el nuevo Hesitation Marks es HALO 28.

cuarenta y seis

recordaremos nuestro primer contacto con el inframundo del sadomasoquismo. Trent es una especie de terrorista pop, ya que, detrás de toda esta agresión, existe un genio con sensibilidades musicales muy propensas a melodías pop. El chico escuálido con las uñas pintadas de negro, murió (literalmente) y tuvo una resurrección que es tan obvia como sorpresiva. Pasando la década de 1990, Reznor vivió su propio Downward Spiral, cayó en depresión, después drogas y finalmente sufrió una sobredosis de la que fue rescatado. Esto nos lleva al Nine Inch Nails de la década del 2000. “Cuando pienso en personas que siento como mentor o un tipo de inspiración o arquetipo que me encantaría ver mencionado sobre mi carrera como pie de nota, sería, como, Bowie.” Como una bonita costumbre entre los apasionados que juzgan a los artistas como si fueran ellos mismos (me incluyo), los comentarios de “Trent Reznor es un vendido” y “Nine Inch Nails ya no es lo que era” aparecen en todos los foros de debate y todas las secciones de comentarios alrededor de su música. Un pequeño fragmento de esos sentimientos, creo, son correctos, pero la decepción está mal dirigida y mal fundamentada. Decir que una banda se vendió, implica que un artista devaluó sus ideales para alcanzar algún tipo de beneficio monetario o superficial. En 2008, NIN presentó Ghosts I-IV, un ejercicio sonoro que sobrepasa la hora y media con 36 piezas instrumentales… ¿Es eso venderse? Si sí, ojalá más músicos se atrevan a hacerlo. El oriundo de Pennsylvania tuvo que morir para salir del espiral descendente, emergió con ideas artísticas mucho más específicas y por lo tanto, menos agresivas y disparatadas, pero eso no quiere decir que haya perdido la esencia progresiva. Nine

Inch Nails en el nuevo milenio es una institución de la música contemporánea. Sus tres discos (Hay que olvidar Ghosts I-IV para dar el punto) de 2005 a 2008 comparten características con una banda de rock de arena. La esencia de NIN no se ha perdido, repito, cuando la esencia de un artista es evolucionar y adaptarse al transcurso del tiempo, madurar y dejar de sonar a los noventas, no es pérdida de algo, sino una continuidad natural y obvia cuando lo pensamos un poco. Actualmente, NIN es un referente de los avances tecnológicos en la música, el nuevo milenio de la banda, en momentos, ofrece vistazos del futuro. Con With Teeth (2005) ofrecieron arte conceptual descargable, y conforme pasan los años ofrecen más y más. En el ciclo de Year Zero (2007), su quinto álbum, NIN convocó a sus fans en un marketing, o performance compartido, en el que la banda y sus seguidores colaboraban por medios de comunicación para desenvolver el concepto y arte del entonces misterioso nuevo álbum. Ofrecieron música gratis y Trent expresó su descontento con el formato del CD, le llamó anticuado, por lo mismo decidieron darle a sus formatos físicos un valor agregado, una superficie sensible a la temperatura, cuando reproduces With Teeth, el disco se calienta y cambia de color. Estas acciones anti-tradicionalistas en la industria se consolidaron con The Slip de 2008, un álbum que no tuvo promoción y, sin ningún tipo de juego previo, Trent subió el álbum a la red para que se descargara y disfrutara gratis. Un largo etcétera, hablar de los valores agregados que Trent y compañía promueven en la música sería demasiado extenso, pero terminemos la idea con uno de los favoritos, el juego con el espectrograma. En el tema My Violent Heart se creó un diseño sonoro con el objetivo de reproducir la imagen de la portada por medio de ruido. Es decir, cuando ves el track en una pantalla, las frecuencias de sonido crean una mano fantasmal, similar a la portada del álbum.

