Ioana ilcus

Arthron Edici贸n especial; Barroco y Rococo 09 Mayo 2015

Introducci贸n Barroco

Arquitectura barroca

Pintura rococo

Arquitectura rococo

Introducci贸n Rococo

SUMARIO

Pintura barroca

Escultura barroca

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A R R O C O

Las manifestaciones artísticas consideradas barrocas fueron producidas en el siglo XVII. La característica principal de estilo barroco es la tensión dualista entre el espíritu y la materia, el cielo y la tierra, la razón y la emoción, y el cientificismo y la religión. El conflicto de ideas es resultado de la herencia de los avances científicos y la estructura ideológica del Renacimiento y la reacción de la Iglesia Católica con la Contrarreforma tras la celebración del Concilio de Trento. En la literatura, la tensión se manifiesta por una mayor utilización de las características estilísticas

A R T E

Dado que las artes son diversas durante el período del Barroco, sus características comunes deben ser investigadas junto con las tendencias intelectuales y culturales de la época. La hegemonía de las monarquías europeas y la ampliación de los horizontes intelectuales es uno de los aspectos más influyentes. No podríamos desasociar la construcción arquitectónica del Palacio de Versalles en Francia con la necesidad de afirmar la grandeza del poder real y ensalzar el nacionalismo. Los pilares de la fe religiosa están amenazados por las interrogantes que surgen a sus autores. En los países protestantes, la libertad y una relativa democracia, satisfacía una producción artística alternativa, con conceptos diferenciados al arte producido en los países católicos europeos. Las primeras manifestaciones del barroco, que se originó en Italia, datan de las últimas décadas del siglo XVI (inicios del siglo XVII según otros autores).

En otras regiones, sobre todo Alemania y Brasil colonial, el movimiento llegaría a su apogeo en el siglo XVIII. En la historia del arte occidental, sin embargo, el barroco se produce esencialmente en el siglo XVII.

Características generales;

Las obras que distinguen a la época son estilísticamente complejas, incluso contradictorias. En general, se puede decir que el deseo de evocar estados de ánimo exaltados de apelación y tonos dramáticos a los sentidos del observador es común en la mayoría de sus manifestaciones artísticas.

Algunas características están asociadas con la grandiosidad barroca, la sensualidad, el teatro, el movimiento, la vitalidad, la exuberancia y la tensión emocional. Todo se opuso al racionalismo –principal característica del Renacimiento– que era sobrio, estricto y metódico con raíces en el clasicismo.

Muchos historiadores suelen dividir la literatura del barroco en dos tendencias: el conceptismo y el culteranismo. El conceptismo, más frecuente en la prosa, corresponde al juego de ideas, la organización de la frase con una lógica que busca

persuadir. El segundo, el culteranismo, más propio de la poesía, se define por el juego de palabras con intención hacia lo formal teniendo como autor emblemático a Luis de Góngora. El período fue particularmente rico en algunos países debido a que la estética barroca se adapta fácilmente a un país que crea su propia fisonomía y la cultura en términos de oposición y lucha de contrarios, de mestizaje.

Barroco Español;

La temática plástica tendrá un definido carácter religioso.El arte será utilizado como argumento convincente del poder católico.El arte se dirigirá antes a la sensación que a la razón.

Pero, además, hay otras singularidades que lo diferencian de los otros barrocos, especialmente la gran originalidad, pues desde el mudejar no había alcanzado España una tan clara definición de su propio yo. Es una

poderosa mezcla de ornamentación y sobriedad; la ornamentación es abundante y complicada, pero a diferencia del barroco europeo es emotivo y alucinado.

La rica poolicromía de la escultura o el atormentado movimiento de las figuras están sustentadas por una imagen patética o desgarradamente dramática. La pobreza de materiales, pues pese a que se levantan magnificas edificaciones, el ladrillo es mucho más frecuente que la piedra y el marmol.

