Enero-Febrero-2019
Nº 49
Diana Athill
Entrevista a Carme Brasó Presidenta de las artes plásticas De Cerdanyola del Vallés
TESSA BARLO
Después de una larga actividad laboral en diferentes empresas, empecé el camino por el mundo literario en el año 2009, si bien, desde pequeña iba guardando en una libreta relatos cortos y poemas.
Mi nueva andadura en el mundo literario empezó con la publicación con la editorial virtual Bubok, un poemario titulado "Quédate en mi memoria". Recopilé 50 poesías de amor que había escrito en años anteriores y salió al público por Sant Jordi de ese mismo año.
I tu vas arribar Poemari En Amazón
Mi padre gran aficionado a las religiones mi inculcó esta práctica y en el 2011, publique también con Bubok unas reflexiones sobre la Biblia en el libro titulado "¿Es fiable la Biblia?" La mujer
En 2014 he publiqué mi primera novela titulada "La mujer serpiente" cuyo tema gira en torno al acoso o abuso laboral.
serpiente
En el 2018 he publicado un poemario en catalán “I tu vas arribar” que son poemas de amor.
¿Es fiable La Biblia?
Desde el 2010, publico un boletín cultural- bimestral a través de la red, actualmente con doscientos suscriptores aproximadamente.
Desde el junio del 2014, colaboró con la revista bimestral "La Vall" de Vallgorguina, escribiendo un
Quédate En mi
artículo de interés actual.
memoria
Http://tessabarlo.bubok.es 2
Biografía
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Índice
03
Amelia Bloomer: Una editora decimonónica
04-05
Maria Edgeworth
06-08
Bertche Morisot
09
Muere la escritora y editora Diana Athill
10-11
La entrevista : Carme Brasó. Presidenta de artes plásticas
12-13
Pedro Calderón de la Barca
14-15
La chica que lo dejó todo por Salinger
16-17
Laocoonte y sus hijos, arte y mito.
18-19
La carta de Gabriel García Márquez, antes de morir
20-21
John Ford
22-23
Museo Hermitage
24
El trovador (Opera)
25
Quiero escribir un libro
26-27
Color de la portada de un libro
28-29
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Amelia Bloomer: una editora decimonónica
La estadounidense Amelia Jenks Bloomer (1818-1894) nació en el seno de una familia humilde en Nueva York, y apenas acudió unos años a la escuela, pero eso no fue impedimento para convertirse en una importante editora de prensa y en un referente en la lucha de los derechos de la mujer.
Fue tras casarse con su marido, el abogado y propietario del periódico County Courier, Dexter Bloomer, cuando este la animó a comenzar a publicar sus escritos en él. Ahí empezó todo. En 1848, se celebró Seneca Falls, la primera convención sobre los derechos de la mujer. Amelia asistió sin dudar y, un año después, se puso al frente del primer periódico dirigido al público femenino The Lily, cuyo lema era: «Dedicado a los intereses de la mujer». Los dos números semanales vieron la luz hasta 1853 y su éxito como editora fue tal que consiguió que su tirada superara las cuatro mil copias. En The Lily dejaría constancia de lo que se convertiría en una de las anécdotas de su biografía y que la introduciría, curiosamente, en la historia de la moda. Y es que, entre las reivindicaciones de Amelia sobre los derechos de la mujer, incluyó la necesidad de cambiar la forma de vestir para que pudiera moverse con más libertad. Uno de sus artículos más famosos en el periódico se basaba en esta idea, defendiendo que la finalidad de la vestimenta debía ser práctica, además de procurar salud y comodidad, para adaptarse a las necesidades y deseos de las mujeres. En cuanto al embellecimiento personal, aunque no debía suprimirse, habría de tener un carácter secundario. La mujer no debía ser esclava de su aspecto ni verse limitada por sus propias ropas.
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Amelia predicó con el ejemplo. Cuando la activista Elizabeth Smith Miller comenzó a vestirse con un conjunto que seguía tales premisas: pantalones flojos, combinados con un vestido corto o una falda y un chaleco, la editora no dudó en adoptarlo y empezar a difundirlo en el periódico. Tanto es así que su look, que generalmente consistía en una túnica con cinturón y unos pantalones amplios a juego, ajustados en los tobillos, terminó siendo conocido como The Bloomer Costume o bloomers, mientras que en castellano se utilizaría el término de bombachos o pololos para referirse a ellos. Hubo quien la criticó duramente, y las burlas y caricaturas en prensa fueron constantes. Nada extraño si tenemos en cuenta que renunciar a las inmensas faldas y miriñaques resultaba una revolución para la época, e incluso de ese atuendo, que se consideraba tan inapropiado, procede la palabra inglesa bloomer para referirse a las meteduras de pata. Sin embargo, la defensa a ultranza de los pantalones sería absoluta entre aquellas mujeres que, a finales de siglo, comenzaron a subirse a las bicicletas y practicaban deportes.
Después de que The Lily cerrara, Amelia continuó escribiendo para diversos periódicos y revistas de la época, y no dejó de protagonizar campañas sufragistas en estados como Nebraska y Iowa, lugar este en el que fue presidenta de la Asociación por el Sufragio Femenino entre 1871 y 1873. La periodista, activista y editora falleció en 1894. Su marido, que moriría seis años después, publicó The Life and Writings of Amelia Bloomer.
