Mayo 2012 by URL Magazine

DIRECTORIO MAGAZINE MAYO 2012

Francisco Pérez Mejía “Frasko” Editor en Jefe y RRPP frasko@urlmagazine.com.mx Twitter: @Fraskote

CONTENIDOS ENCORE 06 08 09 10 15

Los Juegos del Hambre Zona Maco Ian Curtis Sonidos y Criaturas Escocesas La Reunión, ¿Desintegración de Blur?

FEATURES 19 Races 32 Molotov

Sergio Hernández Juárez Dir. Marketing y Comercial sergio@urlmagazine.com.mx Twitter: @sergio810511

Rafa Ledesma Dir. Arte/WebMaster rafa@urlmagazine.com.mx Corrección de Estilo Erika Anallely María Cristerna Francisco Pérez “Frasko”.

Publicación de Eventos Pimienthas pimienthas@urlmagazine.com.mx

Diseño Sergio Hernández Juárez Octavio Gaviño Rafa Ledesma (Web)

Colaboradores: Frasko Joel Hernández Luis Meixueiro Mich Martínez Mirna Torres Nathaly Soto Pamela Ascencio Patricia Cano Samuel Nava Martínez Selene Tajín Sergio Hernández Shanick Barker Yiruim

United Rock League es una publicación digital mensual con domicilio en Gabriel Mancera 247 Int. 501, Del Benito Juárez. Prohíbido la reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso de los editores. El contenido y Colaboraciones son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

United Rock League Magazine 15 Mayo 2012 Ejemplar Gratuito

Queremos compartir nuestro festejo, ya que, como siempre lo decimos, todo el esfuerzo es hecho para ustedes, apreciables lectores. Como parte del aniversario, tendremos una fiesta inolvidable el día 2 de junio. Cualquiera que quiera asistir, podrá hacerlo con tan sólo enviar un correo. 2 años tal vez no sean tanto tiempo para algunos, pero para nosotros significan horas y horas de trabajo, aprendizaje, esfuerzo, lucha, persistencia, búsqueda. Es el periodo de tiempo en el que más de 30 personas han colaborado de manera directa e indirecta para darle vida, color, alma y cuerpo a URLM. El camino recorrido ha significado conocer gente, cómplices, grandes amistades que seguramente estarán mucho tiempo a nuestro lado. Sería irreal decir que no ha habido problemas, pero con la fuerza de la razón y los acuerdos entre los que hacemos posibles estas páginas, hemos logrado superar los obstáculos.

Quisiéramos escribirles todo el sentir de nuestros corazones, pero les compartimos nuestra felicidad como sólo nosotros sabemos, a través de las secciones Rock Sound, Encore y por supuesto, una de las más importantes y que ha dado distinción a la publicación: Band To Follow. Les decimos gracias, con la misma fuerza y determinación que buscamos un tercer año. Vamos por más, de la mano de ustedes lectores y de los valiosos colaboradores. Atentamente,

Junta Editorial @urlmagazine.

Blood Red Shoes In time To voices Por:Shanick Barker || @shanickbarker Últimamente la onda guitarra/batería se ha popularizado demasiado y consigo ha traído a bandas que, usando ese sencillo método han logrado cosas incomparables, tales como los ingleses de Blood Red Shoes, los cuales presentan su tercer disco bajo el nombre de “In Time To voices”.

Poliça Give You the Ghost Por: Mari Patti Cano || @MariPatti_ El 2011 fue un gran año en el mundo de la música. Salieron a la luz producciones discográficas esperadas con ansia, de bandas como The Black Keys, Foo Fighters o Kasabian.

The Futureheads Rant Por: Mich Martínez || @mixapalooza A primera vista, de este nuevo disco, me puse a pensar sobre lo que he llegado a escuchar de música acapela y, la verdad, no estaba tan entusiasmado. Debo admitir que, después de escucharlo a profundidad.

Candlebox Love Stories and Other Musings Por: RJ Frometa Sin duda, a través de los años, hay discos con un título que de alguna forma no hace justicia, o no encaja perfectamente con el contenido que dicho álbum trae consigo. En el caso de la nueva producción en cuatro años por los chicos de Candlebox, a simple vista, el nombre no tiene nada que ver con las canciones y demás en el disco.

Il Visore Lunatique es un banquete musical que al escuchar y cerrar los ojos mientras transcurren sus 36 minutos de duración, aparece en la mente una esquizofrénica puesta en escena que pareciera dirigida por Alfred Hitchcock y David Bowie, en la que un ballet encabezado por múltiples internos de un hospital psiquiátrico serían los protagonistas. Después de una espera de 5 años, Descartes a Kant regresa con un nuevo material discográfico, que dicho sea de paso y sin el afán de intrigar, es casi un hecho se posicionará como una de las mejores producciones del apocalíptico 2012 dentro de la escena nacional independiente. Con canciones poderosas plagadas de constantes cambios rítmicos, Descartes a Kant explota las múltiples influencias que rodean a sus integrantes, así como –valientemente-, incorpora sonidos provenientes de cada uno de los proyectos alternos de algunos de ellos.

Descartes a Kant Il Visore Lunatique Por: Francisco Pérez “Frasko” || @Fraskote

La inspiración base para el desarrollo lírico del álbum, fue la vida y obra de la autora Victoria Dickens. 10 temas relacionados con diferentes patologías mentales son el resultado de la pesquisa literaria que la banda realizó para Il Visore Lunatique. “La Belle Indiference”, “The Robbery” y “Bluish” son canciones sumamente contrastantes entre ellas mismas. Pareciera que el disco es un recopilado de varias bandas que tocan jazz, garage, punk, hardcore y más. Los cambios drásticos en las escalas rítmicas siguen tan presentes como en su primer producción discográfica, con la gran diferencia de que se percibe madurez compositiva. Las variaciones son tan precisas como lo es el clic de un metrónomo. “Buy All My Dreams” es un sencillo majestuoso, que nos recuerda y reafirma porque la música de Descartes a Kant ha sido catalogada como bipolar esquizoide. Il Visore Lunatique suena como si la muñeca que aparece en la portada del Paper Dolls hubiera consumido cantidades industriales de LSD después de haber terminado una relación sentimental de más o menos 8 años de duración y, posteriormente 10 meses de rehabilitación en Oceánica con un par de recaídas en el camino.

