Sabotage Mag. No-23 by Sabotage Magazine

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EDITOR

Max Olvera

max@sabotagemagazine.com.mx

COORDINADORA EDITORIAL

Andrea Paz

andrea@sabotagemagazine.com.mx

JEFE DE INFORMACIÓN

Rocco Portillo

rocco@sabotagemagazine.com.mx

COLUMNISTAS

Elán Nena mounstruo CORRECCIÓN DE ESTILO

ENTRE EL PLAY Y EL STOP

Mauricio Alvarado DIRECTOR DE ARTE

Daniel Padilla

daniel@sabotagemagazine.com.mx

ILUSTRACIÓN emos escuchado hasta el cansancio todas las formas en las que va cambiando el mundo de forma tan inmediata, que basta con cerrar los ojos un par de segundos y ya estamos en otro tema. Y de la música ni hablar, algún día saldrá un estudio en el que nos digan cuántas canciones se lanzan por minuto. Nuestra banda de portada han sido de esas agrupaciones que nos han abrazado durante años con sus riffs hasta la locura. The Black Keys ahora ocupan un lugar diferente en nuestro corazón; dejaron de hacer rock sureño para evolucionar hacia un lado más electro, más suave, más “digerible”. En este número 26 de Sabotage escuchamos Turn Blue una y otra vez para saber qué les pasó en el camino y compartir con ustedes ese sentimiento cuando aquel lugar en el que estabas seguro con ellos ya no es el mismo. Y ya entrados en el sentimentalismo, recordamos algunas bandas como los White Stripes, My Chemical Romance, The Rapture, LCD Soundsystem, REM y The Libertines que al separarse dejaron un hueco en la escena musical que nadie podrá ocupar jamás… Sí, ya supimos que The Libertines han vuelto, pero cuando esta revista se estaba preparando Pete Doherty seguía en algún rehab. También tuvimos una plática con los chicos de Calle 13, The War on Drugs, Neon Indian y Ema, proyectos que han crecido de forma inesperada pero afortunada para todos. Tune-Yards, Wolfmother y Lykke Li también ocupan estas siguientes páginas. Sí tú que tienes en tus manos esta nueva edición te gusta cerrar los ojos y dejar que el mundo siga y siga, cada uno de los artículos que preparamos son la mejor forma que tenemos para acompañarte en esas pausas que inevitablemente, todos necesitamos. No sin antes dejarte como ya es costumbre nuestras recomendaciones en discos, libros, la escena underground y nuestros nuevos lugares favoritos para pasar el fin de semana en la ciudad. Sabotage va al ritmo al que se está moviendo el mundo, pero seguimos siendo de los que nos tomamos descansos para hacer otro número más.

MAX OLVERA

Editor SABOTAGE MAGAZINE

EseMister Gabo Mendoza Hello Sobre PJstock & Andhie chai Sergio Saucedo FOTOGRAFÍA

Happy freaks factory Esteban Calderon COLABORADORES

Alberto Castro Emilio Revolver Eunice Victorino Juanma Borbolla José Contreras Luis Palmeros Rafa Martínez Rodrigo Prieto Victor López Velarde EDITORA WEB

Magalie Torres

magalie@sabotagemagazine.com.mx

COLABORADORES WEB

Andres Díaz Nava Sebastián Olmedo RELACIÓNES PUBLICAS

Oyuki Aceves

oyuki@sabotagemagazine.com.mx

LEGALES Sabotage Magazine, Año 3, No. 26, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: No. en trámite, certificado de licitud de titulo y contenido (CCPRI) No. en tramite. Registro de marca: folio: 1385552 y 1345924, Impresa por Litografía Gil S.A. Toctecas No.169 Colonia San Pedro de los pinos, Álvaro Obregón, 01180 México D.F. Distribuidor: Comercializadora Pernas y CIA S.A. de C.V. Poniente 134 No. 650 Col. Industrial Vallejo, C.P. 02300 Deleg. Azcapotzalco México D.F. Este número se terminó de imprimir el 28 de mayo de 2014.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.

EJECUTIVO COMERCIAL

Alberto Espinosa Muñoz

alberto@sabotagemagazine.com.mx

PRODUCTOR DE EVENTOS/BTL

Happy freaks factory PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL

Sol Sours

BACK

F E AT U R E S

Soundtrack Around the wolrd

14 16 18

The horrors

San Miguel

Ema

The black keys

Coachella

Tune-Yards

Wolfmother

Lykke Li

Calle 13

Hijos de bandas

Neon indian

The war on drugs

El álbum

Reportaje

Meanwhile

Underground

Rip Cuento

79 80

nofm-radio.com #sabotageradio

@sabotage_mag

Séptimo arte Cultura

SabotageMagazine

04 06 08 10

www.sabotagemagazine.com.mx

FRONT

Zoom out Newsletter Discos Diván

Zoom out

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SALVADOR DALÍ Y ALICE COOPER ALICE COOPER’S BRAIN

as extrañas y fascinantes coincidencias en el mundo de las artes siempre son dignas de relatarse sólo por eso, por dato curioso. Imaginemos la escena: por allá de los años setenta, Salvador Dalí, la leyenda del surrealismo pictórico que magnificó una etapa del arte en el marco de la modernidad, asiste a un concierto de Alice Cooper, el mítico personaje que encumbró el llamado shock-rock, del cual fue emblema y estandarte. Se conocen y ambos quedan sorprendidos con la personalidad del otro. Así, dos personajes con imaginaciones por demás trascendentes, complejas y exuberantes, entablan un amistad que nadie imaginaba. 04

Gacetilla

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i nos pusiéramos a contar la cantidad de exitosos proyectos que han salido después de que una mente creadora saliera de una exitosa banda, no acabaríamos en varios días. Hay muchos ejemplos famosos de los que se han desprendido solistas y hasta bandas como ramificaciones, estos son apenas 5 nuevos (algunos no tanto) que este año nos han sorprendido con lo que están entregando.

KIM

DEAL

La ex bajista de Pixies y líder de The Breeders ha puesto en escucha tres singles de 7 pulgadas con videos grabados con su celular, “The Root”, “Hot Shot” y “Walkin With a Killer” y han sido puestos a la venta por separado, pues aún no hay planes de tener un disco oficialmente.

JAMES BLAKE CHANCE THE RAPPER

on la oleada de nuevas colaboraciones entre músicos de distintos estilos, el rapero norteamericano y el nuevo icono del post-dubstep inglés, se han unido para crear un nuevo sonido que emerja del género que los caracteriza a cada uno. Recientemente sacaron a la luz el remix de una canción de Blake llamada “Life Round Here” pero ahora llamada “Save Yourself First” con toques ácidos de rap. Y debido a la sintonía en la que se encuentran están planeando la producción de un disco completo en Los Ángeles. El único que ha hablado al respecto de las colaboraciones es Chance de Rapper escribiendo “This was the og idea for me and James’ first collaboration”, a través de su cuenta de Twitter. Por el momento no se han revelado detalles sobre el nuevo dueto.

TAYLOR AVEY HAWKINS

El baterista de Foo Fighters anunció el lanzamiento de su disco debut The Birds Of Satan, en el que está acompañado por Wiley Hodgen y Mick Murphy; además de la participación de Dave Grohl y otros artistas. La placa contendrá 7 tracks y ya está disponible en tiendas digitales. En 1 0 1 D á l m a t a s y P e t e r P a n , los padres están presentes y no mueren en la película.

TARE

El integrante de Animal Collective forma parte del trío Slasher Flicks al lado de Angel Deradroorian (Dirty Projectors) en los teclados y Jeremy Hyman (Ponytail, Boredomsy Dan Deacon) en la batería. Recientemente han puesto a la escucha sólo dos canciones. En C a s a b l a n c a , Humphrey Bogart nunca dice la frase “Play it again, Sam”.

Discos

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JOAQUÍN GARCÍA & THE LOCAL UNIVERSE THE LOCAL UNIVERSE 8.0

Rocco Portillo

ay una escena creciente en nuestro país impulsada por jóvenes que no piensan en términos patrióticos y crean arte sin conceptos arcaicos como el rock en tu idioma. Joaquín García es uno de los ejemplos más claros. ¿Cuál es ese universo local? Es un experimento sonoro de gritos emocionales de este joven, algo tan básico como una canción de folk y tan inmenso como una pregunta. En tan sólo siete canciones hay una cantidad de influencias dignas de celebrarse, entre ellas folk, un hombre y su guitarra cuestionándose con particular voz donde hay rastros de Nick Drake, Destroyer y una sensibilidad pop que igual podría compararse con aquella de Damien Rice.

Newsletter

TUNE-YARDS NIKKI NACK 7.0

Alberto Castro

er r ill Garbus ha logr ado su trabajo más excéntrico experimentando con diferentes tipos de percusiones, influenciada por Haití. Merrrill tiene un mayor desarrollo como cantante demostrado por los matices y flexibilidad de su voz a lo largo del disco, aunque lleva el sello clásico de la banda con ritmos frenéticos y cuerdas alocadas, pero al mismo tiempo nos muestra que la voz puede pasar por una melodía lenta y cadenciosa llegando a puntos altos con los clásicos aullidos de la vocalista. No se puede negar que el resto del disco es creativo, aunque resulta frustrante que la mayoría de los tracks parecen llevar a un clímax que nunca llega.

BLACK KEYS TURN BLUE 6.8

Rocco Portillo

esde el A t t a c k & R e l e a s e hasta E l C a m i n o la relación con Danger Mouse ha sido tan fructífera al grado que ahora Mouse es un integrante mucho más importante de la banda que el mismo Patrick. Si B r o t h e r s fue el álbum en el que reforzaron su arsenal instrumental, en esta ocasión queda marcado que ya no es una agrupación de guitarra, batería y voz. Las líneas de bajo toman protagonismo en varias canciones y casi se puede ver a Danger tocando los riffs de sintetizador y Auerbach sigue siendo conmovedor en su falsete. Tu r n B l u e muestra que en la evolución se perdió la esencia, lo cual no suena mal pero, ¿dónde quedaron aquellos Black Keys?

SWANS TO BE KIND 8.0

José Contreras

aciente pero con una furia destructiva en potencia, abre este álbum visceral que raya en el metal progresivo al estilo Primus, con dos horas continuas de altibajos experimentales. La combinación que manejan entre sonidos industriales crudos, guitarrazos y tambores martillantes, vocales entre susurrantes e iracundas, ruidos inesperados y sonidos ambientales profundos, te transportan a veces a paraísos tóxicos surrealistas y en ocasiones te remontan a rituales y ofrendas a Nergal, dios babilonio de los muertos. Todo el disco tiende a la fealdad y disonancia estética como lo ha hecho anteriormente Michael Gira: sucio y malviajoso.

Todos los relojes en P u l p F i c t i o n están detenidos marcando las 4:20.

En The Wizard of Oz el salario del perro Toto era de 125 USD.

Discos

Newsletter

THE HORRORS LUMINOUS 7.0

Andrea Paz

n el fondo nunca han sido una banda pesada y oscura de post punk; lo que en realidad saben hacer es pop cósmico y ahora se muestran cómodos en el suave shoegaze. Han regresado siguiendo el camino del disco anterior, con el que no rompen abrumadoramente en sonidos caóticos, y con la notable diferencia de que en L u m i n o u s los detalles electrónicos son más marcados. Es un placa que comienza suave y se desarrolla en canciones pop sin coros pegajosos, por lo que nos dejan hacer comparaciones inevitables con la oleada de dream rock y psicodelia, específicamente de Whaseout.

LYKKE LI I NEVER LEARN 7.0

Rocco Portillo

lo largo del álbum hay una sensación de freno, las letras son muy desgarradoras como es costumbre, pero la producción ensombrece los arreglos musicales. Como si fuera un mecanismo de prevención para que las canciones no se conviertan en melodías de pop, existe una pared de sonido en la que todos los instrumentos desvanecen su personalidad en un solo matiz. “Gunshot” es de las pocas que se libra de esta pared, pero se convierte en algo que podría ser cantado por Ellie Goulding o Adele; pareciera que Lykke Li nada más está cantando este disco detrás del telón, confesando su dolor sin que podamos presenciarla.

En 1967 Pete Townshend destruyó su guitarra en el mismo festival que Jimi Hendrix.

MICHAEL JACKSON XSCAPE 5.4

Andrea Paz

ove Never Left So Good” como apertura es gratificante, pero Xscape no es nada más que el rescate de excelentes canciones pop que Michael grabó en sus mejores momentos (1983-1999) y ahí es donde reside lo bueno del material. Está todo lo extraordinario de D a n g e r o u s y Bad, esto es un puente en este 2014 a lo grande su carrera. Con la producción se limpiaron elementos de los 80 y 90 que hoy no funcionan, dejando la espontaneidad y pasión en la voz, sintetizadores que juegan todo el tiempo con la armonía y la cantidad exacta de R&B. El reconocimiento que el material merece es gracias a la fidelidad de la nostalgia y al plus como es la intervención de Justin Timberlake.

Elvis Presley coleccionaba placas de policía, tuvo las de casi todos los lugares donde se presentó.

COLDPLAY GHOST STORIES 7.4

Magalie Torres

ay algo de cierto cuando dicen que es una de las bandas más grandes de este siglo, ya sea por carisma, por grandiosidad, por publicidad pero lo son. Si regresamos en el tiempo, Parachutes y A Rush of Blood to the Head son la mamá y el papá de G h o s t S t o r i e s pero sin el hambre de sobresalir. Se acabaron los beats poderosos como en “Politik” o “Clocks”. Es un disco que si lo diseccionamos es casi perfecto, la producción no tiene un error, Chris Martin doma sus demonios y canta desde el vacío pero sin dejarse caer como a principios de los 2000. Es un disco ejecutado impecablemente por una banda que sabe que ya tiene su lugar en automático, pero al final lo perfecto no define lo que será memorable.

Diván

Newsletter

Eunice Victorino

PERDIDA GILLIAN FLYNN. RANDOM HOUSE 2014

l fenómeno policiaco llevó a Gillian Flynn a estar en los libros más vendidos del año pasado. Ésta es la historia en paralelo de un matrimonio aparentemente estable, sólido y amoroso que con la desaparición de la esposa el marido vive días en el infierno sin saber qué paso con ella. Conforme la trama avanza descubrimos una historia llena de mentiras, traición y venganza. La película será llevada al cine por David Fincher y musicalizada por Trent Reznor. Uno de los mejores thrilles escrito de los últimos tiempos que te hará perder el aliento en cada hoja.

LA GENTE FELIZ LEE Y TOMA CAFÉ AGNÉS LAUGAND. ALFAGUARA 2014

iane, que tras la muerte de su marido y de su hija en un accidente, no es capaz de reemprender su vida, mucho menos de amar; su único anclaje al mundo real es su amigo Félix, copropietario del café “La gente feliz lee y toma café”, en el que Diane no ha vuelto a poner los pies. Sin embargo, cree que debe darse una nueva oportunidad, así que se instala en un pequeño pueblo de Irlanda para encontrarse con Edward, quien muy pronto despierta en Diane ira y odio. ¿Cómo hacer posible que esos sentimientos violentos se transformen en amor? ¿Y qué hacer luego con ese amor?

TOMAS PYNCHON Ingresó a la universidad buscando titularse como ingeniero pero decidió cambiar de carrera y estudiar literatura. Interrumpió la universidad para unirse a la naval norteamericana, experiencia que se ve plasmada en su novela V.

