Boletin cultural de Tessa Barlo

Julio-Agosto -2019 Nยบ 52

Julio-Agosto-2019 Nยบ 52

TESSA BARLO

2009, "Quédate en mi memoria". Poemario 2011 "¿Es fiable la Biblia?"

2014 "La mujer serpiente"

Ensayo Novela

2018 “I tu vas arribar” Poemari.

2019 “Experiencia mal aplicada” Novela 2019“Experència mal aplicada” Novel.la

Experiencia

2019 “La oscuridad del alma humana” Relatos cortos

mal aplicada E

2019 “El procés” - Articles

Desde el 2010, publico un boletín cultural- bimestral a través de la red, actualmente con doscientos suscriptores aproximadamente.

I tu vas arribar

Desde el junio del 2014, colaboró con la revista bimestral "La Vall" de Vallgorguina, escribiendo un artículo de interés actual.

La mujer serpiente

La Oscuridad del Alma humana

En Amazon 2

Portada Bibliografía

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Índice

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Isabel allende

04-05

Jorge Luis Borges

06-07

Muere Andrea Camilleri

08-09

Pedro Mir

10-11

Helen Tamaris

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Jaume Planas

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Gian Carlo Menotti

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La casa Azul

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Libros que cambiaron el mundo

16-17

¿Cómo se restaura una obra de arte?

18-21

Los bodegones

22-23

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Isabel Allende, la autora viva más leída en lengua española Su novela más famosa, 'La casa de los espíritus', estuvo fuertemente influenciada por el contexto sociopolítico de Chile.

Isabel Allende es considerada hoy la autora viva más leída en lengua castellana del mundo.

De procedencia chilena y nacionalidad estadounidense, Allende es famosa por obras como La casa de los espíritus (probablemente la más famosa de su bibliografía) La isla bajo el mar, Inés del alma mía o El amante japonés.

Recopila en su haber, además, numerosos premios, entre ellos, el Premio Nacional de Literatura de Chile en 2010. Además, pertenece a la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras desde 2004.

Allende se casó en los años 60, aunque se divorció 20 años más tarde.

Además, es madre de un hijo, Nicolás, y de una hija que falleció en 1992, Paula. Este hecho traumático fue el elemento en torno al que giró la novela Paula, publicada dos años después.

Periodista de profesión, trabajó, además de en prensa y televisión, en obras de teatro y cuentos infantiles. También entró a formar parte de la FAO de Chile, una sección de las Naciones Unidas.

Isabel Allende es sobrina del célebre político Salvador Allende, que fue presidente de Chile desde 1970 hasta el golpe de Estado de Pinochet en 1973. Fue en este momento, al inicio de la dictadura y tras la muerte de su tío, cuando la autora se traslada a Caracas y comienza su producción literaria.

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La situación política de Chile fue una de las influencias más importantes en sus trabajos literarios. Por ejemplo, influyó en su obra más famosa, La casa de los espíritus, publicada en 1982, de un estilo cercano al realismo mágico.

La trama está basada en acontecimientos que probablemente la autora vivió en Chile, que contextualizan el momento histórico del país y su situación política (la dictadura militar), y aderezada con elementos de ficción; todo ella la convierten en una novela de éxito, que muchos comparan con la emblemática Cien Años de Soledad de García Márquez. Esta, su primera novela, fue tan aclamada que incluso cuenta con su propia versión cinematográfica, del mismo nombre, estrenada en 1993.

Recopila una larga lista de obras publicadas, hasta 22. Se suele pensar que La casa de los espíritus es su primera novela, pero lo cierto es que, antes de su producción, Allende publicó obras infantiles como La abuela Panchita, Lauchas y lauchones, ratas y ratones y Civilice a su troglodita. Los impertinentes de Isabel Allende, los tres de 1974.

Sus libros han sido traducidos a múltiples idiomas, y hoy Allende es una de las autoras más aclamadas de la actualidad literaria.

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Jorge Luis Borges

Nombre completo: Jorge Francisco Isidoro Luis Borges Lugar de nacimiento: Buenos Aires, Argentina

Fecha de nacimiento: 24 de agosto de 1899 Murió: 14 de junio de 1986 en Ginebra Jorge Luis Borges procedía de una familia de próceres de la milicia que contribuyeron a la independencia de su país. Pero fue su padre, Jorge Borges Haslam, quien rompiendo con la tradición familiar, trabajó como profesor de psicología e inglés. Había estudiado la carrera de derecho junto con su amigo de toda la vida Macedonio Fernández, pero no la ejerció y se volcó en lugar de ello a la literatura. Tuvo un gran responsabilidad en la formación y vocación literaria de su hijo Jorge Luis.

Su madre, la delicada Leonor Acevedo Suárez, era uruguaya. Aprendió inglés de su marido y tradujo varias obras de esa lengua al español.

La familia de su padre tenía orígenes españoles, portugueses e ingleses; la de su madre, españoles y posiblemente portugueses. En su casa se hablaba tanto en español como en inglés.

