soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo

Invención de Alan Estrada (idea original y dirección) en conjunto con Carlos Martínez Vidaurri y Daniel Delgado (productores), Siete Veces Adiós es el musical mexicano ganador del Premio del Público en Los Metro 2022 y trece nominaciones que avalan la convocatoria de más de ochenta mil espectadores.

Un año más ha concluido y con él, los retos y desafíos que nos trajo fueron resueltos en mayor o menor medida y es tiempo de celebrar y de reflexionar todo lo que estos meses nos trajeron. Aunque la Industria de la Música y el Espectáculo todavía está en recuperación de la crisis sanitaria que cambió de una manera inesperada el quehacer de estos profesionales, seguimos en una fase en la que estamos logrando una cierta estabilidad, que deseamos continúe creciendo en 2023.

Para este mes, cubrimos una de las obras de teatro musical que ha alcanzado un gran éxito en la capital mexicana, que ha hecho que el público regrese felizmente a este tipo de espectáculos y que gracias a su trabajo de producción tuvo varias nominaciones a los Premios Metro, ganando el Premio del Público. Además, nuestras columnas invitadas y las secciones acostumbradas también complementan este contenido decembrino y los nuevos productos y tecnologías llenan estas páginas digitales, y en nuestros artículos podremos encontrar la experiencia de profesionales de la Industria, aplicada a interesantes proyectos en el estudio de grabación y en otra de las puestas en escena que en Madrid está llamando la atención por su temática, que pone frente al público una manera de ver el encuentro de las culturas originarias mexicanas y la cultura española. Justamente, uno de nuestros propósitos ha sido brindar contenidos variados, que dejen algo en nuestros lectores, y estamos orgullosos del trabajo que hemos hecho.

No quiero dejar de aprovechar este espacio para agradecer a todos y cada uno quienes colaboran constantemente para que sound:check surja cada mes. Sin duda, el trabajo es mucho más agradable cuando se hace lo que se quiere, en un ambiente amigable y con personas completamente profesionales y ese es mi caso. ¡Gracias a todos ellos!

Por favor, vivan plenamente estas fiestas, disfruten a más no poder con quienes aman y demuestren su amor. La vida es lo que pasa aquí y ahora.

¡Nos vemos en 2023!

DIRECTORIO

D i g i t a l M a r k e t i n g C h i e f Edith García

E d i t o r A u d i o v i s u a l José Luis Careaga

C o r r e s p o n s a l G u a d a l a j a r a Juan Carlos Flores

I n t e r n e t www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

T e l é f o n o (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 25, No. 292. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo. Orgulloso miembro

María Moctezuma , la esencia autóctona del sonido

Con un trabajo de composición y canto donde combina instrumentos prehispánicos y ritmos latinos, María Moctezuma ha dado identidad a su propuesta artística que goza de reconocimiento a nivel nacional e internacional. Luego de cuatro discos publicados, presenta “Xmajana”, que contó con la producción de Hernán Hecht.

Preproducción a distancia Con el anhelo de colaborar con Hernán, María lo buscó a través en septiembre de 2020 y de ahí arrancó un diálogo a la distancia para compartir las canciones y armar maquetas: “Ya tenía tiempo de haber compuesto las canciones y había llegado el momento de querer grabarlas, así que le escribí a Hernán, porque es un músico y productor que admiro y sigo desde hace tiempo, y a partir de ahí fue maravilloso cómo se fue dando la relación con la música”.

raíz

“La pandemia me ayudó a terminar los arreglos de las rolas y grabé las primeras ideas en mi tableta con Garage Band. Para las cosas que no podía sacar ahí, como la batería, la hice tocando yo, haciendo los patrones que me gustan en seis octavos

o tres cuartos y que es muy difícil que reconozca la tableta digitalmente; recurrí a lo orgánico para armar las maquetas y quien les dio el toque mágico y profesional fue Hernán; yo le mandé también solos de guitarra, voz y algunos coros. Traté lo más posible de rescatar lo que estaba en mi imaginación”.

“En la grabación, hay instrumentos como ocarinas de barro y algunos que usaron nuestros ancestros para las primeras músicas que imitaban al jaguar y a las aves”, menciona María. “Me empecé a dar cuenta de que ciertas ocarinas están en distintas tonalidades y no pueden acompañar cualquier canción. Con base en eso y la rítmica de las canciones, los instrumentos fueron elegidos. También pensé en la sonoridad que quería y cómo llevar ahí mi guitarra, que es mi instrumento principal”.

Durante este proceso, María estuvo acompañada de los músicos Roberto Soto (batería), Charles Fletcher (bajo) y Merle Hansen (percusiones), además de invitados especiales, como el rapero maya Pat Boy y la actriz y cantante de teatro regional yucateco, Olivia López, quienes abrazan la labor de difundir su lengua originaria en su quehacer artístico. “Tengo una relación musical y de amistad con todos y traíamos un ánimo bueno, muy motivados por saber que Hernán era el productor”, recordó María.

“Fui compartiendo la mezcla con María y ella me iba diciendo lo que quería mover o lo que le gustaba. En mi estudio llegué directo al audio que quiero, con las cosas casi pre mezcladas, porque fui creando con los condimentos que tengo a la mano y que conozco”. Hernán Hetch.

La industria de la música y el espectáculo

Hernán Hecht , María Moctezuma y Charles Fletcher

Curiosidad, comunicación y adaptación, la guía

Para Hernán, alejarse de lo conocido fue un manjar que desató sus inquietudes como productor: “María es un personaje distinto, con una energía diferente a la que estoy acostumbrado a trabajar. Me gustó mucho que tuviera lo que ella llama el sonido raizoso que me parece espectacular porque, al ser de otro país, todo lo que es nativo es un lugar de misterio y respeto que me interesa investigar y profundizar; que me obliga a estudiar para comprender más dónde estoy parado y con quién voy a trabajar”.

“Para la voz de María usamos un micrófono Avantone CV12, con un sonido muy particular que, al igual que todo el material que me traje después para trabajar, pasé por mis fierros viejos para que agarrara un carácter un poco más intenso”.

La mezcla fue hecha por Hernán: “Se la fui compartiendo a María y ella me iba diciendo lo que quería mover o lo que le gustaba. En mi estudio llegué directo al audio que quiero, con las cosas casi pre mezcladas, porque fui creando con los condimentos que tengo a la mano y que conozco. Siento que a María le fue llegando la información y la fue afectando no de manera negativa o positiva, sino transformándose a una cosa que se iba haciendo cada vez más grande. La masterización se la pasamos a Hans Mues”.

Aprendizajes y evolución Para María y Hernán, las lecciones de esta colaboración fueron trascendentes:

“Eso me divirtió mucho, porque me sacó de la posición de Hernán, el que sabe y decide, y me puso en la posición de un niño, donde existe la curiosidad como el camino que me lleva de la creación a la expresión y de ahí al arte. Poder recibir así las canciones de María, con una cosmogonía completamente distinta y trabajarlas despacio, fue un proceso genial de transitar. Básicamente fui organizando todo lo que ella me mandó y sobre eso le armaba una propuesta respecto a las formas, las letras y la melodía; fue un trabajo bastante íntimo que tengo en mi proceso de pre producción para tratar de adueñarme de las canciones, por decirlo de alguna manera, y luego llevarlo a un intercambio. Ya con la sustancia base bien desarrollada fue que volé a Mérida para grabar juntos en Pacífico Estudios, el espacio de un amigo de María”.

Hernán continúa: “La producción tiene que ver con muchos aspectos y cuando llegas a un lugar del que no conoces la acústica, el equipo, el ruido del entorno y hasta el clima, es cuando se debe entender que tu rol no es decidir qué hacer, sino ayudar a que las ideas de los demás se manifiesten en un nivel más profundo. Uno es un ente que está al servicio. Las cosas no son como uno quiere la mayoría del tiempo y la

“A mí me cambió la vida trabajar con Hernán, por la seriedad que le puso a mi trabajo, que es un ser sensible y muy amable. Tiene además una mente abierta y receptiva y a mí me impresionaba esa retroalimentación de las canciones, era como si respirara música”. No estuve sola, sino que él me iba jalando de cierta manera y al final siento que su presencia hizo que todos nos involucráramos fuertemente en el disco, tanto yo, como mis compañeros. Puedo decir que es un antes y un después en la producción en general”, concluye María, a quien recomendamos pase a escuchar haciendo play a su sencillo “Rojo el Ojo”.

Por su parte, Hernán concluye: “Me quedó una experiencia fresca, porque no estaba en esos días enfocado en algo por el estilo y fue genial estar en una situación en la que me topaba de frente con el folclor, sin ser irrespetuoso con lo que eso representa y al mismo tiempo recibir las influencias de lo que escucho claramente en María, que es rockerísima y guapachosa. Pude, a través de la música, conocer a alguien en un nivel más profundo que dejó la producción en un nivel secundario. Cuando pasa eso, que estamos creando juntos y que existe ese canal de posibilidad en la expresión, aprovecho que es la oportunidad de ofrecer algo honesto para compartir”.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Nuevos Productos ESTUDIO

Solid State Logic

Plug-in Native X-Echo

Pensado para añadir los retardos de cinta del rock clásico con sus ecos y sus slaps característicos, además de efectos más contemporáneos como los registrados en la EDM, el Native X-Echo permite elegir entre cuatro cabezales de cinta intercambiables que se pueden sincronizar con el valor de la nota, DAW o MS con un solo clic. Se añade también un nuevo procesador lo-fi de reverberación SSL. Audio Acústica y Electrónica. 55 5655 5505 www.solidstatelogic.com audioacustica.com.mx

iZotope

Plug-in Neutron 4

Asistido por inteligencia artificial, esta renovada versión del Neutro 4 cuenta con siete procesadores y varias utilidades separadas, como Visual Mixer, Tonal Balance Control 2 y Relay. Neutron analiza el audio en la pista en el que se le inserta y puede retomar información de la base de datos de referencia de aprendizaje automático para desarrollar sugerencias de configuración e ir aplicando a la mezcla, utilizando módulos como EQ, Compressor, Sculptor (conformación espectral), Exciter, Transient Shaper y más. www.izotope.com

Avid

Software de grabación/edición de audio Pro Tools Intro

Podría considerarse la versión base para iniciarse en Pro Tools grabando y reproduciendo hasta 192 Khz y teniendo a disposición herramientas básicas con 8 pistas de audio (estéreo/mono), 8 pistas de instrumento y 8 pistas MIDI. A esto se agregan 4 pistas auxiliares, 4 entradas y salidas simultáneas y 35 complementos Avid Xpand 2 con más de 2,500 sonidos para armar proyectos de producción musical o de audio a buen nivel. Es compatible con CoreAudio, ASIO y WASAPI y soporta plug-ins AAX de terceros. Vari Internacional. 55 9183 2700 www.varinter.mx www.avid.com

Allen & Heath

Firmware Avantis V1.2

La actualización V1.2 para la consola Avantis ofrece un motor RTA de próxima generación de 61 bandas que se puede mostrar detrás de la curva PEQ para ecualizaciones rápidas y precisas, además de vista de sonograma para identificar resonancias de la sala o desequilibrios en la mezcla. Destaca también las adiciones al paquete dPack con tres nuevos procesadores DEEP: Bus, Source Expander y Dual Threshold Expanderis. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.allen-heath.com

Adamson

Procesador de renderizado de audio Fletcher Machine

Desarrollada por músicos e ingenieros de sonido con un alto grado de conocimiento y preocupación por las necesidades en situaciones de la vida real en audio en vivo, este equipo se beneficia de un desarrollo en el que la espacialización del sonido se basa en diferencias de amplitud y retardo. Las señales que se envían a los altavoces se calculan desde el punto de vista de los objetos, lo que garantiza la mejor coherencia espacial para los oyentes. Ofrece un conjunto completo de integraciones OSC (Open Sound Control) y MIDI, por lo que puede controlarse externamente mediante una mesa de mezclas, un sistema de seguimiento en tiempo real o cualquier otra interfaz que utilice estos protocolos. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.adamsonsystems.com

Shure

Administrador de espectro digital Axient Digital AD600

El AD600 otorga funciones de monitorización y escaneo de espectro de banda ancha, en tiempo real, de 174 MHz a 2,0 GHz, además de análisis de espectro y coordinación de frecuencias, todo en una misma unidad de rack. Posee seis conexiones de antena con varias opciones de cobertura y su conectividad Dante permite un avanzado monitoreo del audio emitido en red. También tiene la capacidad de escuchar señales analógicas, Axient Digital estándar y HD, y cuenta con una nueva opción de alimentación de CC para producción remota, conexiones USB para almacenamiento externo de datos escaneados, registro de eventos y otros datos. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.shure.com