Bear In Heaven I Love You, It’s Cool Por: Mirna Torres || @MirnaTF

Después de ya casi un mes del estreno de su tercer disco (I Love You, It’s Cool) de la banda neoyorquina Bear In Heaven, pude escucharlo con calma a pesar de las criticas que había escuchado entorno a éste.

El álbum ha sido catalogado como un rock psicodélico (aunque a mi parecer no entrarían en esa clasificación), contiene más bien canciones para aplicar el “dancefloor”. Un disco producido por David Wrench y Jon Philpot, en el que encontraremos diez temas no tan ágilmente seleccionados.

La banda sigue creciendo, aunque no a pasos agigantados. Se nota la influencia de la música de aquellos años 80’s en los efectos que se asoman en cada canción. Sintetizadores bien trabajados, sonidos limpios, aunque no siempre usando la mejor ejecución. Mi favorita: “Noon Moon”, aún no sé exactamente el porqué, sólo que fue hasta después de esa canción cuando empecé a perder el interés por el disco. Disco que no se queda entre los favoritos, bueno para escuchar, pero tal vez no de principio a fin. Aunque eso no le quita que le den la oportunidad de ser escuchado.

IAMDYNAMITE SUPERMEGAFANTASTIC Por: RJ Frometa

¿Alguna vez te has preguntado que sucedería si The Black Keys y The White Stripes tuviera un hijo? De seguro sería algo explosivo, ¿no? Al escuchar IAMDYNAMITE resultan bien sospechosas las similitudes, la idea ya no parece una broma sino algo real y serio, tanto que a muchos incluso le dé incluso miedo, pero al mismo tiempo damos gracias al Creador por darnos al maravilloso hijo. Estos dos chicos son simplemente geniales, con un sonido que combina más a The Black Keys aunque prestando atención, se puede diferenciar ese sonido increíble de The White Stripes.

Todo esto se puede apreciar en su última producción SUPERMEGAFANTASTIC, nombre que bien concuerda con el álbum. La diferencia entre cada canción son muy pocas, cada una es pegajosa y divertida, fácilmente te pondrá a bailar en cuestión de milisegundos, es poderoso y explosivo de una manera muy sencilla, pero explosiva al fin y al cabo. Canciones como “Where Will We Go” o “Hi Lo”, las cuales también son las dos canciones con la cual el disco empieza, son grandes ejemplos de lo emocionante y genial el resto del álbum y los chicos son. En conclusión, además de The Black Keys y The White Stripe, podremos encontrar algo de Kasabian y The Bravery. No queda nada más que decir que aquellos fiesteros, personas alegres, esos que se matan buscando una canción perfecta para una mega fiesta, bueno, he aquí sus muchachos.

The Shins Port Of Morrow Por: Pamela Ascencio || @Heywera

Miike Snow Happy To You Por: Joel Hernández || @Hero9105

La Sera Sees the light Por: Selene Tajín || @selene_tajín

Tal vez algunos apenas estemos familiarizándonos con esta banda que desde Albuquerque, a finales de los 90´s, vieron la luz y trajeron a este mundo, música que mis oídos han aceptado con la exquisita voz que James Mercer dispone. Port Of Morrow es su cuarto álbum de estudio grabado con la discográfica Aural Apothecary, del cual hemos conocido su más reciente single “Simple Song” del que, seguro no podrán dejar de corear después de haber ver su presentación vía streaming de Coachella 2012. Esta nueva producción mantiene una batería suave, se pueden escuchar riffs que le dan esa distorsión siempre necesaria al rock y un teclado que hace de las suyas en cada una de las canciones, sin duda sería el protagonista aunque la voz de Mercer, sigue dominando totalmente. “The Rifle´s Spiral” es quien da la bienvenida y vaya que la da muy bien, aunque esos sonidos espaciales aún estoy tratando de digerirlos. “It´s Only Life” suena muy exquisita, una de mis preferidas, junto con “Bait and Switch”, “Fora Fool” y “Port of Morrow”, para mí es el combo perfecto del disco. Si eres uno de los fans que esperaron esta producción después de su aclamado Wincing The Night Away, tu oído notará que sigue la esencia de Mercer, pero no de todo el grupo en general. Vaya, estás a punto de digerir un rock electro pop, un poco diferente a sus trabajos anteriores. Ojo, The Shins no se ablandó con estos nuevos ritmos que podemos escuchar, siguen teniendo esa sustancia para hacer música, un poco más movida y alegre. Diez canciones que traen un hype muy suave, la garantía de la voz de Mercer, básicos acordes que se encapsulan en una burbuja llena de color y vida. Una nueva etapa de The Shins que esperamos, perdure y nos muestre un siguiente disco tan vibrante como este.

