Toyland Magazine 03

TOYLAND nº 3 JUNIO 2009

BLYTHE 30 años de éxitos Barbie 2009

Celebrando 50 años

Betty Boop

Magazine

Batgirl

La justiciera de la noche

Lo que el viento se llevó

Dragon Ball

Elvis Presley

Vivien Leigh como Scarlett O’ Hara

EDITORIAL ¿Friqui, yo...?

Últimamente cuando he mostrado la revista a personas ajenas a este mundo, muchas la catalogan al momento como «¡Ah, una revista para friquis!», y se quedan tan anchos. A ver, que la cosa tampoco es tan fácil, y si tienen que etiquetarnos de alguna manera, mejor como «coleccionistas». Algunos más apasionados, otros más sofisticados, algunos compulsivos, otros más sibaritas, pero en el fondo a todos nos une la pasión por coleccionar, en este caso fashion dolls, action figures o cualquier otro tipo de juguetes. Así que la próxima vez que alguien lance despectivamente el adjetivo «friqui» me lo miraré con un poco de pena, pues seguro que no siente lo mismo que nosotros cuando nos reunimos, cuando hablamos y, a veces, discutimos sobre lo nuevo que ha salido, sobre lo caras que son algunas piezas y sobre la satisfacción de haber conseguido una de las que hace tiempo estábamos detrás.

Cambiando de tema, este mes tenemos un nuevo colaborador, Sebas Martín, que llevará a partir de ahora la sección de Cómic. Y seguiremos añadiendo nuevos colaboradores que le den variedad a esta revista. También esperamos vuestros mensajes, las fotos de vuestras muñecas, para que la revista sea un ente vivo en continuo cambio y no se limite a un folleto explicativo y nada más, que ya está bien, porque mucha gente pedía una revista que informase en castellano de lo último, e intentaremos también dar direcciones útiles donde comprar a los mejores precios.

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón nsimon@toylandmagazine.com Colaboradores: Sebas Martín, Céline Couzon, Enric Fontvila Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Hasbro, Mattel, Sideshow Collectibles, McFarlane Toys, Bad Taste Bears, Tonner Doll Company, Paul Crees & Peter Coe, Madame Alexander, Dover, Famosa, Mego

pág. 4

News

pág. 6 Blythe

Dolls

pág. 18

Barbie 2009

Novedad

pág. 28

Elvis Presley

Star

pág. 42

Lo que el viento se llevó

Storyland

pág. 58

Gene 2009

Novedad

pág. 60

Hannah Montana

Novedad

pág. 66

Famosa

Made in Spain

pág. 74

Betty Boop

Coleccionable

pág. 80

Dragon Ball

Novedad

pág. 88 Batgirl

Cómic

ÍNDICE

NEWS

2009 Tonner Collectors' Convention - On Film

Del 12 al 14 de junio se celebrará en The Westin Lombard Yorktown Center (Illinois, EUA) la habitual convención de los seguidores de las muñecas de Robert Tonner. El propio artista mostrará una nueva versión de Antoinette, realizada expresamente para el evento. Ya sabéis, todos los que podáis viajar...

Barbie Doll's 50th Anniversar y Convention

Del 7 al 11 de julio tendrá lugar el máximo evento que reúne a los seguidores de la rubia curvilínea. El sitio escogido, el Marriott Wardman Park en Washington, la capital estadounidense. Habrá concursos de disfraces –como es habitual–, venta con más de 90 dealers de todo el mundo, cenas, regalos exclusivos y otras sorpresas. ¡Será toda una fiesta!

IV Jason Wu Event

Parece mentira lo rápido que pasa el tiempo, pero ya hace 10 años que Jason Wu comenzó a llevar las riendas de la línea creativa de Integrity Toys creando las primeras Fashion Royalties.

Posteriormente apareció la Nu Face Agency, la línea Hollywood Royalty, las Dinamite Girls, las Avantguards –de mayor tamaño, dispuestas a competir con las Sybarites– y, este año, por si fuera poco, la línea Poppy Parker y las Integrity Basics. Es por ello que sus seguidores se reunirán como cada año para rendir pleitesía al mago de la costura –si no, que se lo digan a Michelle Obama... El acto tendrá lugar en Chicago del 1 al 3 de octubre y ya se pueden hacer las reservas para el hotel y las diferentes actividades que tendrán lugar durante este intenso fin de semana.

Cenas con la aparición del homenajeado, muñecas exlcusivas sólo disponibles para los participantes –aunque luego se encuentren a la venta en Ebay a precios desorbitados–, concursos, ventas puerta a puerta entre dealers y muchas otras sorpresas os esperan.

NEWS

Nos parece genial que Famosa relance la muñeca escogida a través de las votaciones populares. De momento va ganando con clara ventaja la negrita, seguida muy de cerca por la geisha (la segunda de la fila de abajo comenzando por la izquierda, ¡que se han equivocado el nombre!). Nosotros esperamos que cunda el ejemplo y saquen más con el molde antiguo. Todavía estáis a tiempo para votar...

Blythe

DOLLS

La historia de Blythe está llena de altibajos, pues se lanzó en los setenta en los Estados Unidos pero, debido a sus medidas y sus ojos que cambian de color, fue un total fracaso.

Años más tarde, gracias a la obra de la fotógrafa Gina Garan, vuelve a la actualidad y pasa a producirse de nuevo, esta vez a través de una empresa japonesa. Actualmente se la puede considerar una auténtica cult doll y sus seguidores se cuentan a centenares.

E

n 1972 se creaban en Estados Unidos, a cargo de la empresa juguetera Kenner, las primeras muñecas Blythe, diseñadas por Allison Katzman en Marvin Glass & Associates, responsables de la creación de diversas muñecas de los 60 y 70. Las Blythe aparecieron inspiradas por la obra artística de la pintora norteamericana Margaret Keane, gran referente del Big-Eyed Art, o arte de ojos grandes.

Destinadas a competir con la archifamosa Barbie, su desproporcionada cabeza, uno de sus rasgos distintivos, quiere significar la primacía de la inteligencia sobre la apariencia física. Pero su mayor originalidad radica en que sus enormes y redondos ojos son capaces de cerrarse y cambiar de color y de posición tirando de una cuerda situada en la parte posterior de la cabeza.

Inicialmente destinada a las niñas, ese original mecanismo que permite el cambio de color en sus ojos (de verdes a naranjas, azules y rosas) se dice que consiguió infundir más temor que fascinación al público infantil, y su salida al mercado supuso un estrepitoso fracaso que llevó a la empresa a la ruina. Parece también importante destacar el hecho de que algunos padres asociaban el extraño colorido de los ojos a los efectos causados por las drogas, en un momento de tanta confusión al respecto como fueron los 70. Las Blythe Kenner sólo se produjeron durante un año, para después sumirse en el olvido durante los 28 siguientes,

DOLLS

en los que los escasos coleccionistas de juguetes que las apreciaban las conseguían a precio de saldo en mercadillos de barrio, donde eran tal vez el objeto más curioso.

Pero la suerte de Blythe cambió completamente en la década de los 90, cuando cayó en manos de la fotógrafa norteamericana Gina Garan.

Garan, fascinada con tan peculiar belleza, convirtió a la muñeca en modelo base de sus fotografías y, con el tiempo, en el centro de su producción artística. A partir de sus viajes con Blythe publicó en el año 2000 su primer libro de fotografías This is Blythe (‘Esta es Blythe’), en el que Blythe es presentada de nuevo al mundo. Este hecho marca el inicio de la nueva etapa de Blythe, que empieza a fabricarse otra vez, ahora en Japón, ya para un público adulto y coleccionista, gracias a la colaboración entre Gina Garan y Junko Wong, presidenta y fundadora de la agencia creativa Cross World Connections, y a la cesión de los derechos de fabricación a la compañía japonesa Takara por

parte de Hasbro, sucesora de la originaria Kenner. Desde el 2000 hasta la actualidad la fascinación por Blythe ha ido creciendo, convirtiéndola en objeto de culto para muchos y, sobre todo, en un campo de experimentación artística ajeno al mercado tradicional del arte y principalmente desarrollado por mujeres de todas las edades.

Blythe como objeto de inspiración de fotógrafas y artistas plásticas, como modelo de diseñadores de alta costura, y también como objeto artístico. Poseer una Blythe es equivalente a crear: otorgarle una personalidad, vestirla con creaciones propias, darle vida a través de la fotografía e incluso convertirla en algo único a través de la customización (cambio de pelo, maquillaje, color de ojos, etc.), para lograr unas creaciones muy personales o incluso réplicas de una misma.

En 2001, los grandes almacenes Parco de Tokyo decidieron encargar a Takara una versión

DOLLS

de aquella muñeca Blythe de los años 70 para venderla en exclusiva en sus almacenes.

Así nació la primera Neo Blythe, llamada Parco en honor a su patrocinador. Limitada a 3.600 unidades, la Blythe Parco protagonizó la campaña publicitaria de Navidad de sus almacenes en el año de su salida y su venta fue tan exitosa que se dice que las muñecas se agotaron en tan sólo dos horas.

Desde el año 2002 hasta la actualidad, se han comercializado entre uno o dos modelos de Blythe por mes, y su popularidad ha ido creciendo en progresión geométrica. Sus seguidores se concentran en torno a multitud de foros y espacios en Internet, su principal dominio, donde pueden compartir fotografías, diseños... y diferente información de todo tipo.

Lo mismo se muestra en el gran número de revistas destinadas a sus coleccionistas, en las que se explican pautas de customización, se comparten trucos o se distribuyen patrones para confeccionarles vestimenta de muy diferentes estilos. Así mismo, no ha sido la campaña de Parco la única protagonizada por Blythe. Entre otras, cabe destacar, por su repercusión en España, la que realizó para televisión presentando los Walkmans Sony, a la que en gran parte se debe el descubrimiento de Blythe en nuestro país.

Moldes

Kenner Están hechas con materiales más cuidados que las actuales. El plástico es más suave, ni muy brillante ni completamente mate, y la tonalidad de los chips es muy intensa. Se vendían cuatro modelos diferenciados por el color del cabello (rubia, morena, castaña y pelirroja) y, en teoría, el maquillaje era el mismo para todas, pero en la actualidad se comprueban diferencias incluso entre los mismos modelos.

Ashton Drake (ADG) Son de un plástico distinto, mucho más ligero que el de las Neo Blythe. El cuerpo es más flexible y el tono de piel, diferente. El molde también es distinto, más ancho, con los ojos más grandes y los colores de los chips mucho más intensos. Los modelos se diferencian por la ropa, el color del pelo y el peinado, ya que el maquillaje es siempre el mismo. Se caracterizan por ir vestidas con imitaciones de los trajes originales de las Kenner y, por consiguiente, tienen un look setentero.

Neo Blythe El molde de la cabeza de la Neo Blythe no ha sido siempre el mismo, sino que ha ido variando desde su reaparición en el año 2001. El cuerpo también ha ido cambiando con el avance de los modelos, aunque de un modo menos perceptible.

Hasta el momento existen cuatro tipos de molde diferente fabricados por Takara:

* Molde BL (Blythe) Junio 2001 - marzo 2002. 9 muñecas fabricadas.

Lleva el mismo cuerpo que las muñecas Licca, con brazos y piernas flexibles. Algunos modelos presentan cara mate y blogged eyes. Existen diferencias evidentes entre los modelos BL, ya que fueron bastante experimentales. Las cuencas de los ojos son más redondas que en los moldes posteriores.

* Molde EBL (Excellent Blythe) Junio 2002 - octubre 2003. 18 muñecas fabricadas.

Se introduce un nuevo cuerpo, con brazos rígidos y rodillas que se doblan de la misma manera que las de Barbie. La cabeza es muy similar a la BL pero dulcificada, con las cuencas de los ojos más pequeñas y la barbilla más prominente. A partir de este molde Blythe pasa a ser siempre brillante.