Robe

Luminaria robótica Painte

Con un tiro corto-medio, operación silenciosa y diseño compacto, Painte brinda un sistema de mezcla de colores CMY y 14,900 lúmenes de luz blanca. Su motor mantiene la calidad de la luz y su consistencia y su zoom motorizado cubre un rango de 8 a 48 grados; cuenta con un sistema de obturación de cuatro planos individuales, llamado Plano4, además de rotación de módulo de 120 grados y efecto de cortina completo. Showco. 55 5000 9480   www.showco.com.mx www.robe.cz

Numark

Controlador NS4FX

Equipada con 4 canales compatibles con Serato DJ Pro, Serato DJ Lite, además de programas como Virtual DJ, la NS4FX tiene 2 jog wheels de seis pulgadas con pantallas LED integradas que muestran el BPM, rango de tono, tiempo y posición de la pista. Es capaz de alternar el control rápidamente entre varias plataformas vía un botón, mezclando hasta 4 tracks en simultáneo. Su reproducción de audio es de 24 bits y en su sección de efectos interactivos cuenta con 6 de ellos, además del control total del hardware sobre la mezcla y la división de ritmos. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.numark.com

Chauvet DJ

Luminaria LED SlimPAR H6 ILS

Con tecnología LED 6 en 1 (RGBAW+UV) que permite generar un amplio espectro de colores y temperaturas, la SlimPAR H6 ILS es compatible con el Sistema de Iluminación Integrado (ILS) de la marca para el diseño de iluminación coordinado en diferentes tipos de equipos. La SlimPAR H6 ILS no parpadea y se le puede usar en la cámara; entre sus opciones de control están su compatibilidad D-Fi USB para control inalámbrico maestro/ esclavo, DMX y modos DMX, maestro/esclavo y activo por sonido, así como operación de apunte/disparo de colores estáticos y programas automatizados vía remota por IRC-6. Chauvet México. 728 690 2010 www.chauvetdj.com

Mesa Boogie

Amplificador de bajo Subway D-350

Ultra compacto y robusto, el Subway D-350 trabaja con bajos activos o pasivos, ecualizador Baxandall de 4 bandas con controles de alta y baja de frecuencia fija, así como bandas de Low Mid y High Mid; controles separados de ganancia y volumen maestro; además de un filtro de paso alto (HPF) que bloquea el headroom-robbing no deseado. Su interruptor Bright agrega brillo al tono y agudos, y su botón Variable Voicing ajusta la respuesta del amplificador desde una curva más plana a otra más clásica alterando niveles y la respuesta de frecuencia. www.mesaboogie.com

Electro-Voice

Altavoz Everse 8

Diseñado para músicos y DJ móviles, el EVERSE 8 es un gabinete portátil alimentado por batería que puede usarse en exteriores por su clasificación IP43. Brinda 200 watts de potencia con su woofer de 8 pulgadas y tweeter de titanio de 1 pulgada que va entre los 65 Hz y 18 kHz (-3 dB), con un SPL máximo de 121 dB. Tiene dos entradas combinadas XLR-un cuarto de pulgada y una entrada auxiliar de 3.5 milímetros. Su conexión Bluetooth permite transmitir audio desde cualquier dispositivo portátil y acceder a herramientas de sonido y efectos, a través de su aplicación en línea. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 www.gonher.com www.electrovoice.com

Radial

Caja directa Reamp Station DI & JCR

Con un diseño renovado, la Reamp Station incluye un interruptor de Clase A de ganancia unitaria y un circuito en la salida Thru que evita cualquier carga de pastillas pasivas cuando se conecta a un amplificador, conservando así el tono natural del instrumento. Posee una entrada TRS de un cuarto de pulgada y un miniconector de 3.5 milímetros para dispositivos móviles y tabletas. Con un indicador LED de 48 V informa si la unidad está recibiendo alimentación fantasma y también cuenta con control de nivel de reamplificación, interruptores de filtro y silencio. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.radialeng.com

La trampa de la inmediatez

Para las nuevas generaciones de profesionales, obtener resultados cada vez más inmediatos ya es algo cotidiano; esperar a que cargue una página web más de cinco segundos es un calvario y esa espera llena a algunas personas de ansiedad; todo se obtiene a la velocidad de un click y no es que eso sea malo en todos los escenarios; sin embargo, existen daños colaterales que quizá en un futuro y no muy lejano, la factura a pagar sea muy alta.

A cultivar la paciencia

En una charla que impartí sobre mezcla hace tiempo para alumnos de una academia de música, inicié con la reproducción de un tema musical de aproximadamente tres minutos y medio de duración, con lo que pretendía que escucharan a detalle todo lo que ocurría mientras avanzaba la canción, para después desmenuzarla e ir analizando los componentes, para de de esa manera comprender mejor cómo y por qué fue construida de esa forma. Sin embargo, jamás me imaginé el escenario con el

cual me encontraría: a escasos veinte segundos de reproducción, una persona levantó la mano y yo (sin querer darle la palabra para no interrumpir la canción y concentración del resto), me vi obligado a escucharle mientras el tema sonaba. Su pregunta fue la siguiente: “¿La tenemos que escuchar toda?”. ¡Era como si sufriera por tener que escuchar un tema tan largo de más de tres minutos! Algunos otros compañeros presentes, al paso de un minuto ya estaban en su celular consultando algo que les resultara más rápido y emocionante. Hubo un momento, al ver que algunas personas se mostraban impacientes, en el que me sentí contagiado y lo único que quería era que el tema terminara para poder abordar lo siguiente.

Esos tres minutos de mi vida me abrieron los ojos a una realidad. ¡Me costaba mucho creer que los futuros productores musicales eran incapaces de aguantar la atención de todo un tema musical! Obviamente hay excepciones, pero aun así no se le debe restar importancia. ¿Como estábamos educando a los

nuevos productores, si no están dispuestos a invertir la atención de tres minutos en un tema? Y eso es sólo para conocerlo, porque después de eso, al trabajar en una canción pasan días enteros para armarla y llevarla a un nivel de producción profesional adecuado. Así que decidí adentrarme un poco más en las formas de trabajo de las personas que “mas prisa tienen” y observé algunos factores que tienen en común, mismos que compartiré a manera de resumen.

3. Los presets no son su punto de partida, sino su sonido, o mejor dicho, el sonido de alguien más aplicado a su producción. Entiendo que existan ocasiones en las que alguien que jamás haya tenido la oportunidad de operar un compresor 1176 fisicamente y que al querer emular su sonido a través de un plug in, les resulte funcional hacerlo sólo a través de los presets, pues, ¿cómo emular algo que no se conoce? ¿Exactamente qué se quiere igualar? En otras ocasiones, los presets son usados mayormente para enmascarar las debilidades que como productor se pueda tener; hay quien busca plantillas de toda una mezcla entera, no sólo de un plug in, ya que no está dispuesto a explorar los controles de cada procesador para comprender mejor cómo interactúa con el todo en nuestro proyecto y a partir de nuestro oído y gusto definir la mejor manera de utilizarlo, porque esto tomaría demasiado tiempo y práctica, por lo tanto, los presets serán los que dicten el rumbo de nuestra sonoridad en la mezcla. Es común que muchos productores cuenten con los mismos plugins y de igual manera usan los mismos presets, ofertando producciones con sonidos similares y con falta de identidad sonora propia que hace que todos los instrumentos en todos esos estudios suenen igual.

1. Cada vez estudian menos música. Si bien existen muchos productores musicales que no son músicos y hacen su trabajo con excelencia, nadie puede negar que gran parte de la riqueza en una producción es parte de la musicalidad contenida en el lado creativo del productor. Actualmente, practicar pacientemente durante años para hacer sonar un instrumento no es algo que esté en las prioridades de muchos.

2. Los samples son sus mejores aliados. En efecto, los samples son una herramienta excelente en la producción musical; sin embargo, una cosa es utilizarlos para enriquecer el sonido de nuestra producción y otra, usarlos para ahorrar tiempo y esfuerzo, a pesar de que en ocasiones pudiera dar mejores resultados la ejecución completa del tema por parte de algún músico.

4. La exploración sonora de un instrumento es algo que también se va dejando de lado poco a poco. Tomarse el tiempo de reubicar un micrófono para obtener sonidos diferentes, combinarlos con otros micrófonos, explorar o realizar “trucos” para enriquecer la sonoridad de la producción es algo que cada vez más va quedando de lado, siendo la razón exactamente la misma: “Consume demasiado tiempo”.

5. Muchos no quieren hacer sus propios beats. Es mas cómodo y rápido descargarlos e incorporar sus rimas, sin importar que varios exploten el mismo beat, porque al final pueden tener un tema listo en un día de principio a fin.

6. Estudiar producciones de excelencia, productores y herramientas, y tratar de incorporarlas a las propias para cada vez tener un abanico de posibilidades sonoras más amplio. Es algo que también consume demasiada dedicación y por ende, tiempo.

7. Algunas personas están muy conscientes del tiempo de reproducción que las plataformas de streaming piden como mínimo para ser contabilizadas y generen regalías, por lo que los temas cada vez son más cortos, llegando a los dos minutos o dos minutos y medio, con la intención de que se reproduzcan más veces en un día y de esa manera generen más dinero; por ello, las estructuras musicales están más centradas en esqueletos predecibles que en obras de arte.

No caigamos en la trampa de la inmediatez; quizá la música sea quien al final nos salve de la vertiginosa vida en la que hoy nos encontramos.

Directa o indirectamente, todo esto afecta los resultados del océano de oferta musical con la que contamos actualmente. La misma inmediatez ha hecho que miles de canciones se produzcan al vapor y se publiquen diariamente y en principio no significa que esté mal, sino que el impacto en la calidad de algunos resultados mediocres sean debido a la falta de tiempo dedicado a la excelencia, que ha hecho que muchos de los temas que diariamente se publican carezcan de “alma” y sean frías, aunque musical y técnicamente algunas puedan ser perfectas.

En general, el arte es algo que toma tiempo desarrollar, incorporarse y apropiarse de manera que pueda alcanzar su máxima expresión con los medios que se tengan en ese momento. El recurso más importante del cual depende toda manifestación artística es, sin duda, el tiempo. Evidentemente, la creatividad y el talento son los pilares, pues sin ellos no será posible realizar ninguna manifestación artística, pero sin el tiempo que requiere, seguramente caeremos en un escenario confuso, donde cualquier creación puede denominarse como arte. No caigamos en la trampa de la inmediatez; quizá la música sea quien al final nos salve de la vertiginosa vida en la que hoy nos encontramos. No estoy en contra de los hornos de microondas, pero como se dice popularmente: “La mejor comida se cuece a fuego lento”.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música  regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com

Configuración de 2 entradas y 6 salidas.

Ideal para para funciones de ecualización, delay y crossover de altavoces multi vía.

Dos unidades LM-26 pueden apilarse y vincularse entre sí para funcionar como un solo procesador de 4×12.

Lo último en combinación de flexibilidad de señal de entrada y salida y operación a prueba de errores

La industria de la música y el espectáculo

Icaudio: pasión por la música y el audio

Apunto de cumplir treinta años como profesional del audio, Icautli Cortés combina su vida en el estudio de grabación atendiendo proyectos de diversa índole en Icaudio: la guarida creativa que ha establecido para atender servicios de grabación, mezcla y, recientemente, masterización.

Entender el sonido

Tres momentos definen la carrera en el audio para Icautli. El primero, en los albores de los años noventa, cuando se hizo de su porta estudio y tres micrófonos Unidyne, y con la información sobre cómo grabar, provista en revistas como Future Music y Guitar Player, empezó a entender -y atender- el mundo de la grabación recibiendo su primer pago por grabar las canciones de su amigo, Carlos Monteagudo. Luego adquirió su primer Pro Tools Project y ya estudiando en la Escuela Superior de Música la carrera de composición y tomando el taller de Electroacústica y MIDI, empezó su comprensión del fenómeno del audio y arrancó su adquisición de microfonía.

Icautli en sus inicios

El segundo momento fue el periodo para juntar, ampliar y procesar información respecto a los sonidos de los instrumentos musicales: descubrir por prueba y error, conociendo recintos y ofreciendo su servicio, cómo hacer para subir la calidad sónica de su trabajo y dar mejor calidad a los clientes. Una etapa para trabajar más en la fuente, escuchar música, entender lenguajes, dinámicas, instrumentaciones, arreglos, analizar partituras, tener a los mejores músicos y lugares para grabar; cómo funciona la música y sus atributos sónicos. A eso se añadió la mentoría de Guillermo Solís, ingeniero en electrónica especialista en estudios de grabación, quien le permitió entender el mundo de la electrónica dentro de los equipos e identificar fallas, dar mantenimiento y reparar.

El tercer momento ha sido madurar todo el esfuerzo de estudiar música y audio. Poner en servicio el cúmulo del trabajo en varios estudios y proyectos que le permitieron llegar al Centro Cultural Roberto Cantoral y poner a prueba la experiencia para grabar distintos estilos de música: son cubano, son veracruzano, clásica, ópera... a gente como Paquito D’ Rivera, la Orquesta Filarmónica de la Ópera de Munich, Javier Camarena, Playa Limbo, Natalia Lafourcade, El Tri, Ramón Vargas, Armando Manzanero, con un especial recuerdo... el momento para sopesar los frutos de la educación musical y mutar de sonido en sonido.

