E Q U I P O
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#URLa単o4
FEATURES
CONTENIDOS
MOLOTOV
NYNPH()MANIAC
GEPE
MUSICA EN STREAMING
ENCORE
BAND TO FOLLOW
#NOERAPENAL
THE THICK BONES
United Rock League / 5
#URLaño4
Editorial Agua Maldita, ¿Que tan maldita es? Hola amigos de URL Magazine, este mes estamos muy emocionados por tener nuevamente en portada a una de las bandas emblemáticas del rock en nuestro país Molotov, después de un largo silencio discográficamente hablando Molotov regresa con su nueva producción Agua Maldita, en donde la banda intentara enamorar nuevamente a sus fans, URL Platico con Tito sobre esta nueva producción, próximas fechas, de su presentación en el Auditorio Nacional y mil cosas mas que podrán leer en esta buenísima entrevista. También podrán encontrar una entrevista al grandioso músico chileno Gepe, en la cual de igual manera que Molotov nos habla de sus planes a futuro, su música, etc. Nos complace informar que a finales de este mes inicios de agosto estaremos cubriendo por quinta ves consecutiva el Lollapalooza 2014 y como todos los años les traeremos toda la información de las bandas que se presentaran en este fin de semana mágico, fotos, reseñas y una que otra entrevista que realice nuestro equipo en Chicago, este festival se ha convertido en el festival infaltable para todos los que trabajamos y colaboramos en URL Magazine, así que bienvenido el #URLPalooza2014, recuerden nuestro próximo número será dedicado totalmente al Lolla con nuestro ya tradicional Lollapalooza Experience. Por otro lado no se olviden de revisar nuestros diversos artículos y reseñas de discos que cada mes les traemos. Por Equipo Editorial URL Magazine // @urlmagazine
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#URLa単o4
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#NO ERA
PENAL La edición 2014 de la ya conocida historia “Ya merito” se terminó de escribir el mediodía del pasado 29 de junio, tras la derrota de la Selección Mexicana de Fútbol, por pizarra de 2-1 ante Holanda, en el marco de los octavos de final de Brasil 2014, hecho que le deja nuevamente fuera de combate por buscar su primer título del Mundo, a nivel de selecciones mayores.
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#URLa単o4
United Rock League / 12
#URLaño4
Y AL DESPERTAR... EN LOS CUARTOS NO ESTABA EL TRI Texto: Gabriel Torres / Enviado Especial /@jgtorresa Imagenes Terra Argentina
Eso es Noise Affair, creatividad y trabajo en conjunto, Una vez más el equipo tricolor demostró garra, entrega, coraje, determinación y comunión entre los 23 convocados, el cuerpo técnico y la afición. Pero los mismos errores históricos de los que no se ha podido librar el estratega en turno le pasaron factura, ahora en el estadio Castelao, lo que ha dejado al combinado tricolor una vez más con un palmo de narices y el ansiado quinto juego tendrá que esperar, al menos, cuatro años más. En términos generales la actuación de la escuadra azteca hizo un gran Mundial, tomando en cuenta que el proceso de eliminatorias fue un desastre que dejó cerca de la hecatombe al proyecto que encabeza Justino Compeán, al dejar escapar puntos vitales y depender de terceros para ingresar a la fiesta en territorio amazónico, por la ventana de la cocina. Dicho proceso incluyó el abaratamiento de los llamados a selección, polémica con jugadores considerados y los que “se borraron solos” sumados a los 42 días de terror, donde cuatro entrenadores desfilaron por el banquillo
“Herrera tomó al cuarto equipo de la Concacaf y le cambió el rostro. Su forma de festejar los goles se convirtió en el más extremo performance de la dicha. Si nuestro sueño de niños era abrazar a Santa Claus, ahora es abrazar a ‘El Piojo’”, señaló el escritor mexicano Juan Villoro en una columna publicada en el diario Reforma el 30 de julio, un día después del duro despertar azteca del sueño mundialista. Tal como ocurrió en Francia 1998, el proceso de preparación para la competencia dejó muchas dudas en la afición y la prensa especializada. La grave lesión de Luis Montes, en el antepenúltimo cotejo ante Ecuador, encendió las alarmas del Club León y del cuerpo técnico, lo que obligó a Miguel Herrera a llamar de emergencia a Javier Aquino, quien se encontraba en pretemporada con el Villarreal en China.
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#URLaño4 Ante la duda Herrera mantuvo su alineación base, con un esquema 5-3-2, echando mano de Guillermo Ochoa en la portería, Francisco Javier ‘Maza’ Rodríguez, Rafael Márquez y Héctor Moreno en la central, Paul Aguilar y Miguel Layún en las laterales; en la media cancha de Héctor Herrera, Andrés Guardado y José Juan ‘Gallito’ Vázquez; Giovani Dos Santos y Oribe Peralta en el eje de ataque, lo que al principio generó serios cuestionamientos. Pero Herrera se mantuvo firme, y los cambios recurrentes de Javier ‘Chicharito’ Hernández, Marco Fabián, Carlos Salcido, Diego Reyes, entre otros, le dieron una cara de combate al Tricolor, un rostro que maravilló a propios y extraños. En su paso mundialista, México pasó por encima de Camerún, pese a las adversidades del clima y el arbitraje para ganar en su debut por 1-0. Ante el dueño de casa, Brasil, los aztecas le pusieron cara a un duro rival, sumado a una notable actuación de Francisco Guillermo Ochoa, quien fue factor clave para mantener el 0-0. Y ante Croacia, los mexicanos le respondieron con un 3-1 en la cancha al estratega croata Niko Kovac, quien declaró que a los aztecas les temblarían las rodillas, provocación que pagó caro el cuadro europeo.
Al minuto 87 Wesley Snijder, con un fogonazo de pierna derecha, enfrió el encendido ánimo en la cancha, banquillo y tribuna tricolor, y un error arbitral, en conjunto con el gol, vía penal, de Klas Jan Huntelaar, le terminó de arrebatar el ansiado sueño al equipo azteca que una vez más hizo soñar a los aficionados pero los despertó de manera violenta del anhelo del quinto juego, mismo que se buscará en Rusia 2018. Para esta misión los federativos le darán el voto de confianza a Miguel Herrera, quien asume el mayor reto de su carrera; finalizar un proceso mundialista y guiar a una mezcla de generaciones exitosas (campeones mundiales sub-17 en 2005, 2011 y medallistas de oro en Londres 2012) hacia el tan mentado objetivo. El tiempo corre, el 8 de junio de 2018 arrancará la nueva edición de la Copa del Mundo ¿Herrera estará al frente de la misión en Rusia? Sólo el tiempo, y las polémicas, lo dirán a su tiempo.
Para los octavos de final el rival en turno era Holanda, la única variante que presentó Herrera fue la entrada de Salcido, quien ocuparía el lugar del ‘Gallito’ Vázquez como contención, la confianza estaba a tope, el grupo estaba unido, rodó el brazuca y… Todo era felicidad y armonía en la primera mitad. Un gol de Giovani Dos Santos, al minuto tres de la parte complementaria, desató la felicidad en el estadio Castelao, México era amo y señor del partido ante una Holanda que no encontraba como detener el vendaval azteca. El Tricolor se encontraba muy cerca de una gran hazaña, pero Miguel Herrera tuvo un gran miedo, miedo al triunfo. Buscando innovar ‘El Piojo’ cambió su esquema a un 5-4-1, dejando sólo en punta a Oribe Peralta e incorporando por la bandas a Javier Aquino, un movimiento que aprovechó el estratega holandés, Louis Van Gaal, para ajustar piezas y buscar el agónico empate.
