Revista Summus 20 by Juan Fernandez

L U J O

C O N

I N T E L I G E N C I A

Rafael Gomezbarros :E

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En tu cara, exposición fotográfica de

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Mario Testino

Número 20. Diciembre 2012-Marzo 2013 / Colombia: $12.000

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EDICIĂ&#x201C;N NÂ° Ë&#x17E;Ë&#x153;

DIRECTOR

COLABORADORES PERMANENTES

Juan FernĂĄndez

AndrĂŠs RamĂrez Ricardo Kling Carlos Ferreirinha

ASESORES EDITORIALES

Cristina Grajales Poli Mallarino Ruven Afanador Ricardo Kling AndrĂŠs RamĂrez

LeĂłn Tovar Fernando CarreĂąo COLABORADORES EN ESTA EDICIĂ&#x201C;N

Carlos Felipe Angulo Catalina GĂłmez Andrea Mendoza AndrĂŠs Felipe Solano Vanessa Restrepo de Rinkel Sophie Doran

DIRECTOR DE ARTE

Pablo Barreto ASESOR GRĂ FICO

DarĂo Forero A. RETOQUE FOTOGRĂ FICO

AndrĂŠs GachancipĂĄ

DISEĂ&#x2018;O

MĂłnica VĂĄsquez Vargas PREPRENSA

ProducciĂłn El Espectador

EDITORA DE FOTOGRAFĂ?A

Natalia Hoyos CORRECCIĂ&#x201C;N DE ESTILO

Jairo Galvis Henao Juan SebastiĂĄn SĂĄnchez

PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR

FOTO PORTADA

Gonzalo CĂłrdoba M.

Tom Brady por Mario Testino CortesĂa Museo de Bellas Artes de Boston

Fidel Cano C.

DIRECTOR

FOTOGRAFĂ?A

GERENTE

Natalia Hoyos Kaveh Kazemi Andrea Mandoza AndrĂŠs Felipe Solano

Eduardo GarcĂŠs GERENTE DE PRODUCCIĂ&#x201C;N

Fabio Chica

IMPRESO EN PRINTER COLOMBIANA

VENTAS PUBLICIDAD 5A@?GF36AD Ë&#x17E;Ë&#x153;Ë?Ë&#x153;Ë?Ë&#x161;Ë&#x161; 83J Ë&#x17E;Ë&#x161;Ë&#x;Ë&#x;ËĄË&#x161;Ë&#x161; ! 3H 7> 6AD36A @Âş Ë ËŁËŞËĄË 4A9AFĂ&#x2013;

DIRECTORA COMERCIAL

MEDELLĂ?N

CALI

VENTAS INTERNACIONALES

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ELIZABETH VILLEGAS

MARTINA NIESSEN BARTH

JUAN GABRIEL SANTAMARĂ?A

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VICEPRESIDENTE COMERCIAL CARACOL COMERCIALIZADORA DE MEDIOS:

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MAURICIO UMAĂ&#x2018;A BLANCHE

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EL CAMINO DE RAFAEL GOMEZBARROS 46

Christie’s acaba de subastar una obra suya. Ahora puede vivir libre, para y por su obra, que explora los problemas sociales del hombre contemporáneo.

Natalia Hoyos

Foto

Pág. 26

En tu cara

Pág. 66

Una metrópoli a la altura

Pág. 82

Isla de Reyes

Pág. 40

Una foto a la antigua

Pág. 70

Refugios primitivos

Pág. 88

De donde viene el té verde

Pág. 60

Con un aire Kish

Pág. 78

De camping

CRISIS… ¿CUÁL CRISIS? 44

Detalle de obra

Las más recientes subastas de arte contemporáneo y de Posguerra de Sotheby’s y Christie’s pusieron en evidencia que los vientos de crisis económica están lejos de impactar el mercado del arte internacional.

Francis Bacon (Pope) / Cortesía Sotheby’s

LA REVELACIÓN PAULISTA 92

Foto

Bel Coelho es la chef del momento en São Paulo. El suyo no es un restaurante de moda, es el lugar donde se ofrece una de las mejores cocinas de autor de Brasil.

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EL JOVEN METAL NOBLE 102

Foto

Cortesía Chopard

La historia detrás del platino, uno de los metales más apetecidos por las casas relojeras.

POR SIEMPRE

MARILYN

106

Foto

Cecil Beaton / Cortesía Museo Salvatore Ferragamo

El Museo de Salvatore Ferragamo presenta una exposición en homenaje a los cincuenta años de la muerte de Marilyn Monroe, que incluye una colección de sus prendas, obras de arte y manuscritos inéditos.

Carta del director

Juan Fernández ]YXeaTaWXm3X_XþXÿTWbe!Vb` El Museo de Bellas Artes de Boston ha seleccionado algunas de las mejores fotografías de Mario Testino para elogiar los treinta años de su carrera. Testino nació en Lima y llegó a Londres en 1976 para convertirse en uno de los fotógrafos más influyentes del mundo. Es común ver las imágenes de las celebridades que capta en las páginas de revistas como Vogue, Vanity Fair y V, así como sus contribuciones a campañas de publicidad de casas de belleza y moda como Gucci, Burberry, Versace y Dolce & Gabbana. También es conocido por ser el encargado de retratar a la Familia Real Británica, y saber algunos de sus secretos. Es la primera vez que un museo estadounidense presenta su trabajo. Con esas imágenes celebramos la edición número 20 de esta revista, en la que, como siempre, contamos historias sorprendentes de habitantes globales que convierten lo ordinario en extraordinario. En Bogotá visitamos el estudio de Rafael Gomezbarros, un artista joven que ha expuesto en las galerías más importantes de Colombia y que, ahora, dice, puede vivir libre para y por su arte, después de que obras suyas fueran subastadas en Christie’s. La suya es una obra que vale la pena resaltar, puesto que transita por los caminos más cercanos a los problemas sociales del hombre contemporáneo. Lugares visitamos con frecuencia. Esta vez estuvimos en la isla de Kish, el que fuera el sitio favorito de Reza Pahlavi, el antiguo sah de Persia. Fue allí, en el Golfo Pérsico, donde el monarca construyó un extravagante paraíso que incluía, entre otras excentricidades, un

aeropuerto en el que podía aterrizar un Concorde. Todo para recibir a los invitados de sus fastuosas fiestas. El recorrido continúa por pueblos distantes que fueron testigos del nacimiento de la historia de la humanidad, cuando el hombre habitaba en rocas. Se trata de Metéora, Grecia; Matera y Alberobello, en el sur de Italia; Capadocia, en el centro de Turquía, y Anegundi, en la India. Cuatro destinos para no olvidar. Un placer también fue descubrir el lugar de donde viene el té verde, considerado un elixir capaz de equilibrar el cuerpo y la mente. Un viaje al corazón agrícola de Corea, una región en la que se cosecha y se produce de manera artesanal el té más exquisito del mundo. Desde oriente saltamos a São Paulo. Estábamos en mora de contactar a Bel Coehlo, la chef del momento en esa ciudad, quien ofrece una de las mejores cocinas de autor de Brasil en su restaurante Diu. También vale la pena visitar un segundo local, que ha bautizado como Clandestino. Únicamente abre los jueves y ofrece un menú de degustación para un número de comensales que no sobrepasa los quince. Y así como el Museo de Bellas Artes de Boston celebra los treinta años de carrera de Mario Testino, el Museo de Salvatore Ferragamo, ubicado en Florencia, Italia, presenta una exposición en homenaje a los cincuenta años de la muerte de Marilyn Monroe. La exposición incluye una colección de las prendas personales de la actriz, obras de arte y manuscritos inéditos. Estas son las historias que solo encuentra en Summus.

Historias con alcance global Infografía

Por el camino distinto Por Carlos Felipe Angulo Bogotá

Crisis… ¿Cuál crisis? Por León Tovar Nueva York

Por Andrés Ramírez Florencia, Italia

De donde viene el té verde Por Andrés Felipe Solano Indasong, Corea del Sur

Por Catalina Gómez Ángel Isla de Kish

Por siempre Marilyn

La revelación paulista Por Juan Fernández São Paulo

Con un aire Kish

b+s

EN LA CIMA @Te\b GXĀ\ab 8a gh VTeT

Foto

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ENLACIMA

MARIO TESTINO EN TU CARA Tres décadas de arte El Museo de Bellas Artes de Boston presenta por primera vez en Estados Unidos la obra del fotógrafo de modas Mario Testino. La muestra hace parte de la celebración de sus primeros treinta años de carrera: una selección de sus mejores retratos, acompañados de imágenes inéditas de la familia Real Británica.

Por Fotos

Andrés Ramírez Cortes S ?fdV` UV 4V]]Sd 3ceVd UV 4`þ`_

ENLACIMA

LAS IMÁGENES DE TESTINO SIEMPRE ESTÁN CARGADAS CON UN AURA DRAMÁTICA QUE JUNTA EL GLAMOUR CON LA PROVOCACIÓN. SU IDEA HA SIDO LLEVAR LA MODA A UN ESCENARIO MENOS PERFECTO Y MÁS REAL.

Mario Testino se ha convertido en una de las piezas más importantes dentro del complejo engranaje del circuito de la moda internacional. Nacido en Lima, Perú, este audaz fotógrafo ha sido capaz de transcender el papel funcional de las imágenes para alcanzar el estatus de creador de una estética particular. Algo que en la actualidad, y más aún para un fotógrafo, es casi una excentricidad. Las imágenes de Testino siempre están cargadas con un aura dramática que junta el glamour con la provocación. Su idea ha sido llevar la moda a un escenario menos perfecto y más real. Por eso es común ver en su trabajo a divas de Hollywood como Jennifer López posando con la rudeza de una boxeadora, o a la modelo Kate Moss retratada sin maquillaje después de una sórdida noche de fiesta. Las páginas de las revistas Vogue, Vanity Fair y V han sido la casa de este fotógrafo durante las últimas tres décadas. Frente a su cámara han desfilado las celebridades más codiciadas y los personajes más influyentes, quienes uno a uno han hecho a un lado sus prejuicios para dejarse llevar por el lente provocador del peruano. Esta trayectoria editorial y publicitaria le ha valido a Testino el honor de presentar sus imágenes en Museos de España, Inglaterra, Italia, Perú, Japón y China. El Museo de Bellas Artes de Boston acaba de inaugurar la primera exposición de este peruano en Estados Unidos, dividida en dos partes: In Your Face y British Royal Portraits.

Mario Testino por Eddie Wrey

ENLACIMA

Carmen Kass Los Angeles 2009

ENLACIMA

La primera parte de la exposición consta de 122 fotografías de figuras heterogéneas como las modelos Gisele Bündchen y Kate Moss; las actrices Nicole Kidman y Gwyneth Paltrow; los músicos Mick Jagger, Madonna y Lady Gaga; y los deportistas David Beckham y Tom Brady, solo por mencionar algunos. “Las fotografías de Mario Testino están llenas de color, movimiento y provocación. Él es uno de los creadores más importantes de nuestro tiempo. In Your Face

Meghan Douglas París 1995

ofrece a los espectadores una delirante experiencia visual que une el mundo de la moda con el arte, mientras que British Royal Portraits presenta una faceta más personal de la casa real Británica”, dice Malcolm Rogers, director del Museo de Bellas Artes de Boston. Testino escogió las imágenes de esta exposición, por eso las fotografías ofrecen una completa retrospectiva de la prolífica carrera del peruano, la cual se inició con su llegada a Londres

ENLACIMA

en 1976. Después de un duro comienzo en la capital británica en el que tuvo incluso que vender portarretratos en la calle, Testino se obsesionó con la fotografía y la estudió de manera autodidacta. A los pocos años inició el camino que hoy se puede ver en perspectiva en In Your Face, el cual ilustra el viaje del fotógrafo en busca de la belleza, la elegancia y la lujuria. “Para mí es un honor haber sido invitado a mostrar mi trabajo a través de estas dos exhibiciones, las cuales se constituyen en un documento muy personal de los últimos 30 años de mi vida que he dedicado completamente a la fotografía”, dijo Testino durante la ceremonia de apertura de la exposición. En la entrada de la Galería Gund del Museo de Bellas Artes de Boston cuelgan 16 pantallas que muestran el proceso creativo del fotógrafo. En esta sección los espectadores pueden sentir a Testino en acción, ver la forma en la que dirige a su equipo de producción y a los personajes frente a su cámara. Las siguientes salas contienen imágenes aleatorias y de diferente formato de estrellas como Keith Richards,

TESTINO SE OBSESIONÓ CON LA FOTOGRAFÍA Y LA ESTUDIÓ DE MANERA AUTODIDACTA. A LOS POCOS AÑOS INICIÓ EL CAMINO QUE HOY SE PUEDE VER EN PERSPECTIVA EN IN YOUR FACE, EL CUAL ILUSTRA EL VIAJE DEL FOTÓGRAFO EN BUSCA DE LA BELLEZA, LA ELEGANCIA Y LA LUJURIA. b a

Gisele Bundchen New York 2007

Gwyneth Paltrow Paris 2005

ENLACIMA

Mario Testino por Alex Bramall

TESTINO ESCOGIÓ LAS IMÁGENES DE ESTA EXPOSICIÓN. POR ESO LAS FOTOGRAFÍAS OFRECEN UNA COMPLETA RETROSPECTIVA DE LA PROLÍFICA CARRERA DEL PERUANO, LA CUAL SE INICIÓ CON SU ??8:474 4 ?BA7E8F 8A ˝˥ˣˢ! Kate Winslet y Ashton Kutcher, junto a escenas de fiestas glamurosas, desnudos al aire libre y retratos en blanco y negro.

RETRATOS REALES Mario Testino es conocido por ser el encargado de retratar a la Familia Real Británica. Este trabajo le ha sido comisionado durante toda su carrera. Para la exposición British Royal Portraits, que se presenta en la Galería Herb Ritts, Testino escogió una serie de imágenes que revelan la cercanía que ha establecido con la Casa Real: “soy muy afortunado al haber podido documentar momentos clave de la vida de la Familia Real. Me inspira el sentido de tradición y el compromiso con el deber que tienen los miembros de esta familia, por eso siempre será un

Stella Tennant New York 2006

ENLACIMA

Su alteza real príncipe de Gales, Su alteza real príncipe Guillermo y Su alteza real príncipe Harry Londres 2004

gran honor para mí fotografiarlos. Estoy emocionado por poder mostrar por primera vez este trabajo de manera conjunta”, dice Testino. British Royal Portraits presenta por primera en Estados Unidos las fotografías del compromiso entre Kate Middleton, duquesa de Cambridge, y el príncipe Guillermo. Además muestra una serie inédita de fotografías en blanco y negro de Diana Spencer, princesa de Gales, y un retrato que apareció en 1997 en la revista Vanity Fair, el cual fue la última imagen oficial tomada a la princesa antes de su muerte. La muestra también incluye retratos de la familia en actividades cotidianas y retratos del príncipe Carlos y sus hijos Guillermo y Harry en jornadas de cacería y juegos de polo. Según la periodista española Laura Revuelta, “hoy los fotógrafos de moda son los retratistas oficiales de la realeza, de las estrellas, de las cortesanas y los cortesanos. La lógica es bien sencilla: ¿quién hubiera hecho el retrato oficial de una boda real si viviéramos en el siglo XVI? Sin duda, el pintor aclamado de turno en la corte de turno. Mario Testino es el fotógrafo aclamado de turno en la corte de turno. Entonces la pregunta que surge es: ¿en un futuro la obra de Mario Testino podría estar junto a la de, por ejemplo, Goya, quien retrató a la familia de Carlos IV?” Mientras eso sucede, los fotógrafos de moda seguirán tratando de saltar del papel de las revistas a las paredes de los museos de arte. Claro, excepto quien ya lo logró: Mario Testino.