“Lo que tengo ahora está pensado para utilizar la menor cantidad de plug ins posible, sabiendo el sonido que quiero lograr de origen”.

Enfrentar nuevos momentos

Con la llegada de la pandemia, Icautli volvió a considerar hacerse de su espacio de grabación en casa. Apoyándose en Valentín Rivero para hacer un tratamiento acústico, hoy Ica puede atender los proyectos que se gesten en estudios como Fonobox o el Centro Cultural Roberto Cantoral, y saciar su anhelo de seguir atendiendo la producción en vivo, además de realizar mezcla y masterización en su propio espacio:

“Lo que tengo ahora está pensado para utilizar la menor cantidad de plug ins posible, sabiendo el sonido que quiero lograr de origen. Los plug ins que uso son para corregir ciertas cosas que no están bien, sin procesar demasiado dentro de la computadora; prácticamente tengo 18 equipos periféricos, mis tres pares de monitores (los que más me han gustado a través del tiempo) y que me permiten llevar y traer proyectos de mis otros lugares de trabajo”.

La industria de la música y el espectáculo 21

Desde el estudio

Esos periféricos que usa para mezclas son: un Bettermaker Mastering Compressor, un API 2500, un par de canales The Shelford Channel Rupert Neve, un compresor para master bus 5043 Shelford, un compresor Summit DSL200, un ecualizador EQ3 de NTI (su más grande amor), un Dual Compressor Limiter AMEK / Rupert Neve, dos dbx 165, un Pultec EQP Vintage, un bass de Vendini y un par de LA4 de Urei (compresor/limitador).

Para grabar, Icaudio cuenta con las interfaces de audio RED 8Pre y 3 RedNet MP8R de Focusrite como sistema principal y más de doscientos micrófonos con modelos de Beyerdynamic, Sennheiser, Neumann, DPA, Schoeps, Audix, Shure, AKG, los esenciales y algunos otros incluso duplicados por ocho para poder cubrir los requerimientos de las grabaciones en vivo que suelen irse a inputs con más de sesenta canales.

En monitores, el estudio cuenta con JBL 705, Quested V3110 (los que están también en el Centro Cultural Roberto Cantoral) y unos Adam Audio S2V de ribbon para escuchar el trabajo final o sus masterizaciones. A estos se suman sus Adam T5 para trabajos de streaming o fuera del estudio.

“Encontré en el audio en vivo un área de oportunidad, porque me di cuenta de que había muchas cosas que no se cuidaban -desde el cableado hasta que los stands no estén golpeados-. Mi anhelo es mejorar esa área, porque me gusta muchísimo y que se sienta como si se hubiera capturado en un estudio. Me tardé quince años para juntar una inversión que me permitiera tener mi propio equipo (interfaces, micrófonos, cables e incluso stands) y es un área que me ha funcionado muy bien en tiempos de pandemia a partir de las grabaciones que pude realizar junto a Emmanuel Ortiz, el arreglista personal del maestro Armando Manzanero, con dos discos que hicimos de junio a diciembre de 2020”.

“Debido a la crisis sanitaria, me empecé a involucrar en la masterización y me hice de compresores y ecualizadores para ello”.

“Para mí, la grabación en vivo se ha vuelto la última frontera: el que domina una grabación en vivo al nivel de estudio, que es mi objetivo, es un ingeniero que ya empieza a tener una madurez en muchas áreas del mundo de la producción y la grabación. Seguiré grabando en vivo, tengo mucho un equipo que está listo para eso y seguiré mezclando tanto como pueda”.

“Además de lo anterior, debido a la crisis sanitaria, me empecé a involucrar en la masterización y me hice de compresores y ecualizadores para ello, apelando a la honestidad y paciencia conmigo y de los clientes para entender que es un servicio en el que apenas estoy arrancando. También estoy evaluando, con la ayuda de los amigos de Paxsa, poder certificar mi estudio para Dolby Atmos, con la valoración para cumplir con las normas que pide el protocolo”.

Finalmente, en Icaudio vemos la evolución ideal de la experiencia de tener project studio y esforzarse en comprender los fenómenos del audio y la música para grabar, mezclar y masterizar con una alta calidad, teniendo a sus oídos como el mejor aliado.

“Desde este lugar he grabado una orquesta de cuerdas desde República Checa, con todo lo que implica. Jamás lo hubiera imaginado: ¡en tiempo real! Es impresionante la calidad que escuché. Nos conectamos y pudimos tener la misma referencia de audio y trabajar. También ha sido muy importante para mí tener una buena organización mental, con horarios y tiempos para trabajar. Aprendí también a tener una mejor vida que no choca con mi pasión profesional, por las virtudes que ahora da la tecnología para lo que hacemos”.

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¡Más allá de la adversidad, tu sonido es primero!

¿Cómo empezó esta aventura musical?

Mi gran amigo Jaime J. Rosas, rockero de nacimiento y guitarrista apasionado, me extendió una cordial invitación a su programa, transmitido por YouTube, “Rockerías Nocturnas”, para charlar sobre mi carrera y la música en general. Su esposa, Patricia Fonseca Villegas, tiene la gentileza de homenajear a los invitados guitarristas creando unos geniales muñecos hechos a mano de cada invitado al programa, lo cual no me esperaba y recibí con mucha emoción y agradecimiento. En una ocasión, publicaron una mágica foto en la que salimos los muñecos retratados juntos de Luis David Arreola “Zurdo”, Dann Senderovich, Eric Vera, Pefy Castillo, Arturo Mawcinitt y yo. De inmediato pensé que sería fantástico llevar esa foto a la realidad y contacté a los colegas sin siquiera conocerlos para proponerles lograr juntarnos en una colaboración musical compuesta por mí para promover el apoyo a personas con enfermedades

reumáticas y lesiones músculo-esqueléticas dentro de mi organización Más Allá de la Adversidad, AC (MAAAC), siendo yo una de ellas con artritis reumatoide desde 1995. Por fortuna, gracias a mi trayectoria en la industria musical, la causa que represento y a la gran calidad humana y profesional de todos y cada uno de ellos, aceptaron.

¿Qué implicó lograr la colaboración de seis guitarristas?

El proyecto se los propuse a finales de 2021, para concretarlo en marzo de 2022; sin embargo, mi enfermedad cobraría otro incalculable precio para mi salud de columna cervical, generando un daño irreversible, junto con un grave compromiso nervioso en la red del hemisferio derecho del cráneo, una verdadera pesadilla que lloré muchos meses. En el mes de junio, se agravó mi situación con cuatro cirugías mayores de cadera derecha por infección y casi se me va la

Deseo celebrar contigo, lector, y con mis colegas, la estabilidad que ya logré y el fortalecimiento de mi resiliencia, el crecimiento intelectual y emocional que sigo logrando.

ArtÍculo invitado

vida por un sangrado mayor en una de las intervenciones. Deseo celebrar contigo, lector, y con mis colegas, la estabilidad que ya logré y el fortalecimiento de mi resiliencia, el crecimiento intelectual y emocional que sigo logrando, los cuales dedico con todo mi corazón y agradecimiento a ustedes, para los pacientes y sus familias.

¿Cuándo se estrena el tema musical “Más Allá de la Adversidad, estás tú”?

Presentamos el estreno, en nuestras redes sociales, en la primera semana de diciembre de 2022, del tema representativo de la causa y la organización “Más Allá de la Adversidad, estás tú”, con la participación en el saxofón de la Maestra Ximena Constantino y en la ingeniería en audio, la secuencia y el bajo, el brillante Francisco “Pancho” Ruíz Gutiérrez. Es una canción original compuesta y producida por quien esto escribe, junto a los brillantes solos de guitarra de cada uno de estos grandes guitarristas a los que admiro, respeto y agradezco.

¿Quiénes son estos guitarristas?

Dann Senderovich

Guitarrista de sesión, música en vivo (rock), productor musical, integrante del proyecto de rock instrumental Spect. Vive la pasión de la guitarra en diferentes facetas y en grabación con grupos de rock y metal en el país, creador

de música incidental para cine y televisión. Con su banda lanzó su primer disco instrumental “Internal Drive” y viene su segundo material “Stigma”, del cual ya se lanzaron los “One Day Battle” y “Absence”. “Poder mirar el esfuerzo de las personas con enfermedades reumáticas ha sido un golpe fuerte, ya que aprendes mucho de ellos; es inspirador ver cómo le tienen que echar el doble o el triple de ganas que una persona sana y aun así salen adelante. Me motiva a seguir luchando y seguir creando, sin pretextos”, menciona. Es artista internacional de Knaggs Guitars, Mezzabarba Amps, Dunlop Delay Echoplex, Reunion Blues Gigs & Bags, así como de Gueerrero Straps y Ancestry Picks.

Eric Vera

Tiene 29 años y es compositor, multi-instrumentista y profesor de música e inglés. Toca guitarra, compone, graba y produce música. Tiene ocho álbumes de estudio en todas las tiendas digitales, cinco de material original y tres de covers, además de una colaboración musical con el actor hollywoodense Joseph Gordon-Levitt. “Es bueno hacer saber y crear conciencia sobre enfermedades de las que uno desconoce o ha escuchado hablar muy poco, para así ayudar a prevenir o saber qué hacer cuando se está en una situación similar”, comenta. Eric usa guitarras Ernie Ball Music Man y Sterling by Music Man, amplificadores Mesa Boogie Dual Rectifier y Triple Rectifier, pastillas DiMarzio, cuerdas Ernie Ball y plumillas Dunlop. Para grabar este tema usó Cubase y varios plug ins más.

Pefy Castillo

Es guitarrista de Cristal y Acero desde el 2005 y en su discografía están los álbumes: “80´s Rock show”, “El amor es para siempre”, “Cristal y Acero Sinfónico”,” Ópera Rock

Los Caballeros del Rey Arturo en busca del Santo Grial (próximamente)” y en enero de 2023 arrancará la grabación de su álbum número 17. “Ha Sido muy inspirador y motivador colaborar para una causa altruista; me deja una gran motivación escuchar las historias del maestro Mérlindon y de más personas; el valor y las ganas que tienen de afrontar la vida día a día”. En la grabación de la canción usó para una Ibanez RG560 equipada con DiMarzio super 3, Korg Ax3 y grabó en Sender Studio.

Luis David Arreola “Zurdo”

Cuenta con treinta años de experiencia. Ha participado en diversos programas de televisión y en festivales de jazz, acompañado a Timbiriche, Kenny y los Eléctricos, Carina Rico, Laura León, Benito Castro, Francisco Céspedes, José Joel y María Conchita Alonso, entre otros. Tiene tres producciones discográficas: “Cosmonology”, “Looking for God” y “Ethereal Circles” en Jazz-Rock Fusión Experimental, disponibles en plataformas digitales: “Antes que nada, quiero agradecer la invitación del Maestro Mérlindon a participar en el proyecto en apoyo para personas con enfermedades reumáticas. Se trata de una labor sensacional y de manera personal, me ha abierto la perspectiva y conciencia de las condiciones y poco apoyo a las personas que tienen este tipo de padecimientos. Definitivamente va más allá de todo lo que podría suponer. Me siento muy honrado de poner un granito de arena en el proyecto y vamos por más”, comenta. Grabó con una guitarra electroacústica Ibanez, cables Solcor, un pedal Prometheus de GTB electronics, todo conectado a una consola digital Behringer X32 directo a Pro Tools 10”.

Arturo Mawcinitt

Vocalista y guitarrista de la banda “Los que no fueron”, cuenta con dos primeros sencillos: “Camaleónica” y “Eclipse” en las plataformas digitales. Es músico y productor con experiencia de 25 años y trabaja como artista y administrador de redes

ArtÍculo invitado

sociales para la marca Seymour Duncan Español. Es artista de Paxche y Skull Strings. 45. “Se logró esta cooperación musical entre todos gracias al Maestro Mérlindon; es un placer y me siento muy agradecido por la invitación para esta colaboración con excelentes camaradas del medio guitarrístico. Este proyecto ha sido un proceso largo, pero muy satisfactorio y por supuesto, en apoyo a Mérlindon en su difícil proceso con la artritis reumatoide, enfermedad que implica un esfuerzo extra. Sin duda estamos con él apoyando la causa y estoy seguro de que esta colaboración nos entregará un tema del más alto nivel”, menciona. Artura usa una guitarra Pax Custom Mawcinitt, cargada con Seymour Duncan, Aloha & Omega, Custom Shop, cuerdas Skull Strings modelo Mawcinitt para el amplificador y efectos Fractal AX8.