Estos regalos no revolucionan la industria, ni son completamente vanguardistas para un medio que cambia al segundo, pero sí hablan de la postura propositiva de una banda que ha hecho una carrera a base de actitudes camaleónicas. NIN y MTV fueron sinónimo, significan el valor de la era de los videos. Trent Reznor responde al entorno cultural y a las necesidades de una sociedad que quiere todo, y a la vez nada. Actualmente, dan cátedras de cómo presentar un show en vivo. Los conciertos de NIN, especialmente en la gira Lights In The Sky de 2008, son eventos en la cultura pop musical. En sintonía con la actitud que ha venido desarrollando el proyecto en el nuevo milenio, los shows en vivo rompen con el pensamiento conformista del nivel ordinario en el que puede estar un show en vivo, y vamos, shows espectaculares siempre han existido, pero la explosión visual y sonora de NIN en vivo es una experiencia envolvente muy difícil de emular, es el clímax de la importancia que tiene el arte visual para un hombre como Trent Reznor.

El Halo 17 es And All That Could Have Been… No me da miedo pensar en lo que hubiera sido crecer en los dos miles sin NIN, quizás sería el mismo, pero me rehúso a creer que mi percepción de muchos aspectos de la música sería la misma.

Nine Inch Nails se adapta y responde al paso del tiempo, se mantienen contemporáneos y propositivos. En los noventas Reznor actuó a partir de la angustia norteamericana que poseía al rock y la llevó al extremo industrial. En los dos miles, NIN cambia y sorprende de manera (casi) desenfrenada, tenemos poco tiempo para procesarlos, pero esa es la realidad del Siglo XXI, todo avanza demasiado rápido y son pocos los momentos meditativos, todo es ACCIÓN. Claro que eso lleva a incoherencias como el regreso de NIN a las disqueras, pero son puntos irrelevantes. Nine Inch Nails es el mismo Nine Inch Nails de los noventas, por eso es diferente.

por: Andrea Paz Fotografías: Cortesía de Terrícolas Imbéciles

Fotografía: Camilo Bustos

ocas son las bandas nuevas que se plasman como referentes en Latinoamérica. Esa generación que ubica a la escena chilena por Los Bunkers ha quedado atrás para darle paso a la nueva oleada de agrupaciones que refrescan el rock de habla hispana. Los medios están más abiertos, la gente más receptiva, tolerante y dispuesta a apoyar a proyectos diferentes y propositivos, Astro es una de esas bandas. A mí me gusta pensar que Chile es de esos países hispanoparlantes a los que vale la pena dedicarles un rato de atención y no sólo por su riqueza cultural y natural, el talento local está tocando exitosamente puertas internacionales, para prueba bastan las presentaciones de Astro en diferentes festivales alrededor del mundo. Algo más que me gusta es tener pláticas con músicos como Andrés (vocalista), sinceros, sin temor a las respuestas, a las comparaciones y sin querer pretender ser un nuevo rockstar. El 2012 fue un año importante para Astro como banda, lograron consolidarse y estar en diferentes escenarios; esto, obviamente, los orilla a exigirse más en cada presentación, tienen que estar a la altura de los carteles de cada festival en que se presentan. El recibimiento que han tenido es el resultado, de lo que Andrés comenta, han trabajado: “Cuando tienes que tocar en festivales sabes que tienes que ir con un buen show, necesitas prepararte para eso, debes de entender que la exigencia en todos los casos es tratar de tocar lo mejor posible aunque también se va

haciendo más fácil el trabajo, ahora estamos en un punto muy ordenado en términos técnicos y todas las cosas, eso nos está dando mucha confianza antes de los shows. Tenemos recuerdos bien cool como el VL 2012 que fue increíble, luego Lollapalooza Chile igual, hemos estado en varios festivales y cada uno tiene algo especial, como algunos pequeños que se hacen en Chile, Primavera Sound también es de los que más recuerdo.” Los que estamos fuera de su burbuja captamos que sus canciones hablan de colores, animales, momentos con la naturaleza, imágenes y conceptos sin temas específicos y miles de sueños que la imaginación hace posibles; entonces, ¿será eso lo que hace a su sonido una especie de music world sin la necesidad de cantar en inglés? “Al final las canciones son un poco como construir un edificio, partes por una base que puede ser un instrumento y luego vas añadiendo la letra, la melodía y todo el demás proceso, ahora lo importante es que el norte de lo que tú quieres esté bastante claro y que estés abierto a que la música hable por sí sola, incluso cosas que ya das por hecho o por costumbre cuando haces música deben de convertirse en una posibilidad, como una idea que se te ocurre mientras caminas por la calle, registras lo más posible, luego juntas las ideas y partes desde ahí.

