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Contenido

No. 283, marzo 2022

34. Metallica, una de las bandas de metal más influyentes y legendarias, invitó a sus fans a dos conciertos épicos en el Chase Center de San

Foto: Ralph Larmann

Francisco

diciembre

pasado

para celebrar 40 años increíbles de música y actuaciones provocativas e innovadoras.

6. Detrás del micrófono

18. Desde el estudio

56. Un encuentro con

Sacbé: Tri-Neo Dimensiones: música, amor y hermandad

Los Olivos Recording Studios, versatilidad en producción

Los hermanos Córdova. Grupo Acme en la producción mexicana Por Juan Carlos Flores

22. A primera vista Arreglo lineal de gran formato Meyer Sound PANTHER 24. En concierto Tengo un sueño: gala de precisión técnica en audio 30. Hecho México

46. Las letras del sonido La voz, el instrumento de la emoción Por Carolina Anton

52. Universo sonoro La tecnología para crear música: ¿aliada o enemiga? Por Mario Santos

Además

Tu Audio, excelencia en el arredamiento de equipo 42. Columna invitada

10. Nuevos productos 54. Notas del Medio

Mariana De Horta, guerrera y profesional guitar tech Por Mérlindon Crosthwaytt

58. Avances sound:check Xpo. ¡El regreso es un hecho! Foto de portada: Ralph Larmann

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EL SHOW DEBE CONTINUAR Domingo

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abril

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SoundcheckXpo

E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Jorge Urbano

Editora y copywriter Nizarindani Sopeña

Diseño Héctor Barrera

Staff Editorial Foto: Ralph Larmann

Marisol Pacheco

umplir años siempre es una ocasión especial y más aún cuando tienes una banda que ha musicalizado ya a dos generaciones. En esta ocasión, los cuarenta años de Metallica han sido el motivo perfecto para celebrar uno más de los regresos a los escenarios después de la crisis sanitaria y el tema de portada de esta edición. Los fanáticos respondieron al llamado y después de diseñar un escenario apoyado en pantallas sobrepuestas y una iluminación que hace uso de todas las ventajas de los equipos, llegaron hasta el Chase Center de San Francisco para festejar el momento. La celebración fue todo un éxito y queda ahí el precedente del uso de la tecnología para un show con una gran creatividad en un evento de esta trascendencia. En el futuro próximo es muy probable que veamos este tipo de diseños en una buena cantidad de producciones que dan inspiración a otros profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo. Además de éste y los demás artículos en este número, las excelentes noticias son que la versión híbrida de sound:check Xpo está lista para llevarse a cabo los próximos 3, 4 y 5 de abril. Tanto en el World Trade Center de forma presencial como en versión en línea para todo el mundo vía www.soundcheckexpo.com.mx, los esperamos para reactivar nuestra Industria por todo lo alto. El piso de exhibición, las salas demo, el Auditorio Harman, la Jornada Educativa y mucho más los esperan. El registro ya está abierto en el sitio web, así que ya no hay que esperar más. ¡Nos vemos pronto!

Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

Ventas y Mercadotecnia Claudia Pérez

Content Marketing Natalia Urbano

Digital Marketing Chief Edith García

Telemarketing José Luis Careaga

Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores

Internet www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

Teléfono (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 24, No. 283. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.

Orgulloso miembro

Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

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Detrás del micrófono

Sacbé: Tri-Neo Dimensiones: música, amor y hermandad

rabado originalmente en 2007 por Rob Genadek en Brewhouse, durante el que fuera su ensayo previo a un concierto, “Sacbé Tri-Neo. Dimensiones” es un disco que recupera la comunión de sonar en vivo de la agrupación formada por los hermanos Eugenio, Fernando y Enrique Toussaint, a la que se ha sumado posteriormente la participación de dos de los músicos clave del ensamble: Jon Crosse (alientos) y Armando Montiel (percusión). El álbum, cuyo productor ejecutivo es Enrique Toussaint, es un proyecto que cubre una necesidad fraterna, al tiempo que permite acercar el enorme legado musical de Sacbé a las nuevas generaciones. Pasado y presente, los motivos En 2007 el disco se publicó por la necesidad de tener un material para promoción de una serie de conciertos que Sacbé tendría en el extranjero, como recuerda Enrique: “Nos íbamos a hacer unos conciertos fuera del país y no teníamos nada que nos representara como trío. Era el cumple de Fer y yo acababa de sacar mi primer disco solista, por lo que había invitado a

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Detrás del micrófono

mucha gente, como Jon Crosse y Alejandro Campos, así que decidimos tocar las piezas de Sacbé con él y ensayar ese día; Rob Genadek lo grabó y de ahí salió el disco. Luego de escucharlo, decidimos que nos representaba muy bien en vivo y lo usamos como promoción para unos conciertos en Haití y Asia”. “Cuando falleció Eugenio nos pidieron a Fer y a mí que hiciéramos unos homenajes y como Fernando no quería participar en cosas de escala mayor, decidimos extraer el piano de Eugenio de esa grabación y tocamos con él, en vivo. Nos presentamos dos veces así y en una estuvo Armando con nosotros. Luego, al morir Fernando, me quedé con ese hoyo en mi vida y con la idea de que sería bonito volver a reunir a la banda y que ellos, Eugenio y Fer, estuvieran tocando conmigo, como hicimos lo de Eugenio. Así se me ocurrió la idea de que podía intentarlo y fue cuando invité en 2017 a Jon y Armando, quienes de inmediato estuvieron muy interesados en hacerlo”, menciona Enrique.

Enrique, Fernando y Eugenio Toussaint con Rob Genadek “Llegó la crisis sanitaria y con la modalidad de conectar a distancia, muchos jóvenes se empezaron a acercar, preguntándome por Sacbé o lo que hicimos individualmente, lo que me hizo notar la validez de nuestra música, ver cómo están estudiando y analizando lo que hicimos y que estos chavos están orgullosos de que es música mexicana me pareció sumamente emotivo”. “Tomamos entonces esa gran oportunidad para hacer lo que tenía pensado: retomar esa grabación que nos capturó lo más en vivo posible, donde todo fue muy espontáneo, convocar a Jon y Armando, que estuvieron con nosotros por largos periodos de tiempo, ambos personajes importantísimos en mi vida y en la de Sacbé. Tenían que ser ellos, íbamos a trabajar con la esencia de esa grabación y el resultado, para mi gusto, es increíble”.

“¡Qué maravilla! ¡Estos temas son muy buenos! Qué bellos arreglos. Cuánta añoranza sentía de escucharlos. Son un trío fabuloso. Lloro al escucharlos”. Ivan Lins.

Enrique recuerda que en esa grabación usó un bajo fretless de Fender, que cambió cuando entró a tocar a la banda de Paul Anka: “Me hice de un Fender Jazz Bass y le cambié el brazo y le añadieron unos amplificadores en Los Ángeles, para tener más posibilidades de ecualización. Ése me lo robaron y tuve que volver a hacerme otro; conseguí las partes en Oregon, donde hay una fábrica autorizada por Fender. Armé dos bajos, uno fretless y otro con trastes que sigo usando con Paul Anka”. El set del bajista se complementó con un amplificador GallienKrueger 200MB, unas Hartke de aluminio de 15 pulgadas, un amplificador SWR de 12 pulgadas y dos pedales, un Chorus y uno de volumen de Boss. Colaboración a distancia Con la llegada del confinamiento sanitario, Enrique pudo enfocarse en el proyecto: consiguió el financiamiento y pidió a Armando y a Jon grabar sus partes: “Armando se metió al estudio feliz (Puerto Candela Studios, en la Ciudad de México), y me mandó sus partes; parecía que hubiera estado en el estudio: todas las dinámicas estaban e hizo parte de la conexión inmediatamente. Luego le hablé a Jon, le pasé la percusión y como no había espacios para él porque era un trío

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Detrás del micrófono

“Siempre que los hermanos Toussaint se juntan y lo hacen con sus cómplices musicales,

y Eugenio estaba improvisando casi todas las melodías, tuvo que escribir todo el fraseo de Eugenio para poder tocar encima de la grabación. Hizo arreglos para tocar flautas, saxofones, clarinete y trompeta y decidió usar todos para contribuir a las melodías; yo quité algunos solos de la grabación original míos para dárselos a él y lo grabó con Todd Carlon en Los Ángeles”.

algo bueno pasa en el mundo de la música”. Alejandro Sanz.

Sacbé en físico y en plataformas Esta edición de “Tri-Neo. Dimensiones” está disponible en plataformas de streaming como Bandcamp, iTunes, Amazon y Spotify, al igual que otros discos de Sacbé. A la par, se ha hecho un esfuerzo por tener la versión física y en el caso de este disco, se cuenta con la intervención tanto de Enrique como de su hijo en el diseño y arte de portada. “La foto del disco original la tomé yo, es el edificio del Weismann Art Museum, que está en el Missisipi pero aparece en sepia. Ahora quise ponerla a color para dar esta idea del neo y la modernidad. Le pedí a mi hijo (Erick Toussaint), que pusiera dos tucanes volando frente al edificio, que son Eugenio y Fernando”.

Armando Montiel Coherencia y emotividad: mezcla y masterización Enrique hizo la mezcla y coordinó la masterización; de la primera ajustó niveles y de la segunda, el cuidado estuvo en meter las frecuencias de la percusión y hacer que las de Jon se ajustaran a las frecuencias del bajo, la batería y el piano para que tuvieran su lugar y se escucharan a la par. “Tengo un estudio pequeño en casa y ahí mezclé todo con unos muy buenos audífonos; le pedí a Rob (que grabó originalmente el ensayo) que estuviera. La mezcla fue rápida, pero a la hora de considerar que vas a sacar un disco físico, las frecuencias en la masterización se vuelven muy importantes. Revisé eso muchas veces”. “Para mí es imposible no estar escuchando las voces de mis hermanos cuando estoy haciendo cosas donde están relacionados ellos; les tengo que pedir permiso en mi corazón y eso es difícil e increíblemente emotivo para mí. Ya lo hice en mi disco anterior y ahora con éste. Hay una añoranza tremenda y un compromiso”. Jon Crosse sound:check

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“Por lo que comentábamos de lo bonito que ha sido saber que valoran nuestra música, también le pedí a Alejandro Sanz y a Iván Lins que pusieran unos comentarios y la respuesta ha sido muy bonita. Creo que encontramos la manera de tocar los corazones y de lograr algo que decía Fer: “Lo único que queremos es que vean los cuadros que pintamos por atrás”. El disco en físico se adquiere directamente con Enrique Toussaint, contactándolo en sus redes sociales. Ni se dude: háganlo suyo. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

Nuevos Productos ESTUDIO

DPA Micrófono envolvente y procesador de mezcla inmersiva Resultado de la colaboración entre los ingenieros de las marcas KLANG y DPA, este sistema conformado por el micrófono envolvente 5100 de DPA y las calibraciones pre establecidas en la aplicación de KLANG, permite realizar ajustes que se suman de forma sencilla a flujos de trabajo realizando un diagnóstico de entornos tan variados como monitoreo en una sesión de grabación e incluso en clubes o estadios. Hi Tech Audio. Tel. 55 2615 8521 htaudio.mx www.dpamicrophones.com

Tascam Software para edición Podcast Editor Pensado para producción de voz en contenido para podcasts, radio por Internet y audiolibros, entre otros, se trata de una app compatible con Windows, macOS e iOS que se integra con Mixcast 4 de Tascam para cortar y pegar fragmentos de voz, grabar en cada pista, insertar música de fondo y jingles, además de efectos de sonido y controlar el nivel de las pistas de forma individual. Permite editar máximo 12/ tracks / 20 canales; exporta archivos mp3 y WAV directo a radio por internet. Equipos y Cintas. Tel. 55 5543 4763 www.eyc.mx www.tascam.com

Solid State Logic Plug-ins Fusion Vintage Drive / Fusion Stereo Image Modelados en el procesador Fusion, son herramentas Vintage Drive que permiten al usuario de DAW aprovechar sus características de saturación no lineal. Cuentan con controles Density y Drive para producir armónicos, recortes suaves y compresión natural que emulan la tonalidad de las mesas análogas, añadiendo incluso un poco de saturación para engrosar o tener una distorsión más extrema. Admiten formatos VST2, VST3, AAX y AU. Audio Acústica y Electrónica. Tel. 55 5655 5505 audioacustica.com.mx www.solidstatelogic.com

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Lleve la eficiencia creativa a su estudio con esta interfaz de gran capacidad de E/S, monitoreo y enrutamiento en una interfaz de audio todo en uno. Pro Tools | MTRX Studio simplifica el flujo de su señal, proporcionando conexiones a todo su equipo. Dirija cualquier entrada a cualquier salida. Personalice los perfiles del monitor con su procesador de altavoces integrado. Equipe cualquier habitación de sus instalaciones para la mezcla Dolby Atmos. o Y obtenga un monitoreo de latencia ultrabaja al rastrear y mezclar con Pro Tools | HDX o HD native.

