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C
omo cada mes Sabotage Magazine entrega una nueva edición y en este número decidimos darles un número “raro”, no podría llamarlo “especial” aunque sí diferente a las demás, ya que por primera vez en la historia de esta revista, su revista, tomamos un tema y lo hicimos dossier. El tema es la tecnología en la música, así es, los sonidos que emergen a través de componentes eléctricos y no acústicos, de resonancias o cuerdas que poco a poco han sido desplazados por instrumentos eléctricos y se han apoderando cada vez más de los escenarios en todo el mundo hasta llegar, en algunas ocasiones, a sustituir el talento de algunos músicos creando la ilusión de que están tocando. (Recuerdo bien un concierto masivo que hubo hace poco tiempo en el Estadio Azteca…) Pero bueno, la música electrónica a llegado al gusto de muchos y a otros les a dado la oportunidad de hacer bailar a la gente sin tener que mostrar un poquito de conocimiento musical, como también es el caso de algunos pone rolas en lugares como Caradura, El Imperial o fiestas donde incluso niñas que eran o son modelos se trepan a las tornamesas para mostrar sus habilidades para quitarse la ropa. ¡Ah! Sí, y poner su selección musical. En fin, Sabotage contagiada de esa fiestota loca hace un pequeñito recuento de algunas bandas que sí tocan y que no se suben al escenario para timar a la gente. Espero que disfruten esta nueva edición como la disfrutamos nosotros.
corrección de estilo paulina farías diseño daniel padilla daniel@sabotagemagazine.com.mx
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MAX OLVERA
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legales Sabotage Magazine, Año 2, No. 16, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calz. de Tlalpan No. 572, Dpto. C 302, Col. Moderna, Del. Benito Juárez, C.P. 03510, México D.F. Este número se terminó de imprimir el 24 de abril de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.
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FRONT FEATURES BACK
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zoom out
4
newsletter
6
discos
8
diván
10
séptimo arte
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máquina del tiempo
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soundtrack
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kraftwerk
18
daft punk
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tricky
28
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32
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36
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40
how to destroy angels
42
the knife
46
tom & collins
48
mynistry psalm 69
50
numeralia
53
dc310
54
underground
56
radiografia
58
gadgets
60
rip
64
cuatro
ZOOM OUT
THE DIRTY MAC
H
oy los supergrupos han dejado de existir, las grandes estrellas sólo acceden a colaboraciones porque es complicado que el ego de los participantes conviva en armonía en un mismo proyecto. Atrás quedaron los días en que la escena musical vio en un mismo escenario actos como el de John Lennon, Eric Clapton, Ketih Richards y Mitch Mitchell (aunque sólo fuera para un programa de TV (The Rolling Stones Rock and Roll Circus). La convocatoria de talentos y el nombre corrió a cargo de Lennon en un juego de palabras referentes a Fleetwod Mac. Es así que el 11 de diciembre de 1968 pasó a la historia como el día en que John se presentó sin el resto de los Beatles.
GACETILLA
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THE BEACH BOYS
seis
Fue en un garage en Florida, donde se encontraron más de 150 partituras originales, contratos de grabación, certificados de derechos de autor, cartas personales, entre otras cosas nunca antes vistas de The Beach Boys. Todo este material será vendido por 10 millones de dólares. El archivo estará en exhibición hasta mayo en el Hard Rock Café de Londres y después será subastado en el Fame Bureau.
GERARD WAY El líder de la desintegrada banda My Chemical Romance, anuncio que lanzará una novela gráfica, la cual estará basada en el último álbum de la agrupación: Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys. La novela saldrá a la venta a través de Forbidden Planet, una famosa tienda de cómics a partir de junio y habrá un adelanto el 4 de mayo.
S A Í B ¿SA
? E U Q
She & Him SHE & HIM El dúo formado por M. Ward y Zooey Deschanel regresan este mes con nuevo álbum titulado Volume, el material contiene 11 temas y contará con colaboraciones de numerosos artistas. Never Wanted Your Love es su primer sencillo
Uno de los duetos más famosos de la industria musical es sin duda Simon & Garfunkel quienes originalmente eran conocidos como Tom & Jerry
MUERE LIGAS LUNA El cineasta catalán Bigas Luna, representante del cine ibérico y director de películas como Jamón Jamón, Lola, Yo soy la Juani, Huevos de oro, La teta y la luna, Las edades de Lulú y Tatuaje, falleció el pasado mes a los 67 años de edad, víctima de cáncer.
En 1996 Ringo Starr apareció en un comercial japonés de salsa de manzana que, convenientemente, es lo que quiere decir “ringo” en japonés.
GACETILLA
THE GREAT GATSBY
TALES OF A GRASS WINDOW
La película basada en el libro del mismo nombre contará con los nombres de artistas como Jack White, Goyte, Nero, Beyoncé, Lana del Ray, The xx y Florence and the Machine, entre otros para componer el soundtrack de este film.
Las hermanas Sierra y Bianca Casady lanzarán su nuevo material titulado Tales of Grass Window, el disco estará disponible este 28 de mayo. Hasta el momento el dúo ya ha a conocer dos sencillos: Gravedigress y After the Afterlife
MADURAR POR : ELÁN
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C
uales nos indican que ya hemos madurado. Tengo entendido que no es cosa fácil aceptar cuando por fin llegamos a este punto pero más vale tarde que nunca. DICEN.
Madurar es: 1 - Prestarle tu iPod a tu hermano o hermana sin sentir que has dejado la vida de un recién nacido en manos de otro recién nacido. 2 - Dejar que le cambien a la música en tu coche. 3 - No quejarse de la música en algún evento social de ningún tipo. 4 - No vomitar al revisar el iPod de alguien que creías conocer pero sus gustos musicales comprueban que no conoces absolutamente nada a esa persona y los aceptas así de ridículos como son. 5 - Enseñar con orgullo tu playlist de guilty pleasures sin sentir que mueres por dentro.
7 - Que pagues la renta de tu departamento, casa, coche, etc. En vez de gastarte todo el dinero del mes en boletos para conciertos y festivales. 8 - Regalarle a tu mamá flores y un collar en vez una tarjeta de iTunes en su Cumpleaños. 9 - Dejar de hacer dos millones de diferentes garabatos y versiones del nombre de tu banda favorita en cuadernos, moleskines, manteles de papel, servilletas y tus converse.
NICK VALENSI Y BRODY DALLE
PRIMAL SCREAM
La ex-cantante de Distillers está preparando su disco debut como solista, la placa aún sin título contará con la participación de Valensi, Shirley Manson (Garbage), Michael Shuman (Queens of the Stone Age), y Alain Johannes
Después de algunos años de ausencia, la agrupación vuelve con su nueva producción More Light, material producido por David Holmes y compuesto por Bobby Gillespie y Andrew Innes. La salida del álbum se espera para este mes.
10 - Dejar de treparte a los escenarios para tocar al cantante aunque sepas que después de eso te van a sacar del concierto los de seguridad y aparte de eso probablemente saldrás golpeado. 11 - NO poner Tweets con la letra de alguna canción ardida como indirecta a tu ex para ‘sutilmente’ mentarle la madre. 12 - Dejar de tomarte fotos con músicos famosos haciendo el “thumbs up”. 13 - No armar un pancho afuera de algún bar si no te dejan entrar. No eres Liam Gallagher. 14 - No decirle a tu novia o novio que ‘jamás hubieran cortado si hubiera entendido la música de Frank Zappa desde un principio. 15 - No dormir con audífonos. Menos si estás acompañado/a de alguien que no es una muñeca inflable o una mascota.
El Güero Gil integrante del trio Los Panchos es el creador del Requinto, instrumento parecido a la guitarra pero de sonido más agudo debido a su necesidad de reforzar las introducciones y los pasajes sin voz de las canciones
En fin, DICEN que éso y algunas otras cosas significan “madurar”. Si preguntan mi opinión, me parece bastante aburrido madurar, pero en algún punto supongo que tendremos que intentar por lo menos una de las 15 cosas de la lista. ¡Que les sea leve!
7
6 - Aceptar que a veces se te olvida el nombre del baterista de tu grupo favorito.
