Revista Boceto Edición 26

LA REVISTA

MUJER, DISEÑO, ARTE Y SOCIEDAD

ISSN 2011 - 2203 -2DO. SEMESTRE DE 2018

ASTRID ÁLVAREZ

ISABEL HENAO

ANDREA ECHEVERRI

CAMILA GÓMEZ

EL EDITORIAL

RECTOR Alejandro Álvarez De Castro PRESIDENTA CONSEJO DE FUNDADORES Astrid Álvarez D´ Castro VICERRECTOR ACADÉMICO Johny García DECANA DE DISEÑO, FORMA Y ESPACIO Patricia Cristancho DECANO DISEÑO Y COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL Édgar Rivas SECRETARIA GENERAL Lucero Ibarra DIRECTOR DE BOCETO LA REVISTA Víctor Hugo Villamizar R. DIRECTORES DE PROGRAMAS ACADÉMICOS DISEÑO GRÁFICO Martha Lucía Barrantes DISEÑO DE ALTA COSTURA Carolina Ángel DISEÑO Y PRODUCCIÓN DE TELEVISIÓN Alfonso Cifuentes DISEÑO DE INTERIORES Diego Andrés Rodríguez FOTOGRAFÍA PARA MEDIOS Victor Hugo Villamizar R PUBLICIDAD Y MARKETING Jorge Sánchez M. DEPARTAMENTO DE INVESTIGACIONES Mónica Lucía Súarez UNIDAD CREATIVA Y DE COMUNICACIONES Alejandra Álvarez Restrepo EDITORA DE DISEÑO Daniela González S EDITORA DE CONTENIDO Angelica González S REVISIÓN DE ESTILO Mónica Lucía Súarez PORTADA: Paula Scher Foto: Victor Hugo Villamizar Locación: Pentagram NYC.

LO SENSIBLE

“ELLA”

Por: Angélica González

Por: Victor Hugo villamizar

En la actualidad las mujeres desempeñan un papel fundamental en el desarrollo económico y cultural en la sociedad. Para desenvolverse en sus roles diarios cuentan con una sensibilidad e intuición extraordinarias. Pero, ¿qué es sensibilidad?

Todos tenemos un lado sensible, un lado femenino desarrollado en mayor o menor medida, un don que nos permite mostrar interés, preocupación y generosidad hacia los demás; es la capacidad que tenemos los seres humanos de absorber las cosas que están a nuestro alrededor y generar nuevas ideas para actuar correctamente contribuyendo así a transformar la conciencia y el entorno. La sensibilidad nos hace ser más participativos, comenzamos a implicarnos y a tomar responsabilidad por lo que ocurre, siendo parte activa del cambio, gracias a esta cualidad se construye el sentido común y nos ayuda a ver la reali-

dad desde todos los ángulos. Un diseñador que mantenga presente su lado sensible en el diseño, propone una comunicación que trasciende lo material, creando un vínculo con el espectador y catalizando un cambio en la sociedad cuando aborda el diseño con compromiso y tiene en cuenta al otro.

En esta edición la revista Boceto “Mujer, diseño y sociedad” hace un tributo a todas estas mujeres que, gracias a su sensibilidad por el mundo, lograron conceptualizar y retratar su entorno a través del diseño generando un impacto social, mujeres que lograron ver e ir más allá de las cosas. En esta oportunidad queremos llegar al receptor atento que busca una experiencia enriquecedora a través de los puentes creados por sus sentidos, su percepción y sus vivencias e invitarlos a contemplar la sensibilidad como un don necesario en la sociedad.

LA GEOMETRÍA EN EL DISEÑO Por: Daniela González

“Detrás de cada hombre exitoso, hay una mujer”.

Que mala frase a mi parecer. No solo en el caso de un hombre, sino que este dicho representa el funcionamiento de todo el mundo. Se dice que es la máxima fortaleza y el apoyo detrás del éxito de un individuo. Hay mucha diferenciación y discriminación en nombre del género como hombres y mujeres.

Sin embargo, esta diferencia existe en la naturaleza desde tiempos inmemoriales. Una mujer presenta diversas características que son diferentes de las de un hombre, que varían de factores tales como físico, mental, biológico y reproductivo. Estos son innatos e incorporados desde el momento en que una madre concibe a una niña.

Un factor notorio podría ser psicológico. Pienso y siento que las habilidades de comunicación y la inteligencia emocional son mejores en las mujeres.

Por eso creo equivoco ese concepto, que en el diseño no haya igualdad de género. Es una industria dominada por hombres, y la mayoría de los diseñadores destacados y nombrados en artículos y libros son hombres. Sin embargo, las mujeres han desempeñado un papel igualmente importante y hasta más destacado en la configuración del diseño, tal como lo queremos reconocer en esta edición de Boceto, con la temática de “Mujer, diseño y sociedad“.

Destacamos a todas las mujeres por medio de nuestras invitadas, egresadas, maestras y estudiantes. Las cuales se han dado a conocer en este medio tan competitivo que es el diseño y el arte, aquí veremos la influencia de ellas en cada ámbito.

En nuestro tema de portada, entrevistamos a Paula Scher, socia de Pentagram, estudio de diseño ubicado en Nueva York, ella es una de las diseñadoras gráficas más conocidas del mundo, ya que ha sido un referente extraordinario en el diseño desde la década de los 70‘s.

Astrid Álvarez D‘castro, fundadora de Taller 5, hace también presencia en esta edición, nos cuenta cómo ella trajo la idea del taller en Europa, para posicionarla en Colombia y gracias a ella llevamos 42 años de labores formando diseñadores.

Andrea Echeverri, con su talento y su forma de pensar maravillosa, habla sobre lo que es el significado de la mujer para ella, y de cómo se abrió espacio en el mundo de la música. Mucho que contar sobre Ellas, porque son nuestras protagonistas, nuestras musas.

Disfruten de esta edición.

STAFF

Lo sensible remite a lo que puede ser captado mediante los sentidos y como el cerebro humano organiza las percepciones como totalidades quisimos remitirnos a las figuras geométricas. En el diseño las bases geométricas han sido el punto de partida y la estructura de muchas creaciones aportando al diseño armonía y si son utilizadas de forma consciente con ellas se puede comunicar asertivamente.

La geometría ha estado presente en nuestra historia desde tiempos inmemorables, ha proporcionado una base sólida para grandes creaciones en la historia del arte y del mismo modo nos ha otorgado las formas básicas para crear y componer a lo largo de esta edición de la revista Boceto.

Tanto el círculo como la retícula de proporción áurea se encuentran encauzando el diseño de la misma partiendo por la creación del cabezote, ya que ambas, al igual que la mujer, se relacionan con la creación y el punto de partida de las demás formas.

Angélica González

Alejandro Ángel

Daniela González

Víctor Hugo Villamizar

José Delgado

LA MAESTRA

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ASTRID

LA MAESTRA

ÁLVAREZ

ESTA PALABRA, “MAESTRA”, EN ASTRID REÚNE UNA CANTIDAD INCALCULABLE DE CUALIDADES: FORTALEZA, ENERGÍA, TESÓN; MUJER EMPRENDEDORA, SOÑADORA, VISIONARIA Y QUE NUNCA SE RINDE POR GRANDES QUE SEAN LOS OBSTÁCULOS QUE PRETENDEN INTERRUMPIR UN PROPÓSITO.

E

Por: Edgar Rivas, DECANO DISEÑO Y COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL.

stas y muchas cualidades más forjaron un sólido temperamento desde que era muy niña. Inicia estudios de Bellas Artes en la Universidad Nacional de Colombia y parte a Europa para continuar sus estudios en la Escuela de San Fernando de Madrid, en la Academia di Belle Arti de Roma y en La Grande Chumiere de Paris.

Sus dibujos, sus obras, su pintura y su color comenzaron a ser admirados y valorados por la crítica europea, principalmente francesa al comenzar a exponer su trabajo en la galería MARCEL BERNHEIM de París en 1957.

Esta exposición, fue reseñada en varios periódicos parisinos, en los que se describe su obra y a ella como una de las jóvenes artistas que con más fuerza y talento se descubre en el mundo artístico del viejo continente. En el periódico “L’Informa-

tion de noviembre de 1957 aparece lo siguiente: “… agrega a sus dones puros de pintora, una sensibilidad de artista. De lo cual resulta una gran fuerza en la composición donde la imaginación juega un gran papel.”

En la Radio y Televisión Francesa, Francisco Díaz Roceros, hizo la siguiente reseña de su obra: “… La pintura de Astrid Álvarez es muy personal. Tiene algo que no tienen las otras. Es una concepción artística que agrada primero, retiene insensiblemente y deja después un regusto a fruta lozana, a pulpa suave y fresca. La pintura de Astrid Álvarez es suave como color de flor otoñal y está dispuesta de tal modo que se subdivide en grandes manchas que mantienen una jerarquía de valores dentro de un nivel que nunca se rompe. Son colores opacos, mates, aterciopelados, en los que predominan el amarillo y el verde. Y, además, el tema de sus telas es siempre interesante…”.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

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6 También en la revista independiente, MASQUES & VISAGES, de noviembre de 1957se dice: “Cette artista de 20 ans montre deja une belle maitrise. D’ une sensibilite tres moderne,elle trouve l:originalite sans la chercher dans l´outrance ou l’insolite”.

Fotografías: Archivo particular.

Ya en Colombia, En 1960, expone en la Galería de La Inquisición de Cartagena, el crítico de arte Eric Stern del Universal, se expresó así: “la exposición, tiene una unidad de criterio estético asombroso, y en el más claro lenguaje crítico, podemos decir que sin excepción: sus cuadros son la obra de una autentica pintora realista.

Las aguatintas nos muestran una pintora diferente ..Mas suelta, más flexible, pero con el mismo exquisito buen gusto que demuestra en sus oleos. Estas aguatintas son pequeñas joyas que nosotros apreciamos infinitamente. En ocasiones hemos descubierto más a un pintor por sus dibujos que por sus oleos”.

En galerías principalmente de Bogotá, Astrid expone toda su obra. Pinturas, dibujos, aguatintas y litografías que enriquecieron los espacios que compartió con artistas contemporáneos a ella, como, Rojas y Jaramillo entre muchos otros. En la exposición de la Galería El Callejón en Junio DE 1967, el columnista del periódico bogotano El Espectador Walter Engel, escribió lo siguiente: “… estos “Nocturnos” de Astrid Álvarez tienen su misterio, resuelto en color, su poético contacto con la realidad, su nostalgia sincera y bien expresada entrañan una fina sensibilidad humana-pictórica, y señalan esa corriente cuya fuerza va en aumento y se proyecta hacia el futuro.

La abstracción relativa, la confesión de sentimientos con exclusión de lo sentimental, una pintura emocional sin falsos “Mensajes”, una pintura que es arte y a la vez vida.”

sición de El Callejón, Astrid ALVAREZ vuelve a desconcertarnos porque pone su obra bajo un signo que hasta ahora había despreciado, el signo de lo agradable, escoge la aguatinta y un rojo despreocupado y encendido para sugerir ciertas formas decorativas, con la gracia irónica de decir las cosas a medias, muy prestada de Chagall por su sentido envolvente y poético. Se limita a rozar las cosas para que nazcan del color y se complace en este sencillo nacimiento”.

Tambien en la revista Semana de Agosto de1960, la crítica de arte Marta Traba, señalaba: “En la actual expo-

En 1974, expone en la Galería Él Callejón, de Casimiro Eiger, sus dibujos, de ellos comentó Antonio Grass: “nos

La barca de Caronte 1986 Litografía

deja ver una nueva visión del mundo, distinta a su último grafismo. La figura humana su mayor preocupación, fue reducida a formas elementales, esquemáticas precisas, que únicamente indican un gesto, un movimiento, la desenvuelve en el espacio sueltamente, o le da el ademan y la acción de las figuras calcinadas de Pompeya, si no es que toman actitudes deportivas.

La línea que usa es precisa, sin acentos, de geometría orgánica”.

En el año 1983, se dedica a la Litografía, produciendo la serie que denominó “LA BARCA DE CARONTE”, inspirada, en un proceso personal, quiso rendirle

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ASTRID ES FUERZA CREADORA QUE SE VUELCA EN LA GUÍA, EN CONDUCIR, EN ACLARAR Y SACAR A FLOTE IDEAS; QUE TAL VEZ ES MÁS CRÍTICO QUE ESTAR DEDICADO A UNA OBRA PERSONAL.

homenaje íntimo, al proceso del viaje inminente de su madre al más allá. Fue expuesta en la Sala de exposiciones de Taller 5 en el 2003. De esta producción, se expresaba así, la crítica cubana Olga Maura Trapero: “De este contexto mitológico son extraídos los personajes de las obras de Astrid Álvarez, no obstante, podemos encontrarlos en otras partes, bajo otras formas. La descontextualización hecha de modo exprofeso, así como la forma de abordar lo conceptual, nos dan indicio de cierta filiación de esta artista plástica a concepciones estéticas de la postmodernidad.”

Afiche de la exposición realizada del 25 de Octubre al 7 de Noviembre de 1957 en la Galería Marcel Bernheim, donde se expusieron 16 de las mejores obras de Astrid.

Años después, Astrid ya no es la artista expositora frecuente, como lo señala Antonio Grass, artista y amigo: “… Astrid es fuerza creadora que se vuelca en la guía, en conducir, en aclarar y sacar a flote ideas; que tal vez es más crítico que estar dedicado a una obra personal”. Esta labor docente, en las Escuelas de Arte de las Universidades de los Andes y Jorge Tadeo Lozano y ser profesora y Maestra de quienes hoy en día son afamados artistas y diseñadores, la encaminó a la realización de un sueño.

Fue en los talleres en los que estudió, trabajó y enseñó, donde comenzó ese sueño de fundar un “taller” con aquella filosofía y pensamiento europeo en la que maestro y aprendiz se unen en un espacio ideal para pensar y desarrollar ideas que se harán realidad en objetos de diseño útiles a la humanidad. Sueño que años más tarde y con el apoyo de su padre el escritor, Alejandro Álvarez

Afiche de la exposición realizada del 25 de Octubre al 7 de Noviembre de 1957 en la Galería Marcel Bernheim, donde se expusieron 16 de las mejores obras de Astrid.