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NYMPH()MANIAC Texto Sergio Hernández @sergio810511 I Imagenes Archivo
Cuando termina Nymphomaniac Vol. 1, te preguntas, ¿por qué está hecha en dos partes? Además de la duración que en un solo volumen duraría más de 4 horas (en esta versión censurada), Lars tiene una muy buena justificación para dividirla en dos. Mientras que en la primer parte podemos ver partes cómicas nacidas de situaciones humillantes, en la segunda, se cuenta la parte más sombría de la historia, la pérdida de sensación sexual, la desesperación que conlleva, el sadomasoquismo, la pedofilia, la autocompasión; en pocas palabras, la búsqueda fetichista y desesperada por alcanzar el placer sexual. “No es nunca aburrida y en realidad provoca y estimula, aunque no para excitar al publico, ni remotamente. En su nivel más profundo, la película representa la intensión de responder a la ardua, rebelde, franca, traviesa e intelectual pregunta del hombre que ya formuló Freud: ¿qué es lo que desea una mujer? Tod McCarthy, Hollywood Reporter.
La película abre este vacío sensitivo y en el fondo existencial de Joe, inmersa en su relación con Jerome, sigue bajo la misma línea, Joe contando su propia historia a su oyente Seligman en un ritmo mas rápido que en la primera parte, en estos tres últimos episodios en los cuales se profundiza las pulsiones eróticas más profundas del ser humano, siendo el sadomasoquismo donde Joe se regodea con gran dedicación , Joe busca y experimenta en el sexo lo que no encuentra en su vida personal, la maternidad no la motiva ni la siente con especial pasión, se nos muestra con gran lujo de detalle el castigo físico, el miedo de la propia Joe y su abandono a un nuevo placer. Otro tema importante que nos pone Lars sobre la mesa, es una de las cuestiones morales y éticas más sensibles del ser humano: la pedofilia. Al final Nymphomaniac en conjunto toma temas sensibles para la moral del ser humano, pero mismos que siempre han interesado a Lars von Trier en toda su filmografía, habrá que ver la versión sin censura que dura cinco horas y media, y ver si Lars en este cierre de su trilogía depresiva nos muestra su faceta de cineasta provocador que nos lleva a la reflexión, al debate moral y a un viaje a la condición humana y sus estigmas...
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GEPE GEPE #URLINTERVIEW
En su última visita a nuestro país Gepe músico de origen chileno nos regalo una tarde maravillosa donde nos conto sus planes futuros, ¿que es Gepe?, que lo sorprende de nuestro país y muchas cosas más...
Texto Mariel Argüello @mnphnc_grrrl Fotografía Edgar SG @_hardrebel
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¿Que te sigue sorprendiendo de México y que perspectiva tienes desde aquella primera visita que hiciste a la de ahora? Gepe: Más allá de sorprenderme sigo profundizando a México en el mismo esquema, ya que percibo mucha identidad clara y se disfruta esa identidad también. En general como todo lo contraste a los chilenos por que cuando uno esta en Chile se siente una cosa y ahora que estoy aquí o inclusive estoy en Ecuador o en Perú siento algo totalmente distinto, pero eso si, esa identidad latinoamericana súper clara que no tiene nada que ver ni con los gringos, ni con europeos, ni nada de eso, eso es lo que me gusta mucho. Acá en México me siento realmente latinoamericano y siento que la gente de aquí se siente latinoamericana y lo disfruta mucho y se siente orgullosa de eso, lo cual ese contraste que hay como en Chile me agrada mucho y por lo que te digo, es como profundizar en eso digamos, como una especie de alegría de vivir
algo así siento yo, no sé si exactamente pero para decir eso, me gusta mucho. Yo creo que me he dado cuenta de siempre las veces que he venido y que de por sí han sido muchas, siempre digo lo mismo, como que digo “algún día me hubiese encantado ir a esto”, pero no, la verdad siempre es algo muy fuerte y lo tengo muy presente. ¿Que influencias reconoces (muy aparte de la música andina) que tienes tanto de tu país como de Latinoamérica en general?
Gepe: Siempre me pasa algo con la música que esta en la escala de la cordillera en general, pon tú la música peruana de la sierra a mi me llama mucho la atención, sobretodo que la he empezado a escuchar muchísimo inclusive a un grupo en particular que se llaman Hijos de Lamas; su música es muy simple, muy rítmica, muy abierta, minimalista y muy colectiva, como que todo ese tipo de musica me gusta United Rock League / 20
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mucho, se funde en la colectividad y eso me agradaba bastante. Te diría que por ese lado la música de la selva, ya sea la ecuatoriana o la peruana me llama mucho la atención y también he estado escuchando mucho bandas sinaloenses como por ejemplo a la Banda El Recodo de Don Cruz Lizarraga, ese tipo de ensambles tradicionales de México me agradan. ¿Qué tanto repercutió la trascendencia internacional a Gepe? Gepe: En general siempre me ha costado trabajo el creerme ese cuento de músico, como que creerme músico en Chile ya fue todo un desafío y creerme músico fuera del país ya era otro paso, pero yo opino que ya lo estoy consiguiendo gracias a México, ya que me ayudó a sentirme de que estaba haciendo un trabajo serio, un trabajo bueno, un trabajo en que la gente lo pueda disfrutar perfectamente si es que no es chileno. En general los músicos chilenos estamos acostumbrados a tocar solamente en Chile y para los chilenos hay pocos grupos que han trascendido y últimamente se ha dado que gente de mi generación, a la hora de hacer música les sale muy natural, pero no la tocan en todos lados; es como una opción super valida, pero estaría bien que la compartieran al mundo y entonces eso es bacán.
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<< Para los periodistas chilenos es dificilísimo acceder a Álvaro, incluso para los colegas, entonces que bueno que lo lograste y sin duda, Álvaro Henriquez junto con Jorge Gonzalez (Los Prisioneros) y no sé, Claudio Valenzuela (Lucybell), son como los tres grandes de la música pop de los noventas.>> Ahora que tocas ese punto, hace un par de meses tuve la oportunidad de entrevistar a Álvaro Henriquez de Los Tres…
Bueno, he percibido dentro de ellos como una especie de evolución ¿Tú has sentido ese cambio a la hora de terminarlos?:
Gepe: Ah! ¿En serio? ¿Pudiste hablar con él?
Gepe: Si, totalmente, pero ¿sabes? últimamente siento que parto desde cero, por que lo que fue “Gepinto”, “Hungría” y “Audiovisión” fueron una etapa y ahora empieza otra, por que perdí la conexión con la etapa anterior, siento yo y ahora como que se me ocurren más ideas de música y de canciones que son parte de otra tipología cachaí, como que ahora los arreglos musicales son de una manera, incluyendo la letra que no tenía nada que ver con lo que hacia antes cachaí, pero si guarda mucha relación con “GP”, entonces por eso siento que “GP” fue un primer disco de nuevo y ahora estoy preparando un segundo disco que ya pertenece a esta nueva etapa.
