A Review of WANG ZHAOJUN, the Musical’s Attempt to Rewrite History
Text / JIAN Wei-Qiao Image / Taipei Chinese Orchestra
In WANG ZHAOJUN , the Musical, the term “the fallen geese” praised the irresistible charm of WANG Zhaojun and thus landed her the title of one of the four classic beauties. Legend has it that Zhaojun played the heart-rending Beyond the Great Wall as she was sent off as a peace bride. The geese flying south heard the music and took notice of this fair maiden on horseback. The geese were so spell bound that they forgot to flap their wings and fell from the sky. The Chinese pronunciation for “the fallen geese that looked” is “guan luo yen”, a homophonic pun for “visiting the spirit of the dead”, “guan luo yin”. Aside from the mischievous pleasure the pun offers, the eternal separation between life and death is also borrowed to symbolize the unbreachable distance between the Han palace and the forlorn norther land Zhaojun is heading towards. Just like the Peony Pavilion written by TANG Xian-Zu. DU Li-Niang met and fell in love with LIU Meng-Mei in her dreams. She was dazzled by his good looks that no amount of waking hours could blur. In WANG ZHAOJUN , the Musical, the painting became the object that manifested painter MAO Yan-Shou’s unrelenting love for Zhaojun. Both dream and painting are not bound by the limit of time and space. It is where imagination is free to conjure up a whole new world truly gratifying and to one’s liking as a person in love.
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The unorthodox WANG ZHAOJUN , the Musical is scheduled to show from January 6th to 8th, 2023 at Zhongzheng Auditorium, Taipei Zhongshan Hall.
Why is the music piece Lady Zhaojun Bidding Farewell still seen as an unsolved puzzle after a thousand years? Why are people still speculating and criticizing over the story behind it? Many princesses suffered and lost their lives due to peace marriages from the Western Han dynasty to the Qing dynasty. How was Zhaojun different from the others? She received more attention than many emperors, courtiers, concubines, and consorts of the emperors did.
Unveiling the Thousand-Year-Old Secret
The story of WANG Zhaojun was first detailed in the Book of Han : Annals of Emperor Yuan by BAN Gu. WANG Qiang (Zhaojun’s maiden name) was a lady-in-waiting in the palace of Han. She was married off to Huhanye and honoured as Ninghu Yanzhi (Chief-Consort Pacifying Hu). FAN Ye’s Houhanshu (Book of the Later Han) and GE Hong’s Miscellaneous Records of the Western Capital included folk tales describing the unapparelled beauty of Zhaojun and her lonely life in the palace of Han. Sick of wasting her days away in the palace, she volunteered to become the bride of Shanyu. GE Hong told the story of how Zhaojun refused to bribe the court painter and the stubbornness eventually lead her to her doom. The painter was made out to be a nasty and treacherous creature with no honor.
MA Zhi-Yuan depicted the relationship between emperor Yuan and Zhaojun in rich detail in his work Autumn in the Han Palace. He proclaimed their love to be overwhelming, passionate, and fierce. The unfortunate couple were kept apart by a separation as painful as death. Zhaojun, later honored as lady Ming, was no longer the unsatisfied lonely woman un-noticed and un-loved by the emperor. In fact, MA told the story of how she sacrificed herself for the peace of the empire and ended her life by throwing herself into the river. Painter MAO Yan-Shou was the appointed villain in the story. He was treacherous,
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Director HSIEH Nien-Tsu from All U People Theater and librettists vow to take you on an extraordinary journey through history and knock your socks off.
mean, and greedy. He consorted with Xiongnu and brought Zhaojun to her tragic fate. Later, He Rong Ji , a Ming play, CHEN Yu-Jiao’s Zhaojun Bidding Farewell , YOU Dong’s Hanging Up Pipa , and GUO Mo-Ruo’s the second piece of the Three Rebellious Women – WANG ZHAOJUN in 1923 all told the story from Zhaojun’s perspective, focusing on her struggles and pain. Painter MAO oppressed, cheated, and wronged her. At the same time, emperor YUAN’s cowardice and superficiality were mocked by many readers.
All U People Theater (All U People) and Taipei Chinese Orchestra (TCO) worked together in My Unseen Concubine , and My Farewell Lady . The success led to the co-production of WANG ZHAOJUN , the Musical—the third piece of the four classic beauties. Director HSIEH Nien-Tsu and the other librettists strive to interpret the historical event with an innovative eye. They portrayed a totally different painter MAO in this new musical. WANG An-Shi’s The Song of Lady Ming reads, “True beauty lies in one’s quality, temperament, and disposition, thus was MAO Yan-Shou wrongfully executed.” This implicated something else altogether. Emperor YUAN, Zhaojun, and Shanyu were no longer the only ones trapped in a love triangle. They suggested that Zhaojun was in fact the lover of MAO. Tony SUN plays MAO in the musical. He gives us a gentleman-like painter, who is the prince charming to Zhaojun. The brand-new interpretation surly stirs things up and gives us something to think about.
A Modern Look into Paintings – Propaganda and Love Letter
The Geng Tu mentioned in the musical is actually a form of propaganda used in the Han dynasty. The emperor uses Geng Tu to pass on policies or advertise the accomplishments of the empire. Painters produce exceptional paintings to educate the public, filling them with ideas pre-approved by the emperor. This includes editing portraits for ladies to make them look better. As we have mentioned before, in official historical records, folk stories, theatrical productions and fictions, the Gen g Tu that failed to convey Zhaojun’s overwhelming beauty sent her to her tragic demise. However, come to think of it, the reason behind this unsuccessful painting may just be the desperate attempt of a suffering man in love, trying to keep his lover away from the attention of the emperor. The lovers wished to lay dormant until Zhaojun is old enough to be sent away from the palace. They will then have a chance to live together as man and wife.
History is full of possibilities. The untold or unnoticed allows room for imagination to run wild in review. All U People found an angle into this well-known event and produced a musical based on the lust and hope of the male character. The unflattering portrait was the answer to a woman’s desire to stay hidden. She wished to be released as an old maid later to be with her true lover MAO. The contemporary writers surprised us with this astonishingly turn of event and gave us a peek into a possible romantic love story. Sadly, happiness hardly lasts, it is always cut short by all sorts of accidents in life.
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HSIEH Nien-Tsu mentioned in one of his interviews,” CHANG Ta-Chun suggested that we tell the story of Zhaojun through paintings. Every scene revolves around a painting…Paintings are magical. They are capable of trapping you in or taking you to places you yarn to go." 1 Paintings by the imprisoned painter were sent to the lonely northern land as love letters to say farewell, to tell Zhaojun how much he misses her, and eventually, to say goodbye before he perishes. The fact that this love affair was never truly realised accentuated the hard, cruel nature of life. Their trail touched the soft spot of many audiences TANG Xian-Zu once argued, “who says love occurred in dreams cannot be real?” If that is so, isn’t the affection professed by paintings a testament to their love that transcends life and death?
Revisit Classics with Music
Since the beginning of TCO theatre in 2017, the orchestra has strived to put out “An opera one year and a musical the next.” Many originals and large theatre pieces are either commissioned or produced by TCO. For example, The Four Women in Puppet Master Lee Tien-Lu's Life in 2017, My Mom Needs an Education in 2019, and Formosa Bloom in 2022. There are also period musicals co-produced with the pop music world, including My Unseen Concubine in 2015 with All U People, My Farewell Lady in 2018 (by CHANG Ta-Chun and CHAU Wakin), When The Lotus Blooms – The Musical (2021) by Owen WANG and My Aside-Like Life . TCO worked with All U People for the fourth time to create WANG ZHAOJUN , the Musical. All these works attempted to rid of the baggage, expectations or assumptions that have long limited our imagination. The new interpretation means to speak for women today and in the past. This is a very innovative form and perspective that has been very well received by the audience.
Vocal coach WEI Shi-Fen explains how she trains the singers.
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1 WU Yu-Xuan : Confessing Ardent Love with Painting – Interviewing XIE Nian-Zu, Director of WANG ZHAOJUN , The Musical; New Silk Road, No 82; (Taipei: Taipei Chinese orchestra, April 20, 2022) p6.
WANG ZHAOJUN , the Musical is composed by the founder of One Song Orchestra LEE Che-YI, who has a classic music background. Conductor WU Ruey-Chen and over 70 TCO musicians will join the actors and actresses on stage to perform a serious of scores that has the attributes of both eastern traditional music and western popular music. The lyrics written by CHANG Ta-Chun are expressive, passionate, and magnificently eloquent. Under the training of vocal coach WEI Shi-Fen, Tony Sun learns to convey strength as well as passion with his voice. In the musical, MAO and Zhaojun complete each other in songs though separated by time, space, or reality. The audiences are able to feel the pain and loneliness, living vicariousl y through the characters. Rock'n'roll singer David WONG is, in HSIEH Nien-Tsu’s words, the perfect choice for Shanyu. He has a trustworthy quality that is also very exotic. The character also allows him to perform his singing ability to perfection. The excellent voice magician delivers a sense of alienation that is unique to the land outside the northern borders with a wide range of placement and resonance
The musical was originally scheduled to debut in May 2022 at Zhongzheng Auditorium, Taipei Zhongshan Hall. Due to the outbreak of the COVID-19 pandemic, the performance was postponed to January 6th to 8 th , 2023. There will be four performances in total. A year has lapsed since the scheduled debut. FANG Yu-Hsin, the actress playing Zhaojun gained a whole new understanding of the character during the wait. The writers also added many events implicating the phenomena in the contemporary world into the musical. Same actors even came up with an additional storyline of thrilling boylove. They try to appeal to the audiences with fascinating and intriguing arrangements. These humorous designs incorporated into the heart-wrenching story line make the audiences laugh and cry at the same time. It is a rich sensory journey that we invite you to join us on.
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CHEN Cheng-Kang, General director of TCO, looks forward to the third piece of the four classic beauties – WANG ZHAOJUN, the Musical.
