VIM Magazine - Abril #28 by VIM Magazine

Dirección: Mª JOSÉ LAREDO contacto@vim-magazine.com Redactor Jefe: LAURA PÉREZ redaccion@vim-magazine.com Redactores: Alberto Richart Alba Verdés Iván Diaz C. Irene Benlloch Alberto Rodríguez Recio David Ramiro Rueda Beatriz Lozano Iker Azkoitia Miguel A. Romero Fernández Joana Aguirre Agradecimientos: Ana Cadenas Sergio Lardiez Stella Sala Silvia Dafonte Cristina Fernández Charly Calderón Fran Allely Antonio Romero Leyre Sánchez Kristen Wicce María Patricio Esther Moreno Saida Benzal Armand Rovira Lorena Robledo Saporem Belén Ortega Vincci Hoteles Laura Peláez

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CARTA DEL DIRECTOR Todo trabajo bien hecho acaba dando sus frutos. Y es que no podría estar más orgullosa de los reportajes y contenidos que hemos obtenido este mes, de los que espero disfrutéis tanto como yo lo he hecho y haré. ¡Gracias familia! Este mes ha sido un poco cuesta arriba… Hay momentos a lo largo de la vida que hacen que durante una semana, un mes o incluso un año, nos cueste horrores llegar hasta la meta que nos hemos propuesto. Pero estas situaciones son necesarias para hacernos crecer y ser conscientes de hasta qué nivel somos capaces de llegar. Porque, lo creas o no, todos somos superhéroes o superheroinas… En definitiva, SOMOS GENIALES. Os animo a que, paséis por lo que estéis pasando en el momento en que leáis esto, instauréis en un rinconcito de vuestro cerebro la positividad y el ¡yo puedo con todo! Todo es mucho más sencillo y agradable cuando se mira con los ojos del optimismo.

Mil abrazos

Mª José Laredo Directora VIM Magazine (contacto@vim-magazine.com)

ESTE MES EN VIM... MÚSICA - MÜNIK - PAG 6 MÚSICA - CONCIERTO THE SCRIPT - PAG 14 TELEVISIÓN - GIRLS - PAG 20 TELEVISIÓN - ENTREVISTA AURA GARRIDO - PAG 26 TELEVISIÓN - EL MINISTERIO DEL TIEMPO - PAG 56 TELEVISIÓN - ENTREVISTA SILVIA ALONSO - PAG 58 TELEVISIÓN - ENTREVISTA CARLOS CHAMARRO - PAG 80 CINE - PRIDE - PAG 86 CINE - LETTERS TO PAUL MORRISEY - PAG 88 CINE - ENTREVISTA JOSE LAMUÑO - PAG 96 CINE - ENTREVISTA MARIAN ÁLVAREZ - PAG 124 TEATRO - ENTREVISTA ‘LOS MIÉRCOLES NO EXISTEN’ - PAG 150 TEATRO - ENTREVISTA TRAS EL TELÓN - PAG 160 MODA - MARC BY MARC JACOBS - PAG 176 MODA - ZAPATOS DE TEMPORADA - PAG 178 MODA - CUECES O EMBELLECES - PAG 182

“Otra Dimensión”. Así ha querido llamar el grupo MÜNIK a su primer álbum de estudio. Actitud, experiencia y modernidad son las claves de esta formacion musical, que nos trae el pop más atractivo y diferente de la década. Aunque la formación del grupo se produjo en 2011, sus componentes tienen una larga trayectoria musical. Mónica Rodríguez, más conocida por el público español como Nika, comenzó su trayectoria artística en el ballet, con tan solo tres años. Aunque su presentación ante el público llegó en 2002, cuando fue seleccionada como concursante del reality musical Operación Triunfo. Un año más tarde, Nika saca al mercado “Quién dijo que era el fin”, su primer disco de estudio en el que cuenta con la colaboración de David de María, en su composición. Con este álbum, la madrileña se alzó con los primeros puestos de las listas de ventas, convirtiendo su primer single, “Ser yo”, en uno de los temas más populares del verano de 2003 y alzando el disco a los primeros puestos de las listas de ventas. Pese a su gran éxito, Nika continuó su camino en solitario abandonando la academia de artistas, en la que se encontraban todos los artistas salidos de OT, y las productoras con las que produjo su disco. Cuatro años habría que esperar para poder escuchar su segundo álbum de estudio, “Desde Madrid”. Con un cambio radical de imagen y con una discográfica independiente, Nika presenta un disco que cuenta con la autocomposición de los temas. “Te callas un año” y “Mi vida rosa” fueron los singles de su segundo disco. Hasta 2011, año en el que Nika se cruza en la carrera del grupo ‘Alien Suite’, la cantante fue realizando colaboraciones en distintos programas de televisión, convirtiéndose, entre otras cosas, en jurado del programa Superstar y cantante en el programa ‘Qué tiempo tan feliz’. En 2011, Nika se une con Aleix Vilardebó y Jordi Roselló y

juntos componen canciones, formando un año más tarde, MÜNIK. En 2013, Nika presenta el tema “No me quiero ir de aquí”. Hasta entonces, el grupo realizó colaboraciones con artistas, entre ellas “Esquimal” cantada a dúo por Nika y Alberto de Miss Caffeina. Mayo de 2014, es el momento de presentar el primer single, “Sígueme”, de la mano de Warner Music y bajo la producción de Kim Fanlo, productor de artistas como Nena Daconte, Pablo López o Auryn. El éxito de este single hace posible la grabación de su primer EP en Barcelona en el mes de septiembre. Aunque unos meses habría que esperar para conocer “Solo Amigos” el nuevo single del grupo, que precedería el lanzamiento de este disco. Los40. com es la plataforma elegida para presentar, el 10 de diciembre, en exclusiva, el videoclip del tema “Solo Amigos”. La publicación de “Otra Dimensión” ha sido posible gracias a “Northweek” una exitosa marca de gafas con la que, gracias al sponsoring, han podido colaborar con el grupo y convertir en realidad la publicación del disco. Melodías pegadizas, sonidos electrónicos, letras directas y una esencia rockera es lo que podemos destacar de este grupo musical. Temas muy sólidos, enérgicos y baladas con identidad fusionadas con bases electrónicas son adjetivos que denominan estas canciones. Con la colaboración de Javier Tomás y Javier Huidobro, encargados del diseño y realización, el grupo ha conseguido con la imagen, ese toque rockero que les caracteriza.

POR IVÁN DÍAZ C.

Top Un Zombie a la Intemperie Alejandro Sanz

Mi Nuevo Vicio Paulina Rubio

Feel The Jennifer

Disparo al Coraz贸n Ricky Martin

Mi Ver Mana ft S

1 2 3 6 7 8 Alcaline Aliz茅e

p 10

e Light r Lopez

POR IVÁN DÍAZ C.

ABRIL

Noche y de día Enrique Iglesias ft Juan Magan

No Puedo Parar de Ti Marta Botía

3 4 5 9 10

rdad Shakira

Enamorate Dvicio

Amanecer Edurne

En En

DIRECTO DIRECTO

NO HAY NADA COMO DISFRUTAR DE LA MÚSICA EN DIRECTO PARA DESPEDIR EL FRÍO Y DAR LA BIENVENIDA A UNA PRIMAVERA QUE VIENE CARGADA DE BUENA MÚSICA. POR EL MOMENTO, MARZO NOS TRAE A ARTISTAS INTERNACIONALES COMO ROBBIE WILLIAMS O THE SCRIPT, SIN OLVIDARNOS DEL MEJOR PRODUCTO NACIONAL. POR LAURA PÉREZ

JOAQUÍN SABINA 500 NOCHES PARA UNA CRISIS

Tras cinco años sin pisar nuestro país en solitario, Joaquín Sabina regresa en directo con una gira que ya ha arrasado en Latinoamérica. El ‘500 Noches Para Una Crisis Tour’, que agotó localidades en Perú, Chile, Argentina y Uruguay, pisa España para celebrar los 15 años de uno de los discos más importantes de su carrera, ’19 días y 500 noches’. El espectáculo, que estará ilustrado por dibujos realizados por el propio cantautor, pisará los grandes escenarios españoles este mes de abril: el 16 en el Palacio de Deportes de Gijón, el 22 en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 25 en el Barclaycard Center de Madrid.

ANTONIO OROZCO ÚNICO El cantante barcelonés, que actualmente se encuentra inmerso en su participación como ‘coach’ del talent de Telecinco ‘La Voz’, pisará su tierra en unas fechas ‘únicas’ que prometen ser especiales. La noche del 12 de abril es la elegida para llenar el Gran Teatre Liceu de Barcelona con una atmósfera mágica en la que Antonio Orozco presentará su espectáculo ‘Único’ demostrando que se encuentra en su mejor momento. Además, repetirá el 16 de abril en el Teatre Jardí de Figueres una propuesta inédita en su carrera, formada por las canciones que forman parte de su discografía y una puesta en escena cuidada que mostrará la faceta más íntima del artista.

LEIVA GIRA PÓLVORA Leiva es uno de los cantantes españoles más exitosos en la actualidad, por lo que no sorprende que siga recorriendo kilómetros con su gira ‘Pólvora’. El segundo trabajo del ex componente de Pereza da muestras de un gran talento que se ha podido disfrutar en directo por todos los rincones de la península. Actualmente sigue girando con estos temas y con los grandes éxitos de su etapa en Pereza, y pisará varias ciudades españolas durante el mes de abril: el 17 estará en Salamanca, el 18 en Ferrol, el 24 en Iruña y el 25 en Burgos.

BUSTA VIVIR EN C

Tres años después de tamante regresó el un álbum que supo en su discografía po Latinoamérica y po artista. Su primer sin por todas las emiso encuentra inmerso vará por los rincone

Durante el mes de a to’ recorrerá las sigui drigueras (Albacete de Mallorca el 25 de 29.

AMANTE CONCIERTO

e su último álbum, Buspasado año con ‘Vivir’, one un paso adelante or sus aspiraciones en or su evolución como ngle, ‘Feliz’, ha sonado oras nacionales y ya se en una gira que le llees de nuestro territorio.

abril, ‘#VivirEnConcierientes localidades: Mae) el 11 de abril, Palba e abril y Cuenca el día

5 SECONDS OF SUMMER 'ROCK OUT WITH YOUR SOCKS OUT 2015'

La banda australiana 5 Seconds of Summer ha anunciado las fechas de su primer tour como cabezas de cartel en Europa y Reino Unido, en el que se encuentra la parada de rigor en nuestro país. Será el próximo 6 de mayo en el Barclaycard Center, Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. El tour ‘Rock Out With Your Socks Out 2015’ tendrá lugar a lo largo de los meses de mayo y junio, y supondrá un punto de inflexión en la banda al actuar como cabeza de cartel en recintos con un gran aforo como el SSE Arena de Wembley en Londres.

y su noche merecida TEXTO: LAURA PĂ&#x2030;REZ

na comitiva de banderas verdes fluorescentes recorriendo el ring del Barclaycard Center anunciaba el inicio de una noche que los seguidores de la banda irlandesa The Script tardarán en olvidar. Tras los preliminares de rigor protagonizados por un entregado Colton Avery, que se presentó con el único acompañamiento de su guitarra directo desde los bares en los que actuaba en Phoenix hasta que recibió la llamada de The Script, y por un enérgico Tinie Tempah, que junto a DJ Charlesy convirtió el ring en una auténtica fiesta, comenzó a proyectarse un vídeo de los preparativos de la banda antes del show que conectó directamente con el séquito abanderado que escoltó a los chicos al escenario al tiempo que empezaban a sonar las gaitas que dan inicio a Paint the town green, el tema más patriótico de los irlandeses. Comenzaba entonces una noche repleta de momentos especiales, pues el recinto –este año sí- nos permitió disfrutar del show de luces que acompaña a la banda y que crea en cada tema una atmósfera particular. Acostumbrados a abarrotar estadios por medio mundo, The Script pudo disfrutar de un público que llenó hasta la bandera el ring del Barclaycard entregándose en cada uno de los acordes de un setlist formado por canciones de todos sus discos: ‘The Script’, ‘Science and Faith’, ‘#3’ y ‘No Sound Without Silence’, su álbum más reciente y el que da nombre a la gira. Hail rain or sunsine, Breakeven y Before the worst dieron paso a Superheroes, primer single de su último trabajo, que fue uno de los temas más coreados. El siempre presente We Cry precedió a uno de los momentos más emotivos de la noche con If you could see me now, y a la presentación de su nuevo single Man on a wire, no sin antes mostrar las increíbles fotografías making of del videoclip. Llegó Good old days, volviendo a desatar la energía del vocalista, Danny O’Donoghue, que no dudaba en bajar al foso continuamente ante el delirio de sus seguidores más madrugadores.