Si y le pregunté acerca de la efervecencia de bandas e interpretes que ha habido en Chile de unos cinco años para acá y me comentó que ha sido como una epidemia de buena factura, que reconoce el talento e inteligencia de saberse preparar su carrera y que son un ejemplo para el resto del mundo ¿Qué opinión te merece este tipo de comentarios? Gepe: Puf! Pudiste hablar con alguien que es super dificil de hablar Poh! Para los periodistas chilenos es dificilísimo acceder a Álvaro, incluso para los colegas, entonces que bueno que lo lograste y sin duda, Álvaro Henriquez junto con Jorge Gonzalez (Los Prisioneros) y no sé, Claudio Valenzuela (Lucybell), son como los tres grandes de la música pop de los noventas post-dictadura para adelante y en serio, que bueno y me llega de orgullo de que haya dicho eso él (Álvaro). Para mi su trabajo ha sido increíblemente potente, lindo e inspirador, sobretodo el disco “La Espada y La Pared” y “Fome” son como dos pilares de la música chilena. Una pregunta, ¿Escuchas tus discos? Gepe: No
¿Hay algo que te gustaría cambiar o mejorar de la industria musical? Gepe: Creo que el Internet en realidad no podría decir que juega a veces en contra por aquello que bajan tu música gratis o que se yo, pero ¿sabes que? eso es lo más entretenido que tiene el internet, entonces como que ese caos que tiene medio anárquica me parece super atractiva y creo que por lo menos hasta ahora ha traído más beneficios que desventajas para el público en general. Yo creo que los músicos de hoy en día tenemos la posibilidad de acceder a todo tipo de información y
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herramientas, ya sea discos de otras personas o software, etc. de manera bastante fácil, entonces tienes una paleta de sonidos, colores o estética mucho más grande y eso no deja de ser positivo. Obviamente nombrarán las desventajas de que bajan tu música y a veces te dirán mentiras pon tú, pero yo creo que al final son mayores las ventajas y honestamente no cambiaría nada, a excepción de luchar contra los poderosos y si en algún momento cambia el sistema, a mi me dará la impresión de que seguramente habrá otro tipo de poderosos cachaí, entonces siempre habrá en el enemigo y en el fondo una especie de “inspiración” para estar en contra de ellos. Hay que dejar de lado ese materialismo y aprender mejor otros tipos de disciplinas.
Rock: Gepe: No me pasa nada, La verdad. PedroPiedra: Gepe: Mi Hermano Que ma su cabeza: Gepe: Mi Familia México: Gepe: Mi segunda casa.
¿Que tanto afecta la fama en tu vida diaria? Gepe: La verdad, en nada. Hasta la fecha todo lo he disfrutado. De repente en Chile ha habido momentos de mi carrera que han sido sobre expuestos y como que eso te medio genera una “mala vibra” alrededor, pero a veces pasa, es como en cierto momento. Como que en chile en general no están acostumbrados que los artistas sean reconocidos, es una cosa medio rara pero lo entiendo. De cualquier modo adoro mi país y me da lo mismo. A continuación dire una serie de nombres y palabras y tú me tienes decir lo primero que se te venga a la mente Javiera Mena Gepe: Mi compositora chilena favorita. Una gran amiga Carla Morrison: Gepe: Lo mismo pero en versión mexicana United Rock League / 25
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SI TE VALE MADRES LA FAMA VAS A SER FAMOSO (O DE COMO HACER LO QUE QUIERAS HARÁ QUE TODOS HABLEN DE TI)
Texto Yiru @Yiruim
Existe un fenómeno muy recurrente en todas las bandas que comienzan a tener un cierto highlight en los medios, cuando empiezan a ser participes de festivales cada vez mas grandes, cuando ya los invitan a ser teloneros de bandas con cierto renombre nacional o internacionalmente, comienzan a ser parte de ese grupo “selecto” de músicos contemporáneos que comienzan a tener fama, en este punto las bandas comienzan a tener mas cuidado con el proceso de creación, con su imagen, con la forma en la que se relacionan con el medio, comienzan a ser parte del cliché de la fama, que a la larga, si no lo saben llevar bien, termina siendo un elemento efímero en la vida de la banda o proyecto que se tenga trabajando. Hace un par de semanas uno de los proyectos mas interesantes de la escena musical contemporánea decidió separarse argumentando que estaban en su mejor momento y por eso tomaron tal decisión, la banda se hacía llamar Death Grips, y desde el comienzo se trato de un statement artístico, producir un hip hop experimental, ruidoso, estridente y con letras que revolvieran el estomago y se sintieran incomodos los que escucharan las crónicas de muerte, destrucción, suicidio y depresión que gritaba de MC Ride acompañado de la producción de Zach Hill y Flatlander.
Lo mas importante de esta banda es que era un proyecto cuyos integrantes realmente les importaba una mierda el ser parte de la industria y de tener algo de fama, ejemplos sobran: Regalar su disco “No love deep web” provocando que su disquera terminara el contrato con ellos, No presentarse a los shows, o simplemente decidir que sus shows consisitirian en un escenario vacío con su música sonando de fondo, y lo mas reciente, mandar al demonio a Nine Inch Nails que los había bookeado para ser teloneros de su gira en curso. Era un proyecto que trascendía lo musical, era un trió con algo que decir, y aunque oficialmente hayan cesado tal vez este es uno mas de sus experimentos que involucra el nombre de Death Grips, es burlarse del statment de la industria, escupirle en la cara al mundo, decir y hacer lo que uno le plazca, creo que proyectos así son necesarios cada cierto periodo de tiempo, es bueno tener a esas mentes que hacen ver que el mundo no es un lugar feliz y hacerlo ver de la forma mas irónica, con solo 4 años de vida, un puñado de discos y una estética llena de misterio, Death Grips se ha convertido en uno de los proyectos mas importantes de los últimos años. RIP Death Grips
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MOLOTOV Después de 7 años sin nuevo disco, Molotov presenta:“AguaMaldita”
Entrevista Carolina Calvo /// @CarolinitaCC Fotos Cortesía Molotov
<<A pocos días del lanzamiento del séptimo disco de estudio de Molotov, “Agua Maldita” y antes de su presentación en el Auditorio Nacional, Tito, cantante y guitarrista de esta irreverente banda con casi 20 años de trayectoria, compartió con URL Magazine, lo sucedido en la preparación y la realización del nuevo álbum, además nos dio un adelanto de lo que seria su presentación en el Auditorio Nacional, 4 de julio, dedicada en agradecimiento a los fans que adquieren su disco original para poder disfrutar de su concierto.>> United Rock League / 29
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¿Cómo influyeron en el producto final de “Agua Maldita” los siguientes elementos: El momento en que se encuentra la banda: Mucho, estamos mejor organizados que nunca y eso influye directamente porque todo sale bien, los dineros vienen de donde tienen que venir, son aplicados a donde deben, todo es claro y mucho más organizado que cuando estábamos con otra administración, tenemos trabajando un equipazo. En lo que tiene que ver con la disquera, no teníamos tanta claridad. Después de que se transforma tan rápido y tan duro el mercado, desde que existe la banda a ahora, surge Internet, lo que cambió todo el juego. No teníamos la libertad de hacer un disco cuando queríamos, ni la cantidad que queríamos. Teníamos el compromiso de hacer un disco en vivo, hicimos el “Desde Rusia con amor” en 2010 y salió hasta 2012, lo que fue bastante difícil de producir, al principio no estaba comprometido un DVD y después nos dijeron que sí, entonces tuvimos que mejorar todas las imágenes que teníamos levantadas en video, fue muy complicado. De repente, tuvimos luz verde para hacer un disco, decidimos hacer un trato con la disquera para que nos ayudaran sólo con la distribución y licencia, ya no formamos parte de Universal Music, así que se puso increíble, tuvimos que conseguir lana por otro lado, pagar nosotros la producción, tuvimos el poder de decidir en qué Productor o Ingeniero de grabación o de mezcla invertíamos.