2022 國樂口述歷史工作坊於 10 月 15-16 日在臺北國際藝術村幽竹廳盛大辦理。 SILK R AD Cover Story 14 臺北市立國樂團（以下簡稱北市國）於今年 10 月 15-16 日舉辦「 2022 國樂口述歷史工作坊」，邀集國內專家學者以 及國樂前輩進行分享，藉由口述歷史紀錄，補足文字資料上的深度與廣度，讓我們看見國樂歷史中的溫暖與感動。 本文將以現場紀實及參加學員心得回饋的兩個角度一起來回顧口述歷史工作坊，並期望更多人加入口述歷史行列， 為臺灣國樂留下更多珍貴的文史資料。 臺北市立國樂團 2022 國樂口述歷史 工作坊回顧與展望 TCO News C O T 文 / 郭士榛、傅明蔚 圖 / 萬智懿、新絲路編輯部
加大音樂研究深度和廣度 培養和找尋口述歷史撰寫群 / 郭士榛 學國樂者都會演奏《陽明春曉》這首曲子，喜愛國樂的民眾，對《陽明春曉》樂曲也不陌生，但隨著時代變遷，時光流 失，年輕學子漸不知道《陽明春曉》作者就是現代國樂大師董榕森。幸好 2012 年 10 月新北市政府文化局為董榕森 出版口述歷史新書《漂泊生涯－奕宣的音樂之路》，藉訪談、紀錄與出版，讓珍貴的無形文化資產永續保存與傳承，
北市國於近十年開始重視國樂歷史的記述，於《新絲路》雜誌中編排「國樂人物」、「這些年那些事」到現在的「這些人 這一刻」等專欄，以觀察紀錄、訪談或文獻資料蒐集等方式，將近年來的國樂歷史紀錄下來。而在近幾年，更是致力於 口述歷史的紀錄與執行，以訪談國樂耆老為主，並輔以照片、獎狀與證書等，使這段歷史紀錄更加生動且具有說服力， 讓讀者不僅可以瞭解過去國樂發展的歷程，更是看見國樂前輩過去努力地耕耘，種種動人的國樂故事。 北市國團長陳鄭港表示，音樂系授課教師與研究生們，不僅研究音樂歷史發展，更是觀照現今音樂發展，但多數研 究生仍以演奏為重心，因此，他認為需要有更多人參與和關懷，為了培養更多專業的音樂人，讓更多人參與這份極 有意義的工作，北市國決定舉辦口述歷史工作坊，由口述歷史領域首屈一指的學者專家授課，有系統的安排學習課 程，以更嚴謹的研究方法與操作細節，引導學員掌握口述歷史的基礎認識與實務技巧，進行口述歷史的紀錄。 陳鄭港透過口述歷史工作坊，擴大音樂研究的社群，加深對音樂討論的深度和廣度，「因為音樂生態和社群中，往往 偏重音樂家和演奏家的身影，但社群中不只有這兩種人，其實參與音樂工作的人很多，所以要看到音樂發展過程的 全貌，除音樂家、演奏家及作曲家的視野，還有其他許多人的努力成果，都應該要被大家看到。」陳鄭港說。 16 日下午的分組訪談與座談改為「耆老座談會」形式。 15
儼然是臺灣現代國樂發展史。
北市國於 2022 年 10 月 15-16 日(六、日)，在臺北國際藝術村幽竹廳舉辦口述歷史工作坊，理論與實務並進，除了專 家學者的經驗分享外，更安排數位《新絲路》受訪過的國樂前輩，分享國樂與其生命密不可分的關係。陳鄭港介紹， 2022 年 9 月 30 前公開招生，全國大學音樂學系、音樂研究所碩博士在學學生或對國樂口述歷史有興趣的各界人士皆歡 迎報名。 工作坊的第一天，學員約近 30 人幾乎全員到齊，上午講座一：許雪姬老師「講題：臺灣口述歷史的回顧與展望」；下午二 堂課程，講座二：張美鳳老師「講題：口述歷史教會我的事」、講座三：林月里老師「講題：五零年代臺灣國樂的發展幼 獅國樂社的影響與貢獻」，每位老師不藏私地分享口述歷史的價值與發展，而學員亦汲汲吸取老師談歷史的養份，為了第 二天的實務工作坊所準備，然而萬萬沒想到，第二天天氣驟變，狂風急雨一整天，學員人數也因此受到影響，但上午課程 仍依計劃進行，講座三：沈冬老師「講題：尋聲暗問彈者誰？― 近現代音樂史研究方法論：以周藍萍研究為例」，下午的 實務工作坊原預計分組訪談許輪乾、陳勝田、江菊松、許詩贏等老師，但因參加人數不足，所以改為「耆老座談會」， 藉由國樂耆老口述分享，讓學員一一進行記錄與統整，並藉此看見臺灣國樂發展歷程。 為期兩天的口述歷史工作坊，不僅有多位一線口述歷史學者與工作者分享口述歷史的工作與執行方法，更有
年師徒情誼的學生施秋敏撰寫，她說，老師質樸的態度，見證與開拓臺灣的現代國樂發展，是一盞明燈。
團《 新絲路》的「這些人這一刻」專欄承載著這份使命，專門書寫記錄臺灣國樂的樂人、樂事和樂曲。本人因參與《新 絲路》「這些人這一刻」專欄撰寫一年，有感於國樂口述歷史工作迫在眉睫，為了凝聚更多專業的音樂文史紀錄工作者， 左:講座一：「臺灣口述歷史的回顧與展望」由中央研究院臺灣史研究所許雪姬所長講述、分享。 右:講座二：「口述歷史教會我的事」由文史工作者張美鳳老師講述、分享。 SILK R AD 16 TCO News C O T
5 位國樂耆 老蒞臨現場分享他們的國樂故事，讓這場工作坊兼具學術與實務，以及充滿歷史的溫度，期盼藉由北市國拋磚引玉，讓 更多人投入口述歷史的工作，為臺灣國樂歷史記錄下更多動人的故事。就如同現代國樂大師董榕森的口述歷史，係由與 他有 38
而本次紀錄除了以現場觀察角度紀實外，同時也邀請策展人與參與學員一同分享「口述歷史工作坊」之回饋，藉由多面 向的觀察，以及更多人的參與討論，讓工作坊的紀錄更加立體。策展人萬智懿表示，口述歷史是收集與保留史料的一個 重要的方法與途徑，需透過錄音記錄，蒐集當事人的直接資料，如照片、證書、獎狀（章）或手稿。由於受訪者對過去 回憶的能力所限，訪談技巧更顯得重要。口述歷史可作為過去書面紀錄的補充，具輔助與印證價值。臺北市立國樂
讓更多人參與這份極有意義的工作，因此籌畫此工作坊。 2022 國樂口述歷史工作坊本是著重於理論與實務並進，前 4 場 課程都由講師傳授口述史的技巧，並分享其實務經驗。現場的實務經驗是寶貴的，尤其是想見到國樂耆老，更是可遇不 可求之事。因此工作坊安排了國樂耆老們來到現場，讓學員們實際操作訪談技巧。不過因為「尼莎」颱風的共伴效應， 大臺北地區全天都是超大豪雨，也影響了第二天的學員出席率，工作坊考量學員的學習，因此將課程調整為口述歷史經 常舉辦的「耆老座談會」形式，這樣學員們的收穫也將更大。
另外也有參加學員蘇先生的反饋：雖然只有參加第二天的講座，但仍受益良多。沈冬教授「尋聲暗問彈者誰？近現代音 樂史研究方法論：以周藍萍研究為例」課程中，傳授口述歷史的執行步驟與方法，並且提醒學員口述歷史是門具「溫度」 的學習與研究，其相當重視訪談者與受訪者彼此間的情感與信任，會深刻地影響到訪談結果，考驗了訪談人的訪談技巧 與人情世故的掌握。而教授還分享了在文史資料、照片、影音的研究方法，如在一張照片中，透過「厚描」（即稠密描
述 Thick Description ），將其背後的關聯性全部延伸出來，以點、線、面的串聯，讓照片背後的歷史更加全面且立體化， 使我們可洞見歷史的發展與當時之樣貌。課程後的工作坊，因人數關係改為「耆老座談會」，藉由各位國樂前輩的分享， 不僅可以看見當時後國樂發展的共通性與樣貌，更能進一步分析比較臺灣各地國樂發展的歷程與差異，十分令人雀躍， 而前輩們的口述與回憶，也讓我們看見國樂發展中的溫暖。 左:講座三：「五零年代臺灣國樂的發展 ― 幼獅國樂社的影響與貢獻」由臺中市國樂團團長暨指揮林月里副教授講述、分享。 右:講座四：「尋聲暗問彈者誰？ ― 近現代音樂史研究方法論：以周藍萍研究為例」由國立臺灣大學音樂學研究所沈冬教授講述、分享。 17
必然與偶然堆疊串聯而成。我們太習慣把所謂的「錯誤」歸咎於某些人，更是習慣把所謂的「成功」歸功於某些人； 例如，我們可以認為，當年大同樂會的作法是錯誤的，尤其是在我們看見蕭友梅 1931 年撰寫的〈對於大同樂會擬仿 造舊樂器的我見〉一文中後，就能理解他對大同樂會犀利的批判其來有自。但另一方面，當我們看完 2020 年上海音 樂學院東方樂器博物館《百年大同‧線上展覽》之後，又會覺得鄭覲文取得了巨大的成功，大同樂會更是現代國樂發 韌之始。評價如此分歧，鄭覲文與大同樂會的歷史定位又是什麼呢？
懷抱著溫情與敬意 探尋國樂史的每一塊拼圖 / 傅明蔚 錢穆在《國史大綱》的序文中寫道：「所謂對其本國已往歷史略有所知者，尤必附隨一種對其本國已往歷史之溫情與 敬意⋯⋯所謂對其本國已往歷史有一種溫情與敬意者，至少不會對其本國已往歷史抱一種偏激的虛無主義。」面對歷 史，我們需要懷抱著溫情與敬意，這裡的我們，不僅僅是幕後的研究者，也包含了幕前的演奏者，甚至是台下的觀眾
或許我們在某些時刻會覺得今是而昨非，會批判前人的所作所為，舉例而言，國樂史上令當代樂壇夜不能寐的議題之 一，是劉靖之在《中國新音樂史論》指出的：「由於『五四時期』的音樂家缺乏紮實的中國音樂訓練和修養，不像同 時代文學界的作家、詩人、散文家以及學者都是飽讀線裝書的文人學者，如胡適、魯迅、郭沫若等人，在打倒孔家店 的同時，仍然都是國學高手，因此他們的白話文和學術論著都建立在中國的文學、歷史和哲學基礎之上，而『五四時 期』的學堂樂歌、藝術歌曲和抗日歌曲卻與中國音樂脫了節。對於這一點，中國音樂界應予以重視。」一百年過去， 我們才發現自己得到了什麼，又失去了什麼？我們擁抱了十二平均律，得到了飽滿的和聲，卻漸漸失去了曾經存在於 各個傳統音樂系統裡的不同律制，我們擁抱了定型化的樂譜，得到了整齊劃一的樂隊，卻慢慢失去了即興加花的演奏
(an emphasis on understanding (rather
the
making music (ourselves included) is paramount ) 。」當我們的重點放在「理解」時，便不容易糾結於過往歷史的是非對 錯，急於用後世眼光「解釋」歷史人物與事件的優勝劣敗；與此同時，我們才有可能懷抱著溫情與敬意看待歷史、閱 讀歷史，甚至在許多時候，我們必須探尋歷史。 探尋歷史是一個漫長而有趣的過程，就像是拼圖遊戲，需要一片一片的拼湊，才能看見全貌，而且歷史的拼圖，往往 不是平面的，而是立體的。國立臺灣大學音樂學教授沈冬在北市國 2022 國樂口述歷史工作坊中，便以周藍萍研究為 例，分享了近現代音樂史研究的方法論。在研究材料方面，我們可以運用文獻、影音和訪談資料：文獻部分涵蓋手稿、 樂譜、照片、文件、歌本、電影特刊、電影海報、電影廣告等等；影音部分涵蓋唱片、母帶、新聞影片、電影、廣播 劇、錄音等等；訪談部分除了本人以外，還包括直接接觸者與間接接觸者。蒐集如此龐雜的史料後，則需要經過統整、 分析與深描，才能釐清彼此的關係，理解過往的歷史。 同一場工作坊中，中研院臺灣史研究所所長許雪姬，則針對歷史的概念以及口述歷史的功能，給予我們另一層深刻的啟 發：「口述歷史顛覆傳統以帝王將相、政治史為主的敘述，可以為弱勢者發聲、解決某些特定的政治議題。」歷史就 像一個權力場，由所謂的關鍵人物掌握著話語權，就音樂史而言，在過往的學術脈絡下，往往紀錄的都是音樂家，甚至 集中在作曲家身上；然而，一個完整的音樂生態或音樂產業鏈，肯定不只有作曲家和他的作品，上至政府、下至小市民， 18 SILK R AD TCO News C O T
們，以及正在閱讀這篇文章的你／妳，每一個正在共同創造歷史的我們。
能力與美感經驗。 但以上這些，從來都不是誰的錯。一個真實而立體的世界，從來都不像連續劇裡只有好人與壞人，而是由一系列歷史的
此處，我想引用音樂學家傑夫‧托德‧蒂頓 (Jeff Todd Titon) 的主張：「最重要的是強調理解而不是解釋，包括我們自 己在內的人們製作音樂的生活經驗
than explaining)
lived experience of people
核心、局內／局外、中心／邊陲，都是構築歷史的一部份，都是我們探尋國樂史的一塊拼圖，因此，無論他是指揮還 是觀眾、團長還是團員、老師還是學生、記者還是會計，他們的聲音都應該被傾聽與理解，面對他們，我們都應該懷 抱著一樣的溫情與敬意。因為，只有當我們從豐富的視角觀察音樂和歷史時，才能打破一種單一的、由關鍵人物建構 的音樂史概念，進而充分探索音樂史上真正多樣化和複雜的意義層次。 結語 口述歷史的工作刻不容緩，是個與時間競賽的研究，藉由北市國的課程辦理與號召下，希望加入更多人一起共同關心 臺灣的國樂故事，培養口述歷史工作的參與者，將臺灣這些有溫度的國樂故事，一一記錄下來，透過前輩的口述歷史， 知往鑑來，讓我們一同記錄歷史，開創未來的國樂之路。 2022 口述歷史工作訪圓滿結束，全員合照留影紀念。 19
都是參與者。回到上述的五四運動與大同樂會，或許我們應該試圖理解那整個時代，才有可能理解他們，同樣的，我 們也可以用相同的研究方法，來理解臺灣的中華文化復興運動與國樂社團的創立、文化主管機關的沿革與職業國樂團 的關係、獎補助機制對國樂作品題材內容的影響等等。這些探討，對國樂的整體發展無疑是重要的，不僅限於學術研 究，對每一個從業人員、每一個國樂愛好者、乃至於每一個納稅人而言，都影響深遠。 重要的是，我們能否在探討上述議題時掌握口述歷史的精神，就如同許雪姬所言：「我不會因為這個受訪者可以講 10 頁就去訪他，也不會因為這個受訪者只能講1頁就不訪他，我都會去訪，他們對我而言，都一樣重要。」無論核心／非