Mérlindon Crosthwaytt

Para este tema, echó mano de una Guitarra Ibanez Universe 7 strings, grabada en el estudio de Francisco “Pancho” Ruiz, con Pro Tools 2020, Digital Performer 9 para secuenciar MIDI, Harrison Mixbus 6 para mezcla y Logic Pro X para programar de las extraordinarias bibliotecas de sonidos. Se usaron también los monitores activos Adam A3X con subwoofer Adam Sub 7 y monitores activos Yamaha MSP5.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

industria de la música y el espectáculo

“Más Allá de la Adversidad, estás tú” es una canción que cuenta con la participación en el saxofón de la Maestra Ximena

Constantino y los brillantes solos de guitarra de estos grandes guitarristas a los que admiro, respeto y agradezco, así como Pancho Ruíz Gutiérrez en la secuencia, el bajo y la ingeniería en audio.

¡Conozcan a estos estupendos guitarristas y su gran motivación por ayudar!

Digico Quantum225 festeja a The Manhattan Transfer

Condiciones retadoras

Si duda, éste es un momento único en las giras musicales. Una combinación de las exigencias de la crisis sanitaria (que aún no termina del todo) y la escasez han hecho que los tours tengan que estar listos para cambiar en cualquier momento. Este es el caso de las fechas que dieron inicio a la gira mundial de aniversario cincuenta y de despedida de los escenarios del grupo The Manhattan Transfer, fundado en 1969 y ganador del Grammy, que ha explorado géneros vocales en ritmos como swing, jazz brasileño, rythm and blues y pop en ese lapso de medio siglo.

Mientras el cuarteto se preparaba para las fechas iniciales de su tour en agosto y septiembre pasados, las circunstancias los obligaron a hacerlo con el mínimo de ensayo técnico, y ya que debían viajar con una banda de 24 integrantes (la DIVA Jazz Orchestra), se trató de todo un acto de equilibrio. Ahí fue donde justamente entró la consola Digico Quantum225, de las cuales un par fueron usadas en la gira, para audio en sala y monitores. En ambos casos, los equipos ofrecieron herramientas que ayudaron a poner este espectáculo completamente en marcha.

“Es un espectáculo bastante grande: una banda con doce trompetas, dos kits de batería y tres bajos”, comenta Andrew Lefkowits, el ingeniero en sala de la gira, quien se unió al ingeniero de monitores Chad Willis y Tyler Cerny, el técnico de sistemas de la compañía Slamhammer para el tour”.

Andrew le da crédito a la Quantum225 gracias a su flexibilidad ergonómica. “No tuvimos mucho tiempo para crear un espectáculo antes de salir de gira y la flexibilidad de diseño de la consola es simplemente asombrosa. Pude construir mis bancos de faders con los elementos correctos en cada uno y colocarlos donde pudiera acceder a ellos de forma rápida y segura. En esta ocasión necesito los cuatro atenuadores vocales bajo mis dedos en todo momento, porque cada cantante individual tendrá momentos en los que saltará y luego volverá a caer en las armonías, y tuve que construir tres layers separados, basados en la instrumentación. Tener esa capacidad fue enorme, especialmente porque, de manera literal, comencé a construir los layers en la primera prueba de sonido, tres horas antes de la apertura de las puertas”.

De izquierda a derecha: Chad Willis (monitores), Andrew Lefkowits (sala) y Tyler Cerny (técnico de sistemas)

aunque no tuve mucho tiempo para profundizar demasiado en él, sonaba genial tan pronto como lo encendí. En esta gira eso marcó una gran diferencia”.

Además, Andrew Lefkowits está utilizando la herramienta Spice Rack de la consola con la compresión multibanda Chilli 6 y el ecualizador dinámico Naga 6 en la salida L-R general al sistema de PA. “No se necesita mucho”, dice, “solo lo suficiente para obtener un poco de expansión en el extremo superior y administrar los medios bajos donde las voces comienzan a acumularse. También estoy usando el Naga 6 en el bus vocal, para controlar el rango medio bajo, alrededor de 200 a 220 Hz, para que cuando una de las voces salte no se adelgace demasiado, pero cuando todos canten juntos, todo esté bajo control. La potencia y la facilidad de uso de la Quantum225 son simplemente asombrosas, sobre todo debido a que tuvimos que construir gran parte de la gira con los tiempos muy limitados”.

El procesamiento llamado Mustard de la consola también contribuyó a que todo se acelerara rápidamente. “Estoy usando la compresión de Mustard en los bombos individuales y los bajos –dos acústicos y uno eléctrico-, y luego también la aplico al bus de batería en general”, explica Andrew. “Lo mejor del procesamiento es que,

En el mundo de los monitores, Chad Willis, quien al igual que Andrew Lefkowits ha estado con The Manhattan Transfer durante la mayor parte de una década, comparte que la función Virtual Soundcheck de la consola ha cambiado las reglas del juego. Él recuerda que la banda la escuchó en el escenario por primera vez y su fidelidad fue sorprendente. “Ahora no estoy seguro de cómo hemos vivido sin esta herramienta”, comenta entusiasmado. Esta función del equipo se volvió fundamental concierto tras concierto, lo que le permitió importar la grabación

La industria de la música y el espectáculo

multipista de un evento anterior simplemente en USB sobre MADI en la consola para ejecutar virtualmente el espectáculo en cada fecha de la gira.

El monitoreo del grupo es tan complejo como la configuración del escenario: los vocalistas tienen cuatro monitores de piso frontales y dos side fills, además de los sistemas in ear que también usan tres de los miembros. Las secciones de saxofón, trompeta y trombón tienen cada una sus propios monitores de piso, al igual que el bajo y el baterista, que también puede mezclarse a sí mismo en el escenario. “Son muchas mezclas, pero la Quantum225 lo hace fácil de manejar”, dice Chad. Una de las formas en que lo hace es gracias a la capacidad de tener prácticamente toda la superficie de trabajo de la consola disponible en una tableta.

Una consola digital compacta con lo necesario

La Digico Quantum 225 incluye 72 canales de entrada, 36 buses, un bus maestro LR/LCR y una matriz de procesamiento de 12 entradas/12 salidas. Su formato pequeño contiene una gran cantidad de entradas y salidas útiles, incluidas ocho entradas analógicas, ocho salidas analógicas y cuatro canales AES digital, junto con dos puertos MADI, compatibilidad con Optocore y UBMADI. También cuenta con dos ranuras DMI dedicadas para una expansión aún mayor y su procesamiento de señal de alto rendimiento, con el sistema Mustard de la marca y los efectos de inserción Spice Rack, son capaces de producir mezclas con calidad de estudio. De esta forma, tomar el control de la mezcla es lo más intuitivo posible, gracias a la pantalla multi táctil de 17 pulgadas y 25 faders motorizados de cien milímetros sensibles al tacto.

El responsable del monitores también está usando las funciones multibanda Chilli 6 y el ecualizador Naga 6 de Spice Rack en los sistemas personales para administrar el volumen a medida que avanza el espectáculo. “A mitad del espectáculo y hacia el final, a menudo estamos en niveles de volumen completamente diferentes y no les gusta que sus oídos suenen demasiado alto, por lo que la compresión me ayuda a manejar eso”, explica. “Solía viajar con un compresor de hardware clásico para eso y ahora es bueno poder obtener el mismo efecto de compresión fácil sin necesidad de ese equipo. Y a medida que se vuelven más fuertes, tocan ciertas frecuencias con más fuerza y el ecualizador dinámico me permite mantener el tono constante para ellos. Tanto para Andrew como para mí, tener la Quantum225 ha hecho una gran diferencia. Es una gran manera de celebrar un aniversario cincuenta con The Manhattan Transfer”.

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Siete Veces Adiós: gran experiencia teatral musical

Por Marisol Pacheco

Invención de Alan Estrada (idea original y dirección) en complicidad con Carlos Martínez Vidaurri y Daniel Delgado (productores), Siete Veces Adiós es el musical mexicano ganador del Premio del Público en Los Metro 2022 y trece nominaciones que avalan la convocatoria de más de ochenta mil espectadores que la han aplaudido en el Teatro Ramiro Jiménez, y los que la aguardan en su gira por 16 ciudades del interior de la República Mexicana a partir de enero 2023.

La industria de la música y el espectáculo 33

Una maquinaria perfecta El musical que nació por actividades de taller teatral durante la crisis sanitaria tuvo como hogar el teatro donde se da cada noche desde marzo de este año y tiene a la productora Playhouse y los creativos de Ola Ke Ase como forjadores de un sueño cumplido con base en metas alcanzadas, tal como relatan Daniel Delgado y Carlos Vidaurri, fundadores de Playhouse en 2014 y formados en producción teatral con créditos en OCESA Teatro con “Wicked”, “El Rey León” y “Mary Poppins”, entre otras:

“La primera fase del proyecto fue hacer un musical original que pareciera mucho más fácil, pero la verdad fue más complejo, porque era la primera vez que todo sucedía y por mucho que el equipo creativo lo creó y se lo imaginó, hasta no verlo puesto en escena, no se sabe si funciona, no solamente en la actuación o musicalmente, sino en función del audio, la iluminación, el vestuario, porque no es lo mismo llevarlo del papel a la realidad.

Esos han sido retos constantes y grandes que con mucha fortuna fuimos superando y amalgamando muy bien. Todo lo que se imaginó y hacer que funcionara, tanto el equipo creativo como la parte artística y la producción, fue puesto al nivel de lo que la historia está contando en el escenario, porque si la obra es espectacular, los actores lo están haciendo increíble y la música es buena, pero no se ve, no se escucha, se va un micrófono, se van tres lámparas y así, entonces no sirve de nada. Tiene que ser todo un conjunto, un engrane donde todo funcione perfectamente”, expone Carlos.

La elección del teatro, una fortuita coincidencia. “Durante la pandemia, incluso un poco antes, Pablo Jiménez (Q.E.P.D.) empezó a remodelar este teatro con miras a convertirlo en un referente en el sur de la Ciudad de México donde, realmente no había una sala de estas características, tamaño y equipo. Nosotros tuvimos la oportunidad de hacer aquí un concierto de Alan Estrada y Aitza Terán y fue una experiencia increíble: hicimos clic con Pablo y su familia de forma inmediata. No había una fecha de final de pandemia ni cómo saber cuándo regresaríamos al teatro, y si bien Siete Veces Adiós estaba ya en los planes, no teníamos una fecha para montarla y estrenarla”.

“Conforme las cosas fueron avanzando y se empezó a vislumbrar una fecha de reapertura, el teatro Ramiro Jiménez fue nuestra primera opción. Tocamos la puerta y fue mágico, porque su gente nos dijo que nos estaban esperando. Ha sido una experiencia increíble porque, con todas las renovaciones que ha tenido, fue reestrenar un teatro. Oportunidades de hacer eso en México son pocas o muy particulares. Nos abrieron las puertas para que, lo que se ve hoy en escena, lo armamos metidos aquí más de un mes y medio ensayando, montando, iluminando, sonorizando; es el resultado de muchos meses de trabajo. Usualmente, en

Daniel Delgado

Carlos Martínez Vidaurri

el teatro eso no pasa: cuando montas una obra, sea la que sea, si no eres el dueño del teatro, tienes cuando mucho dos semanas, porque la obra corre como tiene que correr un mes después aproximadamente. Acá la obra corrió desde el día uno y fue en gran medida porque estuvimos aquí un mes y medio trabajando”.

“Sumado a eso, Pablo nos enseñó que esa idea del ‘teatro frío’ -porque no se conoce-, es un mito. Cumplimos más de veinte semanas agotadas y para él, esa teoría no existía, porque si la obra es buena y la gente la quiere ir a ver, irá hasta donde se presente, sabiendo que se va a hacer dos horas de camino, sin importar si el teatro es nuevo, estuvo vacío o si la obra anterior fue un fracaso, y aquí está la prueba de que es posible”, detalla Carlos.

Técnicamente, cubrir el apartado de audio era fundamental: “Nos pusimos una meta muy clara en cuanto a la historia, la experiencia, el teatro, el audio, la iluminación y cómo lograrlo. Nos fijamos en qué estaba pasando y cuáles son los líderes del mercado. En ese sentido, por mucho, la tecnología y fidelidad que está manejando Shure para el teatro, es increíble. Siete Veces Adiós no es un musical con coreografías, pero eventualmente, el elenco que canta tiene que hacer movimientos, subir y cargar escenografía, entrar, salir, así que el equipo tiene que ser de mucha calidad y resistencia. Para nuestros protagonistas que no cantan, la claridad de lo que tienen que transmitir tiene que ser superior, porque varias veces están hablando encima de la música, así que, además de ser un gran trabajo de dicción de los artistas, tiene que haber una emisión limpia, clara y confiable. De hecho, manejamos doble micrófono para los artistas, porque nunca salen de escena”.

“Me parece que hace tiempo que Shure despegó y la tecnología que está ofreciendo va por encima. Para nosotros era muy claro y lo decíamos desde nuestras juntas de producción. Sabemos que si se va o suena mal un micrófono, todo el mundo se percata y lo comenta; es de lo que más se habla en las notas de prensa. El audio, y más por ser un musical y todavía más por ser un musical original, tenía que ser infalible, y esto lo logramos con Shure”.

