Revista Boceto Edición 23 by Taller Cinco

Arturo calle:

el seĂąor del diseĂąo colombiano

ISSN 2011-2203 - 1er. semestre de 2016.

La tendencia hechA

RECTOR Alejandro Álvarez De Castro PRESIDENTE CONSEJO DE FUNDADORES Astrid Álvarez D’Castro Secretario General Édgar E. Rivas Vicerrectora académica Patricia Cristancho directores de programas académicos diseño gráfico Felipe Valencia diseño de alta costura Manuel Díaz Del Castillo Jenny González diseño y producción de televisión Alfonso Cifuentes diseño textil Gloria Acevedo diseño de interiores Jorge Alfonso

Fotografía Víctor Hugo Villamizar publicidad y marketing Carlos Jaimes departamento de investigaciones Nathalia Castañeda departamento de bienestar institucional Paola Ferrer DEPARTAMENTO DE proyección social Diana Cortés unidad creativa y de comunicaciOnES Alejandra Álvarez Restrepo BOCETO LA REVISTA director Víctor Hugo Villamizar R. editores diseño gráfico y fotografía Laura Calderón y Andrés Suárez Diseño editorial Laura Calderón, Cristian Castañeda, Kevin Garzón, Carolina Mendoza, Juliana López y Julián Santa Corrección literaria Felipe Valencia Portada Maluma fotoGRAFÍA Víctor Hugo Villamizar R. EDICIón de portada Nicolás Vesga

Sumario

6 - 11 12 - 17 18 - 22 24 - 29 30 - 35 36 - 40 42 - 47 48 - 53 54 - 58 60 - 65 66 - 69 70 - 73 74 - 77 78 - 79 80 - 84

El Empresario La Portada Lo ร ltimo El Invitado La Visiรณn El Invitado La Novedad Soy Taller 5 A la luz La Crรณnica Lo Nuestro La Moda Soy Taller 5 Lo Nuestro Los Proyectos

Somos tendencia

Boceto, La revista, se vuelve tendencia

Por: Victor Hugo Villamizar. director de Boceto, La Revista

oceto siempre se ha caracterizado desde su creación, por tener una temática diferente en cada edición y, lo más importante, es que deje una experiencia en sus páginas; por este motivo en esta edición el tópico principal es la Tendencia, pero qué significado tiene esta palabra y qué la encierra.

n esta nueva edición tuvimos la oportunidad de hablar de tendencias y fue todo un desafío reflejar este tema en la diagramación de la revista. La experiencia de trabajar con gente tan talentosa como mis compañeros y lograr un excelente resultado en Boceto, me llena de orgullo. Trabajar las tendencias actuales en el diseño para reflejarlas en la revista, implicó un arduo trabajo, trasnochadas y muchas reuniones en las que todos aportábamos y criticábamos de manera constructiva el trabajo de los demás. Esta para mí, es la clave para desarrollar de forma original un tema que te puede llevar a la gloria o te puede hacer quedar como uno más del montón. La unión y el compromiso de este equipo fue única. No faltaron los inconvenientes como en todo, pero cuando se tiene un objetivo claro y se sabe que el enfoque es diseñar la mejor revista, que sea esta la nueva tendencia entre diseñadores, fotógrafos, publicistas y muchos más, entonces todo toma forma y vale la pena. Este es el reto que se enfrenta cuando se quiere ser el mejor en medio de las tendencias.

Según su definición es: “Inclinación o disposición natural que una persona tiene hacia una cosa determinada”. De esta manera Boceto quiso ser tendencia y demostrar que este fenómeno es natural y lógico, en lo que emprendemos día a día y lo analizamos desde el punto de vista del diseño, ya que es impredecible cómo cada persona asimila una preferencia o necesidad, en cualquier momento de su vida.

Por: Carolina Mendoza

Estos motivos crecen y avanzan en gustos, y se convierten en decisiones propias que se toman, ya sea como un modus vivendi o como un ideal transitorio. Boceto decidió ver quienes y que son tendencia en estos momentos y nos encontramos con personajes que hacen del diseño algo diferente desde todos los ángulos; es el caso de Maluma, que en este número es portada, él habló sobre su marca y cómo fue concebida, además de su línea de ropa. Otro invitado bien importante y que ha marcado tendencia es Don Arturo Calle, un hombre que cree en Colombia y en el posicionamiento de su marca, la cual avanza a pasos agigantados.

Al ver esta edición hecha realidad me queda la satisfacción de ser parte de una edición única de Boceto, La revista. Tuve la oportunidad de asistir a las entrevistas, conocer gente del medio y personas tan dedicadas a su carrera, a quienes les apasiona lo que hacen; que realizan sus proyectos con esfuerzo y sacrificio pero siempre con amor. Involucrarme en este proyecto generó espacios de aprendizaje y auto descubrimiento de lo capaces, creativos y apasionados que somos por lo que hacemos: diseñar. Soy consciente que siempre dimos lo mejor y gozamos cada momento de nuestro trabajo. Por eso, empezar a involucrarme en este medio, en el mundo de Boceto y con este tipo de personas, era una ocasión que no me hubiera permitido dejar pasar.

Las redes sociales también fueron protagonista en esta edicíon, ‘Alejo’ como es conocido en el medio publicitario, habló sobre el mundo digital en la web y el porqué “las redes exigen mucho y ofrecen poco”. En otros temas, William Contreras habló sobre lo que es el arte, y de como es visto hoy por todo aquel que lo consume. Otro punto de vista fue el dado por Gustavo Pazmín, sobre el cine y hacia dónde va pues, según sus palabras, la academia es parte importante en la formación de esta disciplina. Historias y personas que siempre están en la vía del diseño porque Boceto siempre es tendencia.

Disfrútenla!!!

KevinGarzón

CarolinaMendoza

JulianaLópez

JulianSanta

CristianCastañeda

AlejandraCruz

la Editorial

Boceto, La Revista

“Menos es más”

Por: Cristian Camilo Castañeda B.

Por: Laura Calderón B. Editora general de Boceto, La Revista

ablar de tendencias no es solamente ser usuario de las redes sociales o tener conocimiento de cómo usarlas adecuadamente, es un tema que va mucho más allá. Existen tendencias en comida, arquitectura, moda, publicidad, diseño gráfico, diseño industrial, diseño de interiores, fotografía y muchas más. Las tendencias impregnan todas las áreas del mundo de hoy. Tómate un segundo y observa detenidamente a tu alrededor, te darás cuenta lo mucho que ha cambiado el exterior. Por ejemplo, si tipeas en google “tendencia 70`s” o la época en la que naciste, vas a encontrar cerca de 603.000 resultados en páginas web que te demuestran históricamente cómo se vestían, cuáles eran sus comidas, cómo eran las casas, entre otros detalles. Después que hayas hecho esta actividad, vuelve y mira a tu alrededor, descubrirás las múltiples transformaciones que se han dado. Lo de los años 70’s era tendencia, lo que ves ahora también, y en algún momento ambas retomarán fuerza en el mundo. Por esta razón, para mí, las implicaciones de la palabra tendencias no es sólo crear y buscar que todo el mundo implemente esa idea, sino que el mayor reto es innovar y buscar que esta innovación ayude a los seres humanos a ser prácticos y poderles brindar más opciones que puedan añadir a sus gustos, para así contribuir con un poco de felicidad a sus vidas. Mi experiencia con el equipo de trabajo de Boceto, La Revista, fue placentera. Desde un comienzo nuestro objetivo fue estar a la vanguardia, no solo en el diseño visual sino en el contenido. Queríamos encontrar personas que estén haciendo trabajos emocionantes, innovadores y muy creativos, todo esto fue un reto que logramos concretar. El resultado de esta edición es de inspiración y orgullo para todo el equipo, y nos enseña que si queremos ser creativos y originales con el tema de tendencias no sólo debemos enfocarnos en las redes sociales, las cuales son una tendencia mundial, sino que también debemos enfocarnos en personas que nos inspiren y nos guíen, en cosas que nos gusten y podamos compararlas con lo que hubo y lo que viene, para poder estar a la vanguardia y ser originales en medio de un tema tan retador como son las tendencias.

AndrésPico

BeatrízQuiroga

AlejandroCortés

JonathanGarcía

DanielRodríguez

ocar el tema de las tendencias es entrar a un mundo que nos exige estar conectados con lo que pasa hoy en día. No podemos saber qué es lo que hoy es trending topic y estar desconectados. Si quieres estar a “la moda” o si quieres conocer lo que se “impone” hoy por hoy, es imperativo que estés constantemente investigando y estando al día con todo aquello que te interesa. En esta edición, Boceto nos abrió las puertas para plasmar página a página las tendencias que se imponen en el área del diseño. El reto más grande en estos meses de trabajo fue lograr un equilibrio entre cada tendencia para poder seguir el estilo que, personalmente, me encanta: buscar limpieza en el diseño pero no ser simplistas. Transmitir originalidad, buen gusto, sofisticación y seguir siendo limpios, sin dejar de usar y jugar con los colores, las modulaciones y las formas. Asumir este reto no fue nada fácil, pero cuando te encanta estar in, verás los resultados de tu esfuerzo y te gozarás minuto a minuto lo que haces. Es difícil ser original y no hacer lo mismo que todo el mundo hace. Es difícil mezclar varias tendencias sin sobrecargar lo que hacemos, pero con cuidado, esfuerzo, y siempre aplicando aquella frase que escuchamos tanto en el aula de clase (“menos es más”) seguro que lo puedes lograr. Y, sin lugar a dudas, la mejor tendencia que hay es estar al día. No pierdas la oportunidad de aprender y estar conectado con lo que se está imponiendo en lo que te gusta. Mira contenidos que valgan la pena, sigue personas que aporten a tu intelecto o al área que te apasiona, disfruta tu mundo. Cuando estés en la calle, en los centros comerciales, visitando a un amigo, viajando a grandes ciudades o pequeños pueblos, mantén tus ojos en lo nuevo, en lo que está pasando, en los colores, las formas. Estoy segura que si esto se vuelve una costumbre, poco a poco será un hábito y podrás estar al día en lo que está pasando; podrás ser parte de las tendencias pero sin perder tu originalidad. Aprovecha una de las mejores armas que tiene el ser humano: los sentidos.

AndrésCortés

CarlosSaldana

VictorVillamizar

LauraCalderon

AndrésSuárez

artículo: Patricia Cristancho y Laura Calderón fotografía : Víctor Hugo Villamizar R.

@arturocalleoficial

speramos entrar a la entrevista en una sala en la cual se respiraba el diseño. Había mucho movimiento en el ambiente, pero aún así estaban prestos a brindar la mejor atención a sus invitados, en este caso, nosotros. Al ingresar a la oficina de don Arturo Calle como le dicen todos los que lo conocen, el primer sentimiento fue que estábamos en casa. La amplitud del lugar (característica del diseño interior de la marca), la mezcla de colores sobrios, la comodidad, la presencia de luz natural y las orquídeas, eran elementos fundamentales para sentirse en el hogar. En el espacio había elementos que dejaban entrever su corazón de niño: aviones, carros de colección y una taza llena de diferentes dulces. Le encanta estar rodeado de naturaleza, por eso sus oficinas, desde la entrada, tienen esta característica. La naturaleza es uno de sus grandes amores. Con la amabilidad que lo identifica, nos hizo pasar al lugar y nos contó del tiempo que disponía para atendernos. Entonces, sin más preámbulos empezamos la entrevista. Don Arturo Calle narró sus comienzos, palabras como La Camisita y El Dante fueron los nombres de sus negocios. En ese momento era principiante en el mercado: “…cuando ese almacén lo compré se llamaba La Camisita, y así lo dejé hasta que lo demolieron, mientras fui propietario. El nombre El Dante me lo recomendó el suegro mío, porque en esa época había un gran almacén en Panamá que era el más prestigioso y entonces se lo puse, igual de feo”. Después, a medida que fue evolucionando y adquiriendo más conocimiento, el nombre de su marca cambió a Arturo Calle.

