2023 SILK ROAD No.92 臺北市立國樂團 國樂‧新絲路雙月刊 No.92

SILK R AD 新絲路 NO.92 81 March Dec 2023 2022

國 樂 · 新絲路 Chinese Music in the New Silk Road

串聯歐亞大陸的音樂 / 文化空間

探索國樂未來社會實踐的可能性

Exploring the Possibilities of Social Practice in the Future of Chinese Music

一世情緣．燦爛成章──

關於臺北市立國樂團兩場音樂會

A Lifelong Love and Glorious Soundscape - About Two TCO Concerts

絲竹文學˙紅樓夢

加州大學洛杉磯分校中國音樂教授李琦的教學理念與方法

Prof. LI Chi’s Pedagogy:The Art of Chinese Music Education at UCLA

TCO Bimonthly 北市國樂雙月刊

目錄 Table of Contents

目錄│Table of Contents 新思路 The Route to Innovation 封面故事 Cover Story

TCO 藝訊 TCO News

客座主筆 Guest Columnist Session

紮根藝響 A Journey into Chinese Music

國樂新視界 New Vision of Chinese Music

這些人這一刻 The Moment

國樂 ＋ 講堂 Chinese Music Studies

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發行人

劉得堅

總編輯

吳幸潔

藝術顧問

林谷芳、林昱廷、吳榮順、施德玉、樊慰慈、瞿春泉、蘇文慶 (依姓氏筆劃順序)

編審委員

徐端容、黃馨玉、鍾永宏、郭沛溱、邱誓舷、陳慧君、黃湞琪、林恩緒、吳孟珊、方馨

企劃∕執行編輯

俠客行文創顧問有限公司

編輯顧問

許馨文

翻譯編輯

李明晏

翻譯

余境萱、李明晏、張莞蓁

C O

Dec 2023

探索國樂未來社會實踐的可能性

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一世情緣．燦爛成章── 關於臺北市立國樂團兩場音樂會

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絲竹文學．紅樓夢

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Exploring the Possibilities of Social Practice in the Future of Chinese Music

A Lifelong Love and Glorious Soundscape - About Two TCO Concerts

國樂指揮的智慧與傳承： 專訪香港中樂團藝術總監閻惠昌（下）

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國樂經營之道系列｜ 國樂新藍海： 樂齡國樂在表演實踐、高教青銀共學、藝術長照的三個案例

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The Wisdom and Legacy of Chinese Orchestra Conductors (2): Interview with YAN Huichang, Artistic Director of the Hong Kong Chinese Orchestra

加州大學洛杉磯分校中國音樂教授李琦的教學理念與方法

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踽踽獨行不改其志──訪黎華趙老師

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淺談音樂與科技的跨合作── 評 ���� 聲響藝術節《即視旅行》

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Prof. LI Chi’s Pedagogy: The Art of Chinese Music Education at UCLA

※ 本欄目為提供給國樂研究及評論者的開放園地，並不代表本刊立場。

Publisher

LIU Deh-Chain

Editor-in-Chief

WU Hsing-Chieh

Artistic Advisors

LIN Ku-Fang, LIN Yu-Ting, WU Rung-Shun, SHIH Te-Yu, FAN Wei-Tsu, QU Chunquan, SU Wen-Cheng (by Order of Stroke Numbers of Surname in Chinese)

Editorial Review Committee

HSU Tuan-Jung, HUANG Hsing-Yu, CHUNG Yung-Hung, KUO Pei-Chen, CHIU Shih-Hsuan, CHEN Hui-Chun, HUANG Chen-Chi, LIN En-Hsu, WU Meng-Shan, FANG Hsin

Executive Editor．Production

Chivalry Cultural and Creative Industry & Consultant Ltd.

Editorial Consultant

HSU Hsin-Wen

Translation Editor

LEE Ming-Yen

English Translator

Christina YU, LEE Ming-Yen, CHANG Woan-Zhen

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新思路

The Route to Innovation 3年多來的世紀疫情，蟄伏與思索是當下的最佳抉擇；後疫情時代，復甦曩昔繁華卻是百工百業的衷心期望。近日藝文 界一掃陰霾，如繁花似錦般的展演，似乎為即將來臨的新年，帶來新的氣象。

回顧2023年，臺北市立國樂團（下稱北市國）幾檔年度大製作：音樂劇《大畫昭君∼觀落雁》、民族舞劇《七夕雨》及 「春之祭」音樂會，除了亮麗的票房及上座率表現外，也為國樂的跨文化、跨界合作再現新標竿，尤其是「春之祭」音 樂會，在作曲家、指揮及演奏家戮力合作下，一改樂界對「西樂中奏」與國樂團音色協和度的質疑眼光，反而大讚國樂 音色之獨特性，為二大經典作品增添民族性與音樂內涵，也為國樂創作配器之豐富性，另闢蹊徑。

去年底的「樂飛揚」論壇，匯集臺灣及海外地區長期致力於地方耕耘的國樂人，分享就各自領域或地方的經營心得，藉 此梳理當今臺灣國樂發展的脈絡，讓各地國樂經營者有更多互相參照的經驗及借鑑的可能性。本刊延續論壇，針對不同 議題、地區進行系列報導，將於92期完結；其中針對近年愈趨重視的「藝術長照」與「樂齡教育」，透過國樂人的實際 經驗分享，探索國樂未來社會實踐的更多可能性。

今年12月底黃安源父子即將為樂迷帶來的「琴源」音樂會，讓多少國樂人的思緒瞬間回到1980年代。那時黃安源胡琴旋 風席捲全臺灣，締造一股胡琴傳奇；2023年大師再臨中山堂，樂迷切勿錯失一睹大師舞臺風采的良機。

即將來臨的2024年，適逢龍年及臺北建城140週年，北市國除以「音樂與文學」主題，持續探索國樂表現的藝術性外， 在臺北市傳統藝術季系列活動中，以「臺北風采」為核心，透過精緻的創作、名家及優秀團隊的表演，展現當代臺灣多 元的文化生態面向。在歲末回顧與展望同時，誠摯邀請市民大眾與北市國一同體驗臺北的藝術美，共創、共享這個屬於 您的藝術時光。

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探索國樂未來社會實踐的可能性

Exploring the Possibilities of Social Practice in the Future of Chinese Music

Over the past three years, the global pandemic has necessitated a metaphorical hibernation and period of reflection as the best course of action. In the post-pandemic era, all sectors universally long to revive past prosperity. The arts and culture sector has recently emerged from its gloom, unveiling performances as vibrant and colorful as a blossoming garden, signaling a fresh, hopeful atmosphere as we approach the New Year.

Reflecting on 2023, the Taipei Chinese Orchestra (TCO) staged several major annual productions: WANG ZHAOJUN, the Musical Concert, the ethnic dance drama Eternal Love across the Magpie Bridge, and “The Rite of Spring” concert. Beyond their impressive box office and attendance numbers, these productions set new benchmarks for cross-cultural and boundary-crossing collaborations in Chinese Music.“The Rite of Spring” concert, in particular, significantly altered the music industry’s view on the harmony between Western and Chinese orchestras, turning skepticism into admiration for the unique sound of the Chinese Orchestra. This innovative approach not only added ethnic richness and musical depth to these two classic works but also paved new pathways in the rich and diverse world of Chinese orchestral composition.

Last year’s “Music Soaring” forum brought together Chinese Music professionals from Taiwan and overseas, all deeply engaged in local development, to exchange insights and experiences from their respective areas. This gathering aimed to trace and understand the current developmental trends of Chinese Music in Taiwan, facilitating an exchange of ideas and inspirations among these practitioners. Building on the momentum of the forum, this magazine has featured a series of reports on diverse topics and regions, culminating in this current 92nd issue. Notably, it will delve into the increasingly emphasized areas of “Artistic Long-term Care” and “Music Education for the Elderly, ”drawing on the real-life experiences of Chinese musicians to explore broader possibilities for the future social application of Chinese Music.

At the end of December this year, the “Erhu Virtuosi” concert, featuring WONG On Yuen and his son, is set to stir the memories of Chinese Music enthusiasts, taking them back to the 1980s. That era witnessed WONG On Yuen’s erhu phenomenon sweep across Taiwan, establishing an erhu legend. His reappearance at Zhongshan Hall this year presents a golden opportunity for fans to experience the maestro’s captivating stage presence.

The upcoming 2024 marks the Year of the Dragon and the 140th anniversary of Taipei’s founding. The TCO, under the theme of “Music and Literature,” will continue exploring Chinese Music’s artistry. As part of the Taipei Traditional Arts Season, the focus will be on “Taipei’s Elegance,” showcasing Taiwan’s contemporary and diverse cultural ecology through exquisite creations and performances by renowned artists and outstanding teams. As we reminisce about the past year and look forward to the future, we invite the public to join TCO in experiencing and co-creating these moments of artistic splendor, celebrating Taipei’s rich cultural heritage together.

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封面故事 Cover Story

一世情緣 • 燦爛成章── 關於臺北市立國樂團 兩場音樂會 文 / 劉馬利（輔仁大學、東華大學兼任助理教授） 圖 / 臺北市立國樂團

音樂最幸福，也是最困難之處，除了技巧的挑戰之外，最重要的莫過於演奏家之間難以言喻的交鳴與感應。演奏決 定的是技術，合奏講求的是默契，詮釋著重的是細膩，三者皆俱，方能將所有的細節雕琢的更精細、流暢，一切水 到渠成。 喜見 2023 年聖誕節前夕邀請到黃安源與黃晨達父子，與臺北市立國樂團 ( 以下簡稱北市國 )，於 12 月 23 日共同演 出「琴源」音樂會，以及 2024 年 3 月 9 日「鼓─2024 臺北市傳統藝術季開幕音樂會」首次與「Twincussion 雙子二 重奏」合作演出張均量《戲 ． 鳴 ． 禪 》，相信絕對是眾所矚目的絕佳組合。

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黃安源、黃晨達父子與北市國於 2008.10.25「二胡萬花筒」音樂會中帶來經典名曲《梁祝》雙胡協奏曲

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弓弦父子情，再續琴緣 黃安源 ， 一 個 國 樂 界 的 重 要 關 鍵 字 ， 胡 琴 大 師 的 同 義詞。曾於 1983 年應「財團法人國際新象文教基金會」的邀 請，首次來臺參加國際藝術節，掀起一陣「黃安源捲起國樂風暴」；並且年年推出專輯而張張經典，1992 年「黃安源 與十二種胡琴」專輯獲臺灣《中時晚報》唱片評鑑大獎之「最佳演奏專輯獎」；1999 年成為國際權威弦樂雜誌 Strad 封面人物，實乃揚名國際樂壇的一代胡琴宗師。

黃晨達，黃安源之長子，也是目前活躍於樂壇的胡琴演奏家，與父親經常合作演出。1997 年加入新加坡華樂團，曾任新 加坡華樂團高胡副首席逾十年。現任新加坡南洋藝術學院華樂系主任。 「琴源」音樂會是北市國 2023 年底精心策劃的一場音樂會，邀請了黃安源父子攜手來臺獻藝，希冀在黃安源耋老之年， 再現當年舞臺風範。

近年未曾來臺舉辦專場音樂會的黃安源坦言：「有好幾年都沒有舉行過專場音樂會，對這場演出充滿了一定的壓力，但黃 晨達一直給予我鼓勵；或許是擔心我退休的生活會有點乏味，也想透過演出多拉拉曲子，避免老年時代的風險吧！所以考 慮之下，我答應參與這次的演出計劃。」 回憶起 1983 年，黃安源與北市國的第一次合作，他表示，雙方都已準備好演出的工作，萬事俱備，就等登臺演奏；可惜 受當年政治氛圍影響，最後未能如期登臺，實令人惋惜。

其子黃晨達表示，父親因年事已高，近年登臺演出逐漸減少，但他希望在父親身體及琴藝狀況許可下，有機會登臺以琴藝 回饋多年來關注父親的樂迷；也因此在香港、新加坡、大陸等地陸續舉辦胡琴專場音樂會，受到各地樂迷好評與迴響，唯 獨臺灣行願望未落實。對於北市國今年底的邀請，他不僅感到高興，也相當期待這次的合作演出，也希望給臺灣樂迷留下 最美的回憶。

黃安源與黃晨達將帶來經典樂曲《梁祝》雙胡協奏曲

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封面故事

黃 安 源、黃 晨 達 與 北 市 國 有 幾 次 合 作 ， 其 中 還 演 出 了 《 梁 祝 》 雙 胡 協 奏 曲 。「 那 次 我 跟 閔 惠 芬 還 一 起 受 邀 擔 任 國 際 二 胡 大 賽的 評 委 ， 之 後 也 跟 得 獎 者 一 起 演出，終於能在解嚴之後演出《梁祝》雙胡協奏曲。」

