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#URL Latino Este año el Vive Latino cumple sus 15 primaveras y tienen planeada una gran fiesta para festejarlo. Este año con una apertura a diversos géneros que a muchos no les gusta, los cuales representan la “cultura” músical de nuestro país, pero hay que aceptar que este festival ha evolucionado y debe de competirle de frente al otro gran festival de la competencia: Corona Capital, y aunque la base del Vive Latino siguen siendo bandas latinoamericanas, como su nombre lo indica, no podemos dejar a un lado que el tener a dos bandas anglo cerrando los dos primeros días, nos da una idea de la falta de bandas “grandes” que tenemos actualmente. En este número de URL les tenemos varios reportajes del Vive Latino; en nuestra portada tenemos a Sierra León, banda ganadora del Band To Follow de URL Magazine del 2013, nuestra colaboradora Mirna Torres platico con los talentosos músicos que la integran. Queríamos usar este espacio para agradecerles a todos ustedes lectores de URL, ya somos mas de 25 mil “amigos” en Facebook, en Twitter ya vamos para los 10 mil, tenemos más de 70 mil visitas mensuales en la web de URL y 7,000 vistas a nuestra versión digital por mes, esto nos hace muy felices a todos los que colaboramos en URL Magazine y nos hace comprometernos aun mas con nuestra labor de informarles lo que pasa en la escena musical, estamos a dos meses de cumplir 4 años, así que prepárense por que en el mes de mayo tenemos muchas sorpresas para todos los lectores de URL Magazine. Larga vida a URL Magazine. Equipo Editorial URL Magazine @URLMagazine
SEIS
VL: Breve guía por la tolerancia
DIESI 8
Contacto:
Háganlo ustedes mismos
Facebook: URLMagazine
OCHO VEINTE
¿Qué es el Gozadero Dancing Club?
DIEZ
VL No todo son los headliners
CATORCE BTF 2013 SIERRA LEÓN
Lego la película
VEINTI 2 La situación actual de Nintendo
TRENTAI 2 RockSounds
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VIVE LATINO: Breve guía por la tolerancia Eduardo Camacho López // @Edd_eCamacho
Vive ¿Latino?
El nombrado festival iberoamericano de cultura musical llevará a cabo su fiesta de aniversario XV, por lo que -como se ha suscitado año con año, quizás cada vez con más fuerza- los detractores han hecho acto de presencia para condenar desde la alineación, hasta los precios de su próxima edición.
Entre los comentarios constantes de cada alineación del festival, aparecen los que pugnan por mantener el carácter latino del cartel, argumentando que se está perdiendo la esencia original. Habrá que mencionar que es cierto que el número de bandas gringas y europeas ha aumentado considerablemente –junto al número total de bandas que conforman el ‘line up’-, mas desde 1998, primer año del Vive Latino y en adelante, se han presentado bandas con base en Estados Unidos –u otros países no pertenecientes a Latinoamérica- y con integrantes anglosajones en sus filas, tales como Ozomatli en el debut del festival, Fishbone, Tito & Tarántula y The Wailers (2000) y Save Ferris (2002). Para el presente año, el porcentaje de exponentes latinos sigue predominando en el cartel.
No es en absoluto extraño que audiencias de un montón de música diferente aparezcan para dar su opinión, y la libertad con que se hace definitivamente tampoco es un error, nadie puede decirle a nadie que está bien o mal hacerlo (ni siquiera bajo la sentencia de “primero infórmate”). Así pues, pese a no contar con armas para aseverar que fenómenos como éste golpean la cultura, o siquiera con la posibilidad de gestionar la reflexión entre los lectores –quienes por supuesto, tras este texto serán tan libres como antes de expresar sus ideas, o de estar en contra de las aquí planteadas-, nada se pierde haciendo algunas personalísimas acotaciones del por qué el ‘Vive’ si bien –y quizá sobre decirlo- no está ni cerca de ser perfecto, quizás no sea tan malo.
Asimismo, encontramos solicitantes de más propuestas internacionales de calidad que encabecen y den forma al Vive Latino, de tal suerte que es complicado darle gusto a ambas partes, sin embargo, esta audiencia ha podido presenciar en territorio mexicano a bandas –algunas por única vez en México- como Blur, Chemical Brothers, Magic Numbers, Madness, Kasabian, Fatboy Slim, Steel Pulse, Black Rebel Motorcycle Club, entre muchas otras. Cabe mencionar que la aparición de algunas de estas bandas en el Vive Latino, ha facilitado la presentación de éstas en solitario.