Es posible que algún día lo hagamos (aquello de cantar en inglés) pero por ahora no me parece algo necesario para seguirnos internacionalizando y hacer ese crossover para el público que no habla español, en las últimas semanas de la gira por EUA nos hemos dado cuenta de que la banda gusta a gente que no habla español, entonces eso está cool porque eso habla de que tu música, la puede bailar y disfrutar todo el mundo y entonces tu lenguaje se vuelve universal porque tienes todas las posibilidades de conectar con las personas sin importar el idioma.” Ustedes mismos han definido de alguna forma lo que hacen como realismo mágico, ¿desde que comenzaron la banda en el 2008, todos convergieron con la misma idea?

cincuenta

“Juntos no compartimos el gusto por un solo disco o un género en específico que nos una, pero sí estamos súper abiertos a muchas influencias, siempre estamos perceptivos, me parece algo negativo el que alguien diga que no tiene influencias de otra música, nosotros nos dejamos influenciar por todo lo que nos gusta y por supuesto, con lo que sale de nosotros mismos, entonces disfrutamos más estar en esa zona que escoger un solo referente.”

que se han hecho en el extranjero con el trabajo de los discos, aunque también trabajas con equipos distintos a los lugares a los que vas, creo que esa es un poco la experiencia que hemos tenido. No sé si sea más fácil adentro de tu país o afuera porque lo consideramos como un trabajo en general, lo que sí sé es que cuando estamos en el extranjero los gastos son tales que no volvemos con dinero a casa, se te complica la vida un poco (risas), entonces por ese lado es más amable trabajar en Chile porque te queda algo de plata para ti. Pero más o menos así es como tiene que funcionar para que la banda crezca en el extranjero, hay que invertir, digamos.” ¿Después de un disco de estudio y un EP claramente influenciados por música psicodélica han pensando en hacer algo más orgánico o análogo? “Justo es lo que estamos planeando para el siguiente disco, estamos grabando ya cosas y generando ideas nuevas, es como estar avanzando la primera etapa y me parece que sí tiene muchos sintetizadores y esas cosas pero todo está más tocado por nosotros de forma tradicional, ya no tan programado; va a tener mucha batería real, bajo y de todo, va a ser un disco muy orgánico, un rock a nuestra manera.”

En México cada vez hay más apoyo a nuevas bandas y aún así sigue siendo difícil pertenecer al mainstream, ¿en la escena loca del Chile les pasó lo mismo?

Han sido remixeados por Javiera Mena, Gepe entre otros, pero recientemente por Jimena Sariñana, ¿han pensado en colaborar con algunos de ellos para el futuro?

“Son cosas distintas, cuando empezamos siempre estuvo presente el apoyo internacional, porque somos una banda que empezó en redes como My Space, y al año ya estábamos tocando en México por ejemplo; entonces de alguna manera son cosas paralelas, las cosas que se han hecho en Chile y las

“Estuvimos con ella ayer en la noche, es muy buena onda, el colaborar no lo había pensado pero es una buena recomendación, la verdad es que no hemos pensado en esa posibilidad pero, es una buena idea.” P.D. Gracias Chile por darnos también a 31 minutos.

Fotografía: Daniel Hanselmann

el รกlbum

cincuenta y dos

Por: Luis Palmeros

el álbum

he Smiths es un nombre que carga con un extraño tipo de anonimato. Smith, una persona sin cara o personalidad, simplemente un apellido popular que llena documentos. The Smiths: clásico de culto por hacer de lo ordinario, algo excepcional.

Explicar la devoción que existe por el cuarteto de Manchester no es tan complicado, mínimo en 2013. Fueron una banda que nació y murió independiente (Rough Trade Records fue su hogar de 1984 a 1987). Sus cuatro álbumes son una influencia definitiva para el “indie rock” de este último lustro, el surgimiento de The Stone Roses y el britpop encabezado por Blur. Ahora, más que nunca, el indie no se refiere al estatus de “independiente”, sino a un sonido bastante particular que busca ser atemporal sin sofocar con esfuerzo. The Smiths, muy probablemente, son la razón de ser de comentarios como: “Me suena conocido” Los Smiths, como un John Smith en Inglaterra, son familiares y parecen omnipresentes.

