Oasis de letras- Tessa Barlo

Ene-feb– 2020 Nº 55

Museo Metropolitano De Nueva York

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TESSA BARLO 2009, "Quédate en mi memoria". Poemario 2011 "¿Es fiable la Biblia?" Ensayo 2014 "La mujer serpiente" Novela 2018 “I tu vas arribar” Poemari.

2019 “Experiencia mal aplicada” Novela 2019“Experència mal aplicada” Novel.la 2019 “La oscuridad del alma humana” Relatos cortos 2019 “El procés” - Articles

Desde el 2010, publico un boletín cultural- bimestral a través de la red, actualmente con doscientos sus-criptores aproximadamente.

Desde el junio del 2013, colaboró con la revista bimestral "La Vall" de Vallgorguina, escribiendo un artículo de interés actual.

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Segundo premio—Relato insólito En Mujeres creativas de Rubí– 2014

Finalista “Certamen Tamariu” En Poesía en catalán—2015

EN AMAZÓN 2

El enfermo imaginario

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Charles Piarrauld

06-07

Maria Edgeworth

08-09

Museo Metropolitano de Nueva York

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La Biblia de Gutenberg

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El Romanticismo

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El trovador

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Francisco Ibáñez

18-19

Pierre Boulle

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La creación de Adán de Miguel Àngel

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Amrita Sher-Gil

24-25

Eduardo Manet

26-28

Mary Garden

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El alcalde de Zalamea

30-31

John Ford

32-33

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Argán, el protagonista de la obra, que se cree muy enfermo y cultiva con pasión sus males, siempre rodeado de medicinas y médicos, quiere emparentar con uno de estos, casando a su hija con Thomas Diafoirus, pero ella esta enamorada de Cleante. Belina, la segunda

cha con su padre después de una solemne consulta sobre el enfermo.

El hermano de Argán, Heraldo, le habla a favor de Angélica y contra los médicos; para comenzar, despide al farmacéutico que ha venido con una lavativa ordenada por el doctor Purgón.

esposa de Argán, finge amor y compasión, Este, indignadísimo declara que dejará al por ser la única heredera. enfermo a merced de la muerte inminente.

El joven médico, insulso y pedante, viene Llega otro médico, que no es sino la criada con su padre, médico también y dirige a la Antoñita disfrazada, que despierta el intejoven una declaración en estilo pedantes- rés de Argán cuando critica las curas del co. doctor Purgón y los otros.

Cleante, fingiéndose sustituto del maestro El enfermo imaginarioHeraldo intercede de de música, logra entrar y, cantando, denuevo a favor de Angélica y contra Belina, clara su amor a la muchacha. El padre se cuyo gran amor es puesto a prueba. da cuenta y la amenaza con el convento si no acepta a Thomas Diafoirus. Este mar-

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El enfermo se finge muerto, entra la esposa, liberada al fin de aquel peso, y piensa en recoger inmediatamente el dinero y las llaves. La hija, Angélica, en cambio, da muestras del mas sincero dolor.

El enfermo Argán conoce ahora a sus familiares; en cuanto a los males, Beraldo, le aconseja hacerse médico. Ya conoce el arte en demasía y, por lo demás, hasta la toga y el birrete.

Las viejas acusaciones contra la medicina formalista y charlatanesca son ridiculizadas con ingenioso brío y fuerza convincente, a la vez que se afirma la fe en la naturaleza, única medicina; la figura del Enfermo Imaginario es de una humanidad real y los tipos de los médicos tienen una extraordinaria riqueza de color.

*La obra teatral El Enfermo Imaginario esta considerada como una de los grandes clásicos de la literatura universal.

*El Genial dramaturgo Francés Moliere (Jean Baptiste Poquelin) satiriza con exquisitez a los médicos de su tiempo y nos brinda una hermosa comedia llena de amor, intriga y sobre todo de enredos familiares.

En realidad, es una obra que nos invita a una lectura ágil, ya que el autor utiliza un lenguaje sencillo y hermoso.

https://diarioinca.com/resumen-elenfermo-imaginario-moliera

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Charles Piarrault

Charles Perrault fue un es(posteriormente Bibliotecario) critor francés nacido en París de la Academia Francesa. el 12 de enero de 1628, y fallecido en la misma ciudad el Protegido por Colbert, el céle16 de mayo de 1703. bre consejero de Luis XIV, dedicó gran parte de su vida Aunque escribió y publicó de a componer loas y odas a la manera profusa en vida tofigura del rey; además de dicando diversos géneros, hoy versos tratados artísticos coen día es conocido sobre todo mo Paralelo de los Antiguos y por sus cuentos infantiles. los Modernos, donde defienOriginario de una familia de las obras modernas frente burguesa pudiente, estudió al constreñimiento de la traen el colegio Beauvais de Pa- dición, lo que le valió numerís, se graduó en Derecho y rosas críticas, entre ellas las se inscribió en el colegio de de Boileau. abogados en 1651.

Tras ejercer la abogacía un tiempo, poco a poco se fue granjeando el favor de diversas figuras gubernamentales y culturales, siendo miembro fundador de la Academia de las Ciencias y Secretario

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Con sus Cuentos de Mamá Gansa se adjudicó un puesto seguro en el género de los cuentos de hadas, siendo recordado por obras tan entrañables como Caperucita Roja o Cenicienta, fruto de la recopilación de numerosas leyendas e historias de la tradición oral.

http://www.lecturalia.com/autor/1788/charles-perrault

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Maria Edgeworth

(Black

Bourton, Oxfordshire, Inglaterra, 1767 - Edgeworthstown, Irlanda, 1849) Novelista irlandesa de estimables e innovadoras dotes narrativas.

Observadora atenta de la sociedad y las costumbres regionales. en El castillo de Rackrent (1800) representó la vida irlandesa del siglo XVIII, y en El absentista (1812) denunció las relaciones entre aldeanos irlandeses y propietarios ingleses. Su producción comprende obras de pedagogía como Educación práctica (1798), escrita en colaboración con su padre y que influyó en la reforma educativa británica, cuentos infantiles (El ayudante del padre o Historias para muchachos, colección aparecida entre 1796 y 1800) y otras novelas como Belinda (1801), La

moderna Griselda (1804), Leonora (1806) y Helen (1834).