Y es que entre los mismos detractores del festival hay polarización y dentro del tema es simplemente imposible saciar las necesidades y cada persona o grupo de gente con ideas comunes para establecer críticas; por ejemplo:
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Foto:Vive latino 2013 Cortesía OCESA / Chino Lemus
La gente
15 años
La diversidad de gustos es tan amplia que cualquier asistente a un festival que persista en ser incluyente debería conocer de antemano las muchas posibilidades de encontrarse en un sitio en el que muchos vistan o bailen diferente o contrariamente, no obstante, algunos insisten en descalificar la otredad si de la audiencia del Vive Latino se refiere. ¿Y realmente representa esto un problema? Si mis preferencias musicales me conducen, encontraré entre mis desconocidos acompañantes el denominador común de la fruición por cierta banda; si decidí conocer algo nuevo, el respeto por lo que otros escuchan no me traerá problema alguno.
Tras ese recorrido, el Vive Latino se ha consolidado como uno de los festivales más firmes dentro del país, y si bien esto pudiera representar un obstáculo para la gestión de otros eventos culturales en México, hasta ahora ha caminado como punta de lanza para el desarrollo y constitución de muchos nuevos festivales, que esperemos se consoliden de tal manera que la oferta se diversifique aún más y se cimenten las bases de una gran retroalimentación que permita nuevos formatos, tópicos e ideas. Hace falta que la perspectiva de los organizadores esté menos dirigida a la rentabilidad económica y más a la recompensa cultural, pero es posible que gracias al aprendizaje se generen atractivas propuestas, como la ‘gozadera’ que el Vive organiza en compañía de la gente de MUTEK o Sicario, que pudo encontrar un antecedente en la curaduría del Bizco Club del Festival Corona Capital.
Repetición vs Propuesta Gran conflicto: muchísimos, año con año, esperan nombres como Zoé, Bunbury, Molotov, Kinky, Café Tacvba, en tanto otros desean al menos mirarlos en menor cantidad de ediciones. Es probable que tal demanda les dé un lugar el próximo año como en éste; el hecho es que a la par se nombran como parte del cartel del Vive Latino, bandas con propuestas interesantísimas que no cuentan con la misma cantidad de convocatoria (mismas que en ocasiones, desgraciadamente, son calificadas como “de relleno”), con lo que la oferta cultural ante el asistente, en realidad es basta.
Pues bien, la fiesta a realizarse del 27 al 30 de marzo sigue lejos de igualar a muchas de las llevadas a cabo en otros países del mundo y las posibilidades de crítica son muchísimas, pero a final de cuentas, para nosotros los asistentes potenciales, todo se reduce a una elección.
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¿QUÉ ES EL GOZADERO DANCING CLUB? David Ovando // @Ovandoous
No es mera casualidad que el Vive Latino encuentre en lo atrevido la forma para desarrollarse, desde hace años el festival implementa nuevas formas de sugerir e incorporar actos convirtiéndose en un festival arriesgado con la única intención de dar un giro y hacer del Vive, la fiesta más importante año tras año.
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Para quienes piensen lo contrario, esta forma de reinventarse contiene ciertos capítulos donde la gente ha polarizado opiniones, el ejemplo de lo ocurrido el año pasado tras el anuncio de los Ángeles Azules, lo que pasó con Calle 13 y el abucheo en su presentación de 2007 y en recientes fechas el anuncio de Sonido la Changa para la edición número 15 del Vive, desatando la tradicional ola de opiniones, en su mayoría rechazos entorno a su presentación.
Tal vez hace un año se tomó como un ensayo, pero de nuevo el factor tiempo dicta aceptación. Este año el festival trae consigo la instalación de una nueva carpa con la cual penetra y consolida las propuestas que tengan que ver con híbridos electrónicos, es decir, global bass, tropical bass, dancehall, dub, future dub, trap, reggaetón, mombatom, tribal y new cumbia. Una nueva forma de gozar la música en su mayoría tropical con toques afroantillanos y caribeños.
El tema de fondo radica en la paulatina aceptación de los propios asistentes, el tiempo sugiere tolerancia y homogeniza como parte de un todo los actos de esta naturaleza, lo que significa comunión de corrientes, géneros y subculturas en un mismo sitio.
Del 28 al 29 de marzo personajes como Diplo en representación del sonido de la Mad Decent, llenará de sonidos obscenos y atascados la pista, Mad Professor inyectará dub con frecuencias menos revolucionadas y Simpson Ahuevo con sus rimas no hacen más que tirar buena onda. De la escena local se prepara Daniel Maloso, Javier Estrada y Pato Watson que emergen como parte de una nutrida generación de DJ’s además de la ya mencionada unificación de los sonideros nacionales como Sonido la Changa, Sonorámico, además de Pablito Mix.