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Nuevos Productos EScenario

Obsidian Control Systems Software de control para iluminación ONYX versión 4.6 Disponible para consolas NX y PC, ofrece ahora 6 licencias para agrupar y construir diseños lumínicos (que va de universos de 1, 4, 8, 64 y hasta 128 luminarias que se manipulan con distintas prestaciones de conexión, manipulación de pixeles, atributos 3D, MIDI y galerías de efectos, entre otros), además de acceso a la librería AtlaBase, con más de 50 mil fuentes para elegir, sujetas a cambio para una mejor visualización del diseño en caso de no contar con las luminarias especificadas. Cuenta con visualización por protocolos CITP, ArtNet y sACN para sincronización en tiempo real, además de recursos para mapping con DYLOS. Elation Professional Mexico. Tel. 728 282 7070 www.elationlighting.com

d&b audiotechnik Arreglo lineal XSL System Perteneciente a la serie SL, se trata de dos modelos de arreglos compactos para tour e instalación: XSL y XSLi. Las dos versiones están disponibles con patrones de dispersión de 80 y 120 grados (XSL/XSLi8 y XSL/XSLi12) y ofrecen un ajuste de ángulo de separación de 0 a 14 grados en incrementos de 1 grado, con respuesta de frecuencia de 60 Hz – 18 kHz, un SPL máximo de 141 dBs para los modelos XSL/XSLi8 y 140 dBs para los modelos XSL/ XSLi12. Ambos sistemas nuevos están listos para MILAN. Hi Tech Audio. Tel. 55 2615 8521 htaudio.mx www.dbaudio.com

Epson Proyectores PRO Series Conformado por seis nuevos proyectores de lentes intercambiables, que van desde 13,000 a 20,000 lúmenes en brillo de color y blanco, esta nueva generación de 3LCD compactos y ultraligeros incluye los modelos EB-PU2220B y EB-PU2120W (64 por ciento más pequeños y 50 por ciento más ligeros que sus predecesores). Ofrecen resolución Full HD WUXGA con tecnología de mejora 4K5, intercambio sin conflicto de lentes (incluido el .35 de alcance ultracorto). Incluyen entrada y salida 3G-SDI y son ideales para eventos en vivo. Epson México. Tel. 55 1323 2000 www.epson.com.mx

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Nuevos Productos DJ

Pioneer DJ Controlador DDJ-FLX6 Con una tarjeta de sonido incorporada para trabajar con rekordbox y Serato DJ Pro, ofrece cuatro canales y dos ruedas jog para hacer scratch con hasta 10 patrones que permiten aplicar hot cue. Destacan funciones como Sample Scratch, que asigna a los pads en rekordbox para elegir sonidos al sampler y cargarlos directo en los decks, mientras que con Pitch ‘n Time y Merge FX se mezclan distintos estilos musicales aplicando transiciones con coherencia y sensibilidad rítmica. www.pioneerdj.com

JBL Sistema de PA Portátil EON One MK2 De tipo columna, el JBL EON ONE MK2 cuenta con una mezcladora digital de 5 canales, funciones Bluetooth y control de aplicación universal. Posee 8 tweeters en forma de C geométricamente optimizados con un woofer de 10 pulgadas para cumplir con cobertura sin sacrificar claridad, develando sus 37 Hz, con dispersión y salida máxima de 123 dBs. Opera con CA o con batería, es de fácil configuración y uso junto a dispositivos portátiles, tanto en interiores como exteriores. Harman Internacional México. Tel. 55 1555 0322 pro.harman.com www.jbl.com.mx/professional

IK Multimedia Interfaz de audio iRig Stream Pro Combina una interfaz de audio de 24 bits y 96 kHz para iPhone, iPad, Android y Mac/PC con una mezcladora en línea de 4 entradas (combo XLR de un cuarto de pulgada, RCA estéreo, TRRS) y entradas de dispositivo (Loopback). Funciona en modo estéreo y premezcla múltiples fuentes de audio (entradas estéreo RCA + Loopback, entrada combo XLR/ de un cuarto de pulgada y micrófono TRRS) a una pista estéreo, que se envía directamente a aplicaciones de streaming. Hermes Music. Tel. 55 5002-2200 www.hermes-music.com.mx www.irigstream.com

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Nuevos Productos Backline

Shure Audífonos SRH840A y SRH440A Ambos modelos ofrecen una apariencia renovada, con más confort y durabilidad. Con su diadema liviana retráctil y muy confortable de la marca, el modelo SRH840A ofrece una respuesta en frecuencia adaptada, alimentada por drivers dinámicos de neodimio de 40 milímetros para graves ricos, rangos medios claros y agudos extensos. Por su parte, los SRH440A enfatizan la respuesta de frecuencia para tareas de podcast, grabaciones caseras, edición y mezcla profesional. Su respuesta sonora consistente y sin coloración da una representación fiel del sonido. Representaciones de Audio. Tel. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.shure.com

Roland Expansión de modelo para Fantom n/zyme Con un nuevo procesador de síntesis, el n/zyme es una herramienta musical interactiva que combina capas de osciladores de tabla de onda, modulación de fase y forma, filtros resonantes multimodo y dos LFO por pasos (con 37 formas), que abren las opciones creativas para el usuario. Brinda más de 90 efectos, desde aquellos con atributos vintage hasta modernos con control de pad X/Y en su pantalla táctil. tienda.rolandmx.com

D’Addario Straps y plumillas The Beatles 1969 Creada para conmemorar el aniversario de la mítica presentación de The Beatles en el techo del edificio de Apple Corps en 1969, esta colección de 8 straps y 4 paquetes de plumillas, evoca el legado del cuarteto de Liverpool, un obligado para quienes calzan la guitarra y enarbolan amor por la cultura pop y el rock mundial. Distribuidora Gonher. Tel. 55 9152 4600 www.distribuidoragonher.com www.daddario.com

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Desde el estudio

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ompositor, arreglista y productor, Beto Hale reside en Los Ángeles, California donde ha hecho realidad el sueño de una vida: su propio estudio. Con la guía y diseño de Jay Kaufman (Kaufman & Associates: Arquitectural Acoustic Design and Consulting), este estudio abrió sus puertas en 2016, luego de tres años de construcción, integración y acabados. Mano de obra visionaria Beto tuvo la oportunidad de construirlo en su casa, al tener un terreno amplio para ello. El estudio se compone de un live room, un par de cuartos de aislamiento, la cabina de control y una pequeña recepción con cocina, sala y baño completo. “Me puse en contacto con diferentes diseñadores de estudios y di con Jay Kauffman porque estuve en un estudio que me gustó mucho y me dieron su contacto. Nos reunimos y realmente logró cumplir la visión que tenía al cien por ciento. Quería grabar mis baterías, que fue como empecé en esto, y le dije a Jay que quería hacerlo como antes, a la manera en que hacían bandas como Led Zeppelin, así que me dijo que necesitaba techos altos y empezamos por eso: la altura es de 5.4 metros en el live room”.

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Beto Hale “La acústica es la especialidad de Jay. Le pedí considerar que pudiera grabar todo tipo de música y que se hiciera una fácil integración, así que me recomendó a Niky Trafalia quien, si no es la mejor, es una de las mejores personas que

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se dedican al cableado, integración e interconectividad en estudios; como jefe de obra tuve a quien hizo el estudio Paisley Park de Prince. El cableado va bajo el suelo y entre cuartos hay lo que llaman en inglés, decoupling, una separación muy pequeña entre la base de concreto de cada cuarto para que no se transfieran las frecuencias graves de uno a otro; las paredes son doble o cuádruple del grosor de una pared normal. Tenemos interconectividad de audio y video, además de Ethernet para hacer cosas en la red interna, incluido Dante y este tipo de tecnologías que se han desarrollado muy rápido. Niky anticipó que venía eso y lo pusimos. No hemos ocupado todas las opciones que ofrecen los diferentes paneles y conexiones que nos puso, ¡pensó en todo! Fue fantástico tener gente tan visionaria”.

Selección de equipos Otra aportación valiosa de Kauffman fueron los consejos respecto al equipamiento, llevando a Beto a optar por un camino digital, de fácil mantenimiento y para cubrir con los estándares en la industria musical, cinematográfica y de televisión: “Nos fuimos por un sistema práctico que se pudiera

crecer con periféricos e ir adecuando de manera modular. La base es la consola digital S6 de Avid con Pro Tools, que es el software estándar de la industria, lo que usan para grabación y postproducción en películas y televisión. Me hubiera encantado tener una consola análoga, tal vez la tenga en otro momento pero será por cumplir esta visión romántica”. “En periféricos tengo preamplificadores como las Series 500, que son prácticos y fáciles de usar; un rack con una serie grande BAE, un 1073 de Neve, API, un MP5 de Tonelux, un Drawmer de bulbos y otro módulo con un Tube-Tech de compresor con otro preamp BAE con dos entradas estéreo. Algo que hizo Niky fue poner páneles a los que se puede conectar un productor o un ingeniero que esté de visita para que se traiga sus equipos y trabaje conectándose a la bahía de parcheo y listo. Es muy flexible”.

“En el cuarto de máquinas tenemos la MTRX de Avid como interfaz principal, y si hacen falta entradas para sesiones grandes, está la HD I/O. Tenemos un distribuidor de Aviom para la mezcla de audífonos que va por red a las distintas cabinas,

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mientras que en microfonía tenemos modelos de Shure, como el Beta 181; Peluso P87, P12; Mojave MA200, Schoeps M22, 414 de AKG y un Audio Technica 4050 que es un gran micrófono para guitarra acústica y voz. Además de esto, en la crisis sanitaria me hice de varios sintetizadores, como el Arp 2600, un Prophet 908, Overheim y el Jupiter 8, muy cotizados y con los que estoy haciendo mucha música”. Multiservicios En Los Olivos, además del servicio de grabación y postproducción como tal, se brinda la renta del espacio como set o locación para videos, como fue el caso del realizado por Emmanuel y Paul Anka. El mercado angelino permite atender distintas necesidades: “Han grabado artistas como Flor de Toloache, el productor Dany Venzi; Juan Galeano, de Diamante Eléctrico; Las Cafeteras o músicos clásicos como la California String Quartet, que participa en las bandas sonoras de cintas como Transformers. Es muy bonito como músico y dueño de este estudio ver cómo la gente puede venir a trabajar aquí y hacer cualquier cosa, aprovechando condiciones como la separación de cuartos”.

Micrófonos, preamplificadores y compresores de Los Olivos Micrófonos Neumann U-47 Audio-Technica: AT4050, ATM 450 (pair) Royer R-122 (matched pair) AKG C-414 XL-II (matched pair) Mojave Audio MA-101 fet (pair) Earthworks SRO (pair), SR 69 (pair) Solomon Mics LoFreq Sub Røde: M1 Sony ECM 260 F (2) Schoeps M221B (matched pair) Shure: SM-58, SM 57, SM 8, SM 7, SM 81, Beta 52, KSM44A (2), KSM14SL Audix: D2 (2), D4 (2), D6, SCX-One (cardioid pair); SX-One Preamplificadores BAE 1073D; 312B (10); 312A (2); 1072 (2) API 512c Tonelux MP5A Burl B1 (2) Rupert Neve Designs 511 (2) Preamplificador Focusrite RedNet X2 P Compressors TubeTech CL 1B API 525 restricciones sanitarias y la economía nos deja fluir e ir sobrellevando mejor las cosas. Seguimos siendo cautelosos y responsables”. Finalmente, la filosofía de este espacio de creación se cumple: “Que la gente venga y se sienta como en casa para crear a gusto; tener la creatividad al máximo y no preocuparse del mundo externo. Tenemos luz natural a través de ventanas y ¡se ven los olivos! Estos árboles con los que la gente se siente a gusto para crear”.

