2022 SILK ROAD No.82 臺北市立國樂團國樂.新絲路雙月刊 No.82 by TCO2018

SILK R AD 新絲路 NO.82 81 March April 2022 2022

國樂 · 新絲路 Chinese Music in the New Silk Road

串聯歐亞大陸的音樂 / 文化空間

采風是創作的開始

Folk Culture is the Foundation of Creation

畫中有深情 ―

專訪《大畫昭君～觀落雁》導演謝念祖

Confessing Ardent Love with Painting — Interviewing HSIEH Nien-Tsu, Director of WANG Zhaojun, The Musical

培育新生代的搖籃―

2022 臺北市民族器樂大賽評審團同台彈心 The Nursery of Rising Talent — 2022 Taipei Chinese Instrumental Competition and Concert

60 年代臺灣國樂人的耕耘記述（四）

從《昔日》到《毋忘在莒》― 訪陳勝田老師

TCO Bimonthly 北市國樂雙月刊

目錄 Table of Contents

目錄│Table of Contents 新思路 The Route to Innovation

TCO 劇院 TCO Theater

TCO

客座主筆 Guest Columnist Session

封面故事 Cover Story

國樂新視界 New Vision of Chinese Music

這些人這一刻 The Moment

國樂＋講堂 Chinese Music Studies

發行人

陳鄭港

總編輯

黃立鳳

藝術顧問

林谷芳、林昱廷、吳榮順、胡台麗、施德玉、許雪姬、黃光男、張駿逸、樊慰慈、鄭德淵、瞿春泉、蘇文慶 (依姓氏筆劃順序)

編審委員

陳小萍、黃馨玉、鍾永宏、呂冠儀、馬南璇、蘇盈恩、陳慧君、黃湞琪、林恩緒

SILK R AD

企劃∕執行編輯

俠客行文創顧問有限公司

編輯顧問

許馨文

翻譯編輯

李明晏

翻譯

張莞蓁、劉俊頤

April 2022

采風是創作的開始

畫中有深情 ― 專訪《大畫昭君～觀落雁》導演謝念祖

山歌愛唱大大聲 ― 北市國喇叭弦、客家山歌采風側寫

Folk Culture is the Foundation of Creation

Confessing Ardent Love with Painting — Interviewing HSIEH Nien-Tsu, Director of WANG Zhaojun, The Musical

培育新生代的搖籃 ― 2022 臺北市民族器樂大賽評審團同台彈心 The Nursery of Rising Talent — 2022 Taipei Chinese Instrumental Competition and Concert

是詩、是詞、是曲、如聲、如音、如墨吟詠性情．歌樂相得 ― 詩詞曲歌唱跨界音樂會從《昔日》到《毋忘在莒》― 訪陳勝田老師 60 年代臺灣國樂人的耕耘記述（四）

音樂中的知覺現象放浪形骸的偽裝：阮籍音樂思想形成背景

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※ 本欄目為提供給國樂研究及評論者的開放園地，並不代表本刊立場。

Publisher

CHEN Cheng-Kang

Editor-in-Chief

HUANG Li-Feng

Artistic Advisors

LIN Ku-Fang, LIN Yu-Ting, WU Rung-Shun, HU Tai-Li, SHIH Te-Yu, HSU Hsueh-Chi, HUANG Kuang-Nan, CHANG Jiunn-Yih, FAN Wei-Tsu, CHENG Te-Yuan, QU Chunquan, SU Wen-Cheng ( by Order of Stroke Numbers of Surname in Chinese )

Editorial Review Committee

CHEN Hsiao-Ping, HUANG Hsing-Wu, CHUNG Yung-Hung, LU Kuan-Yi, MA Nan-Hsuan, SU Ying-En, CHEN Hui-Chun, HUANG Chen-Chi, LIN En-Hsu

Executive Editor．Production

Chivalry Cultural and Creative Industry & Consultant Ltd.

Editorial Consultant

HSU Hsin-Wen

Translation Editor

LEE Ming-Yen

English Translator

CHANG Woan-Zhen, LIU Chun-Yi

新思路

The Route to Innovation 人們常說，讀萬卷書不如行萬里路，這句話似乎也適合用在藝術創作上。就某種意義而言，好的作品應該是用腳「寫」出來的，作曲家對於風土人情、樂器特性和演奏者愈是熟悉，創作出來的曲子就愈具藝術創作生命力。采風的重要性，不言可喻。

現代國樂除了承襲前人的文化遺產之外，也需要源源不絕的新曲創作，才能延續它的發展。有些作曲家習慣關起門來創作，作品往往只屬於自己的個人想像，中間缺乏交流，十分可惜。尤其國樂有許多作品屬於「標題音樂」，背後是在述說一個故事，與人事時地物習習相關，若作曲家能實地尋找富有地方特色的音樂素材，或是和演奏家有更深入的討論，作品就能展現更多藝術上的表現深度。

有鑑於此，臺北市立國樂團便計劃透過許多指標性的委託創作，邀請作曲家和演奏家以創作主題進行采風，同時也讓二者有更多互動。今年 2 月 10 日，配合 12 月節目的國樂協奏新作，樂團與二胡演奏家黃正銘、作曲家顏名秀，一同至苗栗縣銅鑼鄉拜訪客家藝師賴仁政，一探臺灣獨有的樂器 — 喇叭弦。

喇叭弦的外型及演奏方式與二胡相似，賴老師一面講解，一面為大家示範演出，且隨口便開始唱起了客家山歌，豐富的聲線條與簡單的弦音搭配得恰到好處。而兩位演奏家和作曲家在實際觸碰到樂器之後，了解其演奏方式，聽見其音色與不同把位、音域之特色，都認為對自己的幫助甚大。

采風對創作是重要的，過程中的所見所聞，都會成為靈感的一部分。我們希望讓樂曲在形成之前是可以參與的，而非閉門造車，或是成為時間壓力下急就章的產物。在作曲家和演奏家的協同創作上，過去也不乏經典，作曲家劉文金與二胡演奏家閔惠芬的《長城隨想》二胡協奏曲便是最好的例子。

找一個時間，換一個空間，讓創作和演奏可以交流，有了互動之後，作曲家筆下的空間必定會更寬廣。

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采風是創作的開始

Folk Culture is the Foundation of Creation

編輯部採訪整理 Editorial Department

He that travels far knows much. This saying also applies to the composition of music creations. On certain level, good music should be inspired by travel. When composers have a higher understanding and appreciation for landscape, regional culture, characters of the instruments and musicians, they are more likely to create music that embodies the spirit of things that truly matters to a generation. The importance of drawing inspiration from folk culture goes without saying. Though studying the cultural heritage from predecessors is rudimentary to the development of modern Chinese music, there is no denying of the significance of new music creations. Chinese music must evolve with time. Rolling stone gathers no moss. Some composers are used to create works behind closed doors. These works are mostly the manifestation of personal imagination. The lack of communication with others and the world is quite unfortunate indeed. As a matter of fact, many works of Chinese music are title music. This means the repertoire is telling a story relating to certain people, place, and affairs. If the composer is willing to travel, gather information on local culture and character or engage in a more in-depth conversation with the musicians who perform, the new musical creations will certainly grow in sophistication and profundity. In view of this, Taipei Chinese Orchestra (TCO) initiated the bellwether program, commissioning composers and performers to gather information together through travel. This also serves as an opportunity for further acquaintance between the two. On February 10th, a new Chinese music concerto scheduled to debut in December, HUANG Zheng-Ming, the performer and YAN Min-Xiu, the composer, called on Hakka maestro LAI Ren-Zheng in Tongluo township, Miaoli. Their mission was to explore the beauty of a rarely seen Taiwanese instrument, Tiexianzai — a two-stringed fiddle with a characteristic metal amplifying at the end of its neck. Tiexianzai resembles Erhu both in appearance and playing techniques. Mr. LAI explained the inner workings of the instrument and performed a piece to a Hakka folk song for the audience. The rich and resonating voice is in perfect harmony with the simple string music. Both artists learned a great deal more after playing with the instrument themselves and having a basic understanding of the way it works, the sound it produces and the characters of the performance it gives. Gathering information and material from field excursions are paramount to music creations. The experiences and findings are all ground for new artistic work. We hope to encourage more participation and increase stimuli throughout the creative process. Working alone behind closed doors or rushing to meet a deadline is not the ideal scenario for outstanding music creation. There were in fact, examples of great success produced by the collaboration of composers and performers. Case in point, The Great Wall Capriccio — Erhu concerto, was the exceptional work of composer LIU Wen-Jin and Erhu virtuoso MIN Hui-Fen. Give the composers and the performers a chance to meet somewhere new and explore unfamiliar territory together. The chemistry may surprise you. One plus one equals two wings that flap and allow Chinese music to soar high.

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畫中有深情 ─ 專訪《大畫昭君～觀落雁》導演謝念祖文 / 吳俞萱

圖 / 邱子殷、臺北市立國樂團

有趣、另類、感人 ─ 這是跨界鬼才導演謝念祖的作品風格，也是我們從他的戲劇回看現實人生而獲得的震撼教育。一聽到我說「教育」這兩個字，謝念祖導演笑著急忙打斷：「千萬不要這麼說！『教育』實在不敢當！我作戲沒有在想『教育』，我只是有什麼想法就跟你分享！我有什麼感動的故事就跟你分享！」那麼，將在「臺北市傳統藝術季」上演的全新音樂劇《大畫昭君 ∼ 觀落雁》要跟我們分享什麼呢？

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能演能唱的華麗演員陣容。

謝念祖說戲，引導演員進入故事情境。

幽默翻案，透過歷史回應當代問題邁入第 35 週年的「臺北市傳統藝術季」由臺北市立國樂團主辦，是全臺灣規模最大、歷史最悠久的傳統藝術盛會。跨界大型製作也是臺北市立國樂團的強項，與全民大劇團在聯手合作繼《情人哏裡出西施》和《賽貂蟬》之後推出的「古代四大美人」作品之三《大畫昭君 ∼ 觀落雁》再度挑戰歷史題材。相傳，漢元帝請畫師毛延壽畫下宮女，供他按圖召見。毛延壽向王昭君索賄被拒，於是在王昭君的畫像上點痣醜化，讓她得不到漢元帝的臨幸。後來，匈奴單于提出和親，王昭君為了解救國難，自願挺身而出。當漢元帝見到美麗的王昭君，就在懊悔和盛怒之下殺了毛延壽……

「如果，毛延壽和王昭君是一對戀人呢？」謝念祖導演一向不是搬演和再現我們耳熟能詳的歷史情節，而是從現代的視角回探歷史的縫隙，大膽想像歷史留白的部分：「從王安石寫的詩〈明妃曲〉讀到『意態由來畫不成，當時枉殺毛延壽』，我想，一個厲害的宮廷畫師有什麼理由會把王昭君畫醜呢？也許，他們是一對戀人。毛延壽如果把王昭君畫得很漂亮，皇帝就會把她挑走；如果畫得很平庸，皇上就不會選她。直到白髮宮女放出去的那一天，毛延壽和王昭君就可以一起過生活了。這就是我們故事的起點。」

