Revista Boceto, edición 27.

ISSN 2011 - 2203 -1ER. SEMESTRE DE 2019

LA REVISTA

ABDÚ ELJAIEK

EL DISEÑO DE COLOMBIA PARA EL MUNDO

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BOCE TO, U NA EXPE R IE NCIA EN DI S EÑO

RECTOR Johny García Tirado

SECRETARIA GENERAL Lucero Ibarra DIRECTOR DE BOCETO LA REVISTA Víctor Hugo Villamizar R. DIRECTORES DE PROGRAMAS ACADÉMICOS DISEÑO GRÁFICO Jorge Rosero DISEÑO DE ALTA COSTURA Manuel Díaz del Castillo DISEÑO Y PRODUCCIÓN DE TELEVISIÓN Jair Miranda DISEÑO DE INTERIORES Diego Pérez FOTOGRAFÍA PARA MEDIOS Victor Hugo Villamizar R ANIMACIÓN Manuel Tapias DEPARTAMENTO DE INVESTIGACIONES Mónica Lucía Súarez UNIDAD CREATIVA Y DE COMUNICACIONES Alejandra Álvarez Restrepo

Hablar del diseño colombiano y su proyección ante el mundo, es hablar de los exponentes que nos encontramos en las publicaciones y sitios en la internet, donde se habla día a día de lo que hacen estos colombianos que dejan en el alto el nombre del país. En esta edición de Boceto, quisimos resaltar a estas mujeres y hombres que muestran su trabajo desde su óptica con un diseño e imágenes fotográficas vanguardistas, demostrando porque han marcado una diferencia ante el mundo.

Para el concepto del diseño de esta edición, se quiso hacer un homenaje a la Bauhaus en sus 100 años, la famosa escuela alemana que se creó en 1919 en Weimar, la cual le dio un giro importante al arte, la arquitectura y el diseño contemporáneo, el nombre de Bauhaus es la combinación de dos palabras del idioma alemán: Bau, que significa construir, y haus, que traduce casa: construir una casa, de esta manera no es que Gropius su creador pensara solo en diseño arquitectónico, sino, por el contrario que abrigara otras artes del diseño, pero desde el punto de vista básico pero a

REVISIÓN DE ESTILO Mónica Lucía Suárez Beltrán PORTADA: Abdú Eljaiek Foto: Esteban Eljaiek

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Víctor Hugo Villamizar R. Director

EDITORES DE CONTENIDO Paola Farina Leonardo Castañeda

Una de las técnicas más importantes y utilizadas en su tiempo por la Bauhaus, fue dejar en evidencia las estructuras y materiales que hacían parte del diseño. Esta es una forma especial de valorar el trabajo y los procesos que están detrás del resultado.

En Boceto ninguna edición se parece a la anterior, todas tienen un concepto único y diseñadores diferentes. Sin embargo, todas sus ediciones poseen algo en común: la entrega y dedicación de cada uno de sus integrantes.

Hacer parte del equipo de trabajo de la revista se trata de mucho más que aportar nuestros conocimientos. Hacer parte de la revista nos ha premiado con grandes aprendizajes, aportandonos experiencias tales como el trabajo en equipo, que nos ha per-

Por: Víctor Hugo Villamizar R. Director de la Revista Boceto

EIDTORES DE DISEÑO Angie Sánchez Natalia Gónzalez Sebastián Romero ILUSTRACIÓN Cristian Briceño

Por: Angie Sánchez. Editora de diseño

las vez transformador, por eso la Bauhauses protagonista en esta edición.

Por este motivo Boceto quiso trasladar ese diseño innovador en sus páginas, y de esta forma dar a conocer un grupo de colombianos, que con su deseo y su necesidad de crear nuevas alternativas en este ámbito, ellos demuestran que no es un estilo, sino es una manera de mirar diferente el diseño y la fotografía, esta es una alternativa de pensar en una nueva sociedad, y en un mejor país.

Entre los invitados en esta edición: Abdú Eljaiek, uno de los grandes maestros de la fotografía, nos muestra como desde su ojo podemos percibir la fuerza de las cosas, Diego Tamayo ex tallerista, habla sobre la necesidad de traer el arte a Colombia, como él lo hizo en la gestión cultural y colaboración en proyectos como el de la Capilla Sixtina. Andrés Montoya, mejor conocido como toxicómano, nos comparte que para él, pintar en la calle, más allá del talento, requiere de mucho ánimo. Una revista con una variedad de temas porque el diseño de Colombia ahora es parte del mundo.

Leonardo Castañeda, editor de contenido

VICERECTOR ADMINISTRATIVO Y FINANCIERO Mauricio Bobadilla

E L D I SEÑO DE CO LO MB I A PAR A E L M U N D O

Paola Farina, editora de contenido

PRESIDENTES CONSEJO DE FUNDADORES Astrid Álvarez D´ Castro Alejandro Álvarez de Castro

mitido aprender a valorar lo que hacen los demás tanto como valoramos el nuestro. Al mismo tiempo nos ha permitido creer en nosotros mismos.

Un factor característico que el diseño editorial ha aportado a nuestra carrera también ha sido el aprender a manejar el tiempo.

Todo esto para finalmente llevar nuestras ideas al mundo tangible, logrando que muchas personas se conecten con las historias que contamos a través de la revista. Nos llena de ilusión entregarles a ustedes nuestros estimados lectores la edición de la que hicimos parte.

Boceto es toda una experiencia, nuestro Director nunca dejó de ser docente, los Editores nunca dejaron de ser estudiantes, nuestros Invitados

nunca dejaron de ser profesionales, pero absolutamente todos hacen parte de esta revista, porque trabajaron para ella desde el principio. Boceto les agradece a todos por su tiempo.

En esta edición de la revista queremos mostrar por medio del color, los elementos que componen el mundo visto a través de los ojos del diseño editorial, colores que se convierten en nuestros primarios. Dejamos de pensar en el amarillo, azul y rojo, para hablar de Cian, Magenta, Amarillo y Negro, como elementos que construyen Boceto, la revista que contiene más historias de las que se pueden leer en ella. Esta edición hace homenaje al proceso y construcción de todas sus ediciones. Boceto es diseño de Colombia para el mundo.

Sebastián Romero, editor de diseño

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Angie Sánchez, editora de diseño

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Natalia Gónzalez, editora de diseño

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Cristian Briceño, ilustrador

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Historia de la

Bauhaus

100 AÑOS DE LA BAUHAUS

En 1918, el gobierno alemán puso a cargo de Walter Gropius, arquitecto y artista alemán la dirección y administración de las dos escuelas más importantes de artes y oficios en la ciudad de Weimar, la Sächsichen Kunstgewerbeschule y la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst. Gropius propuso la unión de ambas el 12 de abril de 1919 bajo la denominación de Statliches Bauhaus in Weimar. El propósito del arquitecto era el de concebir un espacio donde los artistas trabajaran de la mano con los artesanos con el fin de crear productos comerciales que contribuyeran a revitalizar la industria alemana de la posguerra. Estas ideas se reflejan en su manifiesto que evoca un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar las artes alrededor del eje de la arquitectura:

La escuela que transformó al diseño Por: Jorge Hernán Rosero Pulido, Director del Programa Profesional en Diseño Gráfico.

l celebrarse en este año el centenario de la fundación de la Bauhaus, es importante realizar un balance sobre su desarrollo, el rol que cumplió la escuela alemana y sus aportes en el desarrollo del arte, la arquitectura y el diseño contemporáneos. En este breve artículo trataremos de abordar de manera resumida su historia, legado e influencia en nuestro país.

Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual [...]

Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas.

Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura, a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega.

Gropius unió a los oficios y las especialidades bajo un esquema de trabajo en común aboliendo las diferencias de condición social y acercando a los artistas a las manifestaciones populares. Estos conceptos revolucionarios se aplicaron en talleres donde maestros y aprendices experimentaban con tejidos, trabajo de metales, diseño inmobiliario, fotografía, diseño escenográfico, pintura, escultura y arquitectura. Como resultado se produjeron artefactos industriales dotados de diseños funcionales y eficientes.

A este proyecto se unieron una serie de arquitectos, diseñadores y artistas de diferentes partes del mundo atraídos por los postulados de Gropius.

Entre éstos se destacaron arquitectos como Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Laszlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes, Johannes Itten y Josef Albers; pintores de la talla de Paul Klee y Wassily Kandinsky. También cabe destacar la importante contribución de mujeres como Anni Albers, Margarete Schütte-Lihotzky, Gunta Stolzl, Marianne Brandt, Margarette Heymann y Gerrud Arnt.

Ilustración: Cristian Briceño

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En 1925 debido a diferencias políticas con la administración de la ciudad la escuela fue trasladada a Dessau donde tomó el nombre de Bauhaus Dessau, Hochschule für Gestaltung. Al año siguiente se inauguró su edificio oficial, una obra notable de la arquitectura moderna diseñada por Walter Gropius y que influyó en el desarrollo arquitectónico posterior. En esta sede la Bauhaus operó hasta 1931, año en el cual cerró sus puertas debido a críticas lanzadas por el gobierno nacionalsocialista de Dessau por sus planteamientos modernistas que esta-

ban en desacuerdo con la doctrina Nazi que estaba empezando a imponerse en Alemania.

En consecuencia Mies van der Rohe, el entonces director, decidió trasladar la escuela a Berlín, donde estuvo activa durante dos años más, hasta que en 1933 con el nombramiento de Adolf Hitler como canciller del Reich los nazis cierran definitivamente sus puertas obligando a estudiantes y maestros a emigrar hacia otros países, donde llevan los postulados y principios académicos de la escuela.

Legado de la

Bauhaus A menudo se cree que la Bauhaus generó un estilo propio basado en el uso de un lenguaje depurado o construcciones arquitectónicas con volúmenes cúbicos, techos planos, transparencias o poco uso de los ornamentos; sin embargo esto no fue totalmente cierto.

La Bauhaus fue un espacio donde artistas, arquitectos y diseñadores de diferentes corrientes artísticas tales como el expresionismo, el constructivismo y el futurismo unieron esfuerzos para trabajar en este proyecto; en muchas ocasiones se presentaron diferencias de criterio acerca de los métodos pedagógicos, el desarrollo de los planes de estudio motivados por visiones contrapuestas acerca del papel del arte y la funcionalidad en la creación de objetos y el grado de unión con la industria, entre otros.

En particular, se destaca el gran impacto pedagógico que esta institución ejerció en los Estados Unidos donde grandes escuelas de arquitectura, arte y diseño aplicaron sus métodos de enseñanza en la búsqueda de un nuevo arte útil que ayudara lo más posible a la sociedad en su conjunto. Algunas escuelas con esta tendencia fueron el Instituto Tecnológico de Illinois en Chicago, el Black Mountain College en Carolina del Norte y el Posgrado de la Escuela de Diseño de Harvard, el cual estuvo bajo la dirección de Gropius de 1938 a 1952.

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La Bauhaus en

A pesar de estas contradicciones la Bauhaus generó importantes contribuciones al arte, la arquitectura y el diseño del siglo XX, entre las cuales podemos destacar:

Colombia

Diseño de Productos que responden a las necesidades de los usuarios

Aunque no se puede hablar con propiedad de una influencia directa de los postulados teóricos, las ideas respecto al diseño de objetos o las teorías arquitectónicas desarrolladas en la Bauhaus, si es posible encontrar en nuestro país ejemplos de obras desarrolladas bajo los preceptos de la escuela alemana. Un ejemplo claro de esto se presentó en la construcción de los primeros edificios de la Ciudad Universitaria en Bogotá, destinados a albergar las facultades de la Universidad Nacional. Este proyecto fue liderado por Leopoldo Rother quien emigró de Alemania huyendo del régimen nazi. En estos edificios se pueden apreciar algunos de los postulados de la escuela en cuanto al uso de volúmenes planos y la ausencia de elementos de ornamentación. Rother no estudió en la Bauhaus pero sí estuvo influenciado por los postulados de la escuela.

Por primera vez en la historia se tuvo en cuenta a los usuarios en el diseño y desarrollo de productos, en la Bauhaus se privilegió la visión de los usuarios y se unió a los aspectos estéticos para crear productos útiles que se pudieran producir en serie.

Experimentación con materiales y técnicas nuevas En la Bauhaus se trabajó con formas de expresión modernas como la fotografía, la tipografía y se experimentó con materiales como madera, piedra, arcilla y metales. Como resultado de este proceso se produjeron diseños atractivos y funcionales.

Posteriormente en los años 60 en la creación de los primeros programas académicos en Diseño Gráfico también se puede rastrear la influencia de la escuela alemana. En especial podemos destacar a David Consuegra quién estudio en la Universidad de Yale bajo la tutoría de Josef Alberts y a su regreso a Colombia colaboró activamente en la creación de programas académicos en Diseño Gráfico los cuales aplicaban principios de la Bauhaus en sus postulados pedagógicos. Al igual que el arquitecto Dicken Castro quien contribuyó a que los postulados pedagógicos de la escuela alemana se aplicaran en la formación de los primeros diseñadores gráficos.

Integración de Disciplinas Los directores y docentes estaban interesados en desarrollar una nueva clase de artistas capaces de diseñar cualquier producto industrial; por tal razón los estudiantes participaron en clases donde adquirían conocimientos en diferentes campos del arte, la arquitectura, el diseño y la música, al contrario de las escuelas tradicionales de arte y arquitectura donde se tendía a una formación especializada con poca intervención de otras disciplinas.

