Lara abad

Nº 1 # JUN* 2015

creative

Javier R

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MANIFESTO

ARTÍCULOS

ENTREVISTAS

Logos musicales

Darkhorse Estudio

Tour creativo

Sin Pasarte de la Raya

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OPINIÓN Lara Abad

©MANIFESTO

EDITORIAL

JUNIO 2015 - Nº1 Madrid (España) Revista trimestral Gratis

CONTACTO REVISTA creativemanifestomgz@gmail.com

REDACCIÓN bloodandink.design@gmail.com

FACEBOOK CreativeManifestoMGZ DISEÑO Y REDACCIÓN Lara Abad TRADUCCIÓN Rocco E. San Filippo Carlos Pérez Cerezales

L

a creatividad en el siglo XXI está por todos lados.

Con un solo click podemos conocer multitud de artistas, galerías, eventos...

En Creative Manifesto no creemos en el egoísmo, creemos en que hay que construir otra cultura donde las personas puedan participar en su creación pero también en la recreación. Y de este modo, esperamos servir de trampolín a: galerías, creativos, diseñadores, ilustradores y cualquiera que se anime a colaborar. Eso sí, siempre sin ánimo de lucro.

El aislamiento no favorece la creación. Por lo que esta editorial quiere llegar a un gran número de personas apasionadas por diferentes expresiones artísticas y/o creativas.

FOTOGRAFÍAS Y DISEÑOS

En este número hemos tenido el honor de entrevistar a Darkhorse Estudio y a Sin Pasarte de la Raya.

Muchas gracias por ofrecernos parte de vuestro tiempo y sobretodo por exponer vuestras ideas.

También muchas gracias a Javier Rubín por ceder su ilustración para la portada del primer número de Creative Manifesto. ¡Empezamos!

Lara Abad Víctor García-Tapia Silvina Prado

Lara Abad López

ILUSTRACIÓN PORTADA Javier Rubín

PREIMPRESIÓN E IMPRESIÓN IES Puerta Bonita C/ Padre Amigó, 5 28025 (MADRID)

Idea original de Lara Abad López

©MANIFESTO no se responsabiliza de las opiniones de sus colaboradores y/o de las personas entrevistadas.

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¿Sabías qué...? # EL BOCHO

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Opinión ✒ MUJER EN EL DISEÑO

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Entrevista SIN PASARTE DE LA RAYA

Tour Creativo ★ MADRID ★

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Entrevista DARKHORSE ESTUDIO

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Artículo • LOGOS MUSICALES

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ARTÍCULO # Logos de bandas

Logotipos musicales por Lara Abad

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1 SOLO TENÍA LA INTENCIÓN DE FASTIDIAR...

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El famoso logo “crossbuster” de Bad Religion fue creado por el guitarrista de Bad Religion, Brett Gurewitz, en 1980 cuando tenía 18 años. En 2001, el guitarrista Brian Baker declaró: “El nombre Bad Religion y el logo llegaron a existir gracias a las mentes de unos adolescentes que buscaban el nombre e imagen más ofensivos que pudieran encontrar para un grupo que comenzaba tocando en un garaje… No eran unos hombres que pensaban que 21 años después estarían haciendo entrevistas por teléfono”.

Cuando se le pregunta al bajista Jay Bentley, afirma que el símbolo solo tenía la intención de fastidiar a sus padres y de ser algo fácil de poner en camisetas y de pintar con aerosol en las paredes. El logotipo se usa en gran cantidad de merch de Bad Religion y, por supuesto, en sus EPS y álbumes, como en Back to the Known.

El “energy dome” (o “la maceta” como se le llama actualmente) es un casco emblemático diseñado colectivamente por Devo en 1980 y presentado en la portada de su LP “Freedom of Choice”.

Aunque el casco tradicional es de color rojo, hay varios colores de cascos: Verde en 1981 para “Solid Gold”, blanco en 1982 cuando eran las portavoces de la Coca Cola Light, cascos cromados para unos conciertos en 2002 y azul para la carrera de Nike “Run Hit Wonder” en 2004. Devo se influenciaron de la Bauhaus y las proporciones de los zigurats (templos de la antigua Mesopotamia que tienen la forma de una torre o pirámide escalonada). Los montículos recogen la energía y la redistribuyen. En este caso, Devo bromea en entrevistas diciendo que la cúpula recoge la energía que escapa de la coronilla humana y la devuelve al bulbo raquídeo para aumentar la energía mental.