En cuanto a la escultura, la madera, de honda tradición castellana, se empleará casi en exclusiva. Incluso para las grandes máquinas de las arquitecturas-esculturas de los retablos que inundarán todas las iglesias coetáneas o anteriores. Tras la época de austeridad del Escorial, el barroco parece dispararse a modo de fuegos de artificio en mil innovaciones llenas de fantasia creadora. Una enorme variedad, ya que cada autor es un estilo distinto.

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ARQUITECTURA Es un período de la historia de la arquitectura que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.

El término Barroco, derivado del portugués “barru”, “perla de forma diferente o irregular”, se utilizó en un primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían encargado.

En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regiones de la Europa septentrional se produjo un movimiento más racionalista derivado directamente del Renacimiento que se denominó Clasicismo barroco.

A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia un movimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y se basaba fundamentalmente en las artes decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa.

Cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma.

Contrariamente a las teorías según las cuales el movimiento barroco surgió a partir del Manierismo, fue el Renacimiento tardío el movimiento que acabó desencadenando en último término el Barroco. De hecho, la arquitectura manierista no fue suficientemente revolucionaria para evolucionar radicalmente, en un sentido espacial y no sólo superficial, a partir de los estilos de la antigüedad a los nuevos fines populares y retóricos de la época del contrarreformismo.

Ya en el siglo XVI, Miguel Ángel Buonarroti había anunciado el Barroco de una forma colosal y masiva en la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma, así como las alteraciones en las proporciones y las tensiones de los órdenes clásicos expresados en la escalera de acceso a la Biblioteca Laurenciana de Florencia, del mismo autor, y la enorme cornisa añadida al Palacio Farnese. Estas intervenciones habían suscitado diversos comentarios en su época por su brusca alteración de las proporciones clásicas canónicas.

No obstante, en otras obras Miguel Ángel había cedido a

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la influencia manierista, por lo que fue sólo tras el fin del Manierismo cuando se redescubrió a Miguel Ángel como el padre del Barroco.

El nuevo estilo se desarrolló en Roma, y alcanzó su momento álgido entre 1630 y 1670; a partir de entonces el Barroco se extendió por el resto de Italia y de Europa, mientras que en el siglo XVIII Roma volvió de nuevo al Clasicismo siguiendo el ejemplo de París.

La influencia del Barroco no se limitó al siglo XVII; a principios del siglo XVIII se desarrolló el estilo denominado Rococó, que no siendo una pura continuación del primero podría ser considerado como la última fase del Barroco.

Arquitectura barroca en España En arquitectura el barroco español mantendrá los esquemas fundamentales del edificio, sobre los que diseñará toda la fantasía ornamental. Uno de los primeros arquitectos que se despega de la austeridad escurialense es Juan Gómez de Mora, que hace la portada del Convento de la Encarnación de Madrid, dentro de un gran purismo, la Clerecía de Salamanca, prototipo de barroco equilibrado, y en Madrid traza la Plaza Mayor y el Ayuntamiento, de recuerdo claramente herreriano. De esta época corresponden también el panteón del Escorial, obra de Juan Bautista Crespo, y la Sacristía del Monasterio de Guadalupe, en la que destaca la mezcla de abundante decoración con la severidad de las líneas.

José de Churriguera rompe todos los moldes establecidos y alcanza la auténtica libertad expresiva hasta el punto que después se ha denominado churrigueresco a todo el arte barroco que se caracterice por la multiplicidad de ornatos y descoyuntamiento de los elementos tradicionales. Pero José no fue el único Churriguera; él pertenece a toda una generación que llenan la geografía española de sus obras.

Con frecuencia trabajan varios familiares en los mismos proyectos, lo que hace difícil precisar la labor concreta de cada uno. Lo que sí esta claro es que los sucesores de José fueron recargando y descoyuntando más el estilo con una fantasía única en Europa. Se sabe que son del mismo José de Churriguera el Palacio e iglesia de Nuevo Baztan y la de Loeches y el Retablo de San Esteban, en Salamanca, en el que utiliza unas columnas salomónicas gigantescas. A los Churriguera, en general, se deben importantes obras como la Plaza Mayor de Salamanca, la cúpula de la Catedral de esta ciudad, el remate externo de la Catedral de Valladolid y un estudio planimétrico de Madrid.

