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Número 29. Marzo - Junio 2015 / Colombia: $12.000
L U J O I N T E L I G E N C I A
Anda Rowland Sastre a medida
EDICIÓN N° 29
MARZO / JUNIO 2015
DIRECTOR
COLABORADORES PERMANENTES
Juan Fernández
Ricardo Kling Carlos Ferreirinha Juliana Bedoya
EDITOR
Andrés Ramírez ASESORES EDITORIALES
COLABORADORES EN ESTA EDICIÓN
Juan M. Fernández Carlos Felipe Angulo Álvaro Corzo
Poli Mallarino Cristina Grajales Ricardo Kling
RETOQUE FOTOGRÁFICO
Andrés Gachancipá
DISEÑO GRÁFICO
Marcia Pedraza Sierra
PREPRENSA
DIRECTOR DE ARTE
Producción El Espectador
CORRECCIÓN DE ESTILO
PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR
Darío Forero A.
Juan Sebastián Sánchez H. FOTO PORTADA
Gonzalo Córdoba M.
Cortesía Anda Rowland /Anderson & Sheppard
DIRECTOR
Fidel Cano C.
FOTOGRAFÍA
GERENTE
Diego Amaral Hernan Diaz Diane Witlin
Eduardo Garcés GERENTE DE PRODUCCIÓN
Fabio Chica
© Comunican S. A. 2014 Todos los derechos reservados. Calle 103No. 69b-43 Conmutador: 423 2300. Fax: 423 7641. Apartado 3441. Bogotá, D. C., Colombia. ISSN 2027-1247
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LA COMPLEJIDAD DE LA SENCILLEZ 32
Foto
El arquitecto japonés Shohei Shigematsu está al frente de la sede de OMA en las Américas, el estudio del arquitecto holandés Rem Koolhaas. Fue quien pensó el nuevo Plan Maestro para la renovación del CAN, en Bogotá.
Cortesia OMA (Office for Metropolitan Architecture)
Pág. 18
Un sastre a medida
Pág. 66
El legado Getty
Pág. 102 Nuevo tiempo
Pág. 40
Con buenos ojos
Pág. 82
La carne de Dante
Pág. 104 El arte de Björk
Pág. 56
El cómic se subasta
Pág. 90
Mar y viento
Pág. 112
Toronto a los pies
Pág. 60
Retrato de un provocador
Pág. 98
Tiempo de bólidos
Pág. 114
Reflexiones del NRF 2015
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POR LA SOMBRA DEL TIEMPO 46
Foto
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El espacio y la obra de Olga y Jim Amaral, dos de los artistas más relevantes en la historia del arte colombiano.
Hernán Diaz / cortesía Olga y Jim Amaral
EL REY DEL SALCHICHÓN 72
Foto
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Desde la ciudad de Vic, en España, Joaquim Comella Riera comanda Casa Riera Orderix, uno de los más experimentados productores del embutido.
Cortesía Casa Riera Ordeix
Carta del director
Juan Fernández jfernandez@elespectador.com
Anda Rowland defiende uno de los oficios que casi siempre le han sido asignados a los hombres: la sastrería a la medida. Lo hace desde el Savile Row Bespoke Association, la entidad que agrupa, promueve y defiende los intereses de quienes desempeñan el oficio en la mítica calle de Londres que reúne a algunos de los mejores sastres artesanos del mundo. Pese a ser la primera mujer en ser parte de la Asociación, Anda no es novata en el oficio: heredó de su padre, el millonario Roland ‘Tiny’ Rowland, Anderson & Sheppard, una de las sastrerías artesanales más emblemáticas del mundo y que desde hace 110 años confecciona trajes para estrellas de cine, artistas, hombres de negocios y buena parte de la realeza europea. Su firma pasa por el mejor momento en años y saber cómo son sus días y cómo se confeccionan los trajes en Anderson & Sheppard es toda una experiencia. En la industria del lujo, el volver a la artesanía es una constante. También ocurre con C.W. Dixey & Son, el que puede ser el fabricante de monturas independiente más antiguo del mundo. Son ellos los creadores de los famosos anteojos redondeados que usaba Winston Churchill. La tradición se mantiene y es Simon Palmer el encargado de continuar con ella. La arquitectura ha sido una constante en todas nuestras ediciones. En esta oportunidad fue gratificante conocer al japonés Shohei Shigematsu, quien comanda la sede de OMA en las Américas, el estudio creado por el
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arquitecto Holandés Rem Koolhaas. Shigematsu se ha convertido en uno de los arquitectos contemporáneos más influyentes y, como pocos lo saben, fue quien ideó el nuevo Plan Maestro para la renovación del CAN, en Bogotá, la ciudad que también alberga a los artistas Olga y Jim Amaral, dos de los exponentes más relevantes del arte colombiano en los últimos tiempos, quienes nos abrieron su espacio más íntimo. Pese a no dejar fotografiar su cara, el artista estadounidense Andrés Serrano también nos enseñó su obra, que no deja ser provocadora y hasta censurable por los espectadores, con esa dimensión estética inesperada que involucra, incluso a la muerte. Tan provocador como Serrano, pero en un ámbito totalmente opuesto, visitamos en Buenos Aires al chef Dante Liporace, que con su Secuencia de la Vaca, una degustación de ocho pasos que incluye sesos, lengua, mejilla y rabo, reúne a cientos de comensales en su restaurante. Dante espera que su éxito no sea pasajero y anhela poder dejar un legado que perdure en el arte de la carne y sus preparaciones, algo de lo que sabe muy bien Joaquim Comella Riera, a quien hemos denominado ‘el rey del salchichón’. Vive en la cuidad española de Vic, en Cataluña, y está a cargo de Casa Riera Orderix, donde su familia vela desde 1852 por la verdadera esencia del embutido. Son ellos sólo algunos de los personajes que encontrará en esta nueva edición de Summus.
cartier.com Avenida 82 # 11 - 62, Bogot谩. Tel (571) 6224730
Colecci贸n de Diamantes
Historias con alcance global
Retrato de un provocador Por Andrés Ramírez Nueva York
La complejidad de la sencillez
Sastre a la medida
Por Andrés Ramírez Nueva York
Por Juan Fernández Londres
Por la sombra del tiempo Por Carlos Felipe Angulo Bogotá
El legado Getty Por Álvaro Corzo Los Ángeles
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La carne de Dante Por Juan M. Fernández Buenos Aires
El rey del salchichón Por Juan Fernández Vic, España
EN LA CIMA Un sastre a medida
Foto
CortesĂa Anderson & Sheppard
ENLACIMA
El coraz贸n de Anderson & Sheppard es su sala de corte, donde cuelgan los patrones de papel color tabaco y se mueven sastres y aprendices alrededor de una gran mesa donde se elaboran elegantes trajes. A la derecha John Hitchcock, sastre en jefe.
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Por Fotos
Juan Fernández Cortesía Anderson & Sheppard
Un sastre a medida
Anda Rowland heredó de su padre Anderson & Sheppard, una de las sastrerías artesanales más emblemáticas del mundo. Lo suyo es velar por el legado de una marca que está próxima a cumplir 110 años.
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Anda Rowland aún recuerda la primera vez que visitó la sastrería que hoy le pertenece. Tenía menos de ocho años y, como se convirtió en rutina, acompañaba a su padre a probarse sus trajes en Anderson & Sheppard. Para entonces, mediados de la década de 1970, Roland ◄«Tiny» Rowland era uno de los mejores clientes del local, que funcionaba en el número 30 de Savile Row, la calle que aglutina las mejores sastrerías de Londres. Su primer vestido lo encargó en 1954, cuando tenía 37 años. Anda aún conserva la tarjeta con los registros originales de sus medidas. «La tienda no estaba equipada para ir en familia. Se centraba exclusivamente en el cuidado de sus clientes en un ambiente muy masculino. Recuerdo un par de asientos de madera con cojines de terciopelo rojo oscuro para las mujeres, ubicados muy cerca de la puerta de entrada y, muy de vez en cuando, para los niños. Aguardábamos en silencio, pero de vez en cuando nos gustaba jugar entre enormes tablas de madera y rollos de tela». Los asientos a los que se refiere hoy están situados en las dos grandes salas de montaje del taller y son utilizados por amigos y familiares de los clientes.
EL PRIMER LOCAL DE ANDERSON & SHEPPARD FUNCIONABA EN EL NÚMERO 30 DE SAVILE ROW, LA CALLE QUE AGLUTINA A LAS MEJORES SASTRERÍAS DE LONDRES.
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La tienda, ahora ubicada en el número 32 Old Burlington Street, también cuenta con un cómodo sofá y una mesa de centro en la parte frontal del lugar para otros visitantes. Como ha sido la costumbre durante décadas, se ofrece té, café, jerez y whisky Macallan. En un día típico de trabajo, a Anda se le ve en la parte delantera de la tienda, en su oficina o en la sala de trabajo de los sastres. Viste zapatos planos de Céline o Christian Louboutin, y, en ocasiones que lo amerita, vestidos estructurados de Bottega Veneta o Prada.
EL INICIO Anderson & Sheppard es una de las sastrerías más tradicionales del mundo y representa las tradiciones de Savile Row. Fue fundada en 1906 por el sueco Per Anderson y el cortador de pantalones Sidney Horatio Sheppard. Anderson aprendió el oficio de Frederick Scholte, un sastre holandés que se hizo conocido por idear el «drapeado Inglés», aquel corte de chaqueta
Un traje de dos piezas está por 3500 libras y requiere de no menos de tres pruebas, la toma de más de 25 medidas y de 8 a 10 semanas para que sea finalizado.
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que, además de cómodo, genera un efecto para que el cuerpo se vea más atlético. Lo logró con un saco con hombros y mangas anchas que se van estrechando de manera gradual, y cintura ceñida. Sumó a su popularidad haber sido durante cuarenta años el sastre del Duque de Windsor (Enrique VIII). La reputación de Anderson & Sheppard se ha mantenido intacta por décadas y su lista de clientes incluye estrellas de cine como Gary Cooper, Cary Grant y Charles Chaplin; artistas como Pablo Picasso y Francis Bacon; hombres de negocios como J. Paul Getty y Henry Ford II; familias tradicionales británicas como Rothschild y Guiness; buena parte de la realeza europea, incluido el Príncipe Carlos de Inglaterra, y más recientemente personalidades del mundo de la moda como Manolo Blahnik, Calvin Klein y Tom Ford. La propiedad de Anderson & Sheppard ha pasado por pocas manos. Incluso fueron los sastres de la firma quienes se quedaron con ella hasta que Roland Rowland adquirió la mayoría. Era un viejo conocido de la casa y a finales de 1970 lo contactaron para indagar sobre su interés por hacer una oferta por la compañía. Para entonces, Roland Rowland, quien murió en 1998 a los ochenta años, era uno de los empresarios más conocidos de Gran Bretaña. Hizo su fortuna con Lonrho, una compañía con operaciones mineras en África desde 1909 y que convirtió en un conglomerado con negocios logísticos, de servicios, infraestructura y hoteleros después de tomar su manejo en 1961. Hizo dinero y, entre otras inversiones, compró el semanario londinense The Observer en 1983, cuya propiedad mantuvo por trece años. Uno de los capítulos más agudos de la vida de Rowland estuvo en su constante enfrentamiento con quien fue su mayor adversario: el egipcio Mohammed Al-Fayed. La disputa se centró en el control de las tiendas Harrods, que al final resultaron siendo adquiridas por Al-Fayed en 1985. Pero la batalla nunca se detuvo y prosiguió entre demandas, revelaciones y acciones de parte y parte durante más de catorce años. Y pese a que Rowland no pudo adquirir Harrods, logró, a raíz del escándalo, que Al-Fayed nunca pudiese lograr ser ciudadano británico, lo que dificultó parte de sus negocios. Pese a sus inversiones en diferentes sectores, Rowland
La reputaci贸n de Anderson & Sheppard se ha mantenido intacta por d茅cadas y su lista de clientes incluye estrellas de cine, hombres de negocios, personalidades del mundo de la moda y, por su puesto, a la realeza.
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siempre estuvo atento a la operación de Anderson & Sheppard. «Mi padre decidió financiar la compra de Anderson & Sheppard y entregó el cincuenta por ciento de las acciones a los cortadores de tercera edad, quienes accedieron a pagarlas durante los años siguientes con sus dividendos. Cuando los cortadores se jubilaron, le vendieron las acciones nuevamente», explica Anda Rowland. «Nunca compró la compañía por su potencial financiero. La compró porque le gustaba su gente, su cultura y la ropa que ellos le hacían y que él llevaba». Actualmente, tres accionistas, incluida la madre de Anda, ostentan el 80% de la propiedad de la empresa. Sobre su padre y la relación con su ropa, Anda recuerda: «Siempre la
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cuidó muchísimo. Tenía un ayudante que trabajó para él durante muchos años y que se encargaba de sus prendas. Trajes, chaquetas y zapatos eran reparados al verse desgastados; siempre lucía inmaculado. Sus trajes siempre fueron elaborados en Anderson & Sheppard y sus zapatos, en John Lobb». Y agrega: «Mi padre viajaba constantemente por trabajo y recuerdo perfectamente cómo su ayudante empacaba sus trajes y camisas blancas con sus iniciales bordadas de manera perfecta en su maleta de cuero marrón».