DISCOS
DISCOS
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por: Luis Palmeros
DISCO DEL MES SHAKING THE HABITUAL THE KNIFE
E
l primer material del dúo sueco en 7 años viene acompañado de un manifiesto caricaturizado. Éste presenta la propuesta de acabar con la extrema riqueza que contamina nuestro planeta. en el segundo corte del álbum preguntan: “When you’re full of fire, what’s the object of your desire?” Es una declaración contundente e idealista, Shaking The Habitual es la respuesta al estado del mundo desde su perspectiva; sacuden lo habitual, la porquería que se acepta como mundana. musicalmente se destrozan a sí mismos e incineran la apuesta segura. Acompañada de sonidos tribales que se contraponen a la frialdad de la instrumentación electrónica, y transiciones que sobrepasan los 10 minutos, una profética y adolorida voz le da sentido a esta odisea sónica. La opus magnum de The Knife, es una creación que va más allá del artista, que bombea y calienta corazones que a veces olvidan el valor humano.
ocho
DAER MISS LONELYHEARTS COLD WAR KIDS A 7 años de su primer LP, la carrera de Cold War Kids no ha sido la más “afortunada”, las ambiciones están ahí, pero la realización es un trabajo en progreso. Lonelyhearts está inspirado en una novela expresionista de humor ácido. De nuevo, gran ambición, y esa comicidad está presente en la experiencia de escucha. Los aciertos del álbum recaen en la sencillez, no en las grandes pretensiones. Temas pop/rock que juegan con la fórmula M83, inspirada en bandas como New Order. Canciones con soul que satisfacen a un nivel muy casual, y eso está más que bien.
THE UNRAVELING DIR EN GREY Cuando una banda tan multifacética lleva más de 15 años junta, y los cambios estilísticos son tan drásticos, es difícil encasillarlos. Cada uno de sus 8 discos tienen una identidad única, así que con este EP se dan un lujo, reinventan 6 temas de etapas pasadas adaptándolos a su presente. El resultado es sumamente satisfactorio, el EP abre con un nuevo tema que expone la actual cara del quinteto japonés, y le abre camino a la experimentación y reconstrucción del pasado. Son 7 fieras que se sienten esenciales, el EP es una buena oportunidad para entrarle a la banda de metal experimental/death/progresivo más menospreciada de la última década.
UE? Q S A ¿SABÍ
Elvis compró su primera guitarra a los 11 años, quería un rifle pero su madre lo convenció por el instrumento y a sus 18 años pagó 4 dólares para grabar su primer disco como obsequio para su madre
Los codiciados twinkies que adora Tallahassee (Woody Harrelson) en “Zombieland” no eran realmente twinkies porque además de ser vegetariano el actor no consume a azúcar, así que se prepararon sustitutos de harina de maíz.
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THE TERROR THE FLAMING LIPS Wayne Coyne y compañía son la jefatura freak: un viaje de LSD en carne y hueso, psicodélica que provoca en la fanaticada tanto éxtasis y felicidad, como episodios emocionalmente oscuros e intensos. The Terror, predeciblemente, provoca al segundo efecto. Los Flaming Lips panean y exploran la fuerza de diferentes mecánicas sonoras, éstas aumentan los efectos físicos de su nueva droga; hay una belleza que florece a partir de esta profundidad. La recuente producción es un transmisor que contiene el estado emocional, y las fluctuaciones del mismo, de un conjunto de individuos unidos por desolación y experimentación, el resultado es impresionante. OVERGROWN JAMES BLAKE El segundo álbum debe de ser muy difícil para un músico, más, si eres el joven inglés de 24 años que debutó con un excelente homónimo en 2011. El hype es una prueba riesgosa, una que a veces condena y James Blake le ganó al hype y se ganó nuestras fiestas y soledades. Overgrown es una progresión natural al debut, la cálida electrónica del productor y su melancólica voz llena de soul, construyen un disco por el cual vale la pena obsesionarse. Este nuevo trabajo se resume en una línea del sencillo Retrograde; nítidos bajos, un verso de RZA (Wu Tang Clan) y momentos que llevan a ese emocional: “Suddenly I’m hit”.
Peace: hijos del britpop, nostálgicos a más no poder. El cuarteto se introduce con un disco que ilumina sus influencias, y les rinde un tributo con el corazón en la mano. Armados con sentimentalismo crean una colección que recuerda a muchas cosas, es un clavado en un mar de memorias. Wraith posee ese fuego que tenía Foals antes de volverse sagrado, Waste of Paint parece un inevitable homenaje a There’s No Other Way de Blur, en momentos suenan a Oasis y en otros a The Cure. Como estos hay bastantes ejemplos que cobijan a los ingleses. In Love es una lindísima manera de recordar canciones que enamoraron, sin ese sentimiento de vejez y lejanía. WOLF TYLER, THE CREATOR El líder del incendiario colectivo de rap Odd Future comparte su tercer material, uno que se aleja esporádicamente de características que le hicieron famoso: temas crudos e hiperviolentos, fantasías adolescentes llenas de sangre, abuso sexual y rebeldía. Su discurso ha madurado. Wolf no es tan emocionante e inmediato como sus predecesores, falta peligro y Tyler desaprovecha a invitados espectaculares como Pharrell y Laetitia Sadier, pero es un gran documento de su apabullante evolución como productor, uno con una manufactura rítmica demasiado sofisticada para alguien con temas titulados Sandwitches, AssMilk y Bitch Suck Dick.
En la historia de Pink Floyd vimos la rotación de miembros a lo largo de sus grabaciones, sin embargo Nick Mason fue el único de ellos que apareció en todos los discos de la banda
La termitas son conocidas por su peculiar dieta pero también tiene un gusto musical particular ya que son capaces de comer al doble de velocidad al ritmo de Heavy Metal.
El famoso tema de la popular y alocada serie infantil “Pee Wee’s Playhouse” era interpretado por Cindy Lauper.
9
IN LOVE PEACE
LIBROS
EL DIVÁN
por: Eunice Victorino
EL FIN DE LA INFANCIA ARTHUR C. CLARKE
S
EL FAVORITO
ir Arthur Clarke goza de un lugar especial entre los autores de ciencia ficción; ávido lector de Julio Verne y H.G. Wells, el joven inglés sintió fascinación por el espacio desde que observaba los cuerpos celestes con un telescopio. Después de servir en el ejército aliado en la segunda Guerra Mundial, publicó la historia “El centinela” que tiempo después sería llevada a la pantalla grande por Stanley Kubrick bajo el nombre de “2001: Odisea en el espacio”. Es “El fin de la infancia”, sin embargo, la novela que le consagraría a nivel literario y sería considerada su obra cumbre. En ella, el escritor explora el propósito mismo de la humanidad al contrastarla con una civilización extraña, de modo que importantes inquietudes filosóficas son formuladas sin que se pierda nunca el interés del lector en la historia y acción que se desarrolla.
EL CLÁSICO
NOVEDADES
diez
LA INTERSECCIÓN DE EINSTEIN SAMUEL R. DELARRY Generó opiniones entusiastas cuando fue por primera vez publicada, al grado que el autor recibió el premio Nébula, galardón que es concedido por los mismos autores del género de ciencia ficción. En esta historia, Delany logra mezclar de manera exitosa los mitos de civilizaciones antiguas con un futuro donde resultan ser asimiladas por un extraterrestre mientras que al mismo tiempo se ocupa de mostrar la manera en que los seres alienados por una cultura lidian con ella. El personaje principal Lobey y la búsqueda con tintes míticos que emprende por su amor perdido, son el eje por el cual la historia une los restos de lo que alguna vez fue la civilización humana y lo que queda de ella. CRÓNICAS MARCIANAS RAY BRADBURY Cuando el hombre llega a tierras marcianas con el afán de conquistar el planeta, se encuentra con la especie nativa quienes se encuentran al borde de la extinción. La humanidad se apodera de un territorio nuevo y sin embargo conserva las mismos miedos y deseos que en cierta medida son culpables de que su antiguo planeta y civilización se encuentre en decadencia. La narrativa que Bradbury emplea para relatar una premisa breve es intrincada y no lineal, de manera que la historia se convierte en un misterio el cual es develado con un estilo que evoca la nostalgia y tristeza de las civilizaciones que se saben al borde de la destrucción. FRANKESTEN O EL MODERNO PROMETEO MARY W. SHELLEY Más allá de la fama del relato convertido en un clásico, “Frankestein o el moderno Prometeo” es también basamento del género moderno de la ciencia ficción. La novela epistolar es producto del interés y cuestionamientos que los avances tecnológicos del siglo diecinueve provocaron en la mente de Mary Shelley, quien era una mujer versada en la ciencia de su tiempo. A través del Dr. Frankestein y la criatura que la tecnología le permite crear, la autora construye a su vez una historia que trasciende la muerte.