No podíamos finalizar este artículo sin señalar la influencia de la Bauhaus en Taller Cinco; sus fundadores, los maestros Alejandro Álvarez De Castro y Astrid Álvarez D´Castro proyectaron esta institución en los años 70 como un espacio donde se unieran el taller artístico, y el artesanal con el ánimo de profundizar y experimentar en los diferentes campos del diseño, bajo la orientación de un experto maestro que transmite, tanto en la práctica como en la teoría, nuevos conocimientos y habilidades para enriquecer lo ya sabido, generando una síntesis entre la teoría y la práctica, entre el saber y el saber hacer. Estos principios fundacionales de nuestra institución que coinciden plenamente con los postulados de la Bauhaus tienen plena vigencia hoy en día.

La forma sigue a la función En el diseño de productos, la Bauhaus rechazó los elementos ornamentales que no cumplieran con una función determinada. Esto se puede evidenciar en el diseño de sillas y mesas las cuales se proyectaban estudiando en primer lugar la naturaleza del objeto en mención, la función del objeto y como éste debería cumplir con su función de manera racional, y solamente después de esto se trabajaba la forma, buscando siempre la simplificación estética.

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ABDU ELJAIEK

Habitar el instante poético hecho imagen

Por: Mónica Lucía Suárez Beltrán Escritora. Directora del Centro de investigación en Diseño, Arte y Comunicación audiovisual.

ntrar al lugar de Abdú Eljaiek es habitar un espacio de imágenes vivas. Sonríe con amabilidad y un dejo de añoranza cuando trae sus recuerdos; por eso, uno establece una dimensión de la memoria en la que las palabras, los gestos y las voces son instantes poéticos. Me refiero a lo poético como una manera de ver el mundo, no solo como un concepto, sino como un estado vital. Así fue este diálogo con Abdú, acompañado por su hijo Esteban, también fotógrafo y con el Director de fotografía para medios de Taller Cinco, Víctor Hugo Villamizar.

Las primeras remembranzas forman algunas ideas sueltas de los tiempos en sus trabajos iniciales, su paso por la escuela de arte y, de pronto, su discurso empieza a hilar un camino maravilloso. Empezamos por su vida íntima y familiar.

Nos llama la atención que en tu familia hay una evidente cercanía al arte, por parte de tus hijos y tu nieto ¿Cómo se gestó esta relación de ellos con el arte? ¿Fue intencional?

Eso simplemente se dio. Mi hijo Eduardo es bailarín y coreógrafo, y yo no tengo nada de bailarín –sonríe con picardía- pero me encantaba retratar a coreógrafos; por ejemplo, fui muy amigo de Delia Zapata. Luego mi hijo Esteban, me acompañaba de golpe a mis tomas fotográficas, desde muy chico. Con él era casi seguro que iría por esta misma senda.

Mi hija, en cambio, es administradora de empresas. – En ese momento mira de reojo un dibujo en seda que está en la pared de su sala- Y dice con orgullo: -ese dibujo en seda es de ella. Por último, mi nieto Sebastián, se ha dedicado a la música.

Estudió en diferentes universidades hasta que se decidió por la producción musical.

Fotografía: Esteban Eljaiek

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Después de esta entrada a su ámbito personal, queremos pasar por aquellas fotografías que más lo han marcado en el instante que las tomó.

Cuéntanos, si tuvieras que elegir una fotografía que te haya impactado cuando la estabas tomando ¿Cuál sería?

El halcón peregrino. Recuerdo que estaba que le tomaba una foto y dije: ¿cómo hago para que me mire? Entonces Eduardo Mendoza me dijo: hágale así (hace un gesto de aplauso) y el ave volteó a mirar, ¡cómo no me va a gustar si solamente tomé una! Y quedó como de las inolvidables. Hay varias más, yo no olvido las fotos, olvido más los nombres de las personas. (se ríe).

Efectivamente, uno ve esa foto en la pared de su casa y es majestuosa. Pero cada detalle de sus paredes lo es. Son instantes fotográficos, que no dejan solamente una imagen.

Llama la atención el claro-os-

Esteban, su hijo, resalta algo con unas palabras hermosas “mi padre es amigo de la humanidad” es la honestidad de la imagen.

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Fotografía: Abdú Eljaiek

curo, las hojas que caen secas, los escenarios cotidianos. Recorrer su casa es habitar un momento que se queda en los pasos andados.

Has realizado varios proyectos con escritores ¿Cómo fue esa relación entre imagen visual e imagen poética?

Sí, trabajé con la poesía de Santiago Mutis, directamente con sus textos. También pude fotografiar figuras de la cultura muy reconocidas, en sus lugares de creación, como los poetas León De Greiff, el escultor Negret o la poeta Olga Helena Mattei; entre muchos otros.

Con la humildad de un

grande, nos invita a su estudio a ver sus fotografías en digital.

Primero, saca de una mesa unos grabados fotográficos en papel artesanal. Y con la bondad de quien sabe que el mejor regalo es la creación, nos regala una fotografía a cada uno.

Al ver que ha migrado a la cámara digital, no podemos obviar una pregunta: ¿Para ti es igual tomar una fotografía análoga que digital?

Para mí es exactamente igual. Lo que interesa es quien la está tomando, lo demás depende de uno. Es solamente una técnica. Depende de cómo se capta un instante, no con qué se

Apreciando el pasado, avanzando hacia el futuro

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Fotografías: Abdú Eljaiek

hace. Muchos creen que yo preparo la cosa, pero varias de mis fotografías son tomadas una sola vez. “Es que hay que tener suerte” (sonríe) Esteban, su hijo, resalta algo con unas palabras hermosas “mi padre es amigo de la humanidad” es la honestidad de la imagen. ¡Qué inevitable quedarse pensando en esas palabras! Y seguir escuchando al maestro Abdú, cómo describe cada recuerdo del momento en que captó la esencia de cada imagen. Víctor expresa que su obra se mantiene en el tiempo, las imágenes podrían ser de ayer o de hace quince años, y parecen actuales.

Seguimos observando fotografías, algunas análogas escaneadas de manera pulcra, otras digitales. Cuando vemos algunas del año 1969, hay otras imágenes de desnudos artísticos de una mujer, que en su momento también era fotógrafa, Dora Franco. ¿Cómo surgen estas imágenes?

En la biblioteca de Eduardo Mendoza Varela. Él me mostró unas postales que eran de desnudos de los años 20. Mendoza escribió poemas y de allí sur-

gieron las imágenes. El maestro me pide que lea el poema, mientras observamos la imagen “Sobre el fondo de una biblioteca/ en el albergue de un burgués o de un vagabundo/ es lo mismo/ la muchacha es la misma/ se anuncia aquí con un solo nombre: Dora/ bajo las alfardas de una casa santafereña/ demonio o ángel/ es como la anunciación/ digamos/ ¿por qué no?/ que se crea a sí misma/ en esta penumbra/ en cualquier momento/ tal vez en esa hora en que se enciende el quinqué de la biblioteca doméstica/ Mientras leo en voz alta el poema la imagen de la mujer desnuda cobra una vida, imagino el instante en que Abdú tomó la foto. Veo la luz en penumbra que alumbra tenuemente su cuerpo y la biblioteca que la rodea.

Continúo la lectura de otro poema y observamos la fotografía que lo acompaña: “siempre/ alguna vez en el camino/ la calle, el templo, el jardín/ encontramos a una muchacha tallada en guayacán/ se confiesan la mujer y la rosa/ antiguo y repetido diálogo/ y nos rodea entonces como la niebla errante/ todo exalta esa fidelidad/ el nervio oportuno, la sangre, el tejido disciplinado /tal vez como en el cuerpo de la misma rosa/ lo que aquí apasiona está bien lejos de toda intención escultórica /hay algo más: es la poesía de un hombro, de una cúpula, de un pétalo como de algodón o de piedra” Apenas veo las fotos, me digo “esa es la poética” de la imagen, de los textos. La sonrisa de Abdú y la fotografía en papel hecho a mano que me regaló, eso también es la poética.

Solamente nos atrevemos a preguntarle ¿Cómo logra esta transversalidad? Responde con fuerza: Lo importante es que la persona que vaya a tomar una fotografía, sienta eso, ¡sienta la fotografía!

Si va a meterse a buscar cosas, a preparar todo, no lo busque, encuéntrelo: las cosas están allí. Un poema no se busca, sale o sale.

Una foto no se imposta, sale o sale.

Lo importante es que la persona que vaya a tomar una fotografía, sienta eso, ¡sienta la fotografía!

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D A Nos deja en silencio un momento, ese que da la sabiduría de la experiencia.

Entonces, observamos su único autorretrato, tomado en los años sesenta en Villa de Leyva. La primera foto. Para despedirnos, le pido si me deja acompañar esta imagen con un poema, sonríe, como asintiendo.

Fotografías: Abdú Eljaiek

Fotografía: Esteban Eljaiek

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TOXICÓMANO

¡Aquí estoy, pónganme atención!

Por: Paola Farina, editora de contenido.

ndrés Montoya, mejor conocido como “toxicómano”, es un joven bogotano, que hizo de los muros de su ciudad un lienzo para sus obras de arte. Él se describe a sí mismo como una persona “común y corriente”, pero nos cuenta que su concepto diferenciador está en el ánimo y amor con el que elabora cada una de sus piezas gráficas.

Para él, pintar en la calle, más allá del talento, requiere de mucho ánimo. Gracias a la energía positiva que mantenía mientras realizaba sus obras y con mucha pasión al arte, llegó a obtener el crecimiento personal que estaba buscando.

Un componente adicional, fue que sus piezas gráficas están llenas de mensajes que fueron escritos con la finalidad de generar impacto socialmente.

Gracias a toxicómano, Andrés ha pasado gran parte de su vida en las calles de la ciudad, lo que lo ha llevado a conocer a miles de personas y conformar una visión mucho más amplia de lo que es la vida. Para él, la calle es el último espacio salvaje que le queda a la sociedad y un espacio libre.

Admite estar totalmente enamorado del caos de la ciudad de Bogotá, por su diversidad en general, dice que esta mezcla le da un toque especial.

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Sin embargo, también ha tenido malas experiencias, como noches en la UPJ y conflictos con la policía. De hecho, le molesta que hagan pasar a los grafiteros por delincuentes.

De Bogotá, dice detestar el abuso y la doble moral de las personas que le reclaman por estar pintando un muro, que ni siquiera les pertenece, pero no tener la decencia de recoger un papel del suelo, si alguien lo tirase ante sus ojos.

Comenzó a adentrarse en el mundo del diseño, por así, decir, cuando era un niño y quería tener las camisetas de sus bandas favoritas, en ese entonces calcaba las carátulas y las plasmaba sobre sus camisetas, por medio de plantillas.

Salía a “rayar muros” con sus amigos, con mensajes de humor, para despertar el ánimo de las personas, pero para ese entonces, la ciudad era mucho más hostil. Los resultados no siempre eran buenos, motivo por el cual, cuando Andrés y sus amigos salían a observar el impacto que generaba su mural en las personas, notaban que la gente no les ponía atención. Así que sin pensarlo decidieron comenzar a utilizar la misma técnica con la que estampaban las camisetas, solo cambiando los pinceles por latas de aerosol.

Cuando estás en casa, puedes controlar de la puerta para adentro todo lo que sucede, y cómo lucen las cosas. Pero en la calle no.

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El graffiti es más poderoso en contexto de lo que está sucediendo, es un comentario viral.

Precisamente en ese periodo de tiempo, comenzó la era del internet en Colombia, momento en el cual ellos encontraron en la red, que en otras partes del mundo habían personas utilizando esta misma técnica en la que ellos estaban apenas incursionando, desde hace años.

Se casaron con la técnica del stencil por su versatilidad y notoriedad, y como lo asociaban con la honda punk del momento. Fueron avanzando desde obras más pequeñas hasta llegar a estar 24 horas en la calle haciendo su arte.

El graffiti en Bogotá, ha ido adquiriendo un sentido que raya en lo político y está en un proceso de retomar sus raíces y encontrarse con lo ancestral de nuestra cultura, pero a su vez mezclarse con otras referencias del mundo, para formar algo especial.

En Colombia, algunas personas ven el graffiti como una oportunidad de comentar, mientras que en otras ciudades 20

son solo figuras que no tienen ninguna connotación social.

Para la generación de Andrés, es importante que las piezas tengan un mensaje contundente y se mantengan al margen que lo que está sucediendo en el país.

Sería prudente que a diez años haya una identidad de graffiti como país. Ya que en este momento el movimiento tiene aproximadamente unos 20 años, lo que lo hace aún joven, y la Alcaldía ha hecho la diferencia, en Bogotá, dando ayudas y oportunidades, para estimular el arte urbano.

Hubo una generación especial, cuando se mezcló la academia con el graffiti urbano, en 2001, y fué ahí cuando los grafiteros dejaron de ser simplemente personas que se encontraron una lata de aerosol en el suelo y pasaron a ser diseñadores gráficos, publicistas, sociólogos, realizadores audiovisuales y cambiaron el rumbo del graffiti por completo.