En 1800 apareció su primera novela, Castle Rackrent (El castillo de Rackrent), cuyo subtítulo es Cuento sacado de los hechos y costumbres de los señores irlandeses, antes del año 1782. En sus páginas, quizás por primera vez en la historia de la novela, se despliega la historia de una familia durante un extenso período; fue elogiada por Sir Walter Scott, quien admitió que había seguido su modelo de indagación ficticia del pasado.

Maria Edgeworth rechazó una propuesta de matrimonio del conde de Edelcrantz, vinculado a la corona de Suecia; tal episodio inspiró su novela Leonora (1806).

Más tarde publicó dos novelas sobre la realidad social de Irlanda, The Absentee (El absentista, 1812) y Ormond (1817).

Tras la muerte de su padre en 1817 menguó el ritmo de su producción; completó y presentó las memorias paternas (Memoirs of Richard Lovell Edgeworth, 1820) y, excepto en los períodos de algunos viajes al extranjero y de sus visitas a Londres, vivió hasta su muerte en Edgeworthstown, 8

dedicada al cuidado de su numerosa familia.

Existe cierta coincidencia en señalar las novelas El castillo de Rackrent (1800) y El absentista (1812) como lo más sobresaliente de su producción. En El castillo de Rackrent (Castle Rackrent), el aldeano Thomas Quirk, cuyo hijo Jason conseguirá posesionarse de las tierras de los amos, cuenta las proezas de los sucesivos señores del castillo, y consigue de este modo dar una representación vivísima de la vida irlandesa del siglo XVIII. Tras la muerte de Tallyhoo Rackrent, le sucedió en la propiedad del castillo y en el nombre sir Patrick O'Shaughlin, hospitalario y divertido amigo de la buena mesa que acabó por morir cantando, después de una de sus solemnes comilonas. Su sucesor, sir Murtagh, después de una vida transcurrida entre causas y pleitos, murió a consecuencia de la excitación causada por un terrible altercado con su mujer: "se le rompió un vaso sanguíneo y toda la ley del país no pudo hacer nada en este caso".

siente enamorado, la sobrina de Thomas Quirk; la respuesta de la moneda fue negativa. Las deudas contraídas por la manía del juego le decidieron, para evitarse las probabilidades de ir a la cárcel, a entrar en el Parlamento. Es ingeniosísimo el relato de la campaña electoral, que lleva a la completa ruina las finanzas del candidato. La última acción de su vida fue apostar a que vaciaba de un solo trago un cuerno lleno de ponche hasta los bordes; ganó la apuesta, pero perdió la vida. Walter Scott fue pródigo en alabanzas para la autora, "rebosante de buen humor, de ternura patética y de admirable buen gusto" y afirmó que había logrado "dar a conocer a los ingleses el carácter de sus alegres y cordiales vecinos de Irlanda".

El absentista (The Absentee) tiene en cambio un carácter de panfleto contra los lores latifundistas, que llevaban una vida lujosa y extravagante en Dublín y en Londres mientras los desgraciados arrendatarios eran víctimas de agentes ladrones y abusadores. Lord Clonbrony, uno de estos propietarios absentistas, es jugador y derrochador y vive en Londres, con su frívola mujer, víctima de gorrones y leguleyos.

Su vulgar consorte se siente humillada de figurar como irlandesa y se convierte en objeto de burla de las damas inglesas a las que en vano trata de imitar.

Después vino sir Kit, https://www.biografiasyvidas.com/ gran duelista, que mubiografia/e/edgeworth_maria.htm rió con una "bala en la parte vital"; a su partida, los más afligidos fueron los que habían hecho apuestas por su victoria. De las gestas de sir Candy, joven oficial y gran jugador, es cómica y patética la escena en que pide respuesta a un medio penique lanzado al aire para decidir si deberá casarse o no con la joven de la cual se 9

Una visita al Museo Metropolitano de Nueva York es más que una simple visita a un museo de arte: con más de dos millones de obras de arte que datan de más de 5000 años de antigüedad y sus 16 hectáreas, el Met de New York es una de las atracciones más visitadas de la ciudad de Nueva York.

El Metropolitan Museum of art presenta lo mejor de la historia del arte de todo el mundo y atrae a casi 6 millones de visitantes de todas las edades anualmente. Pero, ¿qué es lo que le hace gozar de tanta popularidad? ¿Cuál es la magia del MET? Te lo contamos enseguida.

El Museo Met de Nueva York

Este museo, inaugurado en febrero del año 1872 y situado en en Upper East Side de Manhattan, es uno de los centros culturales más prestigiosos del mundo y una cosas imprescindibles que ver en Nueva York. Se calcula que el Museo Metropolitano recibió en el año 2016 más de 7 millones de visitas, lo que lo convierte en el museo más visitado de Estados Unidos y el cuarto a nivel mundial.

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El Museo Metropolitano cuenta con una superficie de aproximadamente 190.000 m2 repartidos principalmente en tres plantas. Como prueba de la enorme envergadura de este museo, cabe destacar que acoge en su interior piezas como un templo egipcio a tamaño real o la reconstrucción de una gran mansión norteamericana.

can arte occidental (especialmente grandes representaciones de la historia norteamericana), así como interesantes muestras llegadas de Egipto, Africa, Oriente Medio, Asia y Oceanía. En definitiva, un paseo completo y apasionante a través de la historia de la humanidad sin moverse de la Gran Manzana. Una visita al museo metropolitano ofrece un recorrido a través de 5000 años de culturas y civilizaciones apasionanMuseo Metropolitano de Nueva York: tes, que nadie se debería perder. Paobras importantes ra que os hagáis una idea, entre las obras más destacadas que encontraAunque es difícil decirlo con exacti- réis a lo largo y ancho de los 19 detud, se calcula que la exposición del partamentos del MET están las siMet cuenta actualmente con más de guientes: dos millones de piezas llegadas de todo el mundo, entre las que desta-

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La Colección Robert Lehman con obras de autores como Rembrandt, Goya y El Greco entre otros grandes Una gran muestra de arte europeo con Monet, Cezanne, Veermer, Van Gogh o Velázquez El Templo de Demdur: donado por Egipto tras retirarlo para la construcción de la presa de Aswan

La Mastaba o Tumba de Perneb también en el departamento egipcio La reconstrucción de una villa Romana enterrada tras la erupción del Vesubio La escultura clásica de Hércules En cuanto a arte árabe podemos destacar algunos manuscritos del Corán y la reproducción de un tradicional hogar de Damasco

Importante: Además de las exposiciones permanentes este museo siempre ofrece muestras itinerantes de primer nivel. Podéis consultar las exposiciones actuales del MET aquí.