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DOLLS * Molde SBL (Superior Blythe) Desde febrero de 2004.

Más de 50 muñecas fabricadas hasta ahora.

Variación en la cabeza, cara más redondeada y ojos más estrechos, y nuevos eyechips más brillantes. Las bolas de los ojos, que antes eran de color blanco, pasan a ser de color hueso. * Molde RBL (Radiance Blythe) Desde diciembre de 2006.

Más de 20 muñecas fabricadas hasta ahora.

Es el último modelo, que se está empleando sobre todo para las ediciones especiales y limitadas. Tienen el rostro ligeramente menor, la nariz más chata, los labios más gruesos y los ojos más grandes.

Ficha básica

Nombre: Blythe Altura: 30 cm aprox.

Peso: de 350 a 400 gramos Material de la cabeza: plástico duro Material del cuerpo: vinilo y plástico duro; es un cuerpo similar al de las Barbies pero más pequeño y con menos curvas Pelo: sintético (color, forma, textura y longitud dependiendo del modelo) Particularidad: tiene 4 pares de iris de diferentes colores y mira a derecha e izquierda y al frente

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DOLLS

Líneas Neo Blythe

Blythe Primadolly El modelo Blythe más básico y económico. Con pelo y maquillaje simple y escasa vestimenta, poco elaborada. Como son las más asequibles, se presentan ideales para customizar.

Blythe Línea Regular Sale cada modelo con cierta regularidad y a un precio base. Se presentan con varios complementos y una apariencia y una vestimenta más cuidadas y acordes a una estética determinada. Su distribución se lleva a cabo en muchas tiendas de juguetes japonesas y otras tiendas online de Asia oriental.

Blythe Shop Exclusive La diferencia principal con la línea anterior es que su distribución sólo se hace a través de un número limitado de tiendas oficiales Blythe, por lo que suelen ser modelos con un valor un poco más elevado en el mercado.

Toys’R’Us Exclusive Similar a la línea anterior, pero en este caso tan sólo están a la venta en los centros Toys’R’Us de Japón.

CWC Limited Se trata de modelos que suelen tener más accesorios y estar más cuidados que las líneas habituales. Además, se presentan en series limitadas de 3.000 unidades. Su precio de salida es más elevado que las líneas anteriores y se multiplica en el mercado debido a su difícil accesibilidad: para lograrlas es indispensable apuntarse online a un sorteo disponible exclusivamente para residentes en Asia. Sólo si resultas premiado tendrás opción a compra.

Blythe Especial Aniversario Esta línea es conmemorativa de cada año de Blythe. Al igual que en el caso anterior se trata de modelos que suelen tener más accesorios y estar más cuidados que las líneas habituales.

Cada modelo es limitado al mismo número que el año en cuestión en el que sale (por ejemplo en 2007 la Especial Aniversario estaba limitada a 2.007 muñecas, todas numeradas y con certificado de autenticidad). Su precio de salida es más elevado que las líneas anteriores y el procedimiento de adquisición es el mismo que en el caso de la CWC Limited.

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DOLLS Glosario

Ashton Drake Galleries (ADG) Marca norteamericana que reproduce las antiguas Kenner.

Blogged eyes Técnica por la que se modifica el párpado externo para hacer que no sean visibles con el ojo abierto.

Blythe de stock Modelo tal y como salió de fabrica, sin modificar o customizar.

Blythe Custom u OOAK (One on a Kind) Modelo modificado y, por lo tanto, único. Cada diseñador@ implanta en él su personalidad e imaginación, como en cualquier creación artística.

Eyechip Se trata del iris del ojo. Es extraíble e intercambiable.

Kenner Empresa juguetera americana que en los 70 comercializó las Blythe originales.

Licca Muñeca de la marca Takara.

Mohair Pelo ondulado o rizado que se emplea para sustituir al de stock. Tiene mucho volumen. Al contrario que el pelo de stock o el saran, no es sintético, sino de oveja.

Takara Empresa de juguetes japonesa que comercializa las Neo Blythe.

Plug by plug Técnica para coser el pelo, agujero por agujero del scalp.

Pull ring Anilla a través de la que se tira de la cuerda que poseen en la parte posterior de la cabeza y que es responsable del mecanismo que hace que los ojos cambien de color.

Reroot Cambiar el pelo cosiendo uno nuevo.

Puede ser saran, mohair o cualquier otro tipo de pelo.

Saran Pelo sintético liso que se emplea para sustituir al de stock. Se encuentra en infinidad de colores.

Scalp Plástico situado en la cabeza donde va cosido el pelo.

Sleepy eyes Técnica por la que se crea una posición ocular en la que la Blythe mantiene los ojos cerrados sin necesidad de estar tirando de la cuerda.

Wefted Técnica para coser el pelo. El pelo viene cosido a una cuerda, y ésta se tiene que coser al scalp.

DOLLS

Petite Blythe

Para todos aquellos que disponen de poco espacio, que quieren tener una Blythe pero no se atreven con una de las grandes o, simplemente como a nosotros, les encanta todo lo relacionado con Blythe, os recomendamos las Petite Blythe, que es practicamente como una original pero reducida a 12 centímetros.

Entre los defectos está que no tienen los ojos cambiantes de color como las de mayor tamaño; entre las ventajas, que tiene una cara más dulce y unas proporciones entre el cuerpo y la cabeza no tan exageradas, y que existen gran variedad de modelos, con muchos tonos de pelo (desde el negro al rubio, el rosa o el violeta). Otra ventaja es que, aunque la línea de vestidos es en general de corte infantil, se han cuidado mucho los detalles y los complementos. Y su precio es mucho más barato que las Blythe originales. ¿Queréis más motivos para empezar a coleccionarlas todas?

DOLLS

NOVEDAD

Barbie 2009

Barbie cumple 50 años y medio siglo se tenía que celebrar a lo grande, aunque los fastos le han pillado en época de crisis económica y no está la cosa como para tirar la casa por la ventana. Así que, al margen de una cuantas Barbies especiales y una serie de gift sets conmemorativos, Mattel no ha sacado grandes novedades. Siguen algunas series que son rentables como I Love Lucy, Harley Davidson o las reproducciones vintage y se añaden algunas celebridades interesantes. Dos palabras definen pues esta nueva colección: poco riesgo. De las novedades Silkstone hablaremos en el próximo número, en el que les dedicaremos un amplio reportaje.

Generation of Dreams

Barbie conmemorativa del 50 aniversario.

Lleva vestido de fiesta con amplia falda confeccionada con reproducciónes de anuncios vintage. El peinado se reduce a un simple recogido bajo. El maquillaje es sutil, sombra verde en los ojos y labios rosa. También hay disponible la versión afroamericana. Su precio está en 65 $.

Holiday Barbie

Barbie especial para estas Navidades.

Luce vestido de fiesta con amplia falda brillante en tonos rosas y plata.

El peinado, en rubio platino, se recoge en un moño alto y suelto por detrás.

Lleva grandes pendientes a juego.

Disponible también en versión afroamericana. Precio: 56 $.

NOVEDAD

50 Aniversario

Barbie oficial del cincuenta aniversario.

Con vestido diseñado por Robert Best en estilo sirena, muy ceñido al cuerpo y con volantes de gasa en el bajo, todo en tonos dorados, así como la joyería. Destaca el brazalete con el número 50 conmemorativo.

El peinado se reduce a la melena suelta, todo muy estilo Beverly Hills, o sea con un punto de hortera. Disponible también en la versión afroamericana. Su precio está en 60 $, pues a pesar de ser tan especial pertenece a la serie Pink Line.

Harley Davidson Barbie

La sexta muñeca de la serie de la popular motocicleta.

Esta vez producida en la línea Pink Line, o sea más barata que las anteriores (sobre 50 $), pero también más cursi: con chaleco rockero, tejanos oscuros y pantalones chaps de cuero rosa (!).

Casco negro con estampados también rosa. Peinado en moño alto, tipo Amy Winehouse, y maquillaje oscuro, como se supone que debe llevar toda una amazona de la carretera. ¿Os habéis fijado que lleva las uñas pintadas de negro?

NOVEDAD

Dolls of the World - Scotland

Tercera muñeca escocesa en la serie que recrea Barbies con trajes típicos del mundo.

Las anteriores eran de 1981 y 1991. Esta vez luce un modelito más juvenil de jersey marrón y minifalda plisada, estilo colegiala.

La banda con el estampado de tartán, la boina de terciopelo verde y la gaita son los mejores complementos. Lleva zapatos negros y calcetines altos blancos. Larga melena pelirroja. Su precio es de 35 $.

Dolls of the World - France

Cuarta muñeca representativa de París, o de lo que los americanos entienden por Francia.

Las anteriores eran de 1980, 1991 y 1997.

En este caso las variaciones respecto a los modelos anteriores son mínimas. El vestido es del mismo estilo y color, sólo varía la inclusión de guantes azules; el tocado, esta vez con plumas, y el peinado recogido.

Lo mejor es el molde y el maquillaje de la nueva muñeca. Su precio es de 35 $.

Celebrities

NOVEDAD

Carol Burnett Show

Recreación del vestido que lucía la popular cómica norteamericana cuando parodiaba el film «Lo que el viento se llevó».

Hay que decir que el vestido era una creación de Bob Mackie. A pesar de todo, la muñeca es sólo apta para incondicionales. Tiene un precio de 50 $.

Goldie Hawn

Segunda muñeca de la Blonde Ambition Collection. Nos gusta el molde pero no el cuerpo lleno de tatoos. Precio: 45 $.

Julia Reproduction (Diahan Carroll)

Reproducción del personaje de la popular serie de 1969.

Fue la primera celebrity afroamericana de la que se hizo una muñeca. Lleva complementos y catálogo. Precio: 50 $.

Celebrities

NOVEDAD

Blonde Ambition - Marilyn Monroe

Primera muñeca de esta serie un tanto dispar donde el elemento común es que son famosas y rubias.

En esta ocasión Marilyn lleva el popular vestido de noche en lamé dorado plisado de Travilla, de amplio escote y falda larga. Es ya la sexta Marilyn de Mattel; las anteriores eran de la serie Hollywood Legends y Celebrity Collection. Su precio es de 50 $.

I Love Lucy - The Ballet

¡Esta es ya la 16ª muñeca que Mattel le dedica a la popular cómica!

Vestida de bailarina clásica con tutú y medias pálidas y cara de horrorizada.

Los fans de Lucille Ball estarán contentos, pues desde 1998 ha aparecido una muñeca o dos cada año. Suponemos que en USA se venden muy bien, pero nos gustaría que se hiciesen otras celebrities aunque sean de la televisión. Su precio es de 45 $.

Pivotal Pivotal Mod

NOVEDAD

El año pasado Mattel se atrevió a realizar una línea «pivotal» (de brazos y piernas articuladas) dedicada al cabaret.

Este año la línea está dedicada a los sesenta y consta de una Barbie rubia con coleta y vestido corto, otra pelirroja con aparatoso peinado alto y molde Steffie y una afroamericana que nos encanta, con peinado corto estilo The Supremes. Cada muñeca viene con una silla y su precio es de 55 $.

Gift Set Celebration NOVEDAD

Seguimos de celebración y con ese motivo Mattel lanza una serie de gift sets con los momentos clave en la vida de Barbie.

Así, de 1959 saca el denominado Original Teenage, del año 1962 el modelo Bubblecut, de 1967 la Barbie articulada Twinst’n’Turn, de 1971 la Barbie Malibu, de 1977 el dedicado al molde Superstar y de 1986 la Barbie Rockers. Los gift sets constan de la reproducción de una muñeca con el molde de la época, un vestido extra y algunos que otros complementos. Es una buena ocasión para repasar estos 50 años que han dado para mucho. Cada gift set cuesta unos 45 $ y algunos estarán disponibles incluso en España.

