DIRECTORIO
Bienvenida la primavera
Sergio Hernández Juárez Dirección Editorial y Editor en Jefe sergio@urlmagazine.com.mx
Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx Erick Castro Coordinador Editorial MTY erick@urlmagazine.com.mx Alejandra Caballero Relaciones Públicas y Prensa Fresale@urlmagazine.com.mx Carolina Calvo Ceja Correctora de Estilo Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx
Colaboradores: Mirna Torres Nathaly Soto Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Juan Manuel López Ani Atilano Ale Noise Alberto Granados Alfonso Saldaña Daniel “El Jimmy Lurias” David Ovando Gabriel Torres Mariana Pérez Nallely Sanchez Ricardo Ramos Samuel Nava Ivie Laguna Federico Jara Rodrigo Guerrero Octavio Garduño Fernando Castillo Carlos Francisco Pérez Mejía “Frasko” Co-Fundador frasko@urlmagazine.com.mx
EL invierno ha quedado atrás, los días tristes y nublados que tanto lastiman el corazón quedaran para dentro de unos meses (o bueno con el clima del DF en la mañana es invierno en la tarde verano y el la noche otoño) el horario de verano ha llegado para placer de unos (los menos) y para desgracia de muchos, entramos a la mejor época del año. Estamos a un mes de cumplir 4 años, esperen todas las sorpresas que URL Magazine esta preparando para todos ustedes #URL4años, el Vive Latino 2014 ya es historia, fue un grandioso festejo de 15 años, este mes les traemos el texto final en donde encontraran que fue lo que sucedió en el Vive Latino del 2014 y una entrevista a Diamante Eléctrico en la cual la banda colombiana nos platica su experiencia de haber tocado en el Vive. Por otro lado este mes tenemos el honor de tener en portada a una gran banda española que esta por lanzar su segundo disco de estudio nos referimos al Columpio Asesino quienes nos platicaron de este segundo material y sus planes a futuro. Y bueno tenemos las reseñas de discos, libros, cine, artículos y mucho más en URL Magazine... Equipo Editorial URL Magazine @URLMagazine
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DIESI 6
Contacto:
Del desamor y el valor de la música
Capitan America: El Soldado del Invierno
Facebook: URLMagazine
OCHO 18 La herencia creativa de la prohibición
DIEZ
Un millón de maneras de morir en el oeste
Sobre la moda de lo Kitsch en la música
VEINTI 8
CATORCE
El Columpio Asesino
El micrófono deportivo vive una profunda crisis
TRENTAI 2 Diamante Eléctrico
Contacto@urlmagazine.com.mx
Twitter: @URLMagazine
Greatest Hits: Del desamor y el valor de la música Eduardo Camacho López // @Edd_eCamacho
A veces todo no es suficiente, y ahora ambos tenemos suficiente de todo. Y bueno, terminamos por hacernos mierda. ¿Qué es lo que queda entre nosotros, algo que de hecho querramos conservar?, mejor no me pregunto eso pues por ahora sólo quiero que me dejes en paz. ¡Ah, y que me regreses mis discos!
entre esos dos centros, potencialmente alejados más que nunca. “I still remember buying you ‘Band on the Run’ on the first day that we kissed, but you always did prefer ‘McCartney I’ because it reminded you of being a kid; no way your having ‘This Nation’s Saving Grace’ you only listen it when your pissed, but when you sober up it’s always ‘why the fuck are you still listening to Mark E. Smith… ”
…¿Qué es la música?, ¿cuánto representa en nuestras existencias?, ¿qué tanto empapa de vida a nuestros recuerdos y a cuántos de estos podemos vestir justamente con una canción, con un disco entero?
La música que se atraviesa en momentos de nuestra vida cotidiana, queda grabada en la mente con todo y secuencias vivenciales, de tal manera que un nuevo encuentro con el disco que le compraste a tu ex difícilmente dejará de traerla a tus pensamientos. Es como si las mismas rolas se reconfiguraran en función de la manera en la que fueron expuestas a nuestro ser y nuestras relaciones.
Ni siquiera sé si debe encabronarme que me hayas presentado a mi banda favorita, que no hubiera un concierto importante de estos últimos años en el que no estuvieras presente, y que termináramos por hacer una colección en conjunto… no, eso definitivamente sí me encabrona. Difícil que a una persona que guste de la música y del placer de disfrutarla en colectividad no le haya pasado algo similar. En toda relación humana es posible, pero deja una muy particular huella en las relaciones de pareja. Compartiendo mi vida de manera tan profunda e íntima con alguien que a su vez lo hace conmigo, surge una especie de universo en medio de ambos que no se muere si ya no damos más… a veces se divide. ¿Pero qué pasa cuando los objetos de este universo no son sólo palpables sino también simbólicos, fuerzas emocionales vivas? Seguramente sean los únicos lazos
“These were our greatest hits, (Shalalalalalalala Shalalalala), the best of me and you, (Shalalalalalalala Shalalalala), these were our greatest hits, (Shalalalalalalala Shalalalala), the best of me and you…”
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Y así es como la música se convierte en nuestra, cuando se sujeta a nuestros sentidos y por encima de estos, a nuestros sentimientos, transformándose en nuestros grandes éxitos, nuestros mejor guardados momentos
compartidos. Sus reproducciones, voluntaria o involuntariamente, suscriben nuestro pasado para que lo revivamos.
ABC – ‘The Lexicon of Love’ The Lemonheads – ‘The Shame About Ray’
“I don’t know if the knot just needs untangling or if we forgot which way’s up an which way is down, but still the tape keeps going round and round…”
Roxy Music – ‘Country Life’
Eso es lo que reza la canción de desamor que hace referencia a varios álbumes, otorgándoles un valor más allá de lo propiamente musical al ceñirlo a una experiencia de vida en pareja. A través de este homenaje a dichos discos, establece en sí un tributo al valor de la música como testigo y acompañante –amiga- permanente de nuestras más irrepetibles tristezas o alegrías.