La azotea del Metropolitan Museum Si tenéis suerte y el clima está de vuestra parte, una de las zonas del Museo Metropolitano que no os podéis perder es su azotea. Por desgracia, esta zona del museo solo está abierta durante los meses más cálidos del año, pero ofrece la oportunidad de descansar y tomar algo con las mejores vistas al Central Park. Esta especie de jardín de esculturas se encuentra situado en la planta quinta del MET y se puede acceder a él fácilmente a través de los ascensores que encontraréis en la galería de «European Sculpture and Decorative Arts». https://lovingnewyork.es/museo-metropolitano-nueva-york/

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La Biblia de Gutenberg

Johannes Gutenberg nació en Maguncia, Alemania, alrededor del año 1400, hijo de una familia aristocrática con lazos en la industria de la metalurgia local. Vivió en Strasbourg (en la actualidad Francia) durante un tiempo, donde realizó algunos experimentos con un tipo de metal móvil realizado a partir de un molde. A mediados de la década de 1450, había perfeccionado un sistema de impresión de tipo móvil que utilizó para crear lo que se convirtió en el libro más famoso del mundo, la traducción al latín de la Biblia (Vulgata), conocida como la Biblia de Gutenberg. Los estudiosos han investigado todos los aspectos del trabajo de Gutenberg: el tipo de letra elaborado con sus 290 caracteres diferentes derivados de una letra misal gótica, el modo en que dividía el texto en el proceso de composición, y el papel que utilizó en la impresión. Aún así algunas cuestiones fundamentales de la Biblia de Gutenberg son desconocidas o continúan siendo tema de análisis. La fecha en que se completó se basa únicamente en la anotación "1455" en la encuadernación de la copia de papel

de París. Se cree que se imprimieron 180 copias de la Biblia, pero esta información se basa en una única carta de Enea Silvio Piccolomini (el futuro Papa Pío II), quien vió muestras del trabajo de Gutenberg en Frankfurt en 1455. Gutenberg originalmente tuvo la intención de imprimir los títulos de los libros de la Biblia en rojo, pero luego desistió de este enfoque, y utilizó en cambio una tabla impresa separada como patrón para ingresar estas líneas a mano.

De las 49 copias más o menos completas restantes de la Biblia de Gutenberg (12 en vitela, 37 en papel) esta copia de la Biblioteca Estatal de Baviera es una de solo dos (junto a una copia en la Biblioteca Nacional de Austria) en la que se encuentra esta tabla como vestigio del proceso de producción.

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El romanticismo

El romanticismo es un movimiento artístico y literario que surgió en la transición del siglo XVIII hacia el siglo XIX en Inglaterra, Alemania y Francia, y desde allí se extendió a todo el mundo occidental, incluido el continente americano.

la realidad, otros promotores de los valores burgueses y otros antiburgueses. ¿Qué podría señalarse como rasgos común?

Dice Eric Hobsbawm que el combate del término medio. Para comprender esto mejor, conozcamos el contexto, los valores y las características del romanticismo.

Culturalmente, el siglo XVIII estuvo marcado por el Iluminismo, que preconizaba El movimiento romántico está basado en el triunfo de la razón sobre el fanatismo, la expresión de la subjetividad y la liberla libertad de pensamiento y la fe en el tad creadora como reacción al racionalis- progreso como nuevo sentido de la histomo del arte neoclásico, movimiento que, ria. La religión perdía su influencia públiademás de ser rigurosamente academicis- ca y era confinaba a la esfera privada. La ta, había entrado en una fase estandariza- revolución industrial, que transcurría pada que le mereció la reputación de frío y ralelamente, consolidó a la burguesía coservil al poder político. Dice el historiador mo clase dominante y formó una clase E. Gombrich que durante el romanticismedia emergente. mo: La Ilustración se expresaba con el arte Este interés por la libertad creativa y la neoclasicismo. Con el neoclasicismo, coexpresión individual hizo del romanticismenzaron los "ismos" como tal, es decir, mo un movimiento sumamente diverso. los movimientos con programa y concienHabía artistas revolucionarios y reacciocia deliberada de estilo. narios; también había artistas evasivos de 14

Pero aún existían barreras para la libertad • individual y contradicciones, de modo que no tardó en formarse una reacción.

Chocó y por tanto rechazó las normas clásicas que hasta ese momento habían prevalecido con la imposición del neoclasicismo reclamando la vuelta a un modelo más parecido al de la Edad Media. Por otra parte, defendió el espíritu nacionalista y la libertad creativa y artística personal.

– La exaltación de la libertad vino acompañada de un espíritu rebelde que, al mismo tiempo, buscaba la soledad y el sufrimiento como elementos de inspiración.

– La Naturaleza adquiere una gran importancia como aliada en la creación artística.

Los nuevos cambios despertaban la desconfianza ante el excesivo "racionalismo" que, irónicamente, justificó muchas prácticas intolerantes; se miraba con nostalgia los tiempos de la fe y se sentía una cierta desconfianza hacia los nuevos sectores sociales sin tradición.

– El liberalismo, en el campo de la política, se abrió paso al amparo de los nuevos ideales y cobró fuerza como alternativa necesaria al absolutismo. Las ideas de «Libertad, Igualdad y Fraternidad» de la Revolución Francesa fueron un importante detonante.

Las características más importantes del Romanticismo son:

– Intensificó el deseo de libertad, no sólo del individuo como tal sino también de la expresión de sus sentimientos, enfrentándose así al pensamiento racionalista y crítico de la Ilustración.

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Il Trovatore es una ópera romántica en cuatro actos, música de Giuseppe Verdi (Bussetto, 1813 – Milán, 1901), y libreto de Salvatore Cammarano, completado por Leone Emanuele Bardere y basado en el drama homónimo del dramaturgo español Antonio García Gutiérrez.