Sparkling Pink Vintage Repro

Reproducción del modelo Bubblecut. Con vestido rosa y catálogo de la época. Su precio es caro: 109 $.

NOVEDAD 1962 Bubblecut

Barbie lucía a principios de los 60 nuevo peinado.

Lleva bañador rojo y se adjunta el conjunto de noche Enchanted Evening en raso rosa, estola de piel, largos guantes blancos y zapatos a juego.

1971 Barbie Malibu A principios de los 70 Barbie cambió el molde de su cara por otro más juvenil.

El modelo Malibu tenía unaspecto bronceado y Barbie lucía mucho más rubia y atractiva. Se adjunta pijama amarillo.

1977 Superstar

Fue la primera Barbie que llegó a España y la primera que tuvimos.

Nuevo molde, melena tipo Hollywood y vestido rosa chicle. Se adjunta vestido negro brillante con estola a juego y catálogo de la época.

¡Última hora!

NOVEDAD

Aphrodite

Segunda muñeca en la serie dedicada a la mitología clásica.

Después de sorprendernos hace un año con la aparición de la Medusa, este año toca el turno a la diosa del Amor. Su autora, Linda Kyaw, ha usado y abusado de los verdes esmeralda y los volantes por doquier. Eso no impide que su precio sea caro, sobre los 200 $. Aparecerá en junio.

Amazonia

Cuarta muñeca de la serie Dolls of the World dedicada al país carioca.

Ahora sí que felicitamos a su autora, de nuevo Linda Kyaw, por intentar representar a una nativa de la selva del Amazonas. No le falta nada, ni las plumas ni los tejidos étnicos ni los tatuajes. Quizás un poco pálida y con aspecto de top model. Estará sobre los 30 $.

Pivotal Ken

Sólo disponible para los socios del Barbie Collector Club.

La versión masculina de las pivotal de este año lleva igualmente atuendo mod: pantalón negro, camisa de estampado psicodélico, corbata fucsia y gafas de pasta blanca. Luce un nuevo molde y peinado con flequillo largo.

También se acompaña de una silla estilo años 60.

NOVEDAD Splash of Silver

Robert Best ha diseñado la muñeca anual del Barbie Collector Club.

Para ello nada mejor que el uso y abuso de tonos plateados, incluso en el pelo de la muñeca.

Con el molde Lara y el cuerpo de las Model of the Moment, la muñeca lleva traje de cóctel en gasa con pedrería, todo ello en color plateado. Se supone que salía al mercado el mes de mayo.

Wicked Witch of West

Mattel celebra el 70 aniversario de «El mago de Oz» lanzando una nueva bruja.

Y tan nueva es que en el film ni siquiera aparece, pero seguro que gustará a los incondicionales de la película. Lleva un extraño vestido en color burdeos, escoba de paja y medias a rayas. Su precio es ligeramente caro: 80 $. Os recordamos que todavía podéis ver el maravilloso musical Witch, inspirado también en Oz.

Wedding Gift Set

Aunque ya había salido una reproducción del vestido de novia clásico de 1960, ahora la novia viene acompañada de Ken. Pero el pobrecillo tiene una cara de alelado que no se aguanta, como todos los de la primera época. Se ha procurado reproducir con la mayor fidelidad todos los detalles, así que el precio de salida es de los caros: 120 $.

Esperemos que poco a poco se adapte a un presupuesto más razonable.

STAR

Elvis Presley Le llamaron el Rey del Rock y es que nadie como él supo revolucionar el mundo de la música a finales de los años 50. Sus ritmos dislocantes, sus movimientos de pelvis y su fusión entre el rock que hacían los blancos y los ritmos negros fueron determinantes para catapultarle a la fama. Su paso por el cine solo sirvió para aprovechar su bella imagen y seguir escuchando su voz. Trenta años después de su muerte han habido muchos imitadores, pero nadie ha conseguido superar su leyenda.

E

lvis Aaron Presley (Tupelo, Misisipí, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977) fue un cantante de rock estadounidense y un icono de la música popular del siglo XX. Inspiró a muchos otros tanto dentro como fuera del género del rock.

Conocido como «el Rey del Rock and Roll», también protagonizó numerosas películas, muchas de las cuales estuvieron consagradas a sus canciones. A menudo es llamado simplemente «Elvis» o «El Rey». A pesar de su muerte, Elvis sigue vendiendo discos y actualmente ha superado la cifra de los 1.000 millones de discos vendidos.

Infancia

Hijo de Vernon y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron, murió al nacer. Elvis tuvo una infancia dura y difícil en Tupelo (Misisipí), hasta que, después de muchas vicisitudes, sus padres y él se mudaron a Memphis, donde poco a poco consiguieron cierta estabilidad económica. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir los diez años. Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel o el doo wop, así como el country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mariachi y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza,

STAR pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces el blues rural. Exploró asimismo las raíces musicales indias, ya que Elvis tenía ascendencia cherokee por el lado materno.

Primeras grabaciones

A los 19 años (en 1954), como regalo de cumpleaños para su madre, grabó un disco con dos temas en los estudios Sun Records, My Happiness y That's When Your Heartaches Begin. El propietario de la compañía, Sam Phillips, no llegó a oírlo, hasta que regresó dos veces más, también grabando dos canciones en cada oportunidad, tras lo cual quedó gratamente sorprendido. Tres meses después, le contrató para grabar un disco que tendría gran éxito en Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del country y del blues, aunque a la hora de encontrar a la persona responsable de su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes.

Con la edición de su primer tema de este género, That's All Right, Mama, de Arthur Crudup (género que, por cierto, dejaría en menos de 17 meses para lanzarse a otros ritmos cada vez más sofisticados), creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por el coronel Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac para Presley.

Ha nacido una estrella

Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que finalmente logró en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso,

STAR

aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el Show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los récords de venta, alcanzando once números uno seguidos en la lista de sencillos, y cuatro números uno en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas las cuales resultaron unos enormes éxitos de taquilla.

La etapa militar

Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios para realizar el servicio militar en Bad Nauheim (Alemania). Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann Beaulieu (Priscilla Presley). Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra, con quien interpretó a dúo los temas Love me Tender y Witchcraft. Como la cadena televisiva ABC consideró el precio que pedía Parker muy elevado, fue el propio Sinatra quien lo financió.

Para éste último, y a pesar del elevado costo, la inversión dio resultado, especialmente al final de la semana, cuando se anunció que los índices de audiencia del show de Sinatra en que había aparecido Presley habían roto todos los récords del referido show, que fue visto por 40 millones de personas. Presley recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

Hollywood

En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana a baja calidad, rodando un promedio de tres películas por año, hasta un total de 31. Sus actores favoritos, a los que admiraba y copiaba, fueron James Dean y Marlon Brando. El 27 de agosto de 1965, durante la visita de los Beatles en su casa de Bel-Air (California), le comentó a John Lennon con respecto a su próxima película: «Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero». Presley admiraba sinceramente a los Beatles, pero

luego, al cambiar éstos su imagen a finales de los sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba dentro del mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

El regreso a los escenarios

El 1 de mayo de 1967 Presley se casó con Priscilla Ann Beaulieu (conocida desde entonces como Priscilla Presley), con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie Presley. En 1968, volvió a encabezar las listas de éxitos norteamericanos después de su célebre 1968 Comeback Special para la televisión. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el International Hotel de Las Vegas. Ese mismo año nace su única hija, Lisa Marie. El 21 de diciembre de 1970, Elvis visitó al presidente Nixon en la Casa Blanca, donde, después de un intercambio de regalos, charlaron sobre la influencia de las drogas en la juventud.

Mito y decadencia

En los 70 Elvis se convertiría de gran ídolo a mito musical. Sin embargo, en febrero de 1972 se separa de Priscilla, lo que lo sume en un profundo estado de depresión del que nunca se recobraría. En 1973 realizaría el primer concierto televisado vía satélite de la historia, desde el paradisíaco Hawai, conocido como Aloha From Hawaii, que se estima que fue visto por unos 1.500 millones de personas.

También es en esta década cuando los excesos en sus hábitos alimenticios y su dependencia de las drogas deterioran drásticamente su salud, tanto física como mental. En repetidas ocasiones es ingresado en el hospital. En 1973, Priscilla presenta la demanda de divorcio y consigue la tutela de su hija. Su ex-mujer declaró que no podía seguir en el ambiente de soledad, insatisfacción e infidelidades que dejaba la estela de fama que rodeaba a su marido y culpó directamente al coronel Tom Parker por sus ansias de dinero y de llevar a Elvis por rumbos de decadencia. Para 1976-1977 Elvis dista mucho del muchacho

STAR

STAR vigoroso y lleno de energía que conquistó al mundo, convirtiéndose en una imagen burda, con un exceso de peso y dificultades para cantar y memorizar la letra de las canciones.

Su último concierto lo daría el 26 de junio de 1977 en Indianápolis, en el Indiana’s Market Square Arena.

En la madrugada del 16 de agosto de 1977, Elvis regresa a su mansión de Graceland después de una consulta dental, durante la mañana se encarga de revisar los detalles de su próxima gira y descansa con su familia y amigos. Debe de tomar un vuelo para Portland esa misma noche para seguir con la gira, y alrededor de las 7 de la mañana se retira a su habitación para dormir. Hacia el mediodía, Elvis es encontrado inconsciente en el baño de su habitación, es trasladado urgentemente al hospital Baptist Memorial en Memphis y, poco tiempo después, es declarado muerto.

Muerte y leyenda

Hay infinidad de leyendas sobre Elvis Presley, principalmente acerca de su muerte, pero una en especial es la que tiene más fuerza.

Según cuentan, dos horas después de la muerte de Elvis, un hombre llamado John Burrows sacó un billete de avión con dirección a Argentina. Lo peculiar de este hombre es que era muy parecido a Elvis y lo más sorprendente es que el nombre con el que firmó era el seudónimo muchas veces utilizado por Elvis.

Años después este Burrows, con el nombre artístico de Orion, se puso a cantar imitando a Elvis y sus espectáculos eran muy parecidos, pero llevaba un antifaz que le cubría parte de la cara, con lo que se empezó a especular si este hombre en verdad no sería Presley.

Seguramente esto no se podrá comprobar nunca, debido a que Orion murió en 1998.

Algunos datos que contribuyen a esta leyenda son los hechos de que el segundo nombre de Elvis esté mal escrito en su tumba, «Aaron» en vez de «Aron», que es el nombre que figura en su partida de bautismo. Otro dato es el hecho de que la familia de Elvis no haya cobrado aún el millonario seguro de vida.

STAR Filmografía

Cambalache (1967) Frankie y Johnny (1966) Paraíso hawaiano (1965) El trotamundos (1964) Cita en Las Vegas (1964) El ídolo de Acapulco (1963) Persigue tus sueños (1962) ¡Chicas, chicas, chicas! (1962) Piso de lona (1962) El indómito (1961) Amor en Hawai (1961) Estrella de fuego (1960) G.I. Blues (1960) El barrio contra mí (1958) El rock de la cárcel (1957) Ámame tiernamente (1956)

The King of Rock & Roll

Jailhouse Rock

Mattel Collection White Eagle Jumpsuit

30th Anniversary Elvis TV Comeback

STAR

The Wedding with Priscilla

The Army Years

STAR

STAR

STAR

King of Rock & Roll

68’ Comeback Especial

STAR

McFarlane Collection

Aloha Elvis

Gospel Elvis

Jailhouse Rock

Blue Hawaii

STAR

STAR

Rarezas varias

STAR

STORYLAND

Lo que el viento se llevó

L

Por muchos años que pasen, sigue siendo un clásico del cine. Sus protagonistas inolvidables, sus melodramas encendidos, sus pasiones desatadas, su vestuario copiado hasta la saciedad...Y si además unimos a dos intérpretes como Clark Gable y Vivien Leigh, ligados de por vida a sus personajes, tenemos la combinación perfecta para seguir disfrutando del buen cine, como se hacía antes.

o que el viento se llevó (en inglés Gone with the Wind) es una de las películas más famosas de la historia del cine. Basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (ganadora de un Premio Pulitzer), su rodaje, que duró 140 días, supuso unos cambios importantes en la técnica cinematográfica.