En 1995, Amelia Bloomer pasó a formar parte del National Women’s Hall of Fame.
https://www.culturamas.es/blog/2017/07/02/amelia-bloomer-una-editora-decimononica/
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(Black Bourton, Oxfordshire, Inglaterra, 1767 - Edgeworthstown, Irlanda, 1849) Novelista irlandesa de estimables e innovadoras dotes narrativas. Observadora atenta de la sociedad y las costumbres regionales, en El castillo de Rackrent (1800) representó la vida irlandesa del siglo XVIII, y en El absentista (1812) denunció las relaciones entre aldeanos irlandeses y propietarios ingleses. Su producción comprende obras de pedagogía como Educación práctica (1798), escrita en colaboración con su padre y que influyó en la reforma educativa británica, cuentos infantiles (El ayudante del padre o Historias para muchachos, colección aparecida entre 1796 y 1800) y otras novelas como Belinda (1801), La moderna Griselda (1804), Leonora (1806) y Helen (1834). Hija de una familia ilustrada, Maria Edgeworth cultivó la compañía mundana, aunque tras formarse en Inglaterra volvió a su hogar irlandés en 1792, para hacerse cargo de sus numerosos hermanos. Lectora de Jean-Jacques Rousseau, publicó junto a su padre, para difundir las ideas de éste sobre la educación, Letters to Literary Ladies (1795), en la que expuso sus puntos de vista sobre la educación femenina, Educación práctica (1798), texto con innovadoras propuestas pedagógicas, y The Parent's Assistent or Stories for Children (1796), colección de narraciones infantiles que fue apareciendo hasta 1800 en seis tomos.
Maria Edgeworth rechazó una propuesta de matrimonio del conde de Edelcrantz, vinculado a la corona de Suecia; tal episodio inspiró su novela Leonora (1806). Más tarde publicó dos novelas sobre la realidad social de Irlanda, The Absentee (El absentista, 1812) y Ormond (1817). Tras la muerte de su padre en 1817 menguó el ritmo de su producción; completó y presentó las memorias paternas (Memoirs of Richard Lovell Edgeworth, 1820) y, excepto en los períodos de algunos viajes al extranjero y de sus visitas a Londres, vivió hasta su muerte en Edgeworthstown, dedicada al cuidado de su numerosa familia.
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Tras la muerte de Tallyhoo Rackrent, le sucedió en la propiedad del castillo y en el nombre sir Patrick O'Shaughlin, hospitalario y divertido amigo de la buena mesa que acabó por morir cantando, después de una de sus solemnes comilonas. Su sucesor, sir Murtagh, después de una vida transcurrida entre causas y pleitos, murió a consecuencia de la excitación causada por un terrible altercado con su mujer: "se le rompió un vaso sanguíneo y toda la ley del país no pudo hacer nada en este caso". Después vino sir Kit, gran duelista, que murió con una "bala en la parte vital"; a su partida, los más afligidos fueron los que habían hecho apuestas por su victoria. De las gestas de sir Candy, joven oficial y gran jugador, es cómica y patética la escena en que pide respuesta a un medio penique lanzado al aire para decidir si deberá casarse o no con la joven de la cual se siente enamorado, la sobrina de Thomas Quirk; la respuesta de la moneda fue negativa. Las deudas contraídas por la manía del juego le decidieron, para evitarse las probabilidades de ir a la cárcel, a entrar en el Parlamento. Es ingeniosísimo el relato de la campaña electoral, que lleva a la completa ruina las finanzas del candidato. La última acción de su vida fue apostar a que vaciaba de un solo trago un cuerno lleno de ponche hasta los bordes; ganó la apuesta, pero perdió la vida. Walter Scott fue pródigo en alabanzas para la autora, "rebosante de buen humor, de ternura patética y de admirable buen gusto" y afirmó que había logrado "dar a conocer a los ingleses el carácter de sus alegres y cordiales vecinos de Irlanda".
El absentista (The Absentee) tiene en cambio un carácter de panfleto contra los lores latifundistas, que llevaban una vida lujosa y extravagante en Dublín y en Londres mientras los desgraciados arrendatarios eran víctimas de agentes ladrones y abusadores. Lord Clonbrony, uno de estos propietarios absentistas, es jugador y derrochador y vive en Londres, con su frívola mujer, víctima de gorrones y leguleyos. Su vulgar consorte se siente humillada de figurar como irlandesa y se convierte en objeto de burla de las damas inglesas a las que en vano trata de imitar.
Les salva de la ruina su hijo, un perfecto caballero que se casa con una heredera irlandesa y se convierte en lord Colambre. Éste, al visitar de incógnito las posesiones de su mujer y de su padre, conoce a un campesino modelo, Mr. Burke, que, sin embargo, ha sido denunciado al propietario y está a punto de ser despedido, mientras el agente de su padre, Garraghty, deshonesto e inicuo expoliador de los arrendatarios, está a punto de suplantar al propietario en el dominio de sus bienes. Lord Colambre, revelando inesperadamente su identidad, confunde al agente deshonesto y a su cómplice, St. Dennis, precisamente en el momento en que están engañando arrogantemente a los intimidados arrendatarios.
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Algunos de los caracteres de los aldeanos, humildes, modestos, llenos de corazón, confiados y al mismo tiempo dignos, son de los más conseguidos por la pluma de Maria Edgeworth. Entre las intrigas secundarias figuran las relaciones del futuro lord Colambre con miss Nugent, con quien se casará después de una historia de amor complicada por obstáculos de carácter social y financiero. Pese a la denuncia, El absentista es sobre todo un cuadro de costumbres y de ambiente, cuya viveza deriva del perfecto conocimiento que la autora tenía del aldeano irlandés y de los propietarios ingleses. La minuciosa observación de Edgeworth ejerció también influencia en Scott.