Un piano, unas velas y un escenario más recogido crearon una atmósfera especial para Never seen anything quite like you y para The man who can’t be moved, el tema que les dio a conocer por todo el planeta, que fue coreado de principio a fin llegando a sobreponerse a la voz de un Danny emocionado. Tras la calma volvió la energía, pues el vocalista apareció cámara y micro en mano al final del foso del ring, recorriendo el recinto mientras cantaba You won’t feel a thing junto a los seguidores que le rodeaban hasta llegar al escenario. Six degrees of separation y It’s not right for you dieron por finalizado un show que, tras la pausa de rigor, volvió para concluir por todo lo alto con The energy never dies, For the first time, No good in goodbye y el popular Hall of fame, junto al deseo, arriba y abajo del escenario, de repetir pronto una noche como ésta. FOTO: ROBERTO FIERRO

Ultimas

SALIDAS

EL MES DE MARZO VIENE CARGADO DE LANZAMIENTOS MUSICA' LES A NIVEL NACIONAL E INTERNACIONAL, ENTRE LOS QUE DES' TACAN LA VUELTA DE ARTISTAS COMO MADONNA, KELLY CLAR' KSON, NACH O COTI Y LA CONFIRMACIÓN DE AVICII COMO UNO DE LOS DJS MÁS INFLUENTES DEL PANORAMA ACTUAL. Por LAURA PÉREZ

DIEZ AÑOS Y UN DÍA

HANDWRITTEN

Diez años cumple la banda catalana Dorian sobre los escenarios, década que repasa en su nuevo álbum ‘Diez años y un día’, que incluye versiones de grandes éxitos como La tormenta de arena, Paraísos Artificiales o Cualquier otra parte con arreglos de cuerda y viento. No obstante, no se trata únicamente de un disco recopilatorio, pues incluye dos temas nuevos: Arrecife y Ara.

Hoy en día no sorprende ver como la red y sus diferentes plataformas sirven de trampolín para numerosos artistas que consiguen alcanzar un éxito mundial gracias a la viralización de sus vídeos. Este es el caso de Shawn Mendes, un chico canadiense que con sólo 16 años ya es todo un fenómeno comercial gracias Vine, plataforma de vídeo a la que comenzó a subir sus propias covers de pocos segundos.

Además, como ocurre habitualmente en este tipo de especiales conmemorativos, el grupo se ha rodeado de grandes amigos para celebrar su particular aniversario. Santi Blames de Love of Lesbian les acompaña en Los amigos que perdí, mientras que la cantante mexicana Marion Sosa hace lo propio en El temblor.

Tras lanzar su primer single Life of the party el pasado mes de junio, llega con ‘Handwritten’, su álbum debut producido por Martin Terefe. En él se incluyen canciones como Something Big, Never Be Alone y otros temas compuestos por él mismo y por sus colaboradores Ido Zmishlany y Scott Harris.

MY HOUSE

WHISPERS II

Tramar Dillard, conocido artísticamente como ‘Flo Rida’, llega con ‘My house’, su tercer álbum. Tras arrasar en las listas de ventas con sus dos primeros discos ‘Only Flo (Part I)’ y ‘Wild ones’, el rapero busca repetir la línea seguida por temas como Low , Wistle o Club can’t handle me –junto a David Guetta-, con los que se colocó en los primeros puestos de las listas de éxitos de todo el mundo.

‘Whispers II’ es el título del sexto álbum del cantautor británico Passenger, continuación de ‘Whispers I’, disco que vio la luz el pasado verano. Tras arrasar por todo el planeta con su archiconocido tema Let her go, ha seguido cosechando éxito con sus letras sobre el amor y la vida.

Siete temas componen un álbum en el que vuelven a predominar las colaboraciones, pues cuenta con Chris Brown en Here it is, con Robin Thicke y Verdine White en I don’t like it, I love it, Sage The Gemini y Lookas en Gdfr y con Fitz en That’s what I like.

Travelling alone es el primer sencillo de los diez temas que componen la edición básica, que se completa con seis canciones más en formato acústico en su edición deluxe. El 20 de abril es la fecha elegida para dar salida a nuevas composiciones que esperan volver a recorrer el mundo.

CAMA INCENDIADA

SANTA

‘Cama incendiada’ es el noveno álbum de estudio de la banda mexicana Maná, que estará a la venta en formato físico y digital a partir del próximo 21 de abril. Once temas componen un nuevo trabajo en el que colaboran por primera vez con una mujer, Shakira, en un primer single que ya rueda por las emisoras de medio mundo, Mi verdad.

Tras editar dos discos, ‘La fabulosa Historia’ y ‘La pareja tóxica’, Zahara vuelve con su tercer álbum ‘Santa’ publicado bajo el sello G.O.Z.Z. Records, creado por la propia Zahara, que esta vez opta por la autoedición. Ha contado con la colaboración especial de Sergio Sastre de ‘Miss Caffeina’ en las labores de producción y de Altafonte para la distribución.

Pese a que todavía no se han dado a conocer el resto de piezas que conforman el álbum, el grupo ha anunciado ya su nueva gira por Estados Unidos, ‘Cama incendiada Tour’, que tiene por el momento 15 fechas confirmadas.

El formato físico consiste en una edición limitada y muy exclusiva, en la que los fans de Zahara podrán disfrutar tanto de sus nuevas canciones, así como de un CD de rarezas, 7 postales y un libro de poemas presentado en un espectacular cofre troquelado. Por su parte, la edición digital contará con opción estándar y deluxe.

girls

¿Qué te ha pasado, Lena? Un repaso a la cuarta temporada de Girls por Irene Benlloch

Lo reconozco: Espero las nuevas temporadas de Girls como agua de mayo. Me cuesta bastante llevar al día una serie, pero con la de Lena Dunham hago una excepción (y dos y tres). No obstante, y a pesar de considerarme una fiel defensora de sus idas y venidas, he de reconocer que esta última entrega me ha dejado un poco despagada. Pero solo un poco, ¿eh? Tampoco voy a ponerme en plan renegón. O sí, quizás sí. Vayamos al lío. En el episodio piloto de Girls, los padres de Hannah le dejan bien claro que no están dispuestos a seguir manteniéndola. O se pone las pilas y encuentra un trabajo de verdad, o le cierran el grifo. Hannah, consternada, trata de hacerles cambiar de parecer. Ella ya tiene un trabajo de verdad. Es escritora y está a punto de terminar su primer libro, que se dice pronto. Eso sí, si le cortan los ingresos antes de lo previsto, sus planes de futuro –y con ellos el libro de marras– se irán al garete. “No more money”, recalca Mamá Horvath. La decisión está tomada. En el capítulo uno de la temporada que nos ocupa, sin embargo, las tornas parecen haber cambiado. La familia al completo está sentada en la misma mesa del mismo restaurante de la escena anterior, solo que esta vez brinda por la admisión de Hannah en el prestigioso posgrado de escritura creativa de Iowa. ¿Significa esto que nuestra protagonista está más cerca de cumplir su sueño? No exactamente.

Que Hannah se marche a Iowa representa un auténtico punto de inflexión en su vida profesional; pero no porque vaya a aprovechar la oportunidad que se le ha brindado, sino porque va a descubrir –o a reconocer, aún no lo tengo claro– que el mundo editorial no es precisamente lo suyo. Es cierto que no estaríamos hablando de Girls si su protagonista se sintiera cien por cien realizada, pero resulta especialmente descorazonador que la única causa por la que más o menos ha luchado desde el minuto uno de la serie, sea precisamente la que acabe abandonando a la primera de cambio.

vo chasco para Hannah: El mundo ha seguido girando y todos han hecho su marcha. En todos los sentidos.

Hannah renuncia a su plaza y vuelve a su piso de Nueva York con la certeza de que todo seguirá igual que lo dejó. Da por hecho que su gente, especialmente Adam y Marnie, estará esperándola con los brazos abiertos. De nuevo, un nue-

En esta temporada llama especial atención el caso de Adam, del que poco o nada hemos sabido hasta el regreso de Hannah, allá por el cuarto episodio. Cuando esta vuelve a su piso y Mimi-Rose Howard abre la puerta, todos nosotros

Resulta admirable la maestría con la que los guionistas de Girls manejan las elipsis y las interrupciones. Ningún paréntesis es gratuito, sino que juega a favor de esa espontaneidad que parece desprenderse de cada una de las escenas. Como si los personajes hubieran continuado con sus vidas al finalizar el capítulo de turno, y tú como espectador tuvieras que ponerte las pilas para alcanzarles.