En el momento de su estreno fue la película más cara y larga que se había rodado.

Argumento

Mediados del siglo XIX. Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), una bella joven caprichosa y pasional, vive en una de las grandes mansiones del sur de los Estados Unidos rodeada de esclavos negros y todo tipo de lujos. Lo único que no puede conseguir es a Ashley Wilkes (Leslie Howard), el hombre del que está enamorada y que, a su vez, está comprometido en matrimonio con su prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una dulce y cariñosa mujer incapaz de odiar.

La Guerra de Secesión está a punto de estallar y los jóvenes sureños muestran su entusiasmo por entrar en combate. No así Rhett Butler (Clark Gable), un hombre atractivo que no tiene más interés que su propio beneficio. Butler se enamora de Scarlett durante una fiesta en Los Doce Robles, la finca de Ashley, y no cesará en su empeño de lograr su amor durante toda la película, si bien Scarlett seguirá obsesionada con Ashley a pesar del paso de los años y de

STORYLAND

varios matrimonios por interés. El espectador asistirá a la evolución vital de la protagonista, desde su adolescencia hasta su madurez, y a su lucha constante por sobrevivir y por lograr todo lo que se propone. Se trata de un personaje lleno de fuerza, de ambición y de autoestima, totalmente incapaz de sentir miedo, que cautiva e imprime ánimos en todo aquel que se acerca a ella.

La segunda parte del film, una vez finalizada la Guerra de Sucesión y con un sur exhausto y agotado, se centra en el matrimonio de Scarlett con Rett, su nueva ascensión social a costa de explotar a negros, convictos y a quien haga falta y el nacimiento de la hija de ambos, Bonnie Blue, que al cabo de los años, un día montando a caballo, tiene un accidente mortal.

También Melanie acaba falleciendo dejando el camino libre a Scarlett para tener a Ashley, pero ya es demasiado tarde para todo, incluso para intentar recuperar el amor de Rett, que en la escena final, cuando Scarlett le pregunta qué será ahora de ella, él le contesta: «Francamente, querida, no me importa en absoluto».

STORYLAND Personajes

Scarlett O'Hara (Vivien Leigh) Bella joven acomodada y caprichosa del sur, sabe muy bien que es la más admirada del condado y siempre se las arregla para manejar a los hombres a su antojo. Está enamorada de Ashley Wilkes y hará todo lo que esté en su mano para conseguir el amor de él. El mundo alegre y despreocupado de fiestas, bailes y banquetes en el que vive desaparecerá sin remedio al estallar la Guerra de Secesión y Scarlett deberá sobrevivir y sacar adelante a su familia y la plantación.

Rhett Butler (Clark Gable) Hombre mujeriego, resuelto e inteligente, es el único que ve los problemas reales que desencadenaría una guerra civil en el país.

Su reputación no es precisamente muy buena entre sus compatriotas. Está enamorado de Scarlett y piensa que ambos son muy parecidos, unas personas que sólo piensan en sí mismas. Tratará de quitar a Ashley de la cabeza de Scarlett, demostrándole en muchas ocasiones el aprecio que siente por ella.

Ashley Wilkes (Leslie Howard) Hombre sencillo, afable y de buen carácter, siente cierta atracción por Scarlett, esa jovencita encantadora a la que todos admiran y cortejan. Sabe que la mejor opción es casarse con su prima Melanie Hamilton, aunque ésta no tenga el encanto ni el carácter jovial de Scarlett, pero es una buena mujer que le adora y eso es suficiente.

Melanie Hamilton (Olivia de Havilland) Prometida de Ashley y más tarde su esposa, es lo más parecido que tiene Scarlett a una amiga, aunque Melanie no sabe que ella no la soporta por estar casada con el hombre que ama. Melanie ve siempre el lado bueno de las personas y piensa que Scarlett no es tan frívola ni indeseable como muchos piensan.

STORYLAND Gerald O'Hara (Thomas Mitchell) Padre de Scarlett, de origen irlandés, será el que inculque a su hija el amor por la tierra, por su plantación Tara. Está casado con Ellen (Barbara O’Neill), una mujer proveniente de una acomodada familia. Aparte de Scarlett tiene dos hijas más: Suellen (Evelyn Keyes) y Carreen (Ann Rutherford).

Mammie (Hattie McDaniel) Esclava negra de Scarlett. Niñera y ángel de la guarda, la alimentó de pequeña, la cuidó de mayor y siempre le da consejos que luego la protagonista nunca tiene en cuenta.

Tía Pittypat Hamilton (Laura Hope Crews) Nerviosa, siempre pensando en las posibles habladurías de la gente, pero a la vez atenta constantemente a los últimos chismorreos.

Belle Watling (Ona Munson) Propietaria del burdel de la ciudad y antigua amante de Rhett Butler. Menospreciada por la sociedad, sólo Melanie le tiene cierta estima.

Charles Hamilton (Rand Brooks) Primer marido de Scarlett y hermano de Melanie. Hombre afable, inocente, eternamente enamorado de Scarlett e incapaz de ver que ella sólo se casa con él para darle celos a Ashley, cosa que no sucede. Morirá en la Guerra de Secesión, dejando a Scarlett viuda y desconsolada.

Prissy (Butterfly McQueen) Esclava joven e inexperta, un tanto atolondrada y despistada, muy asustadiza. Ayudará en el parto a Scarlett.

Brent Tarlenton (George Reeves) Stuart Tarlenton (Fred Crane) Hermanos gemelos, pelirrojos, ambos enamorados de Scarlett desde la infancia.

Siempre dispuestos a acatar sus mas mínimos deseos. Morirán ambos en la guerra.

STORYLAND El origen de la película

En mayo de 1936, la colaboradora de David O. Selznick, Katharine Brown, le envió a su jefe las pruebas de imprenta y una sinopsis de la novela de Margaret Mitchell, con la recomendación entusiasta de que comprase los derechos de adaptación al cine. En un principio se interesaron varios directivos pero debido a las altas exigencias económicas de los agentes dijeron que no todos, incluida la poderosa MGM. Selznick también se resistió en un principio y, sólo cuando el presidente del consejo de administración de Selznick International, Jock Hay Whitney, le envió un telegrama diciéndole que, cualquiera que fuese la decisión de Hollywood, él estaba dispuesto a comprar los derechos para la compañía, se ablandó. Así, un mes después de la publicación del libro, en junio de 1936, Selznick compró los derechos por 50.000 $, un récord para la época aunque representaría uno de los costes menos importantes de la película.

El guión

El guión –obra de Sidney Howard, merecedor de un Oscar– se basa en la novela escrita por Margaret Mitchell. El film se ambienta en el sur de los Estados Unidos, en Atlanta, donde aún perduraba la esclavitud y los grandes terratenientes. Cuenta la historia de una orgullosa y rica jovencita llamada Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), que en los tiempos de la Guerra de Secesión lucha por salir adelante en medio del conflicto bélico. Suspira por el amor de Ashley Wilkes (Leslie Howard), hasta el punto de sobreponer este interés a cualquier otra cosa. Su vecino Ashley –un noble sureño– acaba casándose con Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), una mujer buena y adorable, frustrando así las aspiraciones de Scarlett.

Al tiempo, un apuesto pero no tan noble negociante llamado Rhett Butler (Clark Gable) se enamora de Scarlett.

STORYLAND

Directores

Lo que el viento se llevó llegó a rodarse con cinco directores distintos: Reeves Eason, Sam Wood, William Cameron Menzies, George Cukor y Victor Fleming. Y esto sin contar las escenas rodadas con directores de segunda unidad, que fueron unas cuantas debido a los avatares del rodaje. Se cuenta que el director que debía haberla realizado es George Cukor, quien apoyó la elección de Vivien Leigh, pero Clark Gable exigió su sustitución, según rumores porque Cukor –homosexual reconocido – sabía ciertos detalles del pasado de Gable y éste se sentía incómodo a su lado.

Cuando Vivien recogió su Oscar por este film, cuentan que fue vista llorando en un cuarto de baño porque lamentaba que Cukor no pudiese compartir con ella ese momento.

Era una historia magna y el rodaje fue hecho a igual escala. La cinta tiene una duración de tres horas y media (211 minutos). De los varios directores, sólo Victor Fleming aparece en los títulos de crédito.

Presupuesto

La película contó con un increíble presupuesto que alcanzó 4,25 millones de dólares. Se convirtió en el film más largo y más caro hasta ese momento. Ajustando la inflación a la recaudación, Lo que el viento se llevó es la película más taquillera de toda la historia, por encima de otras como Titanic de James Cameron. Y es que Selznick estaba convencido de que este film sería un clásico.

Vicisitudes del rodaje

El rodaje comenzó el 26 de enero y acabó el 1 de junio. Duró aproximadamente 140 días.

Aunque, antes de empezar, Selznick ya había dedicado dos años a la elección de la Scarlett O'Hara ideal y a definir la historia, junto a Sidney Howard y otros.

Para el incendio en Atlanta se quemaron los decorados del clásico King Kong a modo de edificios ardiendo. En la escena de la quema de Atlanta, cuando Rhett y Scarlett huyen en

STORYLAND un coche de caballos, Scarlett lleva la cara tapada porque esa actriz no era realmente Vivien Leigh. Llevaban tanto tiempo buscando a la actriz principal que decidieron empezar a rodar alguna escena sin ella.

Siempre se rumoreó que los actores principales no se llevaban muy bien en el rodaje y que Gable comía cebolla antes de las escenas donde se besaban. No es así; ambos eran profesionales y se admiraban mutuamente. Gable tenía dentadura postiza y de vez en cuando comía cosas picantes, pero no lo hacía para fastidiar a Vivien.

Clark Gable no quería aparecer llorando en la escena en que Melanie le consuela tras el aborto de Scarlett porque consideraba que era poco masculino. El director intentó por todos los medios de convencerle sin éxito; finalmente Olivia de Havilland (Melanie Hamilton) le convenció para rodar una toma con él llorando.

Clark vio que las lágrimas estaban justificadas en esa escena y accedió a que se incluyera.

Gable gastó una broma a Hattie McDaniel (Mammie) sustituyendo el té del vaso del que ella debía beber para celebrar el nacimiento de Bonnie por whisky.

El papel de Scarlett

La elección del papel de Scarlett generó una gran expectación y fueron muchas las actrices importantes que se ofrecieron para ello: Joan Crawford, Barbara Stanwyck, Paulette Goddard, Tallulah Bankhead, Norma Shearer; en el caso de Katharine Hepburn, ésta indicó no estar interesada.

Sin embargo, Selznick estaba convencido de que Scarlett necesitaba a una actriz que reuniera todas las características necesarias para interpretar a ese personaje. Es así como después de un interminable –dos largos años– y multitudinario cásting –1.400 candidatas– contrató los servicios de Vivien Leigh, representada por su hermano Myron Selznick, para el que sería el papel de su carrera y por el que ganaría su primer Premio de la Academia.

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Vivien Leigh en aquel momento estaba casada en segundas nupcias con Laurence Olivier y su talento era reconocido en Inglaterra.

Su deslumbrante interpretación la catapultó al estrellato mundial y la hizo merecedora indiscutible del Oscar a la mejor actriz principal.