El nombre “toxicómano”, nace un día en el que Andrés y sus amigos veían en la televisión un canal de la televisión española, un documental sobre el rock, en el que en algún punto apareció una señora mayor, que miraba por una ventana y veía a un grupo de jóvenes vestidos con chaquetas de cuero parchados y decía “odio a esos toxicómanos, ¡Malditos toxicómanos!, y ellos se sintieron bastante identificados con esos jóvenes, ya que estaban en el parque todo el día y molestaban con su presencia a gente como esa señora.

Fue ahí cuando comenzaron a diseñar un fanzine de estilo punk y al terminarlo, lo firmaron con el nombre “Colectivo toxicómano Callejero”.

Lo particular de esto es que por lo general se trata de que las firmas de los grafitis sean

nombres cortos. Al menos esta es una palabra que no se utiliza mucho, pero que tiene bastante fuerza.

Ellos se sienten muy identificados con la palabra “toxicómano”, porque se definen a sí mismos como adictos al arte, a la contaminación y a la ciudad en general. Ya que realmente, la vida en la ciudad podría describirse en cierto modo como tóxica.

Aunque al viajar a muchos países se encontraron con personas que sienten rechazo hacia la palabra, por lo que la asocian con adicción a la heroína. Sus graffitis se caracterizaron por tener un estilo punk, sucio y marginado. Era el tipo de nombres que las personas estaban buscando en la época para firmarlos. Era una forma guache de decir “aquí estoy, pónganme atención”.

Fotografía: Leonardo Castañeda

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Andrés Montoya, está a cargo del colectivo Toxicómano, dice que sin su equipo jamás habría logrado darle tanta fuerza y alcance a este proyecto de vida.

Ellos lo ayudan a pensar en ideas creativas y a realizar las piezas gráficas. Prefieren no dar la cara, para que el público no sepa quienes son, ni cuantos son, para que cuando una persona busquen en internet toxicómano, no sean los rostros de ellos quienes aparezcan, sino sus obras.

Tratan de ponerse de acuerdo para que el trabajo en equipo tenga mayor fluidez, para ellos, trabajar en equipo implica también ser amigos, y para ser amigos, basta con tener algo tan sencillo como gusto por el mismo color.

Toxicómano, no tiene ánimos de volverse comercial, de hecho han rechazado numerosas oportunidades de serlo, simplemente porque para ellos, es importante que las personas tenga la libertad de apropiarse de la marca y crear sus propias piezas sin fines de lucro. Ellos ya están en el punto en el que pueden viajar, conocer personas interesadas en su trabajo e incluso vivir de este arte, lo cual es algo inusual en Colombia.

En la medida en que se convierte en un producto, la marca gana y pierde. Una persona que lleve una camiseta de toxicómano puesta, es una valla ambulante, pero quieren que las personas valoren el producto, y el hecho de que sea limitado realza esto.

Han tratado de no solo ser un colectivo de graffiti, sino ser un colectivo de comunicación, ya que el arte urbano es la plataforma en la que se desa22

Fotografías: Leonardo Castañeda.

El arte une a las personas, sin esperar ser reconocido. Es una sana competencia y le da la ciudad fuerza de opinión.

rrolló este movimiento, pero el siguiente paso a seguir es continuar generando alianzas con personas fuertes en otras áreas y continuar generando contenido de otras maneras, como en videos, libros y festivales, como han estado incursionando en los últimos tiempos.

En su opinión, Colombia tiene tiene diseño bueno y malo, él pensaría que el problema con el diseño del país recae en la falta de proyección de quien lo realiza, ya que las cosas que se hacen están pensadas para este instante, pero no para un futuro cercano.

Afortunadamente cada día las empresas están valorando más el diseño, sus componentes éticos y sociales y la manera en la que cambia la percepción y la vida de las personas. Adicionalmente la onda ambiental que se maneja en la actualidad es algo que está haciendo cambiar el rumbo del diseño y así mismo la conciencia de las personas respecto al consumismo.

Estas son variables que harán la diferencia en el futuro.

La recomendación que Toxicómano le da a los próximos profesionales en diseño gráfico es que confíen en su trabajo, pero que no se confíen si tienen talento, que sigan esforzándose por pulir cada detalle para siempre mantener la calidad en alto.

Las personas aún esperan que alguien haga algo por ellos, lo que procura toxicómano es darle un mensaje a las personas, para que así entiendan que ellas mismas pueden hacer el cambio. El graffiti simplemente es el punto de inicio, le aporta a la ciudad en la medida en que le da el empuje para despertar la conciencia.

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DIEGO TA M AYO Colombia necesita estar más cerca del arte Por: Víctor Hugo Villamizar, director revista Boceto y Paola Farina, editora de contenido.

s un exitoso Diseñador Gráfico, egresado de la Corporación Universitaria Taller 5, quien hoy en día se dedica a varios proyectos de manera simultánea, por los cuales ha ganado un reconocimiento en el medio de la televisión, y por haber ejercido cargos importantes en los canales privados nacionales.

Recientemente, fue escogido en Nueva York para el lanzamiento de una nueva marca de Agua Amigable con el medio ambiente, la cual tendrá sus piezas artísticas impresas sobre sus botellas, ya que él también es artista visual.

Por tener una mente tan volatil y siempre creando conceptos nuevos, fue llamado a asesorar a Caracol Internacional en el área de ventas internacionales, y actualmente se encuentra preparando su próximo lanzamiento, en enero de 2020 24

Estar rodeado de arte no solo te enseña y te permite tener un conocimiento más claro, sino también hacer catarsis sobre la vida. en Miami, para las nuevas series del programa.De igual manera, está trabajando en una serie para una empresa canadiense, en alizanza con un canal colombiano, la cual se doblará en varios idiomas, ya que será vista por un público internacional.

Dentro de su trabajo como asesor, actualmente trabaja con dos nuevos cantantes, en el área de personal branding, contando con un equipo que apoya sus ideas y las expone a los artistas.

No obstante, Diego emprendió uno de sus más grandes proyectos: “La Capilla Sixtina”. Recrear una réplica idéntica de la Capilla italiana, a la mitad de su tamaño real, en Cafam de la Floresta. El montaje

del evento basado en la creación y el desarrollo artístico del maestro Rodrigo Cabral, tomó aproximadamente dos años.

Este maravilloso proyecto le ha brindado a muchas personas la posibilidad de conocer majestuosas obras de los pintores italianos, como las de Miguel Ángel Buonarroti.

Además, les permite vivir una auténtica experiencia a la altura del Vaticano en Bogotá.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

Diego admite que tanto él como sus socios, son fieles creyentes de la necesidad de traer el arte a Colombia. Considera que un país como este necesita estar más cerca del arte y el arte a la gente.

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A veces la vida en Colombia, y en especial en Bogotá, es un poco dura y se hace necesario encontrar un remanso de paz.

Esa es exactamente la sensación que la Capilla genera en los que la visitan.

Al entrar en la capilla, puedes experimentar automáticamente la sensación de sentirte en otro país. La finalidad de todo esto es darle al pueblo colombiano un espacio de calidad.

El país merece cosas buenas, las cosas buenas que suceden en el mundo merecen estar en Colombia.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

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Dar a los demás lo que te gustaría recibir y no le hagas a nadie lo que no te gustaría que te hicieran.

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Fotografías: Archivo personal

En Colombia hay diseñadores que realmente se están esforzando por investigar e innovar, con calidad y entrega; estos son los que están logrando grandes cosas, no aquellos que buscan fama. Entre esos dos tipos de personas se divide el país: entre los que quieren hacer cualquier cosa solo para ser reconocidos, y los que hacen todo con pasión e impactan en la sociedad. Trae a colación el trabajo de Connie Sáenz, también diseñadora de Taller 5 egresada del programa de Alta Costura, donde resalta su compromiso y dedicación en estas lides del diseño, y comenta que actualmente trabaja con ella en varios proyectos del cual se siente orgulloso. Por eso asegura que nada es gratuito en la vida y en las cosas que te pasan, por este motivo cree que el dinero es el simple resultado de hacer las cosas bien.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

Durante años el nombre de Diego Tamayo se ha escuchado en el país, incluso por los diferentes papeles que ha realizado como artista, diseñador y empresario, y nos cuenta que el secreto tras su sello y su crecimiento ha sido la capacidad que posee para conectar con la gente. El afecto que él desarrolla hacia las personas a su alrededor y viceversa, le ha permitido expandirse. Adicionalmente, el gran lema de su vida se basa en el propósito de ayudar a cada persona que pueda. Ha ayudado a tanta gente a lo largo de su carrera, que hoy en día incluso presidentes, vicepresidentes y gerentes de compañías importantes de todos los medios son sus amigos, debido a que en algún punto los ha ayudado a formarse, o les ha brindado algún tipo de oportunidad de trabajar en los equipos en los que ha tenido cargos destacados, como Presidente Creativo en Telemundo, en los Estados Unidos. Todas estas personas a las cuales en algún momento les ha dado la mano, son quienes hoy en día cuentan con él para sus proyectos.

Lo describe como una red, que va creciendo progresivamente y en la que todos se van ayudando.

Como diseñador Tallerista, recomienda a los futuros egresados en el medio que piensen siempre en el concepto y el mensaje que se busca transmitir detrás de cada pieza. La estética es algo completamente subjetivo, tenemos que pensar constantemente en la funcionalidad y el público al que va dirigido el mensaje, así como también la problemática que solventaremos con ello.

Cuando estudió en Taller 5, recuerda que había una filosofía en la academia, una esencia basada en hacer las cosas bien.

Siempre buscando ser un lugar donde el arte sobresaliera, y un lugar en el cual se formarán diseñadores con un componente ético y social, diseñadores de vanguardia. Estas fueron las bases aprendidas en su paso por la institución, la del misticismo y la creatividad, y con estas premisas se ha mantenido en cada proceso que emprende. De esta manera asegura que la academia tiene un porcentaje de sudor por el trabajo arduo y otro tanto de creación, por el concepto.

Esto fue lo que le dejó su tiempo de estudiante en Taller 5.

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Su esencia nace del amor con el cual creció en casa. Sus primeras enseñanzas se fundamentaron en ello, motivo por el cual hoy en día se dedica a entregar su amor a las personas que lo rodean y a sus proyectos.

Fotografías: Archivo personal

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

Cuando comenzó a adentrarse en el arte digital, evidenció que realmente no le llevaba demasiado tiempo realizar cada pieza. Luego viajando por el mundo y contemplando las grandes obras de la historia, comprendió que el valor detrás de cada una consistía en un momento de dedicación especial que le daba el artista. Motivo por el cual recomienda no escatimar en el tiempo que le dedicamos a nuestros proyectos.

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Esto no significa que debamos olvidar o dejar de lado el resto de los aspectos de nuestra vida, sino que la disciplina y la entrega son componentes esenciales que permiten alcanzar la calidad que estamos buscando.

La clave está en mezclar este nivel de calidez, con un componente de firmeza y exigencia, para que todos los proyectos superen las expectativas deseadas.

Conversar con Diego es una experiencia maravillosa. Su sencillez y dulzura lo hacen digno de admirar. Explica que el ego en la vida de un ser humano en proceso de aprendizaje, puede obstaculizar las metas que se tienen a futuro. Todos somos humanos y vinimos a este mundo de la misma manera. Cuando entiendes eso el ego desaparece, aprendes a vivir para llenar tus propias expectativas y no permites que te estorbe en tu camino. Este es Diego Tamayo, el tallerista, el soñador, el hombre amigo que siempre tiene una sonrisa y comentario positivo para quienes lo rodean.

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FARIDE RAMOS

Una mujer, real, soñadora y sensible Por: Paola Farina, editora de contenido.

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sastrería. Es una historia muy capitalina con un lenguaje universal, retomando todo el ADN de esta estética que hay en la capital. Uno de los lemas que mostró en el Bogotá Fashion Week fue la oportunidad perfecta para hacerle un homenaje a la sastrería.

Cuenta que Bogotá tiene mucho diseño, de hecho cree que es una de las ciudades de Colombia donde más se ha visto el camino que se está recorriendo desde sus inicios.

Desde que empezaron todos estos diseñadores de la capital a llegar a este mundo de la moda. Estos últimos cinco o seis años, el crecimiento ha sido bastante importante.

Hoy por hoy existen marcas que están en un nivel muy importante marcas nacionalest como tal en la moda, en el arte, en el deporte está haciendo que el mundo nos tenga en cuenta y nos vea. Es un fenómeno que no en vano ha posicionado a Colombia y ha desestigmatizando lo que antes se creía de este país.

La marca ha abierto espacios en el mundo, de hecho ya ha estado en Nueva York, en Los Ángeles y en Madrid. Están también en un colectivo en Houston. Lo que hacen es fortalecer esa transición del mercado nacional al internacional, no es fácil, todo el mapa competitivo es bastante fuerte y Colombia apenas está entrando en este mundo.

“Menos es más” como la regla de todos los seres humanos.

Piensa que si todos tuviéramos esta frase en la cabeza viviríamos en un mundo igualitario, sensible y mucho menos afanado.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

u marca nació en 2008, empezando con toda la estética masculina y, entre el 2010 y 2011, comenzó una transición hacia el mercado femenino.

Hoy sus atuendos masculinos solo se hacen sobre medida.