UE? Q S A ¿SABÍ
En absolutamente todos los espectáculos que ofrecieron “The Fantasticks” (Tom Jones y Harvey Schmidt) había por lo menos una canción acerca de la lluvia.
Sea intencional o no, la presencia de naranjas en la trilogía “The Godfather” es augurio de muerte o, por lo menos, intento de asesinato.
CINE
7ºARTE
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TRANCE (EN TRANCE)
La nueva cinta de Danny Boyle presenta la historia de un subastador de arte, Simon (James McAvoy), que se involucra con una banda de mafiosos para hacer un robo millonario de obras de arte, pero al recibir un golpe en la cabeza pierde la memoria y con ella la ubicación de una pintura invaluable por lo que recurre a la hipnoterapeuta de nombre Elizabeth (Rosario Dawson) para explorar su cerebro y recuperar la valiosa obra de arte.
Esta es la secuela de Star Trek (2009) en la cual la nave Enterprise es llamada para regresar a casa sólo para encontrar que un poder maligno dentro de la organización ha comenzado a destruir todos sus principios dejando al mundo en crisis, por lo que el capitán Kirk dirige la búsqueda y captura de un arma de destrucción masiva para ajustar cuentas. Este probablemente será el último trabaje que veremos de J.J. Abrams hasta Star Wars VII.
FAST AND FURIOUS 6 (RÁPIDO Y FURIOSO 6) Dom (Vin Diesel), Brian (Paul Walker) y su equipo se han visto obligados a dispersarse después del último trabajo. Mientras el agente Hobbs (Dwayne Johnson) rastrea a una letal organización de mercenarios y experimentados pilotos en la cual Letty (Michelle Rodriguez), a quien todos daban por muerta, es la segunda al mando, por lo que Hobbs recurre a Dom para reunir a su equipo para ayudarlo a cambio de limpiar el historial criminal de todos.
VANISHING POINT
DVD Y BLU-RAY
once
STAR TREK: INTO THE DARKNESS
Kowalski es empleado de un servicio de entrega de vehículos, su más reciente encomienda consiste en llevar un Dodge Challenger 1970 de Colorado a San Francisco. Una vez que obtiene el auto acepta una apuesta que consiste en entregarlo en 15 horas por lo que debe pisar a fondo. El camino se ve plagado de policías, persecuciones y una mujer desnuda en motocicleta, además de la constante ayuda de Supersoul un DJ ciego con un escáner de radio de policía..
NATURAL BORN KILLERS Desde un punto de vista objetivo son simplemente dos víctimas de una niñez traumática, por otro lado son dos amantes que se convierten en asesinos seriales que viajan por la Ruta 666 dejando un rastro de masacre no por dinero ni fama, sólo por diversión. Esto los convierte en ídolos de muchos espectadores, su historia siempre es contada por la única persona que dejan viva en cada carnicería. La historia fue escrita por Quentin Tarantino y ejecutada por Oliver
por: Rodrigo Prieto
QUE NUNCA FALTE…
Por: La Nena Mounstro El que un día despierta con la idea de querer ser libre, de romper el mundo a patadas y acabar con el estereotipo del oficinista (odio usar la palabra “Godín”) del cual siente que la corbata lo ahorca, o que la falda comprada en Julio le aprieta y llega a renunciar. Quiere sus jeans y sus Converse. Planes con cuates de un negocio millonario no lo dejan dormir. No sabe por dónde empezar, pero la intención la tiene. Lo peor es que ya no se llaman “freelancers” ahora quieren ser “entrepeneurs” pero no tienen ni tarjeta de presentación. La idea de romper al mundo a patadas cada vez lo envicia más. Tiene tan poco claro el objetivo de su micro empresa que cualquier trabajo que busca o que le ofrecen dice que sí, aunque no sepa ni cómo ni con quién lo va a hacer. No importa que no tenga los medios, él acepta por unos muchos pesos o unos cuantos. Trabaja a deshoras y presume que tiene más trabajo que nadie, cuando en realidad sólo tiene un proyecto que no sabe manejar. Se va a la selva o a la playa a la menor provocación porque eso es ser libre ¿qué no? Y ahora, él se burla de los oficinistas que sí tienen un trabajo seguro, que a ellos sí les pagan cada quince días. Un freelancer tiene que andar persiguiendo su pago donde sólo el acto de buena fe hacia los demás le hace confiar en que ese cheque llegará. Cinco meses después, pero llegará. No quiere preguntar cosas porque no vayan a pensar que no entendiste de que se trataba el dragón que te acaban de entregar. Quiere quedar bien con sus empleadores y “no darles problemas” para que le vuelvan a dar trabajo después. Él se calla y entrega, que lo libre Satanás de dar su opinión. Al final, estos mismos “freelanceros” son como los nuevos “viene viene” de las chambitas. A todo le entran, a todo dicen que sí. Hay que hacer un video, ellos lo hacen, hay que hacer contenidos, ellos lo hacen, hay que hacer diseño, ellos lo hacen. Todo pueden cuando los ves llorando lágrimas de ansiedad llamándole a sus amigos para pasarles la chamba sin soltar el hueso. ¡Claro, porque ellos tienen que ganar alguito de dinero para irse de vacaciones a la selva! El subempleo sólo habla de lo jodido que estamos y que hay grandes proyectos que las empresas ofrecen a gente que no les cobre mucho, con la que no tengan que batallar para hacer algo de calidad, si no rápido y barato. Los nuevos freelancers no preguntan, no exigen, no hacen contratos, no hacen preguntas. ¡Qué Satanás los libre de decir que no a una chamba! Él tiene que demostrarse que valió la pena cobrar seis meses después (si con suerte le pagan) porque no se quiso poner difícil pidiendo un contrato, porque no quiere tocar temas de dinero y trabajar de lunes a lunes y mandar mails de trabajo los domingos. Que nunca falte el freelancer que termina empleándose dos años después, echándole la culpa de su rotundo fracaso a todos los demás y aceptando que él no pateo al mundo, que el mundo lo pateó a él porque nadie le advirtió que sí podía ser su propio jefe siempre y cuando aprendiera a respetar su trabajo y saber decir que NO.
MÁQUINA DEL TIEMPO
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1 de mayo de 1913 Se conmemora por primera vez en México el Día del Trabajo 5 de mayo de 1989 En la Ciudad de México se funda el Partido de la Revolución Democrática (PRD)
MAYO
catorce
10 de mayo de 1994 Nelson Mandela jura como primer presidente negro de la historia de Sudáfrica 16 de mayo de 1929 Se entregan los primeros Premios Oscar y La Academia de Hollywood entrega la estatuilla a la mejor película aWings 23 de mayo de 1913 Thomas Edison inventa un teléfono grabador
NACEN 3 de mayo de 1933 James Brown 4 de mayo de 1929 Audrey Hepburn 5 de mayo de 1960 Bono (U2) 11 de mayo de 1904 Salvador Dalí 29 de mayo de 1917 Nace John Fitzgerald Kennedy (JFK)
MUEREN 2 de mayo de 1519 Leonardo da Vinci 11 de mayo de 1981 Bob Marley 14 de mayo de 1998 Frank Sinatra 15 de mayo de 2012 Carlos Fuentes 19 de mayo de1994 Jacqueline Bouvier (Jacqueline Kennedy Onassis)
dieciseis
soundtrack
CURTIS KULIG LOVE ME por: Sol Sours FotografĂa: X/O
Entre montones de lacas color rojo y en un ambiente que nada tiene que ver con los lienzos, en las calles de Nueva York encontramos dos simples palabras, Love Me, que van enamorando al street art muro por muro.