nos preguntamos lo mismo que Hannah: ¿Quién demonios es esa tía? Sin embargo, nuestra sorpresa es aún mayor cuando Adam aparece por detrás y se queda mirando a Hannah con cara de circunstancias. Al parecer, y como él mismo reconoce, no es su compañera de piso. Y es que mientras hemos acompañado a Hannah y a Elijah en sus aventuras por Iowa, Jessa se ha encaprichado de un tal Ace, que a su vez quiere recuperar a su ex novia Mimi-Rose. Como Jessa está empeñada en conquistarlo, decide emparejar a Adam con Mimi-Rose para acabar con la posible amenaza. Sus planes parecen dar resultado, y para cuando Hannah decide hacer acto de presencia en Nueva York, Jessa y Ace han empezado a quedar y Adam y Mimi-Rose se están dando una oportunidad como pareja. ¿Fuerte, no? Pues bien, todo esto ha sucedido “tras las cámaras”. Vale que me encanten las elipsis de Girls, pero todo tiene un límite. En este caso en concreto han dado por supuestas tantas cosas, que cuando volvemos con Hannah a la vida de Nueva York, estamos totalmente desactualizados. Y ojo, que esto está genial; genial si consideramos que Hannah es la protagonista absoluta de la serie. Pero Girls, a mi parecer, no es solo Hannah Horvath –por mucho que así lo haya parecido en las dos últimas temporadas–. Girls fue concebida como una serie en la que se entrecruzaban las historias de Hannah, de Marnie, de Jessa y de Shoshanna. También las de Adam y Ray, aunque en menor medida. De una serie coral –liderada por Hannah, sí, pero coral al fin y al cabo– en la que cada uno de sus personajes tenía algo que decir, hemos pasado a otra en la que cada capítulo está protagonizado por los mismos. Este cambio, si bien permite profundizar en la vida y en la evolución de los agraciados, ha dejado fuera de la ecuación a personalidades tan importantes como Jessa o Marnie. Algo que no me ha gustado nada. Jessa siempre ha sido, con diferencia, la más ruda y pasota de las cuatro. Pero una cosa es que a veces no caiga demasiado simpática, y otra bien distinta que la hayan convertido en una ar-

pía incapaz de empatizar con las que hasta hace nada eran sus amigas. ¿Os acordáis de la escena de la bañera entre Jessa y Hannah durante la segunda temporada? Porque yo echo mucho de menos este tipo de momentos. Es cierto que los personajes de una serie han de evolucionar para bien o para mal, pero creo que a Jessa se la han cargado a base de bien. Menos mal que, a lo largo de esta última entrega, Dunham nos ha brindado unos cuantos momentos en los que Jessa ha podido lucirse. Hablo de la cita doble, del nacimiento de la sobrina de Adam o de su arresto fugaz. La evolución de Marnie, por otro lado, tampoco me ha convencido. De ocupar un lugar importantísimo en la vida de Hannah –con todo lo que ello conlleva–, ha pasado a estar al servicio exclusivo de Desi, su pareja en el plano musical y sentimental. Ya sea sufriendo por ser la tercera en discordia, o quejándose de que su relación con él no es la anhelada, lo cierto es que lo único que ha hecho Marnie a lo largo de toda la temporada ha sido eso: sufrir y quejarse. Incluso su decisión final –tomar lo que es suyo y actuar ella sola tras el plantón de Desi– viene condicionada por una iniciativa de Ray. Marnie reivindica su capacidad de hacer música con un discurso claramente feminista, pero no ha sido ella la que, en última instancia, ha abierto los ojos. Ray la ha empujado a hacerlo, aunque Marnie todavía no lo sepa. Pero alto, alto, alto. Se acabaron las críticas negativas. No sería justo que pasara por encima de los mejores momentos de esta cuarta temporada. Para empezar, las tramas de Hannah me han parecido maravillosas, y ya no solo por lo que os he contado más arriba, sino porque se han abierto toda una serie de frentes argumentales que prometen convertirse en verdaderos puntazos durante la próxima entrega. Su “vuelta al instituto” como profesora suplente, la sorprendente revelación de su padre o la relación que parece haber iniciado con su compañero de trabajo, son solo algunos de ellos. Ya nada va a ser igual en la vida de nuestra protagonista: Su área de confort se ha visto dinamitada en todos los niveles.

Por otro lado, y si antes me estaba quejando de lo mucho que han maltratado a los personajes de Jessa y de Marnie, digo todo lo contrario del de Shoshanna. Nadie nos avisó de que las cosas serían tan sumamente complicadas después de acabar la universidad –Espera. ¿Pero qué estoy diciendo?– y al parecer a Shoshanna tampoco. Su búsqueda obsesiva de empleo, con sus correspondientes entrevistas de trabajo, nos han dejado momentos memorables. Su mudanza a Tokio podría ser uno de los platos fuertes de la próxima temporada, pero sinceramente, no creo que se aventuren con un “Iowa 2”… en Japón. A nivel masculino, el personaje que más ha destacado durante esta temporada –en detrimento de un Adam que ha estado algo flojo– es Jay Ploshansky. Sus apariciones estelares y sus continuas declaraciones de intenciones, tanto a nivel político como sentimental, me han divertido muchísimo. No sabemos cómo acabará lo suyo con Marnie, ni tampoco si volverá a enfrentarse a Desi, pero lo que Lena Dunham parece tener claro es que tiene un diamante en bruto entre las manos. Que siga así.

El mundo de los adultos, por llamarlo de alguna manera, rara vez tiene cabida en Girls, pero está más que demostrado que cuando Tad y Loreen Horvath asoman sus cabezas por el encuadre, se comen la pantalla. La salida del armario de Tad me ha parecido un tanto rocambolesca, pero promete grandes momentos si no se quedan con lo meramente superficial. Y ya, por último, no me gustaría poner punto final a esta crítica sin prestar especial atención a los nuevos fichajes de la temporada: Mimi-Rose Howard (Gillian Jacobs, Community) y Ace (Zachary Quinto, American Horror Story) Estos personajes, impredecibles hasta decir basta, nos han tenido en vilo durante toda la entrega. El destino de Hannah y de Adam como pareja dependía casi por completo de ellos. Mucho me temo que no volverán a aparecer, teniendo en cuenta que sus tramas han quedado bastante cerradas, pero al menos nos han regalado uno de los mejores capítulos de la temporada: el de Ask My Name. El Presidente de Programación de la HBO anunció en la fiesta de estreno de la cuarta temporada que Girls contaría con una quinta entrega. Eso sí, tendremos que esperar hasta enero del año que viene como mínimo.

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Vestido HIGHLY PREPPY

Tal y como su personaje más popular, la agente del Ministerio del Tiempo Amelia Folch, es una mujer avanzada a su tiempo, Aura es una actriz avanzada a su momento. Me explico; a pesar de su juventud, nada más empezar a hablar con ella te sorprende la elocuencia y precisión de su discurso. Con una energía que combina inexplicablemente la pasión por los temas que le interesan con un aplomo muy inusual en su edad, maneja un nivel de conversación caracterizado por la fluidez y la concreción. Su inteligencia y madurez, así como la experiencia ganada en las numerosas producciones en las que ha trabajado junto a grandes de la interpretación como Pepe Sancho, Carme Elías, Lluís Homar, Alicia Borrachero o Ana Labordeta, le aseguran una carrera imparable. Aura es futuro. Por eso no es de extrañar que, además de protagonizar la recientemente renovada serie sobre viajes al pasado que ya se ha convertido en la puerta hacia el porvenir de la ficción española, vuelva del Festival de Miami del estreno de “Asesinos inocentes” de Gonzalo Bendala, la cual participará en la sección oficial del Festival de Málaga, y tenga pendientes de estreno la ficción televisiva italo española “La dama velata” y la película “Vulcania” de José Skaf. A sus 25 años, Aura cosecha multitud de nominaciones entre las que destacan la de mejor actriz revelación al Goya por “Planes para mañana” y las de mejor actriz protagonista de los premios Goya, Feroz, Forqué o Fotogramas de Plata por “Stockholm”. Con esta última película ganó la Biznaga de Plata a la mejor actriz protagonista en el Festival de Málaga y el premio Sant Jordi, entre otros. Y a pesar de todas las sesiones de fotos, promociones o editoriales, confiesa que no se le da bien posar. Sin embargo, al rato de entrar en el estudio de Sergio Lardiez, la veo vestida como un ángel negro devorando la cámara con unos ojos verdes que bailan entre la dulzura y el misterio. Una vez acabadas las fotos, pasamos al despacho para comenzar la entrevista y asisto a la transformación de la que, hasta el momento y a primera vista, me había parecido una joven idealista y risueña.

Vestido CHIC`NROLLA

Sabemos que Javier Olivares pensó en ti para Amelia tras haber contado contigo en un capítulo en “Víctor Ros”. ¿Cómo siguió el proceso y cuál fue tu primera reacción al saber que te fichaban como protagonista en un proyecto televisivo que parecía tan ambicioso, con saltos en el tiempo? Para mí no fue tanto choque porque sí que he hecho series y películas como más de ciencia ficción, “Ángel o Demoni”, por ejemplo. No me causó tanta impresión porque no era un lenguaje nuevo para mí. Me propusieron la serie, me enviaron los guiones y me fliparon porque están maravillosamente bien escritos. El personaje es un caramelo y además todos los personajes están muy bien definidos; cómo hablan, cómo se mueven, la personalidad y el carácter... Me pareció una gozada. En la secuencia de presentación de Amelia noté que estabas disfrutando como una enana del personaje y de la situación y sé que deseabas ponerte en la piel de mujeres como Emilia Pardo Bazán, Clara Campoamor o Rosalía de Castro... Sí que tenía muchísimas ganas. Yo admiro mucho a estas mujeres y las tengo muy presentes. Poco antes de que me enviasen los guiones había hecho una entrevista en la que dije precisamente que tenía muchas ganas de interpretar a una mujer pionera del siglo XIX, de las primeras que empezaron a intentar estudiar una carrera universitaria, trabajar y tener una vida propia más allá del núcleo familiar que les imponían. Y de repente me llegó este personaje maravilloso. Creo que es importante hablar de ellas porque muchas veces no tenemos presente nuestra propia historia, no tenemos pre-

sentes a estas mujeres que han luchado por cambiar las cosas, a las que debemos tanto y que debemos seguir su ejemplo. Cuéntanos acerca del viaje para encontrar a Amelia. Fue una delicia poder investigar sobre cómo era la vida de una mujer de su época y lo que significaba enfrentarse a lo establecido, a ser la única mujer en un mundo entre hombres, a todas las miradas... Es algo tan fuerte que es difícil de entender desde nuestra posición ahora mismo. Amelia tiene la suerte de que tiene el apoyo de su padre y de otra manera, probablemente, no habría podido hacer nada de lo que quería. Eran mujeres que se enfrentaron a todo y a todos porque creían firmemente en lo que hacían y no les importaba lo que opinasen de ellas y las puertas que les cerrasen porque ellas querían abrirlas constantemente. Ya la hemos creado, vamos a ir a su muerte (se ríe). (¡Atención spoiler!); viajando a su futuro Amelia descubre que morirá joven y dejando una hija. ¿Cómo es esto de pasar de interpretar papeles de hija adolescente a interpretar a una madre joven? No sé si ya habréis grabado algo de esa parte... Bueno... Lo bueno de esto es que Amelia todavía no es madre. Es una cosa que se encuentra de su futuro pero realmente no he tenido que hacer ese proceso de ser madre. Tal vez en la segunda temporada... No sé, no tengo ningún guión, con lo cual no lo sé (ríe). Pero es un momento muy fuerte para ella; es enfrentarte a tu propio destino y a una información que probablemente no querrías tener.