Los fundadores de Playhouse mencionan lo que a ellos les concierne para que esta obra sea el éxito que es: “Lo que hacemos es que todo funcione como debe. Coordinar toda la parte creativa, de producción, técnica y el elenco; somos el centro donde llega toda la información, repartimos y delegamos para que funcione la obra. Buscar cómo atraer más público, publicidad, ventas y lo que tiene que ver con eso. ‘Siete Veces Adiós’ implicó el desafío de hacerse en la pandemia con toda la parte de protocolo y pruebas, que fue algo complicado, pero afortunadamente no hemos tenido que parar y eso es todo positivo”.

Un sonido preciso Una de los atributos más elogiados de este musical ha sido su diseño sonoro, que arropa la fidelidad y expresividad de lo que se habla y canta. Detrás de ello están los experimentados oídos y conocimientos de Gonzalo “Chacho” Peniche, quien se inició como

profesional del audio en el teatro y ha tenido participaciones destacadas en obras como “Cabaret”. Así detalla los desafíos y soluciones de audio que se implementaron en la obra con Nexo, Shure y Allen & Heath:

“El punto de partida fue entender las propiedades acústicas de este teatro, un recinto rectangular como el formato tradicional de una sala de cine, con muros paralelos dentados no tan profundos y un bajotecho de plafón muy liso y muy reflejante, que hacía como una especie de cono en la parte de atrás. Con la asesoría de Claudia Cárdenas, arquitecta en acústica, y mis inquietudes, nos pusimos a trabajar en medio de la crisis sanitaria y una de las cosas que vimos cuando empezamos a medir el tiempo de reverberación, fueron las diferentes caídas que tenía el teatro, que eran casi perfectas con un poco de paralelismo en algunas partes, pero incómodas en la parte posterior, y por ello metimos acondicionamiento para absorber en toda esa área y alrededor de donde iba a quedar nuestro sistema de audio: el Nexo GEO M10, que nos permitió hacer una cobertura totalmente homogénea del espacio”.

“No soy ingeniero en sistemas, pero con ayuda del programa SpectraFoo Complete hicimos las mediciones y pudimos visualizar en tiempo real lo que estábamos oyendo. Luego, con el software de configuración NS1 de Nexo, armé los diseños y con mi sonómetro medí las ponderaciones A, B y C para validar lo que nos indicaba el NS1 y el analizador. En realidad, los GEO M10 son plug & play y lo que corresponde es todo el tema de la predicción, porque el equipo te va a dar la respuesta que tú determines. En ese sentido, el criterio con el que se colocó había sido que fuera totalmente homogéneo de la fila de hasta atrás hasta casi la segunda o tercera fila de adelante”.

“Nosotros decidimos cambiar ese concepto para tener más punto de origen, porque cuando estás en la parte baja y tienes las bocinas tan altas, se pierde la verdadera imagen sonora y, en esta obsesión de la cobertura, sí la consigues, pero no tienes una buena imagen sonora para el espectador, así que nuestra

primera decisión fue bajar el equipo, buscar un punto medio entre la cobertura y con esta imagen que conseguimos con la proyección que armamos, logramos mantener naturalmente una pérdida de 3 dB al final del teatro y que las primeras filas tuvieran 3 dB más de presión, porque los subwoofers que en el plan original queríamos subir al escenario para que fuera una cosa más homogénea y no logramos hacer, tuvimos que ponerlos abajo; por ello buscamos compensar ese nivel de presión en las primeras filas hasta conseguir un equilibrio y sin poner ningún tipo de front fill”.

música

“El resultado fue maravilloso, porque tenemos un espacio que no es anecoico, pero tampoco reflejante; tiene un equilibrio y logramos un sonido de sala muy cohesionado. Otro factor fundamental ha sido el surround, que por modesto que sea, funciona perfectamente bien y genera los ambientes y los efectos que se necesitan. Ha sido una gran solución contar con este sistema, que tiene una cobertura tan controlada y una potencia precisa”, detalla Chacho.

Respecto a la consola, la sorpresa ha sido sumamente grata por el desempeño de la SQ de Allen & Heath. Chacho comenta: “No era la consola que originalmente pensamos y la verdad, en un primer momento no hubiera pensado que diera el rendimiento que le hemos podido sacar, pero nos ha dado la respuesta tecnológica a todo lo que hacemos, porque, además, no solamente fue la capacidad de tener todas las mezclas de monitores (diez) y la del surround desde ahí, sino que cada uno de los músicos opera desde su celular su propia mezcla, además de la tableta con la que nos apoyamos en el escenario y otra en posición de sala que nos sirve de complemento”.

“La SQ es una navaja suiza plus, con una calidad de audio y capacidad de procesamiento brutal, que permite entender qué importantes son estos procesadores con motor FPGA XCVI a 96 kHz que tiene la consola, que nos entrega una calidad de audio sobresaliente”.

En cuanto a la selección de microfonía, el camino fue con Shure para tener una amplificación hacia afuera y el monitoreo a punto para cada cantante. Chacho Peniche Explica: “Eso siempre es un reto, porque hay mucha exigencia respecto a que los micrófonos no se vean, pero al mismo tiempo, queríamos tener la presencia de un concierto. En esta obra en particular, que no es un musical tradicional, sino que se pretende que alcance un nivel de presión casi como un concierto en vivo, hay que cuidar el sonido sin perder la esencia del teatro”.

“El premio se lo llevó la diadema Twinplex TH53, que es la nueva propuesta y solución de Shure para sistemas teatrales. Con ella, tanto los cantantes como actores aprecian la comodidad y que factores como el sudor no tapen las cápsulas, además de que el cable tiene una gran solidez. Así, la diadema permite tener la cápsula prácticamente en la comisura de la boca y tener una presión que es casi equivalente a un micrófono de mano. La respuesta es extraordinaria y nos da mucha libertad para los cantantes. Los tres actores principales usan un sistema redundante, la diadema TH53 y el lavalier equivalente, el TL47 de la familia de Twinplex: van los dos pegados, con dos transmisores. Si uno falla, el switcheo es invisible y tenemos la misma respuesta con la pastilla”.

A esto se sumó el sistema inalámbrico Shure SLXD, que tiene como una de sus principales ventajas, la posibilidad de integrar el sistema de control Workbench para escanear y revisar cada función de las frecuencias disponibles: “Eso nos brinda mucha seguridad y solidez; el equipo transmite información, incluso como el estado de las baterías, lo que hace la vida muy agradable sobre el escenario”.

“Para la gira que se avecina, lo que hice fue recomendar un operador; así como en el teatro

está Miguel Rodríguez, en la gira estará Matías Gauchad, un alumno mío muy querido y bien formado, a quien le queda perfecto la obra por todo el trabajo que hicimos con las secuencias y las pistas. Todavía está en la indecisión de si se va a hacer en surround para los diferentes lugares que no estén diseñados para eso, pero trataremos de que sea lo más parecido posible y la experiencia sea tan satisfactoria como la del teatro Ramíro Jiménez”, afirma Chacho.

Las nominaciones en Los Metro de Siete Veces Adiós

Mejor actuación femenina principal en un musical. Fernanda Castillo

Mejor actuación masculina principal en un musical. Gustavo Egelhaaf

Mejor actuación masculina de reparte en un musical. César Enríquez

Mejor actuación femenina de reparto en un musical. Alba Messa

Mejor composición de música original para un musical mexicano. Jannette Chao, Vince Miranda, Alan Estrada

Mejor ensamble en una obra de teatro musical

Mejor director de una obra musical. Alan Estrada Mejor obra de teatro musical

Mejor escenografía para un musical. Jorge Ballina

Mejor diseño de Iluminación para un musical. Félix Arroyo

Mejor diseño sonoro para un musical. Gonzalo “Chacho” Peniche

Mejor diseño de vestuario para un musical. Luis Roberto Orozco

Mejor coreografía y/o movimiento para un musical. Diego Vega

Ganadora del Premio del público a la mejor experiencia teatral del año

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Finalmente, la estrategia de saber elegir un equipo confiable y amarrar presupuestos, fue y ha sido clave en el éxito de la compañía: “Hubo muchas circunstancias, incluido el triste fallecimiento de Pablo Jiménez, el dueño del teatro. Ha sido un proceso con desafíos, quizás el mayor ya con la obra corriendo, sea el cambio de esquema de frecuencias que nos obliga todos los días, a escanear para no tener ningún tipo de interferencia, pero todos los demás aspectos, los fuimos resolviendo de la manera más orgánica posible”.

Nexo, Allen & Heath y Shure, las marcas del éxito teatral musical

Sistema de audio Nexo GEO M10

Consola Allen & Heath SQ Micrófonos de diadema Shure Twinplex TH53, TL47 Sistemas de microfonía inalámbrica Shure SLXD

“Para mí ha sido muy gratificante ser parte de esta invitación que me hicieron Alan y Jannette Chao, ver la respuesta de los colegas y sobre todo, del público que viene cada noche y no hay mejor premio que éste para cualquier diseño de audio, que la gente lo mencione como una constante de lo que le gusta y es algo que nos deja una vibra que nos ha hecho sentir genial todos estos meses”.

“Siete Veces Adiós” tendrá su cierre de temporada en la capital mexicana este mes y luego se embarcará en un tour por 16 ciudades del país. Atienda el llamado de la consentida de los musicales y despida este 2022 yendo al teatro.

Malinche

El Musical, de Nacho Cano

Una compañía formada por más de setenta artistas y 150 profesionales, bajo la dirección de Nacho Cano (ex integrante de la reconocida banda Mecano), es la responsable de dar vida a “Malinche. El Musical”, que se presenta desde el 15 de septiembre pasado en el recinto ferial IFEMA de Madrid, España. Llevar de la imaginación a la realidad este ambicioso proyecto le tomó a Nacho más de una década, siendo el tiempo pandémico de 2020 el espacio inesperado para depurar desde elementos como el guión y hacer el diseño de producción que adaptó escénica y técnicamente la obra en una carpa de tipo circense.

La historia como experiencia Malinche fue concebida como una experiencia que incluye espacios para degustar bebidas y aperitivos, lounge VIP, área de venta de mercancía oficial y una zona de restauración llamada Templo Canalla, que circundan la carpa y da la

.bienvenida al visitante. De acuerdo con Hansel Cereza, quien ha colaborado ya con Nacho en otros proyectos, Malinche empezó a gestarse a nivel composición, guión, textos e investigación histórica hace doce años, siendo los tres últimos el punto para ponerle la escenografía y todo lo que él quería decir a través de un musical:

“La primera fase fue entendernos y ver exactamente qué podía aportar yo; luego aterrizamos lo técnico: la escenografía, luces, video y demás durante más o menos un año para que las coreografías y el texto teatralizado tuvieran un entorno adecuado para poder expresarlo bien. A partir

Nacho Cano

de ahí fuimos entendiendo qué técnica utilizar y hacia dónde llevar el proyecto, porque estamos en el siglo XXI y hay que dar una versión actualizada de lo que es una obra teatral o un musical”.

Hansel continúa: “En el confinamiento sanitario aprovechamos para profundizar en el guión, centrarnos en hacer un proyecto tan ambicioso y no correr prisas; si Nacho estuvo doce años lentamente juntando toda esa información y composición, ¿por qué íbamos a correr? Así que nos dedicamos a hacer un trabajo maravilloso al que dimos las vueltas necesarias para acabar donde estamos ahora”.

“A mi parecer, Nacho hizo un trabajo muy bueno con el proceso de investigación, de entrevistarse con una serie de personas y autoridades en Historia, con lo que se fue retroalimentando lo que quería hacer. En mi caso me tocó cubrir tres roles: guión, coreógrafo aéreo y acrobático. El espectáculo está fijo y hemos utilizado materiales para que nos diera una veracidad, como el agua, mientras que en la pirámide tenemos elementos metálicos y de resina para poder subirse sobre las estructuras. A nivel luz y sonido, el diseño es especial para el lugar donde estamos, porque no se puede hacer en cualquier teatro. Toda la infraestructura alrededor -gradas, escenario, carpa, el Templo Canalla-, está diseñada para quedarse en Madrid. Cuando vayamos a México u otro país haremos lo mismo y construiremos en función del espacio que consigamos”.

“Los ensayos coreográficos, ya con la compañía formada -bailarines, actores, actrices-, se fueron trabajando en Madrid, haciendo voces e interpretación. Conforme fuimos creciendo y evolucionando, se consiguió el salón de actos de una iglesia donde hicimos las coreografías y se instaló un set de vuelos, con motor, para ensayar la danza acrobática. Pudimos checar con los bailarines si se necesitaba realmente un acróbata en ese vuelo o un bailarín que interprete un personaje. Lo primero fue

saber quiénes en la compañía -bailarines y bailarinas- podían estar colgados a diferentes alturas y fue muy enriquecedor, porque había muchas personas que lo pudieron hacer. Después, ya en la carpa con todo montado, hice las últimas pruebas para definir quién era quién y así decidir. Ya que se hicieron los castings y se empezaron a incorporar a la compañía, pasó un año antes del estreno”, recuerda Hansel.