¿Qué pensarían si les diera un disco de los cerebros detrás de la música de Britney Spears? ¿Lo escucharían? A decir verdad a mí no me daban muchas ganas de hacerlo, pero en mi opinión, no es tan mala experiencia. Hasta diría que fue un tanto agradable. El trío se dio a conocer en 2009 con un homónimo y un muy buen recibimiento. “Happy To You” es su segunda producción. La agrupación está conformada por el cantante estadounidense Andrew Wyatt y el par de productores suecos Christian Karlsson y Pontus Winnber, quienes también han sido encargados de producir algunos de los éxitos de Madonna, Kylie Minogue y de la antes mencionada Britney, entre otras estrellas del pop de ese estilo. Para los que no han escuchado la música de Miike Snow, pueden esperar un pop con una perspectiva electro “indie” (término que se ha venido usando últimamente y que seguramente no tengo la necesidad de explicar). Si bien “Happy To You” siguió por el mismo camino que su antecesor, al parecer el resultado no fue lo esperado si es que los comparamos. Ojo, no digo que el álbum sea malo, sino que durante las 10 canciones que se nos presentan el esquema es prácticamente el mismo, como si hubiera una base igual para las canciones. La producción expone un evidente exceso en el uso de sintetizadores y mezclas que cualquier DJ podría crear, generando un sonido que encuadra totalmente con la voz de Wyatt. No cabe duda que, sin el sustento de los nombres de Karlsson y Winnber, este proyecto no sería lo que es, y es que Miike Snow deja claro que el trabajo de este par de productores tienen la capacidad trabajar en cualquier ámbito y género musical que se propongan. Si bien no es el mejor álbum que se ha sacado a la venta últimamente, si cuenta con tracks que no deberían pasar desapercibidos como “Devil’s Work”, “Vase”, “Pretender” y “Paddling Out”, principalmente.

La banda neoyorkina La Sera , proyecto liderado por Katy Goodman, quien de forma paralela tiene su participación con el grupo Vivian Girls, decide lanzar su segundo disco a “Sees the light” mismo que incluye 10 temas llenos de dream pop con las reglas bien jugadas dentro del campo indie. La Sera marca temas con énfasis sentimental, con letras donde le canta al amor en su mayoría con despecho, distorsiones esporádicas con toques sesenteros aderezados con un poco de surf. “Sees the light” incluye dos únicos temas que muestran sonido con toques de punk-rock: “Please be my third eye” en forma personal, uno de los mejores temas del disco y sencillo del que se desprende un video girly, simple, en el que las protagonistas del grupo aparecen bailando y saliendo en búsqueda de diversión; otro tema que nos muestra el mismo tinte de ritmo es “Break my heart”. Para los últimos temas “How far we’ve come Now” y “Don´t stay” se pone un poco más melancólico, cerrando con estas canciones, las más tranquilas de todo el álbum. Con una voz dulce emitida detrás de esa chica pelirroja con apariencia tierna, donde en realidad se esconde una mujer con muchos ideales, con tatuajes en los antebrazos, aspira llevar el dream pop a nivel superior. Un álbum que no ofrece nuevos ritmos, sin embargo no deja de ser un disco disfrutable, esta banda conformada por mujeres, consiguen una buena mezcla de atracción para la mayoría del público que gusta de este género musical, que a la par añaden subjetivamente un cierto modo rudo en notas y lirica.

Por: Erick Castro // @ecastro Ritmos pegajosos, con toques suaves y beats bastante bailables. Son una buena mezcla de pop bien elaborado e interpretado a la perfección en el idioma inglés – Erick Castro, blogger.

¿Quiénes son?

¿Qué hay que saber?

Originarios de Monterrey, Husky es una banda que presenta a diferentes talentos de bandas que, en su época, dieron ciertos destellos en la escena nacional, tal es el caso de Lemons, banda que fuera apadrinada en primera instancia por José Madero (osea Pepe de PXNDX) y después se presentaran en un Vive Latino. AMP, de quienes se notaban grandes anchuras y después de presentar sus mejores materiales, desaparecieron dejando una incógnita sin resolver, ¿llegarían a las grandes ligas?. Y, Del Santo, banda que desapareciera a la par con la pobre escena regiomontana que se vive en la actualidad.

Se han presentado en los 2 festivales más importantes de Monterrey o, al menos, los que quedan. Dos apariciones en el Festival Nrmal y una en Hellow Fest, han sido, junto a varios show oppening’s a bandas de talla internacional como Mystery Jets, lo que ha llevado a estos chicos a prometer enserio. Música, música, música… “Weekend Lovers” es el primer EP publicado por la banda y está disponible en iTunes. Los sencillos o canciones más recomendables para alegrase el día y endulzarse el oído con Husky son “Can’t You Feel The Night”, “Miami” o “Loco Zone”.

Coco, Gus, Andrés, Orlando, Micky y Carlos son los integrantes oficiales y no oficiales del crew denominado We Are Husky.

Se recomienda subir el volumen lo más alto que le sea posible y preferentemente estar en una fiesta donde haya a su alcance buena actitud y una cantidad suficiente de alcohol para pasarla bastante, bastante bien, todo sin perder el control, porque tal vez, con un baile pueda usted tener suerte.

¿Qué tocan? Ritmos pegajosos, con toques suaves y beats bastante bailables. Son una buena mezcla de pop bien elaborado e interpretado a la perfección en el idioma inglés. Sus sencillos se han colocado con buena aceptación en los medios locales y la música que transmiten pone a bailar a chicas y chicos. (Regularmente a las chicas, eso es lo bonito del caso para los caballeros).

Así que no queda más que decirle… ¡Salud!

Por: Nathaly Soto @Nathwonka

Esta película, se basa en el primer libro de la trilogía que lleva el mismo nombre escrito por Suzanne Collis, autora también de Las Crónicas de Underland y que nada tiene que ver con la saga de Crepúsculo ni con Harry Potter, como muchos adolescentes esperan. Se trata de un gobierno -Capitol- que cuenta con 12 distritos. Cada uno de ellos debe sortear y enviar cada año a un hombre y una mujer de entre 12 y 18 años con el fin de hacerlos competir en una batalla a muerte televisada a nivel nacional, en la que sólo uno de los 24 participantes podrá sobrevivir convirtiéndose así en el ganador. Cada distrito tiene asigando un equipo que se encarga de entrenarlos, orientarlos y vestirlos a fin de presentarlos ante el público y que puedan llamar la atención de los patrocinadores quienes podrán enviarles cosas que faciliten su supervivencia. La protagonista Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), quien se ofrece a participar como tributo para salvar a su hermana que ha sido seleccionada al azar, es trasladada al Capitol junto a Peeta Mellark (Josh Hutcherson), el hombre elegido en su mismo sector, el más pobre por cierto.