Su estreno tuvo lugar en el Teatro Apolo de Roma, el 19 de enero de 1853. Por encima de todos los contrasentidos y escenas imposibles del libreto romántico, permanece la belleza de la música de Verdi que hace que en el siglo y medio de existencia de esta obra, no haya remitido su popularidad.

La obra refleja la nueva orientación belcantista que Verdi había emprendido en esos años y también el realismo centrado en la tremenda figura de la gitana Azucena.

A dos años de su estreno mundial Il Trovatore se estrenó en Buenos Aires el 4 de enero de 1855 en el Teatro Argentino.

De 1908 a 1937 subió a escena durante veintiún temporadas del antiguo Teatro Coliseo, inaugurado en 1907. En el actual Teatro Colón se estrenó el 6 de agosto de 1908.

ARGUMENTO: En el siglo XV en Viscaya y Aragón, una gitana es acusada de embrujar al hijo menor del viejo conde de Luna y es quemada viva a pesar de su inocencia. En su agonía esta gitana le pide venganza a su hija Azucena y ésta rapta al hijo del conde para quemarlo vivo, pero en lugar de lanzar a ese niño al fuego, por equivocación, lanza a su propio hijo y entonces cría a este niño. El viejo conde de Luna muere de tristeza y el hijo mayor decide buscar a su hermano. Así pasan los años y cuando los dos hermanos son jóvenes, ambos se enamoran de la misma mujer:

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Leonora. Se enfrentan a un duelo y quedan como grandes enemigos sin saber que son hermanos. Leonora ama a Manrico pero el joven conde de Luna quiere obligarla a casarse con él; ella entonces se recluye en un convento. El conde Luna va a secuestrarla y Manrico se la lleva antes para casarse con ella. Fuera del palacio del conde de Luna capturan a Azucena merodeando y al saber que es la madre de Manrico el conde de Luna la condena a morir en la hoguera. Al saberlo Manrico decide ir a salvarla pero es vencido por los hombres de Luna y va a ser ejecutado. Leonora negocia con el conde de Luna la libertad de Manrico y éste acepta liberarlo a cambio de que ella se le entregue, pero ella toma veneno para no cumplir su promesa y cae muerta a los pies de Manrico. El conde de Luna manda asesinar a Manrico y arrastra hacia la ventana a Azucena obligándola a mirar el trágico final del que creen es su hijo, y justo en ese momento Azucena la confiesa que era su hermano gritando: “… estás vengada madre mía” y se desploma inconsciente ante la desesperación del conde de Luna.

El amor maternal pero también el deseo de venganza hacen de la gitana Azucena el personaje más ambiguo de esta ópera, porque no duda en enviar al suplicio al que todos creen que es su hijo simplemente porque es hermano de su peor enemigo y desea vengarse de la muerte injusta de su madre.

Un trovador era alguien que no conocía ataduras y gozaba de la vida con un acento romántico. Trovador viene del francés trouver y del italiano trovare. Era un buscador, un hacedor de canciones. Se les llamaba trovadores a los poetas provenzales de la Edad Media que componían y cantaban sus poemas cuyo tema principal era el amor y la ardiente adoración a una virtuosa dama, la amistad, la nobleza de sentimientos y los ideales. Los cantos de los trovadores eran sencillos y fáciles de memorizar que estuvieron en los labios de todos; provenían del pueblo, lejos de los castillos y monasterios donde predominaba la música eclesiástica.

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Francisco Ibañez Francisco Ibáñez Talavera (Barcelona, 1936) trabajó un banco durante varios años, dibujando historietas (su vocación desde niño) en sus ratos libres hasta que en 1957 se decide a dedicarse exclusivamente a trabajar para la Editorial Bruguera, de la que se convertiría en uno de los autores más importantes (con el paso de los años, posiblemente el más importante).

Fantasio, Gastón el gafe), se publica El Sulfato Atómico, la primera historieta larga en formato de álbum de Mortadelo y Filemón a la que seguirian muchas otras a continuación (además del mencionado Sulfato atómico, ¡Valor y al toro!, Contra el "Gang" del Chicharrón, Safari Callejero o Chapeau el Esmirriau son algunas de las que se suelen mencionar más recurrentemente como las mejores historietas En 1958 aparece la primera historieta de Mortadelo y Filemón, y todas fueron de Mortadelo y Filemón en la revista Pul- realizadas en esta época). En 1970 nace la revista Mortadelo, a la que seguirán una garcito. A partir de aquí y durante los años sesenta Ibáñez crea para diferentes serie de publicaciones con el nombre de revistas de la editorial algunos de sus me- Mortadelo como Mortadelo especial, Mortadelo gigante, Super Mortadelo, y los áljores personajes (que iria realizando a lo bumes y recopilaciones de sus páginas en largo de los años): La familia Trapisonda las colecciones Olé, Magos del humor y (Pulgarcito, 1958), 13, Rue del Percebe Super humor, en unos años en los que (Tio Vivo, 1961), El botones Sacarino progresivamente Ibañez se va volcando (DDT, 1963), Rompetechos (Tio Vivo, más y más en su creación más popular.

1964) y Pepe Gotera y Otilio (Tio Vivo, 1966).

En 1969 con una fuerte y evidente influencia gráfica de Franquin (Spirou y 18

En 1985 Ibáñez deja Editorial Bruguera (que sin embargo retuvo los derechos de los personajes creados por Ibañez y que de hecho los continuó con otros autores) junto con otros autores de la casa y pasa a trabajar para Grijalbo, que lanza la revista Guai! para la que crea la serie Chicha, Tato y Clodoveo, de profesión sin empleo (que llegarían a ser recopilados en una decena de álbumes) y 7 Rebolling Street, replicando el modelo de 13 Rue del Percebe pero con un nuevo edificio e inquilinos, y en forma de dobles páginas.

