VIM Magazine - Marzo #16 by VIM Magazine

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CARTA DEL DIRECTOR Dejamos atrás un mes que personalmente me deja fría. Fría porque, a pesar de todos los problemas que a diario se encargan de hacernos llegar nuestros compañeros por televisión y radio, o nuestros vecinos en el boca a boca, siempre confiaba en el momento de llegar a casa, poner la tele y disfrutar. Evadirme de todo por unos minutos, y sonreír. Los encargados de esta actividad tan importante (y que todos deberían incluir en sus agendas) eran los productores, cámaras, guionistas, programadores, actores, actrices, encargados de luz, sonido, peluquería o maquillaje. Todo el equipo que, al fin y al cabo da vida a una serie o una película. ¿Y qué ha pasado? Que ni nuestro ministro de cultura acude a la principal exposición de cine español, y que las cadenas (o los altos cargos) se empeñan una y otra vez en retirarnos y privarnos por tanto de casi todas las series que hay en pantalla, según ellos, por un numerito que revela la audiencia que tienen detrás. ¿Cuánto de justo es esto? ¿Cuánto de preocupación hay por sacar esos proyectos adelante? En mi opinión, ninguna. Unos y otros en mayor o menor medida están cortando las alas, negándoles a todos esos profesionales la posibilidad de trabajar y a nosotros, los espectadores, la única opción a día de hoy de visualizar una realidad (o fantasía) con la que distraernos del caos que nos rodea. ¿Hasta cuándo debemos permitirlo? Un abrazo

Mª José Laredo Directora VIM Magazine (contacto@vim-magazine.com)

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MÚS

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POR IVÁN DIAZ C.

Bruno Mars en la

Super Bowl El pasado 2 de febrero se celebró en New Jersey (Estados Unidos) uno de los acontecimientos deportivos más esperados por los norteamericanos y los amantes del deporte en general: la edición XLVIII de la Super Bowl. Se trata, sin duda, de uno de los eventos que mayor cobertura tiene a nivel mundial, con una masiva audiencia y un gran seguimiento a nivel social. En la final de este año se enfrentaban los equipos ‘Broncos de Denver’ frente a los ‘Halcones Marinos de Seattle’. Estos últimos, consiguieron alzarse al podio por primera vez, ya que consiguieron el título tras cuarenta y ocho ediciones. Pero, aparte del partido, uno de los momentos más esperados de este evento es sin duda el descanso del mismo, que se convierte en un momento de entretenimiento y diversión para todos los seguidores de la Super Bowl. Como todos los años, una gran estrella del panorama musical ameniza el descanso con una actuación de alrededor de 15 minutos de duración. Siguiendo la estela de artistas como Michael Jackson, Madonna o Beyoncé, este año el encargado ha sido el cantante Bruno Mars. Su actuación comenzó con la aparición en el escenario de un coro de niños interpretando el famoso tema de Bruno Mars ‘Billionare’. A continuación, el cantante irrumpió en el escenario tocando la batería mientras cantaba su exitoso tema ‘Locked Out Of Heaven’. Con un homenaje coreográfico al desaparecido Michael Jackson, el cantante interpretó temas como ‘Treasure’ o ‘Runaway Run’. Para continuar con el show, el artista interpretó la canción ‘Give It Away’, del grupo de rock Red Hot Chili Peppers, los cuales aparecieron en ese instante en el escenario y se unieron a la actuación de Bruno Mars. Para terminar la actuación, Mars interpretó su gran éxito ‘Just The Way You Are’, con lo que puso fin a su pequeño concierto en el intermedio de la Super Bowl. Pese a haber sido calificado como uno de los descansos más ‘flojos’ de los últimos diez años, la actuación de Bruno Mars ha sido todo un récord de audiencia, superando por ejemplo a cantantes de la talla de Madonna o Beyoncé, anfitrionas en 2012 y 2013, respectivamente.

COPENHA Otro año más Europa espera ansiosa su gran cita musical: el Festival de la Canción de Eurovisión, que este año celebra en Copenhague (Dinamarca) su 59ª edición durante los días 6, 8 y 10 de mayo. Los países empiezan ya a calentar motores y desde finales de 2013, hasta marzo de 2014, se van eligiendo a los representantes de cada país. Los métodos son dos: bien por elección popular, el público es el que decide el artista que represente al país; o bien por elección interna, según lo determine la cadena de televisión que se encarga de realizar el evento. En el caso de España, este año el proceso ha sido por votación popular, previa selección interna de los candidatos. No como sucedió en las dos últimas ediciones con ‘El Sueño de Morfeo’ y Pastora Soler, donde se eligió al artista de forma interna. La elección del artista se realizó en una gala en directo donde participaron los cinco concursantes elegidos previamente por la propia RTVE. Jorge González, Ruth Lorenzo, Raúl, Brequette y La Dama compitieron por el pasaporte a Eurovisión 2014. Conozcamos un poco más a fondo a los candidatos:

Jorge González es un joven madrileño de

25 años que con 17 años decidió presentarse al concurso ‘Operación Triunfo’, comenzando así a forjarse una carrera en el panorama musical. En 2009, intentó representar a España en Eurovisión con la canción ‘Si yo vengo a enamorarte’, llegando hasta la final del proceso, que ganó Soraya Arnelas. En 2013, volvió a la televisión, en esta ocasión al programa de talentos ‘La Voz’, donde cosechó gran éxito quedando como segundo finalista. Jorge se presentó con la canción ‘Aunque se acabe el mundo’, un tema pop de ritmo electrolatino compuesto por Kiko Rodríguez y Bruno Nicolás, entre otros autores. Juntos forman el dúo de productores ‘DABRUK’, y han hecho temas para Juan Magán, Natalia, Xriz, Chenoa o Bustamante, entre otros. Ruth Lorenzo es la apuesta más internacional de las que se presentaron. Esta murciana de 32 años comenzó desde pequeña a cantar, labrándose un futuro en el panorama musical. Su gran oportunidad le llegó en 2008, mientras vivía en Reino Unido. Allí se presentó al programa ‘X Factor’, donde consiguió ser quinta, siendo aclamada por la audiencia y consiguiendo más de 100 millones de visitas de sus actuaciones en YouTube. Ruth presentó una canción compuesta por ella misma con la colaboración de Jim Irvin

AGEN 2014

POR IVÁN DÍAZ C.

(Lana del Rey, David Guetta) que se titula ‘Dancing in the rain’ un tema de corte pop internacional con un estribillo pegadizo. Raúl nació en Vitoria. Este artista es conocido por temas que han llegado a lo más alto de las listas de ventas españolas de comienzos de siglo como ‘Prohibida’ o ‘Sueño su boca’, candidata a Eurovisión en el año 2000, quedando segundo tras Serafín Zubiri. Ha publicado seis discos, el último, ‘Contramarea’ en 2011. El cantante alavés apostaba por llevar a Eurovisión una balada llena de fuerza como es ‘Seguir Sin Ti’, tema compuesto por William Luque y Domingo Sánchez. La Dama, cuyo nombre real es Damaris Abad Anselmo, nació en Sevilla en 1986. Ya de niña se interesó por la música, llegando a crear a los 13 años su primer grupo, ‘Un Par’, junto a su hermano, el también cantante Rasel. Más tarde, comenzó a hacer segundas voces para los discos de artistas como Melendi (su marido actualmente), con el que ha realizado varias giras y conciertos. ‘Estrella Fugaz’ es la canción que presentó, un tema que va desde el R&B hasta el pop electrónico con el que la cantante quería pisar el escenario de Copenhague. El tema ha sido compuesto por el propio Melendi, pese a distanciarse del estilo que le caracteriza.

Brequette nació en Ciudad del Cabo (Sudáfrica) en 1984, y desde hace 15 años reside junto a su marido y su hijo en Las Palmas de Gran Canaria. Su amor por la música le viene desde pequeña, cuando con 12 años actuaba cantando en fiestas y bodas. En 2012, le llegó su gran oportunidad gracias a su participación en ‘La Voz’, donde, sin ser una de las finalistas, consiguió llegar al público con sus actuaciones. La cantante llegó a la preselección española con un potente medio-tiempo de corte internacional titulado ‘Más (Run)’. Tony Sánchez y Thomas G:son son los compositores de su canción, también conocidos por ser autores de ‘Quédate Conmigo’, de Pastora Soler y ‘Euphoria’ de Loreen. La expectación entre Brequette y Ruth Lorenzo había sido mucha. Lorenzo había sido elegida como la candidata perfecta para esta ocasión por los eurofans, pero cuando se conocieron las canciones de los cinco candidatos, surgió la duda entre el público. Brequette podría llegar a hacer sombra a la candidata que eligieron los eurofans por llevar un tema muy potente. Finalmente, el sábado 22 de febrero, se celebró la final con una decisión muy reñida entre ambas, que finalmente ganó Ruth Lorenzo. Su tema “Dancing in the Rain” convenció al público, convirtiéndola en la ganadora de la gala. Pasada la emoción de la misma, la artista se declara entusiasmada y muy nerviosa ante los acontecimientos. El videoclip es el próximo paso para la cantante que verá la luz a mediados de este marzo. Tal y como ha explicado en ocasiones le gustaría llevar lluvia al festival, aunque no sabemos aún, como será esa idea de posible. La artista se encuentra a caballo entre su tierra (Murcia), Madrid y Londres, para ir cogiendo fuerzas y prepararse para su gran actuación en mayo, ya que como ella afirma “quiero confiar en que vamos a por el oro”.

Top Canâ&#x20AC;&#x2122;t remember to forget you Shakira & Rihanna

Into the blue Kylie Minogue

Happ Pharrell W

1 2 3 6 7 8 Now that I found you Britney Spears

JĂşrame Chenoa

Adore Miley C

p 10 MARZO

py Williams

POR ELOY ANDRÉS PERALES IVÁN DÍAZ C.

Dark Horse Katy Perry

XO Beyoncé

3 4 5 9 10

You Cyrus

Diez mil maneras David Bisbal

El alud Vega

LEIVA Texto: Beatriz Lozano Fotos: Sony Music

Con “Pólvora” entre las manos, así nos abrió Leiva las puertas de Sony Music para hablarnos de su último trabajo, que en apenas unos días se ha convertido en número uno. Sorprendido y a la vez muy consciente de sus resultados, el ex componente de Pereza nos relata cómo ha sido el camino hasta este segundo álbum en solitario y cómo se perfila la gira en los próximos meses.

eN TU PRIMER DISCO EN SOLITARIO, “DICIEMBRE”, TE ENCARGASTE POR COMPLETO DE LA PRODUCCIÓN ¿POR QUÉ ESTA VEZ DECIDES COMPARTIR ESTA TAREA Y ELIGES A CARLOS RAYA? Cuando termino “Diciembre”, después de un disco en el que grabo todos los instrumentos, soy el productor y lo mezclo (un trabajo muy hermoso, muy artesanal pero agotador) pienso que me apetece grabar con una banda y me apetece trabajar con un productor que esté pendiente del sonido para yo poder dedicarme solo a la interpretación, poder tocar y disfrutar un poco de las cosas. Me apetecía poder disfrutar un poco más, repartir responsabilidad y trabajar con Carlos que es un referente a todos los niveles. Es un gran productor, es un súper guitarrista y es tío que iba a tener un perspectiva siempre interesante y que íbamos a sumar. Siempre quisimos trabajar juntos y en “Aviones” estuvimos a punto. Era el momento, cuando pensaba en un productor pensaba en Carlos, me apetecía trabajar con Raya. habías compuesto unas 20 o 30 canciones para este disco, ¿cómo ha sido la elección de ese repertiro que finalmente compone ‘Polvora’? Carlos Raya, el productor, me propone un repertorio y yo propongo otro. Ponemos los dos en la mesa y el 90% coincide menos una canción que yo veo dentro y él fuera. Las canciones tienen mucho que ver con uno mismo, dejar fuera una canción es dejar fuera algo de ti, por lo tanto mi criterio no es el adecuado. Alguien que no tiene ese vínculo va a hacer una elección objetiva, por lo tanto la criba de Carlos fue interesante. ¿CÓMO DESCRIBIRÍAS EL HILO CONDUCTOR DE ESTOS TEMAS?

¿ES AUTOBIOGRÁFICO? ¿DESCRIBE ALGÚN MOMENTO QUE ESTÉS VIVIENDO O QUE QUIERAS CONTAR? No es un disco conceptual, de hecho, haces canciones y cuando llevas 8 o 9 te das cuenta de que estás hablando de algo, pero ni siquiera lo elijo. Si que hay un aliciente que tiene que ver con el vértigo y con la soledad que siente uno a veces entre un montón de gente, preguntas que nos hacemos cualquiera de los que estamos aquí, no yo en mi condición de músico sino en mi condición de ser humano. Creo que estoy contando cosas en “Pólvora” que son preguntas que se hace cualquier persona. No es que esté haciendo una fotografía vital de un momento mío especialmente peor o mejor sino que son preguntas de una persona normal. ¿CUÁLES SON ENTONCES PARA TI LOS PUNTOS CLAVE QUE HA APORTADO CARLOS RAYA A “PÓLVORA”? ¿Y QUÉ SUPONE EL SONIDO ‘GUIRI’ COMO TU DICES DE JOE BLANEY? Producir el disco juntos para mi era vital y creo que Carlos una de las cosas más importantes que ha hecho ha sido quitarme música. Yo tengo la cabeza llena de música y en cada canción quiero meter un slide, una pandereta… Carlos ha dicho: “vamos a ser más concisos, no hay que poner toda la música en cada canción”. Y eso para mí es la parte más importante de él, dosificar la música que hay en mi cabeza. A nivel de sonido ha venido un ingeniero que ha grabado discos con Tom Waits, Keith Richards, con los Clash…un genio del oficio, un tío que admiro y que es impagable el trabajo que ha hecho, su folclore. Nuestro folclore es Martirio, que me encanta y que la respeto mucho, pero su folclore es Bob Dylan. Por lo tanto ellos desde pequeños están haciendo música, moviendo aparatos y son buenos, lo hacen mejor que nadie,

son los mejores. Cuando digo ‘guiri’ es que suena a los discos de fuera, sin menospreciar los de aquí, pero yo cuando me fijo en una producción me fijo más en las de fuera que en las de aquí.

visión un poco más alternativa y creía que “Pólvora” iba a crecer un poco pero de repente es como si hubiera estallado y estoy igual de sorprendido que cualquiera. No sé por qué ha ocurrido.

aPENAS CINCO DÍAS DESPUÉS DE SACAR “PÓLVORA” ESTABAS LIDERANDO LA LISTA DE CANCIONES DE SPOTIFY CON “TERRIBLEMENTE CRUEL” Y LA LISTA DE ÁLBUMES. ADEMÁS, TU DISCO ESTÁ ENTRE LOS MÁS VENDIDOS EN ITUNES… ¿QUÉ CREES QUE OFRECES A TU PÚBLICO PARA QUE SEA TAN FIEL?

A LA HORA DE COMPONER ¿ TIENES ALGÚN LUGAR ESPECIAL DONDE TE INSPIRES MEJOR?

No lo sé, no te sabría contestar. Estoy súper agradecido de tener gente fiel, que ha crecido conmigo, que sigue ahí desde hace 10, 11 o 12 años. Tengo la sensación de que lo más importante son las canciones, más importantes que yo. La gente no está conmigo, está con mis canciones. Ellas son más importantes que yo, creo que tienen una conexión con la gente y detrás de las canciones estoy yo. Pero a mí como espectador de la música me interesa la gente que me cuenta algo y me proyecto en su canciones. Yo creo que eso es lo que debe pasar para que la gente esté conmigo pero eso lo tiene que contestar la gente, yo no lo sé. TAL ES EL ÉXITO DE TU NUEVO TRABAJO QUE EN MUY POCOS DÍAS LAS ENTRADAS PARA EL CONCIERTO DE MADRID SE HAN AGOTADO ¿CÓMO SIENTES ESA ACOGIDA DEL PÚBLICO QUE TE SIGUE DESDE PEREZA HASTA AHORA? Brutal. Con “Pólvora” se ha desbordado un poco todo. Con “Diciembre” hice dos Riviera pero se vendieron en tres meses a lo mejor, ahora se han vendido dos en seis días, no me lo esperaba de verdad, ni en sueños. Se me ha escapado todo y ser hoy número uno. Yo tengo la mentalidad de cómo “Diciembre” ha ido muy bien pero quizá en una di-

La verdad es que donde mejor compongo es en mi casa y en una casa que tengo en el campo, ahí es donde hay menos elementos que me distraen. Hay una ventanita por la que en un punto del día entra el sol y es como un rincón muy óptimo para escribir. No hay nada, no hay DVD, no hay televisión, sólo puedo escribir, si no estoy jodido y ese es el sitio para mí bueno.

“Dejar fuera del disco una canción es como dejar fuera algo de ti. No soy objetivo.” TODOS LOS DISCOS TIENEN UN SIGNIFCADO, TODOS LOS TÍTULOS QUE PONES SIEMPRE RESPONDEN A ALGO. CUANDO ESTABAS CON “AVIONES”, CON “DICIEMBRE”… ES UN PERIODO COMPOSITIVO. AHORA LLEGA “PÓLVORA” QUE ES UNA IMAGEN MUY GRÁFICA. ¿QUIZÁ TIENE QUE VER CON UN ESTALLIDO DE LO QUE ESTÁS VIENDO ALREDEDOR? Bueno, quizá es un poco dinamita interna de lo que estoy hablando en el disco. La explicación, siendo fiel a la verdad…le enseñé las canciones a un amigo cuando eran maquetas y tenia 6 o 7, a un buen amigo. Las escuchó y me dijo: “tienen todas como una emoción que huele a pólvora” y pensé, pues me has dado el título del disco. Se llama “Pólvora” por eso.

aBRES EL DISCO CON “LOS CANTANTES” ¿QUÉ QUERÍAS CONTAR CON ESTA CANCIÓN? Es un homenaje al oficio, como músico y como fan. Es un homenaje a lo vertiginoso, a lo inestable y a lo maravilloso que tiene ser músico. El tobogán de emociones en el que estás metido. Y por otro lado, como fan de la música el mensaje es un poco que no mueran los cantantes que nos hacen compañía y nos anestesian los momentos malos. También es un grito como “menos mal que existís, cantantes”, y ahí no me estoy incluyendo, es a mis ídolos. ¿POR QUÉ TE COSTÓ TANTO ESCRIBIR “VÉRTIGO”? ¿Y QUÉ TIENE DE ESPECIAL “PALOMAS”? Creo que esos dos temas en concreto son quizá la parte más diferente entre “Pólvora” y “Diciembre”, lo más novedoso. Primero por la instrumentación: en “Vértigo” es una guitarra barítono y un sintetizador solamente. Me costó escribirla porque es una canción donde me estoy abriendo y exponiendo demasiado a un terror o a un miedo. Supongo que es como cuando alguien va a una terapia y dice: ”soy gordo y estoy tarado con esto” o “tengo fobia a cualquier cosa”. Sacar esos demonios que tienes, exteriorizar eso cuesta y en “Vértigo” es casi una sesión de terapia, por lo tanto me costó. Y “Palomas” está instrumentada de otra manera. Las referencias de Paloma tienen más que ver con Travis que con Tom Petty. Y los espacios, los delays de guitarra…creo que es un construcción musical que me parece más especial que ciencia ficción, que quizá es algo que llevo haciendo desde hace años. ¿QUÉ HAS BUSCADO AL GRABAR ESTE DISCO EN DIRECTO? MANTIENES EL LENGUAJE DE INSTRUMENTOS DE VIENTO, DE METALES, Y PARECE QUE EN “PÓLVORA” NO ESTÁ TAN SATURADO COMO EN EL

ANTERIOR, APARECE YA COMO UN LENGUAJE MUY PERSONAL ¿QUÉ NOS PUEDES COMENTAR ACERCA DE ESTO? Grabar con una banda en directo responde a la emoción que tiene una interpretación de una banda tocando en directo, sin trampa. Cada canción en “Pólvora” es una toma de todos tocando a la vez con los fallos que hay. No hay nada regrabado. Luego, a esas sesiones de batería, bajo y guitarras les hemos añadido cuerdas y metales pero hay como un halo de verdad, hay una emoción que predomina sobre la perfección. Era como “vamos a ser emocionantes aunque seamos imperfectos”, esto me interesaba. Y por otro lado los metales, que eran una seña de identidad de “Diciembre”, los quiero mantener porque creo que el principio de mi carrera en solitario al final parte de la identidad de mi sonido. Quería mantenerlo pero quizá siendo un poco más prudentes, sin que en todas las canciones tuviera que haber, como en el caso de “Diciembre”. ¿”PÓLVORA” SUPONE UN CAMBIO IMPORTANTE CON RESPECTO A “DICIEMBRE”? ¿DIRÍAS QUE ESTE ÁLBUM EMPIEZA A REPRESENTAR TU CONSOLIDACIÓN COMO ARTISTA EN SOLITARIO? Yo no estoy muy de acuerdo con que en cada disco uno tiene que evolucionar o tiene que cambiar. Ayer leía una crítica muy buena de “Pólvora” pero que terminaba diciendo: “el disco me parece muy bueno pero no me ofrece grandes cambios”. Entonces la lectura es que tengo que hacer en cada disco música diferente para evolucionar. Yo creo que la evolución está en escribir cada vez mejor, escribir mejores canciones. En cuanto a consolidarme, es algo que siento que aún me queda un poco grande a pesar de que he grabado nueve discos en total, entre Pereza y lo mío. He aprendido, estoy en el camino y cada

vez voy pareciéndome más a mí mismo y cada vez todo va teniendo un sello más mío, que es a lo que todos aspiramos. Pero lo de consolidarme, después de estar haciendo una gira con Ariel [Rot] y Loquillo pienso que aún me queda un montón. LA BANDA TE ACOMPAÑA ALLÁ DONDE VAS Y ES COMO TU SEGUNDA FAMILIA PERO ¿TE HAS PLANTEADO HACER ALGÚN DÍA UN DISCO EN ACÚSTICO? Sí, ese es como un sueño de cualquier músico, poder hacer un disco a guitarra y voz y que se sostenga . Claro, haciendo las canciones a guitarra y voz se ve todo. Que se sostenga eso…a mí me encantaría hacer un día un disco con una guitarra y un piano, o con un violonchelo, un piano y una guitarra. Es algo que terminaré haciendo pero para poder hacerlo tienes que tener canciones que lo aguanten, no siempre se tienen esas canciones. son tiempos complicados, te está yendo bien pero siempre hay como cierta incertidumbre en la calle. ¿te preocupa? ¿cómo te afecta a ti lo que está pasando? Me afecta de lleno, a mí como trabajador, como persona, independientemente de que vivo de la música que ahora mismo es un lujo y un privilegio. Me afecta, por supuesto, a todos los niveles. La infraestructura que tenemos es otra, ha cambiado, todo se ha minimizado al máximo y luego, la crisis con la política. Tengo hermanos, tengo familia, tengo amigos…me parece vergonzoso. Me da miedo leer el periódico, que estos tipos manden, que tomen decisiones, que vuelvan a ser votados, que no se enteren de que la sanidad, la educación y la cultura hacen que un país sea rico.

TE COMPONIENDO Y SALIÓ “PÓLVORA” ¿ENTIENDES TU TRABAJO COMO ALGO CONTÍNUO SIN PARONES? ESA CONTINUIDAD TAMBIÉN PODEMOS VERLA EN LAS PORTADAS DE TUS DISCOS, ¿NO ES ASÍ? En cuanto a concepto y tipografía me gustaría hacer una pequeña serie. En cuanto a la continuidad, creo que las canciones hay que grabarlas cerca de cuando las compones porque es una fotografía vital y si tardas tres años en grabarlas ya dejan de representarte. Por lo tanto para bien o para mal estoy en un momento creativo importante, tengo canciones y mientras las tenga las seguiré grabando. Probablemente cuando termine “Pólvora” el parón sea mayor de lo que ha sido con “Diciembre” porque soy humano y voy a acabar reventado. Desde que salió “Diciembre” no he parado de tocar, de viajar, de girar… y en algún momento tendré que parar un poco, pero si hay canciones seguiré grabando. ¿HACE 15-‐20 AÑOS PENSABAS QUE TENDRÍAS ESTE ÉXITO QUE ESTÁS CONSIGUIENDO? Bueno, no, para nada… hace 15 o 20 años me imaginaba tocando en Sirocco y me parecía tocar el cielo. Era donde tocaban Los Rodríguez. Para mí era llegar a un sitio muy top tocar en Sirocco. Ahora vivo de la música y me parece un privilegio, nunca hubiera imaginado hacer una gira con Loquillo y Ariel o grabar con Calamaro o componer con Joaquín Sabina. Por supuesto que no me lo hubiera imaginado, es un regalo y he trabajado para que ocurra pero al final estás cosas siempre tienen que ver con la suerte. Hay mucha gente que se lo merece más o igual que yo, por lo tanto estoy agradecido con lo que ha pasado.

TERMINASTE “DICIEMBRE”, SEGUIS-

¿TUS AMIGOS Y TU FAMILIA TE HAN APOYADO SIEMPRE A CONTINUAR CON LA MÚSICA O HAS TENIDO PROBLEMAS? Afortunadamente tengo unos padres muy majos y que han creído en mi. Mi padre escribe poesía y tiene que ver con el mundo del arte y mi madre es una delicia de señora que me ayuda de toda la vida. Siempre me han ayudado, la verdad es que siempre me han echado un cable. Siempre. SACAR UN DISCO AHORA QUIZÁ ES ARRIESGADO EN CUANTO A VENTAS SE REFIERE. TÚ QUE ERES COLECCIONISTA DE VINILOS SOBRE TODO ¿CÓMO VES LA SITUACIÓN? Me preocupa que la dirección sea acumular canciones. Ocho mil canciones que no las vas a escuchar, ni en toda tu vida te da tiempo. Me preocupa que las canciones sean como un kleenex y que se dejen de consumir discos enteros. Pero, por otro lado, no puedo querer que la gente consuma música como yo lo hago. Me gusta que siga habiendo un formato físico y que se pueda comprar un disco, o robar o lo que sea… y ahí no entro, a día de hoy no estoy en la lucha de que hay que comprar discos y si no eres un delincuente. Haz lo que puedas, si lo puedes comprar mola que te lo compres y si no búscate la vida para conseguirlo. Pero me gusta que sea en formato físico y los tiempos van a que puedas comprar canciones, hacerte discos de canciones sueltas y que no sean físicos. El futuro está en la Red y hay que adaptarse a los tiempos y ya está. Otra cosa es que me cierren todas las tiendas de vinilos, ahí es donde me van a joder la vida (sonríe), mientras eso esté bien, yo estoy bien. ¿Qué argumento le darías A ALGUIEN QUE NO CONOZCA TU MÚSICA PARA QUE ESCUCHE “PÓLVORA”?

Soy muy mal vendedor, no lo sé, no tengo ni idea porque la música es algo tan subjetivo. Le diría que he hecho un puñado de canciones con mucho compromiso con el oficio y que lo escuche, que si le gusta que venga a verme tocar y si no le gusta que busque otro disco pero no voy a convencer a nadie de que lo mío es mejor. Mira, cuando empezaba éramos más deslenguados, con Pereza decíamos: “-‐¿qué te parece esto? – ¡una mieeerda!” Pasa el tiempo y a cualquiera que se suba a una furgoneta a hacer música le respeto, y por lo tanto que cada uno escuche la música que quiera. No voy a escuchar a David Bisbal, probablemente en la vida vaya a poner un CD de él en mi casa pero tengo mucho respeto por él. CUANDO TE HAN COMPARADO CON GRANDES AUTORES SIEMPRe RESPONDES CON HUMILDAD ¿CÓMO TE VES PERSONALMENTE COMO LETRISTA? No es una falsa humildad, es una realidad. Yo tengo cierta facilidad para hacer música, melodías, y para escribir me tengo que poner a trabajar. No tengo la misma facilidad para hacer la música que para hacer la letra. Me cuesta escribir, lo hago, lo trabajo, cada vez mi compromiso es mayor con el texto pero no se pude hablar de Joaquín Sabina y de mi en la misma frase a nivel de letras, es totalmente desmesurado. Joaquín es un poeta. Yo estado con él trabajando en un estudio y escribe una letra de una canción entera en una tarde, eso es muy difícil. Quique González, por ejemplo, es un tío al que admiro mucho y tiene facilidad para escribir. Yo tengo más facilidad para hacer música pero las letras no las hago con tanta como parece, me cuesta y cada vez trato de ser mejor pero ves trabajar a Joaquín y estoy a tomar por culo de parecerme a él (ríe). Es mi referente pero son palabras mayores, lo agradezco pero es una exageración.

¿nos puedes adelantar algo de la nueva gira?

dinero y sentirme más cómodo y con más músicos.

La banda va a ser la misma de “Diciembre”, la Leiband. Vienen todos menos una incorporación nueva que es el niño Bruno, a la batería. Mayoritariamente haré canciones de “Pólvora”. Mantendré seis o siete canciones de Diciembre y haré cuatro o cinco canciones de Pereza, las que siento que no tengo de dejar que hacer y que la gente quiere oír. No creo que haga ninguna versión como el año pasado que hacía “La rubia platino” porque ya la hemos hecho mucho, pero luego puede pasar cualquier cosa realmente.