Esta película es la versión nueva, nice y tecnológica de Battle Royal, película japonesa dirigida por Kinji Fukasaku en donde, al igual que en Los Juegos del Hambre, el gobierno a manera de opresión manda a los chicos de un salón de clases a una isla en la que tendrán que luchar entre ellos durante tres días hasta que sólo quede un superviviente. En caso de que, al terminar el plazo, quede más de una persona viva, entonces todos morirán al estallar el collar que les fue colocado en el cuello. Hunger Games también hace uso de recursos utilizados en la película The Truman Show, en donde los productores manejan los días y las noches a su antojo, pueden aparecer de la nada un árbol, un perro o incluso generar un incendio. La película es entretenida, el final deja mucho que desear, supongo que es porque vendrán otras dos secuelas. Aún así, una parte rescatable es que nos deja pensando en la situación social actual cuando se aborda el tema de los Reality Shows, y es que si nadie se tomara el tiempo para ver esa competencia, tal vez no existiría y ellos no tendrían porque morir. Esperaremos la secuela Catching Fire prevista para el 22 de Noviembre del 2013.

Carlos Garaicoa

n el mes de abril llega a la Ciudad de México un evento muy importante para el arte contemporáneo: Zona Maco. Se reúnen 95 galerías de 19 países, representando a más de 900 artistas de diferentes disciplinas. Entre ellos, encontramos a fotógrafos reconocidos.

Por: Mirna Torres // @MirnaTF

Quienes destacaron por sus premios fueron: Adela Goldbard, a quién se le otorgó el “premio Centenario” en el área de fotografía, otorgado a artistas emergentes. Y Carlos Garaicoa por “artista de carrera media”. Ambos, fotógrafos que han tenido un importante crecimiento dentro de su carrera. Adela Goldbard cuenta con exposiciones de manera individual y colectiva en varios países, además de publicaciones en libros y revistas. La técnica usada por ella consiste en el contraste de colores, además del uso de panorámicas, todo combinado con la naturaleza. Hablando específicamente de la serie de fotografías que llevan por título “Fictions” (con la cual se hizo ganadora), nos muestra objetos dentro de una descontextualización para crear una deconstrucción de éstos, creando imágenes panorámicas. Es una intervención del paisaje y de la documentación fotográfica de dichas intervenciones. Basta con observar esta serie de fotografías para absorber de inmediato la calidad visual convertida en simbolismos que nos ofrece la fotógrafa. Ella misma definió su obra: “Mi obra se nutre en gran medida de la ficción: las fantasías, la literatura, lo imposible y lo increíble”.

Adela Goldbard

Por otro lado, Carlos Garaicoa, además de la fotografía, su obra abarca el dibujo, grabado, video, intervenciones y performance en lugares públicos. Garaicoa tiene una clara visión y la plasma en sus obras poniendo como objetivo hacer ver el fracaso de los programas de rehabilitación arquitectónica en su natal Cuba (siempre con la utilización de diferentes técnicas). Además en sus fotografías, podemos ver como existe una cierta mofa a la imagen conceptual e imparcialidades formadas en sus construcciones al usar objetos “precarios”. Para hacerse acreedores a dicho reconocimiento por parte de esta edición de Zona Maco, los fotógrafos fueron tomados en cuenta por la importancia de la idea dentro de su obra, la relación precio-obra, correcta ejecución física, lograr una congruencia entre el concepto y la ejecución, y por lo tanto, una contribución del artista al mundo del arte. En si, que existiera un equilibrio entre todos los puntos anteriores. Ellos no fueron los únicos expositores, vale la pena checar un poco de los demás presentes en la exposición de Zona Maco, para así conocer un poco más del arte fotográfico que se hace en diferentes países.

Por: Samuel Nava Martínez iucho se ha hablado sobre el recurrido hecho de venerar al artista en lugar de a su obra. Esto convierte al artista en algo más allá, en el objeto de culto, dejando en segundo termino la obra, en este caso, la música, la lirica. ¿Pero qué pasa cuando la obra no hace mas que reflejar su propio ser? ¿Es injusto entonces celebrar al hombre y no la obra? ¿Adorar al hombre no significa, implícitamente, adorar también su legado? El 18 de Mayo de 1980, con apenas 23 años pero una intensa vida a cuestas, en la que se encontraban un matrimonio muy joven, una hija producto de este, una enfermedad crónica como la epilepsia y una banda cuyo máximo potencial estaba por explotar, Ian Curtis, vocalista de Joy Division decidió poner fin a su existencia. Esa fecha, a unos días de salir de gira a los Estados Unidos, una gira que transformaría sus carreras, Ian, se encontraba solo en casa y con un montón de cosas en la cabeza, entre ellas la recurrente petición de su esposa Deborah Woodruff de divorciarse, su enfermedad cada vez mas difícil de sobrellevar y la constante presión que le inyectaba la banda. Miró Stroszek, de Werner Herzog, escuchó The Idiot de su adorado Iggy Pop. Al día siguiente fue encontrado muerto.

