Oasis de letras - Tessa Barlo

TESSA BARLO

2009, "Quédate en mi memoria". Poemario

2011 "¿Es fiable la Biblia?" Ensayo

2014 "La mujer serpiente" Novela

2018 “I tu vas arribar” Poemari.

2019 “Experiencia mal aplicada” Novela

2019“Experència mal aplicada” Novel.la

2019 “La oscuridad del alma humana” Relatos cortos

2019 “El procés” - Articles

2021 “La cima de las brujas” Novela

2021 “El cim de les bruixes” Novela

Desde el 2010, publico un boletín culturalbimestral a través de la red, actualmente con doscientos suscriptores aproximadamente.

Desde el junio del 2013, colaboró con la revista bimestral "La Vall" de Vallgorguina, escribiendo un articulo de interés actual.

ÍNDICE

Bibliografia 02 Índice 03

Baltasar Gracian 04-05 Emily Dickinson 06-09 Shirley Jackson 10-11 Gustave Flaubert 12-15 Historia del museu de Orsay 16-17 Julio de Caro 18-19

Damaso Pérez Prado 20-21 Diego rivera 22-25 Xul solar 26-27 Walt Disney 28-31 Douglas Fairbanks Jr. 32-35

(Baltasar Gracián y Morales; Belmonte de Calatayud, España, 1601 - Tarazona, id., 1658) Escritor y jesuita español. Hijo de un funcionario, Baltasar Gracián estudió en un colegio jesuita de Calatayud y en la Universidad de Huesca, tras lo cual ingresó, en 1619, en la Compañía de Jesús, probablemente en Tarragona, donde se encontraba el noviciado de la provincia.

se dirigieron a Cataluña para sofocar la revuelta.

Se dispone de escasa información sobre su vida entre esta fecha y 1635, año de su ordenación sacerdotal. Se sabe que en 1628 se encontraba en el colegio de Calatayud, donde es presumible que ejerciera como docente, y que su posterior paso por el colegio de Huesca le permitió entrar en contacto con medios muy cultos. Dotado de gran inteligencia y de una elocuencia a la vez rica y límpida, a partir de 1637 se dedicó en exclusiva a la predicación. En Zaragoza fue nombrado confesor del virrey Nochera, a quien acompañó a Madrid, donde residió por dos veces entre 1640 y 1641, por lo que frecuentó la corte y trabó amistad con el célebre poeta Hurtado de Mendoza. Después de una corta estancia en Navarra con el virrey, ambos

Ejerció por un tiempo de secretario de Felipe IV, tras lo cual fue enviado, en parte como castigo de la Compañía por sus ideas y escritos, a combatir contra los franceses en el sitio de Lérida (1646). Su obra más conocida, El criticón, apareció en 1651, firmada por García de Marlones, anagrama de su nombre; tal disimulo no pudo evitar el agravamiento de sus problemas con la Compañía de Jesús, que le aplicó una sanción ejemplar.

Poco después se trasladó a Zaragoza como catedrático de la Universidad. En 1650 había empezado a preparar El comulgatorio (publicado con su apellido en 1655), obra que comprende cincuenta meditaciones para la comunión y constituye una valiosa muestra de oratoria culterana.

De carácter orgulloso e impetuoso, y, sobre todo, mucho más hombre de letras que religioso, Gracián optó por desobedecer de nuevo a la jerarquía y publicó las partes segunda y tercera de El criticón (1653 y 1657), bajo el nombre de su hermano, Lorenzo de Gracián. El segundo volumen no le costó más que una nueva amonestación de los jesuitas, pero la aparición del tercero supuso su caída en desgracia. El padre Piquer, rector del colegio jesuita de Zaragoza, lo castigó a ayuno de pan y agua, y, tras desposeerle de la cátedra que ostentaba, lo desterró a Graus. El mismo año de 1657 apareció la Crítica de reflexión, violento alegato contra él, firmado por un autor levantino. Parcialmente rehabilitado, se instaló en Tarazona, donde su petición de ingresar en una orden monástica le fue denegada por la Compañía.

La concepción pesimista sobre el hombre y el mundo predomina en sus primeras obras: El héroe (1637), El discreto (1646) y Oráculo manual y arte de prudencia (1647),

en las que da consejos sobre la mejor manera de triunfar.

Considerado el mejor ejemplo del conceptismo, el estilo de Gracián, como el de Francisco de Quevedo, se recrea en los juegos de palabras y los dobles sentidos. En Agudeza y arte de ingenio (1648) teorizó acerca del valor del ingenio y sobre los «conceptos», que él entiende como el establecimiento de relaciones insospechadas entre objetos aparentemente dispares; el libro se convirtió en el código de la vida literaria española del siglo XVII y ejerció una duradera influencia a través de pensadores como François La Rochefoucauld o Arthur Schopenhauer.

La obra cumbre de su producción literaria, El criticón, emprende el ambicioso proyecto de ofrecer una amplia visión alegórica de la vida humana en forma novelada. Sus dos protagonistas, Andrenio y Critilo, son símbolos, respectivamente, de la Naturaleza y la Cultura, de los impulsos espontáneos y de la reflexión prudente. Como Gracián parte del supuesto barroco de que la Naturaleza es imperfecta, Critilo es quien salva a Andrenio de las asechanzas del mundo y lo conduce luego a la isla de la Inmortalidad, a través de una serie de lugares alegóricos.

https://www.biografiasyvidas.com/ biografia/g/gracian.htm

Emily Dickinson

(Amherst, 1830 - id., 1886) Poetisa estadounidense cuya obra, por su especial sensibilidad, misterio y profundidad, ha sido celebrada como una de las más grandes de habla inglesa de todos los tiempos.