The Cranberries – ‘No Need to Argue’
Y ya lo dijo la banda londinense responsable de su existencia, “…pero aún la cinta gira y gira”, la música suena y suena, y no queremos deshacernos de lo que traiga consigo.
The Kinks – ‘Village Green’
Neutral Milk Hotel – ‘The Aeroplane Over the Sea’ Belle And Sebastian – ‘The Boy With the Arab Strap’
Minutemen – ‘Double Nickels on the Dime’
Y aquí las referencias discográficas de la canción, por si gustan echarle oído:
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La herencia creativa de la prohibición Por: Gustavo “Lecce” Castillo
Sabemos que no es fácil tener menos de 20 años, súmale una problemática de seguridad que además de volverse prohibitiva se vuelve también restrictiva. No poder salir “de antro” porque la vida nocturna en Monterrey estaba casi muerta. Ser una chica de 15 y ver a tus amigas en un café de Ciudad Juárez es algo que pone de nervios a cualquier padre de familia esperando a sus hijas de regreso a casa.
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De repente tener 19 años en Torreón se volvió insoportable, sobre todo los fines de semana. Era cualquier viernes de 2011 y los papás de un tal Luis no lo dejaban salir, deja tú a una fiesta, a la cochera del vecino. De repente ser joven, puberto o adolescente se volvió una pesadilla en el norte.
En México, el 11 de mayo de 2012 en la Universidad Iberoamericana se fundaron las bases de un movimiento que a la larga se llamaría Yo Soy 132; y más allá de hablar sobre un movimiento socio-político de protesta , del cual se habló tanto el año pasado, me gustaría enaltecer la capacidad de los chavos para organizarse por medio de Youtube y Twitter para formar una corriente que llamó la atención de medios masivos nacionales e internacionales. Una vez más la creatividad, ante la limitante de manifestarse públicamente, encontraba una manera de mostrarse. Lo más importante, sin tener que pedir permiso a papá para salir.
Históricamente las respuestas de la población joven a determinados y variados acontecimientos es tomada como rebeldía y esta palabra siempre ha sido relacionada, de forma errónea, con delincuencia y obviamente no siempre es así. Muchas veces son sólo formas de expresar una creatividad reprimida.
Es octubre de 2013 y un tal Luis tiene casi 22 años, estuvo 2 años sin salir mucho. Su vecino, que estudiaba programación web los sábados por la mañana, le está ayudando a terminar de subir su blog de arte digital, Youtube y Google han sido buenos maestros con todos esos tutoriales. Ciudad Juárez tiene ahora 2 chicas djs que, gracias a la experiencia que dan 2 años de fiestas caseras, ahora están tocando en Phoenix, Chihuahua y el sur de Estados Unidos.
La proximidad de las viviendas en Europa dificulta a veces la feliz convivencia, y el ruido siempre ha sido un común denominador de problema; pero hace 11 años un grupo de jóvenes músicos franceses ofrecieron una alternativa a seguir creando sin molestar al vecino. Esta solución se forma en París, ciudad con muchas restricciones de ruido en zonas residenciales. Esta alternativa fue la fundación de Ed Banger Records; disquera de músicos como Justice o Uffie que basó su forma creativa en un principio “anti-ruido”muy simple: usar audífonos. Vivir en una ciudad donde tener una banda de rock puede resultar molesto para la señora de a lado pero se puede producir música en una computadora, con gadgets y unos audífonos le dieron a la juventud francesa de esa época una alternativa ilimitada de creatividad sin ruido externo.
Después de todo, lo malo no siempre es tan malo. A veces solo hereda una alternativa, referencia o motivación para hacer algo nuevo. Ninguna prohibición limitará la naturaleza del joven: crear e innovar.
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#BANDTOFOLLOW
Sobre la moda de lo Kitsch en la música Por Nayeli Díaz Arriaga // @nayeli_yda Desde hace algunos años, en el mundo de la música − al menos en nuestro país− se ha venido apoyando (tanto los medios de comunicación como las audiencias) a ciertos estilos musicales que, si bien no son nuevos, ahora han resurgido el interés por mantenerlos vivos y acercarlos a una escena más juvenil, a tal grado que se da espacio a exponentes de géneros un tanto más tropicales en grandes festivales, en foros alternos y espacios en donde no se solía escuchar tal diversidad.
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Cuando hablo de estos exponentes me refiero a aquellos que se dedican a hacer tribal, cumbia, norteña, o quienes experimentan con todas estas vertientes musicales creando híbridos como el llamado Moombahton o entre el Dub Step y el tribal –que si alguien me puede ilustrar diciéndome cuál es la etiqueta para este híbrido estaría bien-. Me refiero por supuesto a bandas como 3BallMty, Los Ángeles Azules, Los Tigres del Norte, Pablito Mix, Javier Estrada, Siete Catorce, etc.
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Es bueno que exista esta apertura y se le brinde la oportunidad a músicos tan diversos, en estos escenarios, es bueno también que la juventud se dé el chance de escuchar otros géneros y no se cierre a las posibilidades, es bueno, claro, dejarse seducir de vez en cuando por algo a lo que no estamos acostumbrados. Por otro lado me pregunto por qué se empezó a apoyar más a este tipo de géneros que rayan más en lo tropical, qué tan cierto es ese gusto por parte de las audiencias, por música que hasta no hace mucho era considerada sólo para las clases populares como la cumbia, la norteña, el reggaetón, digamos, lo jocoso.