soundtrack
La incursión de Curtis Kulig en el mundo del arte no se da desde una edad temprana, pero sí su interés y curiosidad por él. Su padre, artista; su tío pintaba al óleo; su primo, escultor; todos ellos fueron sus maestros. No le parece que el arte surja de una formación propiamente académica, aunque tampoco está en contra de ir a una escuela de arte. Simplemente para él, que creció rodeado de artistas, el proceso se dio de manera muy natural, casi obvia. “Todo empezó hace ocho años con una libreta de dibujo. De ahí salí a las calles y lo que hacía empezó a interesarle a la gente y a tener seguidores y eso me condujo hasta donde estoy ahora.” Kulig parece estar lejos del estereotipo del street artist, pues lejos de la prohibición y lo ilegal que implica su trabajo. Es inesperadamente tranquilo, relajado y prolijo. Esto lo refleja al momento de pintar muros. En su proceso para seleccionar un lienzo/muro siempre considera la arquitectura del lugar. Es muy respetuoso de los espacios históricos o emblemáticos de la zona. La altura y la visibilidad son elementos importantes a la hora de decidir dónde trabajar. “Aquí en México pienso hacer algo en algún muro comisionado especialmente para pintar. No pienso hacer nada ilegal.” ¿Cuál es la inspiración detrás de la ya icónica frase LOVE ME? Caminando por las calles la encontramos plasmada sobre los muros, pareciera un mensaje del hombre que camina solo, muy temprano en la mañana, buscando simplemente que su existencia sea percatada. Pareciera casi una plegaria en un mundo donde el arte, como casi todo lo demás, se ha vuelto desechable y con un cortísimo plazo de vida; se ha vuelto un mensaje pasajero sobre el cual se puede pintar y crear algo nuevo. No podemos decir que la inspiración de LOVE ME es la canción de The Cardigans Lovefool, la cual repite esta frase , pero ésta es definitivamente la que mejor acompaña al famoso tag. Existen muchas bandas que han puesto ese título a sus canciones, pero Kulig afirma entusiasmado que la que mejor representa su icónica frase es la de la banda sueca de los 90’s. En su estudio en Nueva York, Kulig encuentra inspiración en los clásicos del jazz, ama los inicios de Miles Davis y John Coltrane. “Por el momento me gusta escuchar música fácil de digerir, que sea suave con el oído, muy chill out para mí, sin pertenecer a este género.”
Salí a las calles y lo que hacía empezó a interesarle a la gente y a tener seguidores, eso me condujo hasta donde estoy ahora.” Con tanto y tan continuo bombardeo visual, fuera y dentro del mundo del arte, ¿cómo se puede mantener la lealtad a la creatividad e inspiración propia? “Siento que el mundo del arte está desparramado por todas partes y ha perdido un poco el sentido del argumento principal. Hay muchas ferias y eventos de arte que terminan por ser más bien fiestas con el arte como pretexto. Cuando yo quiero ver arte, cuando quiero estudiarlo y sentirme inspirado, por lo general voy a exposiciones individuales. Me gusta ver solamente esa exposición y tomarme el tiempo necesario para absorber lo que veo. Prefiero eso a estar viendo de todo un poco, pierdo el sentido. Me parece grandioso que la gente encuentre y exponga su lado creativo pero hay tanto sucediendo en el mundo del arte que yo prefiero simplificar las cosas.” Puede que Curtis no sea muy expresivo oralmente, pero todas esas influencias musicales y culturales siempre van a converger en su trabajo. 17
L
a Gran Manzana es donde radica Curtis Kulig y una tienda de zapatos de tenis es donde plasma su ya emblemático mensaje: LOVE ME. Nada raro hay en esto, ya que los comienzos de Kulig dentro del street art están ligados a la marca de tenis VANS, los cuales usaba mientras rodaba con su patineta. Por lo tanto, cuando la marca se le acercó para proponerle una colaboración, la respuesta inmediatamente fue sí. Es así como el famoso tag pasó de estar confinado a una pared a deambular sobre un par de VANS por las calles de Nueva York, Los Angeles y Tokio, lugares donde Kulig camina, explora y plasma su obra.
EL TOP 3 CONTEMPORÁNEO DE CURTIS KULING 1. Cy Twombly 2. Julian Schnabel 3. Sean Kenney
SU TOP 3 DEL MOMENTO 1. Miles Davis 2. Wu Tang Clan 3. Daniel Johnston
UN VIAJE TRANS-ELECTRÓNICO EXPRESS
veintiseis
Por: Sergio Rojas
Para desempolvar la histora de una de las agrupaciones más influyentes en el género electrónico, no hay nada mejor que escuchar uno de sus mejores discos: Trans-Europe Express de 1977, para ese entonces, éste ya era el sexto álbum de la banda originaria de Düsseldorf, Alemania. Y con este disco girando, ahora sí vayamos al pasado y repasemos la historia de una de las agrupaciones más influyentes en el género electrónico. Schneider y Hütter se conocerían en la escuela de música Robert Schumann Hochschule, en un festival de música experimental, también conocida como Krautrock (género que es una simbiosis entre rock y sonidos electrónicos, combinados con sintetizadores, creando loops o secuencias). Es probable que su obsesión por los sonidos del sintetizador Minimoog y el órgano electrónico –que apenas salían a la venta a inicios de los años 70’s– uniera a estas dos mentes. Al principio, Florian y Ralf, estuvieron en
una agrupación llamada Organisation, que se desintegró ante el fracaso de su único material llamado Tone Float (mismo que a la fecha es considerado un disco de culto por los seguidores de la agrupación). Cabe mencionar que dentro de la discografía de Kraftwerk, y haciendo alusión al nombre de la agrupación que significa “Central Eléctrica”, puedes darte cuenta que todas sus canciones tienen que ver con la evolución industrial, robots y computadoras; todo esto es gracias a la fijación que Ralf Hütter tiene ante el desarrollo tecnológico. Su primer disco titulado Kraftwerk salió en 1970, en el cual se puede escuchar el antes mencionado Krautrock combinado con el art rock que querían demostrar dentro de su sonido. Lo puedes comprobar en Ruckzuck, donde la simbiosis entre flauta y violines es única; y si por algo te gusta más lo experimental
27
L
a música siempre está presente en cada momento, espacio y lugar, logrando fusionar recuerdos con aquellas sensaciones únicas que se vivieron en un momento especial. Cada minuto, hora, día está acompañado de un soundtrack mental y auditivo que crea y acompaña todas y cada una de las historias de vida. Antes de empezar a escribir sobre Kraftwerk, me gustaría pensar que a muchos de nosotros que nos gusta la música electrónica –Synth Pop, New Wave y otras variantes–, crecimos con los sonidos de The Human League, Depeche Mode, OMD, Erasure, Visage, Japan, Ultravox, XTC y Roxy Music, entre otras bandas, las cuales son y serán parte de una generación que evolucionó a partir de los sonidos característicos que crearon Florian Schneider y Ralf Hütter, pioneros del Electronic y el Synth.
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estos tres tracks: Startovarius, Megaherz y Von Himmel Hoch son obligados. Ahí podrás escuchar los sobrios sonidos que surgen de la combinación entre órgano, tubón y percusiones. Aún ubicados en el momento en el que se grabó este disco, se supo que la música creada por Hütter y Schneider sería un detonante para la música de hoy día; temas y composiciones que en esta época eran una realidad, fueron en 1970 un salto cuántico al futuro, tal como lo demostraron en Kraftwerk 2 (1972), donde utilizarían el xilófono como base. En 1974 Karl Bartos ingresaba a Kraftwerk para grabar el disco Autobahn, cuarto material que se ha nombrado como el despegue del dúo, ya que en los sencillos Autobahn y Kometenmelodie 2 la agrupación ya había dejado atrás los sonidos experimentales y se dedicaban de lleno al electrónico. Su éxito se veía venir gracias a las listas de popularidad lo que se traducía al mismo tiempo en un auge comercial. No sólo en cuestión musical iban un paso adelante, cuando lanzan Radio-Activity (1975), Ralf y Florian ya habían dejado atrás los sellos discográficos –Phillips y Vertigo– y habían creado Klin-Klang y firmado con la casa disquera EMI. No importó que el éxito de Radioaktivität no superará al de su material previo, los músicos continuaban con su plan artístico, las alusiones al desarrollo y la necesidad diaria de los avances tecnológicos; en esta ocasión le hacían homenaje a la radio. Los puntos más altos de los ritmos electrónicos mecanizados y minimalistas que se combinan con voces robóticas que definen a Kraftwerk como los creadores y pioneros del género electrónico, provienen también del Die Mensch-Maschine. Sencillos como The Man Machine son nombrados como la principal influencia musical para el género electrónico. El “Nostradamus discogáfico” llega con Computerwelt en 1981; aunque claro, no todo es perfección, como es normal hubo un traspié en su carrera con Electric Café (1986). La larga producción de las canciones y la indecisión entre llamar a este nuevo sonido Technicolor o Pop Techno retrasaron el disco y todo para que los críticos lo consideraran como
algo “No suficientemente vanguardista”. Siendo éste el último material en el que Flür Wolfgang y Karl Bartos aparecerían en los créditos como colaboradores.