Destacan también las interpretaciones de Clark Gable, Olivia de Havilland (Melanie, nominada a mejor actriz de reparto), Leslie Howard (Ashley), Thomas Mitchell, la ya citada Hattie McDaniel (Mammie, Oscar a la mejor actriz de reparto) y Butterfly McQueen.

Otros papeles destacados

Para el papel de Butler, no existieron dudas: desde la publicación de la novela, Selznick empezó a recibir cartas en las que se le pedía que se adjudicara el papel a Clark Gable, al que se consideró el candidato más adecuado desde el principio, a pesar de que su contrato con la Metro Goldwyn Mayer complicó las cosas considerablemente. Para el papel de Bonnie Blue Butler, la hija de Rhett y Scarlett, se planteó la posibilidad de que lo hiciera Elizabeth Taylor, aunque finalmente el director se decantó por una joven actriz de menor

repercusión y de escaso talento interpretativo, Giovanna Otero. Posteriormente esta intérprete caería en el olvido tras aceptar papeles menores en series televisivas de carácter infantil, y a los 23 años se retiró del cine y la televisión. Fue madre de tres hijos, entre ellos Joseph Martin Otero –que conservó los dos apellidos en homenaje a su madre, algo atípico en Estados Unidos–, también actor, que destacó en papeles secundarios, entre ellos: Rocky (John G. Advilsen, 1976), Acorralado (Ted Kotcheff, 1982) o Dentro del laberinto (Jim Henson, 1986).

David O. Selznick

Podría decirse que David O. Selznick fue el alma mater de Lo que el viento se llevó.

Fue él quien quiso que la película se hiciese en color, fue el que introdujo diálogos famosos como el de la última frase de Rhett o las primeras palabras del comienzo y fue él quien eligió a los actores para los diferentes papeles, sobre todo el de Scarlett. Una elección que el tiempo ha demostrado como la más correcta y coherente. Un papel siempre ligado a Vivien Leigh.

Waiting for Pa

Kissing Ashley

Rhett Butler

My Mother’s Portières

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Tonner Doll Collection

Melanie Hamilton

In the Mist

Receiving Guests

Saratoga

STORYLAND

Scarlett Bride

Scarlett in Orange

Scarlett Peasant

Scarlett Red Brocade

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Paul Crees and Peter Coe Collection

Scarlett Green Peignoir

Scarlett Weeds

Scarlett Portrait in Blue

Scarlett Shame

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Two Scarletts

Scarlett Black Mourning

Scarlett at the Mill

Scarlett - The Portières Dresss

STORYLAND

Madame Alexander Collection

Scarlett Visits the Mill

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STORYLAND

Paper Dolls

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Gene 2009

NOVEDAD

Madra Años 20 Madra Liquorice Crush

Violet Años 60

Ivy Años 50

Madra Willow

Gene Años 40

Este año la línea de Gene, ya dentro de Integrity Toys y con diseños de Jason Wu, intenta recuperar una parte del prestigio con el que contó a finales de los noventa. Es difícil porque la competencia es muy fuerte, pero quizás si siguen persistiendo en la calidad del vestuario, en las propuestas originales y, sobre todo, en la creación de nuevos personajes, como Ivy y Zita (actriz del cine mudo de los años 30), vuelvan a tener un hueco en el mercado. Como una imagen vale más que mil palabras, aquí tenéis la colección y juzgad vosotros mismos; nosotros preferimos el modelo Willow de Madra (copia del que llevaba Katharine Hepburn en Historias de Filadelfia) y la serie representativa de cada década del siglo XX.

Violet Sunset

Ivy Glammed Up

Gene Tornado

Zita Wrap Party

NOVEDAD

Hannah Montana

NOVEDAD

Hacía tiempo que una serie juvenil-infantil no se colocaba tan rápido como líder de audiencias y su protagonista femenina se convertía en una estrella de la noche a la mañana. Miley Cyrus es una cantante correcta, tampoco es una gran belleza, pero la combinación de canciones pegadizas, ritmos machacones, coreografías simpáticas y un argumento simplón pero efectivo ha convertido a Hannah Montana en la mejor baza de Disney Channel junto a High School Musical y Camp Rock, todas ellas llevadas al cine con igual suerte. La cara soriente de Hannah aparece en mochilas, libretas, camisetas... y, por supuesto, en las muñecas que nos ofrece la casa Mattel.

H

annah Montana es una serie original de Disney Channel y nominada a los Premios Emmy, estrenada el 24 de marzo de 2006 en Estados Unidos y el 15 de septiembre en España. Es una de las series más vistas del canal, compitiendo con Raven. La banda sonora fue una de las más vendidas en el año 2006. La diferencia de Hannah Montana con otras series de Disney Channel es que se aleja totalmente del humor tradicional del canal, que tiende a usar el humor físico, de contínuas caídas y golpes, y se centra en un humor más psicológico, diferenciándola de Raven.

La serie ha obtenido una audiencia de siete millones de personas en Norteamérica.

La serie ha sido producida por It's a Laugh Productions Inc., en asociación con Disney y filmada en los Tribune Studios de Hollywood.

La serie rompió récords de audiencia para Disney Channel: siete millones de televidentes en la fecha de estreno. Según el presidente de Disney Channel Entertainment, esa cantidad de personas «fue más allá de nuestros sueños más locos».

La idea original de la serie surgió con el episodio de Raven «Directo a Hollywood», el cual se suponía sería el episodio piloto para una sitcom llamada Better Days (‘Días mejores’), sobre una estrella de televisión que trata de ir a una

NOVEDAD escuela normal. El episodio de Hanna Montana «Nuevo chico en la escuela» es la adaptación del episodio antes citado. También se consideró llamar inicialmente a la serie The Secret Life of Zoe Stewart (‘La vida secreta de Zoe Stewart’) –título que se descartó por el parecido con Zoey 101, de la cadena Nickelodeon–, The Popstar Life! (‘La vida de una estrella del pop’) y Alexis Texas.

Para el papel protagonista se pensó en la anterior finalista del programa American Junior, Jordan McCoy, y en la cantante de rythm & blues y pop, JoJo, quien rechazó el papel. Originariamente Miley Cyrus hizo una audición para el papel de la «mejor amiga», Lilly Romero, cuyo nombre fue cambiado, posteriormente, a Lilly Truscott. Pero pensaron que ella sería mejor para el papel principal, por lo que Miley Cyrus se preparó a conciencia para protagonizar a la colegiala Zoe Stewart.

El nombre de Zoe Stewart se cambió, después, por el de Chloe Stewart, que más tarde fue cambiado a Miley Stewart cuando Miley Cyrus obtuvo el papel. Los nombres para el personaje principal cuando se transforma en diva de la canción se cambiaron numerosas veces, de Anna Cabana a Samantha York, Alexis Texas y, finalmente, Hannah Montana.

En diciembre de 2006, Disney anunció el lanzamiento de productos Hannah Montana, como ropa, joyería y muñecas en determinadas tiendas. Play Along Toys lanzó numerosas muñecas de Hannah Montana, como fashion dolls, muñecas cantantes y muñecas de Miley Stewart, además de otros objetos. Más tarde saldrían también otros personajes de la serie como Oliver, Lilly y Jake Ryan.

La filmación de la segunda temporada se inició en diciembre de 2006, estrenándose en Estados Unidos en abril del siguiente año.

En noviembre del 2008 se estrenó la tercera temporada y el fenómeno sigue imbatible a través de Disney Channel. Por el momento Hannah Montana tiene planeada al menos una temporada más de acuerdo con Disney Channel.

NOVEDAD

Gracias a las formidables audiencias de la serie de televisión y los conciertos, Hannah Montana se ha vuelto extremadamente popular. Se han agotado las entradas para todos sus conciertos, siendo incluso luego revendidas en Internet por miles de dólares. La serie es popular en el mundo entero y atrae la atención de un público de todas las edades y condiciones.

Trama

La serie se sitúa inicialmente en Malibú (California), donde vive Miley Stewart (Miley Cyrus), una chica de 14 años, junto con su hermano Jackson (Jason Earles) y su padre Robby (Billy Ray Cyrus, padre real de Miley Cyrus), que es productor musical, en una casa frente a la playa. Pero hay un secreto sobre Miley que nadie sabe excepto su familia y sus dos mejores amigos Oliver (Mitchel Musso) y Lilly (Emily Osment): Miley Stewart es en realidad la superestrella del momento Hannah Montana. Para realizar el cambio, viste ropas

llamativas, se maquilla y se pone una peluca rubia, lo que hace que sea irreconocible y le permite vivir una doble vida, poder ir al colegio y llevar una existencia normal como cualquier chica de su edad. Muchas veces se tiene que disfrazar de Hannah Montana para resolver los problemas de Miley. Cada episodio habla de temas relacionados con la adolescencia y losdiversos conflictos se resuelven con la lección aprendida al final de cada capítulo, como sucede en la mayoría de series de este estilo.

Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert

Este es el título de un documental-musical de Walt Disney Pictures presentado en Disney Digital 3-D. Esta versión se estrenó en los cines de Estados Unidos y Canadá a finales del 2008, distribuyéndose posteriormente en otras partes del mundo. La película pretendía ser una gran experiencia y para verla eran necesarias

gafas 3D. En el estreno del primer fin de semana la película tuvo unos ingresos brutos de 29 millones de dólares. Las entradas costaban ni más ni menos que 15 dólares, un 50% más alto que la mayoría de las entradas normales de cine en 2008. En poco tiempo consiguió ser la película número uno del fin de semana, programándose en 638 cines, y estableció un récord de más de 42.000 $ de recaudación media por sala. Asimismo, consiguió los ingresos más altos de un film en 3-D en un fin de semana. Por último, estableció un récord de ingresos en un fin de semana en el que tenía que competir con la Super Bowl.

Hannah Montana: La película

Hannah Montana: The Movie no es una continuación de los episodios de Disney Channel, sino que presenta un argumento original. Dirigida por Peter Chelsom, el film está interpretado, en cambio, por los mismos personajes que dan vida a la serie: Miley Cyus, Emily Osment, Jason Earles, Michel Musso y, por supuesto, el padre de la criatura que tan bien ha sabido exprimir la gallina de los huevos de oro, Billy Ray Cyrus.

El argumento nos explica que Miley está un poco agobiada de tener que llevar una doble vida, como estudiante más o menos modosita y como superstar de la canción (sin que sus amigos logren descubrir a estas alturas su doble personalidad secreta), así que su padre decide llevársela durante unos dias a Tennessee, o sea a lo que se supone son sus orígenes. Inicialmente reacia, Miley descubrirá que la vida del campo, los paseos a caballo y los sanos chicos de pueblo son lo que le gusta y se planteará si realmente quiere seguir siendo Hannah Montana. El film no desfrauda a sus seguidores pues está lleno de nuevas canciones, coreografías simpáticas y nuevos personajes a añadir en el universo juvenil de esta diva del pop. En el fondo la película es una excusa para averiguar si la protagonista Miley Cyrus seguirá siendo definitivamente la divina Hannah Montana o dejará el papel para aspirar a cotas más altas de interpretación.

De momento ya ha sacado un disco con su nombre y personalidad verdaderos.

NOVEDAD

NOVEDAD

Novedades Mattel

NOVEDAD

FAMOSA

MADE IN SPAIN

«Las muñecas de Famosa si dirigen al portal…» Generaciones han oído alguna vez en su vida este villancico, compuesto en 1972, que hoy en día continúa siendo un clásico de las Navidades. A pesar de la dura competencia en el mundo muñequero en los años 60-70 del pasado siglo, Famosa ha conseguido mantenerse en activo hasta hoy y a lo largo de su existencia ha creado infinidad de muñecas con las que han jugado varias generaciones de niñas y niños españoles.