起點，是設想古代名人的掙扎和辛酸，讓我們在鮮活的歷史人物身上察覺我們和他們相應的生命處境。如果，《情人哏裡出西施》點出人因家庭、權力、事業或愛情而眼盲；《賽貂蟬》描寫帶著厄運的女人怎麼運用這個特異功能去改變這個世界；那《大畫昭君 ∼ 觀落雁》與我們共鳴的地方是什麼呢？

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跨越形式，找尋各種通往人心的表達

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謝念祖導演說：「張大春老師建議我們運用一幅畫、一幅畫的呈現方式來講王昭君的故事，讓每一場戲都是一幅畫。大春老師為這個劇本創作的歌詞寫到毛延壽唱出『這畫圖，將她困在，困在了未央前殿鳳凰臺。』而王昭君則是唱『這畫圖，將他留在，留在了長樂宮中月輪高。』這裡面提到『畫』的意象和概念是很有趣的！當王昭君想去黃山，毛延壽就畫一座黃山，再畫他們兩個人在山裡。當王昭君想去月亮，毛延壽就畫一顆月亮。『畫』可以把人困住，又可以帶人去任何想去的地方。」轉一個視角，路就出現了。被束縛住的現實，其實能透過自由的想像去改變它。

「想像」是謝念祖導演對於歷史和當代問題的對話方式，「自由和開放」則是他游刃有餘地穿越劇場、電視、電影和音樂劇等不同藝術類型的創作心法。他相信「藝術的價值來自於溝通和交流」，各種藝術類型的表達模式不同，觀眾的期待和專注力也完全不一樣，以此發展出來的敘事邏輯和表演強度也因而受到改變。他說：「音樂劇是一種劇場的形式，只要找到適合的音樂劇人才一起合作，並且理解受眾的需求，我就能依照他們的需求去作調整。就像《大畫昭君 ∼ 觀落雁》大春老師的詞寫完，我會再跟作曲老師李哲藝討論每一首歌曲的結構和風格，昭君有昭君的旋律，毛延壽也有另一種旋律。等曲子編寫完成，最後再加入臺北市立國樂團，劇中人物的故事和心境就會更立體了。」

道具盛裝了角色的失落和希望。

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排練空檔，演員進行討論和修正。

投入創造，引我們重新愛上現實創造的過程仰賴自由的發想，也仰賴務實的行動。謝念祖導演的每齣作品從劇名、歷史視角到演出形式（例如，《瘋狂電視台》一邊演戲一邊搭配選舉開票）都充滿了顛覆奇想和創新色彩。謝念祖導演說：「我從小就喜歡玩！不只一個人玩，我還會找人一起玩！以至於我後來找了劇場的工作，因為這跟「玩」的本質是相像的。當我要做一個作品的時候，我會去想『它好玩在哪裡？』我一定要找到好玩的地方，才會投入去做。『戲劇』本來就有『遊戲』的成分在，誰會去玩不好玩的遊戲？《大畫昭君 ∼ 觀落雁》的『畫』能把人框住，也能帶人飛出去，當我覺得『畫』的這個概念好玩，這齣戲才有機會感動別人！」若不是有「情」，為什麼在乎溝通和交流？若不是有「情」，為什麼透過一齣一齣戲劇來呈現生命的可能性？謝念祖導演給我們的震撼教育並非灌輸單薄的道德訓誡，而是直視生命的狀態，回應生命的需求，就像他說的：「作品本身會說話，每個觀眾可以找到自己想要的答案。我提供故事、情感和可能性，提供另一種觀點，觀眾可以選擇要或不要接受。人生很辛苦，有一些苦根本躲不掉！但我們可以苦中作樂，讓療傷的過程縮短。只要找到可能性，對生活有正面的力量，我們就有勇氣往前了。」

【TCO】閃亮亮系列：TCO 劇院

音樂劇《大畫昭君∼觀落雁》 2022.5.20( 五 ) 19:30 / 2022.5.21( 六 )14:30、19:30 / 2022.5.22 ( 日 )14:30 地點：臺北市中山堂中正廳

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Confessing Ardent Love with Painting —

Interviewing HSIEH Nien-Tsu, Director of WANG Zhaojun, The Musical

Text / WU Yu-Xuan

Picture / Chiu Tzuyin, Taipei Chinese Orchestra

Hilarious, quirky, and heart — rendering are the works of HSIEH Nien-Tsu. His plays are powerful life lessons to those who believes they have a firm grasp on reality and truth. On hearing the word, lesson, HSIEH laughed and interrupted, “Please don’t put it this way. They are not lessons. I produce plays to share my thoughts and feelings, not to teach. I am merely trying to tell a story that moves and touches me.” What then, is he trying to tell this Taipei Traditional Arts Festival with the brand-new Wang Zhaojun, The Musical?

A crossover by Taiwanese literary giant, CHANG Ta-Chun, and TCO.

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Actors of WANG Zhaojun, The Musical, are practicing moves, rehearsing lines, and familiarizing themselves with blocking.

A Whimsical Take on Historical Events That May Answer Similar Struggles People Face Today The 35th Taipei Traditional Arts Festival hosted by TCO is considered the largest and most long-standing festival for traditional arts. Crossover production has always been one of TCO’s strong suit. After the blockbuster productions of My Unseen Concubine and My Farewell Lady, TCO once again joined hands with All U People Theatre to present the next chapter of the “Four Classic Beauties,” WANG Zhaojun, the Musical. Legend has it, Emperor Yuan of Han commanded imperial painter MAO Yanshou to paint portraits of all the palace maids. This way, he could select the ones he liked for the night. MAO asked WANG Zhaojun for a bribe, but she denied him the profitable undertaking. Out of revenge, he painted a mole on Zhaojun’s face, obscuring her beauty and made sure the portrait never aroused the interest of the emperor. Later, Chanyu of Xiongnu asked for the hand of a princess of Han to cement the relationship between them. WANG Zhaojun bravely volunteered to sacrifice her own happiness for the good of the empire. It was not until then did emperor Yuan realize what had happened. Blinded with fury, he had Mao killed instantly.

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TCO Theater In theatre, the performers are married to their plays.

“What if MAO Yanshou and WANG Zhaojun were lovers?” Director HSIEH asked. He was never satisfied by merely reproducing the widely accepted interpretation of an historical event. He wishes to find a new perspective from a modern point of view, to fill out the blanks with answers that may have been overlooked or ignored. WANG An-Shi wrote in his Mingfeiqu, “True elegance is how one carries oneself and that is something you can never put down in paintings. For this reason, Mao Yanshou is wrongfully executed.” This got me thinking, “Why would an imperial painter dishonour his own work? Maybe they were lovers. If MAO depicted the beauty of Zhaojun truthfully, emperor Yuan would have made her his concubine. It was then perfectly understandable that he would try to disguise her charm and hope for a glimpse of happiness together when she got released from the imperial palace as an old maid. And this is how the story was born.”

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The songs express the inner turmoil of characters and allow the plot to carry on smoothly.

The idea is to explore the struggles and anguish of famous people in history and see if we still face the same challenges today. My Unseen Concubine talks about how family, power, career, or love can cloud a person’s judgement. My Farewell Lady tells the story of how a woman destined for ill-fate and tragedy can still save the world with her superpower. What is WANG Zhaojun, the Musical trying to show us then?

Transcend All Forms of Expression and Find a Way Straight to The Heart Director HSIEH says, “CHANG Ta-Chun suggested that we tell the story of Zhaojun through paintings. Every scene revolves around a painting. The lyrics created specifically for this script further enhanced the importance of this art medium. MAO sings, the painting trapped her in. Made her the eternal prisoner on the tower of Phoenix in front of Weiyang Palace. Zhao-Jun sings, the painting kept him here. Here at the Changle Palace where the moon shone high and bright. The portrayal and concept of painting here is fascinating. Zhaojun wished to climb mountain Huang. MAO painted a picture of the mountain and added the two of them there. Zhaojun wished to visit the moon. MAO immediately drew a picture of the moon to please her. Paintings are magical. They are capable of trapping you in or taking you to places you yarn to go.” The path to freedom has always been there, all you have to do is find it. The fact is, we can change the reality by freeing our imagination.

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TCO Theater The director coaching actors in blocking and rehearsal.

Imagination is how director HSIEH relates modern day problems to struggles in the past. With freedom and openness he moves effortlessly across genres, going from theatre to TV to cinema, and then to musical and back. He believes the true value of art lies in communication and exchange. Each art form has its unique way in expressing thoughts and emotions. The audience has different expectations and way of appreciating each art form. Therefore, the narrative style and intensity also vary. He points out, “Musical is a form of theatre. The secret is to recruit the right musical talents and nurture a proper understanding of the target audience. With it I will be able to make adjustments accordingly. When CHANG Ta-Chun completed the lyrics for the songs in the musical, I went over the structure and style of each song again with composer LEE Che-Yi. MAO Yanshou and WANG Zhaojun each has their signature style that should be distinguishable even in music. When the songs were finalized, we introduced TCO into the mix and further accentuated the story line and added depth to the characters.”

Artistic Creation Makes Us Fall in Love with Reality Again SILK R AD

Imagination is freedom of the mind, the beginning of creation. You imagine what you desire, you will what you imagine, and at last, you create what you will. Every play of director HSIEH’s are unconventional, outrageous funny and extremely creative in name, historical perspective, and genre. (For example, Crazy TV Channel is a parody on the ballot counting process.)

Good actors should be able to portray their role in a production convincingly and connect with audiences.

HSIEH tells us, “I have loved to play ever since I was a child! I enjoy playing alone, and with others. Which is why I choose a career in theatre. Playing and theatre has a lot in common. When I'm working on a project, the first thing that comes to mind is always, how can I make this interesting? If it is not fun at all, it is not worth investing my time and energy in. There is a great deal of similarity between drama and games. Who would want to play a game that’s boring as hell? The paintings in WANG Zhaojun, The Musical can trap people in or give people a time out from reality. I think the concept of painting is quite fascinating and that is why this production is inspiring!” If it weren’t for love, who would care about communication or making exchanges? If it weren’t for love, why explore all angles and possibilities through one play after another? What director HSIEH is trying to convey isn’t some rigid and old-fashioned morality lesson. His powerful punch is directed at the present states of life. It is about facing the truth straight in the face and respond with honesty. In his word, “An artwork speaks for itself. Each audience has his or her own interpretation to the question asked. What I offer is merely a story, an emotion, and a possibility. This is an alternative point of view. The audience can either accept it or fight it. Life has its up and downs. We might as well make lemonade out of lemons. Let the healing process begin so we can face a new tomorrow. Where there’s a will, there’s a way. Positive thinking builds courage and persistence.”