“Durante el paro por confinamiento estuvimos inactivos y me dediqué a mis proyectos. Después colabore como productor y músico de Nancy Sánchez en un EP de tres canciones. Hubo cosas a distancia y hemos ido balanceando conforme las

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Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

sennlatam@sennheiser.com www.sennheiser.com

A primera vista

Arreglo lineal de gran formato

Meyer Sound PANTHER C

omo una promesa de una de las marcas con una vasta historia en la industria del espectáculo, Meyer Sound anuncia el futuro de los arreglos lineales de gran formato con la llegada de PANTHER, altavoz que integra tecnologías de sistemas grandes a un espacio excepcionalmente compacto y liviano. Con más de 150 dBs de SPL y solo 68 kilogramos de peso, el equipo significa un importante avance en el rendimiento de potencia, estableciendo un nuevo punto de referencia en la industria del audio para los altavoces de arreglo lineal compacto, liviano, potente y de bajo consumo de energía. Con la visión por delante Los escenarios de producción complejos y enfocados en lo visual, junto con normas de seguridad más estrictas, son las condiciones comunes en los eventos actuales, además de restringir a menudo el espacio y el peso permitidos para los altavoces. Al mismo tiempo, las políticas ambientales requieren una mayor eficiencia energética y una huella más pequeña para el transporte, a medida que más producciones cambian a una infraestructura de señal en red. En respuesta a estas demandas, la salida acústica de PANTHER está muy cerca del altavoz de arreglo en línea LEO y es del mismo tamaño que el altavoz de arreglo en línea LYON. “Esta es nuestra presentación de altavoces más importante en más de una década”, comenta John Meyer, presidente y director ejecutivo de Meyer Sound. “Estoy orgulloso de

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cómo nuestros ingenieros lograron ambiciosos puntos de referencia de rendimiento mientras reducían el peso y aumentaban la eficiencia de consumo eléctrico”. En conclusión: rentabilidad de la inversión Al igual que con todos los altavoces Meyer Sound, PANTHER ofrece la longevidad del servicio que incluye los transductores, amplificadores y procesamiento de los sistemas autoamplificados. Además, ofrece nuevas funciones que aseguran un mayor retorno de la inversión a largo plazo, como el estándar de entrada Milan AVB certificado, haciéndolo el primer altavoz de arreglo lineal con esta certificación en el mundo. Con este avance, la nueva creación de la marca extiende los sistemas en red basados en Milan, mientras que la entrada analógica paralela siempre activa asegura la compatibilidad con versiones anteriores de la infraestructura de cableado existente. Gracias a todo lo anterior, la inversión continua de Meyer Sound en materiales y estándares de diseño significa que PANTHER es líder en su clase, no solo gracias a su rendimiento, sino que el precio es sustancialmente más bajo que la generación anterior, haciéndolo muy competitivo al tener en cuenta características como la amplificación y el procesamiento. En breve, la oficina de Meyer Sound en México estará realizando demostraciones de PANTHER para los clientes de nuestro país y Latinoamérica.

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Fotos: Cortesía SARA Producciones

Tengo un sueño: gala de precisión técnica en audio

na muestra del trabajo que realiza la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del programa Cultura Comunitaria y sus Semilleros Creativos a nivel nacional, es el evento Tengo Un Sueño, que ha tenido lugar en el Auditorio Nacional (2019, 2021), donde niñas, niños y jóvenes exponen lo aprendido en danza, artes visuales, teatro y música. Un espectáculo titánico que puso en escena a más de 600 niños en 2021 y que requirió un preciso control del trabajo en sala y monitores para coordinar equipos inalámbricos, sus frecuencias y la mezcla de voces y música: más de 100 canales simultáneos.

La producción técnica del audio en la edición del 2021 estuvo a cargo de Annette Fradera, quien ya había participado en el proyecto en 2019 y que cuenta con una amplia trayectoria en la producción musical, de eventos, enseñanza y gestión cultural. Ella convocó a un equipo de audio de alta gama con Humberto Terán y Luis Quiñones en audio en sala, Jorge Soto y Everardo Cano en monitores y Alejandro Peralta en gestión de radiofrecuencias (RF). La conquista del sueño El antecedente en la producción de este tipo de eventos para Annette fueron el concierto Música en Armonía de 2014,

Hubo un inventario de 117 frecuencias que además coexistían con los requerimientos de la transmisión en video inalámbrico y cámaras en una frecuencia de 5Gigas.

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En concierto

Tengo Un Sueño ha tenido lugar en el Auditorio Nacional, y niñas, niños y jóvenes exponen lo aprendido en danza, artes visuales, teatro y música en un espectáculo titánico que puso en escena a más de 600 niños.

donde contó con Humberto Terán y Jorge Soto, y luego Tengo un sueño del 2019: “Llegamos a tener 150 niños en escena, entre coro y orquesta. Trabajé con Humberto en sala y Jorge en monitores y todo salió muy bien; después llegó este otro proyecto Tengo un sueño, al que primero fui como observadora y donde pude compartir a la dirección de Fomento Musical mis notas para mejorar ese evento, que tuvo 600 niños. Para mí, el reto estaba en la parte de audio, donde el secreto es uno y solo uno: tener el mejor equipo posible de ingenieros”. “A este grupo de ingenieros los adoro; no había tenido el gusto de trabajar con Alejandro Peralta ni con Luis Quiñones, pero logramos muy buena química entre todos y eso fue fantástico. Se pidió una ampliación de proscenio de ocho metros para separar artes escénicas y los números musicales con el coro, la orquesta y los invitados. La orquesta requería poco monitoreo porque se usaron una gran cantidad de diademas, como ahora, y el manejo de RF fue extensísimo y complicado. Ahora se atendió mejor y pudimos entrenar a los niños sobre cómo usar su bodypack en los ensayos previos que hubo al concierto durante un campamento que se hizo en Oaxtepec y donde pudimos tener una parte importante del audio, particularmente RF, donde Alex y todo su equipo pudieron ir elaborando un guión y asignar los micrófonos”.

“Además pudimos estar casi todos y observar cosas y detalles que había que tomar en cuenta para el Auditorio Nacional donde también se ensayó. Estos eventos son atípicos y por eso insistimos mucho en tener ensayos durante el campamento que se arma para reunir a los niños; no es un show donde estás girando a un mismo artista y lo conoces; aquí hubo mucha gente, muchos micrófonos y un espacio complicado. En mi opinión, este tipo de eventos es una celebración, la darle a los niños y jóvenes una experiencia distinta”.

Annette Fradera

Humberto Terán

Alejandro Peralta

Luis Quiñones

El objetivo: precisión Por la magnitud y necesidades del evento, la manera en que se optó por trabajar las labores en sala y monitores fue separar lo musical y lo vocal, asignándose una consola para cada tarea; así lo relata Humberto Terán: “Al principio se pensó que serían más participantes, el doble de lo que tuvimos y fue entonces que separamos la parte musical de la parte vocal; reasignamos los roles, invitamos a Luis Quiñones para que se hiciera cargo de todos los inalámbricos porque había que abrirlos, cerrarlos, asignarlos y reasignarlos y se necesitaba un especialista y profesional de alta gama como Luis y Alex Peralta. La importancia del evento fue técnica, estrictamente porque todo fue precisión. El manejo de frecuencias de Alex, la continuidad de las escenas de Luis con

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las voces de los niños y los monitores con Jorge y Everardo Cano lo elevaron a una alta gama y lo único que teníamos que hacer era cultivar y planear la precisión de las cosas”. “Aquí se trataba de precisión y había que tener una coordinación en la que Annette fue el motor logístico, técnico y administrativo. Pudimos estar en los ensayos en Oaxtepec para trabajar con los niños y que aprendieran a usar los inalámbricos y las diademas. La prioridad, y lo manifesté desde un principio al equipo, era Alejandro Peralta con las frecuencias, con el rol de los inalámbricos y Luis abriendo las escenas puntualmente”. Gestión de RF, el pilar Con la petición de equipamiento cubierta como indicó Alex Peralta (Axient Digital de Shure, sistemas SR2050 de Sennheiser y el Spectrum Manager AXT600 de Axient), su labor de monitorear alrededor de 117 frecuencias fue posible: “El trabajo de Annette fue titánico en el aspecto de empujar para que tuviéramos lo que se necesitaba, yo estuve insistiendo mucho en que me dieran la información de los sistemas para poder determinar si se podía o no hacer. Era un reto fuerte porque en 2019 fueron 80 frecuencias y en esta ocasión yo tuve un inventario de 117 frecuencias que coexistían con los requerimientos de la transmisión en video inalámbrico, cámaras proyectando en tiempo real en una frecuencia de 5Gigas y estar atento a todo eso que aparece en el ambiente. El trabajo con los niños fue una cosa tremenda porque logramos que aprendieran a usar los equipos para que no movieran la posición o cambiaran la respuesta de frecuencia. Eso se hizo a un gran nivel, para el que conté con un equipo técnico del que estoy mega orgulloso porque dieron el ancho y todo se corrió como debía”. Este staff estuvo formado, ademas de Alejandro, por Jessica Alinne Acosta Garcia, Fermín Ramirez Sánchez, Santiago Morúa Quesada, Gustavo Cancino Guerra, Luis Rossell, Ilse Gabriela Casillas y Eréndira Contreras Santamaría. Imagen sonora congruente Encargado de monitores y hacer un ajuste del campo cercano del sistema de PA del Auditorio Nacional, Jorge Soto usó una consola Solid State Logic y así describe cómo ejecutó su tarea con el apoyo de Everardo Cano: “Con las adecuaciones ya dadas de cuántos niños tendríamos junto con la orquesta e invitados como Eugenia León y Javier Camarena, creo que no hubiéramos salido tan bien librados si

no hubiésemos estado en los ensayos desde el principio como estuvimos, prácticamente cinco días para checar por secciones (cuerdas, maderas y metales), luego el ensayo con la orquesta juntos y el coro... se fue creciendo y eso fue algo bonito de ver”. “Por la magnitud de lo que íbamos a hacer y la complejidad de cómo se iban a manejar las mezclas y el monitoreo, con

Por la magnitud y necesidades del evento, la manera en que se optó por trabajar las labores en sala y monitores fue separar lo musical y lo vocal, asignándose una consola para cada tarea.

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peticiones específicas tanto de Humberto como del maestro Eduardo García Barrios, el director de la orquesta, llegamos a 82 canales de receptores de Axient, más 16 unidades de ULXD; sumamos 20 canales duplicados al estilo teatro para no perder de vista a los niños, fueron más de 100 canales de inalámbricos y más de 100 canales que teníamos de orquesta. Everardo me ayudó mucho con la mezcla musical de Javier Camarena y para cuidar no contaminar los micrófonos de la orquesta y ahí Humberto trabajó un diseño puntual de microfonía; se asignaron diademas extra y tuvimos un guión lo más detallado posible”. “Quisimos tener una sola consola de monitores y la otra como control remoto y respaldo para Everardo, pero necesitamos duplicar canales, meter efectos y mandar los auxiliares y hacer grupos que iban y venían. Ahí fue cuando nos fuimos con dos consolas que interconectamos vía MADI; tuvimos 32 canales para ir y venir y eso nos facilitó mucho que cada quien trabajaba a su ritmo. Fue a cuatro manos que estuvimos trabajando”.