“Antes de la carpa, el diseño arquitectónico era una pirámide, pero por circunstancias de materiales y otras situaciones de lo que se vivía en ese momento, ya no pudo ser. Así que trasladé todo el concepto escenográfico a la carpa en dos meses. Nos tomó en un momento en el que no podíamos divagar, porque teníamos muy claro lo que se quería para llegar al estreno el 15 de septiembre. Ahora, el musical ya tiene todo el cuerpo que debe para que la gente lo disfrute y pueda vivir esa experiencia”.

Partir de cero

A partir del trabajo que ya había realizado Nacho Cano para el documental de “Malinche”, se retomaron ideas para el diseño de producción del musical, siendo pilares de la labor Susanna Jové y Juan Carlos Morillo.

La industria de la música y el espectáculo 43

“Hemos partido de cero, desde poner hormigón, hasta cubrir una solera con dos salidas que parecen una calle para poder nivelarlo, además de contar con instalaciones de agua, electricidad”. Sussana Jové.

Hansel Cereza

“Pasamos varias fases en este proyecto: fuimos de un espacio para llevarlo a un planteamiento dentro de lo que es una carpa, donde a su vez hay todo un mundo, porque lo que se ha buscado es brindar una experiencia desde el momento en el que el público entra, que primero pasa por una zona de restauración muy bonita, llamada el Templo Canalla, y de ahí se comunica directamente con el teatro. Parece mentira que todo eso esté ahí dentro. Está ubicada en el recinto ferial IFEMA de Madrid, donde hay pabellones para desfiles de moda, exposiciones de automóviles y demás”.

“IFEMA tiene algunas explanadas exteriores y Malinche se encuentra en una de ellas. Hemos partido de cero, desde poner hormigón, hasta cubrir una solera con dos salidas que parecen una calle para poder nivelarlo, además de contar con instalaciones de agua, electricidad...es la casa con los requerimientos para una compañía de 115 personas, todos tienen su sitio hecho a la medida. Por fuera luce como una carpa normal y al entrar, todo eso lo hemos puesto nosotros: el suelo, la decoración especial, el sistema de sustitución del techo que en un teatro sería un telar y acá no; todo está muy planchado con un nivel muy alto”, apunta Susanna, quien ha participado en diversos proyectos desde 1985, como la coordinación de sonido de las ceremonias olímpicas y paralímpicas en Barcelona 92 y la jefatura de la producción y el equipo creativo de la propuesta para el Concurso del Pabellón de Barcelona en la ciudad de Shanghái en 2009, entre otros muchos.

Técnicamente, Juan Carlos Morillo, quien ha colaborado como productor técnico y diseñador de iluminación en diversos eventos como entregas de premios como el Gaudí y festivales musicales como Sonar Noche y Sonar Día, detalla cómo debieron adaptarse las peticiones de rider y el montaje de equipo en la carpa:

“Entré un mes antes de cambiar todo el concepto a la carpa y tuvimos que adaptar toda la escenografía, las gradas y el escenario a ese espacio. La primera complicación fueron los pocos anclajes para sujetar una estructura, así que tuvimos que diseñar un pre-rigging para meter toda la iluminación, sonido, video, iluminación del público y a su vez, incorporar telas para que el sonido fuera mucho mejor, al igual que las pasarelas técnicas para los vuelos acrobáticos del espectáculo. La ocupación entre escenario y grada viene a ser aproximadamente

la mitad: de 35 por 26 metros, y la otra parte es grada. La carpa tiene cincuenta metros de profundidad por 38 de ancho, con lo cual el ajuste para encajar todo eso tuvo su complicación en todos los departamentos”.

Para el apartado lumínico, el diseño incluye fuentes Martin Era 800 y Quantum Wash, en combinación con varas de LED Elation Chorus Line, mientras que para iluminar al público se optó por Robe Forte y RoboSpot, todo operado con una consola GrandMA Lighting MA3.

En el audio, el punto de partida son tres arreglos lineales Meyer Sound, dos LR y uno central del sistema Leopard, con una línea de front fill a la que se sumó un sonido perimetral para hacer un surround con las cajas Ultra X20.

Con una trayectoria de más de treinta años en la producción escénica, Susanna pondera como aprendizaje el aporte al trabajo de directores y compañías innovadoras, que han abierto caminos y lenguajes:

“La primera fase fue entendernos y ver exactamente qué podía aportar yo; luego aterrizamos lo técnico: la escenografía, luces, video y demás”. Hansel Cerezo.

Susanna Jove

Malinche, renovar su

presencia

Malinche, renovar su presencia

Como parte del área de marketing global, siendo el puente entre España y México en cuanto a comunicación y actividades como talleres que se realizan durante las funciones de Malinche, Roxana Drexel lleva la bitácora diaria de lo que sucede en México en cuanto a la amplificación de estas labores. “Estuve en el estreno de la obra”, comenta, “y estoy desde octubre del año pasado trabajando con Nacho en este proyecto” Roxana trabajó con Nacho Cano hace 16 años, cuando trajo el proyecto “Hoy no me puedo levantar”, tanto a la capital mexicana, como a la gira que se realizó por ciudades como Monterrey, Guadalajara y Veracruz.

“Pasaron los años y cuando lanzó su documental de Malinche, Nacho me compartió la información y me comentó que quería venir a México a presentarlo, lo cual hicimos en el Museo Memoria y Tolerancia de Ciudad de México. Posteriormente, me invitó para ser el puente entre ambos países en cuanto a los talleres que tienen que ver dentro del mismo ecosistema de la obra en Madrid, para que el espectáculo vaya más allá y cumpla con una parte educativa. También doy charlas con el staff y platicamos sobre el vínculo con las culturas mexicanas antiguas”, menciona. Además, Roxana lleva la prensa en México y la difusión en diferentes medios de comunicación, del disco “Malinche Sinfónico”, mezclado en Dolby Atmos.

Como parte del área de marketing global, siendo el puente entre España y México en cuanto a comunicación y actividades como talleres que se realizan durante las funciones de Malinche, Roxana Drexel lleva la bitácora diaria de lo que sucede en México en cuanto a la amplificación de estas labores. “Estuve en el estreno de la obra”, comenta, “y estoy desde octubre del año pasado trabajando con Nacho en este proyecto” Roxana trabajó con Nacho Cano hace 16 años, cuando trajo el proyecto “Hoy no me puedo levantar”, tanto a la capital mexicana, como a la gira que se realizó por ciudades como Monterrey, Guadalajara y Veracruz. “Pasaron los años y cuando lanzó su documental de Malinche, Nacho me compartió la información y me comentó que quería venir a México a presentarlo, lo cual hicimos en el Museo Memoria y Tolerancia de Ciudad de México. Posteriormente, me invitó para ser el puente entre ambos países en cuanto a los talleres que tienen que ver dentro del mismo ecosistema de la obra en Madrid, para que el espectáculo vaya más allá y cumpla con una parte educativa. También doy charlas con el staff y platicamos sobre el vínculo con las culturas mexicanas antiguas”, menciona. Además, Roxana lleva la prensa en México y la difusión en diferentes medios de comunicación, del disco “Malinche Sinfónico”, mezclado en Dolby Atmos.

¿Cómo se escucha Malinche?

Microfonía inalámbrica

Receptores duales Sennheiser EM-3732-II

Transmisores Sennheiser SK-5212

Micrófonos DPA 6060

Micrófonos de mano Sennheiser con cápsula Neumann KK105

Shure Beta 58

Con una trayectoria de más de treinta años en la producción escénica, Susanna pondera como aprendizaje el aporte al trabajo de directores y compañías innovadoras, que han abierto caminos y lenguajes:

“Nuestro objetivo es darle la importancia a Malinche como una de las mujeres más importantes que ha tenido nuestro país, darle ese peso y recuperar una historia que nos han contado mal. Admiro mucho a Nacho, por hacer esta obra y con esta música tan increíble y ni hablar de la escenografía y la danza, que tienen un primer nivel”.

“Nuestro objetivo es darle la importancia a Malinche como una de las mujeres más importantes que ha tenido nuestro país, darle ese peso y recuperar una historia que nos han contado mal. Admiro mucho a Nacho, por hacer esta obra y con esta música tan increíble y ni hablar de la escenografía y la danza, que tienen un primer nivel”.

“El reto es trabajar con personas de este nivel, porque la producción en sí ya la conozco y no es que sea siempre igual ni mucho menos, porque cada una tiene su forma y lenguajes. Creo que es uno de los oficios donde se aprende cada día; hay que tener disciplina porque es muy duro y exigente que no se podría estar sin que aporte algo; Nacho Cano me ha dado una forma de ver diferente: estar cerca de quien va a todo por el proyecto porque cree en su intuición y en su forma de hacer las cosas”.

“El reto es trabajar con personas de este nivel, porque la producción en sí ya la conozco y no es que sea siempre igual ni mucho menos, porque cada una tiene su forma y lenguajes. Creo que es uno de los oficios donde se aprende cada día; hay que tener disciplina porque es muy duro y exigente que no se podría estar sin que aporte algo; Nacho Cano me ha dado una forma de ver diferente: estar cerca de quien va a todo por el proyecto porque cree en su intuición y en su forma de hacer las cosas”.

Malinche cautiva al público en Madrid, dando testimonio del alto nivel que logró alcanzar la compañía que lo produce y supo traducir con paciencia, experiencia y adaptación el imaginario de Nacho Cano.

“La obra está pensada para estar dos años en cartelera. Somos un equipo de veinte personas detrás de la comunicación y todo el tiempo estamos haciendo campañas y moviendo los hilos para que sea algo que el público visite”.

“La obra está pensada para estar dos años en cartelera. Somos un equipo de veinte personas detrás de la comunicación y todo el tiempo estamos haciendo campañas y moviendo los hilos para que sea algo que el público visite”.

Malinche cautiva al público en Madrid, dando testimonio del alto nivel que logró alcanzar la compañía que lo produce y supo traducir con paciencia, experiencia y adaptación el imaginario de Nacho Cano.

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

La industria de la música y el espectáculo 45

industria de la música y el espectáculo

Más de 450 Elation Proteus con The Weeknd

Las giras de conciertos regresaron a lo grande el verano pasado, después del complicado periodo que fue el confinamiento sanitario, y el ambicioso tour “After Hours til Dawn” de The Weeknd es quizá el mejor ejemplo. El diseñador de iluminación Jason Baeri está utilizando más de 450 cabezas móviles Proteus Hybrid y Proteus Excalibur de Elation Professional como sus equipos de batalla en la gira, que es un espectáculo elaborado y visualmente impactante que ha llenado los principales estadios de los Estados Unidos desde julio pasado.

La primera etapa de la gira comenzó en julio pasado en el Lincoln Financial Field de Filadelfia y concluyó el 27 de noviembre en el SoFi Stadium de Los Angeles. La gira también tiene previsto visitar Sudamérica, Europa, Asia, Oriente Medio y Australia.

Producción a gran escala “After Hours til Dawn” es un espectáculo monumental que refleja el estatus de The Weeknd como uno de los artistas más importantes del mundo y es su producción más ambiciosa hasta la fecha. El espectáculo conceptual, que surge de los últimos dos álbumes del cantante, “After Hours” y “Dawn FM”, presenta un gran escenario principal, una pasarela y un par de escenarios alternos. Una enorme pantalla LED de 55 metros de ancho y un montaje de más de mil cien luminarias complementan el set en el que se utilizan paisajes urbanos y una impresionante luna de nueve metros de diámetro.

La iluminación tuvo que abarcar gran parte de la producción, igualando la escala de la gran pantalla LED y los elementos del escenario, pero también trabajando en conjunto con ellos. “El diseño se basó en el concepto ampliado de escala”, afirma el diseñador de iluminación Jason Baeri, quien ha estado trabajando intermitentemente con el cantautor canadiense desde 2015. “La pantalla es una de las más grandes que haya estado en gira. El paisaje es masivo y se mantiene con una escala siempre presente. El impulso y la pista se extienden noventa metros a través del estadio. Todo en este espectáculo es una escala enorme, por lo que el diseño de iluminación tenía que ser igual de masivo para mantenerse con el resto de los elementos del show. Es un montaje de alta densidad diseñado en torno a la capacidad de presentar piezas gigantescas que llenen el estadio durante los noventa minutos del espectáculo”.

Proteus probadas

Debido a que la iluminación está expuesta a la intemperie, incluidas lluvias torrenciales, el responsable del diseño lumínico buscó luminarias probadas como equipos de batalla con protección para exterior IP65 y recurrió a una línea en la que había confiado en el pasado. “Elation posee prácticamente el mercado de iluminación para exterior en lo que respecta a cabezas móviles”, afirma. “La línea Proteus no es solo otro producto preexistente metido en una cubierta impermeable; es una línea bien pensada de luminarias diseñadas no solo para operar en condiciones climáticas adversas, sino también para funcionar a escala de estadio con confiabilidad noche tras noche”.