Semanas antes, Curtis había intentado suicidarse ingiriendo una sobredosis de medicamentos. Según retrata el documental Joy Division, grabado durante 2007 por Grant Gee, al notificarse a los miembros de la banda de su muerte, lo que se escuchaba era “Ian lo ha logrado esta vez”. A nadie le sorprendió que se haya suicidado. Lo sorprendente fue que lo volviera a intentar. Joy Division, la legendaria banda de Manchester, que fue (y sigue siendo) una banda de las más influyentes en la historia del rock, cuyo enigma y obscuro poder de atracción se debía en gran medida a esa voz grave encargada de cantar al desorden, al caos, al vacío, a la destrucción. Una voz que se encargaba de hacer participe de sus propias visiones a un público que hacia las veces de adoradores del personaje al frente de la banda más representativa del llamado post-punk. Letras que reflejaban la parte decadente en la música, en el tiempo en que la vieja Inglaterra estaba herida y no ofrecía gran cosa a su gente. La ciudad de Manchester, que en los setenta fungía como caldo de cultivo, fue la encargada de forjar ese sentimiento de vacío, de soledad que dio origen al surgimiento de múltiples bandas de punk. Pero ellos lo llevaron más allá. Con Curtis dentro del grupo, no podía ser diferente. De carácter cambiante, mostraba siempre el lado cordial y amable, sin embargo no era difícil verlo explotar e irse encima de los demás, según describe Bernard Sumner. Nunca consumió alguna droga. El trance en que se encontraba durante sus shows, la forma frenética de bailar era inducida por la música. Se transportaba a otro mundo; las presentaciones cumplían con un solo objetivo: “impresionar al público”, dice Peter Hook en el mismo documental. Así lo dejan ver las declaraciones vertidas en el documental. Todos creían que lo reflejado por Ian en sus letras no era otra cosa que literatura. Tomando en cuenta que los autores mas recurridos por él eran Kafka, Ballard o Nietzsche,

desolación de la ciudad y de la vida misma, en Closer (1980) el resultado fue más profundo, con letras donde la retrospectiva y la desdicha de su vida misma fueron plasmadas.

no podían esperarse letras cargadas de optimismo. Sin embargo, según Annik Honoré, con quien mantuviera una relación fuera del matrimonio, lo plasmado en las canciones reflejaba lo que ocurría dentro de él mismo.

Luego de la partida de Ian, la banda continuaría por un camino diferente y menos obscuro. Peter Hook, Bernard Sumner y Stephen Morris, sumando a Gillian Gilbert formarian en 1981 New Order.

Diagnosticado con epilepsia desde los 22, tuvo que recurrir al constante uso de medicinas, las cuales, aún en prueba, no conseguían mejorar la situación, sino por el contrario, lo fueron llevando cada vez más fuera de si. Muchas veces los ataques que fingía en el escenario eran confundidos con los reales; la delgada línea que separaba al personaje y al hombre (si es que ésta existía) cada vez era mas endeble.

Una breve, obscura y relampagueante carrera fue en la que Ian Curtis guió a Joy Division y la convirtió en una banda de culto, transformando el sonido de las generaciones futuras, las cuales imitan y veneran no solo el estilo, la lírica, la obra, sino al hombre, al mártir encargado de con su voz transportarnos a un mundo de obscuridad y casi siempre de desdicha, en el cual, sin embargo, es un placer estar presente.

Una mirada profunda e hipnótica que reflejaba una esencia oscura, sombría, cautivadora. Es probablemente la foto de Curtis fumando un cigarrillo y mirando fijamente hacia la cámara, con esa mirada hipnótica y perdida, la imagen que más representa su música, el discurso del que impregnó a Joy Divison.

Tal vez fue la presión, el hecho de sentirse fuera de si, la sensación de perder el control y temer fallarle a alguien lo que le llevo a tomar esa decisión. Al final, fue su decisión.

La obra no fue muy extensa, apenas dos discos que sin embargo han influenciado a decenas de álbumes en años posteriores y a un número extenso de bandas. Si bien el primer disco Unknown Pleasures (1979) retrataba la decadencia y

ué nombre debe adoptar una banda para reflejar en él los sonidos que generan? ¿Debe ser algo conciso? ¿Debe tener un significado especifico? ¿Debe tener una fuerte presencia? Algunas bandas deciden que el nombre es lo que menos importa y todo se centra en ese instante que le das play al reproductor y el sonido te empapa el cerebro; y otras pocas bandas deciden no encajar en un género, deciden hacer música para divertirse y formar parte de una catarsis colectiva. Una de esas pocas bandas que actualmente sortean la corriente principal son los escoceses de Mogwai. Con más de 15 años de trayectoria, 7 álbums de estudio y un estilo único para hacer canciones, que si bien lo han filtrado en el vasto campo que es el post-rock, ellos salen de ese molde para ofrecer algo más, ese plus que se obtiene al no querer encajar en algún genero en especifico. No es fácil describir lo que hace Mogwai, han logrado una evolución enorme desde su primer disco titulado Young Team, en donde los tintes de canciones rápidas nacidas de un punk rock crudo están a la orden del día en diferentes tracks, incluso la impulsiva improvisación se hace presente en la última canción llamada “Mogwai fear Satan”, siendo ésta la pieza mas larga del disco con casi 17 minutos de atmósferas variablemente bellas.

El año pasado tuvimos el placer de tenerlos en el marco del festival Corona Capital, aunque tocaron poco tiempo (un contra de las bandas tocando en festivales) dieron un espectáculo enorme, la convivencia con el público fue excelente, el sonido estruendoso, pero muy disfrutable y, las canciones, como balas. Tocando material de discos pasados y del último larga duración titulado “Harcore Will Never Die But You Will”, dieron un concierto excelente en todos los aspectos. Este año Mogwai decide repetir y aumentar la dosis. El 5 de junio estarán presentándose en el Plaza Condesa, con el plus de ser el show enteramente de Mogwai, sin restricciones de tiempos definidos para tocar. Simplemente es esperar las sorpresas en las que se puede convertir cada canción , cada bala a los oídos, cada sensación encerrada en los lapsos de silencio y ruido de fondo. Si no son familiares con la música de Mogwai, les recomiendo que rasquen entre cualquier canción que encuentren en el universo digital de la red. Al azar, no busquen por algún disco en especifico, sólo escuchen, coloquen sus audífonos a un nivel razonablemente alto y no piensen en otra cosa, transpórtense con el sonido y disfruten el viaje.