EL MUNDO DE ANDA Anda Rowland nació en Londres en julio de 1970. Fue al internado Le Rosey, en Suiza, el centro académico
donde coinciden miembros de la realeza e hijos de magnates. El mismo donde casualmente estudió Dodi Al-Fayed, el hijo del contradictor de su padre. Fue al London School of Economics y a la escuela de negocios Insead, en Francia. Trabajó para Estée Lauder en Londres y para la división de perfumes y cosméticos de Christian Dior, perteneciente al grupo LVMH, en París. Ahí aprendió el valor de ofrecer productos personalizados y elaborados por artesanos, el reto de las grandes casas de lujo. También a entender la necesidad de tomar las cosas con calma cuando se hacen cambios en los negocios y asegurarse de que estén de acuerdo con la cultura de la empresa y no con tendencias pasajeras. «Es
nuestro trabajo asegurarnos de que el futuro de Anderson & Sheppard coexista de manera coherente con su pasado y tradición», dice. Atendiendo el llamado de su madre, Anda tomó el manejo de Anderson & Sheppard en 2005, año en el que se mudaron al número 32 Old Burlington Street, a pocos metros del local que ocuparon desde 1920 y cuyo contrato de arrendamiento simplemente venció. «Fue un momento muy preocupante para los cortadores y sastres y ahora, diez años después, es más fácil para ellos hablar de lo preocupados que estuvieron antes de la mudanza. Mi primera tarea fue la de asegurarnos de que el movimiento iba a ser productivo y que las instalaciones
reflejaran la rica historia de Anderson & Sheppard junto con las nuevas necesidades de los clientes y sus hábitos», expresa Anda. Ese cambio fue determinante para la marca, pues significó actualizar a un nuevo siglo sus procesos y sistemas de comunicación manteniendo el ◄«producto» intacto. Pero para mantener la tradición, Anderson & Sheppard debe cuidar a sus sastres y reclutar nuevos aprendices. Lo ha logrado: junto con Henry Poole & Co., otro sastre a medida, es la empresa que más principiantes entrena, unos ocho permanentemente. «Parte de mi trabajo aquí es asegurarse de que tenemos suficientes clientes jóvenes que permitan a los aprendices de
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LA SASTRERÍA FUE FUNDADA EN 1906 POR EL SUECO PER ANDERSON Y EL CORTADOR DE PANTALONES SIDNEY HORATIO SHEPPARD. ANDERSON APRENDIÓ EL OFICIO DE FREDERICK SCHOLTE, UN SASTRE HOLANDÉS QUE SE HIZO CONOCIDO POR IDEAR EL «DRAPEADO INGLÉS».
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En 2005, Anderson & Sheppard se trasladó al número 32 Old Burlington Street, adaptándose a los nuevos tiempos.
hoy trabajar a lo largo de su carrera. En esta industria, cortadoras y sastres mejoran sus habilidades a medida que se hacen mayores. Tenemos muchos sastres en sus setenta y ochenta años, que comenzaron a los 16. Puede ser una larga y satisfactoria carrera y esto es algo que los jóvenes reconocen cada vez más», comenta Anda. A la cabeza de los sastres está John Hitchcock, considerado uno de los mejores desde hace décadas y quien atiende de manera personal al Príncipe Carlos de Inglaterra. Coordina a unas quince personas que conforman la planta de Anderson & Sheppard y a más de treinta sastres que trabajan en talleres independientes. Un traje de dos piezas está por las 3500 libras, unos 5300 dólares, y requiere de no menos de tres pruebas, la toma de más de 25 medidas y de ocho a diez semanas para que sea finalizado. Se encargan más de cien trajes al mes y hoy los números de la empresa son los mejores en quince años. Anda es la primera mujer en ser parte del Savile Row Bespoke Association, la entidad que agrupa y defiende los intereses de quienes desempeñan el oficio. «Nuestra intención es recordar que Londres es el hogar de la ropa más elegante para hombre y que Savile Row sigue siendo el abanderado», comenta Anda, quien concluye advirtiendo que la fuerte cultura interna de la empresa y que todos sus sastres, cortadores y empleados se sientan parte de ella, reduce el riesgo de que pierdan su identidad. Antes de despedirse asegura: «Nos comprometemos a no producir o licenciar cualquier tipo de traje en serie. Esa ya no sería Anderson & Sheppard».
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Foto Martin Mai
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ANDA ROWLAND NACIÓ EN LONDRES Y FUE AL INTERNADO LE ROSEY, EN SUIZA, EL CENTRO ACADÉMICO DONDE COINCIDEN MIEMBROS DE LA REALEZA E HIJOS DE MAGNATES.
Anda Rowland
en cinco preguntas
¿Cuál ha sido la influencia de Anderson & Sheppard en el oficio de la sastrería? En 2005, la mayoría de los artículos sobre Savile Row fueron negativos y predijeron su fin. Durante mi tiempo en París, me sentí más confiada de cómo las tendencias se dirigieron hacia una mejor calidad y personalización. Grandes grupos como LVMH, Richemond y Kering se enfocaron en ello mientras que Anderson & Sheppard, y otras firmas de Savile Row, estábamos preparados para tomar ventaja de esta nueva tendencia. Ellos se fijaron en nosotros y hoy tenemos una actitud positiva para el futuro de la sastrería a medida. ¿Es difícil conseguir buenos insumos? De ningún modo. La industria textil británica está disfrutando de un renacimiento con nuevos proveedores y técnicas. Socios de la industria como The Woolmark Company actúan como recursos valiosos y facilitan la introducción de nuevos paños. Se trata de un período particularmente emocionante. ¿Cuál es su opinión de los grandes grupos de lujo? Tengo gran respeto y admiración por el talento que nutren y mantienen. Su enfoque analítico para el mercado es
también impresionante. Veo a empresas familiares como Chanel y Hermès capaces de competir con estas enormes estructuras, ya que pueden tomar más tiempo para sus decisiones y planificar un futuro sólido para sus marcas. Es interesante ver cómo estas empresas conservan sus fuertes valores y culturas. ¿Cómo permanecer independiente si estas compañías quieren comprar prácticamente todo? Creo que se debe hacer el mejor uso del talento que poseemos en la empresa y no dejar las decisiones a un pequeño número de personas en puestos de dirección. Los grupos grandes tienden a ser muy jerárquicos, pues necesitan una cadena de mando fuerte dado su tamaño. Al ser un equipo pequeño, somos capaces de aprovechar la experiencia y las ideas de todos. También estamos muy cerca de nuestros clientes y nos aseguramos de tratar de satisfacer sus necesidades, siempre pidiéndoles su consejo. ¿Cree que los grandes grupos han perdido la sofisticación? En realidad no, y creo que no se puede generalizar, pero algunas marcas son tan grandes que deben tener una amplia oferta de productos que por su cantidad se hacen menos especiales.
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DI SE ﾃ前 La complejidad de la sencillez Con buenos ojos
Foto
iStock photo
DISEŇO
FOTOGRAFÍA: LOREN WOHL
Arquitecto Shohei Shigematsu y artista Marina Abramovich.
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Por Fotos
Andrés Ramírez, Nueva York Cortesía OMA (Office for Metropolitan Architecture)
La complejidad de la sencillez El arquitecto japonés Shohei Shigematsu está al frente de la sede de OMA en las Américas, el reconocido estudio creado por el arquitecto holandés Rem Koolhaas, en Rotterdam. A sus 43 años, Shigematsu se ha convertido en uno de los arquitectos contemporáneos más influyentes, con obras que incluyen desde pequeños edificios hasta complejos planes urbanos. De su mesa de dibujo salió el nuevo Plan Maestro para la renovación del CAN, en Bogotá.
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No todos los genios son tímidos. El arquitecto japonés Shohei Shigematsu es igual de prolífico diseñando edificios y hablando frente a grandes auditorios. Es un hombre menudo que encanta de inmediato con su buen humor. En cada una de sus conferencias traza una línea de tiempo que corre paralela entre el comportamiento de la economía de su país y su propia vida. Nació en Fukuoka, en 1972, en un hogar conformado por dos hermanos mayores y sus padres, una pareja de reconocidos científicos. Desde niño se acostumbró a no pertenecer a un solo lugar, pues sus padres solían trabajar en diferentes ciudades de Estados Unidos y Europa. Shigematsu reconoce que esta falta de permanencia, así como los avatares de la economía de su país, formaron una carrera que él mismo describe como nómada. A Shigematsu, como a millones de jóvenes nacidos después de los años setenta, les tocó enfrentar un panorama menos prometedor que el de sus padres, y por primera vez en décadas tuvieron que abandonar su país en busca de un mejor futuro. Las adversidades empujaron a Shohei Shigematsu a recorrer el mundo, y a buscar en el camino la manera de convertirse en un arquitecto de mente global capaz de mejorar la calidad de vida de las personas. Cuando apenas iniciaba su adolescencia, regresó a Japón después de vivir una larga temporada en Estados Unidos. Sintió que ya no pertenecía a ese lugar. Apenas tuvo la edad suficiente para irse de casa, voló a Holanda, para matricularse en un posgrado en el Instituto Berlage, de Ámsterdam. Se graduó con honores y empezó a trabajar como aprendiz de la firma OMA (Office for Metropolitan Architecture).
1. Edificio para la televisión Estatal China CCTV, Beijing
EL INICIO El líder de esta firma es el arquitecto Rem Koolhaas, ganador del Premio Pritzker (2000) y creador de una sólida obra que comprende no solo arquitectura sino también diseño gráfico, ensayos, fotografía, urbanismo y videos. OMA ha sido vital en el desarrollo de varias generaciones de arquitectos que se formaron bajo los parámetros conceptuales de Koolhaas, y quienes hoy dominan la escena de la arquitectura contemporánea. Solo por mencionar algunos, podemos hablar de Bjarke Ingels, Zaha Hadid y Fernando Romero. Desde un principio Shigematsu se sintonizó con el espíritu experimental de OMA. Incluso confiesa que la arquitectura de Koolhaas lo liberó. Sus ideas revolucionarias y su constante apego a los factores del entorno que afectan las ciudades y sus habitantes, le aseguraron un lugar de privilegio dentro de la firma. Al principio estuvo encargado de supervisar proyectos residenciales en Europa, y luego se dedicó a consolidar la oficina de Asia que la firma abrió en China a principios del milenio. El proyecto que lo consagró en la firma fue el complejo para la televisión estatal china (CCTV), ubicado en Beijing e inaugurado meses antes de los Juegos Olímpicos de 2008. Esta obra marcó un hito dentro de la arquitectura contemporánea y abrió las puertas para encargos más complejos, la mayoría de ellos dirigidos por la oficina de Asia. En 2006, Shohei Shigematsu se mudó a Nueva York para ponerse al frente de la oficina de OMA para las Américas. Su misión era expandir el prestigio de la firma a la primera economía del mundo, así como explorar nuevas posibilidades en países emergentes como Brasil y México.
2. Modelo de estudio para edificio en Chicago
3. Rem Koolhaas
3 Al poco tiempo OMA se consolidó como una de las firmas de arquitectura más apetecidas en Estados Unidos, con proyectos que llevaban más el sello conceptual de Koolhaas y Shigematsu. De este período se destaca el concurso para la ampliación del Museo Whitney, de Nueva York (no construido), la Biblioteca de Seattle, la Escuela de Artes y Arquitectura de la Universidad de Cornell, el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec, y la sede de la fundación de la artista Marina Abramovich, ubicada en el estado de Nueva York. Shigematsu trasladó a las Américas el concepto experimental y académico de OMA. Tanto él como Rem Koolhaas
consideran al arquitecto como una pieza central en el desarrollo físico e intelectual de cualquier ciudad. Ellos conciben la arquitectura desde una perspectiva renacentista donde, como lo sentenció el alemán Adolf Loos, «un arquitecto debe poder diseñar desde una cuchara hasta una ciudad». Por eso sus preocupaciones como arquitectos superan los límites de la construcción. «Hay cosas que me preocupan del rol del arquitecto en la actualidad. Es una profesión que siempre está en peligro de quedarse en proyectos comerciales, cuando debiera ser también una profesión social. El rango de acción del arquitecto ha disminuido; en países desarrollados, por ejemplo, hay
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PANORÁMICA DEL PLAN MAESTRO PARA EL CENTRO ADMINISTRATIVO NACIONAL (CAN), BOGOTÁ
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Panorámica del edificio Park Grove, Miami.
muchos especialistas o consultores para todo. Pienso que es bueno que también se involucren en investigaciones, en proyectos que no son netamente arquitectura, hacer libros, exhibiciones, que estén atentos a lo que está pasando en el mundo. Aun cuando su trabajo sea muy local, es importante que el arquitecto se nutra de eso», dice Shigematsu desde su oficina ubicada en el sector de Soho.