Camiseta SISLEY

¿Y cómo crees que te va a llegar ese proceso, te apetece? Sí, mucho. A mí interpretar a una madre, me apetece. Todo lo que sean retos y cosas distintas que no haya hecho, para mí son bienvenidas. Además, ser madre es un proceso muy bonito y como actriz me apetece experimentarlo. Como hablábamos, hasta hace poco la mujer vivía recluida en el mundo privado, sometida a una represión aplastante. No obstante, aunque estemos en el siglo XXI, preguntas como las que le hace la madre de Amelia a su hija se siguen escuchando hoy en día; “¿ya te has echado novio?”, “hay que casarse y ser madre joven”, por ejemplo. ¿Cómo vive Aura esa presión social? Bueno, una de las cosas por las que para mí es muy importante y positivo interpretar a Amelia es porque en mi vida tienen un peso muy importante las brechas de género. Creo que a veces pensamos erróneamente que ya hemos alcanzado un lugar que no hemos alcanzado. En mi profesión hay más papeles masculinos y más protagonistas masculinos, los personajes femeninos suelen estar al servicio de una historia amorosa y la mayoría de los técnicos, guionistas y directores siguen siendo hombres. Ellos son más premiados y están mejor considerados. ¿Y cómo te enfrentas al sexismo en tu día a día? Tenemos que darnos cuenta de que en el día a día somos completamente sexistas. Todos nosotros, no conozco a nadie que no lo sea. Sigue habiendo muchos micro sexismos de los que no somos consciente y de los que incluso renegamos y por eso es importante poner el ojo en ellos. La lucha feminista se ha relegado a unos prejuicios que, a mi parecer, no le corresponden y es un tema del que a

mí me interesa hablar y que es necesario hablar. Nos hemos acomodado y los conceptos se han pervertido, creándose prejuicios sobre ciertos temas que no se corresponden con la realidad. Tanto como los roles que imponemos a las mujeres como los que imponemos a los hombres. Obviamente estamos mucho más allá de lo que estaba Amelia en su época pero nos queda muchísimo por hacer. A mí me hizo especial ilusión ver que la serie no está centrada en una historia de amor entre sus protagonistas y ver a dos mujeres tan fuertes; cómo Irene va un paso más allá en su lucha contra el machismo imperante... Incluso el personaje de Angustias es muy interesante por lo que esconde... Y bueno, el de Lola. A mí Lola me parece uno de los personajes más interesantes de la serie. Hasta ahora quizá no haya tenido tanto peso, pero a medida que se va desarrollando y, en ese sentido; en el planteamiento de su vida como mujer, va a aportar cosas muy interesantes. ¿Qué estás aprendiendo poniéndote bajo la piel de Amelia, con qué se va a quedar Aura de ella cuando termine la serie? Bueno, creo que eso hasta que no terminas es difícil de decir. Muchas veces te sorprende cuando terminas un personaje y al cabo del tiempo te das cuenta de que te has llevado cosas que no esperabas llevarte o que te ha influido en un sitio personal y profesional en el que no eras consciente mientras lo estabas interpretando. Pero para mí está siendo un viaje muy bonito en muchos sentidos. Por ejemplo, Amelia es una mujer muy inocente y es precioso recuperar la forma más pura de ver las cosas, a través de los ojos de alguien que lo ve todo por primera vez. Es una de las cosas que me estoy llevando de ella.

Vestido HIGHLY PREPPY

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En la serie Amelia utiliza su tiempo libre, supuestamente, para estudiar. En la vida real, ¿qué hace con el poco tiempo libre la chica que iba para pianista mientras escucha a Nirvana, los Rolling o a Chopin? (se ríe). Pues por suerte tengo trabajo así que el poco tiempo libre que tengo lo uso en descansar fundamentalmente y una vez ya descansada me gusta mucho viajar, estar con mis amigos, mi familia, no sé. Tengo una vida bastante normal, escuchar música, ir al teatro, al cine, a exposiciones...

“El Ministerio del Tiempo es un tipo de producto que no se suele hacer aquí y el tipo de público que consume ciencia ficción tenía muchas ganas de recibir un producto propio como este”

En televisión el plan de rodaje siempre es apretadísimo, aunque tiene su lado bueno porque eso te obliga a aprender y a resolver, ¿aún así, a la hora de trabajar te sientes más cómoda en cine o tal vez disfrutas más el calor del teatro?

¿Cómo veías la interpretación cuando empezaste a estudiar en la RESAD y cómo la ves ahora?

En realidad no tengo mucha preferencia, me gustan los tres. A mí lo que me más me llama es que el personaje sea interesante, me apetezca hacerlo, la historia cuente algo que yo quiera contar y me suponga un reto. Si tiene eso, el medio me da igual (se ríe).

(Riéndome) ¡Perdona!

Ahora con toda la reacción que está habiendo en Twitter, en las redes sociales, ¿no te llega a sobrepasar un poco? Bueno, sí, lo que pasa es que es muy bonito. En el momento en el que estamos están cambiando mucho los hábitos de consumo de la televisión, se está introduciendo la inmediatez de las redes sociales, se está rompiendo esa pantalla del televisor. El espectador ha dejado de ser tan pasivo y en cierto modo se está desarrollando esa interactividad entre el producto y el espectador. Es un tema que me genera mucha curiosidad y me gusta estar viviéndolo.

Ésta es una pregunta muy profunda.. Muy interesante pero muy complicada... Tendría que haberla pensado antes (se ríe).

No, no, está muy bien. Uff... Pues una de las cosas que nos pasa a todos es que cuando empiezas a estudiar tienes como una idealización, todavía no tienes un contacto con el mundo laboral real, tenemos unas ideas de cómo va a ser, unas ganas y una inocencia muy puras. Y luego, a medida que vas trabajando, te cambia mucho la percepción. En cierto modo pierdes esa pureza pero ganas muchas otras cosas a medida que vas trabajando más; seguridad, claridad en qué es lo que más te gusta y cómo quieres trabajar. Creo que todavía estoy muy lejos de eso pero poco a poco vas formándote un espacio personal más claro de qué es lo que quieres hacer. Además soy muy pasional, necesito apasionarme por lo que hago, si no no sé hacerlo. Siempre me busco nuevos retos y cosas que hacer. Inevitablemente esas ganas y pasión del principio mutan, pero intento no perderlas nunca.

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En todos los trabajos nos solemos poner un objetivo como actores; algo en lo que queremos trabajar para seguir aprendiendo, perfilando. ¿Cuáles son ahora mismo los puntos en los que más te enfocas, los que te gustaría desarrollar como actriz? Ahora mismo tengo mucho el ojo puesto en las energías de los personajes. En qué medida la energía de un personaje es distinta a la tuya y cuál es la energía concreta de cada personaje; si tiene una energía que le viene de un sitio más mental o más emocional. Por ejemplo, como soy tan emocional y en este caso Amelia es mucho más mental, pues tengo que tener cuidado con no irme a lo emocional porque es lo que me salta en seguida. También tengo puesto el ojo en... No sé cómo explicarlo... Busca. (Se ríe.) Yo es que soy muy lenta procesando. ¿Lenta procesando? ¿Te has escuchado en la primera parte de la entrevista? No, sí, soy lenta... Bueno sí; en las energías y en el detalle. ¿Te refieres a la concreción? Sí. Ser muy concreta. Intentar cada vez ser más concreta e ir más al detalle; poner mucho el foco en la acción. Hace poco entrevisté a Marian Álvarez y me comentaba que para ella interpretar era como un partido de tenis; se juega según lo que te da el compañero. ¿Tú qué habilidades valoras más en un compañero a la hora de trabajar?

La generosidad. Para mí es lo más importan te, lo más bonito y lo más especial de un actor. Un actor generoso, ya lo tiene todo. Esa capacidad de algunos actores de darse, de dar al compañero y de estar más en el otro y en sus necesidades que en las suyas propias. De salir de tu propia burbuja, que a veces es complicado, de lo que yo tengo que hacer, yo necesito y simplemente relajarte, dejarte estar y estar en el otro, esa generosidad es lo que yo más valoro. ¿Y qué es lo que más valoras en un equipo de producción y en un director? Un poco lo mismo. Para mí la generosidad es la clave porque es un trabajo en equipo. Es una cuestión de respeto y de capacidad de trabajo en equipo, de estar todos a lo mismo y de poner lo que estamos haciendo por encima de la necesidad personal. Cuando se crea eso, tienes mucho ganado. Dejando de lado las estrategias del departamento Transmedia de RTVE como; creación de perfiles de los personajes en Twitter, cuenta de Instagram, grupo exclusivo de whatsapp, interacción con TODOS los fans fomentando sus fanarts o la creación de los formatos paralelos Los archivos del Ministerio y el exclusivo para la web la Puerta del Tiempo, ¿cuáles crees que han sido las claves que han hecho que El Ministerio del Tiempo sea un éxito de audiencia social? Pues no lo sé... Yo creo que es un producto distinto a lo que solemos tener en parrilla nacional. Es fresco, tiene un lenguaje distinto y además es una ciencia ficción muy propia. No se intenta hacer una ciencia ficción esquemática o típica extranjera, sino que se intenta hacer desde nuestra historia, nuestras intrahistorias.

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Nuestro sentido del humor. Sí, nuestras pequeñas anécdotas. Es muy interesante el punto de vista desde el que está construido, el tratamiento que hace del género, de los personajes femeninos, de las historias de amor. Hay mucha autocrítica también y mucho humor hacia uno mismo, es algo muy característico que tiene. Y luego que, en realidad, es un tipo de producto que no se suele hacer aquí y el tipo de público que consume ciencia ficción tenía muchas ganas de recibir un producto propio que culturalmente sea más cercano, más cotidiano y que responda a estos parámetros. Pero vamos, no lo sé (se ríe). “Crematorio” es uno de los mejores ejemplos de cómo hacer series de grandísima calidad; centrada en la historia, en los personajes y sus conflictos. De haber tenido un fenómeno de redes y una estrategia de comunicación similares, ¿qué crees que hubiera pasado, cómo hubieras vivido la serie? Son series muy distintas pero sí que es verdad que la televisión y el consumo de televisión han cambiado mucho en estos años entre “Crematorio” y ahora, las estrategias transmedia y las redes sociales no eran así en aquel momento. El juego que da “El Ministerio del Tiempo” y el mundo que recrea está más abierto para poder interactuar con los fans, no te lo da una serie dramática. Esto da muchísimo más pie a hacer muchas más cosas. Pero para mí “Crematorio” tiene una calidad muy fuerte y es un producto muy especial y sobre todo fue un rayo de esperanza. No por una cuestión ni de mejor ni de peor sino de que las cosas se podían hacer de otra manera y se podían llevar a cabo productos quizá más serios, más comprometidos, con un lenguaje concreto (sonríe). Una de las cosas que más me llaman la atención del formato,

es que ayuda a difundir contenidos culturales y pedagógicos de los personajes que aparecen en las tramas. De hecho un profesor lo ha aprovechado para crear un juego de rol para aumentar la curiosidad histórica de sus alumnos. ¿Qué hubieras pensado como espectadora si hubieran estrenado la serie cuando estudiabas Historia de España en educación secundaria o Antropología en la universidad? A mí me parece una pasada. Como espectadora me gustan mucho este tipo de productos y me divierten muchísimos. Además me parece muy importante que se esté tratando la historia propia en una serie de televisión en prime time de esta manera. Porque, como tú decías, se da pie a una curiosidad y una investigación. Y esto nos pasaba a nosotros grabando la serie, que de repente tenías que trabajar un capítulo con un personaje histórico y buscabas información porque te picaba el interés. Ver TT durante tres días seguidos a Lope de Vega era algo que jamás hubieras pensado que podía suceder. Y a mí si hubiera estado en el instituto mientras se emitía esta serie, estoy segura de que sería fiel, que me lo pasaría pipa con ella y que me interesaría más por estudiar la historia. Y es muy favorable que la televisión trate los elementos culturales, artísticos, históricos... El factor educativo o pedagógico son importantes y más en una televisión pública.