TODAS LAS GIRAS SIEMPRE LLEVAN ANÉCDOTAS LIGADAS A ELLAS ¿CUÁL RECUERDAS AHORA MISMO DE LA DE “DICIEMBRE”?

en la última gira tuviste UNA BANDA MUY GRANDE Y COMO DICE LA VAS A SEGUIR MANTENIENDO ESTE AÑO ¿HASTA QUÉ PUNTO ESO TE COMPENSA? SUPONE UN GRAN RIESGO PARA TI Y AÚN ASÍ DECIDES A LLEVAR A ESTA GENTE CONTIGO. Somos ocho músicos. Voy con un técnico de monitores, con un técnico de luces, con un técnico de sonido, con un road manager, con dos técnicos de guitarras y con un stage manager. Podría ir con dos focos y con tres músicos y me lo llevaría bien, pero en “Diciembre”, por ejemplo, gran parte de la gira fue lo comido por lo servido en muchos sitios y yo quise apostar por un buen espectáculo, que la gente venga y los que han pagado 20 pavos por una entrada digan: “este tío no me ha engañado y quiero volver a verle”. Apuesto por el compromiso con la música. También es cierto que me lo puedo permitir pero nadie lo hace. O sea, la gente lo hace pero yo lo hago de manera exagerada porque me gusta ofrecer un espectáculo de calidad. Sobre todo porque quiero vivir de la música muchos años y creo que para hacer una carrera larga hay que hacer buenos shows. Que también se pueden hacer buenos shows a trío eh, pero apuesto por una buena escena y por ingresar menos

Nos ha pasado de todo, la verdad. Por ejemplo un día, no voy a decir en que ciudad, yo estaba convencido de que estaba en otra. Un despiste por la acumulación de kilómetros. Me equivoqué varias veces durante el concierto y fue verdaderamente vergonzoso. Pero cuando terminó dije: “lo siento, pensaba que estaba en otra ciudad”. De esto no estoy orgulloso pero ocurrió y que me perdonen. HABLANDO DE GIRAS…AQUELLA QUE HICISTE CON ARIEL Y LOQUILLO ERA AMBICIOSA Y LUEGO HUBO QUE MODIFICAR ALGUNOS CONCIERTOS. QUIZÁ NO SE CUMPLIERON LAS EXPECTATIVAS. ¿CÓMO VIVISTÉIS ESO? En primer lugar, desde mi punto de vista, a toro pasado, las entradas eran caras. El precio no lo poníamos nosotros porque era una gira que compró Live Nation. Si las entradas hubieran sido más baratas las expectativas se hubieran cumplido. Pero las entradas eran caras y la gente no tiene pasta y no va, la ecuación sale. Aún así fue un éxito, con ese precio meter 5.000 personas en Murcia, meter 2000-‐3000 en cada sitio. Las expectativas eran tocar en el Palacio de Vistalegre y para mi era muy grande desde el principio. Era un espectáculo bueno y bonito, ya no por lo buenos o malos que seamos sino por el repertorio que había. Éramos tres generaciones, yo creo que era un buen concierto. Las expectativas no se cubrieron para lo que se pensó pero para mi se cubrieron de sobra. Hubo un público de puta madre pero yo creo que el precio de la entrada era un poco caro.

¿QUÉ LE DA VÉRTIGO A LEIVA YA QUE LE DEDICAS UNA CANCIÓN Me da vértigo, por un lado, leer el periódico cada mañana. Desayuno leyendo El País y me da miedo ver cómo están las cosas, quién las lleva y cómo van a estar. Y luego también me dan mucho miedo las enfermedades. Me cago de miedo con ponerme enfermo. ¿DÓNDE TE VES DE AQUÍ A 10 AÑOS? Me veo haciendo música, no sé si en esta división o en una división menor o mayor. Me veo haciendo música y discos y por qué no hablando con vosotros otra vez o haciendo la promoción de un disco, pero no se sabe. A lo mejor estoy en un templo haciendo yoga (se ríe). “PÓLVORA” ESTÁ DEDICADO EXPRESAMENTE A TU HERMANA, A TU MADRE Y A TU PADRE ¿QUÉ HAN SIGNIFICADO ELLOS EN TU CARRERA PROFESIONAL? Son como mi apoyo. También lo es mi hermano Juancho que vive conmigo y ese sí que se zampa todas mis mierdas. Pero la figura de mi madre y mi hermana… la mujer en mi vida es una figura muy importante, siempre he estado con ellas dos, me han cuidado mucho y es como si cuando estoy con ellas me sintiera un poco a salvo de todo quizá. Son dos figuras vitales en mi vida. Y mi padre es una persona que me inspira y que me parece valiente. Un tío que se dedica a la poesía me parece un tío valiente. TIENES UNA PROFESIÓN QUE MÁS QUE UN OFCIO ES UN ESTILO DE VIDA. ¿ ALGUNA VEZ HAS SENTIDO QUE TE HAN SALVADO LAS CANCIONES? ¿Y DE QUÉ TE HAN SALVADO ÉSTAS? Las canciones tienen un doble filo porque muchas veces te salvan a nivel terapéutico porque te despojas de de-

monios, los sueltas. Otras veces te delatan y te sientes muy expuesto. Dices “bueno, hago esta canción” y de repente, esa canción en la que sientes que tenías que haber dicho lo que querías de otra manera, se convierte en la canción más radiada (ríe) y dices “agg, esta canción me está jodiendo la vida”. O en el caso, por ejemplo, de “Princesas” de Pereza, llegué a enfadarme con ella. De hecho salió y se convirtió en un éxito de radio tan grande que dejó de emocionarme. Dejé de tocarla y nunca más la he vuelto a tocar. Hay veces que las canciones te salvan y veces en que te dejan con una mano delante y otra detrás. ¿QUÉ VA A PASAR CON LOS TEMAS QUE SE QUEDARON FUERA DEL DISCO COMO “NO SOY PARA TI” O CON EL TEMA PRE-‐PÓLVORA “SIXTEEN” QUE GRABASTE CON FITO CABRALES Y CARLOS TARQUE? “Sixteen” saldrá, vamos a hacer un trabajo con ese tema. Hay un vídeo grabando la canción los tres. Es un rock and roll, dentro de poco lo veréis. Es un tema muy divertido, estoy muy orgulloso de él y de participar con dos amigos que aparte son para mí dos de los tíos que llevan la bandera del rock mejor llevada. Y por otro lado, “No soy para ti” creo que es una canción reciclable, que me gustaría utilizar. El resto de las canciones ya veré porque cuando pasa el tiempo es más difícil que te sigan gustando, pero esa canción especialmente me gusta, creo que tiene posibilidades y se la intentaré volver a colar a Carlos [Raya] si volvemos a trabajar juntos, le diré “tío está vez sí” (ríe). A MUCHAS DE LAS FANS DE PEREZA LES SORPRENDIÓ LA RUPTURA DEL GRUPO ¿CREES QUE RUBÉN Y TÚ VOLVERÉIS A CANTAR JUNTOS ALGÚN DÍA? Ahora mismo no hay ningún plan de

hacerlo la verdad, de hecho, lo paramos porque nos apetecía pararlo. Estamos en el punto donde queríamos estar. Es más, yo siento que parar Pereza era y es clave para nuestro crecimiento como músicos. Tanto para poder haber hecho Pólvora y Diciembre como para que Rubén haya podido hacer su disco. Era importante. Para crecer como músicos teníamos que parar Pereza.

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SALIDAS LOS ESTRENOS DEL MES DE MARZO NO SE PUEDEN IN: CLUIR EN UN SOLO ESTILO, TENEMOS POP, DANCE, RAP E INDIE. ¿TÚ, CON CUÁL TE QUEDAS? Por eloy andrés perales

LOS VIAJES INMÓVILES

KISS ME ONCE

A finales de febrero Nach publicaba su nuevo trabajo discográfico “Los Viajes Inmóviles”, un álbum del cual el público ha podido ir viendo su evolución gracias a la publicación de diversos vídeos donde se mostraba y relataba todo el proceso de making of del mismo.

“La Reina del Dance” Kylie Minogue regresa a la industria musical después de celebrar sus 25 años en la música y de haber publicado el álbum “The Abbey Road Sessions”.

Este proyecto es totalmente diferente a lo que realiza Nach como artista. Él mismo ha mencionado que este disco tendría un estilo slam, distinto a los otros proyectos, donde los aspectos más importantes son: lo instrumental y la letra. “Los Viajes Inmóviles” recibe dicho título puesto que refleja cómo es el artista, representando también lo que significa la música para Nach: “un viaje interior en cuanto a sensaciones y sentimientos”.

La artista ha decidido continuar con el estilo con el que ha consagrado temas exitosos como “Can’t Get To Out My Head”, “In My Arms” o “All The Lovers”. Estilo pop/dance que encontramos en el tema “Into The Blue”, carta de presentación del nuevo trabajo discográfico. El álbum cuenta con la colaboración de Enrique Iglesias en el tema “Beautiful”. Además esta canción también estará incluida en el próximo disco del cantante “Sex and Love”.

LOUDER

TÚ Y YO

La actriz que interpreta el papel de Rachel Berry en la serie Glee publica su primer álbum tras debutar en 2009 en la televisión.

David Bisbal, tras haber anunciado su retirada como coach en la próxima edición de La Voz, anuncia nuevo álbum para el 18 de marzo, “Tú y yo” y gira internacional.

Con la ayuda de Sia en la composición, Lea Michele publicaba a finales del 2013 el sencillo “Cannonball”, un tema que presenta el disco “Louder”, en el que se reflejará la fuerza vocal de la artista. El 13 de marzo la cantante publicará este álbum, un año prospero para Lea a pesar del suceso que tuvo que afrontar a la vez que empezaba la promoción de “Louder”, el fallecimiento de su pareja Cory Monteith.

Con nuevo estilo regresa el artista español a la escena musical de la mano del productor Sebastian Krys. Un álbum grabado en los estudios Eastwest de Los Ángeles, donde David Bisbal no se centra en plasmar su calidad vocal sino el objetivo está en intentar transmitir con las letras y con la voz. Unos nuevos matices y un estilo que provienen a raíz del último proyecto acústico realizado por el artista. En la rueda de prensa de la nueva gira, se mostraba emocionado al anunciar su retirada en La Voz España y México para centrarse plenamente en su carrera musical, ya que a nivel de producción había sufrido un parón desde 2009 con “Sin Mirar Atrás” hasta 2014 con “Tú y yo”.

SUPERMODEL

SHAKIRA

El grupo de indie rock Foster The People regresa con nueva música tras conquistar al público con temas como “Pumped Up Kicks” o “Don’t Stop (Color On The Walls)”, canciones que representan el estilo característico del grupo.

La artista colombiana Shakira regresa a las listas musicales con un nuevo álbum, con título homónimo.

El 18 de mazo dan un paso más en el mundo de la música publicando un segundo álbum. “Supermodel”, que ha sido presentado por el tema “Coming of Age”, un primer sencillo en el que se observa su evolución musical, pero manteniendo su esencia. En el videoclip podemos apreciar cómo se lleva a cabo el arte del disco en pleno Los Ángeles, a modo de mural. Además Foster The People repite en la producción con Paul Epworth, productor que ha trabajado con Adele o Florence And The Machine.

Tras haber publicado disco en 2010, “Sale El Sol”, llevar a cabo la banda sonora del Mundial de Fútbol de Sudáfrica con “Waka Waka”, ser coach en La Voz de Estados Unidos y convertirse en madre, la cantante prepara su regreso. Un plato que tuvo como primer ingrediente el sencillo “Can’t Remember To Forget You”, con la colaboración de Rihanna, una canción que ha dado mucho que hablar dado a las escenas que interpretan las dos artistas en el videoclip. Shakira publicará el disco el 25 de marzo. En él encontraremos tanto temas en inglés como en español y alguna otra colaboración como Jay-Z o Usher.

La ‘boyband’ por POR LAURA PÉREZ

Pasadas las 21:30 horas, y ante un Palacio de Vistalegre repleto y expectante, daba comienzo el regreso a los e los cinco componentes de la boyband más exitosa de todos los tiempos: Los Backstreet Boys. 20 años después de su formación, Kevin, Howie, Brian, Nick y AJ sorprendían y complacían a partes iguales a la les han acompañado durante todo este tiempo con los primeros acordes de The Call, uno de sus grandes éxitos. M sus coreografías de toda la vida, dieron paso a Don’t want you back, de su famoso álbum Millenium. Con Kevin al teclado, Nick a la guitarra, y Howie, Brian y AJ al fondo del escenario, comenzó a sonar Incomplete, que fue acompañado por las miles de voces que se congregaban en el palacio, protagonizando uno de los momentos de la noche. Alternando sus éxitos de siempre con algunas de las canciones de su nuevo disco In a world like this, como Permanent Stain, Show ‘Em, Breathe, Madeleine, Love Somebody y el propio single -que comparte nombre con el álbum-, cada uno de los miembros de la banda fue tomando protagonismo durante el show para dedicar unas palabras a su público y agradecer su fidelidad y cariño. Mención especial requieren temas como As long as you love me, I’ll never break your heart y All I have to give, que mostraron la vena más romántica de los chicos, así como We’ve got it goin’ on, su primer single y uno de los más bailados y coreados de la noche. Una noche que no olvidarán algunas de las afortunadas que, tras adquirir un pase VIP Premium, pudieron disfrutar de algunas

excelencia revoluciona Vistalegre

escenarios de nuestro país de

as seguidoras que Manteniendo

canciones en el mismo escenario, en un ‘tablao’ en el que tocaron en acústico los temas menos bailables de su repertorio, y en el que se atrevieron incluso con el flamenco. El colofón final llegó con los grandes éxitos de la banda I want it that way, Everybody y Larger than life, que convirtieron la noche en inolvidable para muchos de los seguidores que recordaron adolescencia y niñez, en algunos casos. Quién sabe si será su última gira o su último paso por España, lo que sí queda confirmado es que las boybands de la actualidad tendrán difícil superar el legado de unos chicos que revolucionaron el fenómeno fan y el mercado discográfico en los 90.

“Agent Cooper”, UNA EXPLORACIÓN AL AMOR RUSSIAN RED HA SIDO Y ES UNA ARTISTA DE POLÉMICAS, MUCHOS DE SUS PASOS SE COMENTAN Y SE CRITÍCAN. RESIDIENDO EN LOS ÁNGELES HA PODIDO SEPARARSE DE SU NOMBRE ARTÍSTICO Y EMPLEAR MÁS TIEMPO A LA ELABORACIÓN DE “AGENT COOPER”, EL TERCER DISCO DE SU CARRERA. POR ELOY ANDRÉS PERALES

Lourdes Hernández, más conocida como Russian Red, nos presenta nuevo álbum titulado “Agent Cooper”, un disco grabado en su ciudad actual, Los Ángeles, con el productor Joe Chiccarelli. Durante estos años de carrera musical, Russian Red ha puesto banda sonora a anuncios publicitarios o a filmaciones de Disney, al igual que ha conseguido una nominación en los premios Goya y en los EMA de MTV. Una artista que durante los siete años cosechados ha conquistado público nacional e internacional. Después de la publicación del último debut “Fuerteventura” y una gira por España, Asia, Estados Unidos y Latinoamérica, llega un nuevo trabajo con un concepto que merece su explicación. “Agent Cooper”, el título del disco y el nombre de un personaje ficticio, se presenta como una exploración a la vida amorosa de la artista. Este álbum está compuesto por 11 temas más un bonus track en iTunes, canciones que llevan como título el nombre de personas masculinas, ya sean reales o de la ficción. Personas que han formado parte de la exploración amorosa que ha llevado a cabo Russian Red a lo largo de su vida, nombres como Neruda, John Michel, Stieve J o Casper, la carta de presentación. En cuanto a “Casper”, muchos pensaríamos que su significado viene del fantasma animado, pero ella misma argumentó en una entrevista a Mondosonoro que el nombre de “Casper” es la traducción al inglés de Gaspar. Al mismo tiempo de la publicación y promoción de este álbum, la cantante ha hecho su primera aparición en el cine con “Presentimientos”, película protagonizada por Eduardo Noriega y Marta Etura, en la cual Russian Red no solo hace un cameo sino que le pone banda sonora con “The Memory is Cruel”. Aunque este sea su trabajo más reciente, la cantante no encuentra una armonía con él en estos momentos. Así lo mencionaba en una entrevista con Rolling Stone: “Siento que mí crecimiento musical va a destiempo con el disco que sale. […] Ahora debo defender dónde estaba cuando escribí este disco. Me parece un sitio muy lejano”. Vaya al unísono con Russian Red o no, “Agent Cooper” aparte de la finalidad del concepto, es un disco con un estilo electrónico que todavía no habíamos visto con dicha artista. Y con una esencia que nos transportará a las carreteras de Los Ángeles, a la sensación de estar conduciendo por esos tramos.

En En

DIRECTO DIRECTO

LOS ARTISTAS NACIONALES DESTACAN EN ESTE MES. EL PÚBLI: CO ESPAÑOL PODRÁ DISFRUTAR DE NUEVAS GIRAS Y PRESENTA: CIONES DE DISCOS, EVENTOS PRINCIPALMENTE LOCALIZADOS EN MADRID Y BARCELONA. POR ELOY ANDRÉS PERALES

MÚSICA, GOGÓS Y POLICROMÍA Fangoria vuelve a pisar los escenarios con la reedición de su último álbum debut, “Policromía”. El dueto compuesto por Alaska y Nacho Canut estará en el mes de marzo por Madrid y Barcelona ofreciendo dos conciertos en cada ciudad. Con un nuevo single y videoclip, “Antes o después”, actuarán los días 7 y 8 de marzo en la sala La Riviera de Madrid y el 14 y 15 en sala Barts de Barcelona. “Música, gogós y Policromía” incluye como artista invitado a The Montecristos, con Neal X como cantante y los nuevos temas que se han sumado a esta nueva edición de “Cuatricromía”.

THE BEATLES SHOW Con el 50 aniversario de la aparición de una de los grupos británicos más influyentes y marcados en la historia, en España una de las mejores bandas en homenaje a The Beatles sale de nuevo a los escenarios con nueva gira para celebrar dicho aniversario. “The Beatles Show” es la nueva gira de Abbey Road, una de las mejores bandas tributo de habla no inglesa, galardonados en 2010 por el Premio Arc a la mejor banda de versiones. Podremos ver como interpretan a John Lennon, Paul McCartney, George Harriso y Ringo Starr en las siguientes ciudades: Madrid (8 de marzo), Valencia (22 de marzo), Girona (29 de marzo) y Barcelona (23 de mayo).

VODAFONE YU: MUSICS SHOWS

Una de las artista de este nuevo número de VIM Magazine es Russian Red por la publicación del álbum “Agent Cooper”. Aunque Lourdes Hernández ya ha anunciado fechas para la presentación del disco en México y Londres, también podremos disfrutar de la artista en España antes que en otros países. Russian Red ofrecerá dos conciertos de presentación con Vodafone yu: Musics Shows en Madrid y Barcelona, los días 3 y 4 de marzo, conciertos exclusivos para aquellos clientes de Vodafone y las personas que consigan una entrada con la compra del álbum. Ya pudimos escuchar algunos nuevos temas en la fiesta de Radio 3 Extra en los Teatros de Canal en Madrid. Conciertos donde también estará Agoraphobia, el grupo rockero femenino de A Coruña.

VERSOS Y

Dani Flaco es otro por la economía d problemas en el m se ha unido al cro tante ha recurrido ciación más aseq mentos. Gracias a seguidores y aque aportar su granito to, el artista public año “Versos y mad

Este álbum ha si gran éxito en el A y ahora le toca en Galileo. El día 7 d presentará este tr residencia, Madrid para el artista, nue dió emprenden al boración de “Verso

Y MADERA

o de los artistas que de nuestro país y los mundo de la música owdfunding. El canal sistema de finanquible en estos moa la confianza de sus ellos que han querido de arena al proyeccaba a principios de dera”.

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NO MYTHOLOGIES TO FOLLOW

Desde Dinamarca llega MØ, una artista que ha conquistado su país con el primer disco “No Mythologies To Follow”. Este álbum verá la luz el 10 de marzo en nuestro país de la mano de Sony Music. El disco está compuesto por 12 temas donde une el estilo pop con sonidos electrónicos, punk o de R&B. Tendremos la oportunidad de ver a Karen en dos ocasiones: el 21 de marzo en la Sala Bikini (Barcelona) y el 22 en la Sala Independace Live (Madrid).

David Fonseca y tu risa. Maldita sea, tu risa POR JAIME A. RIVERO

No hay mejor plan para una reconciliación que los versos de vida y amor de las canciones del músico portugués. Y es que creí en aquel concierto en la sala Penélope como la perfecta forma de demostrar mi falsa amistad para la chica de la que estoy enamorado. No es precisamente la crítica esperada pero, por qué no ajustar mi vida a un setlist lleno de clásicos modernos que me han acompañado a lo largo de estos años. Durante estas dos temporadas Fonseca nos ha demostrado una capacidad musical y una perfecta combinación en las letras de su obra Seasons: Rising y Seasons: Falling, capaz de asombrar a la crítica en su país, quizá algo desconocido en España viendo la afluencia portuguesa a la sala. Sin duda es uno de esos artistas cuyo secreto quieres guardar para siempre, para que sus letras sean las tuyas, y tus experiencias, las suyas y así plasmarlas en el aire con voz y guitarra. Allí me encontraba, frente al escenario pensando en ti. En mis errores y en tu rencor, mientras la banda del trovador empezaba con el tema que abre su último álbum, I´ll Never Hang My Head Down, y en mi cabeza sonaba “…You´re beautiful , I can´t deny” Nunca unas letras describieron mejor tu belleza o mi embriaguez de amor. La evolución de David Fonseca desde que Silent 4, ese grupo sorprendente en festivales europeos, decidió acabar su viaje ha sido brillante. Pueden ser las palabras de un fiel y acérrimo seguidor, pero este hombre del renacimiento transpira arte por todos sus poros. Director de sus propios videos musicales, fotógrafo ocasional desde la mirilla de una antigua Leyca o lector empedernido de poesía universal. El crunner del siglo XXI. La noche seguía entre It means I love You, Kiss me oh kiss me, y tú nunca apareciste. No aceptaste mi invitación. Tú eres All That I Wanted y me di cuenta demasiado tarde. Eres aquello que anhelo por tu forma de ser. Por tu risa. Maldita sea, tu risa. Y tu humor ácido. O tan sólo por tu manera de mirar cuando crees que nadie te mira.

Desde el último concierto en Madrid, ya lejos en el tiempo, el artista abandonó su camuflaje como hombre orquesta y se presentó acompañado de una banda correcta. Eso es. Cada una de las partes de la obra de Fonseca son correctas. La letra, la música, el sonido incesante de órganos y efectos; la luz y las imágenes impresas en esferas. Pero es esa combinación lo que hace de sus apariciones algo imborrable. ¿Qué diferencia un disco suyo a una performance? Nada. Es un sonido tan limpio y emotivo que toda sala puede soportar a pesar de esas infraestructuras de columnas entre altavoces o espacios demasiado perdidos. Una día me dijiste cómo te gustaban estos conciertos, tan pequeños e íntimos que podrías fusionarte con el artista. Sentirte parte del show y conectar tanto con el escenario que mover tu falda y tu pelo al unísono parecería otro truco de magia. No More Tears Running. Necesito otra copa. Hace poco leí en una entrevista que David Foneca podría seguir en el mundo de la música treinta años más. ¿Y cómo podría ser de otra manera? Lo mejor que se le puede decir a este artista, vestido de gala, enfundado con zapatillas y gafas de pasta para leer las partituras del piano es que continúe escribiendo bandas sonoras para nuestras vidas. Sus canciones son baladas. Son poemas de rock. Son las letras de Springsteen con música de Coldplay. Son voces de Scott Walker con el sentimiento de Jeff Buckely. Es la oda al amor y la reconciliación. Es lo que siempre he buscado. Con el sintetizador a pleno pulmón, de pie frente al micro agarrando un cuaderno viejo, termina el concierto descubriendo a todos las últimas estrofas de su poema favorito: Do not stand at my grave and cry, I am not there; I did not die. Igual que Elizabeth Frye. Igual que David Fonseca. No estoy muerto. Sólo pensar en ti me mantiene vivo. Aunque tú todavía no lo sepas.

‘La noche eterna’ fue el arranque del concierto que Love of Lesbian dieron en febrero en Bilbao, en la sala Santana 27. Es el nombre de la gira y el deseo de la mayoría de sus seguidores cuando van a uno de sus conciertos. Cuando los catalanes salen a escena, uno no puede evitar pasarlo en grande y desear que no se acabe la noche. “Somos imbéciles”, se reía Santi Balmes al explicar que en invierno dan conciertos en el norte y que en verano se recorren los festivales del sur. Poco después admitió que tardarán en volver a Bilbao. Después de completar su gira de este 2014, estarán un año entero sin tocar en España, así que habrá que esperar a 2016 para volver a verlos en un directo. Será extraño estar tanto tiempo sin un concierto de Love of Lesbian teniendo en cuenta que el grupo acostumbra a hacer muchas actuaciones. Sus giras con cada disco no duran meses, sino años. La banda catalana recordó su ‘Noches reversibles’ y lo encadenó con ‘Wio, antenas y pija-

mas’ de su último disco ‘La noche eterna. Los días no vividos’. El público ya estaba entregado cuando Santi Balmes invitó a todos a viajar a ‘1999’, uno de sus temas imprescindibles. Aunque sin duda el momento más íntimo se logró con ‘Allí donde solíamos gritar’, otro clásico. “Qué buenos eran los teloneros. Prometen”, volvió bromeando Balmes. El grupo acababa de tomarse un respiro y ya estaba de vuelta para el primero de los dos bises del concierto. La segunda parte de sus conciertos está hecha para que nadie pare de bailar. Los disfraces que tanto caracterizan a la banda comenzaron a aparecer con la divertida ‘Pizzigatos’. Entre gafas y gorros imposibles repasaron sus temas más animados Aunque sin duda el momento más gracioso fue el que dedicaron a la Infanta Cristina, Bárcenas y Gallardón, entre otros. No dejaron títere con cabeza. Se atrevieron a versionar el ‘We are the world’ de Michael Jackson con un ‘He´s

Gallardón, he loves the children’ con el que no se pudieron aguantar la risa ni los propios miembros de la banda. Con tanta pullita Balmes quiso rematar la faena con una disculpa por si había ofendido a alguien. “Lo siento, me he equivocado y no volverá a ocurrir”, bromeó. ‘John Boy’ y ‘Me amo’ dieron paso a otro tema que se ha convertido ya en un clásico para la banda. ‘Los toros en la Wii’ o, como todo el mundo conoce la canción gracias al anuncio de Estrella Damm, ‘Fantástico’ fue el punto álgido de la noche. Con la garganta seca de tanto cantar y tras mover el cuerpo a más no poder con ‘Algunas plantas’, Love of Lesbian se tomó un último respiro. Reaparecieron en el escenario con la promesa firme de volver a tocar en Bilbao. Eso sí, sin obviar que tardarán en dejarse ver por esta ciudad y por cualquiera de España durante el año que viene. ‘Ominiria e Insomnia’ se encargaron de poner el broche final a una noche que nada tuvo que

ver con la primera actuación de Love of lesbian en Bilbao. Su público se limitaba a dos personas que se marcharon después de escuchar dos o tres canciones. “Nos dejaron tocando solos” se rieron al recordar sus inicios. Siete discos después, nada tienen que ver con esa banda de nombre raro que cantaba en inglés. Al acabar el concierto, Oriol Bonet y Julián Saldarriaga se encargaron de que nadie se quedara frío y pincharon música rock e indie en una de las salas de la discoteca. La sesión se prolongó hasta pasadas cuatro de la mañana y no quisieron marcharse sin sacarse fotos y charlar con sus admiradores. Love of Lesbian acaban de grabar tres nuevos temas producidos, como de costumbre, por Ricky Falkner. Aún no está previsto que las canciones se publiquen en un disco pero sí que podrán escucharse en internet. Para oírlas en directo habrá que esperar a los festivales que tiene previsto recorrer la banda este verano, antes de que se marchen al extranjero para dar los conciertos que los tendrán alejados de España.

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el motor vuelve a rugir POR NACHO CIVERA GUILLÉN

Con la llegada de la primavera, vuelven también las competiciones de Fórmula 1 y motociclismo. Este año, la principal novedad televisiva es la aparición del canal de pago Movistar La llegada de marzo marca cada año el comienzo de los dos munTV, que retransmitirá ambos mundiales diales de motor más importantes del con los últimos avances tecnológimundo: el de Fórmula 1 y el de motocicos. El equipo de Antonio Lobaclismo, donde los pilotos españoles dominan sin oposición en las tres categorías to volverá por su parte a nadesde hace algunas temporadas. Pero amrrar las hazañas de Vettel y bos espectáculos son, antes que nada, un espectáculo televisado que congrega a millones Alonso en Antena 3 y, por de personas delante del televisor y que, sin emprimera vez, el mundial bargo, no consiguen ser rentables para las cadede motos no podrá nas que adquieren sus derechos televisivos. En este hecho prevalecen las altísimas cantidades por dereverse íntegramenchos de emisión que se abonan a los propietarios de las te en abierto. imágenes y la brutal caída publicitaria, que hace que las cuentas, a pesar de la alta audiencia, no siempre cuadren.

En España, el mundial de Fórmula 1 podrá volver a verse este año íntegramente por Antena 3 y por la televisión autonómica catalana TV3 en abierto, mientras que en el caso de las motos, Mediaset, a través de Telecinco, volverá a dar por segundo año las carreras de las dos ruedas, aunque este año con una novedad muy importante: tan sólo 9 de las 19 carreras del mundial se verán en directo. El resto, sólo se podrán ver en diferido o pagando a través de la plataforma Movistar TV (antigua Imagenio), una novedad que en nuestro país todavía tiene que demostrar su rentabilidad económica a través de un número mínimo de abonados. La aparición de este modelo mixto en el caso del mundial de motociclismo se debe a la necesidad de sobrellevar los altos costes de emisión que tienen ambos eventos. En 2012, Atresmedia pagó 40 millones de euros por poder emitir el mundial de Fórmula 1 durante los dos años siguientes, mientras que Mediaset pagaba 20 millones por el de motociclismo. Cifras que con el desplome de la inversión publicitaria de las grandes y medianas empresas, se hacen imposibles de rentabilizar, aun con las altas cuotas de audiencia con las que cuentan ambos espectáculos.

Para minimizar los daños, Mediaset ha decidido compartir este año los derechos con la recién estrenada plataforma de Telefónica, Movistar TV, que ha fichado al excomentarista de Televisión Española Ernest Rivera para pilotar las narraciones del mundial de motos. Esta plataforma emitirá el mundial íntegramente, tanto las carreras que ofrezca en directo Telecinco (un total de 9 entre las que se espera que estén las 4 que se corren en territorio español), como las restantes que ofrezca Telecinco en diferido, entre las que se encontrará la primera del mundial, que se celebrará el 23 de marzo en Catar. Movistar TV promete para seducir a los fans de las motos un mejor servicio, además de una emisión sin cortes publicitarios, cámaras de alta definición y una plataforma multipantalla con la que el espectador podrá personalizar la visión de la carrera según le interese. El caso de la Fórmula 1 será distinto. A pesar de que Movistar TV también ha adquirido los derechos de todas las carreras del mundial, que dará comienzo el 16 de marzo en Australia, Antena 3 y TV3 en Cataluña también darán todas las careras en directo, no como en el mundial de motociclismo. A pesar de ello, el canon que ha pagado Atresmedia por los próximos años ha sido ligeramente inferior a los 40 millones pagados en 2012, una condición sine qua non que había impuesto la cadena de San Sebastián de los Reyes para acceder a la puja. Gracias a esta rebaja, las hazañas de Vettel, Alonso, Hamilton y compañía serán de dominio público, a pesar de que desde Telefónica prometen para su favor una retransmisión “más plural” de las carreras, lo que puede interpretarse como una ocasión perfecta para que los antialonsistas disfruten de una alternativa a las tantas veces cuestionadas retransmisiones de Lobato. Sea donde sea, el semáforo se enciende y comienza un nuevo año de carreras apasionantes donde nuestros pilotos prometen volver a brillar.