L

FAMOSA (acrónimo de Fábricas Agrupadas de Muñecas de Onil, S.A.) nació en febrero de 1957 por la fusión de 25 empresas de esta localidad alicantina. El mercado acogió muy

Pierina

a población alicantina de Onil, desde finales del siglo XIX, ha sido tradicionalmente una localidad productora de muñecas. Desde que se decidiesen a fabricar muñecas con barro, muchas pequeñas empresas y talleres de la localidad se dedicaron a este oficio.

No obstante, a mediados del siglo XX, el uso masivo del plástico, material mucho más maleable, barato y fácil de trabajar que los materiales tradicionales, provocó que muchos de los talleres tradicionales de muñecas se viesen ante una situación complicada.

Con los márgenes de beneficios que obtenían les era difícil adquirir maquinaria nueva para renovarse y esto comprometía de forma seria su futuro. Las muñecas que realizaban eran laboriosas en su fabricación, caras de vender y, para colmo de males, el comprador las consideraba incluso pasadas de moda.

La solución pasó por agruparse todos estos talleres bajo un mismo paraguas, pudiendo hacer frente a la competencia con la compra de nueva maquinaria y siendo así más competitivos frente a un mercado cambiante, con lo cual se evitó la desaparición de muchas pequeñas empresas de la población, pues un buen número de ellas ya se encontraban en situación de quiebra.

Chatuca

MADE IN SPAIN

bien la idea, no obstante pronto llegarían serios problemas para la recién fundada compañía.

El primer inconveniente grave al que hizo frente Famosa vino precisamente del interior de la propia agrupación, pues el abandono de cuatro empresas que la formaban arrastró a una mayoría de ellas a seguir sus mismos pasos.

El hecho de tratarse de empresas de la misma localidad e incluso con lazos familiares entre ellas propició esta «huida». Así pues, Famosa sólo continuó con cinco de las empresas fundadoras, que decidieron seguir adelante con el proyecto. Algunos de estos socios salientes formarían más adelante, entre 1959 y 1962, empresas tan importantes como TOYSE, Berenguer Hermanos (Muñecas BB) o VICMA. Las primeras creaciones de Famosa, y también los primeros éxitos, datan de 1958.

Güendolina fue la primera de todas, medía 74 cm y fue un récord de ventas. La muñeca

estaba hecha de poliestireno antichoque, pero dos años más tarde salió al mercado con otro tipo de plástico, el polietileno, que mejoró su calidad pero no aumentó el precio, por lo que la muñeca fue un éxito absoluto.

Primeros éxitos en los años 60

La bailarina Paulova salió a la venta en 1959.

Medía solamente 28 cm e iba montada en una peana para hacer hincapié en su posición de bailarina. Se construyó en poliestireno y tuvo un relativo éxito, ya que estaba más bien destinada a los coleccionistas. Dada la aceptación que tenía la muñeca grande en el mercado se creo a Pierina, sucesora de Güendolina, aunque con un precio más asequible y que también fue un éxito de ventas.

Por último, y para completar el trío, citaremos a Yamita, aunque la muñeca resultó demasiado cara y tuvo que retirarse hasta conseguir un precio compatible con las otras dos. Hoy en día

Carolin

MADE IN SPAIN

es relativamente fácil encontrar Güendolinas y Pierinas en ferias de juguetes, anticuarios y en páginas de subastas en Internet. Sin embargo no se encuentran ni Yamitas ni Paulovas.

No podríamos hablar de todos los muñecos que ha creado Famosa a lo largo de estos años porque la lista sería interminable, así que destacaremos solamente algunos de los más importantes. Durante la década de los sesenta se crearon muñecas como Jeromin, Bebé Querido, Telvita, Cleo y la Familia Telerín, Mary Poppins –imitando al popular personaje de Disney interpretado por Julie Andrews–, Ondina, Monete, Rapaciña –una especie de Nancy pero un tanto más achatada– o Grasitas, entre otras, pero no será hasta finales de la década cuando Famosa empieza a crear muñecas mecanizadas como la parlanchina Dolly, el llorón Baby Pis y, cómo no, los famosos muñecos del villancico que se dirigían al portal, que no eran otros que los

andarines Kiko, Kika y Leila. Una de las primeras muñecas andadoras de la empresa, Eliane, fue precisamente quien ganó la Medalla de Oro en el Salón Internacional de Inventores de Bruselas de 1969. Pero esta muñeca, creada más bien para satisfacción propia del logro en la fabricación de muñecas mecánicas que para el campo comercial, ha quedado relegada más a una pieza de coleccionista que a un objeto para jugar. Será por esta razón que es imposible encontrar ni una sola Eliane en el mercado, ni jugada ni sin jugar.

En 1968 llegó la muñeca más famosa de la empresa, Nancy, de la que ya hemos hablado en otro número de la revista, y con ella llegaron muñecos como Carol, Carolin, Famosín, May, Chatuca, Chiquitín y Chiquitina, Pin y Pon –los muñecos más pequeños que sacaron, a imitación de los populares Playmobil–, etc.

A pesar del paso de los años todavía se

MADE IN SPAIN pueden encontrar muñecos de Famosa en sus cajas originales o sin caja, pero en excelente estado de conservación.

Barriguitas, Nenuco... y más

Mención aparte merecen los Barriguitas, que se crearon en 1969 y están aun vigentes en nuestros días. Los Barriguitas son pequeños muñecos de 18 cm con aspecto de bebé, algunos con pelo en la cabeza y otros calvos completamente, que a lo largo de todos estos años han tenido multitud de accesorios, ropita, cunas, coches... ¡y hasta un tiovivo! En su momento de mayor auge se llegaron a realizar de diversas razas –negros, orientales, indios...–, personajes de cuentos infantiles, personajes mitológicos –el de Neptuno, por ejemplo, que tenía barba y cola de pescado–, etc. Son tan populares que hasta se han realizado con ellos coleccionables en fascículos de kiosco, como los que versaron sobre cuentos y países. Hoy en día se ha creado una familia Barriguitas, con padres, abuelos, hijos, etc. En los años 2000 se les ha dado un look diferente, manteniendo el mismo tamaño pero con una cara un tanto extraña, de enormes ojos saltones y sonrisa inquietante. No sabemos si los criterios que sigue la empresa a la hora de actualizar sus productos van por el buen camino...

Otro muñeco emblemático de la empresa es Nenuco, que nació en 1977 y, a pesar de que Famosa ha creado infinidad de bebés a lo largo de todos estos años, ha sido el más célebre y longevo de todos. Por supuesto, el muñeco ha tenido toda clase de trajes y accesorios, y más adelante se creó también una Nenuca. Ambas muñecas continúan hoy en día en producción con el mismo molde que los hizo famosos, algo que no se puede decir de Barriguitas o Nancy, que han cambiado de molde en distintas ocasiones. Nenuco, junto a Barriguitas y Nancy, han sido los muñecos más emblemáticos de Famosa, y siguen aun fabricándose.

Capitulo aparte merecen los Clicks de Famobil, hoy en día codiciadas piezas de colección, pero de eso hablaremos en

MADE IN SPAIN un capítulo aparte. Actualmente Famosa también fabrica un sinfín de juguetes y muñecos de acción, como puede verse en su página web: http://www.famosa.es/ famosa_Iberia_ES.html Por último no podemos olvidarnos de la muñeca Famosita, representada en el logotipo de la empresa. Es una pequeña y sencilla muñeca de plástico que sin embargo está muy buscada, alcanzando precios altos en las subastas.

Kiko y Leila

Y esta es a grandes rasgos la historia de Famosa, la única empresa de muñecas de entre todas las nacidas en los años sesenta que ha podido sobrevivir a los cambios económicos y sociales de todos estos años.

Texto: Núria Simón

Chatuca

Eliane

MADE IN SPAIN

Anita

Famosines

Barriguitas Dolly

Chispita

Familia TelerĂ­n

MADE IN SPAIN

May

Famosita

Gemelines

MADE IN SPAIN

Betty Boop

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Betty nació para el pecado –un pecado light, lógicamente, pero con mucho picante–, aunque la maldita censura acabó mutilando su picardía, como le pasó a Mae West, y ya nada fue igual. Fue la represetación de la flapper alocada y tontita, una Marilyn inocentona de los años 30, la vecinita de al lado que no es consciente de sus curvitas provocativas y su boquita de piñón. Ochenta años después Betty sigue siendo un símbolo kitsch, la pin-up ideal para plasmar en cualquier objeto de merchandising, la muñequita que con sus enormes ojos inocentones y sus ricitos sigue cautivando a nuevas generaciones de fans.

B

etty Boop apareció por primera vez en la serie Talkartoon producida por Max Fleischer y comercializada por la Paramount.

Con su descarada sensualidad, su liga y su boquita de piñón, Betty fue toda una revolución en los cartoons de la época. A pesar de ser más vieja que las pestañas postizas de Sara Montiel, sigue siendo popular en nuestros bolsos, bragas y demás utensilios de moda de cualquier fashion victim que se precie.

El nacimiento de una petarda

Betty, para su edad «natural», se conserva divinamente: nació el 8 de agosto de 1930.

Se presentó en la sexta entrega de los cortos Talkartoon y fue desarrollada por Grim Natwick, un veterano ex-dibujante de Disney.

Nadie sospecharía que aquel cartoon femenino, nacido como personaje secundario, sería posteriormente una gran estrella. El dibujante Natwick tomó como modelo para su creación a una de las actrices en nómina de la Paramount, Helen Kane (esperemos que la cabeza de Betty no fuese una fiel reproducción de la de la pobre Helen). Aunque se decidió que Betty no fuese humana, sino que sería una perra; más concretamente, de raza poodle.

El protagonista del show Talkartoons era Bimbo, un perro que le hacía la más dura competencia al irritante Mickey, y los guionistas determinaron buscarle una perrita que le robara el corazón.

En 1932 su dibujante, Natwick, consideró que el aspecto y la mirada de Betty eran más que horribles y le hizo una enorme operación de chapa y pintura. Cambió su mirada, modificó su piel de perro por una blanca y delicada tez y sus orejas caninas fueron sustituidas por dos aretes. Con su nuevo aspecto protagonizó diez cortos en los que interpretaba a una pobre locuela con mucho corazón y poco cerebro.

Aun así fue la chica de la estrella del estudio, el perro Bimbo. Ese mismo año, dado el éxito de sus cortos, Betty empezó a ser un astro de los estudios Paramount y se desvinculó de la serie Talkartoon, del perro Bimbo y de la zoofilia. Betty estrenaba show propio y también apellido: Boop.

Mmm... ¡¡Sexy Betty!!

Pero el aspecto físico no fue lo único que varió en Betty. El hermano del productor Fleischer, Dave, vió oportuno que Betty tuviese una actitud sexy, vistiese provocativamente y poseyera unos pechos muy bien definidos.

La nueva Betty se estreno en el corto de 1932 «Minnie the Moocher», donde se marcaba un numerito musical con un fantasma: fue la primera vez que el publico veía un cartoon con una protagonista «picante». Hasta ese día las féminas de los dibujos animados se limitaban a ser el anexo del protagonista masculino, algo así como meras mascotas. Su diseño era tosco y eran una versión travestida del personaje masculino. Betty aportó curvas, sexualidad y glamour a los rancios cartoons de la época.

Sin embargo, los animadores se cercioraron de mantener al personaje de Betty «puro» (oficialmente, Betty tiene 16 años). En el corto «Boop-Oop-A-Doop», Betty le confesaba a Koko el Payaso que «nadie podrá eliminar mi boop-oop-a-doop!». Sus historietas estaban pensadas para el público adulto y ofrecía momentos sexys, diálogos picantones y una banda sonora excelente, formada por grupos de jazz del momento. Louis Armstrong, Rudy Vallée o Redman, entre otros, le ponían música a nuestra maravillosa e inocente petarda.