2022 年 7 月 4 日專訪，左上至右下依序為陳鄭港、何偉山、李明晏。 SILK R AD Guest Columnist Session 20 這期的客座主筆很榮幸邀請到臺北市立國樂團陳鄭港團長，以及新加坡華樂團何偉山總監，請他們兩位聊聊樂團經 營及特色營造的經驗。擁有演奏與學術背景的陳鄭港團長，擔任大型職業樂團專業經理人 20 年間，致力於學術研究， 尤以南島民族音樂文化為主要研究範疇，著作無數。何偉山總監，年輕時為二胡比賽常勝軍，在管理學上亦有相當 的研修與歷練，於新加坡華樂團服務 24 年期間，擔任新加坡華樂團行政總監、新加坡華樂總會副會長以及新加坡共 和國前官委議員。兩位均在國樂圈擔任行政職逾二十載，使得這次的對談相當有可看性，筆者訪談後簡要整理如下。 文 / 李明晏（新加坡南洋藝術學院高級講師） 圖 / 李明晏、陳鄭港、何偉山 國樂團與華樂團特色營造： 專訪臺北市立國樂團團長陳鄭港與新加坡華樂團行政總監何偉山
左:何偉山總監受委新加坡官委議員。右:何偉山總監於國會發言。 21 李明晏（以下簡稱李）：請問兩位老師有沒有曾經因對方樂團的運作方式而得到啟發，進而用於自己的樂團營運當中？ 陳鄭港（以下簡稱陳）： 臺北市立國樂團（以下簡稱北市國）成立至今已經 43 年，一直都是臺北市政府的轄屬機構，由 於是公部門藝文施政的執行單位，因此組織定位明確，在政府經費全額支持的運作模式下，功能顯著、績效有目共 睹；由於是政府部門的一環，必須按部就班編列經費、貫徹嚴謹的會計審核作業、將營運收入繳回公庫等。然而面
北市國的行政團隊，我跟鍾永宏組長接觸比較多，我覺得他非常能幹。在陳團長的領導下， 北市國的組織工作做得細細到位，真不容易。北市國行政團隊人員，大多都曾有實際參與樂團演奏的經驗，所以對 事情的處理跟看法，他們會站在樂團整體與演奏家的角度，有更多的換位思維。所以現在我們在招聘的時候，也會 留意是否有樂團經驗。 陳團長，請問您上任後，對於臺北市立國樂團特色的規劃，是否有一個主題目標呢？ 時程如何安排？ 陳： 北市國歷任的團長均具有深厚的音樂素養與行政事務的專業執行力，歷任團長透過各種類型、叫好又叫座的音樂 展演活動，發揮與擴大專職樂團的社會功能，在這部份表現得非常出色，我們將會在這個基礎上保持穩定、繼續往 前走。一直以來，北市國扮演著首都藝術名片的角色，透過音樂來跟世界交流，呈現臺北的城市風采，臺灣的人文 特色，這個主軸一直是沒有改變的。我們剛剛遴選出來的首席指揮，是臺灣旅德的青年指揮家張宇安，他不僅是一 位擁有國樂基底訓練的優秀音樂家，也是擁有國際指揮大賽桂冠榮銜、在世界樂壇洋溢著交流能量的頂尖音樂專業 工作者，北市國將會全力支持首席指揮提出來的各項藝術發展計畫。另外，北市國除了持續舞台上的精湛演出之外，希 望開闢更多的合作平台，邀請更多的藝術工作者一起參與，讓音樂藝術能夠跟社會大眾分享，這一直都會是北市國 努力的重點。
對基金會財團法人、私人公司企業具有營運操作面上的靈活度與彈性，倘若藝術性的表演團隊以基金會的法人化體 質存在，將獲得更高的專業自主性、更機動的組織規模以及人資管理機制，得以迅速因應趨勢所需而即刻調整步伐，在 這幾個面向上，做為一個國家樂團，新加坡華樂團樹立了典範，是許多團隊參考、學習的對象。 何偉山（以下簡稱何）：
何偉山總監參與臺北市立國樂團 40 週年學術活動。 SILK R AD 22 Guest Columnist Session 何總監，您在新加坡華樂團服務了 24 年，請跟我們分享，在形塑樂團特色的規劃上，是否有分階段執行呢？ 何： 這是講一個 25 年的故事啊！最初 5 年是從人民協會華樂團，提升到新加坡華樂團時期，創團音樂總監胡炳旭先 生帶進很多傑出演奏家，那個階段，華樂團演奏大量中國作曲家的經典名曲，是樂團奠定基礎的時期。 2002 年葉聰 接任總監，至今 20 年間，華樂團急速發展。考量到一個樂團，必須有自己獨特的特色，這個特色要從哪裡來？第一、 曲目：我們大量投入跟投資，譬如舉辦作曲比賽、作曲家工作坊、指揮工作坊等，我們花了很多的時間，從大合奏、 獨奏、室內樂、協奏、歌劇、音樂劇、跨界的演出，可以嘗試的就嘗試，為的是突破！唯有突破才有辦法把這個樂 團推向更高的藝術造詣。新加坡那麼小，一套曲目不可能今天在新加坡大會堂演，明天在濱海藝術中心演，後天到 維多利亞音樂廳演，也因此華樂團在曲目安排上必須更多元。另外，我一直強調除了多元化，新加坡也是多地緣的 國家，從不同地區引入了不同方言籍貫的戲曲：福建、閩南、潮州、客家、廣東等，這些戲曲，都是華樂團可以將 它灌溉在樂季節目裡的養分，這是屬於橫向的部分，針對樂種有不同系列的音樂會。直向的部分，就是面對不同觀 眾，有老、少，加上多元文化觀眾。還有我們在直播時所面對的海外觀眾，我們會針對性地去傳播營銷，那麼我們 就可以把這個平台越建越大、越深厚，這個是我們想看到的。 李：請陳團長跟我們分享何謂臺灣國樂？請何總監和我們分享何謂新加坡華樂？兩者各有什麼獨特之處？ 陳： 放眼望去，當代的中樂、 華樂、民樂、國樂在舞台上所使用的樂器與演奏技藝，其實相差無幾，要如何進行 區 分？的確是一個具有哲思層次的大哉問。我自己常捫心自問：國樂團要怎麼去說一個具有感動能量的故事？我們都 用筷子、用碗吃飯，碗裡面裝的食物可能大同小異，但每一個人的感受，所說出的敘事，結果都不盡相同。回到音
因 為我覺得，樂團是一個平台、樂器是一項工具，加上有血有肉的音樂家，如何在平台上用工具述說出動人的故事， 其中的內容才是重點。
樂哲學，或者音樂美學的角度，從藝術面看中、華、民、國樂，真的有那麼大的差別嗎？如果我們從聲響物理學去 看，一個強音、一段不同樣樂器的組合，透過頻譜分析，我們得到音色、音質、 harmonic 不同的數據化結果，這些 毫釐不差的完整數據可以讓我們明確地去區分這些差別嗎？儘管透過儀器的科學數據沒有爭議，但我們不會這樣做。
COVID-19 疫情告一段 落之後的第一次境外巡演，能夠跟新加坡的朋友們見面，這部分感謝偉山總監給我們很多的協助。國際交流這部分，
23 何： 我用 Rojak 來形容新加坡的華樂 1 ，你說它是甜食，它也不是完全是甜食，你說它是主食，它也不完全是一個 主食，所以我用 Rojak 來形容新加坡的華樂，可能有很多人會覺得這有貶意，但其實當我講 Rojak 的時候，這是一 種形容，就是包含酸甜苦辣，那麼從感官方面呢，也有喜怒哀樂，有些人吃了很高興，因為他吃到了喜歡的黃梨 或是菠蘿蜜；有些人吃到加了辣椒後會很怒。用 Rojak 的例子形容新加坡華樂，就是一個多元化跟多地緣，所以 是兩個多元（緣），這兩個多元（緣）也包含整個新加坡華樂的發展、傳承與傳播。 李：請兩位老師談談，您認為樂團營運如何跟隨社會時事及國際脈動調整？ 如這幾年的 COVID-19 疫情，烏俄戰爭， 後疫情（ post-covid ）時期等，有沒有什麼具體的做法呢？ 陳： 沒有人能完全掌握疫情發展會是怎麼樣的景況，大概都只能夠說是「摸著石頭過河」，面對問題、解決問題。 COVID-19 疫情爆發以來，我們在第一時間即展開各項關懷陪伴的措施。北市國邀請老朋友、好朋友與年輕的朋友以 音樂唱奏的行動，開闢網路展演舞台「 TCO 藝起抗疫」、「聚敘 On line 寰宇音樂嘉年華」，一起砥礪、凝聚音樂工作 者心中的不悔熱情。面對疫情的不同階段，北市國猶將秉持「陪伴」的心念，與知音樂友驅散疫期裡的苦悶。目前，
新加坡國策是與病共存，並希望能夠「保生計、生活與生命，這三保」。這樣的情形下，與病共存其實對我們並
疫情後，從 pandemic （全球性傳染病）到 endemic （小規模傳染病）這種 new normal （ 新常態）的時候，所以你問 我說 endemic 的時候要做什麼事情？這樣的情況下，將來除了例常演出，我們應當要更珍惜什麼？珍惜我們的觀眾、 我們過去所做的事情，學習在 pandemic 的時候，如何隨機應變，把我們的音樂會⋯⋯無論是線上、錄製、或是直播， 累積成經驗，在我們 endemic 的時候去發揮，這樣我們兩年的 pandemic 就不會白費。疫情我們要做更多工作來推動 我們的生態，讓我們領悟，我們要踏出音樂廳，到社區、醫院、公園呈現我們的音樂會，在疫情後要怎麼吸引觀眾到 現場看演出？如果他們不能到音樂廳，你應把華樂送到他們的家門口！加強社區演出，疫情後的工作，其實是我們要 大量的投入、大量地去做。 1 羅雜（ Rojak 馬來語） ，是一種大雜燴式的沙拉，混合各式蔬菜、水果、油條等食材，並淋上各種風味的醬料與香料。在新加坡， 不同族群都有屬於自己的羅雜，體現新加坡多元文化的特性。
我們也已經如火如荼地在準備當中，這一段時間，我們密切地跟偉山總監聯繫，我們希望在
因為疫情，已中斷了兩年多快三年，疫情結束之後，應該要趕快恢復，我們很期待進入後疫情時代，安排各地的音樂 家互訪交流。 何：
不容易，我們都希望能回歸工作崗位，保住生計，華樂團從這個出發點，化危機為轉機，做了很多線上活動，但是我 一直強調，我們要認清楚，線上跟現場還是有很大的不一樣。
SILK R AD Guest Columnist Session 24 李：請兩位老師談談，您的興趣如何影響您的工作 陳： 一個對自己負責任的人，從他平常做的休閒活動、對事物的價值觀與生活中看重的部分往往是一體兩面，經常在 工作場域與任事態度顯露出一致性。如同我對臺灣原住民音樂文化的學習跟尊重的態度，同樣地放在職場的領域，同 樣的態度面對音樂家、作品、對於每一場演出都是盡其所能的尊重跟求好。我覺得一個人懂得感恩是一件很重要的事， 我感恩在人生的每一過程，冥冥當中似乎有著承與啟的聯繫。現代社會的生活充滿許多壓力，因此很多人說他的工作 跟生活是分開的，然而我覺得我是非常幸運的，我的學習到我的工作與現在自己的興趣，在人生路上就是一直不斷的 累積，中間沒有被打斷，能夠將自己的專業訓練、生活興趣在工作職場上相互連結。感恩一直與美好的音樂為伍！能 夠在樂團裡面，跟這麼多優秀的的音樂家、藝術家一起工作！ 何： 謝謝陳團長，講得很棒，真的是你終生的 passion （熱誠）！我的回答其實跟陳團長很相似，我覺得我的工作不是 工作，我不覺得我在工作，而是在 enjoy my life （享受生活），我覺得 passion 很重要。我喜歡跑步、因為在運動當中讓 我反思，讓我有很多 ideas（巧思），我在運動的時候，經常可以想到不同方面，如我們需要的驚喜與突破。譬如 7 月 22 日的音樂會，因為某些緣故，正苦惱如何解決，某天我在跑步的時候，聽到一位老人家在聽
目， 1.2.3.4.5
愛的經典曲目」。我想說的是，當我在運動時，常給我很多點子，多一個點子就多一個希望。 這就是我常說，心有多大，舞台就多大，點子有更多，舞台更寬大！ 一個半小時的訪談，無法在上文中完整的呈現，但從兩位老師的分享，可預見臺北市立國樂團與新加坡華樂團，都將有 更精彩的未來，也期盼兩個樂團之間，有更多交流與合作。 熱愛馬拉松的何偉山總監。
廣播：「我們今天投選的曲
⋯⋯」這啟發了我，樂團可以做經典曲目的投選，又讓我想到投選可以利用報章的力量，於是我選了聯合 早報讓讀者來投選「大家最
Features of Chinese Orchestra :
Interview with General Director of Taipei Chinese Orchestra CHEN Cheng-Kang and Singapore Chinese Orchestra Executive Director Terence HO Wee San
Text / LEE Ming-Yen ( Senior Lecturer, School of Music, Nanyang Academy of Fine Arts ) Image / Singapore Chinese Orchestra
The guest writer of this issue is honoured to invite Mr. CHEN Cheng-Kang, General Director of the Taipei Chinese Orchestra, and Mr. Terence HO Wee San, Executive Director of the Singapore Chinese Orchestra, to share their experience in orchestra management and therein, the creation of distinctive artistic features. Director CHEN Cheng-Kang has a background in performance and academia. He has served as the professional manager of a large professional orchestra for over 20 years. He is also a proli fic researcher who has conducted extensive research on folk music culture among the Austronesian people.