Fotografía: Sergio Lardiez Maquillaje y Peluquería: Naomí Gayoso (N.Y.C.) para Inglot cosméticos Barcelona y Mön I.C.O.N. Estilismo: Laura Martín Asistente de maquillaje y peluquería: Gema Jiménez Asistente de estilismo: Victor Caballero Texto: María José Laredo

Collar - Daniel Espinosa

Maggie Civantos ha vuelto a ganarse al público más televisivo gracias a su personaje como Fanny en ‘Bienvenidos al Lolita’. Sincera, transparente y muy luchadora, esta malagueña ha sentido pasión por la danza desde siempre y la ha hecho formar parte de su vida. VIM Magazine ha tenido el placer de entrevistar y disfrutar de una profesional llena de amor y de luz. ¡No os lo podéis perder! Malagueña de nacimiento, pero muy unida a Madrid por cuestiones laborales… ¿Cuándo surgió esa necesidad de cambiar de ciudad para alcanzar nuevas metas? Cuando regresé de La Habana de realizar un curso de danza en la Escuela Nacional, me tropecé con un amigo cineasta en un bar en Málaga, y aunque yo tenía otros planes, él me insistió en que debía ir a Madrid y buscar trabajo como actriz. Me dijo que estaba en mi mejor momento y debía aprovecharlo. Fue entonces cuando se me encendió una luz y dije: Y ¿por qué no? Yo quería viajar y conocer mundo, algo que voy haciendo en la medida que puedo, pero de repente pensé que el mundo podía esperarme un poquito y… ¿por qué no lanzarme a la aventura de una actriz en busca de trabajo en Madrid? Vine para probar unos meses y ya llevo ocho años. A nivel autonómico, en canal sur, has pertenecido a una de las series míticas que mantuvo enganchados durante casi doce años a los andaluces… ¿qué supuso para ti formar parte de un proyecto tan grande como este? ¿Qué recuerdos guardas de Desiré, de sus rodajes, de sus compañeros? Para mí fue una etapa preciosa de mi vida, porque al igual que en ‘Bienvenidos al Lolita’, tuve la suerte de trabajar con un equipo de grandísimos profesionales y

buenísimas personas con las que disfruté mucho dentro y fuera del rodaje. Fue el segundo proyecto al que me enfrentaba tras la mini serie de la Mari 2 que rodé con Ana Fernández, y estaba muy ilusionada. Por otro lado hacer un personaje como Desiré, prostituta rebelde, con carácter pero tierna a la vez, era algo muy divertido. Aunque en Arrayán he tenido el placer de repetir pero con distinto personaje... cinco años más tarde regresé con Angélica. Si Desiré tenía carácter, ésta era una loba en busca de venganza, mala malísima, que envenenaba a la adorada protagonista de la serie. Fue hace un par de años, en los últimos capítulos, justo antes de que la serie dijera adiós tras doce años de emisión. Una de las peculiaridades de Arrayan es que la duración de sus capítulos era de no más de 30 minutos… ¿Deberíamos empezar a adaptar las series a un estilo más ‘americano’, con una duración entre 30-40 minutos por capítulo? Si, estaría bien que hubiera un formato distinto en estos momentos, porque lo hemos tenido en numerosas ocasiones, pero es cierto que en la programación actual no encontramos ninguna serie de menos de 60 minutos. Sería muy buena opción, algo conciso y breve... Al fin y al cabo estamos en la era de de Youtube, micro etc. Lo digo por lo de microteatro. En general queremos que nos sorprendan rápido y con ideas muy claras... Creo q estaría bien un micro en formato televisivo.

Body - Manuel Spuch Pantal贸n - Hoss Intropia

Camisa- Pepe Botella

Falda - Pepe Botella Collar, pendientes y anillo - Anton Heunis

Hospital Central te dio a conocer al resto de la península… aunque los más asiduos quizás se dieran cuenta de que fuiste dos personajes diferentes aunque eso sí, separados en el tiempo… ¿fue complicado adaptarse a un equipo tan consolidado como podía ser el de Hospital Central? Bueno, unos días de adaptación no voy a negar que necesité pero creo que lo normal. Ellos tenían un ritmo muy marcado y una confianza de años pero me acogieron con muchísimo cariño y me incorporé rápido a la rueda. Tengo muy buen recuerdo de todo el equipo técnico y artístico; conocí a grandes profesionales y aprendí mucho de mis compañeros y de mi personaje, Candela. Esta serie se convirtió en la serie nacional más longeva de la historia… ¿Qué es lo que, para ti, consiguió que se mantuviera líder y en antena durante tantas temporadas? Los personajes y la humanidad que desprendían en cada uno de ellos, la representación de esas personas que luchan por los demás y la intriga de los conflictos que se presentaban en cada capítulo. Ambos proyectos (HC y Arrayán) consiguieron perdurar en el tiempo y con unos niveles de audiencia más que buenos. Basándote en estos dos ejemplos, ¿lo importante es el equipo humano, la historia o que coinciden en el momento concreto en el que esa historia tiene tirón? Que coincida todo lo que tiene que coincidir, que exactamente no sé que es. Creo que no hay fórmula matemática, es suerte y que confluyan muchos factores.

Tu último trabajo en televisión ha sido como Fanny, en ‘Bienvenidos al lolita’. Simpatía, espontaneidad y muchísimo sentimiento podrían describir a este personaje. ¿Cómo llego hasta tus manos? Supe que estaban buscando a una chica andaluza que supiera bailar a través de una compañera de las clases de inglés que me dijo “Maggie, te están buscando” . Mi representante había mandado mi material y a los días me convocaron para el casting que consistía en la grabación de una separata. Yo la envié pensando que no llamarían, aunque sentía que Fanny era yo y la comprendía mejor que nadie, pero intenté no pensar en aquella prueba. Hasta que un día, recuerdo que fue la última representación de un cabaret llamado “La Mirilla” en Garaje Lumiere, me llamó mi representante para decirme que tenía una prueba con los productores y directores de la serie y que tenía un pie prácticamente dentro. La prueba fue muy larga pero cuando salí supe que había dado lo mejor de mí y Fanny había estado en aquella habitación. A las dos horas me llamaron para darme la bienvenida al Lolita Cabaret.

“No hay fórmula matemática en el éxito de una serie. Es suerte y que confluyan muchos factores.” 61

A lo largo de las ocho entregas de la serie hemos podido verte hacer de todo, pero quizá nos has impresionado muy gratamente con tu número cantando como solista. Tienes una voz muy bonita… ¿Es la primera vez que te atrevías con una actuación así? ¡¡¡Gracias!!! Bueno, solita sí es la primera vez… Mi madre es cantante y hace algunos años hacía algunos coros y canté en directo alguna canción pero siempre acompañada. En la serie tuve una maravillosa couch de canto que me ayudó mucho y grabar en un estudio ¡fue una expe-

riencia preciosa! Todo esto despertó un gusanito cantarín con muchas ganas de lanzarse a la música y comienzo ensayos con una banda que estamos formando. Así que espero que salgan bolos y poder invitaros muy pronto a bailar todos juntos. La habilidad para bailar es otra de las cualidades y características de Fanny en el cabaret. Pero, ¿qué es la danza para ti, para Maggie? La danza para mí supone alegría. Es la respuesta a la música indispensable en la vida, bueno en la mía al menos, y creo que en la de todos. Yo bailo todos los días

aunque sea cinco minutos, es mi ritual. Mientras me peino, cocino, donde sea... ¡bailar para mí es sinónimo de felicidad! Anteriormente habías realizado varias performances, habías trabajado para contar con tu movimiento corporal más cosas de las que pueden llegar a decirse hablando. ¿Ha hecho esto más fácil los rodajes dentro del Lolita? ¿Nos cuentas alguna anécdota divertida de la preparación de esas cuidadas coreografías?

Mi humilde experiencia como bailarina creo que sí que me ha ayudado en este proyecto, sobre todo porque me ha hecho disfrutar los números musicales, los ensayos y las clases de baile que tuvimos al comienzo antes de empezar el rodaje. Hay mucho trabajo detrás de cada número aunque sólo hayamos visto unos minutitos. No recuerdo ninguna anécdota especialmente divertida. Nos hemos reído mucho eso sí. Lo hemos pasado muy bien en los ensayos y fue un entrenamiento bastante duro donde crecimos todos.

Vestido - Pepe Botella

El lolita cabaret ha sido una serie más dentro de la ficción española que se ve afectada directamente por las disputas por la audiencia entre las dos grandes cadenas nacionales. ¿Realmente es justo que cancelen sin más un proyecto por lo que un número puede decir?¿Se tiene en cuenta ya no a la audiencia propiamente dicha, sino al equipo profesional que trabaja por y para esto? Es parte del funcionamiento del sistema y hasta el momento no está en nuestras manos cambiarlo, ni siquiera sabemos qué ocurre realmente cuando toman una decisión tan tajante como ésta. Lo desconozco pero ya hemos asumido que es parte del trabajo, que hoy estamos en emisión y mañana no, por mucho amor que hayamos puesto en ello esto es el lado oscuro de la televisión. El mundo del share, que te hace cruzar dedos cada semana para tener trabajo al día siguiente. Para ti, como actriz y también como espectadora, ¿cuál es la solución para que esto no ocurra? ¿Qué harías si pusieran en tus manos la capacidad de decidir cómo gestionar un ‘problema’ como este? Intentaría encontrar la fórmula para que pudieran convivir todos los proyectos, que hubiera un diálogo entre los directivos de ficción para ofrecer al espectador distintos proyectos sin necesidad de competir. Hay muchas cadenas que no producen nada y creo que sería muy interesante abrir la programación de ficción nacional a otros canales. Formabais una gran familia no

solo porque así lo viéramos a través de las redes sociales, sino porque así lo trasmitíais al público cada semana. ¿Qué o a quién más vas a echar de menos de este característico cabaret? ¡Voy a echar de menos todo y a todos! Ha sido muy especial este cabaret, cada una de las personas que he encontrado en este proyecto han sido muy generosas y no sólo en escena. Pusimos mucho amor y muchísimas ilusiones... Eso ha quedado en cada uno de nosotros y pensar en

“El mund cruzar los d pa

esta familia me emociona y enorgullece porque todos me han hecho crecer y me he llevado algo bonito de cada uno de ellos. Y tu futuro, ¿cómo se plantea después de Fanny, después del Lolita? Pues el fututo incierto como siempre (risas). Pero hay algunos proyectos en el aire así que esperando que se confirmen y poder dar noticias de ello

do del ‘share’ te hace dedos cada semana ara tener trabajo al día siguiente.”

Collar - Daniel Espinosa

Protagonista de ‘Un balcón con vistas’ de Laura Molpeceres, comedia teatral. ¿Qué aporta al espectador esta obra? Risas, diversión, frescura y una interesante reflexión sobre las relaciones y el ADN marital, que no es ninguna chorrada... A veces creemos enamorarnos y acertar en nuestra elección pero hay tantos sentimientos en lo que nosotros llamamos amor que nos confunden y acabamos con personas con las que no terminamos de encajar y las relaciones que ya son complicadas de por sí, se hacen aún más difíciles. Definida por muchos como una obra con ritmo, naturalidad y muy cercana al espectador nos cuenta la historia de mujeres al borde de un ataque de nervios en busca del amor (según su sinopsis). ¿Cómo fueron los ensayos y la preparación de tu personaje? ¿Cómo le has dado vida a Cristina? La esencia de Cris estaba en el texto y con esto fuimos probando distintas reacciones y buscando el mundo interior de este personaje. Nos dimos cuenta que era más complejo de lo que parecía, es pura contradicción algo que la hace muy divertida. Ya teníamos la línea del personaje pero me faltaba buscar a mi alrededor una inspiración, el referente, y fui rescatando cositas de personas que me rodean y de mi misma. Hay un momento en el que los personajes casi quieren echar a volar por ese balcón que da título a la obra por la situación que están viviendo en ese momento. ¿Se ha visto Maggie en esa tesitura alguna vez? ¿Has deseado en algún momento po-

der echar a volar, poder escapar de ese ‘algo’ que te aprisionaba? Sí, muchas veces, ¿quién no? Pero intento escapar rápido. Sentirme libre es algo fundamental en mi vida y cuando algo me ahoga procuro buscar la solución para desatar el nudo y volar alto. Me meto en líos, me equivoco, pero lo importante es saber salir de ellos... Las cosas no siempre salen como esperamos, hay que adaptarse, o cambiar de rumbo. Dices que en la obra no todo es amor, sino que también tienen lugar las relaciones humanas. ¿Cómo es esto? Que en la obra aparentemente se habla de amor pero considero que va más allá, que lo que nos sucede estando en pareja, en menor intensidad, también nos ocurre con amigos, familiares, es nuestro ego frente al mundo.... Un balcón con vistas te hace ver como a veces nos ocupamos de mirar fuera, esas vistas que nos gustan o desagradan, nos enamoran o nos enfada, pero olvidamos mirar dentro, nuestra propia casa. El teatro no es para nada nuevo para ti, ¿es el lugar donde más cómoda te sientes trabajando? Bueno, la sensación es distinta pero la esencia es la misma por lo que me siento igual de a gusto frente a una cámara. Yo comencé haciendo teatro y el directo me encanta pero recuerdo que me enamoré de la magia que sentí al estar frente a la cámara. Es maravilloso cuando ves el trabajo de todo el equipo, el resultado no está en tus manos. Cuando ves la criatura que ha surgido del trabajo y el amor de todo un equipo es realmente emocionante.

Has compartido escenario con Natalia de Molina, recientemente galardonada con el Goya a mejor actriz revelación. ¿Cómo de influyente puede ser recibir un premio de estas características en la carrera de una actriz? ¿Te abriría más puertas, haría el camino algo más fácil Sí, he tenido la suerte de compartir escenario con Natalia y su hermana Celia, son dos grandes actrices con las que no me cansaría de trabajar nunca. Muy contenta por Natalia de Molina por haberlo conseguido. Contestando a la pregunta, supongo que sí, es el reconocimiento más potente a la carrera de un actor en cine así que debería abrir puertas... Pero al margen del trabajo ganar un Goya supone mucho más, es el reconocimiento a tu trabajo por parte de compañeros de la profesión, ¡eso es muy bello! Y debe ser una inyección de fuerza enorme. Y en la gran pantalla, ¿cuándo podremos disfrutarte? En Noviembre se estrenó “Temporal” una película dirigida por Caxto que ahora se encuentra en Artistic Metropol, una sala pequeñita pero preciosa todos los miércoles a las 20.30. Aprovecho y os animo a que vayáis a verla. Me siento muy orgullosa de formar parte de esta película, mi personaje es una joven chelista que tiene que hacer trabajos temporales para salir adelante. Seguro que a más de uno nos suena esto… Para terminar, ¿has cumplido hasta ahora todo lo que te has propuesto conseguir? ¿Has tirado la toalla en algún momento?

“Cuando algo me ahoga procuro buscar la solución para desatar el nudo y volar alto.”

Sí, lo he pensado muchas veces pero nunca lo he hecho. Se me ha pasado por la cabeza pero el amor a mi trabajo puede con todos los miedos, y sé que hay que respetar la materia de la que estamos hechos y yo respeto la mía cada día con más fuerza. Sé lo que me hace feliz y lo que quiero lejos, así que voy a por ello. No he cumplido todo lo que me he propuesto, eso sería muy aburrido (risas). Estoy en el camino, y voy paso a paso sin abandonar y sin abandonarme, creciendo y en movimiento.

“Durante el casting, sentía que Fanny era yo, que la comprendía mejor que nadie.”

Falda - Pepe Botella Collar, pendientes y anillo - Anton Heunis

Vestido - Pepe Botella

El fin de la hegemeonia estadounidense EL CRECIMIENTO DE LA FICCIÓN INTERNACIONAL POR JAVIER MORATÓ Año tras año he estado atento a las novedades que nos venían desde el país de las oportunidades. La producción de series en EE.UU ha sido siempre un referente mundial, ideas originales e imaginativas en cualquiera de los géneros posibles. Era inevitable ansiar la llegada del otoño para poder disfrutar de los pilotos que las cadenas nos presentaban en sus parrillas e incluso no era excepcional declararse fan de una serie antes de que ésta comenzase sus emisiones. Pero todo esto ha cambiado, son ya muchas las voces que analizan una posible crisis creativa en EE.UU, especialmente en las cadenas generalistas (CBS, NBC, FOX, ABC y The CW). Pilotos soporíferos, innumerables remakes y spin-offs son síntoma claro de esta crisis. El sector de la comedia es el que creo que más sufre esta situación. La mayoría de estrenos pasan sin pena ni gloria y algunos son directamente cancelados sin piedad. Mom, Dads y Super Fun Night son evidentes ejemplos. Resulta agobiante para un seriéfilo como yo pensar que los bastiones en el mundo de la comedia o están a punto de finalizar, como es el caso de Como Conocí a Vuestra Madre, o están en temporadas muy avanzadas como le sucede a la increíble The Big Bang Theory. Dibujando este panorama tan desolador parece que nos encontramos al borde del

Apocalipsis, pero nada más lejos de la realidad. La crisis creativa estadounidense ha provocado que el sector de la producción para la pequeña pantalla haya tenido que poner los ojos fuera de sus fronteras, comprando ideas a otros países: la cada vez menos aclamada Homeland está basada en la serie israelí Hatufim, The Bridge es un remake de la escandinava Bron/ Broen, la cadena A&E está preparando una adaptación del éxito francés Les Revenants, entre muchas otras. España también ha conseguido introducir su originalidad en EE.UU, Los Misterios de Laura y Pulseras Rojas están siendo adaptadas por la NBC y FOX respectivamente y casi con total seguridad serán confirmadas y presentadas en los próximos Upfronts y estrenadas en la temporada 2014-2015. Por otra parte, encontramos el caso excepcional aunque natural de la producción inglesa, que desde hace ya muchos años consiguió meter cabeza en el mercado americano. La razón está clara, entre EE.UU y Gran Bretaña siempre ha existido un enlace en todos los sentidos, aunque no por ello hay que desmerecer la calidad de las series británicas que nada tienen que envidiar a sus competidoras americanas. Encontramos enormes éxitos internacionales como Sherlock, Downton Abbey, Arriba y Abajo, Broadchurch, The Fall, Peaky Blinders y la eterna Doctor Who. Esto ha provocado que muchos descubramos las virtudes de la producción internacional, una producción que en muchas ocasiones es francamente buena por lo que resulta necesario preguntarse lo siguiente: ¿la hegemónica ficción americana está cediendo terreno? Pues bien, personalmente diría que si ya que cada vez son más sonoros los éxitos de otros países y cada vez es más evidente el estancamiento americano. Por ello, desde VIM os presentamos este mes algunos de esos éxitos.

Empezamos hablando de una serie nacional, El Tiempo Entre Costuras, basada en el exitoso libro de María Dueñas. Se ambienta inicialmente en 1934 en Madrid y cuenta la historia de una joven modista, Sira Quiroga (Adriana Ugarte), de una familia poco adinerada. La protagonista se enamora profundamente de un vendedor de máquinas de escribir interpretado por Rubén Cortada, al que podemos ver recientemente en El Príncipe. Juntos deciden emprender un viaje para formar una vida en Tánger, Marruecos. Pero la excepcional vida que Sira pensaba tener pronto se desvanece ante una dura realidad, resultándole imposible regresar a España por el estallido de la Guerra Civil. Cobijada entre telas e hilo, Sira comienza una nueva vida en la que su profesión se convierte en una mera fachada bajo la que esconde un propósito noble pero muy peligroso que le llevará a arriesgar su vida en innumerables ocasiones. El Tiempo Entre Costuras es una serie excepcional, lenta en algunos momentos pero francamente buena si la comparamos con nuestra tradicional ficción. La ambientación es increíble, reflejando un buen trabajo del equipo técnico y resulta imposible poner un pero a la interpretación de la protagonista. Es necesario resaltar que todavía la ficción española no ha conseguido superar su gran asignatura pendiente: los finales. Si hay que poner algún pero es al final de la serie, que francamente no dice nada. No obstante, con El Tiempo Entre Costuras, vemos un salto de calidad en la producción española y, por ello, aparece en esta peculiar lista.

Producción alemana emitida en ZDF, el canal público alemán, en marzo de 2013. Esta espectacular miniserie de 3 capítulos está centrada en la Alemania hitleriana. Se trata de un tema muy recurrente tanto en la gran como en la pequeña pantalla, pero Hijos del Tercer Reich da un enfoque distinto, concretamente cinco enfoques que se corresponden con los cinco protagonistas. Es probablemente la mejor serie de 2013 que he tenido la ocasión de ver con diferencia. Resulta apasionante y, a la vez, muy duro observar como en pocos años evolucionan las vidas de estos cinco amigos, que no pensaban tener el final al que estaban destinados. Wilhelm Winter (Volker Bruch) es el narrador de la historia. Alistado en el Ejército con el firme convencimiento de luchar por su país, es enviado al frente a luchar contra el Ejército Rojo de Stalin junto a su hermano y amigo Friedhelm. Friedhelm Winter (Tom Schilling), un joven estudiante apasionado de las letras que es enviado forzosamente al frente junto a su hermano. El tiempo y la crudeza de la guerra le transforman en una persona fría y desesperanzada. Charlotte (Miriam Stein), enamorada desde siempre de Wilhelm y entusiasmada con acudir al frente como voluntaria del servicio médico del Ejército alemán. Greta (Katarina Schütter) es ambiciosa y busca su sueño de convertirse en una afamada cantante sin importarle las consecuencias. Viktor (Ludwig Trepte), el novio de Greta. Destinado a esconder su condición de judío ante la persecución incesante del régimen.

Burning Bush es una producción checa para HBO Europa de 2013, basada en una historia real, la historia de Jan Palach, un adolescente que sacrificó su vida quemándose a lo bonzo en la Plaza Wenceslao de Praga, en la que hoy en día encontramos un monumento conmemorativo en su nombre, con la finalidad de protestar ante la ocupación de Checoslovaquia que se produjo en 1968 por las tropas soviéticas del Pacto de Varsovia, que buscaban poner fin al espíritu reformista que se había iniciado en el país y que suponía un grave inconveniente para el bloque comunista. Este acontecimiento despertó la conciencia del país, poniendo en jaque a los seguidores soviéticos que empezaban a verse amenazados ante una posible insurrección del pueblo checoslovaco, alimentada en gran parte por los estudiantes del país quienes intentaban enérgicamente la huelga general. Recomiendo totalmente esta miniserie de tres episodios ya que ayuda a conocer parte de la historia del viejo continente, no tiene desperdicio. Confieso haberme sorprendido gratamente al verla porque combina diversos prismas: el dolor de la familia de Jan Palach, la crudeza del poder ruso que trata de manipular al pueblo y evitar la trascendencia de los actos del joven estudiante, las dudas de una abogada (Tatiana Pauhofová) que teme meterse en el problema por las posibles consecuencias, la lucha y la impotencia del líder estudiantil Ondřej Trávníček (Vojtěch Kotek). Todo el conjunto hace de Burning Bush una serie imprescindible en nuestras listas de pendientes para este 2014.

Coproducida por la cadena inglesa BBC Two, la australiana UKTV y Sundance Channel, Top of the Lake es una miniserie de siete episodios ambientada en un pequeño pueblo de Nueva Zelanda al que la detective Robin Griffin, interpretada por la norteamericana Elisabeth Moss, tiene que regresar después de muchos años para estar con su madre enferma de cáncer. Un regreso que a la protagonista le resultará muy difícil por los agónicos recuerdos que le trae a la memoria su hogar en la infancia. Todo da un vuelco cuando recibe una llamada de la policía del lugar reclamando su intervención como experta en abusos sexuales al haberse descubierto que Tui Mitcham (Jacqueline Joe), de tan sólo 12 años e hija del hombre más poderoso del pueblo, está embarazada. Robin se toma el caso como algo personal lo que dejará mella en ella y hará florecer sus más temidos recuerdos sobretodo cuando la pequeña desaparece repentinamente. Toda la historia principal se conjuga con una trama secundaria, aunque difícil de calificar, al llegar un grupo de extrañas y excéntricas mujeres, lideradas por la más excéntrica si cabe GJ (Holly Hunter), que buscan en este pueblo remoto un lugar donde vivir temporalmente apartadas de los hombres. Quizá sea este el gran pero de la serie ya que nunca se llega a saber la finalidad que han pretendido los creadores al introducir este extraño elemento. Muchos califican a Top of the Lake como una ficción lenta, pero es ahí donde se encuentra su grandeza. Los planos, el ambiente, la oscuridad, la rareza de los personajes y del propio pueblo que entraña numerosos secretos, genera desesperación en el espectador y, por ello, es una serie imprescindible.

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El primer trimestre de 2014 ha deparado agradables sorpresas y éxitos en las producciones televisivas nacionales. Unas han sido más esperadas, como la llegada de la serie de Antena 3 Velvet, que ya se anunciaba a golpe y platillo desde hacía meses, y otras han caído de pie con mayor sorpresa, como es el caso de El Príncipe o La Voz Kids.

Los nuevos ‘príncipes’ de la ficción española POR NACHO CIVERA GUILLÉN

La segunda parte de la temporada televisiva, aquella que comienza tras las vacaciones de Navidad, es el momento para que las cadenas de televisión nacionales y extranjeras vuelvan a la carga con nuevos productos con los que sorprender a la audiencia y dar la vuelva a la tortilla en el caso de que el primer cuatrimestre del curso no haya sido bueno. En el caso de España, eran muchas y variadas las producciones que prometían brillar con luz propia en estos primeros meses del 2014. Unas no han alcanzado su objetivo, otras comenzaron con muy buen pie pero se fueron desinflando por el camino, como fue el caso de la serie de Antena 3 Bienvenidos al Lolita, que ya se sabe que no tendrá continuación en una hipotética segunda temporada. Finalmente, otras sí se han hecho un hueco entre los gustos de los telespectadores. De estas, destacamos tres que por sus altos niveles de audiencia, merecen una mención especial en nuestro repaso por los primeros exitazos del año: El Príncipe, Velvet, y la versión junior del talent show La Voz, conocida como La Voz Kids.

El Príncipe A la espera de confirmar su impresionante comienzo con la emisión de los siguientes capítulos, lo que está claro es que la serie de ficción de Mediaset ha sido la gran triunfadora del mes de febrero en cuanto a lo que de ficcionales nacionales se trata. La serie comenzó a emitirse el pasado 4 de febrero, capítulo que alcanzó más de un 26% de share de media, un dato que lo convertía en el mejor estreno de la cadena desde Aída en 2005. Palabras mayores. La serie, que tiene como gran característica la modernísima tecnología con la que ha sido rodada y su cercana vinculación con hechos noticiosos de actualidad muy vinculados a la información de sucesos, narra la conflictividad real de la barriada

ceutí de El Príncipe, considerado por muchos el barrio más peligroso de España. La historia pivota en torno al personaje de Javier Morey, interpretado por el joven actor Álex González, y al de Fran Peyón, encarnado por el veterano José Coronado. Javier es un prometedor policía del Centro Nacional de Inteligencia (CNI) que es destinado a la comisaría de El Príncipe donde se sospecha que se llevan a cabo actividades de colaboración con grupos de fundamentalistas islámicos. Al frente de la comisaría se encuentra Peyón, gran conocedor de la zona y con la suficiente inteligencia para saberse manejar con habilidad entre buenos y malos a costa de unas prácticas poco ortodoxas. La historia además incorpora una historia de amor, la que vive Morey con Fátima (Hiba Abouk), hermana del líder de un grupo de narcotraficantes también implicado en el devenir de la comisaría ceutí y en uno de sus casos sin resolver: la desaparición del hermano de ambos. El Príncipe, que tiene visos de ser una serie de largo recorrido, y por tanto contar con más temporadas, no ha sido sin embargo ajena a las críticas y a quienes ponen en duda la veracidad del relato con la realidad del barrio retratado en cuestión.

Velvet La llegada de Velvet no ha pillado de improvisto a nadie. La serie, rodada hace ya tiempo, se venía anunciando desde 2013 aunque sin fecha fija de estreno. Finalmente este pasado mes de febrero vio la luz con grandes datos de audiencia, en torno al 24,5% de share y desbancando a otro estreno, el de B&B, protagonizado por Belén Rueda y Gonzalo de Castro. La producción de Antena 3 es un drama de época al estilo de la también exitosa adaptación televisiva de la novela El tiempo entre costuras. En este caso, la historia gira en torno al amor prohibido de dos personajes, Alberto (Miguel Ángel Silvestre) y Ana (Paula Echevarría), que deben

superar los prejuicios por las diferencias de clases sociales de ambos propios de mediados del siglo XX, época en la que está ambientada la serie. La producción gira en torno a unos almacenes de moda del que Alberto es miembro de la familia propietaria y Ana ocupa el puesto de costurera. Ambos, amigos de la infancia, fueron separados desde adolescentes por el miedo a un enamoramiento “no conveniente” especialmente para él, algo que se confirma años más tarde en su reencuentro. Una apasionada historia de amor que cuenta con ingredientes que han triunfado recientemente en la pequeña pantalla y que espera aguantar al desgaste de las ambientaciones de época, con altos costes de producción por lo general.

La Voz Kids Otra fórmula que no deja de funcionar en televisión, al igual que lo hacen los programas de cocina, son los talent shows con niños. Exitosa y aplaudida fue la versión menuda de Master Chef, y siguiendo su estela, La Voz estreno hace unas semanas su versión infantil, que también ha arrasado en audiencia, superando los datos incluso de todas las galas de la segunda edición de la versión sénior. El estreno de La Voz Kids, que cuenta con las mismas caras que la versión adulta, como Jesús Vázquez al frente de la presentación y David Bisbal, Malú y Rosario en el jurado, superó el 26% de share en su estreno y el 30% en su segundo programa, barriendo literalmente en algunas Comunidades Autónomas. El concurso sigue la misma dinámica que La Voz, con audiciones a ciegas, batallas y la gran final. Nada menos que 10.000 chavales se presentaron en su día al casting, y de ellos algo menos de 100 pasarán por el programa. La clave del éxito, el talento y la chispa de los más peques, que siempre encandila al público más familiar. La Voz Kids, sin embargo, tampoco se ha librado de las críticas por su horario de emisión, y es que hasta el mismísimo The New York Times ha puesto recientemente el grito en el cielo por los horarios de los programas españoles de máxima audiencia, más si cabe en aquellos con un alto porcentaje de público infantil, como el programa que nos ocupa. En este caso, éxito también es sinónimo de ojeras al día siguiente, y si no que se lo preguntes a los seguidores de La Voz Kids.