Brilliance Series : Opera from the TCO Theater

WANG Zhaojun, The Musical 2022.5.20 (Fri) 19:30 / 2022.5.21 (Sat) 14:30, 19:30 / 2022.5.22 (Sun) 14:30 Venue : Zhongzheng Auditorium, Taipei Zhongshan Hall

封面故事客座主Cover 筆 Story Guest Columnist Session

山歌愛唱大大聲 ―

北市國喇叭弦、客家山歌采風側寫文 / 李乃亘

圖 / 臺北市立國樂團、鄭榮興

「采風」，意指採集民間歌謠、傳說、俗諺……，與民族音樂學之研究中常使用之「田野調查」一詞意思相近。而對音樂進行采風的人可能有不同的目的：有人為了保存傳統，有人想要理解不同民族或地區之文化，有人則是想要尋找音樂創作題材。2022 年 2 月 10 日，臺北市立國樂團（以下簡稱北市國）陳鄭港團長、二胡演奏家黃正銘與作曲家顏名秀，至苗栗縣銅鑼鄉進行采風，拜訪客家藝師賴仁政，為北市國今年的新創節目、喇叭弦與國樂團的協奏作品而共同努力。

采風活動結束後大家仍對賴仁政老師的講解意猶未盡。( 由左至右 ) 黃正銘老師、陳鄭港團長、賴仁政老師賢伉儷、顏名秀老師。

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二胡演奏家黃正銘與作曲家顏名秀，本次音樂采風現場共同拉奏二弦與低音喇叭弦。( 左：作曲家顏名秀 / 右：二胡演奏家黃正銘 )

賴仁政老師表示，多數人來找他是為了可以了解客家山歌、平板的演奏或演唱方式，鮮少有人是為了解喇叭弦而來。他指出，喇叭弦之構造與二胡相似，同為兩條弦、使用弓拉奏，但原有的琴筒以唱片機的雲母片替代，琴頭為留聲機之擴音喇叭造型，製作材料也從原先的木質材料改為金屬，因此喇叭弦又被稱作鐵弦。「高音喇叭弦整體琴身較小，使用高胡弦，聲音乾淨清亮，較常作為主奏樂器；低音喇叭弦則琴身較大，使用中胡弦，聽起來低沉而哀怨，常作為伴奏樂器」，他一面講解，一面為大家示範演出。當大家還在觀察這新奇且少見的樂器時，只見賴仁政老師從容的拿起低音喇叭弦，隨口便開始唱起了客家山歌。相較於他變化豐富的歌唱線條，手中的喇叭弦只是單純提供空弦音，點狀地襯托主旋律，雖看似簡單，卻使整體音樂更加豐富且配合得恰到好處。賴仁政老師表示，因客家山歌主要由 La、Do、Mi 三音組成，而其中 La 和 Mi 兩音占了八成，因此低音喇叭弦即使沒有過多技巧與按音，只以空弦音補足演唱中缺少的低音部分，也使整體音樂更加有層次且好聽。賴仁政老師開玩笑地說，這便是古人們的智慧，不用過多的加花或修飾，每個人都在自己適合的位置上，這樣的搭配組合便使人感到舒服且好聽。

回憶起學習喇叭弦的過程，賴仁政老師提到，第一次是在新竹關西的隴西八音團中，看到師父彭宏男與其他老一輩的樂師們拉奏喇叭弦，才識得此樂器。喇叭弦因構造使然，音域比起胡琴更廣，也能有更多的音樂變化，大多僅出現於客家山歌或北管，後來因製作成本高、演奏人數少，漸漸乏人問津。此次收到陳鄭港團長的邀約，希望以喇叭弦結合國樂團，賴仁政老師對此也表示贊同，希望藉此能讓喇叭弦被更多人看見，亦在創作中開發出新的音樂類型，為傳統音樂創造更多可能性。

客座主筆 Guest Columnist Session

經過賴仁政老師的詳盡介紹與演奏示範後，黃正銘老師與顏名秀老師相繼試拉喇叭弦。雖然兩位老師對於胡琴的拉奏都有經驗，但因喇叭弦的琴頭大，又為金屬材質，樂器的構造差異導致演奏時的重心有些「頭重腳輕」，因此試拉時也花了一點時間調整適應。而讓顏名秀老師為之驚訝的，是喇叭弦的高音把位音色扎實且亮麗，她分享以往創作胡琴作品時，因考慮其高音把位音量小、音色虛，所以在創作上就會特別注意此特點；但喇叭弦則相反，越高音的區域音色越扎實，因此在音域的運用上較廣較自在無束。顏名秀老師當天也分享過去創作客家歌舞劇《香絲•相思》時，曾至高雄美濃、臺中、新竹等地進行采風，參觀客家的建築、棟對、燈籠等傳統元素。當時不論是在客家庄中的實體物件，還是在采風過程中所感受到的人情味，都給予她帶來許多創作時的靈感。亦表示，此次采風能夠真實觸碰到樂器、聽見其音色與不同把位、音域之特色，對於己身的作曲幫助甚大。即使網路上存有關於喇叭弦的介紹影片與聲音檔案，但效果與實際聽見之聲音還是有所落差；可以實際碰觸樂器，並聽見賴仁政老師的示範與解說，「猶如直接看見矇在薄紗下的真實面貌一般」，喇叭弦的輪廓與面貌，清晰地呈現在眼前。

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賴仁政老師講解與示範喇叭弦、客家山歌。

黃正銘老師則表示，雖然喇叭弦在演奏的技巧方面與二胡相似，但其在音樂的韻味上卻截然不同，演奏家需要花上許多時間浸泡、沉澱，才能將其詮釋的有滋有味；且因其音樂特性和語法之獨特性，之後要如何將喇叭弦與國樂團結合，還需仰賴顏名秀老師的創作與權衡。黃正銘老師分享此次采風過程中感受最深刻的，便是賴仁政老師唱歌、拉琴時的那份自在、那悠遊在音樂之中的無拘無束、流淌在血液中對傳統音樂的感動，這也是現今這一代人較少能夠涉略與體會的部分，也因此黃正銘老師在見到這些國寶級的藝術家時，心中都會有著一股想要傳承的衝動，將那份從容也融入在自我的音樂當中。在眾人談笑之際，賴仁政老師已沏上一壺茶，他聊起客家山歌過往的盛況與現狀，感慨現今這些傳統音樂的傳承猶如風中殘燭，雖然山歌、弦調有被保存下來，但大多數人都只是照本宣科，與過往老師傅們信手捻來、隨興自由的演奏相差甚遠，也因此在這個世代中能唱出山歌味道之人已是寥寥無幾。談起傳統音樂，雖有許多樂種是由中國傳入臺灣，但因地形、氣候、風俗民情與文化之不同，這些樂種經過長時間的淬鍊後，於臺灣生根、發芽、茁壯，成了別具一格的新風貌，也成為了這片土地的瑰寶；不過也因全球化、時代變化之影響，這些傳統音樂面臨了新世代的考驗與改革，原有的風貌也漸隨之變遷。采風最後，賴仁政老師為大家演唱一首自創山歌，歌詞描述那些原在採茶或撿柴時唱的山歌，如今都已不復存在了。他感嘆說道，枝枒茂盛的山已變了模樣，雖然山頭依然壯麗，但山歌的老腔老調該去哪裡找尋，已不得而知。此曲經竹東鎮山歌比賽使用後，歌詞更改為：「山歌愛唱大大聲，不要等到兩三更，等到三更人睡靜，再好山歌沒人聽。」現場只見賴仁政老師自拉自唱，堅實且富有磁性的嗓音，在時而高亢、時而低沉的旋律中，將客家山歌繼續傳承，唱響山頭。

喇叭弦介紹「喇叭弦」亦可稱作「鼓吹弦」、「鐵弦」，依其型制又可分為高音喇叭弦與低音喇叭弦兩種，最早出現於日治時期的臺灣，因早期在戶外演出時擴音設備並不完善，而喇叭弦演奏時的宏大音量便可克服擴音問題，所以廣受臺灣民間音樂喜愛與使用，在客家山歌、歌仔戲、客家戲等樂種中皆可看見其身影，在廣東音樂中也會使用，甚至有時出外演出，樂師也會以高音喇叭弦代替京胡，由此可知喇叭弦在當時的臺灣被廣泛流行與使用。戲曲音樂學者鄭榮興指出，日治時期臺灣有許多樂器都是由樂手自己手做而成，喇叭弦便是在這樣的背景與環境下誕生；至於喇叭弦是在什麼情況下被發明，至今仍沒有定論。一個廣為流傳的說法是日治晚期殖民政府「禁鼓樂」的政策禁止戲曲活動使用鑼鼓、嗩吶等傳統樂器，但允許使用西洋樂器伴奏，促使民間藝人創造出具有留聲機造型的喇叭弦。

鄭榮興老師提供。

相較於客家八音中常用的二弦、胖胡使用梧桐板振動出聲，喇叭弦使用留聲機的雲母片共鳴發聲，且整體琴身都是金屬製，琴頭則為擴大器造型，因此造就其特殊的音色與宏亮的音量，但也因其音色特殊，使用時須注意音色平衡。雖喇叭弦的歷史紀載文獻不多，但其在臺灣經歷了數十個年頭後存留下來，成為臺灣特有之樂器，也從其特殊的樂器構造上，看見臺灣的歷史痕跡。

※ 本文作者李乃亘為國立臺灣師範大學民族音樂研究所研究生，本文改寫自 111 年 2 月 10 日至苗栗拜訪賴仁政老師訪談內容。

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培育新生代的搖籃 ―

2022 臺北市民族器樂大賽評審團同台彈心文 / 黃稟皓、傅明蔚

圖 / 臺北市立國樂團

第 29 屆臺北市民族器樂大賽，2022 年 4 月 26、28、30 日，於臺北市中山堂中正廳，分別舉辦「複賽」、「決賽」以及《彈心 — 琵琶名家之夜》音樂會。受到 COVID-19 疫情影響，分成現場演奏的「臺灣組」和線上審查的「大陸及海外組」。該賽事歷年以二胡、笛子和琵琶為主要比賽樂器，過去也曾辦理指揮、作曲、揚琴、古箏、打擊等項目，是享譽國內外的重要國樂賽事。本屆特邀楊惟、俞嘉、鄭聞欣、潘靜等琵琶演奏家擔綱評審團，連同臺灣組脫穎而出的前 3 名獲獎者，將與臺北市立國樂團在名家之夜同台彈心！

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2018 年 TCO 第 25 屆臺北市民族器樂大賽「彈指交鋒」大合照。

2022 臺北市民族器樂大賽評審團。左上 : 楊惟，右上 : 俞嘉。∕左下 : 潘靜，右下 : 鄭聞欣。

名家技巧傳統與現代的碰撞本屆琵琶民族器樂大賽的指定曲目共計 4 首，複賽為《水調歌頭》、《煙雨含霜》，決賽為《潯陽月夜》、《尋・耶婆瑟雞》。複賽曲目《水調歌頭》，由臺灣琵琶名家王正平於 1979 年所作，是臺灣琵琶曲的代表作品。曾於王正平門下學習的鄭聞欣表示：「本次專為比賽修訂的《水調歌頭》，不但根據手稿轉譯成五線譜，更參考了王正平實際演奏的歷史錄音，從中梳理差異及重新校訂。因此，當中有些王正平最擅長的技巧，譬如以『下出輪』均勻的演奏分解和弦，對參賽者而言，將是一大考驗。」另一首複賽曲目《煙雨含霜》，則由臺灣青年作曲家鄭光智於 2018 年創作。循著旅足蘇州太湖時的聽覺記憶，鄭光智在曲中放入了許多「評彈」音樂素材，巧妙地營造出江南意象，讓聽眾彷彿身在煙雨中漫步。出身上海的俞嘉，家族長輩有多位評彈藝術家，她認為：「面對現代曲目中的傳統元素，參賽者不應該單純用現代的角度去彈，相反地，如何原汁原味地呈現評彈這門藝術，又能透過技巧演奏出傳統跟現代的碰撞，才是最重要的課題。」