Cover Story

談 到 與 瞿 春 泉 的 合 作， 黃 安 源 倍 感 榮 幸 。「我 與 瞿 老 師 之 前 就 多 次 合 作 ，在 他 的 指 揮 下 演 奏， 我 深 感 榮 幸，也 非 常 感 激 。 由 瞿 老 師 指 揮 《 梁 祝 》雙 胡 協 奏 曲 ，是 再 適 合 不 過 的 人 選，他 不 僅 指 揮 經 驗 豐 富，更 重 要 的 是，他 也 是 二 胡 好 手， 而 且 還 錄 過 一 張 唱 片 。」 兩 位 黃 老 師都 認 為 臺 灣 的 國 樂 環 境 一 直 都 在進步，像 2009 年與「新竹市青少年國樂團」合作演出《 梁祝》、《江 河 水 》、《廣 東 音 樂 聯 奏 》 等 曲 ，演 出 與 創 作 人 才 輩 出。「我 見 證 了 近 二 十 年 東 南 亞 、香 港、臺 灣 的 演 奏 水 準 一 直 都 在 提 升 ，尤 其 是 看 到 有 很 多 臺 灣 培 養 出 的 年 輕 演 奏 者， 之 後 也 考 入 了 香 港 中 樂 團，之 後 也 都 勝 任 愉 快，新 加 坡 的 華 樂 也一 直 在 進 步 …… 」 黃 安 源 在 40 年 前 用 弓 弦 ， 為 國 樂 演 奏 的兩岸交流揭開序幕，開啟國人的音樂視野，而今年聖誕節前夕，再引領 我 們 走 回 時 光 隧 道 ， 一 起 回 味 那 一 段 流 年光影。

鼓樂，「擊」出音樂的眾妙之門 無獨有偶，除了黃安源與黃晨達父子的同臺演出，北市國在音樂會「鼓─2024 臺北市傳統藝術季開幕音樂會」也 邀請了另一對「家人」，一同出「擊」。他們是來自宜蘭的「Twincussion 雙子二重奏」，是由一對雙胞胎兄弟檔擊 樂家——簡任廷與簡任佑所組成。

簡 任 廷 與 簡 任 佑 從 小 就 在 父 親 所 經 營 的 鐵工廠裡敲敲打打，逐漸培養出對擊樂的興趣。提到默契的培養，兩位真 的都很有默契，一致回答「日經月累的練習培養，讓兩人在臺上就一個眼神，就知道對方在想什麼的感知狀態。」 於 2010 年成軍，本著「音樂傳教士」的精神，演出足跡遍及臺灣及世界各地，成為國際樂壇嶄露頭角的青年擊樂 團體，並在丹麥皇家音樂學院攻讀獲得打擊樂最高文憑（演奏博士）。「Twincussion 雙子二重奏」曾獲許多重要打 擊樂獎項，憑著技壓全場與十足的默契，必能為這場演出增色不少。

《戲 ． 鳴 ．禪 》是 張 均 量 受 北 市 國 委 託 所創作，這是寫給雙打擊樂與國樂團的協奏曲，使用的樂器多樣到令人眼 花撩亂，以產生出豐富的聲響，每個環節都需要絕佳的默契，方能表現出緊密的平衡性與層次感。《戲．鳴．禪》 曾於 2021 年 12 月 19 日由吳珮菁與謝從馨聯手與北市國合作舉行首演，相當成功。 簡 任 廷 與 簡 任 佑 談 到 對 《戲 ． 鳴． 禪》 的 詮 釋，「用 身 體 與 打 擊 樂、 京 鈸 互 相 結 合 ，以 戲 劇 化 方 式 揭 開 序 幕 ， 兩 人 像 是 演 奏 、又 像 互 相 嬉 戲 玩 弄 ；「鳴 」 放 聲 響 ：讓 兩 組 不 同 的 東 西 方 樂 器（ 木 琴 、雲 鑼）， 藉 由 截 然 不 同 的 器 樂 聲 響 一 起 共 鳴 ； 演 奏 者 在 完 全 專 注 時 ，進 入 心 流 狀 態， 也 是「 禪」的 意 境、 雙 人 共 同 進 入 禪 的 意 境，又 得 相 互合作、競技，是非常大的挑戰。」這次「Twincussion 雙子二重奏」是兄弟檔出「擊」，即將再《戲．鳴．禪》， 相信必能再次開啟擊樂合奏的另一篇章。

在 這 場 音 樂 會，北 市 國 除 了 與「Twincussion 雙 子 二 重 奏」聯 袂 演 出 之 外，現 為 史 特 拉 斯 堡 打 擊 樂 團（Les Percussions de Strasbourg）團員的旅法擊樂演奏家巫欣璇，也將與北市國擊樂首席謝從馨聯手，獻上關迺忠的雙 打擊協奏曲《龍年新世紀》。

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擊樂演奏家吳珮菁與 TCO 擊樂首席謝從馨於 2021.12.19 在臺北市中山堂中正廳聯手帶來張均量《戲．鳴．禪》（吳珮菁）

擊樂演奏家吳珮菁與 TCO 擊樂首席謝從馨於 2021.12.19 在臺北市中山堂中正廳聯手帶來張均量《戲．鳴．禪》（TCO 擊樂首席謝從馨）

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封面故事 Cover Story Twincussion 雙子二重奏聯袂出「擊」將帶來張均量《戲．鳴．禪》

擊樂一直都在當代創作中挑大樑，因此巫欣璇與「Twincussion雙子二重奏」一樣，秉持著相同的理念，都是一向 以開闊的心胸擁抱音樂，接受各式各樣的挑戰。「我在這 七年間和史特拉斯堡打擊樂團演出的曲目，有些是純粹的 音樂演奏，有些結合了肢體和劇場，每次演奏的樂器和呈 現方式也都非常不同。」而這次演出國樂作品，對巫欣璇 而言也是全新的體驗。「《龍年新世紀》詮釋的重點會放 在能讓擊樂的聲音和國樂團結合的同時，還能展現擊樂的 特色，以及在充滿生命力的聲響中找到細緻的音色變化和 音 樂 流 動 。」

這是巫欣璇第二次和北市國合作，雙協奏曲對她而言就是從 兩位獨奏者的對話開始，進而擴大到和整個樂團對話，其實 就是一連串異質性的對話，可透過「打擊」，穿梭於不同的演 繹手法、音響色澤，從而探究出聞所未聞的效果。

擊樂演奏家巫欣璇將與 TCO 擊樂首席謝從馨帶來《龍年新 世紀》雙打擊協奏曲

這兩場北市國所推出的音樂會，一場也許是胡琴大師黃安源獻給臺灣音樂界告別舞臺的「封琴」之作，具有致意傳統 的意義，另一場則是龍年開春的鼓樂盛宴，富有開發創新的精神。顯示出北市國努力不懈的追求國樂藝術的極致，是 以傳統為依歸，再不斷注入新意，加以推敲、對話、碰撞、激發，開啟出下一個燦爛的里程碑。

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A Lifelong Love and Glorious Soundscape About Two TCO Concerts Text / LIU Ma-Li (Adjunct Assistant Professor at Fu Jen Catholic University and National Dong Hwa University) Image / Taipei Chinese Orchestra

Apart from technical challenges, the blessing and the trickiest part of music is, and has always been, the tacit understanding and wordless communication between performers. Excellent technique is the make of a musician, as seamless coordination is the foundation of an ensemble, and details vital to musical expressions and interpretation. All three must come together to allow everything to fall into place and lock in a successful performance.

Good tidings and great joy! WONG On Yuen and WONG Sun Tat are invited to perform Erhu Virtuosi together with Taipei Chinese Orchestra (hereinafter referred to as TCO) on December 23rd. TCO will also perform with Twincussion in The Celebration of Percussions on March 9th, 2024, stirring up a storm with their interpretation of Theater﹒Resonance﹒Zen Concerto for 2 Percussionists and Chinese Orchestra by Pius CHEUNG. This will surely be the thrilling experience many await.

Father And Son Renewing Their Bond with Erhu WONG On Yuen, an important keyword in the Chinese music world, and the synonym of erhu master. He came to Taiwan for the first time in 1983 and participated in the International Arts Festival at the invitation of the International NEW ASPECT Cultural and Educational Foundation. This generated an uproar in the Chinese music world. He proceeded to released albums every year after the boom and every one of them became a classic. In 1992, WONG On Yuen and Twelve Kinds of Huqin won the Best Performance Album Award by China Times Evening News. In 1999, he was chosen as the cover star of Strad, an international string music magazine. WONG On Yuen is without doubt one of the greatest Huqin masters of the generation.

WONG Sun Tat, the eldest son of WONG On Yuen, is also an active Huqin player. Father and son often perform together on stage.

WONG junior joined the Singapore Chinese Orchestra in 1997 and served as Gaohu principle second for more than a decade. He is currently the head of the Chinese Music Department at Nanyang Academy of Fine Arts in Singapore.

2023 end of year concert “Erhu Virtuosi” features father and son virtuosi WONG On Yuen and WONG Sun Tat together with TCO. Though in his seventies, WONG On Yuen shall again awe and inspire on stage just like before. It’s yesterday once more. WONG On Yuen has not held a personal concert in Taiwan for several years. He confessed that, “it is not easy to overcome the pressure of reopening concerts after such a long time. Sun Tat has been very supportive. Maybe he is just trying to make sure that my retired life is a little less boring, or through performing on stage, prevent the threat and deterioration brough on by old age. Sensing this, I agreed to take part in the concert."

It was very unfortunate that WONG On Yuen and TCO’s first concert in 1983 never took place. All the rehearsals and preparation came to nothing as the political environment back then did not allow.

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封面故事 Cover Story On October 25, 2008, the father-son duo of WONG On Yuen and WONG Sun Tat performed the classic The Butterfly Lovers Double Huqin Concerto with the TCO at the “Erhu Kaleidoscope” concert.

WONG On Yuen is growing in age and losing the strength to perform for long hours on stage. Wishing to leave no regret and repay the fans for their love and support, WONG Sun Tat hopes that his father will continue to play and make music if health and skill permit. They held many concerts in Hong Kong, Singapore, and Mainland China. Fans all over the world were wild with ecstasy. As Taiwan is the only place left out. TCO’s invitation came just in time. This year, the long-awaited father and son virtuosi are ready dazzle, fascinate and wow the music lovers in Taiwan with the orchestra.

WONG On Yuen and WONG Sun Tat collaborated with TCO on several occasions. The two parties even performed The Butterfly Lovers Double Huqin Concerto together. “MIN Huifen and I were invited to sit on the judging panel of the International Erhu Competition. We performed with the winners afterwards. Finally, we were able to showcase The Butterfly Lovers after the lifting of martial law.”

WONG On Yuen was truly honored having the opportunity to cooperate with QU Chunquan. “ I have collaborated with Mr. Qu multiple times. I am deeply honored and extremely grateful to perform under his conducting. Mr. Qu is the perfect conductor for The Butterfly Lovers. He is an experienced conductor and an exceptional erhu player who had released an album. ” Both Mr. WONG and Mr. WONG junior agree that Chinese music in Taiwan is health and thriving. In 2009, they collaborated with Hsinchu City Youth Chinese Orchestra, presenting The Butterfly Lovers, River of Sorrow, and Cantonese Music Medley. The creativity and level of excellence was awe-inspiring.“I have witnessed the advancement of Chinese music in Southeast Asia, Hong Kong, and Taiwan within the past couple of decades. Many young Taiwan performers joined Hong Kong Chinese Orchestra to further their musical career and achieved great success. Chinese music in Singapore has also seen a significant improvement... ”

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WU Pei-Ching and TCO's principal percussionist, HSIEH Tsung-Hsin, performed Pius CHEUNG's Theater﹒Resonance﹒Zen Concerto for 2 Percussionists and Chinese Orchestra on December 19, 2021, at the Zhongzheng Auditorium of Taipei Zhongshan Hall. (WU Pei-Ching)

40 years ago, WONG On Yuen initiated cross-strait exchanges in Chinese music with string instruments and broadened the musical horizon of people in Taiwan. On Christmas Eve this year, he will again lead us back in time and savor the tantalizing memory that many hold dear.

Hail To Percussion, Drumming Up a Storm, and Make Music!

In addition to father and son WONG’s upcoming concert, TCO invited another set of family musicians to set your heart racing at The Celebration of Percussions-2024 Taipei Traditional Arts Festival Opening Concert. The marvelous percussionists are Twincussion, twin brothers CHIEN Jen-Ting and CHIEN Jen-Yu from Yilan.

CHIEN Jen-Ting and CHIEN Jen-Yu have been banging around playing with iron and steel in their father’s factory since young. It was where their love for percussion was born. When asked how they train for instrumental ensembles, they answer unanimously, “Time, companionship, and practice. We are able to groove and feed off each other’s energies on stage with mere eye contact.”

Twincussion was founded in 2010 in the spirit of music missionary. They have performed all over Taiwan and stated their presence to the international music world as an aspiring young percussion group. They studied at the Royal Danish Academy of Music and obtain the highest diploma in percussion (Doctor in Music Performance). Over the years Twincussion won many major percussion awards. Their supreme musical skills and well-coordinated performance definitely take percussion music to another level.

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封面故事 Cover Story WU Pei-Ching and TCO's principal percussionist, HSIEH Tsung-Hsin, performed Pius CHEUNG's Theater﹒Resonance﹒Zen Concerto for 2 Percussionists and Chinese Orchestra on December 19, 2021, at the Zhongzheng Auditorium of Taipei Zhongshan Hall. (HSIEH Tsung-Hsin)

Theater﹒Resonance﹒Zen Concerto for 2 Percussionists and Chinese Orchestra is composed by Pius CHEUNG and commissioned

by TCO. The concerto is written specifically for double percussion and Chinese orchestra. It involves a whole host of percussion instruments, featuring a good mix of individual and ensemble skills to produce cohesive, well-layered and highly coordinated work.