Borges nació en en una típica casa porteña de fines del siglo XIX, con patio y aljibe, dos elementos que se repetirán en sus poesías. Su casa natal estaba situada en la calle Tucumán, pero su infancia transcurrió un poco más al norte, en la calle Serrano 2135 del barrio de Palermo, donde creció junto a su hermana Norah.

La relación de Borges con la literatura comenzó a muy temprana edad, siendo que a los cuatro años ya sabía leer y escribir. Debido a que en su casa se hablaba tanto español como inglés, Borges creció como bilingüe. Con apenas seis años le expresó a sus padres su vocación de escritor, e inspirándose en un pasaje del Quijote redactó su primera fábula cuando corría el año 1907: la tituló 'La visera fatal'. A los diez años comenzó ya a publicar, pero esta vez no una composición propia, sino una brillante traducción al castellano de 'El príncipe feliz' de Oscar Wilde .

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El inicio de su educación formal a los 9 años y en una escuela pública fue una experiencia traumática para Borges, los compañeros se burlaban de aquel sabelotodo, que llevaba anteojos, vestía como un niño rico, no se interesaba por los deportes y hablaba tartamudeando. Durante los cuatro años de su permanencia en ese colegio, Borges no aprendió mucho más que algunas palabras en lunfardo y varias estrategias para pasar desapercibido.

En 1914, el padre de Borges tuvo que dejar su profesión, se vio obligado a jubilarse de profesor debido a la misma ceguera progresiva y hereditaria que décadas más tarde afectaría también a su hijo. Junto con su familia, se dirigió a Europa para someterse a un tratamiento. La familia se instaló en Ginebra(Suiza), donde el joven Borges y su hermana Norah asistirían a la escuela. Borges estudió francés y cursó el bachillerato en el Liceo Jean Calvin.

El ambiente en aquel establecimiento educativo era completamente distinto al de su anterior escuela de Palermo, sus compañeros, muchos de ellos extranjeros como él, apreciaban ahora sus conocimientos e inteligencia y no se burlaban de su tartamudez. En el transcurso de esa época leyó sobre todo a los prosistas del Realismo francés y a los poetas expresionistas y simbolistas, especialmente a Rimbaud. A la vez, descubrió a Schopenhauer, a Nietzsche, a Carlyle y a Chesterton. Con la sola ayuda de un diccionario aprendió por sí mismo el alemán y escribió sus primeros versos en francés.

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En 1921, regresó a Buenos Aires y fundó con otros importantes escritores la revista Proa. En 1923, publicó su primer libro de poemas, 'Fervor de Buenos Aires'. Desde esa época, se enferma de los ojos, sufre sucesivas operaciones de cataratas y pierde casi por completo la vista en 1955.

Desde su primer libro hasta la publicación de sus Obras Completas (1974), trascurrieron cincuenta años de creación literaria durante los cuales Borges superó su enfermedad escribiendo o dictando libros de poemas, cuentos y ensayos, admirados hoy en todo el mundo. Recibió importantes distinciones de diversas universidades y gobiernos extranjeros y numerosos premios, entre ellos el Cervantes en 1980 A pesar de su enorme prestigio intelectual y el reconocimiento universal que ha merecido su obra, no fue distinguido con el Premio Nobel de Literatura, no obstante haber sido nominado por muchos años consecutivos. Se especula que no se lo otorgaron por razones políticas.

Su obra fue traducida a más de veinticinco idiomas y llevada al cine y a la televisión. Prólogos, antologías, traducciones, cursos y charlas dan testimonio de la labor infatigable de ese gran escritor, que cambió la prosa en castellano, como lo han reconocido sin excepción sus contemporáneos. En 1986, al conocerse enfermo de cáncer, fijó su residencia en Ginebra donde falleció el 14 de junio.

Muere Andrea Camilleri, el padre del comisario Montalbano

Ha fallecido este miércoles 17-07, en Roma a los 93 años En Italia, una nación siempre dividida, hay una persona que ha logrado unir a todo el país. Es el intrépido comisario Salvo Montalbano, o más bien, su padre, el prolífico escritor Andrea Camilleri, uno de los mejores autores de novela negra de todos los tiempos. Camilleri ha muerto este miércoles en Roma a los 93 años.

El estado de salud del siciliano, que desde hace años vivía en la capital italiana, preocupaba desde que el 17 de junio entró en el hospital Santo Spirito en estado grave tras sufrir un infarto. Después de ser sometido a reanimación y de seguir en condiciones críticas, finalmente ha fallecido tras un mes ingresado.

En los últimos tiempos apenas salía de su casa en el barrio romano de Prati. Cada vez que viajaba a su Sicilia natal se daba cuenta que quedaban menos de sus amigos de infancia en Porto Empedocle, donde nació en 1925. Ávido fumador, se le recuerda siembre con el cigarrillo en la boca, y, pese a que estaba casi ciego, seguía dictando a su asistente las aventuras que imaginaba del comisario Montalbano.