封面故事 Cover Story 2018 年 TCO 第 25 屆臺北市民族器樂大賽第一名 : 楊靖，獲得與 TCO 於「彈指交鋒」同台演出之殊榮。

回歸本質我們真的瞭解琵琶嗎？決賽曲目難度更增，更需要參賽者思考關於琵琶的歷史和演奏本質的問題。《尋・耶婆瑟雞》試圖在歷史的斷簡殘片中尋覓那失落的古聲，作曲家杜詠 2018 年用 3 個小標題「千佛窟」、「千淚泉」及「千載思」進行創作，寫下這首琵琶協奏曲，勾勒出盛唐時期最著名的龜茲樂舞「耶婆瑟雞」。曾任職於中央民族歌舞團的潘靜認為：「此曲帶有寫意的風格，張弛有度、情感豐富，以水、風、沙之音，采綴其聲以為曲調，匯歐亞之風采，展絲路之意象，是蠻具有挑戰性的樂曲。」

同樣作為決賽曲，《潯陽月夜》由享譽國際的琵琶大師劉德海，根據平湖派楊大鈞、樊伯炎的演奏譜合編而成，除了平湖派古曲的傳承，更匯集了劉德海的人生歷練。自 1981 年起便跟隨劉德海習藝一生的楊惟，感觸最深，那些關於琵琶音準、節奏、聲音、基本功的最初級的問題，始終是大哉問。「我們真的瞭解琵琶嗎？」彷彿哲學問題般的叩問，是楊惟期待與參賽者們共同探討的核心議題。延伸的討論包括：「我們把琵琶看成了什麼？琵琶正常開始動作要做什麼？除了右手，那左手呢？……」一連串發人深省的問題，要引發原本也許迷失在追尋技巧的演奏者，透過集體反思，回歸彈奏琵琶的本質。

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同台彈心琵琶名家之夜音樂會在決賽之後登場的，是《彈心 ― 琵琶名家之夜》音樂會，由 4 位評審與前 3 名得獎者同台匯演，一連串精彩的曲目，

盡展琵琶藝術精華。首先，楊惟將帶來王丹紅的《雲想・花想》，此曲創作於 2013 年，其靈感來自李白著名詩作【清平

調】：「雲想衣裳花想容，春風拂檻露華濃。」是頗受歡迎的琵琶曲，曾有多位演奏家詮釋過。對此，近年專注在自己想做的事情上的楊惟，在聆聽、研究該曲時，仍然發覺好幾個值得練習精進的地方，非常值得玩味，而這份忠於本心、傾力鑽研的精神，也是楊惟想與觀眾分享的初衷。接下來，俞嘉將演奏孫晶於 2014 年創作的《文武雙全》，其特色在於兼容武曲的音高材料和文曲的推拉吟揉技法。俞嘉表示：「這是一首傳統韻味結合現代技巧的優秀作品，希望這次可以跟首次合作的北市國擦出新火花。」另外，鄭聞欣與潘靜將分別帶來古曲《塞上曲》和《春江花月夜》。對於《塞上曲》，鄭聞欣說明：「本次編配的版本只用弦樂隊，更彰顯琵琶的特色及韻味。」相信將為這場濃墨重彩的音樂會，帶來另一番古樸清新之感。而關於《春江花月夜》，潘靜則表示：「這是一首經典的古曲，曲調優美如歌、典雅抒情。音樂如繪畫，其豐富的張力就像色彩斑斕的對比，期待觀眾靜心去感受音樂中傳遞的詩情畫意。」

培育搖籃為新生代打造的舞台器樂大賽對於北市國來說已行之有年，今年更是邁入第 29 屆，歷年來催生的樂壇新星，不乏投身回到樂團的。評審團中，北市國的代表鄭聞欣，便是早年的參賽者，曾參與過 1987 及 1988 年的比賽，她認為：「這個比賽彰顯出市國不僅是一個職業樂團，更致力於培養未來的職業人才，擔負教育與傳承上的意義。」除了鄭聞欣，現任團員如：林克威（笛）、吳孟珊（胡琴）、林承鋒（胡琴）等人，皆曾在器樂大賽中取得佳績。

無獨有偶，來自新加坡華樂團的評審俞嘉，1994、1999 年亦曾參與過器樂大賽，她笑稱：「我對臺北這個比賽，還是有一些情感的！」足見其對昔日參賽舞台的懷念。本次代表新加坡華樂團出任評審並參與演出，除了加強雙邊的合作關係，提高賽事的國際能見度，她也認為，選手參加各地的比賽，有其實質意義：「不同地區舉辦的比賽，指定曲目通常具有當地特點，參賽者應多參與，以瞭解不同風格的曲目。」如同俞嘉的期許，潘靜也對器樂大賽表示肯定：「對於苦練寒暑十幾年的青年演奏家來說，能夠取得一個好的比賽成績，無疑是對他們最好的肯定和鼓勵。」因此，評審們都非常期待聆聽來自各地的優秀青年們，對比賽曲目精彩的詮釋；而北市國也將延續這份使命，組織國際化的評審團、多元國籍的參賽者，為下一代打造了公平、公正、公開的舞台，成為培育演奏人才的搖籃。

名家系列彈心 ― 琵琶名家之夜 2022.04.30 ( 六 ) 19:30

地點：臺北市中山堂中正廳以下活動憑 4.30「彈心」音樂會票券入場

2022 臺北市民族器樂大賽 ― 複賽 2022.04.26( 二 )14:00 / 19:00 絕世好彈 ― 決賽音樂會 2022.04.28( 四 )19:00 地點：臺北市中山堂中正廳

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The Nursery of Rising Talent —

2022 Taipei Chinese Instrumental Competition and Concert Text / FU Ming-Wei and HUANG Ping-Hao

Picture / Taipei Chinese Orchestra

The second round, the duel in the finals, and the following Tug at Your Heartstrings Soirée of Pipa Virtuosi of the 29th Taipei Chinese Instrumental Competition will be held at Zhongzheng auditorium, Taipei Zhongshan hall, on April 26th, 28th and 30th in 2022. Due to COVID-19, the semi-final and the finale will be divided into the physical Taiwan section and the online mainland China and overseas section. In the past, the instrument of choice were mostly erhu, dizi and pipa. There were also competitions in conducting, composing, yangqin, guzheng, and percussion. It is a prominent Chinese music competition recognized and appreciated all over the world. This edition, the jury panel presents esteemed pipa virtuosi YANG Wei, YU Jia, CHENG Wen-Hsin, and PAN Jing. The jurors will perform at Tug at Your Heartstrings Soirée of Pipa Virtuosi together with TCO and the top three winners of the Taiwan section.

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Taipei Chinese Instrumental Competition allows rising talents to shine. The photo shows the 2019 Erhu Final.

Transcending Excellence — Interpreting Classic Pieces with Contemporary Techniques This Chinese instrumental competition of pipa has four compulsory works — Shui Diao Ge Tou and Foggy and Rainy in Taihu for the second round. Moonlit Night in Xunyang and Looking for Yeposeji for the finale. Shui Diao Ge Tou was written by Taiwan pipa virtuoso WANG Cheng-Ping in 1979. It is regarded as a Taiwan pipa master piece. CHENG Wen-Hsin, a student of WANG, tells us, “The sheet music used in this competition has been revised according to the recorded performances of my teacher and transformed into five-line staff. Since he is renowned for his reverse tremolo technique, the participants must also demonstrate a high level of expertise in the mastery of the skill set. To play a broken chord steadily with reverse tremolo will certainly pose considerable challenge to the rising talents.” TCO representative on the judging panel, ZHENG Wen-Xin, believes that the competition ensures the future of Chinese music by nurturing and cultivating rising talents.

Another repertoire on the compulsory list is Foggy and Rainy in Taihu, the creation of a young Taiwanese composer CHENG Kuang-Chih in 2018. The song speaks of his travel to Lake Tai in Jiangsu. CHENG incorporated many elements of pingtan into the composition of music to try and transport the audience to Jiangnan for a walk in the misty rain. YU Jia was born in Shanghai. Her family raised many pingtang maestros. She believes that “the traditional elements within these contemporary works should not be performed with modern techniques. It is of paramount importance to truthfully represent the essence traditional pingtang art and still manages to showcase the contrast between traditional and modern techniques.”

Back To Basics — Do We Really Understand How to Play Pipa? The compulsory works chosen for the finale require even more skill and finesse. The participants need to explore the nature of instrumental performance and show considerable understanding in the development of pipa. Looking for Yeposeji is an attempt to find the notes and music lost in history. The pipa concerto composed by DU Yong consists of three sections: The Caves of a Thousand Buddhas, The Spring of a Thousand Drops, and the Thinking of a Thousand Years. All three sections together form a vivid picture of the most famous dance and music of Tang dynasty — Yeposeji of Kucha. PAN Jing, who was once a member of China National Ethnic Song and Dance Ensemble, points out, “The song has a sense of freedom to it and the emotions speak loudly to the audience. The sound of water, wind, and sand are woven into the notes. This is the best of both European and Asian culture and a successful portrayal of the magnificence of silk road. It is without a doubt an extremely inspiring and demanding piece.” Another repertoire for the finale, Moonlit Night in Xungyang, is arranged by LIU De-Hai based on the sheet music of YANG Da-Jun and FAN Bo-Yan of the Pinghu School. The music piece touches of the essence of Pinghu school and speaks of the life experiences of LIU Dehai. YANG Wei has been a student of LIU since 1981. He is greatly moved by the work. The tones, the rhythm, and the timbre of pipa are the most basic yet sophisticated lessons one must acquire when playing the instrument. Do we really understand how pipa works? This is the question YANG Wei hopes to explore with the participates. What do we see in pipa? What is the first thing we do when playing the instrument? Can we play not only with our right hand but also left? These are the questions musicians shall ask themselves over and over again. Hopefully this will prevent musicians from losing themselves in the pursuit of mere techniques. In the end, all should go back to the basics — the true nature of music and what it can bring.

封面故事 Cover Story HUANG Xiao-Qing, winner of the 26th Taipei Instrumental Competition of Erhu in 2019.