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Fotografía: Sergio Lardiez Maquillaje y Peluquería: Naomí Gayoso (N.Y.C.) para Inglot cosméticos Barcelona y Mön I.C.O.N. Estilismo: Laura Martín Texto: Irene Muñoz

Camisa - Levi’s

Nació hace 24 años en Barcelona. Su interés por la interpretación empezó en el colegio, pero no fue hasta el año 2005 cuando consiguió un papel secundario en la serie “Abuela de verano” en Televisión Española. Tres años después debutaba en la gran pantalla dirigido por Sílvia Munt en “Pretextos” (2008). La trayectoria de Álvaro Cervantes cada vez es más amplia, se dio a conocer en “El Juego del Ahorcado” (2009), y ya ha trabajado en varios largometrajes como “Tres metros sobre el cielo” (2010). Le hemos podido ver en la serie “Luna, el misterio de calenda” (Antena 3) donde desempeñaba el papel de Joel, en “El corazón del océano” (Antena3) interpretando a Alonso, y ahora prepara la nueva serie “Hermanos” (Telecinco) junto con María Valverde. Álvaro, ¿Cuándo te diste cuenta que querías dedicarte a la interpretación?

teranos y buenísimos como Rosa María Sarda y un grupo de niños majísimos y con muchas ganas de jugar.

Me di cuenta de que quería vivir con la interpretación cerca o hacerla mi profesión de alguna manera cuando me subí a un escenario por primera vez con la compañía de teatro de la escuela y disfruté como un enano en el escenario. Desde pequeño me ha interesado lo artístico, y el espectáculo más, me llevaban a ver marionetas, payasos y teatro. Y aunque tenía un sentimiento de prudencia o de timidez, cuando pedían un voluntario para salir al escenario, corría para estar allí el primero. Tenía necesidad de expresar, de crear o de acompañar a esos artistas que estaban en el escenario.

Fue un inicio inmejorable, una experiencia única y que de alguna manera me hizo confiar y seguir creyendo que eso era a lo que me quería dedicar. De alguna manera ya lo había hecho, pero empezar profesionalmente me hizo seguir por ese camino. A partir de ahí conocí a mi agente, Walter, y comenzamos a trabajar en equipo juntos y poco a poco fuimos llegando hasta ahora.

¿Cómo te abriste camino en este mundo? Empecé a ir a una escuela de teatro pero era todo como un juego, con ejercicios para jugar con la imaginación y disfrutar de una manera más completa del juego que no deja de ser la interpretación. En esta escuela hubo una vez un anuncio para un casting que realizaba Pep Armengol para una película, y aunque no me cogieron, al cabo de un tiempo Pep hizo otro casting para Abuela de verano en el que sí me cogieron. De repente me encontré ensayando con un grupo de actores ve-

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El “Juego del ahorcado” fue una de tus primeras películas, y podríamos decir que es la que te dio a conocer. ¿Qué significó para ti? El juego del ahorcado fue una experiencia muy intensa y muy larga. Podría decirse que crecí con la película porque cuando me llegó la noticia de que se iba a preparar, no tenía mucha más información salvo quien era el director de casting y de la película. Hice una búsqueda de información y vi que estaba basada en una novela de una escritora de Gerona, y evidentemente me la compre, la leí y me encantó. Me pareció que podía dar ese personaje, por la edad y por esa pasión con la que afrontaba el trabajo. Me apetecía mucho ponerme en la piel de ese perso-

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naje atormentado y locamente enamorado de Sandra (Clara Lago). Desde que leí la novela hasta que se hizo el casting, desde el casting al rodaje y desde el rodaje al estreno pasó mucho tiempo, fueron tres años de proceso. En esa edad tres años son muchos, y se creó una pequeña familia, un equipo de rodaje que daba la sensación de eso, sobre todo con los actores. Me costó un poco desprenderme de tanto amor por esa historia y por tanta gente, pero la vida sigue y al final con Clara por ejemplo me he reencontrado ahora en El Corazón del Océano. Precisamente gracias a este papel recibiste la nominación al Goya como Actor Revelación. ¿Son realmente relevantes en la carrera de un actor galardones de este tipo? ¿Crees que hubiera cambiado en algo el transcurrir de tu carrera de haberlo ganado? La verdad no lo sé, pero también es verdad que aunque lo supiera, como no ha sido, mejor no pensarlo mucho. Si es verdad que el tema de los premios, para mi es más el reconocimiento de tus compañeros de profesión que el premio en sí. Ese reconocimiento y confianza la noté ya con la nominación, y para mi ese fue el premio. Tampoco le di muchas más vueltas cuando no fue para mí, me pareció que era lo que tenía que ser. En la película hay varias escenas subidas de tono con Clara Lago, ¿Cómo te preparas para rodar este tipo de secuencias y conseguir abstraerte del ambiente de rodaje que os rodea? En este tiempo, trabajábamos pero éramos muy jóvenes. Establecimos una confianza, y un rigor en el trabajo propio y en el del compañero que hace que cual-

quier escena se trabaje bien y como hay que trabajarla. No supone tampoco nada traumático ni nada incomodo. Es una situación un poco íntima, pero no hay que olvidar que forma parte del personaje, de la situación y del juego. Son escenas que están pactadas y se trabajan dentro de unos límites, unas normas, que son las normas de la interpretación. Creo que se aprende mucho de hacer este tipo de escenas, como actor. Nos toco hacerlo bastante jóvenes, pero me encanta como salen en la película, porque cuentan cosas y son necesarias. ¿Cómo de importante es el feeling con tu compañero a la hora de sacar adelante cualquier tipo de secuencia? Para mi trabajar con amigos, con gente que ves más allá de la pantalla y en la que confías, creo que es ideal. Muchas veces pasa eso, que tus compañeros se convierten en tus amigos porque conectas con ellos y como actor esa conexión ayuda mucho, esa escucha, esa observación, ese amor, esa confianza. Has trabajado con Clara Lago en dos ocasiones, en la película “El juego del ahorcado” y en la miniserie “El corazón del océano”. ¿Cómo es trabajar con ella, repetirías experiencia? Con Clara yo trabajaría siempre. Es una pedazo de actriz y una gran amiga y en ese sentido es muy fácil trabajar con ella, muy divertido y me encanta el resultado que se obtiene siempre con ella, es muy autentico Podríamos decir que “Tres metros sobre el cielo” es la película por la que más fama te ha generado, gracias a tu papel de Pollo. ¿Cómo ha sido la experiencia de rodar una película

tan mediática? ¿Cambia la forma de trabajar según las aspiraciones que se tengan con el proyecto?

pel de ésta índole o convencer a la gente de la naturalidad que hay detrás de ésta historia de amor, tan poco habitual?

En el momento en que estas rodando no estás pensando lo mediática que va a ser. Es verdad que se partía de una novela superventas y que había mucha expectación, pero analizando un poco el contexto podías llegar a pensar que iba a llegar a mucha gente y podía ser un éxito. Pero cuando estás rodando, eso no cabe en la cabeza porque no tiene nada que ver con la historia que se está contando. Aparte lo vivimos muy desde el disfrute, desde el ser un equipo. Éramos muchos, rodando en muchas localizaciones, con mucha acción y eso de alguna manera hacia cada día una aventura y una sorpresa. Estábamos viviendo esa aventura día a día y yo solo puedo decir que me lo he pasado en grande haciendo ese personaje y compartiendo escena con todos mis compañeros.

Las dos cosas van relacionadas. El actor tiene que creer en esa historia y ponerse en la piel de ese personaje, sin prejuicios para que la gente también lo haga como espectadora. Rai es un personaje que no tiene un lugar donde vivir, concibe el amor y las relaciones de una manera completamente libre, tiene ese punto de utopía que se aleja un poco de nuestra realidad cotidiana.

Tus últimos trabajos han sido en series de televisión, pero ¿Dónde prefieres trabajar en cine o en televisión? Yo quiero trabajar con personajes que me motiven, que me emocionen, en los que me apetezca ponerme en su piel. Me da igual en qué medio se hagan. Ahora las barreras entre televisión y cine están muy diluidas; cada cosa tiene sus tempos y sus maneras, pero a mí lo que me importan son los personajes y sus historias. Me dejo llevar por eso, no hay un ‘ABC’ para mí. Con el teatro he aprendido mucho y tengo ganas de volver a hacer porque es un proceso que me gusta vivir. Quizá uno de tus papeles menos tradicionales ha sido el de Rai en la película “El sexo de los ángeles”, en parte, por su libertad sexual. ¿Qué supone un reto mayor: meterse en un pa-

“Trabajar con amigos, con gente que ves más allá de la pantalla y en la que confías es ideal.” Tu mirada inocente hizo que nos sorprendiéramos en tu interpretación de Joel en la serie “Luna, el misterio de Calenda”. ¿Ha sido tu papel como hombre-lobo el más emocionante de tu carrera? La oportunidad de interpretar un personaje tan mítico, como es esa bestia que significa un hombre-lobo fue muy emocionante. No todos los días te dan la oportunidad de interpretar, de alguna manera, las dos caras del hombre. Un monstruo, pero también esa mirada humana e inocente del niño como es Joel. Me parecía un gran reto y precisamente por eso me acerqué a él con muchas ganas y con mucha pasión. Me parece que la transformación es el quid de la cuestión del actor, transformarse, ser otro, y en este la transformación era literal. Fue muy divertido y lo disfruté mucho.

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Recientemente ha terminado “El corazón del océano”, una miniserie de aventuras que se emitía en Antena 3. ¿Fue complicado meterse en la piel de Alonso, un chico que se encuentra en pleno siglo XVI? ¿Cómo preparaste el personaje? Desde un principio, se afrontó la historia y los personajes desde el conflicto que tenían, desde su situación, pero tampoco queriendo hacer nada que se alejara de nosotros. Ponernos en la piel de los personajes desde su propia mirada, pero sin recargarlo de un contenido demasiado literario. Ha sido una experiencia en la que, para mí, ha incidido mucho lo que es la ficción con la realidad. Como actores que se van a Colombia en esa aventura ya teníamos mucho ganado viviendo algo parecido a lo que vivieron esos personajes entonces. Las condiciones entonces eran extremadamente duras, su viaje duró años en cambio el nuestro fue de 3 meses, pero de alguna manera esa convivencia y ese viaje también lo vivimos. ¿Admiras la valentía de Alonso? Sí, admiro la valentía de Alonso y la de todos los personajes de “El corazón del océano”. Alonso es un personaje que huye, lo están persiguiendo, lo quieren matar y la única forma que encuentra de sobrevivir es cruzando el charco y metiéndose en una expedición que ni se podía imaginar lo que significaría para él. Es un personaje que piensa en el futuro, en sobrevivir y eso es admirable. Los tres meses del rodaje en Colombia, fueron experiencia que algunos de tus compañeros afirman que les cambió la vida. ¿Qué te aportaron a ti, personal y profesionalmente, esas semanas en un paraje

tan diferente a lo que estamos acostumbrados? Me reafirmaron la idea de que para trabajar en esto es clave la confianza y el trabajo en equipo. La confianza era lo primordial e imprescindible, no habríamos aguantado lo que aguantamos, ni vivido lo que vivimos de la misma manera, sin esa amistad. Estuvimos un mes metidos en un hotel bastante decadente, donde no había nada. Estábamos al lado de un parque natural precioso y salvaje, pero no había mucho más que hacer que hablar con tus compañeros, ensayar y descansar. A veces en nuestro entorno se nos olvida, es tan prescindible, estábamos unidos y eso ayuda mucho a la hora de trabajar. La línea entre realidad y ficción se borra. Yo me quedo un poco con ese contacto con mis compañeros, con el lugar y con el trabajo. El contacto con el lugar y con la gente es lo que me hace feliz. Tendréis miles de anécdotas de esos meses, ¿alguna que recuerdes con especial cariño? Pues sí, una escena del último capítulo. Empezamos de noche a montar toda una infraestructura para poder grabar al amanecer, fue un poco caótico, porque estábamos a oscuras y tuvimos que esperar varias horas a que se solucionara el tema eléctrico. Cuando por fin llegó la luz en maquillaje, se encendieron las bombillas de los espejos y empezaron a llegar unos bichos del tamaño de un dedo, de moscas y hubo una invasión de insectos que nos golpeaban en la cara y en los espejos, fue un espectáculo. Al final el día arrancó bien, y volví a tener esa sensación entre realidad y ficción, viéndome en el amanecer cabalgando con mi amiga Clara Lago por medio de la selva. Fue una experiencia casi religiosa. Sentí que eso que estaba pasando era único y que nunca antes había sentido algo igual.

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Telecinco está preparando el estreno de la miniserie “Hermanos” en la que interpretas a Alberto, un chico inteligente, enamorado de su vecina pero que no sabe ligar. ¿Compartes algún rasgo con tu personaje? Lo que más me identifica con mi personaje es que Alberto muy cerebral, racional y que planifica mucho su vida. A veces, se olvida un poco del presente, de cómo se siente, cómo está y qué es lo que necesita de verdad. Está más pensando en su camino y en su meta. No de la misma manera, pero me considero cerebral, en el sentido que le doy vueltas a las cosas. A veces me gustaría poder descansar un poco más la cabeza, y no pensar tanto en lo que fue y lo que será. Estar más en lo que es. Aún así, Alberto tiene un camino y unos valores que no comparto, pero han sido interesantes de trabajar. La miniserie cuenta con un elenco de altura como reclamo principal, ¿qué podemos esperar de ella?

“Hermanos” es una serie de tres personajes. Los dos hermanos, Antonio Velázquez como Juan, y yo como Alberto. Y Virginia (María Valverde) la vecina. Se han criado juntos desde pequeños y se conocen mucho, pero también conocen mucho sus diferencias. Es una historia de amor de tres. Antonio Velázquez interpreta a Juan, un hermano instintivo y opuesto a tu personaje, con el que además de sangre compartes el amor por Virginia, encarnada por María Valverde. ¿Te has visto alguna vez en una situación similar con alguna persona cercana? Lo máximo que he vivido como triángulo amoroso fue de pequeño. Recuerdo estar enamorado de una niña que creía que algún día me haría caso, pero no hubo ma-

nera. De alguna manera, he sentido esa sensación de compartir el amor frustrado con el que fue y es mi mejor amigo. A ninguno de los dos nos hizo caso, y al final se fue con el que pasaba de ella. Recuerdo que en cada baile de fin de curso de los campamentos ella se turnaba un año uno y otro año otro, pero no le gustaba ninguno de los dos. En cuanto a esa idea de triangulo amoroso, lo he vivido más en ficción como en “El sexo de los ángeles”. Según la sinopsis, juntos lucharán por cambiar el mundo en el que viven y realizarse profesionalmente. ¿Qué cambiaría Álvaro del mundo en el que vivimos? Sobre todo la empatía de la gente hacia otras personas, todo iría mucho mejor si nos pusiéramos en el lugar del otro. Vivimos en un mundo muy idealista, mate-

rialista y de alguna manera, todo lo material pasa a un primer nivel. Todo lo que significa enriquecerse y tener más pasa por encima de la vida de las personas. La empatía y los valores, son los principios que deberían que estar por encima de todo. No deberíamos olvidarnos de lo básico que es convivir. A lo largo de tu carrera has interpretado personajes muy diferentes. ¿Qué papel ha sido el más importante? No me puedo quedar con uno. Todos los personajes que he ido haciendo me han aportado cosas nuevas, los he recibido siempre desde el punto de vista de qué me podían ofrecer y cada personaje me ha enseñado muchas cosas como actor. Sí que es verdad, que tengo muchas ganas de compartir mi personaje de Alberto de “Hermanos” porque es un personaje que tiene un recorrido muy largo, gracias a los guionistas y directores que nos han llevado de la mano por caminos que de entrada parecían muy complejos y que hemos podido recorrer.

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Últimamente las comedias como “Aída” o “La que se avecina” están teniendo mucho éxito. ¿Te has planteado trabajar en alguna serie de éste género? Siempre me ha gustado mucho ponerme en situación de comedia, de pequeño quería ser payaso y lo quiero seguir siendo. Mi ídolo referente siempre ha sido Jim Carrey. He visto la “Máscara” cientos de veces. Me gusta lo excéntrico, ponerme en esa tesitura, pero aún no se ha dado la oportunidad. Cuando se dé estaré encantado. ¿Piensas que tu físico es una herramienta a tu favor? La imagen cuenta para poder hacer según qué personajes, pero no sólo el físico, también como te mueves y como hablas. Mi ilusión, sería llegar a transformarme a todos los niveles con personajes que tengan un cambio físico como es el caso de “Hermanos”, que hay momentos en los que me veo y no me reconozco como Álvaro. Lo que es verdad es que la industria y el público, ubican a un actor en personajes que se asemejan a él, pero un actor puede hacer todo. ¿Cuál ha sido la peor escena a la que te has enfrentado? Cuando las condiciones climatológicas no acompañaban, por ejemplo trabajar con frío me parece un horror. Estar grabando una serie o una película que representa verano, pero realmente es invierno e ir en manga corta a 9 grados. Para mí eso es lo más duro. Lo que te estorba en tu trabajo y que no puedes controlar.

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En estos momentos, ¿te consideras un actor completo? Ni mucho menos. Me doy cuenta de lo que necesito, de donde quiero llegar y lo que quiero conquistar como actor. Pero me queda todo por hacer y por aprender. Empezaste los estudios de Comunicación Audiovisual, ¿es uno de tus proyectos futuros abarcar otros ámbitos del mundo audiovisual? ¿Qué proyectos próximos tienes para éste año? A medida que han ido pasando los años, me doy más cuenta de lo complejo que es el oficio. Creo que ya bastante tengo con trabajar y disfrutar de la actuación, como para pensar ahora mismo que quiero abarcar otros ámbitos. El día que me nazca lo haré, pero no es algo que tenga ahora en mente. Me queda muchísimo por aprender como actor y me quiero centrar en eso. Para este año de momento, sólo estoy con “Hermanos”, formándome y viajando para practicar el inglés.

“La empatía y los valores, son los principios que deberían estar por encima de todo.”

Ricardo Gómez y Pablo Rivero fueron nuestra portada del número de Febrero, y dejaron ésta pregunta para ti: Si tuvieras que ser un personaje de una serie española, ¿cuál serías y por qué? Me gusta el personaje que hace José Coronado en el “Príncipe”. Me parece atractivo por lo que oculta y la tensión que se genera alrededor de ese personaje. Es un personaje que en unos años me gustaría meterme en la piel.

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BATES MOTEL “¿Quién era Norman Bates?” POR IRENE MUÑOZ

por Vera Farmiga), revelándonos los orígenes de Norman y los sucesos que llegan a convertirle en un psicópata, un asesino en serie. Además, de diferentes tramas secundarias que complicarán aún más la historia, como el primer amor de Norman que tendrá relación con su locura, la historia de amor surrealista de la madre, el trato con el sheriff del pueblo, las complicaciones de vivir con un hermano no cuerdo (Dylan interpretado por Max Theriot), y por último, y sin que sirva de precedente, el secreto del pueblo. Acontecimientos que podremos encontrar en tan sólo la primera temporada, que se inicia tras la muerte del marido de Norma. Madre e hijo, se mudan a un caserón a las afueras de un pueblo para dirigir un motel y conseguir empezar de nuevo.

Han pasado 54 años desde el estreno de uno de los clásicos del cine de terror y del suspense más valorado de la historia del cine, “Psicosis” (1960) de Alfred Hitchcock. Su historia ya pasó de la literatura al cine, y ahora, del cine a la televisión. La serie de televisión estadounidense “Bates Motel” es la precuela de los personajes de la novela “Psicosis” de Robert Blonch y la película “Psicosis “de Alfred Hitchcock. La serie estrenada en España en septiembre de 2013 en TNT, tiene como hilo principal mostrar la relación retorcida de Norman Bates con su madre Norma (interpretada

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A pesar de que la serie intenta ser fiel a los originales, cambia algunos elementos como por ejemplo, la ciudad en la que se sitúa la acción que será White Pine Bay (Oregón) y no Fairvale (California). Elementos irrelevantes en la trama de ésta serie de suspense. Sin embargo, el tratamiento de la serie desconcierta un poco al espectador fiel de ese Psico de 1960, ya que la introducción del móvil en la trama resulta poco apropiada. Parece que los creadores han querido reflejar una época más moderna introduciendo estas tecnologías (como son el móvil y el or-

denador), esto sería positivo si concordase con el resto de elementos que conforman la historia, como la vestimenta de los personajes que no está acorde con ese “toque” de modernismo actual. Su protagonista, ya lo conocemos, fue aquél niño que nos cautivó en la película “Charlie, en la fábrica de chocolate”, el ahora adolescente Freddie Highmore encarna de una manera espectacular a Norman Bates. Ya no sólo por sus acciones, movimientos e interpretaciones… su mirada nos penetra, nos hace entender quién fue Bates, ver ese miedo y esos rasgos de locura, y principalmente cuándo empezó todo. Es complicado definir la serie en un género, puesto que no la podríamos considerar de terror si la comparamos con “American Horror Story”, aún así muchos la definen como suspense o thriller. Tal vez, porque en la primera temporada han ido dejando muchas tramas abiertas que han resuelto de una manera bastante lenta. Aún así, muchas de ellas son predecibles y poco realistas, eso que hace que el espectador pueda esperarse cualquier cosa, y en consecuencia pierda el interés. Una serie que con tan sólo una temporada emitida y otra recién estrenada, ha dado de que hablar no sólo por estar basada en un clásico, también por los grandes nombres que se encuentran tras ella. Una producción de Universal Television en la que Carlton Cuse (productor ejecutivo de Lost) y Kerry Ehrin (Friday Night Lights) son los productores ejecutivos.

ALEJANDRAa v e i n O

Juventud, frescura y ambición son los ingredientes principales de la carta de presentación de Alejandra Onieva. Tras llegar a nuestras pantallas como Soledad en la serie líder de la sobremesa, El Secreto del Puente Viejo, esta actriz madrileña da el salto al cine en el drama romántico Por un puñado de besos, que llegará a los cines el próximo Mayo. Este mes, en VIM Magazine, repasamos sus primeros pasos en un mundo al que ha llegado para quedarse.

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Cazadora - Leviâ&#x20AC;&#x2122;s Falda - Manuel Spuch Anillo - Anton Heunis

Pequeña en edad, pero grande como profesional. Iniciaste tu andadura en el mundo de la interpretación con Soledad y ‘El secreto de Puente Viejo’. ¿Esperabas esta oportunidad? Una siempre espera que le den la oportunidad, como se suele decir la esperanza es lo último que se pierde, pero es cierto que cuando te dan la oportunidad no te lo crees y es de las mejores sensaciones. Para llegar a este papel dejas aparcados tus estudios en Publicidad y Relaciones Públicas… ¿Qué pensó tu entorno cuando tomaste esta decisión? ¿Te has arrepentido en algún momento o piensas retomarlos? Al principio sentí miedo y mi familia aún más, dejar los estudios es una decisión muy difícil, estaba cerrando puertas pero abriendo otras totalmente distintas. Mi familia me apoyó en todo, y aunque dejar los estudios no fuese lo que ellos hubiesen preferido en aquel momento, tenía que aprovechar la oportunidad y ellos lo sabían. El Secreto de Puente Viejo ha superado todas las expectativas y más de dos años después sigue líder en la sobremesa. ¿Qué has aprendido tras este tiempo, varios cientos de capítulos viviendo como Soledad? Aprender he aprendido todo y lo que me queda. Soledad es un personaje muy especial y he podido vivirla desde sus 17 años hasta los 36 más o menos, eso me ha permitido poder defender diferentes edades e ir desarrollando toda una historia.

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Es curioso los saltos temporales en la trama, y la ida de personajes que en un momento se consideraron importantes. ¿Cómo se consigue mantener al público tras las pérdidas por ejemplo, de Megan o de Álex Gadea?

“En El Secreto del Puente Viejo lo he aprendido todo”

Nunca se sabe cómo reaccionará el público cuando se van grandes compañeros como ellos, pero la gente lleva ya mucho tiempo viéndonos y tendrán curiosidad por saber sobre el resto de las historias que también siguen. Puente Viejo tiene muy buenos guionistas que intentan enlazar las historias para que ninguna se quede atrás. ¿Podríamos pensar entonces que no es tan importante el personaje en sí, sino la forma de reconducir la historia? Yo creo que es importante todo, no creo que haya una fórmula. Hay muchas series que tienen muy buenas historias y con maravillosos personajes y no tienen el éxito que esperaban y viceversa. Con Puente Viejo tuvimos mucha suerte porque fue de las series que se puede decir que tiene grandes historias, grandes personajes y mucho éxito, y no puedo estar más contenta de que así sea. Hacer una telenovela diaria supone muchas horas de rodaje semana tras semana. ¿Cómo es para Alejandra una semana normal? ¿Te queda tiempo para ti? Una serie diaria es muy dura pero también te acostumbras a esa rutina. Durante la semana te concentras en trabajar dormir y descansar para recargar las pilas, una ya tiene el finde para salir con los amigos y comidas familiares.

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El teatro te permite perfeccionar el personaje y la historia y está precedido de muchos ensayos habitualmente. En la serie todo es mucho más rápido y la improvisación a veces es necesaria… ¿Dónde te sientes más cómoda?

al español? ¿Te ha sorprendido este éxito?

Yo me siento más cómoda en la serie, igual es porque es donde estoy acostumbrada a actuar, pero es cierto que en una serie diaria no te da tiempo a preparar tanto un personaje ni los guiones y a veces es una frustración, pero cada cosa tiene lo suyo.

Uno de tus próximos proyectos es la película ‘Por un puñado de besos’. Es un film con un elenco repleto de caras conocidas, sobre todo en el público juvenil, algo que podría catalogarla como un éxito seguro. ¿Compartes esta percepción?

Todos tenemos miedos, fobias o supersticiones… ¿qué es lo que no te atreverías a hacer, o te costaría horrores, aunque sea por ‘exigencias del guión’? Las escenas de sexo me cuestan muchísimo y escenas con agujas no puedo. Mientras no me toquen no hay problema (risas) Tal y como está la situación cultural en España, ¿te ves fuera probando suerte? ¿Qué cualidad crees que te haría diferente fuera de nuestras fronteras? Me encantaría irme fuera y vivir diferentes experiencias, pero también quiero trabajar aquí. Quiero trabajar en todos lados y ser yo misma (risas) El Secreto del Puente Viejo es una serie muy seguida en otros países como Italia, con un público muy fiel, ¿Qué ha hecho que la historia llegue también a un público con gustos diferentes

El Secreto tiene historias muy buenas y con mucho drama que conmueven al público y viven nuestras historias, así que seguramente tendrá éxito en cualquier lugar que lo emitan.

Por supuesto, pienso que va a ser éxito asegurado. Al público juvenil seguro que le va a encantar, pero a los no tan jóvenes también. ¿Cuál es el punto fuerte de la película? ¿Qué va a ofrecer a los espectadores que acudan a las salas? Un drama que podría pasarnos a cualquiera y te hace ponerte en la situación de cada personaje llegando a entender todas las posturas. En esta historia hay de todo, y ese es el punto fuerte Se trata de la primera adaptación al cine de un libro del conocidísimo escritor catalán Jordi Sierra i Fabra. ¿Hará justicia a la maravillosa historia que se pueden leer en las páginas de la novela? Por supuesto que le hará justicia, yo apuesto un montón por la película.

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Hablando de adaptaciones… ¿Qué prefieres hacer antes: ver la película o leer el libro sobre el que está basada? ¿Por qué? En mi opinión siempre hay que leer el libro antes que la película ya que la historia y los personajes salen de tu imaginación. Lo bueno es que salen primero los libros y luego las películas, así que es mejor de este modo y cuando uno va al cine a ver la película ve si los personajes y todo lo demás es como se lo había imaginado. Es una película que lleva rodada mucho tiempo y ha crea-

do muchas expectativas en las redes sociales durante estos meses. ¿Qué de favorable tiene hacer esperar un proyecto? Con tanta espera la gente cada vez tiene más ganas de que llegue el momento de su estreno, ¡lo bueno se hace esperar! Para terminar, ¿cuál es el siguiente paso que quieres dar, si de ti dependiera, a nivel profesional? ¡Cine, cine y cine! Aunque en realidad por mí haría de todo, series, teatro...

test personal Elige… Cine, Teatro o Televisión Actor/actriz inspirador

Comedia o drama Drama Una ciudad

Kate Winslet

New York

Director con el que te gustaría trabajar:

Una manía Dormir siempre a oscuras

Cine

Richard Curtis Serie que sigues ahora mismo The Big Bang Theory De no ser actriz serias… Psicóloga Si estuvieras rodando una comedia romántica, tu media naranja sería...

Una comida Sushi Próximamente te veremos en... Por un puñado de besos.

Ryan Gosling

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¿Atmósfera nórdica en Nueva Zelanda? La globalización puede con todo. Jane Campion tocada por la varita del séptimo arte: El Piano. Holly Hunter, Anna Paquin, Hervey Keitel, Michael Nyman, nada sobraba en esta atípica cinta de 1993. Después, Retrato de una Dama, Holy Smoke, En carne viva, todos ellos títulos errados en el camino que la propia directora había trazado para sí misma. Ahora nuestra confidente nos avisa: Top of the Lake, miniserie de 7 capítulos creada y codirigida por Campion. Es un thriller de la nueva ola, con atmósfera de series policíacas nórdicas, de paisajes inquietantes, personajes contundentes, ritmo lento y banda sonora atrayente. La detective Robin Griffin vuelve a su pueblo natal a cuidar de su madre enferma y es requerida por la policía local para ayudar en el caso de desaparición de una niña de 12 años embarazada e hija del capo local.

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Top of the lake

La serie trata la relación entre sexos en su forma más infame: pederastia, incesto, violación, y mujeres víctimas del despotismo masculino.

te. ¿Recupera Campion la senda del Piano? Podría haber sido la mejor serie del año, responde, pero le falta algo en los últimos capítulos que parece condenarla a un desenlace de telenovela barata.

¿Y bien? Pregunto a nuestra confiden-

Pues vaya.

¿Otra de detectives?

No. Acérquense y lean.

Qué parece: serie más para el gusto

del respetable de todo pelaje. Lo mismo de siempre: dos detectives antagónicos que investigan una serie de asesinatos horrendos con tintes satánicos. Woody Harrelson en la piel de un policía bonachón, padre de familia, con los pies en el suelo (un Sancho Panza con barras y estrellas); y Matthew McConaughey en la del detective-filósofo, huidizo en su extrema delgadez y su libretón de notas (a la sazón: Don Quijote).