EL PRESENTE En este espacio amplio y saturado de maquetas de estudio trabajan cerca de cincuenta jóvenes arquitectos bajo la guía de Shigematsu. Allí se trabaja a un ritmo frenético para poder cumplir con la avalancha de encargos que llegan a la oficina. Entre sus obras más destacadas presentadas en los últimos meses se encuentra el que será el primer proyecto residencial de OMA en
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Estados Unidos, y el cual se anticipa será el más exclusivo de todo el país. Se trata de Park Grove, un conjunto de tres torres de vidrio ondulante suspendido sobre un jardín diseñado por el suizo Enzo Enea, y que se levantará frente a la bahía de Coconut Grove, en Miami. En esta ciudad también diseñaron hace poco el nuevo Hotel Faena, ubicado en Miami Beach. Los proyectos se multiplican cada día en número y complejidad. OMA realizó un ambicioso Plan Maestro para la renovación del Centro de Convenciones de Miami (no construido), y un Plan Maestro en San Francisco que incluirá doce edificios diseñados por Shigematsu. En la categoría de urbanismo, el proyecto más complejo adelantado por esta oficina fue el Plan Maestro para el Centro Administrativo Nacional (CAN), ubicado en Bogotá. Se trata de una intervención de 87 hectáreas, tan solo superada por Brasilia como la obra de infraestructura institucional más grande en América Latina. Este proyecto, que conectará el Parque Simón Bolívar con la Universidad Nacional a través de un sendero natural en forma de media luna, y habilitará nuevos espacios institucionales, residenciales, educativos y culturales, fue diseñado en conjunto por Shohei Shigematsu y los arquitectos colombianos Lorenzo Castro y Julio César Gómez. «Nuestro proyecto crea una curva que domina el espacio público y que conecta el parque Simón Bolívar, la Universidad Nacional y la Calle 26. Con un gesto simple, el arco logra una clara identidad urbana», explica Shigematsu.
Propuesta para el centro de performance de la Fundación Marina Abramovich, Nueva York.
Se requiere de un enorme liderazgo para llevar a cabo con éxito todos estos encargos. «Me caracterizo por ser paciente y trabajar duro. Siento una profunda pasión por experimentar, y en ese sentido mis ambiciones encajan con las de OMA», dice Shigematsu. Habla entonces de cómo Nueva York lo ha cambiado, y cómo una ciudad con tanta energía lo inspira para siempre llevar los límites de la arquitectura a un siguiente nivel. «En Japón los límites entre arquitectura y entorno son más difusos que en Occidente. Cuando trabajo, me gusta lo simple y crear una fuerte relación entre la obra y el ambiente, y no me refiero solo al verde, sino a lo que te rodea en general. La economía también me marcó, allá nunca estuve tan excitado como arquitecto, porque no pasaba mucho. Valoro lo que se vive en una ciudad como Nueva York». Al final, Shigematsu dice que su método de trabajo es tan sencillo como obvio. Lo dice frente al público o frente a sus estudiantes de Harvard: «Todo se trata de investigación y entendimiento del contexto, y luego de allí nacen ideas que se materializan de la manera más espontánea posible. No es de teorías, filosofías, ni fascinaciones por las formas».
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Con buenos ojos Por
Juliana Bedoya
FOTOGRAFร A: GETTY IMAGES
C. W. Dixey & Son es el fabricante de monturas independiente mรกs antiguo del mundo. Son ellos los creadores de los famosos anteojos redondeados que usaba Winston Churchill y que hoy siguen tan vigentes como en aquel entonces.
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Pocas cosas han cambiado en la forma con la que C. W. Dixey & Son fabrica sus monturas. Es el mismo proceso artesanal que su fundador, William Fraser, inició hace 238 años cuando el suyo era un negocio de instrumentos ópticos y matemáticos ubicado en el número 3 de New Bond Street, en Londres, y donde tenía una vaca con el fin de ofrecer leche fresca para el té de sus clientes como sello de atención. Su trabajo se hizo reconocido. Tanto, que hacia 1780 el emperador Qianlong, de China, le adjudicó la tarea de elaborar un telescopio exclusivo para él. El resultado fue una pieza de esmalte azul y oro, con incrustaciones de perlas; en la tapa del lente, un reloj. El origen de esta pieza era desconocido hasta hace pocos años, cuando el actual director de C. W. Dixey & Son, Simon Palmer, inició una búsqueda exhaustiva en el pasado de su compañía y se
encontró con que el novedoso aparato, que hoy hace parte del National Maritime Museum de Londres, fue elaborado en la óptica. «Ha sido nuestro más grande descubrimiento», señala Palmer, quien junto a su equipo ha tratado de recuperar el archivo que incluye fórmulas, cartas de sus clientes, recibos de pago y modelos exclusivos. Dentro del archivo, que Palmer guarda como un tesoro y del que habla con fascinación, están las fórmulas de los anteojos del autor de James Bond, Ian Fleming, o el reclamo del Duque de Wellington porque sus gafas llegaron en un estuche del color equivocado; así como el recuento de los siete reyes y reinas británicos que, desde la época de Jorge III en 1790, hasta Jorge VI en 1940, han sido sus clientes. La lista de compradores sigue e incluye a Napoleón Bonaparte, las Casas Reales de
Dentro del archivo de C. W. Dixey & Son están las fórmulas de los anteojos del autor de James Bond, Ian Fleming, así como el recuento de siete reyes y reinas británicos que han sido sus clientes.
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FOTOGRAFÍA: CORTESÍA C.W. DIXEY & SON
nueve naciones, y los emperadores de China, Francia e India. También a quien puede ser el mayor símbolo de la marca: el Ex Primer Ministro del Reino Unido Winston Churchil, quien usó el mismo patrón de gafas durante casi durante años. Churchill descubrió C. W. Dixey & Son mientras era alumno de la escuela Harrow, de Londres. La compañía aún exhibe la primera orden que realizó, con fecha de 21 de junio de 1910, por dos pares de gafas de carey. La última está fechada 47 años después. Los registros de la marca cuentan que el personal de la tienda le hizo varias visitas de consulta en el número 10 de Downing Street, la residencia oficial y oficina de trabajo del Primer Ministro del Reino Unido, donde adaptaban sus gafas para actividades específicas, como la pintura o los juegos de cartas. La historia de C. W. Dixey & Son es tan sugestiva como la de sus clientes. Después de hacer grande su negocio, William Fraser lo vendió en 1824 a Charles Wastell Dixey, quien logró convertirlo en una empresa familiar. Pasó por sus descendientes hasta 1929 cuando el entonces propietario, sin herederos, entregó la tienda a su personal. Durante la Segunda Guerra Mundial fue destruida en uno de los bombardeos y con ello también perdió algo de su brillo, que recuperó en 1978 cuando recibió el escudo de armas de parte del duque de Norfolk, Earl Marshal. El padre de Simon Palmer, su actual director, adquirió C. W. Dixie & Son en 1991. Palmer hijo la ha vuelto a poner a flote luego de serios problemas económicos. ¿Su estrategia? Mirar al pasado, a
Todos los marcos de C. W. Dixey & Son son diseñados en Gran Bretaña y elaborados a mano por una familia artesana en la región francesa de Jura.
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DISEŇO
C. W. Dixey & Son mantuvo una relación cercana con Winston Churchill. Durante décadas enviaron saludos de felicitación al Ex Primer Ministro en su cumpleaños.
Este es mismo patrón de gafas que usó el Ex Primer Ministro del Reino Unido Winston Churchil durante casi cincuenta años.
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sus grandes clientes y recuperar esa historia que los hizo célebres durante dos siglos. Para lograrlo, Palmer se ha dedicado a recuperar toda la historia «perdida» de la marca Pero el afán por mantener vivo el archivo va más allá de lo anecdótico, «es el punto de partida para los diseños de gafas, los colores e historias de clientes famosos. Entonces interpretamos estas ideas para crear diseños para los gustos contemporáneos», explica Palmer. Actualmente, todos los marcos son diseñados en Gran Bretaña y elaborados a mano por una familia artesana en la región francesa de Jura, en la frontera con Suiza. «La calidad es excelente», enfatiza Palmer. El precio de cada marco promedia las cuatrocientas libras y para fabricarlos utilizan modelos y cartas de diseño que son seguidos milimétricamente, con materiales que van desde acetatos hasta carey. Para darles su sello final, un artesano con guantes blancos toma los marcos y con precisión marca dos puntos en las patas. Es una remembranza de los anteojos originales de Churchill, quien en 1944 le pidió a C. W. Dixey & Son hacer estas marcas convirtiendo así los puntos de su también famoso corbatín en su sello personal.
ARTE INC. Por la sombra del tiempo El c贸mic se subasta Retrato de un provocador
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Cortes铆a Diego Amaral
FOTOGRAFÍAS: DIANE WITLIN.
ARTEINC.
Por Fotos
Carlos Felipe Ángulo, Bogotá Cortesía artistas
Por la sombra del tiempo
El espacio y la obra de Olga y Jim Amaral. Un breve perfil de dos de los más reconocidos artistas de Colombia con ocasión de su exposición conjunta en la galería la Cometa.
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la energía presencial de Jim, un gringo, como le gusta llamar a sus coterráneos, que construye esculturas melancólicas que languidecen ante el peso de su propio cuerpo. La casa no siempre fue el taller de dos de los artistas más reconocidos y más relevantes –dos cosas que no necesariamente coexisten– en la historia del arte colombiano. Hace muchos años incursionaron en el mercado textilero nacional. Colombia era un país rural con una naciente industria que pretendía suplir los bienes que habían dejado de importarse en el país. Así, empezaron con un negocio de telas finas que les permitió sobrevivir donde no
existía un mercado nacional de arte. Aún hoy, probablemente como testimonio secreto de sus aventuras comerciales, quedan algunas de esas telas en los pasillos de la casona. Se conocieron en Estados Unidos cuando coincidieron en Cranbrook Academy of Art en Michigan. Él venía de estudiar en Stanford y ella llegaba de Bogotá, apenas como asistente en el área de tejidos, porque, según cuenta, «no tenía los créditos suficientes para entrar formalmente como una estudiante en toda regla»; seguramente esta «desventaja» fue fundamental para que hoy podamos apreciar todo el despliegue expresivo de su obra.
FOTOGRAFÍA: DIEGO AMARAL.
Olga y Jim Amaral se encuentran en su taller en el barrio Quinta Camacho de Bogotá. Es una casona de estilo inglés en donde ambos trabajan sin interrumpirse, respetándose mutuamente y compartiendo ese bien que solamente puede adquirirse luego de convivir con alguien durante muchos años, el silencio. La planta baja es del dominio absoluto de Olga, allí están los dos talleres donde trabaja con un equipo de tejedoras en donde crean los hermosos tapices iridiscentes que bañan los espacios con luz dorada, o donde trabajan, anudan y descuelgan hilos para lograr volúmenes enigmáticos y delicados. Arriba se impone
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FOTOGRAFÍAS: DIANE WITLIN.
Olga y Jim Amaral se conocieron en Estados Unidos cuando coincidieron en Cranbrook Academy of Art, en Michigan. Él venía de estudiar en Stanford y ella llegaba de Bogotá, apenas como asistente en el área de tejidos.
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A la izquierda una muestra de la colorida y desbordada pintura de Jim. Arriba a la derecha, volúmenes geométricos con tela pintada de Olga.
FOTOGRAFÍAS: DIEGO AMARAL
El uso del oro es una de las marcas distintivas del trabajo de Olga de Amaral. A la derecha , piezas de su más reciente exposición.
OLGA, LA TEJEDORA Olga da testimonio de cómo ha ido cambiando la manera como los espectadores aprecian y valoran su trabajo. En principio, las preguntas sobre su obra se ocupaban de los aspectos pragmáticos de la confección, pero poco a poco fueron transformándose en preguntas sobre la intención, el pensamiento y el propósito de los tejidos. De su padre, ingeniero, heredó la minuciosa observación de los detalles; tan estricta es con su trabajo, que es capaz de destruir obras que le lleven meses si no están acordes con su voluntad. La idea de cada tejido se perfila a medida que se urden los materiales; si esa comunicación se rompe, ella simplemente vuelve a empezar. La integridad y disciplina que la definen le ayudaron a abrirse camino en el mundo del arte. Todavía muy joven, Jack Larsen, un reconocido diseñador de textiles, la invitó a que participara de una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Así empezó a abrirse camino en galerías y exposiciones en Europa y Estados Unidos. Hoy por hoy es un hito en la historia del arte colombiano.
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La obra de Jim está llena de indicaciones mitológicas, de contenido poético y de figuras anhelantes. Es, aunque suene paradójico, un iconoclasta.