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/e/edgeworth_maria.htm
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Berthe Morisot
Bourges, 14 de gener de 1841 — París, 2 de març de 1895 Deixebla de C.Corot (1862-68), assimilà les seves influències fins el 1874 ( Cacera de papallones , 1874, col·l particular, París). Des del 1868 fou deixebla i model d’E.Manet, de qui esdevingué més tard cunyada, i fou progressivament influïda per aquest ( El bressol , 1873, Musée d’Orsay, París). Bé que el seu estil propi s’estabilitzà entre el 1877 i el 1879 ( Dona al tocador , 1879,
Musée d’Orsay), a partir del 1880 rebé la influència d’A.Renoir ( El cirerer , 1891, col·l particular, París). Des
del 1874 prengué part en totes les exposicions impressionistes i compartí totes les vicissituds del grup, però tècnicament preferí les pinzellades àmplies fetes amb gran llibertat a la pinzellada divisionista. Conreà els temes intimistes, tant d’interior com els pleinairistes, sempre amb figures femenines o d’infants (Eugène Manet i la seva filla , 1883, col·l particular, París). https://www.enciclopedia.cat/EC-GEC-0044454.xml
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Muere la escritora y editora Diana Athill a los 101 años
Combinó una brillante carrera en la edición, donde trabajó con escritores como Phillip Roth, Margare Atwood o V.S. Naipaul, con un galardonado éxito como autora
Diana Athill es una señora formidable. Defensora de las virtudes del envejecimiento (“El día en que cumplí 82 años fue el mejor de mi vida”, título uno de sus artículos) constituye un caso de estudio sobre cómo afrontar lo que la socióloga Sara Lawrence-Lightfoot ha llamado “el tercer capítulo” de una vida. Jubilada como editora a los setenta y cinco años, emprendió una nueva carrera como escritora. El año pasado, cumplidos los noventa, obtuvo un amplio reconocimiento con su libro autobiográfico Somewhere towards the end, premio Costa de biografía, donde relata su larga y agitada vida sentimental que incluyó un prolongado mènage a trois bajo el mismo techo con el autor jamaicano Barry Reckord y su novia. Ahora aparece en España un libro anterior, en el que rememora su paso por el mundo del libro: Stet (vale lo tachado), que publica Trama editorial en traducción de Miguel Martínez Lage.
Athill fue reclutada como ayudante por el editor André Deutsch tras un breve affaire que daría paso a una relación semifraternal. En el Londres de los años 40, emigrados centroeuropeos como Deutsch o George Weidenfield creaban casas editoriales que sentarían el tono del libro británico de postguerra. Athill, una buena lectora que odiaba la gestión se mantuvo como editor sin llegar del todo a ser publisher. Mantuvo sin embargo una relación muy directa con varios autores de la casa, a los que dedica sendos retratos en los que muestra su doble atracción por el mundo caribeño y por las figuras a la deriva. Así desfilan Jean Rhys, autora de Ancho mar de los Sargazos, dubitativa y alcoholizada; el siempre complicado V.S. Naipaul o del hoy olvidado Alfred Chester, personaje capotiano abocado a un final desgraciadísimo. Diana Athill, que se ocupó de la edición británica del Bearn de Vilallonga y de La plaça del diamant de Mercè Rodoreda, hace agudas observaciones sobre su trabajo, de las que destacaré dos:
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“Los libros que de veras vale la pena leer no surgen de que alguien diga ‘qué buena idea’. Surgen de que alguien sepa mucho de un determinado asunto y de que tenga además sentimientos fuertes sobre ese asunto. Y eso no significa que una plumilla no sea capaz de redactar un libro aceptable por encargo de un editor; tan sólo significa que cuando lo hace suele terminar en las estanterías de las devoluciones al doble de velocidad de lo habitual”. “Cualquier editor sabe que no forzosamente logra uno ser un éxito de ventas escribiendo bien. Como es lógico, tampoco es necesario escribir mal para lograrlo. La calidad de la escritura e incluso la calidad del pensamiento es irrelevante. Es cuestión de tocar o no la fibra del público lector en su máxima amplitud”.
Stet aparece en la colección Tipos Móviles, que ha publicado anteriormente libros sobre Giulio Einaudi y Jerôme Lindon y escritos autobiográficos de Tom Maschler y Hubert Nyssen, entre otros, lo que la está convirtiendo en máxima referencia española para la memoria de la edición internacional.
http://www.tramaeditorial.es/la-formidable-diana-athill/
“Léalo en voz alta porque esa es la única manera de asegurarse de que los ritmos de las oraciones estén bien (los ritmos en prosa son dema-
siado complejos y sutiles para ser pensados, solo se pueden corregir con el oído)”. Diana Athill
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Carme Brasó Presidenta de la Asociació Artes Plásticas de Cerdanyola
A las cinco de la tarda Carme Brasó con una sonrisa entra en el Bar del Ateneo de Cerdanyola, donde hemos quedado para tener la entrevista. Hacía tiempo que estaba interesada por su trayectoria profesional y por su labor en la asociación, hoy me siento muy halagada de tener a esta mujer enfrente de mí y poder dialogar con ella.
¿Cuándo empezó a interesarse por el mundo de las artes plásticas? En el año 2000 entre en la asociación con la cerámica. El barro es un material muy moldeable, fácil de usar. Se puede mezclar con arcilla u otros materiales. A diferentes temperaturas podemos conseguir diferentes tonalidades de color. Para ellos utilizamos esmaltes, pigmentos, etc. Para acabar la pieza hay que aplicar la vitrificación, se consigue la cerámica fina de muchos colores, y que se consigue con un barniz a base de plomo u otras sustancias. ¿Ha tocado otros aspectos, como la pintura? A lo largo de este tiempo he tenido tres profesores, la primera fue; Marutxi Beaumont. Con ella me inicie en la pintura y el dibujo, tanto con lápiz, carbón o tintes.
En la pintura toqué diferentes modalidades y diferentes etapas de tiempo. -La Sanguina. La sanguina es una técnica pictórica basada en una variedad del óxido de hierro. Se consigue diferentes tonalidades siempre en las múltiples variantes del rojo. -Acuarelas- Para mí ésta es la más difícil. Cuesta mucho de secar al ser pintada sobre papel o cartulina diluidos con agua. No se puede pintar el blanco, por tanto, para conseguirlo debe dejarse ver el papel o cartulina de fondo blanco. -Oleo- Para mi es el mejor agradecido cuanto a resultados, de secado rápido ofrece a la pintura un brillo espectacular.