Tug at Your Heartstrings Soirée of Pipa Virtuosi After the finale, 4 of the judges and the top three winners of Taiwan section will perform together at Tug at Your Heartstrings Soirée of Pipa Virtuosi concert. The outstanding repertoire aims to exhaust the beauty of pipa. YANG Wei will perform Clouds and Flowers Fantasia, a concerto composed in 2013 by WANG Dan-Hong that took inspiration from The Tune of Qingping, a famous poem by poet LI Bai. The first two lines reads, “The clouds are as flowy as her dress and the flowers have her beauty. The spring breeze sweeps lightly pass the railings and the morning dew further accentuates the breath-taking charm of the flowers.” This popular pipa concerto has been reinterpreted by many musicians. YANG Wei devoted his full attention to listening and studying the song. He realized that there is still much more to the music piece that meets the eye, and it is certainly something worth delving into. The unrelenting spirit is what YANG Wei wishes to convey with his music. YU Jia will then perform Adept at Both Pen and Sword, composed by SUN Jing in 2014. The repertoire manages to incorporate a string of majestic high notes that is exhilarating and expressive music which requires the use of many complicated techniques. YU tells us, “This is an excellent creation that expresses the beauty of traditional Chinese music with modern techniques. Hopefully the collaboration with TCO will ignite sparkles for our audience.” CHENG Wen-Hsin and PAN Jing will play On the Frontier and Spring Night on A Moonlit River respectively. CHENG explains, “This time, On the Frontier will only be accompanied by a string band to highlight the characters and timbre of pipa.” This will add a rustic feel to the tone of the concert. As for Spring Night on a Moonlit River, PAN states, “This is a classic from the ancient times. The music is soothing, elegant, and filled with emotion. The tension in Music captures our attention, like the sharp contrast of colours in paintings. We hope the audience will be able to open up and immerse themselves in the feelings and emotions expressed through music.”

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2019 TCO Taipei Chinese Instrumental Competition ─ Erhu. Runner up : Tan Xin. (Presenter: ZHU Chang-Yao)

A Nursery for The Future of Chinese Music The Chinese Instrumental Competition is celebrating its 29th anniversary this year. Many winners from the previous competitions become a member of TCO. CHENG Wen-Hsin, the TCO representative on the judging panel was a participant herself in the early years. She entered into the competition both in 1987 and 1988. She believes, “The competition shows that TCO is more than just a professional orchestra. It is a nursery for future talents and a place that preserves and passes on the beauty of Chinese music.” Aside from ZHENG, other TCO members like LIN Ko-Wei (Dizi), WU Meng-Shan (Erhu), and LIN Chen-Feng (Erhu) have all stood out in the competition before. YU Jia from Singapore Chinese Orchestra also participated in the competition in 1999. She said laughingly, “The competition does mean something to me!” This shows her fondness for the platform that gave her an opportunity to grow. This year, she sits on the panel and will participate in the subsequent concert. This will fortify bilateral relationship between the orchestras and increase exposure on the international level. She also believes that taking part in competitions held in other places can be extremely beneficial. The compulsory list of each competition reflects local culture and character. Musicians should enter into as many competitions as possible to broaden their scope.” Just like YU Jia, PAN Jing has great hopes for the competition as well. “For musicians who practiced and trained for decades without stop, winning the competition certainly is the best way to validate their diligence and effort.” The jurors are all looking forward to meeting these rising stars and dying to hear how they interpret the repertoire. TCO will continue the good work, inviting virtuosi from all over the world to sit on the judging panel and create an open, just, and fair platform for rising musicians regardless of their nationality.

Virtuosi Series : Tug at Your Heartstrings Soiree of Pipa Virtuosi 2022.04.30 (Sat) 19:30 Venue : Zhongzheng Auditorium, Taipei Zhongshan Hall Take part in the following events with the ticket stub of 4.30 Tug at Your Heartstrings Concert

2022 Taipei Chinese Instrument Competition: Second Round 2022.04.26 (Tue) 14:00 / 19:00 Duel In the Finals 2022.04.28 (Thu) 19:00 Venue : Zhongzheng Auditorium, Taipei Zhongshan Hall

國樂新視界 New Vision

是詩、是詞、是曲如聲、如音、如墨吟詠性情．歌樂相得 ― 詩詞曲歌唱跨界音樂會

文 / 陳婉菱

口述 / 施德玉

圖 / 臺北市立國樂團

一首詩、或詞、或曲，其可以被琢磨出的美感，不僅在於文字本身，還可發於聲、作於音、興於樂、詠於歌、畫於墨、翩於舞，訴於情。由此，一場環繞著詩、詞、曲所內涵之各樣佳美姿態的跨界音樂會，於焉展開。成功大學藝術研究所特聘教授施德玉老師，以中央研究院院士曾永義教授所創作的詩、詞、曲等文學作品為核心發想，與臺北市立國樂團合作，籌備製作了一個跨界音樂盛宴。策展者施德玉老師廣邀各領域的藝術家們齊心各顯所長、協力合作，將曾教授的詩、詞、曲，鋪成「歌樂」的聽覺意境、化成「書法」的視覺氣韻，此三者冥然神契，將於音樂會上縱情共舞。跨界的構想，不為標新立異、營造驚奇，而是立於傳統詩、詞、曲所蘊藏之哲思美學本質上，以充沛的包容性和別緻的實驗精神，讓文學作品得以在與時俱進的時代氛圍中，以多元的樣貌淋漓展現。在這場音樂會中，其所包含的跨界元素，既結合了東方美學與西方美學，也融合了傳統風格與現代風格，更跨越了「多劇種」（崑劇、歌仔戲、客家戲）、「多唱法」（美聲、民族、戲曲）、「多作曲類型」（歐洲古典、客家戲曲、歌仔戲曲、崑曲）、「多語言」（中文、臺語、客語），及「多藝文領域」（文學、音樂、書法、多媒體科技）。

書法篆刻藝術大師薛平南教授以各體書法撰寫音樂會中所發表之詩、詞、曲作品。此乃以篆體和行草所書寫之【酒黨黨歌】，在音樂會中將由男高音

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白玉光為此作品譜曲並擔任演唱。

中研院院士曾永義教授倡導「人間愉快」的生命哲學，親自挑選其所創作之數十首文學作品，透過作曲家的譜曲、歌唱家的詮釋、國樂團的演奏，使聲情與詞情相依、使歌與樂相得。

是詩

椰林大道星月秋，月是容華星是眸。卻道鵑從花失影，綠楊拂面幾多羞 …… 本場音樂會中的所有詩、詞、曲作品，皆由曾永義教授所創作，並從其無數的作品中，親自擇取數十首詩篇、詞作、曲牌，呈現於本場音樂會裡，涵蓋遊屐雜詠、即興酬贈、歲時偶感、生活情懷、大陸行腳、域外遊蹤、故鄉珊瑚潭等多維度的意興抒懷妙作。

是詞

憶昔見卿面，彷彿識平生。心魂從繾綣，長望空明月 …… 音樂會中有兩闕詞。一為【水調歌頭】；一為【滿江紅】。前者由旅歐作曲家游昌發為新詞譜作新曲；後者由國立臺灣藝術大學黃新財教授為新詞編腔。曾教授所作之詩、詞、曲，皆講究聲情、詞情之相得益彰，並令詞、律得兩兼其美，以使作曲者、演唱者、演奏者能在正確的憑依上進行創作和表演，達成無間歌樂融合。

是曲

剩水殘山，壯士沙場血斕斑。夕日春江晚，百姓呼天喚 ……

曾教授特地為音樂會中的兩首崑劇作品《李香君》中的【駐雲飛】，與《蔡文姬》中的【黑麻令】，點下了淒美的標題 — 「崑曲悲佳人」。兩曲皆由來自中國的崑曲名師周秦教授擔任編腔，並邀請新加坡籍的指揮家∕作曲家瞿春泉進行配器，再由臺灣出身的戲曲名角朱民玲擔綱演唱，各方名家匯聚一堂，相得於歌樂之間。

如聲

牛尾擺來四季春，聲聲韻韻愴人神。可憐陳達思想起，一把月琴千古新 …… 在本場音樂會中，各首詩、詞、曲作歌樂的聲唱演繹，廣邀來自不同領域的歌唱藝術家，有美聲唱法的次女高音范婷玉、男高音白玉光、張宇昕、林文俊，以及崑曲唱腔的朱民玲、客家戲曲唱腔的江彥瑮、蘇國慶，更有歌仔戲唱腔的古翊汎，聲色各自琳瑯，姿態各自多采。

國樂新視界 New Vision 本場音樂會廣邀來自不同表演領域的藝術家，為各詩、詞、曲之歌樂作品擔任演唱。上（由左至右）：次女高音范婷玉∕男高音白玉光、張宇昕、林文俊下（由左至右）：戲曲名角朱民玲∕客家戲表演家江彥瑮、蘇國慶∕歌仔戲表演家古翊汎。

如音花樣年華花樣容，芙渠出水曳香風。更將綠蓋亭亭舞，多少嬌羞多少紅 …… 每首由詩、詞、曲所發聲、譜曲、編腔的歌樂作品，根據旋律曲調，再經由擔任編曲配器之藝術家們的靈感巧思，成就了分別由單一鋼琴或各式不同大小編制與組合形式的國樂團作為配樂演奏的精采設計，期使不同組織色彩的樂器音響，襯映出不同意境的聲曲層次。

如墨梁祝深情，遍寰宇、誰人不曉？只因為、精誠到底，千古皎皎 ……

本場音樂會更邀請曾教授的摯友 — 書法篆刻藝術大師薛平南教授 — 為音樂會中所發表之所有詩、詞、曲作品的字字句句，撰寫成各體書法。薛教授曾自述其書法藝術的創作理念，乃為「自運揮灑中，激發創意，盡展筆情墨韻」，於此，筆墨與詩詞曲，兩者之情韻相融，將為本場音樂會留下光前的千古印記。

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薛平南教授為音樂會所發表之詩、詞、曲作品，撰寫成書法。

本場音樂會特別邀請新銳青年指揮家曾維庸擔任樂團指揮。

策展者的 3 個期許本場音樂會，邀請了國立臺灣大學中文系洪淑苓教授擔任導聆，洪教授將在音樂開始之前，細心為觀眾述說每一首詩、詞、曲的創作背景和情境。策展人施德玉教授表示：「透過這樣一場結合文學、音樂、書法美術與多媒體科技的跨界音樂會，期許觀眾能夠了解，在音樂裡是可以有故事的，或可產生與各自生命歷程所能連結起的共鳴。而詞情透過多元藝術來呈現，將能使觀眾完全浸潤在豐滿的藝術氛圍中，並提高一般觀眾的藝術鑑賞力。」

除此之外，當今社會對現代國樂的觀點，主要著眼於受西方音樂影響的交響化國樂美聽聲響，或以跳脫傳統十二音律的音樂創作來展現演奏技巧的複雜度，進而提升作品的藝術性。而施教授期許國樂能有更多樣的發展，她說：「在這場音樂會裡，作曲家們根據詩、詞、曲的根本語言聲調來創作歌樂，而這些歌樂曲調被器樂化後，也就產生了結合這些語言聲調的獨特旋律風格。」如此一來，演奏者和觀眾將可以欣賞到，國樂曲的多樣面貌。而第三個重要的期許，施教授說：「由於這些音樂曲目的主題旋律，都是來自根源於詩、詞、曲的語言聲調所衍生出的歌樂。希望在這場音樂會後，在未來，即使在沒有唱者的情況下，這些曲調還能透過編曲配器而成為純粹由樂器演奏的國樂作品，保存於臺北市立國樂團中，進而能推廣至其他國樂團。」吟詠性情，歌樂相得。這場獨出心裁、匠心別具、可使人間愉悅的詩詞曲跨界音樂會，著實令人期待！策展人施德玉教授。