Hace cinco años se inauguró la carpa intolerante, con la que nació la idea de conectar bandas con poca visibilidad mediática, propuestas realmente alternativas y underground donde sobresalen las fusiones, lo experimental y alquimias sonoras poco habituales. Al igual que la carpa intolerante, hace un año el festival se integró al boom sonidero por medio la Carpa Sonidero, que llegaba para satisfacer de pura gozadera a aquellos oídos ávidos de encontrar en el festival propuestas allegadas a la sabrosura guapachosa de la cumbia digital, coqueteos tropicales y fusiones calientes como las de Beat Buffet, todo ello con toques de electrónica de todos los exponentes de aquella edición.
Los quince años del vive culminan en la multiplicidad musical de latitud a latitud, la personalidad del festival se multiplica por cada uno de los gustos que prevalecen en nuestro país, nuevos sonidos emergen y otros se suspenden hasta desempolvarlos y ser reunidos en un solo lugar.
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#BANDTOFOLLOW
VL: NO TODO SON LOS HEADLINERS Mirna Torres // @MirnaTF
Un año más para el Vive Latino, una serie de conciertos más, más memorias por crear y un sin fin de sucesos que recordar. Los XV años del festival han llegado y con esto una gran cantidad de bandas que se repartirán los escenarios durante 4 días. 10
Está de más mencionar a los headliners, que seguro más de uno los aprueba o desaprueba. Pero por ahora sólo quiero mencionar a algunas de las bandas mexicanas que estarán en ésta edición del Vive latino y que si llegan temprano no pueden dejar de escuchar:
Carmen Costa: Country, Rock, Folk y 4 chicos defeños dando voz y música a sus instrumentos estarán en la Carpa Intolerante el próximo 29 de marzo a las 21 horas. Quizá no sea la banda más arriesgada musicalmente pero sin duda es una de las cuales vale la pena escuchar en vivo.
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Radaid: Visitantes de Guadalajara llegan con una fusión de instrumentos y música del medio oriente dándole un toque de rock para crear Radaid. 4 producciones y la voz femenina que podría caer en aires oscuros-góticos… escuchen su propuesta y visiten el domingo 30 de marzo la Carpa Rockampeonato a las 22:00 horas. Juan Soto: Visiten el escenario Gozadera Dancing Club Doritos el jueves 27 de marzo (17:00 horas) para bailar un poco del house combinado con funk que crea con sus tornamesas Juan Soto, quien además de ser Dj y productor forma parte de Moon Runner. Déjate llevar, el solo quiere compartirte su buena vibra y hacerte bailar mientras ríes. Caloncho: Ya hemos hablado de él anteriormente, originario de Sonora pero criado en Guadalajara, Oscar Castro, ahora Caloncho, con suerte nos hará tener el mejor atardecer con sus melodías. La oportunidad perfecta para sacarlo de la playa para llevar sus temas llenos de
colores, frutas y amores a la Carpa Intolerante del Vive Latino al caer el sol. (Viernes 28 de marzo a las 18:20 horas) Ceci Bastida: Ah Ceci ya la hemos escuchado antes con Tijuana No, años después se hizo parte del equipo de Julieta Venegas, para al final convertirse en solista. Ahora Ceci nos canta canciones que seguro te recuerdan a esa persona, deseada o no, una buena fusión de música que te llevará a cantar y bailar un poco de pop combinado con su estilo particular de voz durante 40 minutos en la Carpa Intolerante (29 marzo). Clubz: Los encargados de inaugurar la Carpa Intolerante del último día del VL14 (domingo 30 de marzo) son los regimontanos Orlando y Coco, quienes sorprendieron a todos como teloneros de Cults y DIsclosure, hicieron una gran fiesta el 14 de febrero en el Imperial (D.F.) y ahora van por su primer VL. ¿Quieres bailar? ellos son la perfecta opción para despertar cada mañana fresco y de buen humor, solo basta mover el pie y dejarte llevar por su letras y música que parece ser sacada de una disco no existente en el 2014.