Después de la pintura me incline por los gravados de metal i vidrio. Las placas generalmente de aluminio, se gravan las letras o el dibujo y posteriormente de pintan. Cepillando la superficie una vez finalizado. El gravado de vidrio se puede realizar con una crema especial o bien por el sistema de arenado.
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¿Ahora en que especialidad está metida? Ahora estoy en la joyería, otro mundo apasionante que como los anteriores es interminable. Sus materiales son con cobre, plata, latón. o el bronce por su brillo, etc. imaginación y un soldador. También trabajo con el papel, con elementos caseros, como el café y solventes, horneándolo a una temperatura adecuada, le damos la imagen de papel antiguo e incluso rugoso. ¿Cuándo empezaste como presidenta de la Asociación? Sucedí al presidente Ángel Bustos hará cinco años, después que dejara el cargo. ¿Cuántos artistas sois y que dificultades encontráis? Somos cincuenta artistas actualmente. La principal dificultad es que no tenemos un espacio de exposición para nuestros profesionales. Cada mes un artista expone sus abras en las paredes del bar del Ateneo, que si cuantas las semanas que tiene un año, quitando vacaciones que cierra. no da para todos ellos. También el ayuntamiento nos cede una pequeña sala en la Biblioteca central. ¿Cuáles son sus proyectos? -Con motivo de la semana de la mujer, nos sumamos haciéndolo con una exposición en el bar ateneo. - A este efecto también hemos organizado el 8-9-10 de marzo crear un mural a orillas del rio Sec, para todos aquellos que quieran participar. - Con motivo de la fiesta mayor del Roser, hacemos una exposición en la Biblioteca central. - También efectuamos un concurso a todos los ciudadanos que quieran participar a elaborar una pintura rápida. -Con el festival internacional de Blues, también queremos colaborar dando un toque de color a nuestra exposición en el bar Ateneo. - Además, hacemos unas conferencias en el MAC (Museo d’art Contemporani) - Sin olvidarme de la feria al Mac de todos los artistas que así lo deseen.
Sin duda han quedado muchos temas en el tintero, todo lo que Carme me explica es apasionante y daría para más horas, pero nos echan ha pasado el tiempo sin darnos cuenta. Pero habrá otros días. Ha sido un placer durante estas dos horas, estar con Carme por este paso por la cultura que tanto ama.
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(Madrid, 1600 - id., 1681) Dramaturgo español. Educado en un colegio jesuita de Madrid, estudió en las universidades de Alcalá y Salamanca. En 1620 abandonó los estudios religiosos y tres años más tarde se dio a conocer como dramaturgo con su primera comedia, Amor, honor y poder.
Como todo joven instruido de su época, viajó por Italia y Flandes y, desde 1625, proveyó a la corte de un extenso repertorio dramático entre el que figuran sus mejores obras. Tras granjearse un sólido prestigio en el Palacio Real, en 1635 escribió El mayor encanto, el amor, para la inauguración del teatro del palacio del Buen Retiro. Nombrado caballero de la Orden de Santiago por el rey, se distinguió como soldado en el sitio de Fuenterrabía (1638) y en la guerra de Cataluña (1640). Ordenado sacerdote en 1651, poco tiempo después fue nombrado capellán de Reyes Nuevos de Toledo. Por entonces ya era el dramaturgo de más éxito de la corte. En 1663 el rey lo designó capellán de honor, por lo que se trasladó definitivamente a Madrid. El teatro de Calderón de la Barca Según el recuento que él mismo hizo el año de su muerte, su producción consta de ciento diez comedias y ochenta autos sacramentales, loas, entremeses y otras obras menores. Como todo coetáneo suyo, Calderón no podía por menos que partir de las pautas dramáticas establecidas por Lope de Vega. Pero su obra, ya plenamente barroca, tal vez alcance mayor grado de perfección técnica y formal que la de Lope. De estilo más sobrio, Calderón pone en juego menor número de personajes y los centra en torno al protagonista, de manera que la obra tiene un centro de gravedad claro, un eje en torno al cual giran todos los elementos secundarios, lo que refuerza la intensidad dramática.
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El crítico Ángel Valbuena Prat señaló que en su estilo cabe distinguir dos registros. El primero consiste en reordenar y condensar lo que en Lope aparece de manera difusa y caótica y en estilizar las notas de su realismo costumbrista. Así, Calderón reelabora temas originales de Lope en varias de sus obras maestras; en ellas aparece una rica galería de personajes representativos de su tiempo y de su condición social, los cuales tienen en común un tema del siglo: el honor, el patrimonio del alma enfrentado a la justicia de los hombres, caso de El alcalde de Zalamea, o las pasiones amorosas que ciegan el alma, cuestión que aborda en El mayor monstruo, los celos o en El médico de su honra. Pero no es ése, desde luego, el principal motivo de su obra. En su segundo registro, el dramaturgo inventa, más allá del repertorio caballeresco, una forma poético-simbólica desconocida antes de él y que configura un teatro esencialmente lírico, cuyos personajes se elevan hacia lo simbólico y lo espiritual. Calderón destaca sobre todo como creador de esos personajes barrocos, íntimamente desequilibrados por una pasión trágica, que aparecen en El mágico prodigioso o La devoción de la cruz. Su personaje más universal es el desgarrado Segismundo de La vida es sueño, considerada como la cumbre del teatro calderoniano. Esta obra, paradigma del género de comedias filosóficas, recoge y dramatiza las cuestiones más trascendentales de su época: el poder de la voluntad frente al destino, el escepticismo ante las apariencias sensibles, la precariedad de la existencia, considerada como un simple sueño, y, en fin, la consoladora idea de que, incluso en sueños, se puede todavía hacer el bien. Con Calderón adquirieron asimismo especial relevancia la escenografía (lo que él llamaba «maneras de apariencia») y la música. La carpintería teatral se convirtió en un elemento clave en la composición de sus obras, y el concepto de escena se vio revalorizado de una manera general, en la línea del teatro barroco. En cuanto a su lenguaje, se puede considerar que es la culminación teatral del culteranismo poético de Góngora. Su riqueza expresiva y sus complejas metáforas provienen de un cierto conceptismo intelectual, acorde con el temperamento meditabundo propio de sus personajes de ficción. https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/ calderon.htm 15
La chica que lo dejó todo por Salinger
La oscura relación de un mito de 53 años con una estudiante de 18
“Lo que quiero para ti, muchachita, es que escribas sobre aquello que realmente quieras, y sobre nada más, nada de nada. Ni concursos de belleza ni fiestas de graduación del instituto, ni personajes de la tele ni estrellas del cine, ni entrevistas con las hijas de los presidentes republicanos ni con las hijas de los presidentes demócratas y ni siquiera con los mismos presidentes. O, si haces estas cosas, querría que encontraras la manera de hacerlas con originalidad y ternura y amor”.