El empresario AMULAM

El empresario MALUMA Uno de los pilares que lo ha caracterizado desde sus comienzos es que “la camisa perfecta es la que le quede bien en talla y en gusto al cliente”, dice don Arturo Calle. Un hombre puede verse elegante vestido de sport o vestido clásico. Si es clásico, deben primar tonos azules o grises, que tenga algún medio grabado, o liso, o tejido diagonal. Una camisa elegante a rayas, con una corbata y zapatos que le combine, y “estar como debe estar cualquier persona: elegante”. Estos son elementos que nunca pasan de moda. Para él, “la moda es todo lo que sea elegante pero dentro de la moda” no necesariamente una persona tiene que vestir clásicamente; si quiere estar sport, puede usar pantalones de colores como manzana, rojo marlboro, amarillo, colores menta, entre otros, camisetas que tengan un buen tacto casi como la seda, zapatos de sport elegantes; las chaquetas informales se pueden usar con colores que combinen con la camisa o el pantalón, al igual que los accesorios. “La moda es todo lo que sea elegante, bonito y que esté actualizado…bien sea ropa clásica o ropa de sport”.

En Colombia han eliminado mucho la corbata, pero en la cultura europea aún la asumen con mucha elegancia. Este es el producto ideal que la firma Arturo Calle vende: “un producto que está dentro de la moda pero no es una moda que pase, es una moda que perdura con el correr del tiempo”. Aún el perfume hace que la persona esté a la moda, por eso su línea también tiene este producto para los hombres colombianos, producto del cual se declara fan y cuenta que son los únicos que usa. Para él, el diseño de nuestro país es excelente desde todo punto de vista. Los comerciantes y empresarios tienen mucho gusto. Han viajado por el mundo entero, están conectados por internet, mirando qué productos están lanzando las marcas mundialmente reconocidas. Sin embargo, Colombia no se destaca en sacar la ropa de consumo masivo, se destaca en la moda de pasarela, pero en el producto de consumo masivo priman las marcas internacionales. “En Colombia no hay empresas que se den el lujo de tener 50 o 100 diseñadores, porque sus ventas no son iguales a las de los grandes países”. Además, así quisieran ser diseñadores de consumo masivo, encuentran un problema, la materia prima. Además algunos le van copiando a otro, y copian porque la persona no pudo sacar un producto que le llegue al cliente, no pudo ser innovador, pero al copiarlo cambia algunos conceptos, “eso es lo que está haciendo el mundo entero, entonces no estamos siendo originales, nadie puede tirar la primera piedra…todos tratan de buscar similitudes bonitas para el público”, dice don Arturo Calle. La firma también decidió incursionar en la línea para niños con la marca Arturo Calle Kids. Ellos siempre

se han caracterizado por vender sus productos para un público masculino de quince años en adelante. Sin embargo, optaron por sacar esta línea porque quieren que “el niño, desde que tenga uso de razón, comience a familiarizarse con la marca Arturo Calle… Hoy compra el niño de ocho o diez años, y allí empieza a actualizarse, le va cogiendo amor a la marca, al producto, a la moda elegante que cambia”, dice don Arturo Calle. Ellos quieren que sus compradores estén con ellos desde que son niños. Además el niño empieza a participar mucho en la compra, aún cuando la decisión final la toman los padres. Arturo Calle es un hombre que quieren todos los colombianos, como bien lo dice “me quieren porque yo nací como el niño Dios, sin nada”. Esa ha sido siempre su forma de pensar “Arturo Calle naciste sin nada, no tienes porqué cambiar. Tienes que seguir siendo el bebé sencillo, amable, juguetón, tierno…no una persona altiva, petulante ni engreída”. Le encanta abrazar a la persona que se encuentre, sin importar su condición social o su oficio. Agradece a sus clientes y a todo aquel que lo felicita por sus productos. Es una persona sencilla que trata de no complicarse por cosas triviales, “Me quieren porque yo sé querer. Para mí, la mayor riqueza es el amor que me tienen los colombianos”. Su mamá fue quien le enseñó a ser una persona humilde y generosa, no sólo le enseñó de palabras, sino que ese fue el ejemplo que siempre vio en su hogar. Además, nos dijo que es un hombre que se siente satisfecho cuando se equivoca, reconoce su error y pide excusas.

Uno de sus temores es una enfermedad prolongada. No le gusta el sufrimiento. Una de sus grandes satisfacciones es el deber cumplido y ser honrado. Y un amor es el prójimo, su señora y los paisajes, ver lo que creó Dios. También cuenta de forma jocosa: “no tengo más de treinta años porque no quiero ser un adulto mayor… yo quiero conservarme en mi presentación…yo quiero estar bien de salud, conservar cierto peso, conservar mi dentadura. Mi actitud es de una persona de treinta, mantengo actitud así me esté muriendo. Quien envejece es la cédula pero no la persona. Si me ponen más de treinta, es la única manera en la que puedo sentirme ofendido”. El corazón de don Arturo Calle se mantiene las 24 horas del día en su empresa, aunque no permanezca en ella y en este momento sus hijos estén liderando el negocio. Siempre trata de aconsejarlos y ayudar en la compañía que fundó. También invitó a la diseñadora de la marca Arturo Calle, Pilar Medina, encargada del diseño, compras y calidad de la marca, quien nos habló de sus 26 años de experiencia en el mundo de la moda, y en su trabajo con personas recién egresadas. Para Pilar es fundamental que los diseñadores egresados puedan aterrizar sus trabajos y propuestas de diseño a las necesidades colombianas y a las necesidades de la

El empresario AMULAM

empresa con la cual estén trabajando. “Los números y la parte comercial es importantísima”. Los estudiantes, en ocasiones, “se venden muy bien en la entrevista…pero cuando se sientan a aterrizar las cosas, no te funciona”, cuenta Medina. Para ella es fundamental pensar en el consumidor y conocer a quién le van a vender: qué tipo de persona es, qué utiliza, si busca moda o busca confort, entre otras cosas. Para ella, Arturo Calle es una marca que tiene en cuenta al consumidor, por eso “todos los meses sacamos colecciones distintas. Mucha gente siente que se uniforma porque Arturo Calle es masivo, pero son muy pocas referencias de un diseño las que se sacan, y al mes pueden sacar muchas distintas. Nosotros no repetimos colección. Hay tanta variedad y color…”. En esto radica el éxito de la marca, en que cada mes sacan colecciones diferentes y que se mantienen actualizados con las últimas telas, los últimos colores. Asisten a muchas ferias de moda, visitan tiendas, etc. “Nos mantenemos en contacto con lo que está pasando, no sólo con el producto sino con el consumidor (qué hace, dónde vive, qué le gusta, qué come), sus hábitos de consumo. El éxito de la marca es que la gente está comprando nuestros productos”, cuenta Medina. Por todo esto el consejo que nos dejan don Arturo Calle y su diseñadora, Pilar Medina, es que seamos perseverantes, que enfrentemos obstáculos para que podamos llegar a donde queremos. Colombia no es un país tan fácil para comenzar, pero si las personas saben para dónde van, pueden apuntar a sus sueños con mayor facilidad y con su objetivo claro. “No crean que se van a comer el mundo con sus manos” dice Pilar. “La motivación para hacer las cosas no puede ser enriquecerse. El dinero sano y bien habido puede demorarse toda la existencia en llegar y si llega se queda, y si llega se sigue invirtiendo en lo mismo...el ánimo no puede ser tener más, sino ser acertados en nuestros proyectos. La mayoría de los profesionales deben entender que pueden tener un mejor nivel de vida, pero no riquezas”, dice don Arturo Calle. De esta forma nos despedimos de Don Arturo Calle y de esa oficina gigante como lo son sus almacenes y el pensamiento de la marca, con un fuerte abrazo y con el consejo de seguir haciendo las cosas bien.

La portada MALUMA

ARTÍCULO Y FOTOGRAFÍA: VÍCTOR HUGO VILLAMIZAR

EL PEQUEÑO

GIGANTE “D

oño”, como llamaban a Juan Luis Londoño Arias en el colegio, por su apellido Londoño, ahora es conocido como Maluma. Su marca la componen las dos primeras letras de los nombres de Marlli (madre), Luis (padre) y Manuela (hermana). Maluma es, sin duda alguna, uno de los artistas colombianos con mayor proyección en el medio de la música con el género urbano, y así fue reconocido por la revista Rolling Stones: “una de las promesas musicales latinoamericanas para el 2016”. Él es uno de los cantantes más populares con fans activos en las redes sociales y el líder entre cantantes masculinos latinos con 10.4 millones de seguidores en Instagram. Esta cifra se le suma a 18.7 millones de fans en Facebook, 2.5 millones en Twitter, y más de 800 millones de reproducciones en su canal oficial de YouTube. Sus éxitos “La Temperatura”, “Obsesión”, “Pasarla Bien”, “Miss Independent”, “Carnaval”, “El Tiki” y “Borró Cassette” se han convertido en himnos

La portada MALUMA

para la nueva generación de Latinoamérica y se encuentran entre los más descargados en toda la región. Estuvo nominado al Latin GRAMMY en el 2013 por “Mejor Artista Nuevo” y en el 2015 por “Mejor Canción Urbana” y cantó en la entrega de premios ambos años; recibió el MTV Millennial Award 2014 como Artista del Año por Colombia y el Kids’ Choice Award 2014 por Artista o Grupo Colombiano Favorito. En estos premios se destacó como el único conductor de toda la gala juvenil. A finales del 2014 se convirtió en el coach ganador de La Voz Kids Colombia, el programa líder en ratings en el país, y en el 2015 volvió a ser coach la segunda temporada del exitoso show. Ese mismo año, Maluma lanzó su segundo álbum Pretty Boy Dirty Boy bajo la discográfica Sony Music US Latin. Recientemente Maluma se convirtió en el primer artista latino masculino en rebasar los 10 millones de seguidores en Instagram, dejando así también constancia de su gran popularidad. Actualmente cuenta ya con 10.4 millones de seguidores. El artista de veintidós años de edad también cuenta con 18.7 millones de seguidores en Facebook y 2.5 en Twitter. Maluma es finalista en dos categorías a Premios Billboard de la Música Latina 2016: Artista del Año, Debut y Canción “Latin Rhythm” del Año (por “Borró Cassette”). Premios Billboard se llevará a cabo el 28 de abril. En corto tiempo ha creado una imagen que muchos jóvenes a su alrededor la imitan. El diseño, para él, es parte importante en todo lo que hace. Desde su indumentaria hasta la creación de su marca, Maluma no deja de lado ningún detalle y trabaja con su equipo en todo lo que le rodea. Boceto habló con él en el lanzamiento de su nuevo CD llamado ‘pretty boy dirty boy’ y su colección de ropa avalada por Amelissa, nos comentó sobre él y el diseño.

¿En pocas palabras quién es Maluma? Soy un hombre común y corriente, un joven de 21 años con muchos sueños por cumplir. Que se divierte, ríe y la pasa bueno, pero que también vive las duras, y no obstante llora de vez en cuando.

¿Qué significado tiene la familia para Maluma? Todo el significado del mundo, ellos lo son todo para mi. Son mi motor, mi polo a tierra y son quienes me ayudan a seguir creciendo día a día por medio de sus consejos y sabiduría.

¿En tu corta carrera cuéntanos cómo lograste tu éxito? Comencé teniendo un sueño claro, trabajé y trabajo por él a diario. Sé que me hace falta mucho por hacer, pero estoy en una etapa de descubrimiento y aprendizaje.

¿Qué es ser un ícono para ti? Un ícono es la persona que todos siguen, pero que lo siguen porque tiene una imagen o un concepto claro y que muchos se identifican con él.

¿Cómo recibiste la noticia del reconocimiento de Rolling Stones? Fue muy chévere, y más que se fijaran en mí como una joven promesa en el ámbito musical y más aún en el genero que canto. Encima que Rolling Stones es la biblia de la música en el mundo, así que estoy muy agradecido e inmensamente feliz.

¿Define tu estilo en la forma en que te vistes? Urbano con estilo, ya que hay aspectos importantes que se destacan dentro del género urbano, pero lo mio es diferente, es generar una tendencia.