Qué es: sin lugar a dudas, no es una serie para todos los públicos. El crimen es lo de menos en esta historia de personajes atrapados en varios tiempos y lugares, excelentemente interpretados por Harrelson y McConaughey. Por qué ambos detectives, ya retirados, son interrogados por su participación en la investigación de un crimen

True Detective sucedido 17 años atrás es una incógnita de extraordinario peso argumental que nos mantendrá pegados a la pantalla como pocas veces. En un entramado inteligente de flash-backs nos suministran información de pasado y presente para conformar historia y personajes.

Para entendernos: América pro-

funda, música country de raza, grandes actuaciones y la dirección de Cary Fukunaga. ¿Qué más se puede pedir? Pues que la próxima temporada HBO emita la segunda temporada con otro tándem de actores tan buenos, al menos, como Woody y Matthew. Palabra de confidente.

Alejandro Gómez Lavilla “El objetivo de GH no era conseguir audiencia a partir de la pérdida de dignidad de los concursantes”

POR MIRIAM P.G.

De semblante serio y mirada segura, incisiva, su pequeña estatura queda inadvertida ante la firmeza, confianza propia que desprende al primer contacto. Alejandro Gómez Lavilla nos abre la puerta de una de sus oficinas en el centro de la capital madrileña, concretamente en la de la producción de la serie documental “Madrid en la mirada II”, para conocerle un poco más. El hecho de no ser un rostro reconocido frente a la cámara le permite disfrutar de su privacidad, no obstante, Alejandro es uno de los televisivos más importantes en nuestro país. Comenzó su andadura en el medio en 1977, en TVE, donde durante 19 años fue Director de Marketing y Comunicación de la cadena, para, en 1994, convertirse en el Director de ‘La 2’ hasta 1996. Ese año abandonaría el ente público para adentrarse en Telecinco como Director de Programación hasta 2003. Tras esto, continuó durante dos años como Director de Comunicación y Marketing en ‘Zeppelin TV’ hasta que, finalmente, decidió crear su propia productora, ‘Miramar Estudios’. Como trabajador televisivo y amante del medio he de preguntarle, ¿qué suele ver en televisión? Nunca veo televisión. Veo estrenos de televisión online o a la carta, en directo nunca. Si el canal tiene publicidad no lo veo

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y si es como en TVE tampoco. Las cadenas generalistas no me interesan nada porque tienen programas totalmente banales con cero contenido. Claro, dedicar una hora para que nadie te cuente nada es como subirte a una noria durante una hora. ¿Qué sacas después? Un mareo, poco más. Si cuidaran el producto… pero no: lo llenan de letras, lo maltratan. Me parece una falta de respeto intolerable para el creador. No respetan los formatos, ¡no respetan nada! Pero usted ha trabajado para ellos… Sí pero era una televisión menos sucia… Es decir, en su momento tuve la obligación y lo veía, y me gustaba. Ahora no tengo la obligación y no lo veo porque me irrita. Me hace sentirme mal, no porque esté por encima del bien y del mal sino porque lo paso muy mal. ¿Ha terminado asqueado del medio? No, nunca. Si volviera a vivir de nuevo haría lo mismo. Es decir, que te paguen por hacer lo que te apasiona es un privilegio y por eso estoy agradecido a la vida hasta el infinito. Yo nací con la televisión bajo el brazo así que para mí esto ha sido un sueño. Adoro la televisión y me han pagado por ello, me pagan por ello. No podría pedir nada mejor. Ni aunque volviera a nacer y me dijesen “eres millonario y

ENTREVISTA no necesitas trabajar”. No, ni de coña, no quiero.

más énfasis que otros, pero no han mentido.

Definitivamente éste era su camino, tanto que apostó fuerte desde el primer instante. Al acabar la carrera comenzó a trabajar en TVE, en el año 1977, en un momento clave para la historia de España. Dígame, ¿cómo era TVE en aquellos años?

Bueno, además del de la censura o no censura en la televisión pública, otro tema que continúa de actualidad es el debate sobre la falta de publicidad. ¿Es el de TVE un modelo sostenible?

Igual que ahora, exactamente igual. Es decir, no hay ninguna diferencia con respecto a quién esté en el gobierno. Es más, los últimos años del franquismo, TVE estaba controlada socialmente por sindicatos ilegales como PCE o CCOO. Parece mentira que en un régimen dictatorial de derechas lideren personas de izquierdas en el único medio audiovisual del país. Eso sí, los informativos tenían limitaciones como en todo el mundo. De eso quería hablarle. ¿Podría decirse que existe en TVE censura informativa? No, hay una línea editorial. Si no la compartes te marchas, si eres un profesional, trabajas. Esta línea implica un filtro editorial. Yo he vivido la dictadura franquista en TVE y no se sentía como tal. Es más, he trabajado allí toda mi vida y he vivido el final del franquismo, de UCD, del PSOE, del PP… Y no hay diferencia alguna. Incluso los filtros editoriales con el PSOE fueron mucho más duros que con el franquismo. No pretendo compararlo ya que entre un régimen democrático y uno dictatorial no hay color pero a la hora de controlar todo el mundo es igual. La línea editorial va más por lo que no cuentas que por lo que sí, es inapreciable. En los años de TVE no creo que hayan mentido nunca. Han quitado importancia a algunos temas, han ocultado otros, unos con

La pregunta que nadie se ha hecho es: ¿Hay alguna razón para que exista una televisión pública? ¿Para qué sirve la televisión? ¿Es un negocio? ¿Para quién? No tiene que ser un negocio si el 98% de la población tiene que ver la televisión. Existe el estado español y es normal que exista un medio que cohesione con la sociedad pero, si nadie la ve, ¿cómo va a cohesionar? Tiene que interesar. Cuando el sector público da el mismo servicio que el privado, éste desaparecerá. La televisión privada no transmite valores. Es un soporte publicitario masivo. ¡Cerremos las televisiones privadas! ¿Hay libertad de empresa? ¡No! Esa basura mejor que no lo vea nadie. He trabajado para ellos pero no defiendo ese modelo. ¿Y podía dormir por las noches? Es que yo no decido ese modelo, yo trabajo para el medio. Yo no decido que haya un duopolio de canales híper-comerciales en España. Soy un español y trabajo en mi país, quiero trabajar aquí y trabajo en lo que me dejan. Hago mi trabajo con la mayor honestidad pero no puedo responder por las decisiones del consejero delegado de un canal. Sería una lucha estúpida y absurda. Yo sí creo en lo que hacía, y lo hacíamos razonablemente bien. No creo en lo que se hace ahora. Yo creí en TVE cuando estaba dentro. Me fui cuando dejé de creer en ella.

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con un público más selectivo, lo emitieran. Yo lo planteé y lo aplaudieron. Y nunca me he sentido más gratificado como en aquella etapa. Sobre todo porque estaba descubriendo un mundo de libertad de expresión y era una primavera de libertad. Me parecía una obligación y prueba de ello es que se está emitiendo todavía en la actualidad.

¿Qué pasó? ¿Por qué abandonó TVE? El modelo era incoherente. Empresa y pública son incompatibles. La gestión de TVE era un despropósito y no puedes vivir en un lugar sin razón. En Telecinco llegas y te dicen “aquí trabajamos para ganar dinero”. Así tú haces tu labor y te pagan. Jamás he oído hablar de transmisión de valores o el famoso bienestar que nos venden las empresas. No señores, que no les engañen, ¿bienestar? es para hacer negocio. Ahora, ¿es legítimo cómo hacen dinero? Eso ya es cuestionable. Uno de sus grandes éxitos fue la creación del mítico programa ‘Metrópolis’, ¿estaba la sociedad española preparada para entender un espacio de sus características? Claro, porque no fuimos los primeros. Había una creatividad audiovisual emergente y por primera vez un soporte como el vídeo tenía una aplicación artística, no industrial. Era tan afín a la televisión como el vídeo. Por tanto era razonable que en alguna cadena, en algún segundo canal,

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Otra de sus innovaciones en el ente público fue el cambio de imagen de la identidad corporativa del segundo canal a principios de los años noventa, de “TVE-2” a “La 2”, además de una autopromoción que lo destinaba a las “grandes minorías”, ¿quiénes eran estas “grandes minorías”? Es un contrasentido. Costó mucho defenderlo y los lingüistas decían que tenía que ser “El 2” pero no funcionaba… tenía un punto de originalidad y no podía ser “El 2” el logotipo, tenía que ser algo singular. Los sindicatos arremetieron contra mi persona porque había quitado el nombre de TVE ya que se trataba de una operación del gobierno para privatizarla e iba a quitar muchos puestos de trabajo. No, era una decisión entre Tándem y mía, no había ninguna intención de privatizar “La 2” y prueba de ello es que ahí está. Luego, esa inmensa minoría es un concepto de la productora. Las minorías no tienen por qué ser pequeñas, la televisión es un medio masivo. Pero si vas al gran público reduces el arco de contenidos para generar audiencia. En una generalista puede entrar todo el mundo. En un canal segmentado, selectivo, pueden entrar menos. Termina su etapa en TVE y comienza en T5, un cambio importante. Además, ahí es uno de los responsables de la emisión

de ‘Gran Hermano’ con unas cifras estratosféricas desde el primer programa (36,5% de share). ¿Se imaginaron el éxito que obtuvieron? No. Antes de que se emitiera el primer programa de GH hicimos una porra entre los que estábamos en la última planta de Telecinco, unas 50 o 60 personas, incluido el despacho del director general de contenidos. ¿Sabe quién gano la porra? La secretaria de marketing. Todos los demás fracasamos. ¿Cuál es la clave del para su continuidad durante tanto tiempo? El contenido y el formato. El formato es aislamiento, encierro y observación. Y una competición porque es casi un concurso. ¿Casi? Bueno, hay un ganador. Compites para que no te echen. Es un psicogame. Los primeros ganadores eran unos grandes estrategas. Se trata de convencer a la audiencia y a tus compañeros para que no te nominen, mientras superas pruebas de convivencia. Unas pruebas que suceden en la sociedad todos los días. Y esto supone un efecto espejo asegurado. ¿Y nunca temieron por la vida de los concursantes? De hecho hay cámaras en el aseo (cenital) y en la ducha, pero nunca se utilizan. Se usan para tener control por si la gente entra ahí y hace una barbaridad. Los concursantes lo aceptan… los primeros no sabían lo que iba a pasar. Esos tienen el mérito. Muchos de ellos han afirmado que desde que salieron de la casa les ha sido muy difícil

encontrar trabajo. ¿Realmente merece la pena entrar en la casa? En la 2ª o 3ª edición se usó una campaña que decía “¿quieres que cambie tu vida?” si quieres que cambie, apúntate. Si estás feliz con tu vida no te apuntes. Tú puedes ir a un magazín o a cualquier otro programa, pero sólo GH puede cambiarte la vida, para bien o para mal. Es muy fuerte apuntarte a un programa para que te cambien la vida y sin saber cómo. En principio tienes que partir con que tu vida no es la que hubieras soñado... y cuando sales eres distinto, claro. GH te cambia radicalmente. Un éxito que provocó la masificación de la parrilla de reality shows que generaron una mala imagen de la cadena y su asociación con el término telebasura, ¿se siente usted responsable? No, no, no, la culpa no es de Telecinco ni de la productora de GH (Zeppelin TV). No tengo nada que ver con el mal uso de los efectos colaterales de GH. Quienes les degradó y humilló haciéndoles realizar cosas inenarrables fue ‘Crónicas Marcianas’. Nosotros intentamos evitarlo pero no lo conseguimos. Lo intenté en Telecinco y desde Zeppelin, pero me fue imposible. Y eso que había un contrato de un año en el que Zeppelin se hacía responsable de los concursantes para evitar un mal uso. Pero cuando hay un canal de televisión que se beneficia de un concursante de tu programa y éste es tu cliente… la relación se vuelve muy complicada. Era muy lamentable que tú cuidases su imagen y que en una semana, un programa que no es tuyo, usando tu material, destrozase tus concursantes. Existía un canal que emitía 24h que se cortó la señal de esa productora (Zeppelin) que emitía en un canal digital, pirateaban la señal de Vía Digital y emitían lo peor de GH para degradar a GH y hacer audiencia

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Es decir, ¿está diciéndome que el objetivo de GH era completamente diferente al que se entiende en calle?

una vez que ya sabes qué puedes hacer con el presupuesto es como tener un niño entre dos, disfrutan tanto el padre como la madre. Es muy gratificante.

GH no tenía interés en vejar a un ser humano. Sin embargo, otros programas del canal sí. El objetivo no era conseguir audiencia a partir de la pérdida de dignidad de los concursantes.

¿Qué hijos está criando ahora mismo?

En 2003 cambia Telecinco por Zeppelin TV, de una televisión a una productora, ¿cómo es el cambio? No tiene nada que ver, es completamente distinto. La producción es más ingrata porque tiene más dependencia del canal y si te cancelan el programa tienes que hacer otro. Es impensable que un canal cierre de la noche a la mañana. Sin embargo, una productora puede cerrar si te fracasan dos o tres programas. En televisión siempre hay algo que va bien… no obstante, es mentalmente más agotador que la productora. ¿Es esa una de las razones por las que creó su propia productora? No te queda más remedio. Te pasas la vida envidiando a otros patronos y quieres ser tu propio jefe. Todos éstos te dicen que es horrible pero ¡qué va, es increíble! No puedes echarle la culpa a otro porque es la tuya, tu jefe pasa a convertirse en tu cliente y te condiciona le producto pero hay una buena relación y es que el producto sea lo mejor posible. El canal te da un presupuesto cerrado y tienes que empezar a pedir y pedir… y tú con tu presupuesto cerrado tienes que comenzar a decir “no”. Eso es muy incómodo. Pero

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Muchos. Esto es como la labor de un agricultor: cuántas más semillas pongas, más posibilidades tienes. Que te encarguen un formato es muy difícil, tienes que sembrar mucho para cosechar, pero siempre tienes que sembrar. Ahora se puede trabajar para canales alternativos de distribución y es algo muy interesante. Sobre todo porque estás muy atento a las necesidades que tiene, identificar sus necesidades y satisfacerlas…. Se trata de ver a los clientes para ofrecerles soluciones y eso es bonito, les ayudas ayudándote. Es precioso. Cambiando de tema, me han dicho que usted adora Twitter pero al mismo tiempo le tiene cierta manía, ¿cómo es eso? A ver, es un medio ideal de comunicación. Yo ahora sólo me informo por Twitter porque decido lo que sigo. Cuando leo el periódico ni el 10% de las cosas me interesan y son siempre decepcionantes. En Twitter hay gente a la que le gusta lo mismo que a mí y es muy fácil seguirles. Claro, si tuitean cosas que no me interesan, unfollow, y si se ponen impertinentes, les bloqueo. Además, si quieres algo lo enciendes, cuando no lo apagas. ¿Con qué amigo puedes hacer eso? Ahora, el uso de Twitter en televisión me parece vergonzoso, es una banalización. Mi mayor placer sería que desaparecieran las televisiones generalistas forever and ever. Espero estar allí para disfrutarlo. Que cua-

tro millones vean la misma estupidez me parece denigrante. Prefiero que masquen chicle. Pero quieren estar a la última, las televisiones quieren parecer modernas cuando no lo son, y tratan de disfrazar un medio moribundo. La audiencia social es completamente falsa. ¿Y a la tradicional? Sí, esos son reales. Los espectadores de televisión no whatsappean ni tuitean, son pasivos. El televisor provoca pasividad, es su naturaleza, y la estarían traicionando: siempre te pide atención. Desde su punto de vista ¿cuál es el futuro de la televisión? En la medida que el ser humano quiera y esté acostumbrado a entretenimiento a domicilio tiene un futuro enorme. Aprietas un botón y tienes entretenimiento al momento. No haces cola para comprar entrada, no te sientas al lado de alguien que no para de toser o te mete el codo en los riñones, ¡no! Además que si no quieres más, lo apagas. Por muy malos y banales que sean los contenidos, el invento es tan bueno que yo no entiendo cómo puede mejorarse. Qué más da que el televisor tenga patas o esté en la pared, es el mismo, siempre va a seguir siendo el mismo.

CIN

CARTELERA EN POCAS PALABRAS GOYA 2 SANDALIO FRANCES HA ROAD MOVIES AL BAMA ROMA CIUDAD DE CINE CARTELERA 2014 EL SEMAFORO DE DON SANDALIO FR

2014 OSCAR 2014 EL SEMAFORO DE DON L ENCUENTRO DE MR. BANKS CALL ME ALA A EN POCAS PALABRAS GOYA 2014 OSCAR RANCES HA ROAD MOVIES AL ENCUENTRO

D A RO ies v o M

Las road movies o películas de carretera son un género que apareció en Estados Unidos en los años 70 del siglo pasado. Es una representación directa de la idea “conquista de la tierra”. Esto comenzó con las películas del oeste, a principios del siglo XX, y se tradujo a un lenguaje cinematográfico contemporáneo con las road movies. Este tipo de películas hacen referencia directa a la búsqueda de la libertad. Es decir, en estos films el objetivo de los personajes es escapar de todo aquello que les hace infelices y buscar algo -nunca saben el qué exactamente- que les haga felices. Se emplea un medio de transporte -generalmente un coche- y la carretera como metáfora de desplazamiento personal de los personajes. Buscan un giro de 180º con ayuda de kilómetros de viaje y lugares nuevos. La persecución del sueño americano, gracias a la creación de autopistas en los Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, dio lugar a estas películas. La ruta 66 fue elegida por muchas personas para emprender un viaje hacia un cambio personal. Así, vemos que en las road movies hay dos tipos de viaje: el físico que se refleja a tra-

vés del automóvil en movimiento y el interno que se refleja en la evolución del personaje. Quizá este segundo sea mucho más complicado de ver, pero podemos verlo ejemplificado en algunas películas. Uno de los ejemplos por antonomasia es Thelma y Louise de Ridley Scott en 1991. En ella vemos cómo dos amigas huyen de lo malo que han vivido en los últimos años de su vida, entre estas cosas una violación. Podríamos entender que a partir de este film se crea una brecha que marcará un antes y un después en las road movies. Desde Thelma y Louise las mujeres van a ser protagonistas principales de estos largometrajes, dado su ansioso objetivo de huir del mundo machista en el que vivimos. Otro de los ejemplos más significativos -más reciente- lo encontramos en No es país para viejos de Joel Coen y Ethan Coen en 2004. En este film vemos como aún existen similitudes entre este género -películas de carretera- y el western. Esto lo vemos en los escenarios, la naturaleza seca de los lugares que se recorren, etc. Y así queda reflejado en la película que tratamos, vemos como los prime-

ros minutos de película se resumen a una voz en off contextualizando el film e imágenes de escenarios con vegetación pobre y montañas rocosas. Todo muy similar a las películas del oeste que tuvieron su momento de oro en el siglo pasado. Esto nos explica por qué ya no es común ver en la gran pantalla películas de vaqueros: las road movies son el western del siglo XXI. Por Beatriz IznaoLa

En pocas palabras... POR DON SANDALIO

Denis Villeneuve El próximo 28 de marzo se estrena en nuestras pantallas Enemigo, del canadiense Denis Villeneuve, director que empuja con estilo muy definido. Repasamos sus últimos títulos: una película sublime, Incendies; una buena película, Prisioneros.

Incendies (Denis Villeneuve, 2010)

¿Puede uno más uno ser uno? Cuando una película tiene un arranque tan devastador con la música de Radiohead, cuando todos los intérpretes se meten de forma tan natural en sus personajes, cuando el azar se convierte en verdad inmutable, cuando cada secuencia responde a una seña de identidad de un director con criterio y talento… cuando todas esas variables se combinan de forma armónica en una película, estamos ante una de las mejores historias de los últimos años. Sublime.

Prisioneros (Denis Villeneuve, 2013)

Buena película, donde quizás sobra el exceso de sus 15 últimos minutos, el azar encorsetado, el pespunte grueso del desenlace. Pero todo lo demás (principalmente el binomio Jackman-Gyllenhaal, de muchos quilates) está en su sitio porque está bien contado. Dotada de una atmósfera oscura y opresiva, nos deja claro que el salto de Villeneuve a las américas nos puede traer buenos momentos de cine, aunque tengan algunos borrones. Hasta el mejor amanuense los tiene. Apuesto por él.

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CALL ME ALABAMA POR JAIME A. RIVERO

tación cinematográfica de la obra teatral The Broken Circle Breakdown Featuring the Cover-Ups of Alabama, donde una banda amateur de bluegrass es la escusa perfecta para hablarnos de la historia de amor entre Elise y Didier y el fruto de su pasión, la pequeña Maybelle. Una tragedia tan común como la enfermedad de esta última y el paso adelante a la madurez que ningún ser humano quiere ser capaz de dar. La equivocación de culpar al individuo en vez de al destino, la búsqueda de la fe y la decepción por los actos fortuitos del altísimo. El director, como ya hizo en la académica Steve+Sky, utiliza la cámara como el pájaro inquieto que choca una y otra vez contra el cristal queriendo observar de cerca la intimidad romántica de nuestros héroes. En toda película hay héroes y villanos y estos son mundanos. Son como tú y como yo. Porque sus vidas pueden ser las nuestras. Tan sólo hay que dejar a tu cuerpo sentir la pasión y la desgarradora verdad del country. Los campos de Bélgica parecen la más fron-

El que conoce la antigua Flandes, sus calles y sus gentes. El que simplemente ha pasado como turista por sus bares y restaurantes, sabrá de la frialdad del pueblo belga. De esos flamencos que parecen inmersos en una estructura tan ordinaria como ejemplar. Pero dentro del círculo de Alabama Monroe nos muestran una cara del belga emotivo que parece tan mediterránea como mexicana rozando la frontera con el país de las oportunidades. El director, Felix Van Groeningen, un clásico del circuito independiente europeo se lanza al conocimiento internacional con una adap-

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dosa Alabama. Esa sensación de libertad entre ganado y caballos desbocados. El olor a tierra húmeda o el sabor de una taza de café en un porche a medio camino, a medio construir. Es un guión maravilloso. Descarnando individuos y uniendo extremos de personalidades más comunes de lo que podríamos imaginar. Pero Alabama Monroe no sólo es la típica historia dramática independiente con su tardío éxito casi dos años después de su estreno en Bélgica. Es una oda a la música y a su capacidad de transportarnos con sus melodías clásicas de cuerdas metálicas al sentimiento profundo y a nuestros pecados más escondidos.

Un auditorio repleto con luces tenues, y la banda en silencio esperando la entrada de un precioso vestido blanco y largo. Tan cerca del micrófono que cada respiración es escuchada, If I needed you sale de su boca. Y llega el punto de inflexión más impactante al que un espectador puede enfrentarse. Nunca puedes imaginar cómo dos nombres comunes pueden transformarse en la melodía triste y su vida en el motor del disco que durante casi dos horas hemos disfrutado. Con dolor. Como una canción bluegrass en los montes Apalaches.

Alabama Monroe nos muestran una cara del belga emotivo que parece tan mediterránea como mexicana rozando la frontera con el país de las oportunidades

Premios

G O YA Por Alba VerdĂŠs

Actriz Revelación.

l domingo 9 de Febrero se celebró en el Hotel Auditorium de Madrid, la vigésimo octava edición de los Premios Goya presentada por Manel Fuentes. La fiesta del Cine Español, como les gusta llamarla a los directores, actores y actrices. Una cita que consideran como plataforma de su trabajo, y que también sirve para reactivar la vida de los films premiados en las salas de cine. Según las apuestas y predicciones, ninguna película se alzaba como la clara favorita, y la ceremonia se auguraba como una noche muy repartida en cuanto a premios. La Gala fue retransmitida como de costumbre por TVE, que por primera vez ofreció a los espectadores la posibilidad de vivirla en tres formas interactivas y complementarias: multipantalla, la aplicación +TVE y un radar social.

Lo más interesante fue el Radar social, donde se podían visionar los mejores comentarios y las fotos compartidas por los famosos y los nominados en las distintas redes sociales, tanto en la alfombra roja como durante la gala. También se incluían las fotos que se hacían desde 'Twitter mirror', un dispositivo en el que los invitados se podían realizar una autofoto y compartirla de manera inmediata con el hastag #GoyaRTVE. “Vivir es fácil con los ojos cerrados” se convirtió en la gran vencedora de la noche. Una hermosa road movie inspirada en una historia real de un profesor de Cartagena que utilizaba las canciones de los Beatles para enseñar inglés a sus alumnos en la España de 1966. Cuando se enteró de que su ídolo John Lennon estaba en Almería rodando una película, emprendió un viaje hasta allí para conocerle. La cinta consiguió 6 de los 7 galardones a los que optaba. Entre ellos, los más importantes, el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original. No solo fue premiada la calidad de la película, sino también de sus actores principales, Javier Cámara y Natalia de Molina, que se convirtieron en Mejor Actor protagonista y Mejor

No obstante, la película que se llevó más premios Goya fue “Las brujas de Zugarramurdi”, de Álex de la Iglesia, que arrasó principalmente en las categorías técnicas, y consiguió ocho de los diez premios a los que estaba nominada, entre los que destacó el de Mejor Actriz de Reparto, para Terele Pávez. “La Gran Familia Española” que tenía muchas papeletas de irse con muchos premios a casa, solo acabó consiguiendo 2 premios de los 11 a los que estaba nominada: Mejor Actor de Reparto para un magnífico Roberto Álamo, y Mejor canción original por “Do You Really Want To Be in Love”, de Josh Rouse.

“La herida”, que ha recibido positivas críticas, fue reconocida con el Goya a la Mejor Dirección Novel, y Mejor Actriz Protagonista para Marian Álvarez, tras llevarse la Concha de Plata en San Sebastián. Probablemente, el premio más claro, ya que Marian estaba etiquetada como “la gran favorita de la noche”, por su gran preso interpretativo en el film. La actriz reconoció que no le gustaba demasiado esa “etiqueta” y que prefería considerarse “la novata”. Un año más, no pudieron faltar durante la gala numerosas referencias a la política española y los recortes. No solo durante los monólogos y sketches de Manel Fuentes, sino también en los discursos e intervenciones de actores y directores. Sin duda, el tema más recurrente de la noche y durante la alfombra roja, fue la ausencia del Ministro de Cultura Wert, que mantiene una relación bastante tormentosa con el cine español. Otros temas claves también criticados fue-

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ron la nueva ley del aborto y la subida del IVA cultural al 21%. Así mismo, el discurso del Presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, también fue bastante reivindicativo y dejó una frase que ha sido muy comentada posteriormente: “Hacer cine en España es un acto casi heroico”. Para él, algunos de los culpables de esta situación son: la piratería, la falta de ayudas al cine y el elevado IVA cultural. El relevo de Eva Hache fue tomado por Manel Fuentes, que pasó sin pena ni gloria como maestro de ceremonias. Sus monólogos sonaron demasiado artificiales y guionizados, y le faltaba chispa para atraer al espectador. Manel fue duramente criticado en las redes sociales. Su papel como presentador se vio eclipsado por pequeñas apariciones más brillantes como la del cocinero Alberto Chicote o los chicos de “Muchachada Nui”. En definitiva, la gala fue bastante descafeinada y aburrida, quitando momentos puntuales, y esto se vio reflejado en los datos de audiencia. Como era de esperar, otro de los aspectos más comentados y que más interesó, fue el vestuario de los asistentes, sobre todo el del sector femenino. Este año el diseñador más triunfador fue Lorenzo Caprile, que vistió a muchas de las actrices famosas. Entre las mejores vestidas estuvieron: Macarena García, Blanca Suárez, Natalia de Molina y Paula Echevarría. Por otro lado, las peores vestidas fueron Claudia Pérez y Nadia de Santiago. El toque más estridente lo dieron Macarena Gómez (La que se Avecina) y su marido Aldo Comas. Fijándonos únicamente en los galardonados y las cuestiones cinematográficas, podemos concluir que esta gala pasará a la historia por haber premiado a los “grandes perdedores del cine español”, actores o directores con muchas nominaciones a sus espaldas, que llevaban mucho tiempo esperando la ansiada estatuilla y que merecían un reconocimiento, como es el caso de Terele Pávez, Javier Cámara y David Trueba. Y también por presentarnos nuevos talentos como el director novel Fernando Franco, o actrices como Natalia de Molina y Marian

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Alvárez, a las que habrá que seguirles la pista. También fue una gala muy reñida en cuanto a calidad de los nominados en cada categoría, sobre todo en la de Mejor Actor y Actriz protagonista, ambas con interpretaciones con mucho peso y fuerza. Por último, la comedia y el humor acapararon las candidaturas y los premios, en lo que se acabo convirtiendo en una reivindicación para la comedia española, muy olvidada por los Goya en los últimos años.

12 curiosidades sobre la gala de los goya 1. Todos los actores y directores que ganaron el Goya lo recogieron por primera vez. 2. Ha sido la primera vez que un Ministro de Cultura no acude a unos Goya. Wert alegó “problemas de agenda”. La gala y los actores fueron muy críticos con su ausencia. 3. Antes de comenzar la gala, en el exterior del Hotel Auditorium de Madrid, las protestas tomaron protagonismo: unos doscientos trabajadores afectados por el ERE de Coca Cola, decenas de miembros de la plataforma antidesahucios y los figurantes de Madrid pidieron la solidaridad de actores y directores que desfilaban por la alfombra roja. 4. Los Goya 2014 se han convertido en los menos vistos desde 2009, cuando los presento Carmen Machi. Al mismo tiempo, también fueron muy críticos con la gala por Twitter, sobre todo con el número musical. 5. Trueba, Natalia de Molina y Javier Cámara dedicaron su Goya a Juan Carrión, profesor de

inglés que acudió a la gala y en cuya vida está inspirada “Vivir es fácil con los ojos cerrados”. 6. Hay más de 1.000 planos con algún efecto visual en “Las Brujas de Zugarramurdi”, que se llevó el Goya a Mejores Efectos especiales. 7. En los sketches humorísticos de la Gala, aparecieron algunos de los anteriores presentadores como Eva Hache, Corbacho y Buenafuente. No obstante, lo más destacable fue la aparición de Antonia San Juan, una de las presentadoras más polémicas de la historia de los Goya. 8. La actriz andaluza Natalia de Molina contó en la alfombra roja que al apuntarse al casting de “Vivir es fácil con los ojos cerrados”, no sabía que buscaban a una andaluza e hizo el casting con acento neutro. Con suerte, cuando Trueba se enteró de su error le dio una segunda oportunidad. 9. Otra de las anécdotas de la gala fue la aparición de público virtual en las butacas junto al resto de asistentes. Se trataba de Linda y Óscar, los dibujos animados que representan a María Valverde y Mario Casas, tal y como se verán en el corto ‘A Lonely Sun Story’, una historia de amor y ciencia ficción. 10. El In Memoriam de la Academia tuvo un grave error, puso una fotografía de la periodista Núria Vidal que fue confundida por su compañera de profesión Beatrice Sartori, fallecida en 2013. 11. Uno de los momentos más humorísticos fueron los gags protagonizados por los chicos de “Muchachada Nui” que fueron rematados con la aparición de Joaquín Reyes haciendo una protesta al estilo Femen pidiendo la subida del IVA enseñando unos pechos postizos. 12. La realización de los Goya fue un tanto caótica también y muy comentada en Twitter, hasta el punto que el director Juan Antonio Bayona tuiteó: “Muy buen trabajo está haciendo el realizador de los @GoyaRTVE, pero el de la fila 13 es mi hermano. Yo estoy en la 6”.