Hace no mucho se le llegaba a considerar “naco” a todo aquel gustara o tuviera inclinación por géneros populares, ahora parece haber quedado atrás ese tipo de calificativos para quienes gustan de este tipo de música (personalmente yo no uso el “naco” para calificar a la preferencia musical de la gente, pero lo he llegado a escuchar de otras personas siendo usado el término de este modo).
cuando tocó su turno muchos nos sorprendimos pues el DJ comenzó a tocar –si mal no recuerdo– algunas cumbias entre su DJ Set, cosa que provocó una sensación extraña entre los asistentes que no alcanzaban a comprender si todo formaba parte de una juego muy divertido por parte del DJ, a lo lejos entre gritos, silbidos y risas se escuchaba un “¡¿Es una broma?!”, mientras se miraban unos a otros sin saber qué reacción tomar, otros tantos siguieron el “juego” y tomaron a sus parejas para bailar, al final la fiesta siguió y aunque no todos comprendíamos qué ocurría –puesto que esperábamos algo distinto de un DJ electrónico– intentamos integrarnos al concierto, algunos con más pesar que otros, pero lo que sí puedo decir es que a nadie le fue indiferente aquel momento.
“Naco” o “Kitch” eran términos designados a ciertas cosas o personas de forma peyorativa; para quienes aún no entienden a qué me refiero con la palabra Kitch haré una breve descripción. Kitsch –al menos en México- era usada principalmente para referirse a objetos, vestimenta, o expresiones “artísticas” vulgares o populares, exageradas, y pretenciosas, barrocas o recargadas, saturadas en color y formas, de mal gusto, estéticamente hablando.
Recuerdo que por ahí del 2007, se organizaba un festival que ahora ya no existe, el segundo año se llevó a cabo en Santa Fe. Muchas de las bandas que estuvieron no tenían nada que ver con la música tropical, en su cartel había exponentes de rock y géneros alternativos, como los Babasónicos, Peter Bjorn and John, Architecture In Helsinki, Los Super Elegantes, etc. Era la primera vez que Diplo venía a nuestro país y fue el encargado de cerrar dicho festival,
Nacieron proyectos como Changorama o Afrodita –sólo por nombrar algunos– que experimentaban con ritmos más cadenciosos y tropicales, entonces se les empezó a dar espacio en medios diversos de televisión y radio. Quienes hacían este tipo de experimentaciones eran considerados “kitsch”, pero para este momento lo “kitsch” dejó de ser algo malo y empezó a ser “cool”, tanto así que la aceptación crecía por
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todo aquello que tuviera esas características del folklore mexicano, lo popular, no sé si fue porque las personas detrás de estos proyectos son gente de clases no tan bajas que se arriesgaron y apostaron por algo distinto a lo que “sonaba” y le dieron un toque “fresa” a lo vulgar, o quizá sea este “deber social” de que si alguna figura de autoridad dice: “¡esto está chingón!”, entonces lo está. Lo “naco” sigue siendo “naco” hasta ahora, es decir, este calificativo no es pensado como algo “cool” como ahora es lo “kitsch”. OK, las personas cambian, los gustos se modifican, los géneros evolucionan y la vida sigue, pero entonces es cuando en mi cabeza no deja de dar vueltas esa incesante pregunta (no deja de brincarme), ¿cuánto de esto es realmente por un gusto neto por la música tropical? ¿Cuándo es realmente por el hype de consumir algo que “está de moda” o por seguir una tendencia porque algún líder de opinión de cierto medio dijo “¡Esto es lo de hoy!”, o se aventó todo un discurso sobre las experimentación sonora? Lo cierto es que actualmente existe una demanda, un consumo y una audiencia para este tipo de géneros y resulta que es tan bien aceptado por la crítica, que ahora se generan festivales específicamente para estos públicos, o se crean espacios en otros, en donde antes no se les prestaba atención. Lo cual no juzgo, pues qué mejor que haya variedad. Tampoco estoy diciendo que es buena o mala esta situación, porque así como hay exponentes que hacen bien su trabajo y les apasiona y gusta lo que hacen, están los que contrario a eso no lo hacen nada bien y tampoco están innovando, pero en este texto no voy a hablar de ello, ni demeritar el trabajo de alguien en específico, simplemente dejo esa pregunta al aire porque tenía que decirlo, o mi cabeza iba a estallar.
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#URL COLUMNAS
El micrófono deportivo vive una profunda crisis Por: Gabriel Torres // @jgtorresa
¿Qué es lo que pasa con la televisión mexicana? ¿Cuándo fue que un juego de fútbol se convirtió en un programa de comedia barata? Todo inició en la década pasada, la que tal vez tuvo la última camada de comentaristas y narradores formados, o inspirados por figuras como Ángel Fernández, Don Fernando Marcos, José Ramón Fernández, Don Pedro ‘Mago’ Septién, entre otros monstruos de la crónica. Con tal de captar más audiencia, los directivos de las dos empresas televisivas más grandes de México optaron por hacer suya una fórmula que la televisión de otras latitudes inició, captar a “talentos” más cercanos al público promedio, sacrificando la calidad en su producto final y privilegiando el entretenimiento barato. Antes un comentarista deportivo, o un narrador, se caracterizaba por preparar sus transmisiones, una noche antes estudiaba alineaciones, estrategias, datos y tenía en mente el respeto a la inteligencia de su audiencia, a quien le dedica el trabajo del día a día. Las transmisiones contaban con comentarios elocuentes, detalles de las jugadas, y un verdadero análisis de lo que pasa en el rectángulo verde.