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JIM, EL ESCULTOR Jim no es un hombre delicado, lo que realza la naturaleza elegante y fina de su mujer. Es escrupuloso con sus juicios y desabrochado con sus palabras, que modula en un español muy acentuado pero correcto. Su obra es, además de misteriosa, muy distinta a la de Olga. Hábido lector y versado conversador, nunca tuvo un especial interés por la academia; tampoco tuvo mayores problemas con el academicismo de algunos artistas, pues «jamás tuve la habilidad de alguien como Luis Caballero», explica. No es falsa modestia, así lo cree y ha convertido esta supuesta falta de talento en un elemento inherente de su libertad artística. La obra de Jim está llena de indicaciones mitológicas, de contenido poético y de figuras anhelantes. Es, aunque suene paradójico, un iconoclasta. Su obra no pretende verter un mensaje unívoco en el espectador; lo que busca es un despertar, generar una inquietud. Este estadounidense descendiente de portugueses dibuja cuadros llenos de color inconsciente. Sus esculturas son para tocarlas, para moverlas, desafiando la solemnidad de una galería o de un museo. Asegura alegremente que le hubiera gustado ser escritor o músico, pero que todo eso lo trata de incorporar en su obra.
FOTOGRAFÍAS: DIEGO AMARAL
«LA PINTURA Y LA ESCULTURA FIJAN LA IMAGEN Y SE PRESENTAN EN SU TOTALIDAD; LO QUE YO HAGO TRATA DE SER UNA PUERTA, UNA ENTRADA, PARA ESTIMULAR AL ESPECTADOR PARA QUE PARTICIPE DE LA OBRA», JIM AMARAL
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Olga de Amaral
en tres preguntas
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¿A qué corriente artística pertenece usted? No me siento afiliada a ninguna corriente, ya ni siquiera soy tejedora. Cuando hice una exposición en una galería de arte en Nueva York, me preguntaban cosas que no tenían nada que ver con las preguntas que me formulaban cuando hacía exposiciones más «artesanales», de tejidos. En el tejido te preguntan por el tiempo de factura, los materiales y los colores. En una exposición te preguntan cosas más amplias, «¿qué estaba pensando?», «¿cuál es el mensaje que quiero trasmitir?». ¿Cómo ha influido la artesanía tradicional colombiana en su obra? Realmente a uno lo influye todo. La idea de que yo me inspiré en el oro precolombino no es cierta. La influencia del oro vino de Inglaterra, yo estaba con una ceramista muy famosa, Lucy Rido, hace unos treinta
años, y, mientras me mostraba unas cerámicas, tomé una que tenía un remiendo dorado. Me dijo que remendaba sus obras con oro. A partir de ese momento desarrollé un gran amor por el material, por su luz, el color y por lo que representa. Creo que más influencia tuvo en mí el arte colonial que el precolombino. Entiendo que usted no trabaja con tela teñida, sino que le pinta el color encima. ¿Por qué? Cuando comencé a hacer tejidos, usaba los materiales que encontraba aquí, cabuya, esponja, vidrios largos, etc. En ese entonces Colombia era pobre, y era delicioso, porque era pobre de todo, nada importaba, así que empecé a buscar materiales con lo que pudiera expresarme. Los primeros tapices eran pequeños. Después de ir a Nueva York quise hacer obras de dimensiones más grandes, influenciada por la arquitectura; quería hacer divisiones
de espacios, y empecé a hacer tapices mucho más grandes con crin de caballo y materiales autóctonos. Con esas obras hice mi primera exposición en la Luis Ángel Arango, que se llamó Paredes tejidas. Aunque yo era una tejedora, cuando empecé a exponer en Europa y en los Estados Unidos, me empezaron a calificar como artista. Entonces me di cuenta de que el tejido en mi obra ya no era lo fundamental. Ahora lo visual era predominante. Cuando empecé a tejer mandaba a teñir la tela o yo misma la teñía, porque el color siempre ha sido muy importante para mí. Sé que no me equivoco en el color porque lo siento, vive en mí. Lo que noté es que el teñido no plasmaba el color que buscaba en el material. Por eso en Londres, cuando empecé con el oro, me di cuenta de que pintar las hebras es la solución para modificar lo que trabajo en cualquier momento.
FOTOGRAFÍAS: DIEGO AMARAL.
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Jim Amaral
en tres preguntas
¿Qué es el arte para usted? Recuerdo un libro de Marguerite Youcenar, Alexis. En él, ella dice que la música es el arte que estimula la fantasía y la imaginación, la levedad del hombre. La pintura y la escultura fijan la imagen y se presentan en su totalidad; lo que yo hago trata de ser una puerta, una entrada, para estimular al espectador para que participe de la obra. Lo que a mi me importa es que usted, más que dilucidar lo que yo estaba pensando, trate de participar en la «construcción» de la obra. El arte debe ser trascendental. Hay una paradoja en algunas de sus piezas, porque exhiben unas alas que claramente no sirven para volar. Bueno, es una frustración básica del hombre. Nosotros estamos pegados a la tierra, ese es uno de los misterios o dilemas de los humanos, vamos a la luna si queremos, pero seguimos siendo de la Tierra. ¿Ha pensado alguna vez regresar a su país? No es mi país, yo salí de Estados Unidos muy joven, ya no sé cómo viven los gringos. Yo veo Estados Unidos desde la perspectiva de los colombianos. Uno no puede volver, es difícil volver.
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El cómic se subasta Imágenes
Cortesía Sotheby’s, París
La sede de Sotheby’s de París fue el escenario de la esperada subasta Bande desinée, una selección de obras de los más grandes artistas del cómic en Europa y Norteamérica. Dave Stevens
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Guarnido Blacksad
François Schuiten L’envol
La subasta Bande desinée, liderada por el departamento de ilustraciones y cómics de la casa británica Sotheby’s, logró un precio récord de venta de 3.821.947 euros, superando en más de 30% los estimados más conservadores de los expertos de esta casa. La venta, que incluyó 288 ilustraciones, pinturas y placas originales, tuvo un cuidadoso
Mézières
Batem Marsupilami
proceso de selección que permitió combinar dentro de un mismo catálogo a artistas históricos y contemporáneos. Entre los nombres consagrados se encuentran Hergé, Hugo Pratt, Peyo, Gir-Moebius, Enki Bilal y François Schuiten (Europa), así como Winsor McCay y Milton Caniff (Estados Unidos).
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Giraud Blueberry
Milton Caniff
En esta oportunidad, Sotheby’s contó con el apoyo de los expertos en cómics Bernard Mahé, de Galerie 9e Art, de París, y Eric Verhoest, de la Galerie Champaka, de Bruselas. Mahé, un especialista internacional en historietas americanas, ha sido decisivo en la promoción de esta forma de arte, mientras que Eric Verhoest ha liderado diversas exposiciones que combinan artistas Belgas clásicos y autores contemporáneos. En cuanto a la relevancia de las obras, se destacaron piezas inéditas que rompieron los récords de subastas en esta categoría, como la poesía de Walt Disney dibujada por Floyd Gottfredson en 1934; la portada de un cómic
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inspirado en la película Millenials: Los hombres que odiaban a las mujeres, de Stieg Larsson, y siete páginas del cómic The Spirit , de Will Eisner, publicado en 1950. También se destacaron la ilustración original del famoso Prince Vaillant, dibujado por Harold Foster en 1937, y la primera edición del mítico Batman: The Dark Night , de Frank Miller. Como punto de cierre, una serie de dibujos a lápiz, bocetos y portadas dibujadas por Hergé, entre ellas la portada del décimo aniversario de la revista Le Petit Vingtième , publicada el 15 de diciembre de 1938, y sus dibujos clásicos de Tintin en Le sceptre d’Ottokar, y Les bijoux de la Castafiore. Una subasta muy difícil de superar.
Harold Foster
Peyo
Floyd Gottfredson
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Por Fotos
Andrés Ramírez, Nueva York Cortesía Andrés Serrano
Retrato de un provocador La obra del artista Andrés Serrano cuestiona ciertos dogmas impuestos en esta era de la corrección política. Sus imágenes trasportan al observador hacia un universo en el que lo cotidiano adquiere una dimensión estética inesperada, incluso en situaciones poco esperadas.
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Serie que retrata la violencia en el metro de Nueva York durante la década de 1980.
Andrés Serrano vive en un apartamento de tres pisos ubicado en un edificio contiguo a la plaza de Union Square, en el corazón de Manhattan. Es Halloween, y las calles del sector están invadidas por miles de personas que deambulan disfrazados de cualquier cosa. Esta noche Andrés y su esposa, Irina, han invitado a un grupo de amigos cercanos a celebrar la noche de brujas. La tarjeta dice que el código de vestir es corbata negra. La decoración del apartamento describe la personalidad del anfitrión. En las paredes de la entrada cuelgan pinturas de ángeles y vírgenes, así como diferentes fetiches alusivos a la religión. Junto a ellos hay intercaladas esculturas tribales africanas y pinturas paganas. También hay lugar para el arte contemporáneo y fotografías tomadas por el anfitrión. La casa de Andrés Serrano parece un templo medieval profanado por un agudo curador de arte contemporáneo. Andrés Serano brinda a los invitados un recorrido por las diferentes salas de la vivienda, deteniéndose tan solo en algunas obras que le recuerdan alguna anécdota. En la planta inferior hay un patio con esculturas contiguo a la habitación principal, donde una cama colonial española ocupa todo el espacio. Sin excepción, los invitados se muestran sorprendidos con el sarcasmo que exhibe la estética del lugar. Al continuar el recorrido se observan piezas de diferentes estilos y períodos, como un templo barroco español y unas columnas talladas en madera tomadas de un confesionario de una iglesia católica. Nacido en Nueva York y de padres cubanos, Andrés Serrano ha desarrollado una sólida carrera como fotógrafo artístico. Sus imágenes trascienden el ámbito comercial, quizás por el hecho de que nunca ha aceptado trabajar para nadie más que para sí mismo. Por años estuvo bajo el amparo de la prestigiosa
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marchante Paula Cooper, y junto a ella construyó una obra apetecida por los más exigentes coleccionistas e instituciones de arte del mundo. Sus fotografías alcanzaron en la década de 1990 el mercado secundario del arte, dominado por galerías y casas de subastas de Nueva York, adonde acceden algunos pocos artistas y se mantienen aún muchos menos. En términos de mercado, durante la pasada subasta de arte contemporáneo de Christie's, en Nueva York, una edición de su célebre obra Piss-Christ fue vendida por 277 000 dólares, casi el triple del estimado que los expertos habían asignado a esta obra.
ENTRE LA POLÍTICA Y EL ARTE Todo este entusiasmo que despierta su trabajo lo ha logrado a pesar de tener una obra que para muchos podría parecer controversial, por decir lo menos. Las fotografías de Andrés Serrano rondan temas que se salen de la corrección política que domina nuestros tiempos. Su obra perturba y ofende, pero también derriba desmitifica ciertos dogmas impuestos por el poder. Sus imágenes golpean por igual el orden religioso y el establecimiento económico y político. Quizás por eso los críticos de arte acostumbran a relacionar su trabajo con contenidos sociales. «Mi trabajo ha sido politizado y la crítica le ha atribuido un contenido político mayor que el que considero que tiene. Mi obra se enmarca dentro de un contexto social, entonces es inevitable que se hagan esas asociaciones», explica Serrano. Sin embargo, reconoce que sus fotografías contienen una dimensión política, aunque no es algo que planifique de forma deliberada. «No participo en debates o diálogos políticos
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y no creo que me corresponda a mí intervenir al respecto», dice, y continúa: «se ha citado mi trabajo a propósito de un determinado debate político, relativo a la censura en relación con el arte. Y aunque yo me he sentido involucrado en este proceso, siempre intenté mantener una cierta distancia. Creo que los críticos a veces aciertan y a veces construyen ideas. Me atribuyen intenciones que no tengo, por ejemplo, cuando asocian mi trabajo con problemáticas como el VIH, pero no es mi intención. En general, me siento cómodo con los significados que la gente atribuye a mi trabajo». Su obra ha evolucionado desde una postura más abstracta e ideológica, algo que caracterizó su trabajo en la década de los ochentas, a un desarrollo más figurativo en los noventas. De la primera etapa se destaca la serie de Fluidos, compuesta por una serie de imágenes capturadas dentro de diferentes tipos de fluidos, como leche, sangre, agua y la orina del propio artista. De allí evolucionó hacia una postura más expresionista y figurativa, donde destacan las series Ku Klux Klan y Nómadas. Aunque Andrés Serrano cree que su obra no es tan lineal, dice que describe círculos que le han permitido ir y venir entre la abstracción y la figuración. «En las obras abstractas pretendía imitar a la pintura, mientras que el trabajo figurativo me acercó más al lenguaje de la fotografía», explica el artista. «Al principio mi trabajo era muy narrativo, realizaba obras con modelos, como por ejemplo en Heaven and Hell, donde hay una mujer atada y sangrando. Dos años más tarde, hice la foto Milk que inició la serie de los fluidos. Este punto de mi búsqueda fue para mí una manera de simplificar y reducir imágenes». Pero después de un largo período de experimentación con las construcciones
La religión ha sido un tema central en la obra del artista. A la izquierda, la serie Ku Klux Klan; en esta página, Piss-Christ de la serie Fluidos. Esta fotografía de Jesucristo en la cruz fue tomada dentro de un estanque lleno de orines del propio artista.