Theater﹒Resonance﹒Zen was a major success when debuted on December 19th, 2021 by WU Pei-Ching and HSIEH Tsung-Hsin in collaboration with TCO. CHIEN Jen-Ting and CHIEN Jen-Yu’s interpretation of Theater﹒Resonance﹒Zen was “ to mix body, percussion, and jingbo for a dramatic start and lay the bed for what to come. The performers are making music and having fun. The Eastern and Western musical instruments (xylophone, yunluo) resonate with each other, full of contrast and powerful impact. The brothers are totally absorbed by and deeply focused on the music they created, beyond the point of distraction and entering into the state of flow, which is also called Zen. ”They collaborate, compete, and challenge each other on stage. This is not an easy feat to accomplish. Beheld! the Twincussion brothers is about to open up a whole new chapter for percussion ensemble with Theater﹒Resonance﹒Zen. Aside from Twincussion, TCO is also scheduled to perform with WU Hsin-Hsuan, a percussionist who is currently a member of Les Percussions de Strasbourg in France. WU will team up with TCO principal percussionist HSIEH Tsung-Hsin in their interpretation of KUAN Nai-Chung’s New Century of the Dragon Double Percussion Concerto.

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Twincussion will present Pius CHEUNG's Theater﹒Resonance﹒Zen Concerto for 2 Percussionists and Chinese Orchestra

Percussionist WU Hsin-Hsuan will join TCO's principal percussionist HSIEH Tsung-Hsin to present the New Century of the Dragon Double Percussion Concerto.

Percussion is considered the backbone or heartbeat of contemporary music. Just like Twincussion, WU Hsin-Hsuan embraces music with a tolerant mind and an open heart, regardless of the challenges presented.“ In the past seven years, some of the repertoire I performed at Les Percussions de Strasbourg was pure music, and some combined body movements and theater. Every performance requires different instrument sets and employs new expressions or technique.” This time, Chinese music presents a whole new challenge for WU as well. “ New Century of the Dragon Double Percussion Concerto means to accentuate percussion music while expressing the beauty of Chinese music in perfect harmony. The wonderful soundscape features dynamic, vital, and energetic sounds with great nuance and flow.”

This is the second time WU has collaborated with TCO. For her, double concerto starts with an engaging dialogue between the two soloists and then gradually expands to the entire orchestra. Through the heterogeneity of dialogues expressed through striking, shaking or scraping percussion instruments, the performers explore and exploit the limit of sound.

Of the two TCO concerts, one may be the farewell concert of Huqin virtuoso WONG On Yuen, paying tribute to the Chinese music tradition in Taiwan. The other is a drum and percussion festival celebrating the beginning of the Year of Dragon with an adventurous spirit. Both showcase the relentless pursuit of perfection and musical art so ardently embraced by TCO. Using tradition as anchor, and creativity as wings, TCO will discover, communicate, engage, inspire, and pave the way to the next musical marvel.

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藝訊

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TCO News

絲竹文學˙紅樓夢 文 / 劉馬利（輔仁大學、東華大學音樂系兼任助理教授） 圖 / 臺北市立國樂團

TCO 首席指揮將以細膩的詮釋，帶來唯美的「紅樓夢」音樂會

臺北市立國樂團（以下簡稱「北市國」），在2024年1月7日即將獻上一場充滿文學性的音樂饗宴「紅樓夢」音樂會， 以文學為主軸，呈現出多重美學，蘊含深刻的情感，做為音樂會的核心精神。

樂讀文學，傾聽「紅樓夢」 對於《紅樓夢組曲》，音樂的演繹是一種文學的後設思維，也就是用音符珍視古典文學的光照，講求的都是情感上的 拿捏，與藝術的美感。

現任首席指揮張宇安談到這場音樂會曲目安排，雖是以《紅樓夢組曲》為主體，但整場音樂會的曲目其實是緊扣文 學，希望能以國樂帶領觀眾，用不同的角度解讀人世間的百樣情，因為古典文學本身就蘊含了深刻的意境。「我覺得

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對於不管是《紅樓夢》文本或者是國樂曲，曹雪芹的詞本身就是很深刻的，而《紅樓夢組曲》的每一個段落都很精 彩，不管是女生獨唱還是合唱的部份，都一直是非常受到各界喜愛的一部作品……」

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特邀女高音演唱家林湘玲擔綱《紅樓夢》組曲多首樂曲獨唱

說起《紅樓夢組曲》，原先是王立平為電視劇《紅樓夢》所譜曲，在1987年首播之後，隨即引起轟動，其中音樂設計 相當令人印象深刻。全曲共分15個樂章，其中〈分骨肉〉、〈寶黛情〉、〈葬花吟〉等最為人所熟知。

王立平筆下的《紅樓夢組曲》，猶如少年不識愁滋味，對命運提出曖昧的質疑與探問。這一段段的起承轉合，猶如 一首首對於過往青春感逝傷懷，誠如《紅樓夢》第一回所寫「滿紙荒唐言，一把辛酸淚，都云作者痴，誰解其中 味。」是用唯美、幸福、迷惘、孤寂所鑲嵌了多重的意涵。

就音樂上而言，王立平在寫作《紅樓夢組曲》，就跟當初在設計電視劇配樂的理念類似，「每個人都有他自己對 《紅樓夢》這個文本的想法，然後透過某種藝術形式把他們的想法傳遞出去，你不一定要完完全全相信他們的那一 套，你也可以對《紅樓夢》的文本有自己的詮釋想法，但是我覺得只要他能言之有物，就能夠引起他人的共鳴」。 曹雪芹筆下的《紅樓夢》是以一段由興盛轉衰微的故事為主軸，帶領我們展開人生的螺旋式潛探，小說如此，音樂 亦然。

張宇安以其中的〈大出殯〉為例，「賈蓉的太太秦可卿是十二金釵當中第一位過世的，為什麼是公公賈珍比較傷 心，這些錯綜複雜的情感刻劃，在王立平老師的筆下都是環環相扣的。」

這場演出，北市國與民族聲樂家林湘玲首次合作。「我們邀請林老師來演唱《紅樓夢組曲》的女生領唱，陳麗芬老 師指導的北市國附設合唱團，不但會演唱《紅樓夢組曲》，在開場時也會加入何訓田老師《達勃河隨想曲》，這場 音樂會裡，陳麗晶與王子齊也會擔任領奏與獨奏，兩位都是我們臺北市立國樂團的團員。」張宇安由衷希望用不同 的方式詮釋，在跨越時空的長河中，碰撞出各種精彩的聲響。

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藝訊

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TCO News TCO 琵琶演奏家陳麗晶將擔任周娟《半緣君》琵琶領奏

半緣修道、半緣君，詩人筆下的真摰情感 同樣也是對於生命成長、悵然思念的深刻描繪，唐代詩人元稹與妻子韋叢鶼鰈情深，然好景不長，多年後韋叢因 病逝世，元稹痛失摯愛，以托物寄情的比興手法、凝鍊的字句，寫下多首動人的悼亡之作，抒發對亡妻忠貞不渝 的愛情和刻骨的思念。其中《離思五首》第四首：「曾經滄海難為水，除卻巫山不是雲。取次花叢懶回顧，半緣 修道半緣君。」最廣為流傳亦為其代表詩作。中國作曲家周娟即是以此詩作中「半緣君」為創作動機，於2014年 譜寫琵琶與樂隊作品《半緣君》。

周娟擅用女性題材來譜曲，這首《半緣君》與《胡笳吟》、《自由花》，稱為「巾幗三部曲」，表現出剛柔並濟 的情感描繪。張宇安認為：「周娟把古典文學的意境寫在他這個作品裡面，我覺得國樂團絕對可以表現出強烈、 熱鬧，以及衝擊力與爆發力的聲音，同時也能將細膩的意境表現出來。」

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TCO 擊樂演奏家王子齊將擔綱王辰威打擊協奏曲《商銅》打擊獨奏

筆下詩韻，宅殷土芒芒 王辰威的打擊樂協奏曲《商銅》，是由北市國委託創作，完成於2019年，同年6月2日於臺北市中山堂中正廳舉行首 演。運用三個樂章描摹鉞、爵、鼎等三種銅器。宇安提到：「王辰威為了瞭解青銅器，還特別飛來臺北的故宮尋找靈 感，之後他擷取了《詩經•玄鳥》的這一段，是寫到關於天命，原文是『天命玄鳥，降而生商，宅殷土芒芒。古帝命 武湯，正域彼四方。』」可見王辰威在樂曲創作下足功夫，廣泛閱覽文史資料，就為讓樂曲更貼切當時候之文化。

王辰威對於文學的語韻與時代的文化背景，曾下過很深的工夫研究，亦有其獨到的見解。他使用古漢語去唸誦《詩 經•玄鳥》的歌詞。「他覺得西周初年至春秋中葉的那些文字，唸法跟我們現在不太一樣，會有不同的語韻。 …… 也就是當時那些人腦中的文字語韻，跟我們現代想到的是不一樣的 …… 」

綜觀整場音樂會，以文學入絲竹，而文學又是兼具視覺性與聽覺性，文學所傳遞的情感，透過聲響流動的過程，演奏 家再將演繹的過程賦予視覺化的美感，解構抽象藝術與實相世界所撞擊出的辯證，因此不論是運用匏土革，或是木石 金、絲竹，都能推敲出文學與音樂所激盪出的互文性，藉由音樂裡的每一個起、落、張、合，讓我們浸潤於文字含英 咀華的語韻之中，以及在創作與演奏之間所激起的共振。

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客座主筆 Guest Columnist Session

國樂指揮的智慧與傳承：

專訪香港中樂團藝術總監閻惠昌（下） 文 / 李明晏（新加坡南洋藝術學院高級講師） 圖 / 閻惠昌、香港中樂團

香港中樂團十六字方針（資料來源：香港中樂團）

李：請問老師，您目前所任職樂團最大的特色是什麼？

閻：香港中樂團這麼多年來，不斷地去積累，音樂的創作形式是多種多樣。我們樂團是為香港市民提供而存在，以 大型中樂為主，不同形式高水準演出之外，各種藝術節如：鼓樂節、笛簫節、古箏節、作曲家節、指揮家節等等。 然後還有我們的教育、研究、國際學術研討會、樂器改革，我們成為一個以演出為主的多元化專業團體，我們樂團 未來就是這樣一個大方向。而且現在我們加強在網際網絡，比如說我們在疫情期間，創造了 MV 這種形式，香港中 樂團的排練廳變成舞劇音樂廳。我們也做了很多直播，跟現代網絡經營商進行結合，成為戰略合作夥伴，這樣子在 E 時代我們不會落後。我們結成一個聯盟，去討論現在科技到底是什麼樣的，它跟音樂可以結合，然後我們投入資 源，將資料電子化、系統化，然後最後把它變成香港中樂團網上音樂廳，Net Concert Hall。你註冊後就可以免費看 視頻，聽到音頻，享受這些資料，對於研究者來說、學生、指揮家、作曲家、或者對於觀眾來講，都是一個巨大的 資料庫，這個是向觀眾完全公開的，在西樂裡面走得最早就是柏林愛樂。Net Concert Hall 是中樂，或者國樂、華 樂、民樂這 4 個地方，香港中樂團是第一個，在網絡上建立網路音樂廳。我們知道，建構一個網絡音樂廳，是相當 不簡單，需要一定資金來支持，從而把它組建起來，這個高樓大廈建起來，把資料搬進去，然後不停地去更新，這 都是需要很多心思去做的。

在我們的使命宣言裡，提到緊貼時代脈搏。如果我們不緊貼時代脈搏，我們不能利用最現代、最新的、最潮的這些東 西，我們就跟現代脫離了。我們在緊守傳統，就是我剛才有說，一種對中國音樂的傳統，要有深入的認識和了解。你 守住這個傳統，就像我們練功夫的人來說，就是把你自己的內氣練好和守住，守住你的氣，你才可能在外面有自如的 表現。我們會在這方面不斷地利用新的高科技，把我們的音樂推廣到世界各個角落，特別是不分國界的網路技術，並

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呈現音樂廳裡面實際的感受。所以在這裡面，我們要把它做到最好，始終如一地做到最好。

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我們一直在講音樂做到最好，就是你能不能看到細節，一看到細節就知道那是膺品，你看到真品，細節再放大多少， 它都是非常精美。這就是我們對音樂在今天的、明天的都是要始終如一地，追求音樂的至高境界。

李：香港中樂團的樂器改革，達到音色共性的成果，是大家有目共睹的成功範例。請教老師，您理想中的中 樂團音色，應該是如何？進一步請教老師，您認為，「中樂交響化」發展到現在，還有什麼可以做？或有什 麼值得省思的嗎？

閻：我覺得樂器改革部分是大家能看到的，我們一直在宣傳環保樂器，環保樂器我們還在不斷優化的過程中，一直調整

到團員們很滿意，指揮家也很滿意。我在第 2 屆國際中樂論壇裡面，有一個講座「中樂指揮必須關注的八大課題」，其中

第一個系統叫做聲音系統。為什麼我在第一階段說聲音系統，就是樂團是做什麼？音樂是做什麼？音樂就是做聲音。如 果聲音都不對，這個樂團是什麼？你發出的聲音，是不是有理想的那種聲音？