LOVE LETTERS TO THE DEAD AVA DELAIRA. MACMILLAN 2013

hbosky mismo alabó el debut de Dellaira declarando su fascinación por la historia de Laurel; una chica de catorce años que comienza a escribir cartas a personas muertas que significan algo en su vida. Las cartas son dirigidas a diferentes personajes, desde Kurt Cobain, River Phoenix y Amy Winehouse, quienes le recuerdan la temprana y trágica muerte de su hermana May, hasta Janis Joplin o Elizabeth Bishop a quienes descubre gracias a su nuevo círculo de amigos en la escuela. Gracias a estos personajes afronta la realidad después de la difícil pérdida de su hermana.

Trabajó para la empresa aeronáutica Boeing redactando y compilando artículos acerca de la seguridad en aeronaves. Hay pocas fotografías suyas, ha vivido en reclusión durante décadas. Se creía que él y J.D. Salinger eran la misma persona. Ha aparecido en T h e S i m p s o n s usando una bolsa de papel en la cabeza, como referencia a su negativa de mostrarse en público. A finales de 2014 se estrenará la versión fílmica de su novela I n h e r e n t V i c e , dirigida y adaptada por Paul Thomas Anderson. En 1974 se revocó su premio Pulitzer con Gravity’s Rainbow debido a que el jurado consideró la obra como obscena. 10

ACORN YOKO ONO. AGUILARA 2014

a artista conceptual, vanguardista en el mundo de la música, la literatura y las artes plásticas, Yoko Ono, entrega en este libro una alucinación hecha poesía con pensamientos acompañados de dibujos mágicos que son, al mismo tiempo, geometría de pensamientos y cuerpos que danzan indolentes. El objetivo, la esencia del amor, la amistad, la existencia, la naturaleza y el misterioso oficio de vivir y trascender. Acorn es indudablemente una muestra de arte-objeto excepcional, acompañados de mantras de la posmodernidad, acertijos de los sueños, invocaciones y deseos.

Cine

Víctor López Velarde

Newsletter

NENA MOUNSTRO

QUE NUNCA FALTE...

se o esa unfuckable con el que algunas vez salimos esperando tener una cita llena de besos salvajes, momentos incómodos en el asiento trasero de un coche y coqueteos violentos en los cuales, después de esforzarnos al máximo en nuestra vestimenta, sólo pensamos en una cosa toda la noche: “en el piso, donde sea, pero tómame” (como bien nos enseñó La Sonora de Margarita) y resulta que esperamos y esperamos y tendremos que seguir así, porque el unfuckable no para de hablar y parece que lo único que le interesa es hacernos saber lo inteligente y erudito que es en un tema. También le gustamos, también nos desea de una manera que no está permitida expresarla en letras, pero el unfuckable no alcanza a dimensionar el tsunami de palabrerías que nos está matando la libido a hachazos al darnos fechas exactas y nombres de los jugadores que fueron al Mundial de 1955, o hablarnos de la obra completa de Michel Houellebecq. No queremos su sabihondés ni que nos deje pasmados con todos los datos inútiles que le salen de la boca como vómito de exorcismo. Queremos que nos salte encima y nos recuerde que a veces sólo queremos ser un pedazo de carne para que el tigre se la devore. En los caminos del encantamiento ya habrá tiempo para escucharlos hablar de todo eso que saben. En los rincones del enamoramiento siempre hay un momento para admirar a ese sabelotodo que nos habla de arte y ciencias, pero mientras haya cuerpo que sobren las palabras. En el coche o donde no nos lleve la patrulla pero tómennos y dejen de ser unos unfuckables.

GRACE DE MÓNACO OLIVER DAHAN

MALDITOS VECINOS NICHOLAS STOLLER

or estas fechas no puede faltar la comedia simple y dispuesta a atrapar aquellos paladares que sólo buscan evadir el aburrimiento acompañados de palomitas. Aunque probablemente pasa desapercibida ante otras opciones, puede ser el filme perfecto para pasar un buen rato sin poner a trabajar la cabeza y simplemente dejarse llevar. Además las fanáticas de James Franco encontrarán un pretexto para ir al cine independientemente que no sea un título imprescindible y que probablemente sea rápidamente olvidado.

espués de la decepcionante telenovela que resultó de “Diana”, Hollywood tendrá la oportunidad de enmendarse con este filme que narra la historia de otro importante personaje de la realeza: Grace de Mónaco. La película retratará esa lucha interna del personaje por decidir entre seguir despuntando su talento o asumir el papel de realeza y quién mejor que la talentosa Nicole Kidman (inconveniente, ¿actriz australiana interpretando a un ícono británico?) para interpretar a un personaje de tanta carga dramática.

MALÉFICA ROBERT STROMBERG

espués de ser toda una heroína de acción, Angelina Jolie se viste de villana interpretando a uno de los personajes consentidos de Disney : Maléfica. Ante la reciente fiebre de realizar nuevas versiones teen de cuentos de hadas, ahora podemos ver la otra par te de la historia. Esta vez habrá que averiguar qué tan pop y fresa resulta esta reversión de L a b e l l a d u r m i e n t e , que demostrará que Jolie sigue siendo sexy incluso interpretando a la villana en turno. Historias como Aladino y la l á m p a r a m a r a v i l l o s a no pertenecen a Las mil y una noches.

Newsletter

Cine

A MILLION WAYS TO DIE IN THE WEST SETH MACFARLANE

l gran comediante Seth McFarlene propone otro de sus argumentos absurdos que al parecer suelen hipnotizar al público americano, pues nadie daba crédito a que Ted lograra aquel éxito en taquilla y consiguió sobrepasar la misma. La historia que narra McFarlane en esta ocasión, (una mezcla entr e w es t er n, r omance y comedia) cuenta con el comodín de tener un interesante reparto, que incluye los rostros de Charlize Theron, Amanda Seyfried, Liam Neeson y Neil Patrick Harris entre otros.

DISTRITAL CINE Y OTROS MUNDOS DEL 3 AL 8 DE JUNIO 2014 Distrital es el festival de cine para la ciudad de México, que propone vivir una experiencia estética más allá de las pantallas. Llega su nueva edición con un puñado de propuestas fílmicas. Les Rencontres d’après minuit | Yann González | Francia Una pareja y su sirvienta travesti planean una orgía, así que antes de entr ar en mat er ia, deber án conocerse unos a otros. Tránsito | Antonio Hernández Martínez | México

AL FILO DEL MAÑANA DOUG LIMAN

X-MEN: DAYS OF THE FUTURE PAST BRYAN SINGER

l plato fuerte lo tenemos en esta esperada pieza de la popular saga de superhéroes más alternativos a los acostumbrados, en lo que podría resultar ser el hit y la sorpresa de la temporada. Lo que hace especial a la cinta es que narrará acontecimientos y batallas transcurridos en tiempos distintos, por lo que podremos ver a personajes de las dos generaciones de X-Men, así que Hugh Jackman, Jennifer Lawrence y Halle Berry harán vibrar la pantalla que de seguro será uno de los blockbusters del año.

uienes sean fans del cine de acción, historias que se desarrollen en el futuro y de Tom Cruise, sin duda encontr ar an todo lo que buscan en esta película, en la que el ya veterano actor no desiste de seguir pateando traseros, esta vez al lado de la guapa Emily Blunt. Nuevamente se traza el ya algo gastado argumento de ser humano que se enfrenta a una tecnología que lo supera, pero será interesante ver los efectos visuales que tienen preparado para esta historia de explosiones y catástrofes. Ernest Hemingway tenía en casa el urinal de su bar favorito.

Grabada en Barcelona, Marruecos, Rusia, el Sahara y un crucero por el Caribe, la película reflexiona sobre aquello que se abandona y se pierde cuando se migra a otras tierras. Mistaken for Strangers | Tom Berninger | EUA Tom Berninger narra lo que sucedió durante la gira del grupo The National por Estados Unidos, banda liderada por su hermano, Matt. La más macabra de las vidas | Kikol Grau | España Es la historia de Eskorbuto, el grupo punk bilbaíno que revolucionó la música a principios de los ochenta y que se ha convertido en una leyenda de la contracultura del estado español. 13

Arte

Cultura colectiva

Newsletter

FANNY SIMONE YVETTE GELLY CONFESSION, CONFUCION

esde hace algunas décadas hemos sido testigos de un cambio de rumbo que marca una nueva manera de habitar el espacio: el que construimos, el que nos habita, y a la vez contiene, y el que expresa lo que (tal vez) somos.

La exposición de Fanny Simone Yvette GELLY (Francia, 2014): C o n f e s s i o n , c o n f u s i o n se compone de 25 piezas entre pintura, escultura e instalación. Su obra parte de una base conceptual desde lo biográfico; toma como ícono la representación de la Virgen María, pues ésta significa una mujer multifacética y multidimensional, quien, una vez que se convierte en madre, se percibe fuerte y autosuficiente. La mujer tiene una fuerza propia que rara vez descubre; su autosuficiencia parece doler cuando comprende dentro de su instinto la función reproductora, y aún más al reconocer que necesita del “Dios” masculino para completarse. La exposición, montada en CC186 hasta el 14 de mayo, indaga la virtud del amor carnal excluido en el ciclo natural del ícono de la Virgen María, el que da como fórmula (la pareja +1). Y aunque es sólo una imagen, su historia está en el inconsciente colectivo como un ejemplo de adoración y admiración.

Tomó como ícono a la Virgen María porque ésta representa la visión personal que desea: una mujer multifacética y multidimensional, palabra que, según las escrituras, se refiere a la composición del ser humano: cuerpo, alma y espíritu. Estos aspectos la hacen completa pero también fragmentada, pues a pesar de poseer una imagen asexual se convierte en madre, creando el espacio para la divinidad gracias a la ausencia masculina. Fanny se reconoce como una mujer quien busca la narrativa de sus propias necesidades, explorando su interior sin temor a consecuencias, materializando sus sueños con distintas técnicas dentro del espacio que ha elegido para ser. Toma, finalmente, la imagen femenina porque admira las infinitas posibilidades de representarla y explorar su interior sin consecuencias, reconociéndose como una mujer que busca la narrativa de sus propias necesidades a partir de sueños materializados en distintas técnicas dentro del espacio que ha elegido para ser. 14

Newsletter

Arte

Soundtrack

Andrea Paz

Elote films

Spotify es un splash verde que se ha ido expandiendo a lo largo del mundo

SPOTIFY

MÉXICO

SI CUMPLES AÑOS VIRTUALES,

¿CUMPLES AÑOS EN REALIDAD?

Soundtrack

SPOTIFY

e s d e q u e St e v e J o b s c a m b i ó el mundo con la digitalización musical, nada ha vuelto a ser lo mismo. Y como todo siempre se puede mejorar llegó una plataforma que no sólo nos simplifica la vida, sino abre un panorama de propuestas musicales que parecían irrealizables: Spotify Recientemente se ha festejado el primer año del lanzamiento de Spotify en México. Esta plataforma surgió en 2006 para el continente europeo. Spotify es un splash verde que se ha ido expandiendo a lo largo del mundo y ahora cuenta con disponibilidad en 56 países, con el objetivo de que sean 100 para fines de este 2014. “Desde que se supo del funcionamient o y de t odas las posibilidades del ser vicio, aquí se comenzó a usar con un IP extr anjero. Ahor a tenemos todas las licencias para que su uso en México sea regulado y los beneficios de usuario sean los más”, aseguró A dr ián P er eg r ino, dir ect or de v ent as de Spotify en México para Sabotage, en el marco de los festejos de su pr imer aniversar io. Daniel Ek , CEO de la compañía, hace 8 años tuvo la iniciativa de darnos la opor tunidad de acceder a la música de for ma difer ente: a tr a v és de una nube y gratuita. De esta forma Spotify tiene un ser vicio llamado Freemium que consiste en tener el ser vicio de forma g r atuit a sos t enido por publicidad (3 minut os de comer ciales por hor a de reproducción) o bien el Premium, donde pagas cerca de cien pesos al mes por 28 millones de canciones y no sólo eso, sino que tus playlist las puedes escuchar en modo off line.

Actualmente el número global de la empresa es de 300 contratos con disqueras, el 85% viene de los sellos más grandes, pero se han sumado otras más pequeñas e independientes que tienen joyas entre sus artistas como Arts&Crafts, por ejemplo. Pues con la forma como se están moviendo y resurgiendo las disqueras esta es una buena oportunidad para que se dediquen al marketing. “Los ar tistas están empezando a entender que Spotify no es una plataforma de la que puedan obtener millones, tienen que pasar por filtros de la disquera. Es muy importante que entiendan que nosotros también somos una plataforma de promoción. Antes tenía que haber muchos factores involucrados para que un disco se v endier a, como estar sonando en radio, contar con un proyecto fuerte de marketing, un buen manager, etc., aquí la diferencia es que vas a pagar el track por separado en las tiendas digitales. Aquí no van a comprar tu disco entero pero te v an a escuchar en 56 países, v as a ganar dinero de eso, van a escuchar tu catálogo y te vas a dar a conocer con alguien que no era tu fan, lo que desemboca en que compren el boleto para una de tus presentaciones -que es de lo que realmente viven las bandas ahora, de los conciertos y de su mercancía”. Es así que con plataformas como éstas el negocio de la música vuelve a ser un modelo de 360- para todos los involucrados, como en los años 70, sólo que expuesto a niveles estratosféricos. “Hasta el momento Spotify está disponible en 56 países, se ha sumado Filipinas y el lanzamiento más import ant e ha sido el de México, tiene el récord en su historia”.

el lanzamiento más importante ha sido el de México, tiene el récord en su historia

Around the world

Andrea Paz

Newsletter Durante 2012 y 2013 fue el país más feliz del mundo.

COLOMBIA

En Colombia un árbol crece tres veces más rápido que en Chile, nueve veces más rápido que en Canadá, lo que convierte a la nación en una potencia forestal. Su carnaval de Barranquilla fue declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad. Cada año acuden más de un millón de personas.

En pleno Mundial, estos son algunos de los países que encabezan la tabla de los mejores equipos, pero hay más detrás de estas naciones que solo el futbol

El vallenato es su género musical más representativo, siendo Otto Serge y Rafael Ricardo los mejores exponentes.

CAMERÚN

Fernando Botero sigue siendo el pintor y escultor más famoso de los últimos tiempos, por representar a la cultura de su país con personajes gordos.

En este país es bastante normal que en casas o lugares públicos la tv y el radio estén prendidos al mismo tiempo. Quizá les gusta ver las imágenes con sus propios ritmos.

Mongo Beti es uno de los escritores más representativos de la literatura el África negra, su obra R e m e m b e r R u b e n es considerada todo un clásico en el tema.

ESPAÑA

Ha contribuido al arte con artistas como Dalí, Picasso, Gaudí y Goya. Actualmente Manolo Valdés es de sus pintores más importantes.

Richard Bona es uno de los máximos representantes del jazz y de la ejecución del bajo eléctrico, tiene un talento natural para aprender a tocar cualquier instrumento con tan sólo mirar cómo se hace. Hay unas 250 etnias que hablan alrededor de 270 lenguas y dialectos, aunque el inglés y el francés son las dos lenguas oficiales.

La segunda obra más cara en la historia es E l S u e ñ o (1932) de Salvador Dalí, que fue vendida en 155 millones de dólares. Columpio Asesino, Triángulo de Amor Bizarro, Vetusta Morla y Love of Lesbian son de las bandas más importantes que esta nación ha exportado al mundo del rock.

El presidente de Camerún decretó un día de fiesta nacional cuando su selección logró clasificarse para el mundial de España por ser la primera vez que lo conseguían.

ITALIA 18

Ganaron su primer título mundialista en Sudáfrica 2010.

Durante su mandato, Benito Mussolini mandó a enderezar la Torre de Pisa sin conseguirlo. Además, en el mismo campo hay otras dos torres con la misma característica.

Los premios Goya son el equivalente a los Óscares para el cine español, creados en 1987.