“ColOMbia tiene los mejores

DISEÑADORES con propuestas e IDENTIDAD “

La Aportada MULAM ¿Crees que el estilo musical urbano va a durar mucho tiempo? Pienso que sí. Durante diez años han dicho que no tiene futuro, y ahora todos hacen feat con los artistas urbanos. Las emisoras número 1 son urbanas, los festivales latinos algunos son urbanos, es un movimiento grande que dudo se termine. Pueda que se reinvente como la salsa, el vallenato o el rock, porque el estilo urbano es un género gigante y vino para quedarse.

¿Qué significa el diseño para Maluma? No soy diseñador pero me gusta la moda y lo que ella encierra. Desde pequeño he tenido claro qué me atrae para vestirme y el estilo que quiero proyectar con el cual me siento bien, sin imitar a nadie.

¿Cómo ves el diseño en Colombia? La verdad no soy autoridad para decir que está bien o está mal, pero en algo estoy seguro y lo tengo claro es que en Colombia tenemos los mejores diseñadores con propuestas e identidad y eso lo he visto. Cuando estoy afuera, se habla sobre el diseño colombiano de muy buena forma en todos los ámbitos.

¿Cómo te ha ido con tu marca de ropa? Gracias a Dios muy bien. No nos imaginamos que tendríamos que sacar tan pronto la segunda colección, todo gracias a Amelissa, quienes son los que me ayudan. Ellos creyeron en mí y me pusieron todo su equipo para que mis ideas se convirtieran en prendas reales y fueran usadas por todos los chicos y chicas para que tengan un poco de Maluma.

¿Cuál es el consejo a las personas que te siguen?

@MALUMA

Tengo 22 años, estoy comenzando en mi carrera y, si los sueños son claros, pues hay que ir tras de ellos. Sólo puedo decir que soy un ejemplo de creer en algo que siempre me propuse y siento que lo estoy logrando.

@MALUMA

Un mensaje para la comunidad de Taller 5:

@MALUMAMUSIK

A todos mis parceros de Taller 5, gracias por seguir mi carrera, los que la siguen, por el apoyo en lo que hago y por haberme tenido en cuenta para esta edición, se les quiere.

LO ÚLTIMO

artículo: Víctor Hugo Villamizar R. fotografía: Andrés suárez Ilustración: kevin garzón.

@2000depan

@dosmildepan

@2000depan

lejo, como lo conocen sus amigos, es un publicista de 29 años en formación todos los días, como él mismo se describe: “ya que aprendo de lo que veo, hablo y desconozco”. Él ha pasado por carreras como diseño gráfico y contaduría, ha aprovechado lo que experimentó en estos dos saberes y en otros campos en los cuales se ha involucrado, para desarrollarse como persona y como profesional.

LO ÚLTIMO Es creativo, arriesgado, inquieto, activo y con iniciativa para poner ideas y estrategias digitales de acuerdo a las expectativas de los clientes con los que trabaja. Siempre le ha gustado estar actualizado en las nuevas tendencias del mercado; ha estado atento a estudiar e investigar sobre el comportamiento de los usuarios y la evolución de los canales sociales. En la actualidad es Social Media Manager, de igual forma se desempeñó como Community Manager, ambos cargos en la Agencia Milagros. Durante la conversación con Boceto nos contó que un Community Manager es la persona encargada de ser el puente de comunicación bidireccional entre las marcas/empresas y sus usuarios, todo esto en un campo virtual o digital a través de las redes sociales. Es un vocero de las empresas y como lo dice él mismo: “es quien maneja las comunidades, las cuales pueden ser propias o pueden estar en la web buscando ser encontradas”.

Según Alejandro, para generar un contenido que influencie a la comunidad es necesario entenderla, conocer quiénes hacen parte de ella y qué les gusta. Luego, con estos datos, el Community debe saber qué tiene la marca para ofrecerles, suplir sus gustos o mostrarles de forma atractiva quiénes son y qué hacen. Con esto lograría posicionar el contenido en los usuarios, y así mismo influenciar la comunidad. Este trabajo no es sencillo, ya que los intereses de las personas cambian constantemente. Las nuevas generaciones como los millenials y los X se apoderan cada vez más del mundo digital, y ellos consumen contenidos fugaces por otros medios, o simplemente confían en sus amigos. En este punto es cuando aquellos que trabajan en el mundo digital deben encontrar la forma en que los usuarios los vean como sus amigos, sin perder la esencia de la marca, y así lograr que ellos consuman los contenidos. También nos dijo que . Por esta razón quien las opere debe lograr impactar, y para esto tiene menos de cuatro segundos de atención de la comunidad. Y si a eso se le suma que las redes cada vez se enfocan en “obligar” a consumir sus servicios pagos, entonces se debe generar cada vez más esfuerzos en lograr que alguien mire el trabajo. Esto es un modelo de negocio simplemente, las redes son gratis pero se debe sacar ganancia de alguna forma. Según Cortés, “cada red social tiene sus elementos de diseño que las hace únicas, de lo contrario no habría tanta red social y las que se vienen en camino”. Para él, más que el diseño de cada red lo que se debe entender es para qué sirven, con base en esto podemos

LO ÚLTIMO

entender qué contenidos vamos a consumir, y podemos generar o diseñar. De esta manera, quien las maneje logrará aprovecharlas al máximo. En las redes muchas marcas están posicionadas a nivel mundial, Coca Cola es una de ellas (http://www. genwords.com/blog/como-el-content-marketing-beneficio-a-coca-cola-caso-de-exito/ ). Oreo indiscutiblemente es el rey de las redes sociales (http://www. merca20.com/5-estrategias-que-hicieron-de-oreoel-rey-de-las-redes-sociales/ ). Pero eso no significa que se deban seguir las estrategias de estas. Cada marca tiene una personalidad, y está en las manos de la creatividad del equipo que las trabaja. Ellos sabrán sacarle provecho a la misma y generar campañas lo suficientemente impactantes para su comunidad.

Actualmente la red social con más influencia es Youtube, pero no es una red de interacción y dinamismo. Facebook podría ser la red que logra tener estos dos conceptos en sí misma, pero está perdiendo fuerza ya que muchos tienen un perfil en ella pero no todos lo revisan ya. Existen redes que están iniciando su camino con muy buen futuro, como Snapchat o Vine. La idea de estas es crear y compartir contenidos gráficos cortos. Ambas han causado gran furor y le gustan a las nuevas generaciones, que siempre buscan la manera de compartir sus momentos diarios. Lo único definido en el futuro digital es que debemos aprovechar el momento y siempre estar pensando en lo que se viene. En ocasiones lo que tenemos en mente se nos puede ir al suelo porque sencillamente la comunidad ya no está en x red social. Así que el consejo que nos deja Alejandro, para aquellos de la comunidad de Taller 5, que quieran entrar en el mundo digital es que “entiendan que no es un mundo aparte. Es otra forma de vivir la realidad actual y como tal se debe convivir y compartir con muchas más personas. Por lo tanto, deben, por lo menos, tener claro qué quieren hacer o cuáles redes quieren usar, para qué lo harán, y disfrutarlas. “Pero ojo: siempre teniendo cuidado, ya que existen muchos engaños en las redes sociales”.

el invitado

POR: DAHIANA MEELHUIJSEN. FOTOGRAFÍA: VÍCTOR HUGO VILLAMIZAR Y ARCHIVO PERSONAL ILUSTRACIÓN: JULIÁN SANTA.

@delportiyo

@del portillo

@del.portillo

osé David del Portillo es un diseñador industrial nacido en la ciudad de Bogotá, tiene 28 años y desde hace algún tiempo ha estado creando piezas, objetos y muebles que se puedan restaurar o que no impliquen un presupuesto tan alto. En este sueño ha contado con el apoyo de algunos artesanos del país. En la actualidad, su marca, Del Portillo, ha estado incursionando en el mundo de la exportación y está estableciendo relaciones con Milán. Ha vendido productos en el exterior, y una de sus metas a corto plazo es ser parte de tiendas reconocidas con sus productos. En medio de todo este proceso creativo su principal fuente de inspiración es su ciudad, Bogotá. La cotidianidad y el conocimiento de la misma le ha permitido explorar materiales, crear tendencias e innovar en las piezas creadas. La mayoría de los materiales que utiliza para crear sus muebles son reciclados: maderas procesadas, compuestas y certificadas que proceden de cultivos, y este material es el estilo que diferencia a Del Portillo del resto de diseñadores: el uso de la madera como material principal en sus diseños y el respeto por la naturaleza de la misma, los cuales enriquecen el diseño y permiten que se ahorren costos en la producción y el proceso de creación. De todo este proceso nació el slogan que los caracterizó por años: “Piezas que perduran con el tiempo”. Esta frase lo consolidó en sus inicios y fue evolucionando hasta llegar a: “Creación continua que se resiste al tiempo”.

el invitado Hace poco, Del Portillo estuvo presente en Colombia Moda. Fue un evento donde compartió una conferencia en la cual se dio cuenta que en Colombia se está despertando un interés genuino por el diseño industrial. Por ejemplo, algunas personas han querido conocer el proceso creativo detrás de los muebles que compran o exhiben en la tienda o en las mismas ferias, y este aprendizaje hace que empiecen a valorar el trabajo de todos aquellos que están involucrados, como un carpintero, un ebanista o un tapicero, entre otros. Del Portillo piensa que “en Colombia, el diseño tiene mucho potencial y están saliendo grandes artistas en este campo”. Sin embargo, considera que las universidades en el tiempo de preparación deben ofrecer proyectos realistas que puedan abrir campo para sus estudiantes. Algunas proyectos son intangibles o irrealizables debido a la maquinaría o la tecnología que se encuentra en el país.

Por lo anterior, el consejo que José David quiere dejarle a los estudiantes que sueñan con diseñar productos es que piensen en piezas funcionales y materiales, que no afecten el medio ambiente y que los proveedores sean fáciles de conseguir. Otro punto fundamental que deben analizar es el mercadeo de sus productos. Es clave la plataforma virtual desde la cual trabajen. Para él, “una buena plataforma virtual te lleva de aquí a China”. Por eso, si tu sueño es crear tu propia empresa, la clave es empezar desde ya y no esperar a salir de la universidad. Estar en la universidad y en tu entorno puede proveer clientes, recursos y ambientes para crear producción y muchas cosas que necesitas cuando estás arrancando. Del Portillo es un equipo, una familia: un ebanista, un artesano, un gráfico y, en ocasiones, un fotógrafo o la persona que hace producción. Este equipo se posicionó en el mercado gracias a un trabajo en conjunto muy fuerte. Empezaron a vender desde su casa. Se movieron constantemente en las redes sociales y empezaron a posicionarse en el campo de las grandes tiendas. Gracias a esto, y sumado al trabajo en equipo y a sus piezas exclusivas y de calidad, es que se han consolidado y posicionado en el mercado. Ahora este equipo está trabajando por llevar sus productos fuera del país y abrirse campo en el mercado europeo y estadounidense. Uno de los productos exclusivos de Del Portillo son las sillas. Para él, “la silla es un objeto que te mantiene y resiste tu cuerpo, en el cual a veces estás más de cinco horas al día, entonces es un soporte”. Por eso a la hora de diseñar este producto piensan en materiales y en diseño ergonómico para sus clientes.