Son palabras de J.D. Salinger dirigidas a Joyce Maynard, una chica de dieciocho años con quien el escritor estableció una relación epistolar que derivó en idilio después de que ella publicara al New York Times, el abril del 1972, un artículo que pretendía ser un retrato generacional. La chica abandonó los estudios universitarios a Yale para irse a vivir -convencida que por siempre jamáscon el cerrado y entonces ya mítico autor de El vigilante en el campo de centeno a la granja de él a Cornish, New Hampshire. Se llevaban treinta y cinco años. La historia, que vista con ojos de ahora frota el delito o cae de pleno, duró casi doce meses. La versión de Maynard está recogida en el controvertido libro Mí verdad (Circe): “Un día Jerry Salinger acontece el único hombre de mi universo. Me aboco porqué me diga qué tengo que escribir, qué tengo que pensar, como me tengo que vestir, qué tengo que leer, qué tengo que comer. Me dice quién soy y en quien me tendría que convertir. De repente desaparece de mi vida”.
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Holden Caulfield se mira el mundo tal como lo hacía su creador
J.D. Salinger nació en Nueva York el 1 de enero del 1919 (este martes se celebra el centenario) y murió a Cornish el 27 de enero del 2010. Se llama que pasó por un cine y vio dos nombres: William Holden y Joan Caulfield. La película anunciada era Dear Ruth, basada en una obra teatral de Norman Krasna. Salinger juntó los apellidos de la pareja protagonista para bautizar su admirado antihéroe adolescente. Así lo explica Maynard, y esto es el que le dijo el mismo Salinger, a pesar de que aquí hay un baile de fechas: Holden Caulfield apareció por primera vez en un cuento el diciembre del 1945, mientras que la mencionada película se estrenó el junio del 1947. En lugar de pasar por un cine donde la proyectaban, el escritor debía de topar con la noticia del rodaje.
El caso es que Joyce Maynard leyó El vigilante en el campo de centeno cuando ya había establecido una correspondencia íntima con Salinger. Enseguida reconoció el autor en el personaje: “Identifico al acto la voz de la novela. Quién habla es en Jerry. No es con solo que incorpore muchas de sus opiniones -sobre cines, libros, actores o música-, sino que el punto de vista y la mirada del joven Holden Caulfield son casi los mismos que los del hombre con quien me he escrito tantas cartas estas últimas semanas”. Salinger, como Caulfield, despreciaba el mundo. “Pero es ingenioso, observador y puede llegar a ser extraordinariamente tierno -incluso sentimental- cuando habla de cosas que aprecio”, apunta Maynard.
El retorno a *Yale para retomar unos estudios descabezados hace 47 años Aquella muchachita es hoy una señora de sesenta y cinco años que ha publicado unos cuántos libros y que este curso 2018-19 ha vuelto a la universidad, dispuesta a retomar unos estudios de arte que interrumpió hace cuarenta y siete años a raíz de la relación con Salinger. “Hay males irreparables -como el trauma emocional-, pero al menos este tenía solución”, confiesa en un artículo a la revista Bogo. La también escritora Anne Fadiman, profesora a Yale, la convenció que tenía una deuda pendiente consigo misma. Y Joyce *Maynard ha decidido pagarlo.
https://llegim.ara.cat/opinio/noia-que-ho-deixar-Salinger_0_2151984803.html 17
Cuando Miguel Ángel se enteró en 1506 del descubrimiento de un grupo escultórico de mármol, perteneciente a la colección de Nerón, supo que se trataba de lo que Plinio el Viejo había definido como la mejor obra artística de la pintura y de la escultura juntas: el Laocoonte y sus hijos, atribuido a -según dice su pedestal- “Atanodoro hijo de Hagesandro, Hagesandro hijo de Peonio, Polidoro hijo de Polidoro, rodios, hicieron”. Esta exquisita representación nos muestra al único troyano que sospechó del regalo de despedida de los griegos, a saber, el gigante caballo de madera. Caben dudas si es un original helenístico del siglo I a.C. o una copia romana posterior, pero esto no impidió que Miguel Ángel se inspirara en la figura del padre para la realización de una de sus obras más emblemáticas: el Moisés. La maravillosa pieza del Laocoonte mide 2 metros y 42 centímetros. La figura enroscada por dos serpientes junto a sus dos hijos representa la impotencia y el dolor sobrehumano con el dramatismo característico de arte helenístico, cuando desaparece la serenidad y el equilibrio de la escultura clásica, y la gestualidad y la acción se abren paso para darle vida al frío mármol.