El futbol es heredero de las batallas campales del siglo XV cuando los partidos eran entre varios equipos con cerca de 100 jugadores cada uno, sin porterías y sin árbitro.

Newsletter Su gastronomía es considerada de las más sanas y nutritivas. Cada comida es acompañada con té.

JAPÓN El parque Aokigahara es la meca de los suicidios, incluso hay novelas en las que se cuenta el por qué el bosque está maldito y habitado por fantasmas.

El Sumo es su principal deporte y cuenta con sus propias tradiciones pues sólo la élite social puede involucrarse en éste.

El escritor de best sellers Haruki Murakami, después de conquistar Asia ganó fama mundial con su libro“Norwegian Wood”.

Las películas del director Takeshi Kitano son consideradas de culto, además tiene forjada una carrera en el cine como actor, haciéndose nombrar como Beat Takeshi.

INGLATERRA

CHILE Carlos Caszely fue el primero en ser expulsado en el mundial de Alemania 74, donde los árbitros estaban estrenando este sistema de sanción. Pablo Neruda fue considerado: “el más grande poeta del siglo XX en cualquier idioma”, según Gabriel García Márquez. Javiera Mena y Francisca Valenzuela, además de los Bunkers, son los cantantes chilenos que más éxito han tenido a nivel internacional en años recientes. Existe una localidad llamada Peor es Nada, que posee 600 habitantes y se localiza en los campos de la producción frutal. Alfredo Jaar es el artista visual con más aportaciones culturales a su país, a pesar de no haber cursado estudios artísticos. El mundo no sólo le debe muchos avances científicos a Galileo Galilei, sino también el helado en cono y la máquina de escribir. Giambattista Valli es el nuevo icono del diseño italiano dentro de la industria de la moda, en poco tiempo ha colocado su marca en más de 41 países. “Hecha la ley, hecha la trampa”, es la máxima convicción en el país de las mafias, frase casi tan famosa como Mario Bros.

El Globe Theatre London es una réplica del teatro donde se representaban obras de Shakespeare.

El McDonald’s más grande del mundo fue construido aquí para los reciente Juegos Olímpicos.

Las bandas de rock más emblemáticas de toda la historia han sido inglesas.

Kate Moss y Alexander McQueen son iconos de la moda inglesa con más éxito en el mundo.

La colección Harry Potter sigue entre los primeros lugares de ventas en librerías londinenses.

José Contreras

Cortesía de: Terrícolas Imbéciles

The Horrors ha tenido una relación estrecha con la psicodelia en todos sus trabajos.

esde las presentaciones en numerosos festivales en agosto del año pasado, de una de las bandas más influyentes en la escena post-punk actual, sus fans estuvieron esperando escuchar alguna noticia de ellos por casi medio año. El 6 de febrero ocurrió algo grandioso para todos: la revista Fly invitó a The Horrors a participar en sus premia-ciones junto con Thurston Moore, quien se unió a los artistas de Southend-on-Sea para interpretar una increíble canción completamente nueva, titulada ‘I See You’ de la autoría de la banda. A partir de este estreno empezaron los rumores de nuevo material venidero y la inminente llegada de un cuarto álbum. Poco más de dos semanas después, la canción ejecutada por la banda inglesa y el líder de Sonic Youth, fue lanzada oficialmente en una versión de estudio y transmitida en el programa de radio de Zane Lowe, de la BBC. A la par de esto, fue anunciado Luminous, el nuevo álbum de la banda programado para ser lanzado en mayo bajo el sello discográfico de sus dos álbumes anteriores —Primary Colours (2009) y Skying (2011) — XL Recordings. El 17 de marzo, a través del mismo programa británico, se transmitió por primera vez una

segunda nueva canción que será incluida en Luminous, titulada ‘So Now You Know’, y hasta ahora la última publicada por The Horrors. La banda superó las expectativas de los fans con música que no ha dejado atrás el característico estilo oscuro/colorido que había estado manejado desde su segundo y tercer álbum, pero un poco más tenue y bailable, con más sustancia, energía y presencia. Faris dice que este álbum tiene simplemente más de todo, y por eso ha sido hasta ahora el que más le ha entusiasmado lanzar. Las dos canciones publicadas comparten un sonido profundo, así como ingeniosas redes tejidas de sintetizadores a diferentes voces, mismas que se confunden con el timbre electrónico de las guitarras y la sensación de que estás viajando a altas velocidades, a través de colores que van mutando mientras continúas escuchándolo. Badwan comentó en alguna entrevista que su banda siempre ha intentado llegar a la psicodelia a través de la música, y considera a ésta como la idea de la exploración en todos los sentidos, y no t ant o como un estilo estético. Desde sus inicios tenebrosos, The Horrors ha tenido una relación estrecha con la psicodelia, y este disco no es la excepción. 21

El primer sencillo del cuarto álbum de estudio de la banda, ‘I See You’, tiene una duración de siete minutos y medio. Lleva como base una secuencia electro-disco algo noventera que suena desde el principio de la canción, contrastada por guitarras con delay que bien podrían traducirse visualmente en destellos de luz. Todo termina con un pequeño puente constituido por un sintetizador repetitivo y estático que conecta con el desenlace de la canción. Entonces, en los últimos tres minutos y medio los redobles de toms y platillos le dan vigor a las múltiples voces electrónicas, componiendo así una atmósfera que va desarrollándose poco a poco y, conforme lo hace, se aleja cada vez más de toda lógica terrestre. La composición de esta maravillosa canción fue para la banda el camino y la cúspide a la que querían llegar, el alfa y el omega del álbum. Fue la base sobre la cual hicieron las otras nueve canciones y el producto final que querían obtener. ‘So Now You Know’ tiene un ritmo creciente que empieza con esa

moderación casi per fecta y aunque no cambia, v a agilizándose al agregar más elementos a la base de percusiones. La estructura de la canción es sencilla, pero los detalles y sonidos en segundo plano son una compleja y brillante combinación de diferentes melodías que se sobreponen unas con otras. Faris, Rhys, Joshua, Tom y Joe empiezan a trabajar desde la víspera de su esperado álbum abriendo una gira por el mundo. Después de presentarse en una iglesia en Los Ángeles el primero de mayo, y el segundo en el Austin Psych Fest, viajarán a Europa ya con el nuevo disco bajo el brazo para tener una actuación en Kingston, en el club nocturno McCluskys. Ahí empieza su gira por Europa, en donde se estarán presentando en los festivales Field Day y Isle of Wight en el Reino Unido, el Best Kept Secret en Holanda y el Unaltrofestival en Italia. Parte de su gira incluía el festival Sasquatch!, pero toda la segunda semana,

para la cual estaban contemplados, fue cancelada debido al rezago de los fans en la venta de boletos (¿o habrá sido por la impaciencia de los promotores?). Es muy digno saber que una banda tan bien posicionada sigue teniendo hambre de evolucionar y de trabajar, sobre todo cuando se trata de algo tan impredecible como The Horrors, y unas mentes tan enigmáticas y extravagantes como las de sus integrantes. Esa voluntad férrea se refleja en la calidad de lo que han estado haciendo. Existe una diferencia abismal entre su primer trabajo, Strange House (2007), y este último, no sólo en el estilo sino más bien en la calidad de lo que hacen. A juzgar por la información revelada y el par de sencillos lanzados, podemos anticipar que la nueva entrega de esta banda va a ser una pieza brillante como obra completa, con la cual las creaturas provenientes de los abismos más oscuros del reino de las tinieblas se acercan cada vez más a la luz y exploran su fascinante poder catártico.

Existe una diferencia abismal entre su primer trabajo, Strange House (2007), y este último

Andrea Paz

san MIGUEL sOUND FEST Las dificultades que podría presentar un festival nuevo donde nada es como lo esperas y todo puede salir mal.

entro del marco de festivales a nivel nacional e internacional, este año fuimos testigos del nacimiento de uno nuevo: San Miguel Sound. El nuevo festival tuvo una gran ventaja; presentar y traer a bandas que por sí solas no podrían haber pisado nunca nuestra ciudad. Gracias a la visión de los organizadores, de arriesgarse a presentar nuevas opciones, pudimos descubrir a grandes bandas como: Acrylics, Willy Mason, Spank Rock, Win Win, Oh Whitney, o Regime Noir siendo los actos más destacados por sus nuevas propuestas y que valdría mucho la pena buscar y seguir de cerca. La cita fue en la Plaza de Toros en San Miguel de Allende, un lugar pequeño que se encuentra dentro de la ciudad, donde la capacidad máxima era de 4,500 personas, lo cual hacía del recinto un lugar perfecto por la intimidad que daba, siempre nos sentimos entre amigos, 24

en un concierto privado con un cielo lleno de estrellas que los capitalinos tenemos muy poca oportunidad de ver, un lugar pequeño pero ideal para un festival de este tipo, donde la música underground tiene un espacio perfecto para ser vista y escuchada. Los días viernes y sábado transcurrieron como lo haría normalmente un festival de dos días, después todo pareció evaporarse entre domingo y lunes para esperar la llegada del martes, el cierre del festival y la primera presentación de Lorde en México. Los platos fuertes fueron Washedout, Neon Indian, Here We Go Magic, DayDream Nation y Jenny and the Mexicats, haciendo suyas las presentaciones más aplaudidas, bailadas y que atrajeron a la gente para que se quedaran todo el día dentro de la plaza. Hablando de otro tipo de platos había hamburguesas gourmet con

las que cualquiera podría tener una relación amorosa por siempre; comida para vegetarianos, helados artesanales, dulces, galletas, papas, comida hindú y cocteles a base de mezcal. A pesar de las dificultades que podría presentar un festival nuevo, donde nada es como te lo esperas y todo puede salir mal, los dioses de la música se portaron muy benévolos en esta primera edición. Hay que recalcar que el sonido era de admirarse, todo el tiempo fue impecable a comparación de otros festivales más grandes donde el sonido falla y muchas veces aquí fue de lo más aplaudible, sin contar que la organización jamás se salió de control. Qué bien se siente el poder estar presentes cuando se crean eventos como éste que amplían la variedad de opciones para disfrutar de las nuevas propuestas, y sin tener que centrarse en la capital del país.

Soundtrack

LA MAGIA DE LA PRIMERA VEZ

Muchas gracias al Consejo TurĂstico de San Miguel de Allende por las facilidades para hacer esto posible.

Magalie Torres

Cortesía de: Arts & Crafts

EMA

EL VACÍO DEL FUTURO

e niños escuchábamos a Cri Cri y los soundtracks de nuestras películas animadas favoritas. De adolescentes, en la música era donde buscábamos ese elemento que nos diera identidad para que en la adultez nos arrepintiéramos; y ahora sí, lo que llene nuestro iPod nos distinga o nos una al resto.

Ema también ha pasado por esto, con la diferencia de ser ella quien ejecuta esos sonidos cambiantes, marca sus etapas de vida con la música que hace para encontrar su lugar en el mundo. En sus comienzos tocaba en una banda de metal/noise buscando un camino a la agresividad que necesitaba externar, para después tener momentos de paz y armonía en una banda de pop-rock al lado de su novio. “En todas las bandas que estuve se separaron, pero aún tenía muchas canciones que darle al mundo. Traté de tener una pero me resultó más fácil hacerlo yo sola, así que soy quien decide todo lo que se debe de hacer”. Es originaria de Dakota, se fue a los Ángeles, enfrentó a sus diferentes escenas y culturas, su cabeza explotaba, le decían que tenía que ir a NY porque era ahí donde todo sucedía y no comprendían que lo que ella necesitaba era el sol de LA y no los asesinatos de NY.

“Es difícil decir que tenemos dos vidas, pero las generaciones más jóvenes ya lo toman como parte de su realidad, para ellos no hay distinción entre su vida virtual y real. Cuando entras a ese mundo sólo ven lo que quieres, aunque tu realidad sea totalmente diferente. Este disco lo considero como el segundo, el primero que lancé fue más un proyecto artístico de edición limitada y lo hice lleno de oscuridad, era un tanto inocente y había muchas cosas personales; este es más profesional y abierto, fue más fácil”. Ahora, siendo consciente que cada vez está más expuesta cambió algunas cosas, se tuvo que olvidar de todo lo que pasaba en su vida y escribir desde un lugar anónimo para hacer música que la hiciera entender sus sentimientos.

Su nombre completo es Erika M Anderson A principios de los 2000 fue guitarrista de Amps for Christ, proyecto de noise experimental y metal. En 2006 lanza Red State con la banda Gowns, al lado de su novio Ezra Buchla. 2009 deja a Gowns para ser solista. Little Sketches on Tape es el nombre de su pr imer disco como cantante y compositora. Su estilo ha sido ligado a las líneas que manejan Zola Jesus, Anna Calvi, Cat Power y las Breeders.

Ahora su entorno ha cambiado, está disgustada con el mundo, protesta contra la parte enferma de la sociedad y le da voz a aquellos que no son escuchados. “Me molesta mucho este mundo y creo que si escribo de eso me hace sentir mejor y canto sobre de lo que no puedo arreglar. Mi corazón no lo entiende. Cantar de esas cosas me da un cierto consuelo, no sólo con mis historias, también canto las de ellos”. Aunque Ema es una artista que se suma a los fenómenos virales, su reciente disco The Future’s Void habla mucho de la vida cibernética y de lo que ahora vivimos con internet, alternando entre una vida real y una virtual. 26

Cantar de esas cosas me da un cierto consuelo.

Rocco Portillo

CortesĂa de: Warner Music

Dan y Patrick son los Black Keys pero no es la banda de la que me enamorĂŠ.

THE BLACK KEYS

ALGO NO ESTÁ BIEN, TENEMOS QUE HABLAR Turn Blue es el disco que están promocionando los Black Keys, su octavo trabajo de estudio, y ahora son artistas de otra categoría, lo cual pocas veces es algo positivo. No han cambiado radicalmente su sonido pero hay algo diferente que no está bien. ¿Qué tanto pesa ser un fan?, ¿por qué hay que seguirle siendo fiel a algo que no te atrae como lo hacía antes?, ¿soy un fan objetivo o sólo un desgraciado por pensar esto? Sinceramente, no sabría decir si son ellos o soy yo.

i el amor que uno le tiene a una banda fuera similar al amor de un aficionado del futbol, un mal disco sería llorado pero nada lo haría quitarse la camiseta y estaría en el estadio para la próxima temporada, angustiado por su equipo, pero nunca dudando de los colores de la playera. Si el amor que se le tiene a una banda fuera parecido al que hay con tu pareja, una fea canción sería un defecto al que te acostumbras. No vas a terminar una relación por un defecto, pero cuando los tiempos son duros, estos incómodos detalles se amplifican como si viéramos el mundo a través de una lupa, y también es ahí cuando esa derrota en una final se vuelve una cruz para el aficionado deportivo, y ese pequeño defecto es lo único que puedes recordar de tu pareja. Entonces, son tiempos difíciles para mi relación con los Black Keys. Siguen viéndose igual, pero son más sofisticados. Siguen cantando sobre las mismas cosas (amor básicamente, Dan nunca ha sido un poeta), pero con otro tono. Hay sintetizadores, hay un tercer integrante en las sombras y su influencia es invasiva. Dan y Patrick son los Black Keys pero no es la banda de la que me enamoré. 29

Fue su rebeldía lo que llamó la atención del mundo; eran punks tocando blues.