Los discursos más emotivos de la noche Natalia de Molina, Mejor Actriz Revelación:

Con tan solo 21 años, la actriz revelación subió al escenario llorando y prácticamente balbuceando, pero acabó sorprendiendo con un emotivo discurso cargado también de un contundente mensaje. Le dio las gracias a su director, David Trueba, por creer en ella “en un momento en el que es muy dificil creer en nada”. Para terminar, rescató una frase de Belén, su personaje en la película, "Yo no quiero que nadie decida por mí", en clara referencia al proyecto de ley del aborto.

Javier Cámara, Mejor Actor protagonista:

Tras 6 nominaciones, el polifacético actor oyó su nombre al fin y subió rápidamente y con los ojos vidriosos a recibir su deseado galardón. “Tengo que pararme porque he soñado con este momento varias veces", bromeó el actor, el cual dedicó su premio a Juan, el profesor en el que está inspirado su papel, y consideró un honor poder formar parte de la larga lista de actores premiados.

Terele Pávez, Mejor Actriz de Reparto:

A sus 74 años, la actriz bilbaína se alzó por primera vez con la ansiada estatuilla. Esta era la quinta vez que estaba nominada a los Goya, las tres últimas debido a participaciones en películas de Álex de la Iglesia. La veterana actriz, muy emocionada, subió al escenario y recibió una larga y calurosa ovación de todos sus compañeros de profesión. Nerviosa, dedicó el Goya a Álex de la Iglesia y a sus compañeros, pero en especial y muy emotivamente a su hijo.

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Palmarés de la 28 edición de los Premios Goya Mejor Actor Revelación: Javier Pereira, por Stockholm Mejor Dirección Artística: Arturo García ‘Biaffra’ y José Luis Arrizabalaga ‘Arri’ por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Diseño de Vestuario: Francisco Delgado López, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Montaje: Pablo Blanco, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Cortometraje Documental: Minerita, de Raúl de la Fuente Mejor Cortometraje de Animación: Cuerdas, de Pedro Solís García Mejor Cortometraje de Ficción: Abstenerse agencias, de Gaizka Urresti Mejor Interpretación Femenina de Reparto: Terele Pávez, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Canción Original: “Do You Really Want To Be In Love?”, por La gran familia española, de Josh Rouse Mejor Música Original: Pat Metheny, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Mejor Sonido: Charly y Schmukler y Nicolás de Poulpiquet, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Dirección de Producción: Carlos Bernases, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Actriz Revelación: Natalia de Molina, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Mejor Guion Original: David Trueba, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Mejor Guion Adaptado: Alejandro Hernández y Mariano Barroso, por Todas las mujeres Mejor Interpretación Femenina Protagonista: Marian Álvarez, por La herida Mejor Dirección de Fotografía: Pau Esteve Birba, por Caníbal Mejor Efectos Especiales: Juan Ramón Molina y Ferrán Piquer, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Dirección Novel: Fernando Franco, por La herida Mejor Interpretación Masculina de Reparto: Roberto Álamo, por La gran familia española Mejor Maquillaje y Peluquería: María Dolores Gómez Castro, Javier Hernández Valentín, Pedro Rodríguez ‘Pedrati’ y Francisco J. Rodríguez Frías, por Las brujas de Zugarramurdi Mejor Película Europea: Amor, de Michael Haneke (Austria) Mejor Película Iberoamericana: Azul y no tan rosa, de Miguel Ferrari (Venezuela) Mejor Película Animación: Futbolín, de Jorge Estrada, Manuel Polanco y Mikel Lejarza (Jempsa, S.A., Plural Jempsa y Antena 3 Films S.L.U. ) Mejor Película Documental: Las maestras de la República, de Pilar Pérez Solano (Transit Producciones Audiovisuales S.L.) Mejor Interpretación Masculina Protagonista: Javier Cámara, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Mejor Dirección: David Trueba, por Vivir es fácil con los ojos cerrados Mejor Película: Vivir es fácil con los ojos cerrados, de Cristina Huete (Fernando Trueba P.C., S.A.)

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CARTE 8 apellidos vascos Rafa es un joven señorito andaluz que no ha tenido que salir jamás de su Sevilla natal para conseguir lo único que le importa en la vida: el fino, la gomina y las mujeres. Todo cambia cuando conoce a la primera mujer que se resiste a sus encantos: es Amaia, una vasca. Decidido a conquistarla, se traslada a un pueblo de Vascongadas, donde se hace pasar por vasco para conseguir que le haga caso. Estreno: 13 Marzo 2014

Las maestras de la República Las maestras republicanas fueron unas mujeres que participaron en la conquista de los derechos de las mujeres y en la modernización de la educación, basada en los principios de la escuela pública y democrática. Este documental, a través de la recreación de la vida de una maestra de la época, e imágenes de archivo inéditas, nos descubre el legado que nos han dejado las maestras republicanas y que ha llegado hasta nuestros días. Estreno: 13 Marzo 2014

ELERA La hermandad En la fría y silenciosa oscuridad de un apartado monasterio vive la Hermandad, una rama de monjes benedictinos que cumple estrictamente unos rígidos votos de pobreza y obediencia. Se ocupan de curar a Sara, una famosa escritora de novelas de terror y misterio que acaba de sufrir un grave accidente y deberá guardar cama durante algún tiempo. Estreno: 21 Marzo 2014

Dallas Buyers Club Basada en la vida real de Ron Woodroof, un cowboy de rodeo texano, drogadicto y mujeriego, al que en 1986 le diagnosticaron SIDA y le pronosticaron un mes de vida. Empezó entonces a tomar AZT, el único medicamento disponible en aquella época para luchar contra tan terrible enfermedad. Estreno: 14 Marzo 2014

CARTE Kamikaze Slatan es un hombre corriente de Karadjistan enfrentado a una situación extrema: hacerse estallar en un avión de pasajeros de Moscú con destino a Madrid. Sin embargo, los planes de Slatan se tuercen cuando una tormenta de nieve retrasa el vuelo y todos los pasajeros son alojados en un hotel de montaña hasta que pase el temporal. Estreno: 28 Marzo 2014

Enemy Adam es un afable profesor de literatura que lleva una vida bastante monótona. Un día, viendo una película, descubre a un actor que es idéntico a él. La búsqueda de esa persona le traerá consecuencias inesperadas. Libre adaptación de la novela ‘El hombre duplicado’ de José Saramago. Estreno: 28 Marzo 2014

ELERA Noé En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé recibe una misión divina: construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio..

Estreno: 4 Abril 2014

Frances Ha Frances es una joven de 27 años que a pesar de su edad ha decidido perseguir su sueño de ser bailarina en una compañía de danza en Nueva York. Vive con su amiga Sophie, y disfruta de la vida con alegría y despreocupaciones, a pesar de que desea mucho más de lo que tiene. Una fábula moderna de Noah Baumbach sobre la juventud, la amistad, la ambición, la lealtad y el optimismo por encima de todo. Estreno: 4 Abril 2014

Mary Poppins sobrevuela España

Muchos datos acerca de la vida de la autora en la película son desconocidos o mutados distando de la realidad, como el de la soledad que la acaecía, pues ella misma tenía un hijo pese a su mala POR MIGUEL A. ROMERO FERNÁNDEZ La figura de la famosa niñera mágica de Disney vuelve a recordarse gracias al estreno de la película “Al encuentro de Mr. Banks” en cines desde finales del pasado enero y que nos muestra la creación, tanto en la novela como en la película, de este personaje tan reconocido y querido por todos. Tom Hanks y Emma Thompson se sitúan a la cabeza del elenco de la película, posicionándose antagónicamente y creándonos una cierta simpatía hacia los personajes, un recurso muy propio de la factoría Disney para tocar la fibra sensible. El punto de inicio lo encontramos con la historia de la obsesión de Walt Disney, interpretado por Tom Hanks, de llevar al cine al personaje del cuento favorito de sus hijas. Esto le llevaría a perseguir a la autora P. L. Travers durante casi dos décadas, hasta que esta accedió a concederle los derechos de la película. Una película que acabaría viendo la luz pero no exenta de polémicas, ya que la propia autora quedaría desconforme con el resultado, lo que haría que las cuatro secuelas novelísticas que la continuaban nunca fueran adaptadas al cine pese a la insistencia de Disney. El personaje de la escritora, interpretado por Emma Thompson, uno de los ejes de la película y responsable de forjar un mito mundial, supone el descubrimiento de toda una travesía vital detrás. Echando un vistazo a la vida de esta autora de origen australiano pero afincada en Gran Bretaña, nos encontramos ante una artista de éxito que escribió poemas y actuó para compañías teatrales, hasta escribir la saga de Mary Poppins que le haría tan famosa en todo Reino Unido. Fama que se trasladaría al mundo entero, llevándola hasta conseguir méritos como la de Oficial de la Orden del Imperio Británico.

Muchos datos acerca de la vida de la autora en la película son desconocidos o mutados distando de la realidad, como el de la soledad que la acaecía, pues ella misma tenía un hijo pese a su mala relación con él, otro efecto dramático más de la productora. Si bien es cierto, el carácter intratable de la autora que todos los que la rodeaban compartían, de la cual se rumorea que en ella misma se encontraba el personaje de la nodriza. Uno de ellos sería el propio Walt Disney que sufriría las consecuencias de la intransigente autora, la cual exigía que no hubiera ningún tipo de animación en la película, batalla que como es conocida por todos acabaría por ganar Walt Disney. No obstante, pese a que los problemas, no fueron pocos la obra cinematográfica pudo ver la luz en 1964, ganando 5 Oscars, uno de ellos el proporcionado a la propia actriz de la película Julie Andrews que tantas películas memorables ha seguido realizando a partir de entonces. Por otra parte, la película que fue concebida como un musical, hizo que generaciones de niños y no tan niños entonarán sus pegadizas canciones, compuestas por los hermanos,Sherman, llegando hasta nuestros días. Esta nueva película meta-cineasta no hace más que mostrarnos como la imagen de la institutriz más importante de todos los tiempos, con perdón de La Niñera Mágica o la Señora Doubtfire, sigue siendo recordada por todos. Aquel paraguas que le hacía volar, aquel bolso sin fondo o aquella disciplina impuesta a los niños como diversión, no hacen sino más que seguir flotando en las mentes de todos, en especial de la de los niños que aún sigue emocionándose al ver por primera vez la película. Porque quién sino mejor que un niño para dejar volar la imaginación y lo que es más importante, quién no sigue teniendo a un niño en su interior.

2013 Marián Álvarez

He celebrado con satisfacción el merecidísimo Goya de Marián Álvarez por su interpretación en La Herida. También el Goya al mejor director novel para quien ha conducido y matizado sus pasos, Fernando Franco. Ya le he tomado la matrícula. No comparto tanta crítica remilgada sobre la utilidad o viabilidad social de mostrar el dolor en una especie de regocijo auto-maltratador. Mas al contrario, La Herida me parece fiel y responsable ejercicio de reflejo de una sociedad bipolar, amparada en el fugaz (y funesto) goce de las redes sociales y el chiste de taberna, donde mostramos el emoticono sonriente a los demás y guardamos y lloramos el doliente de puertas adentro. En el personaje de Marián Álvarez me he reconocido (a mí mismo y a otros muchos), en estadios menos avanzados de tortura, pero en soledad y voluntad insatisfecha de cambio. Gracias, Marián, por darle vida. Por darme vida.

La Herida

Steve M

La gran favorita para los Oscars m

Me gusta (o gustab

Steve McQueen, la música de Hans ta (¿cuántas van ya?) del esplendid Nyong’o, la aparición flemática de “S me atrevería a decir que incluso el e Dano.

Me inquieta haber leído tan

y sentir lo que en ellas es devota alab de que o mi hemisferio derecho se h ver lo que los demás ven con suficien pero no me dejó un pellizco de cine ni

Me irrita

sentirme a contra me quedo con el McQueen de Shame y claroscuros, de perversiones sexua a conectar con el McQueen de espa caciques sureños, con el McQueen h

12 años de

013

McQueen

me deja algunas dudas.

ba)

la mano sobria y precisa de s Zimmer, la interpretación compacdo Fassbender, la frescura de Lupita Sherlock” Benedict Cumberbatch… y encasillamiento interpretativo de Paul

n excelsas críticas y no acabar de ver banza, y quedarme con la sensación ha paralizado o no supe aplicarlo en nte destreza. Es una buena película, i tan siquiera cuando corre la lágrima.

acorriente. Pero qué les puedo decir, e, de sus espacios urbanos, de luces ales de nuestros días. No he llegado acios abiertos, ciénagas, esclavos y histórico. Otra vez será.

esclavitud

De actores

¿Para cuándo una gala notable de los Goya? ¿Para cuándo buen espectáculo de cine, gente de cine y… nada más? ¿Para cuándo actores y actrices que se limiten a recoger sus premio y hablar de sí mismos, de su función minúscula en el complejo engranaje de todo un año de cine? Los hay que tienen talento artístico en mayúsculas, pero los hay que no, que cumplen con su papel bien o bastante bien, escriben un guión, lo producen, lo dirigen, lo visten o iluminan, lo interpretan, y nada de eso justifica que se conviertan en adalides de la cultura. Hacen bien su trabajo, en ocasiones un único buen trabajo, pero de ahí a aleccionar y adoctrinar a la masa palpitante de este país con sus opiniones políticas e intelectuales (este último adjetivo me sonroja) hay un buen trecho. Ya está bien. Qué hartazgo. Queremos cine. ¡CINE!

y otros dioses

OSCARS 2014

Por Raquel Romero

La 84ª edición de los premios Oscar no será recordada por ser de las más entretenidas de los últimos años, pero pasará a la historia por dos hechos: el ‘selfie’ de Ellen Degeneres y la derrota de, el 4 veces nominado, Leonardo Dicaprio frente a un imparable Matthew McConaughey que se ha hecho con todos los galardones posibles hasta culminar su resurrección hasta la cima llevándose el Oscar al Mejor Actor por el biopic Dallas Buyers Club. Dos largas horas y media de alfombra roja en las que vimos desfilar los mejores atuendos de las estrellas. Charlize Theron con 15 millones de dólares al cuello. Jared Leto (o Jesucristo) con una destacada pajarita roja. Nuestra Penélope impecable con un vestido de evocación griega. Una embarazadísima Elsa Pataky algo más desacertada desluciendo su ajustado vestido. Jennifer Lawrence fue una de las protagonistas de la noche, pero no por llevarse el Oscar a mejor actriz de reparto -este fue a parar a las manos de la sudafricana Lupita Nyong’o por su interpretación en 12 Years a Slave, sino porque nada más llegar a la ceremonia se cayó, como ya hiciese el año pasado al recoger el Oscar. Por temor a que aquello volviese a suceder Ellen le comentó “si ganas el Oscar no te preocupes, te lo acercamos a tu sitio”.

Unos Oscar sin grandes sorpresas. Cate Blanchett se llevó a casa la estatuilla por Blue Jasmine sin apenas poder disimular que su premio estaba cantado. 5 años apartado de la gran pantalla y llega para alzarse con el Oscar al Mejor Actor de Reparto por Dallas Buyers Club. Este es Jared Leto, sublime llevando a cabo una transformación camaleónica de su cuerpo para dar vida a un transexual. Michael Fassbender aquí, el gran olvidado. Un mal año ha eligió para estar nominado. Lástima que no lo estuviese en la anterior ocasión por el film independiente Shame. Alfonso Cuarón fue el triunfador de la noche con su estratosférico film Gravity. La odisea espacial protagonizada por Sandra Bullock se llevó a casa 7 estatuillas, incluidas la de Mejor Director y el resto en la parte técnica. Una no menos cantada decisión de la academia de premiar a 12 Years a Slave con el Oscar a Mejor Película y Mejor Guión Adaptado. Por un momento pudimos ver a Brad Pitt con un Oscar en la mano, ya que es el productor de la cinta. No era un secreto que el Mejor Guión Original acabaría en las manos de Spike Jonze por la atípica historia de amor de Her. Siempre hay vencedores y vencidos. American Hustle y The Wolf of Wall Street, con 10 y 5 nominaciones respectivamente, las derrotadas de la noche, se fueron sin llevarse a casa ninguna estatuilla. Nuestro querido Esteban Crespo, a cargo de la representación española, no pudo hacerse con el Oscar al Mejor Corto por Aquel No Era Yo. Se lo llevó el cortometraje Helium. Uno de los momentos épicos de la noche llegó cuando Ellen Degeneres empezó a hacer colecta para pedir unas pizzas. Apareció el pizzero al que le bastaron 5 minutos de televisión para hacerse famoso tanto él como su establecimiento. Brad Pitt hizo las veces de escudero de Ellen repartiendo platos de plástico entre los presentes, con lo que pudimos ver desde a Harrison Ford hasta Meryl Streep devorar su porción de pizza. Hubo tiempo también para una conmemoración a los 75 años de El Mago de Öz a cargo de la voz de Pink, interpretando ‘Over the Rainbow’.

EL SELFIE QUE HA REVOLUCIONADO TWITTER Selfie. ¿Quién no sabe lo que es un Selfie después de los 3.312.544 retuits que alcanzó la foto realizada por Bradley Cooper? Ellen, JLaw, Meryl Streep, Brad Pitt, Angelina Jolie, Jared Leto, Channing Tatum, Julia Roberts, Kevin Spacey, Lupita y su ya no desconocido hermano. Llegó el turno para el In Memoriam. 2013 ha sido un año especialmente duro, en el que nos han dejado grandes personajes del cine: James Gandolfini, Paul Walker, Phillip Seymour Hoffman tuvieron su hueco en el recuerdo realizado por la academia (por aquí se echó en falta que no apareciese Sara Montiel…)

MEJOR DIRECTOR Alfonso Cuaron

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MEJOR PELICULA 12 years a slave

MEJOR PELICULA DE HABLA NO INGLESA La gran belleza

MEJOR ACTOR DE REPARTO Jared Leto

MEJOR ACTOR Matthew McConaughey

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Lupita Nyong o

MEJOR ACTRIZ Cate Blanchett

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dificultades personales a sus 27 años. Hace hincapié en el carpe diem para ver con buenos ojos los altibajos de las circunstancias, pero “no le quitarán lo bailao” porque esa alegría del día a día viene fundamentada por la lucha de un sueño, ser bailarina profesional, mediante un ritmo tan difícil y frenético como el de las relaciones a las que se expone. Por tanto, seguir unos pasos en la tarima no es lo único importante para la protagonista, la cual necesita simplemente seguir los suyos propios en la vida para afrontar el devenir del tiempo y los cambios de mentalidad de su mejor amiga, Sophie (Mickey Summer). ¿La solución? No solo tener la cabeza bien alta en el ballet sino también fuera de él, mediante un coup d’optimisme. Gerwig pone cuerpo a la performance pero además el encerado a la superficie, y es que toda maestría perfecta de danza pierde fuerza si el suelo entorpece la ejecución: con su

El indie que “Ha” dado un giro a la pasión El estilo Baumbach vuelve a España con el filme “Frances Ha” Una producción cinematográfica independiente sobre la dependencia del sentimiento y la independencia por el crecimiento aterriza. El 4 de abril llega “Frances Ha” a nuestro país, una comedia dramática dirigida por Noah Baumbach (“Una historia de Brooklyn”, “Greenberg”) y protagonizada y co-escrita por Greta Gerwig (“A Roma con Amor”, “Greenberg”), de la mano de la productora y distribuidora audiovisual Avalon. La obra cuenta con las nominaciones a “Mejor Película” y “Mejor Montaje” en los Independent Spirit Awards y con la nominación a “Mejor Actriz de comedia o musical” para Gerwig por los Globos de Oro, ya resuelta sin éxito para el equipo. La musa del cine mumblecore y veterana pareja artística de Baumbach da esta vez vida a Frances, una chica que busca triunfar sobre las calles de Nueva York y sobre las

actuación no solo se expone un sentimiento, sino que este fluye, se desliza con naturalidad y deja que el único artificio visible sea la ausencia cromática que se impone. Los Globos de Oro, que no prestaron atención a su salto a la gran pantalla con “LOL” (2006), sí prefirieron los saltos dentro de ella como bailarina en esta película y la nominaron a mejor actriz, aunque el premio “se lo ha bailado” Amy Adams. Sin embargo, ahora se avecina un papel estrella en la artista, que se quitará los zapatos de ballet pero guardará espíritu newyorkino y una pizca de personalidad de Frances: será Sally, homóloga de Ted Mosby en el capítulo piloto de “Cómo Conocí a Vuestro Padre”. La historia de “Frances Ha” no es nada del otro mundo, pero quizás ese es su punto fuerte: busca algo de este planeta, la vida misma, sensaciones perceptibles para el espectador porque las identifica como suyas. Habría que destacar también su huída del habitual rol machista de la mujer en comedias de este tipo, basadas en la única ambición del amor o sexo con un hombre, pero no para ello Gerwig ha interpretado a una dominatrix, y su personaje sabe pisar fuerte también fuera del escenario, pero para configurar una mente que no solo dará vueltas al concepto del amor. Así, los expertos nunca podrán sacar la puntilla, y a la vez talón de Aquiles, de la película como continuadora de papeles femeninos desdibujados que dan pie a criticar. Noah Baumbach, con el manejo de diálogos, con la escala de grises del “Manhattan” de Woody Allen y con una de las actrices que también participó con el venerado cineasta, no trata de mostrar las modernidades norteamericanas y explora una nostalgia y un positivismo que son invisibles al ojo pero que ocupan toda la pantalla. Además, para todo baile hace falta una buena música y los clásicos son la salsa de esta creación: destaca el guiño a David Bowie con “Modern Love” sumado a la vitalidad que transpira Frances a través de Gerwig, combinación explosiva que nos muestra unos espacios que nada tienen que ver con el triste Nueva York de Lorca, pues en la película es ciudad dormitorio de sueños y aspiraciones.

El filme, como su protagonista, seguirá teniendo espíritu joven a pesar de los años y el espectador, aunque habrá envejecido desde su primera proyección en 2012, percibirá que la habilidad de reflejar los sentimientos en el cine no caduca en el tiempo. No obstante, no se sabrá si el baile de cifras económicas será tan positivo como la mentalidad de Frances y del espectador dependerá que esta creación, que transmite más color en su blanco y negro que otras comedias dramáticas que pecan de exagerar juventud y alegría, no sufra un traspié. POR GUILLERMO VILLAR

Roma

8 ½.

Una ciudad de cine. POR ALBERTO RICHART

¡Luces, Roma y acción! Desde el nacimiento del cine contemporáneo, la ciudad de las siete colinas ha inspirado a un variopinto abanico de cineastas. Sus vetustos monumentos, sus calles empedradas y el ambiente mediterráneo, no sólo son conocidos mundialmente, sino que además invaden espacio en forma de celuloide de multitud de historias. Lo cierto es que se hace inevitable soñar con épicos hallazgos, golpes de suerte y parejas encandiladas cuando visitas la legendaria “Ciudad Eterna”. Las primeras apariciones relevantes de la capital italiana en el cine no fueron esplendorosas, ni mucho menos románticas. No hacían justicia a su antiguo Imperio de la magnificencia. Películas como Roma, ciudad abierta (R. Rossellini, 1945) o Ladrón de bicicletas (V. De Sica, 1948) plasman, más bien, una ciudad decadente, ruinosa y vagabunda, por efecto de la Segunda Guerra Mundial. Para la primera, no fue necesario recrear escenario alguno. Rossellini filmó una historia ficticia en un

contexto de cruel realidad, reflejo de la capital tomada por los nazis. No hay rincón de la ciudad apreciable en esta cinta, pasando por alto algún que otro plano general con paisaje urbano que indica, a los espectadores y visitantes de hoy en día, el pasado vapuleado de una bella ciudad. La segunda película, por su parte, transmite al espectador un desasosiego continuo al contemplar la pobreza, en toda su esencia, pasearse por el barrio de Trastévere y las orillas del Tíber. Partiendo de su recuperación en años posteriores, comenzamos nuestro “tour de las estrellas” por un clásico. El imprescindible Coliseo puede ser uno de los puntos más reseñados en toda clase de obras artísticas, no solamente cinematográficas. Hemos visto en sus arenas al esclavo Máximo (Russell Crowe) derrotar salvajes competidores y fieras en Gladiator (R. Scott, 2000), a los enternecedores Gregory Peck y Audrey Hepburn pasear en Vespa alrededor de su plaza en Vacaciones en Roma (W. Wyler, 1953), creando

una preciosa secuencia para la eternidad, y a Jep Gambardella, el escritor y periodista de La gran belleza (P. Sorrentino, 2013) montar grandes bacanales en un ático con vistas al icónico edificio. Y hablando de mitos, también hemos presenciado cómo Bruce Lee derrota a un joven Chuck Norris a base de patadas entre los “acartonados” muros del Coliseo en El furor del dragón (B. Lee, 1972). El anfiteatro, que forma parte de las Nuevas Siete Maravillas del Mundo Moderno desde 2007, ha servido como telón de fondo de numerosas producciones. Con su sola presencia se confirma el hecho de que la narración se sitúa en Roma, recibiendo así cierto grado de prestigio. Pero si hablamos de lujo italiano, nos llega a la mente la imagen de Anita Ekberg bañándose en una Fontana di Trevi despejada de turistas (algo realmente imposible hoy en día, sea la hora que sea) y llamando a Marcello Mastronianni en La dolce vita (1950). La majestuosa fuente es el escenario perfecto para historias cargadas de romanticismo o erotismo. Son vínculos muy arraigados a la ciudad de Roma desde tiempos imperiales, y así lo quiso reflejar Federico Fellini con su obra. Visitar la capital italiana requiere un gran esfuerzo físico. Tiene tantas cosas por descubrir que las paradas para repostar energías se hacen obligatorias. La plaza de España, su famosa escalinata y la iglesia de la Trinità del Monti presidiéndola, también sirvieron de localización a Fellini, quien, acostumbrado a realizar un estudio sobre la sociedad y el jolgorio romano en sus películas, filmó en Roma (1972) el costumbrista descanso de los transeúntes en ella. La “piazza”, posiblemente uno de los rincones con mayor encanto de la ciudad, se adorna con multitud de flores en temporada de primavera y verano. Aunque Vacaciones en Roma esté en blanco y negro y no se aprecie el color del lugar, Audrey Hepburn y Gregory Peck vuelven a embelesarnos allí cuando él recomienda a la princesa tomar-

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se unas pequeñas vacaciones. Otra de las razones por las que adorar el film de Wyler es la escena de la Boca de la Verdad (Bocca della Verità), situada en la pared de la iglesia de Santa Maria in Cosmedin. Cuenta la leyenda que los embusteros que introduzcan la mano en la boca de la escultura la perderán. Peck asustó a Hepburn de forma inesperada para la inocente actriz, imprevisto que quedó tan natural delante de la cámara que Wyler no dudó en respetarlo en el montaje de la película. Cada día se forman largas colas de turistas para hacerse la foto ante el marmóreo rostro. Quién sabe si lo hacen para comprobar la certeza de la leyenda o para emular a los míticos actores. Llegó el momento que todo turista busca, y a la vez, intenta aplazar. El momento de visitar la Ciudad del Vaticano, uno de los Estados más pequeños, ricos y, probablemente, con más colas de espera en el mundo. Su plaza, su basílica y sus museos son referencia internacional debido a su concentración de riqueza artística y por tratarse de la residencia del Papa. Lógico, pues, que el cine haya encontrado en el Vaticano numerosas historias que retratar. Una de las más recientes, quizás, es la hollywoodiense adaptación de la novela de Dan Brown Ángeles y demonios (R. Howard, 2009). La historia, abreviada en su adaptación, realiza un exhaustivo repaso a las obras más señaladas de Bernini o Miguel Ángel, no sólo del interior del Vaticano, sino de toda Roma. Destaca, por su mezcla de localización real con la ficción, la escena en la que Ewan McGregor trata de salvar el Vaticano -y a toda la gente que se encuentra en la Plaza de San Pedro esperando la resolución del cónclave para el nuevo sumo pontíficede una bomba hecha de antimateria. Por su parte la adaptación de Perdona si te llamo amor de Federico Moccia (2008) de su propia novela, prefiere ir más allá del Vaticano. Exactamente, hasta la plaza del Popolo, donde unos cuantos planos generales nos re-

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cuerdan que nos encontramos ante una de las mejores vistas de la ciudad. Y de plaza en plaza, llegamos a la plaza Navona, conocida, entre otras cosas, por su legado artístico y cultural en forma de fuentes, esculturas, edificios y alguna que otra heladería. También es recordada por los cinéfilos por la plaza donde Gwyneth Paltrow y Jude Law pasean en El talento de Mr. Ripley (A. Minghella, 1999). Pero si hay una plaza en Roma que predomine por su presencia, es sin duda la Plaza Venecia, donde podremos admirar el gran monumento a Vitorio Emanuele II y la Columna Trajana vigilando el incesante paso de automóviles por la calzada. Si estamos bien atentos, puede que veamos bajar del autobús a Diane Lane, tal y como lo hizo en Bajo el sol de la Toscana (A. Wells, 2003) al emprender su aventura italiana. El Palacio de Venecia, allí presente, cobró su importancia histórica también al realizar Mussolini por uno de sus balcones sus discursos al pueblo romano. El dictador quiso hacer su aportación a la cultura cinematográfica italiana en los años treinta creando los estudios Cinecittà, no solo con el fin de hacer competencia a las producciones norteamericanas, sino también para potenciar el discurso propagandístico del régimen. Los estudios se hayan a 10 kilómetros del centro urbano y en ellos se han grabado grandes clásicos de ambientación romana, como Ben Hur (W. Wyler, 1959) y Quo Vadis (M. LeRoy, 1951) y un sinfín de spaguetti westerns, como Por un puñado de dólares y La muerte tenía un precio (S. Leone, 1964 1965). En la actualidad Cinecittà sigue en activo, realizando, sobre todo, producciones televisivas, y abre todos los días para visitas excepto los martes. Cada rincón, cada templo, cada cafetería en Roma está impregnada de siglos y siglos de ficciones y misticismo. Numerosas películas han sabido desarrollar el espíritu encantador de la ciudad y acercarla así a los espectadores de todo el globo, alzando aún más si cabe, el

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cariño general por una ciudad infinita. Incluso los genios amantes de Manhattan, como Woody Allen, llegan a declarar su amor por la ciudad eterna y las miles de narraciones que de ella surgen, pues como bien afirma uno de sus personajes a pies del Palacio Venecia, “en esta ciudad todo es una historia” (A Roma con amor, 2012).