Pedro Ribera es el más importante arquitecto de todo el barroco español, de insólita imaginación creadora y un excelente ingeniero constructor. Su obra no se limita a los aspectos decorativos sino que demuestra tener un gran sentido del espacio y de las estructuras internas. Utiliza todos los elementos ornamentales del vocabulario churrigueresco pero con especial preferencia los estípites. Es esencial en su obra el uso del baquetón, o moldura cilíndrica muy gruesa que se encurva ciñendo puertas y ventanas. Tiene numerosas portadas madrileñas, como la del Antiguo Hospicio.

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Pintura

El movimiento a menudo se le identifica con el absolutismo, la Contrarreforma y el renacimiento católico, pero la existencia de importante arte y arquitectura barrocos en países no absolutistas y protestantes por toda Europa Occidental evidencian su amplia popularidad. Llegó a ser la expresión más característica del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.El arte barroco se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel muestra a su David quieto antes de luchar contra Goliat.

Clases de anatomía Rembrant, 1606

os pintores más grandes del barroco son; Caravaggio, Rubens, Velázquez, Poussin, Rembrant y Vermeer.

altamente especializados, que sólo pintaban el género al que se dedicaban: escenas de género, paisajes, bodegones, retratos o pintura de historia.

Caravaggio es heredero de la pintura humanista del Alto Renacimiento. Su enfoque realista de la figura humana, pintada directamente del natural e iluminada dramáticamente contra unfondo oscuro, sorprendió a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro; esto puede verse en obras de Rembrandt, Vermeer, Le Nain y La Tour. El pintor flamenco Antón Van Dyck desarrolló un estilo de retrato cortesano, con gracia, que influyó mucho, especialmente en Inglaterra.

La prosperidad de la Holanda del siglo XVII llevó a una enorme producción artística por gran número de pintores

Los estándares técnicos eran muy altos, y la Edad de Oro holandesa estableció un nuevo repertorio de temas que fueron muy influyentes hasta la llegada del Modernismo.

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Parable of rich man Rembrant, 1606

Características generales: Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, Vanitas, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de temas religiosos. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica. Los efectos de profundidad, perspectiva y volumen se consiguen más con los contrastes de luz y color.

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“La luz dibuja o difumina los contornos, también el ambiente, la atmósfera del cuadro, y matiza los colores” Se pretende transmitir sensación de movimiento. Las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica.

Mientras que la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena. Se produce en esta época un dominio absoluto de la técnica pictórica, tanto en la pintura al óleo sobre lienzo como en la pintura al fresco. Ello permite alcanzar un gran realismo en la representación pictórica. Se logra la imitación de la realidad teorizada por los renacentistas pero sin la idealización propias del siglo anterior.

Trampantojo Andrea del pozo

Niños comiendo melón Murillo, 1650

El dominio de la técnica, que logra representar con gran fidelidad la realidad, hace que se intente en ocasiones engañar al espectador por medio de trampantojos. El pintor barroco gusta de perspectivas ilusionistas, especialmente en las Bóveda, que se intentan ”romper” visualmente, mediante la representación del cielo y del infinito.

El tenebrismo se caracteriza por el violento contraste de luces y sombras mediante una forzada iluminación de foco antinatural En España, el barroco supone la actividad pictórica, destacando sobre un magnifico plantel de pintores, la genialidad y maestría de Velazquez, Ribera, Bartolomé Esteban Murillo o Francisco de Zurbarán. El periodo fue conocido como Siglo de Oro, como muestra de la gran cantidad de importantes figuras que trabajaron, a pesar de la crisis económica.

Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como

Caravaggio y su tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España, debido al mandato que se ejerce en la zona, y a la llegada de Rubens al país como pintor de la corte.

La temática en España, católica y monárquica, es claramente religiosa.