Esta transición se realizó debido a diferentes factores, para este entonces el lenguaje masculino tenía todavía una lentitud en Colombia. Se quiso también explorar este nuevo mercado femenino sin perder el ADN de la marca como lo son el lenguaje Sartorial, el lenguaje de las líneas y los cortes asimétricos, de los volúmenes.

En la edición pasada del Bogotá Fashion Week se presentó nuevamente outfit masculino, la idea es retomar este concepto, volver a hacerlo desde una plataforma diferente a lo que se venía trabajando con los atuendos femeninos, tanto en la comercialización como en la parte de la estética.

La colección de Bogotá Sartorial es una colección que Faride hace mucho quería contar, según ella la marca siempre ha sido fiel al lenguaje Sartorial, la estética de la

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Faride siempre quiso estudiar diseño de modas. El hermano mayor de su madre fue quien ocupó la figura paterna por la falta de su padre, y él le dijo que era “demasiado inteligente para estudiar esa carrera”. Entonces la matricularon en administración de empresas, donde hizo cuatro semestres pero realmente no aguantó, se sintió obligada a ir a la universidad, e hizo las cosas sin amor y con fastidio, sus notas eran regulares y cuenta que era como una tortura hasta que dijo “no más”.

En casa tenía dos tías que bordaban, otra era modista y su hija estudiaba diseño textil y tenían un taller en Barran-

y valor. Emocionalmente le genera mucha lástima imaginarse niños de 7, 8, y 9 años metidos en unos vagones trabajando 48 horas por un plato de comida.

Es algo que le parte el alma que cuando las personas vayan a comprar sean conscientes de lo que están contribuyendo. Esta es la esclavitud del siglo XXI. Para ella, la moda es una forma de expresar sus sentimientos, de demostrar lo que es por dentro. Siente que es algo que va muy adentro del ser humano donde se muestra el alma.

Como consejo para los futuros diseñadores: Cree que ellos tienen el reto de continuar contando historias, cuando ya

En Tendencias, los temas seguirán factores muy visibles como las tribus, el lenguaje urbano y citadino donde no ha etiqueta alguna, la etnia y los colores; pero por otro lado este retomar del feminismo, de la historia y del lenguaje del romanticismo, es importante como eje central.

La mujer “Faride Ramos” es muy global, puedes verla en una ciudad como Nueva York, la puedes ver en Bogotá, en Singapur, es una colección que funciona en cualquier parte del mundo, pero al ver todo ese lenguaje de la globalización de las prendas es entendible y usable en cualquier parte del mundo.

Sobre su inspiración, le gusta contar todo lo que ha hecho parte de sus historias. Nació en Mompós, y tuvo una infancia increíble, llena de 34

situaciones de riqueza cultural y religiosa. Vivir en Mompós con toda esa riqueza arquitectónica, toda esa historia de lo que fue y lo que ha sido como ciudad patrimonio de la humanidad. Y en su familia como tal, vio muchas mujeres empoderadas, guerreras y valientes. Lo más lindo que le sucede en el momento de contar historias es que hacen parte de su vida y que las cuenta con mucho amor, plasmándose en un lenguaje competitivo y comercial, en un lenguaje de moda ponible, y que cualquier persona se enamore de estas historias.

Ha contado historias de su madre, de Mompós como su danza típica, de Bogotá, pero que conectan realmente con su audiencia.

El mercado chino es un fenómeno que de verdad ha afectado a la marca, le parte el corazón porque mientras ella trabaja de forma honesta, amigable, razonable y sensible que genera empleos, pagando lo justo a su equipo que labora para ella. Es una contraposición porque ve como el negocio chino explota a las personas, en situaciones de esclavitud, esto se aleja de todo sentimiento

la moda está hecha. Tienen las herramientas para volver la moda hacia el siglo XXI. No olvidar el pasado, pero seguir haciendo moda actual y contemporánea.

El color de Faride Ramos es el negro. Según la cultura asiática representa tranquilidad, vida y paz. Este color también se puede asociar hoy en día con el poder, con la simplicidad, y siempre está incluido en todas sus colecciones. De hecho casi todos los días viste de negro.

Interpreta la frase “Menos es más” como la regla de todos los seres humanos. Piensa que si todos tuviéramos esta frase en la cabeza viviríamos en un mundo igualitario, sensible y mucho menos afanado. Dice que hoy la gente siempre vive con afanes, de aceptación, de pretensión, de buscar la felicidad donde no deberían.

quilla, tenía dos tío-abuelos que era joyeros, tenía otro tío que era músico entonces siempre hubo una inclinación por el arte. Pasaban muchas vacaciones y de hecho en la casa de su tía le guardaban los retazos de tela y la ponían en la máquina de coser que ya no usaban

Fotografías: Archivo personal

Faride mezcla lo femenino y lo andrógeno creando prendas de líneas limpias con impecables toques de sastrería, además utiliza procesos de alta tecnología como corte láser mezclados con procesos hechos a mano.

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El color de Faride Ramos es el negro.

Según la cultura asiática representa tranquilidad, vida y paz.

para que confeccionara prendas. Tenía 10 o 12 años y así pasaba sus vacaciones.

Creó una colección cuando su marca “Momposina” estaba consolidada, hizo las telas a partir de toda la historia del arte religioso de Mompós y gracias a esta empezaron a llegar los reconocimientos.

Faride diseña para una mujer sin afanes. Cuando una mujer usa una prenda suya se muestra como es y no busca pretender ser alguien más. La prenda hace parte de la piel.

Hay una cosa a la que le teme y es a no estar. Ha vivido la muerte en diferentes situaciones desde pequeña. Recuerda la pérdida de su padre, y su familia quedó con la duda de porqué esto les sucedió a ellos.

Luego su hermano y sus abuelos. Pero esto también la hizo fuerte, creció sin un papá pero vio a una mujer fuerte que le 36

tocó muy duro pero que nunca le faltó una palabra de amor, nunca tuvo una palabra de odio ni un desconocer de Dios. Ve la muerte como algo que te quita. Te quita un ser querido, lo que más quieres, la persona de la que dependes pero hay que verla también de otra forma, también da.

Dice que la fama es un estado muy peligroso, porque cuando no la sabes manejar te olvidas de quién eres, de dónde vienes y para dónde vas. Hay que saberla manejar para que los demás vean en ti un ejemplo y una figura a seguir. Pero la gente la usa de forma contraria y se vuelve arrogante y esos malos sentimientos son los que hacen que se busque refugio en la soledad y ahí es cuando llegan las decisiones mal tomadas.

Esta es la forma de ver las cosas y la vida Faride Ramos, una mujer real, soñadora y sensible.

Fotografía: Archivo personal

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

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L A ACADE M IA Y EL S ECTO R R E A L Fotografía: Martín González.

Una dupla de éxito

asociaciones estratégicas que permitan contrarrestar la desconexión existente a nivel global entre lo que las empresas requieren de sus talentos humanos y lo que la academia imparte en su formación.

Aquí, recae la importancia de que las universidades desde el inicio formen a sus estudiantes consecuentemente con las necesidades del mercado actual; generando una sinergia de colaborativa en la formación de estos talentos y las necesidades reales empresariales.

Desde su proyección social y como respuesta a este momento conyuctural, la institución ha extendido la invitación al sector empresarial para que de la mano con la academia se creen tácticas que permitan solventar este vacio. Lo anterior, ha permitido contibuir con una formación centrada en comprender las necesidades y retos de dichas empresas y lo que como la comunidad Tallerista desde la transversabilidad del diseño ético y social puede aportar a estas.

Dentro de este mismo proceso, las empresas han visto en Taller Cinco un aliado importante en la planificción de la formación de sus empresarios y su talento humano, con proyectos de capacitación a la medida de su fuerza laboral y que tienen como finalidad potencializar sus planes de negocio y optimizar sus necesidades más específicas.

Esta co-relación también ha permitido que, tanto los estudiantes, como egresados Talleristas, cuenten con la oportunidad de forjar experiencia desde su formación academica; dándoles Fotografía: Víctor Hugo Villamizar.

n la Corporación Universitaria Taller Cinco consideramos que existe una importancia de carácter trascendental en la colaboración entre la academia y la empresa. Por esto, trabajamos continuamente en pro de un modelo duradero, colaborativo y estratégico que permita a nuestra comunidad extenderse mas allá de la formación y la investigación, para asumir desafíos sociales que contribuyan al crecimiento socio-económico conjunto de organizaciones orientadas a un propósito alineado con valores, como el trabajo significativo y de utilidad social. Es así como las empresas han encontrado en Taller Cinco un aliado que contibuye a la formación de su talento humano y la institución también ha tenido la posibilidad de encontrar aliados en la formación de profesionales conscientes de las necesidades actuales del mercado.

Con el surgimiento de una economía global del conocimiento, Taller Cinco ha evidenciado la necesidad de

Equipo de redacción de el periódico El Observador y los diseñadores que rediseñaron el periódico.

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Fotografía: Leonardo Castañeda.

Por: Alejandra Álvarez, representante legal y Paola Farina, editora de contenido.

Julio León, director de el periódico El Observador.

la oportunidad de realizar proyectos reales en un ámbito de formación teórico-práctico, tal y como se impartía en la primera escuela de diseño, la Bauhaus, en la cual la instirución desde su nacimiento ha fundamentado sus modelos de enseñanza.

Esto le ha proporcionado a los estudiantes y egresados Talleristas adicionalmente a la experiencia, tener un portafolio real, contando como punto de partida la máxima calidad de los proyectos desarrollados, las cuales son producto de un proceso transversal entre el empresario y la academia.

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O La Corporación Universitaria Taller Cinco, quiere agradecer la confianza que han depositados estas empresas en la institución, pues gracias a ella, ha permitido a la misma reflexionar e innovar en sus procesos formativos, generando en ellos una mejora constante. Los nuevos proyectos que se vienen para la academia actualmente son el Four Points

by Sheraton, Fuji Films, la Cámara de comercio de Chapinero con el cluster de gastronomía, Belky Arizala y su agencia de modelos, Fundación Catalina Muñóz, el periódico El Observador, Jhon Navas Studio, Yo soy presentador, British Columbia, CGR Relleno Doña Juana, Textiles & Moda, Passarela Textil, Konker, JAGUAR Land Rover, ADC, e incluso entes gubernamentales como la Vicepresidencia de la República; entre otros.

Fotografías: Víctor Hugo Villamizar

Luz Dary Gómez y Catalina Muñoz de la Fundación Catalina Muñoz.

Belky Arizala de la Fundación el alma no tiene color.

El producto de la unión entre la academia y las empresas, ha generado gratos resultados con una gran aceptación y éxito, creando un gran impacto en todos los sectores de la economia: sector industria, comercio, agro y servios entre otros, lo que le ha permitido poder realizar nuevas alianzas. Adicionalmente, las empresas cuentan con la oportunidad de elegir entre un amplio portafolio de propuestas, generado a partir de los diferentes procesos creativos que se desarrollan en las aulas y/o con nuestros egresados, los cuales han dejado en alto el nombre de la institución al presentar soluciones acertadas e innovadoras para los diferentes sectores tanto nacionales como internacionales.

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Uno de los proyectos más importantes generados actualmente, es la alianza con Corferias, en el cual la academia ha podido nutrirse en un proceso de aprendizaje generado por los diferentes modelos empresariales presentados, el cual nos da la oportunidad de conocer y ajustarnos a las nuevas tendencias y necesidades del mercado del diseño innovando con grandes proyectos como lo fue la Casa Ideal.

En dicho convenio, también se ha trabajado en la formación de expositores y esperamos seguir generando grandes proyectos a futuro.

Jurados del reality de “Yo soy presentador”.

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Para el Programa profesional en Animación, se está realizando una alianza con la empresa Signos, del reconocido Tallerista Jairo Arcos, donde los estudiantes Talleristas tendrán acceso a tecnología avanzada, convenio similar al que se generó con Fuji Films lo cual ha permitiendo asegurar que los estudiantes de la institución tengan no solo las herramientas tecnológicas necesarias que les permitan nutrir a las empresas con nuevos talentos sino en nutrir a los mismos con la formación de sus productos; he aquí el compromiso de estas empresas en contribuir a la formación de estos profesicionales desde su formación académica.

Todos los proyectos que se realizan en la Corporación

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Universitaria Taller 5, tienen la finalidad de mostrarle a nuestros estudiantes, mediante el acompañamiento académico, cómo la alta calidad y la integralidad con las necesidades del mercado son el secreto para el éxito, dándoles la posibilidad de que a futuro, las mismas empresas con las que trabajaron durante su proceso formativo busquen en ellos conformar sus equipos de trabajo como lo ha hecho la institución durante los 44 años en que ha formando los mejores creativos Colombianos. Esta estrategia busca optimizar para las empresas su inversión en talento humano al mismo tiempo que potenciar el desarrollo socioeconómico de estos sectores generando una dupla de éxito entre la academia y el sector real.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

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Martha Caballero, gerente general de Textiles y Moda.

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L AU R A CA ST RI L LÓ N El cine es vida, es sentimiento y es una experiencia para el espectador.

Por: Paola Farina, editora de contenido.

aura Castrillón, protagonista de la película “Monos”, dirigida por Alejandro Landes, se define a sí misma como una apasionada por el arte, quien trabaja duro cada día en lo que para ella es su valor agregado más grande: la humildad. Cuenta que luego de recibir gran reconocimiento debido al desempeño de su papel como Sueca en la película, el ego ha sido un tema al que se ha dedicado a trabajar, en la búsqueda de nunca perder su verdadera esencia, aquella de una joven que quiere compartir su amor y respeto con el mundo.