Todo lo anterior podrán parecerles simples datos, pero la oportunidad de verlos durante la gira de Radiohead no fue casualidad, o ¿acaso creyeron que la banda que le abriría a una de las más importantes del siglo XX sería elegida superficialmente? Por esto y muchas cosas más nos hemos dado cuenta de cómo Kraftwerk creó maravillosos discos y composiciones que abrieron un abanico de influencias musicales, entre ellas podría nombrar a Bowie con V-2 Schneider, en honor a Florian o Ian Curtis y el sonido de Joy Division. Y así podría seguir describiendo a bandas influenciadas como Daft Punk, Human League, Depeche Mode, New Order, Erasure, entre otros. Su música no sólo ha dejado un legado en el género electrónico, o el New Wave y el Synthpop, también ha hecho innovaciones tecnológicas con instrumentos inventados por ellos mismos, como el voice encoder o vocoder como ellos lo nombran, utilizado en los discos Ralf und Florian y Autobahn. Actualmente todos sus discos han sido remasterizados, a excepción de los primeros tres, mismos que no se pueden conseguir en formato CD, únicamente en vinyl.
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Después de que sencillos como Computer Love llegaran a ser tema principal del programa de la BBC de Londres, The Computer Programme, tuvieron que pasar diecisiete años para que volvieran a deleitarnos con Tour de France Soundtracks (2003), conmemorando con el título los 100 años de la Tour de France. Los fans estaban a la expectativa al saber que Kraftwerk estaba de regreso con un nuevo y diferente sonido, para este último contaban con Henning Schmitz y Fritz Hilpert; los sencillos Elektro Kardiogramm y Tour de France llevaron al disco a obtener la cuarta posición de los discos más vendidos de la lista Hot Dance Club Play.
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por: Marc Sander FotografĂa: Sony music
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veinticuatro
aft Punk es hoy por hoy una de las bandas más grandes del mundo y la que más expectativas provoca; son capaces de generar una locura absoluta entre todos los melómanos del mundo y desatar una lista interminable de rumores en los blogs especializados. Estos días parecen transcurrir más lento, mientras contamos impacientemente las horas para poner play a su nuevo LP, es importante conocer los orígenes de la banda y lo que podemos esperar de Random Access Memories. A sólo diecisiete kilómetros del río Sena, en las periferias de París, se encuentra el suburbio de Versalles, famoso por la exquisita opulencia que los Borbones imprimieron en su majestuoso palacio y los millones de turistas que lo visitan año con año. A finales del siglo XX un movimiento se gestaba en Versalles, pero no precisamente en la corte del Rey Sol, esta vez en los áticos de alguna de las casas aledañas. Un grupo de jóvenes clasemedieros se reunían después del colegio a buscar nuevas formas de expresarse, lo que llevó a la creación de una importantísima escena artística. Estos jóvenes formarían una pequeña cofradía de artistas independientes caracterizada por la camaradería y el apoyo incondicional. Una peculiar forma de reinterpretar la famosa premisa jacobina: “Libertad, Igualdad y Fraternidad”. Se estaba gestando un moderno Montmartre, pero esta vez no serían Toulouse-Lautrec, Van Gogh y Renoir los que se sentarían a tomar un vaso de ajenjo; si no el director Michel Gondry, Pedro Winter y los miembros de Daft Punk, AIR y Phoenix. Da Funk Este movimiento comienza cuando Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Momem-Christo y Laurent Brancowitz crean una banda de Rock ‘N Roll influenciada por The Beach Boys. Después de seis meses y un par de conciertos la banda se desintegra. Lo único positivo que deja este periodo es, irónicamente, una mala reseña que define la música de la banda como “a daft punky trash”. Bengalter y MomenChristo toman la reseña con una actitud muy positiva y posteriormente deciden
One More Time En 2001 Daft Punk volvió a cambiar las reglas de la música electrónica. Tres años de arduo trabajo dieron como resultado Discover, un segundo álbum plagado de samples de la década de los 80’s y mucho más orientado hacia el synthpop. Los sencillos One More Time, Harder, Better, Faster, Stronger, Digital Love y Face To Face se convirtieron rápidamente en himnos de la pista de baile. Un fenómeno universal, casi irreal, siendo Versalles el epicentro de esta incontenible oleada de vanguardia. La ambición de Momem-Christo y Bangalter no tiene límites. Interstella
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crear una banda con sintetizadores y cajas de ritmo, deciden llamarla Daft Punk; mientras tanto Brancowitz crea una nueva banda que a la postre se convertiría en Phoenix. La banda comienza a tener relativo éxito con un demo grabado en un estudio casero del suburbio (que incluía una arcaica versión de Alive) y un circuito formado por los más importantes venues parisinos. Era mediados de 1995 y el dúo grabó Da Funk el que a la postre se convirtió en su primer sencillo comercialmente exitoso, a la par Pedro Winter empieza a llevar el booking de la banda y los lleva a firmar con Virgin Records en septiembre del 2006. La principal condición para firmar con la trasnacional fue que el dúo mantuviera total libertad creativa. Pedro Winter es el equivalente a la mecenas Gertrude Stein del nuevo Montmartre; Winter colecciona bandas como Stein coleccionaba pinturas. Hace diez años Pedro Winter funda la importantísima disquera de música eléctronica Ed Banger Records contando con el talento de Justice, Breakbot, Mr. Oizo, Cassius y SebastiAn entre sus filas. El boom llegó con Homework su disco debut en 1997, las llamadas telefónicas para pedir el sencillo Around The World hacen estallar las líneas de todas las estaciones del mundo (sí, extraña práctica utilizada hasta principios del siglo XXI). Los videos promocionales del álbum serían dirigidos por una serie de jóvenes promesas de la dirección encabezados por su viejo amigo Michel Gondry, Spike Jonze y Roman Coppola (hijo de Francis Ford y hermano de Sofia).
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5555: The 5tory of the 5ecret 5tar System significó la primera incursión del dueto en la producción de una película animada, obviamente musicaliza con remixes de sus famosos temas. El Discover es una obra maestra, uno de esos pocos discos que rompen paradigmas y marcan a toda a una generación. Human After All
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Con todas las cabezas volteando en su dirección, Daft Punk entra al estudio en noviembre de 2004 y graban su tercer álbum en tan sólo seis semanas. Un disco que dejó una agridulce sensación: un lanzamiento acelerado sin el tan necesario filtro de la pre-producción. El título del álbum parecía una disculpa, un somos humanos después de todo. Sin embargo, los sencillos Robot Rock, Technologic y Human After All tuvieron una gran respuesta de su ávida base de fans. Pasaron los siguientes años llevando un impresionante espectáculo a los más importantes escenarios a nivel mundial; incluyendo una muy recordada participación en el Coachella Valley Music and Arts Festival en Indio, California en 2006 y su última visita al país con paradas en Guadalajara, Monterrey y el Distrito Federal en el 2007. Durante esta misma gira se grabó el majestuoso álbum en vivo Alive durante una residencia de varias noches en París. Mientras tanto, la multifacética personalidad del dúo los llevó a presentar en la edición 2006 del Festival de Cine de Cannes, Daft Punk’s Electroma el primer largometraje dirigido por ellos. Derezzed En 2008 Pedro Winter anuncia que dejará de manejar a la
banda después de más de una década, para enfocarse en el desarrollo de su disquera y su trabajo musical como Busy P. Además anunció que el dueto se encuentra grabando nuevo material en su estudio parisino. Este material se convirtió en el score para la película Tron: Legacy, la secuela de la exitosa Tron de 1982. El score contaba con una interesante mezcla entre elementos electrónicos y acústicos. La orquestación y los arreglos corrieron a cargo de Joseph Trapanese y grabados por una orquesta de más de 85 músicos. Momem-Christo y Bengalter realizaron un cameo para esta misma película, interpretando un nuevo sencillo llamado Derezzed portando una nueva versión de los cascos que caracterizaron las presentación del dúo desde sus inicios. Get Lucky! Si algo ha caracterizado al grupo es su hermetismo que raya en la excentricidad. Su técnica de mercadotecnia funciona a la perfección, cada determinado tiempo llegan pequeños indicios de que algo nuevo se avecina. Las especulaciones comienzan y Daft Punk está en la boca de todos. Hace algunos meses anunciaron un cambio de disquera, dejaron Virgin para vincularse con Columbia Records (propiedad de Sony Music Entretainment). Esta noticia llegó de la mano con la confirmación de un su cuarto LP para la primavera del 2013. La información se empezó a filtrar a cuenta gotas, Columbia anuncia que el disco llevará por nombre: Random Access Memories. El 2 de marzo durante una pausa comercial en el programa de culto neoyorquino Saturday Night Live, se presentaron
Él no buscó la fama, la fama lo buscó a él
por: Magalie Torres Fotografía: Aldo Belmonte
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Me gusta hundirme en artistas y bandas de las cuales no tengo la información archivada en la caja B de mi cerebro. Bueno, ¿por dónde empezamos?, pensé. La dosis de Tricky que tuve que digerir en las últimas dos semanas fue demasiada. No es queja. “Being naive is how you construct new music”. De todo lo que leí acerca de él, fue lo que más se me quedó grabado. Hoy en día, la polinización (por llamarlo de alguna manera que se me acaba de ocurrir) es que cualquier cosa nos gusta, cualquier cosa nos embaraza de sorpresa, o nos facilita la digestión musical. “Mira, ponle este beat y pega.” Todo en esta vida lleva fórmulas para que “pegue”, para que sea atractivo, para que todos la canten, para que te la programen en todas las estaciones de radio y te hagas millonario con una canción. No sé si somos más hippies que antes, si es la era de acuario o qué lo que nos ha facilitado que todo lo que nos den le hagamos un circo, peguemos una maroma y montemos un teatro con una bandita que acaba de salir y le llenemos un Pepsi Center, ni qué decir cuando le llenamos un Foro Sol. También, por otro lado, nos gustan esos artistas que van en contra de los convencionalismos dictados por el mundo de la música. Vemos como héroes a aquellos “anarquistas” que se portan mal con la prensa, que rompen una Gibson de cinco mil dólares en el escenario, que sus letras hablan de revoluciones y de estallidos contra el sistema. Somos contradictorios, les llenamos un Foro Sol, pero cantando canciones anárquicas. Algo se nos torció en los genes. Tricky es de esos artistas a los que alabamos por ser diferentes pero a la vez aplaudimos enojados porque su primer disco –Maxinquay (en honor a su madre)– fue nominado al Mercury Prize. ¿Algo se le torció en los genes? No.