Director Terence HO Wee San, a regular winner of erhu competitions in his youth, has had considerable training and experience in Management Science. He is currently the Executive Director of the Singapore Chinese Orchestra and the Vice President of the Singapore Chinese Music Federation. He is a former Nominated Member of Parliament (NMP) of the Republic of Singapore. Both have held administrative positions in the Chinese orchestral scene for over 20 years, which makes this discussion worth following. This is a synopsis of the interview.
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Director CHEN Cheng-Kang enjoys conducting fieldwork on mountains and on islands (2016.11. The once-in-a-decade sacrificial festival of the Saisiya Dwarf Spirit).
LEE Ming-Yen (hereinafter referred to as LEE) : May I ask if you have ever incorporated something you were inspired by, from the way each other’s orchestra is run?
CHEN Cheng-Kang (hereinafter referred to as CHEN) : It has been forty-three years since the establishment of the Taipei Chinese Orchestra, and it has always been an institution under the jurisdiction of the Taipei City Government. As one of the executive units of the public sector's arts and cultural administration, the orchestra has a clear orientation and is fully funded by the government. Its function is clear and its achievements can be seen by all. As it is a part of a government department, its operating income must be returned to the public treasury. However, in the face of the operational flexibility of foundation consortiums and private companies, if the artistic performance team exists as a legal entity as a foundation consortium, it wil l gain greater autonomy, and more flexibility in terms of organizational scale and human resources management. It can thus quickly adjust its pace in response to the needs of emerging trends. In these aspects, as a national orchestra, the Singapore Chinese Orchestra has set an example and is a reference for learning for other orchestras.
Terence HO Wee San, (hereafter referred to as HO) : I have had more contact with Team Leader Chung in the administrative team of Taipei Chinese Orchestra. I think he is very capable. Under the leadership of CHEN, the operations of Taipei Chinese Orchestra has been done meticulously well, which is really not easy. Most of the members of the Administrative Team have had actual experience as orchestra performers, so when dealing with matters, they will have more empathy; they understand issues from the perspectives of the orchestra as a whole and as performers. So now when we are recruiting, we will also note whether the applicant has orchestra experience.
LEE : Director CHEN, since you took office, have you designated a theme for the planning of the unique characteristics of the Taipei Chinese Orchestra? How is the schedule arranged?
CHEN : The former directors of Taipei Chinese Orchestra all have profound musical literacy and professional administrative ability. Through various types of highly successful music exhibitions and performances, they have developed and expanded the social function of professional orchestras. In this, they have done very well! We are going to build on this foundation moving on. For a long time, Taipei Chinese Orchestra has been the capital's poster child for the arts, connecting with the world through music, presenting the urban groove of Taipei city, and the distinctive cultural characteristics of Taiwan. This main axis has never changed. The chief conductor we have just selected is CHANG Yu-An, a young conductor from Taiwan (who lived in Germany). He is not only an excellent musician with solid training in Chinese music, but also a champion of international music conducting competitions, a gifted communicator, and a top-notch musician on the world music scene. Taipei Chinese Orchestra will fully support the various artistic development plans proposed by the chief conductor.
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Director Terence Ho playing the erhu together with erhu performers.
In addition, in addition to continuing to bring the superb performances to the stage, Taipei Chinese Orchestra hopes to open up more platforms for collaboration and invite more artists to work together, so that music and art can be shared with the public. This will always remain the focus of Taipei Chinese Orchestra’s efforts .
Director HO, you have served in the Singapore Chinese Orchestra for 25 years. Please share with us, is the plan to shape the orchestra's unique characteristics implemented in phases?
HO : This is a twenty-five-year story! The first five years saw the upgrading of the People’s Association Chinese Orchestra to the Singapore Chinese Orchestra. The founding music director Mr. Hu Bingxu brought in many outstanding performers. At that stage, the Chinese Orchestra played a large repertoire of classics by Chinese composers; that was the foundational period of the orchestra. In 2002, Yeh Tsung took over as director, and in the past 20 years, the Chinese Orchestra developed rapidly. Considering that an orchestra must have its own unique characteristics, where do these characteristics come from? First, repertoire: We have heavily invested in the following, such as organizing music composition competitions, composer workshops, conducting workshops, etc. We spent a lot of time, from large ensembles, solos, chamber music, concertos, operas, musicals, crossover performances; trying what we can, in order to make a breakthrough! Only breakthroughs can take this orchestra to higher artistic attainments. As Singapore is so small, it is impossible for one type of repertoire to be performed at the Singapore Conference Hall today, at the Esplanade tomorrow, and at the Victoria Concert Hall the day after tomorrow. Therefore, the Chinese Orchestra’s repertoire must be diverse. In addition, I have always emphasized that in addition to diversity, Singapore is also a multi-cultural country that draws from various regions. The orchestra has introduced operas with different dialects a nd origins from different regions: Fujian, southern Fujian, Chaozhou, Hakka, Guangdong, etc. These operas are akin to nutrients used to irrigate the repertoire of the season’s program. This is the lateral perspective, relating to a series of concerts for different music genres. The vertical perspective related to different audiences, old and young, plus multicultural audiences. As for overseas audiences we face during the live concert, our marketing will be more targeted, then we can expand and deepen this platform. This is what we want to see.
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Left : Director Terence Ho participated in the academic activities of the 40th anniversary of the Taipei Chinese Orchestra. Right : Director Terence Ho participated in the Gao Xingjian International Academic Conference in Taiwan.
LEE: Director CHEN, please share with us what is Taiwan Guoyue? Director HO, please share with us what is Singapore Huayue? What is unique about each?
CHEN : Surveying the scene, contemporary Chinese orchestras in Hong Kong, Singapore, mainland China, and Taiwan use almost the same instruments and performance skills onstage. How do we then tell them apart? It is indeed a big philosophical question. I often contemplate: How can the Chinese Orchestra tell a story that touches the heart? We all use chopsticks and bowls to eat. The food in the bowls may be similar, but everyone's feelings and narratives turn out to be dissimilar. Going bac k to the philosophy of music, or the point of view of music aesthetics, from the art’s perspective, is there really such a big di fference between Chinese orchestras in Hong Kong, Singapore, mainland China, and Taiwan? If we look at acoustics, a combination of an accent and a different ensemble of musical instruments, through spectrum analysis, we can get different data results of timbre, sound quality, and harmonics. Can these complete data that are perfectly accurate let us clearly discern the differences between each? Although the scientific data measured by devices are not controversial per se, we do not do it. This is becaus e I think the orchestra is a platform, the musical instrument is a tool, and the musicians are with flesh and blood. Using the to ol on the platform to tell a story that touches the heart, the content is the key.
HO : I use Rojak to describe Singapore’s Chinese orchestral music, you say it is a dessert, it is not exactly sweet; you say it is a staple, and yet it is not exactly a staple. 1 So, I use Rojak to describe Singapore’s Chinese orchestra music. Many people may think that this is derogatory, but in fact, when I talk about Rojak, it is descriptive. From the sensory perspective, there are the different tastes of sour, sweet, bitter and spicy; similarly, there is happiness, anger, sorrow, joy, and some people are very happy to eat it because they get to eat their favourite pineapple or jackfruit; some people get angry after eating the spicy bit. Using the example of Rojak to describe Singapore’s Chinese orchestral music, it is the embodiment of the combination of diversity and multi-geographies, so there are two pluralities, which also include the development, heritage and propagation of all of Singapore Chinese orchestral music.
LEE : Please discuss, how do you think the orchestra’s operations will be adjusted in accordance with current social events and international trends? For example, the COVID-19 pandemic in recent years, the Ukrainian-Russian war, the post-pandemic (post-covid) period, etc., are there any specific practices?
CHEN : No one can fully grasp how pandemic situation will develop. Probably they can only say to "cross the river by feeling the stones"; facing problems and solving them. Since the COVID-19 pandemic, we have quickly launched various initiatives to offer care and companionship. Taipei Chinese Orchestra invites old friends, good friends and young friends to sing with music, opening up online exhibition and performance stages "TCO Fight the Pandemic Together" and "Gathering at the Online Music Carnival", to forge and unite the hearts of musicians together passionately. Facing the different stages of the pandemic, Taipei Chinese Orchestra will uphold the intention of "companionship" and dispel the sadness during the epidemic with music lovers. At present, we are already in full swing. During this time, we have been in close contact with Director HO. We hope to meet our friends in Singapore for our first overseas tour after the COVID-19 pandemic. Thanks in part to Director HO for giving us a lot of support. International exchange has been interrupted for more than two, almost three years due to the pandemic. After the pandemic is over, it should be resumed as soon as possible. We are very looking forward to entering the post-pandemic era and facilitating exchanges between musicians from all over the world.
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1 Rojak (Malay) is a jumble salad, mixed with all kinds of vegetables, fruits, fried dough fritters... and other ingredients, and topped with various flavoured sauces and spices. In Singapore, different ethnic groups have their own Rojak, reflecting multicultural characteristi cs of Singapore.
HO : Singapore's national policy is to coexist with the virus, and hopes to "protect livelihood, life and lives, these three guarantees". Under such circumstances, coexisting with the virus is not easy for us. We all hope to return to work and keep our livelihood. From this starting point, the Chinese Orchestra has turned the crisis into an opportunity and conducted many online activities, but I have always emphasized, we must be clear about this, that there is still a vast difference between online and on-site.
After the pandemic, from pandemic to endemic, this time of the new normal, you ask me what to do during endemic? Under such circumstances, apart from regular performances in the future, what should we cherish more? Cherish our audience, what we have done in the past, learn how to adapt to the situation during the pandemic, and accumulate our concert experiences ... whether online, recorded, or live. This way, our two-year pandemic will not be in vain. Due to the pandemic, we have to do more work to propel our modus operandi, realize that we have to step out of the concert hall and present our concerts in communities, hospitals, and parks. How can we attract audiences to come watch our performances after the pandemic? If they can't make it to the concert hall, you should deliver Chinese orchestral music to their doorstep! Forging more community performances, post-pandemic, we actually need to invest heavily and put in a lot of work.
LEE : May I invite the two directors to talk about how your interests influence your work?
CHEN : For one who is responsible for himself, the pursuit of day-to-day leisure activities, and value system and life priorities are balanced, and often this shows up consistently at work and in his service attitude. Just like my attitude of learning and respecting Taiwan's indigenous music culture, I embody the same attitude at the workplace, towards musicians, musical works, and every performance; I do my best to be respectful and strive for excellence. I think gratitude is very important. I am grateful that at every stage of my life, there seems to be a connection between heritage and inspiration. Modern life is stressful, so m any people say that their work and life are separate, but I think I am very lucky; my study, my work and my current interests are always aligned on my life journey. These experiences accumulate, without disruption and I can connect my professional training and life interests in the workplace. I am grateful for always being in company of beautiful music! And to be able to work with so many great musicians and artists in the orchestra!
HO : Thank you, Director CHEN, well said! It is really your lifelong passion! My answer is actually very similar to yours. I think my job is not a job. I don't think I am working, but I am enjoying my life. I think passion is very important. I like run ning, because during exercise, I reflect, and that gives me a lot of ideas. When I exercise, I can often think of different angles, s uch as the surprises and breakthroughs we need. For example, for the concert on July 22, I was struggling to resolve something. One day when I was running, I heard an elder listening to the radio: "The song we voted for today, 1.2.3.4.5..." This inspired me that the orchestra can ask for votes for the classic repertoire, and it also reminded me that we can use the power of newspapers for the voting. So I chose Lianhe Zaobao to let readers vote for "everyone's favourite classics." What I want to say is that when I'm exercising, I’m given a lot of ideas, and one more idea means one more hope. This is what I often say, the bigger the heart, the bigger the stage, the more ideas, the bigger the stage!
The one-and-a-half-hour interview cannot be fully represented in the above text, but from the sharing of the two directors, it can be seen that both the Taipei Chinese Orchestra and the Singapore Chinese Orchestra will have a more exciting future, and are also looking forward to more mutual exchanges and collaboration.