“Una de las cosas por las que para mí es muy importante y positivo interpretar a Amelia es porque en mi vida tienen un peso muy importante las brechas de género”.” 45

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Hasta ahora no se había vivido un fenómeno de estas características en producciones españolas, por ejemplo con un consumo tan elevado en diferido y a través de internet en vez de en directo. Series como “Juego de Tronos” (a la que estás enganchada)... (Se ríe) ¡Estoy contando las horas, de hecho! Yo también un poco... O “Breaking Bad”, o “The Walking Dead” eran impensables por su formato y contenido en nuestra televisión y siempre hemos sufrido una preferencia por parte de los productores por valores seguros, con una historia romántica para un público familiar. ¿Crees que “El Ministerio” creará tendencia? ¿Estamos a las puertas del futuro en la ficción? Es verdad que, como te decía antes con “Crematorio”, es un tipo de producto nuevo que de repente abre una puerta nueva; se puede llevar a cabo y puede funcionar. Y esto en sí es importante porque muchas veces yo me planteo la pregunta de: “¿cómo sabes que el espectador no quiere un producto si no se lo has dado nunca?”. Si no le das la oportunidad de verlo no lo va a querer porque no lo tiene. Tenemos que atrevernos más a hacer cosas distintas, a probar. Si siempre haces el mismo producto va a llegar el momento en el que el espectador se canse y busque otra cosa. El modelo de consumo ya no es el mismo que había; ya no es necesario hacer un producto para toda la familia porque ahora la familia no suele consumir ficción junta. Cada uno consume el producto que le interesa y de otra manera. Creo que ampliar la oferta con productos más específicos, más arriesgados y concretos va a funcionar mejor porque hay una demanda que hasta ahora estaba huérfana. Aunque también es

importante que sigan existiendo los otros productos más familiares, más blancos, más tradicionales. ¿Se te ocurre alguna manera de romper esa brecha generacional y lograr captar al espectador medio de la televisión pública hacia un formato como el del “Ministerio”? ¿Tal vez fichando a actores de sus ficciones habituales para la segunda temporada? “El Ministerio” ha atraído hacia la televisión pública a un tipo de consumidor mucho más joven de la media de la cadena y que tiene otro tipo de hábitos de consumo y por eso todos los visionados en diferido, en streaming. Es interesante ver que de pronto has ofrecido un producto distinto al que acostumbras y atraes a un público diferente. Ha sido una cosa muy transversal en ese sentido y en eso tiene mucho que ver la estrategia transmedia, cada vez más es una estrategia a tener en cuenta. Y aparte, a mí como espectadora me gusta mucho el tener la posibilidad de entrar y de vivir todo el universo de la serie de una forma mucho más profunda, más global, más cotidiana... Es muy divertido. Pero ya las tácticas, la verdad es que se me escapan (sonrie). Si no fuese por estos ministéricos, muchos de los cuales están creando contenidos de forma espontánea, a lo mejor la serie no hubiera sido renovada... Totalmente. Y es que al final siempre es el espectador el que define la vida de una serie, por lo general. Y simplemente es un cambio en las reglas del juego entre la ficción y los espectadores. En esta serie todo es mucho más interactivo y la renovación lo ha sido también.

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Volviendo a entrar por la puerta del 2015; año electoral donde los haya. ¿Qué le pedirías al ministro de cultura del nuevo Gobierno? Que valorase el arte y la cultura en todo el valor que tienen. ¿Qué nos puedes contar sobre “La Dama Velata”, pendiente de estreno, y sobre la película “Vulcania”? “La dama Velata” es una serie italiana que se está emitiendo ahora mismo en Rai1 y que se emitirá aquí en España, en principio en Telecinco. Somos varios españoles en la serie y el resto del elenco y equipo técnico es italiano. Es una historia de luchas de poder entre familias ricas que transcurre en Italia en el s.XIX y mi personaje es muy pequeño; interpreto a Cecile. Soy la niñera de la hija de la protagonista, interpretada por Miriam Leone. Y “Vulcania” es una película dirigida por José Skaf que tiene un elenco fantástico. Se trata de una distopía industrial en un lugar paralizado en el tiempo y en el espacio: no se sabe si es pasado, presente, futuro ni dónde está. Se trata de una sociedad que vive en un pueblo muy pequeño atrapado entre las montañas, sin contacto con el exterior y en el que hay unas reglas de comportamiento muy estrictas. En un momento dado, dos de los habitantes se ven en la encrucijada de cambiar esas leyes y de intentar escapar. Acabáis de presentar la película “Asesinos inocentes” de Gonzalo Bendala en el Festival de Miami, en el que ha sido su estreno mundial. La protagonizas junto a Maxi Iglesias y junto a los actores Miguel Ángel Solá y Luis Fernández. Cuéntanos qué tal ha sido la experiencia. Pues muy buena. La verdad es que la pelí-

cula gustó muchísimo en Miami y el público se volcó mucho. Ahora vamos al Festival de Málaga también en sección oficial. Fue muy bonito porque cuando estás en un festival, además de los actos de presentación de la película, tienes mucha interacción con el público y fue muy interesante escuchar las reflexiones y preguntas de los espectadores. Es una película que parte de una situación bastante extraordinaria: se trata de un alumno de último curso de psicología en la universidad, le queda solo una asignatura para tener el título y la suspende. Por una cuestión personal complicada necesita el título urgentemente. El profesor de esa asignatura le propone un trato por el que le aprueba la asignatura a cambio de que le ayude a morir. Y a partir de ahí empieza a desgranarse la película. ¿Y tu personaje en el film, Nuria? Nuria es una de las compañeras de clase de este chico y está preparando su tesis doctoral en psicología sobre el suicidio con este profesor. Y es un personaje que de repente intenta averiguar qué es lo que está sucediendo en toda esta historia tan turbia. Para ir cerrando, ya nos has dicho que no sabes nada sobre la segunda temporada, pero... No sé nada, ¡nada! (se ríe). Una pildorita, una migaja para los ministéricos... Realmente no nos han dado ninguna información. Ni siquiera sabemos cuándo empezamos a grabar ni cómo será, ni qué se tratara... Eso sí, queda un capítulo por emitirse y creo que cuando se termine la temporada, entenderemos el camino por el que va a seguir la segunda. Los dos últimos capítulos son muy potentes. El último termina muy alto, con una situación bastante extrema, dejando todo ese mundo patas arriba y su-

pongo que en la segunda temporada se irá recomponiendo. Y creo que va a ser muy interesante. Por último, vamos a despedirnos con la pregunta más comprometida: cinco deseos para que se cumplan... (Riéndose) Ésta siempre es la más complicada.

making of

...cinco directores y actores con los que te apetece cruzarte en los próximos tres años. He tenido la suerte de coincidir hasta ahora con compañeros a los que admiro mucho y me gustaría seguir por esa línea. Por supuesto, poder seguir trabajando y viviendo de esto. Siendo actor, es una de las cosas más complicadas y el mayor deseo que puedes tener: vivir de tu profesión. Me gustaría también tener proyectos interesantes que me supusieran retos y seguir investigando en interpretación, en personajes nuevos que me aporten nuevas cosas. Me gustaría también que la situación de lo audiovisual y teatral en este país mejorase, que se fortaleciese la conexión que se está empezando a crear con el público y desarrollar los proyectos que se pueden desarrollar. Porque en este país no es por falta de talento ni de capacidad sino de medios y de oportunidades. ¿Se perfila algún proyecto internacional? Por ahora no, pero todo lo que sea trabajo y retos nuevos, me apetece. Creo que además la industria cada vez es más internacional, tanto en cine como en televisión y en teatro y esto es muy excitante, muy divertido. Cada vez en las producciones los países se mezclan más y se hacen historias más globales y me encantaría formar parte de eso. ... Nos despedimos y Aura atraviesa el umbral de la puerta hacia algún lugar en el futuro.

aura garrido para

IncreĂble en esta foto con collar ĂŠtnico Marvellousdes y tatuajes dorados de Capriche.

Almudena Lobo nos regaló una de las miradas más bonitas de nuestra ficción, y a ella, la oportunidad de iniciar un camino en la profesión que le apasiona. Tras hacernos reír junto a ‘los cuquis’ en la disparatada comunidad de Montepinar, Silvia Alonso vuelve a la pequeña pantalla como incorporación de una de las series de mayor éxito, ‘Sin Identidad’, para presentarnos una temporada final ‘llena de acción y mucha tensión’. Con una sonrisa de oreja a oreja y una cercanía agradable, la salmantina nos hace partícipes de un presente feliz y de un futuro más que ilusionante.

Vuelves a la pequeña pantalla como flamante incorporación de una de las series de mayor éxito de los últimos años, ‘Sin identidad’. ¿Quién es Helena y qué papel jugará en esta historia? Helena es la prometida de Juan, antiguo novio de María. Tienen una relación muy buena, todo va maravillosamente bien, se van a casar… pero aparece María, el amor de su vida, que todos pensaban que llevaba 12 años muerta. Mi personaje es el contrapunto de esa relación, pero tampoco puedo desvelar lo que va a pasar porque probablemente no es lo que se espera (risas). Además es la hija de Miriam, directora de unos laboratorios farmacéuticos que tendrán una trama relacionada con Enrique. No debe ser sencillo llegar a un proyecto con una historia tan intensa. ¿Eras seguidora de la serie o has tenido que ponerte al día? Sí, era seguidora. Intento ver siempre lo que se hace aquí para conocer a compañeros,

directores… pero la verdad es que ésta me enganchó. Imagino que esto habrá facilitado tu adaptación a la historia, a la trama… Realmente de lo que se va a ver en esta temporada, que es la actualidad, no se vio gran cosa en la temporada pasada. En la primera temporada se contaba el pasado, pero no se ha visto mucho sobre qué es lo que pasa 12 años después, así que todo ha sido muy nuevo. Además del salto temporal y todo lo que ello conlleva, ¿qué diferencias has encontrado con respecto a la primera entrega? No la he visto terminada todavía y no sabría decirte, pero principalmente hay un cambio en los personajes. Hasta ahora únicamente se han visto pinceladas de cómo es María en la actualidad, pero no se sabe realmente cómo son el resto de personajes. Digamos que esta temporada es otra cosa; hay acción, mucha tensión… aunque no sé cómo se percibirá desde el espectador.

Silvia con chaleco artesano de Highly Preppy; body negro de Forever 21 y pulseras y brazaletes de Plata Pura.

¿Cómo ha sido tu adaptación al día a día con un elenco ya formado y adaptado? ¿Te lo han puesto fácil? Siempre es complicado llegar a un sitio donde ya está formada una familia, donde ya hay una manera de hacer las cosas… y de repente llegar de nuevas: ‘¡Hola, soy la novata!’. No es lo mismo empezar desde el principio, donde entre todos se levanta un proyecto juntos, a llegar y tener alrededor personajes que ya lo tienen todo asimilado. Tienes que hacer el trabajo que han hecho ellos una temporada antes y siempre es un poco raro, pero me lo han puesto muy fácil, los compañeros son muy divertidos y me han aportado mucho. La segunda temporada se presenta como el desenlace de la historia. ¿Te atrae el hecho de interpretar a un personaje cerrado, del que sabes todo su recorrido, o eres de las que prefiere crecer junto a ellos sin conocer su destino? Todo depende de lo fieles que sean al personaje. Personalmente prefiero que esté más o menos cerrado porque ya sabes a qué atenerte, lo que trabajar y construir, pero a veces en televisión ponen a los personajes en situaciones que jamás habrías imaginado. Tienes que estar preparado para todo y dejar un margen de flexibilidad, porque nunca sabes lo que va a pasar con tu personaje. Si tuvieras que resumir esta temporada en dos palabras que nos marquen y nos lleven a estar pegados al televisor en su estreno, ¿cuáles serían? Diría que es una serie tensa y como he visto ya el primer capítulo de la segunda temporada puedo decir que es muy bonita de ver en cuanto a luz, de atrezzo, localizaciones… ‘Sin Identidad’ ha vuelto por

todo lo alto a la noche de los miércoles, y la tendencia de las cadenas nos lleva a verla como un objetivo de la competencia en temas de programación, haciendo flaco favor a los formatos nacionales que se enfrentan entre sí. ¿Con cuál de ellos no te gustaría ‘competir’? No me gustaría competir con ninguna otra serie de ficción, pienso que cada una debería tener su día y su momento. Entiendo el concepto de esta lucha como empresas que son, pero me parece que va en nuestra contra y es una pena. Pienso que ‘Sin Identidad’ ya lleva una temporada, tiene su público, y compitamos contra quien compitamos espero que la gente sea fiel y siga viéndonos. Esta lucha ha hecho que Telecinco decida guardarse en la recámara algunos capítulos de la 8ª temporada de ‘La que se avecina’, que se encuentran en espera desde el parón navideño. ¿Seguiremos viéndote después de la pausa? Ya se verá (risas). ¿Te imaginas compitiendo contra ti misma en diferentes cadenas? ¿Cuál de ellas sintonizarías? No me mojo (risas). Espero que no ocurra, tiene que ser lo peor (risas).