La mayoría de obras fueron encargadas directamente por la iglesia. Por otra parte, muchas pinturas tratan de reyes, nobles y sus guerras, como en el

famoso cuadro Las Lanzas, que pintó Velázquez en 1635 para el Palacio del Buen Retiro de Madrid. La mitología y los temas clásicos también serán una constante. El realismo de las obras se usará para transmitir al fiel la idea religiosa, por lo que el barroco fue un arma para la iglesia. Los colores son vivos, con efectos de múltiples focos de luz que crean otras tantas zonas de sombras. Las figuras no suelen posar, son captadas con movimiento.

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ESCULTURA Destacamos su complicada estructura y dramática vivacidad. Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el dinamismo.

Las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas.La pintura del Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión .

En el siglo XVII toda Europa se pobló, literalmente, de esculturas. Podían encontrase por todas partes: en las iglesias y catedrales, en las plazas, en los palacios y residencias de los poderosos, en los edificios de los gobiernos e, incluso, en los puentes. Una verdadera fiebre escultórica sacudió al continente. En muchas ocasiones, estas obras sirvieron de complemento a la arquitectura, viniendo a concretar ese concepto de conjunto artístico integrado que tan apreciado fue al barroco.

Pero lo que nos llama ahora la atención es la cantidad de obras y su asombrosa variedad: de santos, de papas, de héroes, de personajes famosos, de estadistas, de figuras mitológicas... sin olvidarnos de aquellas que tenían un carácter funerario. Ante tamaño conjunto, señalar unas características comunes se hace algo difícil, pero en la mayor parte de estas obras, independientemente de su calidad artística, encontramos los mismos presupuestos: las composiciones se hacen muy libres, se busca la representación del movimiento y hay una marcada tendencia a la inestabilidad de la representación, muy acorde con el gusto por la línea curva tan preciado en el barroco. Por ello se observan con frecuencia figuras con amplio ropajes, así composiciones en grupo que pretenden crear una atmósfera ciertamente teatral, escenográfica.

Según cada autor y gusto se recurrirá a todo tipo de soportes: la piedra y el mármol, el bronce o la madera.

Finalmente, caracteriza a la escultura barroca una clara tendencia al naturalismo, alejado de los ideales clásicos de belleza que habían imperado en el Renacimiento.

Por eso, con frecuencia los rostros acusan una clara expresividad. Y aunque se talló y se compuso de todas las maneras posibles, destacan más las obras en bulto redondo que los relieves, quizás porque estos últimos no permiten la libertad compositiva que entonces se demandaba a este tipo de arte.

“Interés completo por el movimiento, los efectos dramáticos y por mostrar en los rostros emociones y sentimientos” La obra de Bernini es un buen compendio de las características básicas de la escultura barroca. Trabajó por igual los temas religiosos que el retrato o las escenas mitológicas, mostrando un gran interés por las composiciones múltiples, que le permitían incrementar el dinamismo de la representación. Frecuentemente empleó el mármol, aunque recurrió también a la terracota y al bronce.

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Veamos a continuación un ejemplo de temática mitológica, obra también del polifacético Bernini:

El grupo de Apolo y Dafne es una obra de juventud encargada por el cardenal romano Scipione Borghese para los jardines de su villa. Recoge el tema planteado en los versos de La metamorfosis de Ovidio, en el que se significa este mito griego de Amor imposible: Dafne, cuyo nombre Bernini trabajó también para clientes particulares y en en griego significa laurel, es una ninfa amada por Apolo, este contexto elaboró la que es considerada su obra más dios de la Belleza. Amor que no es correspondido, por lo que Dafne huye de aquél, que la persigue y destacada: el éxtasis de Santa Teresa, de la acosa hasta que finalmente el padre cual llaman la atención especialmente A todo ello habría que añadir de Dafne, el río Peneo, convierte a los efectos de claroscuro que creó su hija en laurel, precisamente la empleando un artificio en el el valor que tiene igualmente el planta preferida de Apolo. ventanal superior de la capilla estudio psicológico de los personajes, donde se encuentra la escultura, de que acentúan ese sentido dramático del La obra plasma el instante forma que la luz incide sobre ella momento mismo de la metamorfosis: mismo en que Apolo alcanza de manera diferente a lo largo de Dafne realmente horrorizada al ser a tocar a Dafne, momento las horas y los días.. preciso en el que se produce alcanzada por Apolo, y éste mas bien la transformación de la ninfa.