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30 SILK R AD A Journey into Chinese Music 臺北市立國樂團於 2020 年 10 月推動「誰來接班 臺灣國樂青年音樂家繁星計畫」，整合臺北市立國樂團（以下簡稱 「北市國」）、桃園市國樂團（以下簡稱「桃市國」）、臺南市民族管絃樂團（以下簡稱「南市國」）和財團法人高雄市愛樂 文化藝術基金會高雄市國樂團（以下簡稱「高市國」）等臺灣的 4 個職業樂團，以及中國文化大學中國音樂學系（以下 簡 稱「文大」）、國立臺灣藝術大學中國音樂學系（以下簡稱「臺藝大」）、國立臺南藝術大學中國音樂學系（以下簡稱 「南藝大」）和 2022 年新增的國立臺灣戲曲學院音樂學系等 4 所大專院校，分別透過徵選或推薦 1 至 2 名演奏者到不同 的職業樂團進行協奏演出。此計畫不僅希望可以培育出臺灣本土的演奏家，更期望能透過交流切磋促進國樂在臺灣的發 展和成長。 2022 年此計劃已執行第二年，經歷了第一年的嘗試後，不論是各單位的徵選方式，亦或是協奏者的選曲考量等，都有 明顯的轉變和突破，為「誰來接班」重新樹立新的標竿。 2022 年各單位之推薦人選如下表： 從「誰來接班 ― 臺灣國樂青年音樂家繁星計畫」 淺談國樂青年演奏家之育成 文 / 李艾霏 圖 / 臺北市立國樂團、桃園市國樂團（攝影 : 楊文卿）、臺南市民族管絃樂團、 財團法人高雄市愛樂文化藝術基金會、陳冠凱、廖紫伶、陳錫輝 A B C E F G D 繁星計畫協奏者: 郭肜肜（A）、吳彥志（B）、 張翔媜（C）、李育慈（D）、 馬欣妤（E）、朱亞涵（F）、 李翎喬（G）
31 青年演奏家之培育從學生談起 本計畫規定 35 歲以下之職業樂團演奏員或是拔尖學子皆有參與資格，換言之，在文大、臺藝大和南藝大的甄試中 ， 學生幾乎全部都具備參賽資格。當今，許多學生皆以進入職業樂團作為目標，但每檔演出兼任團員的需求少，大多數 學生較無參與樂團排練和演出的機會。協奏者有的是透過參加各個樂團的器樂大賽後，過關斬將至決賽才得以和職業 樂團一同登台擔任協奏。由此可見，此計畫不僅讓學生多了一個到職業樂團協奏的管道，也能夠先到職業樂團磨練、
學生而言，絕對是十分有助益且能夠提升自我的重要媒介。當各個大專院校學生獲選後，往往在與樂團合作前做足了 充分地準備，但基於職業樂團業務繁忙、演出頻繁，使得排練次數在有限的情況下，難免發生無法完全達到專業演出 之要求，排練和演出時適時的折衷和妥協也成為了需衡量的課題。協奏者不僅只是坐在樂團前方將自身的音樂演繹出 來，更應該不斷地思考要如何主導自己和樂團的相互關係，以及學習如何和指揮溝通與對話，對於協奏的經驗值也是 一大磨練。 在臺灣，每年皆有數百位中國音樂學系之學生帶著演奏專業的學歷畢業，但我們的環境卻從來不缺演奏員和演奏家，更 別提職業樂團的稀少名額，簡直是僧多粥少。因應此國樂發展之現象，各大職業樂團幾乎每年皆有舉辦器樂大賽，而北
接觸到職業樂團的環境等，更是達到了職業樂團間的相互交流。 第二屆「誰來接班 臺灣國樂青年音樂家繁星計畫 」 透過職業樂團和學校之推薦人選和其資料(共計 11 位) 姓 名 樂 器 馬欣妤 張翔媜 廖紫伶 郭珊如 推薦單位 臺北市立國樂團 桃園市國樂團 臺南市民族管絃樂團 高雄市國樂團 中國文化大學中國音樂學系 國立臺灣藝術大學中國音樂學系 朱亞涵 陳錫輝 李育慈 郭肜肜 中 阮 二 胡 中 阮 揚 琴 大提琴 擊 樂 竹 笛 揚 琴 吳彥志 竹 笛 陳冠凱 笙 國立臺南藝術大學中國音樂學系 李翎喬 揚 琴
提升演奏實力，與老師們討論對於音樂作品的理解，甚至能夠提前與職業樂團工作，進一步思考其職業規劃等。對於
市國所倡議之繁星計畫也抱持相同的出發點在執行，固然希望能提供給青年演奏家一個平台亮相，也希望學子能夠提前
SILK R AD 32 SILK R AD A Journey into Chinese Music 綜觀中、西樂界之新秀培育計畫 追朔至 1987 年，北市國受文建會之委託舉辦「民族器樂協奏大賽」，爾後隨指導單位改為臺北市政府教育局，於 1993 年將賽事名稱改為「臺北市民族器樂（協奏）大賽」，再到 2020 年的「誰來接班 臺灣國樂青年音樂家繁星 計畫」，可見北市國在挖掘國樂新秀的相關計畫上著實用心，並非這一兩年的努力成果。 然而，西樂界也有類似的計畫，南市國的大提琴演奏員朱亞涵也提到：「西樂類似培養青年音樂家的計畫，包含：國 立臺灣交響樂團樂壇新秀、新逸藝術等計畫等，可見大家都非常致力於提攜新秀，發掘臺灣在地音樂傑出人才，打造 被看見的機會！」 其中國立臺灣交響樂團（以下簡稱「國臺交」）曾於 2008 到 2011 年間受當時文化部前身文建會指派辦理第三、四屆 「音樂人才庫培訓計畫」，小提琴家曾宇謙和林品任皆為當時受培訓之音樂家，而 2018 年國臺交重啟此項計畫，舉辦 「國際音樂人才拔尖計畫」，補助優秀青年音樂家參與國際音樂比賽、大師班、音樂營和安排培訓者舉辦個人獨奏會 等 1 ，對於新秀的栽培不遺餘力。 由此可見，提攜新秀並無樂種之分，執行的方式更是有千百種，北市國「誰來接班」、 臺灣國樂團的國樂研習營等 和國 臺交「國際音樂人才拔尖計畫」等僅著重於對演奏家的育成，然而，同時推動指揮、作曲家、音樂研究或其餘從事音 樂相關行業等人才培育計畫，才足以有效地提升臺灣藝文產業之水平，取得產、官、學、研各領域之平衡。 國樂人才，燦若繁星 北市國於 2022 年 12 月 24 日（六）迎來第二屆「誰來接班」最後一場音樂會「聽‧繁星點點 II 」，本場次由南市國 演 奏員陳錫輝、桃市國演奏員廖紫伶和臺藝大學生陳冠凱擔任協奏要角，分別演繹不同風格之樂曲。 「聽‧繁星點點 II 」音樂會 3 位協奏者：陳錫輝(左)、廖紫伶(中)、陳冠凱(右)。 1 參考：國立臺灣交響樂團官方網站 https://www.ntso.gov.tw/information?uid=22&pid=146889，擷取日期：2022 年 12 月 7 日。
而第二揚琴協奏曲《和》則是由廖紫伶所演繹，亦為本場音樂會中曲目篇幅最長之樂曲，曲中分別選取 7 個地區的民歌，每 一個部份皆由樂團中不同聲部輪流與揚琴對話，透過作曲家將其貫穿、銜接，完整地表達其「和」的概念。也因此，不論是 隨彈奏器具的多樣改變彈琴習慣，抑或是對於不同民族的民歌小調之詮釋，都在在考驗著演奏者於演奏時長時間的專注。
陳冠凱挑選的曲目《薩滿天神之舞》是主要以滿族的祭祀音樂作為素材所譜寫，陳冠凱也特別強調吹奏此曲的演奏者年齡 甚廣，至今國小至大專院校皆有人演奏此曲，是一首十分經典的笙協奏曲。即便樂曲短小，曲中卻涵蓋了不同的聲響與和 聲的全面性，期望對於不同年齡層的觀眾都能有不同的反應及收穫。
(日) 14:30
臺南藝術節 【 現代的傳統 】 2022/11/06 (日) 14:30 歸仁文化藝術中心／指揮：杜潔明 「未來的希望」 2022/11/19 (六) 19:30 岡山文化中心 2022/11/20 (日) 14:30 大東文化藝術中心 指揮：安敬業 「聽‧繁星點點 II
「 2023 臺南新年音樂會」 2023/02/04 (六) 19:30 臺南文化中心演藝廳／指揮：黃光佑
33 陳錫輝所帶來的《鼓今中外》，除了運用了北愛爾蘭鼓 bodhran、海浪鼓 Ocean Drum、新式手鼓 Daf、
、埃及鈴鼓
Hadjira
Riq 等數種種類外，也結合了森巴 Samba、木卡姆 Mugham 和急急風等音樂風格，鑑於不同地域的樂器和音樂特色，又透 過各式樂器作為載體，希望帶領觀眾一同遊走世界，一窺世界音樂的豐富和多元。
上述可知，本場之協奏者不僅需要在短時間內和其他樂團合作，在於樂器的準備、演奏器具的選擇，甚至風格詮釋的掌握
12 月 24 日繁星計畫「聽‧繁星點點 II 」音樂會後，將一同迎向第三屆「誰來接班」。 「誰來接班 國樂青年演奏家繁星計畫」演出一覽 演奏家(樂團) 作曲家／演出曲目 地點 / 指揮 劉于菁(南市國) 邀請樂團 臺南市民族管絃樂團 高雄市國樂團 桃園市國樂團 臺北市立國樂團 張翔媜(桃市國) 朱亞涵(南市國) 李翎喬(南藝大) 蘇文慶 ／《綻放》 李博禪 ／《楚頌》 廖紫伶(桃市國) 陳冠凱(臺藝大) 張朝／ 第二揚琴協奏曲《和》 張永欽 ／《鼓今中外》 隋利軍／ 《薩滿天神之舞》 陳錫輝(南市國)
上都下足了功夫。繼今年度
「怦然心動—我與音樂的純真對話」 2022/10/02
臺南文化中心演藝廳 王丹紅 ／《阿曼尼莎》 郭珊如(北市國)
郭肜肜(高市國) 王丹紅 ／《狂想曲》 何啟榮 ／《水龍吟》 程大兆 ／《 陝北四章》 第二、四樂章〈社戲〉、 〈鬧紅火〉 張朝 ／ 第一揚琴協奏曲《盤古》 第三樂章〈未來〉 吳彥志(文大) 馬欣妤(北市國) 「桃園市國樂團城市巡演—湁樂 ・ 湁悅」
屏東演藝廳／指揮：林亦輝 「鐘鼓齊鳴」
中壢藝術館音樂廳／指揮：任燕平
中壢藝術館音樂廳／指揮：黃新財
李育慈(高市國) 李博 ／《月出》
」 2022/12/24 (六) 19:30 臺北市中山堂中正廳／指揮：張宇安
2022/05/29 (日) 14:30
2022/08/21 (日) 14:30
「繫 經典 ・ 眺望雲霓」 2022/11/13 (日) 14:30
New Vision SILK R AD 34 「響遏行雲‧歷史迴聲 — 老琵琶特展」是由國立臺北藝術大學（以下簡稱北藝）音樂學院傳統音樂學系主辦、臺灣 百樂琴苑協辦的特別企劃，旨在對百樂琴苑所收藏的一批老琵琶進行整理，並通過展覽、講座與音樂會等系列活動來 呈現這些珍貴樂器的樣貌與聲音，打造一個平台，展開音樂上、教學上的討論與思考對話。 【 系列活動資訊 】 特展： 2022 年 10 月 4 日(二) 至 10 月 20 日(四) ｜ 國立臺北藝術大學研究大樓四樓文資書苑 音樂會： 2022 年 10 月 14 日(五) 19:30 ｜ 國立臺北藝術大學音樂廳 講座一「從樂器維修的角度認識琵琶」： 2022 年 10 月 12 日 ( 三 ) 19:00-20:30 ｜ 音樂二館 M2205 教室 講座二「四相十三品絲絃琵琶之存見與修復」： 2022 年 10 月 13 日 ( 四 ) 18:30-20:00 ｜ 音樂二館 M2307 教室 文 / 蘇筠涵 圖 / 國立臺北藝術大學傳統音樂學系 回想、回響 記於「響遏行雲 ·歷史迴聲」系列活動之後 「響遏行雲‧歷史迴聲 — 老琵琶特展」於展覽期間（ 2022 年 10 月 4-20 日），還有舉辦系列講座與音樂會。