Su padre, miembro del Congreso y tesorero del Amherst Collage, fue un abogado culto y austero, según el estilo burgués de Nueva Inglaterra. Dickinson estudió en la Academia de Amherst y en el seminario Femenino de Mount Holyoke, en Massachussets, donde recibió una rígida educación calvinista que dejó huellas en su personalidad y a la que se enfrentaría con su carácter escéptico. A través de Benjamín F. Newton conoció muy temprano la obra de Ralph Waldo Emerson. También leyó a Henry David Thoreau, y a los novelistas Nathaniel Hawthorne y Harriet Beecher Stowe.

Muy pronto decidió aislarse del mundo, manteniendo contacto solamente con unas pocas amistades, como el escritor Samuel Boswell, con quien sostuvo una larga correspondencia. A los veintitrés años, Dickinson tenía conciencia de su

propia vocación casi mística, y a los treinta su alejamiento del mundo era ya absoluto, casi monástico. Retirada en la casa paterna, se dedicaba a las ocupaciones domésticas y garabateaba en pedazos de papel (con frecuencia ocultados en los cajones) sus apuntes y versos que, después de su muerte, se revelaron como uno de los logros poéticos más notables de la América del siglo XIX. En su aislamiento sólo vistió de color blanco ("mi blanca elección", según sus propias palabras), rasgo que expresaba la ética y transparencia de su poesía.

Uno de sus biógrafos escribió acerca de su naturaleza poética: "Era una especialista de la luz". Su escritura puede ser descrita como producto de la soledad, del retiro de cualquier tipo de vida social, incluida la relativa a la publicación de sus poemas. De ella dijo Jorge Luis Borges: "No hay, que yo sepa, una vida más apasionada y solitaria que la de esa mujer. Prefirió soñar el amor y acaso imaginarlo y tenerlo". Algunos de sus poemas reflejan la decepción que sufrió por un amor (dirigía cartas a un hombre al que llamaba "Máster", del que no se conoce su verda-

dero nombre), y la ulterior sublimación y trasvase de ese amor a Dios.

Influyó en poetas posteriores (como E. Bishop, A. Rich, W. Stevens y otros) por esa capacidad de crear un lenguaje a la vez metafísico y emotivo.

Únicamente cinco de sus composiciones poéticas fueron publicadas, con carácter anónimo, durante la vida de la autora. Hasta pasados cuatro años de su muerte no se publicó su primer poemario; posteriormente, a lo largo de sucesivas ediciones, llegaron a rescatarse alrededor de 1.800 poemas. No fue hasta a partir de 1920 que Dickinson alcanzó su posición prominente en la historia de la literatura norteamericana. En este aspecto constituyó una fecha notable el año 1924, en el que su sobrina Martha Dickinson Bianchi publicó The Life and Letters of Emily Dickinson, texto al cual opuso Geneviève Taggard en 1930 The Life and Mind of Emily Dickinson.

La poesía de Emily Dickinson

Sus primeros poemas fueron convencionales, según el estilo corriente de la poesía en esos momentos, pero ya a comienzos de 1860 escribió versos más experimentales, sobre todo en lo que respecta al lenguaje y a los elementos prosódicos. Su escritura se volvió melódica y a la vez precisa, despojada de palabras superfluas y exploradora de nuevos ritmos, unas veces lentos y otras veloces, según el momento y la intención y no como un patrón rígido, como era usual. Su poesía devino intelectual y meditativa, sin que esto supusiera una merma de su sensibilidad.

Actualmente algunos especialistas subrayan esa complejidad intelectual, pues por lo general la crítica había jerarquizado su lirismo como un valor supremo, o su feminidad como categoría poética que la separaba de los demás autores norteamericanos. En su poesía pesan la extrañeza y la oscuridad como cualidades esenciales, y la sutilidad dialéctica entre las imágenes, las sensaciones y los conceptos.

La obra de Dickinson es copiosa y desigual; muchos textos son piezas fragmentarias, pero en los mejores poemas, todos breves, se revela una fuerza excepcional de expresión, una concisión que es la condensación del pensamiento o de la impresión en una "evocatividad" metafísica como sólo se encuentra en algunos de los mejores poetas de nuestro tiempo.

A esto se une una forma nítida, segura, que logra los máximos efectos con medios muy simples, y un personalísimo ritmo desarrollado usualmente en poemas de ocho o doce versos, de ordinario dos cuartetos yámbicos o bien tres cuartetos con rima ABCB.

Sus composiciones se agrupan en diversos apartados: "La vida" ["Life"], "La naturaleza" ["Nature"], "El amor" ["Love"], "El tiempo y la eternidad" ["Time and Eternity"], lo que da una idea de las líneas de su inspiración. La naturaleza, con sus desconcertantes leyes, encuentra en Emily Dickinson una comentarista aguda y serena que, como en el poema "Muerte y vida" ["Death and Life"], sabe expresar, en el consabido esquema de los dos cuartetos, uno de los más tormentosos problemas que turban la mente y el corazón del hombre:

En apariencia sin sorpresa para la flor feliz, el hielo, jugando, la decapita valiéndose de su momentáneo poder. El rubio asesino prosigue, el sol avanza sin conmoverse a medir otro día para un Dios que lo aprueba.

En los poemas que tienen como tema el amor (todos ellos inspirados por la única e infeliz pasión de la poetisa) domina la nota personal, y la feminidad de Dickinson, casi siempre sofocada, halla aquí a veces un desahogo. Son, sin embargo, rarísimos los gritos de pasión; más a menudo Dickinson nota, con delicada sensibilidad, las pequeñas alegrías de un casto sentimiento correspondido o el sentimiento por lo que nunca podrá ser.

golpe, de un modo súbito; alguien saca un colchón. Los niños pasan apretando el paso, se preguntan si Eso se muere allá arriba. Así hacia yo, de niña. El sacerdote entra tranquilo como si la casa fuese suya... y después la modista, y el hombre de la triste profesión, para tomar las medidas de la caja".