Su alteza real principe William Londres 2003

EN LA CIMA

Una foto a la antigua Por

Fernando Carreño

VOIGTLÄNDER La fotografía moderna con cámaras de metal no solo fue inventada, sino que también fue controlada durante décadas, por Voigtländer. Este fabricante introdujo el primer teleobjetivo para fotografía fija de 35mm y la primera cámara compacta de 35mm con flash electrónico incorporado. Incluso, actualmente, la empresa fundada en Viena en 1756 ofrece una gama atractiva y moderna de cámaras, lentes y películas a clientes y fans. Se destaca su modelo BESSA III, una cámara portátil de fuelle plegable. www.voigtlaender.de

Cámaras con tecnología de punta o maquinaria precaria que evocan una imagen nostálgica de la fotografía, aquella que aún no está dispuesta a morir.

Voigtländer Hasselblad

HASSELBLAD Este nombre está ligado a los primeros días de la fotografía. Hacia 1841, la familia Hasselblad estableció su empresa comercial en la ciudad costera de Gotemburgo. Su negocio era importar y exportar productos fotográficos, incluyendo piezas y repuestos. Aunque escépticos sobre el éxito y rentabilidad de este sector, el tiempo y su amistad con George Eastman, fundador de Kodak, dispararon el negocio. Los Hasselblad se preocuparon por conocer el proceso de fabricación de cámaras y objetivos, laboratorios de revelado y tiendas de cámaras. De ahí en adelante, su fama nunca se detuvo. Durante la Segunda Guerra Mundial fabricaron cámaras para el ejército sueco, y en 1962 los astronautas llevaron por primera vez una de sus cámaras al espacio. Años más tarde, Neil Armstrong y Edwin “Buzz” Aldrin Jr. tomarían las primeras imágenes del hombre en la luna a través de una Hasselblad 500EL/70. Hoy, son una referencia por sus potentes características y ópticas de precisión. www.hasselblad.com

ARTE INC. Crisis... ¿Cuál crisis? El camino de Rafael Gomezbarros

Foto

Cortesía Rafael Gomezbarros

EL ARTE COMO NEGOCIO Por

* Experto y consultor en arte latinoamericano. Dirige su propia galería con sede en Nueva York. Info@leontovargallery.com

León Tovar*

Crisis… ¿Cuál crisis? Las más recientes subastas de arte contemporáneo y de posguerra de Nueva York pusieron en evidencia que los vientos de crisis económica están lejos de impactar el mercado del arte internacional. La venta de piezas únicas y con gran pasado, sumada a un mercado de inversionistas más optimistas, hizo que se rompieran todos los récords en ventas.

Lo acontecido en las últimas subastas de noviembre en los departamentos de Posguerra y Arte Contemporáneo de Sotheby’s y Christie’s no tiene precedentes. La verdad no acostumbro a hablar de tecnicismos del mercado del arte porque es aburrido y complicado para el lector, pero en este caso pienso que lo que vi en esos días debe ser compartido. “Tengo todo el tiempo del mundo”, decía Tobías Meyer, el martillo de más alta jerarquía de Sotheby’s, mientras un postor vía telefónica discutía con su especialista si ofrecía 62 millones de dólares por el Royal Red and Blue #1, obra maestra de 1954 de Mark Rothko, el cual se remataría al final por 75 millones (comisión incluida), sobrepasando por 25 millones el costo máximo estimado de la pieza. Esta importante obra había sido escogida por el mismo artista en 1954 para su lapidaria exhibición en el Art Institute of Chicago, hecho que le sumaba quilates al origen de la pieza. Lo que parecía un hecho excepcional se convirtió en algo común durante toda la noche. El Jackson Pollock No. 4, de 1951, se subastó en 40 millones de dólares, rompiendo su propio récord de 23 millones; el Francis Bacon denominado Pope se fue por 29,8 millones; Abstraction, de Willem de Kooning, por 19,7 millones; Abstraktes Bild, de Gerhard Richter, por 17,4 millones; la serigrafía en papel Suicidio, de Andy Warhol, realizada en 1964, batió récord al alcanzar los 16,3 millones. Esto solo por nombrar algunas de las obras más emblemáticas vendidas esa noche. Haciendo la suma, en esa

jornada se alcanzó la exorbitante cifra de venta de 375.149.000 dólares durante la noche y 88.545.275 durante el día, para un gran total de 463.644.245 dólares. Un récord absoluto en los 262 años de existencia de la casa de subastas Sotheby’s, y además batiendo 15 récords de artistas durante el 2012.

Mark Rothko, Royal Red and Blue, 1954

US$ 75 millones

EN CHRISTIE’S La noche siguiente, Jussi Pylkkänen, presidente de Christie’s Europa, Rusia y Oriente Medio, y nuevo zar de los martillos de Christie’s, subastaba por 43,7 millones de dólares la famosa Estatua de la libertad, una tela experimental para ser vista con lentes de tres dimensiones, realizada por Andy Warhol en 1961. Esta obra superó por mucho el estimativo inicial ubicado entre 30 y 35 millones. El increíble precio de la tela de Warhol fue el mismo que pagaron por la Nympheas, de Claude Monet, hecha en 1905, y que había sido subastada una semana atrás en la venta de impresionismo. El fantástico Franz Kline se subastó por 40.402.500 dólares, cuatro veces su precio comparado con su último récord; los Tulips, de Jeff Koons, por 33.682.500 dólares; Nude With Red Shirt, de Lichtenstein, por 28 millones (18 millones por encima del estimado alto); Jean-Michel Basquiat por 26.402.500 dólares; el ícono Marlon Brando de Warhol por 23.714.500; y el Mark Rothko Naranja, oro y negro, por 21.362.500 dólares, solo por nombrar algunas de muchísimas piezas subastadas durante esta escalofriante noche llena de adrenalina. “Esta fue una venta extraordinaria” comentó Pylkkänen al finalizar la noche, reportando la increíble cifra de 412.253.100 dólares en ventas durante un poco más de dos horas de frenesí, tensión, excitación e incredulidad. Esto sin sumar lo que pasaría en la venta de la mañana siguiente, en la cual se subastaron obras por 95.931.025, para un total de 508.184.125, batiendo todos los récords y dejando con la boca abierta al más optimista. Solo las ventas de Andy Warhol superaron los 117 millones de dólares, 20 millones menos que la venta total de impresionismo de Christie’s, y tres veces el valor de las ventas de Christie’s y Sotheby’s combinadas de Arte Latinoamericano. Esto apenas era la demostración de lo que anuncié dos ediciones atrás en este mismo espacio: el cierre de la fundación Warhol no afectaría el mercado. Y así fue.

Willem de Kooning, Abstraction

US$ 19,7 millones

Francis Bacon, Pope

US$ 29,8 millones

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Noche $266.510.000 Día $63.932.875

Noche $388.488.000 Día $ 76.827.300

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Noche $375.149.000 Día $88.545.275

Noche $412.253.100 Día $95.931.025

̀DH<uA8F 6B@CE4A˾ ¿Cómo explicar lo sucedido en las recientes subastas de arte contemporáneo de Nueva York? Es bastante complejo, pues ni el más audaz de los economistas ni nosotros, los expertos en el mercado internacional del arte, pudimos anticipar esta situación. Ante todo queda la evidencia, una vez más, de que el arte es un refugio económico real en tiempos de inestabilidad. Si no fuera así, cómo se explicaría que gran parte de los compradores fueron banqueros y financistas de la más alta gama. ¿Acaso estarían ellos coleccionando o invirtiendo? Y si están coleccionando, ¿por qué el común de los millonarios invierte en bolsa cuando los banqueros invierten en arte? ¿Por qué entonces no invertir uno mismo en arte como estrategia de salvaguardar los activos? Por otro lado, se calcula que hay 200 nuevos billonarios en el mundo, los cuales están buscando ubicar su dinero en inversiones rentables y seguras. Leía hace poco un artículo en el cual un especialista llamaba a un coleccionista para comentarle que si ponía su Rothko en venta podría recibir por lo menos 50 millones de dólares, a lo que el coleccionista le contestó: “¿y qué voy a hacer con 50 millones más en el banco?”. Las ventas récord de arte contemporáneo de Nueva York demostraron que la persecución tributaria internacional ha logrado ahuyentar a gran parte de la clase económica más poderosa del mundo, poniéndola en una posición de comprador más agresivo. Calculo que al menos el 50% de los compradores de estas

jornadas provenían de países con economías en desarrollo feroz y menor persecución tributaria. Además, la fragilidad del dólar y la volatilidad del mercado de valores, sumados a la inestabilidad política y los vientos de crisis económica que se expanden por medio mundo, ha hecho que el mapa del coleccionismo de arte se haya redibujado. O como diría mi amigo, colega y ex corredor de bolsa, Asher Edelman en una entrevista para la CNBC: “el arte es un activo fuerte que no declaras y es transportable”, algo que lo vuelve un paraíso para la inversión. Vale la pena recordar que Edelman fue personalizado por Michael Douglas en la película Wall Street. Sorprende también que el otro 50% de compradores fuera del mercado de Estados Unidos. ¿Será este un indicativo de que se aproxima una recuperación de la principal potencia del mundo? No olviden que nosotros somos los primeros en sentir los cambios de la economía sin ser economistas. Por otro lado, vale la pena resaltar la participación de los dealers, pues desempeñaron un papel fundamental al luchar cada una de las piezas con el respeto que se merecen las obras de gran calidad. Está demostrado hasta la saciedad que si pagas por una obra 1A+ un precio 1A +, con el tiempo, si la sacas a la venta, recibirás un precio1A++. Fue una experiencia incomparable poder presenciar estas ventas llenas de energía. Es difícil no sentir la adrenalina al lado de estos dealers, coleccionistas, curadores y asesores más importantes del mundo, que estaban reunidos para pujar por las obras de arte más maravillosas. El común denominador de estas noches fue la calidad de las obras ofrecidas, con una magnifica factura en todos sus aspectos y con una trayectoria importante en cada una de ellas, lo que se convierte en un ejemplo a seguir para otros departamentos de arte. Viendo esta danza de los millones, los artistas contemporáneos encasillados en las ventas latinoamericanas querrán saltar a como dé lugar al segmento contemporáneo. Pero no se nos puede olvidar que las casas de subastas no son promotoras de artistas jóvenes, y ellas no están dispuestas a dar cabida a obras fugaces. Las ventas en las casas de subastas son para las obras coleccionables, y nada más.

ARTE INC.

Por Fotos

Carlos Felipe Angulo, Bogotá Natalia Hoyos

Por el camino distinto Rafael Gomezbarros La obra del artista samario explora los rincones de la mente humana, allí donde se esconden millones de imágenes que de manera aleatoria e inconsciente definen el comportamiento de las personas. Retrato de una obra que trasiega por caminos más cercanos a los problemas sociales del hombre contemporáneo.

Rafael Gomezbarros se debe a su obra, literalmente. Apenas siendo un adolescente dejó su casa en Santa Marta y se fue para Bogotá, esa fue una experiencia que lo formó como hombre y como artista; un olvido y una temeridad juvenil lo llevaron a pasar algunos días de hambre y de recorrer sin rumbo una ciudad que no conocía, todo para cumplir su sueño de convertirse en artista. Ese, dice él, era en realidad el apetito que lo impulsaba a sortear todos los obstáculos que se le opusieron, como la contrariedad de su padre al enterarse de que él quería ejercer un oficio lleno de incertidumbres materiales. Gomezbarros prepara una obra que gira entorno a la temática del héroe, un arquetipo que el crítico francés Michel Tapié describió como alguien que “no está preso de su pasado, pero sí de su futuro”. Así estaba Gomezbarros en Bogotá, cautivo de un anhelo y no de una tradición. Sentado en su taller del norte de Bogotá, cuenta que cursó cuatro semestres de Bellas Artes. Lo hizo “a veces sí y a veces no”, apremiado por la estrechez económica que lo obligaba a trabajar en cualquier cosa para sobrevivir y poder sufragar el siguiente período académico. Sin desconocer la importancia que tuvo para él experimentar la formalidad académica, decidió dedicarse

ARTE INC.

Montaje de “Casa tomada”

La continuidad narrativa en las primeras obras de Gomezbarros se aprecia en la elección de materiales. Arriba a la derecha su instalación Sonajeros.

al desarrollo de su propia obra. Esta característica se nota en su factura, pues se desprende del restringido hermetismo que envuelve mucha de la producción artística contemporánea para entregarla sin otra mediación que la de los sentidos y la experiencia del espectador. Este rasgo le permite mantener vivos los contenidos que se perciben en ellas; Casa tomada, para citar solo un ejemplo, puede aludir al desplazamiento forzoso que han padecido muchos de sus compatriotas, o a la migración de miles de cubanos fuera de la isla, en donde, hasta hace poco, su centenar de hormigas escalaban la ruinosa fachada del teatro

Fausto durante la celebración de la oncena Bienal de arte de la Habana. La cercanía y la aparente literalidad de los significados con los que el espectador ordena esta muestra permiten que quien la vea la incorpore a su proceso vital. Así ocurre con la presencia de la hormiga en su obra, ya sea como símbolo de los desplazados que empiezan a hacerse visibles en la ciudad por la ostensible fuerza de su número o del emigrante que, desde lejos, sigue soportando el peso de todo lo que dejó atrás. Rafael Gomezbarros es joven, pero ahora que ha expuesto en las galerías más importantes de Colombia, y que su obra la

ARTE INC.