José David ha tenido la oportunidad de exponer sus productos en ferias nacionales como Casa Moda, feria que patrocina Inexmoda, una de las ferias latinoamericana más grandes. También ha estado presente en Odeon, ArtBo, Ocupa Macarena y Camp. En estos eventos ha tenido la oportunidad de conocer otros colegas y mostrar sus productos. Además, dentro de este equipo también realizan trabajo social. Ellos le abren las puertas de su empresa a un ebanista o un carpintero, para que trabajen a la par con él y aporten su valioso trabajo en la construcción de piezas de diseño. A futuro sueña con tener una fundación sostenible en la cual puedan ayudar y enseñar a un sector de la población a crear piezas producidas a mano o productos industriales y comerciales. La última colección de Del Portillo, mobiliario hecho a mano, es Poisson. Una colección en la cual los colores predominantes son el amarillo, el gris y el caoba. Colores tierra que fueron previamente analizados de acuerdo a las tendencias que se estaban presentando en la moda y en las redes sociales. Es una colección fresca, con colores naturales que pretenden seguir conectándose con sus clientes como lo han hecho con otras colecciones. En la próxima colección quieren apostarle a materiales diferentes, como los metales, la fusión con la cerámica, y la creación de objetos; a seguir marcando la pauta en el diseño. No sólo quieren desarrollar sillas y mesas sino incursionar en productos y accesorios del hogar. En este momento están realizando investigaciones para producir objetos que superen la decoración sino que además el objeto diseñado ayude en el proceso de maduración y cuidado de los alimentos.

el invitado Todas las piezas construidas en Del Portillo son de todo el gusto de José David, como bien lo dice “Yo construía las piezas que a mí me gustaban”. Los colores de la colección, la decisión de utilizar la madera con su color natural, la ergonomía y comodidad de las sillas o la altura de las mesas se hacen pensando en el cliente, y en piezas que sean de buen gusto. La redes sociales y la comunidad virtual han sido un factor fundamental para que Del Portillo se posicione en el mercado. Por medio de e-mail o páginas de tiendas de diseño ha podido abrir espacios para comercializar sus productos y tocar puertas en el exterior. Como bien lo dice: “funciona cuando te sabes acercar, pero no es algo que te dé seguridad. Te debe dar seguridad tu trabajo físico y tangible”. Del Portillo no sólo es José David Del Portillo, es una marca detrás de la cual trabaja un equipo de personas increíbles. Es una empresa que se posiciona en el mercado por su trabajo en equipo, su consciencia social, su gusto y amor por el diseño y por brindar productos de excelente calidad a sus clientes.

la visión

artículo: Carolina Mendoza fotografía: BEatriz quiroga, andrés suárez y archivo personal

@photohq7

@Henri Quiroga

@photohq7

collage

UNA FORMA DE EXPRESAR ARTE

la visión

MARIANO

alonso artículo Y FOTOGRÁFIA: VICTOR HUGO VILLAMIZAR R.

MARIANO ALONSO ES UN ARTISTA NACIDO EN 1976 EN SAN JUAN, ARGENTINA, ACTUALMENTE RESIDE EN BUENOS AIRES DESDE 1994. ES MÚSICO, CANTANTE, MAESTRO DE CANTO, ACTOR EN TEATRO Y ARTISTA DEL COLLAGE.

@collagesmarianoalonso

¿Qué es el collage según tu concepto? El collage para mi es básicamente tomar materiales ya existentes o partes de los mismos y reinterpretarlos a través de las distintas combinaciones entre ellos, creando así algo nuevo; con las inagotables posibilidades que esto nos propone y hacer cosas que vienen a mi mente.

¿Cómo ves el collage como propuesta en las tendencias del arte? Bueno, creo que tiene que ver con un cambio que se produjo a través de Marcel Duchamp principalmente, que dijo algo así como que cualquier cosa que elige un artista puede ser arte; que el arte puede partir de cualquier cosa que nos rodea; y ahí es donde entró en juego el collage, que es un técnica maximalista, adaptable a todo, uno puede hacer collages con papeles, con fotos, con pinturas, con la música,etc.

¿Cuál es tu visión para crear estas piezas? La visión que yo encontré en mis trabajos tiene que ver con algo que llamé “Atravesa-

@marianoalonsocollages

dos”. Diferentes elementos que atraviesan a las personas, y que pueden generar varias ideas y sensaciones acerca de nuestras vivencias o marcas como seres humanos. Algo que desarrollé un poco más aquí: http:// marianoalonsocollages.tumblr.com/

¿Has hecho exposiciones? Si, varias. En la Universidad de Palermo de Buenos Aires y en otros centros culturales.

¿Para ti cuál es la persona más influyente en tu trabajo y la mejor en esta técnica? A mi me influyó mucho Hannah Hoch, una artista alemana del movimiento dadaísta; a partir de que observé sus trabajos empecé a pensar más a los collages como obras y comencé a encararlos de otra manera; antes era un juego; ahora también, pero con más elaboración y trabajo.

¿Qué debe tener una persona que quiera involucrarse en esta técnica? Ganas. Nada más. No hay un pre concepto o requisito, cada uno va a encontrar por dónde ir, y eso no se sabe de antemano.

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¿Qué es lo más complicado en esta técnica? Bueno, quizás lo difícil es que en un principio el collage se presenta como algo muy fácil. El acceso al material es muy rápido, la obtención de resultados que nos parezcan lindos o que queden bien suele ser instantánea; pero lo difícil es el desarrollo de tu propia identidad como artista. Usas materiales que ya existen, que ya hizo otro, que representan algo predeterminado; y para crear algo nuevo hay que ver cómo juntar las partes, como cortarlas, pegarlas, que materiales usar etc, para eso hay que pensar mucho y experimentar mucho también.

Se me ocurre compararlo con el canto; que es mi actividad principal; que también dentro de la música a veces podemos pensar que es el instrumento más fácil de ejecutar, porque casi todo el mundo canta, y no es necesario estudiar música para hacerlo; pero, por otro lado es difícil, porque es un instrumento que al contrario de los demás, no es visual, no lo vemos, está dentro de nuestro cuerpo, y necesitamos mucha más percepción y registro de muchas cosas para desarrollarlo.

¿Qué le aconsejas a las personas que quieran involucrarse en esta técnica? Que empiecen a experimentar, como un juego, sin prejuicios y después si les interesa que busquen alguien que los guíe.

¿Hay alguna tendencia en el collage? Creo que hablar de tendencia de forma general es algo que tiene que ver más con lo que está de moda. Tal vez haya estéticas o estilos que cumplen ese rol por momentos. No me interesa mucho eso. Por supuesto que hay influencias, inspiraciones y cosas de otros que nos funcionan como referentes, pero él cómo usamos, como combinamos todo esto, osea, qué collage hacemos con esto que tenemos, es lo que genera la diferencia. Creo que cada uno, y sobre todo un artista, debe encontrar su abordaje propio y respetar por donde tiende a ir con eso; es decir, su propia tendencia.

“NO HAY

UN PRE

CONCEPTO O REQUISITO, CADA

UNO VA A ENCONTRAR

POR DONDE IR

Y ESO NO SE SABE DE

ANTEMANO ” MARIANO ALONSO

la visión

el invitado

ARTÍCULO y fotografía POR: Víctor Hugo Villamizar R.

@pablo_textil

@pablo.textil

@pablo_textil

ablo Insaurraldi es argentino, Ingeniero Textil, pero con un claro raigambre en el diseño de alto valor estético y simbólico, hoy es uno de los referentes de la nueva generación de profesionales textiles de Argentina. Con 32 años de edad y 10 años trabajando con diferentes textiles, transitó por espacios académicos, de docencia, producción, diseño seriado e intervenciones artísticas de espacios con los textiles que fábrica. Su actividad textil se divide en dos intereses. Desde lo proyectual: “me interesa hacer hablar a las estructuras textiles”, centrando su atención en el tejido plano. Su segundo enfoque es la investigación de posibles aplicaciones de la fibra de lana. En ese camino ha descubierto intereses proyectualmente opuestos: un textil sin diseño modular, sin estructuras, el fieltro (fibra de lana). Cuando Pablo habla de la fibra de lana, considera que Argentina tiene una gran oportunidad para toda la cadena de valor que puede desarrollarse. Todos los años se encuentra entre los primeros puestos de exportación de lana a nivel mundial. Desde los comienzos del país, la ganadería ovina constituyó una tradición productiva, llegando a representar alrededor de la década de 1960 el 20% de las existencias de este sector al mundo. En la actualidad, según las estadísticas del Ministerio de Agricultura, Ganadería y Pesca argentino, durante la zafra 2013/2014 se produjeron alrededor de 44 mil toneladas de lana, de las cuales solo 2 mil fueron

el invitado usadas para consumo local y la restante fue exportada. Ahora, esta exportación se hizo casi en su totalidad sin valor agregado (lana sucia) o como producto intermedio (lana lavada, peinada, blousse y subproductos), y solo con asomarse en la cadena de valor textil trajo a su país cerca de 185 millones de dólares. Insaurraldi piensa en cuánto podrían multiplicarse estos números si en lugar de exportar materia prima pudiesen desarrollar productos destinados a esos mercados. Si bien es quizás la primera fibra que conoció la humanidad (por el fieltro, y posteriormente el hilado y el tejido), en la actualidad sigue vigente y sobretodo destinada a productos proyectados a los mercados de alta gama, por sus propiedades naturales y su baja escala en comparación con otros polímeros sintéticos, que fueron su reemplazo dentro de los productos de consumo masivo.

En lo relacionado con el rol del diseño en el medio textil, Pablo cree que “es una actividad transformadora de la calidad de vida y del desarrollo de los países”. Sin idealizar demasiado, piensa que “la línea divisoria entre los países desarrollados y aquellos que están en vías de desarrollo se encuentra ahí, en la capacidad que tienen para producir productos y desarrollar tecnología”. Y ahí entra el diseño y los diseñadores como posibles agentes de desarrollo. El fieltro es un tipo de textil no tejido, que se trabaja con lana, pero sin hilar. Aprovechando sus propiedades naturales, se arma un velo que luego, bajo determinadas condiciones, hace que las fibras se apelmacen y se suelden de forma irreversible entre sí. El resultado es una tela liviana, bastante rígida en comparación con otros textiles, pero al no tener que responder a una estructura tejida de un ligamento, resulta ser una técnica que al usar colores se vuelve muy expresiva plásticamente. Por fabricarse por medio de apelmazamiento de fibras, si estas se colocan en un molde adecuado, se pueden lograr piezas 3D sin costuras, como sombreros, cuencos, almohadones, fundas, carteras, accesorios o la misma indumentaria y calzado. Pablo llegó al fieltro convocado por uno de los principales referentes del país en esa técnica, Evelyn Bendjeskov, una gran artista que le ofreció lugar y le abrió puertas a la experimentación dentro de su equipo. “Fue un camino muy lindo”, donde todo lo que se le ocurrió intentó hacerlo. Una exploración que comenzó con una impronta muy fuerte de producto, de aplicaciones, pero fue virando hacia caminos de expresión artística. Hizo los fieltros con su equipo, y aún mantienen una producción artesanal, pero es un textil que puede industrializarse o semi mecanizarse para producciones

seriadas. “El fieltro es el textil más antiguo de la humanidad, en Argentina no era parte de la idiosincrasia textil como si lo eran los tejidos”. Cuando se comenzaron a ver productos, se vivió con mucha novedad tanto desde los consumidores, como también desde los sectores textil y el diseño de modas. Desde que él comenzó, el sector académico se mostró muy curioso y entusiasta con esta forma de pensar. Dictó clases de fieltro en cátedras de diseño de indumentaria y en diseño textil de la Universidad de Buenos Aires, Instituto de Tecnología ORT, Universidad de Morón; y en eventos académicos como el Encuentro Latinoamericano de Diseño, que organiza la Universidad de Palermo, y la primera Bienal Nacional de Diseño de la Universidad de Buenos Aires. Con respecto al aporte e innovación con este tipo de textil, Pablo aduce que Argentina puso las materias primas estratégicas a desarrollar en la región. En Uruguay y en Brasil también hay producción lanera para desarrollar, y entre todos fueron expandiéndose. Hoy existen excelentes colegas entre los países. Tomó mucho auge en la artesanía, con muchos aciertos y fracasos. Tuvo buena aceptación en el diseño de indumentaria, en producciones seriadas y de autor, aunque con una entrada más tímida, ya que aún no se instalaron del todo las potencialidades creativas del material entre los diseñadores. Por otro lado, una buena oportunidad está en la arquitectura y diseño de interiores, donde las telas toman una escala más grande y ofrecen ventajas comparativas con otros materiales, ya que se puede generar textiles artísticos y de autor, reemplazando textiles técnicos. Cuando Pablo habla del 2015, expresa que fue un año de bastante actividad académica alrededor de la lana y el fieltro. Fue jurado y conferencista del Concurso de Diseño Sustentable en el marco del X Encuentro Latinoamericano de Diseño (del cual hace parte desde 2011), que organiza la Universidad de Palermo. También se incorporó al equipo docente de Licenciatura de Diseño de Indumentaria de la Universidad de Morón. Igualmente colaboró con la Catedra de Diseño Textil a cargo de Verónica Schobert de la Universidad de Buenos Aires, pusieron a la fibra de lana como protagonista de las tesis de Diseño Textil para que los estudiantes se apropien del material y la actualidad del mismo. En lo relacionado a cómo ve la carrera de diseño textil y de moda en la Argentina, Insaurraldi expresa que “hay muchas carreras que en nuestro país aún son muy jóvenes”. Es un espacio académico dinámico, con debate

el invitado

sobre cuál es el espacio del diseñador en la sociedad y un espacio académico en constante crecimiento. En los últimos años, los primeros egresados están en espacios específicos que antes eran ocupados por arquitectos, artistas o técnicos especializados, que fueron quienes forjaron la docencia y la creación de estas carreras. Por otro lado, la globalización, los estudios de tendencias que se hacen específicos y los consumidores que hoy día, buscan expresiones cada vez más personales de los productos que consumen, como también de las experiencias de compran. En su país tienen experiencias interesantes tanto en lo artesanal, como es el caso del fieltro, al igual que en nuevas tecnologías asociadas a las telas con nanotecnología que, por ejemplo, con estos desarrollos podrían transferir propiedades impensadas en otro momento a los textiles, como perfumes resistentes a los lavados o capacidad de repeler insectos.