No es, sin embargo, en este grupo donde se hallan sus logros mejores. El tiempo y la eternidad, descubriendo más vastos y menos personales horizontes interiores, le dan mayor libertad y felicidad de expresión. Así, en "Ha habido una muerte en la casa de enfrente" [There's been a Death in the opposite house"], hallamos la sobria y casi prosaica descripción de lo que, mirando por la ventana, se puede adivinar de la casa de enfrente por su aspecto externo: "Los vecinos se mueven dentro y fuera, el coche del doctor se va. Una ventana se abre mecánicamente, de

Dickinson logra comunicar al lector el sentido trágico y conmovedor de la muerte humana, con sus pequeñas ceremonias siempre iguales, con sus exterioridades tan míseras, frente al misterio. Misterio al que Dickinson no tiene miedo:

No he visto nunca una landa, nunca he visto el mar, y sin embargo, sé cómo está hecho el yermo, y sé lo que debe ser la ola. Nunca he hablado con Dios, nunca he visto el Cielo, y sin embargo, conozco el lugar como si tuviese un mapa de él.

pero tienen el semblante más vivo, menos cuidado. La variedad y la bizarría de los ritmos se enfrentan con una incierta y menos profunda actitud mental. Es difícil encuadrar a la Dickinson en una época o en una escuela. Toda su obra expresa un tormento sutil a través de una intensa castidad estilística, y la meditada exigüidad de los medios formales y literarios da lugar a logros reservados a artistas verdaderamente geniales que siguen conmoviendo la sensibilidad actual.

https://www.biografiasyvidas.com/ biografia/d/dickinson.htm

Los versos comprendidos en el apartado "Un solo sabueso" ["A soltero Hound"] se inspiran siempre en los mismos temas,

El amor secreto de Emily Dickinson que inspiró sus poemes

Shirley Jackson

Una de las narradoras de terror más interesantes de la historia. En ella se han inspirado algunas de las voces que más han calado en la tradición del género y sus obras siguen siendo reeditadas por algunos de los sellos más relevantes de la literatura contemporánea.

en los medios. Rechazaba las entrevistas y no le interesaba promover su trabajo. Además, estaba convencida de que un buen escritor no necesita explicar sus libros, porque ellos se explican perfectamente solos.

Jackson nació el 14 de diciembre de 1916 en un pueblo del estado de Vermont. Vivió allí hasta la adolescencia, momento en el que se mudó a New York. La extrañeza del nuevo sitio seguramente la marcó tanto que se convirtió en uno de los temas que atravesarían su escritura.

Shirley Jackson falleció el 8 de agosto de 1965 de un ataque al corazón. Tenía tan sólo cuarenta y ocho años, pero sufría de sobrepeso y era una fumadora compulsiva: sin duda estas dos cuestiones afectaron severamente su salud.

La obra de Shirley Jackson

De pequeña, Shirley se sentía rara y esto la llevó a desear más la compañía de los libros que de los niños. Esto provocó un gran descontento en su madre, y fue el inició de una relación conflictiva que duraría para siempre. No obstante, esta inclinación por los libros y la soledad le permitieron a Shirley encontrar su vocación y en el futuro convertirse en una de las escritoras más valiosas de su país.

Con un talento extraordinario para controlar la tensión en sus relatos, seguramente Shirley es la autora americana con más capacidad para trabajar el género de terror. Sus obras fueron material de alta influencia para los autores que actualmente se destacan en el género, tales como Stephen King, Richard Matheson y Joanne Harris.

Una de las cosas que siempre se dicen de Jackson es que no le gustaba aparecer

En la obra de Jackson hay un gran interés por lo que se esconde de la superficie, un espacio muy fructífero para el terror que ella supo trabajar y cuidar hasta el mínimo detalle.

La violencia es otro de los temas que interesa a Jackson, y sobre todo, la violencia sin sentido, la que se da en el seno de las propias familias y que no tiene un objetivo nítido pero es evidente que es innecesaria.

Entre sus obras no podríamos olvidarnos de La lotería, La maldición de Hill House, La carretera a través de la pared. Hay que leerla para entender su inmensidad. En este artículo tienes más información acerca de algunas de sus obras.

https://www.bestialectora.com/2019/08/shirley-jackson.html

(Ruán, Francia, 1821 - Croisset, id., 1880) Escritor francés. Cronológicamente el tercero de los grandes novelistas del realismo francés (tras Stendhal y Balzac), Gustave Flaubert fue el más exigente y perfeccionista de ellos en materia de objetividad y estilo. Hijo de un médico, la precoz pasión de Flaubert por la literatura queda patente en la pequeña revista literaria Colibrí, que redactaba íntegramente, y en la que de una manera un tanto difusa pero sorprendente se reconocen los temas que desarrollaría el escritor adulto. Estudió derecho en París, donde conoció a Maxime du Camp, cuya amistad conservó toda la vida, y junto al que realizó un viaje a pie por las regiones de Turena, Bretaña y Normandía. A este viaje siguió otro, más importante (1849-1851), a Egipto, Asia Menor, Turquía, Grecia e Italia, cuyos recuerdos le servirían más adelante para su novela Salambó. Excepto durante sus viajes, Gustave Flaubert pasó toda su vida en su propiedad de Croisset, entregado a su labor de escritor. Entre 1847 y 1856 mantuvo una relación inestable pero apasionada con la poetisa Louise Colet, aunque su gran amor fue sin duda Elisa Schlésinger, quien le inspiró el personaje de Marie Arnoux de La educación sentimental y que nunca llegó a ser su amante.