Salvo nuevas portadas para recopilatorios, prácticamente ha abandonado el resto de sus personajes, con la excepción de Rompetechos, que no sólo aparece eventualmente como personaje invitado en historias de Mortadelo y Filemón, sino que

En 1994 se le entregó el Gran Premio del Salón del Cómic al conjunto de su obra y recientemente se le ha concedido la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2001. Estos galardones contribuyen al reconocimiento de una de las carreras más importantes y prolíficas de la historia del En 1988 llega a un acuerdo con Edicio- cómic en nuestro país. nes B, empresa "heredera" de los derechos de Bruguera, y desde entonces viene realizando varios álbumes anuales de Mortadelo y Filemón. Para esta nueva etapa se han ido añadiendo progresivamente a las historias elementos de actualidad o de modas de la época, logrando mantener el éxito de público.

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Pierre Boulle nació el 20 de febrero del año 1912 en Aviñón (Francia).

grafo” (1967), “Oídos En La Jungla” (1972), ambientado en el Vietnam, “Las Virtudes Del Infierno” (1974), “El Buen Leviatán” (1978), sátira sobre el ecologismo, o “El Sacrilegio Malayo” (1983).

Estudió Ingeniería Eléctrica en el Supélec antes de trasladarse a Malasia para trabajar en una fábrica de caucho.

También se ha editado en español relatos recogidos en el volumen “Historias Caritativas e Historias Absurdas”.

Sin fortuna en el amor, Boulle se enamoró de la mujer de un militar que finamente optó por continuar con su marido.

Convivió durante un tiempo con su hermana viuda.

En la Segunda Guerra Mundial luchó en Asia y llegó a convertirse en espía.

Durante su trayectoria profesional vivió también en Camerún.

En los años 50 comenzó a editar libros, logrando el éxito con la novela “Los Puentes Sobre El Río Kwai” (1952), un texto ambientado en la Segunda Guerra Mundial que fue llevado al cine por David Lean. el-planeta-simios-novelasLa otra novela más conocida de Pierre Boulle es “El Planeta De Los Simios” (1963), ciencia-ficción distópica que conoció varias adaptaciones cinematográficas, una de ellas con el protagonismo de Charlton Heston.

Murió el 30 de enero de 1994 en París.

Tenía 81 años de edad.

Está enterrado en el cementerio de SaintVerán, en la región francesa de ProvenzaAlpes-Costa Azul.

Otros títulos de su bibliografía son “William Conrad” (1950), intriga de espionaje, “La Cara” (1953), “La Prueba De Los https://www.alohacriticon.com/ Hombres Blancos” (1955), “El Reverso De literatura/escritores/pierre-boulle/ La Medalla” (1958), “Una Profesión De Caballeros” (1960), “El Verdugo” (1961), “El Jardín De Kanashima” (1964), “El Fotó20

¿De dónde viene la palabra carnaval?

La Edad Media europea se caracterizó por el control y la enorme difusión de la Iglesia Católica en la vida política y privada de todas las clases sociales. Durante el tiempo de Cuaresma, por ejemplo, la población debía guardar un ayuno voluntariamente impuesto y un celibato del mismo tipo durante los 40 días correspondientes. El carnaval surgió precisamente como una forma de coger fuerzas antes de la Cuaresma. La celebración, de carácter popular, se centraba en realizar grandes banquetes centrados en el consumo de carne y dejarse llevar por otro tipo de excesos, de carácter sexual en muchos casos, que agotara sus ansias y les permitiera resistir durante la Cuaresma. El sentido de “despedida de la carne” hace referencia tanto al alimento como al cuerpo humano, dos de las tentaciones a las que se renunciaban.

Su origen parece tener dos fuentes probables dentro del Imperio Romano. La primera es Saturnalia, de la que deriva la actual Navidad, una celebración en la que los romanos organizaban fiestas, banquetes y orgias para conmemorar el día del dios sol. La segunda fuente sería Lupercalia (San Valentín), una fiesta en la que las reglas morales se volvían más laxas y las relaciones sexuales eran frecuentes. Además, se realizaban sacrificios animales para los dioses y, durante el ritual, los hombres se disfrazaban con pieles de animales.

Estas fiestas fueron adaptadas al cristianismo conforme la religión de la Iglesia se extendía y solo se puede ver su conexión con el actual carnaval en algunos pequeños detalles. Sin embargo, el verdadero florecimiento de esta fiesta se produjo durante la Edad Media en toda Europa, pero especialmente en Italia. El carnaval se celebraba antes del comienzo de la Cuaresma, una festividad religiosa en la que se debía respetar el ayuno propio y la absti-

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nencia sexual, por lo que su finalidad era conceder al pueblo llano una última alegría antes de esa penitencia impuesta.

El carnaval solía tener una duración de tres días y en ellos se celebraban grandes banquetes de carne y alimentos ricos en grasa para que las personas cogieran fuerza antes del ayuno. En la ciudad de Koenigsberg (la actual Kaliningrado), los carniceros llevaron en procesión 440 libras de salchichas durante un carnaval. Pero como ya hemos dicho, la Cuaresma también significaba decir adiós a la carne como cuerpo, a las relaciones sexuales. En Francia, estudios históricos demuestran que la temporada de carnaval producía más concepciones que cualquier otra del año y es muy probable que esta fuese una práctica habitual en el resto de Europa.

En el siglo XVII, el carnaval de Venecia cobró especial esplendor por su trabajada ornamentación y el uso de máscaras se hizo cada vez más común. Estas permitían dejar a un lado las distinciones sociales y que la nobleza pudiese mezclarse libremente con el pueblo llano. Otro posible uso para estas máscaras era, precisamente, ocultar la identidad y que no se supiera quién era el “pecador”.

La creación de Adán de Miguel Ángel

El fresco La creación de Adán de Miguel Ángel es uno de los muchos frescos que adornan la bóveda de la Capilla Sixtina en la Ciudad del Vaticano y es una alegoría al origen del primer hombre. Fue pintado en 1511, que corresponde al período del renacimiento italiano llamado Cinquecento.

su emplazamiento original, la bóveda de la capilla Sixtina, junto a un promedio de de 500 m² más de frescos del escultor y artista Miguel Ángel.

Se trata, sin duda, del fresco más famoso de la serie de nueve escenas sobre los relatos de Génesis que el escultor Michelangelo Buonarroti (1475-1564) pintó por encargo del papa Julio II, con el propósito de decorar la bóveda de la Capilla.