Cuando le preguntamos si en los últimos años se ha perdido la parte manual por lo digital, él dice que no, que se ha jerarquizado lo manual por sobre lo digital. Hoy son muy valoradas las técnicas artesanales de estampado o intervención, bordado o tejido mismo. La baja escala tiene una ventaja competitiva, la de la flexibilidad productiva. Y eso generó un espacio nutritivo y necesario, pero a veces frágil de simbiosis entre los diseñadores textiles y de indumentaria. Repecto a un intercambio con Taller 5, Centro de Diseño, Pablo cree que son necesarios, sobretodo en Latinoamérica donde se tiene mucho para nutrir y pensar en conjunto, ya que vivimos situaciones generales parecidas y resultados particulares que pueden servir para generar nuevas oportunidades competitivas de la región frente a mercados globales. En lo relacionado con el diseño textil colombiano, Pablo comenta: “conozco la obra de la artista Olga de Amaral, que hizo una tremenda obra de tejidos en oro, inspirado en la cultura precolombina. Su obra es reconocidísima a nivel mundial”. También cree que es uno de los referentes fuertes del textil como nuevo soporte de expresión para todos los que están en este maravilloso rubro. Para terminar, Pablo deja una recomendación a los diseñadores de Latinoamérica: “deben intentar tener puntos de partida que estén íntimamente relacionados con nuestras particularidades para ser pensadas en un mercado global”. También invita que busquen materiales autóctonos o de producción local, y nuevas aplicaciones alrededor de los mismos; que recuperen técnicas o procesos textiles locales y los incorporen a su lenguaje; que se inspiren en la cultura, tanto en lo ancestral u originario, como también en nuestras cosmovisiones actuales, que contienen tanta riqueza para mostrar nuevas tendencias.

La novedad

artículo: VÍCTOR HUGO VILLAMIZAR Y LAURA CALDERÓN FOTOGRAFÍA: VÍCTOR HUGO VILLAMIZAR

@FOTOMUSEO

Fotógrafa de profesión y apasionada con la misma, Gilma Suárez, Directora de Fotomuseo, es una mujer reservada y comprometida con la hermosa labor que ha logrado en Colombia con el Fotomuseo. Hace treinta y cuatro años está dedicada a la fotografía; sus inicios fueron en París, donde comenzó de forma autodidacta y, con ansias de aprender más, llevó su trabajo a una escuela, donde aspiraba conocer y explorar todo el mundo de la fotografía. Sin embargo, sus trabajos la llevaron un paso adelante de la escuela a conocer grandes profesionales, entre ellos a George Fevre, el mejor laboratorista del mundo, quien hacía tirajes exclusivamente para exposición a Cartier-Bresson, “Este fue un paso importantísimo para mi carrera y con él trabajé como su monitora”, dice Suárez. Su trabajo era innovador dentro del mundo fotográfico, y este, que Gilma presentaba es el que aún le corre por sus venas. Desde sus inicios como autodidacta capturaba escenas en los museos de París. Se iba desde temprano, recién abrían los museos, y se quedaba allí tomando fotos, “esperando el momento”. En París aprendió por si misma a tomar fotografías, y como monitora aprendió a mejorar sus impresiones. A su regreso a Colombia cultivó ese amor por la cultura, por el arte y por ser puente y medio para el aprendizaje de otros. Al principio enviaba fotografías a El Tiempo y a Cromos, quienes publicaban las fotografías que realizaba para ellos. Llevando a cabo

La novedad

OBRA: JUAN PABLO VELASCO

OBRA: ITVOGUE SHOE STORY

esta labor le surgió la necesidad de generar un lugar donde fotógrafos y estudiantes de fotografía tuvieran su propio espacio, el cual no existía en Colombia. Con mucho ahínco, esfuerzo y pasión, en 1998 creó La Fundación Fotomuseo (Museo Nacional de la Fotografía Colombiana) y, en el año 2001, el día 6 de Agosto, como un homenaje a Bogotá, el Fotomuseo salió a la calle. Así que en este año el Fotomuseo cumplió quince años de estar en la calle. Gracias a esta idea materializada, el Fotomuseo ha podido generar diversas actividades en pro de los estudiantes y de la cultura, entre las que encontramos la Foto Maratón, que se convirtió en una institución de la ciudad de Bogotá. Desde que comienza el año, empiezan a llamar al Fotomuseo y preguntar por la Foto Maratón. “Otra de las actividades que se ha reconocido en el medio es La Bienal (2005), que fue un paso dentro del recorrido del Fotomuseo que se debía dar”. El Fotomuseo ha trabajado durante diez años en la Bienal y en la Foto Maratón. También ha realizado libros importantes con reconocimiento en el exterior; les han solicitado libros como La historia del ejército Nacional de Colombia, desde los Muiscas hasta hoy. Para el Bicentenario hicieron un libro titulado Un día en la vida de Colombia 200 años después, y este libro se encuentra dentro de una urna que será abierta dentro de 100 años. Una de las prioridades del Fotomuseo es la consecución de recursos. Actualmente tienen la necesidad de crear una sede. En sus inicios no se pensó en un lugar porque la idea era que “fuera un museo incluyente, un museo de la calle, en donde el señor de estrato doble cero y el señor de estrato cincuenta pudieran ver la obra”. Esta interacción se convertiría entonces en una fotografía frente a la fotografía. Sin embargo, surge la necesidad de una sede porque en este momento tienen la colección internacional más grande que existe en Colombia y no hay un lugar propio dónde exponerla. Fotomuseo quiere que sea un espacio para que los estudiantes puedan aprender de fotografía, de arte, de cine, estudiar, trabajar y que la gente en general pueda participar y utilizar este espacio. “No es una cosa de paredes, eso no es lo esencial, porque queremos que Fotomuseo no pierda su esencia, el museo de la calle”. Gilma también nos contó que cree firmemente que la fotografía es una de las áreas del arte interminable,

porque vivimos en el siglo de la imagen. En El Fotomuseo se ha logrado un papel importante en la cultura y el arte colombiano, porque ha sido precursor de la divulgación de la fotografía en Colombia. Cuando Gilma llegó al país, el concepto de una galería o de realizar una exposición fotográfica era impensable, hoy en día no hay una galería que no esté exponiendo y, la galería llegó a Colombia para quedarse. En algunos Museos y bibliotecas el 70% de su programación son fotografías. En nuestro país han surgido escuelas de fotografía, concursos de fotografía y cantidades de eventos y programas relacionados con esta área. “Estamos en un ambiente muy importante, que está favoreciendo a los jóvenes que quieran hacer de esta actividad su modus vivendi”. Cuando se fundó el Fotomuseo se inició con reportería, pero después de quince años, la variedad de propuestas que existe en el campo fotográfico es infinita. La fotografía es un tema de nunca acabarse, siempre habrá innovación y será un punto de partida para otras ramas. “La fotografía llegó a Colombia para imponerse y para permanecer”. Muchos artistas fundamentan su trabajo en la fotografía y sus estudios parten de imágenes. La fotografía es un elemento que penetra todo y, “todo el quehacer de la vida la fotografía lo permea”. Los eventos que se realizan en otros países, “sin ánimos de aspavientos, no le llegan a los tobillos a los eventos culturales en Colombia. Colombia es pionero en el mundo. Somos un país que se destaca por su calidad humana, y eso es propio de los colombianos”, asegura Suárez con contundencia. Por esto debemos seguir esforzándonos en invertir en nuestra juventud. En el momento de la historia que estamos, el campo digital y el campo manual son dos cosas distintas y apasionantes. La fotografía análoga nos invita a explorar qué sucedió, ahora tenemos la ventaja de tener la fotografía allí, en ambos campos se juega el talento. Diferentes procedimientos nos llevan al mismo resultado, por eso debemos esperar y apoyar lo que venga por delante. Actualmente han surgido muchas escuelas que han formado gran cantidad de fotógrafos, lo cual ha generado una demanda altísima en este campo.

La novedad Sin embargo, Gilma considera que pueden tener espacio en Colombia cuando tienen buenas fotografías y buenas propuestas para presentarse en un trabajo. “Lo importante para un fotógrafo es que tenga ojo y disciplina para crear imágenes que le retengan la retina del ojo al público”.

Gilma es una mujer que se destaca por su humildad y sencillez, que se esmera por servir a sus colegas y dar lo mejor de sí. Piensa que Colombia ha ido progresando en su conocimiento de las artes, hay muchas iniciativas para eventos sociales y movimientos teatrales; por ejemplo, La Candelaria hace propuestas contundentes. Sin embargo nos falta trabajar en nuestra memoria, también en nuestro patrimonio y en ahondar en la historia. Debemos invertir en la educación de la generación que está surgiendo, para que se vea reflejada en la cultura y en los programas que van encaminados a generar importancia en los deportes, las artes y el cine. Por esta razón el Fotomuseo se esfuerza por realizar capacitaciones económicas y asequibles para el público. Estas incluyen invitados internacionales, conferencias, y el privilegio de entrar al ciclo de cine gratuitamente; porque Fotomuseo es el museo de la inclusión. Fotomuseo quiere que el público pueda acceder a ellos sin buscar fines lucrativos. El estudiante puede obtener, en una semana fotográfica, muchísimo conocimiento. Esa semana ofrece al público talleres, conferencias y el libro tan importante en el que queda consignado el trabajo de los estudiantes, porque le ofrece una exposición a los mejores estudiantes de fotografía de cada universidad. Por esta razón algunas universidades se han involucrado en este proyecto, porque han entendido que así invierten en sus estudiantes.

OBRA: CHEMA MADOZ

A lo largo de estos 15 años la experiencia del Fotomuseo ha sido muy enriquecedora. Las personas que han pasado por el Fotomuseo han querido dar lo que tienen y disfrutan el contacto con los estudiantes. Este año, 2015, Fotomuseo brindó una experiencia importante, llevó a los artistas invitados a visitar los clanes del distrito, los cuales no sabían que existían. Los artistas quedaron felices con la comunicación con los jóvenes de bachillerato del distrito. El estilo fotográfico de Gilma Suárez es el tema de los museos, en cualquier lugar que se encuentre en el mundo entra a algún museo a tomar fotos, y así quieren que la recuerden. Esto no se hacía, no había gente que se arriesgará a tomar fotos en las exposiciones de las personas que asistían y de la escena del museo. Por eso invita a los jóvenes a correr riesgos y ser persistentes, porque el arte nos cobra la dejación y premia la persistencia. Hay que mirar que está pasando en el mundo de la fotografía, “hay que estar allí, tomando fotos. Se necesita 10% de talento y 90% de trabajo”.