La vida de Camilleri dio un giro completo en 1994, cuando publicó su segunda novela, La forma del agua, la primera de la extensa saga que narraría la historia de Salvo Montalbano, un afable y avispado comisario, fiel compañero y buen lector, que el escritor bautizó en homenaje a Manuel Vázquez Montalbán.

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Desde entonces su serie se ha convertido en un inseparable compañero de las librerías italianas –aquí ha vendido más de 20 millones de copias-, pero también de los lectores de todo el mundo. Sus novelas se han traducido a más de 30 idiomas y le lograron en el 2014 el prestigioso premio Pepe Carvalho.

Hace pocos días salió su último libro, Il cuoco dell’Alcyon (Sellerio), con el que se despide en las listas de los más vendidos en Italia. Activo hasta el final, el año pasado volvió a los escenarios interpretando en el Teatro Greco de Siracusa sus Conversaciones con Tiresias, el adivino ciego más famoso de la mitología griega. Este mes de julio tenía que acudir por primera vez al teatro de las Termas de Caracalla en Roma para contar el primer fratricidio de la historia del hombre con L’Autodiffessa di Caino.

Escritor constante, Camilleri se levantaba durante años a las seis y media de la mañana para escribir cada día delante de la máquina. Esto explica su prolífica obra. Ha escrito más de cien libros, no sólo policíacos. Uno de los últimos es Ora dimmi di te (2018), una toma pequeña dedicada a su bisnieta Matilda donde le cuenta la historia reciente de Italia.

Aunque las andanzas de Montalbano siempre hablaban de ficción en la ciudad imaginaria de Vigata, el comisario buscaba la verdad detrás de asuntos de primera actualidad italiana como la mafia, la corrupción, los feminicidios o hasta la llegada de migrantes. Camilleri explicaba que era un hombre moderno, que pisaba el mismo país que el resto, y que por lo tanto debía enfrentarse a los mismos problemas.

Camilleri logró transmitir al mundo su pasión por la lengua y el mar de su Sicilia, que estaba impregnada en todas sus novelas. Tampoco quería hablar demasiado de la mafia, porque sentía que era darle demasiada importancia. Dijo que se dio cuenta, gracias a su esposa Rosetta Dello Siesto, que en realidad Montalbano era un fiel retrato de su padre. Consiguió transformar su personaje en fenómeno con la adaptación de las andanzas de su Montalbano en una serie protagonizada por Luca Zingaretti, con quien siempre se entendió a la perfección. En la televisión italiana, la Rai, ya lleva veinte años, todo un hito en este país. https://www.lavanguardia.com/cultura/20190717/463547302115/muere-andrea-camilleri.html

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Pedro Mir (San Pedro de Macorís, 1913 - Santo Domingo, 2000) Escritor dominicano considerado uno de los poetas más relevantes de la literatura dominicana contemporánea. En su juventud ejerció el magisterio en su ciudad natal, donde escribió sus primeros versos; más tarde, en 1937, el rotativo Listín Diario publicó por primera vez algunas de sus composiciones. Trasladado por motivos de estudios a la capital, Pedro Mir cursó derecho en la Universidad de Santo Domingo, por la que se doctoró en 1941.

En 1947, por problemas de salud y también por razones políticas (la dictadura del general Rafael Leónidas Trujillo), Pedro Mir abandonó el país. Se exilió en México, Guatemala y Cuba, donde publicó Hay un país en el mundo (1949); subtitulada "Poema gris en varias ocasiones", esta composición, un bello y emotivo canto a su patria, le daría prestigio continental. A partir de entonces se le situó en la poesía comprometida centroamericana, pero siempre desde unos criterios estéticos rigurosos y a la vez profundamente imbricados en el sentir colectivo, plasmados en una poesía social alejada del panfleto político.

De regreso a su país fue nombrado profesor de estética de la Universidad Autónoma y se dedicó a la investigación histórica y artística, al ensayo y al periodismo literarios. Su labor y logros literarios fueron continuos. Recibió el Premio Nacional de Historia por su ensayo Las raíces dominicanas de la Doctrina Monroe (1974), y el Premio Anual de Poesía por su extenso poema El huracán Neruda (1975). En 1984 el Congreso dominicano lo declaró Poeta Nacional, tomando en consideración el conjunto de su obra, y en 1993 obtuvo el Premio Nacional de Literatura.

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Consciente del valor social de su obra, Pedro Mir organizó o participó a menudo en recitales que trataban de acercar la poesía al pueblo, y que solían contar con una extraordinaria afluencia de oyentes. Su estilo salmódico, de versos largos, combina sabiamente un lenguaje poético matizado con lo anecdótico y la expresión coloquial directa. Su lírica es minuciosa; ejemplo de ello es Tres leyendas de colores (1969), donde sorprende por su capacidad para la recreación de hechos históricos: enlaza en un solo hilo narrativo las tres primeras rebeliones de clase en la América española, describe los tintes raciales que las caracterizaban y los identifica con sus orígenes sociales.