Por: Yiruim || @yiruim

Por: Nallely Sánchez C. l año pasado, la noticia de la reunión de Blur nos hizo felices a muchos fans, pues volver a tener arriba del escenario a una de las bandas más representativas del britpop, siempre hace pensar en nuevo material discográfico y una gira mundial que pudiera llegar a nuestro país. Y es que con la noticia de su presentación en los Brit Awards de este 2012, la expectativa se hizo aún más grande después de observarlos en febrero pasado en la tan esperada entrega de premios, nos emocionamos al escuchar sus clásicos Song 2, Girls & Boys, Tender, entre otras. Pero aquí la pregunta es, ¿ya los tenemos de regreso? Y, tristemente, al parecer esto no sucederá, pues hace algunas semanas Damon Albarn, vocalista de la banda, fue entrevistado por una periodista del diario británico, The Guardian, quien le pregunto sobre un nuevo material de Blur, a lo cual :

“Me resulta muy fácil grabar junto a Graham [Coxon, guitarrista de Blur]. Él es músico a diario. Para los otros dos es más difícil reconectar. ¿Sabes lo que quiero decir? Está bien cuando tocamos en directo, sigue siendo algo mágico, pero, en realidad, grabar nuevo material e intercambiar influencias musicales… es muy difícil.” Lo que podemos deducir es que el futuro de Blur es incierto, y que es muy probable una desintegración definitiva de la banda, pues con las declaraciones de quien es el líder, es poco probable que la banda continúe. Sin embargo no todo está acabado, pues ellos estarán tocando en la clausura de los juegos olímpicos en agosto de este año. También se anunció la salida de un box set titulado “21”, que incluirá todos los cd’s de la banda, asi como dvd’s y un libro que contendrá “anécdotas” y “rarezas” a lo largo de estos 21 años de vida de Blur.

Seguramente ya han leído en múltiples ocasiones, queridos lectores, eso tan mencionado que es el significado de las ventajas del Internet y más para la gente que nos dedicamos a los medios digitales. . No obstante, quiero hacer énfasis en que a través de un par de clics, pude contactar a una banda que, en lo personal, disfruto mucho cuando escucho sus canciones. Races es una agrupación que tiene su cuartel general en la ciudad de Los Angeles, California (EEUU) y es en 2012 cuando presentan su primer material discográfico titulado “The Year Of The Withc”. Al escuchar su álbum, me pareció muy interesante la propuesta, misma que navega en el inmenso mar de oferta musical del vecino país del norte. La curiosidad me llevó a contactar a la agencia Tell All Your Friends, para cuadrar una entrevista.

Todo estaba arreglado para hablar en forma directa con Wade Ryff, vocalista y guitarrista de la banda, pero, paradójicamente por problemas técnicos en la conexión telefónica, no pudimos terminar la charla, así que de forma muy amable, nos contestó un par de preguntas a través de correo electrónico, mismas que a continuación les dejamos: URLM. ¿Por qué el nombre del álbum “The Year Of The With? Wade: Cuando las canciones fueron escritas, yo acababa de terminar una relación amorosa que fue muy importante para mí. Me enteré que la chica con la que salía era la hija de una alta sacerdotisa de una religión llamada Wicca. Me di cuenta de que durante años fui objeto de los hechizos de la familia. De ahí que el disco lleve por nombre “The Year of the Witch” (El Año de la Bruja). URLM. ¿Cuál es la mejor locación para escuchar el álbum completo? Wade: Pienso que en un tanque de privación sensorial. URLM. La primer canción del disco es “Year of the Child” y la última se llama “Year of the Witch”. ¿Nos podrías decir si hay una razón particular o significado especial con relación a esos títulos? Wade: Originalmente sólo existía una canción que se llamaba “Year of the Child”. “Year of the Witch” era la parte inicial de la mencionada canción. Decidimos dividirla y que de esa forma sirvieran de intro y finalización del disco.

Por: Francisco Pérez “Frasko” || @Fraskote URLM. Si pudieras usar una “gran escoba” (“Big Broom” es el nombre del primer sencillo del álbum) para limpiar algunas cosas en el mundo, ¿cuáles serían? Wade: El sistema monetario, los problemas de hambre en el mundo y la falsa moralidad. URLM. Pudieras decirle a los lectores de URL Magazine qué encontrarán cuando escuchen la música de Races? Wade: Me encantaría poder decirlo...

Por: Pamela Ascencio/ @heywera aturalidad en sus líricas, encantadora batería con sencillez, guitarras protagonistas, melodías dulces, un toque femenino que provoca un mantra y un arte hermoso como tarjeta de presentación. Oh Margot! eres magia” – Pam Ascencio (blogger)

¿Quiénes son?

¿Qué hay que saber?

Oh Margot! es una banda de Santiago, Chile, formada en el año 2009. Conformada por José Rojas en voz y guitarra, Chichi en sintetizadores, Fabián Ciraolo en batería y Chacho Vasquez en el bajo y coros. Esta banda trae un brit pop auténtico, con identidad y un futuro asegurado con 2 producciones bajo el brazo en un muy corto tiempo.

En el 2011 la banda hace su debut con 2 materiales discográficos: Margot en Abril y How to Kill Some Time en Diciembre. La primera producción fue totalmente en español compuesta por 5 tracks repletos de melodías bailables, exquisitas de escuchar y naturalidad mientras que, el último y actual trabajo, es totalmente en inglés, con la magnífica intención de abrir nuevas puertas y posibles participaciones en festivales de mayor audiencia.

¿Qué tocan? Su música tiene influencias del rock & roll de los 50´s y 60´s, algo como Buddy Holly, el punk de los 80´s con The Ramones y el noise de Jesus and Mary Chain.