La obra de Gustave Flaubert

Los viajes desempeñaron un papel importante en su aprendizaje como novelista, dado el valor que concedía a la observación de la realidad. Flaubert no dejaba nada en sus obras a merced de la pura inspiración, antes bien, trabajaba con empeño y precisión el estilo de su prosa, desterrando cualquier lirismo, y movilizaba una energía extraordinaria en la concepción de sus obras, en las que no deseaba nada que no fuera real; ahora bien, esa realidad debía tener la belleza de la irrealidad, de modo que tampoco le interesaba dejar traslucir en su escritura la experiencia personal que la alimentaba, ni se permitía verter opiniones propias. Su voluntad púdica y firme de permanecer oculto en el texto, de estar («como Dios») en todas partes y en ninguna, explica el esfuerzo enorme de preparación que le supuso cada una de sus obras (no consideró publicable La tentación de San Antonio hasta haberla reescrito tres ve-

ces), en las que nada se enunciaba sin estar previamente controlado.

Las profundas investigaciones eruditas que llevó a cabo para escribir su novela Salambó, por ejemplo, tuvieron que ser completadas con otro viaje al norte de África.

Su primera gran novela publicada, y para muchos su obra maestra, es Madame Bovary (1856), cuya protagonista, una mujer mal casada que es víctima de sus propios sueños románticos, representa, a pesar de su propia mediocridad, toda la frustración que, según Flaubert, había producido el siglo XIX, siglo que él odiaba por identificarlo con la mezquindad y la estupidez que a su juicio caracterizaba a la burguesía

tas, que condenaban el trato que daba al tema del adulterio, fue incluso sometido a juicio, lo cual lo decidió a emprender un proyecto fantasioso y barroco, lo más alejado posible de su realidad: Salambó (1862), que relataba el amor imposible entre una princesa y un mercenario bárbaro en la antigua Cartago.

De esa misma sátira de su tiempo participa toda su producción, incluido un brillante, aunque inacabado, Diccionario de los lugares comunes. La publicación de Madame Bovary, que supuso su rápida consagración literaria, le creó también serios problemas. Atacado por los moralis-

Su siguiente gran obra, La educación sentimental (1869), fue, en cambio, la más cercana a su propia experiencia, pues se proponía describir las esperanzas y decepciones de la generación de la revolución de 1848. Su última gran obra, Bouvard y Pécuchet, que quedaría inconclusa a su muerte, es una sátira a la vez terrible y tierna del ideal de conocimiento de la Ilustración. La abundancia de los trabajos que posteriormente se han dedicado a Gustave Flaubert, y en particular a su estilo, confirma el papel central que desempeñaría en la evolución del género novelístico hasta la mitad del siglo XX. Más vi-

sible sería aún su influencia más inmediata: el tema de la insatisfacción vital (bovarismo) que aboca al adulterio se convertiría en recurrente dentro del realismo, y sería abordado desde diferentes perspectivas por figuras de la talla de León Tolstói (Ana Karenina, 1877) o Leopoldo Alas «Clarín» (La Regenta, 1885).

https://www.biografiasyvidas.com/ biografia/f/flaubert.htm

Historia del Museo de Orsay

Situado en el popular distrito 7 de París, el Museo de Orsay cuenta con una historia bastante peculiar. En sus orígenes, el edificio fue una de las estaciones de tren de la capital parisina, todo hasta convertirse en un museo que, actualmente, es uno de los más visitados de París.

La historia del museo

El lugar donde se emplaza el Museo de Orsay está cargado de historia. Aquí se levantaba el Palacio de Orsay, construcción que fue terminada en 1810 y que se quemó en 1871 durante el periodo de la Comuna de París.

El Museo de Orsay fue originalmente una estación de tren por la que pasaban gran cantidad de viajeros. El edificio se debe al gran arquitecto francés Victor Laloux y a otros especialistas que recibieron el encargo de diseñar la terminal desde la que operaría la Compañía de Ferrocarriles Or-

La misión de la estación era servir de puerta de entrada a la ciudad para los viajeros que llegarían a la Exposición Universal de 1900. Tanto el edificio como el lugar elegido para levantarlo están escogidos para transmitir belleza y lujo. La estación se ubicaba justo enfrente del Louvre y de los jardines de las Tullerías. Así, la idea de una estación de ferrocarriles tenía que encajar a la perfección con el lujo de toda la zona, algo para lo que Victor Laloux decidió ocultar las estructuras metálicas de este tipo de edificación tras una bella fachada de piedra.

Las colecciones del Orsay

El museo se ha convertido en una de las mecas del arte occidental. Su impresionante colección reúne pinturas, esculturas, fotografías y obras de arte decorativo que se fechan entre mediados del siglo XIX y principios del XX. El museo conserva muchas de las mejores pinturas de movimientos como el impresionismo como, por ejemplo, el célebre cuadro “Desayuno sobre la hierba” de Edouard Manet.

Dentro de la estación se optó por una decoración modernista. El edificio contaba desde sus inicios con montacargas, ascensores de pasajeros y un servicio de recepción ubicado en una elegante zona de la planta baja. Hasta 1939, la estación era el punto de llegada para muchos viajeros e incluso era un lugar de reunión para asociaciones o partidos políticos.

“El origen del mundo” de Courbet, el “Autorretrato” de Van Gogh o “Baile en el molino de la Galette” de Renoir son otros ejemplos. La belleza e importancia de las esculturas no se queda atrás, y es que los visitantes tienen a su alcance la posibilidad de contemplar numerosas obras de Rodin o de Degas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la estación de Orsay se convirtió en un centro de envío de paquetes y mercancías y, durante la liberación, en una zona de prisión para muchos de los que ocuparon París. Un largo periodo de tiempo pasó hasta que el presidente de la República, Valéry Giscard d’Estaing, tomó en 1977 la decisión de construir un museo aprovechando la estructura de esta antigua estación. No obstante, el museo no se inauguró hasta nueve años después de la mano del presidente François Mitterrand.

Para que sus colecciones no dejen de sorprender nunca a los visitantes, el Orsay alberga numerosas exposiciones temporales que cuentan con un lugar especial dentro del edificio. Estos espectáculos se centran en la obra de un pintor, un fotógrafo o un diseñador concreto, aunque también se eligen exposiciones colectivas de distintos movimientos artísticos.