我們現在使用的胡琴是比傳統胡琴好很多，香港中樂團把蟒蛇皮改成了環保皮，讓蟒蛇皮不統一的物理現象改變了，讓 所有振動的頻率完全一致，而完全一致的情形下，它的共振達到最大效率。只有香港中樂團環保胡琴採用統一的皮膜， 它的振動完全是一致的情況下，它的共鳴才達到最大，達到了一加一大於二。所以它的結論就是傳統胡琴一加一不等於 二，而香港中樂團是一加一大於二，這個就是樂器改革。那麼其他樂器，高音笙、中音笙、低音笙，管子就不用說了， 低音管呢，這些都是很多問題需要解決。所以樂器改革是一條很長的路，需要樂器改革，必須要指揮家、作曲家一同合 作，特別是指揮家，必須要進去。所以香港中樂團樂器改革，不是我一個人在外面搞個人的改革，它必須是一個樂團音 樂總監帶領從樂團的建設裡面，在高度和宏觀的角度上，來決定的樂器改革。

李：請問老師，未來環保胡琴在市場買得到嗎？我曾聽很多人說想要買來演奏。香港中樂團會有這個計畫銷 售這些樂器嗎？

閻：少量的可以。我們現在只供少量，全部是一把一把的做出來。我們要把它成為一個量產的產品，需要很長的時間， 奮鬥這幾年，到現在還沒有成功，我們還在繼續努力。

香港中樂團樂器改革（資料來源：香港中樂團）

香港中樂團環保胡琴系列（資料來源：香港中樂團）

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客座主筆 Guest Columnist Session

中華國樂合作發展聯盟（資料來源：香港中樂團）

李：請問老師香港中樂團與其他的職業樂團，還可以有哪些互動與合作，可以開拓國樂的新視野？

閻：這裡我跟大家介紹，臺北市立國樂團（以下簡稱北市國）、新加坡華樂團、香港中樂團，起碼這幾個團都在裡 面。這個叫做中華國樂合作發展聯盟，這個聯盟是大家都簽了約，今年將會召開新一屆的中華國樂合作發展聯盟年 會，這個年會會擴充，希望在未來把所有的國樂、中樂、民樂、華樂都聯合起來。有些大牌的作曲家，我們共同委 任，有些項目我們大家一起來做。比如我們大家簽一個北市國的比賽，只要在這個比賽獲獎，就能有一次在我們的 樂季裡演奏。第 4 屆指揮大賽後，參加決賽的三位指揮，各個中華國樂合作發展聯盟的成員，都會來參與最後的決 賽，他們也選出最喜歡的指揮家，你們自己未來樂季，想把誰放進去都可以，大家互相合作。

李：請老師談談，您如何凝聚團員的向心力，讓團員可以在您的帶領下，可以不斷地追求音樂的精緻及完 美度，而不至於感到厭倦或疲乏，特別是當團員們在面對非常熟悉或非常不熟悉的曲目時？

閻：第一點，就是身為指揮家，不管同一個作品演奏了多少遍，你都要像第一次指揮一樣。所以你要發現這次演

奏跟上次不足的地方。像《紅樓夢》我從 1988 年到現在演出很多次，但今天我又有新的解釋。就是說指揮家，把 你演過多少次作品，要當新的作品來準備，要好好讀總譜。指揮家做到這一點，讓每一個團員覺得，這個作品演過 好多遍，但指揮還能給予新的，有「新的東西可以給團員」這個信念，這是指揮家一種嚴格對自己要求，才能達到 這樣的境界。

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香港中樂團新加坡巡演財神爺祝賀人日（資料來源：香港中樂團）

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香港中樂團「樂旅中國」（資料來源：香港中樂團）

第二點，就是對樂團團員的一種訓練，團風的一種訓練，你要求團員對每一次的演奏，都要達到追求音樂的至高境界。 所以我常常在細部打磨上，去要求團員你要分得清楚，什麼是膺品？什麼是真品？我們樂團，演奏出來的東西就是奢侈 品，你不能是膺品。所以每演奏一次，你需要做到哪些地方，《西北組曲》的那些琶音，要像似那種非常女性化、很柔 美的，呼吸不能是很粗糙，而是一種很柔美的感覺，不但是要聽得到，也要看到的。正如美國的樂評家說，看香港中樂 團，聽和看一樣的精彩，你要做到這個才行。這樣其實指揮不但耳朵要非常靈敏，眼睛要看得很清楚，眼睛看到裡面不 斷地發覺。就像賀新年的新年曲，在新年音樂會演出中，團員都說，指揮怎麼會想到財神爺，每個團員都覺得相當 好玩。所以這個就是要指揮不斷地有新的東西給團員，讓團員覺得付出更多的時間在裡面磨練打磨的時候，不會浪 費時間。這樣子，每一次的辛苦換來那種成功，樂團團員產生出來對樂團的那種自豪感，它就形成一種凝聚，凝聚 就是說，我為自己的樂團，也為我自己感到自豪，感覺到驕傲，它就凝聚了。

李：請問老師，您認為怎麼做可以讓觀眾能夠接受更多元的曲目？

閻：從我們的「心樂集」1 和「樂旅中國」2 ，這兩個節目推出是非常重要，我們對團員要求是，不管作曲家寫出多難

的作品，只要是樂器不違反物理的現象，你必須先奏出來，然後再去評論，這個作曲家寫得好，這是一種專業精神。 而不是自己還沒做得很好，評論這個作曲家寫得好不好，這是一種樂團的團風。

對觀眾來說也是如此，有如我們進入一個餐廳，餐廳的東西你嚐過了，所以你知道什麼，你就會進去吃什麼。但是在 音樂裡面有很多首演的作品，是你沒聽過的，你要放膽去聽一聽，可能是不喜歡的，也可能是聽完以後，整個晚上音 樂都在你腦中。這樣一個作品，也可能是給你造成一種巨大衝擊，可能是你不喜歡，就好像你去嚐一個新的菜，你辣 著了，對吧！但是你有這樣一個經歷，你敢於嘗試，你是個了不起的人。所以，我們給觀眾的是，你敢去嘗試新的作 品，新的表現方式，你就是一個很了不起的人。我們鼓勵這種精神，慢慢地形成聽新作品，慢慢地去形成一個習慣。 香港中樂團「心樂集」超過20年，是在1999年我開創的。這些部分也是慢慢不斷地發展，慢慢地培養，培養我們的作 曲家、觀眾、演奏家，形成一個良性互動的過程。

1

「心樂集」為香港中樂團邀請粵港澳大灣區的作曲家參與作曲比賽、論壇與演出，從 1999 年至今，已培育出許多本地作曲家。

2

「樂旅中國」為香港中樂團與香港藝術節共創的系列節目，此節目主要為首演大中華地區以及海外作曲家的優秀作品，發展 16 年 至今，已累積許多中樂經典作品。

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客座主筆

李：今天最後想要問老師，您認為目前的國樂教育，應該加強哪些部份？

Guest Columnist Session

閻：國樂教育方面，我經常在內地，只要有講座我就講，並且向臺南藝術大學學習，把它當成樣板，向香港演藝學院學

習，也把它當成樣板。臺南藝術大學學生，也正因為這樣閉塞的環境，學生只有練習，純粹在藝術裡面，沒有那麼多 環境去購物、享受美食等等，只有沉浸在藝術裡面。我覺得鄭校長的理念非常好，要學江南絲竹，就帶學生去上海學 習江南絲竹；學習蒙古音樂，就去到大草原領略大草原的風光，去知道馬頭琴是怎麼拉的，蒙古人是怎麼生活的，暑 假就給學生做這些采風學習。

為什麼我要在全國的專業院校舉行民樂指揮合奏課，並且出版教材，書出來以後可以看到中國音樂學院他們的合奏課進 度，傳統音樂的教材，選擇哪些曲子？現代音樂選擇哪些作品？臺灣的又是怎麼樣選曲？香港又是怎麼選曲？新加坡又 是怎麼選曲？我們內地各個地方、各個學校又是怎麼選曲？當這樣的資料一出來後，大家就可以知道裡面的東西，我們 彼此的差距在哪裡？從這裡面可以學到什麼東西？如果可以交流的話，我們共同出版一個專業院校合奏課教材大綱。我 要說的是，總譜的出版很複雜，但起碼有個大綱，大家一翻這個大綱，我今年在這個大綱裡面有多少作品，臺灣演了多 少作品，但是我們才演了五個作品，我們就找到差距。

我要表揚內地的音樂學，現在中國的音樂學有很大的進步，他們稱做「文化遺產進校園」，所以他們有一個非遺中心， 中央音樂學院、上海音樂學院都有，讓專家進校園，每年帶新的同學去認識傳統音樂。這方面目前其他音樂學院可能還 有一些差距，但是我覺得非常好。展望未來教育的願景，是傳統與現代並行，我非常樂觀看待中國音樂教育的未來。

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藝術總監閻惠昌與大專院校學生互動

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The Wisdom and Legacy of Chinese Orchestra Conductors (2)

Interview with YAN Huichang, Artistic Director of the Hong Kong Chinese Orchestra Interview and Article / LEE Ming-Yen（Senior Lecturer, Nanyang Academy of Fine Arts） Images / Hong Kong Chinese Orchestra

Net Concert Hall

LEE: Maestro, what is the biggest highlight of the orchestra you are currently leading?

YAN: The Hong Kong Chinese Orchestra has continuously accumulated compositions over the years, and there are various

forms of music creation. Our orchestra exists for the citizens of Hong Kong, we present mainly large-scale Chinese music, in addition to different forms of high-level performances, various arts festivals such as: Drum Festival, Dixiao Festival, Guzheng Festival, Composer Festival, Conductor Festival and so on. Also, with our education, research, international academic seminars, and musical instrument reform, we have become a diversified professional group with a focus on performance. This is the future direction of our orchestra. And now we are strengthening our internet connectivity. For example, during the pandemic, we created the form of MV, and the rehearsal hall of the Hong Kong Chinese Orchestra became a dance-music theatre. We have also done many broadcasts and collaborated strategically with modern network operators, so that we will not be left behind in the E era. We formed an alliance to discuss what today’s technology is all about; technology can fuse with music. Then we invested resources to digitize and systematize the materials, and finally turned it into the Hong Kong Chinese Orchestra Online Concert Hall: Net Concert Hall. Upon registration, you can watch videos, listen to audio, and enjoy these materials for free. It is a huge database for researchers, students, conductors, composers, or for audiences. This is freely available to audiences; the Berliner Philharmoniker was the first in the Western music world to do the same. Net Concert Hall encompasses Chinese orchestral music. Among the four different Greater China regions, the Hong Kong Chinese Orchestra is the first to establish a concert hall on the Internet. We know that it is not easy to build an online concert hall, and it needs a certain amount of supporting funds to set it up. It takes a lot to build this skyscraper, upload the information, and then keep updating it. It is a demanding task.

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客座主筆 Guest Columnist Session

In our mission statement, keeping abreast of the pulse of the times is mentioned. If we don't keep up with the times, we will not be able to make use of the most modern, latest, and trendiest ideas, and we will become obsolete. We are keeping the tradition faithfully, that is, as I said just now, by having a deep knowledge and understanding of the tradition of Chinese music. You uphold this tradition, just like us Kungfu practitioners, you have to train and preserve your own internal energy, and only by guarding your energy can you excel in the external world. We will continue to use state-of-the-art technology to promote our music to every corner of the world, especially through the internet that knows no national boundaries, and replicate the authentic experience in the concert hall. So in this, we want to excel, and to excel consistently.

We have been talking about making music excellent. We are not counterfeit. What is counterfeit? When you zoom in, you know a fake when you see it. When you look at the real thing, it is very beautiful no matter how you zoom in. This is why, today and tomorrow, we must be consistent in pursuit of the supreme state of music.

LEE: The reform of the musical instruments of the Hong Kong Chinese Orchestra has achieved the achievement of good timbre, which is a success for all to see. Maestro, what is the ideal timbre of your Chinese orchestra? In addition, what more do you think can be done for the symphonic Chinese orchestral music? Or is there anything worth reflecting about?

YAN: I think the reformation of musical instruments is something that everyone can see. We have been promoting environmentally-friendly musical instruments. We are still in the process of continuously optimizing environmentally friendly musical instruments. We have been making adjustments to the satisfaction of the members and the conductor. In the 2nd International Chinese Music Forum, I gave a lecture "Eight Major Issues that Chinese Music Conductors Must Pay Attention To", and the first system was called the sound system. Why did I mention the sound system in the first segment, that is, what does the orchestra do? What does music do? Music is about making sound. If the sounds are wrong, what is this orchestra? Is the sound you make the ideal sound you have in mind?

We are now doing much better than the traditional huqin. The Hong Kong Chinese Orchestra has replaced the python skin with an environmentally-friendly skin, thus substituted the heterogeneity of the python skin for a unified vibrational frequency, thereby achieving optimal synergistic resonance. The moral of the story is, the traditional huqin’s one plus one falls short of two, while the Hong Kong Chinese Orchestra has achieved one plus one equates to greater than two; this is musical instrument reform. As for other musical instruments, such as soprano sheng, tenor sheng, bass sheng, and guans, there are many problems that need to be solved. Therefore, musical instrument reform is a long journey. Musical instrument reform requires the cooperation of conductors and composers, particularly conductors. Therefore, the reform of the musical instruments of the Hong Kong Chinese Orchestra is not my personal agenda. It must be led by the music director of the orchestra from a high-level and macro perspective.