El álbum de 1986 es el mejor realizado de los cuatro que conforman su carrera. Con su tercer álbum, la mancuerna creativa de Marr y Morrissey estaba en su esplendor, los temas se crearon en fugaces explosiones creativas, esta naturalidad se refleja de manera obvia. The Queen Is Dead abre con el tema homónimo, una ácida crítica al sistema inglés. Johnny Marr luce el por qué es un guitarrista tan virtuoso sin caer en lugares comunes; es clarísima su influencia sobre John Squire (The Stone Roses). Cemetry Gates es, líricamente, classic Morrissey. Una relación poética narrada con típico humor inglés. Una pareja en un cementerio, acompañada de Keats, Yeats y el escritor favorito del vocalista, Oscar Wilde. El tema luce con maestría esa intelectualidad, pretensión y humor que hacen de Morrissey un personaje tan idolatrado como aborrecido en la cultura musical. El álbum contiene no sólo algunos de los mejores temas compuestos por el cuarteto, canciones como I Know It’s Over, The Boy With The Thorne In His Side y There Is A Light That Never Goes Out, son de los minutos sonoros más atesorados por cualquier fanático del sonido grabado, o al menos eso me gusta pensar. Morrissey tiene un talento innegable para escribir letras dolorosamente melancólicas, Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce pintan un paisaje sonoro en el que nos perdemos una y otra vez sin sentirnos viejos; en muchos aspectos, son una banda perfecta, este disco es una prueba contundente. The Queen Is Dead es el disco de una juventud atrapada en una especie de film noir; detenida en un momento familiar, puro y real. Encontrarse o reencontrarse con este clásico británico es convertirse en John Smith, un individuo ordinario, y a la vez, extraordinario.

Sus cuatro discos tienen rasgos definitorios en la superficie: El debut, el político, el mejor y el último. Ahondemos en el mejor. The Queen Is Dead engloba al grupo inglés.

cincuenta y cuatro

numeralia

por: Andrea Paz Estamos a unas cuantas semanas para que llegue el fin de semana del año más esperado por muchos, esos dos días en que se llevará a cabo la cuarta edición del festival Corona Capital, este 12 y 13 de octubre. Ya sabemos cómo hay que prepararnos para dos días llenos de pura música, agua, lentes de sol, bloqueador, walkie talkies y zapatos cómodos, pero además esta vez puedes conocer uno de los festivales más importantes de la ciudad por sus números.

En su primera edición en el 2010 sólo se llevó a cabo durante un día, el 16 de octubre.

Siempre se realiza el segundo fin de semana de octubre porque estadísticamente es casi imposible que llueva durante esos días.

Se necesitan alrededor de 350,000 cervezas para cubrir el consumo de tan sólo un día del festival.

La distancia entre los escenarios principales (Corona Stage y Capital Stage) será de casi un kilómetro, casi 15 minutos caminando.

numeralia

Ha traído por primera vez a nuestro país actuaciones como las de los Pixies, Portishead y New Order.

Sumando los dos días que dura el festival podríamos obtener más de 22 horas de música.

El festival llevará a cabo su cuarta edición en la curva 4 del Autódromo Hermanos Dodríguez el 12 y 13 de octubre.

De su edición 2010 a la edición 2011, el festival creció en 8 bandas, un escenario y duplicó el área en donde se llevó a cabo.

Estados Unidos e Inglaterra son los países que más bandas aportan a esta edición, con 23 y 19, respectivamente.

Las bandas nacionales no aparecen este 2013 aunque aún faltan algunas sorpresas por anunciar dentro del line up.

De los festivales que se realizan en México es el único que ha tenido la cobertura de medios de comunicación internacionales.

Seguirá contando con tres escenarios: Corona Light, Bizco Club y el Corona Stage.

meanwhile

CERVECERÍA

LA ROMITA por: Mariela Martínez Fotografía: X/O

Entre las calles de la colonia Roma, se puede encontrar de todo, tiendas de antigüedades, restaurantes que ofrecen comida de países exóticos, concept stores, tiendas de discos, clases de yoga, librerías, entre muchas otras cosas. Pero hay un lugar que te hará sentir como de vacaciones en la playa en plena Ciudad de México, sin importar el día, la hora o la época del año. Se trata de La Romita.

ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

meanwhile

n La Romita puedes degustar las recetas recopiladas de las costas de nuestro país. Platillos de Ensenada, Mazatlán, Veracruz, Sinaloa y Guerrero son traídos hasta tu mesa y preparados al momento, más fresco imposible. La estrella del restaurante definitivamente es el pulpo en todas sus presentaciones: ceviche de pulpo, tostadas de pulpo, pulpo a las brasas, tacos Sinaloa de pulpo o tacos enchilados de pulpo; cualquiera de las opciones que elijas estamos seguros que dejará satisfecho a tu paladar. Nuestra recomendación; no pongas un pie fuera de La Romita si no has probado el Aguachile (camarón crudo acompañado de pepino y cebolla morada con salsa verde), el coctel de la casa o los camarones enchilados.

El lugar tiene capacidad para aproximadamente 40 personas por lo que se recomienda llegar temprano, en especial los sábados y domingos. Si lo prefieres puedes ordenar tus platillos favoritos desde la comodidad de tu hogar a través de sindelantal.mx sitio de servicio a domicilio al que La Romita está afiliada. En cuanto a la música, a lo largo de la semana podrás escuchar de todo tipo y cuando digo de todo ¡realmente me refiero a de TODO! Desde banda a rock clásico, pasando por reggae e incluso un poco de electrónica. Los viernes y fines de semana un DJ se encarga de acompañar tu comida con su selección musical; pero si te dan ganas de tomar el control de la tornamesa puedes acercarte y proponerte como DJ. También puedes venir a La Romita a celebrar tu cumpleaños, a disfrutar de eventos deportivos o apuntarte a los torneos de FIFA que de vez en cuando se organizan. Próximamente estarán celebrando su segundo aniversario (el 29 de septiembre, para ser precisos) por lo que te recomendamos estar pendiente de las noticias sobre el festejo. En La Romita además de disfrutar de deliciosos platillos, podrás venir a disfrutar de la música y del ambiente, aquí los clientes son amigos.

Dirección: Coahuila #185, Colonia Roma Norte. Horarios: Lunes, martes y miércoles de 12:00 pm a 9:00 pm. Jueves de 12:00 a 24:00 hrs. Viernes y sábado de medio día y hasta la 1:00 am. Domingo de 12:00 pm a 7:00 pm. Nota: Si tu mejor amigo resulta ser canino, no te preocupes La Romita es 100% pet friendly. Puedes también adquirir productos de Yo <3 Mex.

Además, una merecida mención especial a la sección de tacos donde podrás encontrar platillos como la gringa tropical con marlín al pastor gratinado con queso chihuahua, los tacos Sinaloa de camarón al ajillo gratinados y acompañados de salsa de árbol, los tacos enchilados con camarones y la deliciosa salsa de la casa y finalmente, los tacos estilo Ensenada. No olvides complementar tu comida con una refrescante cerveza o una michelada.

underground

por: Andrea Paz

Los 4 integrantes de esta banda se conocen desde pequeños, antes de ser amigos son como hermanos. Boris (guitarra principal y coros), Puxi (guitarra y voz), David (bajo y voz) e Irving(batería y coros) comenzaron en el 2010 a tocar punk rock, bajo la producción de Paco Ayala (molotov). Tienen 2 EPs que ahora, en conjunto, son un disco con un nuevo sencillo que estrenaron el primer día del Vive Latino de este año. Con mensajes políticos y sociales, a lo largo de los 3 años que tiene como banda siempre han compuesto sus canciones juntos, lo que hace que no haya protagonismos o responsabilidades especiales. Cada vez cambian la fórmula para seguir haciendo música, para no caer en lo monótono y siempre ofrecer algo nuevo a sus seguidores. Por ahora se encuentran trabajando en algo nuevo, aunque no tienen presión alguna por lanzar algo en fechas determinadas. Este 7 de septiembre estarán tocando en el Imperial y prometen que será algo inolvidable. cincuenta y ocho