De-mente

conocen y la compran los coleccionistas que acuden a las casas de subastas más reconocidas (Christie’s acaba de subastar una obra suya), puede vivir libre, para y por su arte. Esta afortunada resolución del destino coincide con la que puede ser la etapa de producción más nutrida de su carrera artística. Su última obra, titulada La especialidad de la casa, representa un giro en cuanto a la elección de los materiales. Para su obra anterior, empleó insumos naturales: tierra, cordeles y palos de jazmín (porque con ese arbusto se disimulaba el olor mortecino de las fosas en el Magdalena Medio). En su nueva

exposición, estos materiales le cedieron el lugar al acero bien pulido que puede reflejar al espectador. De esta forma, el observador tiene una relación más directa con la obra, que parece preguntarle, mediante el recurso de la propia imagen distorsionada en la cuchara, ¿es esto un reflejo de usted mismo? Este viraje exhibe el talante desprendido del artista que, a pesar de haber consolidado una propuesta con una unidad estética y conceptual dedicada a problemáticas socioculturales que le daban identidad y proyección en el mercado del arte, decide buscar nuevas alternativas para acercarse a su público. No sobra decir, además, que esta acti-

tud es absolutamente consecuente con la temática de esta muestra. Aunque prepara el desplazamiento, no necesariamente casual, de su “hormiguero” a un edificio en Miami, ya no quiere perpetuar la labor que implica la logística de este montaje. Más aún, en este momento está dedicado a varios proyectos que recogen parte de las inquietudes sociales y culturales que señalaban sus trabajos anteriores y otros que tratan sobre preocupaciones mucho más subjetivas y personales. En resumen, le queda arte para mucho rato. A medida que se va desarrollando la obra, sus elementos van tomando nuevos signi-

LA DUALIDAD ES EL SIGNO DE LA OBRA DE GOMEZBARROS, UN ELEMENTO INOCENTE E INFANTIL COMO EL SONAJERO ES EL ENSAMBLE DE DOS CRÁNEOS SONOROS.

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ficados ¿Por qué eligió las hormigas en un inicio? ¿Quién no ha tenido algo que ver con una hormiga cuando está pequeño? Alguien ha jugado con una, alguien la ha matado, a través de ellas se exploran diferentes cosas y también se disparan recuerdos de la infancia. La referencia que tienes de la hormiga es que es el símbolo del trabajo, el de no tener límites. Si la construcción hubiese sido con cucarachas o ratas, no hubiera gustado; la hormiga tiene ese lado positivo y bonito. Los desplazados que vienen a una ciudad se debaten entre la necesidad, la desaparición, la muerte, la anulación, el desarraigo y la falta de identidad. Para mí este animalito simboliza toda esa cantidad de referentes, las vivencias de los desplazados, las vivencias del emigrante y lo que de alguna forma reúne el espíritu de ese ser. Después de haber exhibido su obra en la fachada del Capitolio colombiano, ¿conoce algún tipo de opinión que hayan dado los congresistas sobre la instalación? Sí, sí escuché, pero no me puse a indagar tanto. Lograr el permiso de la Cámara y el Senado, que para mí son realmente dos gobiernos en un solo edificio, fue difícil por el tema, porque se trataba de desplazamiento forzado, y porque no me interesaba que el proyecto entrara en una disputa. A mí lo que me interesaba era el público que estaba por fuera, la reacción que tuviera frente al proyecto. Eso me interesaba porque todos los proyectos que hago los defino como “destapadores de mentes”. Mi idea con la obra siempre es tocar temas como el desplazamiento forzado, la salud mental, la herencia de violencia que tenemos hoy en día, los mecanismos psicológicos que se repiten a lo largo de la historia de Colombia, los cuerpos desaparecidos (pero no el cuerpo de las noticias,

sino el que permanece en la mente de quien vive toda la tragedia). En la serie Urnas, también hay formas de cráneos… En esa serie se muestra la anulación de los sentidos. Primero fue Hasta la tierra es mestiza, que era una serie de autorretratos que realicé para una exposición que se inauguraba el día de la raza, en ellos mi cara iba desapareciendo, toda la obra era hecha con arena de diferentes zonas del país. Después de esa serie surgió Casa tomada, desaparece mi cara y me concentro en la parte mental; los ojos, la boca y las orejas se pierden y se anulan al taparse, pero durante este ejercicio se resalta la mente. Urnas es una serie de retratos sin signos reconocibles, son fotografías de cédula ampliadas y lo que hago es rescatar el óvalo de la cara. A lo largo de la historia de Colombia, ¿qué es lo que le hemos estado metiendo a la cabeza todo el tiempo? ¿Qué es lo que apuntala tu cabeza? Después de Urnas llega Sonajeros, y es allí donde me meto con la escultura. Los sonajeros están conformados por dos cráneos contrapuestos sin mandíbula que están unidos por el parietal, y tienen semillas por dentro que, al tocarlas, pasan de una cabeza a la otra, a través del mismo sistema que el de un palo de agua. La estructura es como un ocho, como un infinito, que nos representa repitiéndonos información que va pasando de una cabeza a otra. Esa instalación, que en realidad representa la estructura del ADN, la presenté en la galería Alonso Garcés. Esa misma estructura se dilató y se convirtió en el cuerpo de la hormiga, entonces paso del tema de la mente, de la salud mental y de la herencia al del cuerpo que se multiplica, el cuerpo que crea más cuerpo, que crea fronteras. ¿Por qué eligió el tema de los sonajeros? La mente suena, las noticias suenan, lo que más te duele te

En la página anterior se ve un detalle de una de las piezas de La especialidad de la casa, la obra más reciente del artista. Aquí, una esfera de la misma serie.

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Gomezbarros vive explorando nuevos materiales, el único dictamen que respeta al momento de elaborar su obra es el de su fuero interno.

suena en la cabeza. Es la mente que nunca para. Pero lo mío también parte de lo precolombino (por eso nombres como Urnas, Hasta la tierra es mestiza y Sonajeros. Este último es el de un juguete de un niño, es un elemento infantil, ponérselo a un par de cráneos es contradictorio, ¿no? Es esa dualidad en la que se debate el ser humano: gordos o flacos, buenos o malos, sucios o limpios, ricos o pobres. Usted es samario y vivió allá toda su adolescencia, ¿esta temática viene de alguna experiencia personal? Cuando tenía cuatro o cinco años, presencié una masacre de dos familias que prácticamente desaparecieron de Santa Marta, los Cárdenas y los Valdeblánquez. Creo que ese tipo de cosas te calan en la mente. Después, cuando me vine para Bogotá, por no tener medios económicos para estudiar Bellas Arte, tuve que vivir en la calle durante dos

o tres semanas muy duras, fue algo muy fuerte. Yo hablo poco de esas experiencias, porque son personales, privadas, y lo que trato de lograr con mi trabajo es universalizar, que la gente lo vea como un reflejo, como un espejo, más no como una enseñanza. Lo que ha pasado con la obra es que todo el mundo logra reflejarse y ver situaciones personales en ella. Me pareció curioso ese choque entre las técnicas que utiliza, porque el contraste es impresionante… Lo que pasa es que pongo la técnica al servicio de la idea. Por ejemplo, Templos y templarios es puro bronce. No es lo mismo emplear el diseño en acero de las cucharas, que ponerme a dibujarlas o hacerlas con otras técnicas con las que siempre he trabajado, era preferible trabajar sobre el acero, más porque ese material es frío, y para mí todo lo que tiene que ver con lo material es frío.

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Con un aire Kish Una metrópoli a la altura Refugios primitivos Camping T`_ VþZ]` Isla de Reyes

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Cortesía Hotel Unique

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Catalina Gómez Ángel, isla de Kish, Irán Kaveh Kazemi

Con un aire Kish El encanto del Golfo Pérsico La isla de Kish fue el lugar favorito de Reza Pahlavi, el antiguo sah de Persia. Fue allí, en medio de las aguas azules del Golfo Pérsico, donde el monarca construyó un extravagante paraíso que incluía un aeropuerto donde podía aterrizar un Concorde; grandes casinos y hoteles para entretener a sus exigentes invitados. Regreso a la isla favorita del jet-set de Oriente.

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Los cientos de barcos de madera pintados de azul turquesa que se encuentran anclados frente a las playas de Kish no dejan olvidar que al otro lado del Golfo Pérsico, a solo 197 kilómetros, se encuentra Dubái. Al fin y al cabo, en el viejo puerto de aquella megaciudad, que hasta hace unas pocas décadas era un caserío rodeado de arena, también es tradicional encontrar miles de estos navíos, que por siglos han cruzado el Golfo Pérsico con mercancía, comida y pescadores. Según cuentan los locales, históricamente ambas poblaciones han mantenido una comunicación constante, que se hizo aún mayor cuando cientos de miles de iraníes emigraron a Dubái décadas atrás para impulsar una economía que apenas despegaba. Los persas, que se radicaron al otro lado del Golfo, crearon una red de comunicación con la pequeña isla, convirtiéndola en un puerto donde era posible encontrar lo inimaginable. Un puerto libre en medio de un paisaje envidiable: aguas azules,

arrecifes perfectos para el buceo, playas blancas y grandes jardines de palmeras. Su belleza es tal, que The New York Times la señaló en 2010 como una de las diez islas más bellas del mundo. Esta distinción, más que merecida, llama la atención, debido a que en la actualidad la isla está gobernada por las leyes de la República Islámica de Irán, donde las mujeres todavía tienen que ir cubiertas, tienen que visitar playas privadas para tomar el sol, y donde la vida nocturna se limita a decenas de restaurantes en los que está prohibido bailar. Los viejos de la isla, muchos de ellos árabes y no persas, como la mayoría de los iraníes, cuentan con orgullo cómo la historia de este pequeño círculo de tierra a 19 kilómetros del continente ha cautivado por siglos a quienes han navegado por estas aguas. En esta isla se encontraron algunas de las reservas de petróleo y gas más importantes del mundo. La primera mención sobre la belleza de Kish data de los tiempos de Ale-

jandro Magno, cuando envió una expedición que descubrió el Golfo Pérsico. Más tarde cautivaría a cada una de las dinastías que han gobernado Persia, incluidos Darío el Grande, quien la usó como punto estratégico en su campaña de conquista del mundo; y el último monarca, sah Reza Pahlavi, quien la convirtió en el lugar al que solía invitar a sus amigos para disfrutar de los placeres de la cultura persa. Cuando los jefes de los emiratos apenas empezaban a desarrollar aquellas ciudades que hoy son un referente en el mundo, Reza Pahlavi ya había transformado esta pequeña isla de 90 kilómetros de diámetro en un ícono del lujo mundial. Quería convertirla en la Perla del Pérsico. Para eso creó un gran casino frente a la playa más espectacular de Kish, adaptó su palacio local, edificó dos hoteles de lujo con chefs provenientes de París, construyó un aeropuerto con capacidad para recibir un Concorde, y otras excentricidades dignas de un monarca que no

LA BELLEZA DE KISH ES TAL, QUE THE NEW YORK TIMES LA SEÑALÓ 8A ˞˜˝˜ 6B@B HA4 78 ?4F 7<8M <F?4F @ØF 58??4F 78? @HA7B!

sabía qué hacer con los millones provenientes del petróleo. “Para aquel entonces solo un grupo selecto de iraníes podía venir a esta isla. No cualquier persona era bienvenida”, cuenta Maryam, una comerciante local de 60 años que emigró a Kish cuando todavía reinaba la monarquía y mujeres con vestidos de varios miles de dólares adornaban la escena local cada noche. Su fama era tal, que las grandes revistas de moda como Vogue la utilizaban como locación para sus grandes reportajes fotográficos.

DESPUÉS DE LA REVOLUCIÓN Pero todo cambió cuando venció la Revolución Islámica en 1979. Los coches lujosos, los hombres en esmoquin, la prensa del corazón y las grandes excentricidades desaparecieron. La isla no solo pasó a regirse por las nuevas leyes que surgieron como consecuencia de la creación de una república islámica, sino que por algunos años fue vista por los ayatolás como un

reducto de las extravagancias del sah de Persia. “La trataron muy mal al comienzo”, cuenta Maryam, pero con los años todo fue cambiando. Pasó a ser un puerto libre donde los iraníes viajaban a comprar lo que no encontraban en el continente, a disfrutar de las nuevas atracciones que se fueron construyendo y a buscar un poco de la libertad que no encontraban en las grandes ciudades. A pesar de las restricciones, Kish sigue siendo un mundo diferente del resto de Irán. En esta pequeña extensión de tierra se ven cosas imposibles de ver en otros lugares del país, como terrazas frente al mar con música a alto volumen en las que las mujeres fuman tranquilamente pipas de agua al tiempo que toman un coctel sin alcohol. También se las puede ver montando en bicicleta, conduciendo una moto acuática, esquiando o tomando el sol en la playa destinada solo para mujeres. La escena es única, pues las jóvenes tratan de broncearse cada rincón de su cuer-

po a pesar de los guardianes que intentan preservar la moral islámica. Los cafés y restaurantes con música están permitidos, pero no se pueden exceder en muestras de expresividad. Como consecuencia, es posible ver grupos de jóvenes que buscan diferentes formas para demostrar su felicidad. No pueden moverse al ritmo de la música, así es que apenas menean sus torsos y brazos mientras siguen de manera disimulada el ritmo de una banda de música árabe que acostumbra a tocar cada noche en la isla. Escenas similares se ven en los cafés recién abiertos frente al mar. “En épocas del presidente Jatami (Mohamed Jatami, quien gobernó entre 1997 y 2005) todo fue diferente. La isla vivió su nuevo momento de libertad. La gente bailaba y las mujeres iban casi como se puede ir en Dubái, pero todo cambió cuando llegó Ahmadineyad”, cuenta Nilufar, una mujer de 35 años que ha veraneado en la isla desde que era niña.

Ahora las restricciones han vuelto, dice, pero eso es lo de menos, “la tranquilidad que se vive en la isla hace olvidar el resto. Aquí podemos hacer largas caminatas, montar en bicicleta y trotar en la playa sin el caos y la vigilancia de Teherán”. La realidad es que comparada con otras regiones, en esta isla no se siente la presión del régimen. “La mayoría nos dedicamos a la pesca y a transportar mercancía”, afirma Mohamed, un hombre local de 34 años que va vestido con una túnica blanca y una kufiya (bufanda) que cubre su cabeza. Al final de la tarde, Mohamed se sienta con un par de amigos sobre uno de los amplios sofás cubiertos con alfombras, que los iraníes conocen como tags —espacio tradicional para tomar el té—. Los nativos como Mohamed y sus amigos apenas llegan a los cinco mil. Los demás habitantes han ido llegando del continente trayendo un desarrollo que no se ha detenido en la última década.