LA MAESTRA

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ASTRID ÁLVAREZ DE CASTRO Cartagena—Septiembre 26 de 1933 Estudios de pinturas 1951 – 52 Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional 1952 – 53 Escuela de San Fernando. Madrid España 1954 – 55 Academia de Bellas Artes de Roma.

1956 – 57 Academie de la Grande Chaumiere de París.

Exposiciones Individuales 1957.- Galeríe Marcel Bernhein – París 1958.- Galería El Callejón – Bogotá 1960.- Galería de la Inquisición – Cartagena 1960.- Galería El Callejón---Bogotá 1963. – Galería de Arte El Automático – Bogotá 1967.- Galería de Arte El Callejón. Bogotá 1974.- Galería de Arte El Callejón. Bogotá 1977.- 40 mujeres Artistas – Museo de Arte Contemporáneo 1977.-VII Salón de Artistas Contemporáneos Colombianos.

Medellín 1977.- Autorretratos - Museo de Arte Contemporáneo – Bogotá.

2003.- Sala de Exposiciones. Taller 5 Centro de DiseñoLitografias

Exposiciones colectivas

Fotografía: Archivo personal

EL SUEÑO HECHO REALIDAD DE NUESTRA MAESTRA ASTRID, TAMBIÉN PERMITIÓ REALIZAR EL SUEÑO DE MILES DE JÓVENES, QUIENES HOY SON EXITOSOS DISEÑADORES, FOTÓGRAFOS Y PUBLICISTAS.

Revuelta se hace realidad. En Agosto del año 1975 nace Taller Cinco Centro de Diseño.

Durante los primeros pasos de Taller Cinco, muchas batallas libró en compañía de su hermano Alejandro para que fueran reconocidos los primeros programas académicos que en ese tiempo no se consideraban como verdaderas profesiones. Podría decirse, que por ese entonces, el país no estaba preparado para entender que el Diseño y sus afines, fueran disciplinas fundamentales para el bienestar del ser humano y el desarrollo de un país; mucho menos, estarían preparados quienes regían la educación colombiana para entender que una universidad, se dedicara únicamente al diseño y las expresiones artísticas. Finalmente, hoy en día ya se reconocen estas profesiones, gracias a la perseverancia, el tesón, la fuerza y sobre todo la visión futurista de quienes fundaron nuestra Institución.

El sueño hecho realidad de nuestra Maestra Astrid, también permitió realizar el sueño de miles de jó-

Violencia 1962 Óleo sobre lienzo

venes, quienes hoy son exitosos diseñadores, fotógrafos y publicistas. Algunos de ellos han traspasado fronteras y creciendo profesionalmente gracias a las bases que construyeron en el Taller Cinco. Esa es su felicidad, ver que quienes han estudiado aquí, son personas excelentes en todo sentido y esa excelencia edificada en el Taller, responde a ese Cinco. El número que identifica la excelencia, de ahí su nombre.

Me atrevo a decir y con base en aquello que la misma Astrid nos dice: más que su arte, sus dibujos y pintura, Taller Cinco es su máxima obra, a quien le ha dedicado con desvelo al frente de la vice rectoría académica, toda su vida para verlo cada día más sólido, más fuerte y más grande; igual que todas aquellas cualidades que a Astrid la identifican.

1959.- Pequeño Salón de Arte Moderno. El Callejón – Bogotá.

1959.- Salón de Pintoras Colombianas. Universidad de América.

1959.- XII Salón de Artistas Colombianos. Museo Nacional.

1961.- 13 Pintores Jóvenes. Centro de Estudios Colombianos 1961.- Tres Pintores Jóvenes.

Universidad Externado de Colombia.

1961.- XIII Salón de Artistas Colombianos. Museo Nacional 1963.-El siglo XX y la pintura en Colombia. Museo Nacional.

1963.- Colectiva de profesores de los Andes y de la Universidad, Jorge Tadeo Lozano.

1968.- 80 Años en Bellas Artes .Universidad Nacional de Colombia 1971.- Selección Plástica. Galería Arte Moderno Bogotá.

1987.- Mini Print Internacional de Cadaques 1987.- The 13 Internacional Independante Exhibition.

Kanacawa

Actividad docente 1953.- Profesora de Dibujo en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional.

1959. Profesora en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes.

1963.-Profesora en la Escuela de Arte de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

1975.- Cofundadora CORPORACIÓN UNIVERSITARIA TALLER 5 CENTRO DE DISEÑ0 BOGOTÁ-COLOMBIA De la cual, fue Vicerrectora Académica hasta el año 2014 en la actualidad es presidenta del Concejo de Fundadores.

BIBLIOGRAFÍA Diccionario de Artistas en Colombia Carmen Ortega Ricaurte 1965.

Quién es Quién en Colombia, Oliverio Perry 1962.

Osvaldo Vicente. Enciclopedia del Arte en América Tomo III –Bibliográfica Omega, Buenos Aires Argentina 1968 Ilustraciones para el libro ´MADRE MIA AMERICA ´de Alejandro ALVAREZ Revuelta premio ANDIGRAF ---1997

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EN PRIVADO

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MUJER CONTESTATARIA

utópica: Cambiar al mundo, sin darse cuenta que no se cambia al mundo, se cambia a quién se es.

Tal vez lo que me lleva hoy a este relato no es más que la necesidad de reconocer lo importante de mi diferencia, esos monstruos no me dejan dormir, ni siquiera cuando sé que he hecho bien mi trabajo.

A TRAVÉS DEL ARTE

Ser artista muchas veces significa convivir con fantasmas que entran en la mente y pocas veces se despiden, la academia ha sido eso, un fofo fantasma que me persigue en los sueños de la noche y que se convierte en abismos a los que caes asustada en los sueños de día, un fantasma que me llama a penetrarlo para ver si algún día puedo entenderlo. Hallar un momento que me dé la tranquilidad de no seguir sujeta al vacío, a la levedad de mi propio aliento, al peso de mis palabras, de las palabras de otros, al desgarre de nuestras acciones, de mis acciones. La debilidad misma me toma por sorpresa a diario, al subir las escaleras, al atravesar las calles con carros que, impacientes, buscan aplastar mi humanidad, en esa debilidad me encuentro, yo mujer, desprovista de toda divinidad, enfrentada a la abrumadora realidad, sofocada por el peso de mi propia conciencia. Todos los días después de sentir el peso de mi cuerpo, trato de hacer un alto, parar, y ver ¿qué no estoy haciendo bien?, en donde se ubica mi imposibilidad de entender las lógicas de un mundo que se presenta ante mi abstracto y en muchas ocasiones perturbador, emprendo una tarea creativa que me invita a pensar sobre lo no pensado, a crear sobre lo muerto, a sentir sobre lo oprimido, a amar sobre lo odiado, a entender sobre lo no entendido, a abrazar sobre lo violentado.

DIARIO ÍNTIMO DE UNA ARTISTA Por: Cristina Ayala Arteaga, DOCENTE INVESTIGADORA.

¿

Algunas mañanas en las que la realidad pesa más que un cubo de vidrio macizo, los ojos se cierran y el pecho duele, esos pies que agarran aliento y salen corriendo a encontrarse con un salón de clases o la hoja vacía, la libreta nueva, la tela recién imprimada, el ordenador en blanco. La gran mayoría de veces no encuentra respuesta. Todos, yo a veces (solo a veces), después de la apesadumbrada realidad, sigo

quieta, inquieta, y los días siguen pasando. Camino hacía una banca y me siento para tomar un pequeño respiro mientras a través de mis ojos verdes tan oscuros como las olivas se pierden en un recuerdo. –La pregunta sigue estando allí- ¿Cuál pregunta? Todas las que atormentan a diario cuando, siendo artista, se decide empuñar el lápiz y el marcador de tablero para iniciar una labor en comenzó ingenua,

Ilustración: Alejandro Ángel Quinche

Qué puedo escribir sobre mí? tal vez acudir a la siempre amiga metáfora para explicar la complejidad que yace en levantarse en las mañanas con la cabeza vacía y los pies llenos de sensaciones, ellas queman. Pensar en las palabras, mientras te encuentras frente a un espejo luchando con una maraña de pelo, esa horripilante masa amorfa se mueve evitando la peinilla, mojarse el cuerpo, vestirse, comer en medio del afán y correr. Encontrar la valentía para lanzarse a la lluvia, saltando los charcos de agua lodosa; mis pasos algunas veces inseguros y otras veces tímidos, -risas-, tal vez aletargados, siguen huellas borrosas.

He visto los cielos negros, tan negros como la tierra, llorar frente a la ventana de mi bus, he visto las calles agrietarse buscando un grito, he caminando sobre alientos consumidos, me he cegado ante el dolor que toca mi mano, he omitido el temblor de la carne tendida sobre el cemento gris más gris cuando se ve un pantalla de esas grandes de ahora a full color, de esas que colgadas sobre una pared me recuerdan las moscas de la casa de mi abuela muertas después de una noche de chancleta, manchas negras, casi pecas sobre el muro blanco, recortados rostros de pequeños insectos gritando sobre el dolor de su propia existencia.

sido calladas, a las que con un beso han sido matadas. Las que quedan, todas nosotras; asistan a las universidades, sean revolucionarias, háganse maestras, doctoras, ejecutivas, activistas, artistas… Escriban, canten, bailen, pinten, cuenten, organicen, sumen, inventen, construyan, hagan proyectos, dense tiempo para soñar, para olvidar, para llorar, estén allí con sus nombres en los anaqueles de los libros, en google, en las dedicatorias. No se permitan estar ausentes de las citas, de las notas a pie de página, de los registros de las patentes, de las bibliografías. Permítanse amarse, permítanse unirse, permítanse entenderse, permítanse abrirse, permítanse decir no, permítanse no estar de acuerdo, permítanse discutir, permítanse decir lo que piensan, permítanse tener voz, permítanse no ser calladas, permítanse…. A todas, las madres, las que no quieren ser madres, las que son madres de hijos abandonados por la guerra, de las que son madres de proyectos o de procesos, las alumnas, mis alumnas, las maestras, las bailarinas, las brujas, las secretarias, las doctoras, las que hacen ponencias, las que escriben discursos, las que cantan poemas, las que leen palabras, las que cantan mientras se bañan, las que ganan premios, las que escriben libros, las que leen los libros, las que lloran, las que ríen, las que sufren, las que son felices, las que gritan, las que callan. No permitan que les digan cómo cantar, cómo gozar, cómo ser mujer, cómo parecer mujer, cómo ser adecuada, cómo ser buena maestra, cómo ser buena esposa, cómo ser esposa, cómo ser humana, cómo ser profesional, cómo ser madre, cómo ser una ciudadana, cómo ser uno más. Pero siempre recuerden todas que el amor y la vida no son la misma cosa.

Son las 10 de la noche, el día para mi va acabando, retomo los pasos pesados y la rodilla, flaqueante, de vuelta a mi hogar, cruje cantando una canción, así se convierte el dolor en una agonía soportable, llego a casa, abro la puerta mientras mi perro trébol retumba a ladridos mis oídos, lo acaricio, abro la puerta de Sara y le mando un beso que se posa en sus almohadas.

•“Dulces sueños pedazo de mi dolor” Me quito la ropa, que huele a Bogotá, y me duermo.

A todas las que son como yo, mujeres, a las que han sido silenciadas, a las que a punta de amor han 13

EL DISEÑO

ES PODER, ES PURA

MAGIA “EL QUE TIENE LA HABILIDAD DE DISEÑAR TIENE EL PODER EN SUS MANOS PORQUE ES TRAER DE ALGO QUE ES COMPLETAMENTE EFÍMERO A ALGO REAL Y TANGIBLE. A MI ME PARECE PODEROSA LA GENTE QUE DICE: YO DISEÑO.” Por: Angélica González, EDITORA.

Fotografías: Víctor Hugo Villamizar

LA EMPRESARIA

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C

amila Gómez es hija de papá santandereano y mamá barranquillera. Mamá, esposa, empresaria. “Soy una mujer del común que disfruta de lo que hace todos los días, soy afortunada”.

que quieres es crear objetos inolvidables, crear cosas que perduren en el tiempo y que se entiendan con las que tú tienes en tu historia y no reemplazar. Nosotros vamos muy de la mano con la historia de tus objetos, queremos que la vajilla combine con la de tu abuela, lo que queremos es perdurar en la historia y no volvernos un objeto de colección que pasó y luego se regale. Ese es mi aporte es la disciplina del material y es la belleza de entender que los objetos son historia y no son desechables”. Expresa Camila.

Camila, es una empresaria apasionada por su trabajo a la que le inspira todo: La moda, la comida, lo que le pasa al mundo todos los días, “soy como una maquinita de fotos que captura imágenes todo el día para luego traerlas a mis platos, a mi la vida misma me inspira”

Dejar fluir Dejar fluir es lo más importante. En palabras técnicas esto es un negocio, pero para Camila es una pasión increíble. Su casa toda la vida estuvo rodeada de comida, su padre era un comensal increíble, un anfitrión poderosísimo, todo fluía alrededor de las buenas experiencias alrededor de la mesa, entonces para ella lo más importante es entender esa pasión que sus clientes tienen por la comida y dejarse fluir con ellos, entender su universo, porque el propósito de Tybso es codiseñar experiencias únicas y no vender una línea ya producida, cada cliente es un universo diferente, entonces: “si yo no me suelto y paso rico con ellos, y no entiendo cómo son, qué les gusta, como fluyen.. A ellos les pueden gustar los cubios y a mí no, pero si eso es lo que a ellos les encanta cocinar, yo tengo que encontrarles el plato ideal”, comenta.

Tybso es sin dudas un lugar mágico, en cuanto llegas quieres detallar cada vajilla, cada diseño, es un lugar lleno de creación. No hay una vajilla igual a otra. Cada pieza tiene una historia, un concepto, un cliente con sueños, gustos, ambiciones, necesidades y gustos diferentes. Nace por la necesidad de hacer la vajilla de la finca, su mamá siempre ha sido muy manual, es hija de artistas, ella dijo que quería pintar su propia vajilla.

Así, encontró un lugar en Bogotá, llamado Cerámicas del Norte, donde le dijeron que puede pintar, pero sobre lo que ya está hecho; es decir, no podía elaborar la vajilla o modificarla. Paralelo a esto, una tía de su madre que estaba en Barranquilla, la cual hace esculturas en concreto, le dijo a “le voy a enviar un horno eléctrico que no voy a usar más para que juegue”.