La creación de Adán se destaca por su método de representación que simula dos planos de la realidad: uno en el que se sitúa Dios, cuya jerarquía es mayor, y el otro donde se encuentra Adán, cuya jerarquía es menor.

Análisis del fresco La creación de Adán

En el plano a la derecha del fresco se encuentra Dios acompañado de querubines y una mujer envueltos en un manto rojo que asemeja a una nube. La mujer que lo acompaña es Eva quien, protegida en el seno de Dios, espera su futura creación.

Llama la atención el paño de verde intenso que cae de esta escena otorgando movimiento. El movimiento de las telas transLa creación de Adán tiene una superficie aproximada de 280 centímetros de alto por porta al espectador a una imagen celestial que cae desde los cielos.

570 centímetros de largo. Se encuentra en El tema central d la escena se inspira en el episodio de la creación del primer hombre descrito en el libro de Génesis del Antiguo Testamento, en la Biblia. Allí se relata el momento en que Yaveh llega a la Tierra para crear un ser a su imagen y semejanza.

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El plano de la izquierda contrasta con la primera por la presencia terrenal de un Adán acostado y lánguido en una superficie sólida. La posición de Adán se funde con el supuesto límite inferior del fresco creando la ilusión de ser sostenido por uno de los personajes que sostienen los pilares de la bóveda.

Entre los dos planos, el de Dios y de Adán, se encuentra la imagen central que le da el poder enigmático al fresco: la escena de las manos de ambos personajes hacia el encuentro del otro para encontrarse en un mismo plano en que el casi se tocan las puntas de sus dedos índices. El suspenso que crea el espacio mínimo entre los dos seres representa la alegoría perfecta del origen del ser humano, a través de la búsqueda de lo divino.

https://www.culturagenial.com/es/cuadro-la-creacion-de-adan-de-miguelangel/

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Sus años en Paris Amrita Sher-Gil nació en 1913 en Budapest y en 1921 se mudó a India, donde fue a la escuela hasta los 16 años, al ser aceptada en el Colegio Nacional de Bellas Artes de Paris. Sus seis años en esa ciudad fueron años de experimentación, en los cuales probó distintos personajes y exploró su identidad híbrida. A veces se la veía vestida con ropa occidental y muchas otras utilizaba su sari –típica ropa hindú-, con la cual su exótica belleza era todavía más exaltada.

Sus primeros trabajos reflejan el estilo académico bajo el cual fue entrenada. Sin embargo, en algunos de estos cuadros puede verse un comienzo de un camino de experimentación en búsqueda de caras y cuerpos no occidentales como Sleep (1933), en el cual dibujó a su hermana menor, Indira.

Una de sus mayores influencias en ese momento fue Paul Gauguin, con sus pinturas simples pero simbólicas y sus des24

nudos. Esto se hizo explícito en 1934 cuando pintó un autorretrato llamado Tahitian, en el cual se la veía desnuda hasta la cintura mirando detrás del marco de una pintura.

Las vuelta a la India

ven composiciones con un estilo marcadamente hindú pero personal al mismo tiemEn un diario, po, y más moderno. South Indian Villagers Sher-Gil dijo: “Empecé a sen- Going to Market, que muestra tanto su intirme fuertemen- fluencia de Ajanta y sus viajes por el sur de India, es considerado uno de sus trabate atraída por volver a la India. jos más significativos.

Sintiendo, extra- Los últimos años ñamente, que mi La última década de 1930 muestra un destino como nuevo giro copernicano en el arte de Sherpintora estaba Gil. Se ve un trabajo más personal y se allí”. empezó a volcar al arte en miniatura. Su

Por eso, en 1934, ella y su familia se mudaron de Paris a Shimla, en el oeste de los Himalayas.

Ella produjo una enorme cantidad de cuadros durante esos años y viajó por India pintando a los pobladores rurales y reflejando su forma de vida.

estilo pasó a ser más “naive”, aumentó el uso del color y las figuras se simplificaron aún más.

Un tema recurrente en sus obras son las mujeres representadas en momentos de privacidad o reclusión. Durante los años que vivió en India, ella se familiarizó con la El cuadro Three Girls -1935- marcó un vida que llevaban las mujeres en estados punto de inflexión en su arte, alejándose feudales, y muchas de sus obras muesdel estilo realista de sus primeros años y tran el aburrimiento, los deseos y la resigacercándose a composiciones más simples nación de estas personas. y modernas. El cuadro muestra a tres jó- En 1938, ella se fue a Hungría y se casó venes en la edad de casamiento y la expre- con su primo Víctor Egan. Pronto quiso sión de sus caras refleja la empatía de la volver a vivir con su familia pero la hostiliartista hacia su situación. Ese mismo año dad de esta pintó una serie titulada Hill Men and Hill hacia él hizo Women, que muestra gente nativa de Inque esto no dia. Las figuras son simples y estilizadas y fuera posible. sus expresiones de tristeza junto a la verticalidad de las composiciones evocan una Sher-Gil murió en 1941, a sensación de dignidad y pathos. los 28 años. A En 1936, ella conoció a Karl Khandalava- pesar de su corta edad, es considerada la, un coleccionista que la empujó a inuna de las artistas más importantes de la teresarse en el arte hindú, particularmen- India. te en las pinturas rupestres, los templos de Amanta y Ellora y las miniaturas de Moghul. Ella describió a los frescos de https://www.adlatina.com/ Amanta como “vitales, vibrantes, sutiles y articulo.php?slug=/publicidad/unaperfectamente hermosos”. pintora-del-siglo-xx-amrita-sher-gil Sus visitas a los templos marcaron un nuevo rumbo en su arte. En esta etapa, se 25

Eduardo Manet El pintor francés, Edouard Manet, es uno de los iniciadores del Impresionismo.

Con el consentimiento paterno, decide iniciar los estudios de pintura en el taller de Nació en París el 23 Thomas Couture. Las clases se completaban con visitas a museos. En 1856, abande enero de 1832. donó el taller, ya que consideraba antiFormaba parte de cuadas las enseñanzas del maestro. una familia alto burguesa. Su padre, Auguste, era Completó su formación viajando por Itajefe de personal del lia, Holanda, Alemania y Austria, donde Ministerio de Justi- copiaba a los grandes maestros. También cia y su madre, Eu- visitó España, quedando impresionado génie-Désirée, era con las costumbres, el folclore y el mundo hija de un diplomático. de toreros. Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya, son las principales influencias en su arte.