Ahora lo único que preparan los comentaristas de hoy, en las dos televisoras más importantes del país es el chiste que contarán en la transmisión, cómo ganar más seguidores en redes sociales, la frase que puede ponerse de moda, cómo ataco, ofendo y denigro a la competencia; acciones que lejos de aportar, ayudan al abaratamiento del micrófono, lugar deseado por miles de profesionales que darían hasta su vida por vivir esa experiencia. Estamos a menos de 80 días de Brasil 2014, y el panorama para ambas empresas es de pobreza, tanto en análisis, como en transmisiones y ni qué decir de los programas estelares, los cuales auguran tener dos minutos de información y 268 de contenido basura, entre comediantes, actores y protegidos. Es por ello que la televisión mexicana necesita la entrada de un nuevo actor que venga a mover los hilos en materia deportiva, que coloque las cosas en su lugar y que realmente sea un espacio donde se privilegie la información y el análisis al espectáculo barato. Si las televisoras están dispuestas a tolerar a los becados “sabelotodo” que pueden diagnosticar golpes de calor en climas helados, estaremos ante la muerte de uno de los oficios que aún mantienen con vida a los medios tradicionales de comunicación.
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#URL REVIEWS
Capitan America: El Soldado del Invierno Nathaly Soto // @Nath_Wonka
Después de casi tres años de espera llega El Soldado del Invierno, la segunda entrega de Capitán América. Con cada película de superhéroes estoy más convencida de que Marvel ha encontrado la fórmula para seguir cautivando al público, hace que los espectadores cada vez queramos ver en la pantalla grande estas entregas que nos llenan de emoción, que tienen grandes efectos especiales, giros inesperados en la historia, caras bonitas y esos guiones simples que nos hacen reir, una muestra es la cantidad de películas de Marvel que esperamos este año y que, seguramente, amantes o no de este género, acudiremos a ver a las salas de cine. Steve Rogers, que mantiene su alianza con Nick Fury y con la agencia secreta SHIELD, una vez más intenta involucrarse en el mundo actual. Sin embargo tiene un nuevo enemigo: el Soldado del Invierno, quien es encontrado en un lago congelado y transformado en una máquina de pelea con la única misión de destruir a Capitán América. Lamentablemente Scarlett Johansson no enseña tanto como quisieran algunos, pero la película tiene varias escenas de acción que siempre mantienen la atención como peleas cuerpo a cuerpo y persecuciones automovilísticas, con una gran cantidad de disparos esquivados ágilmente por los protagonistas. Por favor recuerden quedarse en la sala al final de los créditos, hay una sorpresa más.
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#URL REVIEWS
Un millón de maneras de morir en el oeste Por Fernando Castillo // @bajomispies Nota al lector: si no te gusta el humor negro, racista, sexista o clasista abstente de leer la siguiente reseña. Decir que tengo un gusto muy variado en libros no puede ser más cierto. Desde clásicos de literatura como Matar a un Ruiseñor (mismo que estoy leyendo ahora), La torre oscura o hasta los densos secretos revelados en El mundo en una cáscara de nuez, he leído un poco de muchas, pero no por ello me considero letrado, y menos después de leer Un millón de maneras de morir en el oeste (traducción oficial inexistente en español). Este opinador ha pasado horas incontables viendo Family Guy y cuando salió Ted, asistió al estreno sin mayor razón que por el puro placer de reír de lo incorrecto. Y con eso como marco, estando en un aeropuerto (no recuerdo cuál), me topé con la nueva obra de Seth MacFarlane (autor de las citadas obras audiovisuales) y sin dudarlo pagué 23 dolarotes a sabiendas de lo que me esperaba: más de lo mismo, pero de ese mismo que no deja de ser histéricamente divertido. Un millón de maneras de morir en el oeste relata la historia de un ovejero al que nada le sale bien, pero que por azares del destino se enfrenta a una encrucijada que puede transformar su vida. Una especie de camino del héroe entre borrachos, prostitutas, caballos, ovejas obviamente y peleas de cantina en las que el lector (o al menos mi retorcida persona), encontró un escape para el tedio como no lo había experimentado desde Espero que sirvan cerveza en el infierno. Insisto, la historia es pésima, los personajes arquetípicos e inverosímiles, el lenguaje además de soez es totalmente inadecuado para la época en que está narrado y el final es predecible desde la primera página. Aun así es una lectura que derrama vulgaridad, que para el público masculino que habrá de hincharle los bolsillos a McaFarlane con el libro y la película que saldrán en el verano (en la que actúa el propio autor), y que sin más, se muestra como lo que es: una gran porquería.
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20 años de Por Cesia Malchan // @JoystickCloud Remontémonos a los 90′s, el segundo juego de Metroid había sido puesto en libertad en 1991 y los fans ya estaban pidiendo el tercero antes de que terminara el año. Público exigente, pero la razón de esto fue que el Súper Famicom había sido lanzado en Japón a finales de 1990 y todas esas grandes series como Zelda y Castlevania habían conseguido estar en los 16 bits. Así que los fans de Samus no podían esperar a ver lo que Nintendo podría llevar a cabo con esto en el mundo de Metroid. Concebido un 19 de Marzo de 1994, Super Metroid, también conocido como Metroid 3, fue desarrollado por Nintendo para la Super NES con un cartucho de 24 megas y se esperaba que con la conducción de alimentación de 16 bits en la consola de sobremesa de Nintendo, el mundo de Metroid fuese descubierto como nuca antes. Y el equipo de R&D1 no lo hizo mal, ya que esta tercera entrega fue en su tiempo el juego más grande disponible para esta consola. La historia se remonta automáticamente después de Metroid II donde la exterminación de Metroides en SR388 se llevó a cabo. El tercer capítulo de la saga comienza con Samus relatando cómo trajo la cría Metroid a la Colonia Espacial Ceres para que los científicos la estudiaran. Aquí es donde ellos descubren que el Metroid, originalmente pensado para ser una amenaza a la vida en cualquier parte, podría ser utilizado en beneficio de la galaxia gracias a sus capacidades de producción de energía.