El padre de Camila, quien fue empresario toda la vida, le dijo, “para que juegue no, para que hagamos posible este sueño para otros”. Su padre era químico, de formulaciones impecables y su mamá muy manual; los dos tomaron clases con una profesora de los Andes y con el horno eléctrico, que convierten más tarde a gas, de esa manera arrancan a hacer pruebas.

Su papá trabajaba en esa época en una empresa importadora de licores, se utilizaban mucho unas jarras de cerámica para el agua del Whisky, en ese entonces traerlas de Londres salía muy costoso, entonces el papá dijo, “yo les puedo hacer las jarras”. ¡Eran mil jarras! en un horno con menos de un metro cúbico y le llegó a su mamá con la noticia del pedido para menos de dos meses. Los primeros clientes fueron Harry Sasson y la Pescadería Jaramillo, grandes amigos de la casa, y así es como nace Tybso. En la actualidad, tiene representantes en Suiza, Madrid, USA y Guatemala. Promesas de compra en Panamá.

Hablar del significado de Tybso, nace de una palabra Chibcha, que quiere decir barro de oyeros, es el oficio del alfarero. “Los que trabajamos el barro somos alfareros y necesitamos producir la oyita, a Tybso lo identifica la salamandra, que se regenera a partir del agua y el barro y puede volver a producir cualquier parte de su cuerpo, por eso nuestro logo” Comenta Camila.

A camila la inspira todo: La moda, la comida, lo que le pasa al mundo todos los días, la vida misma!

Es como ella dice: una maquinita de fotos que captura imágenes todo el día para luego traerlas a sus creaciones.

De su paso por la empresa, comenta que es restauradora de arte y lo que más se trabaja en restauración es conservar y preservar los materiales. Para ella, es entender “desde la médula” todos los materiales. La química que hay detrás de la madera, de los textiles, de la cerámica, de los murales. “Entonces empiezas a percibir el mundo con una química mágica increíble y entender que lo

El vaciado de piezas en moldes se hace a mano para cuidar cada detalle.

Convertida ahora en una empresaria exitosa, cuenta lo que se necesita para lograrlo: disciplina y trabajo en equipo “Esto empezó con tres personas, cuando yo llegué hace diecinueve años éramos ocho, en esa época se despachaba, se esmaltaba, se facturaba, se hacía de todo. Conocer la vena de lo que se hace es fundamental” a lo que añade “Yo creo que hay que saber ser empleado, hay que saber trabajar en equipo, ser respetuoso y aprender que tú solo no lo puedes hacer, pero ante todo se necesita de la disciplina”.

El proceso creativo en Tybso Es como una terapia, todos hacen un styling no de ropa, sino de vajillas, hacen una terapia de grupo increíble porque aquí el cliente exorciza absolutamente todo lo que sucede en su entorno, ya sea del restaurante o de su familia: qué comen, cómo comen, quiénes comen, qué viven y como lo viven, si es gótico, tropical, kitch. Tybso empieza a buscar esas piezas que más fluyen con él, son 1600 referencias; “entonces lo primero que se hace es soltarse, es volverse mejores amigos, es entenderse, porque una compra puede ser un plato, una vajilla o todo el restaurante, pero en algún momento vas a tener que reponer, y a mí me interesa siempre que vuelvas, entonces yo ne17

LA EMPRESARIA

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Camila tiene la creencia de que la forma en la que nos sentimos afecta nuestras creaciones.

cesito crear un vínculo afectivo donde yo te entienda perfectamente y fluyamos tú y yo de una manera única, mis citas son terapias, donde encontramos esos universos perfectos de vajillas y empezamos primero forma y luego color, como si escogieras primero la tela y luego el diseño”. Afirma.

La creación y el recuerdo Camila trae a su memoria la referencia de Tropicalia fue creada a principio de este año, la inspiró en su mamá, fue un tributo a ella, su madre viene del Caribe

lleno de flores, Camila creció en una casa de los años 50’s con un jardín de bambús en la mitad, Tropicalia le habla mucho a las flores a los dibujos sueltos a los colores vivos, como a esa naturaleza en la que creció su mamá y en la que ella se formó, “A mí me viene esa vena por mis abuelos, por esa línea materna que esta muy marcada en mi vida todos los días. Para mí, es una colección muy consentida porque además yo le entrego a mi mamá los platos y ella se inspira y pinta papagayos, al otro día bananos, al otro día

La madre de Camila trabaja en el taller.

tenemos que ir a la función de nuestros hijos y regresar a trabajar lo hacemos, somos muy fuertes y ahora se está viendo mucho más, y como el mundo está cambiando esos roles se están equilibrando”.

Complementa: “En la época de mi abuelita tú estabas en tu casa y creabas esas cosas maravillosas, pero el proveedor era el hombre, y ahora hay hombres a los que no les gusta ser el proveedor, hay unos que son increíbles en su casa” afirma. Ella siente que la mujer ahora tiene mucha más libertad, pero siempre ha estado empoderada, cree que en todo lo que ha pasado siempre hay una mujer detrás apoyando y haciendo que suceda, para todo hay un tiempo, y ya les está llegando, “es el momento de sacarla del estadio y demostrar que sí se puede”, comenta en sus palabras.

El papel de la mujer en el diseño, el arte y la sociedad

Hay mujeres poderosas y talentosas, que la inspira todos los días, para ella las mujeres tienen una vena de creación poderosa, piensa que en Colombia hay mujeres talentosísimas. “Para poder crear tengo que ser muy emocional, siempre estoy a flor de piel, sintiendo todo lo que me pasa para poder diseñar y entender a la gente. En Tybso somos familia y la familia es eso, pura emoción” expresa.

Ella siente que la mujer siempre ha estado, lo que pasa es que les tocó una época muy dura, estaban en el ‘back’, sentadas atrás, “Pero nosotras somos amas de casa, madres, parimos, creamos, crecemos, somos figuras en nuestros hogares y somos unas verracas, si nos duele seguimos adelante, si

Ella tiene un recuerdo muy bonito de Taller 5, ya que su tía por parte de su madre, fue la directora de Alta Costura; Margarita Esguerra. Camila comenta que esa época fue maravillosa y de gran inspiración para lo que ella hace desde su punto de vista en Tybso. Se

pelícanos, entonces es ver esas pinceladas de ella que son obras de arte únicas. El cliente que se lleva esas vajillas tiene tesoros en vida, porque son creaciones únicas, eso es ella todos los días pintando y creando”. Comenta.

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20 acuerda de ver muchas telas y mucha creación. “Si yo pudiera echar para atrás la película y escoger un lugar donde estudiar seguro sería Taller 5, porque me parece que es un nicho increíble de gente súper cool creando y apostándole a hacer las cosas bien. Lo que ustedes tienen es un espacio súper poderoso de historia y de creación, con buenos diseñadores, es una gran Institución que si cree en el diseño” argumenta.

Luego de culminar la entrevista con una sonrisa, Camila invita al equipo de Boceto a conocer Tybso, contando la historia de la creación de cada vajilla, presentándonos a cada uno de sus trabajadores; en su cara se le ve el orgullo al hablar de cada uno de ellos, —son su familia—Tybso es un lugar de culto a la creación, al diseño, al detalle, pero el sinónimo más importante, es el amor por hacer las cosas muy bien.

Por: Víctor Hugo Villamizar, DIRECTOR BOCETO

EL DISEÑO DEBE SER SOLEMNE,

MÁS ALLÁ DE LO SERIO” EL 27 DE SEPTIEMBRE DEL 2017, A LAS 9 A.M. TUVO LUGAR LA CITA CON PAULA SCHER: LA DISEÑADORA GRÁFICA QUE MÁS ADMIRO DESDE QUE TENGO USO DE RAZÓN EN MATERIA DE DISEÑO, Y LA QUE ME HIZO AMAR ESTA CARRERA. EL LUGAR PARA DICHA ENTREVISTA FUE EN LAS INSTALACIONES DE PENTAGRAM EN NUEVA YORK, UNA FIRMA DE DISEÑO INDEPENDIENTE DE RENOMBRE MUNDIAL, EN LA CUAL ELLA ES SOCIA.

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En palabras de Paula Scher, ¿quién es Paula Scher?

Soy una persona que creció en los suburbios, que luego se mudó a la ciudad de Nueva York y se convirtió en diseñadora, esa soy yo en pocas palabras. ¿Qué significa el diseño para ti?

Bueno, el diseño, si tú lo tomas directamente del diccionario, es el arte de planear y eso es lo que significa para mí. No es solo hacer que algo luzca bien, sino la idea de pensar en las posibilidades de hacer ese algo.

Lo que hago realmente es planear.

n medio de los nervios y la emoción, se hizo realidad uno de mis grandes sueños y es el de tener a quien más admiras frente a ti, una leyenda viviente del manejo tipográfico y del branding.

Ella hace su entrada y me presento, le entrego dos ejemplares de nuestra revista Boceto y una libra de café de una marca conocida, ella me pregunta: ¿What can I do for you? (¿Qué puedo hacer por ti?) a lo cual respondí, know a little more about you (conocer un poco más de ti). Ya más tranquilo, fluye la conversación y las fotos con esta gran diseñadora gráfica.

Y es que hablar de Paula Scher es hablar de una de las más reconocidas diseñadoras en el manejo tipográfico.

Adicional, es diseñadora gráfica, pintora, educadora y escritora. Nació en Washington D.C. y cuenta con una Licenciatura en Bellas Artes de la Tyler School of Art y un Doctorado en Bellas Artes Honoris Causa de la Corcoran College of Art and Design. Después de graduarse, se mudó a Nueva York y comenzó su carrera de diseño. En principio, trabajó por un corto tiempo para Random House y posteriormente en CBS Records y Atlantic Records por un espacio de 10 años, haciendo las carátulas de los discos de la época.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

Luego, trabajó de forma independiente durante 5 años, centrándose en escribir sobre su trabajo. Después, se unió a su compañero de clase Terry Koppel y cofundó Koppel y Scher. Su trabajo en Koppel y Scher ayudó a consolidar su nombre en el mundo del diseño.

Una vez que esta asociación terminó en 1991, se convirtió en socia de Pentagram. Ella ha estado trabajando con ellos desde entonces, y es la primera directora femenina en Pentagram, así como la primera mujer en ser socia de la firma. Scher ha diseñado una gran cantidad de logotipos que ya son íconos del diseño y ha recibido muchos galardones, por nombrar algunos se encuentran: Salón de la Fama del Club de Directores de Arte 1998; Premio

Chrysler a la Innovación en Diseño 2000; Medalla AIGA 2001; Premio Nacional de Diseño (Cooper Hewitt Smithsonian) 2013; Premio Master Series de la Escuela de Artes Visuales de Make It Bigger 2002, entre otros.

Paula trabajó para Random House, CBS Records y luego por un espacio de 10 años en Atlantic Records

Paula se destacó en sus inicios por hacer un interesante juego tipográfico en las carátulas de los discos de la época.

A lo largo de su vida profesional, ha desarrollado identidades corporativas para diversos clientes tales como: The New York Times Magazine, Perry Ellis, Bloomberg, Target, The New School Parsons, Citibank, Jazz at Lincoln Center, la Orquesta Sinfónica de Detroit, New Jersey Performing Arts Center, New 42nd Street, el Jardín Botánico de Nueva York y The Daily Show con Jon Stewart, entre otros.

Estas son sus apreciaciones.

¿Cómo te convertiste en diseñadora Gráfica?

En una forma loca. Yo no sabía que había una profesión llamada Diseño Gráfico. Fuí a la universidad para convertirme en pintora, era terrible por aquella época, entonces tomé un curso diferente; llamado Diseño Gráfico que consistía en idear y solucionar problemas, crear significado y esto tuvo un gran impacto en mí. Me mudé a la ciudad de Nueva York para ser diseñadora; me enamoré de la profesión. Originalmente como directora de arte y luego mucho más hacia el diseño. Tenía control total de las cosas, mucho más que produciendo arte. ¿Qué nos puedes contar sobre el Diseño tipográfico?

Bueno, fui diseñadora de carátulas de discos para CBS Records. En mi carrera hice muchas carátulas de discos, solía comprar ilustraciones y fotografías y añadirle tipografía a las portadas, lo que era parte de mi trabajo, pero me volví buena en eso y en cierto punto, mi interés creció y todo esto pasó al mismo tiempo que la industria de las grabaciones cayó en un período de inestabilidad economica; entonces, empecé a diseñar muchas más portadas tipográficas, porque eran más baratas y se volvió mi vocabulario.

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puedo generalizar, lo que es un poco difícil, ya que son diferentes fuentes y formas de creación. Pienso que una buena pieza de diseño nunca es derrochadora; si es de identidad gráfica, es reconocible y si esta hace sonreír a la gente o tener algún sentimiento o educarse de alguna manera, es aún mejor.

El logo de Citibank es perfecto, ¿cómo lograste esta pieza?

Fue la primera idea que vino a mi cabeza. Me refiero a que diseñé lo que imaginé, y lo digo en serio. A veces hago muchos diseños en mi trabajo, pienso que vinieron muchas ideas para el logo, y eso depende de cómo tú trabajas en algo. Es decir, no siempre la mejor idea es la primera; pero a mi me ha funcionado, tengo muchos diseños creados de esa primera idea, me pasa muy a menudo que cuando estoy creando son mi mejor idea, porque en verdad lo son.

¿Cómo ves el diseño hoy?

Pienso que el diseño actual es genial, ya que las posibilidades para crear son inmensas en relación a todas las herramientas que te brindan, me siento muy libre en mi posición, porque como diseñadora de identidad corporativa realmente toca crear y estar pensando en todo: trabajando con el 3D y la multimedia y, ya sabes, para hablar de medios digitales o para ser un diseñador, sabes y entiendes de todo un poco y eso es fantástico. Creo que el futuro diseñador gráfico tiene que ser ambiental, esta tendendia comenzó hace 15 años, y vino para quedarse, el diseño sostenible es muy importante hoy día para todos, porque probablemente es la cura para todo lo que está ocuriendo en la actualidad. ¿Cómo visualizas una buena pieza de diseño?

Bueno, eso realmente depende del problema al que me enfrento, es decir, no

PIENSO QUE UNA BUENA PIEZA DE DISEÑO NUNCA ES DERROCHADORA ; SI ES DE IDENTIDAD GRÁFICA, ES RECONOCIBLE.