Con un marcado carácter ambivalente, el museo también cuenta con un auditorio en el que se desarrollan eventos artísticos de todo tipo o mesas redondas dedicadas a la promoción de la cultura.

https://www.cometoparis.com/spa/ descubra-paris/monumentos-de-paris/

Julio De Caro

(Mar del Plata, 1899-1980) Compositor y violinista argentino. En 1924 formó el sexteto que estaba llamado a fijar las normas del tango clásico. Ese conjunto lo integraban Julio y Emilio de Caro en los violines, Pedro Maffia y Luis Petrucelli en los bandoneones, Francisco de Caro en el piano y Leopoldo Thompson en el contrabajo

La orquesta de Julio de Caro inició el ciclo que se conoce como "la guardia nueva" del tango, y cuya evolución puede seguirse hasta las revolucionarias innovaciones de Ástor Piazzolla. Esta nueva escuela se enriquecería con figuras de la talla de Osvaldo Fresedo, Aníbal Troilo, Osvaldo Pugliese y Horacio Salgán. A partir de De Caro y sus continuadores, el tango empieza a ganarse el título de "música de Buenos Aires", acaso porque esta denominación disimulaba sus orígenes arrabaleros.

De Caro incorporó al tango numerosos recursos técnicos de la música culta, especialmente en materia de armonía y contrapunto, sin desvirtuar las esencias rítmicas y melódicas del género. Algunos de esos aportes fueron el acompañamiento armonizado del piano, los fraseos de los bandoneones y los contras cantos del violín, que forman melodías de agradable contraste con el tema central.

También incluyeron solos de piano y bandoneón, expresados con una riqueza armónica y sonora hasta entonces desconocida. Algunas obras compuestas por De Caro son "Mala junta", "Boedo", "El monito", "Buen amigo", "Tierra querida", "El arranque", "El mareo", "Chiclana" y "La Rayuela". En cierto sentido, Julio de Caro es a la orquestación del tango lo que Carlos Gardel al modo de cantarlo: figuras que han marcado un antes y un después en la historia de esta canción popular. Por coincidir la fecha de su nacimiento con la de otro gran artista del tango, Carlos Gardel, en 1976 se institucionalizó en Argentina el 11 de diciembre como "Día del Tango".

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/caro_julio.htm

Dámaso Pérez Prado (Matanzas, Cuba, 11 de diciembre de 1916 - Ciudad de México, 14 de septiembre de 1989), el "Rey del Mambo", fue un músico, compositor y arreglista cubano.

Mayormente conocido por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música surgida a finales de la década de los cincuenta y conocida luego, a finales de los años setenta y principio de los ochenta como salsa.

No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional. Estudió música en su Cuba natal.

Trabajó en diversas orquestas en La Habana en los años 1940. Fue también durante un corto periodo pianista de la Sonora Matancera y de la Orquesta Casino de la Playa.

mambo, del cual es considerado uno de sus mayores exponentes.

En 1948 cambió de residencia a la Ciudad de México para crear allí un grupo musical. Allí estuvo trabajando con la compañía RCA Victor. Se especializó en el

Hábil pianista, y conocedor a fondo del teclado, ha sido considerado por expertos críticos como uno de los mejores en este género de la música popular. Su interpretación de la célebre pieza El manisero, de Moisés Simons, es única en su clase, con acompañamiento de ritmo y bongó. Como compositor, conoció muy bien el manejo de la partitura.

De allí nacieron excelentes piezas como Mambo en Sax, La Chula Linda, Silbando Mambo y Mambo de París entre otros.

Pasado el clímax del mambo, es llamativo que Dámaso Pérez Prado, una vez compuesta su pieza musical "Patricia" y obtenido su éxito correspondiente, la grabase muchas veces y con diferentes arreglos, actitud que parece demostrar que tuvo por dicha pieza una especial predilección.

técnico Nacional de la Ciudad de México) y el Mambo Universitario (usado comúnmente en eventos y celebraciones importantes de la Universidad Nacional Autónoma de México).

Entre sus composiciones más conocidas se encuentran Qué rico el mambo y Mambo Nº 5, ésta última después lanzada en una nueva versión en 1999 por el cantante alemán Lou Bega.

Durante la década de 1950 estuvo ausente de México. Una leyenda urbana apunta a que una desavenencia con el gobierno mexicano porque éste le prohibió interpretar el Himno Nacional Mexicano a ritmo de mambo, aunque también se barajan desavenencias políticas.

Adquirió la nacionalidad mexicana en 1980 y residió los últimos años de su vida en su país de adopción. Falleció a la edad de 72 años en la Ciudad de México el 14 de septiembre de 1989 a causa de un paro cardíaco.

Pérez Prado fue reconocido también por ser el autor del Mambo del Politécnico (usado comúnmente en eventos y celebraciones importantes del Instituto Poli-

https:// www.cubanosfamosos.com/es/biografia/ damaso-perez-prado

Diego Rivera nació en Guanajuato, México el 8 de diciembre de 1886. Este fue uno de los artistas mexicanos que conformaban la tríada de los máximos representantes del muralismo mexicano, junto con David Alfaro Siqueiros (1896-1974) y José Clemente Orozco (1883-1949).

Primeros años e inicios artísticos

Rivera era hijo de María del Pilar Barrientos y Diego Rivera Acosta. Cuando apenas tenía año y medio de edad, su hermano José Carlos María Barrientos Rivera murió. A pesar de que Diego sobrevivió, este estaba bastante débil y padecía raquitismo.

A pesar de que el nombre real de Diego Rivera era «José Diego Rivera», él insistía en que su nombre era «Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barriento Acosta y Rodríguez», nombre con el cual lo bautizaron.

los deseos de su padre a que este entrara en un colegio militar, en cambio terminaría en un estudio temprano de las artes, tomando clases nocturnas en la academia San Carlos («Escuela de Bellas Artes de San Carlos» en la actualidad).