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Recordemos la leyenda de este pobre hombre llamado Laocoonte, un sacerdote del dios Apolo en Troya, que contrajo matrimonio con Antiopa y tuvo dos hijos. Durante la Guerra de Troya, y antes de (supuestamente) retirarse, los griegos dejaron un caballo gigante de madera frente de las puertas de Ilión como supuesta ofrenda. Pero Laocoonte advirtió que era una trampa mortal, por lo que intentó alertar a los jefes de la ciudad. Estos debatieron si dejarían entrar la ofrenda o la destruirían, entonces Laocoonte disparó una flecha contra el caballo y se escuchó el sonido de armaduras, pero algo pasó: el dios Poseidón, como represalia por haber intentado quemar el caballo, hizo aparecer a dos serpientes, llamadas Porce y Caribea, que estrangularon a los hijos de Laocoonte y a él mismo, a pesar de que luchó con todas sus fuerzas. Los troyanos, al ver que las serpientes era un buen presagio del dios, llevaron el caballo al centro de la ciudad. Este abrió sus compuertas y del caballo salieron trescientos soldados los cuales destruyeron la ciudad. Cuando la escultura fue descubierta, le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, en 1957 se descubrió el brazo original, este estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción.
https://sobregrecia.com/2008/09/09/laocoonte-y-sus-hijos-arte-y-mito/
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La carta completa: GABRIEL GARCIA MÁRQUEZ
“Si por un instante Dios se olvidara de que soy una marioneta de trapo y me regalara un trozo de vida, aprovecharía ese tiempo lo más que pudiera. Posiblemente no diría todo lo que pienso, pero en definitiva pensaría todo lo que digo. Daría valor a las cosas, no por lo que valen, sino por lo que significan. Dormiría poco, soñaría más, entiendo que por cada minuto que cerramos los ojos, perdemos sesenta segundos de luz. Andaría cuando los demás se detienen, despertaría cuando los demás duermen. Si Dios me obsequiara un trozo de vida, vestiría sencillo, me tiraría de bruces al sol, dejando descubierto, no solamente mi cuerpo, sino mi alma. A los hombres les probaría cuan equivocados están al pensar que dejan de enamorarse cuando envejecen, sin saber que envejecen cuando dejan de enamorarse. A un niño le daría alas, pero le dejaría que el solo aprendiese a volar. A los viejos les enseñaría que la muerte no llega con la vejez, sino con el olvido. Tantas cosas he aprendido de ustedes, los hombres… He aprendido que todo el mundo quiere vivir en la cima de la montaña, sin saber que la verdadera felicidad está en la forma de subir la escarpada.
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He aprendido que cuando un recién nacido aprieta con su pequeño puño, por primera vez, el dedo de su padre, lo tiene atrapado por siempre. He aprendido que un hombre sólo tiene derecho a mirar a otro hacia abajo, cuando ha de ayudarle a levantarse. Son tantas cosas las que he podido aprender de ustedes, pero realmente de mucho no habrá de servir, porque cuando me guarden dentro de esa maleta, infelizmente me estaré muriendo. Trata de decir siempre lo que sientes y haz siempre lo que piensas en lo más profundo de tu corazón. Si supiera que hoy fuera la última vez que te voy a ver dormir, te abrazaría fuertemente y rezaría al Señor para poder ser el guardián de tu alma. Si supiera que estos son los últimos minutos que te veo, te diría “Te Quiero” y no asumiría, tontamente, que ya lo sabes. Siempre hay un mañana y la vida nos da siempre otra oportunidad para hacer las cosas bien, pero por si me equivoco y hoy es todo lo que nos queda, me gustaría decirte cuanto te quiero, que nunca te olvidaré. El mañana no lo está asegurado a nadie, joven o viejo. Hoy puede ser la última vez que veas a los que amas. Por eso no esperes más, hazlo hoy, ya que, si mañana nunca llega, seguramente lamentaras el día que no tomaste tiempo para una sonrisa, un abrazo un beso y que estuviste muy ocupado para concederles un último deseo. Mantén a los que amas cerca de ti, diles al oído lo mucho que los necesitas quiérelos y trátalos bien, toma tiempo para decirles, “lo siento” “perdóname”, “por favor”, “gracias” y todas las palabras de amor que conoces. Nadie te recordará por tus nobles pensamientos secretos. Pide al Señor la fuerza y sabiduría para expresarlos. Finalmente, demuestra a tus amigos y seres queridos cuanto te importan”.
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(Sean Aloysius O'Feeney; Cape Elizabeth, Estados Unidos, 1895 Palm Desert, 1973) director de cine estadounidense. Miembro de una familia de emigrantes irlandeses, era el menor de trece hermanos. Su hermano Francis Ford, actor y director, fue quien le introdujo en el mundillo del cine, en el que recorrió todo el escalafón antes de trabajar como ayudante de D. W. Griffith y Allan Dwan.
En 1917 sustituyó a su hermano en la dirección de un western de corta duración. Ésta fue la primera de las ciento cincuenta películas que habría de dirigir, más de setenta de las cuales pertenecen al período del cine mudo. Sus trabajos más importantes de esta etapa fueron para la Universal: Straight Shooting, Marked Meno Caminos de desesperación. A mediados de los años veinte inició su colaboración en exclusiva con el productor William Fox, resultado de la cual fueron títulos como El caballo de hierro (1924), que lo consagró como uno de los grandes directores estadounidenses, Tres hombres malos o El legado trágico, la primera de sus películas dedicadas a temas irlandeses, que obtuvo un gran éxito.
Con la irrupción del sonoro, el cine de Ford experimentó una evolución no ya en lo temático, donde siguió abordando con gran hondura psicológica temas como la forma de vida propiamente estadounidense (en películas corales como la trilogía protagonizada por Will Rogers) o el comportamiento del individuo frente a acontecimientos que lo desbordan (ámbito en que cabe encuadrar títulos como La patrulla perdida o La diligencia, de 1934 y 1935 respectivamente), sino en lo visual y narrativo, terreno en el que se hizo patente la influencia del expresionismo alemán y en el que Ford fue aumentando poco a poco el alcance de su cámara para introducir como elemento clave del filme el entorno paisajístico (en particular, el Monument Valley de Utah).