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SIGUIENDO A DUBÁI Kish no ha sido inmune a la ola inmobiliaria que se ha apoderado de Irán en los últimos años. Por esta razón, alrededor de la isla es posible encontrar decenas de grandes proyectos arquitectónicos, que tratan de imitar a Dubái o a Doha, y que crean un contraste con las pequeñas construcciones tradicionales que se extienden por el lugar. “Los iraníes están invirtiendo y creen que este es un buen destino, pues todo el mundo está convencido de que se valorizará aún más”, dice Reza, un viejo comerciante y constructor de Teherán que desarrolla varios proyectos en la isla. “Los problemas de los iraníes en Dubái también los han hecho mirar a Kish”, agrega este hombre en referencia a la situación que están viviendo los iraníes en los Emiratos Árabes como resultado de las estrictas sanciones económicas que pesan sobre Irán por su programa nuclear, que desde Teherán siempre se ha asegurado tiene fines pacíficos. En los últimos meses los iraníes no solo tienen dificultad para obtener una visa, sino que todos aquellos que poseen una cuenta bancaria o residencia en el país han empezado a tener problemas. “Por eso, muchos han decidido traer su dinero aquí e invertir en una especie de zona de distención a tan solo veinte minutos de Dubái, y a una hora y media de Teherán”, asegura Reza, quien pasa gran parte del año, “al menos cuando el calor no es insoportable”, en la isla. “Lo mejor de Kish es que nadie en el extranjero se puede imaginar lo que tiene”, añade. Y tiene razón. Lo único diferente es que su infraestructura tiene los estándares locales, que no están mal en absoluto, pero que por múltiples razones no se igualan a lo que se puede encontrar en Dubái o en Doha. Lo que sí hay en abundancia es autenticidad, lo cual no es algo menor, especialmente cuando se pasan horas frente al mar azul claro, extasiados dentro de un aura de paz y tranquilidad, y en el que el tiempo parece detenerse creando una gran ironía. No hay que olvidar, que la isla está en el estrecho de Ormuz, por donde se transporta una gran parte del crudo mundial y el que Irán ha amenazado con cerrar en varias oportunidades. Pero al final, lo grandioso de Kish es que su vida pacífica la blinda de todos los problemas que la rodean.

PARA CONVERTIR LA ISLA EN LA PERLA DEL PÉRSICO, EL SAH CREÓ UN GRAN CASINO FRENTE A LA PLAYA MÁS ESPECTACULAR DE KISH, ADAPTÓ SU PALACIO LOCAL, EDIFICÓ DOS HOTELES DE LUJO CON CHEFS PROVENIENTES DE PARÍS, CONSˬ TRUYÓ UN AEROPUERTO CON CAPACIDAD PARA RECIBIR UN CONCORDE, Y OTRAS EXCENTRICIDADES DIGNAS DE UN MONARCA QUE NO SABÍA QUÉ HACER CON LOS MILLONES PROVENIENTES DEL PETRÓLEO.

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Metr贸poli a la altura Por

Fernando Carre帽o

Unique Fasano Pirajá Livraria da vila

São Paulo es una de las ciudades más impactantes del mundo, no solo por su tamaño. En sus avenidas se encuentran hoteles, restaurantes, bares y tiendas sofisticadas que nunca está de más visitar.

UNIQUE

Un barco encallado en medio de la ciudad, eso es el hotel Unique. Diseñado por el arquitecto brasileño Ruy Ohtake, el lugar se ha convertido en referencia del distrito Jardins, no solo por su forma, sino por ser uno de los hoteles más exclusivos de la ciudad. Su fachada, que simula al Arca de Noé, hace que sus 95 lujosas habitaciones tengan formas inusuales, lo que contrasta con la decoración minimalista, enteramente blanca y con pisos de madera. El Unique, además, es un referente gastronómico, en su terraza funciona el restaurante Skye, uno de los mejores de la ciudad.

www.hotelunique.com.br Avenida Brigadeiro Luís Antônio, 4700 São Paulo

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Una metrópoli a la altura

FASANO

Por más de 100 años, el Fasano se ha mantenido como uno de los hoteles más lujosos de São Paulo. El estilo clásico de esta casona, ubicada en la zona más exclusiva de la ciudad, no pierde el toque acogedor en sus 60 habitaciones, adornadas por detalles escogidos personalmente por su dueño, Roberto Fasano, en sus viajes por el mundo. El lugar es reconocido por su bar, Baretto, donde se reúne la sociedad paulista alrededor de artistas de jazz y un buen martini.

www.fasano.com.br Rua Vitório Fasano, 88 São Paulo

PIRAJÁ Este boteco, o bar informal, en pleno centro de São Paulo, posee desde 1997 todo el espíritu de la otra gran ciudad de Brasil: Río de Janeiro. El aire carioca no solo lo dan los grupos de samba que se presentan en el lugar, sino platos como las empanadinhas de La Salette, el camarón magdalena con braca wahoo y la lengua asada, o los platos clásicos de taberna como pollo frito, bife con papas fritas y camarones al ajillo, ideales para ser acompañados con una cerveza o una clásica caipirinha.

www.piraja.com.br / Avenida Brigadeiro Faria Lima, 64 / São Paulo

LIVRARIA DA VILA Este lugar es un punto imperdible en una tarde de compras o un recorrido para apreciar la arquitectura de São Paulo. La librería, fundada en 1985, encanta por su diseño y arquitectura contemporáneos, obra del brasileño Isay Weinfeld. Cuenta con tres niveles copados de libros y espacios que invitan a relajarse, recorrer las estanterías y buscar un rincón para disfrutar de una buena lectura.

www.livrariadavila.com.br Avenida Magalhães de Castro, 1200 / São Paulo

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Por Fotos

Andrea Mendoza Andrea Mendoza

Refugios primitivos I\T]X TĀeT_ Desde la antigüedad el hombre ha buscado refugio y fuego cerca de él. Muy pocos asentamientos sobreviven hoy como testimonio de un pasado en el que la humanidad habitó en cuevas y montañas. Un recorrido por cuatro pueblos distantes que fueron testigos del nacimiento de nuestra historia.

“Litografía tomada de una talla en cobre, en la que se ve el Monasterio de la Transﬁguración junto con otros monasterios de Metéora. Talla hecha a mano por el monje superior Parthenios de Elassona en Junio 21 de 1782” Copyright perteneciente al Monasterio de la Transﬁguración.

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Metéora , Grecia

Incrustada en una roca estuvo Excalibur hasta que el rey Arturo la arrancó con la ayuda del mago Merlín. Los eremitas de Grecia y Turquía permanecieron dentro de rocas, exiliados y escondidos, durante siglos. Los primeros pobladores de la Italia meridional hicieron su casa entre rocas, y entre rocas vivieron los adoradores de Hanuman, el mítico mono guerrero de la India. ¿Qué tenían estos lugares que atraían a diversos pobladores en la antigüedad? ¿Tendrían acaso lo que le hace falta a las ciudades de hoy? El siguiente es un relato que ubica en el mapa cuatro puntos distantes del planeta. Lugares que llevaron al hombre nómada a asentarse para alcanzar la iluminación. Se trata de Metéora, en Grecia; Matera y Alberobello, en el sur de Italia; Capadoccia, en el centro de Turquía; y Anegundi, en India. Algunos de los cuales han sido catalogados por la UNESCO como Patrimonio de la Humanidad.

METÉORA, EL VUELO DE LA FE A este lugar llegamos por tierra, en un viaje de cientos de kilómetros desde la costa oeste de Grecia hasta el centro del valle de Tesalia, un extenuante recorrido que nos permitió ver los increíbles montículos de roca esparcidos por el valle del río Pinios. En una primera inspección, entiendo por qué Metéora significa “en el aire” o “caído del cielo”, un nombre que no tiene nada que ver con meteoritos, pues estas rocas emergieron luego de que el mar de Tesalia se retirara hacía el Egeo hace millones de años. Nuestro ascenso lo hicimos en bus, ya que los ascensores diseñados por los antiguos habitantes no funcionan como antes, cuando grandes redes eran descolgadas a unos 500 metros desde la cima para subir como peces a los habitantes, quienes para bajar debían practicar un rapel. Al enterarnos de este método, sentimos ganas de descender para luego subir, una y otra vez, tal y como lo hacían los eremitas en sus exploraciones espirituales. Exploraciones en busca de la luz. En cuanto a las especies que pudieron haber inspirado, o al menos acompañado en su soledad, a los eremitas católicos ortodoxos de las rocas de Metéora están las águilas. En especial el águila del Cáucaso (Aetos Kaukasios), un águila de bronce construida por Hefestos y enviada por Zeus para alimentarse del hígado de Prometeo en lo alto del monte Cáucaso. Pero dada la naturaleza del grupo humano que pobló Metéora, mejor tomamos el águila normal, esa de gran tamaño y excepcional vista. Una especie paciente, practicante de la prudencia

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y el silencio; águilas que observan silenciosas, que nunca escapan porque no lo precisan; aves que solo cuidan a sus crías, cazan y, cuando es necesario, pasan largas temporadas entre las más inaccesibles rocas para regenerarse, justo como lo hicieron aquellos eremitas durante el siglo X en los monasterios construidos al filo de estas altísimas rocas, donde buscaron un espacio para su restauración y luego, en el siglo XIV, un espacio de combate y escape durante la ocupación turca. Fueron muchos los monjes que murieron asesinados en esas rocas mientras combatían con armas reales, y también espirituales, por la defensa de su territorio y su religión. Ahora tan solo permanecen cuatro monasterios de los 24 construidos en la región, pero aún así, siguen siendo ejemplo de ascetismo y devoción.

ALBEROBELLO, MATERA Y LOS TRULLI Matera es una población compuesta por cientos de casas excavadas en roca calcárea y es considerada como uno de los primeros asentamientos humanos en Italia, con una historia de unos 9.000 años. El actor y director Mel Gibson la conoce bien, pues aquí filmó La pasión de Cristo; buscaba una locación que reflejara, como dicen algunos habitantes, “la dolorosa belleza” del lugar. Llegué a las 5:30 de una helada mañana, y desde la parada del bus no vi nada de todo el ruido y la fama de Matera. Solo después

de caminar durante una hora por esa famosa ciudad esculpida en las rocas, y que en su interior alberga un complejo sistema de habitaciones que forman laberintos y cavernas, percibí un verdadero diálogo entre pasado, presente y tal vez futuro, materializado en la arquitectura aplicada a estas rocas. Esa noche era año nuevo y, como en todo buen pueblo, el alcalde había preparado una fiesta con música y fuegos artificiales, pero el verdadero artificio, digno del mismísimo Merlín, sucedió después de la medianoche, cuando un grupo de personajes vestidos a la usanza medieval desfiló a lo largo de las callecitas del pueblo. Una hilera de niños, mujeres y jóvenes bajaba por los angostos laberintos de la ciudad y en todas las esquinas del pueblo hacían sonar todo tipo de instrumentos, no como juglares, sino de una manera más mágica, más irreal. Cabe anotar que algunos italianos del sur cuentan que Merlín estuvo aquí, pues creen que los celtas viajaron al sur de Italia, y que durante los años de su desaparición, el famoso mago permaneció en Sicilia. Días después, la exploración continuaría hacia Alberobello, un rocoso asentamiento con una historia que data del año 1.000 a.C., y que en 1996 fue declarado Patrimonio de la Humanidad por

Matera , Italia

la Unesco. Esta vez, un diminuto tren avanza entre cultivos de olivos hasta llegar a una aldea de casas blancas y cúpulas pétreas conocidas como los “trulli”, un excepcional ejemplo de arquitectura vernácula. El olor a pan de la región impregna de nostalgia el blanquísimo ambiente de este municipio italiano. La suavidad de los gestos de su gente acompaña el silencio casi contemplativo del pueblo. Aquí, el misticismo no necesita monjes, hace presencia medio de la ascética vida cotidiana del lugar, en lo pequeño, en la simplicidad y, por supuesto, en la particular luz que baña esta región meridional.

PERI BACALARI, CAPADOCCIA Son tan mágicos los bosques naturales de pináculos en piedra de Capadoccia, región central de Turquía, que los habitantes de los pueblos de Ürgüp y Nevşehir llaman a este lugar “chimeneas de hadas”. Los rastros del paso del tiempo se perciben en las huellas de la lava y las suaves ondulaciones de roca calcárea que en algunas zonas emergen graciosamente como, justamente, casitas de hada. En este lugar, durante el siglo IV de nuestra era, algunos monjes, provenientes de monasterios de lo que hoy es Palestina, Israel y Egipto, se retiraron para escapar y, de paso, ser testigos de la instaura-

ción de los fundamentos del cristianismo. En la zona hay muestras de extensos asentamientos humanos con todo y su mobiliario. Al interior de las cuevas, construidas siempre alrededor de una o más iglesias, se pueden encontrar, talladas en la misma roca, mesas, repisas, escaleras, alacenas,

pozos, puertas y hasta espacios para las palomas mensajeras. Todo lo anterior en la superficie, porque al interior, bajo tierra, hay espacios en los que aquellos monjes primitivos emprendieron el mismo vuelo de sus cófrades Griegos (los de Metéora), es decir, el vuelo hacia la luz y la fe.

Capadoccia, turquía

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ANEGUNDI, INDIA Anegundi es nuestra última estación. Está situada en el estado de Karnataka, no muy distante de Goa, en medio de un ondulado paisaje de rocas de granito, y se ubica justo en el centro de la zona de Hampi, protegida como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco debido a su importancia arqueológica. Esta parte de la meseta del Decán es una de las primeras regiones de la tierra en donde la lava fundida se solidificó y luego, durante repetidas edades de hielo, se volvió roca. El nombre de Anegundi significa “hoyo de elefante”, tal vez porque recuerda los días en los que los elefantes se revolcaban en los pozos del río, donde hoy las mujeres recogen agua y lavan inmensas telas de ropa. Cerca de allí se encuentra Anjanadri Hill, que se supone es el sitio de nacimiento del mítico Hanuman, el épico mono guerrero. En Anegundi, que forma parte del reino de los monos de Kishkinda, encontramos una serie de templos, cuevas y altares tallados en las rocas. En medio de este territorio hay dos piscinas con aguas serenas y abundantes lotos. Es un paisaje atravesado por el río Tungabhadra que irriga extensos cultivos de arroz, caña de azúcar, coco y banano. No sabemos si en Anegundi hubo eremitas, lo que sí podemos afirmar, luego de seguir este hilo de historias y regiones del mundo, es que ciertos conceptos de la arquitectura, como la luz y el refugio, nos llevan a plantear la importancia de la espiritualidad en el habitar. Esa mística del espacio, esa búsqueda humana por acomodar, reconstruir, remodelar y readaptar. Habitar es una condición humana que de alguna manera busca restaurar el espíritu. Hoy en día surgen muchas preguntas sobre el futuro de las ciudades. Por eso valdría la pena revisar el factor espiritual de esa cabaña primigenia llamada Partenón, y ver en dónde quedó su iluminación o, mejor aún, podríamos visitar un sitio más, muy rocoso por lo demás, en donde la oscuridad ha sido vencida en los desiertos que la rodean gracias al fiat lux, Jerusalén. Por lo pronto, solo resta detenerse y pedir, aquí y ahora, que se haga la luz.