Cinco años después, cuando ya Rivera teniendo 6 años, sus padres se mudarían a la Ciudad de México junto con él.

Es aquí donde Diego conoció a José María Velasco, un pintor paisajista que marco las enseñanzas básicas naturalistas que influenciaron directamente en las primeras obras de Rivera.

Luego de la mudanza, fue en contra de

Estudios en Europa

En 1905, Rivera recibió una pensión del secretario de Educación de México. Dos años más tarde, recibió una segunda pensión, esta vez de parte del Gobernador de Veracruz, la cual le permitió viajar a España para estudiar obras. Durante su estadía en España, tuvo la oportunidad de estudiar las obras de grandes como Goya y El Greco. También, aprovechó su estadía en España para estudiar bajo la tutela de Eduardo Chicarro.

su relación con Beloff, aunque moriría un año después. Aunque cabe destacar que tuvo una hija que nunca reconoció en 1919, producto de una relación con Marievna Vorobieva-Stebelska, que no obstante apoyaría económicamente.

Luego, en 1909, se radicaría en Paris, en donde tendría un amorío con Angelina Beloff, una pintora de origen ruso, durante 10 años. A partir de este momento, hasta 1916, estaría alternando su estadía entre España, Francia, Bolivia, Argentina, Ecuador y México. Y, en 1917, nace su primer hijo producto de

Luego de recorrer varios países de Europa, los intereses de Diego cambiarían. De hecho, durante esta etapa, el pasaría del academicismo al arte de vanguardia. También hay información sobre el interés de Rivera por el cubismo, quizás debido a los acercamientos que tuvo con Picasso

De vuelta en México

En 1921 Diego volvió a México para estudiar de lleno la cultura maya y arte azteca. Este mismo año, fue uno de los organizadores de la Unión de Trabajadores Técnicos y Plásticos. Asimismo, tendría un profundo impacto en el renacimiento de la pintura mural mexicana, ya que, a pesar de no ser un fundador, fue una figura que la mantuvo en lo alto del ámbito artístico del momento.

Por otro lado, según la biografía de Diego Rivera, a finales del año este iniciaría la pintura en la Secretaría de Educación Pública. De la misma forma, este fue uno de los fundadores del Partido Comunista Mexicano.

El primer mural de Diego Rivera se llamó «La Creación» y estaba ubicado en el interior del Anfiteatro Simón Bolívar de la Universidad Nacional de México.

Este mismo año, Rivera se casó con Guadalupe Marín y llevaría a cabo pinturas en varios edificios estatales.

Una vez divorciado de Guadalupe Marín, este se casó con Frida Kahlo en 1929, con quien tendría 10 años de matrimonio.

Con ella tendría una relación turbulenta y llena de complicaciones, así como amoríos fuera del matrimonio; y aunque terminarían divorciándose, poco después volverían a casarse, demostrando lo complicado de su relación. Asimismo, esta relación lo llevaría a vivir durante varios años en Estados Unidos, y obteniendo de Kahlo una fuerte crítica de su trabajo, de manera constructiva.

Durante las siguientes décadas, siguió trabajando en sus murales y otras obras, en las que siempre buscaba plasmar la realidad mexicana, desde distintos puntos de vista sociales y políticos.

Falleció en su casa con 70 años el 24 de noviembre de 1957, en San Ángel, Ciudad de México.

Otros logros en la biografía de Diego Rivera

Pintura para Timothy L Pflueger con un valor de 2500 dólares.

Pintar para los Rockefeller (una familia poderosa de Nueva York) una pintura y mural gigantesco que lo llevaría a ser el pintor favorito de Abby Rockefeller.

https://www.biografiacortade.com/ diego-rivera/

(San Fernando, 1887 - 1963) Pintor argentino. Tras asimilar las innovaciones de las vanguardias en el transcurso de una larga estancia en Europa, Xul Solar desarrolló un estilo personalísimo que destacó por su originalidad y por la fusión de elementos característicos de diversas corrientes, resultando en una obra de signo fantástico y visionario. Personaje excéntrico y curioso, poseyó una gran cultura, que exhibía con sencillez y gracia poco común.

Hijo de madre italiana y padre alemán, Óscar Agustín Alejandro Schulz Solari adoptó el nombre de Xul Solar para firmar sus trabajos. En 1912, tras haber cursado estudios de arquitectura en la facultad de ingeniería, viajó a Hong Kong y recorrió luego países europeos como Inglaterra, Francia e Italia. En Milán conoció a un compatriota suyo, el pintor modernista Emilio Pettoruti, a quien le mostró sus dibujos realizados a partir de 1914. Durante su estancia en Berlín entró en contacto con el dadaísmo; recibió asimismo la influencia del pintor suizo Paul Klee.

poderosamente la atención de Xul Solar, que llegó dominar diez idiomas e incluso a crear alguno: se le atribuye la invención de un lenguaje universal denominado panlingua, y también del neocriollo, que combinaba elementos del español y del portugués

Interesado por la filosofía, las ciencias ocultas y las creencias de las distintas culturas, desde 1919 sus obras reflejaron esta inquietud espiritual, con la aplicación de colores vivos, formas y símbolos geométricos, figuras sencillas y, a menudo, palabras, letras y otros signos gráficos. Los signos lingüísticos siempre llamaron

Formado en torno a la revista literaria Martín Fierro, el grupo inició una línea de oposición al temple conservador de la cultura argentina. En 1929 se presentó una exposición individual de su obra en la Asociación de Amigos del Arte.

En 1924, tras numerosos viajes y estancias en Alemania e Italia, regresó a Argentina y pronto sintonizó con un grupo de jóvenes pintores y escritores modernistas, entre los que se encontraban Jorge Luis Borges y el citado Emilio Pettoruti, con el que ya había entablado amistad.