為四相十至十三品不等，被我們稱為「傳統琵琶」並於 20 世紀發展成為今日所認知「琵琶」的樣貌與型態，為六相二十四 品。是故今日的琵琶最多僅可回溯至明清時期，傳統琵琶直至 20 世紀中葉都仍在被使用著，而琵琶的改革自 20 世紀程午 嘉在琵琶形制上做出影響性改革開始，最遲於 20 世紀 50 年代，琵琶從過去的四相十二品琵琶逐步發展為六相二十四品形 制，琴體共鳴箱更厚、音域更寬，並逐漸走向規格化。
因應琵琶的現代化發展、彈奏場域的改變與主流喜好的不同，弦材也從絲絃轉換成鋼絲弦、尼龍裹鋼絲弦等，樂器細節的 改變影響甚大，造就近乎全然不同的音色感受與彈奏手感，從音色質感到樂器厚薄均與現代琵琶相差甚遠。百樂琴苑收藏 了一批來自中國，時代約清末民初的一批琵琶（後稱老琵琶），這些老琵琶做工精緻、各有不同加上琴苑既有之收藏，逾 15 把琵琶，其中有多把是未經修繕過，尚是當年的原件面板的琵琶。我們知道，換面板等於換了一把新琴，所以還能有原
35
「響遏行雲‧歷史迴聲 —
統型制的琵琶與 8 把現代型制的琵琶，其中包含有中國收藏家秦芷強先生於去年特地自上海寄來臺灣的明代蝙蝠頭琵琶、 2 把富有特色內膛裝有彈簧的傳統琵琶、一把面板中央開有音窗的琵琶、另有一把由臺灣修琴師彭一奇修復的傳統型制琵 琶等，基本上時間從 19 世紀末跨度到 20 世紀後期，也見證了琵琶形制的發展與改變。這些樂器或有相品脫落、或有 再說琵琶
此時此刻的紀錄
老琵琶特展」其中一個目的在於將每把樂器的狀態記錄下來，計有 18 把琵琶，包含 10 把傳
「琵琶」是漢民族具代表性的傳統器樂，自被傳入中原以來，歷經漢化與改變，在明清時期逐漸定型為豎抱指彈的型態，
為民初紫韻樂會如意式蝙蝠頭琵琶，以琴頭上鑲嵌圓形象牙為特色，為四相十二品型制琵琶，其相、品、天牌、地牌與覆手均為象牙材質，尤以空心品 為特色，為一片式面板，現代琵琶多是拼板式面板。 左:清代琵琶琴頸。右:現代琵琶琴頸。 傳統琵琶僅有四相，今一相與六相的位置原貼有「天牌」與「地 牌」，上頭多有雕刻圖樣或字樣，有時各自表述，有時上下呼應合 為一圖，琵琶工藝之精妙也由此可見。 地牌 天牌
件老琵琶的存在，甚至還能夠彈奏，是多麼讓人欣喜的事情。
看到樂器，亦可從聽覺上來感受每把琵琶的不同氣質及時間在「他們」身上留下 的歲月痕跡，也可供未來研究之用。客觀的記錄是核心價值。 疫情下的應變與選擇 「響遏行雲‧歷史迴聲 — 老琵琶特展」的據點在北藝，我們希望能投過藝術活動 活絡校園與社會的連結。因應疫情所帶來新的觀賞體驗與聆聽習慣，我們同時思考 有沒有可能讓展覽可以超越校園與實體的界線，雖不能到現場看到樂器實體，但可
以讓大眾在不同的地區，透過網路看到樂器圖片並聽到聲音。「響遏行雲‧歷史迴 聲 — 老琵琶特展」的網站應運而生。正因為有規劃架設特展網站，因此在進行樂 器錄音時，每把琵琶都依據特定的項目錄下聲音，比如空弦、泛音或小曲選段等， 以利相互參照之用。因而我們盡量以同樣的標準來進行錄製，可惜並不是每一把樂 器的條件都相同，故小曲部分有點是「量身選段」的概念，以呈現出老琵琶最完整 的一面。即便如此，當一把把聽下來的時候，在同樣的項目之下，每把的音色與音 質特色還是非常地清晰可辨。
與網站工程師一起從無到有，每一把琵琶都有一單獨頁面，包含有琵琶的高清
圖檔 、尺寸、文字說明與音檔等，位於展場的每把樂器旁均附有說明小卡，小卡上
有 QR Code 可連結到老琵琶網站的音檔，以方便大家賞琴聽音，也因為網站上有 詳細的文字說明，現場的說明小卡便可以簡潔扼要，不需用到太多的輸出版面，可 將有限的實體空間與版面留給琵琶發展脈絡相關的文字說明與介紹，以突出實體展
中心雅頌坊進行琵琶錄音，圖為學生在錄 製前的試音畫面。 特展網站之「樂器集錦」頁面，此頁面除 了可以點進不同琵琶去欣賞各自的細節之 外，也同時呈現琵琶頭的多種樣態，包含 有蝙蝠頭、如意頭、鳳尾頭、雁尾頭與壽 字頭等，富有吉祥如意之寓意。
「響遏行雲‧歷史迴聲 — 老琵琶特展」線上網站。
、
New Vision SILK R AD 36 打品狀況，基本上我們僅做基本的整理與修復，並對樂器進行清理與擦拭與更換 用弦。且因這些樂器聲音難得，本次策展也特別希望也能留下這些聲音，為這些 珍貴的樂器進行了聲音建檔，一把把的將聲音細節錄下，不僅可以讓大家在展場
2022 年 6 月 27
28 日於國立臺灣大學藝文
回歸聽覺經驗 「為何要記錄這些聲音？」 單聽音檔是不夠滿足的，現場的力量還是大過錄音，如能讓老琵琶們再現風華，應會是很棒的事情，也能讓更多人聽到不同 於現代琵琶的琵琶聲。無巧不成書，這批老琵琶的年代有清末、有民初，有些琵琶在二十世紀中期被換過板子，還有七十年 代漸趨規格化的琵琶。琵琶們一字排開也排出了琵琶的聲音脈絡，可從聽覺上實際感受琵琶，回歸到欣賞音樂的本質—「聲 音」。是以「響遏行雲‧歷史迴聲—琵琶專場音樂會」以樂器為經、樂曲為緯，分別以傳統四相十三品絲絃琵琶與現代鋼絲 尼龍弦琵琶來演奏，一人一琴來呈現不同時期琵琶於聲音特質與樂器型制上的異同。目的很簡單，希望帶來不同的聆聽 經驗。琵琶在現代化的過程當中，有得有失，比如琵琶上原有的精緻工藝如天牌、地牌等地被取代，比如弦材改變後聲音的 確更為高亢透亮、傳導性佳，卻也失去一些絲絃沉著古樸的韻致，還有些看不見的改變。然而，不管是傳統或現在，它都是 琵琶音樂內容的一個重要部分，一個重要脈絡，讓一切回歸聽覺，回歸音樂的本質，然後我們才能知道要怎麼再往前。
的特點，並與線上互通有無，環保也永續。
改變了甚麼？
琵琶於形制上與弦材上的「變」顯而易見，還有一種隱藏在背後的「變」是關係到「記譜方式」的改變。二十世紀開 始，琵琶所使用的記譜形式隨著西洋音樂文化與實際上使用需求的影響，逐漸從原本以工尺譜形式轉以阿拉伯數字譜 （又稱「簡譜」）與五線譜的形式來記寫樂曲，除了新編寫、新創作的樂曲之外，也將原以工尺譜形式記寫的傳統樂 曲轉譯以上述兩種記譜形式來記錄，記寫特色是完整記寫下樂人所詮釋每一個音，產生所謂的「演奏譜」，這也是近 代在演奏傳統作品時都會特別標示的樂曲脈絡的主因。從記錄旋律的骨幹框架到記錄完整的音樂細節，從演奏者需要 參與潤飾樂曲的過程到僅需直接彈奏背下演奏譜，記譜方式的改變影響了習樂方式與彈奏上的思考。傳統曲目仍繼續 不斷地被彈奏著、被傳承著，且不論我們真的是否真的有將核心價值承接下來，或許先從有此認知開始。再說到近現 代、當代琵琶作品，其創作編寫過程與傳統曲目不同，作曲家的參與使得樂譜的功能產生改變，如何忠於樂譜、基於 作曲家的創作思維並加上演奏者的理解來忠實地演繹、彈奏樂譜是另一種的音樂養成與思考模式。四相十三品到六相 二十四品，生成音樂的方式大大不同，都很重要，我們是否都僅用一種方式在想音樂？ 如何在當代流動 我們看待傳統的方式將影響著對未來的看法。藉由這些老琵琶回顧琵琶聲音幾十年來的發展流變，透過聲音的真實傳
37
遞，進一步來產生提問與思考。在進行前置工作的過程中，與學生們一起工作、一起討論，赫然意識到，許多我認為 的應該，在時空環境的改變下，已然不是這個世代的應該。當我們疾呼著創新要從傳統出發，卻對自己一知半解，會 不會有這樣的一天，彈琵琶的人連傳統形制的琵琶或是聲音是長甚麼樣子都不會知道了？作品始終必須和原生脈絡產 生連結，無論彈奏的人之於自己，或是之於琵琶，都需誠實地面對知與不知。 琵琶有豐厚的根基、有足夠的當代活力，其音樂內容與風格已不能從一而論，在這個時代，更多人想以琵琶內為載體 來抒發感受才思，這些人不一定是演奏者，可能是作曲者、可能是其他的自由創作家，看琵琶的角度多了，有更多的 人生經驗與體會進到琵琶的音樂、帶來更多的詮釋可能與概念。在琵琶之外看琵琶，容易跳脫行內普遍會遵循的規律 與概念，也容易是踩在玻璃上的大破大立，此時反倒是彈奏者的內化涵養更需要被強調，我們必須要能夠為我們手上
— 老琵琶特展」是 個開始，從「聲音」來思考與再探索琵琶，藉由本次回顧也同時探尋著琵琶於未來的種種可能。 2022 年 10 月 14 日「響遏行雲‧歷史迴聲 — 琵琶專場音樂會」於國立臺北藝術大學音樂廳，右起：王世榮、賴秀綢、鄭聞欣、王琇媜、鍾佩玲、陳麗晶、 黃立騰、王乙曲、蘇筠涵、陳茗芳（攝影/陳彙中）。
的樂器發聲並彼此尊重，底氣足夠則各種嘗試應可建立在穩健的地基上。「響遏行雲‧歷史迴聲
天送埤老家三合院前（攝影/吳昌儒）。 SILK R AD The Moment 38 我 1948 年出生在天送埤（宜蘭縣三星鄉），老家是傳統的三合院，就在蘭陽發電廠旁邊的山坳下。我是名符其實的放 牛孩子，左鄰右舍的小朋友會因放牛聚集一起，遊戲的方式也很多樣：採集野生芭蕉、烤蕃薯、烤小鳥、滾山坡、故 意讓公牛打鬥等等，另外比較文雅的就是吹洞簫，我是偏愛後者，我愛簫幾乎成癡，還可以自己製作洞簫。我初中讀 三星國中，高中讀臺灣省立宜蘭中學（簡稱宜中）。從初中到高中，總會有一兩個愛簫的同好，常相約吹奏到長埤湖 效東坡夜遊或到宜蘭西堤任憑清風飄蕩。 深耕蘭陽 奏響國樂之聲 口述 / 黃文亮 記錄 / 萬智懿 圖 / 黃文亮、朱文瑋、林惠雪、吳昌儒
室吹簫的人算起來竟然有五、六人之多，此後我們便常常一起練習，自得其樂。不久，看到了國樂社的招生廣告， 大家相約報名，從此與國樂結緣。 華岡國樂社（以下簡稱華岡）創立於 1964 年，我們的指導老師就是幼獅國樂社的靈魂人物 ─ 周岐峰老師，他當 時任教於「文化」的舞蹈音樂專修科。「華岡」的創團元老有張清治老師，還有幼獅國樂社的李殿魁老師、鄭向恆 及解席曼。 1968 年「華岡」參加臺灣區音樂比賽，當時因周岐峰老師太忙，由他的學生卓播英擔任指揮，獲得大專 院校組第一名，首度打響「華岡」的知名度，之後社長李泗滄又請了李鎮東老師來指導「華岡」，鎮東老師是我的
宜中）的音樂（管樂）老師，不過他對國樂似乎已沒有甚麼熱情，他留給宜蘭最大的紀念就是幫所有的中小學創作 校歌。白玉崢老師為幼獅國樂社的第一期社員，拉中胡（也吹笙），在宜蘭高商（以下簡稱宜商）夜間部當老師， 曾在頭城復興工業專科學校（今蘭陽技術學院以下簡稱復興工專）教國樂，時間多久不詳。在我去宜商之前，學校