Anegundi, India

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De camping Por

Lugares en los que acampar se convirtió en una experiencia de 5 estrellas.

Fernando Carreño

CLAYOQUOT WILDERNESS RESORT Rodeado de montañas glaciares y una exuberante selva tropical, Clayoquot Wilderness Resort está situado en la costa oeste de la isla de Vancouver, justo en la desembocadura del río Bedwell. Los huéspedes acceden a la estación después de un viaje en hidroavión de 60 minutos desde Vancouver o de un paseo de 40 minutos en barco desde la villa de To-

fino, en British Columbia. Combina servicios como spa, yoga, bibliotecas con Internet, paseos a caballo, pesca, escalada y observación de ballenas. 380 Main Street Tofino, BC V0R 2Z0, Canadá wildretreat.com

Clayoquot Wilderness Resort Kiba Point

KIBA POINT En este campamento privado a orillas del río Rufiji, los visitantes tendrán la oportunidad de navegar por el majestuoso río que contiene el mayor bosque manglar del mundo, descubrir los lagos y bosques con un guía personal o, si hay suerte, presenciar el paso de una manada de elefantes que se alimenta en su camino a través de las praderas. Si la temperatura aumenta, se puede pasar el día en la piscina o simplemente admirar el solemne paso del río. Kiba Point cuenta con cuatro habitaciones completamente equipadas. Orillas del río Rufiji - Reserva de caza Selous Tanzania nomad-tanzania.com

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De Camping

DOMAINE LES MOULINS Nacido en Nantes, Alain-Dominique Perrin pasó sus mejores años en la isla de Noirmoutier, en el Atlántico francés. En sus recuerdos aparecen pinos y dunas vírgenes que separaban la isla del mar. Lo que fuera un paisaje de admirar se convirtió desde la década de 1960 en un baldío para camping desenfrenado y casas móviles que acabaron con el lugar. En 2007, Perrin, quien fuera por mucho tiempo el presidente de la junta directiva de Cartier, obtuvo la concesión del gobierno y desarrolló un proyecto de reforestación en el que no se permiten autos ni casas rodantes. El alojamiento se acopló majestuosamente con la naturaleza de la zona de una manera cómoda y elegante. Rue des Moulins, 85680 La Gueriniere, France domaine-les-moulins.com

WHITEPOD En el corazón de los Alpes suizos y a solo 45 minutos del aeropuerto de Ginebra se localizan los 15 domos geodésicos sobre estructuras de madera que funcionan como aislante del frío y de la nieve. Cada domo está equipado con estufas para quemar madera, camas king size, baños completos y, lo mejor, un panorama único de los Alpes y el lago Lemán. Entre las actividades ofrecidas se destacan el trineo de perros y senderismo en esquís. Les Cerniers P.O. Box 681 CH – 1871 Les Giettes Suiza whitepod.com

Domaine les Moulins Whitepod Greystoke Mahale

GREYSTOKE MAHALE Ubicado en la playa del lago Tanganica, en la costa este de África Central, Greystoke Mahale es un paradisíaco destino cuyo principal atractivo es la observación de chimpancés y otras especies que habitan las montañas Mahale. Sus creadores se enorgullecen de tener tiendas completamente sostenibles y así preservar el

lugar, además de brindar el lujo de la civilización en una jungla remota. Playa Kangwena - Lago Tanganica Tanzania nomad-tanzania.com

INTERESNI KAZKI El dúo ucraniano Aleksei Bordusov y Vladimir Manzhos fue el precursor del movimiento del grafiti en los países de Europa del Este, donde han pintado murales públicos, sobre todo en Ucrania y en Rusia. En los últimos años han trabajado alrededor del mundo con su distintivo estilo narrativo y simbólico. AEC y WAONE, como son conocidos, se inspiran en la ciencia, la religión o la cosmología, y ofrecen una libre interpretación de estos temas a los espectadores.

PLACERES

Pippa Ona sabe vender el lugar que ha visitado cientos de veces. No es difícil: es Mustique, una pequeña isla de poco más de tres kilómetros cuadrados que reposa en el archipiélago de San Vicente y las Granadinas. Durante años ha sido uno de los destinos predilecto de famosos poderosos y es considerada la isla privada más exclusiva del mundo. Su exuberante vegetación contrasta con la suave brisa y la calidez de sus playas de arena blanca, las mismas que disfrutaba la princesa Margarita de Inglaterra, quien hacia 1960 ordenó construir allí Les Jolies Eaux (Hermosas Aguas), una acogedora villa en la que se refugiaba cuando quería escapar de los acartonados eventos reales. Su presencia en la isla atrajo a celebridades y aristócratas, y su legado aún ejerce una fuerte influencia en lo que representa Mustique para el jet-set internacional.

Pero, ¿qué es lo que diferencia a Mustique del resto de islas caribeñas? “Bueno, que es una isla completamente privada, no un resort”, responde Ona, directora de Mustique Villas UK, quien añade que en la actualidad la isla pertenece a The Mustique Company Ltd., una compañía conformada por los propietarios de las 100 lujosas residencias privadas construidas allí. Cada una de ellas evoca el gusto de sus dueños a través de sus diversos tipos de arquitectura, como la japonesa, reflejada en Shogun, una villa dotada de nueve habitaciones y construida en varias pagodas rodeadas por un estanque más un pequeño campo de golf; la balinesa, representada en Bali Hai, compuesta por kioscos de dos habitaciones en madera, una piscina y un templo balinés desde donde da la bienvenida a sus visitantes; y la etrusca, como Rosa dei Venti, una residencia ubicada sobre

;46<4 ˝˥ˢ˜ MARGARITA DE INGLATERRA ORDENÓ CONSTRUIR ?8F =B?<8F 8 4HK ˱;8E@BF4F 4:H4F˲ HA4 46B:87BE4 I<??4 8A ?4 QUE SE REFUGIABA CUANDO QUERÍA ESCAPAR DE LOS ACARTONADOS 8I8AGBF E84?8F!

una colina del noreste de la isla con cinco cuartos e impresionantes panorámicas. Asimismo, se aprecian villas diseñadas en los estilos marroquí, mexicano y francés, que hacen de Mustique un oasis multicultural. Del total, 72 de estas residencias privadas están disponibles para alquiler durante todo el año. Sus precios oscilan entre $5,000 y $50,000 dólares la semana, y cada una ofrece chef, ama de llaves y jardinero. “Tienes las villas más hermosas del mundo pertenecientes a un interesante grupo de exitosos propietarios provenientes de 17 países diferentes. Tener la oportunidad de alquilar sus casas es muy atractivo para la gente”, afirma Ona, quien revela que en este grupo se encuentra el vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger, cuya villa puede ser alquilada. Durante la temporada alta de diciembre hasta abril más de mil personas aterrizan en la isla, una mezcla entre dueños y visitantes. El príncipe Guillermo y su esposa Kate Middleton la han visitado en varias ocasiones. Sin embargo, toparse con alguna celebridad no es tan fácil como se cree. Además de que sus mansiones actúan de murallas chinas, The Mustique Company garantiza su privacidad.

Residencia Stargroves

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Residencia Full Moon

Residencia Les Jolies Eaux

LAS RESIDENCIAS PRIVADAS ESTÁN DISPONIBLES PARA ALQUILER DURANTE TODO EL AɫB! FHF CE86<BF BF6<?4A 8AGE8 ˡ ˜˜˜ L ˡ˜ ˜˜˜ 7ß?4E8F ?4 F8@4A4 L 6474 HA4 B9E868 FH CEBC<B 6;89 4@4 78 ??4I8F L =4E7<A8EB! HERMOSAS AGUAS Desde que el aristócrata escocés Lord Glenconner puso sus ojos en Mustique en 1958 (la compró por 70.000 dólares), se dedicó a hacer de esta primitiva isla de la ex colonia británica un escape de lujo donde sus acaudalados amigos pudieran gozar de un descanso clandestino. Entre ellos se encontraba la princesa Margarita de Inglaterra, a quien en 1960 Glenconner le obsequió, como regalo de bodas por

su matrimonio con Lord Snowdon, un terreno de diez acres para que construyera Les Jolies Eaux. Esta histórica mansión guarda alegres recuerdos de exquisitas cenas e interminables fiestas, y permanece como símbolo latente tanto de los días más felices de la llamada “princesa rebelde”, como de sus momentos más privados y perseguidos por la prensa británica. Situada en una de las penínsulas de la isla, Les Jolie

Eaux mantiene aún su estilo original neo-georgiano. De planta abierta, la residencia fue remodelada hace poco y cuenta con cinco habitaciones con deck, dos estudios, comedor, oficina y una inmaculada piscina con una espléndida vista al mar. Y, ¿esta residencia también se puede alquilar? “Absolutamente”, dice Ona, quien ratifica que “cualquier persona puede alquilar las villas, mientras pueda pagarlas”.

PLACERES De donde viene el té verde >S cVgV]STZ _ aSf]ZþS Los buenos vinos entran en línea

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Casa de Té Soojeong

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Andrés Felipe Solano, Insadong, Corea del Sur Yi/HanCinema y Casa de Té Soojeong

De donde viene el té verde El elixir que equilibra el cuerpo y la mente Esta tradicional bebida proveniente del Lejano Oriente es considerada como un elixir capaz de equilibrar el cuerpo y la mente. Viaje al corazón agrícola de Corea, una región en la que se cosecha y se produce de manera artesanal el té más exquisito del mundo.

En Insadong se puede conseguir un pincel para caligrafía tan grueso como un brazo —o tan delgado como las agujas de un pino—, una cerámica hecha hace doscientos años o una taza de té verde en una chat jip. Las casas de té más tradicionales de Seúl se encuentran en este barrio que alguna vez fue ocupado por nobles coreanos y ricos comerciantes. No son fáciles de encontrar, las mejores están lejos de la avenida principal de Insadong, donde los turistas se codean mientras compran chucherías con apariencia de antigüedades. Hay que saber buscar al final de uno de los tantos callejones de Insadong para dar con alguna chat jip como Dawon o Panyaro, también conocida como The Institute for the Way of Tea. Todos los años los propietarios de estas casas de té esperan con impaciencia el 21 de abril. Ese día se inicia la cosecha en las fincas de Boseong, una población reconocida por la calidad de su té verde desde 1930. La fama del cultivo está relacionada con la situación geográfica del pueblo. Boseong se encuentra en la provincia de Jeolla-do. Para ir desde Seúl en carro hay que recorrer de punta a punta el país por una carretera que parece haber sido

inaugurada ayer. Durante el trayecto se pasa por decenas de túneles que atraviesan las montañas de Corea del Sur, grandes campos de arroz y conjuntos de torres de quince pisos edificadas en medio de la nada. Tras cinco horas se llega a Boseong, donde el olor del mar se adivina. En sus colinas los vientos oceánicos se mezclan con los continentales y crean una temperatura perfecta para cultivar té. Muy temprano en la mañana el choque de las dos corrientes produce además un inquietante fenómeno natural: sobre los campos se asienta una ligera bruma que solo desaparece cuando el sol se decide a salir del todo.

EN EL INTERIOR Para acercarse a la nobleza de este cultivo lo mejor es quedarse una noche en Botjae, que en coreano se presenta como una posada donde “incluso descansan las nubes”. Botjae está inspirada en la arquitectura tradicional del país, con techos de tejas oscuras llamadas giwa y esquinas puntiagudas, grandes vigas de madera, puertas de rejilla, lámparas de hierro y fuentes. Obviamente no hay camas en las habitaciones. Se descansa sobre un grueso futón.

A cinco minutos a pie de la posada está la finca Daehan, una de las más antiguas de la zona. Una parte está abierta a los visitantes, que entran a través de un camino de cipreses tan famoso que ha servido de locación para varias películas. Los árboles, altos y firmes, son parte del amargo recuerdo del tiempo en que Japón colonizó la península (1910-1945). Los japoneses fueron precisamente los primeros en reconocer el potencial de esta región para el cultivo de té. Al mismo tiempo que los propietarios de las casas de té de Seúl luchan para controlar sus nervios, por los campos de Daehan empiezan a desfilar decenas de mujeres con viseras tan grandes como platos voladores, mangas de lycra y guantes para protegerse de los rayos ultravioleta (la extrema blancura es sinónimo de belleza en Corea). Las recolectoras de Daehan se mueven con rapidez por las 561 hectáreas de la finca. Van en medio de las hileras de arbustos de té que de lejos parecen enormes orugas. La forma no es un simple capricho de postal turística. Los arbustos han sido podados cuidadosamente a una altura media para que las recolectoras puedan arrancar las hojas una por una con

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Andrés Felipe Solano

LA COSECHA SE REALIZA A MANO, DE LA MISMA FORMA EN QUE SE VIENE HACIENDO DESDE EL SIGLO VII D. C., FECHA EN LA QUE EL TÉ LLEGÓ A LA PENÍNSULA COREANA GRACIAS A UN ENVIADO QUE ENTRÓ EN CONTACTO CON LA DINASTÍA TANG EN CHINA. sus dedos. Las máquinas están proscritas en los campos de té de un país que fabrica dispositivos de alta tecnología con la misma soltura con la que un chef bate unos huevos. La cosecha se realiza a mano, de la misma forma en que se viene haciendo desde el siglo VII d. C., fecha en la que el té llegó a la península coreana gracias a un enviado que entró en contacto con la dinastía Tang, en China. El enviado coreano, además de importar el té, también trajo el budismo.