Música, música, música… De su más reciente LP How to Kill Some Time, se desprende su primer video, “Beautiful Embracement” filmado en Tbilisi, Georgia, por la directora rusa Katalina Bakradze. Una linda estética se puede apreciar en este material audiovisual tan bien logrado que generó una alta rotación del mismo, logrando las 50 mil visitas del mismo en Vimeo, a tan solo dos semanas de su debut.

Con sus letras en inglés, un toque eléctrico, riffs contagiosos tipo Velvet Underground, y de apariencia post punk, Oh Margot! se ha considerado como una interesante propuesta en Chile y, sin duda, conquistaría el tímpano del público mexicano.

Sus letras en inglés y linda estética consolidan a Oh Margot! como una de las más interesantes propuestas que Chile ha visto en los últimos años.

Un poco de The Drums por aquí, un poco de Interpol por allá, es lo que puedes captar en el estilo de esta banda que, sin intención de asimilar, poseen la rica esencia de esas bandas, sobre todo la ejecución vocal de José me impresionó al escucharlo la primera vez, un Paul Banks chileno, expresé.

e esas veces que sales antes de tu casa para llegar lo más temprano posible al lugar de reunión. Así fue el día que tuve oportunidad de entrevistar a una de las bandas que sin temor a equivocarme, marcaron -tal vez en forma inconsciente-, a toda una generación ansiosa de cambio, de alternancia, de quitar del poder al partido político que se mantuvo en la más alta esfera durante 70 años y que hoy, con toda la desfachatez del mundo, pretende regresar como si nada hubiera pasado. Molotov, por definición, es sinónimo de explosión, de mentadas de madre, de fiesta, de indignación, de libre pensamiento. No obstante y, con todo lo que representan sus canciones, en su mayoría del primer disco “¿Dónde Jugarán las Niñas?”, también fueron parte de ese círculo vicioso que representan los contratos con una disquera grande, casi equivalente a tener un grillete en los pies y no poder salir de esa prisión de las letras chiquitas. Con todo y la situación política actual, así como los factores extra música que ha tenido la banda con el sello discográfico al que pertenece y de la escasez de nuevas canciones, mismas que poco a poco comienzan a nacer, Molotov llega en este 2012 con varias sorpresas.

cigarro en la mano, fue el primero en llegar. Posteriormente, Paco y Randy hicieron acto de aparición. Se sentaron e inmediatamente Tito pidió un mezcal, como para alivianar la tarde, aflojar el cuerpo y la mente, qué se yo. Ya avanzada la conversación, por problemas con el bendito tráfico capitalino, el buen Micky, también llegó a la cita. Desde Rusia Con Amor. <<Era importante para nosotros plasmar que la esencia de la banda en vivo es otra cosa mucho más cabrona que los discos mismos>> -Paco Ayala.

Un bar ubicado en la colonia Roma del Distrito Federal fue la locación para la entrevista. Uno a uno fueron llegando los integrantes de la banda. Tito, siempre con un

El regreso de Molotov está marcado por un disco en vivo: “Desde Rusia con Amor”, el cual prácticamente significará la extinción de su vínculo legal con Universal Music y abre la puerta a imaginar que lo siguiente puede ser un disco editado en forma independiente. Para Paco Ayala, el hecho de no tener un disco en vivo durante toda la carrera de Molotov, fue una de las razones más importantes para dar el paso, además del compromiso que existía con la disquera. El requerimiento del contrato coincidió perfectamente con la invitación que recibió la banda para una gira por Rusia en el verano de 2010.

No obstante, la idea de hacer un disco con esas características era importante para ellos, ya que tenían algunas inquietudes en mente: “Nos dimos cuenta que hay muchas canciones que para nosotros representan lo que es la banda y lo que pasa en vivo, que no precisamente son canciones que fueron hits o sencillos. Era importante para nosotros plasmar que la esencia de la banda en vivo es otra cosa mucho más cabrona que los discos mismos”, añadió “El Ayala”. Obviamente el material audiovisual filmado es digno de atesorar y mostrar, ya que las imágenes recogidas en la gira que se llevó a cabo en 4 ciudades rusas, con todo y sus colores y detalles curiosos, hacen de “Desde Rusia Con Amor” un material con el cual los Molotov desean contar a todo su público la aventura que tuvieron por aquellas tierras.

Irónicamente, como lo dice el siempre sonriente Tito, el primer sencillo del material en vivo es “Voto Latino”, tal y como lo fue hace 15 años por allá de 1997, cuando la bomba Molotov explotó y, de pronto, ya vendían miles y miles de discos. Mucha gente se preguntará el porqué Rusia como locación para producir éste material. Las respuestas van desde la obvia relación que existe entre el nombre de la banda con dicho país hasta que, para ellos, era muy importante producirlo por allá, levantar imágenes y mostrar como hicieron reaccionar a la gente de aquellas latitudes. Como bien lo dice Tito: “hubiera sido más fácil hacerlo aquí”. Todos sabemos que Molotov es una banda de retos y, “Desde Rusia Con Amor”, es uno más superado en su carrera.

El viaje. <<<Van a salir en el video cachos de la putiza, tanto en escenarios, como en los vuelos, porque no está nada fresa volar hasta Rusia>>> -Randy Ebright. Tal y como lo cuenta Randy, la travesía no es tan sencilla. Entre variaciones climáticas extremas, como el record de temperatura registrado en el verano que vivieron por aquellas latitudes, además de largas distancias recorridas en camionetas, trenes y aviones, los Molotov nos cuentan que el glamour de una gira de esas dimensiones es prácticamente inexistente. No obstante, las historias son diversas, entre divertidas y molestas: desde rusas solteras paseando en busca de pareja, hasta médicos en estado de ebriedad a horas de una cirugía.