Participaba en el Crea Cantarrana en clases de teatro, cuando su profesor Juan Carlos Rocha recibió un mensaje en el cual se anunciaban las convocatorias del casting de una película. Inmediatamente el profesor llevó a todo su equipo de estudiantes para que estos se presentaran a una entrevista y las numerosas y complejas etapas del procesos de selección.

Laura logró superar todas las pruebas y llegar al final del proceso, teniendo la gran oportunidad de convertirse en miembro del equipo de la película.

“Monos” ha ganado una infinidad de premios y reconocimientos, lo cual le ha causado

a Laura muchísimo orgullo por sus compañeros, y en especial por su director. Ella afirma que “haciendo la película uno jamás imagina tan asombrosos resultados, y lo más importante es que esta historia realmente llega a los corazones de las personas”.

Tal como lo cuenta Laura, la película Monos ha logrado impactar a muchas personas en todo el mundo, ya que define la historia de ocho chicos que viven la guerra como una realidad que no solo se vive en Colombia, sino como una problemática mundial, con la que cualquier persona puede identificarse.

Para Laura su personaje Sueca, es una niña un tanto parecida a ella en algunos aspectos, ya que al trabajar desde el miedo, tenía la capacidad de volverse atrevida al mismo tiempo.

Fotografía: Diego Cuevas.

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Trabajar de la mano del director Alejandro Landes fue una experiencia de incontables aprendizajes para ella. Laura lo describe como un profesional con superpoderes, pues logra cualquier expresión en sus actores con una simple mirada.

“Me veía y si quería que llorara, yo lloraba”.

Actuar escenas que requieren sentimientos como el miedo, poseen un alto nivel de complejidad y requieren una gran capacidad de empatía.

Por fortuna el apoyo constante del director la ayudó a encontrar siempre la forma de conectarse completamente con los sentimientos apropiados para cada situación. Su técnica maestra para conseguir conectarse con su personaje en escenas complejas, consiste en dejar de un lado completamente a Laura, y solo buscarla, cuando la escena requiriera, pequeños detalles de su personalidad natural, nutriendo su personaje a partir de su propia esencia cuando es necesario.

Otro factor importante para la realización de la película fue que el elenco siempre se apoyó entre sí para darse impulso y sacar lo mejor de cada uno.

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Fotografías: Archivo partícular.

Una anécdota interesante que nos comparte es que durante la película nunca recibió un guion, los textos que recitó son aquellos que aprendió durante las clases de teatro y las de entrenamiento militar, en donde les entregaban textos cortos para ensayar y actuar directamente. Esto los tomó por sorpresa luego durante la filmación ya que allí se percató realmente de que eran los mismos. El resto se realizó completamente basado en la dirección acertada de Alejandro Landes.

Considera que el cine Colombiano nunca ha sido apreciado por el público del país y concluye que esto se debe a que este no ha tomado el rumbo correcto. Con esto busca explicar que carece de un lenguaje claro pese a que expone temas atractivos o de interés.

Monos, por otro lado, cambia el rumbo tradicional, encaminandolo hacia una posición que le permita ser apreciado más allá de lo que se ve en pantalla, para llevar al espectador a considerar los trasfondos de las historias y generar experiencias más profundas.

El rumbo incorrecto del cine nos ha llevado a un lugar de comedia, que podría ser muy potente y bueno, pero se queda en lo básico. No nos esforzamos en hacer un largometraje de comedia realmente potente. La actuación, temática, música, colorimetría entre otros, son bases que refuerzan la solidez y calidad de las películas y que no se tienen suficientemente en cuenta. Todo esto, de la mano de un director con la capacidad de ver el potencial en cada uno de sus artistas, hace la diferencia.

Siente mucha admiración y orgullo por el trabajo de Carmen Villalobos. Erik Rodríguez, también es uno de sus grandes referentes del medio.

Para Laura, estos dos grandes actores han representado una gran motivación y fuente de aprendizaje en su carrera, siempre alentándola a investigar más sobre sus personajes, las líneas de pensamiento, el origen de sus acciones y reacciones, para llegar a la calidad que está buscando.

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Hace énfasis en que le encantaría que el cine colombiano realmente le muestre al mundo las maravillosas historias que tiene para contar, y esto solo será posible de la mano de los nuevos talentos: futuros productores de Cine y Televisión, escritores, actores y directores, quienes serán responsables de hacer producciones de calidad que nos identifican como Colombianos. Se trata de un proceso que implica “sentir el trabajo con el alma”.

Hay que tener empatía hacia sus personajes y reflexionar acerca de lo que le hacen sentir al espectador. Ese será su grano de arena para generar como efecto a largo plazo que las personas no vayan al cine solo a “comer crispetas”, sino a aprender y nutrirse, porque de eso se trata el cine.

El cine es vida, es sentimiento y es una experiencia para el espectador, el actor y la persona tras la cámara.

En la actualidad estudia en El Teatro Casa E. Recientemente ganó una beca por parte de Monos y Caracol, por lo que el próximo año estudiará en la Escuela de Caracol durante un año e invita a todos los lectores de la Revista Boceto a asistir a sus próximas obras “El infierno imaginario” y “El mandato” que se presentarán en Diciembre del 2019, en el Teatro Casa E en Bogotá.

Fotografía: Diego Cuevas.

Finalmente el consejo que ella brinda a los futuros profesionales Productores de Cine y Televisión de la Corporación Universitaria Taller Cinco es que sigan adelante pese a que el camino no será fácil. Augura que el final será altamente gratificante, siempre y cuando no pasen por encima de su trabajo, siempre y cuando busquen marcar la diferencia y dejar su huella en cada detalle. Que le pongan amor y pasión a lo que hacen, pues estos serán los valores agregados.

No somos conscientes del lenguaje tan potente que puede llegar a tener un largometraje.

Fotografía: Archivo partícular.

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COLEGIO GUILFORD SUPERIOR

Creyendo en la sensibilidad y la pasión Por: Paola Farina, editora de contenido.

l programa Guilford superior surge de la necesidad de apoyar a jóvenes, que luego de terminar su bachillerato no tenían suficientes oportunidades de continuar sus estudios superiores.

El Colegio Gimnasio Campestre de Guilford ofrece educación preescolar, primaria y secundaria. Sus docentes encontraron en los jóvenes con discapacidad, habilidades diversas que en otras escuelas rechazaban, o no tenían en cuenta. Mientras en otros lugares sólo se fijaban en sus habilidades de comunicación y académicas. En Guilford, desarrollaron sensibilidad y pasión por su creatividad. Lo que los llevó a incursionar en el la educación superior.

El programa Guilford Superior ofrece a jóvenes con distintas condiciones, la oportunidad de vivir una experien-

cia universitaria, ayudándolos a explorar diferentes habilidades basadas en sus gustos. Esto ha traído consigo un gran impacto en sus familias, Miriam Fajardo, directora del programa nos cuenta que muchos terapeutas decían a los padres de estos jóvenes que sus hijos no tendrían mayores posibilidades de una evolución frente al ámbito académico. Pero al ingresar al programa Guilford Superior, se les plantean oportunidades nunca antes propuestas basadas en sus habilidades y se les prepara para una formación frente al trabajo. La importancia de esto radica en resaltar el potencial de lo que sí pueden lograr. En ese descubrimiento de intereses y gustos se cimientan las bases del programa, logrando darles la opción de una proyección ocupacional para que se desempeñen laboralmente.

Fotografía: Leonardo Castañeda.

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En este programa se han evidenciado numerosos casos de éxito tales como el de Yuliet Lesmes, quien actualmente está por finalizar el programa de fotografía y Alex Ripoll de Diseño Textil, entre otros.

Para ello los docentes han sido piezas clave, ya que apoyaron a estos talentosos jóvenes, por quienes en su momento no muchos apostaron, para orientarlos a ser quienes son hoy en día y así asegurar que serán personas felices, respetadas y exitosas llevando a cabo su proyecto de vida.

Actualmente estos jóvenes han evidenciado grandes mejoras en su autoestima, son conscientes de todo el talento y potencial que poseen y se han empoderado de todas sus asignaturas.

La Corporación Universitaria Taller Cinco Centro de Diseño les ha brindado un ambiente académico de inmersión, donde han podido convivir con estudiantes de diversos programas, compartiendo áreas comunes de esparcimiento, proporcionándoles una real experiencia universitaria.

Fotografía: Christian Lozano y Andrea Martínez.

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En el Guilford superior, se desarrollan la sensibilidad y la pasión por la creatividad de los jóvenes.

Fotografía: Leonardo Castañeda.

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L AURA BARJUM “Influir se trata de generar un impacto en el mundo” Por: Víctor Hugo Villamizar, director revista Boceto y Paola Farina, editora de contenido.

ay un conjunto de cosas que definen a Laura Barjum, pero lo que la identifica por sobre todas, es ser una hija de Dios. Ella se considera un ser espiritual, viviendo una experiencia humana. Cuenta que durante su camino por la vida, se percató de que habían tres palabras que constantemente se repetía a sí misma y estas han sido la clave para lograr alcanzar todas sus metas. Estas son: Pasión, Disciplina y Amabilidad.

Con el pasar del tiempo esta técnica no solo le ha servido para superarse a sí misma, sino que también, ha funcionado como ejemplo para sus seguidores, a quienes siempre les aconseja detalles como saludar, pedir el favor, dar las gracias y sonreír.

Para ella, son piezas fundamentales que, sorprendentemente, hoy en día llegan a ser un diferenciador e incluso un valor agregado como persona.

Cada vez que siembro una semilla de amabilidad, aunque sea en una persona, es un logro inmenso.

Las redes sociales han impulsado su carrera de forma exponencial. De hecho, para Laura sus seguidores son parte de su familia, ya que la han apoyado en cada desición de su vida.

Ellos se preocupan por los detalles que le acontecen en su vida diaria y le piden consejos sobre aspectos a mejorar.

Cada día trabaja por ser una influencia positiva para sus fans, de hecho se refiere al término “influencer” como una gran responsabilidad. Para ella, ser influenciadora no es subir un video sobre maquillaje, esto es entretenimiento. Influenciar se trata de generar un impacto en el mundo.

En ocasiones le parece un sueño estar hoy en día cosechando los frutos de lo que ha sembrando toda su vida. Hace énfasis en que cada publicación que hace genera eco en el mundo, y dar un mensaje positivo es su misión.

Sus padres, de la mano con su abuela, inculcaron el positivismo en su vida. Ella siente que desde pequeña la criaron, sin saberlo, para ser reconocida como una celebridad, mediante valores que hoy en día son su carta de presentación.

Hoy en día agradece que su madre la obligara a leer libros “El monje que vendió su Ferrari” de Robin Sharma y “Como ganar amigos e influir sobre las personas” de Dale Carnegie, cuando tenía apenas 8 años.

Su mamá evaluaba los conocimientos que obtenía luego de cada lectura y terminada la evaluación le permitía salir a jugar. Todo esto le dio las herramientas para desarrollarse como actriz, modelo, reina y de esta manera alcanzar sus metas personales.

Fotografías: Víctor Hugo Villamizar, edición digital Felipe Riaño

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La clave está en crear contenido que capte al público que estás buscando, no necesitas a nadie más.

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Cuando Laura estaba en el colegio, decidió que en la universidad estudiaría Ciencias Políticas.

Antes de su graduación del colegio, organizó junto con sus compañeros una obra escolar, en la que escribió el guion, participó en la creación de personajes y actuó como protagonista. Luego de la presentación final recibió un fuerte aplauso, así como numerosos cumplidos por su actuación.

En ese momento Laura, al bajar de la tarima, se preguntó a sí misma si realmente quería que esta fuera su última vez sobre un escenario.

Luego de hacerse esta pregunta, tomó la determinación de encaminarse definitivamente por el mundo de la actuación.

Para ella, el cambio que ha tenido la televisión como medio no debería ser un factor al cual temer. Por el contrario, explica que hoy en día los espectadores, al tener la posibilidad de elegir el contenido que quieren ver, les proporcionan a los artistas es una herramienta fabulosa, ya que esto hace que sus seguidores los busquen y el contenido que ellos creen y difundan como celebridades, esté específicamente dirigido a su audiencia.

Refiriéndose a los temas publicitarios, cuenta que no es necesario captar a toda la familia con una publicidad, cuando en realidad hay un miembro de la familia, de una edad específica, que es quien va a ahorrar para comprar y consumir tu producto.

La televisión, en su parecer, si bien es cierto que ha avanzado mucho durante los últimos años, aún le falta un largo camino por recorrer para llegar a lograr producciones más grandes.

Laura se ha topado a lo largo de su carrera con muchas oportunidades, pero también la ha tomado por sorpresa encontrar algunas puertas cerradas. Sobre todo en castings para papeles serios, cuando no le dan la confianza de asumirlos, solo por el hecho de haber sido reina.

Esto la ha llevado a plantearse el día de mañana ser ella misma quien realice sus propias producciones, las cuales planea protagonizar, demostrando así su temple como actriz. Actualmente se encuentra realizando un proyecto que pronto saldrá a la luz, el cual la conectará mucho más con su audiencia. Mientras tanto, y en simultáneo, mantiene actualizado su canal de Youtube, además de participar activamente en foros y conferencias.