“En esta temporada de ‘Sin Identidad’ hay acción y mucha tensión.” 63

La terraza del restaurante Saporem , en pleno Barrio de las letras de Madrid, se convierte en testigo de la sesi贸n con la actriz Silvia Alonso.

Silvia lleva cazadora vintage de Lois; camisa de Massimo Dutti, falda midi con tablones en jacquard de flores de M贸nica Cordera; sandalias boho de Apache Style; brazalete las Dalias Hippy Market; y

Después de verte principalmente en papeles dramáticos, ‘La que se avecina’ nos ha mostrado tu vertiente más cómica. ¿Te has sentido cómoda en este registro?

Claro, y sobre todo una serie que lleva tanto tiempo y que he seguido. Había veces en las que estando rodando veía las escenas como espectadora y tenía que pararme un momento para ser consciente de que estaba ahí dentro. Fue muy divertido.

Sí, y además tenía muchas ganas de hacer comedia. Normalmente cuando te ven siempre en un tipo de papel piensan que es muy difícil verte en otros, y estoy muy agradecida a ‘La que se avecina’ por darme la oportunidad, me lo pasé muy bien. Incorporarte a una serie que lleva ya 8 temporadas da respeto, y además me lo confirmaron el día de antes, así que fue una incorporación un poco tensa y estresante, pero me lo pasé muy bien, aprendí muchísimo y Pablo y Eva (Pablo Chiapella y Eva Isanta) son maravillosos. Me gusta mucho la comedia, me gustaría hacer comedia todo el rato (risas). Me gusta el drama también, pero hay algo en la comedia que me fascina.

Háblanos de tus inicios, ¿de dónde nace tu pasión por la interpretación?

¿Qué es lo que más te ha costado de asimilar a la hora de hacer comedia? Una de las cosas más complicadas de la comedia es entrar en el código del proyecto en cuestión, adaptarte y aunar todas las interpretaciones y todo lo que ocurre. Una vez entras ahí ya consiste en jugar e ir buscando. ¿Qué vecino ha hecho más llevadera tu adaptación a los rodajes en Montepinar? Pablo y Eva, que son maravillosos. Lo pasaba muy mal rodando con Pablo porque me reía todo el rato, me costaba mucho contenerme, y Eva es un amor. Debe ser complicado rodar en un contexto en el que todos los personajes son tan característicos…

La interpretación y la danza me habían atraído desde siempre, aunque fue en Bachillerato cuando me lo planteé como algo real. Irme a Madrid a estudiar interpretación era como irme a Marte, me resultaba muy extraño, hasta que llegó Bachillerato y el momento de decidir qué iba a hacer con mi vida. Conocí a un amigo que me dijo ‘¡vámonos a Madrid a estudiar interpretación!’ y el primer año que estuve estudiando tuve claro que no me había equivocado. Te formaste en escuelas de interpretación antes de dar el salto a tu primer papel. ¿Crees que en esta profesión es importante la formación, o es realmente la experiencia la que ‘pule’ de alguna manera lo que llevas dentro? Creo que ambas cosas. Formarse es muy necesario porque es importantísimo tener herramientas. Hay veces que un personaje te viene muy bien y lo asimilas muy pronto pero otras muchas necesitas técnica y una base desde la que trabajar. Intento formarme cada vez que puedo con cursos, no necesariamente tiene que ser en una escuela, pero hay que tener presente que hay muchas cosas que aprender. No obstante, en el trabajo es donde lo pones en práctica ya que muchas veces aprendes a trabajar en la escuela de una manera que luego en el rodaje puede cambiar. Hay que estar preparado para todo y está muy bien ir alternándolo.

Collar de Marvellousdes; anillos y pulseras de Plata Pura

Pantal贸n palazzo con pliegues cruzados de Monica Cordera; blusa de Zara; sandalias Boho de Apache Style; brazaletes de Las Dalias Hippy Market; anillo Plata Pura y pendientes de plumas de Plata Pura

“Todo lo que viví en ‘Tierra de lobos’ fue muy intenso, lo echo mucho de menos” ‘Tierra de lobos’ fue tu primera toma de contacto con este mundo, al que podríamos decir que entraste por la puerta grande. ¿Qué es lo que recuerdas con más cariño de esa etapa? Todo. Fue mi pasaporte para entrar en esta profesión, que es muy complicado. Que se arriesgaran a coger de protagonista a una chica que no había hecho nada es de agradecer. Si me tuviera que quedar con algo sería con los compañeros, ha sido una gozada, somos una familia que continúa a día de hoy. Todo lo que viví con ese personaje fue muy intenso y lo echo mucho de menos, pero es algo que se cerró. Esta serie, al igual que ha ocurrido con muchas ficciones españolas, tuvo un gran éxito en otros países como Italia. ¿Te atraería dar el salto a otro país en producciones extranjeras? Sí. Tengo una visión bastante global. Hablo inglés, estoy formándome… aunque no tiene que ser necesariamente en ese idioma. Se están haciendo ahora cosas muy interesantes también en Sudamérica por ejemplo, así que me apetecería mucho. Me gustaría forjar unas bases en España, y si la oportunidad está fuera sería genial. ‘Tierra de lobos’ supuso además tu salto a la popularidad,

¿cómo llevas el hecho de ser un rostro conocido, los eventos, y todo lo que ello conlleva? ¿Te sientes cómoda? Los eventos son un poco jaleo. Hay mucha gente, y entre las fotos, que te encuentras con muchos compañeros que conoces y a la vez no puedes hablar con nadie… pero si aprendes a relajarte y a disfrutar de ellos está bien. Pienso que hay que elegir estar en el momento adecuado, no estar en todos, porque es algo que quema. Me estreso mucho a veces (risas) pero es parte de nuestro trabajo. Aunque has participado en un par de películas, ¿ves al cine como tu asignatura pendiente? ¿Te gustaría dar el salto a este medio? Me apetecería mucho probar y si todo va bien creo que este año se probará. Espero (risas). Algunos compañeros de profesión afirman que lo importante en este mundo es seguir activo, no dejar de trabajar, aunque a veces implique no interpretar precisamente el papel de tus sueños. ¿Compartes este pensamiento? ¿Has aceptado o te has visto tentada por algún papel que pese a no gustarte, era una oportunidad para seguir trabajando? Personalmente estoy muy contenta con todo lo que he hecho porque han sido personajes muy diferentes. Pienso que a la hora de elegir tus trabajos tienes que tener claro qué clase de carrera quieres llevar, y también en qué momento te estás, ya que hay veces que puedes elegir y otras que no. Es una profesión que va a picos, le pasa a todo el mundo y es así. Me encantaría que llegara el día en el que pudiera elegir todo lo que me gusta, pero a día de hoy estoy muy contenta con todo lo que he hecho.

Muy sensual Silvia luce vestido Shell de Capriche; tatuajes dorados de Capriche

La actriz espectacular con Kimono Freedon de Capriche; conjunto de Forever 21; collar 茅tnico de Capriche y cintur贸n de Zara.

Camisa vaquera estilo boyfriend Massimo Dutti; pulseras y brazalete de Plata Pura; anillos Sfera; gafas American Apparel

Elige… Cine, Teatro, Televisión -

¿Qué tiene que tener un papel para conquistarte?

No puedo

Depende. Me gustaría hacer tantos tipos de personaje que no lo sé. Tiene que tener algo fuerte que contar, un guión muy bien construido –incluso los diálogos-, que el director esté muy implicado –me gustan los directores que trabajan con los actores- y que los compañeros sean maravillosos. Combinando esos factores tiene que salir bien seguro.

Cooper y Verónica Echegui

¿Qué es lo mejor que te ha regalado esta profesión? Encontrar mi camino en la vida, lo que realmente quiero hacer y a lo que me quiero dedicar el resto de mi vida. ¿Cómo se presenta el futuro a medio plazo? Se presenta muy bien. Nunca se sabe, siempre me da miedo decir cosas, pero intento ser positiva y proyectarlo.

Actor/actriz inspirador - Bradley

PERSONAJE SOÑADO - La gata sobre

el tejado de zinc, en algún momento de mi vida Director con el que te gustaría trabajar - Con alguien a

quién le apeteciera trabajar conmigo y al que le guste trabajar con actores

Producción de la que formarías parte con los ojos cerrados -

‘Mi gran noche’, de Álex de la Iglesia

Serie que sigues ahora mismo -

Fortitude, Anatomía de Grey y El Ministerio del Tiempo.

De no ser actriz serías… No lo sé Próximamente te veremos en...

En ‘Sin Identidad

Si estuvieras rodando una comedia romántica, tu media naranja sería... Bradley Cooper

making of

Comedia o drama - No puedo elegir Una ciudad Madrid Una manía - Quitar los pelos de los cepillos siempre que me peino

Una comida - Milhojas de foie con cualquier salsa Una canción que no deje de sonar en tu reproductor - Cualquiera de Edward Sharpe & The Magnetic Zeros Una palabra que te defina - Nerviosa

Los nuevos urban hostels de Madrid Room007 Ventura (Ventura de la Vega, 5) y room007 Chueca (Hortaleza, 74) son los dos hostel urbanos más cool del centro de Madrid. Con un diseño cosmopolita y funcional, room007 Chueca se encuentra ubicado en el corazón de una de las zonas más vibrantes de la ciudad: el barrio de Chueca, a pocos metros de una de las míticas arterias de la capital, la Gran Vía madrileña. Por su parte room007 Ventura está en el Barrio de las Letras, muy cerca de los principales museos de Madrid y rodeado de restaurantes, bares de tapas, locales de música en vivo y pubs para vivir al máximo tu experiencia en la capital. Un lugar para vivir experiencias A diferencia del clásico concepto de hostel, room007 no es solo un lugar para dormir. Se trata de un espacio donde vivir experiencias. Por su ubicación, servicios, precios y diseño, ambas ubicaciones seducirán a un público dinámico, desenfadado e inquieto; desde el viajero individual aventurero, hasta familias con hijos, parejas o grupos. room007 cuenta con diferentes zonas comunes como un attic lounge, un amplio espacio con vistas exteriores y una

terraza solarium exclusiva para los clientes del hostel. Dispone de cocina equipada, mesa compartida y área de relax. Además, en la planta baja se encuentra Saporem, un completo restobar con servicio de desayuno, almuerzo, cena y cócteles. Room007 pertenecen al grupo empresarial Requena y Plaza. La compañía ha dirigido la rehabilitación y remodelación de los edificios que albergan tanto los hostles room007, como los restaurantes Saporem. En ambos trabajos la empresa ha tenido muy presentes los principios de sostenibilidad y de eficiencia energética, añadiendo a su estructura, entre otros elementos, placas solares, luces LED, control de consumo de agua y gas, y puntos de reciclaje Para más información llama o visita: C/ Ventura de la Vega, 5. 28014 Madrid. Tel. 914 204 481 C/ Hortaleza, 74. 28004 Madrid. Tel. 913 688 111 www.room007.com