¡A NUESTROS PADRES!

2 UNA BANDERA AGITÁNDOSE EN EL VIENTO El logo de Black Flag fue diseñado por R. Pettibon, hermano del guitarrista y compositor Greg Ginn, que también inventó el nombre del grupo. Es uno de los logos más icónicos de todos los tiempos. Una vez, Pettibon declaró en una entrevista que el logo de Black Flag fue diseñado para representar la anarquía. Este logo distintivo tiene la intención de representar una bandera agitándose en el viento. Las cuatro barras negras combinadas con la tipografía en negrita hace que el logo del grupo sea bastante sólido.

A pesar de que el logo de los Misfits sea el más reproducido de todos los tiempos. Es probable, que el logo de Black Flag sea el más tatuado. Además, Pettibon diseñó la mayoría de los diseños de las portadas de sus albúmes y los flyers de conciertos de Black Flag.

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UNA CARICATURA DE INSTITUTO CONVERTIDA EN ICONO PUNK

El clásico logo de Descendents es una caricatura del cantante Milo Aukerman con sus gafas. Originalmente apareció en el álbum debut “Milo goes to college”, en 1982, y desde entonces, ha aparecido en la portada de la mayoría de los albúmes del grupo. La ilustración original fue dibujada por Jeff Atkinson basada en los dibujos anteriores de Roger Deuerlein, un compañero de clase del instituto de Milo. El logo se convirtió rápidamente en un icono de la cultura punk y fue re-interpretado por otros artistas, por no hablar de los tatuajes que llevan sus fans. Al igual que con esta imagen icónica, Descendents continuaron utilizando la tipografía “Franklin Gothic Condensed Extra” para dar continuidad a la identidad visual de la banda. Franklin Gothic puede que sea una de las tipografías de punk más utilizadas en los años 80.

LA FAMOSA MACETA ENERGÉTICA

5 INSPIRACIÓN EN UN LOCAL DE STRIPTEASE Kurt Cobain era un artista visual bastante talentoso y creó el arte tanto para la portada de Incesticide como para In Utero.

También, dibujó el logo de la carita sonriente que supuestamente fue inspirado por la marquesina de The Lusty Lady, un local de striptease en Seattle. Es uno de los logos más reconocibles de toda la historia de la música, y visto en camisetas durante más de dos décadas. El logo consiste en un tipografía Onyx y dibujo de una carita sonriente.

6 LA "P" VOLANTE QUE VUELVE CON FUERZA El logo de la “P volante” para las leyendas The Pixies, fue diseñado por Chriss Bigg mientras creaba el diseño para el single “Alec Eiffel” del álbum “Trompe le Monde” en 1991. The Pixies se separaron, pero con su vuelta el logo es destacado en muchos de los carteles del tour y en todo tipo de merch.

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EL LOGO MÁS RECREADO POR LOS FANS

En la larga historia de Weezer, el logo de la “W volante“ con alas es relativamente nuevo. El baterista Patrick Wilson inventó el diseño mientras garabateaba sobre la pared de un estudio mientras grababan su tercer álbum. Muchos ven el logo de Weezer como una copia del de Van Halen, pero en realidad, comparte más con el de Wonder Woman. El logo de Weezer originalmente era en minúscula. La “W volante” utilizaba originalmente la fuente Futura Medium. Los fanáticos de la banda son conocidos por recrear el diseño con las manos durante los conciertos. Lo que prueba el valor y el éxito de crear una marca para el grupo. ©

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Los logos tienen gran importancia en la imagen de una banda. Todos reconocemos numerosos logos musicales aunque los grupos igual no sean de nuestro agrado. Pero... ¿nos hemos parado a pensar dónde y cómo surgieron?

ENTREVISTA # Darkhorse Estudio

por Lara Abad

Víctor García-Tapia está detrás de Darkhorse Estudio.

Ex-músico de bandas como Toundra y Minor Empires, ahora se dedica por completo al diseño. Hablamos con él para saber más sobre su labor como diseñador.