Esto la llevaría a tener un enorme éxito y a ser conocida en todo el mundo: Betty iba en

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COLECCIONABLE camino de ser el icono que es actualmente.

Pero no todo era éxito y momentos dulces para Betty: en 1930 Helen Kane, la actriz de la Paramount que sirvió de modelo para crear a Betty, demandó al estudio Fleischer. Mrs. Kane alegaba que el grito de guerra y a la vez marca registrada de Betty, el conocido boop-oop-a-doop, fue obra suya y que los productores lo utilizaban en los cortos sin su permiso. La actriz demandante se dió con un canto en los dientes cuando en 1934 el juez dictaba que esa frase era propiedad de los estudios Fleischer y que no había pruebas de que fuese ella quien lo originó. Fleischer ganó, pues, la batalla, pero no la guerra. Oscuros nubarrones se cernían sobre su rutilante estrella, Betty Boop.

En 1934 las leyes de la censura y su Código de la Producción Cinematográfica puso sus garras sobre el show de Betty. La forzaron a usar falda larga y un escote que ya no lo era y se convirtió en una aburrida ama de casa acompañada por un pequeño perro (otra vez le dió por la zoofilia). Betty estaba sentenciada a ser olvidada: se había convertido en otra Minnie Mouse. Los guionistas hicieron lo posible por crear historias atractivas, muchos personajes populares de los estudios Fleischer se pasaban por los cortos de Betty e incluso tuvo un romance con Popeye en un intento de emparejarla, a espaldas de la delgaducha Olivia. Pero los guiones fueron un desastre y la carrera de Betty Boop acabó en 1939.

¡Betty vive!

Como buena diva que es Betty, renació de sus cenizas en los años 50 con la reposición de sus cortos en las Televisiones Sindicadas (esto sería como una especie de asociación de televisiones autonómicas, en España conocida como FORTA). Sus cortos tuvieron un enorme éxito y fueron galardonados en la exposición Counterculture de 1960. Dada la renovada celebridad de Betty, la Asociación de las Televisiones Nacionales (NTA) adquirió los derechos de Betty y colorearon sus cortos.

Esto creó una gran controversia, ya que no

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era el sistema habitual de los estudios Turner, que utilizaban el ordenador para dar color a las antiguas películas en blanco y negro, sino que se redibujaba sobre el original para proveerle de colorido, todo lo cual se hacía desde Corea en unos estudios de animación. Los dibujos eran realmente una especie de restauración de los antiguos, pero se simplificaban mucho y se perdían algunos detalles.

En 1974 Ivy Films recopiló los mejores momentos de los cortos de Betty en lo que llamaron Los escándalos de Betty Boop, que tuvo un éxito limitado. NTA lanzó más adelante otra película de recopilación, ¡Un hurra para Betty Boop!, en el año 1980. En 1988 Betty hizo una aparicion estelar en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Pero fue en 1994 cuando Betty Boop alcanzó la inmortalidad: fue en el momento que la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos eligió su corto «Snow White» (‘Blancanieves’), que tuvo el honor de ser preservado en el Archivo Nacional de Films para disfrute, gozo e inspiración de las futuras generaciones.

Los diseñadores de accesorios han puesto de nuevo sus ojos sobre Betty y actualmente la podemos admirar con todo su esplendor en los escaparates más cool de Chueca, Londres y Tokyo y, cómo no, en las camisetas de nenas y nenazas de todo el mundo. Betty vuelve a ser lo que siempre fue, la primera petarda de la historia.

Su imagen ha ispirado también a las empresas de muñecas; así, en el año 2000 Mattel sacó una Betty con cuerpo de Barbie. También la empresa Madame Alexander ha comercializado innumeables versiones de la flapper cabezona.

Es por eso que hoy en día podemos encontrar reproducciones de Betty vestidas con los más dispares atuendos: desde marinera a rockera, pasando por camarera, Santa Claus, dama de principios del siglo pasado, enfermera o jugadora de baloncesto, entre otras muchas «profesiones». También sus cómics se han reeditado con cierto éxito, pues rememoran una época dorada del cómic norteamericano.

Seguro que Betty no volverá a caer en el olvido y cada día tendrá nuevos fans.

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Dragon Ball

NOVEDAD

Dragon Ball fue la serie de manga que renovó el género e introdujo de nuevo el cómic japonés en todo el mundo (muchos años después de Heidi, Marco y Mazinger Z). Incluso fue un fenómeno de merchandising en Cataluña antes de que apareciese la serie en TV. Pero el filón acabó agotándose y sus numerosas continuaciones no convencieron a los fans que, por un lado, habian crecido y, por otro, no querían ver cambiar a su personaje principal, Son Gokū. Ahora nos llega la adaptación al cine con personajes reales, una nueva versión del mito que de momento mantiene a los fans a la expectativa.

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ragon Ball (conocido en España como Bola de Dragón) es un manga creado por Akira Toriyama. Fue publicado en la revista semanal Shōnen Jump entre 1984 y 1995 y se editó en 42 tankōbon (tomos recopilatorios).

Este manga fue adaptado en dos series de anime, de las que se derivaron varias películas y especiales de televisión; además, después de terminar su publicación, Toei Animation hizo una historia alternativa llamada Dragon Ball GT que continúa más allá del final del manga.

La fama de la serie ha logrado que sea traducida y distribuida en muchos países como España y la mayor parte de América Latina; incluso se ha hecho referencia a esta serie en muchos otros manga y anime. En una encuesta realizada por TV Asahi el año 2005, Dragon Ball quedó en el tercer puesto de las cien mejores series de animación según el público japonés. Las artes marciales, la amistad y el afán de superación son las bases del argumento de esta serie, la cual incrementó considerablemente el interés por el manga en todo el mundo. Sin embargo, la violencia y otros contenidos considerados no apropiados para menores en muchos de sus episodios han provocado que en Occidente se haya pedido con frecuencia la retirada de las escenas del anime e, incluso, su prohibición. En un principio el argumento se centra en Son Gokū, Bulma

NOVEDAD y la búsqueda de las legendarias Bolas de Dragón, un total de siete artefactos que al ser reunidos dan lugar a la aparición del dragón sagrado que puede conceder cualquier deseo.

Los jóvenes encontrarán otros personajes que se les unirán con el paso de la historia; Son Gokū se adentrará en la búsqueda de las Bolas de Dragón y desafiará a todo tipo de villanos para convertirse en el hombre más fuerte del mundo. En varios momentos la serie se volcará al Tenkaichi Budōkai, un gran torneo mundial de artes marciales en el que se darán cita los mejores luchadores de todo el mundo, batiéndose en duelo a fin de demostrar quién es el luchador más fuerte sobre la Tierra. Más adelante, a partir de la pelea contra Piccolo Daimaō, el argumento dará un cambio radical: las Bolas de Dragón quedan en un segundo plano y el argumento se fijará en la protección de la Tierra y del universo entero, a través de continuas batallas contra villanos cada vez más poderosos e investigando el origen de Gokū y de las Bolas de Dragón.

El manga, como ya hemos comentado, fue escrito y dibujado por Akira Toriyama para la revista semanal Shōnen Jump y fue publicado desde el número 51 de 1984 hasta el número 25 de 1995, con un total de 519 capítulos y un gaiden (epílogo), que fueron luego compilados en 42 volúmenes. En estos volúmenes se incluye el argumento que se animaría como Dragon Ball Z, aunque en el manga no se hace la diferencia; exceptuando la publicación estadounidense por parte de VIZ Media, donde los volúmenes del 27 al 42 son renombrados Dragon Ball Z. En España fue publicado por la editorial Planeta DeAgostini entre 1995 y 1998, en edición castellana y catalana. En 2004 se reeditó la versión del manga en un nuevo formato, dividido en 34 tomos kanzenban, que incluían un final ligeramente modificado y algunas páginas a color hechas para la edición semanal de la revista en Japón, que en la anterior versión, de 42 tomos, aparecían en blanco y negro. Entre los años 2006 y 2007, Planeta DeAgostini comenzó a publicar esta versión en España como Dragon Ball Ultimate Edition, de tapa roja.

NOVEDAD Personajes principales

Son Gokū El protagonista de la mayor parte de la historia.

Es un niño guerrero saiyajin que ha crecido en las montañas aprendiendo artes marciales de su abuelo y que tiene una peculiaridad: su cola.

Se transforma en un enorme gorila las noches de luna llena. Su aventura comienza cuando conoce a Bulma y parte en busca de las Bolas de Dragón. Acabará casándose con Chi Chi y teniendo un hijo: Son Gohan.

Bulma Hija de una de las mentes más brillantes del mundo, llega a sus oídos la leyenda de las Bolas de Dragón y decide buscarlas. En su camino se encuentra a Gokū, quien la ayuda en su aventura. Es la creadora del Dragon Radar, la nave espacial de Gokū, la máquina del tiempo de Trunks y otros artefactos utilizados a lo largo de la serie. Tiene dos hijos con Vegeta: Trunks y Bra. Krilin Es el compañero de Gokū y posteriormente su mejor amigo. Un artista marcial que empezó a entrenarse en un templo Shaolin, pero al sentirse marginado por miembros mayores decidió ir a entrenar con Kame Sennin, donde conoció a Gokū. Lo acompaña en sus aventuras y batallas, mejorando como luchador al punto de sobrepasar el límite de los seres humanos.

Piccolo Un monstruo hijo de Piccolo Daimaō y nacido para vengarse de Gokū. Procede del planeta Namek. Es el primer maestro de Son Gohan, al que entrena para enfrentarse a Vegeta y Nappa.

Son Gohan El hijo mayor de Gokū. Toma el papel de protagonista de la historia en varias ocasiones.

Gokū le puso el nombre en honor a su abuelo.

Vegeta El príncipe de los saiyajin, una de las razas de guerreros más poderosa del universo. Llega a la tierra, junto con su compañero Nappa, con el objetivo de conquistarla para Freeza, y luego venderla. Después vive en la Tierra, se casa con Bulma y tiene a su hijo Trunks y su hija Bra.

NOVEDAD Creación y origen

Akira Toriyama comenzó a planear un nuevo manga apenas terminó con Dr. Slump. Durante ese tiempo el mangaka era fanático de las películas de Jackie Chan, y en especial de Drunken Master, lo que lo inspiró a dibujar un manga sobre kung fu; su primer intento, un one shot llamado Dragon Boy, le trajo respuestas positivas de sus lectores, por lo que decidió seguir ese camino. Decidido a usar una ambientación diferente a su anterior trabajo, la cual era occidental, comenzó a planear una ambientación china, lo cual lo llevó a tomar como base el relato clásico Viaje al Oeste.

Al principio la historia no se separó mucho del relato, y el autor tenia pensado terminar luego de que Gokū y Bulma juntaran las Bolas de Dragón, pero al seguir adelante el argumento se fue separando del original chino, incluyendo cada vez enemigos más fuertes.

El anime

El manga fue adaptado en su totalidad al anime por Toei Animation en dos series. Los primeros 194 capítulos del manga fueron adaptados con el nombre de Dragon Ball en 153 episodios de media hora y se emitieron en Japón desde el 26 de febrero de 1986 al 19 de abril de 1989, sumándole además 4 películas. A partir del capítulo 195 del manga su adaptación al anime fue llamada Dragon Ball Z, de la que se hicieron 291 episodios de media hora, emitidos desde el 26 de abril de 1989 hasta el 31 de enero de 1996, completando las historia del manga. También fueron creados dos especiales para la televisión que ampliaban la historia, más 13 películas para el cine y 2 para vídeo (OVA). Estudio de Barcelona dobló los primeros 26 episodios, Videotake Sur dobló el resto de la serie y Alta Frecuencia las películas y especiales; la serie empezó a transmitirse en España en catalán por TV3 en 1990 y por Telemadrid y Canal Sur, entre otras, desde 1991. En febrero de 2009 Toei anunció que en Japón se reestrenará una nueva versión de Dragon Ball Z llamada Dragon Bal Kai, remasterizada en alta definición, con formato

NOVEDAD

16:9 y con las voces grabadas de nuevo, como colofón de los actos de celebración del 20 aniversario de la serie.

de la serie y prácticamente ninguna de ellas se realiza en la línea temporal en la que se desarrolla la serie original.