OBRA: BRADA PRASILOVA

OBRA: ROGER BALEN

artículo: Carolina Mendoza fotografía: BEatríz quiroga y andrés suárez ilustración: juliÁn santa

soy taller 5

@tarquinorodrigo1dce

@rodrigotarquino

@rtarquino

soy taller 5

n Taller 5, Centro de Diseño, tuvimos la oportunidad de conmemorar el Open House 2015 en el cual contamos con la presencia de Rodrigo Tarquino, egresado del programa de Diseño gráfico en el año 1998. Él nos contó un poco de sus experiencias. Rodrigo se ha dedicado al mundo de la publicidad desde hace 16 años y cuando habla de diseño y creatividad se le nota la pasión por lo que hace. Le apasionan las ideas y la dirección de arte. Es amante del fútbol y de los retos grandes. “Yo era un aficionado al Play Station, y me decían que me estaba volviendo loco jugando hasta las tres de la mañana. Para mi trabajar es eso, es un completo placer, es un hobby” dice Tarquino. Ha trabajado en agencias como Leo Burnet, Lowe SPP3, DDB Colombia y, actualmente es el Director creativo de Publicis Colombia. Ha desarrollado trabajos para Nestlé, Nestlé Purina, Groupe Seb, Imusa, Diners Club, Renault, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Fundación Cirec, entre otros. Cuenta con más de 85 premios en los cuales podemos nombrar: London Festival, FIAP, New York Festival, Cannes Lions, El Ojo de Iberoamérica y Clio Award.

“Yo estudié Diseño Gráfico porque tenía una inclinación hacia las bellas artes. Pero mi papá, que es una gran influencia para mí, me dijo: vivir de bellas artes es muy jodido. En ese momento pensé que el diseño gráfico tenía la mezcla de las bellas artes y un tema un poco más comercial. Me gustaba dibujar, me gustaba el tema artístico, pero sabía que ese tema tocaba aterrizarlo más a la realidad, y no solamente decir: voy a ser el próximo Botero o el próximo Picasso. Tuve miedo al principio y por eso, en un momento, quise más el tema del periodismo”. Rodrigo también nos cuenta que le aconseja a los estudiantes optimizar más su tiempo y aprovechar todo lo que los maestros y compañeros aporten. Recuerda que en su época de estudiante estaba disperso en muchas cosas. Muchos de sus compañeros eran muy talentosos, incluso, al mismo Rodrigo, en ocasiones le daba vergüenza presentar sus trabajos. Pero el esfuerzo, la dedicación y la pasión han contribuido a quien es ahora. Según Rodrigo, un buen diseñador gráfico debe tener como mínimo un buen sentido estético, y criterio para saber qué elementos utilizar, dependiendo de las necesidades o los problemas de marca que deba solucionar. “Los gráficos deben ser unas esponjas de tendencias visuales, inspirarse del arte, de lo que hace la gente en la calle, de lo que pasa en La India, Tokio, Lima o al frente de su casa. Los gráficos de los 90’s

campaña de Harley Davidson Colombia para sus camisetas infantiles. Agencia: Publicis Colombia

51 campaña para Nestle Purina Republica Dominicana por Publicis, Colombia

cambiaron el mundo, ahora piden creativos que escriban, que inspiren, y sobre todo que no sean robots que sólo vivan en photoshop”. También le agradece todo al Diseño Gráfico, sin él no estaría donde está. Además, lo que más le agradece es la oportunidad de conocer otras culturas y trabajar con otras personas, eso es algo que no tiene precio; viajar y trabajar en los proyectos en los que ha participado, con personas muy profesionales alrededor del mundo. El Diseño Gráfico ha sido un tiquete para que él pudiera aprovechar al máximo sus talentos y, que esos talentos le generaran trabajo en diferentes compañías. Por ejemplo en 2005 hizo una campaña para Pilsen; la campaña era un reconocimiento a los trabajadores colombianos. Trabajó con Martin Sigal, uno de los mejores fotógrafos del mundo. Recorrió Colombia entera durante un mes y medio con un grupo de 40 personas entrevistando gente. Gracias a esto conoció muchos lugares y su aventura parecía todo un reality. Para Rodrigo el Diseño Gráfico le abrió muchas puertas y le permitió decidir qué quiere hacer y lograrlo.

soy taller 5

También participó en el famoso comercial de Alpina, donde los animales bailan. Lo realizó con una productora canadiense, que ganó un Oscar a la mejor animación, llamada Pascal Blaise. Estuvo involucrado en el proceso creativo trabajando con magníficas personas, “era como estar en Disney”.

El reto más grande, en su carrera, fue cuando lo eligieron para ser el director creativo de Publicis, se encontraba en Leo Burnett cuando le dieron la noticia. Para él fue un reto aceptar una oficina y comenzar desde cero. Empezar a contratar gente, enseñarles cómo tratar a los clientes y entender temas administrativos que no eran su fuerte pero que debía entender. Nos contó que todo el ambiente de negocios, detrás de la creatividad, es muy complejo y todo eso ha sido un proceso en el cual se encuentra aprendiendo hace cinco años. Este año fueron escogidos como la mejor agencia de Colombia, por encima de otras que son muchísimo más grandes e imponentes. Este premio fue producto del esfuerzo, la dedicación y el constante aprendizaje. Para él, el futuro del Diseño Gráfico en Colombia, como el de la publicidad y la comunicación, lo ve como un proceso más lento, en comparación con otros países. El Diseño Gráfico, en esta época, debería ser mucho más ambicioso y generar muchas oportunidades. Anteriormente quien optaba por estudiar Diseño Gráfico se veía como una persona vanguardista, ahora no. “Los gráficos han perdido mucho espacio y valor, eso se debe recuperar, y tanto las academias como las empresas deben estar involucrados en ese proceso. Es necesario que nos vean de otra forma, y podamos tener nuevos espacios, para poder ser constructivos, generando soluciones de comunicación a muchas marcas”. Más que consejos, Rodrigo invita a los diseñadores gráficos de Taller Cinco a que su trabajo se vea diferente al de las 50 instituciones que en Colombia enseñan Diseño Gráfico. “La originalidad y la búsqueda los van a poner en otro nivel, y eso les asegura oportunidades laborales para seguir creciendo y encontrar un buen lugar para crear un portafolio único”.

A LA LUZ

@contreras.alfonso

artículo: William Contreras Fotografía: Victor Hugo Villamizar Ilustración: JuliÁn Santa

ace poco más de un año la casa de subastas Christie’s de Londres vendió la pieza My bed, de la artista británica Tracy Emin, por más de 4 millones de dólares. La obra consta básicamente de la cama de la artista, destendida y rodeada de colillas de cigarrillo, botellas de vodka, periódicos viejos y cajas vacías de pastillas anticonceptivas. Sobre las sábanas, unas pantimedias están colocadas de tal manera que parecen haberse acabado de usar. “¿Ya?” “¿Eso es todo?” suelen ser preguntas que los espectadores se hacen al ver la obra expuesta en las salas de exposición de Tate Modern en Londres. ¿Por qué una cama destendida con basura encima cuesta tanto? Y la pregunta no es en absoluto tonta, pues la obra de Emin, como tantas otras en el arte actual, son más bien un gusto adquirido. No es fácil en un principio acercarse a su lenguaje, pues muchos artistas se interesan en lo que el público general considera no artístico o poco interesante: lo feo, lo inacabado, lo simple, lo incomprensible, lo aburrido, lo irracional, lo cotidiano.

A LA LUZ Esto no es algo nuevo, y de hecho parece ser una de las características principales de las obras que gozan de interés histórico. Por ejemplo, las pinturas impresionistas, aunque ahora alabadas por su belleza, en su tiempo fueron vistas como trabajos inacabados y torpes. Las esculturas de Rodin, que ponían en vilo las concepciones de su tiempo sobre originalidad y talento escultórico, generaron un gran debate mientras el artista vivía; sin embargo hoy en día su aporte a la escultura moderna es indiscutible. Transgredir las reglas y experimentar en nuevos territorios es una necesidad de la estética. También es una necesidad explorar el gusto, hallar maneras desconocidas de enfrentarse a las formas y las ideas, transgredir lo establecido y reflexionar frente a lo que vemos y creemos conocer. Es verdad que en muchos casos los intentos que hacen los artistas no nos parecen tan exitosos, o al menos son difíciles de digerir, pero es gracias a que algunos se arriesgan a ser incomprendidos que el lenguaje de las artes se amplía constantemente, liberándonos del tedio y saciando nuestra necesidad de ser sorprendidos, permitiéndonos el goce y la reflexión.

Aunque la reacción inmediata frente a una obra de arte que no nos complace y que ciertamente parece ser una estupidez suele ser de profundo desagrado mi sugerencia es la de no descalificarla de manera inmediata. Si usted lee un libro de filosofía que no entiende, probablemente no lo califique como basura por ser muy especializado, sino que simplemente pensará que es algo avanzado para su comprensión lectora de aquél momento. Bueno, pues el arte también es una disciplina del pensamiento, y los artistas no solo buscan la inmediatez sino también el análisis del arte mismo, de las ideas que lo rodean y los límites que lo conforman. No estoy diciendo con esto que ahora todo lo que un artista haga deba ser alabado, pero solo quiero hacer hincapié en que la evaluación de una obra de arte merece ser mucho más compleja que nuestra sensación inmediata de gusto o disgusto. Lo que hace que algunas veces artistas jóvenes logren precios exorbitantes con trabajos cuya calidad es ampliamente discutida, como en el caso de My bed de Emin. Debemos tener en cuenta aquí que el coleccionismo de arte contemporáneo funciona como inversión similar a la bolsa de valores, en la que se compran y venden productos cuya valorización es asumida a futuro a manera de riesgo. Volviendo a la pregunta inicial que se refería al precio de las obras, creo que es precisamente esta esperanza en la innovación, en que una pieza abra puertas desconocidas a la estética de una manera novedosa, lo que

A LA LUZ

hace que algunas veces artistas jóvenes logren precios exorbitantes con trabajos cuya calidad es ampliamente discutida, como en el caso de My bed de Emin. Debemos tener en cuenta aquí que el coleccionismo de arte contemporáneo funciona como inversión similar a la bolsa de valores, en la que se compran y venden productos cuya valorización es asumida a futuro a manera de riesgo. Al comprar acciones de una compañía, no tenemos la certeza de que estas se valoricen, pero una serie de estudios adyacentes y un conocimiento amplio del mercado accionario nos pueden ayudar a que esta apuesta sea menos riesgosa. Lo mismo pasa con el arte: un coleccionista conocedor sabe reconocer en cierta medida a los artistas y las piezas que a futuro pueden elevar sus precios en el mercado. Por esto el arte joven y experimental, aunque incomprendido usualmente por las mayorías, tiene siempre un pequeño mercado interesado mercado interesado en su adquisición. Por otro lado, no podemos desconocer el aura de distinción que genera adquirir arte. El hecho de ser coleccionista atrae también un aura de prestigio hacia la persona, le hace ver como alguien sensible y culto, comprometido con el desarrollo de la cultura. El objeto artístico carga con un aura de distinción, de sensualidad, de emoción y de genio, y es de esta aura de la que depende el valor de la obra de arte como objeto de carácter “especial”, “único”, incluso de significado ritual y espiritual. Quien atesora piezas de artistas reconocidos toma para sí algo de ese respeto que la sociedad vierte en aquellas obras. Podríamos pensar que esta aproximación mercantilista al arte va en detrimento con lo sublime de la obra, con su compromiso intelectual. Pero también debemos reconocer que es esta aura de exclusividad la que ha permitido que muchos artistas puedan ver su trabajo apoyado económicamente. La relación entre el arte y el dinero, desde hace muchos siglos y aún hoy en día, es compleja y misteriosa, pero también es fascinante.

¿Quién es William Contreras? Estudió psicología y arte en Bogotá. Se ha dedicado principalmente a la investigación y curaduría de arte contemporáneo trabajando en proyectos expositivos desde el año 2009, entre los que se cuentan Imagen Regional VII (2011), La Otra Bienal (2013), Tejadita: Viajero y sibarita (2014) y el libro Raíz de la unidad (2016), un estudio monográfico sobre la obra de la artista Beatriz Eugenia Díaz.