Dentro de su producción destacan además Seis momentos de esperanza (1953), Poemas de buen amor y a veces de fantasía (1969), Amén de mariposas (1969), El gran incendio (1969), Viaje a la muchedumbre (1971) y el ya citado El huracán Neruda (1975). Publicó también los ensayos El gran incendio (1969), Apertura a la estética (1974) y Fundamentos de teoría y crítica de arte (1978).

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/mir_pedro.htm

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Tamaris, Helen (1905-1966).

Bailarina, coreógrafa y profeso ra estadounidense, nacida en Nueva York el 24 de abril de 1905 y muerta en la misma ciudad el 4 de agosto de 1966, cuyo nombre original era Helen Becker.

Entre sus creaciones, la mayoría cargadas de crítica social, se encuentran How Long Brethren (Gellert, 1937) y Dance for Walt Whitman (1958). También realizó coreografías para musicales, como: Showboat (1946), Annie Get Your Gun (1948), Touch and Go (1949) y Plain and Fancy (1955). En 1960 formó, junto a su marido Daniel Nagrin, una compañía llamada Tamiris-Nagrin Dance Company, que se disolvió en 1965 tras cosechar uno cuantos éxitos.

Inició estudios de danza moderna con Irene Levinsohn y de ballet con el maestro Mikhail Fokine en la School of American Ballet. Fue bailarina del Metropolitan Opera Ballet, aunque pronto abandonó la técnica clásica para dedicarse al desarrollo de la expresión personal. Debutó http:// como bailarina de concierto en www.mcnbiografias.com/app1927 y en 1930 creó su propia bio/do/show?key=tamiris-helen escuela y compañía, que dirigió hasta 1945. Estuvo a cargo de la organización del Dance Repertory Theatre entre 1930 y 1932.

Posteriormente fue coreógrafa principal del Works Progress Administration Federal Theatre Project, compañía en la que permaneció entre 1937 y 1939.

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abstractas. Esta tensión es el hilo conductor que atraviesa el conjunto de su trabajo, un corpus que pone de relieve la fuerza de binomios como ligero/compacto, luz/oscuridad, silencio/sonido, espíritu/materia y vida/muerte.

Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es un artista de materiales, sensaciones e ideas. Sus referencias abarcan la literatura ―en especial la poesía―, la música, la religión y el pensamiento. Él se considera, ante todo, escultor, aunque su proceso creativo ha transitado por múltiples disciplinas. Sus obras apelan a la condición misma del ser: su esencia física y espiritual, la conciencia de sí mismo y de su pasado, sus códigos morales y dogmas y su relación con la naturaleza. Lo que no podemos explicar es, precisamente, lo que nos explica como personas. Su objetivo no es construir objetos, sino desarrollar relaciones e incluirnos a todos en ellas.

La exposición individual de Jaume Plensa en el MACBA plantea un amplio recorrido por el trabajo de uno de los escultores catalanes con mayor proyección internacional. Galardonado con el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat (1997), el Premio Velázquez de Artes Plásticas del Ministerio de Educación y Cultura (2013) y el Premi Ciutat de Barcelona (2015), entre otros, es reconocido mundialmente por su obra pública en ciudades como Chicago, Londres, Montreal, Niza, Tokio, Toronto o Vancouver.

Veintidós años después de su última exposición en un museo de Barcelona (Fundació Joan Miró, 1996), la obra de Plensa volverá a verse en un museo de la ciudad. En paralelo, el Museo Reina Sofía de Madrid presentará un nuevo proyecto del artista en el Palacio de Cristal durante las mismas fechas

La exposición del MACBA contará con obras desde la década de 1980 hasta las más actuales, en un recorrido que muestra el diálogo que se produce entre las obras que representan la figura humana y las obras

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Gian Carlo Menotti Nació el 7 de julio de 1911 en Cadegliano (Italia).

Premio Pulitzer 1955), El hombre más importante (1970) y La Loca (1979).

Con diez años ya había compuesto su primera ópera, La muerte de Pierrot.

Gian Carlo Menotti falleció el 1 de febrero de 2007 en Montecarlo.

Cursó estudios en el Conservatorio de Milán y en el Curtis Institute of Music de Filadelfia, donde trabajaría como profesor de composición (1941-1955).