Al terminar Dragon Ball Z, Toei creó con ayuda de Akira Toriyama una historia alternativa llamada Dragon Ball GT. Esta historia continúa la vida de Gokū y sus amigos años después del final del manga, enfrentándose a nuevos peligros. Fue estrenada el 7 de febrero de 1996, terminando el 19 de noviembre de 1997, con tan sólo 64 episodios y un especial para la televisión.

Aparte del anime, la historia fue adaptada en una gran cantidad de videojuegos. Algunos salieron junto a la historia del manga o anime, ya sea en Japón o América, e iban adaptando partes de la misma. Más adelante otros videojuegos recogen partes de toda la historia y sus personajes. El primer videojuego creado sobre Dragon Ball fue Dragon Ball: Dragon Daihikyō para el Super Cassette Vision de Epoch Co. Ltd. en 1986, aunque este juego no salió de Japón. El segundo juego, llamado Dragon Ball: Shenlong no Nazo, para el NES, lanzado también en 1986, apareció en América en 1988 y en Francia en 1991; la versión francesa fue llamada Dragon Ball: Le Secret du Dragon y la versión americana, Dragon Power, a la cual se le quitaron las referencias a la serie para evitar pagar la licencia a Toei Animation. Cabe destacar también los títulos

Dragon Ball GT

Películas

Se crearon 13 películas animadas basadas en la serie; de las 4 basadas en la primera serie, las 3 primeras son una trilogía que cuenta una historia alternativa a la original y la cuarta película fue creada para el décimo aniversario del anime. En Dragon Ball Z las películas tienen tramas completamente distintas a las

Videojuegos

NOVEDAD Dragon Ball: Origins, un juego de aventura para Nintendo DS, y Dragon Ball Z: Infinite World, un juego de lucha para Play Station 2.

Los más recientes son Dragon Ball: Evolution, un juego de lucha para PSP, lanzado en abril de 2009; y Dragon Ball Z Story Saiyajin Raishū, un RPG para Nintendo DS, en mayo, únicamente en Japón.

Dragon Ball: Evolution

Este año nos ha llegado la temida versión cinematográfica de Dragon Ball realizada con actores reales. Dirigida por James Wong, está interpretada por Justin Chatwin (Gokū), Chow Yun-Fat (Maestro Mutenroshi), Emmy Rossum (Bulma), James Marsters (Lord Piccolo), Joon Park (Yamcha), Jamie Chung (Chi Chi), Ernie Hudson (Maestro Mutaito), Eriko Tamura (Mai) y Randall Duk Kim (Gohan), entre muchos otros.

Y la verdad es que las críticas no se han hecho esperar, pues al margen de ser una versión muy libre del original, que no adapta con fidelidad ningún pasaje en concreto, se han eliminado del argumento personajes como Krilin o Ten Shin Han, así como los numerosos animales parlantes: Oolong, Puar, Korin... Tampoco se hace referencia al origen extraterrestre de Gokū ni a sus transformaciones en gorila gigante, y se ha simplificado el personaje principal haciéndolo pasar por un estudiante de instituto cualquiera con problemas. Y es que era difícil adaptar los tropecientos primeros episodios en un film que contentase a todos, pero el resultado final ha sido un tanto decepcionante, los efectos especiales bastante simplones y la personalidad de los principales se ha banalizado hasta extremos increíbles.

Se ha anunciado que se harían dos films más «adaptando» el resto del manga. Ya veremos si después de los resultados de este primero han quedado ánimos para seguir rodando nuevas partes y si los fans volverán a pagar una entrada para ver las nuevas aventuras de Dragon Ball y Gokū.

Son Gok큰

Mutenroshi

Bulma Yamcha

Piccolo

Fulum

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Dragon Ball: Evolution

Mai

Son Gok큰

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Batgirl

CÓMIC

No nos vamos a engañar a estas alturas: Batgirl no es el más popular de las creaciones de la factoría DC, pero como todo personaje de segunda fila, posee ese extraño encanto que le da la impopularidad, tan sólo apreciada por unos pocos elegidos.

S

egún muchas biografías de eruditos y libros especializados en héroes de calzón largo, la réplica femenina del Hombre Murciélago tal como la conocemos actualmente aparece por primera vez en el número 567 de Batman (julio de 1999). Pero otros recordamos a una originaria y casi arcaica Bat-girl –sí, con guión en medio– que desde las páginas del número 139 (¡de 1961!) cumplía –o al menos intentaba cumplir– el propósito de devolver al armario a un Robin cuya sexualidad había sido puesta en tela de juicio gracias a la liberación sexual debida al flower power. Sospecha que también había recaído sobre su protector, Batman, y sobre sus carnes cubiertas de cuero y vinilo, y que la aparición de otra réplica femenina más madura, Batwoman, no consiguió acallar. De hecho, la primera Bat-girl era en realidad Betty Kane, sobrina de Batwoman (así, todo queda en familia). El personaje, sin embargo, no tuvo demasiado éxito.

Pero, dado que quien tuvo retuvo y guardó para la vejez, en 1967, en el número 359 de Detective Comics, la heroína vestida como el Señor de la Noche pero con curvas y botas de tacón volvería a la carga, esta vez como Cassandra Gordon, hija del comisario Gordon y bibliotecaria en la vida civil, para más señas.

De esta manera, suponemos que inducida genéticamente por ese afán de justicia que movía a su íntegro padre, se unió a Batman y a Robin en la lucha contra el mal, dotando al personaje de un cierto tufillo de mariliendre que mete sus lacadas uñas entre una pareja

CÓMIC de hombres, de relación un tanto peculiar.

Y aquí floreció el personaje gracias al abono camp de los 70 y buena parte de los 80, hasta que algún malvado guionista, que la debía de ver como una intrusa en este mundo de hombres de verdad, la eliminó, de un certero disparo del Joker, en The Killing Joke. ¡Pero no murió! Cual Ironside de turgentes senos, siguió, fiel a sus principios y vocación, esta vez inválida y bajo el nombre clave de la agente de información Oráculo.

Y como la plaza de Batgirl –ya sin el guión de marras– quedaba vacante, otras meritorias aparecerían para enfundarse la goma oscura que tanto favorece a un cuerpo bien esculpido.

Seria así Chica Murciélago por muy pero que muy breve espacio la felina mujer conocida como La Cazadora, hasta que, tras un terremoto que azotaría Gotham, Cassandra Cain se ganaría el honor de lucir el nocturno uniforme. Pobre, huérfana, adoptada y entrenada por el supervillano, malísimo como un dolor de muelas, David Cain, para que sea su sucesora, Cassandra es muda, no sabemos a causa de qué. Su falta de habla no le impide ser una maestra en artes marciales y poseer los que algunos friquis –que mejor harían en salir de copas por lugares en los que se relacionaran con mujeres reales– han catalogado de increíble lenguaje corporal, con el que logra una gran comunicación.

Y es que, claro, a falta de pan, buenas son tortas. La joven entra en la batfamilia al salvar al comisario Gordon de una bala disparada por su padre adoptivo. Poco después, también salvaría a un poderoso psíquico, de nombre Jeffers, que entre otras habilidades contaba con la de resetear un cerebro, como si de un PC se tratara. De esta forma, reordenó la sesera de Batgirl, haciendo que recobrara el habla, aunque en el proceso algunas de sus habilidades físicas quedaron mermadas. Todo tiene un precio.

Pero si algo caracteriza a la Chica Murciélago es su tesón a no desaparecer ni a caer en el olvido y, entrenándose de nuevo, buscó a Lady

CÓMIC Shiva, la mejor artista marcial de este mundo y parte del extranjero. De esta recibiría una sola clase: un combate a muerte. Y salió vencedora; pero al ser norteamericana y políticamente correcta, como buena chica defensora de las barras y estrellas perdonó la vida a la maestra con nombre de drag.

No te los debes perder

No se conoce realmente a Batgirl si no se han leído los números de Batman del 556 al 559 (1998) en los que La Cazadora cede la capa y el verdugo con orejas a Cassandra Cain.

Tampoco hay que perderse el número 6 de la serie propia de Batgirl (2000), en el que, casi pronunciando la frase «¡Habla, mudita!», Cassandra recupera la facultad de articular palabras. En el 24 de la misma serie (2002), lucha de hembras: Batgirl y Lady Shiva se enfrentan a muerte. Y del 45 al 50 (2003-2004), lucha de sexos: Batman y Batgirl se enfrentan a causa de las malas artes de un patógeno llamado Soul, que devasta Gotham y acaba destruyendo el puente Sprang.

De psicotropía catódica a carnes de celuloide

Una parte muy importante de la supervivencia de la primera Bat-girl la tiene la réplica en vivo de la heroína en la televisiva serie camp por excelencia Batman (1966-68). Interpretada por Ivonne Craig, Cassandra era una anticuada bibliotecaria que, tras su tocador, escondía la entrada secreta a una pequeña Batcueva.

De identidad desconocida, incluso para Batman y Robin –impagables Adam West y Burd Ward–, sólo Alfred conoce su secreto. Además, tanto el personaje como la propia actriz montaban en moto divinamente, lo que le dio un carisma especial y popularidad entre los seguidores de la serie, amén de que en la resolución de la mayoría de los casos se mostraba más avispada y mucho menos mojigata que Batman o Robin. Pero la serie era demasiado cara y la vida de Bat-girl fue corta por problemas presupuestarios.

CÓMIC

Y llegó Batman & Robin (Joel Schumacher, 1997), recuperando el personaje de la Chica Murciélago en la piel y las carnes orondas de Alicia Silverstone.

Película de pretensiones faraónicas –contaba con más de siete estrellas de entre las mejor pagadas de Hollywood en su reparto; entre ellas George Clooney, Arnold Schwarzenegger o Uma Thurman–, el director de cásting tuvo el poco acierto de elegir a una entrada en carnes Alicia Silverstone para el papel de la chica experta en artes marciales, que esta vez no era hija del comisario Gordon sino sobrina del fámulo Alfred. De hecho, el equipo de rodaje acabo bautizándola como Fatgirl, por su aumento de peso en el transcurso del mismo, a causa de sus jartás de bombones.

Afición que estuvo a punto de costarle el papel y una demanda, ya que hubo que ensanchar y reconstruir varias veces su ajustado y costoso traje.

En 1992, la serie de animación Batman, basada en los dibujos y diseños de Bruce Timm, volvería a poner los puntos sobre las íes, dotando al personaje de la gracia, la elasticidad y la picardía que la anterior serie de televisión le había conferido y que la hizo popular entre los seguidores del Señor de la Noche y sus aventuras.

Texto: Sebas Martín

CÓMIC En plástico y resina

La verdad es que no existe demasiado merchandising relacionado con Batgirl. Durante los años 70 y recordando la serie televisiva, Mego lanzó una retahila de personajes un tanto burdos, vestidos de tela, para economizar los acabados de plástico que permanecían ocultos. Diferentes son los diseños basados en la serie de animación que desde 1992 comercializa Kenner, bajo el epígrafe de Animated Adventures y de un virtuoso perfeccionismo.

Existen también algunas figuras de resina –pocas– inspiradas en la Batgirl del film de Schumacher.

Mattel

Robert Tonner DC Collection

CĂ“MIC

CÓMIC

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