Darkhorse Estudio está especializado en el diseño y la producción gráfica para bandas, promotoras y sellos. Pero, ¿cómo comenzaste en el mundillo del diseño?

Siempre me ha gustado dibujar. Desde que tengo uso de la memoria, recuerdo que mi padre me hacía dibujos todos los días y yo los copiaba. Fui a academias de dibujo, hice el bachillerato artístico y luego estudié diseño gráfico en el IED. Así dicho, parece que lo tenía claro desde pequeño. Al salir de la carrera, trabaje en Young & Rubicam, luego me pasé a hacer eventos y trabajé haciendo la gráfica para preestrenos de películas para Warner, Fox, etc. Siempre compatibilizándolo con Darkhorse.

En la actualidad, tu trabajo no se centra en un único producto gráfico. Realizas desde el diseño para vinilos o cd’s y diseño de cartelería o camisetas, hasta diseño de identidad gráfica e incluso he visto unos pedales con tus diseños. ¿Hay un producto con el que te sientas más cómodo trabajando? Si tuvieras que elegir uno de tus diseños con el que te sientas más satisfecho, ¿cuál sería?

* Cartel de la gira europea de Toundra en 2012

DARKHORSE ESTUDIO es un estudio de diseño diseño gráfico especializado en el diseño y la producción gráfica para bandas, promotoras y sellos.

La verdad es que me siento cómodo con todo lo que hago, no tengo un soporte preferido. Salvo limitaciones técnicas de cada uno, los suelo enfocar de la misma manera. La cual es vistiendo la música del grupo en cuestión. No tengo un diseño preferido, pero supongo que me quedaría, sin pensarlo demasiado, con el cartel de la gira europea de Toundra del 2012. ¿Cómo te preparas para diseñar un producto gráfico? ¿Te documentas, escuchas la música de la banda para la que trabajas o bien te dejas llevar por el momento y/o tus ideas? Y cuando te pones manos a la obra, ¿cuál es tu método de trabajo? ¿Realizas un bocetaje previo y/o utilizas tableta gráfica?

Con cada grupo es distinto. No tengo un método, una regla o una especie de ritual. Hay grupos que cuando me piden un diseño, ya he escuchado su música, y me dejan libertad total. Otros vienen con ideas muy claras de lo que quieren y me van guiando. Otros

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www.darkhorseestudio.com Darkhorse Estudio

vienen con las ideas muy claras de lo que no quieren y es un poco ensayo/error hasta que damos con lo que más les convence. Con cada uno, tanto el proceso, como la técnica y el estilo, es distinto.

A veces dibujo, a veces hago retoque fotográfico, a veces collage... Pienso que el diseño para los grupos va sobre presentar la música del grupo de la manera más atrayente posible y, a su vez, que haga referencia a lo que significa el grupo o lo que quieren proyectar.

estaba en los dos grupos a la vez, trabajaba todo el día, ensayaba de tarde-noche y luego me iba a dar conciertos. Si tienes muchas ganas se puede hacer. Pero, en esta última etapa, prefiero centrarme 100% en mi profesión, el diseño.

¿Cuáles son tus influencias? ¿Qué artistas gráficos o Estudios de Diseño te gustan?

Además de Minor Empires, como dices, estoy con el nuevo disco de the Big Bench y en breve empezaré con las gráficas del AMFest. Mensualmente hago toda la cartelería para Ayuken MP y acabo de entrar como colaborador en la revista Rock I+D. ©

Mis influencias son todas las portadas de discos que he ido viendo desde que me empecé a interesar por el diseño, allá por 2004. No soy un loco de los estudios de diseño, ni de los artistas individuales. Suelo indagar bastante poco. Sobretodo porque, hoy en día, todo el mundo es diseñador gráfico o ilustrador o hace lettering. Ya tengo suficiente con el bombardeo diario.

Además del diseño del segundo álbum de Minor Empires.

Sin desvelar “noticias bomba”, ¿puedes comentarnos en qué proyectos estás trabajando en la actualidad?

* Cartel de la décima Screamin' Party (Ayuken MP)

Parece que cada vez más, se le da importancia al diseño en los productos gráficos destinados a la música. Aunque no estamos al nivel de muchos otro países. Sólo hay que ver, con sana envidia, eventos como el Flatstock donde se venera el cartel de conciertos. ¿Cómo ves el panorama actual en España? ¿Qué crees que hace falta para que haya un mayor reconocimiento del trabajo de los diseñadores de nuestro país?