@denalgas http://denalgas.bandcamp.com/

@matildamanzana https://soundcloud.com/matildamanzana

por: Andrea Paz

Óscar (guitarra y voz), Joselo (bajo) y Toño (sintetizador) ahora conforman Matilda Manzana, proyecto que Óscar comenzó hace 4 años en solitario con algunas composiciones. La primera vez que usó este nombre fue en una tocada en la colonia Roma, y aunque sólo tocó covers llamó tanto la atención que una de sus canciones formó parte de un compilado; así quedó todo durante dos años hasta que se dio cuenta que su canción llamada Hojarasca estaba rondando en la red, y con el tiempo se le unieron Joselo y Toño para darle forma a la banda. “Hojarasca es una canción vieja que sigue viva y que ha ido cambiando con el tiempo pero sigue siendo muy especial”, nos cuenta. Aunque los 3 tienen influencias muy distintas coinciden en que lo que hace Animal Collective les impacta por igual, así que su música es una especie peculiar de combinación de géneros y sonidos, como si todos estuvieran en una licuadora. Por ahora tienen un EP del cual hicieron sólo 100 copias (y ninguno de los 3 tiene una). Si quieren conocer más de ellos y de tocadas próximas pueden seguirlos en sus redes sociales y encontrarlos en bandcamp y soundcloud. ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III

underground

por: María Sánchez

Es una banda de 5 chicos que viven en diferentes rincones del DF, Little Jesus comienza como tal en julio de 2012. Santiago tenía el nombre en mente y unas cuantas canciones y se le presentó una tocada en el Imperial. Gracias a su popularidad contacta a 4 amigos que no se conocían entre ellos, ensayaron 3 veces, hubo clic y ¡bang! nace Little Jesus. El nombre comienza con la intención de ser un alter ego de productor, estilo Danger Mouse, hasta que tuvo que darle nombre a la banda y decidió darle una nueva dirección a aquél nombre. Los chicos nos platican que entre ellos hay gran variedad de gustos musicales, desde quien escucha a los clásicos Beatles y Queen hasta Wisin y Yandel, sin embargo todos coinciden en que les gusta escuchar a Dr. Dog y es una gran influencia en su música, así como el afro pop de la vieja escuela y Vampire Weekend. Platicando sobre su música y su estilo nos dicen que Azul es la canción que ellos perciben es la favorita del público, si no la han escuchado háganlo y comprueben su teoría. Recientemente viajaron a un festival en Colombia, “es el primer año de este festival llamado “Hermoso Ruido”. Nos da muchísimo gusto el crecimiento de la música mexicana en la escena latinoamericana”, contaron. Estén al pendiente de sus futuras tocadas, no se pueden perder a está banda llena de buena vibra y canciones sinceras. @Thelittlejesus https://soundcloud.com/thelittlejesus

7 sept Morelia, Yoshokura 14 sept Festival Ceremonia Agradecemos a Papa Guapa las facilidades otorgadas para esta sección. Orizaba 4B, Roma Norte.

radiografía

KAOSSILATOR S

SURVIVALISM

i bien los sintetizadores existen desde los años 20’s, no fue hasta los 60’s que empezaron a ser populares entre los músicos que buscaban experimentar con estos novedosos sonidos, sobre todo con el famoso sintetizador Moog (nombrado por su inventor Roberto Moog), el cual sigue siendo de los más utilizados hasta nuestros días; aunque estos sintetizadores, regulares, por llamarles de alguna forma, trabajan con la frecuencia de sonido que da una tecla de piano, es decir, sólo ese instrumento se puede manipular.

sesenta

Desde hace poco más de una década (1999) la marca Korg, pioneros en instrumentos digitales, presentó su serie denominada Kaoss Pad. Un controlador que permite manejar ya sea una entrada de señal (la que sea), o bien sonidos o samples predeterminados en la memoria del mismo, para luego manipular esa señal mediante una superficie táctil. Dicha señal puede pasar por diferentes efectos como un variador de tono, distorsión, filtro, wah, flanger, delay, reverberación, phaser y modulación. La evolución de estos pads nos lleva al instrumento que nos atañe: el Kaossilator. Al igual que sus primeros antecesores es un sintetizador de señales que pueden atravesar varios tipos de efectos, sólo que como un plus que lo pone delante de sus predecesores el Kaossilator puede reproducir música de manera continua, ya sea de archivos pre cargados o sonidos creados en el momento, además de poder reconocer y cambiar las escalas de los mismos.

por: Alberto Castro La evolución de la tecnología aplicada a la vida cotidiana tuvo y está teniendo saltos gigantescos desde finales del siglo XIX. De poder imprimir la luz en fotografías a ver imágenes en movimiento hasta tener streams en vivo desde el otro lado del mundo. Era cuestión de tiempo para que ésta llegara a la música y sus instrumentos. Las restricciones físicas que representaban los tubos, cuerdas o membranas han quedado atrás, ahora la exploración y manipulación digital del sonido son parte del futuro de la música.