左 : 1968 年華岡國樂社獲得臺灣區音樂比賽大專院校組第一名，黃文亮在最後一排左一。前排右起解席曼、林忠元、周岷（周岐峰老師的女兒）、鄭向恆、 李殿魁，第二排左四為指揮卓播英（黃文亮提供）。中: 1984 年 8 月 10 日第二屆蘭陽國樂展示會，前排左起林以文、黃文亮、王敬之、李鎮東、陳定南 縣長、杜顯揚、王兆才、張月娥、王興富校長（朱文瑋提供）。右:第一屆蘭陽國樂展，前排左3張月娥、陳定南、黃文亮（林惠雪提供）。 39 1 據張月娥表示，王兆才任職聯勤礁溪電池廠期間成立國樂團，應該是宜蘭最早的國樂團。另王兆才指導的國樂團有：蘇澳高級海事水 產職業學校、蘇澳北迴鐵路工程處、復興工專、礁溪國中、南安國中及三民國小。三民國小 1986 年成立國樂社，也是宜蘭最早成立 國樂團的小學。 與國樂的邂逅 華岡國樂社 1966 年大學我考取了中國文化學院（今中國文化大學，以下簡稱文化）中文系，大一新生就住在大教室改裝的寢室，
二胡老師。後來「文化」音樂系主任張大勝奉蕫事長張其昀之命成立華岡國樂團，國樂社的組織擴大了，加上有學
年代宜蘭國樂的環境 1968 年張月娥老師成立礁溪國中國樂團，當時宜蘭的國樂資源很貧瘠，成立之初沒有經費、沒有樂器、沒有師資、 沒有適合的場地，張月娥老師將家中的所有樂器搬到學校，並鼓勵同學自帶樂器（不限國樂器）到校練習。我是
某天我打開抽屜裏面放著一支洞簫，隔壁的同學見了也打開他的抽屜，裡面也是一支簫，我們不禁相視莞爾。同寢
西樂的指揮大師指導，聲勢如日中天，可惜我只參加了幾次團練就畢業離校。 宜蘭國樂的播種者 1971 年預官退役回到宜蘭，國樂在宜蘭仍是一片荒蕪。宜蘭國樂在我與張月娥老師墾耘前，其實還有三位國樂前輩， 一位是楊勇溥老師，另二位是白玉崢及王兆才老師。高子銘曾在文章中提及楊勇溥是陪都重慶第一期國樂訓練班的 成員，所以我回到宜蘭曾拼命打聽他的住所。楊勇溥老師在金六結通信兵學校教管樂，他曾是宜蘭高中（以下簡稱
就找過白老師教國樂，樂器也買了，他大概教了一學期就不教了，學校才找到我。王兆才住在礁溪，他在聯勤礁溪 電池廠 1 上班，那是軍職，他一直在國樂方面支援張月娥老師 。 1970
1970 年
左 : 2013 年 12 月 21 日����銅國樂團受邀演出， 游錫 堃 頒贈感謝狀予黃文亮老師。（宜蘭縣����銅 國樂團提供）。右: 2014 年 6 月 1 日����銅國樂 團在宜蘭佛光山仁愛之家社區關懷演出（宜蘭縣 ����銅國樂團提供）。 SILK R AD The Moment 40 2 後來陸續參與成立的有：宜蘭高商國樂團（ 1982 ）、宜蘭縣立蘭陽國樂團（ 1987 ）、光復國小國樂團（ 1990 ）、宜蘭特教學校國樂團 （ 1999 ）、北成國小國樂團（ 1999 ）。 3 張月娥老師人稱「宜蘭國樂之母」，雖然國樂資源不足，仍培養出許多傑出的人才，如吳榮燦、吳錫傳、黃春興、黃正銘、林永塗、 李 建興、傅永和、藍素婧、林以文、張玉樹、朱文瑋、林意容、游曉馨、陳文漢、葉永祥、王怡心、黃郁文等人。而宜中因有黃文 亮 老師接棒，因此多人奠定了發展國樂的志向，投考文大或藝專，黃文亮老師實功不可沒。 4 如黃正銘、林永塗、楊國達等人，後來 他們在臺北已有知名度，重心遂放在北部，不便再勞煩，轉而找畢業於文大的陸百合、游惠雯、 許玉芬這批學弟妹，事實上她們也亟需舞台，因此宜商校友就浮上檯面。陸百合剛開始負責宜商指揮，宜中由林成義擔任，他從宜中 轉考進藝專。由於林成義的個人因素，他辭去宜中，所以最後是陸百合在宜中。宜商部份由李建興擔任指揮，後來宜商在陸百合的建 議下，由考上臺藝大的兒子黃奎翰接任，陸百合帶宜中，黃奎翰帶宜商，締造出兩校優異的成績。 5 密吉爾．羅徹特 1985 年來臺，曾擔任過臺灣國家交響樂團、臺北市立交響樂團、高雄市立交響樂團、當代樂坊、榮星合唱團指揮。指 導蘭陽戲劇團、蘭陽舞蹈團、宜蘭市光復國小、復興國中國樂團，為宜蘭地方音樂學子，奠定紮實的音樂根基。2017 年獲頒宜蘭市榮 譽市民市鑰，表彰他對地方的貢獻。 6 選擇宜商和吳沙國中為傳承學校，將國樂社列為後場音樂的傳承對象，並將鐘點費從 600 元提高到 800 元，臺北的師資也能請得到。 代初期因教育部「一校一團」專案，同時成立中華國中及宜中國樂 團 2 ，我從臺北請來學弟王瑞裕幫忙，另外還有莊 國章、陳國燈、王雙傳都曾到中華國中幫忙練團。當時全宜蘭縣的學生樂團，僅有礁溪國中、中華國中及宜中參加比 賽，與張月娥老師是在比賽的會場上一見如故。對於這個古道熱腸的長者，我真是佩服至極。張老師原是受日本教 育，受到當年日籍鋼琴老師織田永生的人格感召，不僅在技藝上傳承其風格，更在人格養成上繼承其堅毅不拔的精 神，特別是她提攜後進，不遺餘力的作為，讓她的學生一輩子無法忘懷。 1974 年，我轉任宜中擔任國文老師，宜中國 樂社因有月娥老師礁溪國中畢業生加入，承接了不少學 生3 ，也從此改變為同儕間相互學習、學長返校指導及跨校交流 學習。 薪火相傳 跨校交流學習 1982 年我從宜中轉任宜商，擔任國文課程兼任導師。經過多年的耕耘，不論是礁溪國中考上國立藝術專科學校（今國 立臺灣藝術大學，以下簡稱藝專），或是宜中、宜商考上中國文化大學（以下簡稱文大）的學生越來越多，成為推動 蘭陽國樂最重要的資產！為了連結這股力量，我將他們集合起來，共同為家鄉盡一份心力。每年寒暑假，我把他們找 回來，幫三校同學集訓。我同時兼任宜中、宜商兩團的指揮，利用假日找科班學 生 4 來幫忙兩校的訓練。後來兩校同
因此宜蘭縣依規定可以派出兩團參賽，更厲害的是兩校竟然輪流拿特優第一名，由我一手成立的光復國小比賽成績也
旅臺的瑞士名指揮家羅徹 特 5 指導，提升國樂的素質；以專案專任聘請黃文惠老師，其餘外聘老師的經費，由家長後 援會支應，如經費仍不夠，則動用家長會或其它學校可用的資源。
場比賽，有些尷尬，我就請學生接任。過了幾年，宜商和宜中縣賽輪流出線，非常爭氣的各自保持三年特優的紀錄，
年年特優，經常得到第一名，令樂界大大吃驚，外界對宜蘭國樂不得不另眼相看。 退居幕後 發展宜蘭在地文化 我從學校樂團的最前線轉至幕後，以學校的輔導老師身份打理團務，爭取樂團分部和指揮的權益。僅以光復國小來說， 有幾項前瞻作為值得一書：光復國小成立家長後援會，是宜蘭縣首度成立的國樂後勤組織，之後各校亦仿效之；聘請
僅將歌仔戲引進了校園，鼓舞了年青人參與歌仔戲的傳承，延續老藝人的藝術生命與歌仔戲命脈，並藉由國樂團參與 歌仔戲的後場伴奏，解決了國樂團訓練經費不足的問題。
我認為國樂不僅僅是交響化的現代國樂，傳承自先民的音樂文化遺產，值得我們探討省思的地方很多，所以除了進行 宜蘭歌仔戲的薪傳計畫，宜蘭的祭孔大典及岳飛廟的釋奠大典的雅樂亦由我負責。 1992 年我曾向縣府提出「祭孔音樂 改進及添購計劃」，採購了「仿曾侯乙編鐘」及「編磬」，全臺灣僅有三套，其中一套就在宜商。
溪南的夢想終於實現。如今宜蘭的國樂社團是全臺分布最密的縣市，這都是大家共同努力的成果。我雖已是退休的垂 暮之人，面對新一代的國樂新秀，不僅代代有才情之士橫空出世，兼且個個滿腔熱血，氣貫雲天。身為前輩的我，實 堪告慰，曰：此生可以無憾。
後記 黃文亮老師 2003 年退休後即投入社區國樂推廣的工作，先後創立樹林國樂團（由宜蘭特教國樂團改組的社區樂團）、藝 境絲竹、宜蘭縣 ����銅國樂團， 2008 年開始在宜蘭社大及羅東社大教授國樂，推廣成人國樂終身學習教育。不僅帶領 團員將所學分享走入社區，投入社福關懷，也拓展團員的視野出國訪問演出，每年一場歲末在宜蘭演藝廳的表演，更 成為激勵學員努力學習的目標。黃文亮老師對國樂的熱情， 50 年來如一，在校服務期間，對國樂的推廣付出皆是義務 工作，維繫傳統文化不遺餘力，對藝術文化的薪傳更是卓然有功，培養出一代又一代的國樂學子，其無私付出、成就 大我的精神實蔚為典範！
左: 2015 年 11 月 29 日����銅國樂團定期音樂會《幸福的花朵為你開》。（宜蘭縣����銅國樂團提供）。中:黃文亮全家福照片，左起黃奎翰、黃師母、黃文亮 老師及女兒黃郁棠。右: 2022 年 11 月 29 日與黃文亮老師及黃師母攝於「好風如水」（攝影/ 吳昌儒 ）。 41 由於宜中、宜商、光復國小國樂比賽成績耀眼，獲得宜蘭縣政府教育處的重視，開始編列預算補助，最多時曾一校一 年 30 萬元。由於宜商是國立學校，補助無門，於是我爭取向宜蘭縣長游錫 堃挹注經費，辦理「歌仔戲薪傳計
畫 6」。 另外，還向教育廳、教育部以專案的方式提出申請，興建「民俗技藝館」同時容納歌仔戲和國樂器材和練習空間。不
經過一段時日，回來幫忙訓練學校樂團的科班老師們，覺得除了幫學弟妹之外，自己也想上場好好開場音樂會。就這樣 定名為「蘭陽國樂展 」7 的音樂會誕生了。蘭陽國樂展共舉辦四屆，幅員亦加大，由礁溪、宜蘭拓展到羅東，也促成蘭
8 的成立。 1990 年寒假，由宜蘭縣政府主辦的「國樂研習營 」9 在復興工專舉行，讓國樂從蘭陽溪以北擴展到
從溪北到溪南，國樂在宜蘭遍地開花
陽國樂團
7 第一屆（ 72 年）蘭陽國樂展參與的名單有：黃春興、黃正銘、楊國達、藍素婧、陳文漢、葉永祥、朱文瑋、林永塗、林意蓉、黃郁文 等人。第二屆（ 73 年）「宜蘭國樂展」，由當時的縣長陳定南召開會議，李鎮東老師也到場給予很多寶貴的意見。從第三屆（ 74 年）到 第四屆（ 75 年），在校生也納進來，師生同場，聲勢更為壯大，演出場次增多，也由一場、兩場增加到三場。 8 蘭陽國樂團 1987 年開始籌備，由教育局長任團長，本人擔任指揮及副團長，活動至 1993 年暑假結束。由朱文瑋進駐文化中心，協助 行政業務，推動招生事宜。首次招生 46 人， 1988 年舉行首場音樂會「泥草芳香」，由當時縣長陳定南親筆題寫。 9 此次涵蓋了全縣各校愛好國樂者 335 位學員參與，聘請國立藝專兩位教授：陳裕剛、蘇文慶擔任專題講座，請來臺北各大樂團的演奏 家與宜蘭縣內的國樂老師一同指導，包括實驗國樂團（現稱臺灣國樂團）的王世榮、朱雲嵩、王怡心，臺北市立國樂團的柯仕寬，中 廣國樂團的橋詰義文、陳慶文、吳宗憲、陳耀文、張麗文及林淑禮。宜蘭縣內的國樂老師包括本人及王文章、林莉滿、陳金環、林成義。