這些人這這些一人刻這一The 刻 Moment The Moment

從《昔日》到《毋忘在莒》― 訪陳勝田老師

60 年代臺灣國樂人的耕耘記述（四）文 / 萬智懿

圖 / 陳勝田

攝影 / 吳昌儒

臺灣現代國樂的發展，在 1970 年前後，進入專業教育時期，當時諸多國樂教育家時雨春風，樂育人才，卻非科班出身，例如梁在平、孫毓芹、李鎮東、陳裕剛、王正平……。這些國樂名家們的出生地皆不在臺灣，卻有一個共通點，就是早在志學之年以前，就已開始學習國樂器，並且終生奉獻於國樂教育。本期的「60 年代臺灣國樂人的耕耘記述」要介紹一位在臺灣出生、成長，早在始齔之年即開始學習廣東音樂，在村民心中，他是位音樂神童，也是許多國樂人心中永遠不老的頑童 — 陳勝田老師。

汐止新山夢湖吹笛，攝於 2022 年 3 月 21 日（攝影 : 吳昌儒）

音樂對陳老師而言就是生活，因此在高中畢業前，他已會拉胡琴、敲揚琴、吹笛、唱曲，高中畢業後，家人覺得他應該讀音樂系，於是他補習了一年以達到術科考試的要求，如願進入當時唯一的最高音樂學府—國立臺灣師範大學（以下簡稱臺師大）音樂系。經由陳老師的分享，讀者可以一窺 1940-1960 年代，典型的臺灣農村社會，環繞何種音樂氛圍，一位在臺灣中部農村長大的孩子，沒有機會接受都市國樂名家的指導下，是如何吸收不同樂種的豐沛養分，成就出臺灣的本土音樂家、國樂教育家。

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與音樂結緣陳勝田老師於 1940 年出生，因為祖父是教唸北管漢文（官話）的曲管先生，所以家裡擺放了許多北管傢俬，包括樂器、樂譜等等，陳老師的父親也對北管樂很感興趣，在忙完農事後，就跟著北管文場拉二胡的龍阿伯學習工尺譜及二胡，引發了陳老師的好奇心與興趣，就趁爸爸務農時，偷拿二胡來玩。有一天，陳老師又在偷拉二胡，被路過的龍阿伯發現他竟然已能拉出曲調，從此開始教他，還說：「教你卡有效，你比你老爸學卡緊！」這時陳老師才 7 歲。陳老師 9 歲時拉吊規仔及敲揚琴照片。（陳老師提供）

隔壁四德村有位茂仔叔，常推著腳踏車到村裡賣布。茂仔叔知道陳勝田喜歡音樂，會刻意等他放學作伴玩廣東音樂。這些叔叔伯伯沒有架子、不講輩分，就是喜歡跟陳老師作伴玩音樂，也一點一點累積出陳老師的背誦曲量。以現在的科學研究來說，音樂除了能讓左右腦平衡發展，背誦演奏音樂，更會讓人進入無我的狀態，引發無意識的能量，促進各種學習。所以熟悉陳老師的人都知道，他除了專於國樂，對姓名學、木作、製笛也都很有一套，這可能跟他從小即背誦演奏音樂，專注力特別好有關。所以即便陳老師今年已 82 歲，他的思辨力、邏輯反應，仍與筆者 40 年前認識的他毫無二致。

受師長倚重

1963 年帶領師大國樂社國樂團參加救國團舉辦的青年學藝競賽，獲得大專國樂組冠軍。（陳老師提供）

陳老師從小個頭雖然不高，但總是出類拔萃，做事勤快又認真，所以總是受到師長們的器重。小學三年級時，學校成立鼓笛隊，陳老師被分配到鐵笛，鐵笛沒有膜孔，因為陳老師之前吹過日本製的笛子也沒有膜孔，所以他看到鐵笛拿起來就吹，鼓笛隊老師看他已能吹曲，就指定他當隊長。而同樣的經歷，也經常發生，例如 1956 年，陳老師從臺中市立（第一）中學（現稱居仁國中）國中部考進高中部，當時高中部學生都要編列入救國團的支隊部，陳老師的興趣是音樂，所以加入了臺中市的幼獅國樂隊（不同於幼獅國樂社），負責人廖遠泰先生指定陳老師擔任隊長，負責指導隊員的技術訓練及提供樂譜，這個國樂隊成員只有 5 位，成員來自各個學校，以演奏廣東音樂為主，肩負軍中及農村社會服務等康樂活動，有時還搭配林仙兒舞蹈社演出。

1983 年為擔任北市國客席指揮拍攝。

到了大學時期，陳老師加入師大國樂社，又獲得社團指導老師孫培章先生的賞識，讓陳老師擔任師大國樂社的教學助理及指揮，連續 3 年師大國樂社拿下救國團主辦的青年學藝競賽大專國樂組冠軍，因績效良好受邀至臺灣電視台演出，所得酬勞又為國樂社新添樂器，壯大了樂團的規模。1967 年 4 月 1 日，陳老師雖已自師大畢業，仍帶領師大國樂社至彰化縣參加臺灣省音樂比賽，獲得大專國樂組冠軍的殊榮。在 1960 年代，師大國樂社可說是大專國樂社團的領頭羊。大二時，孫老師就邀請陳老師到中廣國樂團（以下簡稱中廣）見習。1963 年「中廣」的團長高子銘先生中風，從中國廣播公司退休，1964 年陳老師正式成為「中廣」的團員，固定參加星期一、三、五晚上的練習，還有車馬費可領。由於陳老師的音感好，他利用休息時間主動為揚琴調音，孫培章老師見他調得又快又好，自此加發車馬費請陳老師提早半小時到，負責全團的調音工作。陳老師對音準的高標準要求，無異是推動現代國樂發展的重要推手。

這些人這一刻 The Moment 左：1964 年陳老師正式參加中廣國樂團，擔任吹奏簫笛工作。/ 右：1967 年凌波與席靜婷來臺在第一酒店演唱，與孫培章老師（右一）合影，陳老師（左一）指揮中西樂團演出一個月。（陳老師提供）

難忘的拼曲經驗 1949 年為慶祝臺灣光復節，在霧峰派出所前舉行戲劇比賽，當時南管、北管、歌仔戲、布袋戲各團隊，皆派隊參與競賽。中部的北管曲館分為「軒派」及「園派」，茂仔叔帶著 9 歲的陳老師代表園派曲館來參加盛會，場面熱鬧非凡。但主辦方有規定，入夜 12 點之後不可敲打鑼鼓及吹奏嗩吶，只能演奏細曲。是夜 12 點剛過，其他團隊皆一一熄燈，此時陳老師被抱上了四方桌上的椅子，拉奏殼仔弦唱北管細曲【百家春】、【春景】、【南詞】、【北將軍令】等曲牌，周圍人群受到吸引，逐漸靠攏過來，嘖嘖稱奇這麼小就能自拉自唱北管細曲，每逢曲畢，就有紅包獎賞掛在他的胸前。後來陳老師的父親就用紅包裡的錢，買了揚琴及喇叭弦給他。

臺中稱廣東音樂樂譜為「廣東串」，常演奏的樂曲有《餓馬搖鈴》、《平湖秋月》、《小桃紅》、《雨打芭蕉》、《三潭印月》、《連環扣》等，當時稱為國樂。從清代時期起，軒派與園派的曲館即經常發生「軒園咬」的拼館事件，在陳老師的記憶中，有兩次演奏廣東音樂的拼曲情事，最令他難忘，一次是在中學時期，隨救國團支隊部的軍中服務隊至臺中干城勞軍，當時他帶的是喇叭弦，遇到一位廣東籍的軍官跟他拼曲，最後甚至還出難題，將手帕輕蓋住揚琴弦面彈奏，接下來就輪到陳老師，從沒試過覆蓋手帕演奏揚琴的他，硬著頭皮試試看，結果也順利的完成演奏。

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《昔日》收錄於《風雲際會》唱片專輯中，後更名為《毋忘在莒》（陳老師提供）

另一次的拼曲事件，是幼獅國樂隊的黃姓伙伴，請陳老師到基隆為親戚助陣拼曲，因為親戚拼曲連輸了好幾次，他們的對手是位教廣東音樂的廣東籍師傅。這次拼曲的方式是輪流起頭，另一人跟奏，就這樣一來一往的從晚間八點演奏到午夜，陳老師用盡了所有的廣東樂曲，眼看著就要輸了，突然他心生一計奏起了「淡淡的三月天……」，廣東師傅愣住了，立刻質問陳老師演奏的是什麼曲子？陳老師說是學校教的《杜鵑花》，因為廣東師傅接不下去，就說了聲「不玩了」，結束了這場拼曲。這個結果讓黃同學的親戚大有面子，他們將陳老師扛上肩膀，歡天喜地的抬著他去吃宵夜慶功。

左：2022 年 3 月 21 日攝於拱北殿。（攝影 : 吳昌儒）/ 右：2018 年 3 月 31 日陳老師參加「琴園三十•竹語天籟」與林谷珍合影。（陳老師提供）

從《昔日》到《毋忘在莒》 1960 年時，全臺僅 15 所大學，名額僅 2 萬 6 千餘人可擠進大學的窄門，更何況音樂系的第一志願—臺師大，更是難考。由於臺中幼獅國樂隊的活動頻繁，陳老師常需請公假表演，影響到課業，第一年大學考試失利，他就到草屯中興廣播電台，每日下午為歌仔戲節目現場揚琴伴奏，時間長達半年。一般人受挫容易屈服、安於現狀或好逸惡勞，但陳老師沒有，當他知道了術科考試要考鋼琴、視唱、聽寫，他開始補習這些科目，第二次考試，他的聽寫考到滿分。為了這個考試，他還曾大病一場，所以他在 1969 年所創作的第一首國樂合奏曲《昔日》時，即在描述他重考、受挫、努力奮發的心路歷程。此曲後來為配合政府推行「毋忘在莒」運動，由孫培章老師將《昔日》更名為《毋忘在莒》，並在快板樂段加入牛角吹號角，象徵衝鋒陷陣的火牛陣，此曲在 1970 及 80 年代是火紅的國樂曲。陳老師對每一件都是全心投入、全力以赴，就如製笛這件事，臺灣製笛名師林谷珍就曾說過：「陳勝田老師製作的竹笛品質最好，音準與竹材都講究，相當好吹。」可惜陳老師僅在 1976-1983 年間製笛，他因為笛子需要上漆，家中都是甲苯的氣味，陳老師顧慮到孩子的健康，所以放棄製笛。