Siempre se habla de “madurez musical” con un artista que lleva más de tres discos, es un viejo truco para decir que cambiaron su sonido, pero en el caso del dueto de Ohio, el cambio es evidente y es la cara más aburrida de la madurez. Los Black Keys fueron una banda que empezó en la forma más independiente posible, ellos grabaron y mezclaron sus primeros discos como Dios les dio a entender, grabaron en el sótano de Patrick y usaron pedales de Fuzz para esconder sus errores técnicos, no querían un ingeniero porque les daba pena aceptar sus fallas. Eran dos jóvenes contra el mundo, irreverentes y autosuficientes. Fue esa rebeldía lo que llamó la atención del mundo; eran punks tocando blues. Durante años vieron cómo bandas de su generación se hacían famosas mientras ellos seguían yendo de bar en bar en una vieja camioneta, negaron los derechos de una de sus canciones para un comercial de mayonesa, porque era vender su integridad, no necesitaban de nadie. Eran viscerales y únicos… hasta que llegó el momento de madurar. El catalizador fue un hombre conocido en la industria como Danger Mouse, quien había enloquecido al planeta con Gnarls Barkley, un productor que tenía la suficiente experiencia técnica para atreverse a mezclar a los Beatles con Jay Z. Él se convirtió en el compañero que terminaría cambiándolos para siempre. La historia ya la conocemos, llegó el Attack & Release, seguido de Brothers y luego la fama mundial. En 2011, los Black Keys eran los headliners de todos los festivales, lo últimos descendientes del rock, el equilibrio perfecto entre riffs y melodías pegajosas. Dan y Patrick eran la historia del underdog que tanto atrae al público, los rechazados de la industria que de un día para otro conquistaron el mundo, una especie de héroes involuntarios. Pero, ¿qué pasa cuando eso no le importa al ídolo en cuestión? “La casa se incendió pero nada ahí era mío… Lo tuvimos todo en nuestro mejor momento”, es una línea de “In Our Prime”, la canción más desgarradora y más acertada en Turn Blue. Aunque Dan está cantando sobre su divorcio con Stephanie Gonis, quien de verdad le prendió fuego a su casa, y en otra ocasión intentó suicidarse, esta línea resume la situación actual de los Black Keys. Están bastante lejos de sus mejores momentos. 30

los rechazados de la industria que un dĂa conquistaron el mundo.

En estos momentos de mi relación con The Black Keys, tengo que recurrir a la horrorosa frase, “no eres tu soy yo”.

Es esta la madurez de la que hablo, la que es obligatoria, los Black Keys cedieron los derechos de sus canciones para todo tipo de comerciales desde Brothers, porque estaban cansados de mantenerse en la posición del artista orgulloso. Estaban dispuestos a ser grandes porque sentían que era hora de abandonar la camioneta vieja. Por eso dejaron que Danger Mouse jugara un papel tan importante en este cambio, ya no podían seguir siendo los dos músicos de garaje. Dan y Patrick, como muchos de nosotros, cedieron a la vida adulta. Duele, pero hay que pagar la renta y para eso necesitas un trabajo estable, necesitas dejar de soñar un poco para poder alcanzar una versión parecida a esa meta. Los berrinches de Patrick en la prensa sobre Justin Beiber, Michael Jackson o Jack White son claros ejemplos de un hombre 32

que quiere seguir siendo niño pero que no puede hacerlo en su trabajo, y quizá por eso que Auerbach busca en Danger Mouse, un copiloto creativo, pues está aprendiendo a ser un artista que pueda producir desde alguien como Lana del Rey hasta una leyenda como Dr. John. Como fan siempre esperé que el próximo disco de los Black Keys fuera esa densa capa de blues oscuro, que su próximo material fuera su cúspide creativa, que aquellos que siempre los criticaron se tuvieran que tragar sus palabras y apreciar una obra de arte irrefutable. Pero llegó el momento de entender que no será así. Y tiene poco que ver con Turn Blue, hay unas cuantas grandes canciones ahí, pero para mí no hay una provocación, no siento esa magia que hace que pongas play una y otra vez hasta que quedes agotado, hay estabilidad

y músicos consagrados, hay madurez pero también una carga que hace que esta banda se sienta flemática y aletargada. En “Hey Hey, My My (Into the Black)”, Neil Young cantó que era mejor incendiarse que apagarse lentamente y Lennon lo criticó por ello, diciendo que él admiraba a las personas que seguían de pie en lugar de los muertos como Sid Vicious o James Dean. Turn Blue, me hace pensar en si hubiera sido mejor que los Black Keys se incendiaran como lo hicieron los Libertines o si es mejor que sigan y esperar a que saquen algo brillante en el futuro. ¿Cuándo sabes que es momento de partir en otra dirección?, ¿hay que ser como un aficionado del futbol y siempre ser fiel? En estos momentos de mi relación con The Black Keys, tengo que recurrir a esa horrorosa frase, “no eres tu soy yo”.

Rocco Portillo

un sonriente guardia me aconseja que “no tome demasiadas drogas”.

stoy teniendo un breve episodio de depresión, con una cucharada de ansiedad, de regreso a mi escritorio en la ciudad de México. Coachella terminó y siento como si me hubieran expulsado del paraíso. Creía que exageraban cuando decían que era el mejor lugar del mundo, me tardé en darme cuenta de que había llegado a un oasis en medio del desierto. Fueron insufribles horas de espera en la frontera de Tijuana y mi fantasmagórica piel comenzaba a sufrir los estragos del sol. Llegar a California no significaba nada hasta que vi esa rueda de la fortuna en el horizonte y por fin estuve consciente de que había llegado a ese mítico lugar que tantas veces había visto a través de la pantalla de mi computadora. No les voy a dar detalles sobre los actos en vivo, esos los pueden revisar en YouTube y apreciarlos aún mejor, prefiero hacer un intento por describir la magia que no se puede transmitir vía internet. Camino en el desierto, en una ciudad creada por casas de campaña, una sociedad mística que desparecerá en unos días, a lo largo del camino los desconocidos me saludan con gusto, me ofrecen cervezas y me preguntan de dónde vengo. Con una extrema amabilidad preguntan sobre México, y al pasar la puerta de entrada un sonriente guardia me aconseja que “no tome demasiadas drogas”, el siguiente tiene como trabajo dar hi fives a las personas que entren, ¿en dónde estoy? Camino entre este universo alterno lleno de hermosos seres (hombres y mujeres por igual) y llego hasta la primera línea de la mayoría de los escenarios, saludo al resto

de mi grupo y enfrente de nosotros tenemos a Black Francis de los Pixies provocando un slam con “Crackity Jones”, a Debbie Harry cantando “Heart Of Glass” junto con Arcade Fire, a las chicas de Warpaint llevando la sensualidad a un nivel que antes me hubiera sido incomprensible, a un nuevo héroe, Samuel T Harring de Future Islands hipnotizando al público con sus bailes y a Beck, ¡por dios, a Beck tocando “Loser”! al principio de su set, mostrando todos los colores de su camaleónico ser en un set perfecto, haciendo que me preguntara: ¿Qué onda güero?, ¿qué está pasando?. En algún momento del fin de semana, una pareja de estadounidenses con pinta de Thurston Moore y Kim Gordon (adultos contemporáneos), me dicen que disfrute que estoy en el paraíso y su consejo me encamina hacia la carpa en la que Darkside tocará, sólo para que mis sentidos sean alterados y reprogramados por enésima ocasión en escasas horas. Al escribir estas palabras me doy cuenta que esto suena demasiado poético o cursi, yo hubiera juzgado la objetividad de este texto de ser escrito por alguien más. Pero no puedo explicar de otra forma lo placentero que es estar con los ojos llenos de arena, esperando en una fila para las regaderas a las siete de la mañana, después de haber bebido una incontable cantidad de heinekens. Mi única intención es regresar a ese lugar tantas veces como sea posible. En papel todo el viaje puede parecer una odisea insufrible pero me da mucho gusto aceptar que, en efecto, es el mejor lugar del mundo, y citando a Beck: Creo que estoy enamorado, pero me pone nervioso decirlo.

Alberto Castro

FIESTAS SALVAJES DE LOOPS Y TAMBORES

ara Merrill Garbus no fue necesario reunir músicos a quienes explicar sus ideas para interpretarlas en vivo. Para ella fue suficiente una máquina de loops, percusiones y su voz para dar vida a su proyecto Tune Yards, el cual se ha caracterizado por crear capas de sonido hechas con bucles de percusiones. Todo esto ha quedado plasmado en sus tres discos de estudio, incluido el recién estrenado Nikki Nack, que presenta con la disquera independiente 4AD. Para entender un poco el estilo de Garbus podríamos empezar por conocer el entorno en el que creció, donde sus padres eran de la corriente hippie y amantes de la música. Así que desde temprana edad comenzó a escuchar a artistas como Revolver y Django, mismos que marcaron sus primeros gustos musicales. Entre 2006 y 2008 comenzó a grabar sus canciones con una grabadora de voz digital, recopilando sonidos de su vida diaria como el ruido urbano o lo que escuchaba durante su trabajo como niñera, después sampleaba estos sonidos y les agregaba ukulele y su voz con software casero de mezcla. Esta práctica trascendería al BiRd-BrAiNs de 2009, álbum debut con el que dio la vuelta al mundo ganando reconocimiento de la crítica así como de los fanáticos que se admiraban de sus capacidades y explosión en el escenario. Los loops creados por Merrill en este primer material llevan por una serie de subidas y bajadas, existen momentos tranquilos y un 38

tanto suaves para luego encontrarse con un desorden y caos rítmico, como ella misma lo ha calificado. También, las percusiones tan graves obedecen a la simple razón de que en esa época no contaba con un bajo para grabar, entonces así solucionaba el problema de llenar ese espacio sonoro. Dentro de sus limitaciones encontró un estilo y sonido únicos, los cuales se siguieron desarrollando. Después de este primer material que la mantuvo ocupada por varios meses regresó a componer su segundo disco, en el cual siguió manteniendo la línea de la simplicidad y brutalidad en la música, sólo que atendiendo un poco más a la calidad en la producción y arreglos de las piezas. Esta vez, las percusiones se encontraban más influenciadas por sonidos étnicos africanos, y se pueden encontrar riffs de punk y saxofón. En esta etapa, Garbus cambió de residencia de Montreal a Oakland, donde su bajista Nate Brenner, también residía, y con el que se apoya para las presentaciones en vivo. Whokill, es el título del segundo disco de estudio de los Tune-Yards, el cual vio la luz en abril de 2011. En el que podemos encontrar que casi todas las partes que lo componen son ritmos y percusiones, ya sean sonidos metálicos, beats, líneas de bajo hechas por Brenner, o incluso saxofón o su inseparable ukulele, está vez empleados para ser una capa más de las percusiones.

mientras recorrían la isla, a menudo se encontraban con desfiles de tambores y bailarines.

La voz de Merrill toma mayor protagonismo; la presencia de Brenner en el bajo le da otra dimensión al sonido de la banda, donde a veces aislados de su primer disco se juntaban para formar líneas melódicas más fluidas. En cuanto a las letras Garbus, siguieron siendo narraciones influenciadas por la violencia, donde en la mayoría de las canciones matiza con las luchas de poder que se derivan de la desigualdad y que conducen a una mayor crueldad e injusticia en el mundo. Tal vez de esta conciencia que tiene Merrill derivó el viaje de 2012, cuando Garbus viajó a Haití para tomar lecciones de baile y percusiones, experiencia que ha decir de ella misma: la llevó a conocer y acostumbrarse a tradiciones musicales no occidentales. Parece obsesionada un poco por la síncopa (acentuación de una nota que rompe con la regularidad del ritmo), usada en la música de aquellas latitudes. Este viaje se centró en torno a una visita a Lakou Souvenance, un pueblo dentro de la pequeña ciudad de Gonaives, donde las ceremonias vudú han tenido lugar durante siglos. En esa época en Haití era la temporada Rara, una fiesta / ritual / danza haitiana que se lleva a cabo alrededor del Miércoles de Ceniza hasta el Domingo de Pascua. Todas las ciudades y barrios en Haití tienen su propio equipo de Rara, con su propio nombre, el santo patrón y colores representativos. Esto significó que mientras recorrían la isla, a menudo se encontraban con desfiles de tambores y bailarines. Cuatro o cinco hombres tocan cornetas largas y hacen un sonido emocionante y sincopado, como lo cuenta la misma Garbus. Durante el tercer desfile que encontraron en el camino de regreso a Puerto Príncipe, su autobús quedó atrapado en un mar de haitianos desfilando que parecía flotar en la oscuridad. 39

se encontró con el dilema de no tener nada para trabajar, no demos, no ideas

Este viaje significó una gran vivencia e inspiración para Merrill, a pesar de la cual, de regreso en Oakland, se encontró con el dilema de no tener nada para trabajar, no demos, no ideas, situación en la que nunca había estado, por lo que se presionó a sí misma a grabar por lo menos dos demos cada día de los cinco días a la semana que iba a su estudio de grabación, manteniendo ciertas reglas como grabar sólo loops de batería una semana para la siguiente empezar con las letras, y así sucesivamente. Algunos de estos demos terminarían en el Nikki Nack, el tercer álbum de estudio de los Tune Yards. En este nuevo material Merrill encontró una nueva forma de escribir, y se nota la evolución y crecimiento de la artista tanto en las letras como en la música, donde los tambores y ritmos que la inspiraron en su viaje se hacen presentes acompañados de las capas de loops que han caracterizada a los Tune Yards desde el inicio. Además, el proceso de producción cambió completamente, ya que para este disco Garbus invitó a Malay (Frank Ocean, Alicia Keys, Big Boi) y a John Hill (Rihanna, Shakira, M.I.A.), como productores, lo cual desde el principio le fue difícil, ya que tuvo que dejar el control total que había tenido sobre el sonido de la banda en sus dos producciones anteriores, a pesar de tener una idea muy clara y estricta sobre a lo que quería que sonara este álbum. Ella misma admite que las canciones y la banda han crecido, y que eso es más importante que su ego. Claro que la experimentación sigue siendo clave en el proceso. Si bien la máquina de loops y el saxofón fueron los principales componentes de los primeros discos, el tambor es ahora el que ocupa un lugar central, aumentado por un mayor uso de sintetizadores y la creciente destreza de Nate en el bajo. Sin duda el Nikki Nack es un salto preciso para continuar de forma gloriosa la brillante carrera de los Tune Yards. 40

Emilio Rev贸lver

Cortes铆a de: Universal Music

los increíbles y también terribles de Wolfmother.

DULCE OLOR A CARNE PODRIDA

a lista de pecados de Andrew Stockdale es elocuente. Digámoslo d e u n a v e z p a r a e v i t a r c o n f u siones: per tenece a una de las estirpes menos glamurosas del rock, la de los traidores. Dentro de los animales más e xtr años q ue el r ock genera hay que poner a las quimeras de superestrellas que no terminan de c u a j a r, y también a los proyectos que llevan tatuado el éxito en su sonido, pero en el cual, algo del mismo lugar de donde nace su genio los derrumba. A ellos ni siquier a puede ponérseles de disculpa el exceso, en sus múltiples manifestaciones, sino simplemente ser quienes son. A esta clasificación podríamos decir que pertenecen los increíbles y también terribles de Wolfmother. New Crown, la tercera placa de la banda australiana es la primera en un mundo de 5 años, y no llega escoltada por una retumbante o siquiera sutil estrategia de marketing, ésa que nada tiene que ver con la música pero todo con la industr ia. Misma que ha ayudado a Ar cade F ir e o Arctic Monkeys a llenar festivales, o a Phar r ell a ser uno de los nombr es más reconocibles de hoy en día. Para New Crown no hubo, literalmente, nada. A finales de 2013 había ocho tracks nuevos

circulando en forma de demo por Yo u Tu b e ; meses después, un par de tr acks más casi con pequeños retoques de producc i ó n e n u n bandcamp a 7 d ó l a r e s l a c anc ión y he ahí, la “nue v a corona” de Wolfmother. Pero, ¿y la música? Esto nos lleva a la primera historia: después de la gira del segundo L.P., C o s m i c E g g , la banda planea lanzar su tercer material para 2011, del que asegura Stockdale, ya lleva producidas 12 o 13 canciones junto a su guitarrista, Aidan Nemeth. Algunas canciones que interpretan en vivo se filtran, como “Year of the Dragon”, “Meridian” o “Everyday Drone”. En 2012, en lugar del nuevo álbum, es Aidan Nemeth el que deja a la banda por, sí, “diferencias ir reconc i l i a b l e s ” . N i n g u n a d e e s t a s canciones encuentra lugar en New Crown de 2014, tercer disco de Wolfmother, pero sí en el inspirado primer trabajo solista de Andrew Stockdale llamado Keep On Moving, en el que según él, todo lo hizo solo. Keep On Moving es un disco planeado en al menos un par de años, y en más de un sentido el verdadero tercer trabajo de la banda y, sí, es una joya, quizá lo mejor que ha hecho desde el primer Wolfmother. Bueno, detengámonos ahí. 43

tocan como un solo monstruo de cuatro manos.