ALLÍ ABAJO Antena 3 recupera la sonrisa POR LAURA PÉREZ Si creíamos que ya lo habíamos visto todo sobre los tópicos-típicos de vascos y andaluces en la comedia que convirtió a Dani Rovira en uno de los chicos del año estábamos equivocados. Iñaki, interpretado por Jon Plazaola, se ve obligado a acompañar a su ‘ama’ a un viaje de jubilados a Sevilla que se convierte en el inicio de una pesadilla que, por lo que podemos intuir, pronto se convertirá en un sueño más dulce gracias a Carmen, una enfermera andaluza a la que da vida María León. Con este pretexto comienza ‘Allí Abajo’, la nueva apuesta por la comedia de Antena 3 que, pese a las inevitables comparaciones con el éxito taquillero de Telecinco Cinema, sus creadores afirman que su idea es anterior al film de Emilio Martínez-Lázaro. La apuesta era clara, por lo que la cadena decidió realizar un estreno multicanal que consiguió congregar a más de 6,3 millones de espectadores. Estas cifras la sitúan en el mejor estreno de una serie de Antena 3 en 20 años, y de una ficción nacional en los úl-

timos 10 –desde que Aída hiciera lo propio en 2005. Y es que parece que combinar el humor vasco –que últimamente se encuentra en alzacon la gracia andaluza se ha convertido en una fórmula que engancha, y en la mejor medicina para una cadena que en los últimos años no terminaba de dar en la tecla de la comedia. Diferentes acentos y culturas son la base de unos estereotipos que se convierten en el franco de unos chistes un tanto forzados, que son salvados por unos actores con experiencia en hacer reír. En la cuadrilla de Iñaki encontramos a diferentes caras conocidas del humor vasco como Óscar Terol, Iker Galartza y Santi Ugalde, mientras que allí abajo destaca la siempre brillante María León junto a Mariano Peña y la

propia Carmina Barrios, que debuta en televisión junto a su hija. Y es que pese a que resulta complicado arrancar carcajadas durante una hora, la producción de ‘Plano a Plano’ se erige como una serie fresca, bien realizada y en el principal motivo de Antena 3 para sonreír, pues tiene los ingredientes para convertirse en una de las series del año. Sus buenos resultados no han pasado desapercibidos en Fuencarral, y Telecinco no ha tardado en mover ficha programando la segunda temporada de su gran éxito de 2014, ‘El Príncipe’, para intentar impedir que su rival reine en la noche de los martes. Está por ver si la comedia logra mantenerse allí arriba, o si se cumple aquello de que todo lo que sube tiene que bajar.

Carlos Chamarro es uno de esos actores todoterreno que no para de sorprendernos. Recientemente le hemos podido ver en las series de televisión «Gym Tony» y «Algo que Celebrar». Carlos derrocha encanto por donde pasa, tanto fuera como dentro de la pantalla, y es por eso que desde la redacción de VIM Magazine hemos querido tomar un café junto a él para presentaros la parte más personal de este genial actor. Dos cafés en la cafetería del céntrico hotel Siete Islas de Madrid es el perfecto contexto para charlar con Carlos Chamarro sobre su carrera. Encontramos a un Carlos sincero, divertido y natural que hace que pierdas la noción del tiempo ya que pasaríamos horas hablando con él. Aquí os dejamos lo que dio de sí este encuentro. Hemos podido escuchar de boca de compañeros del sector audiovisual que es un auténtico placer trabajar contigo, insisten en que haces el trabajo a todos mucho más sencillo. ¿Eres consciente del encanto y buen rollo que generas? Se intenta... Yo creo que también tiene que ver con el carácter de cada uno. Seguro que quienes os hayan contado esto también serán un encanto, pues como se suele decir, esto va a favor de obra. Intento siempre por educación que el trabajo sea lo más cordial y agradable posible. He trabajado de muchas cosas y no puedo concebir un trabajo sin hacerlo desde el agrado y el optimismo. Lo que sí es cierto es que esta profesión tiene unas condiciones «X» que si aparte de trabajar bien, generas buen rollo, es mucho más fácil trabajar en equipo. Igual es un poco por puro egoísmo, llámalo como quieras pero el resultado es el mismo. En el ámbito personal también eres una persona extrovertida, ¿esto influye? Soy un tío muy extrovertido, muy optimista. Hay que currar mucho en la vida pero con humor todo se lleva mucho mejor.

¿Cómo te decantaste por el género de la comedia? ¿Cómo fueron tus primeros acercamientos? Es algo que me gustaría que se desmitificara ya que es uno de los problemas de este país. No hay actores de drama o comedia, hay actores. O debería. Hay actores que tienen más facilidad para hacer comedia que para otro género y viceversa. Normalmente, los actores que saben hacer comedia son los que mejor hacen drama porque en muchas ocasiones es más fácil el drama que la comedia. Buscar el tiempo perfecto para meter tu frase en comedia es difícil. En mi caso sí es cierto que desde jovencito me interesé por la mímica. Siempre se me dio bien gesticular, de hecho, de pequeñito me encantaba jugar a «adivinar las película», conseguir que lo adivinaran enseguida me encantaba.

“He trabajado de muchas cosas y no puedo concebir un trabajo sin hacerlo desde el agrado y el optimismo.”

Trabajar con Luís Guridi tuvo que ser increíble, ¿Cómo lo recuerdas? Pues es un tío muy interesante. Tiene muy claro lo que busca y además tiene muy claro como llegar a ese estilo que le gusta, ese humor entre cínico, negro, corrosivo, pero para nada vulgar. Fue muy interesante trabajar con él, aparte de que también fue muy interesante trabajar con todo el equipo. Trabajar con Luís es muy cómodo ya que te dice las cosas sin herirte lo más mínimo. Has trabajado en un montón de entornos diferentes, platós, teatro, estudios, exteriores... Recientemente has rodado una TVMovie «Algo que celebrar», donde has vuelto a experimentar el ambiente cinematográfico. De todos estos entornos, ¿Cuál crees que es el ambiente más enriquecedor para un actor? Obviamente todos son buenas elecciones pero me decanto por el cine, más que nada por todos los condicionantes que tiene. En el teatro también se ensaya mucho y exige una rutina especial. La publicidad es algo más repetitiva quizás. Soy un tío que me canso de un personaje cuando creo que ya lo he dado todo de él, me gusta ser versátil por lo que es difícil elegir. En España existe un problema de etiquetar a los actores y para muchos no suenan creíbles ciertos actores cuando interpretan papeles diferentes a lo que acostumbran, ¿Crees que en cierta medida, de esto tiene la culpa la televisión? Sí, sin duda es uno de los factores. Aquí aún estamos con programas cutres que generan esas etiquetas. Para disparar una pistola bien, por ejemplo, hay que aprender. Pues entonces es momento de invertir en esos detalles y dejar de encasillar a los actores.

Y, ¿Cuál crees que sería una buena solución para un actor? Pues desafortunadamente seguir luchando y demostrando que puedes hacerlo, hacer proyectos paralelos como cortometrajes, teatro... El problema es que la gente que debería ver estos proyectos alternativos no lo hace y la visibilidad es muy poca, pero hay que seguir intentándolo. Además de tu pasión por la interpretación es conocida tu faceta de pintor, ¿Cómo fueron tus comienzos en este ámbito? Siempre me interesó el arte, de hecho, siempre estaba pintando. Al final me decanté por compaginar mis estudios de interpretación con los estudios de pintura. Realicé alguna exposición en Barcelona y continuamente sigo pintando. La vida de actor te roba mucho tiempo y ojalá pudiera invertir más tiempo en la pintura, pero por desgracia no es así. He seguido realizando colecciones e investigando con diferentes materiales ya que me gusta mucho la técnica mixta. En la actualidad estoy tirando más hacia la escultura y mis obras cada vez tienen más volumen. ¿Qué papel para ti ha sido el más complicado de tu carrera? Pues sinceramente, todos y ninguno. La gente que te contrata generalmente te presenta un papel que se asemeja a los papeles que has realizado ya, como hemos comentado anteriormente. Por lo tanto es algo que ya has hecho pero con ciertas diferencias. No obstante, cualquier papel es un reto. Muchas veces la complicación de un papel recae en la acción. Eres una persona activa en las redes sociales, además participas en muchos proyectos benéficos ¿Por qué causas te sueles mojar? La verdad es que si tengo tiempo suelo mojarme por cualquier cosa que me propon-

Por último, ¿Qué nuevos proyectos nos puedes contar?

obra, pero espero terminarlo pronto. En televisión sigo con la serie «Gym Tony», que es un proyecto que me encanta. En teatro estoy todos los martes en la obra «Burundanga», en el teatro Lara en Madrid. Además me han propuesto varios proyectos más y es posible que retome un espectáculo de hace quince años con el actor Toni González. Una obra de teatro de humor absurdo llamada «En busca de Abraham». La obra es divertidísima y pese a tener tanto tiempo es perfectamente actual.

Hace un tiempo me leí un libro de Joaquín Berges llamado «Vive como puedas», la historia me cautivó de inmediato y decidí ponerme en contacto con su autor para intentar hacer una película sobre este libro. Este es un proyecto personal que me encantaría afrontar. Otro de mis proyectos es acabar una serie de pinturas que contempla veintiuna piezas. Aún me falta bastante dado el tiempo que empleo en la realización de cada

“Cuando la finalidad es ayudar a alguien que lo necesita, me parece muy necio no hacerlo.”

gan. Cuando la finalidad es ayudar a alguien que lo necesita, me parece muy necio no hacerlo. Al igual que como a todos me gustaría cobrar mucho dinero, entiendo que mi profesión ofrece un rebote social importante por lo que creo que también forma parte de mi trabajo. Es lo mismo que si te piden un autógrafo, si eres un personaje visible también tienes que aceptar esa parte.

pride El orgullo de luchar POR MIGUEL A. ROMERO FERNÁNDEZ

da Stauton, que ha salido en El secreto de Vera Drake o Maléfica o Dominic West, que ha participado en 300 y Chicago, junto a la figura de actores más jóvenes como George Mackay o e Ben Schnetzer. La brillante actuación de George Mackay, a través de un joven gay en el armario que sufrirá toda una transformación, sobresale entre una armoniosa película en la que los actores ascienden la obra a una perfecta composición.

ride,es una película dirigida por Matthew Warchus, un director con poca experiencia a sus espaldas convirtiéndose en su segundo largometraje, tras su opera prima, Círculo de engaños, e inmerso ya en su tercer proyecto, una versión de Matilda de Rald Dahl.