Jorge Soto

Everado Cano

Sobre esta labor en monitoreo, Everardo Cano reflexiona: “En lo personal es muy satisfactorio ver que hay gente que se está preocupando porque nuestras tradiciones y cultura se puedan manejar a un nivel de respeto y profesionalismo tan bueno como el que hubo en este evento. Técnicamente debía ser perfecto y como prácticamente me la pasé con una consola SSL en casa, la conozco muy bien y sabía que podíamos hacer o manejar todavía más, como el tema de los canales, que incluso

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si hubiéramos tenidos los preamps, listos hubiéramos llegado hasta 280 canales, pero más que todo eso es el sonido de la mesa. Para mí en lo personal, las facilidades y lo que han hecho con la máquina y los plug-ins que trae, sé que no los tendré de ninguna otra: la conversión y el manejo interno son ventajas que llevo al máximo con esta consola”. En sala, Humberto Terán optó por la consola Venue D-Show y puso énfasis en la selección y acomodo de micrófonos: “Se necesitaban ciertas características de direccionalidad y de resolución para que, si salía un violín o entraban jaranas, hubiera una máxima resolución del micrófono. Ahí puse el énfasis, en el diseño de micrófonos, porque no podíamos poner micros de clip a los músicos tradicionales. Opté por tener micros puntuales para esa sección central de la orquesta: una combinación de micros Schoeps y Neumann 184, que funcionó bien y puntual en las arpas; los tradicionales Shure SM58 y los clips de DPA. Me enfoqué en eso para cambiar la escena, llevar los compresores y regresar a la escena y desactivarlos. Con la D-Show he podido mejorar y controlarla dinámicamente, poniendo en la cadena entre el procesador de bocinas y la consola, el Finalizer de TC Electronic, y puedo utilizar al igual que en la SSL, mi TC Electronic 4000 como reverb principal”. La contraparte vocal que llevó Luis Quiñones, la operó desde una consola Yamaha PM7D: “En el evento del 2019, junto con Humberto y Alex, hice monitores y teníamos 120 canales y, de hecho justo porque teníamos eso y no alcanzábamos más, Humberto hizo una mezcla de orquesta que me mandó a monitores y yo hice otra de los grupos de sones jarochos y se la mandé. En otro evento, donde también estuvo Humberto, ya habíamos usado esta consola y me acomodé muy bien, gracias a la capacidad que tiene de canales, procesamiento y demás”. “En mi consola cayeron varias cosas. La microfonía inalámbrica de las intervenciones actuadas, voces, diálogos y cosas que llegaron y que ya no cupieron en la consola del evento, a las

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que les hice un par de mezclas para un par de actos con 7 u 8 arpas y las tubas y cosas adicionales, no sólo para el evento estrictamente, sino canales para maestros de ceremonias y los spares, entre otros. Ese fue mi complemento al trabajo musical que llevó Humberto. Fue una cuestión de repartir el trabajo en un evento tan complejo”. La planeación, el tratamiento quirúrgico del factor técnico en el audio que debía imperar para llevar a buen puerto este magno evento, además del énfasis en cumplir procesos fundamentales como los ensayos y estar abiertos a incluir nuevos talentos que tomen el desafío con profesionalismo y aptitud, indican un camino de excelencia al que no se debe renunciar ni poner concesiones. Sabiendo, además, que lo dirigen y ejecutan profesionales de alta gama, como bien denominó Humberto Terán a los participantes de esta producción. Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

TENEMOS EN RENTA LOS EQUIPOS MÁS ROBUSTOS PARA TU PRODUCCIÓN.

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Fotos: Natalia Urbano

Hecho en México

Tu Audio, excelencia en el arrendamiento de equipo

undada por Guillermo Rosillo en 2009, Tu Audio es una compañía de renta de equipo para producciones de entretenimiento y corporativas que destaca por el manejo eficiente de aspectos clave como inventario, atención al cliente, capacitación y diseño de proyectos. Para ello ha sido fundamental contar con Representaciones de Audio como aliado comercial para la adquisición de equipo como de entrenamiento y así sacar el máximo provecho de la inversión realizada. Una familia en la Industria del espectáculo “Somos una empresa que afortunadamente todos los años nos hemos ido superando, a reserva de estos dos años de crisis sanitaria. Somos una familia donde la gente llega y se queda para siempre, con una base de 12 personas y un grupo de personal eventual que llega a ser de hasta 60 miembros por evento. Nos dedicamos a la producción de eventos atendiendo audio, luces y video, desde el PA, microfonía, consolas y demás, ya sea que produzcamos nosotros o a través del suministro de los equipos”.

soporte y servicio. Su atención es extraordinaria y gracias a eso podemos tomar las mejores decisiones de los equipos a comprar y en qué tiempo hacerlo, lo que nos beneficia en mejores decisiones de inversión”. “Además de hacer buenas inversiones, la capacitación que brindamos es tanto profesional como humana, porque aquí queremos hacer mejores personas todos los días. La formación humana la vemos con principios y valores y en el caso de Representaciones de Audio, su aportación son desde los cursos que nos dan hasta los eventos especiales para cada producto nuevo que llega con su especialista. Hemos tenido oportunidad

En este sentido, una empresa como Representaciones de Audio es una guía, como explica Guillermo: “Es como un ángel de la guarda que siempre está con nosotros, brindando

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Guillermo Rosillo

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de ir a la fábrica de Shure, sabemos cómo está compuesto un equipo y eso es importante para saber cómo desarrollarlos y tener mejor resultado”, detalla el empresario. Alto nivel en equipos En el rider de Tu Audio destacan las marcas Shure, Allen & Heath, SGM y König & Meyer, firmas que son estándares en la industria y gozan de vanguardia tecnológica, certificación, garantía y calidad premium, que las hacen factores para elegirlas, como expone Guillermo: “Para nosotros, en el área de microfonía, Shure es una llave en mano, algo que todos piden y que podemos garantizar en servicio y garantía. En cuestión de la inversión, el retorno es inmediato, porque no hay un evento que hagamos donde no esté un micrófono de ellos”. “Por otro lado, Allen & Heath, si bien somos muy nuevos con la marca, nos encanta. La consola Avantis, que llegó justo con la crisis sanitaria, sabemos que va a revolucionar completamente el audio en vivo, porque es muy accesible y resuelve increíblemente en todo. Tiene un sonido característico”.

“König & Meyer, para quien no la conozca, es una marca de la que se hace una inversión importante, pero que durará para siempre. Son soportes para micrófonos, bocinas, partituras, sillas y pódiums de alta calidad y esa es una filosofía que también tenemos en Tu Audio: manejamos equipos Premium para no tener fallas con nuestros clientes”. “Algo muy importante también es el cableado que poseemos y nos hace sentir robustos porque es algo que el cliente no ve y no paga, pero somos muy robustos con eso”, comparte Guillermo. Tras la pausa por el confinamiento sanitario, Tu Audio se enfocó en pulir la organización interna de su compañía, velar por sus colaboradores y mejorar su servicio con herramientas digitales que le resuelvan, tanto a los clientes potenciales como reales, las condiciones y características de sus servicios:

“De la marca SGM nos sentimos embajadores de la marca; contamos con un amplio repertorio en nuestro inventario. Tenemos el respaldo directo de la fábrica, que está al pendiente de nosotros para ver qué innovaciones tienen de equipo. Algo que nos ayuda mucho con los clientes es que SGM es la pionera en certificar los equipos IP65 para su uso en exteriores”.

“Todo tiene un control e importancia por igual para nosotros. Buscamos ser muy disciplinados y tener excelencia”.

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“Para nosotros, cada evento es único, de ahí que tenemos un sistema fuerte para cotizar y que la gente entienda los servicios que le daremos, y contamos con un área profesional que tiene un sistema para cotizar rápidamente o dar alternativas de contrarider para las producciones. Somos eficientes, tenemos un control total porque, hay que decirlo, debemos estar al nivel de la actualidad y atender con prestancia a las necesidades del personal que se requiere, los transportes y por supuesto el equipo”, expone orgulloso el directivo. Enseñanzas para el futuro La lección de la crisis sanitaria ha sido prepararse y valorar para lograr mantenerse y brindar un servicio de primera línea, como menciona Guillermo: “Estábamos muy atareados de trabajo antes del paro en marzo de 2020 y ante esta situación, lo primero que hicimos fue cuidar la salud y empezamos a capacitarnos en eso. Ver por el personal, que todos estuviéramos bien y seguir con el puesto de trabajo, que fue un gran reto lograr, pero que ahora nos da la oportunidad de estar listos para lo que viene”.

“Tu Audio llega a los doce años y la meta era llegar a 2020 usando el estuche mil, pero esperemos que este año podamos tener una edición especial de eso. Hemos llevado, en una salida, hasta 3 mil ítems, entre adaptadores, cables o luces robóticas de 10 mil dólares. Todo tiene un control e importancia por igual para nosotros. Buscamos ser muy disciplinados y tener excelencia. Queremos seguir logrando que las personas que están con nosotros crezcan y seamos estables. Queremos atender bien a nuestros clientes”, finaliza entusiasmado Guillermo.

Los equipos de Tu Audio Consolas (02) Allen&Heath Avantis, (02) GX4816 epx Soportes König & Meyer (50) 21080, (07) 21337, (20) 25950, (06) 26200 Microfonía Shure Beta 91A, 52A, 56A, 57A, 87A, 98H/C, 98AMP, 181, 87A,58A Beta 98 AMP/C Beta 53 Beta98WBAH/C, Beta 58 SM 81LC, SM 58LC, SM 58S, SM 57LC, SM 58 SUPER 55 KSM 137 KSM9 MX412, MX418 A412B Antenas UA874WB, UA870WB Shure AD AD4Q, AD4D, AD1, AD2BETA87 Shure in ear P9HW, P9T, P9RA+ Shure UVP VP 83F Shure BLX BLX1, BLX4R, BLX2, BETA58 Shure UR UR4, UR5, UR1, UR2BETA87A, UR2BETA58, UR2SM58 Luminarias SGM Gspot, P10, P1

“Somos una familia donde la gente llega y se queda para siempre, con una base de 12 personas y un grupo de personal eventual que llega a ser de hasta 60 miembros por evento”.

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Por Louise Stickland

Metallica,

Fotos: Ralph Larmann

cuarenta años de música y escenarios

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etallica, una de las bandas de metal más influyentes y legendarias, invitó a sus fans a dos conciertos épicos en el Chase Center de San Francisco en diciembre pasado para celebrar 40 años increíbles de música y actuaciones provocativas e innovadoras.

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Metallica

El diseño del escenario incluye una impresionante arquitectura visual con 45 grandes superficies de video superpuestas y de varias capas. Hambre de conciertos Como en muchos otros conciertos masivos que se están produciendo en estos tiempos, con protocolos distintos y fechas modificadas, el público se mostró ávido de ver a Metallica en todo su esplendor, por lo que la banda se lució para satisfacer tan amplias expectativas. Fue por eso que en aspectos como el diseño de iluminación fue elegido Rob Koenig, quien a su vez colaboró estrechamente con el diseñador de producción, Dan Braun, cuya impresionante arquitectura visual, presentó 45 grandes superficies de video superpuestas y de varias capas, estableciendo el tono visual para esta retrospectiva del grupo en vivo. Si bien las pantallas fueron clave para mostrar la reproducción de videos, entrevistas, obras de arte y otro material de archivo que abarca las últimas cuatro décadas, la iluminación destacó tanto a Metallica como a su audiencia, uniendo y energizando un vínculo enorme que los ha visto permanecer en la cima de la música desde la década de 1980. Diseños escénicos de avanzada El diseño lumínico se tornó exigente y requirió de una solución muy poderosa, dinámica y flexible. Fue por esto que Rob y Dan eligieron 148 luces móviles Robe BMFL WashBeam para conformar el corazón de la plataforma de iluminación, más otras 16 luminarias BMFL WashBeam que se ejecutaron en cuatro sistemas RoboSpot.

El espectáculo comenzó con “Hit the Lights” y Rob hizo exactamente eso, disfrutando de la oportunidad de traspasar los límites creativos del teatro, el drama y la emoción pura para 16 primeras canciones, seguidas de otras 16, mezclando temas clásicos, éxitos de taquilla y rarezas codiciadas en el segundo concierto.

Además de las 19 barras LED móviles, las BMFL fueron las únicas luces en la plataforma, a partir de las cuales el equipo de diseño creó 36 canciones con un aspecto y tratamientos únicos e impresionantes.

Uno de los momentos más especiales incluyeron la primera interpretación en vivo de “Fixxxer”, un favorito de los fanáticos que es oscuramente complejo y conflictivo, del álbum “ReLoad” de 1997 y que fue entregado en la primera noche.