El diseño de Jason Baeri incorpora 267 unidades Proteus Hybrid y 191 Proteus Excalibur como los dos principales equipos de batalla del montaje. Ambas luminarias son poderosas herramientas de diseño con sistemas de mezcla de color CMY y un conjunto completos de efectos.

Proteus Hybrid

“La Proteus Hybrid es una de mis luminarias favoritas en el mercado en este momento”, comenta Jason”, y agrega que colocó los equipos en posiciones elevadas para cubrir el enorme escenario. “Siempre estoy buscando luces que hagan muy bien su función principal, en lugar de tratar de hacer cien cosas lo suficientemente bien. La Hybrid es una luminaria de estadio sencilla y extremadamente brillante. No es un equipo sutil de ninguna manera y lo digo en el buen sentido. Es súper fuerte, potente, con un rango de zoom impresionante y es lo suficientemente brillante como para seguir siendo visible como un efecto aéreo a cientos de pies de distancia, incluso en un color saturado”.

Proteus Excalibur

Los otros actores importantes en el espectáculo, Proteus Excalibur, delinean la pasarela y el escenario para lograr llamativos efectos de iluminación. “Este equipo se hizo para disparar al espacio y ser un beam que atraviesa el espacio”, dice el diseñador sobre esta cabeza móvil de 0.8 grados que genera 7,500 luxes a cien metros. “Nunca había visto un resultado como éste de una luminaria que no sea un equipo arquitectónico de gran formato. Ciertamente, no hay nada igual en el mercado. Rodeamos la pista y el borde del escenario con ellos y se proyectaron a enorme distancia en el aire; tanto, que recibimos mensajes de nuestros amigos a kilómetros de distancia del estadio con imágenes disparando al espacio. Es como tener un antiaéreo que se puede utilizar como una rápida luminaria de show”.

Jason Baeri dice que el brillo de Proteus Hybrid y Proteus Excalibur fueron elementos clave para el alcance del espectáculo. “Las distancias de proyección para este show fueron de al rededor de noventa metros en la mayoría de los casos y estas luminarias se mantuvieron. Son equipos repletos de funciones que mantienen su brillo incluso mientras usan sus efectos. La mayoría de las luminarias de este tipo tienen un

El crew lumínico

Diseñador de iluminación: Jason Baeri

Diseño de producción: Es Devlin

Director creativo: La Mar Taylor

Diseñador escenográfico: Jason Ardizzone-West, Es Devlin

Diseño de contenido: Polina Zakh, Sveta Yermolayeva

Production manager: Rob DeCeglio

Programador / Asistente de iluminación: Joe Bay

Proveedor de iluminación: Solotech

gran rendimiento, pero en el momento de agregar un efecto o un color, el haz luminoso se desvanece. En su mayoría, este espectáculo es en un espacio de color rojo y claramente se pueden ver los haces de luz a través del estadio en colores profundos y saturados”. El diseñador agrega que el equipo se ha mantenido excelentemente, sobreviviendo sin titubear a “inundaciones de proporciones bíblicas”.

La empresa internacional de instalación y producción audiovisual y de entretenimiento, Solotech, es el proveedor de iluminación y video para la gira estadounidense, cumpliendo con un rider de más de mil cien luminarias en un mercado afectado por problemas de suministro. “No podría estar más feliz con Solotech y el equipo que enviaron para esto”, menciona Jason Baeri. “Cuando analizas los números, cada miembro del crew era responsable de unas doscientos luminarias, que eran entregadas día tras día en un montaje gigantesco sin falta. Se merecen el mayor de los elogios y mi mayor agradecimiento.”

Acompañado magistralmente por un ensamble de músicos, y logrando una hipnótica calidad sónica a través del sistema DOLBY ATMOS, con esta producción titulada "Olas Altas", Daniel Torres, DANTOR, nos invita a asomarnos a universos insospechados de los que es imposible retornar intactos después de haberlos habitado.

Rosino Serrano

Sistema Genelec GLM: una opción extraordinaria

Con la presencia de profesionales del audio en el show room de la marca, ubicado en las instalaciones de Vari Internacional, el evento de presentación del sistema de calibración y monitoreo GLM contó con la participación de Miguel Domínguez, responsable de Genelec en Latinoamérica, para mostrar las prestaciones e innovación de esta herramienta sonora, que permite ir de distintas configuraciones con solo un clic. Isai Belderrain, Gerente de Audio Profesional en Vari Internacional, menciona al respecto:

“El sistema tiene tres herramientas en una. La primera es la medición, que nos permite justamente hacer los cálculos en tiempo real y ver cómo se comporta el sonido que estén emitiendo los monitores Genelec, ya sea en el cuarto donde los estamos usando, en el punto de escucha que se haya determinado y los puntos dentro de la misma área. La segunda herramienta es la calibración, que efectúa una compensación para que los monitores puedan emitir una respuesta lo más plana posible en el ambiente donde están sonando.

Y finalmente, la tercera es el control, que nos va a permitir manipular los monitores: encenderlos, apagarlos, silenciarlos y pasar de múltiples configuraciones como de un Atmos 7.1 a un 7.4 o de un 5.1 a un 5.4 estéreo, solamente con un clic”.

Miguel Domínguez

El GLM cuenta con su nueva versión de software, la 4.1.2, misma que se incluye en la compra de monitores como The One y los de la Serie SAM. Es importante saber que el sistema GLM sólo opera con los monitores que tienen la tecnología Smart Active de Genelec.

Algunas de las impresiones de los asistentes coinciden en su efectividad y facilidad de uso. “Es increíble. Yo trabajo con Genelec y una de las cosas que me convenció para elegirlos es la cantidad de tecnología y la facilidad para adaptarse a las necesidades realistas de 2022, donde no todos tenemos presupuesto para un espacio gigante o un acondicionamiento acústico ideal y el GLM trabaja increíble. Fue muy lindo escucharlo en el show room aquí en Vari Internacional, funciona súper bien y es muy seguro para venir a escuchar”. Juan Carlos Sotelo / investigador de estética sonora, productor y educador.

“Sin lugar a dudas, el sistema tiene esta ventaja y la versatilidad de poder calibrar inmediatamente el sistema y si lo pones con bocinas como las One, de presentación coaxial, suenan maravilloso: en coherencia de fase, el centro fantasma, todo sin duda alguna creo que permite que la fuente sea más puntual y esto para un sistema inmersivo es clave, para saber de dónde viene, cómo estás paneando y construyendo tu discurso sonoro, como en mi caso. Lo interesante es que se adapta a las diferentes bocinas de Genelec”. Luis García / productor musical independiente y restaurador de patrimonio sonoro en la Fonoteca Nacional.

“Para mí está en el tope de la tecnología por la facilidad que le permite a uno poder calibrar el sistema e incluso modificarlo con la inteligencia artificial. Me encantó la posibilidad de ahorro de tiempo y efectividad del sistema tanto en estéreo como en inmersivo, que todo está complementado en un solo software; la integración me parece maravillosa”. Darío Peñaloza, ingeniero freelance, de mezcla y profesor en Sala de Audio.

El sistema GLM ya está a la venta con un costo regular, con la posibilidad de obtener descuentos al adquirir bocinas de la serie SAM (Smart Active Monitor); los detalles precisos los pueden conocer contactando a los amigos de Vari Internacional.

La industria de la música y el espectáculo

Roland, un gran aliado musical

El desarrollo y obtención de nuevas habilidades para la comunidad musical en la Ciudad de México se realizó recientemente por parte de Roland en House of Vans, a través de actividades como talleres, clases maestras, charlas con expertos de la Industria, convivencias con usuarios, conciertos y más. Figuras como Alejandro Marcovich, Iñaki, de Fobia; Argentina Durán, pianista de la Orquesta Sinfónica Nacional; Sami Mendoza, Bernardo Pérez y Fernando González, de los Guadaloops y más, estuvieron presentes para compartir sus conocimientos. Eduardo Williams, Coordinador de Marketing de Roland México, menciona acerca de los objetivos del evento:

“Lo que buscamos fue acercarnos un poco más a los músicos del país y aportar a su profesionalización. Como una marca de instrumentos, en Roland tenemos herramientas que nos permiten ayudarles a desarrollar nuevas habilidades que les pueden servir para su actividad o impulsar sus proyectos musicales. Queremos ser un aliado para ellos y que vean en nosotros una forma de seguir creciendo como artistas”.

¿Qué actividades se desarrollaron? “Se trató de hacer algo muy integral y en lo que todos pudieran participar. El evento tuvo dos ejes: uno educativo y otro de recreación; en el primero, tuvimos las clases maestras, mientras que en la segunda parte, tuvimos algunas presentaciones musicales, como DJ sets. Tuvimos una presentación por parte de Síntoma, nuestro especialista desde hace muchos años, y

también estuvo Paulina Sotomayor, con su proyecto Pahua; también tuvimos al proyecto Ruido Beats y al colectivo Womxn en la parte musical, organización que busca impulsar a las mujeres en la música electrónica. También tuvimos un jam con el que cerramos el evento por parte de Samuel Mendoza, Bernardo Pérez y Fernando González, que son miembros del grupo Guadaloops”, menciona Eduardo.

Además, en Roland Day hubo un área donde la gente pudo acercarse a los especialistas de la marca, conocer los productos y probarlos. “En la parte educativa, los talleres y clases maestras estuvieron enfocados en obtener nuevas habilidades, como Creación de beats con samples, Producción musical sin computadora y Sampleo, secuencias y percusión híbrida, y en otras clases tuvimos a Iñaki, de Fobia y Moderatto, Alejandro Marcovich en Diseño sonoro para solos de guitarra, y Argentina Durán, Pianista de la Orquesta Sinfónica Nacional. También tuvimos charlas con gente de la Industria en la parte de negocios, como Adriana Roma, de Womxn, con el tema de Booking para DJ, así como Hamurabi Castro, Jorge Castorena y Raquel Guerrero de ONErpm, que dieron una charla sobre distribuidoras, agregadoras y disqueras musicales y otra sobre estrategias de lanzamiento musical que tuvieron mucho éxito, ya que es un tema que a la gente le apasiona. También estuvo Raúl Torres, de la banda Molinette Cinema, que nos compartió cómo iniciar una carrera como productor musical”, comenta el Coordinador de Marketing de Roland México.

“La reacción del público en el evento fue muy buena”, señala Eduardo; “creo que hubo mucho provecho para la gente que asistió; estuvieron contentos de poder tener este acercamiento a la marca y los artistas. Hubo muy buenos resultados con las clases maestras, porque el público estaba muy feliz de poder ver a sus ídolos y que les compartieran sus puntos de vista, aprender de ellos. De asistencia también nos fue muy bien; creo que logramos la asistencia que esperábamos. En redes sociales tuvimos buenos comentarios: la gente compartió el evento y su experiencia,

subieron muchas fotos y quedamos muy contentos con esta respuesta. Ya estamos pensando en qué más haremos próximamente”.

Para concluir, Eduardo Williams menciona que este evento fue uno de los más importantes que tuvieron para 2022, año en el que también se cumplió el aniversario cincuenta de Roland. “Este evento también fue un poco para festejar y ahora creo que es el momento de reorganizarnos para el año que viene; definitivamente, nos encantaría tener más actividades como ésta y no solamente en la Ciudad de México, sino buscar tener este acercamiento con gente de otros estados”.

Un festejo, un acercamiento, todo un día para Roland. Los músicos celebraron a gusto.

La industria de la música y el espectáculo 53

Soichi Hibi, Director General de Roland México

Una noche con Neumann

En un evento para conocer los nuevos lanzamientos de la firma alemana, profesionales del audio y amigos fueron invitados a Neumann Night, en donde fue posible disfrutar del sonido como debe ser: mágico e hipnotizante. La sede: Lucerna Records, el demo room de la marca.

Julio Bracho, Director of Sales and Marketing Latin America en Sennheiser, explica el recorrido por las cuatro salas que incluyó el evento: “Para nosotros, este año ha sido uno de los más importantes, en el que se presentaron tantos productos. Neumann pertenece a Sennheiser y estamos sumamente contentos y orgullosos de aumentar nuestra línea de monitores. La marca es reconocida en la industria de los estudios de grabación como el líder en microfonía, pero también, con su línea de monitores, ha ganado más reconocimiento y eso es increíble. Estamos añadiendo a esta familia el monitor KH 150, para llenar el espacio entre el KH 80, nuestro monitor más pequeño y enfocado a home

studios, el KH 120 y el KH 310, de tres vías. El KH 150 suena espectacular y una de las características que tiene para el mundo broadcast, es que cuenta con una entrada digital para tener conectividad vía cable de red”.