聽陳老師說故事，不由得在心中浮現了「超越」二字，陳老師在音樂的路上不斷超越自己，突破舒適圈，所以有今日不凡的成就，因為追求超越，音樂從興趣變成職業最後成為了志業。心理學家馬斯洛晚年（1969 年）提出 Z 理論，即是對需求層次理論的超越。人們在基礎需求得到滿足後，自會產生更高層次的追求，而音樂最容易體驗「忘我」的高峰經驗，屬於最高的層級。陳老師是從臺灣傳統民間音樂開始學習，音樂豐富了他的生活，他讓生活裡有音樂，因為不斷的自我超越，他豐富了音樂並在音樂裡生活。分享了陳老師學習音樂的故事，他勉勵了我們做事要專心一致，遇到挫折不要氣餒，除了在正職工作外，可以多培養一、二樣嗜好，因為嗜好的成就，不會亞於專職的工作喔！

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音樂中的知覺現象文 / 廖明勛（中國文化大學中國音樂學系碩士）

音樂中的知覺組織律完形心理學（Gestalt Psychology）又音譯為格式塔心理學，其學派主張人類會將收到的訊息做整體性的思考，且不僅是將零碎的片段或物件加以組合，例如：為甚麼書會被認為是書呢？人對一本書的認知，不單只是從書的大小、形狀或顏色等，透過視覺感官得到的資訊，組合成對於一本書的認知；而是包含我們從小到大對於書的記憶與經驗，整體的總和才能夠得到對於一本書的認知。完形心理學家深入研究後發現，以完形的概念為主體，衍生出人類視覺對於一個事物產生經驗，所造成的一系列知覺組織行為，稱為知覺組織律（Laws of Perceptual Organization）。各個時期的心理學家對於知覺組織律有各種不同的見解與命名。綜合各家對於知覺組織律的分類（參閱：林庭如 25-27）後，筆者將挑選幾項較常見且適合運用在音樂上的知覺組織律：相似性（Similarity）、接近性（Proximity）、連續性（Continuity）、封閉性（Closure）、對稱性（Symmetry）以及圖與地（Figure-ground）。知覺組織律乃人類本能的思考行為，若順著本能的組織行為進行創作，能帶來安心、流暢或可預期等感受；若打斷或抽離原本的組織常態，能帶來緊張、抗拒或不可預期等感受。在音樂創作上有計畫地運用這些知覺組織律，能夠使聽眾得到更多不同的欣賞體驗，也更有組織地了解樂曲的架構與創作的邏輯，進而產生一個屬於聽眾與音樂作品間的完形概念。

相似性人類在觀察事物時，通常會將相似或相同的元素歸類在一起。如圖 1，我們能將圖中左半的空心圓與實心圓自動分組，即使是圖中右半裡它們分散開來，也能夠清晰地將空心圓與實心圓進行分組。

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圖 1：相似性的範例 / 出處：Rei，〈視覺法則 — 格式塔原則 part2〉網頁。

人類在聆聽音樂時，不論是它的旋律動機、節奏或是音色等元素，只要相似，就會將它們組織在一起，視為一個群組或整體，藉由將它們分組能更有組織地欣賞音樂作品。如譜例 1，劉鐵山（不詳）、茅沅（不詳）作曲，彭修文（1931-1996）編配的〈瑤族舞曲〉中同樣的旋律被反覆多次，進而更熟悉此主題旋律。

譜例 1：音樂中的相似性範例 / 說明：〈瑤族舞曲〉第 9-24 小節，筆者簡化並製譜。

接近性人類在觀察事物時，通常會將彼此之間距離較近的元素歸類在一起。如圖 2，可將其分為三類，左邊為直的三組、中間為一個整體、右邊為橫的三組。

圖 2：接近性的範例 ( 出處：筆者繪圖。)

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人類在聆聽音樂時，通常會將音高較接近的音符當成一組，但也會將演奏律動較接近的音符當成一組，兩者沒有特定的傾向且也能夠同時存在。如譜例 2，李斯特（Franz Liszt, 1811-1886）的〈第二號匈牙利狂想曲〉中，聆聽第 1 小節時會因為高音聲部與低音聲部的律動相似，將兩者視為同一組。在第 2 小節之後高音聲部的律動與低音聲部產生分歧，故將其分為旋律與伴奏和聲；

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但又因為兩聲部與其前後的音高較接近，也能將其分為較高音與較低音聲部。

譜例 2：音樂中的接性範例 / 說明：〈第二號匈牙利狂想曲〉第 1 至 8 小節。

連續性人類在觀察事物時，若兩個物件間互相疊合或中斷，將會自動將其延續原本的路線或形狀；而不是運用較不符合常理的方式來解讀。如圖 3，（a）圖中 X 符號，將其解讀為兩個線條之疊合與延伸，而不是由一個大於和一個小於的符號組合而成，以此類推後面的（b）、（c）和（d）圖皆為連續性的概念。

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圖 3：連續性的範例 / 出處：Seal，〈用「完形心理學」，增加介面設計有感度！〉網頁。

人類在聆聽音樂時，若兩主題旋律之間有明顯的差異時，不管它們互相交換或重疊，都會自動將其線條完整地延續；而不是運用較不符合常理的方式來解讀。如譜例 2，儘管在第 5 小節後音高的差距縮小，但還是能夠辨別出兩個不同特徵的素材，並且繼續延伸它們原本的線條或路線。如譜例 1，在不同音色時能更容易辨別出各自的連續性，儘管低音聲部與主旋律一起演奏，也不會中斷對主旋律的感知。如譜例 3，德布西（Claude Debussy, 1862-1918）的〈第一號阿拉貝斯克〉中，在演奏相同或相似的音色時，若各素材間沒有強烈的對比，如節奏或音程等元素的相似時，會將其組織為一個線條。

譜例 3：音樂中的連續性範例 / 說明：〈第一號阿拉貝斯克〉第 1 至 7 小節。

封閉性人類在觀察事物時，若是感知到的物體不完整，會自動將其缺少的資訊填滿，並將其視為一個整體。如圖 4，會自動將虛線填滿後再進行解讀，得到「圓形」以及「長方形」當作慣性思考所認知的答案。

圖 4：封閉性的範例 / 出處：葉素玲、陳一平，〈知覺心理學與設計：完形心理學、鏡像神經系統、功能預示性〉網頁。

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人類在聆聽音樂時，若是感知到音樂的線性不完全時，會自動將其缺少的資訊填滿，並得到慣性思考所認知的答案。

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如譜例 4，舒曼的〈迷孃〉中，就算旋律被休止符間隔開來沒有延續，但我們還是會自行填補缺少的部分，以形成完整的旋律線條。

譜例 4：音樂中的封閉性範例 / 說明：〈迷孃〉第 1 至 12 小節。

對稱性人類在觀察事物時，為了更簡單的理解整體，會將趨於對稱的事物視為一個整體。如圖 5，為三組對稱的大括號，進而將它們當成一個整體。

圖 5：對稱性的範例 / 出處：Seal，〈用「完形心理學」，增加介面設計有感度！〉網頁。

人類在聆聽音樂時，為了更簡單的理解整體，會將趨於對稱的結構視為一個整體。如譜例 5，魏本（Anton von Webern, 1883-1945）的〈鋼琴變奏曲〉作品編號二十七中，能聽出前 7 個小節裡，以第 4 小

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節的休止符為鏡像的軸（axis），前後為拱型對稱的結構，第 8 至 10 小節亦為相同的設計，能將相互對稱的音符進行分組以利於了解樂曲的架構。

然而音樂中的對稱性還能運用在曲式結構中，能夠讓聽眾更了解整首樂曲的組織結構，如標準三段式的樂曲，其 A 與 A’ 兩部分的關係，能夠將這兩樂段視為互相對稱的段落。

譜例 5：音樂中的對稱性範例 / 說明：〈鋼琴變奏曲〉作品編號二十七的第 1 至 10 小節。

圖與地人類在觀察事物時，當某個物體相較於其他物體明顯時，會自動將其判斷為主體，並將其他物體視為背景。如圖 6，可以辨別出中間的相機圖形為程式的標識。圖地原理也經常使用於辨別色盲的數字卡等醫療行為上。

圖 6：圖地原理的範例 / 出處：筆者 Instagram QR 碼。

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人類在聆聽音樂時，當某個旋律或素材相較於其他部分明顯時，會自動將其判斷為主體，並將其他部分視為背景。適用音

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樂中的各種伴奏型態用以襯托主旋律，好比說阿貝提低音（alberti bass）。又如譜例 6，劉明源（1931-1996）作曲，國生（不詳）、文咏（不詳）配伴奏的〈河南小曲〉，曲中運用揚琴為二胡伴奏。

譜例 6：音樂中的圖與地範例 / 說明：〈河南小曲〉第 1 至 12 小節。

結語以知覺組織律來分析音樂作品時，能更清楚地了解樂曲中的結構設計，使演奏詮釋更具層次感且具邏輯性；運用在音樂創作時，能夠更有組織地建構出整首樂曲的完整性，也能透過打斷或破壞知覺組織律帶來的預期心理，讓聽眾得到各種音樂的張力。同時，一首樂曲的標題不再只是個簡單的意象表達，透過完形的概念，更能深入解釋音樂所涉及的內涵，當各種與音樂相關的訊息得以藉由知覺組織律來完整敘述時，則聽眾與作曲家之間的距離，相對地，也能有更多的交流。藝術的美感判定是相對性的主觀，以各種完形心理學知覺組織律也都只能幫助聽眾得到更多欣賞的方式以及角度，往往需要透過聽覺以外的方式讓聽眾了解樂曲的意涵。因此，在音樂會中，樂曲解說有著帶領聽眾們進入樂曲的使命，也可將樂曲解說視為音樂完整性的一部分。本文透過知覺行為的現象來切入，期待提供不同的角度來思考音樂，這類心理學相關的議題仍存在許多值得討論以及延伸的範疇，相信未來能有更具創意的論述來探討音樂。

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參考資料 Epstein, David. Beyond Orpheus: Studies in Musical Structure.The MIT Press. 1979. Lehar, Steven. The World in Your Head: A Gestalt View of TheMechanism of Conscious Experience. Lawrence Erlbaum Associates, Inc. 2003. Rei。〈視覺法則－格式塔原則 part2〉。《UI Club》，2015 年 9 月 5 日，https://heywesley.wordpress.com/2015/09/05/visual-principles-gestalt-principles/。讀取於 2021 年 9 月 11 日。 Seal。〈用「完形心理學」，增加介面設計有感度！〉。《Medium》〈重曝好時光〉，2017 年 10 月 13 日，https://medium.com/ 重曝好時光 -double-exposure-the-good-old-days/ 用 - 完形心理學 - 增加介面設計有感 -2fa0018b906e。讀取於 2021 年 9 月 11 日。王美珠。《音樂美學：歷史與議題》。初版一刷，臺北藝術大學，2017。安海姆（Arnheim, Rudolf）。《藝術心理學新論》（New Essays on The Psychology of Art）。郭小平譯，初版，臺灣商務，1992。艾金森（Rita L. Atkinson）等原著。《心理學》（Introduction to Psychology）。鄭伯壎等編譯，修訂版，桂冠，1990。吳盛木。《心理學》。臺北市三民，1986。林庭如。〈國小弱視學童完形圖像認知歷程之研究 — 以「圖與地」、「群化原則」為例〉。國立交通大學應用藝術所碩士論文，2000。柯夫卡（Koffka, Kurt）。《格式塔心理學》（Principle of Gestalt Psychology）。黎煒譯，第一版，昭明，2000。柯勒（Köhler, Wolfgang）。《完形心理學》（Gestalt Psychology：An Introduction to New Concepts in Modern Psychology）。李姍姍譯，初版，桂冠，1998。高楠。《藝術心理學》。第一版第一刷，復漢，1993。葉素玲、陳一平。〈知覺心理學與設計：完形心理學、鏡像神經系統、功能預示性〉。《The News Lens 關鍵評論》， 2018 年 9 月 23 日，https://www.thenewslens.com/article/104149。讀取於 2021 年 9 月 11 日。廖明勛。〈從完形的知覺組織律討論創作行為 ─ 以〈丹山祭〉為例〉。中國文化大學藝術學院中國音樂學系碩士論文，2022。劉思量。《藝術心理學—藝術與創造》。三版，藝術家，1998。蔣載榮。《觀．念．攝影—影像的視覺心理剖析》。初版一刷，雪嶺文化，2002。