El logo del CitiBank fue el resultado de la unión entre Citicorp y Travelers Group, los fusioné por medio de un diseño que los conectara, observé que la parte inferior de la “t” minúscula tenía una pequeña curva, así que hice un arco en la parte superior y obtuve un paraguas, era bueno, estaba abstrayendo, no era el logotipo de los de Travelers Group y, por lo tanto, Citibank podría adoptarlo. Ahora que ya están fusionados, y que eran dos compañías totalmente diferentes, ya no importa, porque nadie sabía cómo comunicar las dos compañías por medio de un nombre. Era lo pirmero que se tenía que hacer, todos discutíamos sobre puntos diferentes, después todo fluyó, y se entendió que es el arcoiris, que es la protección, que es todo en una palabra. Por este motivo, siento me volví más inteligente para alguien que está cerrado a las ideas. Ahora el logo tiene 20 años, y eso demuestra que pudo perdurar. Y en efecto, no ha cambiado en todo este tiempo y la gente lo puede recordar con gran facilidad.

Carátula del disco de jazz One-on-One diseñada por Paula Scher en 1979.

Dos décadas son un largo tiempo para un logo, me gusta como se ve, pero pienso que solo cambiaría la tipografía, creo que es muy pesada para el concepto de hoy. Los diseñadores cambiamos mucho, las cosas cambian, es como un vestido al que debes bajarle el dobladillo, cambia este detalle pero sigue siendo el mismo vestido. ¿Piensas que los diseñadores gráficos de hoy son facilistas?

No, no pienso eso.

Creo que los diseñadores gráficos están confundidos sobre su rol y pienso que hay mucha confusión entre el diseñador de experiencia de usuario y el diseñador gráfico. Cada uno tiene diferentes acciones, el objetivo del diseñador de experiencia del usuario es realmente establecer una ruta para que las personas tomen decisiones sobre cómo operar algo. Se supone que un diseñador gráfico crea una impresión o una emoción para hacer algo reconocible, este es un proceso muy diferente. Así que, cuando los diseñadores de experiencia de usuario intentan convertirse en diseñadores gráficos, son terribles y cuando los diseñadores gráficos hacen su propio diseño en experiencia de usuario, el resultado es desastroso.

Fotografías: Archivo

La mayoría de ellos deben ser muy buenos, pero tienen que entender que son dos discursos muy diferentes.

Es decir, no pienso que los diseñadores son más rápidos ahora de lo que solían ser, es probablemente la misma proporción de diseñadores buenos o malos quien determina esto. Lo que sí se entiende es que hay un grupo en el medio, ellos son los que tienden a seguir, copiar o intentar hacer diseño, y esto es un gra-

ve error, porque sabes que no hay concepto propio. Es fácil hacer lo que todo el mundo hace, ¿pero realmente esto sí es bueno? Hay que marcar diferencias, por este motivo es que existen líderes y seguidores, así es como funciona el sistema y en diseño pasa igual.

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28 ¿Qué piensas de la nueva generación de diseñadores?

Bueno, creo que es fabulosa esta generación. Soy maestra, tengo estudiantes competitivos y pienso que ahora mismo ellos están en la mejor posición que podrían estar, porque me doy cuenta que son creativos en cada pieza que realizan, cada habilidad con la que cuentan para manejar la tecnología, ellos pueden programar, pueden animar, pueden retocar, mostrar cosas en 3D, así que no están limitados por el equipo. Lo que sea que piensen, lo pueden hacer. Es una gran época para ser diseñadores.

El diseño serio realmente apunta a la expectativa. Es difícil ponerse serio, a veces lleva mucho tiempo serlo. Creo que solo he sido seria cinco veces en todos estos años, porque tienes que ponerte serio, tienes que estar en ese estado pero no puedes hablar en serio. No se trata de profesionalismo, el profesionalismo es solemne, la seriedad implica volver a ser un neófito, ser un ‘mocoso’. Encuentro que a los diseñadores más jóvenes les resulta mucho más fácil ser serios que a los diseñadores con experiencia, porque pueden cometer errores fácilmente, porque no saben nada, solo hacen avances porque creen romper todas las barreras, porque no tienen suficiente miedo, ni el conocimiento para ser solemnes, falta más investigación en los jóvenes, todo lo quieren fácil, solo se quedan con lo que ven en sus clases en la universidad, no van a bibliotecas, no saben para qué son ni cómo funcionan, su celular lo es todo; no generalizo, pero sí hay un buen porcentaje de estos diseñadores.

¿El diseño es una profesión seria?

Sí, pienso que el diseño es una profesion seria.

Y es en la forma que le des a tu trabajo, me refiero siempre pensar en que lo que puede pasar después de una creación, que puede ser estupenda o por el contrario, puede fallar. Siempre hay que ponerle la seriedad a cada trabajo, porque esa puede ser la última posibilidad de que realmente quieras explorar cosas, incluso si has fallado en el pasado. El diseño debe ser solemne, ser creativo y de fácil entendimiento.

Un diseño solemne tomará cosas muy existenciales y las usará, es decir, usualmente soy una diseñadora solemne, es difícil ser serio. Es mucho más fácil ser solemne. Porque tomas cosas muy existenciales y sabes cómo aplicarlas apropiadamente a las diferentes situacio-

Fotografías: Archivo personal

¿Por qué no te gusta la tipografía Helvética?

La odio. Es una broma, cuando estaba en la escuela de diseño todos pensaba en el diseño como un método suizo y en el sistema de grillas de la Helvética.

Y yo de hecho no lo relacionaba con eso porque yo era mucho más que una diseñadora. Cuando empecé a trabajar, no podía verme a mí misma pensando en Helvética. Mi idea sobre ella es que solo lucía como una tipografía y nunca la utilicé en mis diseños. Yo solía dibujar la tipografía y tenía un profesor que me enseñó cómo ilustrarla, así es como me volví diseñadora tipográfica, luego empecé a experimentar con la forma.

Con la Helvética si experimentas con su forma sería un desastre, es decir, puedes darle espacios, jugar con ella supongo, pero solo luce como ella misma, es la razón de odiarla en ese entonces (risas). No me siento así ahora, era una especie de código de cómo lucían las cosas. Cuando estaba en la universidad, en mi último año, ese era el lenguaje de los logos corporativos.

Todos estaban hechos en Helvética, todos tenían sistemas muy claros, estaban diseñados por europeos. Pensaba que esas corporaciones respondían más a un ADN, así que encontré que este era el lenguaje del poder corporativo, como si se estuvieran escondiendo detrás; detrás de esta agradable, limpia,

nes para obtener un buen resultado. Pero el diseño serio no hace eso.

pero fácil tipografía. En ese entonces yo era una diseñadora joven, que sentía y caminaba en una cultura ya preestablecida, con ciertas costumbres que tenían ya un significado. Era feliz, me gustaban las cosas que lucían como papeles enrollados en zig zag y sentía que había más posturas en San Francisco, cosas que venían de la música de las calles, esas cosas eran inspiradoras, no este diseño corporativo, pensaba que cualquiera podía hacerlo, me parecía perezoso y muy facilista.

Paula Scher creó la nueva identidad de New School enpara Nueva la cual usa 2016-17.

PosterThe War/Love, creado TheYork, Public Theater tipografías con varios pesos.

No es envejecer, la realidad es que sabes lo que funciona y lo que no funciona, tú puedes formarte cada día, consciente de que eres un diseñador más eficaz para el cliente, porque puedes llegar a una solución apropiada mucho más rápido y ser astuto para saber cómo ayudarlos a resolver sus problemas de imagen y concepto, esto es lo que te hace un buen diseñador. Los diseñadores serios tienen que ponerse de cabeza para hacer un gran avance y cambiar rápido si quieren ser buenos. ¿Rompes las reglas cuando diseñas?

Lo hago cuando puedo, ya no tengo tantos errores como los solía tener porque soy muy profesional. La cosa es que esos errores son los que hacen grandes avances. Por poner un ejemplo: una vez hice un diseño de concepto medio ambiental, diseñé muchas cosas realmente estúpidas, que se suponía no debía hacer, pero los hice. Me pregunté el porqué de ese diseño, ahora sé la respuesta y es por no haber investigado, ese detalle me hizo sentir mal por ese diseño. Pero eso ya es del pasado.

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Fotografías: Archivo personal

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¿El diseño tiene preferencias?

Dios, ¡no lo creo! Quiero decir, creo que el diseño puede resolver problemas específicos en lugares urbanos o en lugares rurales. Yo fuí comisionada de la ciudad, doy prueba de que en algunas partes de Nueva York las líneas altas tienen un significado muy importante, sé que la gente lo aprecia.

Creo que los espacios públicos pueden ser mejores, si quieres hablar con un diseño político, ciertas cosas motivan a las personas a una causa, por eso siguen a un candidato en época de elecciones. Creo que la comunidad del diseño realmente falla en pensar que la población que proviene de abajo hace un mejor trabajo, esto me parece artificial y nada real. Es como si trataras de controlar a la población y esta población estuviera creando un movimiento. Los movimientos clasistas son rutas de pasto, es mejor que estos movimientos provengan de grupos de profesionales, que no les digan “aquí deben hacer, aquí tienen una herramienta, ahora vayan y protesten” esto no se puede, ni se debe hacer, es una locura. El diseño debe ser incluyente. ¿Qué piensas del rol de las mujeres en el diseño?

Las mujeres son excelentes diseñadoras, ¡son fabulosas!

Podrías mandar un saludo a la comunidad de diseño colombiana ¡Hola diseñadores! Pero más que un saludo quiero expresarles que todo el mundo debería practicar, todos deberían hacer maravillas; de esa manera el nivel del diseño mejorará en cada generación.

Esto es tan interesante y me pone a pensar, acabo de construir una casa, la construimos con nuevos sistemas y una novedosa infraestructura, es realmente increíble para mí en términos de cuánto ha avanzado el diseño; no hablo del diseño del producto, sino de los elementos que lo conforman, ver cómo las cosas se complementan. Si miran mi vieja casa, dirán cuán locas están todas estas cosas, te das cuenta de que algo puede elevar todo y que cada cosa pequeña mejoró, cada artilugio, cada válvula, cada mango de la válvula, todo puede ser y es diseño.

Mi antigua casa fue construida hace cien años y ha sido reparada, se han reemplazado los calentadores de agua superiores y cosas por el estilo, cuando miro la vieja fachada y la nueva es como: ¡Mi Dios! Qué cambio tan grande. Cuanto más simple es, cuanto más inteligente es, ¿por qué no existía esto antes? parecía algo que no podía hacerse, pero te das cuenta de que las personas no pensaban en las cosas de esa manera, ya sabes, en el diseño de muebles las cosas se volvieron más ergonómicas, los materiales ahora son mejores. Para la entrada, compré estos muebles de buen diseño y a un buen precio, y una versión moderna de una silla Adirondack, (silla clásica de la decoración norteamericana, que se creó para las residencias familiares en verano).

Y tenía el mismo sentimiento, excepto por lo más pequeño, las otras cosas eran realmente grandes y

ocupaban mucho espacio, eran hechas de plástico, son completamente livianas, se ven hermosas y son realmente cómodas. Alguien se dio cuenta de cómo la parte trasera tiene que doblarse, quiero decir que todo es diseño, es ver cómo todo avanza, esto realmente es fantástico.

Creo porque hicimos este cambio de manera tan drástica, de la casa vieja a la nueva y es cómo me siento al respecto, veo todos los detalles, la forma en que se diseñaron las tuberías, los interruptores automáticos, o los paneles de control; los cuales tengo la capacidad de programar. Me refiero a que es increíble, es un milagro del diseño.

Poster War/ Love, creado para The Public Theater 2016-17.

Cuentanos del diseño de “The High Line” Primero hay que decir que High Line es un parque urbano elevado construido sobre una antigua línea de ferrocarril de Nueva York. La plataforma elevada dejó de utilizarse en 1980 y en 2003, 23 años más tarde, se comenzó a pensar en diversos usos de esta. El proyecto fue terminado en 2014.

High Line Elevated Park tiene más de 2 kilómetros de longitud y recorre desde Gansevoort Street hasta la calle 34 de la parte oeste de Nueva York. El parque esta dividido en tres secciones y se puede acceder a él por diversos puntos de acceso a lo largo de su recorrido sobre la ciudad.

La propuesta gráfica es mía, pero dos organizadores comunitarios de Chelsea fueron los que convencieron a un estado entero para construir este espacio. Ellos fueron increíbles. Hay quienes se quejan, piensan 31

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32 empiezas a ver cómo la gente se siente sobre su barrio y luego lo integras en el diseño, va a salir mucho mejor.

Así que esto es interesante, esto es aprendizaje. La forma en que la gente vive es personal y muy humana. El diseño puede ser el enemigo algunas veces por causa de su educación y su entendimiento de cosas que no están alineadas con la audiencia local.

La audiencia local debe ser parte de ello. Es el cómo haces sentir a la gente bienvenida y acogida en algo que puede ser diferente.

Fotografías: Archivo personal

¿Cuándo viajas a Colombia?

Alguien tiene que invitarme.

-Sí, ven conmigo Bueno si tu escuela quiere invitarme, yo iré.

Paula Scher siempre se ha destacado por sus impactantes composiciones tipográficas

que esto es malo; el vecindario local no lo usa porque tienen otro pensamiento.

Personas que viven en casas públicas y no salen al High Line porque piensan que un buen diseño no es para ellos, y eso es terrible, porque es para ellos, significa que piensan que un buen diseño es malo y solo es para los ricos. Entonces, esta es otra cosa de la que quiero hablar sobre popular y cómo hacer que perdure en la memoria y permanezca.

Creo que hay un elemento que falta allí, porque las personas que los visitan son ricas, europeas o latinoamericanas, turistas que suben y bajan, pero los muchachos locales nunca van. La comunidad local tiene que ser parte de este proceso y conocer este lugar, ya que fue creado y diseñado para todos.

Lo que pasa es que ellos consideran cómo fue hecho, los organizadores tenían esta idea para la comunidad, la gente que estaba bloqueando la realización de esta idea eran desarrolladores de bienes raíces, porque ellos querían abarcarlo hasta construir sus propiedades; así que estos chicos construyeron esto y la ciudad les dio el dinero y todo el mundo va a allá.

Los desarrolladores de bienes raíces dijeron “oh, esto es mucho mejor” así que construyeron grandes y costosos apartamentos al igual que tiendas, algunos pueden adquirirlos en ese barrio y eso es muy triste.