En 1958 fundó el Festival de las Artes en Spoleto, Italia, que recibió el nombre de Festival de los Dos Mundos, y más tarde creó un festival anual paralelo en Charleston, Carolina del Sur. Entre sus obras destacan: Amelia al ballo, escrita en 1936 en Filadelfia y estrenada más tarde en la Metropolitan Opera House de Nueva York, The Old Maid and the Thief (La soltera y el ladrón, 1939), The Medium (La médium, 1946), The Telephone (El teléfono, 1947), The Consul (El cónsul, 1950, Premio Pulitzer 1950) y Amahl and the Night Visitors (Amahl y los visitantes nocturnos, 1951), la primera ópera escrita para televisión. Entre las óperas posteriores de Menotti destacan The Saint of Bleecker Street (La santa de Bleeckor Street, 1954, 14

La Casa Azul

La Casa Azul, hoy Museo Frida Kahlo, se encuentra en Coyoacán en la esquina de Londres y Allende, Ciudad de México. Aquí nació, creció, pasó gran parte de su vida y trabajó Frida Kahlo. Esta casa había sido construida por sus padres en 1904 y aparece, también en azul, pintada por Frida en un cuadro de 1936 (Mis abuelos, mis Padres y yo, un óleo y témpera sobre metal de 30,7 x 34,5 cm). Esta obra muestra a Frida como una niña pequeña emergiendo del patio central de la casa de Coyoacán, sobre ella sus padres y en el medio del océano sus abuelos. Se ha sostenido que este cuadro demostraría que la casa siempre fue azul.49

Galería de arte Frida Khalo En 1997 la Universidad Autónoma de Sinaloa decide inaugurar en una antigua y espaciosa casa de la ciudad de Culiacán, la galería de arte Frida Kahlo. Por más de 20 años la Frida Kahlo se ha posicionado como epicentro de las artes en el noroeste de México, con realización de importantes eventos como exposiciones nacionales e internacionales, intercambios culturales, talleres, e incentivando actividades de extensión cultural del claustro educativo

Tras el fallecimiento de Frida Kahhttps://es.wikipedia.org/ lo, la casa fue donada por Diego wiki/Frida_Kahlo#La_Casa_Azul Rivera y desde 1957 es un museo que alberga objetos de su vida y es un destino popular para los turistas.

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Libros que cambiaron el mundo

Todo lector sabe que un libro puede cambiar tu vida. Pero ¿qué pasa con las vidas de toda una generación? ¿Puede un libro cambiar el curso de la historia?

para enseñar una lección moral. Las fábulas son atribuidas a un esclavo en la antigua Grecia llamado Esopo -en el siglo VI a. C.-, aunque muchas de las historias son anteriores a estas épocas. Es probable que Esopo no escribiera necesariamente las historias; sin embargo, las fábu1984 de George Or- las de Esopo han sido contadas en todo el munwell do durante cientos de años. Hay más de 650 y todas tienen un mensaje subyacente sobre la vida o cómo las personas deben o no deben El clásico trabajo de comportarse. Los personajes principales son distopía de George generalmente animales con cualidades humaOrwell lanzó este subgénero de la ciencia ficción nas. Las más famosas incluyen El zorro y las entre el público. Orwell imaginaba un futuro no uvas, La tortuga y la liebre, El lobo y el cordero tan lejano como un lugar de pesadilla controlao El ciervo y el leó do por el gobierno, con una censura desenfrenada y sin libertad. Libros como Fahrenheit 451 de Ray Bradbury o La Naranja Mecánica de AntLas uvas de la hony Burgess no existirían sin que Orwell huira de John biera escrito 1984 primero, y Aldous Huxley Steinbeck “Un mundo feliz” un poco antes. Pero es que 1984 aún resuena con fuerza. Tenemos suerte de que el mundo real del año 1984 no resultase El clásico de como Orwell predijo en 1949, pero la influencia 1939 narra el del libro ha durado y continuará durando por la viaje de una familia de Oklahoma sin un centainfluencia de ese ser que todo lo ve, que todo lo vo hacia el oeste a lo largo de la Ruta 66. El lidomina, el Gran Hermano que gobierna utilibro fue un éxito de ventas inmediato y la novela zando la vigilancia, el miedo, la fuerza y un cul- destacó la impactante pobreza de la era de la to generalizado de la personalidad. El término Depresión y la miseria de cientos de miles de Gran Hermano se sigue utilizando a día de hoy migrantes que viajaban a California para encony el libro siempre será un importante recordato- trar trabajo. El libro fue muy polémico, prohibirio de que la libertad de expresión y pensamien- do e incluso quemado en varios lugares, incluito valen la pena en la sociedad. do el condado de Kern, California, donde terminó el viaje de la familia Joad, protagonista de la historia. Recibió el Premio Pulitzer en 1940.

Fábulas de Esopo Esta colección de historias fue diseñada 16

Analectas de Confucio

La cabaña del tío Tom de Harriet Beecher Stowe

Se cree que este resumen de los pensamientos del pensador chino Confucio fue escrito en algún momento entre 475 y 221 a. C. También conocido simplemente como "Analectas" o "Lunyu", este libro es una colección de dichos e ideas atribuidas al filósofo sobre cómo vivir una vida virtuosa y ser amable, lo que él denominó “Ren”.

Analectas sigue teniendo una profunda influencia en la filosofía y la ética orientales, especialmente en China.