Randy nos platicó que les tocó saber de 30 o 40 ahogados en un río, como consecuencia de tratar de meterse a nadar bajo los efectos de ciertas bebidas. Paco mencionó una mala experiencia, ya que un día, cuando llegaron a Kazán, tuvieron un problema con el equipaje. Resultó que uno de los cases del equipo de Micky “se había abierto” y, en ese incidente, desapareció un pedal: “era de sus pedales favoritos y es dificilísimo encontrarlo […] Justo ahí se perdió, justo antes empezar la gira”, nos contó Paco. Tito nos habló de la conferencia de prensa con la que comienza el DVD incluido en el material, en la que sus compañeros le jugaron una broma: “me la aplicaron, me drogaron y me pusieron ahí”, añadió en medio de risas. También recordó el detalle de tener sol a las 10 de la noche: “estaba ahí enfrente, como en Acapulco a las 5 o 6 de la tarde”. La anécdota de Micky es la del cirujano. En sus propias palabras y en medio de risas nos la contó de una forma muy divertida: “Estábamos a media borrachera como a las 5 de la mañana viendo un partido de fútbol […] Yo me encargaba de darle unos tequilas y él se encargaba de darme unos vodkas. De pronto llegó un chavo, que era su hijo y me pidió una disculpa. Él sí hablaba inglés, al otro no le entendía nada. Aplicó la de: ‘perdón, me tengo que llevar al cirujano’. Se lo llevó porque tenía que operar a un paciente a las 8 de la mañana y ya eran como las 6 de la mañana cuando fue por él. Esas son cosas muy bellas”. “Gimme The Power” un filme de Olallo Rubio. El 1 de junio del presente año, se estrenará en los cines del país –con la esperanza de que no sea vetado-, el documental dirigido por Olallo Rubio y que, de acuerdo a lo que nos contaron, es una visión de él sobre la historia reciente de México a la par de la historia de Molotov, quienes tuvieron el papel de hilo conductor de la libertad de expresión. Paco nos comentó: “A él (Olallo) se le ocurrió la idea, nos la platicó y nos pareció muy buena, además de muy atinada la fecha en la que podemos sacar esta película, por los sucesos que estamos pasando y los que vienen”.

Tito nos contó que el documental es una comparación que hace Olallo Rubio de las movidas políticas con las musicales. Es una narración cronológica de la historia reciente de México en la que aparecen también sus canciones. La época electoral en nuestro país y el lanzamiento del documental no es coincidencia, ya que, como el mismo Tito nos lo explicó, es un “a ver, espérense, acuérdense que ésto ha pasado con estos weyes que están en la clase política mexicana o tienen ahí mucho que ver”. Digamos que sí, el trabajo fílmico plantea una reflexión del voto. Big Label o Indie. <<Se llaman planes 360 porque te la meten por todos lados>> -Randy Ebright. Todo mundo se pregunta si habrá más discos de Molotov con temas inéditos. La respuesta se comienza a aclarar en los shows en vivo, como por ejemplo, el Vive Latino pasado, en donde presentaron canciones nuevas. Una de las dudas principales es: ¿lo publicarán bajo un big label o en forma independiente? Paco asegura que ese tema es muy relativo, ya que han cambiado varias cosas en la industria, en la forma de vender una propuesta musical o artística. Nos mencionó que el internet definitivamente abrió una brecha en la forma de dar a conocer los proyectos. En su opinión, no precisamente tienes que estar firmado en una compañía para llegar a más lugares. Puntualmente detalló que, en su experiencia como banda, lo que no harían otra vez sería firmar un contrato que posea cláusulas como las que tenía el de ellos hace 15 o 16 años. Afirma: “no estamos peleados con firmar con otra compañía, sea la que sea, esté donde esté o hacerlo independiente. Yo creo que la onda es buscar que las alternativas que tienes para difundir tu música le convengan a la parte artística de un proyecto y no al negocio arriba del arte que tienes que proyectar”.

Por su parte, Tito opinó que los contratos actuales para las bandas son peores que el de ellos, ya que incluyen el conocido “plan 360”, donde la disquera se involucra y se beneficia de cosas que antes no, como la venta de mercancía oficial, patrocinios, las giras, la distribución y más. ¿Por quién votar? 2012 es un año crucial para México, y no porque se trate de un supuesto fin del mundo. Es un año de elecciones. El panorama con los candidatos no luce muy alentador. Los Molotov siempre tienen algo que decir al respecto y, en esta ocasión nos externaron su pensar al respecto: Tito: La opciones están del culo, no hay una tendencia que digas “esta es izquierda” […] La derecha siempre ha sido nuestro archienemigo, pero ahora tienen gente involucrada que era de la izquierda. Yo personalmente no lo tengo muy claro, no estoy convencido, aunque empato más con tendencias de izquierda. Randy: Hablando de México, las propuestas y los discursos no son muy claros, no creo que pueda realmente definir cuales son las tiradas de cada candidato. Tienes uno que perdió las elecciones pasadas y llegó a crear un despapaye en una arteria gigantesca de la ciudad, una señora que no tiene mucho que ver y Peña Nieto, que parece alguien de telenovela, que parece un mirrey títere

Paco: Me sorprende que las estadísticas marquen de repente como favorito al candidato que está patrocinado por el partido que más le ha roto la madre al país. Me dan muchísimo más desconfianza las estadísticas. Parece que todo está manipulado. No puede ser que el país no tenga memoria reciente, ni memoria de toda la vida, de cómo nos ha tocado vivir con estos weyes. Bandas de la nueva escena independiente que le gustan a Molotov: De Nalgas, Los Románticos de Zacatecas, I Can Chase Dragons, Joe Volume, Bam Bam, Ruido Rosa, Disco Ruido entre muchas más.

Por: Francisco Pérez “Frasko” || @Fraskote. Fotos cortesía de Molotov y @soycesar