UN TÉ PARA LA CONCENTRACIÓN Desde terrazas situadas a diferentes alturas, los visitantes pueden ver cómo trabajan las recolectoras con sus cestos a la cintura. Desde la más alta de las terrazas además se divisa el mar, una pequeña recompensa al final del día para estas mujeres que son el principal filtro de calidad del té verde de Boseong, cada vez más famoso en Asia. En 2008, el producto insigne

del sur de la península ganó la medalla de oro en el World Green Tea Contest, y en 2009 fue aprobado por el Russian Medical Biology Lab como una bebida perfecta para la dieta de los astronautas. El té verde de Boseong, especialmente rico en antioxidantes, tiene entre sus cualidades más apreciadas estimular la concentración. Las recolectoras deben tener especial cuidado con la tanda inicial, la que precisamente alborota los nervios de los compradores desde el 21 de abril y que se conoce como ujeon. Esta primera recolección está compuesta por hojas jóvenes, tan pequeñas y tiernas que parecen brotes. Son las más codiciadas por los grandes aficionados al té verde. En el ujeon los bebedores especializados buscan el sabor concentrado de la tierra de Boseong mezclado con el toque ligeramente salino del mar del sur y una fragancia pronunciada. Su afición llega al extremo de pagar en promedio 100 dólares por una bolsa de 250 gramos de ujeon. Este año su devoción fue recompensada con una de las mejores cosechas de los últimos años. Dodarek, una de las fincas de Boseong, recolectó un producto que por sus increíbles características alcanzó los 120 dólares en el mercado. Por eso la tensión entre los propietarios de las casas de té de Insadong a finales de abril. Ninguno quiere defraudar a sus compradores habituales. Si por alguna razón no pueden adquirir reservas de ujeon, tienen que contentarse con paquetes de gogu, la segunda cosecha, que arranca el 4 de mayo, por la que se paga 50 dólares por cuarto de libra. Las cosechas posteriores, que llegan hasta agosto, incluso septiembre,

EL TÉ VERDE DE BOSEONG, ESPECIALMENTE RICO EN ANTIOXIDANTES, TIENE DENTRO DE SUS CUALIDADES MÁS APRECIADAS ESTIMULAR LA CONCENTRACIÓN. se destinan para fabricar productos de belleza (mascarillas, cremas, lociones) y diversos alimentos que van desde galletas hasta helados de té verde, pasando por chocolates. Muchas de estas hojas también sirven de alimento para los cerdos de la región. Una de las comidas de Jeolla-do por la que cientos de turistas son capaces de peregrinar es el nokdon samgyeopsal, que se puede comer en el restaurante de la posada de Botjae, con vistas a una laguna. El plato consiste en pedazos pequeños de tocino asado por el propio comensal sobre una parrilla empotrada en la mesa. Una vez la carne está dorada, hay que bañarla en una espesa salsa de ají rojo y coronarla con una lámina de ajo crocante. Luego se envuelve en hojas de ajonjolí. Después de comerse este taquito coreano de un solo bocado, un leve sabor a té verde queda flotando en la boca. Un trago de soju, el aguardiente de Corea, limpia el paladar y el comensal queda listo para volver a la carga. Al final de la comida, que se acompaña con arroz y una sopa de tofu, verduras y pasta

de soja fermentada, lo mejor es tomar una taza de té verde para borrar los rastros del licor.

TÉ PARA LAS MASAS Por supuesto que las hojas tardías de las últimas recolecciones también sirven para satisfacer a los consumidores de té verde menos exigentes, aquellos que toman la bebida en forma de millones de tea bags, esas bolsitas que se tiran en tazas de agua hirviendo y se toman en menos de cinco minutos. Una especie de sacrilegio para un bebedor refinado como los que frecuentan las casas de té ocultas en los callejones de Insadong. Van en busca del aromático placer de una taza caliente, pero también de los beneficios asociados a la planta. No en vano, de unos años para acá, se habla del té verde como la panacea universal. Algunos sostienen que ayuda a regular el colesterol gracias a su alta concentración de polifenoles, una sustancia química que bloquearía la absorción de grasas. Los más arriesgados incluso se atreven a asegurar que previene

la formación de células cancerosas. Es preciso advertir, para que los más incautos no caigan en trampas publicitarias, que hasta hoy no hay estudios concluyentes sobre estas supuestas acciones benéficas. Lo que sí es cierto es que el té es una excelente fuente de flavonoides, un compuesto orgánico que reduce el riesgo de accidentes cardiovasculares, según un riguroso estudio adelantado por los médicos J. M. Hodgson y K. D. Croft, de la School of Medicine and Pharmacology de la University of Western Australia. En Asia en general, el corazón no se asocia con las pasiones turbulentas como pasa en Occidente. Por el contrario, su simbolismo tiende al otro extremo. Los coreanos buscan en el té respeto, paz interior, quietud y pureza, quizás otros nombres para los flavonoides. En todo caso, en Corea se dice que estas cuatro virtudes habitan en el bebedor de un excelente té verde como el de Boseong, y que la infusión lo único que hace es sacarlas a la luz. Pero para ello se necesita tiempo y disposición. También algo de dinero.

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Juan Fernández Cortesía The Superlimã` þfUZ`! ?S cS 3TSjS̎S

La revelación paulista Bel Coelho Es la chef del momento en São Paulo. El suyo no es un restaurante de moda, es el lugar donde se ofrece una de las mejores cocinas de autor de Brasíl.

Tiene 33 años, tres de famosa y 17 pasando por algunas de las mejores cocinas del mundo. Diu es el nombre del restaurante que abrió en 2009 en el distrito de Jardins, en São Paulo. Se ha corrido la voz de que el lugar es uno de los mejores de la ciudad, y lo es. Y aunque la lista para una mesa es larga, vale la pena esperar. Bel Coelho comparte la propiedad del lugar con el restaurateur Cristiano Almeida. Juntos han ideado un espacio donde se sienten influencias culinarias italianas, francesas, españolas y brasileñas. Coelho lo define como un restaurante contemporáneo de comida sencilla, inspirada, pero no pretensiosa. Usa técnicas extranjeras y recetas clásicas de su país con productos e ingredientes locales. El menú es amplio y compuesto por tapas, pastas, arroces, pescados, carnes y aves. El restaurante es de colores fuertes, sus mesas se extienden hasta un jardín y la cocina está aislada apenas por un vidrio. El equipo de la cocina está integrado por siete personas, cuatro de ellos mujeres. Allí preparan, por ejemplo, la famosa moqueca, un tipo de cazuela de pescado de origen africano, muy popular en el nordeste de Brasil. La hace con

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gambas, leche de coco, tomate, cebolla y pimentón. También está la costilla de cerdo con melaza de caña y jengibre, acompañada de puré de calabaza. En el primer piso de la edificación, Coelho inauguró un segundo local que ha bautizado como Clandestino. Únicamente abre los jueves. Es su preferido y en él ofrece cocina “aventurera” a no más de 15 comensales, a quienes ofrece un menú de degustación de 10 a 12 platos, que pueden incluir sopa de bacalao, ostras en misso y mojo yuzu, guisado de cordero con garbanzos, y arvejas verdes y esferas de menta. Dice que no lee sobre cocina y que su inspiración proviene de lugares distintos, como el cine, la literatura y la poesía. Coelho no es uno de esos fenómenos que aparecen de la nada. Ha tenido paciencia. Empezó como asistente del chef francés Laurent Suaudeau y pasó por la cocina del hotel Fasano de São Paulo antes de partir, en 1998, al Instituto Culinario de Nueva York. Regresó a Brasil y trabajó con Alex Atala en D.O.M. Sus años siguientes fueron un periplo que incluyó Portugal, Francia, Gran Bretaña y España. Pasó una temporada en Girona con los famosos hermanos Roca, de El Celler de Can Roca, donde aprendió técnicas para el manejo de las texturas de los alimentos y mezclas de sabores. También perdió el miedo a arriesgarse y a ser feliz; aunque nunca se sintió lo suficientemente libre y creativa. Quizás por eso decidió abrir su propio restaurante, Diu, que significa alegría y cambio, según el I Ching. ¿Cuántos años tenía cuando supo que sería chef? Dieciséis. ¿Quién fue su mentor y qué aprendió de él? En realidad fueron tres: Laurent Suaudeau, Alex Atala y Jordi Roca. De Laurent aprendí la clásica gastronomía francesa y la disciplina en la cocina.

Bel Coelho usa técnicas extranjeras y recetas clásicas de su país con productos e ingredientes locales.

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LAURENT SUAUDEAU, ALEX ATALA Y JORDI ROCA FUERON LOS TRES MENTORES DE BEL COELHO. “DE LAURENT APRENDÍ LA CLÁSICA GASTRONOMÍA FRANCESA Y LA DISCIPLINA EN LA COCINA. CON ALEX DESCUBRÍ LOS INGREDIENTES BRASILEɩOS Y LA COCINA CREATIVA. DE JORDI APRENDÍ TODAS LAS NUEVAS TÉCNICAS MOLECULARES Y MÁS SOBRE LA COCINA CREATIVA”.

Con Alex descubrí los ingredientes brasileños y la cocina creativa. De Jordi aprendí todas las nuevas técnicas moleculares y más sobre la cocina creativa. ¿Cuál fue la gran lección aprendida en El Celler de Can Roca? Creatividad inspirada en nuestras propias raíces, y cocina clásica regional. ¿Cuándo decidió dejar Brasil? Había llegado el momento, tenía que salir y ver otras cosas. Así es que decidí ir a estudiar a The Culinary Institute of America. Las escuelas de cocina de Brasil no eran muy buenas en ese tiempo. ¿En qué país ha encontrado la cocina más emocionante? En España. ¿Dónde compra los mejores ingredientes? ¿Cuál es su favorito? Amo los ingredientes brasileños. Cuando viajo a otras regiones del país investigo para traer nuevos ingredientes al restaurante. Últimamente, estoy enamorada del bacuri, la cassava y el tucupi. ¿De dónde surgió la idea de crear Clandestino? Las cenas que ofrecía en mi casa para mis amigos eran llamadas “Clandestino”. El lugar es la formalización de esas cenas y también un espacio para ejercer una cocina más creativa, más autoral. La idea es ofrecer una experiencia gastronómica completa que despierte los sentidos con diferentes técnicas. ¿Dónde se encuentra la mejor cocina del mundo? Donde se genere una experiencia entre buenos amigos, con comida verdadera y sabrosa. Eso hace un ambiente acogedor que se reúne alrededor de una mesa generosa.

Brasil a la carta Mariella Lazaretti es la organizadora de la Semana Mesa SP, un congreso que desde su inauguración en 2003 ha sido patrocinado por la revista Prazeres da Mesa y el Servicio Nacional de Aprendizaje Comercial de São Paulo. Cada año, durante el mes de noviembre, más de 140 chefs de todo el mundo asisten para intercambiar experiencias y debatir sobre el futuro de la cocina. Las cerca de 15 000 personas que concurren han podido ver en acción, además de los mejores cocineros locales, incluida la atracción Bel Coehlo, a estrellas como Ferran Adrià y Alain Ducasse. ¿Cuál es su comida favorita? La regional y casera. ¿Odia algún plato? En mi caso, todo se limita a que si los ingredientes son buenos la cocina también lo será. ¿Cómo ve su cocina en diez años? No me gusta predecir. Sin predecir, ¿cómo ve su restaurante en cinco años? Más maduro en términos de cocina y servicio. ¿Cuál es su restaurante favorito? El Celler de Can Roca. ¿Algún chef que admire? Desde el principio a Alex Atala, Thomas Keller, Alain Ducasse, Michel Bras y Daniel Boulud. Actualmente, Joan Roca, René Redzepi y Olivier Roellinger. ¿Qué es cocina creativa para usted? Es cocinar de una manera diferente a la clásica, sin olvidar la base tradicional. Por supuesto tiene que saber bien, de lo contrario no tiene sentido ser creativo. ¿Cómo crea usted tantos platos cada año? Todo tiene que ver con la inspiración, pero también con el estudio y la experimentación. A continuación, las ideas llegan de forma natural, y es ahí donde comienza la prueba. ¿Dónde ha tenido su mejor experiencia culinaria y experimentado los mejores sabores? En El Celler de Can Roca, en Michel Bras y en Roellinger. ¿Cuál es su bebida favorita? ¡Gin tonic! ¿Cuál es su apreciación sobre los críticos gastronómicos y las guías de restaurantes? Tienen un rol fundamental en la industria. ¿Por qué hay más hombres chef reconocidos que mujeres chef reconocidas? Porque hay más hombres chefs.

¿Cuál es el balance de la última versión del Congreso? Muy positivo. Tuvimos un gran peso político con la venida de Alice Waters y Carlo Petrini. Junto a ellos, los chefs brasileños presentaron grandes e importantes investigaciones y trabajos. La industria vive un momento de reconocimiento muy importante. Cada vez más jóvenes intentan convertirse en chefs, ¿qué los motiva? Hay un encantamiento natural por toda la publicidad que los grandes chefs ejercen hoy. Pero cuidado, puede ser solo una ilusión, porque la vida de chef es muy dura, con mucho trabajo, muchas horas en un ambiente caliente, pequeño y muy estresante la mayor parte del tiempo. Por otro lado, hay un reconocimiento de toda sociedad a la importancia de la gastronomía. El acto de comer es tan importante como respirar, pero con la diferencia que aquel admite el ejercicio de la creatividad, de nuevos conceptos, y es responsable de uno de los mayores placeres humanos. La gastronomía acerca personas, aproxima. ¡Los que cocinan nunca están solos! ¿Qué tan rica es la cocina americana? Hemos sido bendecidos. Somos una de las mayores regiones del mundo, contamos con ingredientes fantásticos que aún son desconocidos. Tenemos ríos caudalosos llenos de peces sabrosísimos, y frutas y verduras por doquier. Como lo sabemos bien, los americanos somos muy creativos y emprendedores. Creo que Ferran Adrià estaba en lo cierto cuando dijo que una nueva revolución

en la gastronomía podría ser hecha con apenas veinte ingredientes nuevos de la Amazonía. ¿Cómo ve la cocina brasileña en diez años? La cocina brasileña está en franco crecimiento y reconocimiento en el mundo. Es una cocina muy colorida y rica, con muchas influencias de África, de Europa e indígenas. Tenemos ingredientes únicos. Alex Atala fue un desbravador y es hoy reconocido, pero no es el único. En diez años seremos uno de los lugares importantes de gastronomía en el mundo. Lo que pasa es que necesitamos del reconocimiento y la ayuda del gobierno; luchamos para que las autoridades reconozcan que la gastronomía es cultura. Y eso desafortunadamente no pasa en nuestro país. ¿El futuro de la cocina será regresar a las raíces? Sin duda. Después de la revolución de la cocina tecnoemocional que abrió muchas nuevas fronteras y posibilidades, hay un movimiento por los alimentos que nuestros abuelos reconocen como “comida”, así como por los ingredientes olvidados. Hay también un movimiento muy fuerte por la protección y desarrollo de los pequeños productores, por una cocina natural, por la salvación de los granos genéticamente puros. Todo lo que promulga el movimiento slow food es lo que las personas desean tener en el plato. ¿Dónde está el éxito de la chef Bel Coelho? Bel Coelho es una talentosa chef brasileña. Hoy tiene una investigación importantísima sobre la comida de los Orixás, del Candomblé brasileño, en su restaurante Dui. Ya está llegando a la madurez profesional, así que aún puede mostrar mucho más. ¿Qué chefs darán de qué hablar en Brasil durante los próximos años? Wanderson Medeiros, del restaurante Picuí, un chef extraordinario de Alagoas. Rodrigo Oliveira, del restaurante Mocotó, un chef de São Paulo que transformó la comida de Caatinga en inigualables delicias. Thiago y Felipe Castanho, de los restaurantes Remando do Bosque e Remansdo do Peixedos; hermanos del norte del país que elaboran la comida del Amazonas con delicadeza y creatividad. Helena Rizzo y Daniel Redondo, un dúo estupendo del restaurante Mani, quienes utilizan técnicas sofisticadas con productos muy brasileños. Jefferson Rueda, del restaurante Attimo, un artista de la cocina. Ligia Karasawa y Raúl Jimenez, del restaurante Clos de Tapas, una pareja con mucha técnica y sofisticación. No puede faltar, finalmente, Bel Coelho.