El trabajo sin su antiguo manager Maravilloso. Eran concepciones distintas de cómo manejar una banda, los poderes, el ego, etc. y ahora tenemos un management de tipo parlamentario, una tendencia en el gabacho que se llama family management y eso quiere decir que la banda está involucrada al 100%, ahora todos votamos, discutimos y las cosas se llevan a cabo. Julio (Arellano) y César (Rosas), que trabajan en la oficina, son los que representan nuestras ideas, son representantes más que managers, si es que hay que hablar con los responsables de algún festival, por ejemplo, nosotros les comunicamos lo que queremos y ellos son los que van al frente para representar las ideas de la banda. La producción de Jason Perry A él nos lo presentó Miky, Randy y yo lo conocíamos de haber trabajado otras cosas en los estudios Sonic Ranch, él cantaba en una banda de punk inglesa que se llama A (en su pronunciación en inglés) y a Miky le gustaban mucho, así que tocamos juntos en el 90 y tantos. Los ingleses son unas pistolas para la música, casi inventaron el rock & roll, le copian a los gringos bluseros pero ellos son más pesados históricamente, en calidad de audio y en amplificación, microfonía, concepción musical y Jason tiene todas esas habilidades. El equipo que se armó para grabar fue idea de él; además para los cuatro (integrantes de Molotov) que tocamos, componemos y producimos, es mucho más difícil escoger las canciones,
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#URLaño4 porque mis argumentos para decir por qué mi canción es mejor que la de Randy son subjetivos, así que Jason ayudó a elegir 10 de 40 rolas, que de acuerdo con su opinión son las que equilibran bien sonoramente, tomando además la explicación conceptual que le dimos de las letras, no sólo literal. A ninguno de los cuatro en Molotov nos podía haber quedado el disco así, fue un esfuerzo colectivo, de grupo. El momento que vive el país Eso siempre influye altísimamente, por un lado nos damos cuenta cada vez más, que el país funciona sólo para una plutarquía (sic), sólo un mínimo porcentaje de la población se la pasa bien; todo está organizado de tal manera que la corrupción está en todos los niveles y hasta la gente más humilde tiene relación con un judicial o con un delegado, etc. (Lo malo) No se va a poder erradicar, estamos construidos así, funciona bien para las familias adineradas, para los países primermundistas, para la mano de obra barata. Es tristísimo, México debería ser una potencia grande, importante, hermosa y al contrario, está contruido a favor de los gringos, con temas de cero injerencia del pueblo. En lo artístico influye siempre, pero se repite, se convierte en un refrito, podríamos escribir “Gimme the power” hoy, aunque no hay regente pero hay tranzas, mordidas. Entonces nos gusta repetir un manifiesto: “la acusación precisa y el insulto bien definido”, así lo buscamos para no volver a decir “el gobierno es una mierda”, estás declarando lo obvio, ya sabemos eso. Séptimo disco de estudio, ¿qué hay de diferente en este con respecto a los anteriores? Todos son diferentes, no hay un líder, de repente hay uno de nosotros que llega con una idea que no veíamos venir para nada y es padrísimo aportar con la creatividad de esa idea. Nos encanta sorprendernos a nosotros mismos. En este disco hay cosas súper buenas. Miky hizo una mega old school que se llama “La raza pura es la pura raza”, la oigo y me acuerdo de Miky tocando conmigo en La Candelaria en el 91.
En la presentación del disco mencionaste que no es lo mismo escribir a los 21 que a los 40, hablando del trabajo con Jason Perry, ¿a qué te refieres con esto? Me refiero a lo que dicen en particular las composiciones, hay canciones que hicimos en la secundaria y prepa con desamor, como “Perra arrabalera” o “¿Por qué no te haces para allá?” La expresión hoy es diferente, somos adultos, tenemos familias, no es lo mismo que escribir a esa edad. Esas las seguimos cantando por respeto a la composición y porque la gente quiere escuchar lo que grabamos en un disco, en el contexto artístico seguimos vivos, en 50 años que ya no estemos, la canción no tendrá la misma vibra. Aunque ya no componemos en ese plan, acabo de hacer una canción que se llama “La Verga”, no por manchado, sino porque es un estado de ánimo, el mexicano no se siente mal de que no lo atiendan en el Seguro Social, de que no estén ayudando a sus hijos, de que lo estén robando, se sienten “de la verga”. Yo creo que aquí sí hay expresiones que acompañan al estado de ánimo definitivamente. ¿Qué rolas te gustan más del disco? Hay una que me encanta, se llama “Oleré y Oleré y Oleré el UHU” que es de Miky pero la canto yo, es muy chistoso porque en la banda somos fans entre nosotros mismos y a mí me canta como escribe Miky, las líneas de bajo, los ritmos de Paco, las ideas de Randy. Parece un poco bobo pero me gustan muchas cosas de mis compañeros. Otra de Micky que me parece cagadísima es la de “Lagunas mentales”, es una narrativa, un personaje que en realidad somos nosotros, que en el reven te da mind blindness, nos pasa que vemos a alguien pero no podemos relacionar de qué banda es. Y eso es increíble, ahora mismo a las nuevas bandas les cuesta permanecer y que ustedes con esa trayectoria puedan decir “soy fan de mi compañero” es increíble.
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#URLaño4 Yo creo que es muy importante la aspiración de cada uno porque en vez de jalar todos hacia un lado, cada quien quiere ser otra cosa y ampliamos el espectro, como en el caso de “Frijolero”, todos pudimos haber dicho “hay que hacer una polca norteña”, pero al contrario, cada quien piensa algo, ¿cómo le puedo meter yo un punk una rola? También importa la forma en que defendemos nuestra libertad de expresión, es un círculo que está libre del estímulo popular, aunque estamos muy agradecidos de que al final logremos empatía con la gente, pero todo tiene que venir de la fuente, de la inspiración, de lo que se te ocurra a ti primero y te satisfaga. Además de la colaboración de Run DMC y Money Mark, ¿hay otras colaboraciones en el disco? Dan Zlotnik y Milo Froideval, son dos grandes amigos con los que siempre trabajamos en México, hicieron los arreglos de cuerdas y metales que son su especialidad.
Como la presentación era en D.F. y área Metropolitana, no podíamos asignar lugares porque no teníamos un control del orden, el boleto es general y por orden de aparición, así que los que lleguen primero van a tener el mejor lugar, el resto de los lugares es para invitados y patrocinadores. Además del éxito en la compra del disco para entrar al concierto, en menos de un mes, “Agua Maldita” es el disco más vendido en iTunes, ¿qué opinas al respecto? Está poca madre, es muy satisfactorio, nunca hemos tomado mucho en cuenta el reconocimiento, las cifras, sino que jale gente a la presentación en vivo, eso es lo más padre, no importan los premios si estás parado frente a un escenario y no hay gente. Esperan la colaboración de Money Mark para la presentación en el Auditorio, ¿habrán otras colaboraciones? ¿Alguna nacional?