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La muerte también ha sido sujeto común en la obra de Andrés Serrano. De la serie Morgue, retratos de personas fallecidas en Nueva York.
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más abstractas, Andrés Serrano decidió ir en contra de los cánones del arte de la época para seguir un camino más figurativo. «Fue entonces cuando realicé las series Nómadas, Ku Klux Klan y La morgue, donde no interviene ningún tipo de producción”, expresa Serrano. En relación con las influencias históricas, el fotógrafo reconoce que a medida que se ha acercado al expresionismo se ha hecho más evidente la influencia que ciertos artistas producen en su obra. Al ver, por ejemplo, la última etapa de la serie de los Fluidos, se aprecia una cita explícita a las pinturas de Mondrián, o de la serie La morgue con antiguos maestros como Caravaggio y Boticelli. Sin embargo, Andrés Serrano se considera ante todo un artista antes que un fotógrafo, pues para él hacer arte es un proceso creativo que tiene que ver con las imágenes de los sueños y su interpretación. «En los sueños uno no tiene el control sobre el curso de las imágenes. Mi trabajo funciona de manera similar, cuando estoy trabajando no me pregunto por qué lo hago ni qué consecuencias puede tener. Solo después puedo darme cuenta que significa».
En lo que parece haber cierta simetría entre la fotografía y el arte en la obra de Serrano es en lo que él mismo llama «monumentalizar la realidad». Dice que la belleza puede ser vista en cualquier situación de la vida cotidiana, incluso en aquellos momentos asociados con el dolor. Se trata de encontrar la belleza dentro de situaciones menos obvias. «Aunque no me propongo ser un artista provocativo, quiero llevar a la audiencia más allá de lo decorativo o de lo bonito. No me opongo a hacer fotos bonitas, es decir, que tengan una función decorativa, pero no es mi propuesta, intento ir más lejos, buscar algo más y llevar también al público conmigo. Mi enfoque tiene que ver con develar aspectos de la realidad que me provocan curiosidad y supongo que el espectador podrá experimentar la misma curiosidad que yo. Pero esto nada tiene que ver con posiciones políticas o sociales explícitas en mi trabajo». La celebración de la noche de brujas llega a su fin y los invitados empiezan a marcharse. Andrés e Irina se despiden para irse a descansar en su hogar, ese particular templo medieval enclavado en el corazón de la pagana ciudad de Nueva York.
Algunos críticos encuentran un gesto histórico hacia pinturas maestras del renacimiento.
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El legado Por
Álvaro Corzo V., Los Ángeles
Getty
FOTOGRAFÍA: CORTESÍA C.W. DIXEY & SON
Con dos museos, un centro de restauración y otro de investigación ubicados en Los Ángeles, Jean Paul Getty forjó una de las colecciones de arte más representativas el último siglo.
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FOTOGRAFÍA: STEPHEN GARRETT
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Millonario y avaro. Así describe la historia al petrolero Jean Paul Getty, quien la revista Forbes proclamó en 1957 como poseedor de la fortuna individual más grande de Estados Unidos, estimada en aquel entonces en unos mil millones de dólares. Getty murió en junio de 1976 a los 83 años. Desde los dieciséis estaba al tanto de algunos de los negocios petroleros de su familia. Siempre dijo que su receta para hacerse rico estuvo en levantarse temprano, trabajar hasta tarde y, por su puesto, encontrar petróleo. Se graduó como economista y politólogo de la Universidad de California en Berkeley y de Oxford. Con los ahorros que le dejó su trabajo en el campo petrolero de su padre en Minneapolis, arriesgó todo por un pequeño campo de exploración en Tulsa, Oklahoma, en el que pocos creían. Tuvo suerte y a los 23 años se hizo multimillonario.
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Fue el primer magnate petrolero en explorar en el Medio Oriente. Se lo permitió el rey Saudí Ibn Saud en un vasto terreno entre Arabia Saudita y Kuwait previo giro de nueve millones de dólares. Volvió a tener suerte y el campo resultó con una producción de dieciséis millones de barriles de petróleo al año. Se convirtió en billonario y fue ahí cuando Forbes lo nombró como el hombre más rico de Estados Unidos. Con su fortuna llegaron sus debilidades y, como lo manifestó siempre, su adicción por el arte. Inició su colección en 1930 adquiriendo esculturas romanas. Su búsqueda se extendió rápidamente al arte europeo del siglo XVIII y XIX. Se tornó en un comprador compulsivo. Tan solo en 1935 gastó quince millones de dólares en arte y un par de años más tarde se convirtió en uno de los coleccionistas más grandes del momento. Tintoretto, Titian, Gainsborough, Romney, Rubens, Renoir, Degas y Monet eran solo algunos de los nombres que recogía su catalogo a principio de los años cincuenta, década en la que ordenó trasladar más de trescientas piezas a su mansión de 23 habitaciones en Malibú, al oeste de la ciudad de Los Ángeles, la cual abriría al público tres veces por semana. Fue el inicio del Getty Museum, el cual hoy hace parte del Getty Center, ubicado sobre las colinas de Pacific Palisades, lugar que ha recibido a más de veinte millones de visitantes desde que abrió sus puertas en 1997. Diseñado por el arquitecto modernista Richard Meier, el Getty Center aloja cinco edificaciones en más de 22 hectáreas, todas conectadas por una estela en forma de un piano de cola. Allí se encuentra el Getty Musuem, el Centro de Investigación, el Instituto de Conservación, así como la Biblioteca Getty, catalogada como la más grande de su clase en el mundo. La estructura de piedra caliza color blanca, de travertinos italianos y 110 000 metros cuadrados, convierte a este lugar en una obra de arte en sí misma que suma un jardín diseñado por al artista Robert Irwin.
GETTY SIEMPRE DIJO QUE SU RECETA PARA HACERSE RICO ESTUVO EN LEVANTARSE TEMPRANO, TRABAJAR HASTA TARDE Y, POR SU PUESTO, ENCONTRAR PETRÓLEO.
FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA THE GETTY
Diseñado por el arquitecto modernista Richard Meier, el Getty Center aloja cinco edificaciones en más de 22 hectáreas, todas conectadas por una estela en forma de un piano de cola.
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FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA THE GETTY
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El inventario cuenta con más de 162.000 piezas que incluyen pinturas europeas de los siglos XV en adelante, manuscritos, escultura y arte decorativa del siglo XVIII, XIX, XX y una extensa colección fotográfica que data desde 1850. Si bien la mayoría de su colección de arte tuvo un final feliz, no corrió con igual suerte su vida amorosa. Una modelo alemana, una hija de ranchero, una actriz de Hollywood y una bailarina de cabaret hicieron parte de sus cinco matrimonios con igual número de divorcios. Fracaso que su padre, George Getty, atribuyó al libertinaje de su hijo. Los caprichos de Getty, quien hablaba siete idiomas (francés, alemán, italiano, inglés, árabe, ruso y griego) incluyeron la réplica de una villa romana de 58 millones de dólares que fue bautizada como
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la Villa Getty, lugar que sería el albergue de toda su colección hasta 1997, cuando el Getty Center estuvo listo, dejando en esta hacienda solo arte romano, griego y etrusco. La villa, la cual Getty nunca conoció completamente terminada antes de morir, está ubicada en el sector de Malibú, junto a su mansión de 23 habitaciones, y recibe más de un millón de turistas al año. Abierta al público en 1974 y renovada en 2006, cuenta con una colección de 46 000 piezas de arte griego, romano y etrusco que datan del año 6500 A. C. al 400 A. C. Sus jardines, pabellones y salones barrocos son también sede del Centro de Conservación Etnográfica y Arqueológica, visitada por académicos de las artes del mundo entero. Getty terminó sus últimos días en Londres en un enorme castillo
comprado al duque de York. Uno de los episodios más recordados de su vida tuvo que ver con el secuestro de su nieto, Paul Getty III, en 1973, por parte de la mafia calabresa, que exigía 17 millones de dólares por su liberación. Getty III pasó más de un mes en manos de sus raptores, quienes enviaron una de sus orejas para presionar el pago, que finalmente se transó en tres millones de dólares. Se dice que, además, Jean Paul Getty le prestó a su hijo, Paul Getty II, a una tasa de interés del 4%. Jean Paul Getty murió de un ataque cardiaco y dejó una fortuna de 2200 millones de dólares que prácticamente no vieron sus herederos y fue enviada al Getty Trust, que maneja todo lo referente a su colección, los centros de investigación y los dos museos.
La villa de Jean Paul Getty está ubicada en el sector de Malibú y recibe más de un millón de turistas al año.
PLACERES El rey del salchich贸n La carne de Dante
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Cortes铆a Casa Riera Ordeix
Joaquim Comella Benet, consejero y quinta generaci贸n, y su hijo Joaquim Comella Riera, director general, y miembro de la sexta generaci贸n.
Por Fotos
Juan Fernández Cortesía Casa Riera Ordeix
El rey del salchichón
La ciudad de Vic, en Cataluña, es el lugar que acoge a importantes fabricantes de fino salchichón. Casa Riera Orderix es uno de los productores más fieles a una tradición familiar que va por la sexta generación.
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«El proceso de elaboración de todos estos salchichones es el mismo desde hace 162 años», asegura orgulloso Joaquim Comella Riera, quien está al frente de Casa Riera Orderix, la compañía fundada por Josep Riera Font en 1852. Comella forma parte de la sexta generación de la familia que aún vela por la esencia del salchichón de Vic, la ciudad española cercana a Barcelona que acoge a algunos de los mejores productores del embutido que hoy cuenta con una denominación de origen. Casa Riera Orderix era lugar de paso obligado del rey Alfonso XIII cuando iba a la ciudad. Y, según comenta Comella, el sabor del salchichón que comía el Rey era el mismo que se ofrece hoy. Para lograrlo, se usan ingredientes naturales y una carne de cerdo muy seleccionada que proviene de sus propias granjas y de las partes nobles de la hembra –jamones, panceta y carne magra. Comella explica que una cerda tiene más tiempo de vida que un cerdo, y ha sido engordada lentamente, por ello su carne es más consistente, tiene el color más rojizo y, sobre todo, más sabor. Esa carne, mejor que la del macho, se pica y amasa con panceta y se le agrega sal marina y pimienta negra, en grano y molida. Condimentar la carne es indispensable para conservar adecuadamente los embutidos. Después de reposar por dos días, se introduce en tripa natural, se ata y cuelga para su secado y maduración, un proceso que tarda entre tres y seis meses y en el que los salchichones se descuelgan, se cepillan y se vuelven a colgar de dos a tres veces. Los cordeles de algodón utilizados para atar la tripa natural sirven para colgar los embutidos en los secaderos, pero también para identificar el producto, que puede ser de cuatro clases: de Vic, Trufado, ambos elaborados con carne de la hembra; y Payés y Fuet Vic, de carne de macho.
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DESDE SU FUNDACIÓN, LA SEDE DE CASA RIERA ORDEIX CONTINÚA EN EL NÚMERO 14 DE LA PLAÇA DELS MÀRTIRS DE VIC Y DURANTE 16 DÉCADAS LA FAMILIA HA PERMANECIDO UNIDA CONTROLANDO LA EMPRESA.
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PARTE DEL SECRETO DE UN BUEN SALCHICHÓN ESTÁ EN EL CONTROL DE LA TEMPERATURA Y LA HUMEDAD DURANTE EL SECADO, QUE SE CONTROLAN MANUALMENTE, ABRIENDO Y CERRANDO VENTANAS.
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Los cordeles de algodón utilizados para atar la tripa natural sirven para colgar los embutidos en los secaderos, pero también para identificar el producto.
El secreto, aunque Comella dice que no existe, ha sido aplicado por décadas: abrir y cerrar las ventanas en los cuartos de secado naturales en el momento preciso para mantener condiciones de temperatura y humedad perfectas. «No hay secretos, solo se usa materia prima de la mejor calidad. Lo que sí nos diferencia del resto de productores es la curación natural durante seis meses en nuestros secaderos de madera de 163 años, que dan al producto un bouquet final único y extraordinario». «La esencia es una gran estima al producto. Sin ella no podríamos fabricar un salchichón tan artesanal y luchar para mantener la tradición, y en esta línea está mi compromiso», comenta Comella, quien con paciencia alcanza a producir unos 90 000 salchichones al año que equivalen a más de 70 000 kilos y que se venden en promedio a un precio de 40 euros/kilo. Se encuentran en El Corte Inglés de España; Harrods, en Londres; tiendas Lafayette, en París; así como en KaDeWe, en Berlín; y Globus, en Suiza.