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Una vez que Samus se asegura de que las cosas marchan aparentemente bien, abandona Ceres dejando el Metroid bajo el cuidado de la Colonia Espacial, sin embargo, poco después de salir, recibe una llamada de auxilio de dicha estación, por lo que vuelve inmediatamente a investigar. Bajo una ardua exploración, Samus descubre los cuerpos de los científicos muertos. La cápsula del Metroid estaba fuera de su lugar y tras la continuación de su búsqueda, Samus encuentra a su viejo némesis, Ridley y a los piratas espaciales, una vez más, con la cápsula del Metroid en su poder. Tras un enfrentamiento, Ridley logra escapar, activando a su paso el sistema de autodestrucción, Samus debe escapar lo más rápido posible, pero las cosas no se quedarán así… el rastro de Ridley lleva a nuestra heroína de vuelta a Zebes, donde deberá enfrentar las amenazas del Cerebro Madre una vez más. Al aterrizar en la superficie de Criteria mira lo que ya se temía: los laboratorios de los piratas han sido reconstruidos. Por si las cosas no pudieran ponerse peor, en ese momento la cría Metroid se transforma en una amenaza de grandes proporciones para todo el universo.
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La inmensidad del mundo de juego que Nintendo ofrecía esta vez, aunado a la libertad de acción, exploración e investigación, posicionó a este juego en 2D como uno de los exponentes más importantes de la época para Super Nintendo Entertainment System. Y con un nuevo arsenal a su disposición como el Grapple Beam, el Charge Beam, el Ice Beam, un visor de Rayos-X y una cantidad considerable de aparatos más, Samus recorrerá Norfair, Maridia, Wrecked Ship, Tourian y otros lugares, en busca de nuevas amenazas como los Mochtroids: imitaciones robóticas de los Metroides… y a viejos enemigos.
golpe de gracia, pero una faceta irónica del destino salvará a la heroína: El Super Metroid se lanza contra el enemigo y extrae su energía hasta dejarlo inconsciente, posterior a esto, la energía le es traspasada a Samus quién cuenta ahora con sus fuerzas renovadas. El Cerebro Madre recupera la consciencia, desata su furia contra el Metroid que interfiere en la exterminación de “La cazadora” y emite un sonoro chillido antes de morir. Samus se lanza ciega de ira… atacando con todo su poder. El Cerebro no puede resistir y acaba por sucumbir finalmente ante ella. Por último y sin tiempo de sobra, Samus debe abandonar apresuradamente Zebes, que comenzó a volverse inestable. En el momento preciso en el que la nave de Samus se aleja de la órbita, el planeta explota en mil pedazos.
Nada representa una verdadera amenaza, hasta que la caída de nuestra heroína se suscita en su llegada a Tourian, donde es atacada por una larva Metroid de tamaño descomunal. El Súper Metroid comienza a absorber la energía de la caza recompensas dejándola al borde de la muerte, sin embargo, la larva se detiene en un acto compasivo para luego marcharse. Samus comprendió lo que sucedía, ese Metroid era el que ella había rescatado en SR388.
Nunca una tercera parte se consagró una de las mejores aventuras de una trilogía tal como Super Metroid lo hizo, este juego revolucionó la era de los 16 bits y tomó parte importante dentro de la historia de los video juegos. Su éxito traspasó los años, pues Super Metroid fue lanzado para la Consola Virtual de Wii un 20 de agosto de 2007 en América del Norte, como parte del llamado “Mes Metroid”.
Debilitada, se dispone a terminar con todo esto, se enfrenta al Cerebro Madre a quién logra neutralizar, sin embargo Samus no está en condiciones de continuar, por lo que cae rendida; la amenaza está lejos de ser derrotada, el líder de los Piratas está decidido a darle el
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Nick Waterhouse Holly
Sergio Hernández // @sergio810511 Holly nos lleva de regreso al pasado donde el blues, swing , soul y un jazz bastante efectivo son una constante en cada track de este disco solo tenemos que escuchar los arreglos rítmicos de ‘Dead Room’ o ‘Hands On The Clock’. Las canciones de este músico oriundo de Los Angeles son bastante elegantes y no solo en Holly, desde su primer disco nos dejaba escuchar estos ritmos elegantes y bien armados, debemos puntualizar que Nick es uno de los músicos “retro” que puede caer en criticas en las cuales se le acusa de usar formulas ya aplicadas y no inovar en nada en sus discos, en pocas palabras un “revivalista”, pues bueno, en Holly nos demuestra que si bien usa de base estos ritmos “retros” el aplica un estilo propio con los elementos antes mencionados y
crea un estilo propio, versátil y bastante entretenido y lleno de clase en el cual se nota que el compositor estadounidense es auntentico y sabe muy bien lo que hace, al final podemos decir que el termino “revivalista” no es aplicable a WaterHouse es un grandioso músico y en sus dos discos nos lo demuestra. Los invito a escuchar este gran disco que los llevara en un viaje por el tiempo a los años 50 pero al mismo tiempo con un toque de esta época, donde el Jazz, Blues y otros ritomos “retros” son mezclados con gran éxito y originalidad lo que nos da por resultado unos de los mejores discos de lo que va en el 2014.