En la década de 1930, Xul Solar creó paisajes y diseños arquitectónicos fantásticos que manifestaron una vez más su interés por el misticismo, la teosofía y la astrología; en los años 40 y 50 realizó diversas exposiciones individuales y participó en varias muestras colectivas nacionales e internacionales. En el año de su fallecimiento (1963) se organizó una retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes. En 1989 sus creaciones se exhibieron en la Galería Hayward de Londres.

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(Chicago, 1901 - Los Ángeles, 1966) Dibujante y productor cinematográfico estadounidense. Pionero del cine de dibujos animados, fue el principal creador de la etapa clásica de la animación y el fundador de la corporación que lleva su nombre.

Aunque nacido en Chicago, pasó los años más felices de su infancia en una granja cerca de Marceline (Missouri), hasta que en 1909 su padre enfermó y la familia hubo de trasladarse a Kansas City. Allí empezaría a trabajar de repartidor de periódicos, labor que compaginaba con sus estudios, en los que no destacaba. Prefería el dibujo y las historietas; las primeras que trazó aparecerían en el periódico de su instituto en Chicago, adonde la familia se había trasladado nuevamente.

publicista en el Pesemen-Rubin Art Studio, donde trabó una amistad clave con el dibujante Ubbe Iwerks. Ambos fundaron en 1920 la empresa Iwerks-Disney Commercial Artists, que resultó un fracaso. Hubieron de trabajar otra vez por cuenta ajena en la Kansas City Film Ad, empresa en la que tendría lugar su primer contacto con las rudimentarias técnicas de animación de la época, cuyas posibilidades fascinaron de inmediato a Disney.

En 1922, cuando creyó que había aprendido lo suficiente, Walt Disney fundó la compañía Laugh-O-Gram Films, con la que realizó exitosos cortometrajes basados en cuentos infantiles.

En 1918, el joven Walt trató de alistarse en el ejército. Como no tenía la edad suficiente, falsificó su partida de nacimiento y, fingiendo haber cumplido los diecisiete años, logró ser admitido como conductor de ambulancias de la Cruz Roja. Sin embargo, cuando terminó su formación, la Primera Guerra Mundial ya había terminado y su trabajo se redujo a trasladar oficiales.

De regreso a Estados Unidos, se estableció en Kansas City y consiguió un trabajo de

Sin embargo, los gastos de producción superaban los beneficios, y al año siguiente tuvo que cerrar. Desalentado, Disney se trasladó a Hollywood sin otra idea que llegar a ser director de cine "normal". Por suerte, una distribuidora se interesó por Alice's Wonderland, una de las películas que había producido Laugh-O-Gram Films, y le encargó nuevas películas que combinasen animación e imagen real.

se había unido a la nueva andadura de los hermanos Disney.

Para satisfacer el encargo nació el Disney Brothers' Studio (dirigido por Walt y su hermano Roy), que produciría nueve Alice Comedies (Comedias de Alicia), a las que seguiría en 1927 la serie Oswald, el conejo afortunado, un encargo para la Universal Pictures creado por Ubbe Iwerks, que

Las series tenían éxito y el estudio iba creciendo con talentosos dibujantes, aunque un tropiezo con la Universal Pictures, que tenía los derechos sobre Oswald y decidió prescindir de sus servicios, estuvo a punto de arruinar la naciente empresa.

La solución era crear otro personaje y éste fue ni más ni menos que el ratón Mickey Mouse, que con el tiempo sería el emblema de la llamada Factoría Disney.

Su paternidad es discutida; Disney se la atribuyó, pero pudo ser obra de Ubbe Iwerks o de ambos. Tras dos intentos fallidos, el flamante ratoncito triunfaría con Steamboat Willie (1928), que fue un gran éxito. Inmensamente popular, los cortometrajes se sucedieron con rapidez, y en 1930 el personaje pasó al cómic. Los cortos protagonizados por Mickey Mouse se alternaron con una serie de graciosas animaciones musicales titulada Sinfonías tontas.

Pese a algunos contratiempos (como el abandono de Iwerks, quejoso de la explotación a que lo sometía Disney), el negocio iba viento en popa. En 1934, Disney emprendió un proyecto visionario: la producción de un largometraje que iba a ser el primero de la historia de la animación. Nadie se había atrevido a ello por los enormes costos que suponía; de hecho, la industria de la época consideró la idea una locura. Y, efectivamente, a mediados de 1937, el estudio se había quedado sin

un céntimo.

Disney tuvo que pedir un crédito para completar el millón y medio de dólares que costó. Pero ocurrió que, en la taquilla, Blancanieves y los siete enanitos (1937) generó unos ingresos de ocho millones de dólares

No solamente había acertado como empresario, sino también como artista, porque Blancanieves y los siete enanitos resultó ser además una obra maestra, de altísimo nivel técnico, graciosa sensibilidad y gran soltura narrativa.

Los beneficios permitieron a Disney construir, dos años después, un inmenso estudio en Burbank, y producir, junto a los cortos de siempre, extraordinarios largometrajes (Pinocho, Fantasía, Dumbo, Bambi) que, sin embargo, no siempre produjeron beneficios. Disney tuvo que encarar además otros problemas, como la huelga de 1941, que paralizó los estudios y perjudicó la imagen de la empresa; de algunos de sus líderes se vengaría en 1947, denunciándolos ante el Comité de Actividades Antiamericanas.

sión (iniciada en 1950) y una última idea megalómana, la de traer a la tierra su mundo de fantasía con la construcción de Disneylandia, que, inaugurado en 1955, fue lo que hoy llamaríamos el primer parque temático de la historia.