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ste mes te toca hablar de Tricky” me avisaron. ¡Órale! Pensé. Me gusta Massive Attack, Portishead, Unkle, pero de ahí a clavarme con el trip-hop tan infernoso como lo que hace Tricky, es otro asunto.
Desde sus inicios, Tricky ha hecho justo lo que definió en una línea, ha sido inocente a la hora de construir música. Quiero poner atención en la palabra CONSTRUCCIÓN, que él usa. Al escucharlo te das cuenta del significado y peso que tiene esta definición. Una mezcla de trip-hop, con secuencias del pop más vendible y barato que se cruza con líneas de rap. Utiliza lo que en alemán se conoce como “sprechgesang” (técnica de cantar-hablar), donde la entonación es adecuada pero la articulación de las palabras es rápida y parece que está dando un discurso. Para un mejor entendimiento de esto, tuve que escuchar más de diez veces Evolution Revolution Love donde la segunda voz, la más profunda, da una clase de cómo hacer sprechgesang.
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por: Alberto Castro
La idea de crear una banda de rock es común desde hace ya varias décadas. Ver cómo los Beatles y los Rolling Stones pasaban de ser músicos a convertirse prácticamente en deidades, hacía que los músicos soñaran con tan siquiera una pequeña parte de esa atención para su obra. En los 70’s existió una explosión musical y social representada por el movimiento punk, bandas como los Sex Pistols y The Clash se estaban haciendo escuchar en todos lados, y la gente les ponía atención. Para cualquier músico que viviera en esa década en Inglaterra parecía lo más indicado seguir estos mismos pasos. En el Londres de 1976, Gordon Sumner, bajista de jazz quien era conocido en los bares de este género bajo el sobrenombre de Sting, el baterista Stewart Copeland y el guitarrista francés Henri Padovani forman un trío para subirse al carro del punk que recorría con éxito el Reino Unido. Parecía lo correcto ya que los tres compartían los ideales del movimiento y pensaban que sólo así la gente también escucharía lo que ellos tenían que decir. En cuestión de meses grabaron Fall Out, su primer sencillo bajo el sello independiente IRS (International Record Syndicate), sello fundado por Miles Copeland (hermano de Stewart), quien también era su manager. Sencillo en el que la guitarra fue grabada enteramente por Stewart, debido a la técnica tan limitada de Padovani, quien no podía llegar al nivel que tenían los otros dos miembros de la banda; eso se iba a convertir en la primer piedrita en el camino. En esta época Sting y Copeland conocieron a Andy Summers, un guitarrista y músico de sesión experimentado quien ya había desfilado por las filas de bandas conocidas como The Animals y Zoot Money. Un par de ensayos para ensamblar un tributo a Gong fueron
suficientes para que Sting lo invitara a ensayar con la banda, y rápidamente a unirse a ella. El contratiempo se resume a que Copeland deseaba mantener el estilo punk de la banda, género que Sting ya odiaba debido a las limitaciones estructurales que no lo permitían desplegar sus capacidades. El interés del bajista por mantener a Summers en la banda ocasionó un conflicto digno de cualquier reality show con Padovani. Sin embargo, Stewart tenía dudas ya que Andy provenía de una corriente “enemiga” al punk, siendo un músico con basta técnica y experiencia, mientras que Padovani tenía los ideales y actitud punk, pero era bastante limitado en su forma de tocar. Las fricciones entre los guitarristas iban en ascenso, peleaban por los amplificadores, por las partes de las canciones, prácticamente por todo, esto hasta que Summers dio a Copeland y Sting un ultimátum: se quedaría en la banda sólo si él era el único guitarrista. La historia se encargó de demostrar que la decisión que tomaron fue la correcta y a partir de ese momento el trío quedo conformado por la alineación que los hizo leyenda. El siguiente problema que los abordó (que en realidad es uno que cualquier banda le gustaría tener) fue que eran demasiado buenos y su música muy compleja para tocar en los lugares acostumbrados para el punk. La buena noticia fue que su anterior grabación con IRS les ayudó para que la disquera A&M (dependiente de Universal) escuchara su material y los buscara para grabar un disco. Durante esa época viajaron a París para actuar en el club Nashville, pasaron su estadía parisina en un viejo hotel, Sting gastaba el tiempo mirando a las prostitutas que trabajaban cerca de la esquina, y en ellas se inspiró para escribir una canción llamada Roxanne. En 1978 The Police lanzaría su disco debut Outlandos D’Amour, éxito en toda Inglaterra y Europa. Es aquí donde más que decir que tuvieron sus primeros grandes éxitos con canciones como la misma Roxanne, So Lonely, o Can’t Stand Losing You, es justo decir que con este disco The Police presentó al mundo un nuevo género, el New Wave. No decimos que fuesen los inventores, pero sin duda fueron el punto de partida y los más grandes representantes del género, el cual nacía a la par del desvanecimiento del punk (al menos en la superficie).
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n la vida, como en las bandas de rock, siempre se tienen grandes expectativas de lo que se puede lograr. Tomas los elementos de tu entorno para crear algo que con suerte pueda dejar huella. Pero ¿qué pasaría si estos elementos te dan para llegar más allá, y lo que querías lograr queda muy atrás, te conviertes en pionero y eres ahora la influencia y el elemento que tomará la siguiente generación para tratar de lograr algo? Esto es lo que sucedió con un trío de Londres llamado The Police.
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IGNORE EVERYBODY ELSE, WE’RE ALONE NOW
por: Luis Palmeros
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Fotografía: Universal
a música de James Blake es el acompañamiento perfecto para una eternidad en soledad. Dubstep, post-dubstep, electrónica experimental, neo soul y R&B… la cantidad de etiquetas forzadas en los lanzamientos del productor inglés es abrumante, pero lo que realmente importa no es la etiqueta del momento, sino la transición que lleva a la misma. Este joven músico ha digerido y adaptado cada uno de estos géneros para construir una carrera extremadamente atractiva en todos los sentidos.