En la opinión de Dan Braun, diseñador de producción “He estado trabajando todo el tiempo en esto. Vi un espectáculo de Pink Floyd en 1975 y me decidí a hacer eso. Aprendí en el camino desde mis primeros días dirigiendo la música en un club, trabajé para tratar de hacer que el espectáculo se viera mejor. Empecé a trabajar para Metallica en 1994, pero mis primeros shows con ellos fueron como promotor en 1985. Para esta ocasión especial, empecé a pensar en este espectáculo, porque íbamos a contar la historia de los primeros 40 años de la banda, pero también de sus fans. Este espectáculo fue único en diseño. Queríamos intencionalmente que cada asiento tuviera una experiencia personal y se necesitaron muchas pantallas para que eso sucediera. Estuvimos en el Chase Center durante cinco días antes del primer concierto, pero pasamos varias semanas en la previsualización; Rob Koenig es un maestro en armar los espectáculos de esta manera. Cat West, con la asistencia de Joe Cabrera, programaron la iluminación. Lo mismo ocurrió con nuestro equipo de video; Gene McAuliffe, nuestro director, su asistente de dirección Naoki Ogawa y el programador de D3, Spencer Pokorski, también crearon gran parte de la magia antes de ingresar al lugar. Por su parte, mi coproductor John “Lug” Zajonc, se ocupó de los desafíos de construcción; él hizo realidad el sueño y algo único que hizo en este show fue llevar todo el cableado hasta el techo para que el recinto no estuviera lleno de caídas de cables que obstruyeran las líneas del sitio. Debo agregar que fue un gran esfuerzo de equipo increíble hacer que estos shows fueran tan especiales como lo fueron para la banda y el público. Nadie hace algo así solo, y por supuesto, ¡trabajamos para una banda increíble!”

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Metallica

Rob y los programadores de iluminación, Joe Cabrera y Cat West, prepararon un grupo de 36 canciones. Sin embargo, sin una lista de canciones definitiva disponible antes de las primeras semanas de la vista previa y una selección de comodines excepcionales que se tocarían por primera vez en más de 10 años, hubo mucha oportunidad para echar a volar la imaginación. Cuando llegó la hora del espectáculo, Rob también se encontró improvisando más de una vez, lo que lo mantuvo completamente lleno de energía y encerrado en un flujo de trabajo “completamente estimulante”, como menciona. Luces y video: combinación para ganar El punto de partida para el diseño de iluminación fue el diseño físico y estructural de los elementos de video que se proyectaron desde el techo del lugar sobre una serie de estructuras de forma elíptica. A medida que el diseño del video evolucionaba, las discusiones también giraron en torno a la ubicación de la iluminación, ya que Rob necesitaba suficientes luces en diferentes ángulos y niveles para llegar al escenario y también iluminar a la audiencia durante toda la noche, sin cegarlos y sin tocar las pantallas. De esta forma, la iluminación tenía que armonizar y contrastar con el aspecto visual general. Así fue como veinticuatro luces BMFL WashBeam se desplegaron sobre el escenario, envolviendo una de las elipses más pequeñas que sostenían el monolito de video de forma cilíndrica central,

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A medida que el diseño del video evolucionaba, las discusiones también giraron en torno a la ubicación de la iluminación, ya que se necesitaban suficientes luces en diferentes ángulos y niveles. con otros 48 dispositivos en una de las elipses más grandes que también fue dividida por elementos del sistema de audio. En la audiencia, tres niveles de luminarias BMFL WashBeam fueron colocados estratégicamente para agregar profundidad y dimensión a la imagen, además de 24 dispositivos al nivel del piso y otros 24 equipos en el nivel de la explanada, con el tercer y más alto conjunto de 24 luces BMFL colgado sobre el público en posiciones óptimas para iluminar el escenario, que era una construcción en forma de diamante de trece metros en el centro del espacio. “Una mentalidad y un enfoque ligeramente diferentes impregnaron este espectáculo”, comenta Rob, quien ha trabajado con Metallica desde 2008. Ese cambio estaba lejos de ser fundamentalmente oscuro, melancólico y amenazante,

Metallica como son algunas canciones de la banda, y aunque no fue menos intenso que los espectáculos a los que Metallica nos tiene acostumbrados, también hubo un aire de celebración. “Siendo un festejo de 40 años, esa vibra fue adoptada en la iluminación, siempre conservando las complejidades y características vitales de la banda”, explica Rob. Dan Braun y el director de videos en vivo, Gene McAuliffe, colaboraron estrechamente en la creación de esta estética casi metafísica. Las canciones se entregaron cronológicamente desde la más antigua en la primera noche y en orden inverso para la segunda, lo que ofreció más oportunidades para la espontaneidad, manteniendo a todos alerta. Rob Koenig menciona: “¡Fue muy divertido! Me encantó porque no sabíamos qué podría pasar después. Usamos todos los trucos posibles de BMFL y eso fue mucho para mantener la energía y la vitalidad”.

mejor opción actualmente, gracias a su alta potencia y gran versatilidad”, comenta. Por otra parte, las luces seguidoras son fundamentales para iluminar un espectáculo completo de la banda de manera efectiva; ellos prefieren esta modalidad para acercarlos más a sus fanáticos y aunque siempre es más desafiante para las producciones, los resultados siempre valen los esfuerzos creativos y técnicos adicionales. Así las cosas, 16 BMFL WashBeam Follow Spot fueron colocadas a lo largo de las elipses más grandes, distribuidas para aprovechar parte del espacio en el techo, así como para la separación y profundidad de los haces luminosos, con cuatro unidades siguiendo a cada miembro de la banda.

Una historia de éxitos Las luces BMFL WashBeam han sido equipos importantes para Metallica desde hace algunos años, después de que Rob se enamorara inicialmente de él en la gira de reunión “Not In This Lifetime” de Guns ‘n’ Roses de 2016. “Sigue siendo mi

Además de la continuidad y la combinación perfecta de colores, con los BMFL WashBeam en la plataforma, Rob podía controlar todos los parámetros principales del punto de seguimiento (color, intensidad, iris, y demás), desde su consola MA Lighting GrandMA2, lo que permitía a los operadores, ubicados en las pasarelas del lugar, para concentrarse en seguir a la banda. El control de seguimiento de enfoque RoboSpot fue muy útil cuando la banda se movía por el escenario, ya que los tamaños de los haces de iluminación de seguimiento permanecían intactos.

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Metallica

Por su parte, David Hunkins se encargó de configurar y equilibrar los puntos para montar las luces. Rob estaba encantado de tenerlo en el equipo: “Fue de mucha ayuda y rompió las reglas para hacer que las cosas aparecieran absolutamente en la cámara”, lo que también fue crucial, ya que el programa se transmitió en vivo y fue grabado por 21 cámaras. Iluminación diferente para emocionar más Metallica tiene una larga historia de realizar conciertos únicos, definidos por una operación de producción técnica y creativa de gran talento y un equipo con una enorme pasión y compromiso para hacer de esto un arte característico. Los desafíos de iluminación específicos para estos dos espectáculos incluyeron la programación. Incluso las canciones que se habían tocado cientos de veces anteriormente tenían que verse y oírse frescas, nuevas y diversas, mientras que era necesario agregar contexto a las que rara vez se tocaban. Todo esto requirió tiempo y energía y algunos riesgos imaginativos, al mismo tiempo que le dio a Rob la oportunidad de explorar y salir de su zona de confort. La carga fue estimulante y aunque tenían cuatro días para hacerlo, todo era necesario y se usó de manera productiva y eficiente. El video fue manipulado primero mientras el equipo de iluminación esperó pacientemente hasta que todas las pantallas estuvieran en su lugar. Estos conciertos de 40 años de carrera de Metallica son ejemplos de cómo el meticuloso avance en los detalles y la cooperación entre las dos disciplinas, entre el gerente de proyecto de PRG, Eric Geiger, y el jefe de equipo, John Moore, además del gerente de proyecto de Premier Global Productions, Anthony Kordyjaka y el jefe de equipo, Jason Lanning, dieron sus frutos, con el talento de Rob Koenig y las luminarias BMFL WashBeam, gracias a BMFL se colocaron en su lugar una vez que llegó su momento gracias al pensamiento y la planificación eficaces de Chad Koehler, jefe de rigging.

BMFL WashBeam, la estrella de la noche Descrita como el brazo fuerte de la familia BMFL de la marca, la potente BMFL WashBeam integra una salida extra brillante y una gran cantidad de características sobresalientes, como framing shutters recientemente desarrollados, lentes frontales súper anchos y rueda de animación. El BMFL WashBeam es capaz de realzar cualquier espectáculo con su haz lumínico producido a través de una amplia lente frontal de 180 milímetros. La rueda de gobos giratorios con gobos cuidadosamente seleccionados garantiza muchas combinaciones de animaciones en el aire, pero también puede producir proyecciones en forma de puntos en las superficies. Cuatro rápidas shutter blades, con movimiento suave y preciso, ofrecen posiciones en ángulo individuales dentro de un marco, que a su vez puede girar 90 grados, proporcionando un marco nítido o suave, repetible con precisión para la imagen proyectada. El movimiento rápido del sistema de encuadre también permite efectos de haz de aire únicos y agregar filtros de escarcha puede mejorar la proyección al agregar toques suaves al borde del haz lumínico. El equipo de iluminación fue suministrado por Premier Global Productions desde Nashville, Tennessee. Los jefes de equipo de iluminación en el sitio fueron Anthony Kordyjaka y Jason Lanning y el equipo de video fue provisto por PRG. Los departamentos visuales también se fusionaron y administraron conjuntamente. “Incluso después de 14 años y múltiples experiencias memorables de Metallica en todo el mundo, ser parte de estos dos espectáculos fue increíble”, recuerda Rob. “Se lograron redescubrir canciones como ‘Bleeding Me’ y ‘Dirty Window’, así como ‘Fixxxer’, que encendió miles de recuerdos de una actuación repleta de momentos memorables”.

“Sobre todo, fue muy disfrutable el trabajo en equipo, bajo el control del gerente de producción, John ‘Lug’ Zajonc. La sinergia natural, además de la experiencia y la imaginación de las personas y los departamentos involucrados en la creación y realización de estos espectáculos me hace sentir orgulloso”, concluye Rob.

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ArtÍculo invitado

Por Mérlindon Crosthwaytt*

Mariana De Horta, guerrera y profesional guitar tech

n los inicios de mi enfermedad con la artritis reumatoide, durante la consulta médica, le platiqué a mi reumatólogo sobre las implicaciones corporales, psicológicas y emocionales que tenía para mí convivir todos los días con la enfermedad; de manera autoritaria, sin empatía alguna, fría y retadoramente me contestó: “Eso déjaselo a los expertos, no te corresponde a ti”, y afirmó: “¿Por ejemplo, siendo yo tu reumatólogo, me dejarías afinar tu guitarra?”, a lo que yo respondí: “Si supiera afinarla, ¿por qué no?”. El doctor guardó silencio con una molestia evidente y cambió el tema. Cómo me hubiera gustado que Mariana De Horta le hubiera explicado y enseñado a mi doctor lo que implica manejar un set de guitarra, porque tan preparado es mi reumatólogo en su carrera, como preparada Mariana en la suya como técnica de guitarra.

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De Montevideo para el mundo Mariana De Horta nació en Montevideo, la capital de Uruguay, país conocido por su interior verde y costa bordeada de playas. Esta ciudad se ubica en torno a la Plaza Independencia, donde alguna vez hubo una ciudadela española y que lleva a la Ciudad Vieja, con edificios estilo art decó, casas coloniales y el Mercado del Puerto. Mariana inició trabajando en obras de teatro infantil, donde operaba el audio, y trabajó en el festival de tango Tango Joven con el Sexteto Mayor de Tango de Buenos Aires con Raúl Garello, quien en ese momento era el director y que también era el primer Bandoneonista de la orquesta de Aníbal Troilo. También participó en varias improvisaciones, zapadas o palomazos y La Zapada fue su escuela de audio, organización dedicada a impulsar la música en Uruguay desde su Instituto de Música y Sonido (IMS), fundado en 1998 y donde se formó Mariana como profesional en grabación, amplificación y producción de música.

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Expansión y crecimiento de una valiente profesional sonora De los 23 a los 25 años, Mariana se quedó trabajando con las orquestas de tango y en un foro de rock con la banda “Triple Nelson”, cuando hubo una importante creciente en bandas de rock en Uruguay, así como un auge en las radios, entre los años 2000 y 2008. También colaboró con el Cuarteto Ricacosa, quienes reviven el tango, la milonga, el candombe, la samba y el vals criollo, entre otros ritmos. Ricacosa sigue la tradición melódica de Alfredo Zitarrosa, con tres guitarras y un guitarrón que se afina en B. “Los músicos buscan ese tipo de madera de las guitarras para sonar a esas épocas de las décadas de los años treinta, cuarenta y cincuenta”, menciona Mariana. Posteriormente, Brasil, Argentina y Paraguay se convirtieron en países de continuas giras para ella.