Creo que en España tenemos un nivel increíble en cuanto al diseño gráfico. En cuanto al diseño enfocado a la música creo que ha ido creciendo de forma directamente proporcional a los grupos que han ido apareciendo (que en los últimos años han sido muchos).

Y los grupos ya meten dentro de su presupuesto el diseño gráfico.

El problema fundamental de España es que hacerse autónomo no sale a cuenta a no ser que estés absolutamente consolidado y tengas una cartera de clientes fija y una facturación muy decente.

Vamos, que está planteado como el culo y sin lógica alguna. Sobre el reconocimiento no sé qué decir, no da de comer, así que como persona de perfil bajo, me da bastante igual...

Si recibieras un encargo especial para alguna banda, ¿de quién te gustaría que fuera y por qué?

Por soñar... ¡Deftones!

Además de trabajar en Darkhorse Studio, eres músico. Fuiste miembro de Toundra y si no me equivoco, en la actualidad tocas con Minor Empires. ¿Cómo te las apañas para compaginar estas dos facetas en tu vida?

Hace un tiempo que dejé Minor. Compaginarlo todo es algo relativamente fácil. Es como cualquier trabajo. En su momento, cuando

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TOUR CREATIVO # ★ Madrid ★

SWINTON & GRANT

SAFARI URBANO

SAFAR

SWINTON & GRANT Swinton & Grant se encuentra situado en el madrileño barrio de Lavapiés. Está formado por Swinton Gallery y Ciudadano Grant.

Swinton Gallery, está concebido como un lugar de encuentro para creadores de múltiples disciplinas que trabajan con los códigos y lenguajes actuales. Un espacio singular de más de 200 metros cuadrados dividido en dos salas polivalentes, que dan cabida a proyectos artísticos con vocación nacional e internacional.

“Mind the Wall” es la mejor manera de de dar un valor añadido al entorno de la mano de los mejores artistas nacionales e internacionales que colaboran con Swinton Gallery. Consiste en ceder de forma rotatoria a los artistas de Swinton Gallery, una fachada para la creación de una pieza de arte urbano.

Ciudadano Grant, es una librería especializada en el ámbito del arte urbano y de vanguardia, así como en el cómic, la novela gráfica, los fanzines y el libro de artista. Una gran variedad de libros en donde prima la selección bibliográfica, proporcionando un fondo diversificado y especializado tanto en castellano como en el idioma original de las publicaciones.

Y además, después de disfrutar de la galería y comprar esos libros tan deseados, uno se puede tomar algo en su cafetería.

Ubicación: C/ Miguel Servet 21 28012, MADRID Horarios de Apertura: Martes - Viernes: 11.00 - 22.00 Sábado y Domingo: 12.00 - 22.00

SAFARI URBANO Los Safaris urbanos se presentan como una serie de visitas guiadas por la ciudad de Madrid en las que se muestra a los asistentes obras o intervenciones de arte urbano.

El recorrido se completa con información acerca de las obras, los autores, las técnicas o la idiosincrasia de los lugares intervenidos y dejando espacio para la participación activa de los asistentes. Se trata por lo tanto de una actividad abierta y accesible a todo tipo de público, conocedor o no del arte urbano madrileño: ciudadanos de Madrid, turistas españoles y extranjeros, estudiantes de distintos niveles educativos, colectivos de ciudadanos…

Para más información y reserva: madridstreetartproject.com

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Tour Cr ★ MAD

Te ofrecemos un recorrid inspiración o simpleme aprendiendo s

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RI DE LETRAS

LA FIAMBRERA

[ES]POSITIVO

reativo DRID ★

do creativo donde buscar ente pasar un buen rato sobre la ciudad

SAFARI DE LETRAS Organizado por Chulotype, un colectivo para el fomento de actividades y propuestas tipográficas. Tratan de acercar el mundo tipográfico, mostrando lo interesante, accesible y divertido que puede ser.

Vivimos en una ciudad llena de rincones y curiosidades relacionadas con la tipografía. En el Safari de Letras se recorre sus calles hablando de todo esto y disfrutando del paseo.