Con relación a esto, es bueno y es malo. Aprendes cosas cuando dise-

ñas para la gente. Esto es hermoso y es un trabajo fantástico experimentar en otras ciudades, pero la comunidad local tiene que ser tomada en cuenta en el proceso. Ahora trabajo en el bulevar deportivo en los peñascos después del huracán Sandy. En ese lugar creo que hicimos un trabajo efectivo, porque el vecindario estaba comprometido. Había construido sus baños, eran parte del proyecto, parecían caminos y la comunidad los odiaba porque parecían barreras muy industriales, yo pensaba en el porqué de esto, si era un muy buen trabajo, luego me pregunté, bueno están en la playa y ¿qué hay en la playa? hay colores brillantes, así que debía ser colorido, debía ser alegre, no hay otra manera de pensarlo. Cuando

EL DISEÑO PUEDE SER EL ENEMIGO ALGUNAS VECES POR CAUSA DE SU EDUCACIÓN Y SU ENTENDIMIENTO DE COSAS QUE NO ESTÁN ALINEADAS CON LA AUDIENCIA LOCAL. Libro del poder de Paula

Estas últimas palabras, fueron la forma de hacerme sentir todavía más en confianza. Una experiencia que jamás podré olvidar, de esta manera nos despedimos, obviamente sin dejar de lado la típica foto con la persona que funciona como modelo a seguir, Paula Scher la gran diseñadora, uno de mis íconos, y de cómo inicié esta nota, mi musa para tomar la decision de estudiar esta amada carrera, la de Diseño gráfico.

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LA INVITADA

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ANDREA ECHEVERRI: ME PARECE QUE LO VISUAL PUEDE HACERTE SENTIR BIEN: TU CASA, LA TAZA DONDE TOMAS, EL VESTUARIO, LE PONE COLOR A TU VIDA. CREO QUE ES UN EQUILIBRIO ENTRE LO EXTERNO Y LO INTERNO. LAS COSAS DEBEN TENER CARÁCTER, PERSONALIDAD.

Por: Mónica Lucía Suárez Beltrán, DIRECTORA DEPARTAMENTO DE INVESTIGACIONES.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

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legar a la casa de Andrea Echeverri es habitar no solamente su espacio, sino su mundo cotidiano. Nos abrió la puerta tranquilamente y nos dejó seguir, como si nos conociera desde siempre. Esto hizo que fuera más una visita, que una entrevista.

Un encuentro.

Valdría la pena transcribir cada palabra dicha en casi dos horas de charla, pero nos centraremos en los aspectos que queremos destacar, y que se relacionan con el rol de la mujer en el diseño y la sociedad. A través de su arte y su música, con una voz y una vida genuina, ha logrado incidir en las mujeres de varias décadas atrás y seguir impactando a las actuales

¿Qué hace vibrar a Andrea, qué la motiva?

Todo es complejo, pero eso mismo es lo que me mueve a sentir, por ejemplo, que uno no puede hacer todo lo que quiere, la vida es como una grieta, una herida. La vida es contradictoria y en medio de esa zozobra, uno encuentra cosas que lo salvan. Eso mismo me hace ser inquieta y activa, todo el tiempo me invita a crear. Eso me da fuerza para inventar otra cosa a través de las canciones y el arte. La vida misma se contradice.

¿Quién es Andrea Echeverri?

Uno está en construcción. Es un proceso constante, yo soy una mujer grande, como en la crisis de la mediana edad. Tuve una infancia bonita en el campo, cerca del río y de los animales, pero también cerca de gente que hacía música. Tengo los recuerdos de todos juntos, mi mamá tocando guitarra y los demás cantando. Estudié Artes (me especialicé en cerámica), y mi formación musical es más bien de celebración y de encuentro en ritmos como el bolero y la ranchera.

Durante el encuentro con Andrea, es inevitable observar cada detalle de su casa, entre cosas antiguas y contemporáneas, ella, sentada en su hamaca, continúa respondiendo.

Definitivamente Andrea ha marcado una pauta distinta de belleza -es una mujer con un rostro hermoso, de rasgos delicados y fuertes a la vez- que nos hace mirarla permanentemente, detallando su ropa, su cabello corto pintado de rosado.

En los 90’s me encontré a Héctor (se refiere a Héctor Buitrago, su compañero de Aterciopelados) y formamos una banda llamada “Delia y los aminoácidos” empezamos a hacer música de una manera muy intuitiva, de pronto, con métodos insospechados y sorpresivos. La manera cómo abordamos el tema creativo es distinto, con una posición estética muy clara, conceptualmente diferente. Ya había leído Simone de Beauvoir y a muchas otras.

Por eso mi propuesta estética es particular: jugar con símbolos, a través de la creación de un personaje con color, humor. Creo que eso soy, ah ¡y soy mamá! Una mujer que resiste, que sobrevive. Somos contestatarios y contraculturales en nuestra propuesta musical.

¿Cuál es tu visión de vida de lo que es la mujer?

Yo creo que el lugar de la mujer todo el tiempo está en construcción y cambiando, hay mujeres que se posicionan, y al mismo tiempo, seguimos sin alcanzar otras libertades.

Falta mucha libertad para ser felices y tranquilas, no sé si confundimos la libertad con alguna manipulación de mercado, por ejemplo, en la música hay lenguajes nuevos, es importante verlos de manera crítica. Lo que uno necesita es que la vida tenga un sentido, no soy experta en feminis-

mo, pero las pocas cosas que he leído me han servido mucho, cierto grado de vanidad es chévere, pero mucha vanidad nos afecta a las mujeres, jugamos a que la más bonita es la que conseguirá todo; pero se nos olvida lo importante.

Tenemos una inclinación fatal a que nos quieran. Es importante confrontarnos. Hay cosas en que hemos echado reversa.

Conversamos un rato con Andrea acerca de lo importante que es rescatar el lado sensible atribuido a las mujeres, como esa capacidad de sentir empatía.

LA LIBERACIÓN FEMENINA AÚN NO SE HA DADO, PERO PUEDE DARSE A TRAVÉS DEL ARTE.

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¿Cuál es el papel de la sensibilidad en tus creaciones?

Me parece que todos tenemos un lado femenino y masculino, pero la sensibilidad es importante, sin importar el género.

Cuando uno va creciendo, se va volviendo menos sensible.

Estamos aquí porque Andrea es auténtica, fuera de estigmas comerciales y quiere que la gente haga un alto en el camino y se pregunte cosas de la vida, y haya un llamado de conciencia. Marca diferencia en el escenario y en todo lo que transmite.

Lo que prevalece para Taller Cinco en sus estudiantes es la posibilidad de potenciar la pasión por sus productos de diseño y eso nos hizo buscar a una mujer como Andrea.

Su lenguaje también marca una diferencia, ante su sensibilidad creativa. ¿Qué cambiaría Andrea Echeverri en estos momentos?

Muchas cosas. Yo creo que una de las cosas que tiene todo muy mal, es la plata, el dinero. Por ejemplo, que el dinero decida si algo artístico permanece o no. Incluso, afecta la posición de la mujer, cambiaría en este mundo que el dinero sea el rey.

LA SENSIBILIDAD ES IMPORTANTE, SIN IMPORTAR EL GÉNERO.

39 Fotografía: Victor Hugo Villamizar

Ilustración: Alejandro Ángel Quinche

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¿Cómo es tu personalidad?

Soy una mujer muy sensible, llorona, pero también fuerte. Soy muy barroca; amo el color y que todo esté adornado.

Me gusta mucho la música y me gusta mucho la cerámica. ¿Qué viene ahora para Andrea Echeverri?

Nos cuenta que, para su ropa, hace dibujos y se los pasa a Dayra, una diseñadora nacida en Pasto, quien la ha acom-

pañado con muchos sombreros y accesorios que usa en las presentaciones. Sin duda, Aterciopelados tiene su identidad.

Cuéntanos de la cerámica…

Me especialicé en cerámica, a veces la música se lleva todo mi tiempo y queda relegada. Pero hago

exposiciones, conceptos también allí.En la Tadeo, expuse una obra con dos series Las chicas por un lado (son figuras con formas de mujeres) y, por otro lado, los cantantes. Son floreros cuya boca es la boca del cantante. Esta exposición se une con su texto Ruiseñora, canción que fue nominada a un Grammy. He expuesto en el Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, o en Medellín.

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LA ARTISTA Fotografía: Diego Cuevas

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¿Cómo empieza el concepto de diseño a hacer parte de la identidad de Aterciopelados?

Aterciopelados somos dos. Cuando conocí a Héctor, él hacía parte de una banda llamada La Pestilencia, era incluso un miembro fundador. Yo estudiaba artes. Hemos tenido nuestra evolución, pero siempre con una identidad. Los dos somos genuinos, vamos construyendo y construyéndolos. Hay todo un camino a nuestro alrededor, incluso desde lo estético y lo conceptual, que define nuestros gustos.

Hubo allí una historia de amor muy potente.

Por ejemplo, en mí, ha influido el Art Nouveau.

Eso hace que Aterciopelados no sea una cosa y ya, no solo en el tiempo ha ido cambiando, sino en un mismo disco hay diferencias: canciones suaves y fuertes, contestatarias y cómicas.

Dos personas muy tercas y creativas se unieron.

Igual, como en nuestro último disco, todos tenemos claridad y oscuridad. ¿Cuál es tu alter ego?

Es como que, dentro de la melancolía y el desconcierto, el desencanto, igual sumercé celebra y es feliz haciendo canciones de eso. Yo trato y lucho, intento. Uno nunca es una cosa. Soy claroscura, al final.

Recibirnos en su casa fue significativo, simbólico para nosotros, como Andrea: la cantante, ceramista, mujer, madre y ante todo, ella, a quien admiramos por ser como es: una mujer que como el arte, se construye cada día.

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LA INVITADA

LA MUJER QUE NUNCA

DEJA DE SONREÍR POR: JOSÉ ARMANDO DELGADO

LILIANA TORO “LA MONA” COMO TODOS LA CONOCEN, ES LA PRIMERA REPORTERA GRÁFICA EN COLOMBIA, CALEÑA, LE ENCANTA LA SALSA Y ES HINCHA DEL DEPORTIVO CALI. CON LA AMABILIDAD QUE LA CARACTERIZA, NOS RECIBIÓ EN SU CASA, CONTÓ HISTORIAS Y APARTES DE SU VIDA EN EL MUNDO DE LA FOTOGRAFÍA.

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

Liliana es una mujer sensible, está casada con un hombre al que ella describe como “maravilloso”: un ex jugador de Millonarios, un argentino llamado Juan Antonio Gómez Voglino, “No tenemos hijos. La profesión me lo impidió, realmente era muy difícil combinar ambas cosas.

O era una buena mamá o era una buena reportera. Yo no lo decidí, la vida decidió por mí”. Últimamente ha estado trabajando en un proyecto personal. La macrofotografía en flores, hasta el momento de la entrevista llevaba más de 200 fotos, quiere hacer una exposición de su vida y obra, pero reconoce que no es fácil buscar patrocinio en Colombia.

Aunque, ha acumulado grandes fotografías tras ella que han llegado a tener un gran alcance en los medios. No todo fue tan fácil en el inicio.

Fotografías: Victor Hugo Villamizar

S

iempre fue la fotógrafa de la Facultad de Comunicación de la Universidad Externado de Colombia, durante sus años universitarios, disfrutaba mucho el cubrimiento de noticias, sabía que eso era lo suyo, aunque también reconoce que era muy mala para escribir y le agradece a su padre por haberla guiado. Desde muy pequeña recuerda estar con él y con sus cámaras. Pero fue durante el último semestre que se le presentó su oportunidad, ella narra: “Un día de repente mi papá me llamó y me dijo: “Mona, allá hay un trabajo de esa vaina que a usted le gusta” y yo le dije: “¿Qué es lo que me gusta?” y él dice: “Reportería, fotografía, yo sé qué es lo que le gusta” y entonces él colgó y yo dije, ¡Dios mío, ¿yo qué hago? Entonces, me fui para Cali y me presenté en el periódico, me contrataron y desde ese día soy reportera gráfica.”

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LA INVITADA

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¿Cómo fue ser la primera reportera gráfica en Colombia?

Fue muy duro, por eso tengo tanto carácter, los reporteros eran muy envidiosos y machistas. Pero a pesar de eso me aportaron muchísimo. Eran malosos, pero fueron mis maestros. La primera vez que entré al estadio El Campín, el cual cubrí durante 20 años, se me vinieron todos en manada y me decían “¿Usted quién es? ¿Usted qué hace? Y ¿Usted cómo se llama? y a mí me dio mucha risa y les dije: ¿saben qué? ¡Me llamo Liliana Toro Adelsohn y mi cédula es cincuenta y cinco millones no sé qué, soy reportera gráfica y mis papeles están en orden! Y volteé y me fui para el tiro de esquina y me quedé allá muerta de la risa, a mí me temblaba todo. Mira todavía me pongo arrozuda, desde ese día me respetaron bastante. ¿Alguna vez llegaste a pensar que por el hecho de ser mujer no lo lograrías?

Pues sí, hubo momentos duros, tuve una subjefe que me tiraba las fotos en el piso y me decía: “Usted no sirve para nada”, era una cosa loquísima y me presionó tanto que después solamente cogía la cámara, me bloqueaba y sólo pensaba: ¿será que es buena la foto?

También pasé momentos duros en el periódico El Tiempo, había un muchacho, un subjefe, que me hizo todos los daños del mundo: me dañaba los rollos, me echa-

Liliana prefiere la fotografía análoga, aunque le ha encontrado el lado “lindo” a lo digital. Recuerda con nostalgia el revelado, lo mágico del laboratorio, pero el trabajo que implicaba. La emoción de poner el papel y que surgiera la foto.

ba agua en el revelador, me quitaba las órdenes de primera página. Fue muy duro, ellos eran fotógrafos empíricos, yo era de universidad, así empezó la inseguridad entre el empírico y el profesional, fueron 3 años en que yo demostré lo que pude.

En ese entonces se debía ser muy bueno al tomar la fotografía. Hoy en día cuenta que los jóvenes tienen muchas facilidades para ser “buenos”, algo inquietante que conduce a la mediocridad.

Considera que, para ser un buen fotógrafo, se debe tener sensibilidad además del amor y la pasión, más que tomar una foto porque sí. Y, además, para ser un buen reportero, hay que serlo las 24 horas, cuando Liliana llegaba a la casa, cogía el periódico, prendía el televisor y miraba qué pasaba.