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#URL COLUMNAS
HÁGANLO USTEDES MISMOS Por Yiru /// @Yiruim
Mucho se presume de que México tiene una escena musical de las mas interesantes y con el mas alto potencial de ser cuna de los mejores actos y bandas en vivo de los próximos años, en Europa y en el gabacho están muy interesados en lo que pasa en el país, sónicamente hablando lo que está pasando en el under (me caga la palabra “under”) es una amalgama de todo, no solo música, de todo lo que rodea el cada vez mas basto entorno de esta generación, películas, libros, moda, actitudes, y claro, todo lo que sucede en el mainstrem (me caga la palabra mainstream). Todo se va a la mierda cuando existe el fenómeno “Tu banda toca muy cabrón, mejor no te invito a la tocada que ando armando porque chance y opacas a mi banda”, esa envidia que por alguna extraña razón existe en muchísimas bandas y personas de lo que se supone debería ser una escena donde todos estén colaborando, armando tocadas, armando canciones entre bandas, echar desmadre, sacar la peda no necesariamente en un show, simplemente convivir, obviamente no siempre se van a caer bien todas las personas con las que se desarrolla una escena, siempre va a existir esa fricción entre personas, es natural, tenemos ideas y procesos de trabajo muy distintos, pero muchos pierden el suelo y se convierten en seres que solo vomitan mierda cuando su banda empieza a levantar un poco el vuelo, o peor aun, cuando la banda de al lado está despegando, lo que estos seres suelen hacer (esto lo puedo decir de primera mano, ya que tuve una desafortunada experiencia con un baterista de una banda a la cual no mencionaré)
es tratar de poner el pie a la otra banda, hablar mal de ellos, hacer un montón de jugarretas y berrinches de niño de 3 años, y estos no son casos aislados, apuesto lo que sea a que tu conoces a alguien así, ¿Qué es lo que se gana al tirar mierda a una banda que está en el mismo camino que Tú? En fin, estas pocas líneas de texto es para decirles que no sean tan soberbios, si una banda es buena y se quiere mover, quiere colarse en mas lugares, no lo tomen como un acto egoísta, tómenlo como un apoyo a la escena, si mas gente escucha una banda con la que has compartido escenario, pues que mejor, convivan entre bandas, armen tocadas, están surgiendo colectivos en la ciudad los cuales están armando giras en el país, si lo que hacen lo hacen por amor, no es necesario menospreciar el trabajo de alguien que tiene la misma actitud; a menos de que sean esas bandas apadrinadas que pueden cubrir toda la payola para ser una “voz generacional” no es necesario tirar mierda. Basta de mamar tanta FM payoleada, basta de tomar como referencia a Molotov como una banda contestataria, basta de creer que Zoé es una voz generacional, es entretenimiento hueco, es una formula que se ha repetido durante décadas, mas música y bandas honestas, mas tocadas auto gestionadas, mas colectivos, mas amigos que compartan el amor de crear, mas D.I.Y. colectivo.
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#URL REVIEWS
LEGO LA PELÍCULA Nathaly Soto // @Nath_Wonka De los directores de “Lluvia de Albóndigas” llega Lego la película, un filme animado en 3D que cuenta la historia de una ciudad “perfecta” llena de reglas precisas creadas para que los habitantes puedan despertarse con buen humor, trabajar con eficiencia y, en resumidas cuentas, ser feliz. Así es como en la Ciudad de Lego todo es increíble, o al menos eso parece… Un día Emet, un ordinario constructor es confundido con un “Maestro Constructor” que, según la profecía, salvará a la Ciudad de Lego de las malvadas garras de su gobernante quien planea destruirla por completo con una poderosa arma: El pegamento. Emet no está solo en esta encomienda de salvar al mundo, tiene un equipo de super héroes de primer nivel como un dark batman y un superman que lo ayudarán a sacar al “Maestro Constructor” que todos esperan que lleve dentro. Sin duda alguna este filme traerá muchos recuerdos y referentes a los amantes de Lego. Las ciudades, colecciones, personajes y su stop motion, hacen de esta película una de los mejores filmes animados que he visto en los últimos años. Lego es un claro ejemplo de adaptación al cambio a través de los años, absolutamente todos hemos oído hablar de sus bloques, hemos jugado con ellos, o visto a alguien armar impresionantes ciudades, animales, naves, etc. Con un humor muy simple, con el que no dejarás de reír, esta película es disfrutada por niños y adultos por igual, además, se rumora que debido al éxito rotundo de esta entrega en 2017 podremos ver la segunda parte. Una vez que la vean me cuentan si es que no salen cantando la canción moviendo la cabeza de un lado a otro o, en su defecto, sientiéndose “Maestros Constructores” creyéndose capaces de hacer una mega obra de arte con puras piezas de Lego, o ambas. Recuerden que en la Ciudad de Lego “Todo es Increíble”