Para más información y reserva: chulotype.com

ESPOSITIVO Se trata de un proyecto formado por jóvenes con ganas de aportar frescura al ámbito del arte y el ocio en Madrid. Para ello cuentan con un espacio de tres plantas en el que se desarrollan diferentes actividades artísticas. Cuenta con un muro rotativo. Hasta hace poco estaba ubicado en la Calle Ballesta con el arte de NemO's.

Ubicación: C/ Loreto y Chicote 4 28004, MADRID Horarios de Apertura: Martes-Viernes: de 17.00 - 22.00 Sábado: de 12.30 - 22.30 Domingo: de 17.00 - 22.00 LA FIAMBRERA La Fiambrera es un multiespacio que hace las veces de galería de arte, café y librería especializada en diseño gráfico e ilustración. Los fines de semana se puede disfrutar del brunch y están añadiendo a su calendario conciertos en directo. Sus dueñas, Ruth y Maite te hacen sentir como en casa.

Te recomiendan desde una de sus cervezas, hasta nuevos ilustradores. Por un módico precio te puedes llevar un print de sus artistas, como Álvaro P-ff. Y si eres de los que te sobra el dinero, venden diseños de gran formato. ¡Te sorprenderá!

Ubicación: C/ Pez 7 28004, MADRID Horarios de Apertura: Martes - Viernes: 11.30 -14.30 y de 16.00 - 22.00 Sábado y Domingo: 10 - 22.00

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ENTREVISTA # Street Art

SIN PASARTE DE LA RAYA

por Lara Abad

¿Hay algún país/ciudad que te maraville por su Street Art o por sus propuestas artísticas? ¿Por qué?

Sin Pasarte de la Raya es un blog sobre Graffiti, Street Art y Arte Urbano. Actualizado de forma constante, es un blog de referencia para saber lo que se cuece en Madrid y en el resto del mundo. Silvina Prado nos habla de este proyecto, sus artistas e intervenciones preferidas y mucho más.

X ¿Cómo nació “Sin pasarte de la raya”?

Nació en el 2012, de una charla con un amigo. Hacía tiempo que venía dándole vueltas al tema del blog pero no me lanzaba a hacerlo y él me animó. Otro amigo me hizo el logo y así comenzó todo. ¿Tienes un artista e intervención favorita? ¡Ambas cosas! Hay muchos artistas que me gustan y tengo muchas intervenciones favoritas. Artistas nacionales puedo nombrarte a Gonzalo Borondo o a Escif, que tienen estilos completamente distintos pero sus trabajos son increíbles.

Internacionales a ROA o a Ludo que sus trabajos se caracterizan por el uso de muy pocos colores (en el caso de ROA sus trabajos son en blanco y negro, y en el caso de Ludo maneja los grises y verdes) pero que impactan con sus propuestas. Respecto a las intervenciones me gustan aquellas en donde el espacio forma parte de la obra, me gusta ver como el artista respeta el medio y lo integra perfectamente a su obra y transmite un mensaje.Las obras de BLU son un ejemplo de esto.

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De las ciudades que conozco creo que Berlín es mi favorita, hay una buena muestra de arte urbano en sus paredes. A artistas como KEN aka Plotbot o El Bocho (con todos sus personajes) te los puedes encontrar en cualquier rincón de la ciudad. También puedes encontrar muchos artistas españoles y muchos muy conocidos de la escena internacional.

Tengo pendiente viaje a L.A., que según dicen es el paraíso del street art, por la cantidad y calidad de piezas que encuentras. A ver si hay suerte y viajo pronto. ¿El Street Art es la expresión artística que más te gusta o en la que crees que ahora hay mayor interés y es un “nicho” en el que meter la cabeza?

Me gustan muchas expresiones del arte urbano como las plantillas, los pósters, los murales. El street art forma parte de nuestro día a día; nos sorprende, nos hace reflexionar, contribuye a revitalizar espacios abandonados y como no, a transmitir un mensaje.