La esclavitud es el tema central de esta novela de 1852. "Así que eres la pequeña mujer que escribió el libro que comenzó esta gran guerra"; de esta manera se dirigió el 16º Presidente de Estados Unidos, Abraham Lincoln, a Harriet Beecher Stowe cuando la conoció en 1862, una década después de que ella escribiera “La cabaña del tío Tom”, el segundo libro más vendido en el siglo XIX después de la Biblia. La historia habla del tío Tom, un esclavo Manifiesto afroamericano, relatando los horrores de la escomunista de clavitud a nivel personal por primera vez en la Karl Marx y historia, lo que causó un gran alboroto en la Friedrich En- sociedad de la época. La novela fomentó en gels gran medida la causa abolicionista en el norte del país, aumentó las tensiones con los esclavistas del sur y, como sugirió Lincoln, posiblemente incluso ayudó a que el país cayera en una guerra civil.

Karl Marx y Freidrich Engels fueron dos de las figuras más influyentes del comunismo. Han contribuido a la teoría del comunismo hasta tal punto que este movimiento tomó la forma de una revolución y atrajo a una parte considerable de la sociedad para adherirse a sus políticas. Este tratado, que fue escrito por Marx y Engels al mando de la Liga Comunista, es uno de los más influyentes en la historia de la política. Hablaba de un curso de acción que permitiría al proletario (clase obrera) eliminar el dominio de la burguesía (clase dominante) para establecer una sociedad sin clases. El libro produjo un cambio social evidente con el conjunto de principios establecidos por Marx y Engels.

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¿Cómo se restaura una obra de arte?

María Trigo Peinado, restauradoraconservadora, nos explica el proceso y las herramientas que los profesionales emplean para restaurar una pieza artística.

Museo del Prado, por ejemplo, son unos de los más importantes del mundo debido a la cantidad de obras con las que trabajan (130 restauraciones de media al año), tanto nacionales como internacionales. Y aunque no siempre se hace con un Tiziano o con un Goya, el trabajo El ser humano ha tenido la costumbre de refle- de los restauradores por conservar el esplendor jar su mundo y pensamientos a través del arte de las obras de instituciones y particulares es desde antes incluso que a través de la palabra. parte fundamental, junto a la conservación, Esta tradición imperecedera hace que existan para proteger el legado artístico. manifestaciones artísticas que datan de hace cientos o miles de años y que poseen un valor “Nosotros estudiamos la conservación como la artístico, estético, antropológico e histórico in- actuación sobre el entorno y la restauración como la actuación sobre la obra” nos aclara comparable. Para asegurarse de que este tipo María Trigo Peinado, con quien nos hemos de piezas y documentos siguen existiendo como testigos vivos de la historia humana existen puesto en contacto para conocer más de cerca la conservación y la restauración, dos discipli- el trabajo en la restauración de arte. Esta restauradora-conservadora graduada por la Uninas a cada cual más compleja que la anterior. versidad de Granada colabora con la Universidad de Granada y su Archivo Universitario, con la Real Chancillería de Granada, con el HospiLas grandes pinacotecas del mundo cuentan con sus propios talleres de conservación y res- tal Real de Granada y con la Fundación Rodrítauración, lugares que funcionan con la preci- guez Acosta. Se ha especializado en tratamiensión de un reloj suizo y la pulcritud de un qui- to de obra gráfica y tiene experiencia en excarófano de primera para tratar las valiosas obras vaciones arqueológicas y restauración de cerámica subacuática. que poseen. Los talleres de restauración del

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De madera a ceràmica

±5%) y la temperatura ideal son 18 grados. Teniendo en cuenta que a partir de un 60% de huLo primero que se destaca en la labor del restaurador y conservador de arte es el abanico de medad y unos 25 grados salen hongos, puedes materiales con los que se trabaja y las particu- mantener un poco la línea: poca luz, filtros, vitrinas” laridades de cada uno. “Trabajamos con una variedad enorme de diferentes objetos artísti- Hay ocasiones en las que el deterioro de las cos. Desde cerámicas, fotografía, lienzo, escul- piezas no es natural sino provocado, como las tura sobre madera…“. Aunque María Trigo se siete puñaladas que Mary Richardson propinó encuentra principalmente con documentos grá- a la Venus en el espejo de Velázquez en 1914 o ficos ha trabajado con todo tipo de soportes, los los numerosos ataques (con ácidos u objetos cuales son muy distintos los unos de los otros. arrojadizos) que ha sufrido la Gioconda de da Vinci durante sus años de exposición en el Louvre. Cuando estos factores o el propio paso del “Cada obra es como una persona diferente. To- tiempo provocan daños y deterioro en las do se basa un poco en la conservación preventi- obras, pasamos de la conservación a la restauración. va y cada material admite unas condiciones u El lado más químico del arte otras. Partimos de que el tiempo todo lo oxida, todo lo polimeriza”, afirma. Precisamente ese desgaste natural fruto del paso del tiempo se ve Entramos en el terreno de Trigo, la parte del proceso en influido por las condiciones en las que la pieza la que ha desarrollado su carrera. En las labores de resse mantiene y que pueden ayudar a conservarla tauración, gran parte de los resultados se consiguen a través del uso de productos químicos que reaccionan con o acelerar su deterioro. “Se dan unos valores de la pieza. microclima donde la humedad generalmente admite un 50% (con un margen de error de