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Reptile Youth
Rivers That Run For A Sea That Is Gone
Samuel Nava // @stupidtobegin El segundo disco de estudio del dúo danés que comenzara a hacer ruido en 2011 , quienes inclusive llegaron a tocar en México, es un disco que demuestra la esencia de la joven banda, pero al mismo tiempo, refleja el desarrollo que su música ha tenido. Detalles como la mayor presencia de las líneas de bajo, sumadas a la característica presencia de los sintetizadores y las guitarras, hacen de este un disco mejor logrado que su homónimo de 2012. El disco, en general, es una interesante mezcla entre el post punk y el power pop, con pasajes bailables y luminosos, a veces obscuro y otras rítmico. Así empieza el disco, con “Above”, donde el bajo y los sintetizadores forman una melodía que contrasta con la voz profunda y melancólica de Mads Damsgaard. Por su parte, canciones como “Colours”, presentan un aspecto más de power pop, con una línea de bajo constante y las intervenciones fugaces de los sintetizadores que casi al final se convierten en el cierre perfecto, evocando al post punk. Después viene la canción que da título al álbum, “Rivers That Run For A Sea That Is Gone”, uno
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de los temas más importantes, donde las guitarras cumplen un papel primordial, guitarras saturadas y como fondo, una gran base rítmica, sin perder nunca la estética de la banda. “Structures” es una de las más pop; una canción de sintetizador que trata de explotar en los coros, pero nunca lo hace completamente. “Where you end I begin” presenta al inicio guitarras fuertes, luego viene la parte del sintetizador y la canción se vuelve lenta y apacible. “We are all in here” es uno de los temas más movidos del disco, aquí todo es sintetizadores y ritmo. Two harts tiene carácter, un carácter basado en una rítmica atmosfera en la que hasta el cencerro se deja escuchar; la línea de bajo está siempre presente. “JJ” es rítmicamente más tranquila, pero resaltan en ella el sintetizador y la voz de Damsgaard. “All of the noise” dice mucho desde el título. Se apuesta en ella por la creación de atmosferas obscuras, melancólicas pero brillantes, hay saturación de fondo, un sonido sucio… uno de los temas más bonitos y arriesgados del disco, que cierra con Diseased By Desire, un tema de 7:43 que resume perfecto lo que es este disco: sintetizadores, ritmos bailables y atmosferas festivas.
Metronomy Love Letters
Bersuit Vergarabat
El Jimmy Lurias
Alfonso Saldaña // @pooonch
Tan solo tres años han pasado desde que Metronomy hiciera su última aparición, después del exitoso “The English Riviera “, el recibimiento de “Love Letters” es apreciable para continuar con la racha exitosa de la banda.
Una de las agrupaciones de rock argentino más reconocidas a nivel mundial gracias a sus éxitos “Sr. Cobranza”, “El tiempo No Para”, “Yo Tomo” y “La argentinidad al Palo”, solo por mencionar algunos. En este 2014 nos traen su más reciente producción titulada “El Baile Interior”, con un estilo inconfundible y con la mezcla adecuada de ritmos característicos, como la cumbia, el tango, etc.
El Baile Interior
“Back out on the riviera, it gets so cold at night”, externa un triste Joseph Mount para el track abridor. “The Upsetter” es una canción que cae en referencias de principios de los años 90, con estrellas culturales como Tasmin Archer y Whitney Houston, pero cuya atmósfera de ansiedad tiene más en común con David Bowie en “Space Oddity”. “I’m Aquarius”, un track alegre sintonizado por un órgano que incita a la locura. “The Most Immaculate Haircut”, es la canción más destacable de todo el álbum, evoca una profunda reflexión personal. Uno de los tracks más tenebrosos es “Never Wanted”, evoca a un ambiente de locales cerrados, calles solitarias, paisajes de completa soledad para el ser humano, un R&B que cruje y se estremece bajo el peso de una voz. Es una pena que todos los viajes del álbum no resulten algo atrayente para la melancolía y melosidad a la que la banda nos tenía acostumbrados en entregas anteriores. Con tan sólo 10 canciones, la banda invita a reflexiones que el amor y los sentimientos traen a la memoria, sin más ni menos, uno de los álbumes que ninguna persona con altibajos amorosos debería de escuchar.
Al iniciar, el primer track del álbum, nos encontramos con un tema bastante movido titulado “Huayno 14”, poco a poco nos va llevando a esos ritmos pegajosos que nos hacen vibrar. Con sus clásicos tópicos acerca del amor o desamor, brinca el segundo track titulado “Me Voy”, de igual manera lleno de su energía para poner a bailar a cualquiera. El primer sencillo que se desprende de este álbum es “Cuatro Vientos”, en su letra podemos apreciar esa historia del enamorado que se decide a gritarlo a los cuatro vientos, para que sepan lo que siente. Continuamos con nuestro viaje a través de los acordes musicales de Bersuit, podemos encontrar temas muy apegados a sus ritmos clásicos de su país natal, pero a su vez oímos acordes del estilo rock alternativo, del hemisferio sur del continente. El Tema “La Próxima Curda” (borrachera) con sus acordeones y armonías del Tango argentino, un tema que nos habla de quien se quiere poner su mejor borrachera expresando sus dolores, lentamente nos va contando la historia mientras las guitarras hacen su fondo musical. En general este último disco, siendo el undécimo de la banda, nos ofrece musicalmente un ambiente fresco al más puro estilo de Bersuit con letras haciendo alusión a temas sociales, de amor e incluso políticos, que a un verdadero fan, y los no tanto, les dejará un buen sabor de boca.
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Crosses Crosses
Siddhartha
Alberto Granados
Selene Victores // @selene_vic_su
Después de tenerlo un tiempo detenido, sale a la luz el álbum del proyecto alternativo que encabeza Chino Moreno, líder de Deftones, bajo el título homónimo de la banda “Crosses”.
“Al aire” es la canción donde los sintetizadores son la base, melodía con la que se apertura el último trabajo del solista jalisciense, Siddartha. “El vuelo del pez”, es un LP que se convirtió en un disco esperado con expectativas muy altas y el resultado es un material lleno de melancolía, mezclado con sonidos alternativos, cada uno de los temas tiene múltiples sentimientos que individualmente adquieren una identidad propia, incluso canciones reflexivas.