La escultura barroca se caracteriza sorprendido (no es para menos) de ver también por su diversidad temática, Es por tanto la representación lo que está ocurriendo. máxima del sentido del movimiento porque aunque prevalece el tema porque capta el instante, ese momento religioso, se combina muchas veces con el tema alegórico o mitológico, referido las más de las veces culminante de la metamorfosis donde se concentra toda la a la exaltación del poder monárquico. Sin olvidar que se emoción y la carga dramática del mito. Por ello mismo es da asimismo el tema popular o costumbrista, con el que se también una obra tan característica del periodo barroco.

Porque todo es movimiento. quiere llegar a la sensibilidad de las clases más humildes.

El estudio de la composición en este grupo escultórico resulta fundamental. Se trata en primer lugar de una composición abierta: de brazos en aspa extendidos y proyectados así hacia el infinito; cabellos que ondean al aire; ropajes volados; cuerpos danzantes. Una composición además determinada sobre todo por las líneas diagonales que marcan los brazos, las piernas y la propia disposición de los cuerpos, en una estructuración que parece estallar desde el centro de los mismos hacia el exterior. Sin olvidar el ritmo conseguido a través de las piernas en paralelo, los cuerpos arqueados igualmente paralelos, y el paño de Apolo subrayando la cadencia de los mismos.

Y todo ello, sazonado con una fuerte carga de sensualidad. Al fin y al cabo es una metáfora del amor, del amor imposible, pero Apolo es dios de la Belleza, y Dafne es una ninfa maravillosa. Por ello la obra de Bernini es también sutil y delicada, sensación que se transmite a través de la talla del mármol, cuyo pulimentado delicado y fino, configura una suave textura, especialmente en el cuerpo de Dafne.

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O C O C O

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia y la elegancia.

El periodo del rococó se corresponde aproximadamente con el reinado de Luis XV, rey de Francia (1715-1774). Sus orígenes exactos son oscuros, pero parece haber comenzado con la obra del diseñador francés Pierre Lepautre, quien introdujo arabescos y curvas en la arquitectura interior de la residencia real.

A R T E

El término rococó proviene del francés rocaille, que significa ‘rocalla’. En decoración, se caracterizó por una ornamentación basada en arabescos, conchas marinas, curvas sinuosas y en la asimetría; en pintura se distinguió por el uso de colores pastel más bien pálidos.El estilo rococó se difundió rápidamente por otros países europeos, particularmente por Alemania y Austria, donde se entremezcló con el barroco creando un estilo suntuoso y profuso, especialmente en iglesias y espacios sagrados. Por todo esto, se recuperan personajes mitológicos como Venus y Amor que se entremezclan en las escenas representadas dotando a las composiciones de un tono de sensualidad, alegría y frescura. La figura de la mujer es un foco inspirador de la pintura. La mujer es una figura bella y sensual, cada vez más culta. Ella seduce y participa en aventuras prohibidas. El escenario en que se ubica la trama pictórica ayuda a que la sociedad se identifique con personajes de historias pastoriles e idílicas.

Características generales;

Las obras que distinguen por la ornamentación elaborada, delicada y recargada; también es definido como un arte individualista, anti formalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto por los colores luminosos, suaves y claros.

Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la belleza de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente en los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable, refinado, exótico y sensual.

Rococo Francés;

Los pintores usaron colores claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con querubines y mitos de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo recogían comidas

sobre la hierba de personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura. El género galante es en pintura lo más representativo del rococó francés; los cuadros de pequeño tamaño propios para alcobas o habitaciones reducidas vienen a sustituir a las ampulosas composiciones barrocas.

Rococo Italiano;

En el campo de la pintura, los mayores intérpretes del rococó se pueden considerar los artistas que, destacaron los grandes paisajes detallistas con representaciones de los principales espacios de la ciudad: los canales, la plaza de San Marco y el Palacio Ducal, siguiendo la corriente llamada Veduta.