Viene entonces la presentación en el Auditorio Nacional el 4 de julio, con una ingeniosa estrategia contra la piratería, la compra del disco como boleto de entrada, ¿cómo va la venta? ¿quedan lugares?
No viene pero estará DMC que es importantísimo para nosotros. No hay colaboraciones nacionales porque decidimos que ya está muy trillado, pero hay gente de otras bandas en el público, como invitados.
Se puso increíble, quedan 70 lugares con ese tipo de compra, que en tiempos actuales es muchísimo porque en estos tiempo no sabemos ni cuantos discos vendemos, era una forma de hacer una presentación marcando una nueva era, la que estamos viviendo nosotros, además el Auditorio Nacional es conceptualmente el espacio donde nos va a escuchar la nación (risas).
De “Dónde jugarán las niñas” a “Agua Maldita”, ¿has visto un avance en la situación del país?
El experimento es para agradecer a los fans que compran nuestro disco original, tomando en cuenta que el derecho actoral es muy poco protegido en este país, y por otro lado ver cuánto se vende el disco de esta manera. Es muy gracioso porque la gente están comprando dos, cinco, seis discos por pensar en los boletos.
La verdad es que no, es un bajón. Lo de las telecomunicaciones está peor que en los años 90. Regresar al PRI es lamentable, ya ves los coches con charolas en las calles, los juniors, las injusticias, la prepotencia descarada. Lo que pasa es que antes les daba un poco de pudor, pero ahora les da igual, los políticos balconéandose en Twitter, les vale madres.
¿Entonces hay lugares disponibles en taquilla?
Para terminar, Tito nos informo de próximas fechas que se anunciarán en su web oficial, las giras y el resto de los conciertos. Nos comento que ahora tendrán más libertad para sacar discos, va a haber más EP’s y viniles, etc.
No porque el Auditorio es muy fresa y no nos querían nada, para poder presentarnos lo rentamos, no nos estamos beneficiando económicamente de esta presentación, en la venta de disco tal vez, pero estamos en un proceso de distribución y nos tocan centavos de eso.
Como dato les informamos que la canción “La verga” se quedó como un lado B de un vinil de 45 revoluciones, que en iTunes no se pudo subir por censura, al igual que la portada con una chica desnuda y un diablito con una larga lengua.
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DE LA DIFICULTAD DE
SER Fﾃ，IL
Texto Sayl @JoystickCloud Imagenes Archivo
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#URLaño4 Otra vez yo criticando la industria, muchos de ustedes no entenderán como puedo adorar algo que critico tanto, pues por eso mismo: lo critico tanto porque lo amo y no soporto ver fallos aquí o allá. En esta ocasión toca el turno a la dificultad, ¿cuándo pasamos de ser tratados como valerosos guerreros a niños en pañales? ¿De cuándo acá la vida se regenera, se guarda a cada minuto o una enorme y omnipresente flecha marca el camino a seguir? ¿Cómo es posible que el nivel de dificultad sea inversamente proporcional a la edad de la industria? Bueno no cambien de canal y con suerte encontrarán algunas respuesta… Como de costumbre debemos remontarnos a la infancia de nuestro joven arte para dar con los porque actuales. Cuando se constituyeron esos pedazos de cielo en la tierra llamados salones recreativos o arcadias, el negocio consistía en que los clientes gastaran la mayor cantidad de monedas posibles en cada máquina, y dado que este fue el primer gran boom comercial de los videojuegos, las grandes desarrolladoras del momento (Atari, Nintendo o Namco) buscaban crear productos muy rejugables que engancharan rápidamente y retaran a los jugador a seguir jugando, esto aunado a las amplias limitaciones que por entonces suponía divertir con un puñado de píxeles, dio como resultado que la mayoría de los juegos se decantaran por proponer un reto considerable a los usuarios pues era la manera más sencilla y eficaz de mantenerlos pegados a los botones, ya sea por superar una alta puntuación o avanzar por un intrincado nivel plagado de adversidades.
La tendencia se mantuvo a medias a lo largo de los años pero en una clara curva descendente. La dificultad en los videojuegos comenzó a recortarse a medida que continuaba creciendo, siempre con hambre de más dinero y más acólitos, por supuesto esto se hizo con la noble idea de masificar la industria a base de facilitar la inserción de nuevos usuarios, claro, pero ellos no son retrasados mentales (con el debido respeto que merece esta comunidad). La rejugabilidad basada en dificultad, fue sustituida por el desbloqueo de un sin fin de contenido “extra” que decoran bonitas galerías pero que poco aportan a la experiencia jugable más allá de ir de un lado a otro para acumular horas de juego. El punto de inflexión sin duda vino con el rotundo éxito de Wii que ha dado paso a la fiebre por el jugador casual, exponenciado por supuesto gracias a la difusión de los móviles. Fue entonces cuando a mediados de la séptima generación las desarrolladoras (entendiendo ya a la industria como un negocio de masas) se volcaron a facilitar en todo lo que podían el trayecto a los jugadores, que ni una sola piedra se interpusiera entre el inicio y los créditos finales. Concedo que puede ser muy difícil encontrar esa delgada línea de equidad en la que se satisfaga tanto jugadores casuales como hardcore en cuanto a ritmo de avance se refiere. Entiendo también que toda facilidad potencia la accesibilidad al público masivo. Pero nada de ello justifica el absurdo de la vida
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regenerativa o el despropósito del autoguardado constante. Si nosotros (los veteranos) nos enamoramos de este arte aun cuando nos trataba mal ¿por qué el casual no puede quererlo de la misma forma? recordemos que el casual no es inferior sino inexperto y esa inexperiencia se colma justamente a base de práctica, de repetición y de éxito sobre adversidades. Al público masivo el entretenimiento en general lo consciente demasiado, el arte debe exigirle atención al espectador y no el espectador solicitar atajos para la comprensión del arte ¿Que es más fácil, ganar dinero mediante productos ridículamente fáciles? Claro, y como el dinero manda pues amén… Obras como Braid, Limbo, Super Meat Boy, Otro de los factores involucrados tiene que ver con el mimetismo cinematográfico. Como ahora los juegos quieren ser películas, la sensación de avance narrativo debe ser constante, en el cine una película no se traba si el personaje principal falla al ejecutar a un adversario, pues bien como mi sobreprotegido público pide más fotorrealismo y más guion cinematográfico, la historia no debe estancarse, el show debe continuar así el jugador fracase una y otra vez. Un tema aparte es el circo sin gracia que pone en escena Activision con Call of Duty donde la dificultad de la saga recae únicamente sobre los hombros del multijugador, es decir la competitividad del juego corre a cargo de los propios jugadores (cosa que es muy buena como imaginaran, porque en el online solo combaten fieras) pero tampoco se atreven de hacer una campaña en condiciones que te prepare para enfrentar los horrores del multijugador, sino que se conforman con una campañita simplona que sirve para poco menos que un balurdo tutorial.
jardín de infantes al que llaman videojuego. Y recalco que fácil no significa necesariamente malo, allí está el irracionalmente accesible pero muy satisfactorio reboot de Tomb Raider (entre muchos otros) para atestiguarlo. No, fácil no significa displicente pero sí que priva de un elemento básico para la excelencia: la satisfacción de superar desafíos. El éxito principal de Dark Souls se debe a que se trata de una reinvención de lo que en realidad debería significar los videojuegos actuales, de haber evolucionado naturalmente desde aquellos Space Invader, Mega Man o Contra, añorados. Exijo respeto a las habilidades intelectuales, reflejos y psicomotrices de cualquier persona, miren que para degustar un buen platillo no hace falta que te lo lleven a la cama.