Historia 2: Hay una banda australiana que lo tiene todo puesto que poco les importa lo que digan de ellos; lo que les gusta es el rock de los 70; no, no es Tame Impala. Esa banda saca en 2005 lo que bien puede considerarse el gran rock de revival rock setentero. ¿De verdad tiene sentido valorar a grupos que se desviven por tocar como Zeppelin y Sabbath y nunca van a lograrlo? En el "nunca van a lograrlo" está escondida la respuesta. El disco vuela cabezas en ambos lados del Atlántico, gurús de la industria como Thom Yorke se declaran fans y los mismos Zeppelin piden tocar junto con ellos cuando entran al Salón de la Fama. Una banda destinada al éxito: una base rítmica con mucha inventiva y que toca como un solo monstruo de cuatro manos, un guitarrista con una de esas voces definitivas, muy reconocibles, lo cual es mucho mejor que poseer una técnica impecable, y completa con riffs llenos de poder, que se alojan inmediatamente en el inconsciente. Esta banda lo ha hecho todo bien, y lo mejor, no dejaron que nadie les recomendara nada, ni cambiaron su estilo para sonar más “al sonido de la época”. En 2008, después de una extensa gira, Chris Ross, bajo y teclado, 44

y Myles Heskett, batería, dejan la banda, aduciendo “diferencias irreconciliables”. Para decirlo brevemente: Stockdale es uno de los tipos más brillantes del rock pero nadie puede trabajar con él. N e w C r o w n es un disco poco pensado y menos trabajado. La creación e interpretación tienen momentos aburridos, como la sección puente del track que da nombre al álbum, “Enemy Is In Your Mind” que no acaba de despegar, o la rarísima voz al final de “My Tangerine Dream”, pero sigue apareciendo el talento de Stockdale, desafortunadamente controlado por él, sin nadie ahí para regañarlo de vez en cuando. Los mejores cortes son los que menos suenan a Wolfmother, porque encontramos verdaderamente al nuevo trío de Andrew Stockdale, Ian Peres y Dave Atkins, y que se encarna mejor en el garage, entiéndase por esto pocas notas, poca producción, mucho poder. Es mentira que sea un disco más directo, crudo y stoner, como lo vende nuestro traidor favorito, pero tiene magia y anarquía, por momentos es afortunado, otros no. “Talk Ships”, “Feelings”, “I Ain’t Got No”, y “She Got It”, son prueba de la más misteriosa encarnación de Wolfmother,

un proyecto que ya no debía existir, pero que, como los sobrevivientes de los Andes, han aprendido a sobrevivir alimentándose de sus prójimos. Andrew Stockdale ha hecho que todo gire alrededor de él. Cometió el error de quedarse con el nombre Wolfmother, a pesar de que esa banda no existe desde 2007. Ha tenido muchas malas decisiones, la más reciente y no menor, el New Crown, disco que es un capricho, o la paranoia siempre renovada de encontrarse sin compañeros de gira. Es de esas personas que parece estar sola en el mundo, que se defiende por igual de amigos y enemigos, de fans y escépticos. Pero, a pesar de todo, hay que reconocer que sigue en pie, que sigue pensando en Zeppelin y Sabbath con la misma furia que a los 15 y que, como en las gestas heroicas de los rockeros a los que sigue, no parece ser él muchas veces el que actúa, el engreído que necesita más dinero y tiene que cuidarse las espaldas de sus más cercanos, sino algo más poderoso que posee su guitarra y que quiere que, a pesar de los hombres, la música triunfe.

Luis Palmeros

Hay algo distinto en la juventud europea, trรกgico y a la vez romรกntico.

LYKKE LI FRACTURAS, PROCESOS

Y CONCLUSIONES

FRACTURAS

ay algo distinto en la juventud europea, trágico y a la vez romántico. Un algo que no se puede poner en palabras, como un veneno indetectable que fractura y drena corazones jóvenes en busca de sentido. Las expresiones artísticas en Europa son fáciles de identificar, muchas parecen hablar de una f isur a univ ersal. Este mensaje rompe corazones y seduce a los demás continentes, como un tipo de manual poético que el mundo necesita muy a fondo o a flor de piel. Las propuestas de dicho continente también pr esent an car act erís ticas poco más d e sarrolladas en cuanto al concepto de ar te en sí, por su naturaleza, muchas aparentan una búsqueda de trascendencia que se puede o no disfrazar. Lykke Li, de Suecia, es una persona que parece entender y respirar esta idea. En México se habla de la ruptura del núcleo familiar, una que lle v a a la gente joven a separarse de las estr ucturas y dinámicas tradicionales

para for jar su propio camino a través del bien o el mal, pero México es tradicional. Amér ica todavía lucha por defor marse a sí misma, por alejarse de la unifor midad y progresar en un mundo que espir it ualment e es t odo menos redondo. Ahora, si se considera al continente europeo como algo defor me y libre de ataduras histór icas, de liber tad sexual y ar tística con impacto profundo y latente, entonces se entiende a la nueva juventud; es más complejo for mar un camino que no está delineado. Quizás esto se lea dramático, pero Lykke Li lo exige así, sus tér minos son teatrales y los conceptos pasionales. ¿Qué compar te la ar tista sueca con el resto del mundo? Lo elemental, la confusión universal independiente de procedencia y diferente en perspectiva. Lykke Li está a punto de concluir con su próximo álbum, I N e v e r L e a r n , una trilogía que habla de amor e identidad, no de significados sino de búsqueda y también de expectativa. 47

PROCESOS Yo u t h N o v e l s (2008), W o unded R h y me s (2011) y I N e v e r L e a r n (2014). Desde los títulos se entiende la narrativa y coherencia en su discografía. Su debut de 2008 lo grabó a los 21 años, una edad de hambre y anhelo, en donde se pueden llegar a dar las primeras grandes decepciones y angustias. Los sonidos en su novela de juventud son art pop juguetón y propositivo, acompañado de una voz muy femenina con aires franceses que remiten a Björk (de Islandia). El disco abre con arreglos de cuerdas y teclas. Bello y sofisticado, la voz de su autora propone con calma “You’ll be the rhythm and I’ll be the beat”, “Love is a symphony, come sing some with me”. Yo u t h N o v e l s tiene composiciones extrañas y adorables, es un pop sumamente femenino que nunca cae en convencionalismos y lugares comunes, aun así es pegajoso e incluyente; uno de los mayores atributos en la corta carrera de Lykke Li: es fácil encariñarse con ella. Tres años después, presentaría Wounded Rhymes, una obra que aceleró los ritmos y deleitó al público con una sobredosis de emoción. Parece que Lykke Li creció y sobrepasó la expectativa y primeras decepciones para expresar su disgusto con la declaración de que éstas sólo se acrecentan. Su disco de 2011 tiene un sentido de propósito que sólo se puede encontrar con una determinada madurez. Los grandes y robustos arreglos destruyeron la finura francesa y femenina del pasado. Así, las baterías se volvieron esenciales y la voz de la cantautora despidió comprensión añejada en decepción. Este es otro punto fundamental para examinar la evolución de la sueca, su entrega vocal a través del tiempo. Su voz empieza infantil y femenina… inocente. Años después demostró pasión y seguridad, pero ahora, las breves muestras del final de su trilogía transmiten algo digno de una procesión funeraria, una conclusión fatal. Las tonalidades en sus videos también fortalecen la idea de una evolución artística. Empezaron cálidos y seguros, como un acompañamiento que choca con esa etapa infantil. Después, en 2011, los colores se tornaron helados y sombríos, complementos de la teatralidad y dramatismo del álbum. Ahora, los pocos visuales de su nueva producción aluden más a lo divino, colores azulados y púrpura que hacen sentir el ensueño de llegar a una conclusión, pero esto en un nivel muy sutil, no distraen el hecho de que la música es la más terrenal y desgarradora que ha presentado la cantante.

el legado de la juventud europea y las generaciones perdidas en confusiĂłn y desenfreno.

El ciclo de I Never Learn muestra la llegada de la noche. Desde el primer trailer promocional se derraman lĂĄgrimas. El consecuente video oficial para el primer sencillo, â&#x20AC;&#x153;Love Me Like Iâ&#x20AC;&#x2122;m Not Made of Stoneâ&#x20AC;?, muestra a una Lykke Li desarmada, la cĂĄmara la rodea y sigue sus expresiones faciales que transmiten una vulnerabilidad extrema, llega al grado de erizar la piel y causar una sensaciĂłn de derrota, como si no hubiera nada mĂĄs que hacer. Hay cinco etapas para procesar pĂŠrdida y dolor: NegaciĂłn y aislamiento, enojo, negociaciĂłn y necesidad de control, depresiĂłn y finalmente aceptaciĂłn. Si se regresa a la idea de la fractura universal, tiene sentido pensar en este proceso como adecuado y conveniente. Youth Novels fue negaciĂłn, una realidad no apegada a sĂ misma, individualismo juvenil que no concreta porque no le corresponde. Enojo y posterior necesidad de control es lo que circula en W o u n d ed Rhymes, la lucha por no sucumbir a lo que es inevitable, depresiĂłn. Hasta el momento, I N e v e r L e a r n pinta para ser depresiĂłn, flores

marchitas y el vacĂo de la realidad, sĂłlo queda esperar que culmine en aceptaciĂłn y final de proceso. CONCLUSIONES propuso en performance el mantra: â&#x20AC;&#x153;Art must be beautiful, artist must be beautifulâ&#x20AC;?. La artista serbia lo repitiĂł mientras demostraba dolor y abandono. Lykke Li debe en tanto a apariencia y composiciĂłn no puede opacar el hecho que los interiores estĂĄn deshechos, no puede ser asĂ, serĂa un engaĂąo. Si bien es una artista pop, accesible y entraĂąable tambiĂŠn es el legado de una ruptura existencial, el legado de la juventud europea y las generaciones perdidas en confusiĂłn y desenfreno. Es por esto que la coherencia y natural evoluciĂłn en su discografĂa es aĂşn mĂĄs impactante. Darle orden, sĂntesis y profundidad a una sensaciĂłn confusa que lacera a nivel

global es muy complicado, tanto que parece un insulto el ignorar esta verdad y enfocarse en si es o no una â&#x20AC;&#x153;princesa del popâ&#x20AC;?. En el siglo XXI, los reinados no deberĂan ser de celebridades y personas, sino de realidades emocionales y la tiranĂa del sentimiento. Lykke Li es una persona a la que vale la pena seguir, no sĂłlo por los argumentos estilĂsticos y musicales, sino por los que subyacen. Es emocionante presenciar un proyecto tan bien desarrollado y coherente, una perspectiva que le habla a todos desde un anĂĄlisis Ăşnico, quizĂĄs ni anĂĄlisis, sino recuento de experiencia. Si este ciclo es el Ăşnico que deja o empieza otro a futuro, valdrĂĄ la pena adentrarse en ĂŠl, porque esa llama europea puede ser un detonante para cualquier persona, en cualquier punto del mundo. Porque si alguien se atreve a entregar una conclusiĂłn incluyente a partir de una fractura original y el proceso de recuperaciĂłn o sufrimiento, hay que escucharla. 49

Nacional

Andrea Paz & Magalie Torres

Esteban Calderón

lo primero que empezó a cambiar la idea de nosotros, fue que todos dijeron: ‘ah, tienen huevos’.

Nacional

ay algo bien sabido por bandas y cantantes extranjeros: Presentarse ante el público mexicano es una especie de examen de graduación. Aquí te aman o te odian, no hay más. Calle 13 es de esas bandas que a base de esfuerzo y trabajo ha ido ganando adeptos en nuestro país. Atrás quedaron los abucheos de 2007, cuando se presentaron en el Vive Latino por primera vez, y también la etiqueta de reggaetoneros. Esta graduación fue hace un par de años, cuando llenaron el Palacio de los Deportes, y la entrega total se hizo evidente en el cierre de esta última edición del VL. Bienvenidos a mi mundo

“La primera vez que tocamos acá estuvo chévere; a pesar de los abucheos tocamos el set completo. Creo que eso fue lo primero que empezó a cambiar la idea sobre nosotros, dijeron ‘a h , t i e n e n h u e v o s ’ por la forma de plantarnos. Así empezaron a entender nuestra propuesta, aunque aún que hay muchos que siguen malinterpretándonos.

¿Encuentran choque de ideales del público hacia su música? Puede ser que tienen otras ideas, no ideales. Yo lo que tengo en la cabeza son acercamientos sociales más que políticos. Sobre el escenario nos sentimos súper bien, con energía. En este Vive Latino estuve muy metido en cada una de las letras y es difícil bajarte de ahí, a menos que pasen cosas fuera de lo normal -como el altercado con el “fan” sobre el escenario- pero siempre me mantengo sintiendo las letras. México da una vibra especial, de hecho toda Latinoamérica. El momento en que todos se ponen solidarios con nuestra causa, como al prender una luz por la liberación de Óscar López que lleva muchos años preso en EU. 51

Nacional

Dejemos los clichés pa’ otro día En esta época que ya poco nos sorprende, ¿qué tan valiente es tener un discurso social en la música? Creo que ya por estar haciendo música que no van a tocar en la radio por lo que estás diciendo es un sacrificio, es arriesgarse. Todo puede tornarse difícil porque pocos quieren patrocinar eso o apoyarlo por distintas razones, no sólo porque no estén de acuerdo, sino porque les da miedo. Con las herramientas que tenemos podemos hacer muchas cosas, creo que nuestra música está haciendo consciente a mucha gente y ha motivado a grupos a moverse, nos los han dicho ellos mismos. Estuvimos en una cárcel de jóvenes que estaban escribiendo y tratando de cambiar; eso ya está propiciando a que pase algo distinto o provechoso. Los medios han de dejado de tener todo el poder, lo van a perder si no se ponen a informar bien, a hacer las cosas como se supone. Y esa falta de credibilidad la estamos viendo día a día en las redes sociales. Así de grandes son las ideas En un discurso el gobernador de Puerto Rico citó una frase de una canción suya “La educación es la nueva revolución”, ¿Los cambios a partir de su música los han notado de forma tangible? Está en cada uno entender las letras y la música de algún modo. Hace tiempo salió un proyecto que se llamó MRC13, después se convirtió en una cosa de fan club pero sigue estado ahí y nosotros le damos vida de nuevo. Consiste en que la gente ayude a diferentes sectores, lo documente y lo promueva para ayudar a otras personas en diferentes países. Queremos que el MRC13 sea como una especie de brazo nuestro, como cuando fuimos a La Plata, Argentina, a llevar agua o alimentos por unas inundaciones que hubo, entonces aparecieron varios de ese grupo. Vas a ser papá, ¿Qué mundo quieres dejarle a tu hijo con esta militancia artística que estás haciendo? Quisiera que exista la igualdad de oportunidades. Con respecto a las guerras es más difícil, no digo que sea imposible pero depende de muchas cosas, pero con la igualdad de oportunidades sería bueno que tanto mi hijo como sus amigos estudien, cubran sus necesidades básicas, puedan alimentarse, ir al doctor, etc. 52

Los medios han de dejado de tener todo el poder, y lo van a perder

Nacional

Necesitamos más gente buena arriba y con todos los medios posibles, con muchos cojones para hacer cosas.