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LA SITUACIÓN ACTUAL DE NINTENDO Sayl // @JoystickCloud Dios (suponiendo que exista) sabe bien que no quiero tener que decir lo que voy a decir, pero también sabe que prefiero de largo encarar la dura realidad a vendarme los ojos. Nintendo esta mal para nadie es un secreto, perdidas millonarias, recortes escandalosos, acaudalados inversores junto a sus cuentas bancarias suizas molestos e irritables, el puesto de Iwata tiembla, se oyen todo tipo de rumores, Mario en smartphone, Mario en Third Parties, típicos chismes de pasillos colegiales, universitarios o laborales. Lo cierto es que un cambio se aproxima a velocidad vertiginosa, un cambio importante. La apuesta de Wii U fue, desde su concepción muy temeraria. El único argumento que lo sostenía era el apabullante (e inesperado) éxito de Wii que arraso cualquier previsión, competidores o gráficos HD posibles. Pero Wii surgió en un momento muy distinto al actual, la Era de la Tecnología se mueve a velocidad del sonido, demuestra un avance implacable e incesante que exige capacidades adaptativas muy altas y no siente clemencia contra parsimoniosos. Cuando Wii salió (2006) los smartphones no eran más que un lujo elitesco, un prototipo, un proyecto a futuro exclusivo de grandes compañías. Acertados estudios ejecutados por Nintendo demostró la existencia de un enorme mercado casual que no dudaría en caer rendido ante un producto que satisficiera sus impredecibles necesidades lúcidas, urgidos de ingresos tras la debacle de Gamecube decidieron apuntar a ese
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complicado target. El numerito de sacrificar potencia en pos de innovación no pudo salir mejor, Wii y su revolucionario control triunfó por ahí donde pasó, el impacto visual era sustancial, no había nada siquiera similar al Wiimote, seducía al público casual con la posibilidad de eliminar esas barrigas plácidas desde la comodidad de sus casa y encima jugando (vamos, el Santo Grial del ciudadano común: lograr una figura de infarto ejercitándose desde el sofá), todo esto sumado a la inexistencia de competidores directos dio como resultado al fenómeno Wii. Si tenemos esto en cuenta, no entiendo cómo dieron visto bueno al lanzamiento de Wii U. No había manera posible de emular siquiera un éxito similar al de Wii en los tiempos actuales. Sí, Nintendo logró introducir una buena parte de jugadores casuales a la industria mediante sus consolas, pero la explosión de smartphones, proliferación de la Appstore/tiendas online con ingente cantidad de aplicaciones (juegos) gratuitos descargables, el iPhone y finalmente el iPad dieron un golpe sobre la mesa tan contundente que no había nada que nuestra industria pudiese hacer para contrarrestarlo. Apple atrajo a toda la comunidad casual como moscas hacia la luz. Los padres prefirieron comprar iPads a sus hijos porque a la postre salen más baratos y resultan mucho más versátiles que cualquier consola de videojuegos. Por lo cual me pregunto ¿Cómo es posible que no se dieran cuenta de algo tan obvio?
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¿Demasiado confiados de su marca quizá? Sea como fuese, aún ante este panorama tan desalentador decidieron lanzar Wii U apuntando al mercado casual claramente, porque el hardcore ya lo habían perdido hace tiempo y Wii U no era el paso para recuperaros. La apuesta de Wii U resulta verdaderamente innovadora dentro de nuestro ámbito, pero el simple hecho de parecerse al iPad le restaba interés dentro de los devotos a Apple (media población mundial). Por lo cual actualmente el pan que cena Iwata esta noche lo compra con ganancias del 3Ds (que también comenzó mal por cierto, solo que supo reponerse), pero Wii U no levanta cabeza y no lo va a hacer ni con Smash Bros, Zelda HD, Bayonetta 2, o lo que venga. Es momento de flexibilizar un poco las políticas de la compañía, es momento de cambiar de presidente, momento de lanzarse al mercado online: Free to Play y smartphone (pero medido, manteniendo siempre la calidad que los caracteriza), momento de actualizarse tecnológicamente, trabajar nuevamente en función de recuperar el favor del jugador hardcore o lo que quieran, pero cambiar. Wii U durará un poco más porque tiene juegos importantes ya en desarrollo, pero su fracaso está ya (lamentablemente) anunciado. Fue una gran idea con muchas posibilidades de renovar nuestras vetustas tradiciones videojueguiles, pero desgraciadamente mal ejecutada y condenada al escarnio en un mundo donde prima la visión sobre la función.