Un álbum cargado con tintes melancólicos y letras que bien pueden ajustarse al momento personal del escucha, (si es que lleva una relación enfermiza o sólo quiere ir al Tianguis a pensar las cosas). “This is a Trick” es la primer canción que escuchamos en este álbum que, de pies a cabeza, es plano y cuenta con muy pocos cambios de ritmo, de tal forma que si pensabas escuchar algo similar a los Deftones en cuanto poder y ruido, este disco no es el correcto. “Telepathy”, “Throphy”, “Bermuda Locket”, son canciones que, por mencionar algunas, pasan rápido por nuestros oídos sin pena ni gloria, al igual que el resto del álbum; sinsabor, apatía, hacen ver a Chino Moreno como alguien sin talento. Un disco hecho sin ánimos y sólo porque sí, aunque eso no se vea reflejado en la calidad de la grabación. No hay canciones que levanten el ánimo, no hay ritmos o armonías pegajosas, que incluso haciendo este tipo de música “obscura” se puede lograr. En general es un disco que puede ser bueno escucharlo, mientras se maneja sobre una carretera lluviosa de nuestro país o si se está triste viendo la lluvia en la ventana, extremadamente melancólico y falto de poder sentimental en la interpretación, lo cual le daría mucho a las letras que sí bien son sencillas, no expresan de mala forma momentos de los cuales al menos una vez, todos hemos tenido.
El Vuelo del Pez
Es en este trabajo, Siddhartha muestra un sonido mezclado entre lo indie, no sólo en español, sino que nos muestra que quiere dar pasos más grandes e incluye un tema en inglés: “Tonight”, con la finalidad de que sus notas puedan llegar a traspasar fronteras, incluso usa más recursos para alcanzar nuevas metas, como la colaboración de Caloncho en la canción “El loco”. No se puede negar que en algunas de las melodías tiene notas entremezcladas con los antecedentes de Zoé, sin embargo deja su sello personal, este último trabajo tiene grandes posibilidades de trascender. En este disco se interpreta que Siddhartha quisiera dejar en claro en sus once tracks, que a la música simplemente hay que dejarla fluir. Esperamos poder verlo en escenarios más grandes.
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#URLInterview
El Columpio 28
¿cómo se sienten de tener un nuevo disco ya en puerta?, recordemos que en Abril de este año sale su nuevo material. Bueno, pues la verdad es que estamos expectantes, de ver un poco la reacción del público, porque ha sido un disco muy duro para nosotros, ya es nuestro quinto disco y enfrentarse al reto del quinto disco siempre es un poco cuesta arriba, entonces, decidimos tras unas pruebas y una pequeña crisis, decidimos irnos a una casita de un pueblo y allá hemos estado dándole forma al disco, conviviendo tres meses toda la banda y ya hemos salido con el disco y con ganas de compartirlo con la gente y ver la reacción.
o Asesino Por: Omar Bermudez Fotos: Cortesía banda 29
Perfecto, si todos estamos expectantes de lo que va a ser su próximo material, ahora que me cuentas que se fueron a una casita y se aislaron para crear este nuevo material, cuéntanos, ¿Como fue esa experiencia de estar aislados? Pues mira la verdad es que fue una medida bastante radical y podía haber sido peligrosa en el sentido que al fin y al cabo somos cinco personas conviviendo en una casa más bien pequeña y pues pudo haber existido el roce, pudimos haber discutido o bien pudieron haber pasado cosas, pero bien,
nada, nos sentimos muy a gusto, la experiencia fue muy enriquecedora nunca habíamos estado tan desconectados, no teníamos ni internet no había móvil en fin la verdad es que teníamos esa sensación de aislamiento, pero la verdad es que estábamos a 40 minutos de nuestras casas, no estábamos tan lejos, pero estuvimos muy bien la verdad, fue un verano muy especial y repetiríamos la experiencia.
Es un disco mucho mas frio, más violento, más intenso de todo lo que hemos hecho, los conceptos son rítmicos son más duros, repetitivos y obsesivos, en ese sentido es el disco mas duro de alguna manera, hemos dado un giro.
Perfecto y nos estaban comentando que este fue un disco muy duro de hacer, ¿qué es lo que ha sido lo más difícil del proceso?
Esta canción, ¿define completamente el sonido del disco? o ¿escucharemos alguna otra sorpresa?
Pues en un principio dar el sonido a donde lo queríamos llevar, si que teníamos claro que iba ser un disco conceptual en el sentido que el disco gira en torno a una idea y esa idea es un dialogo, el fin de una época, de una era social, el fin de algo personal también, el disco gira en torno a la muerte de algo y eso fue lo mas difícil, llevar el disco a esta dirección. “Ballenas Muertas en San Sebastián”, que nos trae de nuevo, en cuanto a sonido, lirica, lo experimental que identifica a la banda ¿ha cambiado en algo? o podríamos compararlo con alguno de sus Antiguos materiales.
¿Babel, es la primera y hasta el momento única canción del nuevo disco que dan a conocer verdad? Así es.
Va un poco en la línea pero lleva otras cosas, hay sorpresas. Mientras han estado en la preparación del nuevo disco, ¿han salido de gira? No, aun no, lo que estamos haciendo es preparar el nuevo disco Este año, con la salida de “Ballenas muertas en San Sebastián”, ¿Habrá alguna posibilidad de que visiten México? Posibilidades desde luego que las hay, con todos los discos hemos ido, cada disco es una nueva aventura no sabes a donde te puede llevar.
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¿Cuáles son sus planes a futuro ahora que saldrá Ballenas muertas? ¿que es lo que sigue para el columpio asesino? Haremos una gira que si nos va bien estaremos dos años fuera, y una vez concluida no sabemos qué haremos, ahí ya no sabremos lo que haremos, si trabajaremos en el sexto disco, lo veremos un tiempo. Por lo visto ha sido muy dura la preparación de este disco. Si ha sido muy duro, pero bueno, luego con el tiempo se va remontando pero ahora mismo no queremos pensar en un sexto disco ni nada parecido, preferimos estar disfrutando de conciertos que tienen que llegar y en un futuro ya veremos qué pasa. Ahora una pregunta más personal, ¿han escuchado alguna banda de rock mexicano?