Desde Uruguay hasta México “A mis amigos uruguayos les gustó México y me invitaron a venir”, recuerda Mariana. Ella inició trabajando con su paisana uruguaya, la cantante y guitarrista Mint Parker, y posteriormente conoció a Karla Molkovich, quien es una excelente compositora y bajista de sesión, quien sacó su disco instrumental “Electrofunk”. Mariana inició labores en el bar y restaurante Multiforo 246, en la Ciudad de México; ahí, Mariana empezó como suplente y con el paso del tiempo quedó como titular.

Mariana recuerda sus inicios: “Como guitar tech suplente, me llamó Leonel de Panteón Rococó y me preguntó si sabía afinar guitarras. Sin saber todo lo que implicaba le dije que sí”.

¿Siendo yo tu reumatólogo, me dejarías afinar tu guitarra? Mariana recuerda sus inicios y comenta: “Como guitar tech suplente, me llamó Leonel de Panteón Rococó y me preguntó si sabía afinar guitarras. Sin saber todo lo que implicaba le dije que sí”. Acto seguido, fue a trabajar con la banda al Centro de Convenciones de Ecatepec, en el Estado de México. “No se trataba solo de afinar guitarras”, comenta; “sino de conocer y trabajar con las pedaleras y el orden de los efectos, el cableado, los tipos, colocación y marcas de micrófonos y los cambios de

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guitarras según la canción durante el show, y los cambios eran complejos. Había que marcar la zona disponible para que el guitarrista se moviera en su espacio, además de revisar voltajes y otros compromisos técnicos que iban en coordinación con cada instrumento y los ingenieros de audio”. En su reflexión, Mariana agrega lo siguiente: “Como sonidista, hacer audio detrás de una consola es distinto, mientras que como guitar tech se está dando seguridad al músico y esa es otra función, ya que hay que afinar instrumentos, checar cables y evitar ruidos. Ese es el cincuenta por ciento del trabajo, mientras que el otro cincuenta es que el músico se sienta seguro; por eso me gusta trabajar cara a cara con los artistas”. Para Mariana, saber de audio y estar del lado de los ingenieros le da más seguridad y amplitud profesional. Ella también se preparó estudiando con Kriz Ramírez (que también ha trabajado con Molotov y Gloria Trevi, entre otros), en afinación y octavación de guitarras y eso le ha brindado todos los elementos para continuar con su trabajo con Panteón Rococó hasta la fecha.

Durante el confinamiento Como sabemos, la actividad de la Industria de la Música y el Espectáculo paró completamente durante gran parte de 2020 y 2021, lo que por supuesto afectó la labor de Mariana. Sin embargo, eso ayudó para estar presente de diversas formas; ella formaba parte de la Asociación de Sonidistas del Uruguay (ASU), organización sin fines de lucro, y de la Red de Mujeres Sonidistas (RMS). “Además, en la crisis sanitaria se armó en las redes sociales un grupo de sonideras latinas de Colombia, Chile y Argentina en audio y video,” agrega con entusiasmo.

“Como sonidista, hacer audio detrás de una consola es distinto, mientras que como guitar tech se está dando seguridad al músico y esa es otra función”.

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ArtÍculo invitado

“Es importante apoyarse en los afectos y en nuestra comunidad y así encontraremos un igual para compartir, porque es noble y valiente pedir ayuda”.

Una artista humanitaria y una mujer enfocada Mariana toca la guitarra, canta y compone para sus amigos y en convivios privados. Tiene una fundación llamada “Manos Amigues”, que puede encontrarse en Facebook. Es el primer comedor comunitario LGBTTTIQ+ en la Ciudad de México y foro cultural, en la calle de Pedro Moreno 113-local A, Col. Guerrero, y nos invita de viva voz: “Son totalmente bienvenides todes; es para toda la comunidad que quiera ir”. Ahí se brindan más de 200 almuerzos diarios, además de llevar la cultura al barrio y la comunidad de la diversidad, gracias a las donaciones y apoyo de particulares, así como del gobierno. Lograron bajar la comida de costo de 15 a 11 pesos por persona y aumentaron de 100 a 200 almuerzos por día. La gente puede donar también cables, bocinas, stands y los puede contactar para ofrecer apoyo. Mujeres ingenieras o sonidistas en México Es una realidad que las mujeres son minoría en este campo. Mariana comenta: “Es una profesión de hombres y esto es un retraso”. Mariana asegura que debe juzgarse a las personas por sus capacidades profesionales y no por su género. “Desarrollarse en esta industria en México es más fácil para hombres que para las mujeres. Por ejemplo, hay una carga en los gastos de producción en vivo debido a que los managers y productores tienen que contemplar habitaciones separadas para hombres y mujeres y por lo tanto solo contratan hombres, cuando en la práctica se puede compartir habitación con buenos compañeros de trabajo”.

“Más allá de las mujeres”, comenta Mariana finalmente, “es necesario tratarnos todes como seres humanes que perseguimos sueños, seas lo quien seas, porque uno es lo que hace y lo que es. Es importante apoyarse en los afectos y en nuestra comunidad y así encontraremos un igual para compartir, porque es noble y valiente pedir ayuda. Donde comen dos, comen tres”. Temas como estos deben visibilizarse, sobre todo en los profesionales de esta industria, que han estado tan vulnerables los años pasados. Acciones como las de Mariana De Horta reflejan las ganas de superar las dificultades actuales, haciendo uso de sus talentos.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

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Por Carolina Anton*

Las letras del sonido

La voz ,

el instrumento de la emoción

e niña, yo tenía una voz muy peculiar y cuando hablaba, las personas se sorprendían porque mi voz era muy ronca. Era muy gracioso, porque les parecía muy tierna, pero el contraste con el tono de mi voz era muy drástico. Realmente mi voz era diferente y después de hacerme algunos estudios, resultó que tenía nódulos en la garganta. Los nódulos son lesiones que se tienen en las cuerdas vocales y hacen que la voz sea muy ronca; en ocasiones, dependiendo de la gravedad, pueden ocasionar otros síntomas. En mi caso no era nada grave y me recetaron terapia de la voz; es decir: ¡cantar! A mí me parecía muy divertido y relajante; no solo cantaba por diversión, como alguna vez todos lo han hecho, sino que fue una terapia que me dio muy buenos resultados en muchos sentidos. Primero comencé con ejercicios utilizando vibraciones especificas, pero poco tiempo después comencé a tomar clases de canto y solfeo, lo que me ayudó mucho, no solo para deshacer los nódulos en mis cuerdas vocales, sino en generar más felicidad y bienestar en mí. El canto y sus beneficios El cerebro, los pulmones, la postura corporal y el estado de ánimo general resultan favorecidos cuando las personas

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entonan canciones. Lo que yo descubrí y seguramente muchos de ustedes ya lo experimentaron, es que sin importar qué estilo de música se interprete, ni cómo suene para los demás, cantar ofrece otros beneficios para la salud, tanto en aspectos psicológicos como emocionales.

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Desde hace relativamente poco tiempo, la ciencia se ha dedicado a realizar estudios y experimentos acerca de los efectos de la música, que nos ayudan a entender por qué tal disciplina artística ha sido parte de la vida cotidiana desde las más antiguas culturas de la humanidad y hasta nuestros días. Uno de los principales hallazgos fue el hecho de que cantar hace que el cuerpo genere endorfinas: neurotransmisores que levantan el ánimo y nos ponen de buen humor. También se han hallado vinculaciones entre el canto y la producción de dopamina, oxitocina y serotonina, todas ellas sustancias que ayudan al cuerpo a tener una sensación de bienestar. Y además se reducen los niveles de cortisol, la hormona que el cuerpo libera como respuesta al estrés. Es decir, todos efectos alegres y positivos. Por su parte, el canto colectivo brinda de igual forma grandes beneficios; esto me recuerda cuando visité templos budistas, donde al escuchar a las personas decir/ recitar los Sutras, estos igualmente causan de manera inmediata un estado de tranquilidad y paz, gracias a las vibraciones, además del significado de los textos que se están cantando. Cuando participé en estos “cantos”, amén de sentirme relajada, también mejoró mi estado de ánimo. Para personas con problemas de depresión y tristeza, esto puede ser de mucha ayuda. Cantar requiere una concentración focalizada, que bloquea las preocupaciones y distrae de los problemas. Esto, sumado a la producción de endorfinas y demás sustancias que propician el bienestar, contribuye con la reducción del estrés. Ahora bien, la respiración es una parte fundamental de nuestro estado de ánimo; cuando nos sentimos nerviosos o tensos, nuestra respiración tiende a aumentar, sin embargo, cuando estamos tranquilos, nuestra respiración es pausada y calmada. Cuando cantamos, exigimos a nuestro cuerpo una respiración profunda y controlada que ayuda a contrarrestar la ansiedad, y cuando aprendemos canciones y las decimos, nuestro cerebro se ejercita, manteniendo una mente activa.

El aprendizaje y el entrenamiento del canto se torna en una “gimnasia mental” que promueve las nuevas sinapsis y por ende la neurogénesis y la plasticidad cerebral.

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Los pulmones y el cerebro, favorecidos por el canto Como mencionaba anteriormente, la respiración es fundamental para nuestro bienestar físico y emocional, pero también es primordial cuando cantamos. Actualmente hay varios estudios en curso que analizan los efectos específicos del canto sobre el aparato respiratorio. En 2009, un artículo científico llegó a la conclusión de que la práctica regular del canto “puede mejorar la calidad de vida y preservar la presión respiratoria máxima” de pacientes con Enfermedad Pulmonar Obstructiva Crónica (EPOC). Hay más ventajas. Las personas que cantan tienen más conexiones entre las distintas áreas del cerebro que aquellas que no cantan. Así lo afirma el neurocientífico Aniruddh D. Patel en su libro “Music, Language, and the Brain” (“La música, el lenguaje y el cerebro”), de 2008. ¿La razón? El lenguaje es una actividad que en la mayoría de los casos depende del hemisferio izquierdo del cerebro, mientras que la música -como la mayoría de las demás artes-, depende del derecho. Por eso, las canciones con letra favorecerían las interconexiones. Además, diferentes estudios han concluido que cantar podría ayudar en el tratamiento de ciertos problemas del habla, como la tartamudez y la afasia, además de otros problemas neurológicos, como lesiones cerebrales no congénitas, mal de Parkinson o trastornos del espectro autista. El aprendizaje y el entrenamiento del canto, por otra parte, se torna en una

“gimnasia mental” que promueve las nuevas sinapsis y por ende la neurogénesis y la plasticidad cerebral, algo que es clave, sobre todo en los adultos mayores, para prevenir o retrasar el deterioro cognitivo.

El cerebro, los pulmones, la postura corporal y el estado de ánimo general resultan favorecidos cuando las personas entonan canciones.

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Mejor posición corporal y otras ventajas de cantar Cantar también conlleva algunos beneficios plenamente físicos. Es el caso de la postura corporal: hay investigaciones que han demostrado que cantar de manera profesional corrige la posición de las vértebras cervicales y la hipolordosis (el aumento de la curvatura de la columna). Por otro lado, la persona que canta tiende por sí sola a adoptar posturas más correctas, gracias a que existe una relación entre la forma apropiada de colocar el cuerpo y el tono de la voz. Si a eso se suma la relajación, la mejor respiración y el menor estrés que también se derivan de cantar, suman factores para tener una postura mejor y por ende nuestro cuerpo lo agradecerá.

cantantes se sincronizan como un latido colectivo. De la misma manera, permanecer firmes en quienes somos revela que somos parte de un sistema masivo: el corazón de la humanidad. Sin pena alguna les invito a cantar para liberarse, relajarse, divertirse y sobre todo cuidarse emocionalmente. Sin saberlo tuve todos estos beneficios desde pequeña. No soy para nada buena cantante, pero definitivamente cuando lo hago, se regenera mi energía, lo que también me pasa al estar en conciertos y escuchar a todas las personas entonando la misma melodía.

*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.