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Propuestas de la MBFW Madrid para la pr贸xima temporada Oto帽o Invierno

POR ÁNGELA F. NOVO

Abrigos de piel

La piel sigue siendo el tejido con mayor protagonismo en las temporadas más frías. Jesús Lorenzo aporta un toque colorista a esta clásica prenda con multitud de estampados destinados a las más atrevidas y originales; Miguel Marinero apuesta por tonos más clásicos, como el gris o el beige, al igual que Roberto Torretta, que nos ofrece una línea más sobria con el negro como protagonista.

Monos

Llegaron hace unas cuatro temporadas y parece que se quedarán, al menos algunas de las propuestas expuestas en la pasarela madrileña así lo demuestran. David Delfín, Ailanto o Teresa Helbig son algunos de los diseñadores que apuestan por esta prenda en diferentes tejidos.

Tonos calidos

Principalmente destacan el naranja y el rojo, que aportarían un toque de color a los meses más grises del año. Diseñadores como Ángel Schlesser o Juanjo Oliva (de izquierda a derecha en las imágenes) lo proponen en vestidos largos de textura ligera; otros, como María Escoté, lo introducen en sus estampados.

Estampado floral

Las flores se llevan mezcladas tanto con colores oscuros como con tonos m谩s claros. El primero de los casos lo encontramos en los vestidos de la colecci贸n de Victorio&Lucchino, en la que predominan el marr贸n y el negro. El segundo, en algunos de los vestidos creados a partir de los tradicionales mantones de Manila, de la mano de Duyos o en los impresionantes kimonos de Francis Montesinos.

Sombreros

Es uno de los accesorios estrella del otoño, ya que ayuda a protegernos de las bajas temperaturas a la vez que añade un toque original a nuestro estilismo. Sobre la pasarela se han podido ver sombreros de todo tipo: de ala ancha, como el blanco de Andrés Sardá; los típicos gorros de lana que nos ofrece Carlos Diez Diez o los sombreros estilo años sesenta que nos propone Roberto Verino en su colección.

Transparencias

Aportan un toque de sensualidad y frescura a cualquier look y las grandes firmas de moda nacional, conocedoras de sus puntos fuertes, las incluyen en prendas como vestidos, camisas o faldas. Duyos, Ion Fiz o Miguel Palacio son algunos de los exponentes de esta tendencia que gana cada vez mรกs adeptos.

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Cada vez son más las firmas españolas que emigran de nuestro país para abrirse paso lejos de nuestras fronteras y qué mejor manera de hacerlo que desfilando en una de las pasarelas de más prestigio del mundo; la de Nueva York. Con su lema “la vida es chula” la marca Desigual desfilo por segunda vez en Nueva York. Sobre la pasarela, una colección inspirada en el amor hacia su ciudad, Barcelona. El Theatre Lincoln Center, fue el escenario del desfile cuyo espectáculo, “Why 2014-2015”, representó el optimismo característico de la firma, eso sí, con más luminosidad y menos elementos barrocos que en otras ocasiones. Colores

como el violeta, el azul marino, el verde camuflaje o el burdeos se plasmaron en lujosos jacquard, tules y lanas. “Monsieur” Christian Lacroix suavizó el colorido del desfile con su colección cápsula, ‘Línea L’, de tonos mucho más lúgubres. A pesar de la simplificación, no faltaron arabescos, flores antiguas, encajes, rostros decimonónicos y arquitecturas, además de bordados en negro, oro, plata, nácar. La sudafricana Candice Swanepoel, uno de los ángeles más cotizados de Victoria’s Secret y fichaje estrella de la firma, fue la encargada de trasmitir ese espíritu jovial sobre la pasarela.

Los españoles Nueva

s conquistaron a York

POR JOANA AGUIRRE

Custo Barcelona es otro de los españoles residentes en Nueva York. “En voz baja”, con este nombre presentó, por décimo séptima vez, sobre la pasarela de la New York Fashion Week su nueva colección para el Otoño-Invierno 2014-2015. Una propuesta que responde a un giro radical en el ADN de la marca hacia la sofisticación y el refinamiento con una colección basada en la elegancia. Una colección que reduce el volumen de sus reconocidas combinaciones de colores y otorga una gran importancia a los tejidos de calidad, uno de los rasgos más característicos de la firma. Basándose en la superposición de tejidos antagónicos, Custo da una lección de trabajo apostando por la combinación de los abrigos de pelo con blusas transparentes y de tejidos vaporosos. Los prints, otro de los

rasgos de identidad de esta marca, son claves tanto en su colección femenina como masculina. La colección, una apuesta por la feminidad, cuenta con una paleta de colores invernales (negro, gris y camel) que combina con colores como el fucsia, el morado y algún que otro neón. Todo ello resaltando la cintura a través de accesorios como el cinturón. Los complementos como los zapatos y gorros siguen el mismo patrón utilizado en los looks. Entre los asistentes al desfile españoles como Fiona Ferrer, Diego Osorio, la “it girl” Gala González y el bloguero Miguel Carrizo. Además también se dejaron ver Joe Jonas (Jonas Brothers) y la actriz Carrie Preston.

Otro de los novatos (si es que le podemos llamar así) es DelPozo. La marca, con Josep Font a la cabeza, volvió a conquistar al público de la semana de la moda de Nueva York con una colección inspirada en el artista italiano Duilio Bernabé y en la novela Logan’s run. DelPozo eligió el edificio de Skylight Limited, con privilegiadas vistas sobre la ciudad de Nueva York, para celebrar su desfile. Con música en directo de Cuddle Magic, consiguió crear una atmósfera única y propia del mundo DelPozo. Un deleite para los sentidos. Su inspiración en Duilio Bernabé se traduce en piezas donde la geometría orgánica resalta la figura humana así como en declinar los

tonos que se utilizan. De esta forma se consiguen líneas evasé que aportan movimiento y fluidez a la figura femenina. Esta influencia está perfectamente combinada con la de la novela de aire futurista Logan’s Run, que se refleja a través de los cuellos rígidos, las mangas de copa elevada y las capuchas. En cuanto a la paleta de colores Josep Font juega con el marrón chocolate y el azul marino pasando por tonos empolvados como el rosa, azul ceniza, nude y beige. Para conseguir un grado de contraposición, clave en esta colección, proporciona una vibrante pincelada de naranja, fucsia o verde manzana.

Los españoles conquistaron

Nueva York

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Fotografía: Sergio Lardiez Maquillaje: Cristina Fernández Peluquería: Gema Hernando Texto: Laura Pérez

La sección de moda de VIM Magazine estrena entrevistas con Lorena Van Heerde, ex miss España para muchos, actriz o empresaria para otros. En pleno auge de su carrera profesional, disfruta al máximo de la rama interpretativa con su paso por ‘B&B’ de Telecinco, al mismo tiempo que lo coordina con sus labores empresariales en su nuevo gimnasio, sus siempre continuas campañas y desfiles de moda. Descubre una nueva Lorena, ¡te sorprenderás! Tu vida dio un giro con tan solo 17 años al ser proclamada Miss España, pero ¿cómo y cuándo te picó el gusanillo de la moda?

moda, tanto de modelo de pasarelas como de publicidad e imagen. ¿En qué ámbito te sientes más cómoda?

¡Todo sucedió sin planearlo! Jamás me había planteado presentarme a un certamen de belleza, pero un día, por casualidad, cuando mi padre estaba montando a caballo en su Hípica de Alicante, coincidió con una fotógrafa haciendo fotos a una modelo y se acercó a observar. La fotógrafa le dijo: ¿guapa eh? Él se rió y le contestó que miraba porque tenía una hija también muy guapa. Entonces, ella pidió verme con la excusa de que se celebraba Miss Alicante, y así me engañó. Al día siguiente me acerqué a la Hípica con mi padre, y todo en cuestión de un mes (sonríe).

Me fui al año de terminar mi reinado a Nueva York, Paris, Alemania, Milán, Miami etc. Empecé a trabajar muchísimo y estaba muy feliz, así que ¡me sentía cómoda en cualquiera de esos ámbitos! Son cosas totalmente distintas: un desfile de un catálogo o publicidad televisiva. Todo lo que tenga que ver con ese terreno, me fascina.

¿Te llevaste un buen recuerdo de esos meses? ¿Qué destacarías como lo mejor y lo peor de esa experiencia? ¡Claro que me llevo un gran recuerdo! Todos vivencias únicas. Trabajé muchísimo, conocí a mucha gente, viajé etc… Lo peor fue la distancia con la familia, amigos y entorno cercano. Fue un cambio de la noche a la mañana radical, de dormir en mi casa de Alicante a irme a Madrid a vivir y viajar ¡continuamente! Pero me adapté perfectamente gracias al cariño de mis padres, y mi madre siempre que podía se venía a Madrid conmigo a darme el calor de madre. Desde entonces no has parado de trabajar en el mundo de la

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¿En cuál crees que puedes explotar más tu potencial? Probablemente por mi imagen, por mi look, en la televisión o publicidad. He protagonizado muchos spots mundiales como Nivea, Carolina Herrera 212 VIp, (que rodé con el top model John Kortajarena), el spot a nivel mundial de Heineken, Mercedes, Yamaha, Toyoyta, H&S campaña de champú de pelo... Tras décadas en las que el certamen de Miss España era una fecha marcada en rojo en el calendario tanto de profesionales y aficionados como de los espectadores que lo seguían por televisión, la crisis y las polémicas acabaron enterrándolo. ¿Crees que afecta o beneficia de alguna forma al mundo de la moda el fin de este certamen mediático? Ha sido siempre un certamen que la gen-

te miraba muchísimo y tenía muchísima audiencia. Pero con los años se ha ido deteriorando. ¡Yo no creo que afecte! Y beneficia sobre todo a nosotras, las ganadoras. Siempre ha sido un plus porque gracias a ese certamen muchas empezaron en la televisión, series, moda y en mi caso me abrió los ojos para saber que me encantaba este mundo de la moda, tele y por el cual me siento muy afortunada. Gracias a él durante 11 años he trabajado y trabajo a un ritmo profesional y ¡continuo! Londres, París o Nueva York han podido disfrutarte en sus pasarelas, pero ¿qué es lo que más disfruta Lorena, desde dentro, de las semanas de la moda? Disfruto primero de la ciudad (risas) París: Romántica. Londres, una ciudad que me fascina… Los idiomas, gracias a hablarlos en sus respectivas ciudades, aprendí francés, aunque inglés ya lo hablaba. Y por supuesto el estar trabajando con modelos reconocidas te hace sentir especial, feliz de estar allí con ellas. El estar con los diseñadores y maquilladores tan increíbles. Es increíble todo. A pesar de los mega-madrugones que nos metemos al cuerpo la gente que nos dedicamos a este mundo. Hemos podido ver tu faceta interpretativa en algunas series de televisión como Siete Vidas, y recientemente en B&B, la nueva ficción de Telecinco. ¿Te has planteado seriamente volcar tu carrera hacia la interpretación? ¡Han sido experiencias únicas! Estudié 2 años de arte dramático y por mi carácter y personalidad me fascina aprenderme guiones y actuar. Es un mundo que me encanta y me preparo para ello. El haber rodado con actores como Belén Rueda,

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Carlos Iglesias, Macarena García, Neus Sanz, Dani Rovira... etc ¡He aprendido mucho de ellos! Así que os iré contando mis próximos planes en el mundo de la interpretación. En la pasarela también interpretáis y defendéis lo que el diseñador os pide. Son ‘pequeños papeles’ que dan vida a una colección. ¿Es más difícil meterse y hacer creer al público esa esencia en apenas unos segundos que un papel en cine o tv? Cualquier papel, por segundos, minutos u horas que tenga siempre es igual de intenso y ¡siempre te dejas la piel en ello! Como bien dices, desfilar es actuar, meterte en la piel de lo que el diseñador ha creado con sus tejidos y telas. Demostrar a la gente lo maravilloso que es lo que ha diseñado mediante nuestro cuerpo y desfilando por la pasarela. El físico cambia y la carrera de una modelo tiene fecha de caducidad. ¿A qué tienes pensado dedicar tu vida cuando llegue ese momento? ¡Y menos mal que tiene fecha de caducidad! (risas) Es una vida muy intensa, con muchos viajes, madrugones unidos a 13-14 horas de trabajo. No siempre es así, pero la mayoría sí... Incluso puede que un día estés en dos ciudades diferentes. Imagínate a lo largo de la semana cuantas ciudades puedes llegar a visitar. ¡Es un descontrol! Cuando me levanto en los hoteles, no sé por dónde ir hacia el baño…ayer estaba a la derecha, hoy a la izquierda, mañana de frente… (risas) Estudié educación infantil y actualmente soy empresaria. Monté en Madrid en la Avenida Alberto Alcocer 10 un estudio llamado E-FIT Alberto Alcocer By Lorena Van

Heerde! Es un centro de entrenamiento personal basado en la electro-estimulación. Una vez a la semana ¡25 minutos! Estamos muy contentos ya que ha sido un éxito y que espero que siga siéndolo. Si no sabéis mucho sobre este sistema, ¡os lo recomiendo al 100%! Seguro que habéis oido hablar sobre unos chalecos que se colocan en el cuerpo y se conectan a la máquina Efit y haces un entrenamiento como hicieras en cualquier gimnasio, pero conectado a la máquina y con un entrenador personal pegado a ti. Y en octubre empiezo periodismo, lo cual estoy esperando con muchísimas ganas. Así que sigo formándome para el futuro, que creo voy bien encaminada. Me formo, trabajo en lo que me gusta y de momento todo lo compagino bien… Cuando empiece periodismo tendré que bajar el ritmo, pero soy mitad holandesa, ¡soy fuerte! (risas). Mientras llega el momento de bajarse de las pasarelas, debes cuidarte al máximo y tendrás tus propias rutinas de belleza. ¿Cuál es ese truco que recomendarías a todas nuestras lectoras? Tengo la suerte de no fumar ni beber y eso ¡ya es un plus de belleza para la piel! Hago deporte con el sistema de entrenamiento de mi gimnasio, me gusta también ir en bici, patinar como buena holandesa, caminar… Durante la semana como sano y el fin de semana como lo que me apetece. ¡Nunca me privo de nada! Con la vida que llevo de tanto viajes tengo que alimentarme bien. Mis cremitas Biotherm Aquasource siempre van conmigo, ya que aportan mucha agua. Agua, un tópico, pero ¡súper importante! Y como siempre digo, la genética es súper importante también y yo, gracias a mi madre, he heredado su piel y su metabolismo.

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Muchas modelos, aunque también actrices o cantantes, tienen un diseñador predilecto, ¿cuál es el tuyo? Extranjeros: Valentino, Roberto Cavalli, Hermés y Chanel me fascinan y españoles: Roberto Verino, Ángel Schlesser… Y en general apoyo muchísimo la moda española, ¡siempre que puedo me visto d ellos! ¿Qué prenda no puede faltar en tu armario? En cuestiones de ropa y calzado, ¿también lo más caro es lo más bonito? ¿Apuestas por las marcas lowcost? Para mí lo perfecto es la combinación de marcas low-cost y darle un toque con complementos como puede ser un buen bolso, zapatos, pañuelo, cinturón… En mi armario… en mi armario… ¡no entra nada más! (risas) Los zapatos me fascinan, jeans, chupas de cuero, vestiditos… ¡En mi armario no puede faltar nada! ¿Te consideras seguidora de las nuevas tendencias? ¿Cómo definirías tu estilo? Me considero que estoy al día y las sigo pero no me dejo marcar por la tendencia. No porque se lleve algo hay que llevarlo. Si me gusta sí, pero nunca voy a forzar

un estilismo por estar al día. Tengo varios estilos y eso lo marca el clima, mi estado de ánimo etc. Un día puedo llevar un look elegante, estiloso y dulce y al día siguiente ir sport con mis zapatillas o cazadora. ¿Te animarías a exponerte al público en un blog o similar? ¿Cómo asimilas las críticas que llegan desde el exterior, a veces con la única intención de hacer daño? Al final las redes sociales como Instagram son un poco lo mismo que un blog porque dejas ver tus cosas, y para eso están, ¡para que la gente pueda opinar! Me piden que haga blog, pero con todo lo que os conté antes de mi vida y proyectos actuales y futuros ¡poco tiempo me queda! (risas) Ya veremos. (sonríe). Para terminar, ¿qué deseas contarnos, o contarle al mundo, y que siempre se queda en el tintero en las entrevistas que concedes? Deseo contarle al mundo lo afortunada que me siento y darle las gracias una vez más a mis padres por todo lo que me quieren, por los valores que me han inculcado y por ese amor incondicional ¡que es mutuo!

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Equilibrio entre cuerpo y mente POR ÁNGELA F. NOVO

Pocos desconocen hoy por hoy las palabras yoga, pilates o tai-chi. Al escucharlas, las relacionamos directamente con el ámbito de la relajación pero, ¿cuál es el origen de las cada vez más demandadas terapias corporales? ¿Cuáles son sus beneficios y a qué tipo de público va dirigida cada una de ellas? Os ofrecemos las respuestas:

Yoga La palabra yoga – de significado “unión”-engloba un conjunto de disciplinas procedentes de la India. Los nuevos estados de conciencia a los que conduce la práctica del yoga hacen posible un conocimiento más profundo de uno mismo, encontrando de ese modo la felicidad en los ámbitos mental, físico y espiritual. Todo ello se consigue a través de la práctica de posturas que, armonizadas con la respiración, son beneficiosas para el cuerpo y la mente. Estas posturas poseen diferentes grados de dificultad, según el nivel de experiencia de los alumnos. Beneficios. Este método produce efectos beneficiosos en todas las edades, ya que mejora la musculatura, reduce el estrés, aumenta la sensación de descanso aportando así vitalidad y energía y mejora la elasticidad. Además, produce cambios más allá del ámbito físico, proporcionando equilibrio y paz interior. Proporciona energía y mejora la salud, fortalece y estira la musculatura de todo el cuerpo, corrigiendo problemas posturales y previniendo patologías de espalda y articulares. Las asanas, que así es como se denominan las diferentes posturas del yoga, lubrican todos los órganos, mejorando así la circulación de la sangre y la flexibilidad muscular, y ayudan a que las articulaciones, los músculos y otras partes del cuerpo funcionen correctamente. ¿A quién va dirigido? Esta técnica está indicada para todas aquellas personas que busquen un sistema de entrenamiento físico que no sólo acondicione su cuerpo sino que también permita trabajar la mente. Si sufres de estrés o ansiedad y buscas cambiar tus hábitos de vida incrementando tus niveles de relajación, este es el método más adecuado para ti.

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Tai-chi Esta técnica, nacida en el imperio chino y con una tradición de siglos, consiste en la consecución de un mayor equilibrio tanto a nivel psíquico como físico. Se basa en una sucesión de movimientos circulares, lentos y armoniosos, que se coordinan con una respiración profunda. Dispone de una larga tradición en países como China, Japón y Corea, y se practica a cualquier hora y al aire libre, por gentes de todas las edades. Beneficios. La práctica de este método fortalece el sistema inmunológico y por lo tanto nuestras defensas; reduce la ansiedad y el estrés, aumentando así la sensación de bienestar; mejora la circulación; alivia cualquier tipo de dolor crónico e incrementa la energía y la agilidad. ¿A quién va dirigido? Está especialmente recomendado para todos aquellos reacios a la práctica de deportes que exigen altos niveles de fuerza y resistencia o para personas adultas con algún tipo de problema en las articulaciones.

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Método Pilates Nacido durante los años 20 en Nueva York de la mano de Joseph Pilates, este método consistía en un programa destinado a la rehabilitación. El método Pilates permite trabajar el cuerpo como un todo, activando la musculatura en conjunción con la mente, a través de ejercicios lentos realizados con el apoyo de herramientas y máquinas específicas y bajo supervisión de un profesional cualificado que se adecúe a las necesidades de cada alumno. Beneficios. Esta técnica logra el equilibrio de toda la musculatura, reforzándola y facilitando el tratamiento de lesiones con mayor rapidez. Dicho equilibrio muscular aumenta la flexibilidad y la fuerza, al tiempo que corrige problemas posturales. ¿A quién va dirigido? Resulta de interés tanto para aquellas personas que no suelen realizar actividades físicas y buscan un modo de introducirse en las mismas, como para los deportistas y artistas escénicos que buscan el perfeccionamiento en sus actividades, ya que ayuda a mejorar la técnica y prevenir lesiones. También está indicado para quienes padecen algún tipo de patología de espalda, ósea y muscular; para las embarazadas y para quienes tienen sobrepeso, ya que supone una forma controlada de trabajar la musculatura sin que sufran las articulaciones.

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Reiki Esta técnica data de finales del siglo XIX, cuando el monje cristiano Mikao Usui redescubrió el Reiki tras una larga investigación. Desde entonces, ha sido transmitido hasta nuestros días. A diferencia de las demás técnicas, en el Reiki es primordial la actuación de un terapeuta, ya que este método se basa en el trabajo con el campo energético del paciente, incidiendo sobre los bloqueos que perturban la circulación de su energía. El especialista, mediante sus manos, dirige la energía haciendo de papel intermediario entre el individuo tratado y el “cosmos” o universo, que entrega esta energía de forma ilimitada. Mediante esta imposición de manos sobre el cuerpo humano se alivia el dolor, transmitiéndose tranquilidad y curación. Beneficios. Entre los aspectos más positivos de esta actividad está su habilidad para acelerar la capacidad de recuperación del cuerpo humano ante alguna enfermedad. Así mismo, reduce el estrés; aumenta la capacidad de concentración; puede reducir los dolores menstruales y las migrañas y actúa como tratamiento de preparación mental para pacientes que tengan que someterse a algún tipo de operación quirúrgica, tanto antes como después de la misma. ¿A quién va dirigido? El Reiki está indicado a todas aquellas personas que sufran algún tipo de dolencia de tipo físico o psíquico (problemas en la piel, lesiones, fracturas, depresión, insomnio, ansiedad…).

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Si la cara es el espejo del alma, en moda, el escaparate es el spot más largo del mundo, la portada más buscada o el minuto de oro arrebatado al futbol. La norma número de uno de todo escaparatista es explotar el placer contemplativo del que mira y dejar al personal clavado en la acera. A primeros del gélido febrero la singular Carla Royo Villanova puso en marcha el primer escaparate súper-viviente de España en el que todos podían ser protagonistas.

ESCAPARATE al mundo

La firma de cosmética de Carla, CBRB, lideró una especie de puertas abiertas en el escaparate de Égova Madrid por el que pasaron distintos profesionales del arte, la belleza o la moda, como el diseñador Baruc Corazón que posaba así tras los cristales. La idea resultó y quién pasaba por allí se quedaba un buen rato admirando ese escaparate en movimiento. ¿Recodáis a la encantadora Holly de Desayuno con Diamantes? ¿Quién no ha babeado delante de una joyería o mejor aún ante unos deliciosos macarons de mil colores de los obradores de chueca?

Fuera del sector de “las cosas bonitas”, como las floristerías, perfumerías o tiendas de decoración, los otros negocios que precisan con urgencia de la tarjeta de visita que da un buen escaparate, son, por ejemplo, los gimnasios, las entidades bancarias o algunos centros de restauración; en este sentido los restaurantes suelen dar la mejor cara y se renuevan, como los centros de belleza, que ya lucen por fuera, lo que ofrecen por dentro. Es el caso de AvanClinic, una clínica médica multidisciplinar especializada en salud y belleza que acaba de inaugurarse en la capital con un entorno muy cuidado y acorde con su carta de servicios.

La ropa y el calzado es caso aparte, porque las prendas entrañan la dificultad de que “los visual” sepan vestirlas.

Recomiendo los escaparates de la firma Voneka para ver un buen ejercicio de estilismo y la elegancia de Pretty Ballerinas con ese rosa tan propio que no para de dejarse ver por ahí fuera -la internacional marca del grupo Mascaró acaba de inaugurar su nueva flagship en Hong Kong- y promete seguir creciendo a pie de calle aunque sus ventas on-line vayan viento en popa. Precisamente el filón de la venta por internet es el gran enemigo de los escaparates que tanto admiramos. El paisaje urbano depende del buen gusto de las firmas y hasta el low-cost tiene esa responsabilidad de adornar, crear y otorgar al senderista de ciudad que todos llevamos dentro, unos entornos admirables que en medio del asfalto nos den un respiro artístico. ¡Que no descuiden esa oportunidad porque si el escaparte cautiva, esos ojos enseguida estarán dentro! Con una media que supera los 40.000 visitantes, no podía dejar de mencionar al gran escaparate de la moda Española que dos veces al año nos muestra al mundo: MERCEDES-BENZ FASHION WEEK MADRID (ojo a su escaparate interior, el CIBELESPACIO), acaba de cerrar con el éxito habitual su 59ª edición y ya prepara la de septiembre, aquí se puede asegurar, que hasta los maniquíes se mueven.

POR Ana Cadenas, autora de la novela “Cuando menos te lo esperas”, (Click Ediciones) disponible en Planetadelibros. com.

POR JOANA AGUIRRE

El pasado 9 de febrero se celebraron los Premios Goya, uno de los acontecimientos más mediáticos del año. Y, por supuesto, una de las plataformas con más proyección para la industria de la moda. La alfombra roja de los Goya suele invadirse de diseños de grandes modistos como Dior, Armani, Carolina Herrera o Elie Saab. Algo que ha sido criticado durante muchos años tanto por la prensa española como por los propios diseñadores. Pero este año, eso ha cambiado y es que el diseño español ha sido el protagonista de la 28 edición de estos premios. El modisto Lorenzo Caprile ha sido el claro ganador vistiendo a seis actrices: Aitana Sánchez Gijón, Belén Rueda, Carolina Bang, Mar Regueras, Marta Etura y Nathalie Poza. Delpozo, otro de los nombres imprescindibles de la moda española y que tanto éxito está cosechando desfilaba en Nueva York a la vez que Leticia Dolera, musa del director creativo de Delpozo, Josep Font, pisaba la alfombra roja. Fue el propio Font quien eligió el vestido desde Nueva York, un vestido palabra de honor con flores de guipur y aplicaciones bordadas. Para firmas más pequeñas y menos conocidas como Nihil Obstat (formado por Javier Martín Galán y Armiche Rodríguez), quienes vistieron a Cuca Escribano con un vestido en crepe de lana y satén de seda en color arena y con un bucle en la espalda, esta pasarela (la del cine) es una de las más importantes. Nicholas & Atienza (Nicholas Phillipe Mairye y Eva Atienza Quirosa), que desfilaron varios días después dentro de la Madrid Fashion Show (antesala de Cibeles), fueron los encargados del vestido de Cristina Castaño, una de las mejor vestidas de la noche. El diseño español continuó presente en la alfombra roja de la mano de otras marcas como Iván Campaña o Tot-hom (Irene Visedo). También vimos diseños de Adolfo Dominguez (Lucía Jiménez), Miriam Ocáriz (la ganadora del Goya a mejor actriz Marian Álvarez), Miguel Palacio para

Hoss Intropia (Nadia de Santiago), Alfredo Villalba (Manuela Vellés), María Escoté (Miriam Giovanelli) o Jorge Vázquez (Gracia Querejeta). Pero a la que más se esperaba fue Paula Echevarría, que ya había anunciado que llevaría un vestido de Dolores Promesas repitiendo diseñadora como ya hizo unos años con aquel recordadísimo vestido verde esmeralda. Entre los diseñadores internacionales destacaron el vestido negro de Belén López firmado por Oscar de la renta, el Elie Saab de Blanca Suárez con unas transparencias de vértigo. María León llevó uno de los vestidos más coloridos de la noche; un Lanvin de color verde con volantes. Nieves Álvarez, una de las que no faltan a la lista de las mejor vestidas y a la que siempre se le espera por su elegancia, eligió esta vez un diseño en color dorado y cinturón negro de Ralph and Russo Alta Costura. Otra de las más elegantes, Silvia Abascal, lució un vestido de Stephane Rolland que no dejó indiferente a nadie. La bloguera e “it girl” española, Gala González, fue la estilista de Macarena García (Goya a mejor actriz revelación en 2013 por Blancanieves) consiguiendo que con su Roberto Cavalli de color nude entrase en el “top ten”. Entre las habituales a estas listas, Juana Acosta y Clara Lago que lucieron vestidos de Zuhair Murad, Manuela Velasco de Dior, Dafne Fernández con un vestido blanco de Carolina Herrera y Mar Saura con un black and white de Michael Kors.

Ya lo decía Coco Chanel hace décadas: “La moda no es algo que existe solo en los vestidos. Está en el cielo, en la calle, tiene que ver con las ideas, con la forma en que vivimos y en lo que está sucediendo”. Tomando esta frase como pilar fundamental, han nacido las “concept stores”, tiendas en las que se mezclan arquitectura, arte, música y, sobre todo, moda. Mucha moda. Son espacios que marcan la diferencia y que han sido creadas para cautivar al consumidor. Para que estos vivan una experiencia única. Quizás una de las “concept store” más famosas del mundo sea Colette, en París. Una tienda que cuenta hasta con su propia entrada en Wikipedia. Abierta en 1997 se ha convertido en una leyenda. Las marcas quieren estar en Colette pero, ¿por qué? Esta “concept store” vende desde series limitadas de colecciones de grandes diseñadores hasta productos exclusivos que solo allí se pueden encontrar. Y, por supuesto, también hace las veces de galería de arte, tiene un restaurante, un “beauty shop”, así como revistas de todo el mundo además de una colección de vinilos de discográficas independientes. Pero si hay algo que destaca de Colette es su escaparate, que cambia cada domingo para atraer a los más fashionistas a su interior. En España empiezan a proliferar este tipo de tiendas y en Madrid podemos encontrar unas cuantas. Aunque Gallery Madrid lleva desde 1991 ofreciendo la mejor moda, ha sufrido una evolución hasta convertirse en Gallery Madrid Luxury Concept Store, situada en Jorge Juan 3. Esta “concept store” es un paseo a través de una lluvia de referencias personalmente seleccionadas basándose en criterios de calidad, actualidad, y exclusividad. Podemos encontrar desde el vino más adecuado para una cena especial, hasta la fragancia con la que perfumar el hogar así como ediciones limitadas de libros o la tecnología más moderna. Y, cómo no, sin dejar de lado las últimas colecciones de firmas internacionales y nacionales.