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#URL DEPORTES SOCHI 14: UN INVIERNO MUY CANDENTE Gabriel Torres / @jgtorresa El pasado mes de febrero se llevaron a cabo los Juegos Olímpicos de Invierno en la localidad rusa de Sochi, un evento que contrastó con las bajas temperaturas ambientales, ya que la polémica, el drama, y las emociones se encendieron conforme pasaron los días, dejando un sinfín de impresiones, las cuales dejaron a los organizadores con un agradable sabor de boca. Al inicio del evento la infraestructura hotelera arrojó varias quejas, por la condición de las obras, algunas de las cuales se entregaron en precarias condiciones (no faltó el chistoso que dijera que Calzada de Tlalpan ofrecía más opciones hoteleras que Sochi). No sólo la prensa se deshizo en críticas corrosivas a los organizadores, algunos atletas usaron las redes sociales para evidenciar los fallos en la hospitalidad. Pero eso no fue la nota negativa del evento, la cual se la llevó la policía de Sochi, al reprimir, ante la vista de todos, a integrantes del grupo Pussy Riot. Inclusive el Comité Olímpico Internacional (COI) le llamó la atención a los organizadores, señalando que este tipo de acciones policiacas atentan contra el espíritu olímpico. Pero a pesar de estas fallas, el evento se llevó las palmas de atletas, prensa, autoridades y público en general, el cual no perdió detalle de lo que ocurría en Rusia, pese a que en algunos países La cobertura no fue tan difundida. En el aspecto deportivo, Rusia fue la gran ganadora del evento, al llevarse 33 medallas, de las cuales 13 fueron de oro, 11 de plata y 9 de bronce, lo que les dejó la mejor actuación en la historia del evento, inclusive cuando aún era parte de la URSS. Uno de los momentos en los que Rusia se robó el corazón de la afición fue en el patinaje artístico, donde el dominio de los locales fue avasallador. El ‘botín’ ruso inició con el triunfo en la nueva prueba por equipos, liderada por su estrella Evgeni Plushenko, que se convirtió en el segundo deportista de la historia en ganar cuatro medallas en esta modalidad. El equipo local cerró su actuación con la victoria inesperada de la adolescente Adelina Sotnikova, de sólo 17 años. El diario deportivo francés L’Equipe publicó al inicio de los juegos unas supuestas declaraciones de un “eminente entrenador ruso”, cubierto por el anonimato, sobre un “trueque (en las puntuaciones) con Estados Unidos”, algo que negaron ambos países.
Pero la medalla que le dolió más a los rusos no ganar fue la del hockey masculino. Han pasado 22 años desde que Rusia logró un metal es esta especialidad, y al menos tendrán que esperar cuatro más ya que el cuadro ruso quedó eliminado a manos de Finlandia, medallista de bronce. Canadá con el oro y Suecia con la plata completaron un podio del cual Estados Unidos fue bajado paulatinamente. Los conflictos mundiales no pudieron estar apartados de la justa invernal. Con su país al borde de una guerra civil, el equipo femenino de biatlón de Ucrania logró la medalla de oro en la prueba por relevos, victoria que las atletas dedicaron a las víctimas del conflicto sangriento que vive la nación europea. El presidente del Comité Olímpico Ucraniano, el legendario saltador de pértiga Sergey Bubka, aseguró que la victoria podía ayudar a fomentar la unión de su pueblo y llevar la paz tras varios días de enfrentamientos sangrientos entre las fuerzas de seguridad y los opositores al régimen. Una de las historias que entraron al libro de las leyendas fue la del noruego Ole Einar Bjoerndalen dejó atrás en el medallero histórico a su compatriota Bjoern Daehlie, considerado el mejor fondista de la historia, para convertirse en el deportista con más preseas en los Juegos de Invierno (13). El biatleta ganó en Sochi el oro en el primer día de los Juegos y sumó un nuevo título en el relevo mixto. A sus 40 años el noruego anunció su retiro y será parte del Comité Olímpico Internacional. Otro momento histórico lo protagonizaron la eslovena Tina Maze y la suiza Dominique Gisin, quienes se colgaron el oro en la prueba del descenso femenino del esquí alpino al cubrir la bajada en la sede de Rosa Khutor, de 2,7 km de recorrido, en el mismo tiempo (1:42.57). Por primera vez en la historia olímpica, dos esquiadoras compartieron el peldaño más alto del podio. Sochi 2014 tuvo un saldo blanco en cuanto a lesiones importantes se refiere, la rusa Maria Komissarova fue la única atleta que tuvo un percance de gravedad en estos juegos cuando se frácturó la columna durante un entrenamiento de skycross. Es así como la historia en territorio ruso se escribió, cerrando un capítulo más, y esperando el siguiente, el cual se llevará a cabo en Pyongyang, Corea del Norte, en lo que se vislumbran como unos Juegos que buscarán que el espíritu olímpico se impongan a los conflictos ideológicos y que en 15 días al menos el mundo conviva en paz con el deporte como detonador.