La fokin moda Calle 13, Residente y Visitante ya tienen una gran influencia en las masas, tienen poder mediático, poder económico… haciendo una remembranza, cuando a The Clash les pasó lo mismo se aterraron, ellos eran la gente, cantaban en contra del gobierno y los grandes poderes, así que cuando fueron una banda de estadio se perdieron. ¿Cómo han podido ustedes hacer ese balance? Jamás se nos ha perdido el piso, hay cosas con las que no debes de asustarte, al contrario, que se asusten los que están dejando de tener el poder. Cuando una persona quiere hacer cosas buenas debe de tener acceso. Hay quien tiene una idea equivocada, que cree que cuando alguien tiene dinero y un discurso social son incoherentes, es lo que digo en una canción; no porque luches por la educación tienes que ser analfabeta. Vivir bien está bien, los lujos son ridículos, están de más.

¿Destruir tu Maserati para el video de ‘Adentro’ es tu forma de decir que el lujo es ridículo? Ese Maserati lo compré empezando mi carrera pero no me llenó nada, mi familia estaba avergonzada de eso, no se querían montar en él. Bajar al barrio cuando ahí se tiene otra realidad es un choque, el mensaje que quise dar no llegó de la mejor forma, quería decirles que el objetivo no es poder comprar un coche así como nos dice J.Lo, así que ahora en el video pueden ver la contraparte. Si decides que ya estás cansado y quieres sentarte a disfrutar lo que tienes, está bien. No puedes negarte a eso, sería ridículo, no puedes luchar contra la gente que tiene tanto poder cuando tú no tienes nada, se nos tiene que quitar ese cliché que si ayudas socialmente no puedes disfrutar el dinero, necesitamos más gente buena arriba con todos los medios posibles, con cojones para hacer cosas. Después de esta plática con René (Residente) y Eduardo (Visitante) de más estaba que nos dijeran sus procesos creativos, Calle 13 es una agrupación que va más allá de dejarnos conocer cómo escriben sus canciones, su discurso y lo que está detrás podría llevarnos muchas más páginas. La visceralidad que se mantiene en sus canciones a lo largo del tiempo nos deja ver que aquí ya son unos profesionales. 51

De cada 10 amigos que tenemos 8 han gozado de los beneficios de tener padres separados, incluso nosotros podemos ser parte de la estadística pero, ¿qué pasa cuando una banda que te adoptó se separa y los sueños en los que siempre creíste de una familia feliz se desmoronan? ¿Acaso esas bandas nunca pensaron en cómo nos sentiríamos el respecto? Ahora sólo tenemos esos discos viejos como nuestra más valiosa herencia. Estas son algunas de las bandas que nos han dejado huérfanos. PD: Mayores de 30 absténganse, estos son problemas del nuevo milenio. 54

PJstock Ft. Andhie Chai

Andrea Paz

THE WHITE STRIPES

El elefante BLANCO DEL ROCK

Cuando terminas con alguien y quieres ahorrarte muchas explicaciones, el “No eres tú, soy yo” siempre será la salida más fácil.

uando terminas con alguien y quieres ahorrarte explicaciones, el “No eres tú, soy yo” siempre será la salida más fácil. Pero cuando éstas deben darse a terceros manteniendo algunas reservas se usa el término: “Por cuestiones irreconciliables”. Mismo que eligieron The White Stripes, la banda de rock sucio y rasposo que marcaron los noventa. Y cómo reprochárselos si quizás esas “cuestiones irreconciliables” eran genuinas, pues no sólo compartían el escenario, compartían una relación y su vida en un 100%. The White Stripes fue la primera entrada al rock de aquellos que comenzaban a dejarse llevar por riffs de guitarras y que tuvieron como punto de apoyo cadenas de televisión como MTV donde la música se

podía ver durante horas convirtiéndolas en la entrada a un mundo nuevo e inmenso, como sucedió con la aparición del video “The Hardest Button to Button”. No hay mejor equivalencia para este caso artista-fan que todo el drama que conlleva un auténtico divorcio, por supuesto que los fans fuimos los hijos en medio del conflicto sin saber a dónde o a quién mirar. Cuando esto sucede en la vida real las víctimas no son los corazones que se separan, son los que sufren con la noticia. La decisión para nosotros los fans era obvia, nos quedaríamos con el padre; con Jack, él siempre vislumbró ser el cool de la historia y podría prometernos un refugio especial, uno inimaginable. Así llegó The Raconteurs y después The Dead Weather. La vida que

él nos ha dado tiene matices oscuros, grisáceos, nublados pero acogedores. Qué maravilla que llegaran a casa las visitas de Keith Richards, Danger Mouse, Daniele Luppi y hasta Bob Dylan. Seis discos, 14 años y los nervios alterados de Meg -más su falta de interés o dispersión mental- es la única herencia que cuidamos celosamente. Third Man Records es la casa que también aprendió a vivir con su ausencia, total, ella se fue y aceptó la separación por salud y respeto, así que por eso mismo hace unos años, con el rumor de una posible reunión, de inmediato le puso fin a la idea para mejor conser var un buen recuerdo a poderle dar una segunda oportunidad a algo que ya no les pertenece a ellos, The White Stripes es de nosotros. 55

José Contreras

Dann Padilla

THE LIBERTINES

amistad de moleculas efervescentes Tan llenos de virtudes y amor como de odio y decadencia.

uimos parte de una familia per fectamente disfuncional. Nuestros valores se sostenían sólo en la euforia del momento, en el hedonismo per fumado con la belleza del ar te, en la liber tad de las sensaciones intensas, de las emociones puras. Crecimos educados por abuelos como Baudelaire, tíos como Rent on, her manas tr os como Johnny Quid y unos padres muy humanos, tan llenos de virtudes y amor como de odio y decadencia: The Liber tines. Ellos nos enseñaron el v alor de una amistad que trasciende las relaciones afectivas. Un amor tan intenso que los demonios de ambos, apretujados en su depar tamento, llamado cariñosamente “The Albion Rooms”, tuvieron que huir de sí provocando una oscilación irregular entre Car l y Pete, en la que, por diferentes situaciones se alejaban y 56

después chocaban igual que moléculas en ebullición, cuyo contacto libera una energía frenética tan natural como si nunca antes se hubiesen separado. Solían resolver las cosas de esta forma: después de grandes pleitos se ar r epentían, se pr ome tían lealt ad y dedicación a la banda y se les veía inmediatamente felices en verdad, jugueteando y riendo como verdaderos her manos. Al cabo de unos días los problemas regresaban y acontecía alguna otra tragedia en la relación entre los dos principales Libertines. Tal es el caso de la bien conocida historia del reencuentro emotivo entre Pete Doherty y Carl Barât, el día en que el primero fue liberado de prisión por haber robado el depar tamento de Carl debido a una pelea con él; o la historia de los tatuajes que muestran en la por tada de su segundo disco T h e L i b e r t i n e s , como una especie de “renovación de

votos” tras haber tenido una disputa que a final de cuentas regresó. “Have we enough to keep it together or do we just keep on pretending and hope our l u c k i s n e v e r e n d i n g ”, son las estrofas c l a v e d e “ C a n’ t St a n d M e N o w ” , e n un per iodo en el que se sentía que en cualquier momento la banda iba a colapsar. Está de sobra dar razones por las que finalmente sucedió, y aunque todos sabíamos que iba a pasar, teníamos la esperanza de que ese momento iba a tardar un poco m á s e n l l e g a r. N i n g u n o d e l o s d o s ha desapar ecido de la escena: Car l ahora toca con Dir ty Pretty Things y P et e con Babyshambles, per o los extrañamos como The Liber tines; y sabemos que, a pesar de todo, ellos se e x tr añan m utuam ent e. N o s o y e l único que sigue esperando que tengan algún regreso ocasional, como aquel que tuvieron en 2010, ¿o sí?

Hello Sobre

Luis Palmeros

LOS NO COOL MAS COOL My Chemical Romance fue anti-cool, no de esos underdogs que caen bien.

o hablo mucho del amor que tengo por la br e v e e xis t encia de My Chemical Romance, no por pena, sino porque después de tanta crítica la gente dejó de sacar el tema y yo accedí aliviado. My Chemical Romance fue anti-cool, no de esos u n d e r d o g s que caen bien y se vuel ven cool como Weezer, sino una banda extremadamente popular que generó repudio y rechazo por atreverse a ser. Los seguidores de los Jersey siempre fuimos leales, y tanto ellos como nosotros la tuvimos difícil. Una legión de personas inconvenientes que militó en tiempos de poca tolerancia y desinformación masiva. En los primeros años de los dosmiles la palabra “emo” fue muy popular, muchos medios se acercaban a la etiqueta con ignorancia y rechazo, acusaron a los representantes

emo en la música de estilizar y promover el suicidio, como en sus tiempos culparon al metal de las masacres en escuelas.

y los abusos se gestaron en medios y escuelas. A pesar de todo, MCR triunfó y nosotros triunfamos.

Pero no sólo los medios escupieron al emo, también los mismos ex rechazados: los punks odiaron la moda por su emotividad, los hardcore por sus características pop, los góticos porque les robaron el rímel y los emos de antaño se unieron a partir de elitismo. My Chemical Romance no fue la primera banda emo, y sus integrantes siempre rechazaron la etiqueta, pero fue su representante más popular.

Sus himnos se mantienen innegables, algunos cobraron más sentido por su separación (“Black Parade”), otros se convirtieron en marcas eternas de lo confusa y risible que puede llegar a ser adolescencia (“I’m Not Okay”, “Teenagers”). En retrospectiva su discografía es muy respetada por los críticos, fue una carrera fugaz y explosiva que, por lo menos conmigo, me alejó del snobismo (tantito) y me permitió construir una personalidad basada en el “no me importa un carajo si soy cool o no”.

La violencia hacia fans y banda fue física y emocional. En el Coca-Cola Zero Fest de 2008 llovieron miles de pilas en cuanto MCR tomó el escenario, la gente esperaba a Billy Corgan y sus Smashing Pumpkins, los no cool más cool. Hubo golpizas en plazas públicas

My Chemical Romance anunció su separación en 2013, tres años después de su último disco de estudio. Fue inesperado mas no generó ruido, después de tantos años, el silencio nos favoreció a todos. Marchamos sin mirar atrás con una sonrisa en la cara; sobrevivimos, crecimos y ganamos. 57

Rocco Portillo

Gabo Mendoza

LCD SOUNDSYSTEM i’m losing my edge

Una cátedra de cómo reflexionar en la madurez y envejecer bailando

ames Mur phy se v ol vió mundialmente famoso cuando ya tenía más de treinta años, de eso hablaba “Losing My Edge”, de cómo él estaba antes que todos en el centro del hur acán cultur al. Les ponía Daf t Punk a los chicos que les gustaba el rock y todos pensaban que estaba loco, él sabía más que nosotros desde mucho antes per o aun así no pudo compe tir con el tiempo. James Mur phy disol vió LCD Soundsystem justo cuando se habían conver tido en uno de los mejores actos del planeta. Tomó lo mejor de sus ídolos: el humor de David Byr ne, el misticismo de Bowie y el ritmo cerebral de Neu! y Can, para crear una fiesta que duraría tres discos 58

espectaculares, los cuales reflejan los conflictos existenciales de un hombre enfr ent ando su madur ez mezclados con una frenética base rítmica. “¿Cuando una banda comienza piensa en cómo será su separación?”, le preguntó Chuck Kloster man a James Murphy durante S h u t U p A n d P l a y T h e H i t s , el documental sobre la separación de LCD Soundsystem, en donde se celebra el final de una etapa en la vida de su líder y en la música contemporánea. La pregunta en esencia es: ¿Piensas en el destino? Y si lo haces, ¿crees que puedes influir en él? James Murphy tomó las riendas de su carrera antes de que fuera algo más que él. LCD Soundsystem no giraba en torno

a la fiesta o a una juventud hedonista, se trataba sobre un hombre escribiendo música en un mundo dominado por los jóvenes, a quienes respetaba y a la vez ridiculizaba en sus letras. James Mur phy representa al soltero que se casó para saber qué se sentía y sacarse la espinita. Resultó que fue el mejor pero como los gr andes se retiró cuando estaba en la cima, dejándonos con un dulce sabor de boca y con una cátedra de cómo reflexionar sobre la madurez y envejecer bailando. Él escapó del sistema, rompió los esquemas del rock y nuestros corazones, y convir tió a LCD Soundsystem en algo más que una banda… una autobiogr afía colectiv a.

EseMister

Victor López Velarde

R.E.M ABANDONO INOLVIDABLE Las notas alocadas de peter buck y la inusitada voz de Michael Stipe

a que fuera considerada una de las primeras bandas del rock alternativo dejó huérfanos a quienes encontraban en las notas alocadas de Peter Buck y la inusitada voz de Michael Stipe, un santuario donde el rock, el folk y el punk se fusionaban a la perfección y lograban una armoniosa danza al compás de las notas del impetuoso grupo. Así, en una clara demostración de que incluso las grandes leyendas del rock en algún momento conocen su desenlace,

es difícil pensar que una fr ase tan ani q u i l a d o r a c o m o “ e l m o m e n t o h a llegado” terminaría abrazando a un gr upo que se per cibía inmor tal tr as más de tres décadas en escena. “¿Y ahora qué?”, fue la duda que a s a l t ó a M i c h a e l St i p e d e s p u é s d e reflexionar sobre la reversión de sus antiguos éxitos, que componían el que sería el último álbum de la banda. “ Tr abajar con nuestr a música y nuestros recuerdos por más de 30 años fue un gran viaje. Tomamos esta decisión juntos, el momento se sentía

per fecto”, fueron las fr ases con las que dejaron a la der iv a a sus f ieles seguidores de tanto tiempo. Poco quedará después de que una banda de esta naturaleza se disuelva, tan sólo darse el gusto de evocar los buenos tiempos y sus grandes éxitos, pues un suceso como R.E.M es algo casi imposible de vol ver a atestiguar. Rememorar R.E.M es regresar a esa época ochentera y dejar que la mejor faceta del grupo nos permita reencontrarnos con el verdadero rock hecho ar te. 59

Magalie Torres

Sergio Saucedo

without the grace of your love Entrar con una pulsera falsa a una fiesta privada en el edificio de lo que era Class, en la condesa, para verlos.

e todos los hi jos de bandas divorciadas, yo soy la más reciente. The Rapture anunció su separación este pasado marzo. Bueno, el Red Bull Music Academy lo hizo por ellos, ya q ue ni L uke Jenner ni compañía mandaron nada oficial, sólo dieron un escueto anuncio: “I Kept t hinking it might blo w o v er, but t hat might not be the case. Feel free to go to press wit h t his headline: “Did The Rapture Break Up and Not Tell Anyone? La banda más viva del dance-punk s ó l o n o s d u r ó 15 a ñ o s d e r o m a n c e y cuatro discos. En especial, E c h o e s me salvó la vida en una de las peores rupturas amorosas que he tenido en mi vida. Me refugié en la esquizofrenia auditiva que me provo60

caba ir manejando r umbo a Acapulco con ese disco a todo volumen. Ida y vuelta. Ida y vuelta. Y esta no sería la pr imera vez que The Rapture estaría presente en mis desgr acias. “ S a i l Aw a y ” ( q u e v i e n e e n e l I n T h e Grace of Your Love 2011) sería una de las canciones que puse en un mixtape dedicado a alguien. Y ese alguien, como la canción, zarpó sin mí. La pur a desgr acia. The Rapture fue una de las bandas que más vi y disfr uté en viv o. Siempr e fuer on un pr e t e xt o par a asis tir a festivales tan mal organizados como el Manifest, o entr ar con una pulsera falsa a una fiesta privada en el edificio de lo que era Class, en la Condesa, para ver los. En ambas ocasiones tuve grandes momentos con gente que quise mucho. Lo peor

y lo mejor lo tuv e con The Raptur e sin esper ar lo ni buscar lo. Y de esos recuerdos me quedo como ellos lo d i j e r o n , c o n l a s P i e c e s o f t h e Pe o p l e I Love (2006). Echoes (2003) está clasif icado como uno de los mejores discos de la década y The Rapture re vivió la escena dance-punk. En el transcurso de los años, colaboró con Danger Mouse, Daf t Punk, y hasta Justin Timberlake. El legado que han dejado es mezclar c om o nadie lo Indie c on l o p u n k , e hicieron que el house y el disco fuera trendy y chic. Fueron lo que siempre quisieron ser : una banda sin pretensiones, una banda de ar t-rock y los despedimos con honores y como ellos me enseñaron, con “Don’t E v er L ook B ac k”.