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放浪形骸的偽裝：阮籍音樂思想形成背景文 / 鄭希文（國立臺灣藝術大學中國音樂學系碩士）

阮籍（210-263）為「竹林七賢」1 之一，是魏晉時期在音樂思想上頗具影響力的學者，在中國音樂史上，佔有一席之地。阮籍承襲阮氏家學門風，並周旋於當權者間，因他有深厚的音樂底蘊、追求理想的音樂觀，以及複雜具有高度處事智慧的人格特質，其言行、態度以及思想，造就了魏晉風度。阮籍出生於東漢獻帝建安 15 年（210），卒於魏元帝景元 4 年（263）。筆者剖析阮籍生長的東漢末至曹魏時期學風思想，藉以介紹阮籍所處之大時代背景、思想，以及影響阮籍至深的陳留阮氏家學門風，並陳述阮籍在其生存時代背景下，塑造出的人格特質，以呈現阮籍音樂思想形成的背景、溯源及探討。

東漢末至曹魏的學風思想自漢武帝以來，罷黜百家，獨尊儒術，熟讀經書成為出仕的必要條件，許多儒者窮畢生之力成一家之言，當時學風，非常注重出身、師門及家學。東漢末黃巾之亂後，士族、豪強佔據土地自成一霸，士族莊園於焉興起，其中經濟無虞，且有武力保護莊園安全，魏晉南北朝時，莊園遂成當時主要經濟型態，並發展出獨特的思想體系，助長門閥的形成與注重家世、出身的學風。東漢晚期，察舉制度造成選才只問出身、家世門風，甚至憑家族的譜碟

即可加官晉爵，產生許多舞弊情事。東漢靈帝竟

帶頭賣官，朝綱敗壞由此可知，至此，儒家禮教地位日漸動搖。至曹魏時期，出身寒門的曹操（155-220），有另一套舉賢的標準，欲打破注重家世出身的風氣。從曹操自建安 15 年（210）下達的求才令來看，其「唯才是舉」的用人標準，也影響當時學風，在東漢末年至三國動盪不安的時期，曹操想要建立一番功業，不擇手段爭取人才，甚至連不仁不孝之人都可用，只求有能力的人，為他一統天下的霸業效力；同時曹操用人也不分出身，無論階級，只要是人才他都善用，自然也打破門第之見，為自古以來選賢的創舉。但到了曹丕（187-226）時，實施「九品中正制」，欲以德才為拔擢標準，惟品評結果操縱在士族勢力之下，此制依然無法徹底施展。自高平陵政變成功後，司馬懿（179-251）掌握曹魏大權，直到司馬炎（236-290）以晉代魏，司馬氏本身就是高門大族，國政又回到士族把持的勢態。

陳留阮氏家學門風《晉書．阮籍傳》記載：「阮籍字嗣宗，陳留尉氏人也。」（唐．房喬等，1981 年，頁 358）陳留尉氏位於今日河南省尉氏縣，自古以來即為戰略要地，蔡邕（133-192）也出身於此。陳留阮氏興起於東漢晚期，其中著名者為阮籍之父阮瑀（約 165-212 年）。阮瑀為東漢文學家，建安七子之一，能文工詩，懂音樂，善鼓琴，筆者相信阮瑀對音律的善解，相當程度影響其後輩子孫。

竹林七賢：《晉書．嵇康傳》記載：「所與神交者惟陳留阮籍、河內山濤，豫其流者，河內向秀、沛國劉伶、籍兄子咸、琅邪王戎，

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遂為竹林之游，世所謂竹林七賢也。」( 唐．房喬等，1981 年，頁 361)《晉書》將阮籍列為竹林七賢之一，與嵇康、山濤、向秀、劉伶、阮咸、王戎遊於竹林。 2

譜牒：即家譜，專門記載官宦士族世系的文獻。

《晉書．阮籍傳》羅列陳留阮氏家族共有：阮籍、阮咸、阮瞻、阮孚、阮脩、阮放、阮裕等 7 人，阮咸（生卒年不詳）為阮籍之姪，他們都是任真自得，曠達不拘禮俗之人，同游於竹林，個性相仿，愛惜名節、清心寡慾，但對於政治遠避且有戒心，兩人一樣耽溺於酒，不拘禮節且善於音律，阮咸善彈琵琶，甚至自製樂器，後人便以阮咸名之。阮瞻（約 281-312）為阮咸之子，和阮籍、阮咸一樣善於彈琴，對於名利同樣淡泊，不同的是他個性平易近人，有知音想聽他彈琴，不論貴賤，都願意彈給眾人聽。阮瞻的弟弟阮孚（約 266-326），同樣個性好、爽朗，但耽於飲酒，忽略朝廷正事，與阮氏一家好飲酒，陶然於自己熱衷事物而不顧世俗眼光的家風，是一脈相承的。阮脩（約 270-311）為阮籍姪子，好易經、老子，愛清談，行為上與阮籍一樣任達，他孤僻，對於朋友率意而交，不喜俗人。阮放（約 279-323）為阮顗（生卒年不詳）之子，常說老莊，明帝友愛之。阮顗另一兒阮裕，以德業知名，頗受王敦重用，但明白王敦有不臣之心，與阮籍同樣以飲酒，廢職以避禍的方式面對王敦，朝廷屢次徵召，皆稱病以辭官。綜上所述，筆者認為陳留阮氏家族成員雖然個性迥異，但重視孝道、愛好讀書、淡泊名利、性嗜酒、善彈琴、妙解音律、好老莊，對於政治趨勢有著極高的敏感及避世遠禍的智慧，諸此種種不同於流俗的家學門風，堪稱為魏晉時期特殊的風度。

阮籍人格特質阮籍青壯年時期，歷經魏文帝、明帝兩代曹魏政權，相較之後司馬氏與曹氏政爭的紛亂，阮籍成長於政局相對穩定的階段，而阮籍承繼家學，受父親阮瑀儒者風範以及陳留阮氏家學門風影響甚鉅，《晉書．阮籍傳》記述：「籍本有濟世志。」（唐．房喬等，1981 年，頁 358）可見阮籍本有經世濟民的志向，嚮往一展長才、施展抱負的儒家思想。但魏明帝駕崩後，由此開始驚心動魄的朝廷鬥爭，此時，阮籍寫作〈樂論〉，仍可從文章中看出他欲藉由禮樂治理天下，偏向儒家思想的濟世志向。阮籍對當權者，有敏銳的政治嗅覺，他深知政局險惡，以至於太尉蔣濟徵召他為幕僚，阮籍勉強上任，但不久即稱病辭官回鄉；被任命為尚書郎，不久又以病辭官，此時正逢司馬懿私下密謀誅曹爽之際，阮籍已預見曹爽即將失勢，而司馬氏欲取而代之，在詭譎而暗潮洶湧的局勢下，阮籍仍稱病婉拒曹爽徵辟。次年正始 10 年（249）司馬懿政變，殺曹爽並夷其與黨羽三族，阮籍因懂得與曹爽保持距離，以至免於災禍，但卻無法閃躲司馬懿的威勢，不得不應司馬懿徵召，任從事中郎；嘉平 3 年（251）司馬懿逝，其子司馬師承繼大將軍，次年又召為從事中郎。司馬氏藉阮籍入朝，昭告世人他們尊崇名士，以博取美名，但為保全自己及家族，阮籍不得已只好做官以避禍，從此必須受迫周旋於司馬氏，只好藉由飲酒、怪誕行為逃避現實，並藉此與當權者劃清界線，以期保留對理想政治人格的嚮往及純真。除了酒能排遣憂思以外，音樂對阮籍而言也是十分重要的遣懷之道，他的五言〈詠懷詩〉第一首寫道：「夜中不能寐，起坐彈鳴琴。」（陳伯君，1987 年，頁 210）當阮籍心裡憂悶，晚上睡不著時，只能起來彈著琴，以紓解心中的憂傷及苦悶；《晉書．阮籍傳》也記述阮籍：「嗜酒能嘯，善彈琴，當其得意，忽忘形骸，時人多謂之癡。」（唐．房喬等，1981 年，頁 358）阮籍擅長嘯、彈琴，他藉著音樂而忘憂，手舞足蹈的喜悅情景，無怪乎被世人說「癡」！而世人相傳琴曲《酒狂》，為阮籍所作，凡此種種，足見音樂在阮籍生命中的重要地位。

結論自漢武帝以來，罷黜百家，獨尊儒術，甚而影響至曹魏時期，士人皆崇尚儒學，但因著東漢末學風的敗壞，儒家禮教地位日益動搖。而因著東漢末社會的動盪，在莊園中，人民受到士族的保護，發展出獨特的思想體系，又因著漢朝以來經學傳習注重師門家學的特性，助長門閥的形成與重視家世、出身的學風。在此背景下，阮籍深受儒學以及家學影響，雖處於朝政動盪之際，卻深諳政治之道，不為謀權，乃為避禍以全身。而善於彈琴、妙解音律，重視孝道，也是阮籍繼承家學的表現，但阮籍同樣呈現任誕不羈的家風，且因其在魏晉時期的政治影響力，與其同遊於竹林的友伴，成為特殊的魏晉風度。阮籍崇尚儒學，懷抱理想，但因著曹氏與司馬氏，兩大勢力互相傾軋下，朝廷局勢詭譎，稍一不慎，便家破人亡，而胸懷大志的阮籍，只能心裡焦急，其不平，僅能藉由詩文發洩，在司馬氏強權威脅之下，身體受限，無法逃離其權勢，以致外在言行狂傲、放蕩，只得藉由酒與音樂，在亂世中自造山林。阮籍任誕的外表下，懷藏一顆對儒學、理想熾熱的心，如此矛盾的人格及外在形象，極其迷人，成為魏晉時期獨特的代表。

國樂 · 新絲路

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Chinese Music in the New Silk Road

2022 SILK ROAD No.82 臺北市立國樂團 國樂.新絲路雙月刊 No.82

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