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En este país debemos aprovechar los creativos que se forman día a día en el medio, ya que estos dan la talla para competir con el resto de industrias en el mundo.

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El tema principal de su conferencia es “La clave del Éxito”. Para ella, esto gira en torno a la familia, cultura, arte y libros.

Explica cómo el amor por lo que haces, puede llevarte lejos.

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El diseño de los atuendos para este editorial es realizado por dos Talleristas: Connie Sáenz y Víctor Hugo Villamizar, de su colección ‘El mundo en la piel’.

Piensa que la educación en el área del diseño es algo que ayuda a la sensibilización de la sociedad y que en Taller 5 está haciendo un excelente trabajo, dándole herramientas a los jóvenes para generar diseños éticos y sociales de Colombia para el mundo.

Laura nos comparte una anécdota sobre su padre. Cuando era pequeña, contaba con habilidades para la actuación y el baile, así como también, gracias a su carácter competitivo, ganaba cada año la feria escolar de ciencias. Pero para los deportes, no tenía la misma destreza, por lo que al inscribirse a las olimpiadas de patinaje, solía llegar de última en las competencias. Y recuerda que cuando le preguntaba a su padre si en verdad era rápida, él siempre le respondía: “sí, tu eres una campeona”. Hoy en día ella sabe que es una campeona, sin importar los aciertos o desaciertos de su vida.

Para ella, el diseño en Colombia es un tipo de comunicación que se está expandiendo a gran velocidad, generando impacto en los consumidores y adquiriendo fuerza en el mercado. En realción a la industria de la moda, le apasiona particularmente la manera en la cual los diseñadores de Alta Costura en Colombia están tomando elementos propios de 60

las raíces del país, para generar piezas exclusivas y de impacto a nivel mundial.

Como candidata a Miss Universo, los diseños de sus prendas fueron realizados por el diseñador de Alta Costura Hernán Zajar, quien se inspiró en la arquitectura colombiana, como concepto para luego proyectarla en el diseño de los vestidos que portó y con los que deslumbró a la audiencia.

Para los jóvenes, el emprendimiento hoy en día no es tarea fácil, pero Laura asegura que hay espacio para todos en el mercado. El talento será lo que los haga sobresalir por sobre el resto de sus competidores. Lo importante es no mirar al lado, no fijarse en la competencia, sino en la autenticidad y ofrecer al consumidor un valor agregado en su producto.

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JAIRO ARCOS Vivir de una carrera como el diseño, realmente debe apasionarte.

Por: Paola Farina, editora de contenido.

airo Arcos es un diseñador Gráfico egresado de la Corporación Universitaria Taller Cinco. Apasionado por el diseño y en búsqueda de ser un artista, se encamina en el medio y comienza a trabajar con todo tipo de clientes, desde empresas, hasta vecinos y familiares.

Pasados 7 años aproximadamente, comienza a incursionar en el campo del Diseño Digital, donde realiza páginas web, en las que incluye sus primeras animaciones.

Para ese entonces, muy pocos profesionales se dedicaban a la animación. Luego, estas dejaron de ser bidimensionales, por lo que comenzó a incorporar en sus proyectos la tercera dimensión y a trabajar con laboratorios clínicos.

Al comenzar a mutar el diseño en Colombia, las oportunidades se volvieron menos remuneradas, por lo que sobresalir se volvió más complicado. Por su puesto Jairo, ante la situación, trabajó intensamente en estar a la vanguardia e innovar. Su padre le dió una lección importante: “Haga lo que quiera, pero cuando lo haga, sea el mejor” y a esto se dedicó, por lo que comenzó a implementar la animación, a medida que el negocio surgía.

La publicidad, a lo que se dedicaba, no era lo que quería hacer, ni tampoco producciones 3D arquitectónicas, pero encontró en el turismo algo que siempre le gustó. Era un campo lleno de posibilidades y quizás ahí sería donde encontraría una mejor remuneración económica.

Viviendo en Zipaquirá, un pueblo turísticamente conocido, sale en búsqueda del nicho de negocio y es ahí cuando propone al Estado, hacer un cortometraje sobre las Minas de Sal. Una negociación que tomó varios años.

Desde el año en que se graduó, montó su empresa, la cual no comenzó a producir inmediato, pero ha permanecido con él desde siempre. 20 años después, asegura que valió la pena, ya que cuando te presentas con una compañía que lleva 20 años en el mercado, esto te presta ciertos beneficios. Uno de ellos es la credibilidad.

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Vivir del diseño es fantástico, pero constantemente necesitamos recrearnos para humanizarnos, ya que debemos ser sensibles a la realidad de la vida de las personas y no caer en los estereotipos.

Fotografía: Diego Cuevas.

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Dice que para vivir de una carrera como el diseño, realmente debe apasionarte. Jairo explica que los verdaderos profesionales comienzan desde el momento en que se adentran en este mundo y organizan su portafolio, después de todo, es lo único que se tiene al graduarse.

Luego de mucho trabajo, su empresa comienza a fortalecerse, es ahí cuando comprende que una empresa solo conformada por creativos no es suficientemente sólida, por lo que comienza a incorporar administradores, contadores, personal de recursos humanos y todo de tipo de profesionales en diversas áreas. Personas claves para el funcionamiento de la compañía.

El proyecto de la Catedral de Sal, fué todo un reto.

Se trató de un Corto Animado Estereoscópico, el primero realizado en el país. Lo que generó que la Cámara de Comercio, así como muchas otras entidades, pusieran su atención sobre la animación y esto se tornó en una bola de nieve, la cual hoy lo posiciona como un especialista en Producción y en Captura de Movimiento (que es una técnica, la cual mediante una serie de cámaras permite capturar el movimiento y transmitirlo a una figura virtual).

La sede principal de su empresa está ubicada en Zipaquirá, pero también poseen una segunda sede en Puebla, México.

Su trabajo como diseñador se ha visto detenido por su título como Técnico, lo que le ha impedido realizar maestrías. Todos sus diseños, desde hace 20 años tienen como base la sección áurea. De hecho, es una regla en su compañía, el que todos los computadores la deben tener en un acetato con ella sobre el monitor. “¿Si les funcionó a los griegos, por qué no a nosotros?”

Los diseñadores gráficos en Colombia han debido enfrentarse a diario a un problema generalizado entre muchas profesiones y es que no son especialistas en lo que hacen. Su opinión es que las personas se han acostumbrado a que los diseñadores deben saber hacer de todo:

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Motion Graphics, fotografía, animación, etc. Y siente que cualquier profesión tiene buen campo laborar en la medida que los profesionales sean buenos y concretos en lo que hacen.

El diseño ha de ser una herramienta sumamente potente, de hecho, para hacerlo, no se necesita ni siquiera un computador. Cuando a una persona le enseñan a manejar una herramienta, pero no sabe el concepto que debe aplicar, inmediatamente está equivocada.

Siempre habrá trabajo, en la medida de la buena calidad del diseñador. Realmente esto sucede en cualquier área. Las personas deben especializarse. Considera que los estudiantes profesionales de Universidades como la Corporación Universitaria Taller Cinco, deben destacarse en su esencia, en lo básico. Para él, aprender a usar las herramientas es lo de menos, ya que al llegar a ciertos lugares puede que el software que manejes no esté disponible, por lo que esto pasará a segundo plano.

Según él, primer paso para realizar un buen diseño, incluso antes de reunirse por primera vez con el cliente, es la investigación. Lo que, por cierto, es su parte favorita de la elaboración de un proyecto, ya que esto le ha permitido aprender sobre diferentes temas.

Jairo explica que los verdaderos profesionales comienzan desde el momento en que se adentran en este mundo y organizan su portafolio, después de todo, es lo único que se tiene al graduarse.

Fotografías: Archivo personal.

Los proyectos, sin importar el área de producción a la que estén involucrados, deben ser investigados previamente, para así conocer el producto que se va a tratar. Lo que se busca como diseñadores es transmitir una solución y para ello debemos tener dominio del tema.

Los diseñadores tienen una responsabilidad inmensa, ya que las personas ven lo que hacemos, lo consumen e incluso lo asumen, por lo que vendiendo un mal mensaje podemos influir negativamente en ellos y esto tendría enormes repercusiones.

Suele aplicar una metodología para el desarrollo de sus proyectos que siempre le ha funcionado. Esta consiste en proponerle al cliente tener tres reuniones, que no tomarán más de una hora cada una. Estas pueden ser tanto presenciales como virtuales.

En la primera reunión, presenta propuestas conceptuales, que por lo general fueron realizadas a mano, hasta obtener una propuesta gráfica realizada en un software. Por lo general una hora es suficiente para que, después de haber investigado sobre el tema y con su habilidad como dibujante pueda plasmar en un papel una idea muy clara.

En su concepto, la primera reunión es la más importante, ya que define la sensación que el cliente quiere producir en su consumidor con su producto o servicio.

Por lo general, la segunda reunión, que no se realiza más de 5 días después de la primera, es cuando se genera un feedback por parte del cliente y en la tercera, se puede lograr una propuesta real.

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Es importante tener una reunión con el cliente para crear un feeling, que luego te ayudará a entender lo que éste realmente quiere. Por eso debemos hacer un buen speech antes y también saber vender la idea que se está proponiendo, ya que a la larga, los diseñadores también somos comerciantes.

Es importante ampliar tanto como podamos nuestro vocabulario, ya que somos nuestros primeros agentes comerciales y en muchas ocasiones seguimos siendo quienes tenemos el primer contacto con el cliente. Estamos constantemente en la labor como vendedores de nuestros proyectos. Si generamos buena empatía al hablar y además quizás hablamos varios idiomas, con un contacto podemos tocar el corazón de nuestros clientes.

Vivir del diseño es fantástico, pero constantemente necesitamos recrearnos para humanizarnos, ya que debemos ser sensibles a la realidad de la vida de las personas y no caer en los estereotipos.

Jairo dice que hacer una empresa solo no es tarea fácil y no solo en Colombia, sino en cualquier país del mundo.

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Él es un fan de las asociactividades, comenta que si uno no da el paso para asociarse, las cosas a veces no suceden, y crear empresa es algo monstruoso e incluso trágico, en ocasiones, por lo que es bueno tener algo de apoyo. Él consideró que primero debía ser empleado de varias empresas, antes de triunfar con la propia. Desde pequeño tuvo en su cabeza que debía emprender. Muchas personas asocian el emprendimiento y el ser freelance con la vagancia y la falta de horarios o parámetros, pero en el caso de Jairo, su experiencia fue distinta. Desde pequeño tuvo la fortuna de compartir mucho tiempo con sus padres y pudo hacerlo ya que ambos

fueron emprendedores. Lo que causó que en el momento de comparar los estándares de vida de las personas que trabajaban cada día con relación a lo que conoció en casa, prefirió ser independiente.

El paso de ser una persona independiente a ser una empresa, le ayudó a hacer crecer su mentalidad como empresario.

Comprendió que cada año los mercados son diferentes y las mentalidades cambian.

Desde pequeño, su padre lo llevaba al cine a ver cada nueva película de animación que salía.

Todas de Disney, claro. Entonces decidió estudiar la carrera que más se acercaba a ello y en la que podía desarrollar su don como dibujante, además de co-

Sus socios fueron su familia. Recomienda que al hacer una sociedad, lo primero es estipular mediante un contrato “que pasaría si la sociedad funciona y qué pasaría si no funciona”, para que esto no ponga en riesgo la empresa.

Asociarse no necesariamente debe conllevar a arriesgarse.

merciar su trabajo para satisfacer las necesidades de las personas. Había una tendencia hacia el Diseño Gráfico.

Se encontró con la Corporación Universitaria Taller Cinco, la cual tenía gran renombre en el diseño y comienza a estudiar.

Cada día, sintiendo gran fascinación descubriendo que todos los elementos de la naturaleza, estaban conformados por retículas base, por medio de las cuales los diseñadores capturaban la atención de los consumidores en las piezas gráficas.

Hace 10 años, luego de trabajar para hacer posible las animaciones de cada empresa que tocó sus puertas. Jairo decide comenzar a escribir el guión de su propia animación, con lo que había soñado siempre.

Se trata de un sueño que tuvo desde niño. Él quería ver una animación en la que explicaran todas las preguntas que él se hacía a sí mismo día a día.

Como por ejemplo: ¿por qué los girasoles son amarillos, porque sus hojas se distribuyen modularmente en forma circular, simétrica y perfecta? ¿Por que cuando las mariposas vuelan, su vuelo es cíclico? Y esa fue otra de las razones por la cual estudió diseño, por esa atracción que siempre sintió hacia ese tipo de detalles.

Por ello, comenzó a trabajar en su proyecto personal, siendo la primera vez que Jairo Arcos propone desarrollar un proyecto a su propia empresa. Consiste en un programa que explique a los niños los conceptos básicos del diseño, no solo en el

Fotografías: Archivo personal.

arte, sino en la vida. El cual ya está registrado.

El considera que la sensibilidad que puede generar en los niños, el comprender la perfección sagrada del diseño en la naturaleza, desde una flor, hasta al mirarse en el espejo, puede lograr contribuir a crear mejores ciudadanos y personas.

Este será el aporte desde su trabajo a la sociedad. Sin embargo, el carácter de todas las animaciones que ha realizado hasta el momento, han sido históricas y educativas.