LEE: May I ask, maestro, will the eco-hugins be available in the market in the future? I've heard a lot of people say they want to buy it and play it. Will the Hong Kong Chinese Orchestra have this plan to sell these instruments?

YAN: A small quantity is fine. We only supply a limited number now, and all of them are made one by one. It will take a long time for us to mass-produce them. We have been striving these years without success, and we are still working hard on it.

LEE: What do you think, maestro, how can the Hong Kong Chinese Orchestra and other professional Chinese orchestras cooperate, to open up new horizons for Chinese music?

YAN: Here I would like to introduce to everyone to the International Chinese Orchestra League; Taipei Chinese Orchestra, the Singapore Chinese Orchestra, the Hong Kong Chinese Orchestra, at least these groups signed on to this alliance. This year, a new annual meeting of the International Chinese Orchestra League will be held. This annual meeting will expand. I hope that in the future, all Chinese orchestral music will unite. We jointly appoint a few big-name composers, and we all work on some projects together. For example, if we all sign up for a competition in Taipei Chinese Orchestra, as long as the conductor win the competition, the conductor can play once in our music season. After the 4th Conductor Competition, the three conductors who participated in the finals, members of the International Chinese Orchestra League, will come to participate in the finals.

They will also choose their favorite conductors. For your future music seasons, anyone can join, and everyone works in harmony.

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Figure 2 International Chinese Orchestra League

LEE: Maestro, please talk about how you can harness the centripetal force of the members so that under your leadership, the members can constantly aspire to the exquisiteness and perfection of music, without feeling weary or burnt-out, especially when faced with very familiar or very unfamiliar repertoire?

YAN: Firstly, as a conductor, no matter how many times you have performed the same work, you must act as if you were conducting it for the first time. So you have to find out where this performance falls short compared to the last performance.

For example, Dream of the Red Chamber, I have performed it many times since 1988, but today I have a new interpretation.

That is to say as a conductor, no matter how many times you have performed the same piece, you should prepare anew, and you must read the score carefully. The conductor does this, making each member feel that [even when] the work has been performed many times, but the conductor can still offer something new; there is the belief that "new things can be gifted to the members".

This is a strict requirement of the conductor for himself, in order to level up.

Secondly, it is a kind of training for the orchestra members, a kind of training for the group’s style. You require the members to reach the highest musical level every time they perform. So, when polishing the details, I often ask the team members to distinguish clearly what is counterfeit and what is a genuine product. For our orchestra, what we play is a luxury product; you cannot be a fake. So every time you play, what do you need to achieve? Are there those arpeggios in the Northwest Suite that are very feminine and soft? The breath cannot be very rough, but a very soft feeling, something not just heard, but also seen.

As American music critics said, watching the Hong Kong Chinese Orchestra is just as exciting as listening to it. You have to do it this way. The conductor not only needs to have very sensitive ears, but also needs to see very clearly, and the eyes must constantly discover. Just like the celebratory New Year song, during the performance of the New Year's concert, the members all said, how could the conductor think of the God of Wealth? They thought it was quite fun. So the conductor has to always present something new to the members, so that they feel that when they spend more time honing and polishing, they will not see it as a waste of time. In this way, hard work yields success, and the sense of pride of the orchestra generated by the orchestra members, a kind of cohesion is formed; I am proud of my orchestra, and myself, and I feel proud of it. This bonds.

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客座主筆 Guest Columnist Session Figure 3 Music from the Heart

LEE: Maestro, what do you think can be done to increase the audience’s acceptance of more diverse repertoires?

YAN: From our "Music from the Heart" 1 and "Music about China Series" 2 , the launch of these two programs is very import-

ant. Our requirement for the members is that no matter how difficult the composer writes, as long as the laws of physics allow, you have to play it, and then comment whether this composer wrote well; this is a kind of professionalism. It is not the case of me not doing a good job and I critique the composer's work. This is the kind of style of the orchestra.

The same is true for the audience, just like when we enter a restaurant, you have tasted the food in the restaurant, so you will go in and eat what you know. But there are many premiere works in music that you haven’t heard before. You have to be bold and listen to them. You might don’t like them, or maybe after listening, the music will be in your head all night. It might have a huge impact on you, and maybe you won’t like it. It’s like trying a new dish, and it’s too spicy, right? But you experienced it, you dared to try; you are amazing. Therefore, we offer to the audience this: if you dare to try new works and new ways of expression, you are an amazing human being. We encourage this kind of spirit, slowly forming a habit of listening to new works. The Hong Kong Chinese Orchestra's "Music from the Heart" has been in existence for more than 20 years. I created it in 1999. These parts are also gradually and continuously developing, slowly cultivating, grooming our composers, audiences, and performers, forming a process of positive interaction.

LEE: The last question I would like to ask, maestro, is: in the current Chinese music education, which parts do you think should be strengthened?

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YAN: In terms of Chinese music education, I often give lectures at the Central Conservatory of Music in the Mainland, I always talk about it in the lectures. And learn from Tainan University of the Arts, take it as a model, learn from Hong Kong Academy for Performing Arts, also take it as a model. Students of Tainan University of the Arts, because of such a insulated environment, students can only practise and soak in the arts; the environment is lacking in terms of shopping, dining, etc., they can only immerse themselves in the arts. I think Principal ZHENG’s idea is very good. If you want to learn Jiangnan Sizhu ensemble, you should take your students to Shanghai to learn Jiangnan Sizhu, and to learn Mongolian music, take your students to the great grasslands to learn how to play the morin khuur, and to know how the Mongolians live. Students should do these field studies during their summer vacation.

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Figure 4 Music about China

Why do I want to hold folk music conducting ensemble classes in professional colleges and universities across the country?

And publish teaching materials? After publication, you can see the progress of their ensemble classes at the China Conservatory of Music, traditional music textbooks, and which pieces to choose? Which works are chosen for modern music? How about Taiwan's compositions selection? How does Hong Kong choose compositions? How does Singapore choose compositions? How do we choose songs in various places and schools in the Mainland? Once such information is in the open, everyone can know about it. Where is the gap between us? What can be learned from this? If it is possible to have an exchange, we can jointly publish a textbook outline for ensemble courses in professional colleges. What I want to say is that the publication of the score is very complicated, but at least there is an outline. If you look through this outline, how many works I have in this outline this year, and how many works have been performed in Taiwan, but we have only performed five works.

We will find the gap.

I would like to compliment the musicology in the Mainland. Now China’s musicology has made great progress. They call it "Cultural Heritage (Comes) into Campus", so they have an Intangible Cultural Heritage Centre, both in the Central Conservatory of Music, and the Shanghai Conservatory of Music. New students are brought to know traditional music every year.

There may still be some gaps in this respect among other conservatories, but I think it is very good. My outlook of the future of education is that tradition and modernity will go hand in hand. I am very optimistic about the future of Chinese music education.

1

"Music from the Heart" invites composers from the Guangdong-Hong Kong-Macao Greater Bay Area to collaborate with the Hong Kong Chinese Orchestra through composition competitions, forums, and performances. Since 1999, this initiative has nurtured numerous local composers.

2

"Music About China" is a series of programs co-created by the Hong Kong Chinese Orchestra and the Hong Kong Arts Festival. This program primarily features the premieres of exceptional compositions by composers from Greater China and around the world. It has been in development for 16 years and has amassed a wealth of classic Chinese orchestral compositions.

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紮根藝響 A Journey into Chinese Music

國樂經營之道系列

國樂新藍海：樂齡國樂在表演實踐、 高教青銀共學、藝術長照的三個案例 採訪 / 顏采騰、傅明蔚

撰文 / 顏采騰

圖 / 神奇樂坊、中國文化大學中國音樂學系、國立臺南藝術大學民族音樂學研究所

根據我國行政院內政部與國家發展委員會的統計，臺灣的老年人口佔比在 2018 年已超過 14%，正式進入「高齡社 會」，2025 年則將突破 20%，邁向「超高齡社會」。人口老化為醫療照護、社會福利、勞動供給等社會面向帶來挑 戰，也讓年長者的生活品質及身心需求愈受重視。面對這樣的社會變遷，國樂界興起了「音樂長照」、「青銀共學」 等概念，將樂齡議題帶入國樂視野，不僅是要履行國樂藝術的社會責任，也是在瞬息萬變的社會中，找尋國樂發展 的新藍海。

本期以「樂齡國樂」為母題，介紹民間團隊與大專院校的三個案例：以中老年長者為核心，著重器樂學習及生命價 值實踐的「神奇樂坊」；致力社區創生、青銀共學的中國文化大學中國音樂學系（以下簡稱文大國樂系）；以及推廣 藝術長照、培養相關專業人才的國立臺南藝術大學中國音樂學系與民族音樂學研究所（以下簡稱南藝大國樂系∕民 音所）。在這些不同的案例中，屬於國樂的「銀光經濟」正閃閃發亮著。

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神奇樂坊演出盧亮輝《諸羅組曲 II：漁港情緣》，結合影像多媒體創造新意

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樂齡國樂合奏的藝術性及自我實現：神奇樂坊 樂齡國樂的第一個面向，首先是器樂演奏與合奏的學習。這部分，來自嘉義縣的傑出演藝團隊「神奇樂坊」告訴我 們，樂齡習樂可以不只是消遣娛樂，更可以是自我挑戰、人生價值與藝術追求的體現。

神奇樂坊成立於 1999 年，由蔡志賢和幾位愛好國樂的好友組成，草創時期規模較小，每位團員樣樣學、樣樣通也樣 樣教，故名曰「神奇」。之後，在基金會及地方市公所的支持下，他們開設許多不同的器樂研習班，漸漸吸引初學者 及演奏好手加入，樂團與班級都逐漸擴大。如今，該團每年舉辦「神奇藝術節」，積極嘗試多媒體跨域、器樂劇場等 多樣化展演，也作為地方業餘及樂齡樂團的資源整合平臺，提供銀髮國樂學習者登臺表演的機會。

神奇樂坊創辦人蔡志賢分享道，樂齡國樂教育一方面需考量長者的程度與需求，一方面也能適度給予挑戰，提高 其成就感。他舉例，參與神奇藝術節的不同樂齡樂團當中，有些團程度較為基礎，適合齊奏或四行譜，有些團則 可嘗試經典或有難度的合奏曲目，一開始簡化樂譜，之後再逐步恢復原譜。在這個過程中，長者會漸漸產生自信 心與學習動力，形成進步的正向循環。除此之外，神奇樂坊近年也委託作曲家為其量身創作，如劉文祥《阿里山 映 像》凸 顯 笙 聲 部 並 簡 化 二 胡 難 度、盧 亮 輝《諸 羅 組 曲Ⅰ：妙 音 傳 頌》刻 意 增 加 嗩 吶 難 度 與 表 現 性 等，藉 由 這 些 客製化方式，樂齡習樂者也能充分體會美好，見證藝術的高度。

蔡志賢認為，樂齡國樂的重要價值是陪伴長者實現自我，讓他們重新和世界產生連結，對自己也對社會有所貢獻。 在某次演出前夕，曾有一位學員對他表達由衷的感謝：「蔡老師，謝謝你，我頭髮都已經半白了，我沒想到我可以站 上大舞臺去表演，這是我這輩子從來沒有想過的事。」這也許是樂齡國樂教育帶來最美好的成果之一了。

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紮根藝響 A Journey into Chinese Music

青銀共學與地方創生商業模式：中國文化大學國樂系 另一方面，在高教領域，文大國樂系則以「青銀共學」為導向，嘗試嶄新的招生方式與教育模式。自 112 學年度 開始，文大國樂系取消學科及副修考試，並積極招收樂齡及社會人士，讓年長者有機會參與國樂專業教育，也營 造跨世代共學相長的環境。國樂系主任王樂倫指出，今年（112 學年度）共有 7 位社會人士報考，年齡分佈從 30 餘歲到 55 歲，其中，榜首更由一位古箏專長的年長者考取，充分體現了樂齡圓夢的人生價值。

不過，青銀共學的理想並非一蹴而就，而是有許多議題需要積極應對。例如，許多年長者雖有求學慾望，但他們 可能會恐懼於陌生的大學生涯，也可能焦慮於老幼共學、和年輕人相處等情境。這些問題都可能讓年長者望而卻 步，降低參與動機。對此，王樂倫說明，為緩解年長者的焦慮與恐懼，教育端可提供各式彈性調整空間與應對措 施，以國樂系為例，術科方面將進行能力分組，針對不同學生的背景及程度量身訂製，學科方面也將視學生學習 情況進行彈性調整，透過這些規劃，為年長者營造彈性而具安全感的學習環境。王樂倫也認為，年長者具有強烈 的學習動機，潛移默化中讓年輕人感受到更正向的學習態度，進一步達到相互尊重及理解，如此的共學共好，強 化了更好的學習成效。

除了大學階段的青銀共學，國樂系也配合文化大學的教育方向，致力耕耘於「地方創生」與「在地連結」。文化大學 近年推動「共創光明頂：陽明山社區創生新願景」、「陽明山學」等大學社會責任計畫（USR / USR Hub），這些計畫 結合了藝術學院、環境設計學院、社會科學院等多間系所的跨領域專業，帶學生深入認識陽明山、士林、北投等近 鄰，拓展社區的藝術文化產業。以國樂系為例，他們規劃了帶狀的社區計畫，提供國樂器體驗、器樂教學及合作演 出等活動，透過這些活動，帶國樂學子深入了解長輩需求與地方生態。