MagalieTorres

NEON INDIAN

La mUSica es para quien la quiera no para quien le quede

lan dice que es de cobardes querer ser oscuros sólo por mantener una credibilidad artística de ser auténtico, pero, ¿qué es ser auténtico en 2014?

Tener de qué hablar, algo que se quede para la posteridad y dejar una huella de tu trabajo es una cosa con la que todos soñamos. Neon Indian (Alan Palomo) es uno de los proyectos más interesantes que hemos tenido en los últimos tiempos en cuanto a música independiente se refiere. Platicamos con Alan cuando tuvimos la oportunidad de ver su DJ set en el pasado San Miguel Sound Fest y fue el encargado de cerrar la noche del viernes. “Mi proceso en la música ha sido experimental, no existe un manual que te diga cómo tener una banda exitosa o con qué productor tienes que trabajar o qué mánager te va a representar para que logres el éxito. Mi compromiso es hacer música accesible para quien la quiera, tener la actitud de que tu música es sólo para cierta generación, o para cierto tipo de gente no va conmigo. Para mí, ser auténtico en 2014 es la expresión, lo que dejas ver con tu música”. Con un aterrizaje inesperado a las grandes ligas de las listas de Mejor Álbum y Mejor Música Nueva en 2009, con su disco Ps y c h i c C h a s m , le preguntamos a Alan que si este

lanzamiento a la estratósfera lo ha presionado para trabajar más rápido y sacar discos: “Uno de mis directores de cine favoritos es Bob Thomas Anderson. Él, entre un proyecto y otro, se toma de cuatro a cinco años y no hace películas por promoción o para mejorar su calidad de vida (económica), él lo hace porque quiere aportar algo al marco cultural, inventar algo que no exista. Siempre lo he dicho, tienes que sacar algo que justifique su existencia”. Como se puede ver, el cine es una de sus pasiones, dice que en un mundo ideal él sería como John Carpenter, y se tomó un tiempo para escribir un guión aunque tiene sentimientos encontrados, ya que no sabe si quiere hacerlo para la gente o sólo como mero proyecto personal: “Creo que esas cosas pasan más tarde en la vida. En la música todavía hay muchas cosas que quiero decir, y cuando sienta que ese capítulo está actualizado entonces tomaré la otra etapa y me pondré a dirigir. Aunque en este próximo disco quiero dirigir mis propios videos y seguir con los cortometrajes, porque no quiero usar el pretexto de tener una banda para hacerlo”. Dice que su próximo disco vendrá menos formal, y menos referencial a décadas pasadas, Alan ya está en ese lugar donde puede trabajar con su yo interno y crear mundos sónicos que aún no existan. Errata Anex es el último trabajo de Neon Indian y será hasta el año que entra que tengamos otro disco nuevo.

es de cobardes querer ser oscuros sĂłlo por mantener una credibilidad artĂstica de ser autĂŠntico.

Rocco Portillo

Dusdin Condren

“Vertí estos cuestionamientos y sentimientos oscuros en la música”.

“SALIDAS DE EMERGENCIA ANTES DEL AMANECER”

dam Granduciel es hombre detrás de The War On Drugs. Lost In The Dream es el tercer disco bajo y uno de los mejores lanzamientos del año. Voces del pasado, guitarras psicodélicas y canciones sin límite de tiempo lo hacen un álbum que incita al escape. Algunos prefieren la carretera, otros no necesitan quitarse los audífonos para lograrlo. Adam y yo estamos escapando. Él dice que este disco fue una manera de resol ver muchas preguntas, así que lo he usado de pretexto para hacerle otras. Las luces del automóvil iluminan sólo lo que tengo cerca, la noche es tan oscura que de distraerme por un instante podría terminar embarrado contra un poste. No sé a dónde nos dir igimos pero Adam continúa como copiloto y su música es la gasolina. Estamos perdidos en un sueño, yo quería una salida y terminé aquí. “Una buena salida de emergencia hubiera sido no haber hecho el disco”, me corrige Granduciel. Adam dice que los cuestionamientos son la verdadera inspiración de la música, y el álbum que está en el reproductor me incita a perderme. “Durante la creación del disco mi vida era muy nocturna, me dormía muy tarde, casi no hablaba con nadie, era bastante solitario, tomaba la camioneta y me iba a manejar en medio de la noche”.

La canción número tres (“Suf fer ing”) calma mis cues tionamient os y ba jo la velocidad para preguntarle si el sufrimiento es una fuente natural de inspiración, “Creo que no”, me contesta mientras enciendo otro cigarro, “viene de un cuestionamiento. En esos momentos oscuros puedes encontrarte con ideas o preguntas que no son comunes en tu vida diaria. No importa si es en la música, la pintura o el cine, si de verdad tienes un cuestionamiento la manera más fácil de resolverlo es a través del arte”. Una sombra en el camino me hace dar una vuelta abrupta y el disco brinca un poco, después de la sacudida Adam me dice “No estaba intentando hacer un disco sobre mí, sólo me encontraba en una etapa de mucha reflexión cuando lo hice. Adam me explica que el tiempo que se tardó en grabar el disco no fue culpa de su perfeccionismo, que no es obsesivo. Su adicción es al proceso de creación, le encanta ver cómo algo continúa desarrollándose. Le pregunto cómo sabe cuando una canción está lista, “Hay momentos en los que estás trabajando en la noche y llegas a ese punto donde sabes que la canción está lista. Al siguiente día crees que podrías cambiar algo pero a veces es mejor guardar ese momento de satisfacción”. Entonces comienza “Bur ning”, una canción que recuerda a Rod Stewart. 65

“No importa si es en la música, la pintura o el cine, si de verdad tienes un cuestionamiento importante la manera más fácil de resolverlo es a través del arte”.

Bob Dylan, Br uce Spr ingsteen y Neil Young son nombres que a la prensa le gusta escribir cuando hablan sobre Lost In The Dream. El pasado y la nostalgia son ingredientes que abundan en este disco, y aunque es ob vio que Adam es un fanático de estos ar tistas, le pregunto si las comparaciones llegan a cansarle. “Me siento halagado, trato ser natural. Ser comparado con esas personas es genial pero quiero provocar una impresión en la música”. Algunos artistas se sienten bendecidos si la obra final tiene una remota similitud con la idea que tenían cuando empezaron, otro tipo de artistas comienzan sin un plan, “No hay manera de saber qué tipo de disco quieres hacer, sólo empiezas a hacerlo”, contesta emocionado. “Creo que la mayoría miente si dice que sabe lo 66

que está haciendo desde que empezaron. Incluso hasta dos semanas antes de la mezcla este disco era algo totalmente diferente, fueron esas últimas dos semanas las que lo definieron. Tienes que estar dispuesto a tomar ese viaje”. “In Reverse” es la última canción del disco y nuestra plática está por terminar, me gustaría ir en reversa pero con la noche se van los sueños y es momento de encontrarse con la rutina. Mientras el camino se hace más claro le hago una última pregunta: ¿Qué te atrae de la noche? “Esa vibra nocturna de estar solo. Esa oscuridad que no es triste o atemorizante sino simplemente solitaria. Todos estos sonidos fueron inspirados por el estar solo en la noche”.

El รกlbum Reportaje Meanwhile Underground Rip Cuento

70 72 74 76 79 80

El รกlbum

Luis Palmeros

El álbum

FAITH NO MORE

THE REAL THING M

ike Patton es una anomalía, una voz única e influyente que se convirtió en el fundamento de muchas de las ejecuciones vocales más atractivas en el inframundo del metal y rock experimental. Para Faith No More, Mike Patton fue la irregularidad que la banda necesitaba para volverse singular. The Real Thing, de 1989, fue el primer disco del grupo californiano con Mike Patton, el tercero en general. El álbum es grandeza pop sostenida por riffs punzo cortantes y singularidades compositivas que separaron a Faith No More del resto. Un disco que si bien no justifica el uso de la etiqueta “alternativo”, para adornar a un viejo conocido, se entiende como una propuesta distinta a las opciones que presentaba la cultura popular entonces. El disco abre con “From Out Of Nowhere” que trata sobre una primera impresión definitiva que aprisiona. A grandes rasgos expone la línea compositiva del álbum, pero en retrospectiva no se siente como lo que predica. Lo más memorable a tan temprana etapa del material es la nasal y sobreactuada voz de Patton, que le da, a partir de su rareza, credibilidad al pop que hace esta banda de metal. La caricaturesca y versátil voz de Patton, entra en juego a lo largo de T h e R e a l T h i n g con riffs de los ochenta y una convivencia bastante auténtica de thrash (“Surprise! You’re Dead!” siendo el ejemplo más sucio)

con cuerdas de sintetizador. Los sintetizadores añaden un dramatismo que no cae en lo ridículo, están como coros y ambientación, como en la cinemática “Zombie Eaters” o en la homónima, es en estos momentos sobreactuados y extravagantes que Faith No More suena mejor, en donde la voz de Patton es más limpia y los arreglos más contundentes. No todo es Patton, de hecho, en The Real Thing su única responsabilidad son las letras y la ejecución. La instrumentación es igualmente importante, el groove que inyecta la técnica funk de Bill Gould en el bajo es sobresaliente, temas como “Underwater Love” y “Falling To Pieces” se vendrían abajo sin él, y gran parte del disco en realidad. Por supuesto hay que recalcar “Epic”, la canción más exitosa de Faith No More hasta la fecha, un ejemplo ideal de la fórmula de rap-voz limpia, ruido-melodía que después se convertiría en ley para el metal alternativo de los noventa-dosmiles: Nu Metal. La instrumental que da el cierre definitivo a T h e R e a l T h i n g (en la versión de vinilo) es el mejor momento del álbum, cuando Faith No More presume grandeza con sus habilidades en texturas, versatilidad y en propinar golpes certeros. Es un disco de potencia y posibilidad, que si bien está lejos de ser el trabajo más experimental de Patton y Faith No More, sí es el más conciso y ofrece el vistazo más sensato a su gama de talentos. Es la esencia de su rareza y singularidad.

sección

patrocinada

MagalieTorres

ENTRE HAY UN LIBRO DE POR MEDIO “El órgano sexual más poderoso que tenemos es la imaginación. En nuestra cabeza ocurren cosas que no nos atrevemos a contarle a nadie, el sexo es el secreto personal mejor guardado del mundo. Desde hace un par de años, la pornografía explícita literaria nos ha dado un camino donde hablar de nuestras fantasías y deseos se ha vuelto plática de sobremesa”.

Me metía al baño con él, (porque era el único lugar de casa de mis padres que tenía chapa) ya que ese tipo de libros lo tenía prohibido

La Universidad de Harvard tiene un club llamado BDSM (Bondage, Domination & Sadomasochism) Recuerdo de muy niña un libro verde que había en la mesita de noche de mi mamá, el título era Vagabunda, de Luis Spota. En la portada estaba una mujer con vestido de playa y al fondo se veía el mar. Me metía al baño con él, (porque era el único lugar de casa de mis padres que tenía chapa) ya que ese tipo de libros lo tenía prohibido, así como Los Renglones Torcidos de Dios y La Muerte de Artemio Cruz (que también leí a escondidas). Vagabunda tenía pasajes eróticos y sexuales que seguro si los leo hoy son un chiste rosa, pero en ese entonces me parecía todo un reto imaginar lo que el autor me describía en esas escenas. Ahora, Ethan Blackstone y Christian Grey son los nuevos Ryan Gosling y Chris Hemsworth de la literatura. Dos semidioses que han puesto a mujeres de todas las edades a hablar de sexo, a practicarlo, y las han empujado a un abismo fantasioso del cual ya no se puede regresar. 50 Sombras de Grey y Affair Blackstone (ambas trilogías) desataron la euforia sexual a nivel mundial. Y eso está bien. Nada más sano para el cuerpo que el sexo y nada más divertido que imaginarlo. Bondage, sadomasoquismo y sumisión seguramente son las palabras clave más buscadas en Google “voy a tener suerte”. A pesar de la apertura mental que estas trilogías le puedan dar a las lectoras, el pudor literario nos sigue ganando. Para

algunas mujeres (y hombres), ir a comprar estos libro es como pararse en una sex shop y decirle al cajero que ese vibrador que estás pagando se lo vas a regalar a una amiga. Pero, gracias a la tecnología, en el Kindle nadie puede darse cuenta que cuando llevas a tus hijos al dentista estás leyendo “…quería hacerle el amor lentamente. Imaginaba su espectacular cuerpo desnudo expuesto hacia mí para complacerla en todas las formas posibles. Toda mía. Para mí solo”. Y ves a una mamá sonriente sin saber por qué. Aunque La historia de O, El amante de Lady Chatetterly o El Amante sean libros eróticos y sexualmente explícitos, no fue sino hasta la llegada de autores como Rane Miller y E.L. James que la pornografía rosa o, el llamado “Mommy Porn”, tomó un camino permitido, abierto, y socialmente aceptado. Habrá algunas que sigan leyendo estos libros encerradas en un baño, como cuando yo leí Vagabunda, y nieguen categóricamente tenerlo en su mesita de noche, como habrá otras tantas que de aquí en adelante su vida sexual cambie. Pudorosos o no, la imagen de unas esposas, un látigo y una soga, a muchos nos quita al misionero que tenemos dentro. Como lo dije, la imaginación es el órgano sexual más poderoso que tenemos, usémoslo todos los días.

Algunos hoteles ofrecen paquetes que contienen esposas, látigos y crema batida.

Puedes hablar con tu mamá de porno sin que abra los ojos de plato.

Ha inspirado peleas épicas de Twitter entre Breat Easton Ellis y el productor de la película.

El Mommy Porn ha movido la economía.

Nos enseñó que una mala portada de libro también vende (¿una corbata?)

Hay más bebés en el mundo.

El Mommy Porn ha vendido más libros que Harry Potter.

Meanwhile

Andrea Paz

Oyuki Aceves

PINCHE GRINGO

BBQ VEGETARIANS KEEP MOVING!