James Blake llega a los audífonos en un contexto ideal: al inicio de una década tan dominada por la música electrónica, en sus infinitas variaciones. Después de estudiar música popular en la ultra prestigiosa universidad londinense Goldsmiths, comienza a moverse en la escena dubstep de Inglaterra, una que, a sus aproximadamente 10 años de existencia, se popularizaba y fortalecía día con día. James Blake no es talentoso por hacer dubstep, ni siquiera podríamos resumirlo con esa etiqueta, es una gema por su manera de aprovechar el género y pasar del estado bruto al precioso. Sin contexto no hay aclamación. Con apoyo y en mancuerna con la creciente escena, la calidad sonora de James llega al mainstream y pega por una combinación de factores: 1.- El dubstep estaba explotando, el R&B se encontraba a punto de tener su triunfal resurgimiento, y el Reino Unido necesitaba un representante popular de la escena en los Estados Unidos y el mundo. 2.- La fragilidad y austeridad del debut homónimo fue mucho más fácil de digerir gracias al debut de The xx, pues los también londinenses hicieron una brecha en la cual la producción esquelética y minimalista llega a la excesiva cultura popular.
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¿Por qué diablos sólo llamamos a los pianistas jazzistas o clásicos? Yo toqué cosas diferentes en la escuela y siempre era llamado un pianista de jazz. fue algo que siempre me molestó. Ahora me llaman cantante de Soul. No es que sea imposible de categorizar, pero cuando no quieres pertenecer a ninguna de esas cosas es muy difícil ir diciendo ‘soy un cantante de Soul’ o ‘soy jazzista o músico clásico’.”
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“No es común que consigas que la mayoría de una escena underground te apoye, y yo nunca me he intentado liberar de esa escena. Hay muchos artistas que comenzaron en el Drum n’ Bass o el Hip Hop que después lanzaron materiales que funcionaron muy bien en el mainstream. Lo que yo intenté hacer fue escribir un disco para las personas que ya me escuchaban, y al hacerlo llegó una etapa en la cual podía incluir mi voz, lo que resultó en que un mayor rango de personas se pudiera conectar con la musica.
Hay muchas personas que se fijan en la manipulación de la voz y piensan ‘quizá él esté usando el delay o el pitch porque se siente incómodo con su voz.” El secreto mejor guardado siempre fue la voz del inglés; como un productor, la manipulaba y deshumanizaba con el objetivo de emplearla como un instrumento y no como una identidad. El florecimiento de esa identidad vocal es lo que ahora posiciona a James Blake como uno de los cantautores jóvenes más seductores en
la actualidad. La piedra por fin es preciosa. Si se escucha el primer EP, The Bells Sketch, e inmediatamente se sigue con el reciente Overgrown, la pulida por la que pasa el sonido de James es obvia, y este florecimiento de voz es lo que atrapa inmediatamente. Una identidad llena de melancolía y anhelo, una voz que podría ser la propia. Es muy fácil dejarte llevar por sus cuerdas vocales, cerrar los ojos y fingir que son las tuyas, o que las representan, porque él es la juventud a la que se aspira: sentimental, inteligente, ambiciosa, talentosa y humana.
Antes sentía una gran frustración al tocar todo este material detrás de una computadora, me sentía como el pianista en una película de cine mudo. No es que uno quiera el reconocimiento, lo que quieres es hacerlo en vivo y demostrar que lo puedes hacer sobre el escenario. Para mí no hay nada mejor que tocar el piano y cantar enfrente de un público.”
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ames Blake es un genio en la manera en que proyecta su talento. Es capaz de mezclar en un club de Londres para cientos de adolescentes afligidos y adormecidos por pastillas, como también es capaz de tener sesiones en vivo que reflejan su entrenamiento clásico en el piano –algo que le podría encantar a un profesor de música contemporánea. Sus conciertos son un rocío emocional, y es genuinamente emocionante ver cómo James logra arreglar sus temas para funcionar en un ambiente de concierto. Es esta maleabilidad en su arte que lo mantiene fresco.
T H E P O S TA L S E RV I C E
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UNA DÉCADA EN LA EVOLUCIÓN DEL GEEK Por: Rocco Portillo
Fotografía: Sub Pop
Eran esos que se paseaban cabizbajos por los pasillos de la escuela, esos solitarios personajes encerrados en sus cuartos escuchando música hasta la madrugada. Ahora éstos mismos son los que dirigen el mundo, un mundo que finalmente les ha abierto los brazos.
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Cuando esta frase salió en el reality de esta brillante1 rubia seguían siendo tiempos oscuros pero ya se veía una luz al final del túnel, por fin era un año en el que se comenzaba a disipar esa mancha de la cultura pop protagonizada por Limp Bizkit y el Nü Metal. La esperanza que había provocado el primer disco de The Strokes aún parecía una profecía que podía cumplirse y Jack White había creado un riff tan atemporal como inspirador (Seven Nation Army). Era el año 2003 y había una canción que parecía romper todos los estratos culturales, una canción que le gustaba a los amantes del hip hop y a los rockeros por igual, la canción era Hey Ya y fue2 la última vez que una obra del pop era un fenómeno global. El internet estaba en ascenso y aquellas personas que fueron victimas de burla en su infancia por fin estaban descubriendo que no era importante socializar con las personas que pertenecían a su circulo social, el mundo estaba abierto, y en él había miles de personas como ellos, que compartían sus mismas obsesiones y miedos, con ellos podían comunicarse. Atrás estaban los tiempos de Guns N’ Roses o Motley Crüe que celebraban al macho alfa, ahora estábamos en una época en la que Peter Jackson dominaba los Oscares y la taquilla; y no sólo eso, el resto de la sociedad quería aprender a usar el internet. Ahora estos “desadaptados” eran necesitados, iniciando la verdadera venganza de los nerds3. En el 2001 uno de estos tímidos individuos se dedicaba a crear música electrónica y estaba preparando su primer LP, el joven Jimmy Tamborello estaba generando respeto y admiración en la escena local con su proyecto Dntel y en este primer material había un canción que necesitaba una voz diferente, algo que sirviera como el endulzante perfecto a sus beats. La pieza faltante la encontró en otro tímido artista, un músico que cantaba sobre el desamor y las dificultades de encajar con la sociedad, este joven que leía a Kerouac y escuchaba a los Smiths era Ben Gibbard, el vocalista de Death Cab For Cutie. La colaboración se vio materializada en (This Is) The Dream Of Evan And Chan, un tema que servía como el equilibrio del disco y que destacaba por encima del resto, complementando los neuróticos (y dulces) beats de Jimmy con el romanticismo trágico de Ben. Cuando terminaron de grabar, Ben se acercó a Tamborello y medio en broma y medio en serio le dijo que deberían de hacer más cosas como eso y se retiró para continuar 1 En el aspecto literal de la palabra. 2 Probablemente. 3 Que daría pie a que el Nerd evolucionara en Geek, un término menos peyorativo y que con el paso de los años se convirtió en algo que incluso las chicas atractivas presumirían ser. ¿Quién lo hubiera pensado? Ese niño rubio en The Breakfast Club se la hubiera pasado mucho mejor ahora.
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“¿De dónde vienen las Buffalo Wings? ¿De los pollos o de los buffalos?” Un cuestionamiento que lamentablemente no es mío, si no de aquella gran filósofa de principios de este nuevo milenio: Jessica Simpson.
el รกlbum
MINISTRY
PSALM 69:
TYHE WAY TO SUCCEED AND THE WAY TO SUCK EGGS
cincuenta
Por: Luis Palmeros
“Art is commenting on what’s going on around you in your life.” Al Jourgensen
Abrasivas baterías industriales, alarmas de estado y la voz del entonces presidente manipulada… “N.W.O.” (New World Order) es como abre Ministry su material de 1992, Psalm 69: The Way to Succeed and the Way to Suck Eggs. Este título es una variación comúnmente usada del título original: ΚΕΦΑΛΗΞΘ. Al parecer el original era demasiado complicado, problema que, claramente, se resuelve con esta “simple” variación.