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Títulos destacados de las décadas de 1930 y 1940 fueron, amén de los citados, El delator (1935), por la que obtuvo su primer Oscar, El joven Lincoln (1939), Las uvas de la ira (1940), adaptación de la novela homónima de John Steinbeck que le supuso su segundo galardón de la Academia, Hombres intrépidos (1940) y Qué verde era mi valle (1941), retrato de una zona minera galesa y tercer Oscar para el director. Mención aparte merecen westerns como la trilogía dedicada a la caballería estadounidense (Fort Apache, 1948; La legión invencible, 1949; Río Grande, 1950), o Pasión de los fuertes (1946), centrada en el legendario tiroteo del OK Corral, que sentaron las bases del género y le valieron el beneplácito de crítica y público.
Además de contar siempre con un sólido elenco de secundarios (entre los que destacan nombres como los de Ward Bond o Walter Brennan), dos actores repitieron protagonismo en varios de estos títulos y se convirtieron en los rostros más característicos de su cine: Henry Fonda y John Wayne, que en 1952 aparecería de nuevo en el reparto de una de las obras maestras del director, El hombre tranquilo (1952), la historia de un boxeador estadounidense que, acosado por el fantasma de un homicidio involuntario, regresa a su Irlanda natal, en un intento de huir de sí mismo.
Tras el cuarto Oscar obtenido por este último título, Ford se convirtió en una auténtica leyenda viva de la cinematografía de Estados Unidos, a la que continuó enriqueciendo con nuevos filmes de creciente depuración estilística y formal como Mogambo (1953), una especie de western ambientado en África y una de sus películas más populares, la obsesiva Centauros del desierto (1956) y otras dos nuevas obras maestras: Dos cabalgan juntos (1961) y El hombre que mató a Liberty Valance (1962), ambas protagonizadas por James Stewart. El año 1966 dirigió Siete mujeres, un filme rodado en su totalidad en estudio, que narra los últimos momentos de una misión estadounidense en China y con el cual se despidió de la profesión.
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/ford_john.htm
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Museo del Hermitage El principal museo artístico de San Petersburgo y uno de los más famosos y más grandes del mundo, fundado por Catalina II, un fenómeno excepcional de la cultura rusa y un gran monumento del Estado ruso. Los fondos del Ermitage se exponen en el Palacio de Invierno y en otros magníficos edificios que hasta la revolución fueron propiedad de la corte imperial. El Palacio de Invierno fue construido según el proyecto del famoso arquitecto italiano Rastrelli y asombra por su lujo y majestuosidad.
En total, en el Ermitage se exponen unos 3 millones de obras de arte (cuadros, esculturas, obras gráficas, hallazgos arqueológicos, monedas, medallas, objetos de artes aplicadas). Los materiales del museo se encuentran repartidos en 400 salas. Es una de las colecciones de arte más impresionantes del mundo. Es imposible calcular el valor de los objetos que pueden admirarse en el Ermitage, procedentes de Europa, de Oriente, de la Grecia clásica, de Roma, de Egipto, como lo es también describir su belleza. El tiempo parece detenerse entre los inmensos jarrones de jaspe, malaquita y lapislázuli, entre los sarcófagos y las obras del Greco, de Murillo, de Leonardo, de Rafael, de Rembrandt...
. Incluye las salas de gala del Palacio de Invierno, el pequeño Ermitage, las salas de las colecciones de pintura clásica italiana, española, holandesa, flamenca, francesa del Viejo y del Nuevo Ermitage, los aposentos privados de los zares.
http://peterguide.com/hermitage.htm 24
El trovador
Il Trovatore es una ópera romántica en cuatro actos, música de Giuseppe Verdi (Bussetto, 1813 – Milán, 1901), y libreto de Salvatore Cammarano, completado por Leone Emanuele Bardere y basado en el drama homónimo del dramaturgo español Antonio García Gutiérrez. Esta es la segunda ópera del período medio de la producción verdiana formada por Rigoletto (1851), Il Trovatore (1853) y La Traviata (1853). Las óperas de esta triología inician un distanciamiento definitivo respecto de todo lo que suponen las obras del primer romanticismo; si bien Il Trovatore es la menos evolucionada de las tres. La típica división por números (recitativo, aria y cabaletta) empieza a no ser esencial y en las escenas predomina la continuidad. La densa obertura del primer romanticismo deja paso a un preludio más o menos breve. Sin embargo en Il Trovatore la trama continua siendo medieval y existe el típico triángulo amoroso entre un tenor y una soprano entre los que se interpone un barítono rival.
Su estreno tuvo lugar en el Teatro Apolo de Roma, el 19 de enero de 1853. Por encima de todos los contrasentidos y escenas imposibles del libreto romántico, permanece la belleza de la música de Verdi que hace que en el siglo y medio de existencia de esta obra, no haya remitido su popularidad. La obra refleja la nueva orientación belcantista que Verdi había emprendido en esos años y también el realismo centrado en la tremenda figura de la gitana Azucena.
https://www.fiorellaspadone.com.ar/operas/argumentos/eltrovador.html#libreto
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Quiero escribir un libro, por dónde empiezo ¿Quién no ha sentido vértigo en ese momento en el que te enfrentas al papel en blanco? Es sin duda uno de los mayores desafíos de un escritor, por eso queremos darte unos consejos sobre cómo se empieza a escribir un libro.
Estructurar tus ideas Una vez sabes qué es lo que quieres escribir es bueno que hagas un mapa con lo que quieres contar. De este modo puedes estructurar la información que vas desarrollar a lo largo de tu libro. Esto es muy importante tanto para que no se te quede nada en el tintero como para que todo tenga un orden concreto desde el principio. Para ello, dependiendo del tema que trate tu libro, puedes usar desde cronogramas hasta mapas conceptuales. Una vez tengamos clara la estructura podremos empezar a escribir.