Otro hecho positivo de cantar, es que a menudo enseña a articular mejor los sonidos y, en consecuencia, a pronunciar mejor las palabras. Esto es aún más evidente cuando se trata de canciones en otros idiomas. Cantar también podría tener efectos positivos para la tensión arterial, debido a que tal actividad estimula una sincronización de los patrones cardiacos y respiratorios. Cantar puede ayudarnos a mejorar el mundo Cuando comprendemos quiénes somos en esencia y qué cualidades únicas poseemos, dejamos de compararnos entre nosotros. El miedo que nos impulsa a luchar, acaparar y oprimir se transmite al cantar en una energía más liviana: la de la compasión, la generosidad y el amor. Así, nuestra nueva creatividad nos permite ver soluciones a las que quizás no estábamos abiertos antes. Este cambio positivo tiene un efecto dominó que comienza en nuestras propias vidas, luego se extiende a nuestros amigos y familiares y finalmente al mundo en general. Se ha sugerido que cantar en grupo puede resultar en un fenómeno llamado arrastre, en el que los pulsos de los

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Por Mario Santos*

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La tecnología para crear música: ¿aliada o enemiga?

ara un productor musical, compositor o músico, la tecnología es indispensable en su trabajo diario. No podemos hoy imaginar el desarrollo de nuestro trabajo sin el apoyo de ella, ya que la tecnología constituye una herramienta fundamental en el quehacer de cualquier músico. De pronto comento con algunos colegas el hecho de que el uso de la tecnología está mas relacionado con productores musicales que, por ejemplo, con un músico ejecutante de una orquesta sinfónica que se mueve en el entorno de la música de concierto. De alguna manera esto es cierto: un músico ejecutante invierte la mayor parte de su tiempo tocando y practicando su instrumento, procurando día a día mejorar la calidad de su ejecución, su técnica y su capacidad interpretativa, actividades que además requieren mantenerse practicando de manera continua durante toda su vida. Involucrarse con la

tecnología puede, en este caso, disminuir significativamente el tiempo de estudio que él mismo músico invierte buscando mantenerse como un buen ejecutante de su instrumento. El valor del tiempo También es cierto que la etapa en la que un músico construye su formación como ejecutante requiere de mucho tiempo. Al inicio, generalmente la etapa de estudiante, un ejecutante puede estudiar hasta ocho horas diarias con el propósito de dominar la ejecución de su instrumento. Aún recuerdo mis largas jornadas de estudio frente al piano en mi juventud. En etapas posteriores, cuando un músico se adentra en el ámbito profesional, las actividades inherentes al ejercicio profesional provocan una disminución natural del tiempo invertido para practicar. En estas etapas, los músicos continuamos

Dr. Krápula

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practicando, por supuesto, pero sin duda, tenemos menos tiempo que aquel valioso que teníamos en nuestras etapas como estudiantes. Ahora bien, un productor musical se dedica de tiempo completo a crear música y dirigir proyectos, de tal forma que su relación con la tecnología es mucho más común y estrecha. Un productor musical necesita “practicar” a diario en su estudio de grabación para obtener un buen sonido, cómo desarrollar un cierto concepto musical, cómo combinar los distintos elementos musicales en un arreglo musical y muchas veces crear él mismo el arreglo musical o en colaboración con otros músicos. Los recursos tecnológicos actuales obligan a un productor musical a conocer y saber utilizar dichos recursos y a invertir cierto presupuesto en adquirir estas herramientas, con la meta de obtener un mejor resultado musical.

Por otro lado, un compositor actualmente requiere de igual forma de la tecnología. Las ventajas que hoy ofrecen los programas de escritura musical, gracias a los cuales hoy un compositor puede sonar sus ideas a través de ciertas librerías de sonidos que emulan instrumentos reales, es una herramienta invaluable. Debo mencionar en este punto que a pesar de estas ventajas descritas, el insustituible hecho de sonar la música que uno escribe con músicos reales, representa diferencias fundamentales con respecto al uso de las herramientas tecnológicas que también es necesario considerar. Es aquí donde muchas veces discutimos si la tecnología que puede representar una aliada conveniente para un creador musical, puede también representar un obstáculo por el hecho de que en el mundo real, las cosas son muy distintas. La tecnología según los requerimientos Yo personalmente considero que la tecnología bien aplicada es una gran herramienta creativa, y creo también que mucho depende del tipo de música que uno realiza. Para tener una idea equilibrada que plantee la posibilidad del uso de la tecnología o opción por no usarla, en el caso de la emulación de instrumentos, me parece necesario conocer ambos mundos. Si un músico conoce los fundamentos técnicos de un instrumento musical en la realidad, es mucho más probable que pueda emular ese mismo instrumento de manera virtual. De otra manera, la tecnología puede proveer los sonidos y librerías y la opción de programar un instrumento como le venga en gana, pero con el riesgo de que al intentar grabarlo con un músico real, sus ideas no puedan ser ejecutables por un instrumentista, por el simple hecho de desconocer la naturaleza misma del instrumento y los fundamentos de su ejecución. Ahora bien, insisto en que mucho depende el éxito en el uso de la tecnología del tipo de música que uno compone, produce o ejecuta. La música electrónica nace naturalmente a través del uso de medios virtuales y electrónicos, de tal manera que el uso de la tecnología es parte indispensable del proceso creativo.

Afro Peruvian Orchestra

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La música pop puede combinar el uso de la tecnología y la participación de elementos musicales que no se produzcan más que a través de una ejecución por parte de un músico invitado al estudio. Una banda de rock normalmente se fundamenta en la ejecución musical de los miembros de la banda, aunque pueda integrar otros elementos adicionales. De cualquier manera, la tecnología no se limita exclusivamente al hecho de ejecutar instrumentos reales o virtuales. La tecnología hoy es necesaria para grabar cualquier fuente sonora a través de los programas de grabación llamados por sus siglas en inglés DAW (Digital Audio Workstation o Estaciones de Audio Digital): Pro Tools, Logic, Ableton Live, Reaper y demás. El uso de la tecnología igualmente ha tomado importancia en todos los procesos de grabación, edición, manipulación de las fuentes sonoras e incluso en todos los procesos de post-producción, sincronización a imagen y de manera fundamental en simplificar el trabajo colaborativo a distancia, almacenamiento en la nube, el envío y recepción de archivos, así como muchos otros procesos involucrados en el quehacer musical. Internet es parte fundamental de la realidad tecnológica que vivimos actualmente.

• Recursos para grabar y mezclar música: una computadora, interfaz de audio, dos buenas bocinas, plug ins, DAW, Pro Tools y Logic, en mi caso. • Recursos tecnológicos para escribir música: Sibelius y Note Performer 3 como librería de sonidos, en mi caso. • Recursos tecnológicos para dar clases de música: Screenflow, Keynote, Classroom y varias herramientas de Google.

La China Sonidera Por ello, considero que a reserva de que un músico se dedique profesionalmente a la producción musical, toque como instrumentista en una orquesta sinfónica o en una banda de blues, la tecnología está presente a disposición de cualquiera de nosotros para brindarnos herramientas que bien usadas, facilitan nuestro trabajo profesional. En mi caso, la tecnología me asiste en las actividades esenciales que desarrollo como productor musical, compositor, arreglista y músico a través de distintos tipos de herramientas tecnológicas: • Recursos tecnológicos para componer música: un controlador MIDI, micrófonos, DAW, sintetizadores virtuales, programas para crear música y librerías de instrumentos y sonidos especializados, como Komplete y otros en mi caso.

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La conformación de todos estos recursos lleva tiempo y recursos económicos que deben invertirse paralelamente al flujo de los proyectos y del mismo trabajo, siendo un proceso que debe mantenerse en una constante actualización para garantizar que tu equipo de trabajo sea eficiente. Aunque sea un tema recurrente, la queja de muchos productores y músicos, incluido yo mismo, por la obsolescencia programada que las compañías fabricantes de estos recursos tecnológicos ejercen sobre nosotros, los usuarios, la realidad es que hoy necesitamos de la tecnología para poder desarrollar mucho de nuestro trabajo. Y considero como punto final que si bien podemos depender en mayor o menor medida de las herramientas tecnológicas disponibles, estos recursos representan un gran apoyo para quienes saben usarlos; para quienes saben distinguir que detrás de cualquier uso tecnológico, existe siempre un ser creativo que las utiliza en favor de sus propios fines artísticos.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

www.gonher.com

administracion.ventas01@gonher.com

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Notas del medio

Un camino para descubrir el mundo del audio

Imaginemos que existe un lugar en el que podemos encontrar a personajes sobresalientes del audio profesional en Latinoamérica, en quehaceres como el sonido en vivo o en estudio y que nos cuentan parte de su historia profesional y cómo hacen uso de las distintas herramientas tecnológicas. ¿Verdad que sí nos lo imaginamos? Lo mejor es que ese espacio existe y que con una computadora o dispositivo portátil podemos acceder a las historias de estos profesionales en un momento. Estas historias se pueden conocer a través del blog de Avid llamado Canal Auditivo, que en la dirección connect.avid.com/canal-auditivo-lp nos ofrece testimonios de profesionales sonoros que nos llevarán a conocer los detalles de su trabajo con los equipos de la marca, que goza de una presencia fuerte en la región latinoamericana. La actualización de Canal Auditivo ha sido constante y abarca distintas áreas del sonido; así, podemos encontrar una charla con Rubén López, productor e ingeniero mexicano de larga trayectoria y que narra un poco de los proyectos en los que ha participado, además del flujo de trabajo en Pro Tools a lo largo de su carrera y en concreto de su trabajo con Natalia Lafourcade. Rubén ha trabajado con artistas como Wilfrido Vargas, Juan Gabriel, Armando Manzanero y Luciano Pavarotti y entre los productos Avid que utiliza están las consolas Venue SC48 y S6L.

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Notas del medio

Otra de las ingenieras de audio entrevistadas para Canal Auditivo es Carolina Anton, que ha trabajado en sala y monitores en giras internacionales de Kool & The Gang, Janelle Monáe, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui, entre otros, y que además dirige SoundGirls México, organización que visibiliza el trabajo de las mujeres en la industria del audio. Carolina cuenta en este encuentro que usa Pro Tools, ya que goza de mucha compatibilidad con otros equipos y que la consola S6L para sonido en vivo lo refuerza, ya que se puede grabar directo a Pro Tools.

Fama (compositora y productora musical), Maga Martinho (producción y sonido en vivo), Marisa (música y compositora), Raquel Castaño (postproductora de audio), Andrea Fernández Santillán (ingeniera de audio, productora musical y cantante) y Nico Morbelli (ingeniero de audio en Music hub).

Dos historias que llaman la atención en el blog son las de Carlos Cortés y David London, quienes cuentan los desafíos que representó trabajar en Sound of Metal, la película ganadora del Oscar al mejor sonido, además de todas las anécdotas que compartió Gustavo “Pichón” Dalpont durante su entrevista, que enmarcó su carrera como un gran profesional del sonido que ha trabajado con artistas como Mercedes Sosa, Charly García, Chayanne, Marc Anthony y Jennifer López, entre muchos otros. En Canal Auditivo también se pueden encontrar testimonios de la nueva generación del audio, que cuentan cómo se interesaron en el mundo del sonido, hacia dónde han dirigido sus carreras, cómo conocieron los equipos Avid y en qué proyectos los han usado. Ahí podemos conocer a jóvenes profesionales como Yanina Mora (música y postproductora de audio), Paulina Chiarantano (productora de audio), Carla Gatica (ingeniera de grabación, edición, mezcla y sonido en vivo), Natalia Sotelo (operadora de audio en vivo), Jimena

Las historias de los profesionales del sonido son interminables y el blog Canal Auditivo de Avid ha tenido el buen tino de compartirlas, porque siempre habrá alguien que quiera saber cómo caminar para desarrollarse en el audio, o simplemente conocer quién y cómo ha creado esas obras sonoras que tanto admiramos.