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WARPAINT WARPAINT
Samuel Nava // @stupidtobegin Obscuro, melancólico, sentimental hasta el tope, así es Warpaint, disco en el que se da suma importancia a las atmósferas creadas en base a sonidos más bien atmosféricos, e interesantes percusiones que dan un sentido volátil a este, el segundo material del cuarteto de chicas de Los Ángeles que sorprendieron en 2010 con The Fool. Basta con escuchar el comienzo del álbum para saber qué esperar del todo: en Intro, se demuestra que con percusión y los sonidos de ambiente, son suficientes para armar una canción. Los tracks siguientes se vuelven más complejos. En Keep In Healty se explota más la melodía que contrasta con la voz de Emily Kokal. Después viene Love is to Die, primer corte que conocimos de este nuevo material y que es uno de los temas más importantes de Warpaint. espués viene Hi en la que se exalta el valor de la sencillez de sonido, una sencillez que en temas como Biggy, corre a cargo de la melodía que dispara
Del sintetizador. En Tesse se apuesta por la armonía vocal, donde los cantos hipnóticos, casi soñolientos, se convierten en seductores voces a la hora del coro. DiscoVery es un tema con un color distinto al del resto del disco. En él se distinguen vitalidad y emoción; rítmicamente tiene más movimiento, aunque, en el fondo, la melodía sigue la línea del disco. Go In es volver a la melodía dulce y obscura, salpicada con sintetizadores y las pasivas voces sobre ella. Felling Right, CC, Drive y Son conforman los últimos temas del álbum y cada uno es otro ejemplo claro de cómo hacer una canción obscura y dulce a la vez, melancólica con tintes de luminosidad; esa es la fórmula que la banda se encargó de desarrollar a lo largo de los doce temas y ahí radica la virtud -¿o será debilidad?- de este disco.
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DUM DUM GIRLS TOO TRUE
Iveth Laguna // @trixivie Dum Dum Girs es una banda originaria de Los Angeles, California, formada apenas en 2008 y que ahora presentan su tercer álbum de estudio: Too true. Comenzó siendo un proyecto de la vocalista Dee Dee Penny, seudónimo que utiliza Kristin Gundred, vocalista y encargada de escribir las canciones. Complementando la alineación actual, están Jules (guitarra), Sandy (batería) y Maria (bajo), todas aportando voces adicionales y coros. Too True comienza energéticamente con la canción Cult Of Love, de las diez canciones, es la que tiene el ritmo con mayores reminiscencias de una época anterior. Todo el disco suena un poco a música disco combinada efectivamente con un rock pop producido de buena manera, con una base rítmica apoyada en guitarra y batería. Es interesante sentir en la misma canción una energía desbordante que va dando paso a algo un poco melancólico y fantasmal, como es el
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caso de la canción Rimbaud Eyes. Al contrario de Are You Ok? que comienza más tranquila, sólo con guitarra y poco a poco el ritmo que termina por caracterizar a este disco, se va acoplando. Cada canción tiene un rango emocional que no puede ser definido como alegre, pero tampoco son canciones tristes. Por breves momentos, la música de Dum Dum Girls trae recuerdos de agrupaciones como Bauhaus, Siouxsie and the Banshees o The La’s, pero con una fuerza y fiereza, gracias en parte a la voz de la vocalista, Dee Dee Penny quien muestra destreza al momento de entonar y llevar cada frase de las canciones, a un nivel de mayor emotividad. Too True es un disco entretenido, que aunque recuerda a otras bandas, agrada por sí mismo y lleva al escucha por un viaje en donde la euforia y la nostalgia se ven entrelazados, teniendo un agradable final.
MOGWAI RAVE TAPES
BECK
El Jimmy Lurias
Alfonso Saldaña // @pooonch
La última vez que Mogwai, lanzo un sólido material fue en 2011, con un título súmamente atractivo “Hardcore Will Never Die, But You Will”. Para este 2014, “Rave Tapes”, mágicamente vuelve para dar un paso en la evolución sonora de la banda. En lugar de post-rock con agudos sintetizadores, “Rave Tapes” suena como una mezcolanza de bandas como Air y Explosions in the Sky. El track abridor “ Heard About You Last Night “, a consideración mía, uno de los mejores temas del álbum, una pieza elegante y conmovedora, aunado a un trabajo de guitarra impecable. La pista nunca explota en aburrición, sino que florece con una imponente vitalidad con teclados.
Beck es un músico nacido en la ciudad de Los Ángeles, en la década de los 70´s. Su carrera musical inició a finales de 1988, donde grabó un álbum, Banjo Story, con influencias de varios géneros que van desde el folk, blues, pop y jazz. Fue un adolescente que no estaba interesado en los estudios académicos. Se dedico a viajar por Europa sin lograr éxito alguno, finalmente decide regresar a Nueva York para reencontrar su camino musical en busca del éxito.