Documentarte Dependiendo del libro que vayas a escribir tendrás que enfrentarte a la ardua tarea de documentarte. Para ello lo mejor es ser ordenado para que si en cualquier momento, una vez empecemos a escribir, necesitamos encontrar alguna documentación sea lo más rápido posible. En este caso también deberemos tener en cuenta la forma en la que tenemos que referenciar la información dependiendo de la obra que estemos haciendo. No es lo mismo cómo vamos a mencionar nuestras fuentes en un manual que en una novela y eso es algo que tenemos que tener en mente desde el principio.
Cómo se empieza a escribir un libro, qué debo tener en cuenta Esta es una pieza clave si quieres llegar a tus lectores. No puedes redactar igual una novela romántica que un tratado sobre medicina. Por ello debes tener en cuenta lo siguiente:
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• Público al que va dirigido: Si estás escribiendo un libro técnico para personas especializadas en ese campo, usa una terminología profesional. Pero si te quieres dirigir a un lector que no sepa nada del tema debes usar un lenguaje más sencillo e ir introduciendo poco a poco los términos más técnicos. Por otro lado, si nuestra meta es escribir una novela tendremos que pensar lo mismo, pero en función de la edad del lector al que nos queramos dirigir. • Temática: En muchos casos la temática de nuestro libro condicionará la forma de redactarlo. No es lo mismo un libro sobre medicina que un ensayo sobre el estado de la política actual o que un cuento. Otros aspectos a tener en cuenta Otras particularidades que no tienen tanto que ver con la escritura del libro pero que son igualmente importantes son:
Derechos de imagen: Si vas a utilizar gráficos, imágenes, ilustraciones… de terceras personas tienes que tener los derechos de uso de estas, si no, puedes tener graves problemas y lo mejor es tenerlo desde el principio, no sea que una vez terminado te encuentres con la sorpresa de que no puedes usar determinadas imágenes. Formato: Otra cosa que deberías tener en cuenta es el formato en el que quieres publicarlo, de esta forma podrás controlar mejor el número de páginas y una vez terminado incluso evaluar si es mejor sacar un solo libro o tal vez dividirlo en dos tomos.
Bibliografía: Si vas a escribir una novela no te hará falta, pero si escribes libros técnicos, ensayos, manuales… en muchas ocasiones habrás utilizado una documentación y no debes olvidarte referenciarla en tu libro de forma adecuada. Esperamos que con este artículo podamos solucionaros las dudas que tegáis a cerca de cómo se empieza a escribir un libro. No obstante, como siempre os decimos, no hay una regla escrita. Es importante que busques y mantengas tu estilo.
https://www.bubok.es/blog/quiero-escribir-un-libro-por-donde-empiezo/
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Color de la portada: cómo elegirlo correctamente
A estas alturas ya sabes que la cubierta de tu libro es un elemento imprescindible para que tu libro llegue al gran público. Cuando comiences a preparar el briefing para el diseño, no olvides que el color de la portada será algo fundamental. Los colores transmiten e influye sobre las emociones. El tema que trate tu obra es fundamental a la hora de elegir el color de la portada. No es lo mismo una novela romántica, que una negra o un libro sobre autoayuda. En estos casos, el truco es utilizar la psicología del color. ¿Cuál es el color de la portada que va con mi libro? La gama de colores es casi interminable y cada uno tiene su significado. Así, por ejemplo, el azul es el color de la fidelidad, a pesar de ser un color frío, o de la armonía. El color de la portada de libros técnicos o de empresa suele ser éste.
El rojo es el de la pasión, del amor y el odio. También es un color regio y a la vez del consumismo. Es el color del peligro. Se usa para temas, pasionales, políticos, etc… Es altamente comercial. El amarillo es el de la diversión, la riqueza, los celos… Es un color contradictorio. Tiene mucha luz y contrasta con todos los colores. Se usa para transmitir riqueza o lujo, en general. Recuerda al oro. El verde es el de la fertilidad, la esperanza o el medio ambiente. Es un color tranquilizante y también extravagante. Tiene una gran cantidad de gamas y por ese motivo a veces es difícil de reproducir en imprenta. Suele elegirse para libros que traten temas de esperanza o naturaleza. El negro es la noche, la maldad, pero al mismo tiempo es elegancia. El blanco, todo lo contrario, trasmite pureza y bondad.
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Los expertos hacen mucho hincapié en que es muy importante una buena elección en el color de la portada para que una obra tenga éxito. Amaya Lalanda, diseñadora gráfica de Bubok y con más de 25 años en el sector editorial afirma lo siguiente: «Elegir un color o una gama de colores para una cubierta no debe hacerse de manera aleatoria. El color transmite una información que impacta en nuestros sentidos y por ello, no deben combinarse de manera accidental. El color es en sí un lenguaje que nos puede producir agrado o rechazo. Está relacionado con nuestros sentimientos. Combinar correctamente el color de la portada de un libro es una manera casi subliminal de acercarnos a lo que nos vamos a encontrar en el interior del mismo, por eso es muy importante su elección»
La importancia de combinar los colores Ahora ya has decidido cuál es el color de la portada de tu obra. Sin embargo, necesitarás combinarlo con otros a no ser que quieras que tu portada sea un único bloque de color sin texto ni imágenes. Un buen truco para combinar correctamente los colores puede ser utilizar colores análogos (de la misma gama). Por ejemplo, de celeste a azul. La utilización de colores complementarios también funciona bien. Estos son los que están enfrentados en el círculo cromático. Por ejemplo, amarillo y azul
https://www.bubok.es/blog/color-de-la-portada/
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Tessa Barlo nace a partir de entrar en el mundo literario y con mi primer libro de poesías. En 2009 Empiezo a poner las bases de mi nueva meta, escribir mis pensamiento, dar a conocer el mundo cultural. Que mejor forma de hacerlo a través de un boletín. Teléfono: 699.053.118 Correo electrónico: Tessabarlo@hotmail.com
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