Manet empezó pintando temas de género, mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas como el Guitarrista español o Lola de Valencia. Y, poco a poco, fue incorporando escenas de la vida parisina del momento, como Música en las Tullerías.

Sus primeros contactos con el mundo artístico se producen durante su etapa escolar. Su tío materno es quien le enseña las primeras nociones y lo acompaña a sus clases de dibujo al Museo del Louvre.

Cuando acaba el colegio, su padre quiere que estudie derecho. Pero Manet no desea ser abogado, por lo que decide presentarse al examen de ingreso en la Academia Naval. Es rechazado, pero su deseo de navegar es tan grande que se alista en un buque mercante. A su regreso a París, vuelve a intentar ingresar en la Academia Naval, aunque no tiene éxito.

Frecuentó la tertulia del café Guerbois y se relacionó con Degas, Monet y Pissarro, iniciándose así su relación con el grupo impresionista. En realidad, nunca fue un impresionista en sentido estricto, ya que no participó en ninguna de las exposiciones del grupo y se negó a identificar su trabajo con este movimiento.

Manet pintó su ciudad y la vida moderna y las representó tal como son, sin tapujos.

Esta es la razón principal por la que su obra provocó el rechazo y la crítica. Para captar la realidad y la fugacidad empleó una pincelada rápida, directa y empasta-

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da, rasgo característico del Impresionismo

y, al fondo, sitúa a otra joven que sale del El tema es un concierto en el jardín del pa- baño.

El cuadro fue muy criticado por el lacio de las Tullerías, al que asisten los personajes más destacados de la burguesía público. Aunque las escenas del ocio en el campo no eran una novedad, resultó choparisina. cante el contraste entre la desnudez de la joven y los dos hombres que la acompaSe trata de una obra de estudio, en la que ñan. incluye algunos retratos de sus amigos, para los que se sirve de fotografías. Por ejemplo, están presentes su modelo favorita, Victorine Meurent y Baudelaire, que es una silueta esbozada, situada detrás de la primera dama de blanco, empezando por la izquierda.

También puede identificarse al propio Manet, con sombrero de copa y barba, en el borde izquierdo de la composición.

Utiliza los fuertes contraste entre Se inspira en la Venus de Urbino de blancos y claros con el negro y consigue Tiziano, pero Manet sustituye a la diosa vecrear una iluminación natural que hace neciana del amor y la belleza por una prospensar que se trata una escena al aire litituta parisina, desnuda y tumbada sobre bre. un diván. La modelo es Victorine Meurent.

Le acompaña su dama, una mujer negra con un ramo de flores, cuyo rostro se confunde con el fondo oscuro y contrasta con los tonos claros de su vestimenta. A los pies de Olimpia aparece un gato negro, que es símbolo de la ambigüedad, de la inquietud y de las relaciones promiscuas y eróticas.

A través del predominio del blanco y el negro consigue crear un ambiente íntimo y sensual.

Su Olimpia resultó escandalosa ante El cuadro representa un desayuno o almuerzo en un bosque, cerca de Argen- los críticos de la época, ya que no aparece teuil. En esta obra, Manet realiza un des- ni idealizada ni avergonzada con su trabanudo en un paisaje. La mujer desnuda es jo. su modelo favorita, Victorine Meurent, y junto a ella están al escultor holandés Ferdinand Leenhoof y su propio hermano, Gustave. Se encuentran entre los árboles 27

Émile Zola era un gran aficionado a la pintura y defendía a los pintores que eran rechazados por la crítica oficial. En 1866, Zola alabó a Manet, y éste, en reconocimiento por el apoyo, le dedicó este retrato.

Se representa al escritor sentado ante un escritorio, con un libro en la mano y sobre la mesa, está el folleto azul que el escritor había redactado para defender a Manet.

Otras obras famosas de Manet son Argenteuil, El balcón, El almuerzo o El bar del Folies-Bergére. Se le ha considerado como el artista que inaugura la pintura moderna francesa.

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Mary Garden Fue una importante soprano escocesa que hizo su carrera profesional principalmente en Francia y en los Estados Unidos en el primer tercio del Siglo XX.

Fue descrita como "la Sarah Bernhardt de la รณpera".

Naciรณ: 20 de febrero de 1874, Aberdeen, Reino Unido Defunciรณn: 3 de Enero de 1967, Aberdeen, Reino Unido.

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El alcalde de Zalamea

El alcalde de Zalamea. Obra más conocidas y representadas del Siglo de Oro de la literatura española por el español dramaturgo Calderón de la Barca, ubicada dentro del contexto de la literatura barroca.

Esta historia trata sobre un grupo de militares que tras dirigirse a la guerra deciden acampar en un pueblo llamado Zalamea. El capitán decide en quedarse en la mejor casa del pueblo, la de Crespo, y no sólo por ser la mejor sino por su hija de la cual se enamora. Él viéndose rechazado la rapta y la viola, mientras que el

hermano que va en su ayuda hiere al capitán de forma que tiene que ir al pueblo a curarse. El padre retenido por los militares es liberado por su hija , y cuando regresa al pueblo su tristeza es recompensada sabiendo que le nombran alcalde pudiendo juzgar al capitán y amenazarle de muerte sino se casa con su hija.

Don Lope, el general va en ayuda de el capitán pero Crespo no accede a dejar libre al violador de su hija. Finalmente el rey viendo lo ocurrido decide que sea ejecutado.

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La obra narra el drama vivido en la localidad extremeña de Zalamea de la Serena al pasar las tropas españolas con motivo de la guerra de Portugal. El capitán Don Álvaro de Ataide, personaje de extracción nobiliaria es hospedado en la casa del labrador rico de la localidad, Pedro Crespo, a cuya hermosa hija Isabel secuestra y ultraja. Cuando Pedro Crespo intenta remediar la situación, ofrece bienes a Don Álvaro para que se case con Isabel, a la que rechaza Don Álvaro por ser villana, es decir de clase inferior. Este desprecio afrenta definitivamente el honor de toda la familia de Pedro Crespo.

dió en las universidades de Alcalá y Salamanca. Nombrado caballero de la «Orden de Santiago» por el rey, se distinguió como soldado en el sitio de Fuenterrabía (1638) y en la guerra de Cataluña (1640). Calderón destaca sobre todo como creador de esos personajes barrocos, íntimamente desequilibrados por una pasión trágica, que aparecen en El mágico prodigioso o La devoción de la cruz.