Si un poco me imagino, igual y diría que demasiado Ok,entiendo, y me dices que no has escuchado últimamente música, pero si conocen bandas de acá de este lado, en México. Si, si, San Pascualito Rey que son amigos, me gusto mucho el último disco de Café tacvba, ese sí que lo escuche porque vinieron por aquí de gira, dieron unos cuantos conciertos y me sorprendió el uso de la electrónica y así y luego bueno, el instituto mexicano del sonido nos gustan mucho también, descartes a Kant también los conocimos. Muy bien, y más que nada si algún a ustedes les gustarían irse de gira con alguna de estas bandas que me has mencionado, como por ejemplo café tacvba con su nuevo disco
Pues ahora mismo no, pero no hemos escuchado música de bandas mexicanas, ni de españolas ni música de ningún lado, la verdad es que si estamos inapetentes en ese sentido, la verdad es que si estamos algo pasivos
si, claro con café tacvba seria genial
¿Han estado más que nada enfocados en “Ballenas muertas”?
Muy bien, pues todo un placer, un abrazo.
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Muchísimas gracias por su tiempo y la entrevista, esperemos tenerlos acá en tierras aztecas y verlos en concierto pronto!
#URLInterview
Diamante Eléctrico Mariel Argüello // @monophonicgirl
Dentro de lo que fue el Vive Latino, tuvimos la oportunidad de platicar con Juan Galeano, vocalista de la agrupación colombiana Diamante Eléctrico, en donde nos platica un poco de las influencias que tienen, la percepción de lo que reflejan dentro de su trabajo, del internet y de sus planes a futuro.
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¿Como hacen para atraer a nuevo publico que tal vez no los han escuchado y cómo han visto la recepción del mismo en los lugares que se han presentado?
¿Que influencias reconocen que tienen tanto de su país como de otras partes del mundo?
Juan Galeano: Pues yo creo que nuestra carta de presentación como banda son desde luego nuestra canciones y los videos, que para nosotros la parte visual es vital y muy importante, entonces estamos muy comprometidos por esa parte ya que en un año hemos sacado cerca de seis sencillos con su respectivo videoclip y ahora para finales de año, estamos trabajando en maquetas para material nuevo. Eso por un lado. Por el otro, esta la parte en vivo, donde la interacción de la banda es evidente, más allá de ser buenos amigos, se nota la sinergia que hay entre nosotros y que permite que la gente se conecte mucho con nosotros tanto en las canciones como en la banda en si.
Si, Musicales o visualmente hablando
Y en este último trabajo con el que se vienen a presentar ¿Refleja de alguna manera la realidad en la que se están situando? J.G. : Si, totalmente. Este disco se grabo hace poco menos de dos años y todavía la realidad con la que se grabó este material esta muy presente y refleja lo que estamos viviendo tanto en el ámbito musical como en la perspectiva personal de la banda. ¿Como es el proceso de composicion dentro de ustedes?¿Van y llegan con una idea o ya dentro del estudio de grabación fluyen las ideas? J.G. : Hasta ahora yo he traído las ideas,pero en general es algo democrático, si yo llego o alguien más de la banda llega con una propuesta, fluye de manera natural dentro del ensayadero y cada uno va aportando lo que sabe hacer y de ahi se van armando las piezas.
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J.G.. : ¿Musicales?
J.G. : Desde el punto musical venimos de un background rocanrolero, obviamente por la naturaleza de la banda, que va desde un lado mas ‘folkish’ o de Jame Blake hasta un lado más punk como The Ramones o Minor Threat o medio blues como Johnny Cash e incluso como cosas básicas como Led Zeppelin, Black Sabbath y AC/DC. En el ámbito visual, tenemos desde Michel Gondry y Akira Kurosawa hasta Luis Buñuel ¿Cual ha sido su relación con el internet? Ya que en esta generación que estamos viviendo, ha sido una gran alternativa de comunicación que ha ido más allá de la television y la radio en si y que de alguna manera ha sido una plataforma fundamental. ¿Ustedes que opinan al respecto? J.G. : Yo creo que para una banda como nosotros, el Internet ha sido indispensable. Desde el 2007 cuando estaba en su mero auge del MySpace y de los inicios tanto de youtube como de Facebook, el contenido ha sido importante y constantemente lo hemos estado haciendo, sacando videos nuevos, lanzamientos especiales de canciones o de nuestro propio disco y recurrir a elementos como el crowdfunding, eso nunca nos había pasado en nosotros, pero ha resultado de mucha ayuda para hacer cosas que nunca nos hubieramos imaginado y eso ha resultado increíble.
#URL BTF
The Melovskys
Por: Mirna Torres / @MirnaTF
Regresamos a las bandas nacidas en el D.F., porque día a día hay un sonido nuevo por escuchar, este mes es para The Melovskys; una banda que inicialmente se dio a conocer fuera del país gracias a algunos lanzamientos de música electrónica que tuvieron en un par de disqueras. La primera vez que conocí a la banda fue en la fiesta de una famosa marca de botas, demasiada energía y una combinación de música electro, punk, rock, algunos beats y más electro es aquello que capta tu atención en cuanto suben al escenario. Ya se han presentado en México, Sudamérica y en E.U., han hecho remixes de un par de bandas mexicanas como DLD, los Concorde y Los Daniels. Pero, no fue hasta hace un año que lanzan “Blaster”, el cual contiene 10 piezas que cuentan con la colaboración del señor Phil Vinal, ¿recomendable? si. Imposible no querer salir y loquear un poco mientras llevas de soundtrack “King of the Boombox”, una experiencia similar a tener un sonido sin límites enrollado de diversión. ¿Presentación en vivo? Un baile contante, lleno de energías que llegan a cada rincón, beats que cruzan entre la gente, una música que definirás según sea tu mood. Dr. Panic, Dr. Psycho, Dr. Death y Dr. Hell, son los responsables de The Melovskys. ¿Quieres saber quienes son? Haz clic a sus redes sociales.
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