Rococo Español;

Se pintaban escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto

decorativo que lo convierte en la representación más importante de la pintura rococó en España.

Europa Central;

La influencia del barroco desarrollado en Alemania fue notable en las naciones centroeuropeas, donde se llevó a cabo un arte igualmente cargada de detalles, lúdica y fantasiosa. Los frontones comenzaron a adquirir formas curvas, contracurvas y espirales, y, en planta, fue habitual la adopción de las formas ovales, elípticaovales y otras. Adquirió gran popularidad la colocación de grandes columnas que llegaban a abarcar varios niveles

Inglaterra;

En Inglaterra el nuevo estilo fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los introductores del estilo en Inglaterra fue el francés Philippe .

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AR QUI TEC TU RA

La arquitectura rococó es aquella que surgió y se desarrolló durante el siglo XVIII en París, entre las décadas de 1730 y 1760, como reacción en contra de la grandeza, la simetría y las estrictas regulaciones del Barroco. Mantenía el empleo de adornos, pero incorporaba una decoración profusa con la inclusión de volutas y formas de hojas de acanto1 y con motivos más jocosos y formas orgánicas asimétricas.

Utilizaba tonalidades claras, curvas y revestimientos de pan de oro, dando lugar a un estilo más elegante y más complejo que el barroco. Uno de sus rasgos más característicos es la variación arquitectónica entre el exterior y el interior de los edificios.

la rocalla, resultado de la necesidad de buscar un medio plástico identitario que representase las ideas burguesas, se convirtió en la ornamentación alegre y elegante de una sociedad que buscaba el más alto refinamiento del goce vital sensitivo y espiritual, propagando una ligereza, fragilidad y gracia cortesanas empapadas de espíritu femenino.

La palabra rococó procede del término francés “rocalla”, que denota el trabajo realizado en piedra y hace referencia a la cubierta de conchas empleada para decorar grutas artificiales. Originariamente, era entendido como un término despectivo, y no fue hasta mediados del siglo XIX cuando se aceptó y asimiló socialmente.Cuando el rey Luis XIV falleció, el palacio de Versalles fue desocupado por la corte en beneficio de París, que a partir de entonces se convertiría en el centro político y cultural de la nación. La nobleza se vio liberada del ceremonial cortesano, y junto con los nuevos ricos o burgueses, entró a formar parte de esa vida social. Durante el tiempo en el que el bisnieto del Rey Sol, Luis XV, fue menor de edad, Felipe de Orleans actuó en calidad de regente, y en el tiempo en el que ejerció dicho cargo, comenzaron a producirse cambios en el estilo tardobarroco. Dichos cambios tendían hacia la evolución del mismo, buscando adaptarlo a los tiempos y alejándolo de la religión. Este período de transición fue asimismo conocido como el “estilo Luis XV”, predominante hasta la década de 1720.

La seriedad característica del barroco enfatizaba en gran medida la religión a través de la representación de temas cristianos, mientras que en el rococó, al haber aflorado en el siglo XVIII, en el que el contexto había cambiado, era común contemplar representaciones lúdicas o festivas, haciendo uso de la ironía y exaltando los valores femeninos y los caprichos de las damas de la corte. Fue éste un estilo común entre la nobleza y la alta burguesía, estamentos dispuestos a adaptarse a los tiempos a través de los nuevos cánones.

A partir de aquellos momentos, el palacio urbano parisino conocido como ”hôtel”, destronó a Versalles. El estilo de

Ese gusto por la exquisitez fue transferido a las clases acomodadas parisinas por Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour, quien también había sido amante del rey, y que su pasión por el arte le llevó a rodearse de artistas que buscaban dar un paso más allá.

Estructuralmente, la forma predominante consistía en la proyección de un pabellón central de planta circular del que partían dos alas de menor altura y de planta curvada.

Dicha curvatura daba lugar a planos oblícuos los cuales transmitían la sensación de movimiento. De igual modo, otra tipología edificatoria consistía en la construcción de pabellones contiguos.