Creo que ya hace unos cuantos años, tanto las empresas como las instituciones, han visto en el arte urbano otro canal para alcanzar sus intereses. Los jóvenes se identifican hoy con este medio de expresión y hay quienes tratan de dar a conocer sus valores y utilizarlo en su beneficio. ¿Crees que han surgido más propuestas e intervenciones artísticas en España a raíz de la crisis? ¿Cómo ves Madrid en la actualidad en este aspecto? Se suele decir que en épocas de crisis, la cultura está más en auge. Quizás por la inactividad laboral, las manifestaciones artísticas tienen mayor contenido y carácter social…

Uno de los objetivos del arte urbano es el de la protesta, la necesidad de expresar un sentimiento o un pensamiento. En tiempos de crisis se busca dar un mensaje, en lo posible positivo, y hacer saber a los gobernantes o a quién corresponda si están haciendo, o no, las cosas bien. Madrid tiene muy buenos ejemplos de acciones con denuncia social, como es el caso de Luz Interruptus (www.luzinterruptus.com). El cual es un colectivo artístico anónimo, que lleva a cabo intervenciones urbanas en espacios públicos utilizando la luz como materia prima y la noche como lienzo.

Las intervenciones urbanas de los artistas como Dos Jotas (dosjotas.blogspot.com.es) y Por Favor (porfavorhh.tumblr.com) son otro buen ejemplo de ello. Otro colectivo que también me gusta es Ana Botella Crew (www.flickr.com/photos/anabotellacrew) un colectivo de street art madrileño que surgió a raíz de la declaración de guerra al graffiti por parte de Ana Botella.

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Ofreces una gran cantidad de información muy interesante a través de las redes sociales. ¿Cómo te enteras de las últimas noticias? Además de estar al tanto de otras webs o blogs. ¿Realizas investigación por tu cuenta saliendo a la calle y asistiendo a exposiciones y/o tienes contacto con artistas y galerías?

Trabajo en Social Media Marketing y esto requiere un actualización constante, el mundo 2.0 avanza a pasos agigantados y me exige estar al día tanto de herramientas como de nuevas plataformas. Aprovecho esta formación, e información, para mi blog además de la parte “off line”: me organizo para salir una vez a la semana a tomar fotos, asisto a eventos y aprovecho para desvirtualizar a artistas, y no, del arte urbano.

Hay artistas que prefieren no tener instagram. “Sin pasarte de la raya” está en numerosas redes sociales: facebook, twitter, instagram y pinterest. ¿Crees que para promocionar el arte y el trabajo de un artista es fundamental ayudarse de estas herramientas?

"La contribución de las redes sociales al STREET ART es fundamental para su difusión."

Yo creo que la contribución al street art de estas plataformas es fundamental para su difusión. Entiendo que algunos artistas prefieran no estar en ellas, pero su obra igualmente estará y llegará a muchas personas en cuestión de segundos.

Solo Instagram, por nombrar una red social, que ya tiene más de 200 millones de usuarios mundiales que suben una media de 26 fotos por segundo (datos de junio de 2014) está contribuyendo a consumir y difundir el arte de otra manera. ¿Conoces y/o has visitado MIAU FANZARA? Me parece un proyecto muy interesante.

He leído sobre el proyecto y me encantaría visitar el pueblo. La verdad me parece genial este tipo de iniciativas en donde se produce una perfecta comunión de intereses entre los artistas urbanos y la gente del pueblo.

Otro evento al que me gustaría asistir es el Festival ASALTO en Zaragoza. ¿Lo conoces de primera mano? Sin duda creo

www.sinpasartedelaraya.com Sin pasARTE de la raya

que están surgiendo numerosos proyectos muy interesantes de los que podemos disfrutar.

He estado en Zaragoza pero no durante un Asalto. Son casi 70 los murales que hay en la ciudad, uno mejor que el otro.

Este festival cumple 10 años y desde el 2005 han surgido otros festivales y proyectos relacionados con el arte urbano en España. Desde el punto de vista de los artistas estos eventos son un escaparate importante para dar a conocer su trabajo y les posibilita participar o apoyar causas que son de su interés. A la ciudad, la dotan de otro valor, la revitalizan y le aportan otro atractivo turístico. Y para los turistas es otra forma de conocer un destino y para los ciudadanos… habría que ver caso a caso que aporta.

Aquí en Madrid hay varios proyectos relacionados con el arte urbano, tanto privados como con ayuda de las instituciones, que no sólo dan una oportunidad al artista sino que aportan valor al barrio: Muros Tabacalera, Paisaje Tetuán, Paisaje Sur, entre otros.