LA TRADICIÓN Desde su fundación, la sede de Casa Riera Ordeix continúa en el número 14 de la Plaça dels Màrtirs de Vic y durante 16 décadas la familia ha permanecido unida controlando la empresa. «En 160 años hemos tenido que sortear guerras, revoluciones, crisis, y aun
así seguimos vivos porque al final la familia ha estado unida y el producto conservado altos estándares». Joaquim Comella Riera ha estado vinculado a Vic toda su vida. Realizó sus estudios en la ciudad y en Barcelona. Pasó por la universidad de Houston y regresó a su país para hacer un máster en el IESE, la escuela de negocios de la Universidad de Navarra. «Entré en la empresa en 1992 y empecé en el obrador seleccionando carnes y embutiendo, y así por todas las secciones durante un año para posteriormente incorporarme al equipo comercial. Después de la jubilación de mi padre, me hice cargo de la dirección general», cuenta. Desde que reemplazó a su padre en al cargo, Comella ha potenciado la gestión comercial en España y el exterior. En cuanto a los gustos de los clientes, siguen siendo los mismos, «pero lo que sí ha cambiado son los hábitos de compra y lógicamente nos hemos tenido que adaptar a ello; ahora se compran piezas de menos peso o lonchados». Sobre los mercados latinoamericanos, Comella comenta que las barreras de entrada de los países impiden la comercialización que anhelan, pero será un tema de tiempo, como el que toma cada vez que come su salchichón predilecto. «Mi preferido es el salchichón de Vic de toda la vida, me gusta comerlo despacio, muy curado,
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Casa Riera Orderix enseña cómo reconocer sus salchichones CASA RIERA ORDERIX PRODUCE 90 000 SALCHICHONES AL A�O, QUE EQUIVALEN A MÁS DE 70 000 KILOS.
1 SALCHICHÓN DE VIC Está elaborado con las partes nobles -jamones, panceta y carne magra- de la hembra de cerdo, dados de panceta, sal marina, pimienta negra y tripa natural. El proceso de secado se realiza de forma natural y puede durar de tres a seis meses en función del calibre y el clima.
2 SALCHICHÓN TRUFADO Está elaborado con las partes nobles -jamones, panceta y carne magra- de la hembra de cerdo, sal marina, pimienta negra, trufa negra y tripa natural. El proceso de secado es natural y puede durar de tres a seis meses según el calibre y el clima. A la carne seleccionada también se añade trufa negra de invierno procedente de la Garrotxa.
3 SALCHICHÓN DE PAYÉS Es la a variedad más especiada de Casa Riera Ordeix y se caracteriza porque está revestida con una fina capa de pimienta natural que le otorga un sabor especiado muy particular. Está elaborado con paletilla y panceta de cerdo, sal marina, pimienta negra y tripa natural. También puede contener azúcares y conservantes naturales. El proceso de secado del salchichón de Payés es controlado y puede durar entre mes y medio y dos meses.
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LEGÍTIMO FUET DE VIC Se reconoce por su sabor, su aroma y su color, pero también por su forma clásica de collar o de bastón. Está elaborado con las partes nobles -paletilla, panceta y carne magra- del cerdo, sal marina, pimienta negra y tripa natural. El proceso de secado del Legítimo Fuet de Vic es controlado y puede llegar a durar tres semanas.
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PLACERES
Dante Juan M. Fernández, Buenos Aires Cortesía Dante Liporace
La carne de Por
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Cocinar o morir. Esa es la premisa del argentino Dante Liporace, que con su Secuencia de la Vaca, una sofisticada degustación de ocho pasos que incluye seso en jugo de cebolla, lengua, mejilla, hígado, intestinos y hasta rabo, asombra a cientos de comensales.
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No hay otro modo. Cualquiera que haya nacido en Argentina sabe que no existe otra manera de cocinar carne vacuna que no sea sobre una parrilla: el trozo de animal que se asa de a poco, las brasas que crepitan debajo, el humo que matiza la escena. Aquí, en el país de la carne, no hay nada más obvio, nada más rico. Todos lo saben. Todos, menos Dante Liporace. «Hice dos asados en mi vida», dice sentado en el bar de Tarquino, su restaurante en plena Recoleta, la zona más distinguida de Buenos Aires. La declaración suena provocadora, pero enseguida aclara: «Ojo, me encanta el asado, pero no lo disfruto cuando lo hago yo». Nacido en Bahía Blanca, una ciudad portuaria al sur de la capital argentina, Liporace descubrió su pasión de pequeño y, siguiendo su estrella, llegó hasta elBulli, donde aprendió casi todo de Ferrán Adriá. El resto fue simple: volcó su creatividad en la cocina y, mientras otros colegas se convertían en estrellas frente a las cámaras de televisión, él se dedicó a trabajar frente a las hornallas. «No concibo mi vida fuera de la cocina», asegura. «Me levanto a las nueve y a las diez estoy acá. Me tomo una hora para pensar nuevas ideas y hacer pruebas, y después empezamos la producción. Paso la mayor parte del día en el restaurante, un rato en mi casa y nada más». Liporace es uno de los chefs más sofisticados del ámbito local, pero es también un tipo sencillo que, cuando no está en la cocina, hace algo de gimnasia y, una vez por semana, visita al psicólogo. Que disfruta las pastas, el cine, el pinot noir. Los Soprano, la lectura, Nueva York. Por lo demás, todo gira en torno a Tarquino, el lugar donde urdió otro modo de pensar la gastronomía argentina.
LA LIBERTAD Su historia comenzó como la de muchos otros: una vocación temprana, fogueada en la cocina familiar. «Yo tenía dos abuelas, una sueca y una italiana. A una le mandaban productos desde Suecia,
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y eso me fascinaba. Tenía cosas rarísimas y me dejaba jugar en la cocina», recuerda Liporace. «La otra, que había vivido la Segunda Guerra Mundial, era distinta: no te dejaba malgastar ingredientes. Pero las dos eran buenas cocineras y aprendí muchísimo en sus casas». De a poco, Liporace empezó a leer libros de cocina. Cuando invitaba a sus amigos a comer, en lugar de echar carne sobre la parrilla –lo que haría cualquier argentino–, preparaba platos recomendados en el libro Cocina fácil para la mujer moderna. Así empezó. Para seguir, debió recorrer cientos de kilómetros. «Cuando tenía veinte años me mudé a Buenos Aires. Quería estudiar cocina y, en Bahía Blanca, eso era imposible. No había escuelas ni restaurantes donde uno pudiera aprender algo valioso, no había nada». En la capital estudió en el colegio de gastronomía del Gato Dumas (uno de los cocineros argentinos más reconocidos de las últimas décadas) y realizó varias pasantías. Sin embargo, para seguir adelante, tuvo que partir, una vez más. «La cocina que me interesaba estaba en Europa, así que me fui para allá». Luego de dar algunas vueltas por el Viejo Continente, Liporace aterrizó en Maskana, un restaurante que acababa de abrir sus puertas en Barcelona. Allí se quedó tres años, tiempo que aprovechó para seguir formándose y conocer otras regiones de Europa. Más tarde, pasó un tiempo en un rincón perdido en los Pirineos, donde trabajó con el chef español Pedro Subijana. «Ahí me aburrí un poco, porque estaba en un pueblo muy chico y yo venía de Barcelona. Quería vivir en una ciudad, así que empecé a planear mi regreso a Buenos Aires», recuerda. Durante un tiempo vivió entre España y Argentina, hasta que un día recibió el llamado que le cambiaría la vida: después de muchos intentos, había sido aceptado para trabajar en elBulli. «Pasé ahí seis meses que marcaron un antes y un después en mi historia. Aprendí mucho de las técnicas de Adriá, de sus platos, pero la principal ense-
Liporace define su restaurante como un lugar que rescata el gusto argentino sin recurrir al recetario tradicional.
FOTOGRAFÍA: MARINA PERALTA RAMOS
ñanza que me llevé fue la libertad. De elBulli uno sale decidido a hacer lo que se le cante. En mi vida no quiero tener más parámetros que los míos». Liporace es claro: para él, Adriá es un genio. Lo dice con sus palabras: «Trabajar con él fue como jugar con Maradona. El tipo hizo un desastre total: no le importó nada y dio vuelta la gastronomía. Desde el aspecto visual de los platos hasta sus texturas, pasando por la deconstrucción de los alimentos o la mezcla de lo dulce y lo salado. Sin embargo, con el tiempo, uno se da cuenta de que el aún eva-
día a Boudet. Tal vez por ser un individuo habituado al instinto, componente más importante fue la libertad que le permitió cagarse en todo y hacer un camino propio sin tener dinero, poder ni nada. Tenía, simplemente, una convicción». Luego de su experiencia en elBulli, Liporace regresó a Buenos Aires y, en 2009, se puso al frente de Moreno, un restaurante de cocina molecular que duró apenas dos años porque, según dice, era totalmente adelantado para la época. Entonces llegó la propuesta de abrir Tarquino, y la posibilidad de empezar desde cero lo cautivó.
El restaurante se encuentra en la planta baja de Hub Porteño, un coqueto hotel boutique. La entrada es imponente: un envolvente pasillo de mármol desnudo, iluminado con sutileza con lámparas vitraux. Enseguida, se ingresa en el bar, un pequeño ambiente de luz tenue, mesas bajas, sillones capitoné, barra de madera y botellas de vino por doquier. Más allá está el salón: techo de vidrio, pisos y paredes en madera, mesas para cuarenta cubiertos, sillones con asientos de cuero, y un árbol –sí, un árbol– en medio del lugar.
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«Tarquino es un restaurante que rescata el gusto argentino sin recurrir al recetario tradicional», explica el chef. «Lo bueno es que hoy los argentinos tienen más posibilidades de viajar y están más informados, así que es fácil proponerles algo nuevo». Con eso en mente, en 2013 Liporace ideó Secuencia de la Vaca, una sofisticada degustación de ocho pasos que, en un perfecto homenaje a la gastronomía argentina, recorría distintas partes del animal con platos de alta cocina. Así, el menú abría con seso en jugo de cebolla y seguía con lengua, mejilla, hígado, molleja e intestinos, lomo, bife de chorizo, capuccino de tuétano y concluía, como no podía ser de otra manera, con rabo. «La idea era hacer platos de alta cocina con cortes de carne vacuna, que no son muy adaptables», explica. «La vaca es un mundo a descubrir, pero ofrece muchas menos variantes que, por ejemplo, un pescado. Entonces, fue todo un desafío desarrollar distintas técnicas y encontrar acompañamientos que sumaran interés a cada corte, no solo a la hora de saborearlo, sino también al ver el plato y aprehender un concepto». La Secuencia de la Vaca fue un éxito –llegó, incluso, a las páginas del New York Times– y permaneció en el menú de Tarquino por un año. Más tarde, volvió con algunas modificaciones y, por estos días, Liporace está trabajando en la tercera versión, que está lista para probarse. «La degustación va a comenzar con raviol de seso con jugo de ossobuco y una esfera de mango», adelanta. «El seso me parece riquísimo, pero no es un corte que se adapte fácilmente a la alta cocina. Lo mismo pasa con las achuras: los extranjeros no están acostumbrados a comerlas. Entonces, hay que incluirlas de manera muy sutil y, al mismo tiempo, enredar todo con otros ingredientes para que los argentinos también se sorprendan». La Secuencia de la Vaca surgió en 2009, cuando elBulli invitó a Liporace a pasar otros quince días en su cocina, como chef invitado. En ese momento, el restaurante ofrecía una degustación de cuarenta pasos que incluía un paréntesis con varios platos elaborados a base de liebre. El nombre de ese intermezzo era Secuencia de la Liebre y al argentino esa idea lo fascinó. «Me encantó la posibilidad de jugar con un único producto», cuenta.
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FOTOGRAFÍA: MARINA PERALTA RAMOS
PLACERES
LIPORACE ES UNO DE LOS CHEFS MÁS SOFISTICADOS DEL ÁMBITO LOCAL, PERO ES TAMBIÉN UN TIPO SENCILLO QUE, CUANDO NO ESTÁ EN LA COCINA, HACE ALGO DE GIMNASIA Y, UNA VEZ POR SEMANA, VISITA AL PSICÓLOGO.
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PLACERES
La secuencia de la vaca
CEREBRO
LENGUA
CACHETE
Sesos con mayonesa de chimichurri, papas fritas y hojas verdes.
Lengua en reducción de jugo de lengua, con aceite de pasto y esfera de morrón rojo, y aroma a bruma.
Carrillera con huevo empanado en papa seca.
BIFE
COLA
LAS LECHES
LAS LECHES
Magret de bife de chorizo con ñoquis de leche, con café, almendras y espuma de parmesano.