La crónica En la

nacen los escritores o se despierta lo que realmente uno quiere hacer @gpazmin

gUSTAVOpazminperea

@gpazmin

artículo: Laura Calderón. Fotografía: VÍctor Hugo Villamizar. Ilustración: Crhistian Castañeda.

ustavo Pazmín Perea es un caleño radicado en Medellín, productor de cine en Colombia. En conversación con Boceto, nos contó brevemente su historia y experiencia en el maravilloso mundo del cine. Este Caleño es graduado en administración de sistemas, con estudios complementarios en sistemas de información y derechos de autor. Gracias a esta profesión tuvo la oportunidad de trabajar en el Ministerio de Cultura de Colombia (1998). Así empezó a involucrarse en el mundo de la cultura, siendo parte de los procesos de concertación, formulación, reglamentación y divulgación de la Ley 814 de 2003, también llamada Ley de Cine. En este espacio los estudiantes o personas involucradas en el quehacer audiovisual pueden presentar proyectos. Antes de esta ley, en Colombia se estrenaban una o dos películas entre dos o cada tres años, pero gracias a la Ley de Cine nuestro país está estrenando mas de veintinueve películas al año, aproximadamente. “Este cambio fue muy favorable para el país porque permitió que el colombiano tuviera oportunidades de desarrollar lo que sueña hacer”, dice Pazmín. Cualquier persona involucrada en el area cinematográfica tiene esta oportunidad, lo cual le permite conocer a otros, hacer lo que más quieren además de generar y ser fuente de empleo para sus proyectos. Uno de los espacios que se ha abierto para los estudiantes o profesionales del sector está directamente relacionado con la realización de cortometrajes colombianos que se proyectan previo a la exhibicion de películas extranjeras, puesto que le brinda a los Exhibidores un descuento en la Cuota Parafiscal que es parte de los recursos financieros del Fondo para el

la crónica Desarrollo Cinematográfico de Colombia (FDC), esta cuota la aportan tambien los Distribuidores de películas extranjeras y por último los Productores de películas colombianas. Hoy en día los estudiantes y profesionales del sector tienen una mayor posibilidad para empezar a trabajar en cine, como dice Pazmín “para todo el que tenga una iniciativa audiovisual hay todas las posibilidades para hacerlo”. Lo que pasa es que cada vez Colombia tiene más talentos que están saliendo, de manera que es un sector que exige un compromiso personal y formal de cómo crear y presentar un producto audiovisual a las convocatorias en las diversas modalidades como realización de cortometraje, largometrajes, documental, animacion, formación y entre otras. “Lo importante es que si alguien gana alguna de las convocatorias del FDC, realice el proyecto; si esto no sucede, la persona puede quedar inhabilitada hasta que se ponga al día con el FDC”. Así que con dedicación, esfuerzo y compromiso se pueden aprovechar las formas en las que el gobierno contribuye a la cultura cinematográfica.

Gracias a estas iniciativas, Colombia ha estado presente en Cannes y otros Mercados importantes de esta industria. “Hoy en día a Colombia la ven distinta. Cuando un colombiano presenta sus productos, lo ven de otra forma: antes no se quería producir con Colombia, ahora los países nos invitan a producir”, dice Gustavo. Debido a toda esta experiencia, su consejo para realizar buenas producciones es “la convicción con la que se hagan las cosas. El amor con que hagas todo es fundamental…Dependiendo como tú entregas, así te entregan…Solo como tu proyectes en el aquí y ahora se construirá tu día a día. No es un camino fácil pero es un camino que si hay convicción, si hay constancia y si no te estancas en el primer bajón que tengas, lo puedes lograr”. Lo que mucha gente desconoce es que un productor de cine suele tener deudas o dificultades financieras: “si la película es perfecta o buenísima, entonces lo mejor es el director. Si la película tiene problemas o salió mal, sigue siendo el director, pero esos problemas son del productor. Él es el responsable”. Por esto es indispensable no desfallecer si las cosas no salen como se tienen planeadas. Siguiendo esta misma línea, para Gustavo es fundamental la formación en la academia antes de comenzar a adentrarse en este mundo. Debe haber una formación y una guía, porque “en la academia nacen los escritores o se despierta lo que realmente uno quiere hacer, aunque a toda regla hay su excepción”. La academia es el lugar donde una persona se perfila en la labor del quehacer cinematográfico.

Gustavo PaZmín

la crónica La carrera de este productor no estaba relacionada con su labor actual, por eso mismo se obligó a conocer la academia relacionada con este campo. No estudió una carrera de cine y televisión, En esta búsqueda de formase en el sector cinematografico, aplicó para una beca en el Fondo de IBERMEDIA para participar en el Seminario Internacional de Producción Creativa y Edición de Guión en Santiago de Chile, así pudo recibir estudios en el campo de cine. Más adelante fue becado nuevamente para participar en el Iberoamerican Films Crossing Borders en La Habana, Cuba. Para él, la academia es fundamental para preparar a las personas que trabajan en este medio, y para enseñarles más técnicas.

En medio de esta conversación nos contó de su gran amiga, María Neyla Santamaría, quien vive en Panamá y es productora de cine del director Enrique Castro. Ella es egresada de Taller Cinco en Diseño Gráfico, pero terminó involucrada en el maravilloso mundo del cine. “María Neyla diseñaba los books o carpetas de sus proyectos. Ambos eran muy bien elaborados. Allí se notaba la influencia de la academia. Además, Taller Cinco le permitió proyectarse como estudiante. Comenzó como asistente de producción y hoy en día es productora y trabaja con grandes directores”, dice Pazmín. Para Gustavo, el cine colombiano en el exterior ya está posicionado, siempre hay una obra cinematografica nacional en los festivales mas importantes de la industria. Ahora los extranjeros están invitando a los colombianos a ser parte de sus proyectos. El problema al que realmente nos enfrentamos es a la distribución de las películas dentro del país. “Nosotros no nos vemos, nos da pereza ver nuestras películas, por la temática, porque no entretienen” dice Gustavo. Colombia todavía tiene muchas historias que contar y ha estado transformando su mentalidad, tratando de brindar un oxígeno diferente frente a las temáticas como la guerra, las drogas, etc. Estos temas fueron parte de un proceso de desahogo. Las personas en el exterior lo vieron, lo recibieron y lo pedían. El tema de una película está íntimamente ligado al consumismo, y lo que pidan se hace. Gustavo propone “replantear nuestra pregunta, no cómo vamos a cambiar la temática sino cómo nos vamos a dar la oportunidad de verlas, y así podremos darnos cuenta que sí estamos cambiando las historias”. Nuestro cine tiene varios elementos que nos identifican. Tenemos un humor negro que nos identifica con otras culturas a nivel latinoamericano y también tenemos un fondo privilegiado que lo envidian otros países. Entonces, “la cuestión no es sólo cómo nos ven sino qué ideas o historias quieren hacer con nosotros”, concreta Pazmín. Por otro lado, la competencia de Netflix o Youtube no ha sido frente al cine sino frente a la televisión.

Hace un tiempo la gente no quería ir a cine y se iba para su casa, sin embargo, en Colombia está pasando todo lo contrario. “Estamos incrementando las cifras de ventas de boletas. El año pasado se vendieron cerca de 46 millones de tickets en Colombia. Por lo menos un colombiano fue mas de tres veces al cine”, dice Gustavo. La vida de Gustavo Pazmín Perea se puede dividir en antes de entrar en la cultura del cine y después haber entrado en ella. Cuando entró, le cambió la vida. Como él mismo lo dijo, “me hizo ser más sensible a mi entorno, a mi país, a mis historias”. Vivía en función de las películas de Hollywood y de la ciencia ficción. En cuestión de gustos nos contó que, de la industria de Hollywood, su película favorita es la trilogía de El Señor de los Anillos. Para él, es el top de la industria cinematográfica. A nivel latinoamericano, El Laberinto del Fauno, porque fue una película con un contexto político y una narrativa de fábula increíble. Y a nivel colombiano, El Abrazo de la Serpiente y La Estrategia del Caracol. Los premios son un reconocmiento. Por una parte, resaltan la labor de un equipo humano, de otra parte ayudan a la promoción de tu película. “Dar todo en el momento indicado, aquí y ahora, es lo mejor que uno puede hacer. Lo demás lo sabremos después, si lo merecemos o no”. Nos cuenta Gustavo que en el segundo semestre de 2016 se estrenarán seis de sus producciones con su empresa IGOLAI Producciones, empresa productora que fundó su amiga y socia Claudia Aguilera Neira. Las películas son: El Silencio del Río de Carlos Tribiño, premio Amnistía Internacional Festival de Praga, Mejor Película en el CFF de Nueva York y Mejor Película Colombiana en el FICCI Cartagena 2015. Playing Lecuona una co-dirección de Pavel Giroud y Juan Manuel Villar, premio del Público en el Festival de Montreal. El Acompañante de Pavel Giroud Premio del Público en los Festivales de Miami y Toulouse, Dos Aguas de Patricia Velasquez, candidata a 2 nominaciones en los Premios Platino 2016, Santa y Andrés de Carlos Lechuga, La Mujer del Coronel de Juan Carlos Wessolossky. Gustavo ha trabajo en distintas áreas de la producción cinematográfica con directores colombianos como Priscila, Padilla, Victor Gaviria, Sergio Cabrera, Alejandro Landes, Mónica Borda, Juan Pablo Bustamante, Simon Brand, German Piffano, entre otros.

Alejandro Ă lvarez

lo nuestro

AVANZA artículo: Alejandro ÁlvarEz fotografía: NICOLás vesga, María Cruz, andrés suárez y daniel rodríguez

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a intención inicial al fundar la Corporación Universitaria Taller Cinco Centro de Diseño era darle al diseño la categoría, el respeto y el aprecio del que gozaba en otras latitudes. Entre nosotros se le consideraba una disciplina de menor rango, frente a las llamadas disciplinas “serias y respetables”, de aquí que su estudio estuviera relegado a un segundo plano en las instituciones de educación superior o se le dejara a particulares en cursos libres de aprendizaje. Su ejercicio era, igualmente, libre: trabajaban como diseñadores, arquitectos, artistas plásticos, trabajadores de la industria de las artes gráficas y personas que, por su reconocido buen gusto o por su experiencia cultural obtenida en el exterior, podían o se creían aptas para ofrecer estos servicios. Además, una que otra reina de belleza hacía ostentación de sus habilidades como diseñadora, a fin de ganar el aprecio popular. Nuestro Principal aporte al Diseño en Colombia, fue el de haber incluido como disciplinas universitarias: la Fotografia, la Alta Costura y los estudios profesionales de televisión. Estos campos tan importantes de la cultura humana se enseñaban a través de cursos prácticos sin ningún tipo de exigencia académica. La World Press Photo escogió a la Corporación Universitaria Taller Cinco como su aliada en Colombia a fin de promover la fotografía, como el medio principal de comunicación bajo el lema “Una imagen vale más que mil palabras”.

lo nuestro

Al profesionalizar el diseño dándole un campo de experimentación amplio, autónomo e independiente, contribuimos a despertar la apreciación y el respeto por estas disciplinas. Así fue como Taller Cinco resolvió dedicarse exclusivamente a la enseñanza y práctica del diseño, como su razón de ser primordial. No sembramos en el desierto, ni aramos en el mar, todo lo contrario: la cosecha ha sido abundante. La “chispa” inicial cundió y pronto comenzamos a ver resultados positivos: primer premio mundial en diseño gráfico en Milán, primer premio a jóvenes creadores de la moda en París y, a nivel nacional, hemos recibido reconocimientos y distinciones que nos han generado muchos seguidores. ¿Cómo se logró esta serie de éxitos? Gracias a nuestros colaboradores y al entusiasmo de nuestros estudiantes. Practicamos como divisa pedagógica el trabajo mancomunado de estudiante y profesor. Respetamos y creemos en la gran disponibilidad creativa y sensitiva de nuestro estudiantado, tanto de mujeres como de hombres. Cuarenta años practicando la función de enseñar nos enorgullece y nos da esperanza para un futuro. ¡Gracias a todos los que colaboraron con este ideal! ¡Gracias a los definitivamente ausentes por lo que hicieron a favor de la formación de los que hoy son profesionales reconocidos!

LA Moda

artículo: Jenny González Fotografía: gina gÓmez

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s un soleado día de verano en una villa italiana. El cielo se expande en un infinito azul y las aves propagan en el aire esperanza y gozo de sus alas.