¿Para qué quedo entonces el reto en nuestros días? como una mera opción, un mero añadido, una propuesta elitista solo apta para los mejores jugadores, fuera del alcance de los frágiles dedos casuales. ¿Qué no se dan cuenta que este trato exclusivo afinca la brecha entre cada perfil jugón? Tenemos que explicarles gráficamente que reducir el daño que ejerce el jugador y aumentar el daño sufrido por enemigos no es aumento de dificultad real, sino meros parches que intentar retrasar un poco el imparable paseo del jugador por el
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#URLa単o4
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De este álbum se desprende el primer sencillo homónimo Lazaretto, un tema que nos regala unos rifs y acordes al más puro estilo White, para el segundo sencillo nos regala el tema titulado Just One Drink, tiene esa fuerza para y continuidad de acordes que van llenando las expectativas de quienes escuchamos este álbum.
LAZARETTO JACK WHITE Texto Alfonso Saldaña @poooonch Hablar de este gran músico, compositor y multiinstrumentista, es remontarnos a los inicios de la década de los 90´s, donde inicia su carrera, sin saber cuál sería su futuro musicalmente hablando. Con varios éxitos en su haber, sin dejar de mencionar los grupos con los que ha participado, como son The White Stripes, The Raconteurs, y The Dead Weather. Para este 2014 nos trae su más reciente material discográfico, y segundo como solista. Después de su exitoso material titulado Blunderbuss, desea seguir incrementando sus éxitos y regalarnos un fabuloso álbum, lleno de blues y rock. Lazaretto es un álbum que nos regala esa magia, suavidad, atrevimiento, dureza en cada uno de sus 11 temas incluidos. White declaro, que la mayoría de las letras en este álbum son recopilaciones de historias, recitales y canciones que el mismo escribió a sus 19 años. Con dicho material decidió trabajar para irle dando forma a este segundo álbum.
Esta colección de 11 tracks nos muestra lo magnifico de la obra con mezclas de fuerza, acidez y en algunas la ternura musical mostrada por su compositor y arreglista. Otro de los temas que nos regala esos magníficos acordes, es con el que abre el disco Three Women, con una construcción musical adecuada para atraer nuestra atención, dejando al descubierto su calidad como un gran músico. Would You Fight For My Love, sublime y poderoso tema, puede ser uno de los mejores que logras apreciar en su totalidad. High Ball Strepper, aun más poderosa, nos muestra las grandes habilidades de Jack en sus dedos para acariciar y seducir musicalmente a cada una de sus compañeras eléctricas, para regalarnos esos rifs fabulosos de este tema. Lazaretto se encamina a ser un álbum que dejara más que felices y contentos a nosotros los seguidores, y por supuesto con buenas críticas de la prensa y medios del la música mundial. Esperemos que podamos tenerlo en nuestro país próximamente para disfrutar totalmente en vivo este exquisito álbum.
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TURN BLUE
THE BLACK KEYS Texto El Jimmy Lurias Con un EP tributo a Junior Kimbrough y Damon Dash en promoción a un álbum de rap-rock, por no hablar de una brazada de Grammys y una carne de odio en Twitter con Justin Bieber, los Black Keys han sido lo más real, lo falso, y todo lo demás. Lo que nunca han sido, en el transcurso de ocho álbumes, es ser excepcionales. Ahora sabemos Dan Auerbach y Patrick Carney son los músicos más importantes del blues, desde su debut 2002 “The Big Come Up” no eran más que una banda ruidosa y corta líricamente. Por bien considerado “Rubber Factory” de 2004, un álbum pesado y atascado. En el video de 2006 para “Your Touch” se mueren, al igual que los viejos. Con su famosa ética de trabajo duro y la negativa a realizar un seguimiento en un estudio real, la búsqueda de la autenticidad de captura podría haber terminado en esos momentos como algo decente. En Turn Blue, álbum más nuevo y más audible de la banda tiene éxito, un poco. Tomando sus señales de Tame Impala, “Bullet in the Brain”, resume la composición asombrosa del dúo, con dobleces fuertes en el alma por amores perdidos y silbantes efectos de
sonido. Lo más destacable en aspectos de sonido es el bajo, que no es ni Auerbach ni el papel de Carney, e impulsa su sexy canción hasta la fecha, “Turn Blue”, que realiza un pase a su objeto lujuria preguntándose en voz alta si hay un infierno debajo de nosotros. El track abridor con duración de siete minutos “Weight of Love” tiende a la pesadez encantadora a lo que estábamos acostumbrados, pero también es la primera canción del álbum. En el momento en “Waiting on Words” el track provoca un corto circuito, dejando claro el intento de la banda de hacer un disco famoso en realidad resultó en su mayor parte fue un intento. En el cierre de todo el acto “Gotta Get Away”, es el encargado de ofrecer un vibrante homenaje Stones, que supone un salto en muchos ritmos. No es White Cells o Icky Thump, pero al menos ya no suena como que están produciendo por necesidad.
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GHOST STORIES COLDPLAY
48:13
Texto Selene Tajin @selene_Vicsu
Texto Iveth Laguna @trixivie
Coldplay, regresa para decirnos que se puede recuperar aquél grupo alternativo que nos mostró en sus inicios, estrenan “Ghost stories” un LP que se resume en un conjunto de canciones experimentales.
Lo que pone título a este disco, es la sumatoria de la duración de cada canción. Son en total trece temas que son buenos por separados, pero cuando son escuchados en orden, uno tras otro, es que se vuelve un disco verdaderamente interesante. Se puede notar desde la transición de (Shiva), instrumental y que actúa como introducción, a Bumblebeee, canción que cuenta con una importante base de batería, marcando el ritmo y el uso de voces adicionales para dar realce a la letra.
KASABIAN
Su premisa principal es el tema de aquellas historias que, aunque son pasado siguen apareciendo en nuestro presente y podrían presentarse en el futuro, en el caso particular de Chris Martin, su fantasma es rubia y lleva el nombre de su ex pareja Gwyneth Paltrow, en las entrevistas deja claro que el disco es dedicado al duelo consecuente de su ruptura amorosa y las letras no lo dejan en duda, a excepción del sencillo “Sky Full Of Stars” el cual es un tema movido gracias a la colaboración electrónica de Avicii y lo defino como el single que se le ha regalado a las radiodifusoras, lo demás son los restos de un hombre pasando por un duelo, títulos de canciones como “Always In My Head’ “true love” y “Another’s arms”, no dejan en duda la melancolía desbordada, un resultado de temas con sonidos conceptuales. En esta reciente producción se vuelve a escuchar algo más parecido del viejo grupo británico y nos da esperanza a que “Parachutes”, no se quede tan sólo como historia de un fantasma.