42 文 / 李乃亘（國立臺灣師範大學民族音樂研究所碩士生） 百年琴聲： 2022 年 10 月，一場集結了晚清至 1970 年代的十把老琵琶音樂會，於國立臺北藝術大學音樂廳舉行。從絲絃至尼龍、 鋼絃，從四相十三品至六相二十四品，跨越百年的老琵琶們在現今的音樂舞台上再次亮相，並由十位臺灣琵琶演奏家 與老師們演奏不同年代之琵琶音樂作品，從歷史悠遠的琵琶古曲《塞上曲》、《月兒高》、《陳隋》、《瀛洲古調》⋯等， 至近代之作品《渭水情》、《劍閣聞鈴》，無論是樂器本身還是樂曲多元性，都凸顯了琵琶在百年中之發展盛況，亦在 一場音樂會中窺見琵琶樂器型制與音樂語法的轉變軌跡。 自 2019 年新冠疫情爆發後，多數藝術展演活動紛紛受到疫情影響，但在《響遏行雲‧歷史迴聲》音樂會中(以下簡 稱老琵琶音樂會)，卻有高朋滿座之盛況；觀眾席中除愛樂人士外，更有許多琵琶前輩與學子們共襄盛舉。同為琵琶 學子，得以在音樂會中聽見老琴們的原音已屬非常難得，又能夠在一場音樂會中聽見十位琵琶演奏家前輩與老師們的
老琵琶的聲音嗎？」。可能是老琵琶們飽經歲月風霜，亦可能是在百年之中琵琶型制與音色詮釋的悄然轉變，然而更 多的是自己帶著「現代」的耳朵聆聽與感受，所以無法適應不一樣的琴聲。筆者總期待在現代的時空背景中聽見舊時 琵琶的音樂與聲音，但卻還是帶著現代的習慣進行聆聽，在追求「古」的同時，卻也忽略了音樂的原真性 ( authenticity )可能只存於屬於它們的年代與時空、活於它們發光發熱的當下。 雖對於老琵琶的音色有些不適應，但在整場音樂會中聽見每一位演奏者的音樂底蘊與詮釋風格，亦是在老琵琶音樂會中的寶 貴收穫。十位演奏者、十把老琵琶、十首不同風格與背景的曲子，每一搭配都有著不同火花。以絲絃琵琶演奏傳統古曲， 不僅聽見了不同於現代琴聲的詮釋手法，更是聽見了演奏者們多年累積的豐厚氣韻與音樂涵養，與各自獨有的音樂詮釋手 法。若以琴比作文人雅士的筆墨紙硯，那麼當晚的演奏者便是提筆書畫者，使音樂會不僅有著多樣豐美的景觀與景色， 亦有古代女子的哀嘆與鬱悶、月照大地的大氣寬遠、文人的擔憂與感嘆；而以尼龍或鋼絃琵琶彈奏民國初年至近代作品， 亦有著獨特的音樂風格，但不論古曲亦或是近現代曲目，此次的音樂會中所選之曲目多以琵琶常用的基本彈奏技巧演 奏，如右手彈、挑、輪、摭、分，左手除按音外，多使用推、拉、吟、揉等技法；不同於當代美學的慣性詮釋技法 聽《響遏行雲・歷史迴聲》琵琶專場音樂會有感 SILK R AD Chinese Music Studies
詮釋，此機會更是少之又少。回憶起自身的音樂會聆聽經驗，近年來臺灣國樂音樂會多是以個人、多人合辦，或是以 絲竹、國樂團的形式進行演出，亦有許多當代與跨界之創新作品展演，但卻鮮少有如此次老琵琶音樂會以琴為主體， 以「一人一琴」的方式進行展演，本場音樂會不僅是琵琶音樂的展露，更是從音樂的載體—樂器、樂曲、演奏者三者 著手，從清朝的樂器本身穿梭至現代的演奏者們，老琵琶音樂會的不同以往，可能於臺灣國樂界中開啟了不一樣的展 演方式，也在筆者自身的音樂學習路程中，佔有著獨特且重要的地位與意義。 回想起音樂會當晚的琴聲，雖與現今所使用的琵琶有著顯著的差異，如音色不如現代琴的立體、圓潤，或是餘音不及 現代琴悠長、音色較悶⋯⋯等，都使筆者在音樂會進行中感到有些不習慣，甚至多次的細細聆聽後反問自己：「這是
（如：多追求快速音群的堆疊；使用如擊奏面板、仿擊樂樂器聲之特殊技法產生非樂音的音響效果；著重於縱向和聲 進行的聲響概念⋯⋯等），老琵琶音樂會中較多是講究樂曲中氣韻的拿捏與掌握、橫向式的旋律線條與建立於樂音基 礎之上的演奏，使音 樂本身更顯樸實而不過於炫目，因此在使用老琵琶演奏樂曲時，更能夠專注於琵琶本身的琴聲與演奏 者的彈奏功力。
十首樂曲的演出已是豐富且精彩，整場音樂會的節目結束後，台下觀眾仍激昂熱情，現場掌聲與歡呼聲不斷，在現場熱 烈不絕的安可聲下，最終由十位演奏家以齊奏方式演出琵琶著名古曲《陽春白雪》；晚清至民初的老琵琶們一齊發聲、臺 灣琵琶前輩與老師們一同演奏，場面壯觀且氣勢磅礡，筆者同坐於觀眾席亦被此景所感動，可能是因自己也身為學習琵 琶的一員，對於自身的學習經歷與演出有了連結，亦可能是聽見與看見了琵琶悠長歷史新的一頁，在沉睡已久的琴聲中 聽見老琵琶們的再次活躍。
此次音樂會的聆聽，筆者以琵琶學習者之身份角度參與其中，不只在十位前輩老師們的演出中聽見了豐厚的演奏底蘊， 更在老琵琶們的琴聲中聽見了過往，而與過往琴聲交織在一起的，是現今琵琶音樂的詮釋手法。從清朝至今已逾數百年 之久，琵琶音樂的發展在數百個年頭中持續演奏傳統古曲，亦在不同的時空與社會背景中注入新血；樂器、樂譜、演奏 者，三者同為音樂的載體在時間流動之中留下腳印並傳承，雖有形的樂器與樂譜能夠以實質且眾所能見的方式存留，但 時間造成的損壞與物件遺失、識別困難⋯⋯等困境，使樂器與樂譜最終可能只能作為眾人客觀所認知、不可變動的歷史 文物被保存下來；而音樂的長時間留存則須身為演奏此音樂者作為一代又一代的載體進行傳承，每人在有限的時間內、 不斷改變的社會型態與生活經驗中，以人作為載體的音樂流傳方式不再如樂器與樂譜般不可變動，其以演奏者主觀對於 樂譜的審美和處理音樂之手法延續(如：推拉音的詮釋、吟揉之手法⋯等)，使代代傳承的音樂人有意無意間，也將自 身生活的年代背景與當代審美的慣性詮釋、聆聽方式融入音樂的長河。
也因如此，在長期的接力賽中，琵琶音樂於每個年代、每代傳人間，都存有它在每個時期的專有容貌與特色；那麼，以 「人」為本的音樂傳承中，我們該傳承什麼？我們該如何傳承？這些一直是不同習樂者共同好奇的問題，筆者亦感到困 惑並持續找尋著答案。在此次的老琵琶音樂會中，筆者於各位琵琶前輩與老師們的琴聲中聽見了傳承的長河軌跡，這也 慢慢解答了筆者心中的疑問—或許這是音樂在每個年代傳承中的必經之路，而演奏者也在自我的生命旅程中經歷定、靜、 安、慮、得等過程，在困惑、憂慮中，在不同時代光景中找到自己的途徑，也為音樂尋覓新生，鑿拓長河。
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SILK R AD 44 音樂向歷史求證，歷史在音樂重現 ― 二場《蔥仔開花》的胸中點墨 「音樂向歷史求證」1。這是聽完臺北市立國樂團（以下簡稱 TCO ）於 2022 年 7 月 10 日於臺北表演藝術中心表演後內心 的第一個探問：張聰明是誰？馬偕夫人。原來她是馬偕精神實際的傳承與發揚者。從張蔥仔到張聰明，一個不受傳統裹腳 文化綁縛的「跨越者」，一個不接受宿命安排而能接受新思潮進而重新書寫自己生命文本的「造局者」
以臺語歌劇+現代國樂團來演繹張聰明已然「在場的缺席」，製作出一段臺灣歷史中有過的曾經。 「歷史在音樂重現」是筆者於
僅以劇中代表張聰明內心戲的象徵「精靈」、「天使」、「魔鬼」三角色的塑造感到驚艷。這創意的安排，任何人都可以 透過三者「順序式」的唱詞，走進張聰明每個當下內心的衝突激盪並與之共情共感。阿薑與阿蒜類似「丑角」的置入 ， 兩段蔥、薑、蒜合唱的「嗶嗶爆爆」唱詞的「爆香」，在聽覺、視覺外，更多了嗅覺。那屬於臺灣「料理」的獨特手 路與滋味，聽後也在味蕾中留有餘味久久不退！ 文 / 王中砥（國立臺灣藝術大學跨域表演藝術研究所碩士生） 1 《音樂向歷史求證》史惟亮 著（ 1974 ，臺灣中華書局） 2 《造局者》 Francis de Vericourt 著（ 2021/7/29 ，天下文化） 3 張聰明（ 1860-1925 ）噶瑪蘭族（平埔） 4 《後戲劇劇場》（頁 318 ）漢斯-蒂斯‧雷曼（Hans-Thies Lehmann ）著（2021/12 ，黑眼睛文化）
2 。她讓人們從熟悉 卻又陌生的馬偕醫生的生命中，發現了真正屬於臺灣「原民」3 的精神。監製魏德聖，在探尋「臺灣」的創作元素時發現 了她！一位生命充滿著許多精彩故事與戲劇性的臺灣女性，跨時代的女力代表。 一開始就不打算以電影的方式來呈現，嘗試用音樂劇或歌劇的形式來講述這個故事。TCO 承擔了演繹這個故事的製作與跨 域呈展。在《後戲劇劇場》一書中，作者漢斯 ― 蒂斯‧雷曼（Hans-Thies Lehmann ）有過這樣的一段敘述：「一個形象登 上了舞台。它讓人感興趣，因為它是在舞台、排演、情節、場景視覺安排的框架之中被展示出來的。觀眾在觀察這個形象 時產生了一種特別的懸念。這是一種對近在咫尺、實際上卻又不存在的闡釋的好奇。」4 這似乎也應驗了《蔥仔開花》最終
11 月 6 日於高雄衛武營欣賞《蔥仔開花》終演的內心紓臆！故事是歷史的講述，一個 好的故事更需要有好的 敘述方式。若說《蔥仔開花》它的故事文本是張聰明精彩的一生，那劇本與音樂就是用歌劇來 訴說這個故事的核心與創造更多外溢效果的關鍵。劇本出自本身也是歌仔戲演員的梁越玲老師，限於篇幅，在此筆者
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李哲藝的音樂是整部歌劇最精彩的編織。雖說有些優美的旋律樂段，限於劇本與歌詞的段落，旋律開展中無法呈現部 分樂句與樂段的完整性，實屬可惜。但歌劇的主題與幾段精彩的詠嘆調，那近乎「洗腦式」的曲調，在走筆的此刻依 然在記憶裡唱響。 這部《蔥仔開花》的推出，適逢馬偕醫師來臺行醫 150 週年。「恰巧」的意義並不如 TCO 這些年來在「跨域」製作上 勇於嚐試的努力。當年張聰明不受傳統束縛的「跨越」，不向命運低頭的「勇於嚐試」，與馬偕醫師「跨國」的姻緣， 並攜手一生在「跨文化」的「相互理解」與陪伴中，彼此「適應」、「融合」、「尊重」，走向「未見」到至終「看見」 的成果。不就正像《蔥仔開花》這樣的「跨域」製作一樣。歌劇用臺語來唱，以現代國樂團來伴奏，講述一位臺灣女 性張聰明的故事。
重要的是：這部歷時三年製作而成的歌劇，能否不止於南、北四場的演出而已，而有更多個三年讓它被更多人看見！ 「音樂向歷史求證，歷史在音樂重現」。筆者期待，未來有更多的跨域作品「效果得到了保證」。 5 5 「效果得到了保證」的意思就是：我們不再操心打動我們的到底是什麼，而是跳出一個層面，專注於我們被打動這個事實本身，並為此 而感到舒適。《當代表演藝術的發生 — 1920 年代到現在》鄧菡彬、曾不容 著（頁： 189 ）（ 2016/9 ，北京大學）
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SILK R AD 國樂 · 新絲路 Chinese Music in the New Silk Road