Sánduche de rabo con kétchup casero, cebolla y esfera de mango.
Helado de yerba mate con sopa de chocolate con leche.
Espuma de flan con helado de dulce de leche y crema.
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EN 2013, LIPORACE IDEÓ SECUENCIA DE LA VACA, UNA SOFISTICADA DEGUSTACIÓN DE OCHO PASOS QUE, EN UN PERFECTO HOMENAJE A LA GASTRONOMÍA ARGENTINA, RECORRÍA DISTINTAS PARTES DEL ANIMAL CON PLATOS DE ALTA COCINA.
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Su paso por elBulli fue muy importante en su carrera. ¿Qué fue lo que más le sorprendió de esa experiencia? Uno llegaba a elBulli diciendo: «La cocina es mi vida». Pero cuando veías cómo ellos se tomaban su trabajo, te dabas cuenta de que no era así. Para ellos, la cocina era más que su vida. Y yo adopté esa postura. Para mí es cocinar o morir. Ahora tengo un hijo y eso cambió un poco la perspectiva, pero creo
CORAZÓN E INTESTINOS
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Molleja y chinchulín con puré de manzana, limón y criolla de arrope.
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que él no merece tener un padre que no sea feliz. Imagino, entonces, que es muy exigente en la cocina. Muy exigente. Entiendo que puede no ser fácil trabajar conmigo, pero el que no lo entienda se puede ir. Acá las cosas son así, y hay que adaptarse. No me gusta que la gente considere que esto es solo un trabajo. Si no ponés una cuota personal en la cocina, no va.
CRUISE CONTROL Mar y viento
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Cortesía Puig Vela Clássica Barcelona
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Mar y viento Por Fotos
Juan Fernández Nico Martínez, cortesía Puig Vela Clásica Barcelona
La familia española Puig instauró uno de los campeonatos de vela más emblemáticos de Europa y con él la oportunidad de reunir los mejores modelos de todos los tiempos.
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Los primeros 12 metros fueron creados en 1907 y los últimos, en 1987. En total se han construido 196 y en la actualidad se dividen en cinco categorías.
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La de los Puig es una historia de perfumes y barcos. Fue Antonio Puig quien fundó hace 101 años la que es hoy la primera compañía del sector de las fragancias en España, y la quinta del mundo. Está en manos de la tercera generación y sus marcas propias incluyen Carolina Herrera, Nina Ricci y Jean Paul Gaultier; además de licencias como Prada y Valentino. El objetivo: convertirse en la tercera firma de su sector en el mundo en un periodo de cinco años. Al frente del emporio, que factura más de 1500 millones de euros cada año y registra utilidades que sobrepasan los 170 millones de euros, está Marc Puig. Se ha dedicado al negocio, pero también a no olvidar el vínculo de su familia con la vela. Desde 1984, y durante 22 años, los Puig
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patrocinaron la Copa del Rey de Vela e hicieron de ella un referente internacional. Su velero, el Azur de Puig, siempre fue protagonista de regatas en todo el mundo. En 2008, la familia decidió crear su propio campeonato, la Puig Vela Clàssica Barcelona, que con veleros de tradición es la regata de su tipo más importante de España y una de las pruebas más importantes en el circuito internacional de la categoría. Inclusive Marc Puig ha participado en su carrera como patrón de un barco legendario, el Moonbeam IV, la embarcación que acogió al príncipe Rainiero de Mónaco y a Grace Kelly durante su viaje de novios, entrado 1956.
DOCE METROS Pero los Puig fueron más allá, y desde el año pasado incorpora-
LOS EXPERTOS SEÑALAN QUE LAS MEDIDAS DE LOS 12 METROS SON PERFECTAS.
ron el campeonato mundial de la clase 12 metros, Puig 12mR World Championship. Son, dicen, aquellos veleros con medidas perfectas y que durante más de 30 años participaron en la Copa América, el evento deportivo más antiguo del mundo. Son embarcaciones con una longitud entre 20 y 23 metros, un mástil de unos 26 metros, un peso de 20 a 25 toneladas y una superficie vélica que puede llegar a los 190 metros cuadrados. Su tripulación está compuesta hasta por catorce marineros. Son rápidos, elegantes y con amplias esloras. Los primeros fueron creados en 1907 y los últimos, en 1987. En total se han construido 196 y en la actualidad se dividen en cinco categorías: Grand Prix, Modern, Traditional, Vintage y Antique. En julio de 2014, cuando se realizó la primera competición de 12
metros en Barcelona, se vieron unas veinte embarcaciones procedentes de Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Alemania, Dinamarca, Argentina, Portugal e Italia. «Son barcos muy representativos», señala la organización. Estuvo ahí el Vim, «uno de los mejores 12 metros a nivel internacional. Esta embarcación de 1939, que cuenta con un innovador mástil de aluminio, fue trasladada a Inglaterra y ganó 19 de 28 regatas. Durante la Segunda Guerra Mundial fue desplazada a Estados Unidos. Otro barco emblemático es el Nyala, encargado por el presidente de la compañía petrolera Standard Oil Corporation como un regalo a su hija Lucie por su boda con Briggs Cunningham, un afamado capitán conocido por inventar el dispositivo Cunningham para aumentar la velocidad de
los veleros de competición y por capitanear el Columbia, el barco ganador de la Copa América 1958».
VELA CLÁSICA No sólo los 12 metros generan curiosidad. También la cantidad de veleros de época y clásicos. Los primeros fueron construidos de madera o metal y botados al agua antes del 31 de diciembre de 1949. Se dividen en tres clases en función de las velas y del aparejo. Los segundos también son de madera o metal, pero botados antes del 31 de diciembre de 1975 y se dividen en dos clases según sus tipos de velas. Y son este tipo de barcos al final los que acaparan la atención de los asistentes a la competencia y, por supuesto de la familia Puig, que se prepara para una nueva versión cada julio en Barcelona sin olvidar que su historia se debe a la vela y al perfume.
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La Puig Vela Clàssica Barcelona es la regata de su tipo más importante de España y una de las pruebas más importantes en el circuito internacional de la categoría.
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Tipos de
embarcaciones
SLOOP
CUTTER
Embarcación de un solo mástil, normalmente dotado de mayor y foque. Este barco, usado por las armadas, era un pequeño y veloz velero que llevaba órdenes de un barco a otro.
Embarcación de un solo mástil, emplazado a 1/3 de la largada del barco y que sostiene la vela mayor y dos foques.
KETCH
YAWL
GOLETA O SCHOONER Velero de dos mástiles, que lleva velas de tipos diversos. El mástil principal está colocado en popa, por delante de la rueda del timón y es más grande que el mástil de trinqueta, posicionado en proa, en el tercio delantero del barco. Los dos mástiles también pueden tener la misma altura, pero siempre el de popa lleva la mayor y el de proa, la trinqueta. Las velas que enarbolaban normalmente eran áuricas (trapezoidales), llamadas también gaff, aunque muchos otros optaron por las bermudianas.
Tipos de velas según su forma
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Velero de dos mástiles, dotado tanto de velas bermudianas o Marconi (triangulares) como áuricas (trapezoidales). El mástil principal está colocado el tercio delantero de la nave y el mástil de mesaba está situado en popa, por delante de la rueda del timón.
BERMUDIANA O MARCONI
ÁURICA O CANGREJA
De forma triangular.
De forma trapezoidal (generalmente la mayor).
Velero de dos mástiles, dotado tanto de velas bermudianas como áuricas. El mástil principal está colocado en mitad de la nave y el de mesana, muy pequeño, a popa, por detrás de la rueda del timón.
FOQUE
MESANA
Nombre genérico para toda vela de cuchillo y forma triangular que se da en un nervio del palo trinquete. Es decir, en el que va desde ese palo al bauprés o botalón con el que este se prolonga.
Vela o mástil de popa en un yawl o ketch.
MÁQUINAS DE TIEMPO Tiempo de bólidos Nuevo Tiempo
Foto
Cortesía Chopard
MÁQUINAS DE TIEMPO
Tiempo de bólidos
Por Fotos
Ricardo Kling Cortesía Chopard
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La casa Chopard ha estado unida desde 1988 a la Mille Miglia, la más famosa y prestigiosa carrera anual de automóviles antiguos del mundo. Esta asociación, que dio origen a una colección masculina de relojes, se ha convertido en icónica y ha experimentado múltiples avances. 98
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1. Destacadas figuras del automovilismo mundial como Juan Manuel Fangio participaron desde el comienzo en la prestigiosa carrera.
2. Los Scheufele, padre e hijo, participan cada año en alguno de sus «Chopard Vintage». Aquí en un espectacular Ferrari.
3. Las ciudades italianas por donde pasa la carrera de la Mille Miglia se convierten en auténticos carnavales de apasionados por el automovilismo clásico.
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Hay algunos relojes que a lo largo de los años se van convirtiendo en toda una referencia de la industria. Con modelos que han influido de forma permanente en la historia de los relojes deportivos, la colección Mille Miglia de Chopard es una de ellas. Desde 1988, Chopard presentaba, cada año, un reloj nuevo de la colección Mille Miglia que se producía en una edición limitada y que estaba reservado a los participantes de la célebre carrera italiana. Solo hubo dos años en que se cambió el reloj por otro artículo de Chopard. Sucedió en 1989, cuando se entregó a los pilotos de la carrera un llavero conmemorativo, y en 1992, por un par de mancornas. Luego, en 1997, además de los ejemplares reservados a los competidores, se comercializaron una serie de ediciones limitadas de los relojes Mille Miglia. El número de piezas que se editan corresponde al año de referencia. Es decir, este año se van a ofrecer al público 2015 cronógrafos Mille Miglia de acero, además de los 410 ejemplares que están reservados a los participantes. El origen de la alianza Chopard-Mille Miglia tuvo origen en la gran afición a los automóviles antiguos y clásicos que tienen Karl Scheufele y su hijo, Karl-Friedrich, propietarios de la empresa relojera suiza, quienes además son importantes coleccionistas de autos clásicos. La carrera es un evento social y cultural que atrae a miles de personas de todo el mundo cada año. Los espectadores aprecian los autos y a sus pilotos a través de la competencia que parte de Brescia, en el norte de Italia, y recorre mil millas de pequeñas carreteras y pintorescos caminos hasta Roma en costosísimas máquinas que se inscriben cumpliendo estrictos requisitos, escogidas por un comité de expertos. Los automóviles deben haber participado en alguna carrera de la original Mille Miglia o poseer características deportivas especiales. Los participantes pagan una costosa inscripción que les permite disfrutar de grandes recepciones, exclusivos hoteles y, des-
de luego, compartir con celebridades y famosos durante los días que se realiza la competencia. Los relojes producidos por Chopard cada año son analizados individualmente ya que el interés fundamental de la colección Mille Miglia es su valor como testimonio de la evolución de una industria que ha experimentado profundos cambios. Para comprobarlo, basta con ubicar el primer modelo, el de 1988, junto al modelo de 2014. Son dos relojes, dos cronógrafos, dos mundos diferentes que demuestran el camino que ha recorrido la relojería. Las motorizaciones, las dimensiones, la fiabilidad, las especificidades técnicas y la calidad de los materiales han evolucionado de manera muy significativa. Raras son las compañías de relojes que presentan un modelo nuevo cada año. La calidad y la riqueza de la colección Mille Miglia aportan todavía más envergadura a la dimensión creativa que este conlleva. De hecho, para el equipo técnico y de diseño de Chopard, la edición Carrera Mille Miglia tiene una función de banco de pruebas, la misma que desempeñan las escuderías de los coches de carreras en la industria del automóvil. Así, el laboratorio de ideas que representa esta colección ha ido evolucionando con el tiempo, integrando en sus códigos genéticos los mejores avances y rechazando los elementos menos convincentes.