Este albúm fue producido por el guitarrista de la banda, Sergio Pizzorno, quien también se encargó de escribir todas las canciones. La canción Glass incluye una colaboración del poeta-rapero Suli Breaks, habla de tener un propósito y no sólo vivir en automático. Con esta, su quinta producción, la banda británica logra que al llegar al minuto 48:13, uno quiera volver a escuchar el disco completo. En cada escucha se detectan nuevos detalles en la manera que tuvieron para combinar sus instrumentos típicos con otros como el saxofón, el trombón, o todo un arreglo de cuerdas ejecutado por la Orquesta Metropolitana de Londres, para el tema Stevie. En cuanto a las letras y temática, es un disco variado. Entre los temas están la amistad, el término de relaciones sentimentales y la confianza en uno mismo. Todo esto sin dejar de lado el enfoque de la música como entretenimiento y no como un medio para intentar concientizar.
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DONKER MAG DIE ANTWORD
Texto Alberto Granados @Altokapo Explosivo, inesperado, poderoso, oscuro, estas son algunas palabras que podríamos utilizar para intentar acercarnos a algo que pudiera ‘describir’ (si es que esto pudiera hacerse con Die Antwoord) a su nuevo disco ‘Donkermag’ lleno de interrogantes a cada canción ¿Que encontraremos después de este track?, tal vez sea hip-hop, tal vez sea un Drum n bass muy al estilo de ‘The Prodigy’ con rimas divertidas y agresivas o puede que encontremos sólo sonidos que nos prepararan para el siguiente track en el álbum. De manera que ‘Donkermag’ nos contara una historia, ‘Dont fuk me’ es el inicio de esta aventura que sólo nos inicia en la aventura con diálogos pasando a ‘Ugly Boy’, un divertido track con esa esencia de rap clubseron relajado que pone las cosas bastante tranquilas y pareciera que todo va bien cuando el cambio inesperado viene, una pista que mezcla bastante bien un Drum n bass bastante poderoso y atascado con toques de trap que hacen subir el volumen a tope y bailar sin sentido, así, simplemente de la nada “Happy go sucky fuky” aparece para elevar este disco a otro nivel
‘”Cookie Thumper!” Es otro track clave en este disco, ya que a lo largo de ir explorando distintos tipos de sonidos fusionados con el rap, este podría ser el más experimental con sonidos de sintetizadores futuristas y sonidos árabes que mantienen la energía del disco arriba, sin tomar en cuenta los interludios este disco pareciera no llegar más alto en el ánimo, como si ya no tuviera nada más que dar “Pitbull Terrier” se vuelve un track un tanto cuanto oscuro hablando de su sonido, un estilo electro-goth-rap que sigue poniendo el ‘punch’ y las incógnitas del disco latentes. “Strunk” es balada, un poco sosa, lenta pero justa para mantener el mood y darnos un respiro a esta vorágine de energía que pareciera no tener final. En general este disco es una muy buena alternativa para todos aquellos que buscan un sonido distinto, que no sea aburrido o monótono y que pueda sacar, tal vez, su lado más atrevido.
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ULTRAVIOLENCE LANA DEL REY Texto Samuel Nava @stupidtobegin Melancólica, talentosa, vintage.., la música de Lana Del Rey es más que pura belleza superflua. Así lo demuestra con Ultraviolence, tercer disco de estudio de la neoyorkina. Un álbum que contó con la participación del omnipresente Dan Auerbach como productor. El resultado fueron 17 temas cargados de atmosferas lentas y cautivantes. Nada diferente al Born to die de 2012. Cruel World es el tema de apertura. Cuenta con el típico sonido a balada vintage de Del Rey. Y así es todo el disco: con una esencia monótona, bonito si se quiere. Claro que dentro de esa monotonía pueden identificarse ciertos elementos que hacen cambiar un poco la tonalidad del álbum. Por ejemplo, en Ultraviolence se percibe la presencia de sintetizadores muy pop. En Shades of cool el sonido es más orgánico; este, junto con The other Woman, tema original de Jessie Mae Robinson, son de los temas más interesantes del disco, pues recuerdan aquellas joyas musicales de los años cincuenta.
Temas, como Brookly baby o Old Money continúan bajo una línea similar, en tanto otros, como West Coast, uno de los sencillos, tienen más ritmo, casi bossa nova. Sad girl tiene arreglos propios del jazz, mientras Pretty when you cry vuelve al ritmo semilento del disco, musicalmente basada en muy suaves y melancólicos sintetizadores, mientras en Florida kilos se encuentra una muy agradable armonía instrumental sobre la cual los coros, dignos de cualquier diva del pop, resultan más tenues. Otros, como Flipside resultan más ambientales. Ultraviolence resulta bueno, en él cada canción funcionaría perfecto como sencillo, pues cada uno de los 17 temas representa a la perfección lo que es el todo. Y ese todo es un disco impecable musicalmente hablando, aunque no es nada que no se haya escuchado antes (en la misma discografía de Lana Del Rey).
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GRACIAS POR TODO PODEROSA
MÚSICA EN STREAMING Texto Nayeli Díaz Arriaga @nayeli_yda
Hace unos días, mientras escuchaba la radio una locutora agradecía que existieran nuevas plataformas para escuchar música de modo gratuito pues ella había perdido por alguna razón toda su música, y me vino a la mente una tragedia sufrida hace un par de años con mi procesador de información y de almacenamiento masivo de sueños, ideas, y vivencias virtuales, sonóras y enérgicas, sí, mi Laptop -jaja por muy mamón que se lea-, que representaba más que un objeto material en mi vida. En mencionado acontecimiento perdí muchos GB de información y especialmente de música -así como la locutora-, que me llevó varios años conseguir, algunas de estas joyitas no las he vuleto a recuperar pero espero algún día poder hacerlo, los amantes de la música sabrán que esto además de inversión de dinero (no siempre), también es de tiempo y es un dolor inmenso cuando esto te llega a suceder. Bueno, seguramente dirán “¿y a mí qué chingados me importa su historia?” “Siempre de los siempres se debe tener un respaldo de la información que se almacena en las computadoras” “¿y a mí qué?, y demás cosas que probablemente pasaron por su mente, y claro, tienen razón, pero seguro no soy la única persona despistada que creyó que su procesador era invencible... Ahora bien, esto de escuchar música online no es nada nuevo, desde MySpace, Napster, Soundcloud y demás plataformas se ha podido hacer, no en todas es posible descargar las canciones que nos gustan y además algunas ya hasta son algo obsoletas, pero por fortuna se han desarrollado nuevas y para la gente que perdió toda su música -como en mi caso y también todo el hardware-, son la opción perfecta para escuchar lo que deseen. Desde que mi compu’ murió empecé a utilizar algunos de estas plataformas, primero pasé por Grooveshark, dándome cuenta que tiene una gama extensa de música, que podías hacer tus propias listas de reproducción (estás hablando en primera persona del singular, por eso te cambié a “podías”), escuchar discos completos, todo esto sin la necesidad de descargarlos y que ocuparan espacio en un procesador en dado caso de que el disco completo no fuese de tu agrado.