“Por otro lado, otra gama de productos que estamos presentando es la de audífonos, a la que se suma el NDH 30, de formato abierto. Ya teníamos el audífono cerrado NDH 20, que fue muy exitoso, y el nuevo lanzamiento está dirigido a ingenieros de audio y audiófilos que gustan más de los audífonos abiertos para el monitoreo”, menciona Julio. Además, “presentamos un producto que definitivamente necesitábamos en la línea, porque es el complemento perfecto a la parte inalámbrica de Sennheiser. Es el micrófono miniatura MCM para instrumento, que es un parteaguas para el audio en vivo, ya que llevamos la calidad y nitidez de Neumann al sonido de escenario”. Esos son nuestros tres grandes lanzamientos en esta ocasión, en nuestro demo room con la gente de Lucerna Records.

Con sus monitores, Neumann tiene casos de éxito por toda Latinoamérica, como Julio menciona: “Chalo González en Chile, amigo de la marca, fue de los primeros en tener un estudio montado con monitores de la marca, para realizar masterización y mezcla para broadcast. Y cada vez más, ingenieros de renombre se han sumado; por ejemplo, Andrés Mayo, de Argentina, quien cuenta con su estudio Dolby Atmos. En México, Alan Saucedo de Estudios Sony, está montando su estudio Dolby Atmos y eligieron Neumann”.

“Con Lucerna Records trabajamos porque requeríamos un estudio de esas características, que fuera un espacio que nos abriera las puertas cuando nosotros necesitamos recibir invitados y hacer este tipo de eventos. El estudio cuenta con cuatro salas y en la principal, pudieron escucharse los tres modelos de monitores, mientras que en otra sala pudieron escucharse los audífonos. En la sala de producción, se escucharon los monitores más pequeños, para mostrar su funcionamiento en lo que puede ser un home studio”.

“Por último, en la sala de mezcla, mostramos cómo se realiza la corrección sonora, ya que justamente cuando no se tiene un espacio que está perfectamente tratado en acústica, se necesita hacer una corrección del mismo. Es por medio de nuestro micrófono MA 1 que es posible hacerla de una manera sumamente sencilla y entonces, en este espacio, se tuvo una configuración estéreo 2.1, con monitores KH 120 y un subwoofer KH 750”, comenta Julio.

Diego Aguirre Cruzaley es el fundador de Lucerna Records, el cual se abrió hace diez años con sus mejores amigos y ahora socios. Se han involucrado con artistas, managers y marcas y uno de los ingenieros que han colaborado ahí se han ganado un Grammy gracias a su trabajo con Zoé. “El proyecto no ha tenido inversiones grandes y lo hemos crecido entre amigos. Afortunadamente, muchos artistas nos prefieren”, menciona.

“Hacemos composición, producción, grabación, que es nuestro fuerte, y mezcla. Hay quienes nos buscan desde el principio de una canción para completarla, la acabamos y quedamos muy felices, y también hay artistas que están muy avanzados y nos buscan para grabar ciertos instrumentos. Nos han buscado artistas como Jesús Navarro, de Reik, y también nos han visitado artistas como Ilse Hendrix, la banda Rubytates, Reyno y División Minúscula”.

Ésta ha sido la experiencia de Diego y Lucerna Records con Neumann: “Sabemos que es una marca legendaria, así que siempre hemos trabajado con ella. Cuando llegamos al estudio teníamos un par de micrófonos TLM 103 y a partir de ahí, empezamos a pedir más equipos de la marca. Cuando empezamos a trabajar con sus monitores crecimos más como productores e ingenieros y los tenemos en tres de nuestras salas: tanto en la de composición y producción, como en la de grabación y en la de mezcla en otra habitación, la cual ya está calibrada también para masterizar”.

Con valiosos equipos que estuvieron a la mano para conocerlos completamente, Neumann y Lucerna records conforman un dueto poderoso y de beneficio mutuo gracias a estos eventos, que permiten a los profesionales del audio crecer y superarse continuamente. ¡Gracias a quienes hicieron posible Neumann Night!

La industria de la música y el espectáculo

Héctor Crisantes , la fortuna de encontrar tu pasión

Héctor Crisantes es un talentoso multi instrumentista, cantante, compositor, ingeniero de grabación y mezcla y productor. Nacido en Tucson, Arizona, comenzó su carrera musical tocando en espectáculos de rock con la banda de su infancia, yendo de gira por México y el sur de los Estados Unidos. En 2006 lanzó su álbum debut independiente, mezclado por el legendario ingeniero y productor Benny Faccone, lo que generó una profunda conexión musical entre ellos. Poco después, ambos comenzaron a colaborar juntos en innumerables grabaciones.

Hoy, Héctor Crisantes crea canciones para algunos de los artistas más populares de la actualidad, y graba y produce una gran cantidad de proyectos, siendo uno de los talentos más demandados de Los Angeles.

Culturas complementarias

“Soy hijo de padre griego y madre mexicana, nacido en Tucson, Arizona, pero realmente me crié en Nogales, en la frontera entre Sonora y los Estados Unidos”, comienza Héctor. “Mi papá tenía un estudio de grabación y con esa influencia pasé los primeros siete años de mi vida, aprendiendo todo de este medio, grabando en cinta con mi hermano Miguel y siguiendo el ejemplo de lo que mi papá hacía. Nos integramos con un grupo de amigos y jugando empezamos a tocar. Yo tuve la ventaja de que había muchos músicos entrando y saliendo del estudio, como Abraham Laboriel o Alex Acuña. Yo no sabía qué impacto habían tenido en la música estas personas, pero claramente, gracias a estos periodos largos que pasé en el estudio me tocó conocerlos y tener incentivos para seguir mejorando”.

“Con mi banda hicimos muchos esfuerzos para acercarnos con las disqueras y alguna vez llegó un director de A&R a visitarnos para invitarnos a Ciudad

de México y buscar una posibilidad para hacer un disco. Esta fue la primera vez que estuve en los estudios de una disquera y fue imponente, pero algo pasó en ese momento y nos dimos cuenta de que no estábamos sonando como queríamos. Poco a poco fuimos tomando las riendas de nuestro propio sonido y lo más importante sucedió años después, cuando después de mucho intentar grabar un disco como artista con mi banda, siempre del lado de mi hermano Miguel, en 2004 me aventuré a hacer un disco independiente como solista, así que llamé a un amigo que alguna vez se involucró en las producciones con esas bandas. Era Carlos Murguía, quien me invitó a ir a Los Angeles a trabajar mis canciones y llegando ahí, en los

estudios donde él había trabajado, fue genial, porque ahí habían grabado los músicos con los que yo soñaba y que habían trabajado con figuras como Sting, Madonna y Luis Miguel”, recuerda.

“Cuando empecé a escuchar mi música interpretada con una habilidad técnica superior, Carlos invitó durante el proceso final de la producción de mi disco a Benny Faccone, a quien yo respeto muchísimo, y Carlos me propuso trabajar con él. Nos metimos al estudio y pienso que fue tanta mi insistencia, que yo creo que él se compadeció de mí y me invitó a una producción (risas). Esa fue una oportunidad que hasta hoy sigo teniendo; Benny sigue siendo mi mentor principal, yo fui su asistente para las grabaciones de Draco Rosa en Los Angeles y después trabajé con bandas como La Gusana Ciega. A raíz de ese aprendizaje, otros artistas descubrieron mis canciones y empezamos a hacer conexión con otros músicos. Ahí me di cuenta de que verdaderamente mi pasión es la composición y la producción; haciendo un disco es cuando verdaderamente me siento en casa”.

Gracias a su trabajo y un tiempo después, llegó la oportunidad de llevar el timón de una producción. “Esto pasó con Kurt, quien me dio la oportunidad de cumplir esas aspiraciones. Hicimos algunos demos y él se llevó esa música a todos lados, hasta que lo firmaron en Universal. Unos años después fue cuando empecé a tomar un poco más el rol de coproductor”.

Héctor viene del mundo análogo de la grabación y vivió el cambio hacia el mundo digital. ¿Cómo vivió esta etapa? “Creo que en mi caso la tecnología siempre la utilizo donde me pueda dar una ventaja y donde favorezca a la canción. Yo no estoy peleado con la tecnología digital ni con la tecnología análoga y creo que el proyecto lo delimita. Mi tendencia como productor está muy arraigada a la música y la instrumentación orgánica, pero en mi caso, combinar la calidez que dan los bulbos con lo que se puede hacer en la mezcla con la tecnología digital es importante.

La industria de la música y el espectáculo

“Mi papá nos enseñó a grabar y a mezclar como los padres enseñan deporte a sus hijos. Así aprendimos a trabajar en el estudio”.

Creo que ahora, poder tener simuladores de máquinas de cinta es accesible y podemos tener lo que queramos”.

Talento diversificado

La relación de trabajo como ingeniero de mezcla con los artistas depende en cada caso, explica Héctor: “Hay algunos que se involucran mucho con estos procesos y hay otros que dejan al ingeniero hacer su trabajo. Por otro lado, como productor, el compromiso con el artista es interesante. Yo trato de definir un estilo de trabajo al artista y él debe defenderlo y tener una expectativa clara de lo que quiere lograr”.

Recientemente, Héctor participó de nuevo con Kurt en la producción de algunas canciones de su nuevo álbum, que fueron grabadas en el estudio El Desierto: “A él le gusta probar muchos productores y eso me parece excelente. Creo que actualmente nuestro trabajo es muy colaborativo, porque la tecnología nos permite eso, para identificar la voz de cada productor con el que trabajan los artistas, que necesitan ser más dinámicos y como productores e ingenieros tenemos que colaborar más para hacernos mejores y sensibilizarnos al trabajo de los demás, buscando lo mejor para la música”.

“En este cuarto disco de Kurt, estoy produciendo cuatro canciones, de las cuales tres son en coautoría con él, además de tocar la guitarra en otra canción. Lo conozco desde hace mucho tiempo y nos gusta tener curiosidad y hacemos mucho énfasis en los sonidos que nos han formado desde siempre, sin reglas ni límites. Tenemos mucha influencia country en nuestro sonido y nos dimos todo el campo de juego. Usamos micrófonos de cinta y hemos jugado mucho con las pequeñas, pero importantes diferencias, para darle al disco sus matices”.

hace unos años, antes de la pandemia, me empecé a acomodar un poco más en el ambiente de composición y los artistas se sentían un poco más cómodo viniendo a casa, así que monté un espacio ahí y se ha convertido en un lugar creativo con muy buena energía. Claro que nos gusta ir a los estudios grandes, pero hay algo muy bueno en trabajar en un espacio como en casa, donde los tiempos no son necesariamente un factor condicionante, entonces, en los últimos años, mis producciones nacen en casa y se complementan en otros estudios”, comenta.

Entre los equipos más importantes para Héctor en su home studio están el micrófono Neumann U47, el preamplificador Neve 1073 y un compresor dbx 160. “Esto forma mi cadena de voz; también tengo guitarras que me regaló mi papá, que son mis herramientas musicales principales, y uso unos monitores Tannoy SRM10V. Ahora que estoy trabajando como ingeniero en el nuevo disco de Camila, he podido escuchar unos monitores ATC y en El Desierto las hemos utilizado también. Pienso que antes de tener unos monitores mejores que otros, creo que se trata de lo que mejor aplica a tu espacio sónico y lo que es correcto para las dimensiones del cuarto en cuestión”.

Finalmente, la sugerencia para quienes quieran empezar una carrera en producción o ingeniería va en este sentido para Héctor: “Creo que lo más importante es estar en el estudio de grabación; las técnicas se pueden aprender y la tecnología nos está haciendo la curva de aprendizaje un poco más pequeña, pero el estudio, la buena interacción humana y que el músico se sienta cómodo es lo más importante para que al final del día, entregues algo de lo que estés muy orgulloso”.

con “Como productor, mi trabajo es darle opciones al artista”.

En Los Angeles, Héctor ha montado su home studio para invitar a los artistas y hacer trabajos de composición: “Desde

Héctor con Kurt en los estudios El Desierto

Joshua Granados (asistente de grabación), Kurt (artista), Héctor Crisantes (productor) y JC Vertti (ingeniero de grabación).

35 ADJ

t. 728 282 7070 ventas@adj.com www. ADJ.com

45 ANTENA STUDIO t. 33 1316 7238 Antena Studio contacto@antenastudio.com www.antenastudio.com

09 AUDIX

Vari Internacional t. 55 9183 2700 ventaspa@varinter.com.mx

07

AUDIOMUNDO

t. 55 5521 4579, 55 5512 0342 www.audiomundo.com.mx

13 CASIO

Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas1@gonher.com www.gonherpro.mx

47 CCM

Centro de Creadores Musicales www.centrocreadoresmusicales.com

41 CHAUVET t. 728 690 2010 Chauvet México www.chauvetdj.com

49 DANTOR @saladeaudiorecords @dantor_music

13

DIMARZIO

Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas1@gonher.com www.gonherpro.mx

2F L ACOUSTICS

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