王樂倫特別指出，「社區實習的最終目的，是要讓學生未來有能力進駐社區，發展出自己的國樂商業模式。」面對少 子化、高齡化等社會變遷，過往的學齡器樂家教、中小學教職等就業路線漸漸萎縮，因此有必要順應環境趨勢另闢 新路，地方社區的文化經營即是極具潛力的路線之一。另一方面，提倡高教青銀共學也是要回應少子化議題，讓高 教得以永續經營。

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文大國樂系推廣青銀共學，年輕學子與社會人士共學共演

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文大國樂系推動「共創光明頂」計畫活動留影

藝術長照的專業養成：南藝大國樂系及民族音樂學研究所 同樣屬於高教領域，南藝大國樂系及民音所則聚焦於「藝術長照」，致力培養樂齡產業及學術的專業人才。南藝大 近年將藝術長照增列為發展重點，推動校內科系改革，如國樂系碩士班及民音所都相繼開設專題課程，後者於在職 專班設立「應用醫療民族音樂學組」，113 學年度更將開設「民族音樂應用與藝術長照發展組」，期許培養出學術與 實踐能力兼顧的藝術長照者。

南藝大國樂系教授賴錫中說明，藝術長照不是一般意義下的長照，而是將藝術帶入長照場域，其本質仍是藝術，目 的亦是要發揮藝術的獨特價值。他分享道：「目前長照仰賴的醫護系統，尚不足以支持『幸福餘命』的理想，因此 需要音樂藝術來提升長者的幸福感；只有藝術可以實現幸福的目標。」舉例而言，在陪同演奏器樂時，會將焦點放 在年長者的手部拉伸、呼吸運氣及身體動作等，一方面以音樂輔助治療，一方面則讓長輩感到滿足與成就感。可以 說，比起完成樂曲的「目的」，藝術長照更關注「過程」中產生的輔療效果及幸福感受。

賴錫中也提到，藝術長照是一項跨領域的專業，目前有許多資深長照工作者進修藝術專業及藝術輔療等相關知能，亦 有音樂及多元藝術教育者學習長照實踐與健康促進的技巧，形成了雙向奔赴的鮮活生態。回到國樂教育的脈絡上，藝 術長照的跨域特性，也提醒著國樂學子要吸收不同領域的知識技能，一方面要顧及高齡場域的需求，一方面也要實踐 自身專業，如此才能實現藝術長照的理想。

其實，不管是器樂教育、青銀共學或藝術長照，它們都提醒著你我，永遠不要固守於現況或前人方法，而是要隨著時 代趨勢彈性應變，開創不同的道路。回望過去百年的歷史，國樂藝術之於社會的關係與樣態從來就不是固定的，以後 也不會是；唯有不斷回應社會需求、不斷調整自身，讓國樂隨著歲月變化、成長，才是最好的國樂經營之道。

南藝大音樂學院學生與官田社區銀髮族共同進行太鼓打擊

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國樂新視界 New Vision

加州大學洛杉磯分校中國音樂教授 李琦的教學理念與方法 文 / 許馨文1 、邱偉恩2 圖 / 李琦

李琦老師 2005 年指揮中國樂集公演實況

前言 3

中國音樂於 19 世紀隨著華人移民進入美國，至今全美已有 20 多所大學提供相關課程。 其中，加州大學洛杉磯分校 （University of California, Los Angeles，以下簡稱 UCLA）的中國音樂課程由已故的中國音樂演奏家、作曲家、教育家 呂振原（LUI Tsun-Yuan）教授於 1961 年開設，至今已超過半世紀的歷史。呂振原教授於 1991 年退休，幾年後，李 琦（Chi LI）教授——一位畢業於中央音樂學院的傑出二胡演奏家與音樂教育家——承接了呂振原教授的志業。作為 新一代的音樂教育者，李琦教授一方面延續呂振原教授的課程理念，另一方面也創造出屬於自己的教學風格。她不僅 在學校開設中國器樂演奏、古典樂舞以及戲曲等課程，也創辦了 UCLA 中國樂集（Music of China Ensemble），她的 努力為 UCLA 的中國音樂教育奠定了扎實的基礎，也為南加州中國音樂愛好者提供了學習資源。今年 4 月 24 日，本 文作者之一許馨文在 UCLA 音樂學院訪問到李琦教授，過程中她談到自己的學習歷程，以及 26 年來在美國推動中國 音樂教育的經驗。

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許馨文現為國立臺灣師範大學民族音樂研究所助理教授。 邱偉恩現為國立臺灣師範大學民族音樂研究所研究助理、國立臺北藝術大學藝術行政與管理研究所碩士生。 參見呂家玗。2023。〈異鄉異地異文化 — 淺談美國兩所大學國樂團的發展〉。《新絲路》第 88 期，頁 26-37。

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少女李琦 李琦教授自幼隨父親學習多種樂器，她說：「因為我的父親是小學的管弦樂老師，小時候沒有玩具，我的玩具就是樂 器」。中學期間，她經歷了文化大革命，因緣際會學習了各種民俗舞蹈，包括扇子舞、紅綢舞與傣族舞，以及說唱、 戲曲等中國藝術形式。文革結束後，她成為第一批進入中央音樂學院的學生，儘管專攻二胡，但因興趣廣泛，當時她 仍經常與同學們一起演奏各種樂器。這些學習經驗，讓她後來得以開設多種中國音樂課程。

從熠熠星光的舞臺到諄諄不倦的校園 中央音樂學院畢業後的李琦教授即擔任中央民族樂團的二胡獨奏家。20 世紀 80 年代，她時常在北京的國宴上擔綱演 出，也常受邀出國巡演。移居美國後，她持續從事中國音樂的演出與教學工作。1997 年，她受邀至 UCLA 教授中國 音樂。她十分推崇呂振原教授的貢獻，「有些學校可能持續了一段時間就斷掉，呂先生從 60 年代在這裡連續 30 年不 間斷地授課，這是非常了不起的事情」，「前人栽樹、後人乘涼。能夠在呂先生那麼多年的基礎上有這個機會來教書， 我覺得非常難得，非常地感恩。」 目前李琦教授在民族音樂學系共開設六種中國音樂課程，包括給初學者修習的初階實作課程 68A、68B、68C，以及 給較有經驗學生修習的進階實作課程 168A、168B、168C。另外，與李海倫（Helen REES）教授合開的課程 158 則整 合了中國音樂理論、樂器史與音樂展演實作。上述課程對全校學生開放，李琦教授指出，事實上，來修習中國音樂的 學生中，來自音樂學院的學生（包含民族音樂學系、音樂史與音樂產業相關人員）僅佔近半，大多數學生來自其他系 所。

李琦教授提到，早期她總認為學生應該能表現的如她所想，但「後來因為一些契機，所以思想方法就跟原來有一些變 化」，現在的她重視「把自己知道的東西貢獻出來」，她了解「每個人的條件不一樣，能練習的時間也不一樣」，「既然 你到了我的課上，就說明你有這個慾望願意學；既然你願意學，那我就把我知道最好的告訴你。」

親力親為、因材施教 李琦教授所開授課程均由她親自設計與規劃。由於參與課程的學生來自不同學習背景，她會在開學前兩週先了解每位 同學的演奏基礎，判斷適合使用的教材，並根據學生的喜好和條件，為他們選擇樂曲。考慮到每位學生程度和學習樂 器的差異，她有時需要為學生編寫樂譜，「上課主要使用簡譜，古琴課則使用減字譜，此外，有時我也會依照學生程 度將樂譜改成五線譜，方便學生閱讀。」

除了為樂曲製譜，李琦教授提到她有時也需要為學生重新編曲。「有些學生從未接觸過特定樂器，此時就需要我改編 一下，讓他們能夠馬上上手，然後下個學期他才可以彈比較複雜一點的曲子」。她強調：「教學的目的，是使同學在其 基礎上取得進步；學生的需求各異，因此要確保他們都能夠提升，這才是教學的核心任務，而非追求標準化的音樂表 現。」

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有求必應、教學相長 李琦教授說，學生都知道她拉二胡，但還是經常有學生問她：「我想學笛子可不可以？」、「我想學琵琶可不可以？」

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我說：「當然可以」，「這樣子我自己也可以彈一些、學一些，就是教學相長」。她提到在 UCLA 任教的第一個學期，有 位同學表達了對於學習琵琶的濃厚興趣，雖然學習琵琶對當時這位學生頗有難度，但她認為要是學生有興趣，她一定 要想辦法滿足他們的需要。後來這位學生跟她學習了許多年，後來也學習作曲，最終還投身電影配樂工作，「他寫了 七、八部電影作品，經常使用中國樂器」。目前，李琦教授每學期固定教授絲竹合奏、古琴、戲曲、民俗舞蹈，以及 古箏等課程，讓學生有不同的選擇。

李琦教授雖然強調因材施教，但是對於學習成果還是有客觀的評量方式。課堂成績包括學生的課堂表現和課堂作業： 李琦教授要求學生每次上課必須能夠演奏上一堂課所學的樂曲段落，以評估學生是否花了時間自主練習；期中作業則 要求學生繳交演奏的錄影檔案，以評估其指法、節奏和音高的正確性；到了期末，學生必須參與期末呈現，但呈現方 式有很大的彈性：比如，課程 158 中，學生可以根據個人喜好和技巧，選擇以新學的樂器進行作曲，老師會與學生討 論，並共同編修曲目；此外，學生也可以選擇舉辦迷你音樂會，或是繳交論文做為期末作業。針對絲竹合奏、古琴、 戲曲、民俗舞蹈和古箏課等實作課程的學生，李琦教授要求其平時固定找老師上課，期末則可選擇參與團體演出或個 人獨奏；團體演出部分，她會根據學生的演奏能力與樂器，協助規劃他們在團體演出中的角色。

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中國樂集 2018 年於 UCLA Jan Popper 劇場中排演

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實踐互動、缺一不可 除了參與校內課程，李琦教授也帶領學生參與校內外音樂會。校內的音樂會按季節劃分，包括 1 至 3 月間舉辦的冬季音 樂會、4 至 6 月間舉辦的春季音樂會，以及 10 月至 12 月間舉辦的秋季音樂會；校外音樂會則多在社區活動中心、中小 學、安養中心。音樂會的籌備從節目構思、樂器配置、人力規劃到演出彩排，皆由李琦教授與學生共同完成，演出內 容涵蓋傳統與現代曲目，形式則強調與觀眾互動，讓學生透過參與社會實踐，學習分享與跨文化交流。

透過修課與參與校內外演出，李琦教授希望能讓學生認識中國音樂的特色，她強調，這些認識不僅需要字面上的了解 或聆聽，還需要與樂器親身互動，由認識樂器的構造開始，延伸至其歷史脈絡、演進過程，再到實際演奏。這些階段 是學習音樂文化不可或缺的要素。

結語 李琦教授因材施教、有求必應的教學理念，讓不同能力、不同程度的學生能在有彈性的學習過程中成長與發揮；她強 調親身體驗、參與社會互動的教學方法，則讓不同專業、不同背景的學生都能體驗中國音樂之美、參與跨文化交流。 她的教學理念與方法促使中國音樂成為在地社會多元文化的重要養分，或可提供其他中國音樂與世界音樂教育工作者 作為參考。

UCLA 中國樂集 2022 年冬季音樂會節目單

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Prof. LI Chi’s Pedagogy: The Art of Chinese Music Education at UCLA Text / HSU Hsin-Wen and CHIU Wei-En Images / LI Chi

Introduction Chinese Music made its way into the United States in the 19th century alongside Chinese immigrants. Today, more than 20 universities throughout the U.S. offer courses in this field. The Chinese Music program at the University of California, Los Angeles (UCLA) was established in 1961 by the late Professor LUI Tsun Yuen, a renowned Chinese musician, composer, and educator. Following his retirement in 1991, Professor LI Chi, an accomplished erhu player and music educator from the Conservatory of Chinese Music, took up his mantle. As a modern educator, LI continues LUI’s educational legacy and brings her unique teaching

Students from the UCLA Chinese Music course performed outdoors at the Huntington Library in Los Angeles during the 2011 Lunar New Year

style. She has introduced courses in Chinese instrumental music, classical dance, and Peking opera and founded the UCLA Music of China Ensemble. Her contributions have solidified the foundation of Chinese Music education at UCLA and provided valuable learning resources for Chinese Music aficionados in Southern California. On April 24 of this year, one of the authors, HSU Hsin-Wen, had the opportunity to interview Professor LI at the UCLA Herb Alpert School of Music, where she shared insights into her educational journey and her 26 years of experience in advancing Chinese Music education in the United States.

LI Chi as a Young Girl From her early years, Professor LI Chi learned a variety of musical instruments under the tutelage of her father, a primary school orchestra teacher. She said, “I didn’t have toys as a child, but because my father was a school orchestra teacher, my toys were musical instruments.” During her middle school years, she experienced the Cultural Revolution, a period that led her to learn various forms of folk dance, including fan dance, red silk dance, and Dai dance, as well as other Chinese artistic forms like storytelling and Peking opera. After the end of the Cultural Revolution, she was among the first students to enter the Conservatory of Chinese Music. Although she majored in erhu, her wide range of interests at the time still led her to frequently play various instruments alongside her classmates. These learning experiences later enabled her to offer a variety of courses in Chinese Music.