Ella despierta con esa sonrisa que anhela la luz del día y la sensualidad de sus ojos marrones escondida entre las sábanas. Al levantarse presume su andar fuerte, seguro, de infarto, y su pelo castaño comparte el canto de las aves al viento. Su mejor amiga, otra belleza italiana, rubia, de voz ruda e insolencia en la sangre, de repente aparece alborotando la villa entera, renegando y exigiendo su presencia. Hoy saldrán a disfrutar del paraíso en el que la vida les ha dado la fortuna de nacer y se hace tarde para sentir la efervescencia de la espuma del mediterráneo. El ruido de una motoneta agita el ambiente, ella se percata de su presencia y lo busca con la mirada. Ahí está él, irradiando su encanto de rasgos toscos, galantería e innato romanticismo. La intuición infalible de las mejores amigas presiente el desastre y desate un escandaloso refunfuñar en aquella adorable gruñona, que pronto se da cuenta que a pesar de su pataleta no hay vuelta atrás; no hay pelea que valga ni milagro que evite lo inevitable. El resto, como ya sabemos, es historia. La historia de una película de los años 50 en donde el amor es

protagonista, se vive y se sufre apasionadamente, sin importar que el final no siempre sea feliz. La receta armoniosa de un poco de romance clásico y otro tanto de la eterna gracia, elegancia y voluptuosidad de una mujer que ataca el mundo con su confianza y hace que muchos pierdan la cabeza aunque sólo para uno valga la pena. Esto es DOLCE AMORE, la colección de Primavera – Verano 2016 del Programa de Diseño de Alta Costura, inspirada en íconos de la cultura cinematográfica italiana de mediados de siglo XX, como la eternamente bella Sofía Loren, el galán clásico por excelencia Marcello Mastroianni, o más recientemente, la sensual Monica Belluci, quien provoca suspiros con su sofisticado glamour. Una vez más, el talento de nuestros estudiantes y la dedicación de nuestros docentes, se ven materializados en una producción que proyecta el compromiso y amor de un equipo de trabajo, conformado por una fuerte comunidad tallerista que se involucra directamente; ejemplo de ello son los estudiantes de quinto semestre del Programa de Diseño de Interiores, quienes crearon la escenografía que funciona como réplica del paraíso en el cual los estudiantes de todos los semestres del Programa de Diseño de Alta Costura se inspiraron para dar vida a sus creaciones.

LA Moda

CRÉDITOS COLECCIÓN DOLCE AMORE Primavera – Verano 2016 Maquillaje, peinado y vestuario: Estudiantes del programa de Diseño de Alta Costura. Programa de Diseño de Alta Costura Taller 5 Centro de Diseño Fotografía: Gina Gómez Asistente de fotografía: Producción: (Nombre asistente de Gina Gómez) Patricia Cristancho y Pepper González.

Juliana Gómez Ana María Mahecha Juliana Ruíz Agradecimiento especial a Nicolás Chuquín.

Agradecimiento especial a Tefy Murcia Parra de I Love Tokio Couture, Kurenai Maid Café y Anibal Bermúdez del grupo Vespa Club Bogotá por su apoyo.

soy taller 5

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artículo: Adriana Pacheco Fotografía: ANDRÉS SUAREZ y carlos saldaÑa

ra una tarde soleada cuando nos reunimos en el Restaurante Valú para conocer a Natalia Garzón, egresada del Taller 5 Centro de Diseño del programa de diseño interior. Una reina de belleza y una estupenda persona. Natalia llegó a la reunión junto con su madre, quien es su pilar principal y en ocasiones es su intérprete, ya que Natalia es sorda, pero eso no es un impedimento para alcanzar sus metas. Natalia estudió en Taller 5 y enfrentó, como cualquier otro estudiante, los retos de crecer como diseñadora en la institución. Ella nos contó por medio de gestos y con la traducción de su madre que siempre quiso ser diseñadora de interiores, por esa razón buscó en muchas instituciones dónde podía estudiar lo que más le apasiona, y la opción que más le gustó fue Taller 5. Poco a poco descubrimos quién es Natalia. Una mujer extrovertida, y una talentosa joven que no sólo es diseñadora sino que también es reina de belleza, la reina del continente americano, Miss Deaf America 2014. Ella representó dos veces a nuestro país en el certamen internacional de sordos, y a ritmo de cumbia conquistó al público en Praga, en el concurso internacional de esta modalidad y dejo a Colombia en un buen recuerdo de sus asistentes. Natalia decidió bailar en su presentación de talento. Ante este acto

soy taller 5 nadie pudo negar que la determinación y la convicción son cualidades que la caracterizan. Siempre sonriente, Natalia nos comentó que para ella el diseño de interiores “es creación, talento, combinación correcta de colores, y adecuada posición y distribución de los elementos”. En esta disciplina aprendió a encontrar la cualidad de los espacios, no sólo a nivel interno sino también externo. Es una labor compleja e integral, que si se reúnen todos los elementos anteriores se puede realizar un buen trabajo, y dejar satisfechos a sus clientes. Desde muy pequeña notó que tenía gusto y talento para crear espacios nuevos. Le gustaba renovar, cambiar los colores y la ubicación de las cosas. Por esta razón su casa fue el primer lugar donde pudo expresar su creatividad y sensibilidad. Así que este talento fue su principal razón para estudiar Diseño de Interiores.

Durante su tiempo de estudio, el desafío más grande que enfrentó fue poder comunicarse, ya que no sabía si por su limitación auditiva lo lograría, pero como ella misma lo expresa: “gracias a Dios, a mi familia, a mis queridos maestros de Taller 5 y a todos mis compañeros que de una u otra forma hicieron parte de mi proceso; a mi esfuerzo, dedicación, responsabilidad y sacrificio, lo logré.” Ahora que es diseñafora de Interiores, lo que más disfruta es poder desarrollar su creatividad; plasmar una idea, en donde tanto ella como los clientes se sientan satisfechos con su trabajo; poder ejecutar y entregar a cabalidad la labor encomendada, y luego tener la oportunidad, como ella misma lo dice, “de apreciar mi obra y sentirme y hacer sentir a los demás orgullosos de mi creación”. Por ejemplo, con el diseño interior del restaurante Valú, el cual pertenece a su familia, asumió una gran responsabilidad, y de la misma forma respondió a los desafíos para poder lograrlo. A nivel mundial sus íconos más grandes del diseño de interiores es Samuel Botero, diseñador colombiano catalogado como uno de los más grandes diseñadores de interiores del mundo. Es reconocido por su innovador uso de color y su diseño relacionado con la cultura colombiana. Él fue quien diseñó la casa del reconocido cantante Julio Iglesias. El otro personaje que admira es Elena Tavera, ganadora del Diseño Interior Residencial en el 2013. Sus trabajos son distinguidos y elegantes, con calidez y confort. Natalia comentó que “el desarrollo de su obra me fascina. Realmente para mí es alguien digno de seguir, no sólo por su trabajo sino por el empeño, el esfuerzo y la tenacidad para lograr un reconocimiento a nivel mundial”. También reconoció la calidad y el maravilloso trabajo

soy taller 5

de sus maestros en Taller 5, ya que ellos la ayudaron a descubrir y moldear su bella profesión. Su método de trabajo para diseñar comienza con la realización de una investigación profunda de lo que se quiere lograr. Para esto habla con sus clientes, averigua lo que ellos quieren y desean. Después examina minuciosamente el espacio; examina el área que tiene, los colores, las texturas, y en unión con las ideas solicitadas, realiza un boceto que presenta al cliente. Una vez que sea aprobado tanto el diseño como el presupuesto, empieza a ejecutar y desarrollar su labor, llevando todo a buen término y lograr que todos queden satisfechos. Para Natalia lo más importante en su profesión es poder desarrollar toda la creatividad y el talento, y que su diseño sea creíble y que el resultado final le dé personalidad propia a ese espacio, ya sea vivienda, comercio, institución o empresa. También nos contó que vale la pena estudiar en Taller 5. Siente que la institución le abrió sus puertas y creyó en ella por encima de su limitación auditiva. Así lo expresa: “siempre me sentí apoyada, valorada y respetada. Hoy me siento orgullosa y feliz de haber compartido con todos los que me rodearon y haber logrado y realizado uno de mis grandes sueños: ser Diseñadora de Interiores”. Por eso agradece a todos sus maestros y compañeros, a quienes ahora considera sus amigos. Gracias a su estudio y a la experiencia adquirida, tiene la seguridad de saber que está preparada para afrontar y enfrentar cualquier desafío. Por eso ella misma nos dijo: “solo necesitamos que nos den la oportunidad de poder demostrar nuestras capacidades a pesar de las dificultades” Es así como quedamos llenos de admiración por esta tallerista, que no sólo representa a la institución sino al país. Ella nunca se dará por vencida a pesar de las condiciones. Sigue adelante, abriéndose paso poco a poco en este grande y fantástico mundo del Diseño de interiores.

LO NUESTRO

artículo: DAHIANA MEELHUIJSEN fotografía: Andrés suárez

n la actualidad, el ser humano está optando por trabajar y vivir en el mismo lugar, ya que ha tenido avances tecnológicos sorprendentes. Dichos avances le facilitan a las personas su trabajo en el mismo lugar donde se encuentran. De esta manera ahorran dinero, tiempo, son productivos en sus actividades y disfrutan de la cercanía con su familia. Sin embargo, en ocasiones esta posibilidad entra en conflicto con la dimensión del espacio, ya que la arquitectura interior cada vez es más reducida, debido al costo por metro cuadrado y al área disponible para construir según normativas del predio donde está el proyecto. Adicionalmente, el mobiliario es diseñado únicamente para una función determinada y, en algunos casos, si la persona encuentra un mueble que cumpla con dos funciones dentro del mismo espacio, son muy costosos.

Por esta razón creamos un proyecto de investigación llamado Espacios, Funcionalidad y Estética en la facultad de Diseño de Interiores de Taller 5, Centro de Diseño. A partir de un planteamiento donde se busca dar solución a una necesidad se desarrolla una línea de trabajo llamada: confort y adaptabilidad, que dio como resultado el producto OFIESTAR (oficina – sala de estar), adaptabilidad espacial e Interiorismo metamórfico. El resultado de este producto final tuvo un proceso que constó de experimentación de formas, materiales y funciones. Teníamos como reto llegar a un resultado final que fuera integral, de bajo presupuesto, medidas ergonómicas óptimas y que su transformación fuera sencilla para cualquier persona. OFIESTAR cuenta con dos funciones: modo sala y modo trabajo. El modo sala tiene un mobiliario específico que consta de: un sofá transformable a escritorio con espacios internos del almacenaje y 4 cojines, mesa de centro (que cambiando la posición funciona como silla), y dos puffs. El modo trabajo cuenta con un mobiliario específico que consta de: un escritorio transformable a sofá, una silla que cambiando la posición funciona como mesa, y en la silla se apilan dos puffs.

Proyecto los Proyectos de Grado

Por: AndrĂŠs Camilo Pico Monsalve. FotografĂa: camilo pico monsalve

los Proyectos

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odo inicia una mañana en un apretado Transmilenio. Me encontraba pegado en la puerta en medio del articulado debido a la cantidad de personas que había allí, muchos de ellos tomaban la misma ruta que yo todos los días; yo mientras reflexionaba y escuchaba canciones a través de mis audífonos. En un momento me detuve a observar toda la masa de personas frente a mí, en su mayoría de espaldas. De repente, aparece una mano que, aferrada a un barrote del transporte masivo, me comienza a llamar la atención: su tamaño y coloración no eran muy comunes en esta cuidad. Esta mano tenía uñas largas, negras, pequeñas y arrugadas, esas eran sus principales características. Comencé a divagar en cómo sería esa persona que no podía ver y, junto a los rasgos que obtuve gracias a su mano, guardé en mi cabeza la imagen que posiblemente podía tener la señora a quien pertenecían esas manos. Cuando bajó mucha gente del articulado rojo, rápidamente, y sin permitirme no observarla, me encuentro con la interpretación que me dieron sus arrugadas manos plasmadas en su rostro, también arrugado. Esto me llevó a preguntarme: ¿Qué tan importantes son las manos en relación a como somos nosotros mismos? Esa pregunta es la que he tratado de responder y, a partir de allí, nació este proyecto que se llama manos de tierra.