Para los puristas de la música en su forma tradicional esto podría sonar innecesario o irrelevante al momento de componer, pero conforme avanzan y cambian los estilos musicales, cada vez hay más artistas que encuentran en instrumentos como el Kaossilator una forma de expresión que cumple con sus necesidades; así como la de los escuchas que buscan algo fresco e innovador. Basta ver el éxito de artistas como Muse, donde Matt Bellamy ha

radiografía

con un arpegiador incluido, el cual puede crear armonías perfectas basadas en sonidos o notas ya sean pregrabadas o mediante la entrada MIDI, y producir loops de las mismas.

Bellamy experimentó con el Kaossilator en conjunto con efectos de guitarra, utilizándolo prácticamente como un MIDI, tanto que llegó a la idea que culminó con su propia creación, la guitarra MB-1, que es básicamente un Kaossilator montado en una guitarra tipo telecaster fabricada para él por Manson Guitars.

El Kaossilator tiene su mayor número de usuarios entre los DJs que mezclan y crean sonidos en vivo. Artistas como Deadmau5, quien goza de un gran momento en su carrera, tiene uno en su equipo para sus presentaciones en vivo,; al igual que los multiplatino Daft Punk quienes solían tenerlo en su equipo, por lo menos en su última gira. En México puede escucharse en tracks de algunos exponentes de este género como Nortec Collective o Sussie 4.

Alguien más que adaptó e introdujo estos sintetizadores táctiles a sus creaciones fue Trent Reznor, mente y creador de Nine Inch Nails. Sin duda Reznor es considerado uno de los más creativos e innovadores compositores de su generación, y en sus canciones como actos en vivo utiliza bastante artefactos como el Kaossilator, basta asistir a uno de sus conciertos para presenciar cómo las guitarras estridentes no están peleadas con instrumentos digitales, aunque siendo honestos, la naturaleza del instrumento lo coloca naturalmente dentro de la música electrónica. La última versión presentada por Korg cuenta ya con más de 100 programas diferentes, en su mayoría sintetizadores y efectos de sonido, e incluso sonidos de instrumentos análogos como guitarra, trompeta o piano, lo que lo convierte potencialmente en un instrumento más cuando así sea requerido. Las secuencias de ritmo con capacidad de loop hacen que se puedan ir ‘encimando’ sonidos hasta producir prácticamente una canción con varias capas de sonidos e instrumentos con tiempo y escala tonal perfecta. Todo esto sería suficiente, pero además cuenta

En cuanto a si se puede utilizar el Kaossilator para crear todo un disco, y no sólo como apoyo o recurso, la respuesta fue dada hace unos años por Gary Kibler, compositor de música para cine, televisión y videojuegos, en su mayoría por encargo de la compañía Sony, entre sus trabajos se encuentran los soundtracks de éxitos taquilleros como “Pirates of the Caribbean”, “The Last Samurai” y “Batman Begins”. En 2007 Kibler se dedicó sólo a un proyecto, hacer un disco utilizando única y exclusivamente el Kaossilator de Korg. El resultado fue el llamado The Yellow Album, disco de 18 tracks que rápidamente tomó popularidad en la red, llegando a 250,000 descargas hasta la fecha e incluso, llegando a las principales tiendas en línea como Amazon y iTunes. De hecho la marca Korg manifestó públicamente su agradecimiento y admiración hacía Kibler, por mostrar las capacidades de su instrumento, y hacerlo un dispositivo popular entre los creadores de música.

Sin duda el Kaossilator es uno de los mayores ejemplos de hacía donde puede dirigirse la creación y composición musical en el futuro, el hecho de poder tomar las estructuras conocidas y manipularlas de forma que se consiga algo nuevo e inspirador para nuevas generaciones es algo que se busca en cualquier ámbito, y en la música no ha sido la excepción. Esperemos entonces a ver qué nos depara la evolución de los instrumentos como los conocemos.