No es tarea fácil invertir recursos en un proyecto propio, dice, el proyecto se llama “BASIC” y Basic es un niño de plastilina, el cual tiene un amigo perro, llamado perro. También comparten sus aventuras con una niña, llamada Áurea, quien tiene una gata, quien es su mejor amiga, llamada gata.

Estos personajes se adentran en diversas aventuras, que vivirán en torno a obras de arte famosas.

Jairo también realizó un cortometraje animado para Cholula, una ciudad, que por cierto es la más antigua de latinoamérica y cuenta con la pirámide más grande del mundo. A diferencia de muchas ciudades en México,

la pirámide de Cholula no se ve. Es como una montaña que hoy en día está erosionada. De hecho, cuando los conquistadores llegaron a América, ya no lucía como una pirámide.

Luego de un largo proceso de investigación de más de dos años, Jairo, junto con su equipo logra recrear la ciudad y hacer un cortometraje, de 15 minutos, para mostrarle a los turistas que fueran a conocer la ciudad y a sus propios habitantes, la historia de su pueblo.

Los habitantes de la región quedaron altamente agradecido con él, de hecho sintieron gran emoción al ver su pasado y a sus ancestros. Con este proyecto, él se volvió un experto en historia prehispánica, y explica que un mal trabajo habría desinformado a muchas personas y sería incluso una falta de respeto hacia el cliente.

Todo esto ha ampliado sus paradigmas. Y, finalmente, hoy ve a Colombia con un amplio futuro en el frente del diseño y la innovación.

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En algún momento de mi vida Dios me enseñó a salir adelante, así que ahora quiero brindar mis conocimientos a otros, para que por medio de la fotografía, tengan la misma oportunidad que yo tuve.

e define así mismo como un aventurero, apasionado por la fotografía y el arte en toda su esencia. Cuenta que sus inicios no fueron sencillos. Proveniente de una familia humilde de Cali, con pocas oportunidades, sale de su casa a muy temprana edad, en búsqueda de nuevos caminos y llega al pueblo que lo adopta, llamado Caicedonia Valle, donde realiza sus primeras películas, con las que se da a conocer a nivel nacional y gracias a ello gana la beca que lo lleva a estudiar cine.

Luego de ello, se dirige a Bogotá, donde realiza sus primeros proyectos con la Dirección de Cinematografía, de esta manera toma rumbo sus trabajos, viaja por toda Colombia, hasta llegar el día en que cambia por completo su camino, cuando entra a una escuela, en cali, donde estudia Fotografía Fija.

‘H’ como lo conocen en el medio, realizó varias campañas publicitarias en Cali, pero al complicarse el negocio en esta ciudad, decide volver a Bogotá, donde conoce a una mujer de proveniencia americana, quien vino a realizar un proyecto para ‘E entertainment television’, quién lo contrata como realizador del programa.

Trabajando allí, luego de terminar el proyecto, la productora cubana del programa, lo lleva a una escuela de foto-

HÉCTOR AGUIRRE La academia es un lugar de pasión Por: Paola Farina, editora de contenido.

grafía y trabaja durante 10 años, como profesor de iluminación.

Un tiempo después, le llega una convocatoria de una agencia en Colombia, donde estaban postulándose muchas personas a nivel nacional para ser embajadores de la marca Canon por méritos. Los requisitos para calificar eran tener una página propia, haber ganado premios y tener experiencia en el campo.

Héctor cumplía con todos los requisitos, por lo que decide postularse y es seleccionado.

Lo peculiar de esto es que solían cambiar cada 6 meses sus embajadores, pero Héctor por sus bases técnicas, lleva 3 años como embajador, ya no representando Canon Colombia, sino como embajador Canon Latinoamérica.

Para Héctor, la academia ha sido un lugar de pasión, pero sobre es todo, ha sido el lugar que le ha dado la posibilidad de aprender de sus estudiantes. Se siente feliz de estar en Taller Cinco, y continuamente le comenta a sus estudiantes que su negocio está en la fotografía, pero que se siente afortunado por tener la oportunidad de enseñar por vocación y no por necesidad.

Francamente admite que los premios han sido símbolos altamente gratificantes en su vida.

Su primer premio, lo obtuvo por medio de la Cámara Junior

en Caicedonia Valle, como el “Joven del Año” y el segundo fuecuando salió un concurso por medio del Ministerio de Cultura y Turismo, entonces al enterarse, mandó una foto que tenía y un mes después, anunciaron que había ganado el primer puesto del concurso “Revela Colombia 2015” .

Hoy en día Héctor Aguirre es un Profesional en fotografía para medios, egresado de la Corporación Universitaria Taller Cinco. A pesar de venir de una familia humilde y habiendo realizado diversos cursos para perfeccionar sus habilidades, por primera vez recibió su título profesional este año y para él este ha sido sumamente importante, ya que era un sueño que tuvieron sus padres y hoy Héctor logra cumplirlo, como lo prometió. Sintiéndose privilegiado de ser profesional en el campo que le ha dado no solo para vivir, sino para ser feliz.

Actualmente, hace parte de la Junta Directiva de la Asociación Colombiana de Fotógrafos y contínuamente se preguntan hacia dónde va la fotografía. Él observa que hay muchas personas que se dedican a la fotografía por el simple hecho de tener una cámara. Considera que afortunadamente la academia hoy reconoce este oficio profesionalmente, ya que esto ayuda a darle fuerza a la identidad de la Carrera y demuestra que realmente hay muchas personas que encuentran en la fotografía un nuevo estilo de vida.

Fotografía: Diego Cuevas.

Fotografías: Archivo personal.

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uan Sebastián Pinilla es un realizador apasionado por la imagen que descubrió su amor por las artes desde corta edad, teniendo una formación desde diferentes puntos del arte llegando así a la fotografía después de haber estudiado cine y música. Considerando el estudio como un gran punto de partida para alimentarse cultural e intelectualmente, se define como un fotógrafo que genera historias, no solo como imagen fija, sino inspiradas en un concepto, enfocándolas en una herramienta de creación.

En el Mundo digital Juan Sebastián muestra gran parte de sus actitudes personales desde su estilo fotográfico hasta sus gustos y lo que lo complementa como ser humano, destacando su estilo. Más allá de los elementos que este capturando en cada toma, el concepto y la profundidad y el detrás de cada fotografía es su valor agregado, para él es importante que expresen vida sin necesidad de que se vean forzadas ni de seguir tendencias,

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esto es lo que lo hace tener esa marca personal de originalidad fotográfica buscando la verdad en sus trabajos con una previa investigación.

Dos grandes oportunidades se presentaron en simultánea en su vida la primera fue la convocatoria al desafío súper humano y la oportunidad de postularse como embajador de la marca de cámaras Canon.

Fue una difícil decisión, pero teniendo en cuenta que ya contaba con el conocimiento para perfilarse como embajador Canon, el cual tenía como sueño años atrás; decidió tomar este camino motivo por el cual vuelve a Buenos Aires, para cubrirlo en varios aspectos que pidió la marca.

Al llegar a Buenos Aires, el desafío que debía cumplir consistió en tomar una serie de fotografías con parámetros específicos. Volver a esta ciudad lo animó a reencontrarse, buscar la toma de la fotografía perfecta le tomó dos días, por lo que el tiempo no jugaba a su favor, pero finalmente logró las

El concepto y la profundidad y el detrás de cada fotografía tes su valor agregado.

JUAN SEBASTIÁN PINILL A El fotógrafo no nace, sino se hace.

Fotografías: Archivo personal.

Por: Leonardo Castañeda

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Fotografía: Víctor Hugo Villamizar.

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Le gusta mucho lo que está pasando con Colombia en el exterior, de la forma como es vista en otros países, dejando ese pasado por el cual éramos conocidos y pasar a ser un paraíso de cultura y arte, absolutamente privilegiados por nuestra naturaleza biodiversidad.

Casapalma, es su proyecto personal, es una galería y coworking dedicado a fomentar el entrenamiento y el arte. Ha sido su proyecto predilecto, en el que trabaja de la mano con su primo, quien es su socio y la sede de este proyecto es la misma casa en la que vivió su abuela a lo largo de su vida.

De esta manera, Juan Sebastián el profesional en fotografía para medios, se muestra como un emprendedor, un fotógrafo contador de historias por medio de sus imágenes y ahora su nuevo rol, estrenarse como padre de Joaquín.

Fotografías: Archivo personal.

capturas necesarias con las que cautivó al jurado y finalmente lo llevaron a ser el nuevo embajador Canon para Colombia.

Para él, el fotógrafo no nace, sino se hace, el 90% consiste en tu entusiasmo y dedicación. Es como el deporte, en esta carrera todo se trata de la disciplina, debes prepararte para llegar a la calidad que estas buscando. Él es egresado del programa en Fotografía para medios de Taller Cinco; comenta que el haber vuelto a la academia, le ayudó a ampliar sus conocimientos, ya que lo impulso a tener rigurosidad y estar día a día conectado con lo que ama. Ha sido un elemento clave como artista. Cuenta que incluso lo ha ayudado a complementarse como profesional, de hecho, ha sido una especie de premio, ser profesional en Fotografía para medios.

La fotografía es crear historias, en estos momentos está migrando en todo sentido, convirtiéndose en el nuevo lenguaje del cual todos debemos aprender, y hoy por hoy está al alcance de todos. Pero el que quiera ser fotógrafo debe encontrar su punto diferenciador, va mas allá de simplemente tener una cámara.

Juan Sebastián ha ganado varios premios, entre ellos: el de Transmilente, Patrimonio cultural de la nación, que han sido incentivos llevándolo a exponer en Montevideo, Nueva York, Londres, sobre varios temas interesantes que le ha dado la fotografía y de los cuales lo han posicionado, en el fotógrafo que es hoy.

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DIEGO CUEVAS No solo la técnica hace al fotógrafo.

Por: Leonardo Castañeda, editor de contenido.

Fotografía: Leonardo Castañeda.

Todos tenemos un talento o vocación en la que mejor se desempeña, todo con esfuerzo y con dedicación se logra.

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esde niño Diego ha dirigido sus gustos por el arte, la música y la fotografía definiéndose como un soñador explorador y caminante que sueña con conocer el mundo buscando materializar sus ideas e interpretación de la vida, se considera de la misma forma un joven muy introvertido, amigable y con carisma.

La fotografía la descubrió desde el colegio donde se graduó en 2015, ya que este se especializa en medios audiovisuales, allí comenzó a explorar la fotografía y como se puede comunicar por medio de las imágenes y del arte.

La música, el arte, y la imagen son su ruta de escape, considerándolo como un momento de paz interior; en su paso por el colegio conoció fotografías de Allan Schaller y Henry Cartier Bresson quedando fascinado con su estilo, también como referente fotográfico a Sebastião Salgado en el documental “La sal de la tierra” que lo inspiró. El estilo fotográfico de Diego se basa en el blanco y negro que lo hace su estilo favorito; los ángulos y planos abiertos que expresa en el modo urbano donde la calle es su escenario preferido y el que le brinda más historias.

A sus 20 años Diego ha tenido la oportunidad de trabajar en diferentes medios siendo practicante de el diario El Espectador, foto reportero de Vizzor Image; llevando su gran interés a ganar la Foto Maratón, concurso que tuvo lugar en Bogotá en el año de 2018 siendo este su primer premio, el cual contaba con dos categorías; él participó en la categoría de aficionado por la inseguridad de que no podía darlo todo como un profesional; esto tuvo como resultado ganar el concurso en esta categoría tras el resultado de dos días en la calle obturando y convirtiéndose en el ganador de esta edición.

El día de la premiación estuvo muy ansioso con la compañía de su padre, que tras un abrazo de varios segundos frente a mucho público y fotógrafos, le expresó su agradecimiento por el esfuerzo y el apoyo de él y su familia a quienes les dedicó este premio.

Fotografías: Archivo personal.

Hay bastante para explorar no hay que quedarse en la técnica, con la investigación aparecen conceptos solidos.

Esta fue una experiencia satisfactoria, ya que él se encontraba finalizando su técnico profesional en fotografía, tuvo como reflexión que su camino por esta profesión continuaba por este motivo decide seguir con su estudio y profesionalizarse en Taller 5 donde inició sus estudios como técnico, todo esto ha sido el fruto de un camino con mucha disciplina y constancia; su motivación para hacer este trabajo es su personalidad y sus deseos de expresarse por medio de imágenes, viendo en la fotografía el camino para expresar sus ideas.

Diego resalta que las personas que más le han aportado de forma positiva, han sido su familia, su madre Mirtha, su padre Juan Carlos y su hermano Leonardo al igual que docentes como lo son Gabriel Aponte que considera como su mentor y a Ernesto Molina.

Taller 5 le ha aportado mucho en su proceso profesional, lo que ha aprendido en el aula ha sido de gran apoyo, cada curso le ha dado todas las bases para seguir el camino, piensa

seguir ampliando sus conocimientos, dentro de sus planes está estudiar antropología visual descubriendo esto en uno de los cursos que cursó en la universidad.

Como fotógrafo sueña en dejar un aporte, generar conciencia aportando desde su profesión, le preocupa la sociedad y la situación actual a nivel mundial tanto social como cultural; sueña así mismo en llegar a ser embajador de una marca reconocida, ya que tiene todo el potencial para lograrlo.