Por último, ¿nos recomendarías un documental, un libro y una revista que traten sobre expresiones artísticas o creatividad en general?

Hace muy poco Burn sacó una webserie “Burn The Walls" sobre arte urbano con la participación de varios artistas de la escena madrileña. A través de 7 webisodios y un documental de 30 minutos relata una definición del arte urbano actual y las figuras que lo hacen posible, así como las problemáticas que se plantean y qué motivaciones llevan a estos artistas a compartir su visión del mundo en la vía pública.

No podría recomendar un libro o revista, hay muchas publicaciones sobre street art y graffiti, de artistas, de fotografía…

Creo que depende un poco del interés de cada uno. Lo que sí puedo recomendar son varias páginas webs constantemente actualizadas con trabajos de, prácticamente, todo el mundo.

Son las siguientes: ilgorgo.com www.streetartnews.net www.streetartutopia.com. ©

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OPINIÓN ✒ Mujer + Diseño

+ por Lara Abad

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acceder a un puesto activo en la vida laboral, y la falta de reconocimiento de su trabajo, han complicado su acción y su visibilización. No obstante, una serie de mujeres pioneras pusieron en su día los cimientos para que esta actividad fuera también una actividad sin prejuicios de género. Hoy aún no se han salvado los escollos, y la presencia de las mujeres, sobretodo en determinados sectores como el diseño industrial, es muy minoritaria.

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n el año 2007 se publicó & Fork, un libro que recoge el trabajo de cien diseñadores que, en los primeros años del siglo XXI, han destacado por sus aportaciones al diseño industrial. Si bien el número de diseñadoras mencionadas es sólo una cuarta parte del total de los profesionales reseñados, es cierto que este número empieza a ser significativo dentro de una disciplina que, como tantas otras, ha estado unida tradicionalmente a los hombres.

Es de suponer que, en el futuro, el número de mujeres diseñadoras se verá incrementado. Pues en las escuelas de diseño, y las universidades, se ve cómo sus aulas se llenan de mujeres, reducidos poco a poco los efectos de la discriminación por cuestión de género.

EL TECHO DE CRISTAL, LA MATERNIDAD Y EL ÉXITO

En el artículo "Beyond the Glass Ceiling: An Open Discussion", escrito por Astrid Stavro para Elephant #6, la diseñadora narra la siguiente anécdota. Hace unos cinco años, los diseñadores Milton Glaser, Chip Kidd y Dave Eggers participaban en una mesa redonda en la que se trataba el arte en el diseño de libros, con Michael Bierut como moderador. En el turno de preguntas, una persona del público abordó la siguiente cuestión: ¿Por qué hay tan pocas mujeres diseñadoras entre las rock’n’roll star del diseño?

La respuesta de Milton Glaser sobre las razones de que hubiera tan pocas diseñadoras en el line-up del diseño fue demoledora: «Las mujeres se quedan embarazadas, tienen hijos, se van a casa y cuidan de sus hijos. Y esos años esenciales que los hombres están construyendo sus carreras y se hacen más visibles, básicamente quedan anulados para las mujeres que optan por estar en casa». Y continuó: «A menos que suceda algo dramático en la experiencia del ser humano, esto nunca cambiará». Pese al planteamiento desalentador de Glaser, lo más demoledor no fueron las palabras sobre la maternidad, sino el hecho de que en esa mesa redonda, cuyo tema central era el diseño de portadas de libros, no hubiera una sola mujer entre los ponentes, más aún cuando este campo del diseño está sembrado de diseñadoras sobresalientes.

A raíz de este hecho, a Milton Glaser le llovieron una avalancha de críticas y, posteriormente, Michael Bierut escribió sobre este

asunto en el artículo "The Graphic Glass Ceiling" para Design Observer. En sus reflexiones, Bierut llegó a la conclusión de que si tuviera que seleccionar los tres mejores diseñadores de libros en el mundo, los tres nombres corresponderían a mujeres: Julia Hasting, Lorraine Wild e Irma Boom. Y por lo tanto, el problema no está en el talento, la habilidad o el logro. Está en la celebridad y el éxito. Y ahí, es donde los diseñadores tienen más protagonismo, porque ellos son quienes habitualmente viajan más y copan las conferencias, mientras que muchas mujeres dedican más parte de su tiempo al cuidado de los hijos.