Logró capear el temporal abriéndose a otros géneros, como los documentales, y en la década de los 50, con una situación más boyante, volvió a la carga con nuevos largometrajes de éxito: La Cenicienta, Alicia en el país de las maravillas, Peter Pan o La dama y el vagabundo. Al mismo tiempo, las actividades de la corporación siguieron extendiéndose a otros ámbitos, como las películas con actores reales (La isla del tesoro, 1950; Veinte mil leguas de viaje submarino, 1954), la producción de programas para la televi-

Más grandioso fue aún el proyecto de un nuevo parque en Orlando, Disneyworld, que no llegaría a ver concluido. Apartado en sus últimos años ya del trabajo directo en la animación y más centrado en los proyectos empresariales, en 1966 se le diagnosticó un cáncer de pulmón y falleció a los pocos meses. El Mago de Burbank, como se le llamaba a menudo, dejaba un solvente emporio empresarial que aún perdura. Y sus amables películas, repletas de fauna humanizada, siguen todavía poblando la imaginación de millones de niños.

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Douglas Fairbanks Jr.

(1909 - 2000) Douglas Elton Fairbanks, Jr.

Nació: 09 diciembre 1909 | Estados Unidos

Falleció: 07 mayo 2000

Hijo de la estrella del cine de capa y espada Douglas Fairbanks y su esposa Anna Beth Sully, Douglas Elton Fairbanks, Jr. nació el 9 de diciembre de 1909 en la ciudad de Nueva York. Desde temprana edad fue preparado para continuar la carrera de su padre; sin embargo, a diferencia de tantos otros "Juniors" que nunca pudieron escapar de los faldones de sus más famosos "Seniors", este hijo eventualmente se forjó un nicho de fama y renombre exclusivamente propio.

Sus primeras apariciones cinematográficas, que datan de 1921, fueron menos que exitosas, pero después de un exitoso debut en Los Ángeles en 1927, junto con su altamente publicitado matrimonio con la actriz Joan Crawford en 1929, la visibilidad de Fairbanks aumentó, al igual que la fuerza de sus papeles.

Las más de 75 películas que fueron agraciadas por su extraordinaria presencia incluyen la famosa película de gánsteres Little Caesar (1930);

el drama histórico Catherine the Great (1934), y los clásicos de aventura The Prisoner of Zenda (1937), Gunga Din (1939) y Sinbad the Sailor (1947). The Corsican Brothers (1941), en la que interpretó a los gemelos Mario y Lucien, y al thriller de suspenso State Secret (1950), fueron filmes particularmente fuertes para su talento.

mando. Fue galardonado con numerosas medallas y elogios por su valentía e innovación como el primer comandante de los Estados Unidos, de una flotilla británica durante la Segunda Guerra Mundial, bajo el condecorado Almirante Lord Louis Mountbatten.

En 1949, el teniente Douglas Fairbanks Jr. fue nombrado Caballero Honorario del Imperio Británico por "fomentar la amistad angloamericana". Sus actividades no quedaron relegadas únicamente a los esfuerzos de guerra. Su trabajo en nombre de CARE, de la cual en el pasado había sido presidente de recaudación, recaudó más de 150 millones de dólares en envíos de alimentos y productos a países europeos.

Sus intereses comerciales, complemento de su carrera post-cinematográfica, fueron tan eclécticos como sus puntos fuertes cinematográficos: incursionó en bienes raíces, comercializó bolígrafos, y se estableció como autor, con la publicación de dos autobiografías, "The Salad Days" (1988), y "A Hell of a War" (1993).

Era igualmente hábil en la comedia y el drama, otorgando gracia y estilo a géneros cinematográficos como el romance, la acción, la aventura, el crimen y los musicales, siempre sobresaliendo en cada rol que realizaba. Más que solo una estrella de cine, Fairbanks disfrutó de una carrera bastante impresionante al servicio de su país.

En 1941, Franklin D. Roosevelt} lo nombró Enviado Especial para Argentina, Brasil, Chile, Panamá, Perú y Uruguay. Más tarde ese año, fue llamado al servicio activo de la Marina de los EE. UU., entrenando y liderando unidades de co-

Los talentos de Fairbanks trascendieron la pantalla del cine, honrando la pantalla chica con "Douglas Fairbanks, Jr., Presents", una serie antológica de televisión: 155 episodios que se emitieron desde 1953 hasta 1957, una cuarta parte de la cual protagonizó su anfitrión. Además, continuó incursionando en los escenarios hasta bien entrada la década de los setenta.

cente, fue Pickfair, la magnífica finca que una vez fue centro de la escena de la sociedad de Hollywood.

En el frente personal, su vida tuvo un carácter esencialmente público desde el amanecer hasta el ocaso. Su madrastra era la leyenda del cine Mary Pickford, que se había casado con el anciano Fairbanks en 1920. Su hogar, cuando era adoles-

Su temprano y tempestuoso matrimonio con Crawford terminó en 1933; seis años después se casó con Mary Lee Epling Hartford, con quien tuvo tres hijas, y con quien permaneció casado durante casi medio siglo, hasta su muerte por cáncer en 1988.

El 30 de mayo de 1991, Fairbanks se casó con la vendedora Vera Shelton, quien lo sobrevivió, al igual que sus hijas, Daphne, Victoria y Melissa.

Fairbanks fue galardonado con tres estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood: en celebración de su carrera cinematográfica, en el 6318 de Hollywood Boulevard; con respecto a su trabajo de radio, en el 6712 de Hollywood Boulevard y citando sus logros en televisión, en el 6665 de Hollywood Boulevard.

Douglas Fairbanks, Jr. descansa, junto a su famoso padre, en el hermoso Sunken Garden en Hollywood Forever Cemetery. Su carrera y su legendaria vida serán siempre una leyenda del cine de oro. En una entrevista de 1989, miró hacia atrás en su vida, y parecía bastante satisfecho con lo que encontró: "Trabajé duro y jugué duro, y todo fue tremendamente gratificante. Solo desearía que pudiera seguir y seguir y seguir".

https://www.biografias.es/famosos/douglas-fairbanks-jr.html

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