Discos como Pretty Hate Machine de Nine Inch Nails o The Golden Age of Grotesque de Marilyn Manson nunca hubieran sido sin la hiperactividad y salvajismo que caracterizó a Ministry, pero NIN catapulta al grupo de Jourgensen. Psalm 69 llega 3 años después de Pretty Hate Machine, disco que lleva al metal-rock industrial a las masas y a la programación de MTV, y por lo tanto, prepara al público para la llegada del Salmo 69. 1992 fue el año más importante en la larga carrera de este proyecto norteamericano, marcó el verdadero principio, y ahora en 2013, el final. Mike Scaccia se unió a la banda para este clásico metalero, fue guitarrista y mejor amigo de Jourgensen durante todo el trayecto, y falleció a finales del año pasado, es así, que este año Ministry llega definitivamente al final del camino. “Congregation, please be seated and open your prayer guides to the book of revelations, Psalm 69.” Este quinto álbum de los destructivos estadounidenses es sucio, desde el título, que es una alusión al sexo oral. La producción es demoledora: las guitarras machacan como martillos y el ritmo nunca se alenta. N.W.O. es la encargada de propinar el primer K.O., una protesta política en contra del ex presidente George H. W. Bush, padre del trágico redneck antecesor de Barack Obama, George W. Bush. Es difícil hablar de momentos explosivos que resalten cuando todo el álbum es una explosión que pulveriza átomos desde el primer segundo. Jesus Built My Hotrod es graciosa sin dejar de ser fulminante. Es una aceleradísima pieza en caída libre, una inyección de adrenalina de la vieja escuela: motocicletas, velocidad, cuero, sudor, cabellera larga y una rociada ácida de instrumentaciones agresivas. Psalm 69 es un álbum que inspiró a discos quizás más importantes, pero la fuente, merece mucho crédito.
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En el ’81, Al Jourgensen le da vida a esta bestia que arrasa con furia, años después, Ministry sería una fuente de inspiración para artistas como Trent Reznor, y para shows espectaculares como los de Rammstein. Después de unos inicios New Wave/Synthpop, el conjunto de Chicago se encuentra y es apreciado por completo con este quinto álbum.
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DC310 LA NUEVA CASA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA por: Mariela Martínez
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Fotografía: Cortesía DC310
En México la escena de la música electrónica es cada vez más grande, por lo tanto surgen más plataformas que buscan brindarle un espacio a los talentos emergentes, tanto nacionales como internacionales para el deleite de todos los entusiastas de la música electrónica, DC310 es el nuevo hot spot de la ciudad y a pesar de llevar muy poco tiempo abierto, promete convertirse en el hogar de los beats y la fiesta.
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uena sencillo el plan para salir de fiesta, reunir a los amigos, escoger la ropa que te pondrás, hay a quienes les gusta poner música en el camino para entrar en el mood y sobre todo salir con la actitud de pasarla lo mejor posible, sin embargo si el lugar no resulta ser lo que esperabas, se pierde la
magia. Xavier López es el dueño de DC310 y la primer pregunta que surge al saber el nombre del lugar es: ¿Qué quiere decir DC310? ¿Es un robot? ¿Una galaxia lejana? Nada de eso, DC310 significa “Disco Club” y el 310 es el número de donde se ubica. El concepto principal del lugar es retomar la época de las discos, aquí la palabra “antro” no tiene cabida. El lugar es bastante espacioso, fundamental si tomamos en cuenta que no quieres chocar con todos al momento de estar bailando. Está conformado por tres zonas distribuidas en 2 pisos: la parte de abajo donde se ubica la pista de baile y la cabina del DJ, en la parte de arriba podrás sentarte a disfrutar de un coctel, un mezcal o de la bebida de la casa en las cómodas salas y finalmente la terraza. En total el DC310 tiene capacidad para 1,000 personas. No por tener un concepto de disco club la tecnología se queda afuera, de hecho el DC310 tiene dos plataformas de Mapping 3D que nadie más en México ofrece, las cuáles consisten en disfrutar del set acompañado de imágenes proyectadas sobre la superficie del tramado para conseguir la sensación de que la imagen baila al compás de la música. Un aspecto importante del DC310 es que se cuida al máximo la calidad de la música. Entre los DJ’s que se han presentado en este lugar podemos encontrar los actos más interesantes a nivel mundial como por ejemplo DJ Magda (Polonia/ EUA), Daniel Steinberg (Berlín) quien fue el encargado de poner el ambiente en la fiesta de inauguración, Climbers (México), The Mekanism (Francia), entre otros. Han logrado una gran mancuerna con “Born In Mexico” plataforma que se encarga de dar a conocer nuevos proyectos nacionales y que ha hecho de este lugar el hogar de sus fiestas. En general toda la música electrónica tiene cabida en este lugar pero el Deep House y el Tech-House son los verdaderos dueños de este lugar. El DC310 es un lugar creado especialmente para convertir de una noche cualquiera en una noche memorable al calor de la fiesta y de la música.
R.i.p
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CURTIS HEART AND SOUL
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por: Rocco Portillo UNA PROMESA, UN GENIO, UNA MENTE TORTURADA DE POETA, UN ROCKSTAR. TODAS ESTAS ERAN FACETAS DE IAN CURTIS, LAS OTRAS ERAN LAS DE UN JOVEN DE 23 AÑOS, UN PADRE, CASADO Y ENAMORADO DE OTRA MUJER; UN HOMBRE QUE ERA PERSEGUIDO POR UNA ENFERMEDAD DEGENERATIVA. TODOS FACTORES PARA QUE ESCAPARA POR A LA ÚNICA VÍA QUE ENTENDIÓ EN ESE MOMENTO Y QUE LO CONVIRTIÓ EN ALGO MÁS QUE UN HOMBRE O QUE ROCKSTAR, LO CONVIRTIÓ EN UN MITO.
-18 de Mayo 1980, horas después de media noche-
E
l acetato continua girando, la aguja recorre su superficie e Iggy Pop está sonando. Un joven está sentado en un departamento esperando el amanecer de un domingo, la semana siguiente tiene programado viajar a Estados Unidos con su banda por primera vez. Su cuerpo, aunque joven, le falla desde hace tiempo, es incapaz de saber en qué momento perderá el control. Para sus amigos es una persona con problemas normales, nunca a querido explicarles el sufrimiento que lo acompaña, no vayan a compadecerlo. Desde su adolescencia este joven admiraba a Bowie y a Lou Reed, y como no tenía dinero para comprar los discos, los robaba metiéndolos debajo de su gran gabardina gris; en su cuarto imitaba cada movimiento de sus héroes mientras imaginaba que estaba en el escenario frente a multitudes. En un concierto de los Sex Pistols él estaba entre los asistentes, donde se encontró con otros tres jóvenes, éstos necesitaban un cantante y él quería cumplir su sueño, el siguiente paso fue obvio, formar una banda. Ahora las personas comienzan a tomarlo en cuenta pero sufre para terminar cada concierto, las luces sobre sus ojos desencadenan que su cerebro pierda el control y comience a convulsionarse. A los 23 años tiene un grave caso de epilepsia. Esta noche le ha pedido a su joven esposa que lo deje estar solo en la casa, desde hace una semanas vive con sus padres debido a que la relación se ha deteriorado a mayor velocidad que su cuerpo, el joven quiere ser una estrella pero su mente no puede con la presión. Su corazón esta divido entre la pasión que siente por su amante, una joven sofisticada que
trabaja en la embajada de Bélgica y el amor responsable que aún tiene por su esposa Deborah. En sus letras explica el dolor que siente y cómo se ha dado cuenta que el amor es lo que nos puede separar; pero sus compañeros no ponen atención en lo que canta, para ellos sólo es una forma de arte, algo de drama estilizado por la ficción, sin embargo este joven ha descargado sus demonios internos en el último disco que grabaron, ahí escribió, sin que nadie lo notara, la explicación detallada de lo que lo atormentaba. Quizá fue mejor que no prestaran importancia, así no se preocuparían. Trató de escapar en un par de ocasiones, la primera fue cortándose con un cuchillo durante lo que los médicos llaman “un ataque de ansiedad”, la segunda fue ingiriendo una pastilla tras otra, nunca se supo si fue intentando quitarse la vida o sólo quería que las medicinas mejoraran su estado físico. El sol está por salir y él no está seguro que quiera seguir aquí para presenciarlo, hace unas horas vio una película de Werner Herzog y aún no se percata que el primer lado del disco The Idiot lleva mucho tiempo sin sonar. Mira el tendedero que cuelga de la cocina, la cuerda tensa en el aire parece ser la alternativa, su legado está tallado en su historia discográfica, los escenarios ya le dieron un poco de la gloria que soñó, tal vez fuera un cobarde por huir pero quizá su mente no era para este mundo. El lunes siguiente el resto de los integrantes estaban en el cuarto de ensayo, el lugar de Ian Curtis estaba vacío, él se fue pero los que nos quedamos necesitamos continuar. En la mañana de ese lunes 18 de mayo de 1980 ya existía una lápida que decía “Love Will Tear Apart”.
15/07/1956 – 18/05/1980