MORNING PHASE
“MasterCard” es el track rockero más directo y más corto de todo el álbum, “Hexon Bogon” tiene algo de trabajo con una guitarra absolutamente brillante que es responsable de atraer por completo al oyente. Sintetizadores y teclados sombríos constituyen la base para “ Simon Ferocious “ (junto con el fantástico tamboleo de Martin Bulloch ) . “Remurdered” es el mejor ejemplo de lo bien que Mogwai puede utilizar sintetizadores. En un estado de meditación, las voces en “Blues Hour”, son tan intrascendentes que no añaden nada a la canción. La pista sólo es verdaderamente frustrante. En” Repelish “, instrumentalmente, es una de las mejores piezas del álbum. Un monólogo se posiciona a lo largo de la pista, una meditación extenuante sobre Led Zeppelin “Stairway to Heaven” y el supuesto mensaje satánico. Teniendo en cuenta su trabajo en la música de cine y el sonido de “Hardcore Will Never Die” , “Rave Tapes” parece ser una progresión natural de la banda. Aunque no es perfecto, muestra una banda cómoda en la expansión de su sonido.
Con 26 años de carrera musical y 11 álbumes de estudio, en este 2014 Beck nos trae su más reciente material titulado Morning Phase, el primer sencillo de es Blue Moon y posteriormente Waking Light, dos canciones inmensamente llenas de emociones y armonías que conjuntan dos excelentes temas. Para iniciar el ciclo y viaje musical de Morning Phase, tenemos una introducción bastante armoniosa, de lo más ligera para el oído, acompañada de sonidos acústicos. El disco incluye 13 tracks, que deben ser escuchados con detalle para encontrar esa afinidad en cada uno. Considerado como la mitad complementaria del álbum Sea Change (2002), por tener similitudes en cuanto a géneros y estilos, Morning Phase nos viene a mostrar esa parte de Beck, que durante el proceso de grabación de este disco expresa partes importantes de su vida después de estar inactivo por un problema de columna, ahora nos regala estas excelentes “Fases de la Mañana” inmersas en los sentimientos profundos al escuchar de principio a fin este álbum.
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MAJOR LAZER BROKEN BELLS APOCALYPSE SOON EP AFTER DISCO Alberto Granados
Selene Victores // @selene_vic_su
El hype en la música electrónica que tiene el Trap y el Moombathon ataca de nuevo con este EP que incluye 5 canciones con las colaboraciones de Pharrell Williams, Sean Paul, e incluso Toy Selectah, miembro firmado por Mad Decent.
En este inicio del 2014 regresa Broken bells para ofrecernos su segundo disco, acompañado de una campaña de publicidad más agresiva. A pesar de que la banda tiene una corta carrera musical, sus integrantes tienen más historia que compartir y así lo hacen en “After disco”.
Apocalypse Soon no tiene similitud a los álbumes anteriores de esta dupla, siendo aburrido en su mayoría, “Come to me” y “Express yourself” son las únicas dos canciones que mantienen el sonido que los caracterizó en todas las pistas y clubs, “Aerosol can” en colaboración con Pharrell Williams es una canción monótona, repetitiva y aburrida. “Dale así” en donde colabora Toy Selectah, tiene un sonido y letras brutos de reggaetón, completamente contrastante con lo que habíamos escuchado y es que aunque muchos cataloguen el sonido de esta dupla muy similar a, nada tiene que ver. Al parecer se les ha terminado la imaginación a Diplo y Switch, seguiremos bailando con las grandes canciones de sus discos anteriores esperando en el camino otro álbum y que Diplo pueda recomponer el camino con lo que nos tiene acostumbrados a “Twerkear”.
Después de casi cuatro años regresa Brian Burton, mejor conocido en el mundo indie como “Danger Mouse”, quien tuvo colaboraciones con CeeLo Green en el proyecto de Gnarls Barkley y James Mercer quien perteneció a The Shins, para mezclar sonidos que en conjunto representan de los mejores ejemplos de la música contemporánea. Su primer video “Holding on For life” es de las canciones que predominan en el disco, en el resto de este LP se encontrarán buenas mezclas de sonidos que conservan un particular ritmo que no suena de todo Indie rock, sino una combinación que traen este par, con los teclados, sintetizadores y sonidos digitales, composiciones que evitan caer en lo repetitivo o un viejo sonido rutinario de la banda. Probablemente este sea un proyecto que logre trascen der para este dúo americano ya que ha sabido aprovechar la combinación de los elementos que tienen en sus individuales experiencias musicales.
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