La técnica la antepone como algo de lo más importante. Es absurdo que un fotógrafo esté desenfocado, tenga un mal encuadre, mala exposición, no sepa de luces. Aclara que tanto antes como ahora ha habido malos fotógrafos, aunque ahora personalmente no le gusta el uso Photoshop, ya que muchos dejan de tomar fotos buenas, porque arreglan todo después en el computador.

¿Todo tiempo pasado fue mejor? ¡No! No, yo no soy de las que me quedo ahí, pienso que todo tiene sus cosas buenas, hay que coger lo bueno de la fotografía digital, es una maravilla no tener que andar con 800 mil rollos. Yo era obsesiva compulsiva, yo llevaba muchos rollos y pilas. A mí me daba pánico que se me fuera a acabar un rollo. Hay que sacar lo bueno de diferentes tiempos, a mí me encanta la tecnología.

Las inspiraciones más fuertes en materia de imagen para Liliana fueron: Francisco Carranza “El Patojo”, resalta a Leo Matiz, a Carlos Caicedo como una excelente persona. A Nereo lo describe como mágico y a Manuel H como un hombre encantador con una tarjeta que decía “Si yo no te he retratado para que vivir”.

Admite que nunca tuvo maestros. “Yo me hice sola observándolos a ellos, pero ellos no me enseñaron ¡yo era muy pilla! Yo miraba sus trabajos.

Liliana Toro 1989

YO ME HICE SOLA OBSERVÁNDOLOS A ELLOS, PERO ELLOS NO ME ENSEÑARON. ¡YO ERA MUY PILLA! YO MIRABA SUS TRABAJOS.

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Fotografía: Liliana Toro

¿Cómo genera cambios en la sociedad la mujer, a través de la fotografía?

Nosotros los reporteros, precisamente, nos expresamos con nuestro trabajo fotográfico y básicamente con el cubrimiento de noticias, pero pienso que el reportero tiene algo especial. Yo me fijaba mucho en la luz, el encuadre y la técnica, así fui creando un estilo, un sello, que como mujer reportera fui logrando.

La visión de la mujer es muy diferente a la del hombre y, de todas maneras, ponemos ese toque bonito así sea muy dura la noticia, no sé cómo explicarlo.

Una vez en una carretera, habían matado a una niña y a su mamá. Y yo desde muy lejos hice una foto muy tierna, no sé cómo explicarlo en palabras.

No es amarillista, porque las mujeres tenemos una sensibilidad diferente y se plasma en lo que uno hace. Así seas lo que seas, tú eres mujer y ese es el toque que siempre se debe poner. En mis fotos siempre les puse ese toque femenino.

De todos esos trabajos que has hecho ¿cuál te gustaría resaltar?

El trabajo de Álvaro Gómez Hurtado. Yo acababa de entrar a El Tiempo y era la única mujer, entré en período de prueba. Entonces me dice Jorge Parga que era uno de los súper fotógrafos: “Ay Mona hay que

En sus tiempos libres Liliana disfruta de la macrofotografía, especialmente de flores. Se puede apreciar sus fotos en sus redes sociales.

cubrir la liberación del Dr. Álvaro Gómez, pero entonces primero voy a ir yo y después vas tú. Y yo: “Pues sí, vamos fresco”, yo nunca tuve afán de sobresalir ni de nada. Pero ese día no apareció Álvaro Gómez. Entonces dieron otra fecha, el 20 de julio de 1988, a mí me mandaron a reemplazarlo y ¿Si no lo hubiera remplazado? La fotógrafa de El Tiempo era primípara, el conductor igual y el periodista lo mismo, los tres estábamos en periodo de prueba. Salté un muro de un metro y pico, puse mis manos así (apoya los brazos) me subí en el techo de una patrulla, salté al otro lado y a Álvaro Gómez en ese momento lo entraban, yo logré quitar el flash de la cámara en blanco y negro, lo puse en la de color y tomé esa foto.

Esa imagen fue escogida como la primera página más famosa en 1988 de El Tiempo, estoy muy orgullosa porque no es una súper foto, pero periodísticamente era “la foto”.

Al final, me dieron el contrato en el periódico. Yo en ese momento “chivié” a la prensa nacional e internacional.

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50 Otro de los trabajos más representativos para la gente, no para ella, es la foto del Tino Asprilla. Era el partido Chile – Colombia, “Estaba malísimo, pero hubo una jugada por el lado izquierdo y el Tino vino hacia mí, cogí la cámara e hice, tres fotos, agaché la cabeza y dije: “¡Están buenísimas!”. Pero en la vida. Un fotógrafo que diga que vio “eso” es mentirosísimo.

Famosa fotografía del Tino Asprilla, capturada por Liliana Toro. “Me dí cuenta después de revelarla”

Fotografías: Liliana Toro

Después al revelar la transparencia, me colgué el rollo en el cuello y salí porque tenía un Renault 4 y se estaba incendiando (risas). Yo dije: “ahorita las reviso”, le di el rollo al periodista y le dije: “Tenga esa vaina que se me está quemando el carro”. Después el fotógrafo empezó a gritar: ¡Mona que venga! Y yo: ¿qué paso? Huy mona venga y mire esto. Pusimos el rollo en un vidrio y con una lupa empezamos a mirar y él dijo: ¡Mona que es eso! Y yo: ¡Una vena! Y él me decía: ¡Que vena ni que nada, pero mire bien! (Risas) y después nos empezamos a reír.

Al director de la revista le dio pánico publicar la foto y me pagó 40 mil pesos, ¡nada! Entonces yo cogí mi foto y todo el mundo me entrevistó, eso fue una locura. A cambio de haberme llevado esa foto pa’ una agencia internacional.

Pero pues yo era muy joven y no sabía negociar, uno es una pelota la verdad.

Al final me volvió a llamar y me pagó 400 dólares porque el El Gráfico de Argentina quería la foto y bueno, al menos me sentí menos robada. Es una foto de la que no me siento orgullosa, pero ahí está. Hace un año le dije el Tino Asprilla que había sido yo la fotógrafa y me miró de arriba a abajo y me dijo: “Ay que buena foto” y le dije: “Si, fue muy buena, porque lo hizo a usted famoso”. Fue escogida como una de las mejores fotos del siglo pasado, dentro de las 1400 fotos que escogieron, está la del Tino Asprilla. ¿Cuál es tu máxima de filosofía de vida, en lo que crees, tu frase?

La Sonrisa. Yo creo que esa ha sido la filosofía de mi vida, sonreír. ¿Qué consejos le darías a esos nuevos comunicadores gráficos?

Que tengan pasión por lo que hacen, que sean responsables, háganlo con mucho amor, si tienen la posibilidad de trabajar en lo que ustedes estudiaron, háganlo súper, sean los mejores y marquen la diferencia.

Mira yo he sido una persona de una pasión tan grande, creo que ese ha sido mi éxito. Realmente es la pasión con la que hago todo, la pasión te lleva a cosas muy grandes, te lleva a ser un gran profesional. Yo soy una señora grande y me siguen llamando mucho, ¿Por qué? Porque siempre he hecho las cosas bien, porque siempre las he

entregado bien, porque nunca tengo disculpas. En reportería me enseñaron a hacerlo bien, para ser la mejor. Yo creo que lo logramos muchos. ¿La fotografía es una moda?

Ahora sí. Muchos se creen fotógrafos, porque tomaron un curso de fotografía.

Soy muy radical con eso, estuve 5 años en el Externado y llevo 35 de reportera gráfica. No permito que venga cualquiera a decirme cómo tomar una foto.

Yo creo que los muchachos deberían estudiar más. La carrera fotografía de Taller 5 es una maravilla, ahí uno se da cuenta cuales son los maestros que enseñan bien: ustedes están a la vanguardia en este momento con reporteros gráficos excelentes. En Taller 5, está Gabriel Aponte, me quito el sombrero, me da escalofrío, Gabriel estuvo conmigo en El Espectador, es uno de los mejores reporteros gráficos que yo he conocido en mi vida, sabe análogo y sabe digital y en digital es un monstruo.

terremoto de Armenia, lo de Armero. Son cosas que te enseñan y te hacen fuerte y seguir hacia adelante. Viví la época de Pablo Escobar y cada vez que sonaba una bomba cogías tu maletín y te ibas a trabajar, era muy duro.

Quiero mostrarles mi estudio ¿Quieren ver mis fotos? ¿Ya terminamos?

Así culminó una tarde muy amena entre sonrisas e historias, de la mujer que se colgó una cámara décadas atrás y logró ser la primera reportera gráfica de Colombia.

TENGAN PASIÓN POR LO QUE HACEN, SEAN RESPONSABLES, HÁGANLO CON MUCHO AMOR.

¿En tu carrera cuál fue ese momento que te marcó?

En reportería hay muchos momentos duros, todos los momentos te enseñan y te llevan a hacer cambios. Por ejemplo, lo del palacio de justicia, fue muy duro, lo de Álvaro Gómez también, el 51

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FUNDACIÓN

CATALINA MUÑOZ “LAS MUJERES EN COLOMBIA HACEN UN TRABAJO INCÓGNITO, Y LA TAREA DE LA SOCIEDAD ES VISIBILIZARLO”

Por: Cristina Ayala Arteaga DOCENTE INVESTIGADORA

Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

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Fotografía: Víctor Hugo Villamizar

uz Dary Gómez es una mujer bendecida a la que, según ella, Dios le ha regalado muchos dones, “entre esos dones, el don del servicio”. Su vida se enfoca en servir, desde que se levanta hasta que se acuesta piensa como puede ayudar mejor a todos los que lo necesitan. Es una persona egoísta con su persona y los más amados; el tiempo de luz se va en el otro: el desprotegido, el desvalido, el sin techo y sin oportunidades. Estar siempre al auxilio de los demás es la razón principal por la que cree que Dios la trajo al mundo. Espera que algún día estas acciones y las de todos quienes se dejan contagiar del amor de servir, le permitan ver antes de morir, una Colombia justa.

La historia de Luz Dary y la Fundación Catalina Muñoz debe contarse a través de dos grandes milagros. El primer milagro la vida de su última hija: Catalina, mientras estaba en gestación de “Cata”, como amorosamente todos la llaman, el médico le informó que la niña no crecía, - Lo mejor es interrumpir el embarazo; cuenta Luz, con una mirada amorosa y una sonrisa tranquila dibujada en el rostro-. A pesar de las expectativas, Luz Dary continuó el embarazo, Cata nació, prontamente se dieron cuenta que tenía muchas complicaciones, pero siempre estuvo como lo dice ella “prendida de su fe”. A los siete años de Catalina, después de estar en cientos de terapias de las que salía victoriosa con muchas dificultades, le descubrieron un problema neurológico. El parte médico era muy poco alentador, “los médicos se me acercaban y me decían, Luz déjala ir, que Cata ya nos ha enseñado mu-

cho”. Insistían en que para Catalina Muñoz había llegado el momento de partir, que debían agradecer el tiempo con ella, despedirse y resignarse.

Nueve cirugías, con un 98% de posibilidad de no sobrevivir. Por esos días, Luz Dary y Óscar Muñoz (Su esposo fallecido hace 7 años) veían un programa matinal, en el que se entrevistaba a un niño lleno de energía y amor por los otros, que contaba cómo en compañía de sus hermanos y un grupo de Jesuitas, construían casas para los marginados, los invisibles de la sociedad, a partir de un modelo exitoso de la misma comunidad Jesuita en Chile.

Gohard Giraldo (quien ahora dirige el rumbo de la fundación Catalina Muñoz hombro a hombro con Luz) y sus hermanos eran esos niños que hace más de 15 años soñaban con una Colombia mejor para todos los que están al margen, los que preferimos no ver.

Luz Dary se emociona y con un tono amable y lleno de alegría, mirando fijamente a Gohard cuenta “El proyecto de este joven era bellísimo y debíamos hacer algo con él”. Luz y Óscar le prometieron a Dios, que si Cata superaba las nueve cirugías que estaban por venir y seguía junto a ellos, se comprometerían a ayudar a través de la causa de estos jóvenes.

Catalina se salva y es así como decidieron, junto a Gohard y sus hermanos, empezar con la Fundación Catalina Muñoz, el segundo milagro.

La Fundación se ha convertido en un faro de luz en medio de noche oscura, que ha significado para todos quienes han estado vinculados a ella, el mayor aprendizaje de vida.

Catalina Muñoz, Luz Dary Gómez y Gohard Giraldo.

Son los pilares de la Fundación.

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Fotografías: Archivo personal

Cada año no son pocos los partes médicos que hablan de un futuro incierto y desolador para Catalina, la Fundación y todos sus integrantes como familia, los han afrontado siempre unidos en amor por ella. La energía de toda la gente que diariamente se beneficia de este gran milagro que es la Fundación; toda esa energía parece recargar la vida de Cata.

ción personal. Ahora Catalina ha emprendido una nueva actividad que ocupa sus días, pintar ha sido un espacio que le permite encontrarse con ella misma y regalarle a los demás un poco de su mundo, sus obras han conectado a la Fundación con gente de muchos lugares que se han vinculado a la labor esencial; darle a la gente motivos para ser feliz y soñar en familia, bajo el techo de su propia casa.

La búsqueda de Luz Dary, además de llevar a cuestas un proyecto utópico, ha sido que su hija pueda realizarse como ser humano y que la Fundación vaya de la mano con esa realiza-

La Fundación Catalina Muñoz, empezó con la construcción de casa por una casualidad y esta actividad se ha convertido en una estrategia que empodera a las comunidades beneficiadas. El proyecto no solo busca hacer

casas para que sean habitadas por las familias, constantemente está formando líderes en diferentes oficios para que lleven esos conocimientos a las zonas rurales, las comunidades: negras, raizales, gitanas e indígenas, entre otras pluriétnicas y multiculturales de nuestro país, para así asistir a las personas y procurar espacios adecuados para la producción de recursos acordes a la zona en la que se encuentran, y a las dinámicas económicas de estos lugares. Hacer entornos productivos y colectivos en los que estas familias sean multiplicadoras de una forma de vida, y hacedoras de

tejido social. En este sentido la Fundación hace una labor de acompañamiento importante a las familias y comunidades que son beneficiarias, dotándolas de herramientas para afrontar la vida desde diferentes actividades y huertas productivas que tienen como objeto convertirse en pequeños emprendimientos que se han transformado en oportunidades especialmente para las mujeres de los lugares impactados.