CONCEPT STORES

Rughara es otra de las recién llegadas. Situada en pleno barrio de Malasaña (Corredera alta de San Pablo, 2) esta “concept store” se basa en el cambio: de tienda de ropa y complementos a sala de exposiciones, decoración o conciertos. Se centra en la búsqueda continua y traducción del

La nueva manera de entender la moda

POR JOANA AGUIRRE

sentimiento de la calle pero siempre guardando un estilo propio y fuerte. “Rughara es el lugar donde los inconformistas encontrarán su sitio y responderán a las necesidades que les surjan además de encontrar aquellos objetos que les representen”, así se define esta tienda. “Una tienda que signifique algo más que un lugar donde comprar”. Con esta idea nace Do, un proyecto que tiene como hilo conductor el crear un espacio en el que poder vivir una experiencia, en el que pasear, tomar un café o simplemente observar e inspirarse. Un espacio que rompe con el concepto de consumo establecido en nuestras mentes. Arte, moda y diseño vistos a través de un mismo prisma. Un espacio con una selección exclusiva de objetos encontrados u “objects trouvés” que tienen como característica principal un diseño bello y funcional, orgánico y artesanal, que mezcla las últimas tendencias con el diseño más rústico y tradicional. Un espacio vivo en movimiento dedicado a reflejar una filosofía donde diseñadores y artistas emergentes compartan una visión de trabajo, de estética, de estilo de vida. Do cuenta con un espacio de 200 metros cuadrados dividido en 5 espacios: moda y accesorios, muebles y decoración, galería de arte, revistas, publicaciones y objetos de papelería y la cafetería. Si lo que buscáis es la diferenciación las “concept stores” son el lugar ideal para ello. Además, podréis disfrutar de una experiencia única tomando un café, visitando una exposición o escuchando un grupo independiente que no suena en la radio. Las “concept stores” son una nueva manera de entender la moda.

LITERA

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Seguro que este título te suena, y es de esperar, pues lleva ocupando los estantes de las librerías como uno de los más vendidos durante los últimos meses.

ma su éxito en todo el mundo. Actualmente, es profesor de francés, aunque ya apuntaba maneras, convirtiéndose a los 10 años en el editor más joven de Suiza.

No es una novela corta (660 páginas nada menos), por la portada puede parecer un libro para niños, pero algo tiene para que haya atrapado a tantos lectores. La respuesta es que la trama te engancha desde el principio por ser cambiante y tener todo tipo de elementos que hacen que sea una obra digna de tener en nuestras estanterías.

El argumento se divide en tres periodos de tiempo: 1975, 1998 y 2008. El primero se sitúa en el año en el que Harry, de 34 años, y Nola, de 15, se conocen y enamoran. 1998 correspondería a cuando Harry y Marcus se conocen como profesor y alumno en la Universidad de Burrows. Y 2008, sería el presente en el que Marcus narra lo que está ocurriendo. Esta división es una forma muy inteligente de hacer más gráficas y claras las situaciones, lo que hace que te sumerjas más en la trama. Además, al comienzo de cada capítulo, se ofrece una lección para convertirse en un buen escritor, aplicables a la vida, que Harry da a Marcus cuando era su pupilo. El toque curioso se lo da el hecho de que sea una novela en la que el protagonista sea un escritor que a su vez está escribiendo una novela en la que previamente se nos dan las claves para escribirlas y fragmentos de la que se supone que es el escrito final.

El protagonista es Marcus Goldman, un escritor cercano a la treintena, que decide visitar a su mentor, Harry Quebert, tras un bloqueo de inspiración después de escribir su exitosa y primera novela. Viaja hasta la ciudad de Aurora, donde hace mas de 30 años se produjo la desaparición de la pequeña Nola Kellergan, hecho que traumatizó a la ciudad. Este caso sin resolver vuelve a ocupar las portadas de los periódicos cuando encuentran el cadáver de la joven enterrado en el jardín de Harry. Marcus, atónito ante la inesperada noticia se pone a investigar para demostrar la inocencia de su mentor, aquel que años atrás le hizo despertar y salir de su zona de confort para llegar a convertirse en el escritor que es hoy. A lo largo de la investigación irá descubriendo secretos que nadie se hubiese imaginado, hasta un desenlace que solo desvelará al asesino en las últimas páginas. La verdad sobre el caso Harry Quebert es la segunda novela del, también, joven escritor Joël Dicker. Nacido en Suiza en 1985, se ha convertido en toda una promesa de la literatura europea. Con su primera novela, Los últimos días de nuestros padres (que será publicada este año en España), consiguió ser el ganador del Premio de los Escritores Ginebrinos, gracias a una historia sobre una unidad de inteligencia británica encargada de entrenar a la resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. Pero fue con esta segunda novela con la que consiguió hacerse tanto con público como con crítica, ganando el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa, el Premio Goncourt des Lycéens y el Premio Lire. Si a esto se le suma su traducción a treinta y tres idiomas, se confir-

La novela recuerda al thriller de la exitosa saga Millennium escrita por Stieg Larsson. Tienen en común la desaparición de una joven que tras muchos años desde que se le perdió la pista, se encuentran indicios que hacen que la historia vuelva a reaparecer. La trama constantemente va cambiando y cuando crees saber quién es el asesino, hay un giro completo y aparece otro posible asesino. Esto hace que te mantengas pegado a las páginas y sigas leyendo un capítulo tras otro, pues siempre hay dinamismo, la historia no cansa, lo que provoca que en pocos días termines la novela al no poder apartarte de ella. Los personajes son redondos, van evolucionando a medida que lo hace la historia, lo que aporta también ese ritmo y velocidad a la novela. La verdad sobre el caso Harry Quebert es una gran novela, recomendable para todo aquel que quiera sumergirse en una historia bien construida e inesperada, que sorprenda mientras avanzan las páginas, y con un final que no dejará indiferente a nadie. POR ELENA CANOREA

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Si te gust

ESTE MES TE REC Por patricia cuenca

LA LISTA FREDERICK FORSYTH Existe una lista secreta que se revisa cada martes en el despacho oval de la Casa Blanca. Contiene los nombres de los terroristas que son tan peligrosos para Estados Unidos, para sus ciudadanos y para sus intereses que han sido condenados a muerte sin juicio. Se llama «La lista», y solamente la ve el presidente y seis hombres más. En la primavera de 2014 se añade un nombre nuevo a esta lista: el Predicador. No saben su nombre verdadero y nunca se ha visto su cara, pero sus sermones en la web son tan poderosos que instigan a jóvenes islamistas a matar y a morir en su nombre. El encargado de destruir al Predicador es el Rastreador, el apodo que recibe Kit Carson, de cuarenta y cuatro años, experto en cultura y lengua árabe, ex marine, ex-SEAL, viudo y uno de los fundadores de un equipo elitista de hombres entrenados para perseguir y cazar a sus objetivos estén donde estén. Virginia, Pakistán, Dubái, Islamabad, Londres, Somalia… el viaje hacia su objetivo es tan complejo que cualquier otro se hubiera rendido; pero el Rastreador tenderá una trampa brillante y utilizará todos los recursos posibles, legítimos o no, para llegar al enemigo.

EL PRIMER CAFE DE LA MAÑANA DIEGO GALDINO Massimo tiene poco más de treinta años y es el dueño de una pequeña cafetería en el Trastevere, en el corazón de Roma. Cada día, al salir el sol, cruza las calles todavía dormidas de la ciudad y abre su bar. Sus clientes, las nuevas recetas de café que siempre anda probando; esta es su vida y no necesita más, se dice a sí m ismo. Sin embargo, el día en que una turista con aire de andar perdida, ojos verdes y pecas en las mejillas entra en su bar, la vida de Massimo se altera para siempre. Pero ¿cómo se acercará a ella? Es esquiva y distante, no hablan la misma lengua y, para colmo de males, ella solo bebe té. En la ciudad más romántica del mundo, a veces basta un café para enamorarse. Diego Galdino nos pasea por las calles de Roma y nos ofrece una novela de aroma irresistible y sabor intenso que dejará al lector con un sabor de boca inmejorable. Como una buena taza de café

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ta leer...

COMENDAMOS…. LAS AMIGAS DE OJOS OSCUROS JUDITH LENNOX A Liv se le cae el mundo encima cuando su padre las abandona a ella y a su madre, y tienen que empezar una nueva vida en el pueblo de una amiga de juventud de su madre. Muy pronto, la tímida Liv conoce a las que serán sus mejores amigas: la bella Rachel y la rebelde Katherine. Al crecer, las tres chicas evolucionan de manera muy diferente Katherine persigue sus sueños profesionales en Londres, Rachel se casa muy joven con el amor de su vida, y Liv se va a estudiar a la universidad, aunque seguirán siendo las mejores amigas. El día antes de dar a luz, Rachel llama a sus amigas para decirles que quiere revelarles un secreto, pero nunca llega a contárselo. Descubrir el secreto de Rachel se convertirá en una prioridad para Liv y Katherine a lo largo de sus vidas

EL VALLE DEL ASOMBRO AMY TAN Amy Tan, aclamada autora de El Club de la Buena Estrella, regresa con una maravillosa novela de madres e hijas, logros y pérdidas, secretos y deseos. 1912, Shanghái. Violeta es la hija adolescente de Lulú, una estadounidense propietaria de la mejor casa de cortesanas de la ciudad. Siempre a cabal lo entre dos mundos, y viendo cómo Lulú evita hablar del pasado, Violeta no acaba de encontrar su lugar, y está convencida de que su madre no la quiere. Pero antes de que puedan arreglar sus diferencias ambas serán víctimas de un engaño que las separará, llevando a Lulú de vuelta a San Francisco y convirtiendo a Violeta en cortesana. Años después, y como si el destino fuera una condena a la que no pueden escapar, Violeta sufrirá también los reveses de la suerte, y se dará cuenta de que su única oportunidad de encontrar la felicidad pasa por enfrentarse al pasado, compartir sus secretos y profundizar en la compleja relación entre madres e hijas.

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UN GATO CALLEJERO LLAMADO BOB JAMES BOWEN Cuando el músico callejero James Bowen encontró a un gato pelirrojo herido acurrucado en el descansillo de su piso, no podía imaginar hasta qué punto su vida iba a cambiar. James vivía al día en las calles de Londres y lo último que necesitaba era una mascota. Sin embargo, no pudo resistirse a ayudar a un gato tan sorprendentemente listo, al que rápidamente bautizó como Bob. Enseguida los dos se hicieron inseparables y sus variadas, cómicas y, ocasionalmente, peligrosas aventuras acabarían transformando las vidas de ambos y curando las heridas de sus turbulentos pasados. Un gato callejero llamado Bob es una emotiva e inspiradora historia real que ha llegado al corazón de miles de lectores, primero en Gran Bretaña y ahora en el resto del mundo.

LA HOGUERA DEL ODIO MARIA BARBANCHO BORREGO El funeral de sus abuelos y una vieja maleta que recibe en herencia y que ha permanecido oculta 40 años son el inicio de un viaje en el tiempo para la joven abogada judía, Nehira Fischer. Un viaje en el tiempo hasta la Alemania de Hitler y el nazismo, que rasgará despiadadamente el velo de hermetismo y secretismo que durante décadas rodeó el pasado de su familia, descubriendo una trágica historia. Amor, odio, traición, ambición, poder, fanatismo, asesinatos, dobles identidades… un cóctel explosivo para una historia ambientada en la Alemania nazi y la II Guerra Mundial, magníficamente relatada y con una narrativa tan visual que convierte al lector en un protagonista más, atrapándolo capítulo a capítulo hasta el desenlace final

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Midnight Motel

Desnudo en aquella habitación de motel, consumando las últimas caladas del cigarro, quedé contemplando como él lentamente se vestía. - ¿No quieres quedarte un rato más, la habitación está pagada…? - Sabes que no puedo Mientras recogía las últimas prendas del suelo, yo le seguía mirando, no podía apartar los ojos de él. Aquel chico, con el qué quedo con una regularidad extraña, seguía dándome en aquellos breves lapsos de soledad compartida, una idea algo indefinida de lo que podía llamarse amor. Nuestro sexo era algo como primitivo, los dos éramos trabajadores del campo, pero en la basta Utah natal mía y en los años que corrían, no había mucha sensibilidad ni aprecio a lo que nosotros hacíamos, en estos moteles de carretera apartados. Nos encontrábamos siempre en un bar de carretera cercano, que quedaba a pocas millas de aquí. El siempre llegaba antes, bebíamos nuestros tragos y poco después de que uno dejara el bar el otro salía en la misma dirección. No se mediaban palabras, simplemente se seguía el compás de ese ballet ensayados por años de compasionada soledad compartida. Habitación, hielo, algo de bebida y horas abrazados en una sinfonía de hombría entremezclada con algo de miedo y vergüenza. Él era el hijo del pastor del pueblo, rozaba los 25 años y su rubio pelo estaba siempre cortado al raso. Yo le llamaba militar, pero cada vez que pronunciaba esa palabra el rabiosamente me miraba. - Sabes que este corte de pelo me gusta tanto como a ti. - Ey, Ey! Que a mi me gusta y mucho! - No digas tonterías, parezco un bobo marine en busca de pelea.. - Quizás será eso que me llama de ti. - Bobadas, cuando nos mudemos a California me dejare crecer el pelo como esos Hippies! Y nos bañaremos desnudos en la playa, sin tener que escondernos en estos mohosos mo-

RELATO teles de carretera. Por cierto, ¿Para cuando tienes previsto vender el rancho? Me dijiste la última vez que ya lo tenías todo arreglado ¿Y bien? - Tranquilo chico, sabes que no es fácil todo esto. Primero tengo que dejar todo arreglado, eso lleva tiempo. - No puedo aguantar más el estar aquí en esta prisión. Si no tomas una decisión rápida yo buscaré mi camino. - No te preocupes, en un mes estará todo solucionado. - ¡Eso espero! Me voy, vaya ser que el pastor sospeche algo y entonces si que le tenga que partir la cara. - ¡Tranquilo muchacho! ¿Si no vas con pies de plomo, lo podemos echar todo a perder? ¿O es que acaso quieres eso? - Para ti es fácil decirlo. - ¡Basta! El día 25 del siguiente mes deja todo arreglado, te llamaré a la parroquia y preguntare por Jhona. Eso querrá decir que nos vemos en el cruce de siempre. ¿Entendido? - Si. - Entonces deja esa ropa y ven un rato conmigo, el pastor no te puede decir nada, tiene las horas contadas. Así volvimos al lecho, a nuestro escenario favorito, donde mejor nos entendemos, allí donde las palabras no tienen cabida. Hacía una hora que había llamado a la parroquia. Y ahí estaba, con los nervios a flor de piel, fumando un cigarrillo tras otro. En aquel puñetero cruce, que tantas veces nos había visto pasar. Hasta que un día quiso el destino que pinchara mi camioneta y ahí nos conocimos. El se acercó con una sonrisa impoluta, con sus dientes blancos y con su típico sombrero. Entonces él me espetó.. - ¿Necesitas ayuda, amigo? Y desde aquel día, sabía que estábamos echo él uno para él otro..

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Top El valle del asombro Amy Tan

La primera guerra mundial contada para escépticos Juan Eslava Galán

La jungla de Miguel Áng

1 2 3 6 7 8 ¿Puedo soñar contigo? Blue Jeans

La vida era eso Carmen Amoraga

Bajo la mism John Gr

p 10 MARZO

LIBROS MÁS VENDIDOS

e los listos gel Revilla

El juego de Ripper Isabel Allende

ma estrella reen

No estamos locos El gran Wyoming

Legado en los huesos Dolores Redondo

3 4 5 9 10 Yo fui a EGB Javier Ikaz y Jorge Díaz

CUANDO LA INVESTIGA: CIÓN CRIMINAL TIENE NOMBRE Y APELLIDOS Me tomo la cariñosa licencia de llamar Paco al señor Francisco Pérez Abellán, una de esas personas que hacen falta en una sociedad como la nuestra, por su honestidad y tesón. El bueno de Paco no se tiene que esforzar nada para destacar entre sus compañeros de profesión. Paco destaca por encima de todos; la palabra escritor se le queda pequeña. Es un investigador, con todas las consecuencias de la palabra, las positivas y las negativas. Una de esas personas que, cuando se mete en un tema, llega hasta más allá del final. Su vida son sus investigaciones y eso lo notamos todos cuando lo vemos en la televisión o lo escuchamos en la radio. Él sabe transmitir porque nació con la intensidad de un grande, como quien nace artista. Uno puede estudiar para ser periodista, escribir cada día para ser escritor… pero, si esa persona no tiene lo que el señor Pérez Abellán, se quedará a mitad del largo y áspero camino. Desde que soy un adolescente he escuchado atentamente sus palabras, de siempre me gustaron las personas que creen en lo que dicen porque el aparentemente simple hecho de reunir todos los argumentos y las coherencias para defender una idea, lo puede ser todo en esta vida. No es difícil sumergirse y dejarse llevar por la mirada profunda y vivaz de este periodista español (Murcia, 1954), especializado en Criminología. Además de ser, actualmente, profesor en dicho departamento en la Universidad Camilo José Cela de Madrid. Comenzó a trabajar en el diario “Pueblo”, y continuó la senda por otros periódicos como el también extinto “ Diario 16”. Para hablar de la temática de sus investigaciones, el crimen, basta con mirar a nuestro alrededor. Puede que no nos guste, pero vivimos rodeados de crímenes. ¿Y qué hace Paco? El inquieto cerebro de este murciano revolotea

TEXTO E ILUSTRACIÓN - GERMÁN PIQUERAS

por las más intrínsecas razones racionales e irracionales, para así adentrarse en las claves de esos gestos… en apariencia extraños, pero más comunes de lo que deseamos. Él es culpable de obras maestras de libros de investigaciones puras, duras y honestas como “Crónica de la España Negra”, “Ellas matan mejor”, “Alcácer, punto final”, “Diccionario Espasa de Asesinos”, “El señor de los crímenes. ¿Cómo defenderse de los peores asesinos?”… y así hasta un largo etcétera de 21 libros… En los debates en los que participa, él nunca tiene la razón sino las claves. Y esto lo podemos comprobar en espacios como Cuarto Milenio (Cuatro), donde suele colaborar cuando el tema le compete. Paco sostiene que el mayor misterio criminal de la Historia de España es el del General Prim, al cual le acaba de dedicar un libro, “Matar a Prim”. Él está convencido de que todos los crímenes se pueden resolver… y el caso Prim es un un claro ejemplo de ello. Todos los medios piden siempre la opinión de Paco cuando sucede algún horrible crimen. ¿La razón? Si la opinión del mejor investigador español de la actualidad queda en vano… ¿Qué no quedará en vano? Los gustos personales de Paco son de lo más interesantes y variopintos, siendo su libro preferido “El extraño caso del Doctor Jekyll y el Señor Hyde”, su película “Apocalypse Now”, su pintor, Joaquín Sorolla, su músico, Wagner… además de ser un ferviente creyente en Dios. Porque todo en Paco es ferviente. Su labor de investigación se ha visto recompensada con distinciones como la de “Mejor Periodista de Investigación del Colegio de Detectives de Cataluña”. Tal será su pasión que ésta… continúa en su hijo, el también investigador Paco Pérez Caballero, licenciado en Periodismo y especializado en Criminología. Su hijo mantiene las mejores virtudes de su padre, por lo que podemos estar tranquilos… la más exquisita investigación criminal seguirá viva durante muchísimos años.

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Luis Olmo

POR SILVIA CANTERA Y EIDER BURGOS

El periodista Luis Olmo - el que escribe en El Correo, no el de la radio- ha tenido cinco hijos de carne y hueso y unos cincuenta de papel. A diferencia del resto de padres, él sí tiene uno favorito. Se llama Don Celes y nació en una cafetería de Bilbao. Hoy, 67 años después, ha conseguido colarse en periódicos de Europa, América y Asia. Tiene hasta su propio videojuego, al que no juega porque se considera malísimo. Diariamente envía sus columnas y viñetas. Su vitalidad y ganas de seguir trabajando hacen que sea difícil creer que tenga 92 años. ¿A qué dibujantes admira? Del dibujo, a quien admiro aparte de a Ibáñez es a Vázquez, que lo supera. Era un genio. Para ser un artista fuera de serie, yo creo que hay que estar un poco loco, y Vázquez era un poco así, como Van Gogh. Eso que pintaba él no lo pinta uno que no esté loco. Hay que estar un poco loco para poder ser un artista fuera de serie.. Vázquez era una especie de Van Gogh de la historieta. Empezó a estudiar para ser perito industrial, aunque abandonó la carrera para centrarse en el periodismo... Supongo que la ciencia no me habrá echado de menos y yo a ella menos todavía. Algún compañero me decía: “¿por qué no terminas ya? si te falta poco y puedes dibujar y seguir estudiando”. “Por si acaso” me decían. Por si acaso, ¿por qué no estudias tú dos carreras? Mis aficiones desde pequeño siempre han sido dibujar y escribir. He escrito más que “el tostao”. Cuando me preguntan por qué escribo eso, siempre les respondo que porque me gusta. En el bachillerato y en la carrera siempre fui el que dibujaba y escribía. ¡Usted llegó a ser campeón de España juvenil de 4x400 relevos!

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Primero el juvenil. Fui con el equipo de Bilbao al juvenil y los vizcaínos quedamos campeones de España. Y luego no pude participar en el absoluto porque me puse enfermo. Ya lo eché de menos. Me dije, para una vez que podía… Lleva toda la vida dibujando Así es. Cuando no trabajaba en el periodismo, también dibujaba. Conservo sainetes que escribía de estudiante utilizando de protagonistas a los profesores, me inventaba entrevistas a algún profesor… ¿Cuando nació Don Celes? Mientras estudiaba, alternaba y hacía mis historietas de Don Celes porque veía todos los días los periódicos extranjeros y me preguntaba si yo sería capaz de hacer alguna cosa de esas. Me propuse hacerlo como una especie de reto a mi mismo. Hacía todos los días una historieta completa, terminada y pasada a tinta. Las fui guardando en un cajón. ¿Cuál fue su primer personaje en los periódicos? Empecé como plagiario, copiando un muñeco que se llamaba el Profesor Nimbus que se publicaba en los periódicos franceses. Pero como las fronteras estaban cerradas durante la guerra, no pasaba nada. Al acabar la guerra, tuvimos que hacer uno propio porque el muñeco esta-

ENTREVISTA ba registrado. Me preguntaron si no tenía yo un personaje propio y les llevé a Don Celes. Aunque cuando veo aquellas viñetas me da vergüenza, ¡qué malas son! El cambio de la fisonomía del personaje es normal en todos los dibujantes. Tú quieres dibujarlo igual y no puedes. La cabeza te dice una cosa y la mano te lleva por otro lado. ¿Cuál cree que es el secreto para que Don Celes guste a tanta gente y durante tantos años? Las historias de Don Celes valen para católicos protestantes, romanos, cartagineses, para los de derechas, izquierdas… no tienen una definición concreta. Es universal, como un término medio de todos los ciudadanos. No molesta a nadie. Solo porque sale perdiendo siempre. Si las historietas acaban bien, no tienen gracia y me echan del periódico al de una semana. El carácter de Don Celes se adapta a todos los caracteres habidos y por haber ideológicos, de razas… Y la insistencia influye también. Todos los días. En octubre ha cumplido 67 años y claro, durante tanto tiempo, lo han leído los padres, abuelos, hijos, nietos… ¿Cuál es la felicitación más bonita que le han hecho por su trabajo? Un señor me escribió una vez para darme las gracias porque todos los días le explicaba en la cama a su nieta lo que le pasaba a Don Celes y ella le daba un beso y se iba. “Ese beso que me da ella todos los días, es un regalo que me hace usted”, me dijo. Le hice un dibujo para que le diese a la niña al día siguiente. También me ha dicho más de uno que usaban mis historietas para que los niños

escribieran en el colegio. Están bien también para que piensen. Se las enseñaba a mis hijos pequeños y no tenían nada que ver con lo que yo quería decir, tenían hasta más gracia que las mías. Precisamente, me invitaron un día a un colegio porque usaban mis viñetas. Fue muy gracioso porque estaban todos los niños allí con sus cámaras de fotos. “¿Se puede creer esto?”, decía yo. Todos los niños tenían la cámara en el bolsillo. Ahora en vez de sonajeros les regalan móviles. También lo han nombrado Bilbaíno Ilustre Para mí ha sido el mayor honor que he recibido. Tengo un montón de premios pero ese es el que más me gusta. Este y uno que me dieron en Gijón. Allí Don Celes se llama Pepín de Celes, para darle un ambiente asturianín. Me invitaron un día y me dieron el premio de “El dibujante que amamos”, que me pareció precioso. Me han dado muchos premios. Es lógico, tanto tiempo tanto tiempo… si tocas el tambor, acaba oyéndote todo el mundo. ¿Qué habría sido de no ser periodista o dibujante? Una vez respondí que me habría gustado ser Tarzán de los monos. No lo sé, elegí ciencias cuando en realidad soy de letras. Habría sido escritor. Ya he escrito algún libro. Y esos que tengo ya escritos, a lo mejor alguno cuando me muera los lee y le gustan. Pero yo ya no voy a publicar nada. No estoy en circunstancias de ofrecerme aquí o allí

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Don Celes también ha tenido bastante repercusión en el extranjero Se ha publicado sobre todo en países del centro de Europa, en América, en Asia. Siempre digo que el único sitio al que no ha ido es a Oceanía, que está demasiado lejos. Una agencia de Copenhague vino al periódico a ofrecer historietas y le dijeron que ya tenían historietista. Las vieron, hablaron conmigo y me dijeron a ver si quería que mis viñetas se publicaran fuera. Pues yo encantado. Las distribuyeron por no sé cuántos países. Eso sí, allí le cambiaron el nombre, Don Celes no es un nombre muy universal. Se llamaba Carlo, que es un nombre más facil. Me mandaban la comisión. Hubo épocas en las que recibía más dinero de Don Celes que de escribir. Luego cerraron esta empresa y como ellos tenían la patente y tenía que haberme buscado por mi cuenta cómo distribuirlo, lo dejé porque ya no estaba en la necesidad de sacar adelante 5 hijos. Con lo que tengo ahora, me conformo, para siempre. ¿Qué prefiere: el dibujo o el periodismo? Cuando estoy dibujando, echo de menos el periodismo y cuando estoy escribiendo, echo de menos dibujar. Yo creo que soy mitad y mitad. No puedo decir que soy más una cosa que otra. Es más cómodo para mí escribir, pero yo creo que soy mitad periodista y dibujante ¿Considera que el periodismo está en crisis? Desgraciadamente, creo que sí. Pero tardarán mucho en desaparecer los periódicos, porque hay gente que sigue acostumbrada a leer en papel. Si me dices que no puedo leer un diario y que tengo que hacerlo en la pantalla, prefiero no leerlo.

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La profesión ha cambiado mucho desde que usted empezó… Sí, aunque ahora ya escribo a ordenador. Ya no me dejan escribir a máquina, tuve que pasar por el aro. Odio el ordenador. La máquina era una amante dócil que te perdonaba todo. Te equivocabas de tecla y no pasaba nada. Con el ordenador no ocurre eso. Es un hijo de puta que está esperando a que toques la techa equivocada y entonces… ¡ras! Te lo borra todo. Yo prefiero estar sentado en banco y ver cómo pasa el progreso. ¿De dónde saca los temas para sus historietas? Antes era más fácil encontrar temas. Iba al periódico, salía y veía cosas que me daban pie. Pero ahora paso mucho tiempo en casa. Salgo para coger el metro y poco más. Y la verdad es que cuando voy por la calle… no pienso en Don Celes para nada. ¿Le ha ocurrido alguna de las cosas que cuenta en sus historietas? A mí directamente, no. Pero estoy seguro de que a alguien, en algún lugar del mundo, le ha ocurrido algo así. Hay amigos que me han dicho: “Oye, ¿te acuerdas de aquella historia de Don Celes? Pues le ha pasado a mi hijo”. ¿Cuánto tiempo le lleva hacer cada viñeta? Antes estaba hora y media. Pero ahora hay veces en que estoy hasta cuatro y aún así no la termino. Pero claro, el pulso me falla, ya tengo una edad. Yo, como atleta, mido mi edad por la longitud de la pista. La primera recta es de los 60 a los 70 años, la segunda curva de los 70 a los 80… y la última recta es hasta los 100. Ahora estoy en la recta final, que es horrorosa porque ya vas muy cansado. Cuando estás ahí, crees que no vas a llegar.

¿Y con todo ese tiempo que dedica a cada historieta, no piensa en dejarlo? No. Tengo viñetas de sobra, pero se acaban. A una que deje por hacer a la semana, ya son 52 al año. Tendré almacenadas unas 340 o 350. Me gusta pensar que Don Celes estará aunque yo no esté. Cuando muera publicarán una viñeta como homenaje, así que, por lo menos, vivirá un día más que yo.

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De un tiempo... Torcuato Luca de Tena LOS RENGLONES TORCIDOS DE DIOS

(1979).

Dotado de una prosa inteligente como pocas, según se acerca al desenlace final, su trama, también inteligente según se hilvana, se hace algo pueril. Lo que durante tantas páginas eran diálogos soberbios e inteligentes se convierten en fríos e irreales. ¿Pero está loca o no Alice Gould? Habrá quien opine que la respuesta a esta pregunta se proporciona de una manera magistral, habrá quien piense que la sorpresa no lo es todo, habrá quien sí. De lo que no cabe duda es que las descripciones y situaciones que propone Luca de Tena respiran veracidad. La demencia está entre nosotros, no tan lejos como creemos. La trama, la manera de contarla, es harina de otro costal. Que pierda fuerza en su desarrollo y se convierta en novela detectivesca al final, también.

... a esta parte Instituto Cervantes LAS 500 DUDAS MaS FRECUENTES DEL ESPAnOL (2013)

Uno de los males endémicos de los muchos que escriben, principalmente en prensa escrita, es reproducir errores normativos, aquellos desvaríos de nuestra lengua que se hacen norma en el mal uso, en el mal hablante y escribiente. Hay muchos libros que aconsejan y ponen freno al desenfreno errático de nuestra lengua en malas manos. El Instituto Cervantes ofrece uno de estructura fácil y transparente para bien leer del tirón bien consultar cuando surja la duda. ¿Así mismo o asimismo? ¿Veintiún personas o veintiuna personas? ¿Los asuntos a tratar o los asuntos por tratar? Todo tiene respuesta. La Academia aconseja o censura usos indebidos. Y buena parte se encuentra en este libro. Ya está bien de maltratar nuestro bien más preciado: el español.

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