En cuanto a los espacios interiores, a diferencia de la envolvente, que será menos elaborada y más sencilla, serán coloridos y ricamente ornamentados. Los espacios arquitectónicos solmenes se ven sustituidos por saloncitos y gabinetes pequeños, la distribución varía con respecto a

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los estilos precedentes, proyectando estancias especializadas en función del uso y con comunicaciones más cómodas y prácticas. El diseño de las dependencias será concebido como un todo, poniendo en sintonía ornamentación mural, mobiliario y colores.

Entre sus proyectos más relevantes destacan el Petit Trianon de Versalles y el Hotel Biron de París. Tras la capital francesa, es la ciudad de Nancy la que muestra los mejores ejemplos de rococó francés, con la plaza Stanyslas en la que se pueden contemplar verjas, fuentes y bancos de complicada traza.

En fachada se abandonan la aplicación de los órdenes clásicos, las ventanas ven incrementado su tamaño hasta la puertaventana, dando lugar a una relación entre interior y exterior que alcanza el concepto de mímesis con respecto a la naturaleza. Las ventanas arqueadas sustituyen a los marcos en ángulo recto.

En cuanto a revestimientos y decoración mural, los mármoles y las grandes pinturas se ven sustituidas por los estucos. De igual modo, comienza a darse un uso de espejos para crear la sensación de espacios más amplios, a la vez que buscando sugerir el infinito. Aparece en reformas de palacios, apreciable a través de escaleras, balaustradas y vestíbulos de los salones.

Asimismo, no reniega de las formas clásicas como los arcos, las columnas, los frisos o los frontones, aunque sí conduce a que éstas se vean modificadas estéticamente para adaptarse al conjunto. Un ejemplo de ello son las columnas salomónicas, entorchadas o helicoidales.

El arquitecto francés que mejor encarna este estilo es Jacques Gabriel, quien, a la hora de proyectar los exteriores continuó con el equilibrio y la dignidad propios del barroco, en los interiores se mostró como un arquitecto de gran inventiva, proyectando espacios que se destacan por su gracia y delicadeza.

En decoración interior, se suprimen las divisiones arquitectónicas de arquitrabe, friso y cornisa. Entre los materiales más empleados destacan la madera tallada, el hierro y el bronce, utilizado este último para la construcción de balaustradas y portales.

El Rococó se expandió desde Francia hacia países como Austria, Alemania, donde se convirtió en un estilo mucho más importante que en la nación francesa, puesto que allí también fue empleado en construcciones de

carácter religioso, o España, donde ocurrió lo mismo. Otros países donde adquirió especial relevancia fueron Portugal e Italia.

El lugar en donde apareció este estilo fue en el que se gestó su final. En la década de 1760 empezó a hacerse extensivo el rechazo a la superficialidad y la degeneración del arte, ideales impulsados por personalidades tan relevantes como Voltaire o Rousseau.

En apenas veinte años desde entonces, el neoclasicismo se impuso al rococó, llevándole a desaparecer en las grandes capitales. No ocurrió lo mismo en las ciudades de menor tamaño.

Pintura

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La pintura rococó se desarrolló a lo largo del siglo XVIII por toda Europa partiendo de Francia, cuna de este estilo de origen aristocrático y se dividió en un principio en dos campos nítidamente diferenciados: como parte de la producción artística, es un documento visual intimista y despreocupado del modo de vida y de la concepción del mundo de las élites europeas del siglo XVIII, sirvió como medio de glorificación de la fe y del poder civil. El estilo Rococó nació en París durante la regencia del duque de Orleáns, en la minoría de edad de Luis XV, como una reacción de la aristocracia francesa contra el Barroco suntuoso, palacial y solemnemente practicado en el período de Luis XIV. Se caracterizó por su índole hedonista y aristocrática y se manifestó en la delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia, y en la preferencia de temas blandos y sentimentales, donde las líneas curvas, los colores claros y la asimetría jugaban un papel fundamental en la composición.

El baño de Diana François Boucher

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Baño de Venus François Boucher

os pintores más grandes fueron François Boucher, Antoine Watteau y Jean Honoré Fragonard.