MEANWHILE

RECOMENDACIONES Elige los Mac n’Cheese y los BBQ Beans como guarnición de cualquier plato Con $200.00 pueden comer dos personas con cervezas incluidas Llega con anticipación los fines de semana, o sea, antes de las 17hrs Tienen opción de reservar para fiestas privadas Cumbres de maltrata 360 col. Narvarte a partir de las 13hrs. Miércoles-Domingo de 13 a 19hrs www.pgbbq.mx

er víctima del síndrome del jamaicón para nada es divertido. Estar lejos de tu patria y de tu gente puedes resisitirlo, pero, ¿extrañar tu comida, esos platos que le dan sentido a la vida? Básicamente fue así que nació un lugar para comer como un autético gringo. Dan DeFossey es un chico de NY que lleva poco más de cuatro años viviendo en el D.F., y en todo ese tiempo probó de todo, pero jamás un BBQ digno de respeto; por lo que se alió con Roberto Luna para traer a México, específicamente a la colonia Narvarte, algo que literalmente pocos han probado. “Dan ya tenía clara la idea de introducir BBQ a México así que nos fuimos a Austin Texas a probar todos los restaurantes, la comida allá es muy característica, así que nos apegamos a la técnica gringa. Básicamente todo lo estudiamos en Austin, la idea era sólo tener un food truck, después nos dimos cuenta que poner un establecimiento iba a ser más divertido y comenzamos en diciembre del año pasado”, contó Roberto. A Dan se le ocurrió el nombre, buscaba que fuera uno que conectara con los chilangos y quitar el cliché “si es gringo es mejor”. Aquí el adjetivo de “gringo” se usa con humildad y es fácil recordarlo. De esta forma, apenas pones un pie en el establecimiento, te lleva a una parrilada de película western y aceptas todas las cosas diferentes que esto conlleva, desde el pedir la comida en inglés, hasta probar la cerveza artesanal de cosaco que se hace especialmente para El Pinche Gringo y dejar de lado la cerveza embotellada. En este lugar donde la estrella (visualmente) es un camión del 74, todo parte de la sencillez;

hay cuatro platillos inamovibles: Brisket, o pecho de la vaca, Pulled Pork, cerdo deshebrado, Pork Ribs y Sausage; ya sea en sándwich, por plato o por libra y cuatro Sides: Mac n’ Cheese, Patato Salad, Coleslaw y BBQ Beans o guarniciones, como nosotros solemos llamarles y por último el postre, que siempre es pay, pero puede variar de sabor cada mes aunque regularmente es de manzana. Tanto comieron y bebieron en Austin, que Dan y Roberto se dieron cuenta de la familiaridad que había en cada lugar que pisaban, y eso fue lo que quisieron hacer aquí en El Pinche Gringo. Venir aquí es quitarse paradigmas de paladar y de clase social, una familia puede compartir la mesa con el chavo fresa o el que va en uniforme de oficina con el hipster. Éste no es un lugar para adultos mayores, adultos, jóvenes o ejecutivos, El Pinche Gringo es amigo de todos. Es interesante como aquí no se comparte el pan sino la carne, que ha sido cocinada cuidadosamente por el equipo. Para prepararla hay que seguir muchas reglas de asado, muchas horas de elaboración, de 12 a 14, en las que se ahúma la carne, para el mexicano puede ser ajeno, pues lo más cercano que tenemos a este proceso es la barbacoa pero aquí se hace a base de madera de encino. Visitar al Pinche Gringo sin duda te hace vivir una parte del sueño americano, por lo que en este mundial o eventos deportivos es el lugar perfecto para pasar con los amigos, si no los tienes seguro acá te haces de algunos. Por cierto, este es el único lugar en el D.F en el que puedes reservar tu pedido a través de paypal 24hrs antes de visitarlo. 75

Underground

Alberto Castro

(batería), están demostrando, tanto en su disco como en sus presentaciones en vivo, es algo de agradecerse por parte de los que gustamos de riffs pesados y doble bombo. Aunque, a decir de los propios músicos, el aparente estado de la escena musical en el D.F., no los asusta, ya que el metal siempre ha sido algo limitado por estigmas del propio género, su pensamiento es que todo depende de uno mismo, debes hacer que pase, acercarte a personas que te den la oportunidad de mostrarte, sentado no vas a hacer nada debes pararte y tocar en todos los lugares donde se pueda.

S7N M

etal dedicado al único e inequívoco propósito de romper madres, así es como definen los integrantes de S7N a este proyecto que forman desde 2009, el cual ha rendido frutos en un disco titulado Fearless, que fuera lanzado en

twitter como @S7Nmusic FB/S7Nmusic YouTube como S7Nband noviembre del año pasado y producido por Erik Canales. Y es que sin duda alguna, en una escena donde cada vez parecen más escasas las bandas que apuestan por tocar música pesada, el poder y calidad que Mao (voz), Memo (guitarra), Israel (Guitarra), Lalo (bajo) y Fabián

PLAYA MAGENTA

twitter @playamagenta FB/playamagenta

río de compositores mexicanos formado por Verónica Valerio (arpa y violín), René Torres (jarana, violín y guitarra) y Quique Castro (marimba MIDI), el cual, desde 2011, se ha convertido en el punto de encuentro de una amplia gama de estilos e influencias que van desde la música popular brasileña, música folclórica, world music, Frank Zappa, The Beatles, Beethoven, Bach, Led Zeppelin,

Sus influencias explican un poco por dónde va el camino de la banda, Pantera, Metallica, Black Sabbath, Slayer o Meshuggah, pero no definen su música ya que esta cuenta con un toque y estilo propio que la hace destacarse de entre los que sólo quieren imitar a una u otra banda. Su forma de componer no obedece a algo sistemático ni tampoco recae en un solo miembro de la banda, como nos lo explican, cualquiera llegaba con ideas de riffs o línea de bajo y todos comenzaban a aportar para terminar con maquetas, de las cuales algunas se convirtieron en uno de los siete tracks de su excelente disco debut, el cual ya está disponible en tiendas digitales como iTunes.

Gustavo Cerati o hasta Skrillex, cuyo estilo definido por ellos mismos se resume como una mezcla entre electrónico, folclórico mexicano y rock con instrumentación veracruzana electrónica. Con esto en mente, uno pensaría que el proceso de composición debe ser demasiado complejo, pero como ellos explican, todo comienza con una idea o un jam en el estudio, luego grabarlo y después a manera de tarea en casa y por separado escogen las ideas que más les agradan para regresar y completar una canción. Proceso que dio como resultado su primer disco de estudio Amaranto, con 10 canciones que a decir de la banda ha sido bien recibido por la gente, sobre todo en sus presentaciones en vivo, que es sin duda el lugar idóneo para disfrutar a la banda. La música buena siempre sale a flote, reflexiona Quique, y sin duda esto se aplica a la perfección al proyecto de Playa Magenta, quienes gracias a su innovación en estilos clásicos están haciendo voltear a más de uno, y sin duda el futuro les pinta bastante prometedor. La banda tiene como planes para 2014 empezar a componer para lo que será su segundo disco, hacer videos, además de llevar el sonido de la banda a la mayor cantidad de lugares posible, dentro y fuera de la República Mexicana. Les recomendamos escuchar Amaranto, de Playa Magenta.

Underground

CIÉNEGA

royecto instrumental que de tener que ser etiquetado entraría en la categoría de Post-Rock. Ellos han estado tocando juntos desde 2011, tiempo en el cual y bajo su propio esfuerzo han conseguido editar un disco bajo el nombre de Viva Bocashi, material que consta de 9 canciones grabadas e interpretadas por Javier Pérez, Toño Trillo, Noé Contreras, Emmanuel Zúñiga, Manolo Maass, Enrique Castañeda y Dana Orea, quienes forman Ciénega, proyecto que por la instrumentación del mismo se acerca a

la música clásica contemporánea, razón por la cual han tenido una cantidad de presentaciones limitada debido a la falta de espacios, aunque eso no los detiene y se encuentran ya planeando la estrategia para el relanzamiento de su disco debut y un subsecuente segundo material. Aunado a la banda, y de la mano de la misma, existe Pause & Play, proyecto alterno de los integrantes de Ciénega en el que musicalizan obras cinematográficas, ejemplo de esto fue la presentación

que tuvieron al lado de Distrito Global a finales del año pasado donde musicalizaron en vivo el film El ballet mecánico (Fernand Léger, 1924), con el que llevaron la perspectiva musical de la película a su terreno y con sus composiciones. Sin duda gran talento y pluralidad de expresiones artísticas se pueden encontrar en el proyecto Ciénega, a quienes seguiremos con atención por medio de sus for mas de contacto FB/Cienega, twitter @CienegaOfficial y cienega. bandcamp.com. 77

Rocco Portillo

Rip

ADAM

YAUCH

PASS THE MIC 05/08/1964 – 04/05/ 2012 “Born and bred in Brooklyn the U.S.A./ They call me Adam Yauch but I’m M.C.A./ Like a lemon to a lime a lime to a lemon/ I sip the def ale with all the fly women”

l tiempo es el que asigna las reser vaciones para las leyendas, no puedes presionar este proceso, no existe una manera de asegurar tu sitio en un lugar tan selecto. Hace sólo dos años murió Adam MCA Yauch, él no necesitó esperar para marcar historia, en vida dio espiritualidad al hip hop, lo llenó de sensibilidad sin perder la acidez crítica, lo sacó de las calles para acercarlo a muchos jóvenes en los suburbios. Condensó las corrientes más irregulares de la cultura en algo nuevo que definiría muchos aspectos de nuestro presente. Adam Yauch nunca fue un ídolo inalcanzable, era un amigo al que miles quisimos imitar y una de sus canciones le dio el nombre a esta misma publicación. Adam Yauch hizo madurar a los Beastie Boys y con ellos a una generación entera. En 1994 pidió disculpas por las letras sexistas de sus primeros materiales discográficos, en Sure Shot exigió respeto para todas las mujeres. Adam hizo de su carrera musical un ejemplo de la madurez del hombre moderno, rompió esquemas de otro tipo de racismo, como

el egoísmo cultural que el hip hop tenía en los ochenta. MCA nos enseñó que no se necesita ser gangsta para rapear, no se necesita ser negro para hacer hip hop y no necesitas ser grosero para ser rebelde. Natahaniel Hörnblowér fue su alter ego en el mundo audiovisual, se encargó de dir igir los videos más impor tantes de los Beas tie Boys y Oscilloscope Laboratories fue su baticueva; una pr oductor a cinematogr áf ica y estudio de g r abación de donde salier on películas como E x i t T h r o u g h T h e G i f ts h o p de Banksy, W e N e e d to T a l k A b o u t K e v i n y el documental de LCD Soundsystem, Shut Up And Play The Hits. Nunca fue un puritano, probó todos los placeres terrenales y rapeó sobre ellos, pero después se dio cuenta de que podía alcanzar mayores niveles de percepción por otros medios, se acercó al budismo tibetano y dedicó gran parte de su vida a difundirlo y crear una conciencia sobre el Tíbet. Algunos extrañarán al prototipo del rockstar, pero algunos preferimos tener más MCAs que Cobains.

En el 2009 Yauch publicó un video en YouTube, en el cual, totalmente sereno, informaba que desde un par de semanas antes había sentido un pequeño dolor en la parte inferior de la quijada, por lo que tuvo que suspender algunas presentaciones. Después de varios análisis le habían detectado cáncer en la glándula salival. La lucha contra el cáncer duró tres años y pospuso la salida del último disco de la banda. El 4 de mayo de 2012 el mundo perdió a uno de los grandes artistas de la música, un rapero blanco que había convertido en arte su humor, y además cambió la vida de muchos en ese proceso. Quizá no haya manera de asegurar tu lugar en la mesa de las leyendas, quizá no necesites al tiempo cuando has logrado todo lo que Adam hizo. El cáncer no es tan dramático como una sobredosis, una escopeta o cuarenta shots de v odka. Fue una despedida a n u n c i a d a y l e n t a . L o s f u e g o s a rtif iciales pueden crear muy gr andes espectáculos durante segundos, pero hay ocasiones en que los grandes fuegos se consumen lentamente. 79

Bruno Taboada Moreno (Nebula)

Cuento

TOMO UNA VACA J

ulián se levantó ese día, el mismo día en que tú comiste solo. Ese día, al abrir los ojos y ver el techo descoloridamente anaranjado de su habitación, se dio cuenta que no había comido en cuatro días, no recordaba si había estado comiendo, bebiendo o bailando pero no le molestó, sólo se quedó ahí boca abajo, mientras sus piernas respondían al hambre que sentía. Una vez de pie, salió de la habitación que ya no le parecía tan conocida y dio vuelta a la derecha y siguió por el pasillo hasta la cocina. Entrando a ella, abrió el refrigerador y sacó una vaca para beber leche. “¿Qué?”, dijo para sí mismo, “¿una vaca?”, dijo en voz alta mientras la vaca mugía en su mano, entonces la regresó al refrigerador y observó con enojo el interior de éste. Todo estaba en su empaque original, no de fábrica sino natural, había vacas, borregos, pencas de magueyes, jamaica floreciendo, una que otra gallina cacareando (no acostumbraba comprar huevos), los jitomates estaban sentados, sí sentados en sus posaderas observándolo, sí con sus tres ojos, directamente a la pupila, junto con los aguacates y las cebollas chillonas y claro, las berenjenas que Sabina le había regalado, las cuales eran bastante sombrías, que aunque blancas tenían cierta aura oscura. Entonces se dio cuenta; había sido Gerarda, esa méndiga bruja no lo dejaba en paz desde aquel incidente en el último aquelarre. Él, como el Ñu que fue en su pasado, tenía que hacerlo, era parte de su profesión pero ahora era un humano y sólo quería vivir como cualquier otro e intentar morir como cualquier otro, aunque su condición mágica no lo dejara. Entonces recordó que habían pasado cuatro días desde que tomó su forma nueva, aunque era un poco extraño con su largo cabello negro, sus remedos de cuernos que le quedaban y sus uñas gruesas que le recordaban las pezuñas, estaba tranquilo. “Esa méndiga bruja”, pensó, tenía que hacer algo con ella, así que la llamó gritando su nombre en lengua Kihí, el idioma de los Ñu. Bastante silencioso, casi supersónico pero musical, comenzó. Cerró los ojos, odiaba ver cómo se aparecían, era desagradable cada mililitro de aire del lugar se condensaba en sangre, piel, cabellos, saliva y demás líquidos y tejidos que entonces se juntaban, con un sonido de mil ventosas chupando para formar, primeramente, el cuerpo desnudo de la bruja de más de cuatro mil años. Después aparecían sus ropas, era asqueroso, así que permaneció con los ojos cerrados durante el suceso. Terminó esto con un ligero estallido, como el de un petardo, junto con un destello negro y rojo opaco. Abrió los ojos, y ahí estaba ella, malditamente hermosa. Claro, era jueves, lo cual significaba que tenía en su poder por lo menos 100 almas de mujeres ilusas que le daban esa belleza innata que ella había perdido hacía varios milenios. El aire regresó a su densidad normal y entonces pudo hablar después es una gran inhalación: “han pasado ya 30 años desde que te vi ¿Por qué no puedes dejarme en paz?”. La bruja no dijo absolutamente nada, lo miró con los ojos muy grises y comenzó a caminar hacia él con sus piernas largas y envueltas en un vestido marrón. “¿Qué haces? ¡Llevo huyendo de ti tanto tiempo, dime qué es lo que quieres y lárgate de una vez!”. Ella seguía acercándose, sacando de su cabello rojo y rizado un objeto pequeño, oblongo, morado e irregular, lo vio fijamente a los ojos y él empezó a gritar “No des otro paso o te juro por la estrella más luminosa que voy a …. ”, casi mudo quedó al verla abrir aquel objeto que traía en sus manos tersas la bella bruja, lo observó con incredulidad, era suyo, sí, era su corazón, nunca lo había visto pero sabía que le pertenecía, entonces ella lo cerró y lo devolvió al dueño, él se sintió completo y con un beso en el ángulo de sus labios tomó su voluntad y su mano para llevarlo con ella a su última vida, no sin antes tomar una vaca y una berenjena para el camino, su ciclo había terminado.