Diego invita a los que quieren ser fotógrafos a que nunca se desmotiven, que experimenten mucho; hay bastante para explorar que no se quede en la técnica sino investiguen y busquen conceptos solidos; la técnica se vuelve mecánica pero la forma como se expresan y se comunican ideas, son las que hacen grande al fotógrafo.

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ANDRÉS BELTRÁN

Narrar historias audiovisualmente jamás morirá Por: Paola Farina, editora de contenido.

ndrés se define a sí mismo como un narrador de historias nato. La suya en el mundo audiovisual comienza cuando era niño. Su amor al arte lo llevó a copiar las películas de Blockbuster en VHS y alquilarlas en su barrio, a costos más asequibles.

Luego de volverse un rentador de VHS, comprendió que cada película lo introducía en un universo diferente, lo cual le pareció fascinante.

Sin embargo, nunca consideró estudiar nada relacionado con el tema, incluso, sus padres lo alentaron a estudiar ingeniería, motivo por el cual inició sus estudios superiores en Ingeniería de Sistemas Durante su segundo semestre, tuvo una clase llamada “Creatividad”, en la que como primera actividad, les pidieron a los estudiantes realizar un video que contara cómo era un día de sus vidas. Entonces, al llegar a casa, comenzó a recordar todas las películas que había visto, e inmediatamente se puso manos a la obra con su propio film.

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Para ese proyecto realizó un guion y luego comenzó a grabar cada escena, desde el desenfoque del momento en el que abría los ojos en adelante, y así sucesivamente. Al llegar a la presentación, comenzaron a pasar los compañeros con sus videos, en los que aparecían ellos mismos sentados frente a la cámara, narrando su día a día. En ese instante quedó petrificado. Andrés había hecho una película, hasta tenía el león de la Metro Goldwyn Mayer al inicio. Su trabajo estaba totalmente fuera de contexto con relación al de sus compañeros ingenieros.

Luego de escuchar las risas de la clase, la profesora se le acercó y le dijo: “Andrés, ¿no ha pensado usted estudiar algo audiovisual?”. Lo cual lo animó a irse a estudiar produccción audiovisual, donde hizo cuatro (4) semestres.

Para la época en la que comenzó a estudiar audiovisual, no habían tantas oportunidades en Colombia como ahora.

La Cinemateca no estaba en orden y por ello no pudo difundir su arte, motivo por el cual fue a realizar sus estudios a Argentina, donde se le brindó la oportunidad estudiar y trabajar.

Al volver a Colombia, se encontró con avances significativos en el medio. Por ejemplo: la existencia de la Ley de Cine y avances importantes en el Ministerio de Cultura y la industria audiovisual.

Sobre las nuevas tecnologías, le parece maravilloso que las personas desde su celular, puedan crear y ser narradores de sus propias historias.

Hoy en día, Andrés es realizador integral de cine, egresado del Centro de Investigación Cinematográfica.

También obtuvo un título como Guionista Cinematográfico de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica.

Fotografía: Diego Cuevas.

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Fotografías: Archivo personal.

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Creo que los medios digitales nos ayudaron a que cada uno tenga voz.

tenidos. Es cuestión de tendencias. Por ejemplo Narcos es la serie más vista de Netflix en el mundo, y eso a Andrés le parece triste, ya que el país estaba apenas saliendo del estigma del narcotráfico. En cambio, hay novelas como Betty la Fea, una novela que cuenta al mundo como son los colombianos en realidad: personas sencillas que luchan por sobrevivir.

Andrés llega a la Corporación Universitaria Taller Cinco en enero de 2019, dictando clases a estudiantes de Diseño Gráfico, Fotografía para Medios y Porducción de Televisión.

No hay un lugar en el que se sintiera antes tan cómodo como docente, ya que en Taller 5 valoran sus experiencias paralelas a la universidad, por lo que se siente libre de poder compartir con sus estudiantes todo lo que aprende en talleres y festivales de cine. También ha aprendido mucho de sus alumnos y la institución le dio la oportunidad de profesionalizarse en el programa de Fotografía para medios de manera simultánea a su trabajo y toda esta sinergia lo hace crecer como ser humano.

El primer consejo que le daría a los futuros egresados es que crean en sí mismos. El arte y la vida artística en general no son sencillos. No todo el mundo puede hacer arte y no todo el mundo puede crear, el mundo es muy duro con el artista y si no crees en ti mismo en algún momento estarás destinado a caer. Esto consiste en caer

100 veces y levantarse 101 veces. Cita a Mark Twain diciendo: “un hombre con una idea nueva es un loco hasta que la idea triunfa.” El punto es no cambiar tu idea, siempre al final encontrarás a alguien que la apoye.

Si comienzas a modificar tu idea porque tu entorno está haciendo cambiar tus creencias, estás fallando como artista. En estas carreras, el artista y la persona son el mismo, mientras que un contador puede tocar guitarra, y seguir siendo contador. Un artista se crea de sus aprendizajes, de sus dolores, de sus viven cias y de quién es.

Su segundo consejo es entender que los grandes genios de la historia siempre se han opuesto al mundo y muchas veces este no los ha comprendido; lo importante es que han sido fieles a sus principios. El cine es su vida entera. Es la unión de muchas artes, imagen en movimiento, es ilusión óptica, es magia y es hacerle

creer al público mundos que no existen. Es la base de las narrativas audiovisuales.

Le encanta lo que está haciendo Ciro Guerra. La estrategia del Caracol, de Sergio Cabrera, es una de las grandes producciones colombianas que nunca olvidará. Siente que el cine jamás morirá.

Ya no esperaremos los estrenos de las películas en los cines. Cambiarán las plataformas y sus lanzamientos, pero narrar historias audiovisualmente jamás morirá. Las historias son las que nos hacen culturalmente una recreación de hechos, son una herencia cultural, la que siempre mostrará lo que somos. Lo que le falta al cine colombiano es comenzar a nivelarse internacionalmente ampliando sus géneros. A nuestro cine le falta explorar el terror, la ciencia ficción y los musicales entre otros. El cine siempre va a existir con una continua transformación.

Fotografía: Diego Cuevas.

Antes las películas debían realizar sus estrenos en cines, así como las series y novelas debían ser lanzadas en canales televisivos, donde el canal decidía si ese contenido era acorde con sus cortes morales y sociales, para determinar si querían publicar el material.

En la actualidad los usuarios tienen el poder, mediante las redes sociales, de expresarse de manera gratuita y que otras personas puedan decidir seguirte, sin importar el medio. Aquí lo que vale es tu contenido. Afirma Andrés que la tecnología no es buena ni mala, es solo tecnología. Hay personas que comentan que plataformas como Netflix, HBO, SONY van a acabar con la industria cinematográfica, sin que se evidencie que estos al igual que muchos otros son solo canales de distribución que producen en algunos casos sus contenidos evideciando que sin producción estos carecerian de material para transmitir. De acuerdo con lo anterior, piensa que no se va a acabar, simplemente le dará un nuevo rumbo al mundo audiovisual, que ahora está cambiando la forma en la que nos comunicamos y en que percibimos las cosas.

La televisión colombiana ha crecido técnicamente, pero no ha evolucionado tanto en sus con-

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CHR ISTIAN LEMUS ‘ PLUMA S’ La dedicación, la constancia y la entrega siempre darán resultados.

Por: Paola Farina, editora de contenido.

Fotografías: Archivo personal.

Su apodo “Plumas” deriva de su pasión por el color, el cual identificó al observar las plumas de las aves, con sus infinitas combinaciones. Para él, las plumas no son más que la viva expresión de la magia y la naturaleza en sus colores.

hristian Lemus, mejor conocido como “Plumas”. Es un diseñador gráfico egresado de la Corporación Universitaria Taller 5, Centro de Diseño, quien se define a sí mismo como un apasionado por el diseño limpio, el concepto, el color y la tipografía.

Durante años se ha dedicado a trabajar en compañía Kirara, su gata consentida, quien ha sido su fiel equipo de trabajo en incontables noches de trasnocho.

El secreto en la inspiración tras las piezas que realiza viene de una rutina, la cual ha ido perfeccionando a lo largo de su carrera. Ésta consiste en escuchar música, revisar referentes sobre el tema en el que trabajará, y posteriormente realizar un análisis exhaustivo sobre cómo podría superar lo antes visto. También añade algunas otras actividades a su rutina como la “meditación activa”.

Dice que tanto el ciclismo, como dibujar letras lo ayuda a concentrarse, ejercitar su cerebro y escalar planos mentales.

Fotografía: Nicolás Vesga, intervención: Christian Lemus.

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Christian eligió el camino de las letras luego de realizar un taller con Elliot Tupac, Marianna Rezk, Tech24 quienes hoy en día siguen siendo sus referentes más importantes. Luego de dicho taller, su curiosidad por el mundo de las letras comenzó a crecer, y fué en ese instante cuando vió la oportunidad de trabajar en el inmenso campo de la letras, ya que en Colombia no muchos habían incursionado en él hasta el momento.

Desde ese año, comenzó a analizar su vida en retrospectiva y se dió cuenta de que las letras en realidad siempre habían sido su gran amor. Recordó que cuando tenía apenas 8 años de edad su madre le enviaba en la lonchera unas galletas llamadas “Muuu”, y siempre dejaba el borde en el que tenía letras, para jugar con ellas. Y pensaba “¿Cómo no pude verlo antes?”.

A veces salimos de la universidad con las bases, pero no sabemos de tantas ramas a cual podríamos dedicarnos, ya que lo que la sociedad espera de nosotros como diseñadores muchas veces es que nos dediquemos a hacer identidad gráfica o logotipos, pero en realidad, tan amplio como el diseño son los tipos de diseñadores que existen y no es una buena idea especializarse en todo.

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Confiesa que al trabajar con las letras, encuentra la plenitud y a cada trazo busca acercarse un poco más a la esencia de la pulcritud. Busca transmitir entrega en cada una de sus piezas. Para él los diseñadores tenemos dos espacios de trabajo, el personal y el laboral. En el laboral esperamos transmitir lo que el cliente quiere, luego de desarrollar un estudio de mercado y un concepto, para finalmente llenar las expectativas del consumidor. En cambio la parte personal, busca comunicar prolijidad en el trabajo que necesitan las letras. Actualmente las letras están en auge nuevamente, como lo estuvieron también en el 1.800, y todos quieren hacerlas. Entonces lo importante es esforzarse por alcanzar una buena composición y buenos trazos para marcar la diferencia. Las letras ameritan mucha dedicación.

Pasó varios años observando referentes a nivel nacional y latinoamericano, para perfeccionar sus técnicas. Recuerda un ejercicio que realizó con una letra C sobre la tipografía Baskerville, estudiando en Taller 5. Le permitió comprender las letras de una manera diferente y esto fué parte de los primeros indicios que cambiarían el rumbo de su carrera.

siones lograr que las personas valoraran la importancia del diseño, el secreto está en ser constante y ejercitar la perspectiva como diseñador. Dice “No hay nada escrito, pero siempre hay mil perspectivas por considerar”.

Al graduarse de la universidad, comenzó a trabajar en un bar de la ciudad de Bogotá llamado “Theatron” para el cual realizaba todas las piezas gráficas publicitarias. Esta fué una gran experiencia para él, desde lo humano, ya que le permitió conocer casos de discriminación, como los de personas que buscaban un espacio para festejar, solo con el fin de alejarse del rechazo de su entorno cotidiano. Comprendió entonces que sin importar su extracción cultural, el diseño te exige entender bien el público para el cual va dirigido el mensaje que buscas transmitir en cada pieza.

Para Christian el secreto radica en nunca dormirse. Nunca dejar de ver referentes, nunca dejar de investigar, nunca dejar de aprender y sobre todo: nunca dejar de pensar fuera de la caja.

Una de sus experiencias laborales más enriquecedoras fue trabajar en el campo del diseño editorial, con la primera edición de una revista inmobiliaria llamada M&D Mobiliaria y diseño, la cual se presentó en Expo Diseño y Expoconstrucción.

Durante su elaboración, revivió sus aprendizajes adquiridos en la elaboración de la revista Boceto.

Y Posteriormente comenzó a trabajar con McCann Erickson en la filial Weber Shandwick, una Red Global de agencias de publicidad, en donde se desempeña actualmente como Director de Arte. A cargo de cuentas como Primax y Havaianas.

Fotografía: Archivo personal.

En la Corporación Universitaria Taller 5, Christian comprendió que los diseños que realmente impactan al público, deben poseer un gran componente emocional. Reconoce que diseñar, es un sentimiento que logra asemejarse mucho al de la libertad.

Sus docentes fueron piezas cruciales. Explica que Taller 5 logró ayudarlo a ir más allá de lo académico, dándole la oportunidad de participar como estudiante en proyectos que lo acercaron a la vida profesional. Como la revista Boceto.

Actualmente cumple 6 años trabajando en el medio y para él, a pesar de haber sido difícil en oca-

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Su recomendación para los futuros egresados es saber que “La dedicación, la constancia y la entrega siempre darán resultados”.

Es fundamental también acercarse a personas del medio que se dediquen a lo que nosotros queramos aprender, para aprovechar sus experiencias. Y finalmente no dejar de explorar, porque esta será la única manera con la que conseguirás innovar.

Fotografía: Nicolás Vesga y archivo personal.

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