COMO UN CARRO DE CARRERAS Los modelos Mille Miglia muestran una auténtica coherencia de conjunto. El color rojo, asociado a menudo al negro y la flecha con el logo de la Mille Miglia, figuran, sin duda, entre los códigos más importantes e intangibles de la colección. El carácter deportivo de los modelos, prácticamente siempre cronógrafos, son otras de las características que han marcado la colección. La evolución de la colección también se ha hecho evidente. 1990 fue testigo de la aparición del primer movimiento mecánico, integrado en un cronógrafo rattrapante de circuito en acero. Excepto
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MÁQUINAS DE TIEMPO
en el caso de ese año en concreto, los modelos Mille Miglia siempre han sido relojes de pulsera. 1994 marcó la llegada de la primera correa de caucho, cuyo diseño está inspirado en el perfil de un neumático Dunlop Racing de los años sesenta. Se trata de una correa característica, que a partir de entonces aparece en numerosos modelos. La integración total de la correa de caucho en la caja se presenta a partir de 2011. 1997 marcó la aparición de dos características fundamentales de la colección: el uso de movimientos mecánicos (de carga automática) para todos los modelos y el comienzo de la comercialización de los modelos producidos, todos los años, en series limitadas. Hoy, la colección Mille Miglia está formada por dos líneas: la Classic y la GT XL. La primera se inspira en los coches más antiguos de todos los que han participado en la Mille Miglia (entre 1927 y 1940), mientras que la segunda, más técnica e imponente, se inspira en los coches que corren la famosa carrera italiana desde hace menos tiempo (entre 1940 y 1957). En cuanto a las evoluciones estilísticas más recientes, hay que destacar, en especial, la utilización de un bisel en aluminio anodizado negro, en 2012; la aparición de los pulsadores champignons, en 2013, y ese mismo año, la vuelta, con fuerza, del color rojo a la esfera. El modelo 2014 fue realizado en una edición limitada de 2014 ejemplares en acero y 250 en oro rosa. Por primera vez las piezas reservadas a los participantes se distinguen por la inscripción «Competitor», que figura en la esfera. Decididamente moderno, pero a la vez inspirado en los coches más antiguos de todos los que han corrido las Mille Miglia, su carácter, a la vez vintage (a causa de su esfera, su correa de cuero y su grabado sobre el fondo) y muy relojero (por su fondo de zafiro que se abre sobre el movimiento automático) nos asevera que se trata de un cronógrafo contemporáneo y el fiel descendiente de una de las colecciones de relojes deportivos más importantes de la historia.
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El primer Chopard Mille Miglia de 1988.
1988
Cronógrafo de mano especial para mediciones precisas de tiempo en competencias automovilísticas producido por Chopard para la carrera de 1990.
1990
1989
El llavero conmemorativo entregado por Chopard en 1989 a los participantes de la Mille Miglia, con el mapa de la ruta.
1995
El reloj de 1995 introdujo el color rojo en su esfera y cautivó con su vintage look .
En el 2001 Chopard se apartó del acero y produjo un modelo en titanio que poseía el legendario pulso de caucho que reproduce el labrado de la llanta Dunlop de los automóviles clásicos.
2001
Siguiendo la tendencia de relojes de gran tamaño, Chopard presentó el Mille Miglia GT XL en el 2011, que además traía los números impresos sobre el cristal de zafiro.
2011
2004
El Mille Miglia del 2004 integró la función GMT que permite visualizar el tiempo en formato de 24 horas en la escala de su bisel exterior y puede llevar la hora en dos diferentes husos horarios.
Los pulsadores «Champignons» del reloj del 2013 junto al toque moderno del color rojo en su esfera hicieron que la edición se agotara rápidamente en todas las joyerías y boutiques que ofrecieron este precioso Chopard.
2013
2012
Los participantes de la carrera y los numerosos coleccionistas de los relojes Mille Miglia quedaron encantados con el reloj del 2012, pues su bisel negro rinde homenaje a los relojes deportivos de los años sesenta.
2014
El más reciente reloj Mille Miglia de Chopard del 2014 se produjo en un reducido número de piezas en oro. Aquí la espectacular versión de acero que indudablemente prepara a los fans para lo que llega este año.
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Nuevo tiempo
Por décadas Cartier se ha caracterizado por lanzar relojes emblemáticos con diferentes formas que en su momento fueron revolucionarias. Está el Santos, un reloj cuadrado que Louis Cartier concedió en 1904 al famoso aviador brasileño Albertos Santos Dumont. Siguió el rectangular Tank en 1917 y después el redondo Ballon Bleu, lanzado en 2006. Otros modelos han sido generados por la marca, pero con su nuevo Clé, espera crear un nuevo ícono. Lo que hizo Cartier al final fue reducir las formas de la caja a su mínima expresión para darle equilibrio con un bisel liso y redondeado que se adapta cómodamente a la muñeca, eliminando los cantos afilados y reduciendo los cuernos.
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Clé, significa llave en francés y por eso quizá el parecido de la corona con este elemento, que se gira para ajustar la hora y fecha en un gesto que recuerda el movimiento para generar cuerda a la máquina. Cartier explica que «combinando la tecnología de vanguardia y una profunda pericia, el nuevo movimiento fue desarrollado, fabricado y ensamblado por los artesanos de la manufactura en Suiza. Su nombre, 1847 MC, no fue elegido al azar. Los números indican el año de creación de la Maison. La incorporación de un barrilete particularmente rápido proporciona al movimiento una tremenda
estabilidad cronométrica. Su mecanismo automático con un sistema de carga de doble dirección está dotado de una gran robustez y durabilidad gracias a un sistema de palanca especialmente ideado». Para hombre, está disponible en un tamaño de 40 milímetros en oro blanco y rosa de 18 quilates. Para mujer, en tamaños de 31 y 35 milímetros en oro rosa y blanco de 18 quilates y engastado con diamantes talla brillante. Al final, lo que la colección Clé introduce es un reloj con una curva de dibujo ajustado que representa una novedad y la posibilidad de tener un nuevo ícono relojero.
ALTA MODA El arte de Björk Toronto a los pies
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Cortesía MoMA
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El arte de
Por Fotos
Andrés Ramírez, Nueva York Cortesía MoMA
El Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMA, acaba de inaugurar la exhibición Björk, una retrospectiva que explora la influencia estética y cultural que la cantante islandesa ha ejercido durante más de veinte años de carrera artística.
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Björk ha experimentado con la música y el arte contemporáneo. Una muestra de sus diferentes facetas utilizadas en sus álbumes y conciertos.
Björk es una pionera de la música electrónica, en sus vertientes más experimentales. También es una revolucionaria que ha sabido saltar con naturalidad de la música al arte de vanguardia. Ella lidera una generación acostumbrada a acercarse al arte a través de una mirada más cercana a la cultura popular y las redes sociales. Desde su pequeña casa ubicada en Elliðaey Island, Islandia, y junto a un pequeño grupo de colaboradores, ha construido una carrera alejada de los grandes sellos comerciales, y apostado por un público independiente ajeno al gran mercadeo que ronda la industria musical de nuestros tiempos. La impronta que ha dejado la cantante no ha sido poca. Es precisamente la relación entre la cultura popular y el arte contemporáneo la excusa para presentar esta exhibición en una de las instituciones más respetadas del mundo. La retrospectiva es una experiencia visual que, aunque tenga el propósito de rendir un homenaje musical, también «exhibe la música como una obra de arte a la que el espectador se enfrenta cara a cara, no desde una perspectiva documental», según explica Klaus Biesenbach, curador de la exposición y director de MoMA PS1. La retrospectiva presenta una cronología de objetos, instrumentos, trajes e imágenes que trasladan al espectador al particular mundo de la cantante. También hay videos y música creados por la artista especialmente para esta exhibición. La pieza central se titula Black Lake, un videoclip de diez minutos de duración que formará parte de su nuevo álbum Vulnicura, filmado por el cineasta Andrew Thomas Huang en una cueva de Islandia. «Ella misma compuso, cantó y arregló Black Lake para el MoMA. Filmamos en una cueva, cantando y jugando con su vestido de cobre… Se recrea un efecto sonoro de una cueva, no solo el efecto físico», explica Biesenbach sobre el vídeo, que se expone en una sala del museo que emula una gruta. Los robots utilizados en el vídeo All Is Full of Love (1997); una escultura que recuerda la portada de su primer álbum, Debut (1993), y las marionetas de Wanderlust (2008), también están presentes en la exposición. Así, la narrativa del arte se transforma en una experiencia musical.
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La moda también hace parte del ámbito de exploración de la cantante. Sus más sobresalientes vestidos están en la exhibición.
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La cantante evoluciona su propia est茅tica de acuerdo con sus cambiantes propuestas musicales. Todo hace parte de un mismo libreto que se engrana para conformar una particular atm贸sfera.
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Toronto a los pies Bata Museum, la mayor colección de zapatos del mundo, alberga este año la exposición Fashion Victims, los placeres y peligros de la moda del siglo XIX. Una selección de su impresionante acervo que se ha convertido en parada imprescindible para cualquier viajero que visite Toronto.
Más de 13.000 zapatos alberga el Bata Shue Museum de Toronto, el mayor del mundo de su especialidad. Desde calzado prehistórico hasta una increíble colección de zapatillas deportivas, pasando por piezas que pertenecieron a personalidades como el Dalai Lama o el Papa; y celebridades como Madonna, Elthon John o la mismísima Marilyn Monroe. Las grandes firmas de moda del mundo del calzado no faltan en este moderno edificio, situado en el
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Igor Galo, Toronto
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Cortesía Bata Shoe Museum
número 327 de la calle West Bloor. La institución ofrece exposiciones semipermanentes, ya que su colección es tan grande que puede permitirse renovarse cada cierto tiempo toda la exposición. De tamaño recoleto, sus cuatro niveles pueden recorrerse en un par de horas sin ningún problema. El museo fue abierto en 1995 y toda su colección es propiedad de Miss Sonja Bata, propietaria de la cadena de calzado Bata, presente en muchos países del mundo desde la década de 1940.
MARILYN MONROE Marilyn Monroe, una vez dijo: “Yo no sé quién inventó los tacones altos, pero todas las mujeres le debo mucho”. Estos zapatos de tacón de aguja sexy y cuero rojo dan un sentido de la imagen sensual cultivada por Monroe, quien los llevó en 1957 en Montreal cuando ya era un icono cultural.
JOHN LENNON Sus fans saben que este botín estilo Chelsea acompañó por años al “Beatle”, e incluso fueron los otros integrantes de la banda quienes los pusieron de moda. Este modelo fue llevado por Lennon en la década de 1960 en pleno apogeo.
ELTON JOHN Las botas plateadas de Elton John con la E grabada, utilizadas por el cantante en un gira, son parte de la colección de “zapatos de famosos”, propiedad del Bata Museum.
RUDOLF NUREREF Los zapatos de bailarín ruso Nureyef, fallecido en 1993, fueron la joya de una exposición temporal que Bata Museum organizó sobre los zapatos en el baile.
MADONNA Zapatos de tacón diseñados por Dolce y Gabanna para Madonna en 1992. Por años la cantante fue uno de los mayores exponentes de la marca.
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EL CAMINO DEL LUJO
Por
Carlos Ferreirinha*
Reflexiones del NRF 2015 El National Retail Federation de Nueva York tuvo una nueva edición en la que sigue aportando reflexiones pertinentes y configurándose como el principal centro de retail del mundo. Brasil ya es la segunda mayor delegación participante, lo que demuestra la fuerza del minorista brasileño y su búsqueda constante por mejorar. No podemos olvidar que se trata de una feria de tecnología y, por lo tanto, el tema está presente en casi todas las guías. Sin embargo, el NRF ha ido ganando fuerza en diferentes áreas de negocio. En esta edición, el tema principal estuvo relacionado con el «renacimiento» de la tienda física al por menor, de «ladrillo», como los expositores comentaban. La revolución y la evolución digital han llevado a muchos a creer que el minorista tradicional desaparecerá y que todo el comercio ocurriría a través de plataformas electrónicas. Fue una manera fascinante para darse cuenta de que, más que nunca, el espacio físico gana mayor relevancia. Un alivio para las empresas de lujo que han invertido años en experiencias en los puntos de venta de sus clientes. Esta alineación en las reflexiones sobre la industria minoristas refuerza el trabajo de las marcas de lujo y el resultado de la observación y la experiencia de MCF Consultoria durante muchos años. La nueva tienda Valentino en la Quinta Avenida de Nueva York deja claro la importancia del espacio físico, bastante
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representativo en las marcas de lujo. Durante el NRF se citó en repetidas ocasiones a la marca Rebecca Minkoff, que ha demostrado que puede ser el nuevo «Tory Burch» del mercado estadounidense. La marca ha sido capaz de llevar la experiencia digital moderna a la tienda física. Michael Kors, con el tercer mejor rendimiento al por menor en Estados Unidos, tiene menos fuerza digital pero tiendas físicas que hacen el trabajo. Es fundamental tener en cuenta estos casos de éxito, pero también las derrotas. No hay duda de que el mercado de la música, por ejemplo, cambió completamente y los modelos tradicionales de tiendas de discos desaparecieron para dar paso a nuevas oportunidades en el segmento de la música, como la tienda iTunes, Spotify, Deezer, Rdio y muchos otros formatos de streaming. En cuanto a las tiendas tradicionales de DVD, el surgimiento de modelos como Netflix, por ejemplo, dejó claro la reinvención del segmento. La pregunta es, ¿cuál es el camino adecuado? Tengo dudas. Voltaire en un momento dijo: «La incertidumbre es una posición incómoda. Pero la certeza es una posición absurda». Pero no hay alternativa. El camino siempre estará en explorar nuevas formas de implementar los cambios. Es la única forma de mantenerse renovado y demostrar la capacidad de aprovechar las oportunidades ante un contexto de cambio que se mueve cada vez más rápido.
* Fundador y Presidente de MCF Consultoría Especialista en inteligencia y gestión de lujo. www.mcfconsultoria.com.br