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Sophie Doran, Luxury Society Cortesía 5YcZþZVÄd

Los buenos vinos entran en línea Los retos de internet Las diversas legislaciones regionales han generado dificultades para que la industria del vino capitalice la promesa de comercializarse en línea. Sin embargo, la problemática está a punto de cambiar.

“La industria del vino es fragmentada e insular”, dice el comerciante digital de vinos Paul Mabray, de Think Wine Marketing. “Además, también sufre de uno de los paradigmas de distribución más anticuados, regulados y complicados. Es un producto cuya cola es muy larga, pues cada año ingresan cerca de 250.000 referencias individuales al mercado, y muchas permanecen allí tan solo entre tres y diez años. Además, se ha presentado una gran proliferación de marcas, y cada vez se tiene menor acceso a los canales de distribución tradicionales. Junten esto con la tecnología y se encontrarán con que hay muchas piezas complejas para armar un rompecabezas que tal vez pueda ayudar a que suceda una transición sin dificultades”. El portal en línea Amazon, que invirtió más de una década en tratar de encender el mercado del vino en línea en Estados Unidos, admitió que el modelo de comercio en línea de vinos era demasiado complejo. Las diversas legislaciones regionales

en temas de compra y envío de bebidas alcohólicas han generado dificultades para que la industria del vino capitalice la promesa del comercio virtual. Muchos comerciantes han comprobado el éxito de la venta de productos en la web. Para esto han tenido que trabajar de manera creativa para superar las limitaciones asociadas con la venta de productos asociados a los sentidos, como por ejemplo la ropa (talla y horma). Pero el vino, junto con otros selectos alimentos, presenta un nuevo reto: el gusto. A diferencia de la ropa, uno no puede devolver una botella de Chateau LafiteRothschild después de probarla. Como resultado, cuando se trata de comercializar los vinos más finos del mundo, las ventas han permanecido en manos de las casas de subastas y agentes privados. No hay duda de que el comercio en línea ha cambiado la venta de vinos en la última década, pero a esta industria aún le hace falta una plataforma

EL COMERCIO EN LÍNEA HA CAMBIADO LA VENTA DE VINOS EN LOS ÚLTIMOS CINCO A DIEZ AɫOS, PERO A LA INDUSTRIA AÚN LE HACE FALTA UNA PLATAFORMA DE VENTA UNIFICADA QUE PUEDA SOBREPONERSE A LOS OBSTÁCULOS OPERACIONALES A NIVEL GLOBAL.

unificada de venta que pueda sobreponerse a los obstáculos operacionales a nivel global. “En la actualidad, todos los buenos vinos se venden por correo electrónico o internet, y durante el año se realizan visitas esporádicas a los clientes”, explica Paul Liversedge, fundador de Real Wines. “Winesearcher ha logrado que el mercado de buenos vinos sea transparente en términos de precio. Además existen varios sitios web que deben consultarse al comprar buenos vinos, como Robert Parker, Jancis Robinson, y Burghound, entre otros”. “Dicho esto, nunca compraría un buen vino en las subastas en línea como eBay o Ricarco.ch, porque no tengo idea de dónde o cómo han almacenado el vino. Obviamente Christie’s o Sotheby’s no pueden darse el lujo de vender vinos de dudosa procedencia, pero algunos buenos comerciantes de vino sí venden a través de estos canales. Hay que ser muy cuidadoso al escoger comprador, y en el caso de las botellas más añejas se debe obtener la historia completa de su origen e inspeccionar las botellas antes de comprarlas”.

SUBEN LAS VENTAS El mercado de vinos en línea está lleno de complicaciones. Sin embargo, algunos éxitos recientes en el espacio digital indican

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que la industria avanza hacia la era de la información. Vente-Privee.com, el comerciante web creado en 2001, se ha posicionado como el mayor vendedor en línea de vinos en Francia, y el mes pasado comenzó a exportar botellas con descuento a Alemania y España. En 2011, este portal vendió dos millones de botellas en Francia, para unos ingresos por valor de 20 millones de euros. Su estrategia consiste en ofrecer descuentos del 40 al 50 porciento en vinos Grand Cru de Borgoña y Burdeos. Hace poco, durante su primera subasta en línea de buenos vinos, la casa de subastas Christie’s vendió una caja de Chateau Lafite-Rothschild 1982 por un valor de 42.350 dólares. ‘Signature Cellars’ recaudó cerca de 820.000 dólares en dos semanas, con un 88 porciento de los lotes vendidos a compradores privados americanos y asiáticos. Los diez primeros lotes incluían Château Lafite, Mouton-Rothschild, Petrus, Latour y Margaux, con la mayoría de ellos por encima de los precios estimados. Desde el principio, Christie’s permitía ofertas en línea donde los oferentes podían dar a conocer las ofertas mediante sus ‘paletas en línea’. Para el 2011, el 29 porciento de las ofertas recibidas por Christie’s a nivel mundial provenían de su plataforma en línea “Christie’s LIVE”, donde aproximadamente la mitad de las ofertas eran presentadas por clientes nuevos. La categoría más popular entre los oferentes en línea era el vino, alcanzando un 21 porciento de sus ventas anuales de vino a nivel mundial. ‘Signature Cellars’ fue la primera subasta de la casa en la que la totalidad de las ofertas se realizaron en línea. A partir de este éxito, Christie’s planea implementar una serie de ventas en línea de buenos vinos, junto con su tradicional calendario de subastas presenciales. La iniciativa en línea llega en un momento en el que los canales de mercadeo

y distribución tradicionales se encuentran amenazados. El CEO de Vinexpo, Robert Beynat, reconoce que un mercado complejo, sumado a la crisis económica en los Estados Unidos, ha contribuido a que se pospusiera de manera indefinida su primera exposición. El evento de tres días, cuya boleta diaria costaba 180 dólares, estaba programado para llevarse a cabo en noviembre en la ciudad de Nueva York, y se esperaba que asistieran 6.000 visitantes. Tristemente solo pudieron vender 52 áreas de cata de las 150 programadas. “Con este numero limitado de expositores nos asusta que los visitantes también sean limitados,” explicó a Decanter.com. “Creo que la crisis económica no ayudó, [además] promocionar el vino en los Estados Unidos es bastante complicado.” A falta de eventos a gran escala para los consumidores, los sitios como Vente-Priveé.com ofrecen beneficios obvios de comunicación y distribución, al llevar sus marcas a las manos (y las papilas gustativas) de los nuevos consumidores. “Se trata de una campaña de mercadeo,” comentó Michel Chapoutier, vinicultor del Valle del Ródano, al referirse a su asociación con Vente-Priveé. “Enviamos muestras pagas, no productos en descuento. Entonces las personas reconocen nuestra marca en las listas de vino de los restaurantes y nos llaman para pedir otra caja”. El reto final para el mercado de los buenos vinos en el mundo digital se encuentra en cómo cautivar a los nuevos consumidores. Según un estudio reciente realizado por la agencia de e-Commerce FEVAD, en los últimos seis meses la mitad de los compradores en línea adquirieron viajes, ropa o accesorios de moda, mientras que solo el 16 porciento compraron alimentos o vino. Pero la reciente subasta en línea de vinos de Christie’s es un indicativo del gran potencial de negocio que representa los vinos en Internet.

AMAZON.COM, QUIEN INVIRTIÓ MÁS DE UNA DÉCADA EN TRATAR DE ENCENDER EL MERCADO DEL VINO EN LÍNEA DENTRO DE LOS ESTADOS UNIDOS, FINALMENTE ADMITIÓ QUE EL MODELO DE COMERCIO EN LÍNEA DE VINOS ERA DEMASIADO DIFÍCIL.

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MÁQUINAS DE TIEMPO El noble metal joven

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Cortesía Chopard

MÁQUINAS DE TIEMPO

El joven metal noble La historia detrás de uno de los metales más apetecidos por las casas relojeras. Por

Ricardo Kling

Para los conquistadores españoles del siglo XVI, el platino era un dolor de cabeza. Mientras lavaban el oro en bateas en las cuencas de los ríos que corren entre el Darién y México, aparecían pepitas de un metal blanco, más pesado que el oro y prácticamente imposible de corroer, que dificultaba su labor. Al enigmático metal lo llamaron “platina”, de manera displicente y haciendo alusión a su parecido con la plata. En 1735, el español Antonio de Ulloa se topó por primera vez con el platino en los aluviones auríferos del Chocó. Este nuevo metal fue llevado a Europa, y en 1751 fue reconocido por el químico sueco Scheffer como un elemento más de la tabla periódica. Aunque se han encontrado piezas históricas de la época de los egipcios que ya tenían pedazos de platino, solo hasta el siglo XIX, con los adelantos científicos y las técnicas de fundición más avanzadas, se comenzó a emplear en procesos de joyería. En 1851, la sociedad Johnson and Matthey perfeccionó las técnicas de purificación y produjo lingotes. La minería del platino se concentró en Colombia en la zona del Chocó hasta 1820, cuando su extracción declinó y fue desarrollada en Rusia y Canadá. Este metal de color plateadoblancuzco es uno de los más preciosos de todos los metales y

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pertenece al selecto “grupo del platino”, pues comparte las mismas propiedades físicas y químicas, y normalmente los yacimientos, con el paladio, el rodio, el rutenio, el iridio y el osmio. El platino posee características privilegiadas como su maleabilidad, su resistencia al óxido, su alta densidad y su altísimo punto de fusión (a más de 1750°C), que lo convierten en un producto muy exclusivo y especial. Como dato curioso, se requiere moler más de 14 toneladas de roca para la obtención de una onza de platino. En joyería, también se trabaja el platino casi puro. Normalmente se le agrega solo un 5 % de aleación, que puede ser de paladio o rutenio, para poderlo trabajar óptimamente y para que obtenga su brillo especial y único. Su uso en la relojería data de 1820, cuando Vacheron Constantin lo utilizó en la construcción de un reloj de anillo para dama. Luego, Abraham-Louis Breguet fabricó una rústica caja para uno de sus magníficos movimientos en 1822 y, a comienzos del siglo pasado, Cartier lo empleó en algunas joyas y unos pocos relojes. Solo fue en la década de 1960 cuando, por sus virtudes de pureza, color, prestigio y valor, el platino se convirtió en el metal favorito de los japoneses, costumbre que rápidamente adquirió la industria de joyería fina alemana en los años setenta, y se estableció con firmeza en el resto del mundo en los años ochenta, cuando el renacimiento de la relojería mecánica en Suiza llevó a la industria a utilizar el platino en modelos especiales. Hoy en día, las marcas más finas del mundo llevan en sus colecciones exclusivas piezas de alta relojería que alojan sus preciosos movimientos en cajas de platino que, por la dificultad en su fabricación, normalmente

sobrepasan por bastante el precio de las que se fabrican en oro. Cabe anotar que el oro blanco proviene de una aleación del oro puro de 25 kilates con otros metales como el paladio y la plata, que produce un metal de 18 kilates (750 partes de oro y 250 de aleación) de color grisáceo, la cual se somete a baños de rodio para obtener un color totalmente blanco. Se trata, sin embargo, de un metal completamente diferente al platino que se utiliza en un grado de pureza del 95 % y cuyo color es naturalmente blanco y jamás cambiará. El valor de un reloj de platino sobrepasa el de uno de oro en por lo menos el doble. Esto es no solo por el valor intrínseco del metal mismo, sino por el grado de dificultad para trabajarlo. Se requieren hornos y sopletes especiales para fundirlo, herramientas mucho más sofisticadas para trabajarlo y un esmerado cuidado para pulirlo. Prácticamente todas las partes de un reloj de platino tienen que ser pulidas y brilladas a mano con elementos especialmente fabricados para este tipo de labor. Los costos de mano de obra fácilmente triplican los de una labor similar en oro o acero. De ahí que también las colecciones de platino son más escasas y sus precios mucho más elevados. Muchas casas solo utilizan las cajas de platino en sus relojes más sofisticados. Actualmente, la industria relojera fabrica las cajas de los relojes en una gran variedad de materiales que incluyen metales nobles como el oro y el acero. También se utiliza el titanio, que por su dureza y bajo peso es un metal excelente para proteger las finas maquinarias de los relojes. No importa cuán exclusivo, exótico o importante es el material que se utiliza, el platino es y será el emperador de todos. El joven metal noble.

relojes siempre han sido parte imporLos re de los regalos familiares más espetante d ciales ciales. IWC ofrece un exquisito set Padre Hijo, compuesto por una versión espee Hijo cial de del Big Pilot en platino con esfera de rodio de d 46,2 milímetros, y se acompaña con un u reloj a juego de la colección de aviad aviador, pero en acero y de menor tamaño. El Big Pilot es el emblemático reloj maño de la manufactura m de Schaffhausen que, además, cuenta con el sistema Pellaton adem de movimiento mo automático con reserva de marcha ma de siete días.

El Chopard L.U.C 98.01 cuenta con una tecnología patentada que dota a su movimiento de cuerda manual de cuatro barriletes superpuestos y acoplados en serie, lo que le otorga una autonomía de más de nueve días y una regularidad de marcha constante que le permite cumplir con todas las exigencias necesarias para la obtención del certificado del Control Suizo de Cronómetría (COSC). Además, el movimiento L.U.C 98.01-L tiene el prestigioso Punzón n nde Ginebra, garantía de calidad y acabados impecables. Sus puentes están decorados con delicados Côtes de Genève.

Los detalles de la caja de 43 milímetros también se han afinado para darle una apariencia refinada y atemporal. Sus nuevas curvas aportan a las asas un toque masculino y contemporáneo. Los acabados de su caja son satinados, los del bisel, pulidos y el fondo abierto. Una correa de piel de caimán negra cosida a mano completa el nuevo look decididamente elegante del L.U.C Quattro.

Este excepcional Jaeger le Coultre posee una sorprendente combinación de funciones técnicas y la más pura tradición relojera. Así, el patrimonio relojero de la Grande Maison adquiere un movimiento con doble complicación. Su calibre automático ofrece complicaciones extraordinarias: la jaula del Tourbillon es de titanio, el volante es de alta inercia y frecuencia elevada, y su masa es oscilante y está montada sobre esferas de cerámica. Decorado completamente a mano, este reloj es una muestra de los exclusivos oficios de la manufactura. Su sofisticado diseño y sus acabados únicos son un tributo a la alta relojería de tradición.