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Un encuentro con

Por Juan Carlos Flores

Los hermanos Córdova. Grupo Acme en la producción mexicana

as historias detrás de las grandes empresas de producción en México son variadas. Los emprendimientos oportunos de audaces personajes han marcado los inicios de la evolución de la industria y en el caso del mundo de los escenarios, en esta ocasión estamos en Acme, compañía fundada en Guadalajara por los hermanos Ignacio y Alejandro Córdova Navarro y que recién cumple 31 años respaldando grandes eventos en México y Sudamérica. Su generosidad y calidad humana y su disposición para apoyar nuevos talentos técnicos y empresariales han contribuido a su prestigio por estas tres décadas. La música como detonante Los hermanos inician la narración de su historia y Nacho es quien abre nuestra conversación: “Nosotros provenimos de Atotonilco el Alto, Jalisco. Mi madre enviudó a los 27 años, con ocho hijos y cuando nuestro papá fallece, ella nos trae a Guadalajara, en busca de mejores condiciones de vida. Nuestra ascendencia es muy marcada en cuanto a músicos y artistas, aunque mi padre fue un médico muy conocido en toda la zona de Los Altos. Desde niños íbamos mucho a las Fiestas de Octubre, a las que llevaban muchos espectáculos y siempre nos gustó mucho el mundo de los artistas, esa magia. Así, a Alex se le dio el canto y yo tomé la guitarra”. Alex interviene: “Desde pequeños nos apasionaba la música y el trabajo, gracias a que nuestra madre se lo inculcó a toda la familia para salir adelante. Desde los seis años empacábamos bolsas en el supermercado o lavábamos coches y acompañábamos a mamá a su trabajo, vendiendo seguros. Ella nos empezó a formar en el comercio y de la familia, Nacho y yo fuimos los que más nos interesamos en esto y en las ventas”. Alejandro nos comparte cómo un proyecto musical derivó en la génesis de Acme: “Para nosotros fue paralelo el tema de Soléa -el grupo musical con el cual ofrecíamos conciertos y tocábamos en eventos-, con el de la creación de la empresa, ya que ante la necesidad de tener un equipo propio y dar seguridad a las exigencias del mismo grupo, Nacho y yo decidimos invertir. Iniciamos con lo que podíamos: procesadores, ecualizadores, bases y bocinas. Hubo un momento en que, a sugerencia, impulso y asesoría de nuestro entonces ingeniero Mauricio Ramírez “Magú”, empezamos invertir un poco más en equipo.

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Un encuentro con

Teníamos un poco de temor, porque de fierros no sabíamos nada, pero Luis Navarro, un integrante de la banda, ofreció hacerse cargo de este aspecto y dimos el paso en 1991, para hacerlo más formal. Así se dio la creación de Acme”. Alex continúa: “Siempre nos gustó la formalidad y la puntualidad. Con esta filosofía, la cual compartíamos con nuestro staff, fuimos evolucionando más rápido como compañía y pudimos tener un nombre en poco tiempo. Nacho recuerda: “Un día fuimos a McAllen y adquirimos una consola Midas XL200, así como el que fue el primer sistema EAW KF850 en México, a sugerencia de Magú. Con esta adquisición dimos el brinco para empezar a rentar y producir grupos de otro nivel. Curiosamente, durante la primera etapa, el equipo estuvo parado y no había rentas. Un poco desesperados Nacho y yo, usábamos el sistema en bodas, fiestas y en primeras comuniones, y de ahí aprendimos a hacer logística, que es una de nuestras facetas más recurrentes. A pesar de eso, y tomando en cuenta que en ese momento el objetivo era otro, vinieron los reclamos hacia Magú, que había estudiado las tendencias de lo que pasaba en el mundo, y nos respondió que era una cuestión de seis meses para que nuestro negocio floreciera. Finalmente, al venir este cambio, fuimos los primeros beneficiados”. “Excelentes artistas se empezaron a fijar en nosotros. Bandas como La Unión y músicos como Benny Ibarra y Erick Rubín. Un día nos buscaron grupos internacionales como Gustavo Cerati y Los Fabulosos Cadillacs a pedir equipos como la consola Midas. Ahí es donde se dio realmente el boom de Acme, lo nos permitió ahorrar y reinvertir con mucho amor y trabajo, siempre bajo el mismo estándar de calidad. Hemos sido muy afortunados por Dios, la vida y el universo, ya que Acme nunca ha tenido un solo accidente de ningún tipo en estos treinta y un años”. Si no amas Tajín, déjalo Las anécdotas afloran y Alejandro comparte lo sucedido en la realización de la primera edición del Festival Cumbre Tajín, en Veracruz, en el inicio de la primavera del año 2000: “Éste fue uno de los eventos y vivencias más intensas para Nacho y para mí. La preproducción y montaje nos llevó seis meses y del staff inicial de 300 personas, acabamos con 7,800, a las que había que darles de desayunar, comer y cenar. No podíamos pisar el pasto y se tenía que poner triplay para cargar todo a lo largo de varios kilómetros. Toda esta vivencia fue algo

Destacados de Acme Cumbre Tajín (primera edición) Teletón (20 años en México y Centroamérica) Dos visitas papales Conferencia Nacional de Gobernadores (logística de 35 ediciones) Cumbre Iberoamericana de Jefes de Estado Encuentro Internacional del Mariachi (15 años ininterrumpidos) Luciano Pavarotti (última gira) Ceremonia del Grito de Independencia (Zócalo, CDMX) Roger Waters (Refuerzo) maravilloso, pero también muy pesado, con mucho calor y animales. Como una gran anécdota, una semana antes de la realización, llegó un norte y llovía día y noche. Todas las tablas se tuvieron que cambiar junto con el total de camerinos. Se inundó todo y hubo que revisar todo el cableado. Entonces se mandó convocar una cita con un chamán, quien nos dijo que seguiría lloviendo, pero que el evento sí se realizaría. Nosotros continuamos esperando con el equipo cubierto y seguía lloviendo, por lo que todos estábamos muy desanimados, pero cuando estaba programado el inicio, mágicamente cayó la última gota, las espesas nubes se despejaron, el cielo se abrió y el evento se llevó a cabo sin contratiempos. Esta experiencia fue muy importante para nosotros”. Algunas de las existencias de Acme Altavoces Meyer Sound Milo, M2D Subwoofers Meyer Sound 700 HP Altavoces EAW KF 850 Subwoofers EAW SB 850 Monitores EAW SM500 Altavoces HK Consolas Yamaha PM5D, M7CL, 01V, PM5000 Midas XL200

Micrófonía Shure Sistemas inalámbricos Alámbricos, diademas, de solapa Para conferencias Luminarias Robóticas,spot y wash Leekos Par LED Antiaéreos Arquitectónicas

Para finalizar, cada uno de los hermanos define a Acme con una palabra: Nacho la refleja con la palabra “servicio”. “Nosotros siempre estamos en los eventos y jamás los dejamos en manos de alguien que no pueda resolver. Siempre estaremos ahí”. Por su parte, Alex menciona: “Yo la definiría con la palabra ‘gracias’. Agradecemos a todos los que han confiado en nosotros en tantos años, así como por todo lo que nos han enseñado. Es la definición más importante para nosotros: agradecer a nuestros clientes y proveedores”.

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Avances sound:check Xpo

¡El regreso es un hecho!

orque el show debe continuar, estamos listos y felices para recibir a todos los profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo al evento más importante en su tipo en México y Latinoamérica. Después de largos meses de espera y de cambios en la fecha que fueron para todos difíciles, los próximos 3, 4 y 5 de abril, en una edición híbrida, sound:check Xpo regresa renovada, como los tiempos lo exigen. En su versión presencial, sound:check Xpo abrirá sus puertas en el World Trade Center Ciudad de México, recinto de todas sus ediciones anteriores. Ahí podrán encontrarse los espacios dedicados para ver, escuchar y tocar todos los elementos necesarios para el trabajo profesional de los profesionales del espectáculo. Además, productores, jefes y técnicos de escenario, ingenieros de audio en vivo y estudio, diseñadores de iluminación y video y riggers, entre muchos otros, se encontrarán para realizar el tan necesario networking, que hoy, más que nunca, es factor esencial para reactivar sus actividades. En la Sala Mexica, en el segundo nivel del WTC, como es tradición, se podrán recorrer los pasillos del piso de exhibición, con los stands que llevarán las marcas más importantes para el buen hacer en la Industria de la Música y el Espectáculo. Además, las Salas Demo también estarán abiertas para conocer más de cerca los equipos que hasta allá llegarán.

estarán presentes. La programación cuenta con Ely Guerra, cantante y compositora de gran carrera en México, así como el ingeniero de audio y productor discográfico Toby Scott, que colaboró en las facetas más importantes en la carrera de Bruce Springsteen y que estará acompañado de John Krivit (expresidente de la Audio Engineering Society). Además, tendremos la presencia de Paulina Villarreal, baterista de la banda The Warning, quien a su corta edad goza ya de gran reconocimiento en el mundo musical.

Auditorio Harman Las masterclasses son actividades muy apreciadas en sound:check Xpo y en esta edición número 18, contaremos con tres sesiones en el Auditorio Harman, como ha ocurrido en ediciones anteriores, en los que la experiencia y la juventud Ely Guerra sound:check

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John Krivit

Toby Scott

Educación para la reactivación Para sound:check Xpo, la capacitación ha sido piedra angular para el desarrollo de la Industria y en estos momentos de reactivación se requiere más que nunca de estar al día. Es por eso que una de las zonas que cobra más importancia es la Jornada Educativa, que se ubicará en el Mezzanine del WTC y que constará de las sesiones llamadas Tendencias Tecnológicas, en las que se podrán encontrar temas de interés para los profesionales, como el protocolo Dante, además de sesiones de marcas como Sennheiser y Neumann, que impartirán temas como “Deconstruyendo y entendiendo un rider enfocado a microfonía” y “Montaje de una sala Atmos con monitores Neumann”, en las voces de Alan Saucedo, Dano Martínez y Vicente Sanfuentes.

Dano Martínez

La virtualidad, un mar de posibilidades El periodo de aislamiento en el que todos estuvimos inmersos nos obligó a innovar para continuar con nuestras actividades y uno de estos recursos fue la realización de eventos en la virtualidad. sound:check Xpo lo tiene muy presente y es por eso que ofrecerá una versión on line, de manera que desde la página www.soundcheckexpo.com.mx podremos acceder a los equipos que los expositores tengan disponibles, realizar citas de manera virtual y continuar con el networking. Además, en esta versión se transmitirán las Masterclasses y las conferencias al día siguiente, por lo que desde cualquier lugar del mundo podremos estar al tanto del evento.

Alan Saucedo

Otras marcas estarán presentes en la Jornada Educativa y ofrecerán actualizaciones en equipos, software y otros temas. Entre ellas se encuentran L- Acoustics, Chamsys, Shure, Elation y LCI Seguros. Y como una presencia que impartirá mucho de su conocimiento y larga experiencia en producción de espectáculos, tendremos a Paco Paz Botello, con su sesión “Produciendo el cambio”. Paco Paz Botello Por su parte, y gracias al Centro de Creadores Musicales (CCM), en este espacio se ofrecerá el programa “De músico a músico”, que abarcará temas como “Creando mi proyecto musical”, “Produciendo mi proyecto musical” y “Promoviendo mi proyecto musical”, además de dar a conocer lo que el CCM ofrece como institución educativa.

¡Bienvenidos todos a este regreso! Vamos a fortalecernos juntos, porque la Industria de la Música y el Espectáculo se lo merece. Los esperamos los próximos 4, 5 y 6 de abril en la edición híbrida de sound:check Xpo, en el WTC CDMX y en www.soundcheckexpo.com.mx. El registro está abierto. ¡Allá nos vemos!

La industria de la música y el espectáculo

sound:check

Índice de Anunciantes

OPTOMA t. 55 3300 4550 Representaciones www.rda.com.mx de Audio

t. 55 9183 2700, 800 00 38 274 iluminacion@varinter.com.mx

PREMIO JAZZ JOVEN www.onjmx.org

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21 SENNHEISER

ANTENA STUDIO contacto@antenastudio.com www.antenastudio.com AVID Vari Internacional

BOYA Gonher 27

CCM www.centrocreadoresmusicales.com Centro de Creadores Musicales

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EJECUTANTES

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HOTONE Gonher

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IEA MASTERING ieamastering@gmail.com

KÖNIG & MEYER t. 55 3300 4550 Representaciones www.rda.com.mx de Audio

LAKE Gonher

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MAAAC

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NEUTRIK Vari Internacional

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NUX Gonher

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t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.com www.gonher.com

La industria de la música y el espectáculo

sennlatam@sennheiser.com www.sennheiser.com

SGM t. 55 3300 4550 Representaciones www.rda.com.mx de Audio

4 F SHURE t. 55 3300 4550, 55 3300 4569 Representaciones www.shure.com.mx de Audio www.rda.com.mx 02 03

SOUND:CHECK XPO 2022 t. 55 5240 1202 www.soundcheckexpo.com.mx

STRAND Strand Lighting

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SOUND:CHECK Soundcheck Magazine

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SONOR Gonher 29

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