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“Si hablamos de cuadros tendríamos productos para eliminar barniz oscurecido y también tratamientos sobre el soporte ya sea con recetas más artesanales como la gacha o la cola de conejo hasta adhesivos más contemporáneos como puede ser el primal. En el caso de los documentos, ahora mismo tengo delante un bote de dimetil sulfóxido y arena de sepiolita. Por supuesto alcohol en cantidades industriales, acetona, tolueno, cloroformo para eliminar la cinta adhesiva…”.

meri (tipo de pintura al barniz), acuarela…

Igualmente son pérdidas mínimas, de milímetros”, aclara Trigo.

Como ocurría con las condiciones ambientales, los productos químicos persiguen unas reacciones concretas según el material que se está tratando:

“Puedes hinchar el barniz hasta el punto de retirarlo mecánicamente y que aparezcan cosas que incluso no se veían. En el tema del papel antiguamente se hablaba del blanqueo, que hoy es un criterio que está desfasaEl empleo de este tipo de productos, do pero sí que se permite eliminar manchas algunos de ellos bastante agresivos, hace que de grasa de ir pasando las páginas con los delos restauradores tengan un margen de error dos, dejar reservas alcalinas para que no se escueto sobre el que trabajar, por lo que basan oxide o quitar manchas de cintas con clorofortoda actuación en “pruebas químicas como el mo (…) En la piedra devuelve un poco la cohetest de Cremonesi y el Triángulo de Teas” para determinar qué disolventes emplear y en qué sión de la matriz. Cada producto tiene una finalidad y luego, por ejemplo, hay muchos adproporciones a través de las llamadas catas.

“Juegas con diferentes proporciones y en caso hesivos: cola de conejo, gelatina, hidroxipropil de una mínima pérdida siempre cuentas con celulosa”. la reintegración final de la obra a base de maiUn ejemplo especialmente llamativo de cómo la restauración puede sacar a la luz partes de la obra que no se veían es el caso de la ‘falsa’ Gioconda que alberga el Museo del Prado. Entre 2011 y 2012 se realizó un estudio técnico y restauración que no solo revelaron que se trata de la copia más temprana de la mítica obra del florentino, sino que se dio a conocer un paisaje similar al de la obra original oculto por un fondo negro añadido unos 250 años después Kit básico del restaurador Todo este conjunto de productos químicos, disolventes y adhesivos variados se complementa con herramientas clásicas y otras más tecnológicas que facilitan la aplicación de los productos y el control de las reacciones.

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“El abanico es completo. Va desde formón y gubia a la hora de tallar hasta el bisturí, imprescindible para cualquier soporte, o el pincel para reintegración”. Además de estas herramientas más clásicas, las nuevas tecnologías se hacen notar en el trabajo a través de los “microscopios de aproximación para ver qué cata estamos haciendo y cómo afecta, luz ultravioleta para ver cuánto barniz hemos quitado y cuánto nos queda por quitar, cámaras de luz, cámaras de humectación, laminadoras mecánicas…”, enumera. “Todo lo que puede economizarse se economiza pero las herramientas básicas son pincel, bisturí, plegadera (un dedo auxiliar hecho de hueso, teflón o madera para no tocar directamente la obra) y una buenísima iluminación”.

Pongamos de ejemplo una obra tan importante y representativa como Las Meninas, de Diego de Velázquez. Una mala restauración de una pieza así supondría una catástrofe cultural pero no por ello se debe permitir que el tiempo acabe con una obra maestra. Las últimas restauraciones que ha realzado el Museo del Prado sobre este cuadro se han centrado en la eliminación de repintes y recortes de restauraciones previas, el trato de las zonas desgastadas del lienzo o la limpieza con bisturí de las zonas manchadas por excrementos de insecto. También se destaca el tratamiento que se da a los barnices, que con el tiempo dejan de ser incoloros y se vuelven amarillentos. Las Meninas fue tratado con resina natural damar y resina mastic, además de disolventes poco reactivos como la acetona, el alcohol isopropílico que disuelven el barniz de forma lenta y gradual evitando que los disolventes químicos entren en contacto con la pintura original.

Toda precaución es poca.

Restauraciones conservadoras o totales Dentro del proceso de restauración, según cuánto se quiera tocar una obra y cómo, María Trigo diferencia entre la restauración conservadora “que se

centra en la integridad de la obra” y la restauración completa que “aúna integridad con estética y entra en tema de restauración cromática, recuperación de volumen perdido…”.

Para Trigo, la mínima intervención es “una de las reglas básicas de esta profesión” y aunque una restauración “centrada en lo neutral como el Cristo de Cimabue” puede resultar polémica ya que mantiene el aspecto envejecido y no resulta tan visible el trabajo del restaurador “no significa que esté mal”. “A veces hace falta un poco de educación más cultural para hacer ver que son objetos que tienen una trayectoria, una historia, y que si lo reintegras completamente pierde ese punto del pasado y de su parte más documental”, confiesa Trigo.