Su personaje más universal es el desgarrado Segismundo de La vida es sueño, considerada como la cumbre del teatro calderoniano. En ellas aparece una rica galería de personajes representativos de su tiempo y de su condición social, todos los cuales tienen en común un tema del siglo: el honor, el patrimonio del alma enfrentado a la justicia de los hombres, caso de El alcalde de Zalamea, o las pasiones amorosas que ciegan el alma, cuestión que aborda en El mayor En pleno trauma familiar, es elegido alcal- monstruo, los celos o en El médico de su honra. Es uno de los más insignes y unide de Zalamea y siguiendo una querella cursada a la justicia por la ultrajada Isa- versales poetas y dramaturgos españoles.

Murió en Madrid el 25 de mayo de 1681. bel, aún sin poseer jurisdicción sobre el militar, Pedro Crespo prende, juzga y hace ajusticiar a Don Álvaro dándole garrote.

La trama se resuelve, cuando el rey don Felipe II, revisa la decisión del alcalde, la ratifica y premia su decisión nombrando a Pedro Crespo alcalde perpetuo de Zalamea.

Pedro Calderón de la Barca nace en Madrid un 17 de enero del año 1600. Educado en un colegio jesuita de Madrid, estu31

(Sean Aloysius O'Feeney; Cape Elizabeth, Estados Unidos, 1895 - Palm Desert, 1973) Director de cine estadounidense.

Miembro de una familia de emigrantes irlandeses, era el menor de trece hermanos. Su hermano Francis Ford, actor y director, fue quien le introdujo en el mundillo del cine, en el que recorrió todo el escalafón antes de trabajar como ayudate de D. W. Griffith y Allan Dwan.

Ford experimentó una evolución no ya en lo temático, donde siguió abordando con gran hondura psicológica temas como la forma de vida propiamente estadounidense (en películas corales como la trilogía protagonizada por Will Rogers) o el comportamiento del individuo frente a acontecimientos que lo desbordan (ámbito en que cabe encuadrar títulos como La patrulla perdida o La diligencia, de 1934 y 1935 respectivamente), sino en lo visual y narrativo, terreno en el que se hizo patente la influencia del expresionismo alemán y en el que Ford fue aumentando poco a poco el alcance de su cámara para introducir como elemento clave del filme el entorno paisajístico (en particular, el Monument Valley de Utah).

En 1917 sustituyó a su hermano en la dirección de un western de corta duración. Ésta fue la primera de las ciento cincuenta películas que habría de dirigir, más de setenta de las cuales pertenecen al período del cine mudo. Sus trabajos más importantes de esta etapa fueron para la Universal: Straight Shooting, Marked Men o Caminos de desesperación.

A mediados de los años veinte inició su colaboración en exclusiva con el productor William Fox, resultado de la cual fueron títulos como El caballo de hierro (1924), que lo consagró como uno de los grandes directores estadounidenses, Tres hombres malos o El legado trágico, la primera de sus películas dedicadas a temas irlandeses, que obtuvo un gran éxito.

Fotograma de La diligencia (1935)

Con la irrupción del sonoro, el cine de 32

El hombre tranquilo (1952)

Títulos destacados de las décadas de 1930 y 1940 fueron, amén de los citados, El delator (1935), por la que obtuvo su primer Oscar, El joven Lincoln (1939), Las uvas de la ira (1940), adaptación de la novela homónima de John Steinbeck que le supuso su segundo galardón de la Academia, Hombres intrépidos (1940) y Qué verde era mi valle (1941), retrato de una zona minera galesa y tercer Oscar para el director. Mención aparte merecen westerns como la trilogía dedicada a la caballería estadounidense (Fort Apache, 1948; La legión invencible, 1949; Río Grande, 1950), o Pasión de los fuertes (1946), centrada en el legendario tiroteo del OK Corral, que sentaron las bases del género y le valieron el beneplácito de crítica y público.

maestras del director, El hombre tranquilo (1952), la historia de un boxeador estadounidense que, acosado por el fantasma de un homicidio involuntario, regresa a su Irlanda natal, en un intento de huir de sí mismo.

Tras el cuarto Oscar obtenido por este último título, Ford se convirtió en una auténtica leyenda viva de la cinematografía de Estados Unidos, a la que continuó enriqueciendo con nuevos filmes de creciente depuración estilística y formal como Mogambo (1953), una especie de western ambientado en África y una de sus películas más populares, la obsesiva Centauros del desierto (1956) y otras dos nuevas obras maestras: Dos cabalgan juntos (1961) y El hombre que mató a Liberty Valance (1962), ambas protagonizadas por James Stewart. El año 1966 dirigió Siete mujeres, un filme rodado en su totalidad en estudio, que narra los últimos momentos de una misión estadounidense en China y con el cual se despidió de la profesión.

Además de contar siempre con un sólido elenco de secundarios (entre los que destacan nombres como los de Ward Bond o Walter Brennan), dos actores repitieron protagonismo en varios de estos títulos y se convirtieron en los rostros más característicos de su cine: Henry Fonda y https://www.biografiasyvidas.com/ John Wayne, que en 1952 aparecería de biografia/f/ford_john.htm nuevo en el reparto de una de las obras 33

http://tessabarlo.bubok.es/ http://www.tessabarlo.com/ http://pensamientosdetessabarlo.blogspot.com http://tessabarlo-literatura.blogspot.com/ https://www.amazon.es/s?i=stripbooks&rh=p_27% 3ATessa+Barlo&ref=dp_byline_sr_book_1

Tessa Barlo nace a partir de entrar en el mundo literario y con el primer libro de poesías. En 2009 Teléfono: 699.053.118 Correo electrónico: Tessabarlo@hotmail.com HTTP: www.tessabarlo.com

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