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The Music of China Ensemble, conducted by instructor LI Chi, performed at UCLA’ s landmark Royce Hall in 2017

From the Glittering Stage to the Tireless Campus After graduating, Professor LI took up the role of a solo erhu player with the China National Traditional Orchestra. In the 1980s, she was a frequent performer at state banquets in Beijing and was often invited for international tours. Upon moving to the U.S., she continued to engage in both performance and teaching of Chinese Music. In 1997, she was invited to teach at UCLA, where she greatly valued the contributions of Professor LUI Tsun Yuen. “Some courses might continue for a while and then cease, but Mr. LUI taught here continuously for 30 years since the 1960s, which is quite remarkable,” she said, “One generation plants the trees, so the next can enjoy the shade. Having the opportunity to teach on the solid foundation built by Mr. LUI over so many years is precious and something I am deeply grateful for.”

Currently, Professor LI offers six Chinese Music courses in the Department of Ethnomusicology at UCLA. These include introductory practical courses 68A, 68B, and 68C for beginners and advanced practical courses 168A, 168B, and 168C for more experienced students. In addition, she co-teaches course 158 with Professor Helen REES, which integrates Chinese Music theory, the history of musical instruments, and practical music performance. Open to all students across the university, Professor LI notes that nearly half of the attendees in these Chinese Music courses are from the music department, including students from Ethnomusicology, Music History, and Music Industry programs, with the majority coming from other departments.

Professor LI initially expected her students to perform according to her vision. However, later, her teaching philosophy evolved.

She now emphasizes sharing her knowledge and understanding that each student has different conditions and practice time. “If you are in my class, it shows your desire to learn; if you’re willing to learn, I’ll impart the best of my knowledge to you.”

Hands-on, Tailored Teaching Every course offered by Professor LI is personally designed and planned by her. Recognizing that her students come from diverse learning backgrounds, she takes time before the start of each term to understand each student’s foundation in playing, selects appropriate materials based on their preferences and capabilities, and chooses pieces that cater to their individual goals and conditions. Given her students’ varying skill levels and instruments, she sometimes writes music scores for them, “primarily using simplified notation, reduced notation for guqin classes, and occasionally adapting music into staff notation to facilitate easier reading for students based on their proficiency.”

In addition to composing music scores, Professor LI Chi also adapts compositions to suit her students’ needs. “Some students have never played a particular instrument before, so I modify the pieces to help them start easily. This way, they can progress to more complex pieces in the following semester, ” she explained. She emphasized, “The goal of teaching is to meet students at their unique starting points, nurturing their individual progress. As each student has different needs, ensuring everyone improves is crucial. This approach, focusing on personal growth rather than standardized musical performance, captures the essence of teaching. ”

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Responsive Teaching, Mutual Learning While known primarily as an erhu player, Professor LI often receives requests from students to learn other instruments, like the flute or pipa.“Of course, you can, ” she responds, viewing these requests as opportunities for mutual learning. She recalls one student who showed a keen interest in learning the pipa. Despite initial challenges, the student mastered the pipa under her

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guidance and pursued composition, eventually contributing to film scores featuring Chinese instruments. Professor LI teaches various courses each semester at UCLA, including ensemble, guqin, Peking opera, folk dance, and guzheng, thus providing students with a wide range of options to explore.

While Professor LI Chi emphasizes tailored teaching, she also employs objective methods for assessing learning outcomes.

Grades are determined by classroom performance and homework. She requires students to play segments of music learned in previous classes to gauge their independent practice efforts; mid-term assignments involve submitting video recordings to evaluate their technique, rhythm, and pitch accuracy. For final assessments, students engage in presentations with flexible formats. For example, in course 158, students may compose using newly learned instruments, discuss and revise their pieces with the professor, or even organize mini-concerts or submit research papers. In practical courses like ensemble, guqin, Peking opera, folk dance, and guzheng, regular class attendance is mandatory, with an option for students to participate in group performances or solo recitals for their finals. Professor LI carefully plans each student’s role during group performances based on their instrumental proficiency and playing ability.

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Students enrolled in the Chinese Music course performed a folk dance at the Jan Popper Theater at UCLA in 2018

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Interactive Practice, Indispensable Experience Beyond the classroom, Professor LI guides students in participating in both on-campus and off-campus concerts. The on-campus concerts are seasonally themed: the Winter Concert occurs from January to March, the Spring Concert is held between April and June, and the Autumn Concert takes place from October to December. Off-campus concerts are primarily held in community centers, schools, and nursing homes. The concert preparation, from program planning, instrument arrangement, and human resources organization to dress rehearsals, is a collaborative effort between Professor LI and her students. The performances blend traditional and modern pieces and emphasize interaction with the audience, enabling students to engage in social practice, share knowledge, and participate in cross-cultural exchanges.

Through coursework and performances, Professor LI Chi aims to immerse her students in the unique aspects of Chinese Music.

She stresses that understanding this genre involves more than just theoretical knowledge or listening; it requires direct interaction with the instruments, understanding their structure, historical context, evolution, and actual performance. These aspects are vital for a comprehensive understanding of musical culture.

Conclusion Professor LI’s tailored guidance and responsive education approach allow students of diverse abilities to grow within a flexible learning framework. Her methods, centered around firsthand experience and social engagement, enable students from various fields and backgrounds to immerse themselves in the beauty of Chinese Music and partake in cross-cultural exchange. Her educational philosophy and methods enrich the local multicultural fabric and serve as a valuable reference for other educators in the fields of Chinese and world music education.

Students from the UCLA Chinese Music course performed outdoors at the Huntington Library in Los Angeles during the 2011 Lunar New Year

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這些人這一刻 The Moment

踽踽獨行不改其志── 訪黎華趙老師 文 / 萬智懿

圖 / 詹文俊、伊利華報、許秀熒

第一次見到黎華趙老師，是在孫新財老師的告別追思會（2023年8月29日），陳中申老師領多位國樂前輩演奏追思音 樂，結束時其中一人突然起身，表示要再為廣東同鄉「老孫」拉一首《悲秋》緬懷他。筆者注意到他拉的二胡沒有裝 千斤線，原來此人正是離臺數十年的黎華趙老師。黎華趙老師曾任職於臺北市立國樂團，1987年赴美依親，並攻讀博 士。原本他可以成為一位歷史學者，卻因為熱愛中國傳統音樂，改學習當時正夯的民族音樂學。但學習之路本無盡 頭，愈走同行者愈少，他也愈加地孤單，尤其失怙失恃後，加上無妻無子，終在今年3月回到臺灣。

3 歲赴港 本姓「楊」的黎華趙，戊子年出生於廣東鶴山，父親本在美國，由於1940年代美國的華人社會很難找到適婚對象，因 此16歲時回廣東鶴山相親結婚，20歲生下黎華趙。後因國共內戰，親族一一回美，父親的美籍身分遭堂兄冒用，只能 暫時滯留大陸，但是先安排3歲的黎華趙隨二伯娘，假扮母子欲一同赴美，卻在香港辦赴美簽證時被發現血型不符， 兩人無血緣關係。二伯娘為了照顧黎華趙，只好放棄了去美國的機會，與二伯父一別二十餘載，這讓黎華趙回憶起來 心中仍充滿了感謝與愧疚。二伯娘對黎華趙視如己出，疼愛有加，黎華趙也十分依賴二伯娘。1950、60年代，香港很 流行粵劇（又稱廣東大戲），因二伯娘喜歡粵劇，黎華趙也跟著日日追劇，耳濡目染下，對粵劇特有的伴奏旋律竟已 掌握大半，日後學習國樂器後，很快就能跟隨頭手伴奏。

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絲竹雅集合照，正中間拉胡琴者為黎華趙（資料來源：許秀熒）

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自小擅長文史科目與國樂器 黎華趙在丱角之年由舅公啟蒙學習胡琴，初中時，正式拜粵樂名師盧家 熾 1 先生習胡琴。在香港讀初中時，自學琵琶，曾以李庭松版本的《霸 王卸甲》獲得天才表演獎，顯然黎華趙在音樂方面極富天賦。除此之 外，文史科也是他的專長，父母本期望他讀「理工」未來當個工程師， 但他後來還是選擇讀文史並拿到歷史研究所碩士學位。

保送政治大學歷史系 黎華趙在香港讀的是英文中學，只因太沉迷於國樂，會考失敗，進入珠 海書院就讀，同時準備參加教育部的「十大院校聯招」對外考試，因在 珠海書院成績優異拿到前五名，1969年獲教育部保送政治大學歷史系就 讀。當時臺灣正倡議中華文化復興運動，帶來學習國樂的風潮，具有國 樂才能的僑生 2 ，此時扮演了推動國樂進步的角色，尤其港澳僑生因往 來港臺之便，攜入國樂唱片、錄音帶、樂譜書籍及樂器，並分享所學帶

彈琵琶英姿（資料來源：伊利華報）

來豐富的交流，讓本地生視野更加開闊也推動國樂進步的腳程。

將第一把柳琴帶進臺灣 1969年黎華趙乘坐輪船來臺，帶了琵琶，盒子外還縛有藍色絲絨布包著 的柳琴，黎華趙帶進了臺灣第一把柳琴，是徐州製的3根弦柳琴，當時香 港的琵琶已用尼龍釣魚線為弦，黎華趙也為柳琴換上尼龍線，許多人因不 知柳琴的正確名稱，乾脆就稱它為「小琵琶」。當時王正平看到黎華趙帶 著琵琶，知是同好，便上前搭訕，想看盒中琵琶。黎華趙很大方地打開分 享，他的琴是北京紅木琵琶，盒裡放了兩本影印曲譜，王正平發現竟是五 線譜的《十面埋伏》及《春江花月夜》，這讓他有些吃驚，問說：「你彈 琵琶看五線譜？」還有一次搭船遇到了唐健垣，黎華趙說當晚皓月當空， 水平如鏡，應唐健垣要求，他在甲板上彈了一曲《梅花三弄》，唐健垣問 他與哪位老師習琴，沒想到黎華趙竟回答：我是自學 3 。

進入臺北市立國樂團

曾主編《北市國樂》

1979年臺灣第一個職業樂團臺北市立國樂團（下稱北市國）成立，王正 平任指揮，黎華趙也考進北市國，並於1981年完成《張蔭麟研究：生 平，著述及其史學》論文，取得碩士學位。也因此在北市國職等跳升五 級，加上1983-1985年間擔任研究推廣組組長有主管特支費（現稱主管

1987 年由臺北市立國樂團出版的《樂海蠡測》，特請 劉太稀先生題名，封面是黎華趙自己設計，借用薛宗 明《中國音樂史：樂譜篇》中的笙譜，工尺譜，《弦 索 13 套》合奏譜等等，暗諷中國不是沒有音樂，是 大眾黑白不分

職務加給），薪資令團員艷羨，也吹起一股團員進修學位的風潮。黎華 趙在北市國是少數具備史學研究方法與背景的演奏員，雖曾二進北市國，還因下顎骨纖維變化瘤，於1970-1985年間開 刀8次，但任職8年來留下近十篇「專論」文章，還擔任《北市國樂》的編輯2年有餘，在離臺赴美前，他部份「專論」 文章集結成《樂海蠡測》一書，1987年由北市國出版。

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盧家熾先生畢業於中山大學法律系，盧先生忙碌時會委託吳大江代課，黎華趙暱稱他大江哥，倆人情誼深厚。黎華趙表示： 「盧家熾先生 任職位於香港大會堂的香港電台，對 1960 年到香港謀生的吳大江多有提攜，每月安排吳大江上香港大會堂演奏，其演奏的《瞧情郎》 、 《山東小曲》 、 《江河水》轟動一時，自此嶄露頭角。」

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1970 年代前後僑生加速了現代國樂的發展，除了就讀政大的黎華趙，還有臺灣大學的陳裕剛 、王正平、陳理、周鳳丹、劉宛然、蕭本 耀、陳勤南，師範大學的唐健垣、羅永暉、史庭輝，成功大學的李炳垣、劉振凱、林俊茂等人，帶來臺灣文化外的另類芬芳。

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與盧家熾先生學胡琴以後，黎華趙所有的樂器都是自學。對古琴他本心儀張世彬先生，無奈緣淺，張世彬先生 1978 年即英年早逝。

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這些人這一刻

出版樂譜成立青少年國樂團 黎華趙回憶起擔任研究推廣組組長期間，北市國在社教館的演出場場爆滿，國樂之 興盛令他十分欣喜。其任內幾件事最為得意，就是出版樂譜及成立臺北市立國樂團 附設青少年國樂團（下稱青少團）。由於現代國樂以交響化為其主要表現形式，在 未成立職業樂團以前，國樂樂譜即有不足的景況，北市國身為臺灣第一個職業樂