FACTS El Kaossilator elimina en automático cualquier nota fuera de la escala establecida. En la segunda versión incluye una ranura para memoria microSD en la que se pueden grabar las sesiones (.wav) para reproducirlas en cualquier medio. La versión PRO contiene más de 250 programas precargados, organizados por género y musical. En la convención NAMM de 2010 fue de los productos que más revuelo causo, los críticos y vendedores presentes comentaban que se vendería como pan caliente, tenían razón. Gracias a la tecnología PCM el Kaossilator es uno de los dispositivos que realiza los patrones de ritmos con sonido más real, suena igual que una batería completa.

tomado su experiencia y estudios en música clásica para combinarlos con instrumentos y procesadores nuevos, y crear un estilo propio que lo ha llevado a recorrer el mundo con sus composiciones.

R.i.p

BURTON

You don’t burn out from going too fast. You burn out from going too slow and getting bored.”

sesenta y cuatro

por: Alberto Castro

a música y sobre todo el rock and roll crea figuras que nos parecen inmortales, o por lo menos con algún don que hace que mientras estén en ese pedestal nada les pueda pasar. Es decir, imagina que tienes 24 años, estás en gira con tu banda para promover su esperado tercer disco, el cual es aún mejor que los primeros dos, incluso Ozzy Osbourne los invitó a acompañarlo en su gira, estás en la cima del mundo, nada puede salir mal. El 27 de septiembre de 1986 a las 6:15 a.m. Metallica y su talentoso bajista Cliff Burton comprobaron que aun en la cima del éxito existen las tragedias. Metallica se encontraba en Estocolmo, Suecia, como parte de la gira Damage Inc. que promovía su tercer disco el Master of Puppets, el cual fue recibido bastante bien por fans y críticos, era su mejor trabajo hasta el momento, y en gran parte por las composiciones y arreglos de Cliff Burton, bajista nacido en San Francisco y que la banda reclutó desde la primera vez que lo vieron tocar en 1983. Las influencias de Burton iban desde Rush, Black Sabbath y Aerosmith hasta Motörhead y por supuesto los Misfits. Esta combinación sumada a su gran talento lo convirtió en un bajista único que sigue influenciando a nuevos músicos. La banda había terminado el show de la noche anterior con Fight Fire with Fire, canción que abría su segundo disco Ride the Lightning, y que se convertiría en la última canción que Burton tocaría. En el camino entre Estocolmo y Copenhague, la banda viajaba en el autobús que se les había asignado, del que se habían quejado por incómodo ya que las literas no alcanzaban para todos los ocupantes y algunos tenían que dormir en los cubículos de enfrente. Esa noche el guitarrista Kirk Hammett y el mismo Burton estaban jugando cartas para pasar el rato, apostando la litera de Hammett en el autobús, Burton ganó sacando un as de espadas.

Poco antes de las 7 de la mañana fueron despertados por un estruendo que siguió a la volcadura del autobús, Lars Ulrich relata que parecían ropa dentro de una lavadora dando vueltas dentro del camión maltrecho. Al detenerse todos salieron corriendo a la helada carretera donde desconcertados le gritaban al conductor culpándolo del accidente. Entre este caos Hammett se percató que todos estaban afuera excepto Cliff, cuando voltearon se dieron cuenta que el camión lo había aplastado, dejando ver sólo sus piernas que salían por debajo del mismo. Al parecer durante las volteretas Burton salió disparado por una ventada para después ser aplastado por el autobús. La banda y staff intentaron levantar el camión pero este resbaló cayendo nuevamente sobre el cuerpo del bajista. Hetfield inmediatamente confrontó al conductor culpándolo por lo ocurrido, quien se defendió diciendo que había chocado con un bloque de hielo, mismo que el vocalista fue a buscar a la carretera, nunca vio ningún bloque. No había nada que hacer, Cliff Burton había muerto al instante. La noticia conmocionó al mundo del metal quienes se mostraron incrédulos y enojados por las condiciones en las que habían ocurrido los hechos. Los miembros de Anthrax dedicaron su álbum Among the Living a la memoria de Burton. Así mismo, su ex compañero Dave Mustaine compuso la canción In my Darkest Hour en honor a su amigo. Burton fue cremado y sus cenizas esparcidas en el rancho Maxwell en California, mediante una ceremonia donde al final se escuchó su obra maestra, Orion del Master of Puppets. Una lápida en memoria de Burton fue colocada cerca del lugar del accidente en la cual se puede leer: “Cannot the Kingdom of Salvation take me home”, letra de To Live is to Die, homenaje póstumo que Metallica compuso en su honor.

10/02/1962-27/09/1986