El LANGE 1 fue fu presentado en 1994 y desde entonces entonc se posicionó como el modelo emblemático embl de la compañía A.Lange & Söhne. S Debido al uso de características tradicionales del arte característica relojero alemán, alem como la platina tres cuartos y los e engastes de oro atornillados, así como al diseño descentrado de la esfera y al tamaño de la fecha de fue mundialmente Lange, su aparición apa aclamada. Ah Ahora, el diámetro del mecanismo del G GRAND LANGE es mayor, esto permitió colocar más piezas en un mismo plano y lograr alcanzar así una de 4,7 milímealtura del mecanismo me tros. La impre impresionante duración de la marcha de 72 horas se consiguió con que economiza espacio. un barrilete q Naturalmente Naturalmente, esto tuvo un efecto posidimensiones de la caja de tivo sobre las d platino, un diá diámetro de 40,9 milímetros y una altura de tan solo 8,8 milímetros, con las que ofrece of una equilibrada relación entre e el ancho y la altura.

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MÁQUINAS DE TIEMPO

Rotonde de Cartier Esqueleto C Grande Complicación es una l edición limitada y numerada de 30 p piezas. Movimiento cuer de cuerda manual calibre 9436MC con esqueleto Tourbillon de un solo pulsador, calendario perpetuo y correa en negr piel negra.

Audemarss Piguet celebró celebró los 40 años añ ños de su Ro oyal Royal Oak con u una edición e especial en platino con mem canismo esqueletizado e o de Tourbillon manufacttura Tourbillon.. La manufactura rindió así u un sentido hom mehomenaje al mo odelo que diseñó dise eñó modelo el fallecido o Gerald Genta. Gen nta.

El Mónaco V4 de platino es el primer reloj del mundo con correas de transmisión, masa lineal y rodamientos de esferas. Totalmente fabricado a mano en los talleres de TAG Heuer, este reloj con doble patente es el siguiente paso en la evolución del Mónaco, el famoso reloj de la empresa que se convirtió en clásico en la muñeca de Steve McQueen en la película Las 24 horas de Le Mans.

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Fru Fruto de una tradición que se remonta a principios de los años cuarenta, el cronógrafo con calendario perpetuo hace año su retorno r triunfal en Patek Philippe a mediados de los años ochenta, tras una ausencia de más de veinte años. Este año, och la “d “dama de Ginebra” sorprendió con el lanzamiento de su versión actualizada del cronógrafo más complicado de su vers manufactura: el 5204P, que contiene calendario perpetuo ma y cr cronógrafo con mecanismo rattrapante.

Reloj Breguet Hora Mundi, de la colección Classique en platino 950, con movimiento mecánico automático. Puede ordenarse en tres versiones de esfera, cada una de las cuales representa una región del mundo: las Américas, Américas Europa y África, África y Asia y Oceanía. La complicación más emblemática de este reloj es el huso horario que cambia de forma instantánea, una verdadera revolución en los relojes mecánicos. Gracias a esta función, el viajero visualiza fácilmente dos husos horarios previamente seleccionados, y cambia de uno a otro presionando un pulsador, sin afectar el funcionamiento del reloj. El sistema de cambio de huso horario está sincronizado con el calendario y la indicación día/noche, ofreciendo la más completa información al usuario.

Rolex determinó hace unos años que debía actualizar la forma de sus modelos clásicos y desarrolló la nueva colección Day Date II, que viene en un moderno tamaño de 41 milímetros. En esta versión, la esfera Ice Blue, exclusiva para sus modelos de platino, viene adornada con discretos diamantes que resaltan la elegancia del más famoso símbolo de estatus de la relojería.

La majestuosidad del clámaje sico Rol Rolex Day Date de 36 milímetros con brazalete milímet presiden se hace evidente president p en esta preciosa versión en platino. Rolex es el líder en la utiliza utilización de metales preciosos, y sus relojes precios nacen de un bloque macizo que después es cuidadosamente tallado para dar forma a la famosa caja Oyster que alberga su fino movimiento automático, protegiéndolo de los elementos externos.

La luna ayudaba a los marineros a navegar los océanos, pero mucho más importante era y es su influencia sobre las mareas. La indicación de las fases de la luna en el reloj con calendario perpetuo de IWC es la representación perfecta para desarrollar esta labor. Además, esta bella edición del clásico modelo Portugués en platino con caja de 44,2 milímetros es la única que muestra los cuatros dígitos del año en una ventanilla dentro de su esfera.

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Por Foto

Andrés Ramírez Milton Greene / cortesía Museo Salvatore Ferragamo

POR SIEMPRE

MARILYN MONROE El Museo de Salvatore Ferragamo, ubicado en el imponente Palazzo Spini Feroni de Florencia, Italia, presenta una exposición en homenaje a los cincuenta años de la muerte de Marilyn Monroe, la eterna diva de Hollywood que marcó una era. La exposición incluye una colección de las prendas personales de la actriz, obras de arte de reconocidos artistas y fotógrafos, y manuscritos inéditos.

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“El tamaño de tus pies describe tu carácter. He dividido a las mujeres que han venido a mí en tres categorías: la cenicienta, Venus y la aristócrata. [...] Venus es por lo general de gran belleza, glamour y sofisticación; sin embargo, a pesar de su brillante exterior, es un ser que ama las cosas simples de la vida. Debido a que estas dos características son contradictorias, la imagen de Venus es a menudo mal entendida. La gente la acusa de amante del lujo y la frivolidad”. Así es como Salvatore Ferragamo describió en su autobiografía a las mujeres que usaban talla 6 en sus vestidos. Aunque se trata de una descripción general, pareciera como si estuviese describiendo a Marilyn Monroe, la diva más famosa de todos los tiempos, la estrella que convirtió los tacones de cuatro pulgadas de Ferragamo en piezas de colección. La relación entre la actriz y la casa de modas italiana fue contradictoria, pues aunque Marilyn siempre fue fiel a estas prendas florentinas, nunca conoció a su creador: ella compraba directamente los zapatos en la tienda de Park Avenue en Nueva York, o los mandaba a recoger en Italia. Con motivo del aniversario de los 50 años de la muerte de Marilyn Monroe, el Museo Salvatore Ferragamo de Florencia rinde homenaje a la actriz estadounidense con una exposición curada por Stefania Ricci y Sergio Risaliti. Ellos plantean una puesta en escena ecléctica, resultado de un meticuloso estudio de documentos, fotografías, películas y escritos sobre la vida de la actriz. Todo con el fin de mostrar las innumerables facetas de esta

estrella atemporal de Hollywood. La exposición incluye 30 pares de zapatos Ferragamo y más de 50 trajes del vestuario personal de Marilyn, la mayoría de ellos utilizados en sus películas, y prendas y accesorios que con el tiempo, como todo lo que ella tocaba, se convirtieron en objetos de culto, algunos vendidos en subastas por precios astronómicos. Además de la moda, la exposición recurre a diferentes expresiones artísticas con el fin de revelar la personalidad dispar de la actriz. Por ejemplo, por haber sido la mujer más fotografiada de su época, la exposición incluye algunos de sus retratos más famosos tomados por artistas como Cecil Beaton y Bert Stearn. En cuanto al arte, se presenta un paralelo entre Marilyn y las obras de clásicos italianos como Dandini, Giambologna y Foggini, y artistas del siglo XX como Warhol y Klein. La figura de Marilyn es inmortalizada de esta manera, desde el arquetipo de belleza de los escultores florentinos hasta las impresiones en serie del arte pop. La puesta en escena se complementa con tomas de algunas de las escenas más emblemáticas de sus películas, portadas de revistas internacionales y escritos originales de la actriz. A lo largo de la exposición, Marilyn Monroe es retratada como la rencarnación de la Venus sagrada, tal como la imaginaba Salvatore Ferragamo: “una divinidad del mundo antiguo protectora del amor carnal”. Esta concepción es quizás un recurso histórico que los curadores utilizan para explicar la trágica vida de una mujer atormentada por su belleza. En la primera parte de la exposi-

A LO LARGO DE LA EXPOSICIÓN, MARILYN MONROE ES RETRATADA COMO LA RENCARNACIÓN DE LA VENUS SAGRADA, TAL COMO LA IMAGINABA SALVAˬ TORE FERRAGAMO.

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ción aparece una serie de fotografías de Marilyn envuelta en un suéter a la orilla del mar. Esta imagen captada por Barris es expuesta junto a la Venus de Boticcelli que emerge del mar, y con la antigua Venus de Medici, que fue la fuente de inspiración para la pintura de Botticelli. La feminidad de Marilyn fue a menudo explotada, no solo por Hollywood y la publicidad, sino por los poderes políticos, como se puede ver en las fotografías y los clips de película de la actriz en Corea, cuando el gobierno la envió allí para tratar de levantar el ánimo de los jóvenes soldados y transmitir así una imagen triunfante de América. Es desde este punto de vista de la “bomba sexy” sirviendo a su país, que los curadores decidieron incluir

el trabajo del artista contemporáneo Paolo Canevari, quién creó una bomba cubierta con espejos luminosos, similar al vestido utilizado por Marilyn frente a las tropas estadounidenses en Corea. La siguiente sección está dedicada a la famosa aparición de Marilyn en el Madison Square Garden de Nueva York, cuando le cantó Happy Birthday, Mr. President a John F. Kennedy. Los documentos, clips de películas de la época y el vestido que llevaba esa noche ilustran uno de los momentos más recordados de su carrera. Otra habitación está dedicada a grandes heroínas que han dado su vida por amor. Marilyn es comparada con Cleopatra y Dido, a través de dos obras del siglo XVII: Cleopatra de

La feminidad de Marilyn fue a menudo explotada, no solo por Hollywood y la publicidad, sino por los poderes políticos, como cuando el gobierno la envió a Corea para tratar de levantar el ánimo de los jóvenes soldados y transmitir así una imagen triunfante de Estados Unidos.

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Cesare Dandini, y Dido de Andrea Scacchi. Allí el color rojo se utiliza para enfatizar el poder dramático de la heroína, color que es también el de uno de los vestidos de la actriz y su par de zapatos más famoso, cubierto con cristales de Swarovski, acompañados por una célebre fotografía de Milton Greene. Aunque Marilyn reconoció que no le gustaba este color, este es por excelencia la representación del amor y la seducción, y es de esta manera como Milton Greene interpreta en su retrato a Marilyn. En esta parte de la exposición, el rojo simboliza el sacrificio, en clara alusión al trágico final de Marilyn a sus 36 años de edad. La siguiente sección está dedicada a la ropa que Marilyn llevaba en su vida privada. El predominio del blanco y el negro revela la ambivalencia de la personalidad de la actriz. El espacio lo complementan dos obras de Andy Warhol, quien contribuyó a hacer de Marilyn uno de los íconos de su tiempo. El retrato de Marilyn se superpone al retrato que Warhol hizo de la única mujer que logró contrastar la fama de la actriz: Jacqueline Onassis. El espectáculo continúa con una instalación de gran formato que representa la muerte de Marilyn. En un espacio blanco en alusión al momento de su muerte y el descubrimiento de su cuerpo, la voz de Giorgio Bassani recita un extracto de la película La rabbia, de Pier Paolo Pasolini, mientras que en un viejo televisor se proyecta un cortometraje realizado por Pasolini después de la muerte de la actriz. La pared del fondo cuenta con el retrato tomado por Bert Stern, capturado tan solo un par de semanas antes de la muerte de Marilyn y en la que se aprecia la belleza de un rostro atormentado que parecía anticipar la fatalidad que estaba por venir.

LOS CURADORES DECIDIERON INCLUIR EL TRABAJO DEL ARTISTA CONTEMPORÁNEO PAOLO CANEVARI, QUIÉN CREÓ UNA BOMBA CUBIERTA CON ESPEJOS LUMINOSOS, SIMILAR AL VESTIDO UTILIZAˬ DO POR MARILYN FRENTE A LAS TROPAS ESTADOUNIDENSES EN COREA.

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EL CAMINO DEL LUJO

Por

Carlos Ferreirinha*

* Presidente de MCF Consultoría & Conocimiento, firma con sede en São Paulo especializada en herramientas de gestión de la innovación del negocio del lujo en América Latina, Angola y Portugal. www.mcfconsultoria.com.br

Una sorpresa agradable En un momento del mercado donde todos los productos de una misma categoría se parecen demasiado, lo que realmente hace la diferencia son aquellas marcas que con sus productos y servicios consiguen distinguirse de forma genuina y original. No es ningún descubrimiento, pero es lógico con productos cada vez más similares en diseño y función. Por su parte, el servicio, que alguna vez fue el gran obstáculo, alcanza niveles espectaculares en diversos sectores, incluso en aquellos considerados básicos. Así que, ¿dónde está la diferencia competitiva?, ¿cómo se abrirá espacio para la diferenciación? Ya no cabe duda de que el verdadero valor está en las empresas que son capaces de conversar emocionalmente con sus clientes a través de sus productos y servicios. Son ellas las que tienen un espacio garantizado en un mundo en el que ya no se necesita, sino que se quiere y desea. Todo lo anterior para contarles sobre Kenoa Resort, situado en las orillas de las verdes aguas del noreste de Brasil, específicamente en la playa de San Miguel, en Alagoas, Maceió. Fascina y emociona la oportunidad de aprender de una operación que comprende los nuevos tiempos y con ellos la nueva era de las experiencias de consumo. Estamos hablando del nordeste brasileño, una región que hasta hace poco se asoció con el hambre, la pobreza absoluta, la sequía y el trabajo descalificado. Fue allí, precisamente, donde viví una de mis experiencias sensoriales más interesantes de los últimos tiempos. Todo lo que cabe esperar de un hotel sorprendente se encuentra en Kenoa: piscina infinita en la hermosa playa de arena, playa salvaje y poco

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frecuentada, spa y excelentes productos de cama y baño. Comodidad en todos los sentidos; espacios generosos, silencio, privacidad, servicio, cava de vinos y la cocina impecable del célebre chef César Santos, residente del aclamado Oficina do Sabor de Olinda. En el menú se pueden encontrar recetas preparadas en la tradicional cataplana portuguesa, que apenas se ve en los restaurantes famosos de São Paulo. Pero por más maravilloso, los estándares de la hotelería ofrecen lo anteriormente descrito. Así es que lo fascinante del Kenoa no está en su obviedad, sino en hasta dónde fue capaz de ir. Es su capacidad de transgredir, de ejercer encanto genuino y lograr una propuesta original. El Kenoa es el primer hotel que conozco donde el concepto de sostenibilidad no es solo una intención, es su esencia, está impulsado por el diseño del arquitecto Osvaldo Tenorio, que aproxima el concepto con estética y referencias locales como maderas de demolición, troncos, piedras y agua, un montón de agua. Es una oda a la naturaleza, a los detalles y a la celebración. El propietario de Kenoa, el portugués Pedro Marques, creó un ambiente de escapismo, casi un refugio, lo que se traduce y se hace tangible en el concepto de exclusividad e, incluso, estratégicamente, de forma deliberada o no, lo que compone el “lujo” de los nuevos tiempos. Lujo que despierta los sentidos y que armoniza con elementos naturales y rústicos. Es la naturaleza que abraza en Kenoa.