Al preguntarle por el mayor peligro en el trabajo de un restaurador, María Trigo recuerda el caso del Ecce homo de Borja y sonríe. “Todo lo que suponga una reacción química encierra riesgos (…). La experiencia hace mucho pero puedes pecar de confiado y encontrarte con alguna que otra sorpresa”. Para ella, las prisas y el fiarte del “esto lo tengo dominado” son dos elementos que pueden traer graves problemas a este delicado oficio en el que se consigue que una obra de arte se pueda disfrutar durante muchos años más.

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La importancia de los bodegones en el arte pictórico Este tipo de obras se popularizó en el siglo XVII y les y florales de Durero, fue en el 1600 cuando ha sido practicado por Caravaggio, Rubens, Zur- realmente ganó importancia y se popularizó. En barán o Van Gogh. este momento histórico, tal vez debido a la inEl bodegón, también llamado “naturaleza muer- fluencia que aún perduraba del Renacimiento, la naturaleza se convirtió en centro de atención pata”, se ha convertido por derecho propio en un género pictórico al igual que el retrato. Practica- ra artistas e intelectuales de todo tipo y esto hizo que las composiciones en formato de bodegón do por prácticamente todos los grandes maestros, este tipo de obras representan un conjunto creadas por los pintores empezaran a valorarse de animales, frutas o verduras, flores y toda clase por su valor estético y no solo por la asociación de objetos en un espacio definido que delimita la religiosa o mitológica que se hacía de sus elementos. obra y resalta la composición y distribución de los distintos elementos.

Más allá de tendencias circunstanciales o mentalidades de distintas épocas, un bodegón es un estilo complejo y variado técnicamente hablando.

Con él no solo se abren infinitas posibilidades en cuanto a diseño de la escena, sino que se permite trabajar la composición de objetos como parte de un todo, los colores y formas y las luces o sombras. Desde Leonardo da Vinci pasando por Diego Velázquez y Vincent Van Gogh, el bodegón ha sido una constante en el arte.

Siglo XVII, siglo de bodegones Si bien existen precedentes al siglo XVII de obras que podrían considerarse bodegones, como los estudios del genio de Vinci o los grabados anima-

Las flores, frutas y objetos presentes en los bodegones, así como la distribución de los elementos conservaban poderosos simbolismos relacionados con materias religiosas o cuestiones morales, por lo que de un mismo bodegón se podían hacer varias lecturas (basadas en su valor estético o en el aspecto simbólico de la pintura). Con el paso del tiempo fueron apareciendo variaciones de ese bodegón caracterizado por los productos de lujo y la exuberancia, destinado a las clases nobles y pudientes, y comenzaron a dibujarse otros bodegones en los que se aludía a la caducidad de la vida y las cosas terrenales (vanitas) o se construían escenas con alimentos y objetos propios de las clases populares y el ámbito rural, consiguiendo un potente elemento cotidiano en las obras.

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Los bodegones ganaron peso en los Países Bajos y poco a poco se fueron extendiendo por el resto de Europa, siendo común encontrar este tipo de cuadros de artistas como Caravaggio, Rubens, Jan Brughel de Velours, Zurbarán o Chardin.

Con el paso del tiempo, el simbolismo religioso fue perdiéndose y los artistas se dedicaron a experimentar con las luces, las formas y las texturas, llegando a crearse bodegones muy complejos en los que cada elemento mostraba un nivel de detalle digno de mención y se buscaban las composiciones con objetos cada vez más extravagantes.

despertar en ese momento.

Las vanguardias y los movimientos impresionistas, animados a redefinir el arte y romper los moldes, harían del bodegón uno de sus sellos de identidad al centrar sus composiciones en armonías cromáticas y el tratamiento luminoso.

Los artistas experimentaron con las formas y los colores, alejándose del fondo oscuro y limitado y la riqueza de detalles por una mayor libertad propia del estilo pictórico en el que se enmarcaban sus obras. Probablemente, el bodegón más conocido sean Los girasoles del postimpresionista Vincent Van Gogh.

https://www.muyinteresante.es/cultura/ Cambio de paradigma articulo/la-importancia-de-los-bodegones-en-el A finales del siglo XVIII, los retratos y la pintura -arte-pictorico-731564404438? académica arrebatan el protagonismo a los bo- utm_source=feedburner&utm_medium=email &utm_campaign=Feed%3A+Muyinteresantees+% degones y estos van siendo cada vez menos co28MuyInteresante.es%29 munes. Sin embargo, vivirían un resurgir de las corrientes más innovadoras que comenzaban a

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Tessa Barlo nace a partir de entrar en el mundo literario y con mi primer libro de poesías. En 2009 Empiezo a poner las bases de mi nueva meta, escribir mis pensamiento, dar a conocer el mundo cultural. Que mejor forma de hacerlo a través de un boletín.

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