The Moment

團，演出場次多，對樂曲的需求量自然更大，因此責無旁貸的擔負起廣徵樂譜、鼓 勵青年創作，並無償分享大眾的工作。當時經常有人到樂團影印樂譜，所以黎華趙 想到了出版樂譜，減少學校、民間國樂團蒐集樂譜之不便及版本不統一的現象。黎 華趙在短短2年任內，即出版了15集的樂譜叢刊，對國樂的推廣起了很大的作用。 執行青少團的成立更為赫赫之功，青少團對國樂人才的培育，對日後進入學校專業 領域或職業樂團都極有助力，還培養出潛在的觀眾群，甚至分擔北市國的表演及推 廣工作，青少團優秀的表現，真可譽為小兵立大功。

赴美 1987年是臺灣解除戒嚴、改革開放的重要年份，不僅黨禁、報禁解除，開放外匯管 制及大陸探親，兩岸也開啟了交流，黎華趙卻在此時辭去了北市國工作，帶著情傷 與一幅對聯：「看破世事驚破膽，參透人情寒透心。」在聖誕節前夕，到美國紐約 與父母團聚。1988-1990年，他在紐約美加華語廣播電臺粵語臺新聞部擔任新聞編 輯暨新聞播報員。1990年在馬里蘭大學攻讀民族音樂學博士，後在肯特州立大學，

1987 年離臺前請書法家寫下之對聯 （資料來源：伊利華報）

最後都沒有拿到學位，他對民族音樂學有自己的想法，他認為：「音樂學學術界實 況，或不欲，或不敢明言，全是誤人子弟，罪孽深重之輩也！」在田野調查時，他 是以complete participant完全參與者的身分參與研究，1992年在馬里蘭大學修完博士課程 後，他開始做潮州音樂研究，他浸淫其中10年，最後還做到頭手，可惜這些論文最後並 未發表。

崇拜孫文明 筆者問起為何他的二胡沒有裝千斤線？他說是學孫文明的。黎華趙老師的 想法總是與眾不同，例如當人人都推崇劉天華或華彥鈞（瞎子阿炳），他 就獨愛孫文明，他認為：「孫文明是二胡歷史上最偉大的音樂家，靠演奏 二胡維生，他在茶樓掛個牌子，寫著：孫文明二胡演奏。大陸到目前為 止，沒有人能夠演奏《志願軍歸國》、《夜靜簫聲》、《二琴光亮》像他 那麼好，這可能和他眼睛瞎掉，所以耳朵加倍敏感有關。如果你聽他拉 琴，你能聽出唱「 咔 戲」的那種感覺，就像聽到演唱評彈《杜十娘》一 般，只是他是用拉奏表現。」

恐無傳人 訪談過程中，黎華趙老師最常說的一句話是：「黎華趙知道越多就越痛 苦！」我想黎華趙老師所說的痛苦，還包括與他想法相應者極為有限的寂 寞吧！訪談過程中，常不經意的談起他的想法及腳步總是快人一步，雖然 有些人會有當頭棒喝的感覺，但多數人還是覺得沒面子，另外他講的話題 有時太深，多數人聽不懂，因此朋友常勸他要「少說話」，切勿「好為人 師」。當然這也讓他更寂寞，感嘆自己找不到傳人，寫下了：「今生人世

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黎華趙老師於今年 11.25 在中壢「木匠的家」演出， 將琵琶當古琴彈，直至今日仍不斷嘗試國樂器的各 種可能性

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無知己，後世無人不識余。一生絕學無傳人，共入黃土後世名。」

粵曲曲譜（雷氏粵曲教材系列，雷桂開等編輯，香港仙樂曲藝社制譜，資料來源： http://68893333.com/sllyric/Lyric/4154.pdf )

2023.08.29 參加孫新財老師追思會，筆者與黎華趙 老師合影（詹文俊攝影）

臺灣自1970年代進入專業教育時期，在演奏方面進步神速，但投入學術研究者尚少，多數人對傳統音樂學仍一知半 解。黎華趙老師舉了數例：如臺灣稱「廣東音樂」為「粵曲」或廣東小曲 4 。孫新財在黃體培先生的著作裡看到如是 說，但「粵曲」在香港是特指「沒有化妝上臺清唱粵劇」，兩地看法不同；另黎華趙來自香港，熟稔「粵曲」伴奏形 式，不僅會看工尺譜，只要跟著頭架，不必看譜就能伴奏。孫新財雖然也是廣東人，但從小生長在臺灣，認為「粵 曲」就是平時常演奏的《平湖秋月》、《雨打芭蕉》 …… 而且都是看簡譜演奏。某次兩人受邀一同去廣東同鄉會為鄭 思森的太太饒 堃 儀伴奏，譜子發下來，孫新財對黎華趙說：「怎麼沒有譜？」黎華趙說：「這個不是譜是什麼？」 （詳見粵曲曲譜圖片）；此外還有「律制」不同的問題，因中廣國樂團在臺灣推廣的現代國樂是採12平均律，但香港 的「粵曲」是兩律並存，廣東音樂運律靈活、多律並用，因此黎華趙奏到Si、Fa較多的樂曲時，會調整成偏低的Si及 較高的Fa，當時就有國樂前輩對他說：你的音不準喔！就像過去臺灣盛行的北管樂亦曾被質疑音準是相同之理。

終究是臺灣好 今年3月黎華趙老師從美國回到他心中的故鄉——臺灣，過往陰霾一掃而空，每天都過得很開心。黎華趙說美國老人酗 酒、抽煙、吸毒的問題很嚴重，他認為那是因為老人很寂寞，只要能找人講話，聊聊天，多跟別人有互動，那麼以上 問題都可以減少。所以他在臺灣每天去長照中心，既能做運動，還能跟一些老人偶爾講講話，是他認為最有益身心的 事。以下是黎華趙老師70歲時寫下的詩詞，題名：《七十畸叟述懷》，刊於美國《伊利華報》，分享給大家。

承母愛，獲父恩。無殘障，身心佳。不愁衣，不憂食，有工做，有錢用。 無戰災，無惡疾。有書讀，有琴彈，有花賞，有酒飲。 肢有疾，仍操觚；頸有病，腦還可。 處塵市，校園旁，窩租房，容修煉（修證佛法，鍛煉身心。） 逾萬藏書難讀畢，史林樂海任遨游，看似貧窮實亦富，心安神寧更難求。 父母俱亡，情孽償還，無妻無子，孑然一身，形同出家，心無挂礙，逍遙自在，樂享清福。 人生如此，夫復何求？何其幸哉！何其幸哉！ 飄零孤獨，凄涼寂寞，謗為瘋漢，沒世無名，於我何患哉？何患哉？ 清清靜靜，明明瞭了，心定神寧，抱一守中。無念無想，明心見性；修心煉性，息歸太虛。

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筆者 1982 年就讀藝專國樂科時，當時林昱廷老師即教導過廣東音樂不可稱為「粵曲」的觀念，並提醒我們多注意使用正確的學術稱謂， 與黎華趙老師的說法是一致的。

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國樂＋講堂 Chinese Music Studies

淺談音樂與科技的跨合作── 評����聲響藝術節《即視旅行》 文 / 李蘊倫（國立臺灣師範大學民族音樂研究所碩士生）

近年來，疫情趨緩，全世界的藝文、旅遊產業開始復興。但網路科技產業的崛起，早已改變人們生活的常態。人們可 利用更多方式接收資訊，除了親身的參與之外，也可以運用網路資訊觀看國內外各大樂團的演出，又或是利用虛擬實 境 1 體驗旅遊。在2023年的聲響藝術節中，有一檔節目回應了人們在疫情期間改變觀看表演活動的習慣，這檔名為 《即視旅行》的節目係由為國立臺灣師範大學音樂學系跨域合作組與民族音樂研究所的共同合作。「現場演奏V.S. 觀 看線上影片」為主軸，以旅遊作為素材，收集觀眾對於的旅行的回憶及憧憬，結合科技與影像技術，帶領觀眾踏上不 同以往的音樂之旅。 《即視旅行》融合裝置藝術展覽與音樂會，系列節目共演出兩天，每日有四個場次，每個場次第一部分以不同音樂風 格做區分，分別為：南管篇、世界篇、絲竹篇、絃樂篇；第二部分利用網路同步直播技術，與國外音樂家合作的跨國 實時共演；第三部分作者運用資訊聲音化 2 技術創作《誰擁有雨？》；第四部分依單、雙數場次區分節目，單數場次 以聲響敘述情感的《後音樂 #33:2.2 》與雙數場次主動聆聽聲響效果的《顯微收音學I

》；最終，節目以第五部分以

作者在網路上回憶過去的《給當下的一紙信箋》。 《即視旅行》不同以往只使用單一展演舞臺演出，而是由多個展演空間組成。筆者觀察，最早看到的空間規劃如同 常見的劇場形式，有舞臺、有觀眾席；節目開始，舞臺上演奏的音樂家，漸漸離開舞臺上樓；由「舞臺」轉變成「 記憶」，現實的演奏家變為主螢幕中的表演者，而原先在螢幕中的表演者，則真實出現在眼前與觀眾們互動。虛轉 實、實轉虛，將舞臺演奏和現實故事融合，如同聆聽他人分享故事時，那種透過聲音傳入腦內，再到心中所幻想的 感覺。觀眾亦能與演奏者互動，協助他們完成一段演出；或是拿起監聽耳機，聆聽其他空間的互動；又或是觀察隱 藏的螢幕，觀察演出者進行的換場工作。 「即」，除了有「就是、便是」的意思，也有「當下、立刻」之意。《即視旅行》的演出片段中，也運用網路同步直 播技術，與國外音樂家連線合作，出演跨國實時即興。此刻待在二樓主空間的觀眾擁有「上帝視角 3 」，打破時間和 地理的限制，能在現場立刻聆聽到臺灣與國外分別製造的聲響，此外，創作者預預先收集觀眾對於旅行的回憶及嚮 往，並運用其為演出者即興音樂的主題。這樣的跨國實時與即興演出，可說反應了科技促進異地異時連結的現代性。

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Virtual Reality, 簡稱 VR, 利用電腦類比產生一個三維空間的虛擬世界，給予使用者視覺、聽覺感受，讓使用者彷彿身歷其境。

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Sonification, 主要是將資訊與聲音參數做配對，藉以製造聲響。著名代表：風弦琴（Aeolian Harp）。

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在文學、影視集中常見的創作手法，第三人稱角度觀看，不受時間、空間、維度限制。

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此場演出的音樂不再只是扮演被欣賞的客體，而成功轉變為連接演奏者與觀眾的媒介與樞紐。這樣的創意可見於《後 音樂 #33:2.2 》與《顯微收音學 I 》兩個作品。前者以影像方式呈現，影片中的配樂並非是以旋律為主軸，而是讓每 個物件碰撞的聲響都成為一種情感的表達，聲音搭配畫面，令筆者在回憶起小時候與家人的點點回憶。這些聲響在末 日的寂寞中，彷彿訴說父親對孩子的愛。後者讓麥克風成為主角，在以前麥克風只在音樂會中被動收音，麥克風在這 首作品中可以主動、自主決定收音方式，紀錄泰來鑼（低音大鑼）的不同擊奏、敲奏、刮奏……等演奏方式，捕捉細 微聲音；再使用濾波器調整聲響強度；透過主動收錄這些獨特聲響，可以讓聽眾更深入地聆聽聲音的細節。以上兩部 作品透過聲響述說著故事，而觀眾能則透過當下的時間與空間，深刻地接收這些情緒，使得音樂不再只是一種休閒娛 樂，而是成為如同語言般傳遞資訊的溝通概念。 節目最後在琵琶演奏旋律收尾，演奏者悄然離開。燈亮後，沒有常見的謝幕儀式，筆者當下並沒意會到節目結束，直 到 工作人員提醒後，觀眾才陸續離場，這樣的設計，也許是想營造一種回到現實的空虛感，但也可能有些突兀。此 外，這系列演出給予各展演空間的賦名與意義，能令觀眾更加了解故事情節，但空間與空間之間的動線，標示略顯不 清，哪裡能去、哪裡不能去，需要觀眾提起勇氣去自行探索，才有機會見到隱藏彩蛋。每個曲目獨立出來都是優秀作 品，曲目之間的過場，對於節目的敘事性理應更具加分效果，但或許是因為鋪陳不足，情緒轉折略顯侷促。 「音樂會」大多被局限於現場演奏，但《即視旅行》不同於一般演出，不僅有表演者的現場演奏，還有預先錄製的視 覺元素，以及實時與異地音樂家的共作。音樂原先在各自的時間軸進行，但在這個空間相遇、交互碰撞，形成了一場 時空之旅。這樣的概念安排，不僅拓展了表演的形式，也讓觀眾更容易沉浸其中，仔細感受音樂所帶來的豐富情感。 《即視旅行》這次的嘗試，破了表演者與觀眾之間的第四道牆 4 ，觀眾不只是靜靜地欣賞表演者在舞臺上的演奏，還 可以在不同的空間中自由遊走，與表演者、各個空間互動，觀眾不再只是訊息的接收者。也因為透過這樣的互動方 式，觀眾被引導進入一個充滿想像力和探險精神的音樂旅程。

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一面在傳統三壁鏡框是舞臺中虛構的「牆」 ，指演員與觀眾之間的隔閡，觀眾透過這面牆可以看到戲劇設定的世界中的情節發展。在大多 數的戲劇中，演員會假裝觀眾不存在，觀眾只是坐在觀眾席觀看演出，臺上不會、或不能與臺下有互動。

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國樂 · 新絲路

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Chinese Music in the New Silk Road