En un período en el que las antiguas tradiciones comenzaban a disolverse, la pintura rococó representa una oposición a la doctrina académica, que tentaba, al igual que durante el alto Barroco y en especial en Francia, imponer un modelo artístico clasicista como un principio permanente y universalmente válido, cuya autoridad era colocada por encima de cuestionamientos de la misma forma que la teoría política validaba el absolutismo. En esta ola de liberalismo y relativismo, el arte comenzaba a ser visto como apenas uno más de entre tantas cosas sujetas a las oscilaciones de la moda y del tiempo, una opinión que sería inconcebible hasta poco antes. Como resultado, las inclinaciones de la época tienden a

lo humano y sentimental, dirigiendo la producción no para héroes o semidioses, sino para la gente común, con sus debilidades, y en busca del placer. Se abandonó la representación del poderío y de la grandeza, y el público de la pintura rococó procuró ver antes la belleza, el amor, la gracia y lo atractivo, con exclusión de toda retórica y dramatismo.

Para ello la tradición clásica además de ser una referencia, ofreció para la inspiración de los artistas un cuerpo de temas bastante atractivos y adecuados para la mentalidad hedonista y refinada de las élites, quienes rechazaban cualquier austeridad y reinterpretación del pasado clásico sobre la luz de la Arcadia ideal y bucólica, de la fantasía de una Edad Dorada donde la naturaleza y la civilización, la sensualidad e inteligencia, belleza y espiritualidad son armoniosas.

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“Se pintan las costumbres y actitudes de una sociedad en busca de la felicidad, la alegría de vivir y los placeres sensuales” En el período del Rococó la nota innovadora fue que del mundo de los pastores arcadios y de los dioses del panteón greco-latino se mantuvo prácticamente el telón de fondo del entorno natural, describiendo esto «natural» a menudo como un jardín cultivado, y los protagoistas del momento eran los propios aristócratas y los burgueses enriquecidos, con todo y su indumentaria, participando en conversaciones brillantes y cuyo heroísmo se resumía en una conquista amorosa, encarnando la idea pastoral más de acuerdo con las convenciones de un teatro social. En representación, así como el Barroco era «verboso», el Rococó fue pastoral y breve; a pesar de la singularidad del paisaje, la pintura es formalmente una acumulación de discontinuidades, toda la atmósfera no es la descripción.

Certamen musical Fragonard, 1754

El columpio Fragonard, 1767

Es importante asimilar que, de acuerdo con la cultura sofisticada de la aristocracia, la civilización era un fenómeno necesariamente artificial, y era esperado que un espectados educado y pulido supiese hacer las distinciones sutiles entre lo real y lo ficticio, así como capaz de lidiar con las complejidades del arte, y demostrar ser capaz de defender la charlatanería.

El ideal clásico, siendo como claridad, mesura y obediencia de normas, expresión estética la glorificación de la monarquía absoluta

Técnicamente la pintura rococó tuvo una mayor libertad de expresión a diferencia de la pintura barroca o académica.

La pincelada es nítida y desarrollada, con la creación de texturas y de un efecto por veces similar a los cuadros impresionistas, dándole a muchas composiciones un aspecto de esbozo e inacabado, lo que dejaba al espectador con más eficiencia solicitando que

él mentalmente lo que le había sido presentado esquemáticamente. Se niegan las especifidades realistas y la primacía de la línea, el espacio tiene su perspectiva acortada creando una ambientación más cerrada, los escenarios de fondo son más simplificados privilegiando el primer plano, y se buscan efectos sugestivos de la atmósfera. La representación del vestuario, a pesar de ello, tiende a ser lo bastante real como para exhibir la

suntuosidad de la tela y la riqueza de las joyas y los ornamentos usados ​​por los modelos.

El color, aspecto central en el Rococó, era la preocupación de los artistas y se convirtió en un problema extremadamente complejo de colores primarios, saltaban directamente a esquemas de mezcla con decenas de gradaciones, y el refinamiento, en el nivel profesional, fue más acentuado.