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Las personas beneficiarias se seleccionan a través de un ejercicio muy juicioso en el que se identifican las comunidades y/o barrios vulnerables en todo el territorio nacional; se hace primero un trabajo con las juntas de acción comunal, organizaciones comunitarias y con los líderes de la zona. A través de ellos, se genera una convocatoria que va acompañada de una encuesta, el instrumento de medición tiene por objeto identificar familias a las que se les pueda evaluar su situación socioeconómica y que cumplan con unos requisitos mínimos: por ejemplo, que tengan niños menores de 12 años, personas de la tercera edad, algún miembro de la familia con alguna discapacidad, que los ingresos totales de la familia sean inferiores al mínimo legal vigente. Por lo general, las personas que se benefician de este proyecto, tienen a cuestas historias de violencia muy fuertes, han sido desplazados una o más veces de sus lugares de origen o de asentamiento, la mayoría son familias o personas en situación de pobreza extrema; gente buena del campo, que conocen como trabajar la tierra, pero llegan a las grandes ciudades y su conocimiento no es de provecho para estas nuevas comunidades en las que intentan insertarse.

El último proyecto de la Fundación, que poco a poco se está convirtiendo en el tercer milagro, es el Hogar de Paso Mi Cielito, en un principio miembros de la Fundación observaron que la Gente que llegaba a ser atendida al Hospital Santa Clara de Bogotá, tenían que dormir en el piso de los pasillos del hospi-

Fotografía: Archivo personal

Con el transcurso de los años a esta causa se han sumado muchos aliados; la empresa privada, la pública como el Ministerio de Cultura, diferentes personas, familias, niñas que va a cumplir años y deciden donar el dinero de su fiesta para que se construyan casas. Empresas como Bavaria, Terpel, Home Center, Corona, Falabella, Chevrolet; entre otras. Ahora la fundación en la búsqueda de diversificar la forma en la que ayuda a las comunidades del país ha empezado a buscar recursos en la oferta de productos y servicios por eso se encuentra operando proyectos en Bavaria para sus siete zonas de influencia y con Terpel en las siete plantas en donde ellos tienen presencia.

Integrantes de la Fundación Catalina Muñóz junto con la decada del departamento de Diseño, Forma y Espacio, Patricia Cristancho y la docente investigarora Cristina Ayala.

tal, mientras les hacían los exámenes o tratamientos médicos, que sus acompañantes no tenían para comer y debían estar en las salas de espera días enteros. En una de las visitas de Luz Dary al Hospital, se encontró con una indígena de Risaralda y la trabajadora Social le contó cómo esta mamá llevaba tres días ahí, en ese pasillo sin comer más de lo que la gente le daba. Luz se acercó a ella y cuenta –Yo quería ayudarle con el bebé, le dije que saliera a tomarse un cafecito, pero la señora enfática, dijo que no, acá en Bogotá se roban los niños-, esa situación inspiró a Luz Dary y a su equipo de trabajo, para conseguir un sitio muy cerca al hospital santa Clara, un lugar amable que pudiera convertirse en un HOGAR de paso para la gente que viene al hospital a tratar diferentes afecciones físicas desde diversos lugares del país y no tienen como sostenerse en la ciudad. En Mi Cielito comen, se bañan, hay ropa para cambiarse, pueden usar un espacio adecuado con todo para lavar sus pertenencias, dormir… Allí caben alrededor de 30 personas. Todos los martes va una repre-

sentante de la Fundación con un taller de algún pequeño emprendimiento o actividad productiva, así que cuando la gente está en tratamiento o los acompañantes esperando a sus familiares pueden ocupar su tiempo con lo que allí se les enseña. Los sábados para los que así lo quieran, va un sacerdote a hacer un acompañamiento espiritual, respetuoso de la libertad de credos de las personas que se encuentren hospedadas allí. Luz dice llena de esperanza: -A Mi Cielito, viene mucha gente de Yopal, sobre todo mujeres a las que se les practican partos mal hechos, con preeclampsia, embarazos múltiples, así que se ha convertido en una opor-

tunidad de vida para estas personas y en especial para estas mujeres. Y a pesar que allí en Mi cielito también mueren muchas personas, este lugar me parece esperanzador -. Este centro está dirigido por la comunidad religiosa Los Camilos, que tiene por convicción cuidar a los enfermos.

De esta manera, una mujer sobresale en nuestro país, con un emprendimiento social para aquellas personas quieren y necesitan escuchar una voz de aliento.

LAS MUJERES DEBEMOS HACER MÁS RUIDO CON LO QUE HACEMOS, QUE EL PAÍS VEA QUE TODAS QUEREMOS UN PAÍS EN EL QUE QUEPAMOS TODOS.

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ISABEL HENAO, EN SUS PALABRAS, ES MADRE, ESPOSA, HIJA Y DISEÑADORA; ADEMÁS UN SER SENSIBLE. ISABEL ES ORIUNDA DE MEDELLÍN Y UNA DE LAS DISEÑADORAS CON MAYOR RECONOCIMIENTO EN EL PAÍS POR SUS PRENDAS Por: Victor Hugo Villamizar, DIRECTOR BOCETO

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u vocación comenzó en su niñez, cuando les hacía vestidos a sus muñecas y creaba prendas diferentes a las que estas llevaban, como la anécdota de un diseño con una cortina para su Barbie. Con el transcurrir del tiempo, estudió Literatura y luego Diseño industrial, pero era el Diseño de modas, lo que la llamaba a gritos, la cual fue su verdadera profesión.

Este oficio no se perdió, por el contrario lo sacó adelante cuando viajó a Milán (Italia), a cursar el máster en Fashion Design obteniendo un Magna Cum Laude, en el Instituto Marangoni, una de las grandes escuelas del diseño, de donde han egresado grandes en el mundo de la moda como Alexander Mcqueen.

Su color preferido es el violeta, pero siempre se ha caracterizado por vestir de negro, y sumado a este tono trabajó una paleta de colores e hizo su colección para el otoño invierno de los años 2010 y 2011, llamada ‘Nocturna’. En materia de diseño hay que escribir su nombre con mayúsculas, ya que no solo en Colombia se ha desatacado, sino en el mundo, donde ha compartido pasarelas con Carolina Herrera y Agatha Ruiz de la Prada, entre otros diseñadores En su trabajo es estricta consigo misma, y le va muy bien el refrán “calidad y no cantidad” ya que ella no hace un mismo patrón de varias prendas, sino que piensa muy bien a la hora de diseñar, cómo funciona cada tela, con lo que ella tiene pensado para un tipo de mujer. En sus palabras: “Nuestras mujeres son mujeres que huyen del exceso, pero adoran lo especial. Que saben lo que quieren y que no están interesadas en tendencias pasajeras”.

Isabel es una mujer fascinante, creativa y clásica, ella tuvo un espacio para compartir con Boceto y estas son sus apreciaciones: ¿Cuál ha sido tu mayor reto como diseñadora de modas? ¡El ser mujer orquesta! Estar a cargo de todo a la vez y al mismo tiempo ser madre, esposa e hija. Me enorgullece mucho que cada paso que ha dado la marca ha sido fruto del esfuerzo propio.

¿Cómo imprimiste tu sello en la moda nacional e internacional?

Con un trabajo muy arduo y con el apoyo constante de quienes disfrutan nuestro trabajo. ¿ Cuál es el sello de Isabel Henao?

Los detalles delicados. La fluidez y calidad de nuestras telas y un aura muy delicada y femenina. ¿Qué crees que identifica a las mujeres colombianas?

Su pasión, amor propio y la sensibilidad.

Fotografías: Archivo particular

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¿Qué consideras que hace únicos tus diseños?

El desarrollo textil y la esencia femenina que queremos plasmar en cada detalle. Trabajamos muchísimo en las telas de cada colección para que sean únicas y especiales. Para que cuenten una historia que permanezca en el tiempo. ¿Cómo influye la sensibilidad de Isabel Henao en sus creaciones?

Se debe tener un alma sensible para ser diseñador. De otra manera, creo que esos “diálogos silentes” que suceden en el taller, no ocurrirían. Hay que saber “escuchar” lo que te dicen las telas, los colores y el cuerpo mismo. ¿Qué consejo tienes para nuestros estudiantes de diseño de Taller Cinco?

Que nunca paren de asombrarse y de creer en si mismos. Si pueden soñarlo, pueden crearlo. ¿Cómo se crea una experiencia sensible a través del diseño?

Traspasando la funcionalidad y llegando a la inspiración. El buen diseño debe ser así: inspirador antes que nada. ¿Cuál es tu mayor fuente de inspiración?

La naturaleza, el arte y la mujer misma.

“Nuestras mujeres son mujeres únicas y fuertes, que disfrutan el consentirse a través del vestuario”.

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Fotografías: Archivo particular

¿Cuál es el proceso de creación de una colección de Isabel Henao?

Es un diálogo continuo el que se entabla entre telas, patrones, colores y nuestras manos. Cada nuevo diseño es una aventura pues son muchos los factores en los que se puede fallar o tener éxito. Lo importante es escuchar lo que te van diciendo las telas y el mismo cuerpo al experimentar. Son diálogos en silencio, pero profundos, los que suceden en cada colección.

¿Qué proyectos se vienen para Isabel Henao?

Nuestra línea de novias es nuestra gran prioridad en este momento, y el énfasis de nuestros próximos proyectos. Queremos hacer un salón de novias en donde la experiencia sea aun más completa y podamos invitar a soñar de muestra mano, cada día a mas novias.

Ella es Isabel Henao una diseñadora de modas, pero antes de este título es una mujer que le gusta hacer las cosas bien, que investiga ya que nada en sus colecciones es casualidad y siempre habla en plural, porque para ella su equipo de trabajo es su segunda familia, con el que comparte y escucha a la hora de llevar a cabo sus atuendos. Por eso, la exquisitez y la sensibilidad es la materia prima en su labor como diseñadora y como mujer.

¿Qué deseas comunicar a través de las colecciones y cómo lo haces?

Experiencias y emociones. Me encanta contar historias por medio de cada tela, de cada prenda. Y eso se logra al trabajar en cada detalle, desde el hilo hasta la prenda y el empaque.

EL BUEN DISEÑO DEBE SER INSPIRADOR ANTES QUE NADA.

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HAY QUE

Por: Daniela González, EDITORA.

SER FUERTES

PARA VIVIR DE ESTO

M

arcy Cuevas es colombiana. Es realizadora y montajista audiovisual, estudió en Taller 5 en el año de 2000 – 2005 Diseño y producción de televisión. Desde hace cinco años tiene una productora audiovisual, se llama VozenOff; es una empresa especializada en comunicación publicitaria, corporativa e institucional en el sector privado y público. a trabajado en varias productoras de televisión y canales desde que se graduó de la universidad, entre ellas: City Tv, Cm&, Vista Producctions, Canal RCN, Proyección Films, Shinne, Fox, entre otros. Ahora trabaja en el sector público y se encarga del área audiovisual de la oficina de comunicaciones estratégicas de la Veeduría Distrital. Marcy habló de sus experiencias a Boceto y estas son sus apreciaciones. ¿Qué o quién te inspira?

Mi mayor inspiración fue mi papá, se llama Henry Cuevas; es músico, baterista y percusionista de profesión, él fue quien desde muy pequeña me llevó a los estudios de grabación y programas de televisión donde trabajaba, desde ahí creo que me familiaricé con este medio, amaba ver las cámaras, equipos, instrumentos, hasta el olor de estos lugares; me encanta esa experiencia.

En mi casa siempre prevaleció el arte y la música, mi padre es fotógrafo aficionado por tal razón siempre hubo una cámara en mi casa y aun la tengo y la uso, es una Yashica 7x-3 que amo. ¿Qué te apasiona?

Me apasiona viajar, me encanta la música, salir a capturar momentos, conocer culturas, vivencias, encontrar historias, amo los animales y la vida salvaje. ¿Por qué fotografía y producción audiovisual como estilo de vida?

Desde muy pequeña, estuve relacionada con este mundo, siempre me ha gustado grabar momentos retratar personas, siempre me he sentido cómoda con las cámaras, creo que hacen parte de mi, de mi manera de expresarme, es mi otra lengua. Sentí que podía expresar narrando, contando historias nunca vistas, capturando momentos importantes, a través del lente acerco dos mundos y aprendo más de el.

¿Cómo fue y cómo es tu experiencia en Taller Cinco?

Fue una gran experiencia, cuando salgo del colegio decidí estudiar cine y televisión, me presenté a la Universidad Nacional y no pasé, como le pasa a la mayoría (risas), una amiga me habló de Taller 5. Ella también estudiaba televisión y me recomendó la universidad y entré, cuando empecé a ver Diseño básico, Teoría del color, Antropología, Historia del arte, entre otras, me enamoré. Sentí que me quería quedar, pues también conocer gente que hablaba de lo mismo y se sentía igual que yo en este lugar y más cuando empecé a ver fotografía, televisión, montaje, ahí fue cuando me monté en la película de verdad… luz, cámara y acción fueron las palabras que siempre quise usar, mi cabeza se abrió a un nuevo mundo de la producción, del guion, de la fotografía: realmente inspirador. ¿Cuál ha sido el reto más grande que se te ha presentado en tu carrera?

El reto más grande fue cuando entré a trabajar a una productora a dirigir unos videos institucionales en Pacific Rubiales, fueron 6 meses trabajando entre Bogotá y los Llanos.

Ya el reto de por sí era grande, pues aprender de ingeniería de campos petroleros y hablar todo el tiempo con ingenieros explicándoles qué debían hacer ante una cámara y encontrar la narrativa para que los videos estuvieran aterrizados en un lenguaje que todos entendieran ya era difícil, sin dejar aparte el clima tan duro y los recorridos que eran muy largos, pues teníamos que transportarnos en camionetas por horas y en helicópteros; vivir en contenedores con otras personas y cargar equipos con botas de seguridad y cascos fue uno de los retos más duros, realmente fue una experiencia increíble. ¿Qué debe tener un buen fotógrafo y realizador audiovisual?

Amor por lo que hace, pasión, feeling, buen gusto por la imagen, empatía con los personajes o gente a la que quieras llegar y muchísima, muchísima paciencia… ¡ah! obvio y una buena cámara. ¿Qué es lo más importante en tu trabajo?