UN BUEN DISEÑO NO ES CUESTIÓN DE GÉNERO

Si revisamos la gran mayoría de webs y blogs sobre el diseño nos encontramos con un escaso número de publicaciones donde la protagonista es mujer. Lo mismo ocurre cuando se pregunta por grandes referentes del diseño, la respuesta llega cargada de nombres de diseñadores hombres: Milton Glaser, Paul Rand, Saul Bass, Neville Brody, Massimo Vignelli, Sagmeister, etc.

Eso sí, existen proyectos con gran repercusión, como el blog Women of Graphic Design que comenzó originalmente como parte del proyecto de grado de Tori Hinn en Rhode Island. El cual es una herramienta hecha para los diseñadores de hoy en día. La cual nos enseña a empezar a pensar en una imagen más equilibrada de la historia del diseño. También en la rrss, encontramos a MADE

BY WOMEN. Graphic design memories. Un proyecto que actúa como puente entre el pasado y el futuro, actuando en el presente y mostrando artículos y trabajos sobre artistas femeninas.

En mi opinión, parece, que existiera un desinterés por el trabajo femenino. Es muy normal, pues la propia historia ha sido escrita por hombres, pero se han olvidado que también hubo mujeres.

Debemos cambiarlo. Debemos empezar en las escuelas y universidades. Aprender sobre la historia del diseño gráfico hecho por mujeres. Conocerlas y asombrarnos como estaban en la sombra cambiando la historia. Por ello, desde Creative Manifesto queremos hacernos eco en los próximos números de la labor de las mujeres en el diseño gráfico. ©

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M Como en tantas otras facetas de la creación, las dificultades a la hora de

MÁS ALLÁ # ¿Sabías qué...?

* Little Lucy intentando deshacerse de su gato: "Es tonto, señor policía."

# EL BOCHO

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l Bocho es uno de los artistas callejeros más conocidos de Berlín. En un principio se estableció desde España en Frankfurt, pero ha convertido Berlín en su hogar. Trabajó inicialmente como ilustrador y tipógrafo. Todavía se pueden encontrar sus trabajos "legales" en periódicos como "Frankfurter Allgemeine".

BERLÍN

Además de su gusto por el humor negro, El Bocho también es muy romántico. Otros de sus personajes son llamados "Citizens". El Bocho pinta retratos, generalmente de mujeres. Estas mujeres están enamoradas de su ciudad, Berlín. Estas piezas son generalmente los mayores recortes que hace. A veces son hasta de tres metros de alto y ancho. Otro hecho es que todas sus obras son dibujos, cada obra que hace es un original. El Bocho también utiliza diferentes tipos de papel para su trabajo, algunos extremadamente delgados y efímeros pero siempre de una calidad muy alta.

Sus primeros trabajos en las calles aumentaron en torno a 1997. Su nombre, El Bocho, es mexicano y significa "Pequeño mono". El Bocho comenzó en la calle, al igual que muchos artistas urbanos, como un escritor de graffiti. Hoy en día trabaja con paste-ups que son reconocidos por su escala y calidad. Sus principales temas son: Little Lucy es su personaje principal, y se inspira en una serie de televisión llamada: "Little Lucy - Miedo a las calles" de la antigua Checoslovaquia en los años 70. El Bocho encontró el personaje de Little Lucy muy aburrido, por lo que decidió hacerlo un poco más interesante. El Bocho le ha dado un nuevo pasatiempo: matar a su gato. Se puede encontrar a su gato en una lavadora, se puede encontrar al gato cocinándolo como un kebab o simplemente

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siendo calentado en el microondas. Little Lucy siempre está encontrando nuevas maneras de deshacerse de su gato.

Si quieres encontrarte con las intervenciones de El Bocho, no tienes más que callejear por Berlín o bien hacer uno de los tours de Street Art que ofrece la ciudad. Para más información, consultad webs de tours en Berlín. Recomendamos, entre otras:

"Citizens"

alternativeberlin.com www.newberlintours.com/es

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Número 2.

Septiembre 2015

Blood &ink

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