Posteriormente este sistema empezó a tener algunas fallas, lo cual me llevó a Dezeer por recomendaciones de algunos amigos, pero por alguna razón no me acomodé igual, luego llegó Spotify y me pareció bastante amigable y con las mismas opciones de las anteriores, listas de reproducción a tu gusto, discos nuevos, recientes, viejos, muuuy viejos, variedad, y todo lo anterior de modo totalmente gratuito. Si bien sentir que poseemos la música en formato físico es parte de un proceso por el que pasan muchos melómanos, o el hecho de tener suficientes GB de música almacenada en nuestras computadoras genera una satisfacción inexplicable para aquellos amantes de lo sonoro, puedo decir en favor de estas plataformas que son un invento maravilloso para que la gente que la cagamos al no respaldar nuestra información, o quienes quieren escuchar el nuevo disco de “x” banda para ver si vale la pena comprarlo o no, o quizá para quienes les recomendaron escuchar la obra completa tal o cuál músico, o para los que tienen una ruenión y hacen la lista de reproducción para convertirla en fiesta, o simplemente para alguien que quiere escuchar sin descargar un álbum. Denle una oportunidad a estas plataformas y se darán cuenta que son una muy buena opción y si no se acomodan con una pueden probar con otra, claro que si desean tener acceso a otros servicios seguro tendrán que pagar una mensualidad para obtenerlos, pero los privilegios valdrán la pena, como la posibilidad de escuchar música de tus listas creadas sin la necesidad de estar conectado a wifi desde tus dispositivos móviles. Esta accesibilidad a escuchar música de todo tipo y tan variada es de celebrarse, ya que no tenemos que pagar necesariamente por conocer más de otras culturas, ritmos y sonidos, me declaro fan de estas plataformas que por lo que me doy cuenta continúan desarrollándose o evolucionando, como el caso de la que muchos creen extinta, Napster, que al parecer, -por lo poco que he visto y leído -está bastante renovada y es muy buena, aunque en un principio parezca muy básica. Échenle un ojo a cada una de ellas, prueben, comparen, elijan y disfruten -jaja-.
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RADIO EN LA ERA DIGITAL: LA PUERTA ESTA ABIERTA
Texto Eduardo Camacho López @Edd_eCamacho No tengo a bien decir que toco en una banda. Eso es verdad. No puedo desde ese sitio condenar o siquiera jactarme de saber cuáles son las vicisitudes del músico al enfrentarse con la posibilidad de vivir de su trabajo, de gozar de un mayor alcance en relación con las audiencias, no puedo (pese a participar en el pasado de la radio) nombrar de manera concreta las normas con las que una emisora regula su programación. Los tiempos, no obstante, y habría que entenderlo, son muy distintos. Vivimos en la era digital, gracias a la que, por ejemplo, una de la bandas británicas más reconocidas a nivel mundial logró aparecer en el mapa internacional a partir de la plataforma MySpace; y en la que cualquier ciudadano mexicano con internet puede acceder a un blog simple con el contenido menos comercial que algún asiduo a la música proveniente de Noruega, Sudáfrica o Perú, decida compartir. La radio ya no goza de la misma importancia que antes tuvo en los oídos de los melómanos (aparentemente), quienes ya no necesitan que alguien les presente a alguna agrupación para que ellos la descubran gracias a Youtube, a Deezer, y luego la publiquen en Facebook, en Twitter o donde se les antoje que suceda. Hoy en día, los problemas son otros, y aunque existe quien se siga quejando de la radio, de la cerrazón en la escena, de las pocas oportunidades, etc., éstas existen, y desde donde hoy puedo escribir esto y trazar los ejemplos arriba expuestos, verdaderamente lo creo.
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#URLaño4 Dentro de todo, el ascenso de una banda que muchos pueden considerar culera se debe tanto a sus propios intereses como a los de la gente que los escucha. Así pues, nadie puede culparlos por tener después de 15 años, 20 de trayectoria, tocadas en el Palacio de los Deportes, y ser la banda que encabeza el mame anual de la gente para alinear en el Festival Vive Latino. Tanto si eres parte de la audiencia como si eres parte de la escena, o en mi caso, del sector interesado en promover la música y hacer de la misma un ente de interés común, hay que entender que el camino está menos en la criticonería reduccionista y más en el compromiso real con el favorecimiento musical. Y es que el tema cuenta con muchas caras como para verse de manera simplista, por el simple hecho de que la música puede ser vista en tanto arte, en tanto industria, en tanto el trabajo de los que la ejecutan o gestionan sus eventos, o en tanto materia prima de las radiodifusoras, y si bien el panorama actual parece no resultar muy alentador, las herramientas de estos tiempos están ahí para hacer algo en su desarrollo –desde la trinchera en la que se esté- y hacerle frente a lo que parece jugar en contra. No sé si la payola exista actualmente pero estoy seguro de que existe la demanda, y de la tendencia –de éste y pasados tiempos- de un amplio sector de la población hacia consumir a partir de una vía, la de la proximidad. Por ello la radio más escuchada en la capital es la que ofrece “80’s, 90’s y más”, las 40 canciones más populares o “mucho más éxitos”, a partir de dar y dar vuelta a los hits qué más han abultado los bolsillos de los descomunales sellos discográficos; o bien, la que ofrece música popular mexicana que está sembrada salvajemente en el gusto de la gente.
independientes que pocos conocen, y géneros nunca volteados a ver por otras estaciones –aunque eso afecte al otro polo de ésta audiencia, el que detesta que las bandas se “quemen” y atesora el anonimato de ciertas escenas porque así forman parte de un selecto grupo que realmente “sabe” de música. Y si es tan pobre en sus alternativas, hoy día aparece la radio por internet, o a través de esta vía puedes escuchar radio de otros países, o armarte playlists especializados facultando que se te ofrezcan ‘sugerencias similares’. Si tienes una banda, las herramientas son muchas más aunque no sean simples. Pero no tienes que buscar sonar en Ibero para tener tocadas, no necesitas formar parte de una disquera para lanzar tu música y no necesitas desarrollar materiales completos para aparecer en la escena. Como he dicho, los tiempos son distintos y siempre habrá bandas pobres con audiencias grandes. Si eres escucha interesado, ráscale y notarás que no faltan propuestas. Si eres músico genuino, exprime tu cabeza y desarrolla tu trabajo por diferente que sea, si en términos de calidad es aceptable, aun muy experimental o alejado de los estándares, notarás que no te faltan escuchas.
Ante esto, la radio ‘rock’ y jazz aparece menos próxima y si bien pudiera atender a una más diversificada audiencia, sí se muestra como una opción –al menos de inicio- para conocer música diferente a lo que en el resto del cuadrante suena, por lo que, ¿qué tanto encuentra ésta un motor en el negocio? Es posible que en la radio metropolitana suenen bandas hace mucho estancadas que seguirán vendiendo discos y boletos, arrancando gritos. Pero ahí está, con espacios especializados que siguen poniendo en las manos de su público, interesantes propuestas a veces
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#URLaño4
Texto Mirna Torres @mirnatf I Imagenes Archivo
Isabel, Jesús y Eduardo son una banda que con menos de 1 año haciendo canciones y tocando en la ciudad de México ha estando haciendo algunos shows y mostrando sus claras influencias. ¿Fan de Alison Mosshart o Karen O? Isabel sin duda nos deja claro que vio cada uno de los videos de estas chicas para crear un mejor performance en el escenario. Bastar mirarla y escucharlos un par de canciones para contagiarte de su música combinada de viejos y nuevos conceptos, que sino es algo que hemos ido escuchando, es una mezcla bien armonizada. ¿Lo malo? Un poco de dicción y una mejor forma de acercarse a su público se les agradecería sin duda. Aunque no es ningún “pero” para dejarlos fuera de tu próximo plan. Shows con mucha energía, cosa que se les agradece…
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