Lo más importante para mi es llegar al corazón de las personas, sensibilizar, llegar a los objeti-

Fotografías: Victor Hugo Villamizar

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¿Cómo fue el proceso de producción y la experiencia en la isla Santa Cruz del Islote?

Este fue un proyecto dirigido por Marcela Lizcano, una documentalista colombiana, ella es una gran amiga de la infancia con la que nos unimos a realizar este lindo proyecto, ella ya había terminado la película cuando entré a trabajar y había muchos temas que estaban fuera de la película y decidimos hacer algo con esto, salió una convocatoria con el Ministerio de las Tics, CREA DIGITAL 2015.

Hicimos una plataforma web con los habitantes de la isla Santa Cruz del Islote, ubicada en el Golfo de Morrosquillo, con el fin de darle a los jóvenes del Islote la oportunidad de compartir su realidad y así intercambiar ideas para mejorar su entorno ambiental. Además, de brindarles una motivación y una extensión de su voz hacia el mundo entero.

Fue una súper experiencia trabajar en la isla, estuvimos por varios días grabando a esta comunidad y la forma en la que viven, en cómo hacen la recolección puesto que no hay agua potable en la isla y viven en medio del mar, el ahorro de recursos, no hay energía en el día, únicamente en la noche, en ese momento no habían paneles solares únicamente una planta eléctrica para toda la isla, la recolección de basuras en la isla más poblada de mundo era todo un desafío pues los planes para sacar las basuras de este lugar sin generar contaminación en las aguas es todo un reto.

Mi productora y yo fuimos los encargados de realizar y editar estas piezas para el proyecto.

Cuéntanos acerca del premio que ganaste Este Proyecto apoyado por el Ministerio de las Tics a través de la convocatoria de proyectos transmedia CREA DIGITAL 2015.

La plataforma facilita hacer uso del video, la fotografía y audio, para dar a conocer el lugar, sus habitantes y sus problemáticas. Al

tiempo que se buscaba hacer un llamado a la acción, dando la posibilidad al usuario que descubra diferentes proyectos y formas de ayudar. Adicionalmente, se propone establecer un canal de comunicación entre el grupo ecológico del Islote, conocido como “Los Salvadores del Arrecife y los usuarios de la ciudad”. Así como lo hace el canal de Discovery en la escuela.

Fotografías: Marcy Cuevas

vos de comunicación establecidos y siempre tener clientes satisfechos.

Fue una felicidad inmensa cuando nos dieron la noticia, pues era el momento de hacer contenidos novedosos, contenidos transmedia y con realidad virtual.

LO MÁS IMPORTANTE PARA MI ES LLEGAR AL CORAZÓN DE LAS PERSONAS.

¿Hacia dónde va la fotografía y el video en Colombia?

Colombia es uno de los mejores lugares para el desarrollo de proyectos audiovisuales en la región, pues con la Ley del cine se han abierto muchas posibilidades de realizar proyectos en el país, hay mucho talento en Colombia y potencial, siento que somos fuertes en este medio, pero hay muchos egresados con ganas de aprender, de entrar a trabajar, siento que hace más reglamentación con el tema de horarios, prestaciones, pues es muy barata la mano de obra en este país y no está valorada como debe ser. ¿La televisión si tiene buena salida ahora con todos estos nuevos modelos de crear contenidos?

La televisión cambió mucho, estas nuevas generaciones no les gusta estar frente a una pantalla de televisión viendo las novelas de toda la vida, malas noticias y contenidos enlatados, estas generaciones prefieren otras alternativas que les da el Internet, el mundo virtual y las nuevas narrativas.

La tecnología y el acceso a los equipos ahora es más fácil que antes, por eso creo que la gente prefiere ver contenidos reales, en las nuevas plataformas ahora eres tú el que decide que es lo que quieres ver, ya no te imponen los contenidos además es mucho mejor hay oportunidad para muchos que quieren narrar y contar historias o Mostar su trabajo, sin ningún costo.

solo “tomar fotos bonitas y ya” hay que saber que siempre va a pasar esto pero que el amor por la imagen tiene que ser más fuerte cada día.

Estudien mucho, lean mucho, conozcan el mundo, innoven, no copien solo inspírense de los mejores y hagan memoria con sus cámaras. ¿Crees que la mujer en Colombia tiene buena aceptación en este tipo de carreras, cómo ha sido tu experiencia ante esto?

Pues ahora sí, creo que ya son más mujeres haciendo cine, hay muchas mujeres haciendo producción audiovisual, fotografía, edición, entre otros. Pero no deja de ser un trabajo de hombres, pues todavía hay personas que no creen que puedas cargar una cámara grande o que sepas doblar un cable o nos encasillan en trabajos de oficina o administrativos audiovisuales.

En mi experiencia, siento que he tenido que ser más fuerte y preparada para salirme de esos estereotipos pues de cada 10 hombres, somos 2 mujeres haciendo esto.

Con el tiempo ya saben qué haces y por eso te respetan, no es solo un tema de fuerza también es talento.

Hoy día somos nosotros los que tenemos que estar a la vanguardia de estos nuevos modelos. ¿Qué consejo le das a los egresados?

Siempre hablo del rigor, de la perseverancia, la paciencia y la pasión del corazón, tienen que ser realmente fuertes para saber vivir de esto, pues así como es de lindo también es muy duro, nos enfrentamos a un mundo poco sensible y la gente en muchas ocasiones no entiende lo que haces, 71

EL PROYECTO

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COLOMBIA

TACITURNA LA ALTA COSTURA AL SERVICIO DE LA REFLEXIÓN SOCIAL COLOMBIA TACITURNA ES EL NOMBRE DE LA COLECCIÓN DE TRES ATUENDOS QUE FUE PRESENTADA COMO PROYECTO FINAL DEL PROGRAMA DE ALTA COSTURA, EN EL MARCO DE LA MODA AVANT GARDE, DICHOS ATUENDOS CONTIENEN UNA PROPUESTA REFLEXIVA SOBRE LA HISTORIA SOCIO-POLÍTICA DE LOS ÚLTIMOS TREINTA AÑOS DE COLOMBIA (1986-2016).

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sta idea surge al pensar la convergencia entre los dos perfiles profesionales de María Cristina Fula Lizcano; quien es diseñadora de Alta Costura de la Corporación Universitaria Taller Cinco Centro de diseño y también Politóloga con Maestría en Derechos Humanos y Derecho Internacional Humanitario.

El primer reto es pensar cómo recrear la convergencia de dos áreas que parecen tan distantes a primera vista. Sin embargo, las posibilidades son enormes cuando se concibe la Alta Costura como un espacio artístico y creativo con infinidad de herramientas comunicativas para expresar todas las inquietudes y angustias que como artistas llevamos dentro.

De esta manera, en Colombia Taciturna se desarrolla un proceso de conceptualización, pero también se recurre al uso de símbolos e imágenes literales, para interpelar al espectador sobre una reflexión de la historia de las dinámicas de poder, que han tenido lugar en el territorio colombiano desde 1986 hasta el presente.

Teniendo en cuenta principalmente los fenómenos de violencia que han tocado la puerta de un porcentaje significativo de colombianos, a lo largo de todo el país. En este sentido, la muestra artística propende por un ejercicio de memoria colectiva que, con miras hacia el futuro, no puede desconocer, ni ignorar la existencia de un pasado cuyas heridas por sanar, ya que son el primer paso hacia una sociedad en la que se recompone el tejido social.

Fotografía: Victor Hugo Villamizar

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EL PROYECTO

Fotografías: Nicolás Vesga.

Fotografía: Nicolás Ospina.

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Esta exposición de atuendos ha sido presentada con gran éxito en varias ciudades de Colombia, entre las cuales figuran: Barranquilla, Santa Marta, en el marco del VIII Foro de Investigación en Comunicación ‘Experiencias Socioculturales desde la Comunicación’ de la Universidad Sergio Arboleda, Cartagena con el desarrollo de La Ruta de Investigación para La Paz, el Museo Nacional en Bogotá, con ocasión de la conmemoración del 9 de abril, día nacional de la memoria y la solidaridad con las víctimas y más recientemente en Medellín, dentro de

las jornadas de trabajo de la Comisión para el esclarecimiento de la verdad, la convivencia y la no repetición.

El objetivo propuesto para esta muestra artística ha sido plenamente alcanzado, pero más aún, se ha recogido un reconocimiento especial al poder comunicativo de las expresiones artísticas como la Alta Costura, a la hora de insertarse en espacios como la discusión sobre la memoria histórica, la cual actualmente se encuentra en plena coyuntura de nuestro país.

LAS POSIBILIDADES SON ENORMES CUANDO SE CONCIBE LA ALTA COSTURA COMO UN ESPACIO ARTÍSTICO Y CREATIVO.

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LA INVITADA

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POR LA SENDA DEL PRESIDIO Por: Nathalia Pérez Garzón

Foto: Victor Hugo Villamizar

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EL PROYECTO

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ste proyecto documental, se ha convertido en una gran oportunidad para mi vida y mi carrera, ya que me permitió conocer campos audiovisuales nuevos, como lo es el documental, con este proceso me pude poner a prueba como realizadora.

El documental es una expresión creativa de la realidad, en la que se ven desarrollados sucesos de un lapso de la historia, representada por sí misma y por personajes que desarrollan una línea argumental, que desde Robert Flaherty han hecho una clara representación de la realidad.

Todo es cuestión del punto de vista, crearlo y que genere cesibilidad en el espectador es hacer un documental. Como lo es vivir el proceso de una mujer que lo entregue todo por sus hijos.

Fotografías: Nathalia Pérez Garzón

LA EXPERIENCIA DE UNA MUJER EN LA SOCIEDAD TIENE MUCHOS PUNTOS DE VISTA.

El documental se enfocó en las mujeres visitantes de cárceles, y el cambio drástico por el hecho de tener a un hijo o un familiar en la cárcel, esto establece un cambio total con respecto a sus condiciones de vida, y se ve reflejado en cada una de las secuencias de las mujeres con diferentes historias de vida pero que tienen un común denominador.

La experiencia de una mujer en la sociedad tiene muchos puntos de vista. Hoy en día, es más aceptada dentro de limitantes que establece la sociedad que hace algunos años, pero aun así el nivel de inconciencia hacia la mujer es alto, debido al papel que desarrollamos y lo que nos caracteriza como hijas, madres, hermanas, novias o esposas, siendo trabajadoras o amas de casa. Nos encontramos representado un papel fuera del am-

biente normal en la ciudad, madrugando los domingos para formar una fila, una fila para poder entrar a la cárcel Picota de Bogotá. La cárcel es un recurso que usa la sociedad para dar justicia a sus habitantes, pagando sus crímenes con condenas. Las mujeres visitantes viven este contexto al igual que el recluso, debido a que tienen que someterse a condiciones que crean nuevos y difíciles ambientes.

Debido a que es un discurso de mi experiencia, se creó un diálogo directo con el espectador de mujer a mujer, en donde se realizó un proyecto audiovisual documental que sustentó esta parte de la historia de la mujer y sus condiciones de vida, dando al espectador una perspectiva femenina, y ofreciendo a la industria del cine una nueva manera de poder escucharlas.

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UN REFLEJO VIVO DE LA FOTOGRAFÍA ÉTICA Y SOCIAL

Fotografías: Andrés Mojica

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LA EXPO

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obras arquitectónicas dignas de mostrar y preservar, dicho trabajo tuvo muy buenos comentarios por la factura en su realización.

Posteriormente empieza un recorrido por el país, vinculado al ejército nacional, y allí nace su segunda exposición llamada “CONFLICTO”, imágenes alusivas al enfrentamiento armado, cuya muestra se llevó a cabo en el Museo de Infantería (2009), la cual podría decirse que es el producto de la experiencia vivida trabajando al lado de estos héroes de la patria.

“ESA MIRADA” retratos del alma, un proyecto realizado con diferentes habitantes de la calle, fue expuesto en la Catedral de Sal de Zipaquirá (2015). Andrés, sin demostrar ninguna pretensión documental ni conceptual nos acerca a estos seres que sonríen, expresan, actúan y viven, inmortalizando gestos y atrapando sus miradas, las cuales quedaron en las mentes del espectador que tuvo un vínculo especial con la obra, ya que estea se sublimó sobre estivas.

En el trascurrir de este 2018, por coincidencias de la vida, y muy ligado al retrato social, crea “MARÍA, MUJER CAMPESINA”, un homenaje a la mujer rural, el cual fue el resultado de un propósito íntimo; que lo llevó con todo el respeto y la admiración, a inmortalizar un instante de la inocente y desprevenida existencia de estas lindas mujeres. Ellas, dice Andrés, como en una pintura, crean por si solas los componentes que hacen de ésta, una obra impecable, y los marcos donde están soportadas, son las ventanas por donde entra el viento que las ha visto permanecer —un trabajo que sorprende digno de ver y admirar—.

A

ndrés Mojica es un fotógrafo egresado de la Corporación Universitaria Taller 5 Centro de Diseño desde el año 2002, que se ha especializado en el área editorial y publicitaria; su recorrido fotográfico siempre ha estado acompañado de un fuerte componente social, el cual ha dado como resultado una sensible búsqueda de la realidad humana.

Un recorrido lleno de experiencias y viajes, que le han dado la oportunidad de desarrollar sus proyectos más ambiciosos, son la fórmula para que Andrés Mojica se haya convertido en un artista de talla nacional, que siempre ha llevado consigo la formación que Taller 5 le transmitió y que, a través de estos años, ha sabido aprovechar dejando en alto el nombre de su institución.

Exposiciones “Un Reflejo vivo” Arte y Arquitectura Colonial en Zipaquirá (2003) “Conflicto” Imágenes alusivas al enfrentamiento.

Museo de Infantería (2009) “Esa Mirada” Habitante de Calle. Catedral de Sal (2015) “María “Mujer Campesina. Catedral de Sal (2018)

Desde la elaboración de su proyecto de grado ha estado interesado en técnicas experimentales que van desde el sustrato donde se imprime, hasta el montaje de su obra, de esta manera ha llevado a cabo proyectos que evidencian el desarrollo de su investigación.

En su primera exposición fotográfica, en el año 2003, llamada “UN REFLEJO VIVO” y la cual hizo parte de su proyecto de grado, exploró las diferentes tendencias constructivistas en pueblos de Cundinamarca y encontró verdaderas 83