La historia basada en hechos reales sitúa al espectador en el inicio del verano de 1984 en Reino Unido, donde Margaret Thatcher gobierna en el Parlamento británico. El sindicato Nacional de Mineros convoca una huelga tras su prohibición de la vuelta al trabajo, a la que un grupo LGTB se unirá proporcionándoles ayuda económica y estableciéndose una alianza entre ambos colectivos. En el reparto nos encontramos ante actores británicos veteranos como Bill Nighy que ha aparecido en otras películas como Love Actually o Piratas del Caribe, Imel-

La magia de este drama consigue la unión de dos grupos tan dispares por la lucha contra un gobierno intolerable, en un mundo dominado por las injusticias y que de forma conjunta y a pesar de los prejuicios conseguirán una estela de superación. Un símil perfecto de una realidad aún existente con los problemas que cualquiera pueda poseer y la lucha por los derechos, no sólo de los gays, sino también de todos aquellos ante los que se les emplace en un lugar injusto. Asimismo, el choque entre las dos grupos produce una adorable y divertida simbiosis que hace permanecer al espectador entretenido en todo momento y que se pueda sentir identificado con cualquier de los personajes, ya sean de un bando u del otro. La fotografía traslada el escenario hasta las tierras de Inglaterra y Gales de mediados de los ochenta. Además, el divertido guion ha sido

escrito por Stephen Beresford, una historia que ya se ha convertido en un éxito de taquilla en Reino Unido y que ha ganado el Queer Palm en el Festival de Cannes de 2014. La película hace guiños al colectivo LGTB a través de distintas actuaciones y el seguimiento de la historia de los derechos de las lesbianas, gais, transexuales y bisexuales, a través del Orgullo Gay, el tratamiento de la sociedad británica de la época hacia ellos o el problema del sida. La obra cinematográfica a favor de la igualdad entre todos no ha estado exenta de polémicas, debido a que los sectores conservadores pusieron trabas ante la calificación para todo el público en Reino Unido , tras la aparición de elementos sexuales como una revista porno o un vibrador y de hombres vestidos de cuero. Finalmente recibiría la calificación para mayores de 15 años. Un hecho un tanto curioso ante la permisividad de otras películas. Esta historia se encontrará en la cartelera española durante estos meses, para todos aquellos amantes de la historia y la comedia, y que descubrirán una narración ya casi olvidada y que ha tardado demasiado en llegar a nuestro país.

El arte de regalar cine POR LAURA PĂ&#x2030;REZ

Corría el año 1965 en la ciudad de Nueva York. Un cortometrajista independiente con un particular modo de ver la vida era presentado a Andy Warhol, quien quiso pedirle asesoramiento para sus películas experimentales. Comenzó entonces una de esas relaciones que se graban a fuego en la historia del cine underground, y por qué no, del arte en general. Fruto de esta colaboración nacieron títulos como Chelsea Girls (1966), Flesh (1968) o Trash (1970), grandes referencias de la Factory. Esta última supuso un antes y un después en la vida de un joven Armand Rovira (Barcelona, 1979), quien tuvo con el cine de Morrisey una revelación: ‘Descubrí su cine cuando era adolescente y ‘Trash’ me marcó tanto que me hizo estudiar esta carrera. Hacía cine con cuatro duros, cogía la cámara y salía a la calle, y me hizo pensar que yo también podía hacerlo, más en una época en la que nos vendían que el cine era únicamente cine americano’. Y tanto si podía. Tras dirigir cortometrajes en formatos sólo aptos para apasionados en pleno auge digital como el Super 8, el 16 mm y el 35 mm, Rovira se embarcó hace dos años en el proyecto de ‘Letters to Paul Morrisey’. Se trata de una apuesta atípica y personal, pues es una película capitular compuesta por una veintena de cartas fílmicas que ‘nació con el único objetivo de enviárselas a Paul Morrisey’ y que gracias a la implicación del equipo y de los colaboradores formará un largometraje que verá la luz el próximo año. Está rodada en 16 mm, blanco y negro, con película caducada y con una vieja Eclair, la misma cámara con la que John Cassavettes rodó ‘Shadows’ y ‘Faces’. Estos pequeños capítulos o cartas fílmicas están protagonizados por cuatro personajes ‘basados en las tramas de las películas de Paul Morrisey, que van en la búsqueda de algo: la fe, la venganza, el amor…’. No obstante, siguiendo la línea de película poco convencional, el catalán decidió contar con cinco colaboradores que

rodaran sus propias piezas: ‘Así como cuando alguien graba un disco llama a amigos músicos para que toquen o colaboren, pensé en dar la cámara a amigos dentro del cine con los que comparto gustos y motivaciones’. Entre ellos se encuentra la actriz y directora Saida Benzal, quien rodó el pasado mes de marzo en Madrid su homenaje directo al cineasta neoyorkino. Para la alicantina ha supuesto todo un reto, ya que se enfrentaba por primera vez a un proyecto de tal calibre: ‘Hace mucha ilusión porque en España no se suelen hacer cosas así. Es un proyecto muy arriesgado pero a la vez es muy bonito y estoy muy contenta porque era la primera vez que hacía algo por encargo, dirigiendo y actuando a la vez.’. Rostro frecuente en ficciones televisivas como ‘Hay alguien ahí’, ‘El Internado’ o ‘Águila Roja’, decidió dar un giro a su vida mudándose a París: ‘Elegí ser actriz porque me encantaba vivir historias. Al principio las disfrutaba, pero llegó un momento en el que todo se me apagó por el tipo de papeles que me llegaban. Me fui a vivir a París y empecé a hacer lo que siempre había querido’. Comenzó a escribir su primer largometraje, ‘Portait’, y en plena preparación le llegó la propuesta de Armand. El catalán le propuso el tema de su capítulo y a partir de ahí todo fluyó: ‘Ha sido muy fácil trabajar con ellos ya que me han dado total libertad. Confiaron ciegamente en mí’ –afirma-. La temática: los vampiros, la sangre, la fe. El resultado: una coreografía de sonidos. El objetivo, para Saida: ‘que el espectador sienta con la cámara, con el movimiento, con la luz y con el sonido’. La directora comenta con emoción tras el rodaje que ‘es maravilloso ver como una historia que tienes en la cabeza va tomando vida’. Y es que ella misma se ha encargado de buscar la localización, un palacio abandonado en Alcalá de Henares, y el equipo, formado por Carlos Cebrián como director de fotografía,

Manu Gómez como ayudante de dirección y primera mano, y otros profesionales ‘sin los que no podría haber hecho esto’: Adán Martín, Rebeca Durán, Sergio Lardiez, Patricia Vallés, Angel Vázquez Domínguez, Víctor Lobato, Ana Ouro y Chus Ponce. En el equipo artístico comparte protagonismo con Joan Carles Suau, con quien, en palabras de la propia Saida, ‘nos hemos entendido muy bien tanto a la hora de dirigir como de actuar. Es una historia muy física y gestual que no era nada fácil’. Nada fácil la labor de una Saida que ha tenido que combinar la faceta como directora con la de actriz en el propio rodaje, en el que entre toma y toma ponía su ojo en el visor ‘con bata y un café’. Pese a que se trata de su primer proyecto tras la cámara, su bagaje como actriz le ha ayudado a gestionar unas jornadas en las que todo ha fluido. Para ella, lo primordial es ‘tratar bien a la gente y que estén a gusto y disfrutándolo, porque es la clave para que las cosas salgan bien’. En cuanto a aspectos técnicos, la peculiaridad del proyecto ha sido un reto más: ‘me dieron 122 metros de lata, unos 20 minutos de película para 4 minutos finales. Había que tener cuidado con cada toma’ en un contexto en el que, por la ausencia del monitor y la dificultad de adaptación de las ópticas a la vieja Eclair ‘es necesaria mucha capacidad de imaginar cómo va a ser el resultado’. No obstante, se confiesa enamorada de un formato que no había experimentado hasta ahora: ‘el 16mm es precioso cuando lo ves, su textura no tiene nada que ver con lo que se hace. El digital tiene muchas cosas buenas, pero cuando ves algo así es mucho más bonito, de una pureza que se palpa. Es arte’. Sobre Armand Rovira, ‘padre’ del proyecto, opina que ‘es muy valiente sacar adelante una película de estas características en estos tiempos. Tiene mucho gusto en hacer lo que está haciendo y admiro mucho su trabajo’. Trabajo que

combina con su labor de profesor de guión, dirección y montaje en la escuela de cine CEF de Mallorca, por lo que podemos catalogar el proyecto como ‘película de fin de semana’, según el propio director: ‘rodamos los fines de semana, dos veces al mes, por lo que es un proceso más lento’. Forman el equipo alrededor de diez personas, además de colaboradores que aportan su granito de arena, y de los actores, que ‘están comprometidos a mantener el look durante todo este tiempo. Es algo duro mantener el racord, pero están ilusionados porque les apetece, no se queman y ven que el proyecto va creciendo’. Ellos son Almar G. Sato, María Fajula, Pedro Orell, Xavi Sáez, Agnès Llobet, Esteve Torres y la modelo Kylie Van Beek, quien encarna a Nico de la Factory. Los personajes que interpretan están basados en las tramas de las películas de un Paul Morrisey que ya tiene constancia de proyecto. Cerca de un año pasó Armand intentando dar con el cineasta, labor complicada por su escasa presencia en las redes sociales. Finalmente cuenta el propio director que tuvo que recurrir ‘a un periodista neoyorkino que fue el último que le entrevistó. Él me dio su dirección de correo y Paul me respondió en seguida’. Sobre su reacción a este homenaje, Armand comenta que ‘no se cree merecedor de esto porque no es muy reconocido como cineasta, pero es un juego bonito con el que ambos nos divertimos’. Tanto es así que el equipo tiene previsto viajar a Nueva York a finales de año para que el propio Morrisey tenga su presencia en la película, pues ‘es la forma más bonita de cerrarla’. Con respecto a la influencia del cineasta de la Factory en el film, Rovira afirma que ‘está en el espíritu, pero no en la formalidad. Me gusta mucho el cine de Tarkovski, de Bergman… un cine más poético, más pausado. El cine que hago es más delicado que el de Morrisey, que era un neorrealismo americano que en esta obra no se ve’.

Se rueda en inglés, japonés, alemán y latín, por procedencia y motivaciones de sus personajes. La ambientación y la banda sonora son partes fundamentales de la película, de lo que se encarga Jaime García Soriano – cantante de Sexy Sadie- con backgrounds musicales de ambiente y Rubén Pérez, quien coescribe también el film, mientras luchan por tener derechos de la Velvet Underground para poder incluir algunos temas. Además, paralelamente a la película están levantando un proyecto llamado ‘La anti banda sonora de Letters to Paul Morrisey’, ‘un disco con versiones en japonés de canciones que salen en la película’. En él participan los músicos Joe Crepúsculo, Jaime García Soriano y María Reyes –Miss España 1995-, y todas las canciones están cantadas por un actor, Esteve Torres. Una vez conseguido el objetivo originario –

mantener una correspondencia fílmica con Paul Morrisey-, Armand pone la vista en 2016 con el objetivo principalmente centrado en los festivales y en que pueda tener una pequeña distribución en Palma de Mallorca, Madrid y Barcelona: ‘vengo de cine experimental y tengo claro lo que es esto. Es una película para la gente a la que le gusta el cine underground, y el objetivo son los festivales, muestras e incluso los museos. Otra cosa sería engañarme a mí mismo’. Sería incoherente imaginar una premiere en los Cines Callao o su programación en el prime time de una generalista, probablemente porque no estamos educados para ello. Resulta complicado conseguir visibilidad para proyectos que se alejan de lo comercial, pero queda confiar en que cineastas como Armand, Saida y su equipo seguirán llenando de arte los museos.

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/Vim.Magazine

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Divertido, sincero y cómplice del objetivo de cualquier cámara. Actor a tiempo completo y modelo ocasional. Jose Lamuño transmite amor a raudales por su vida profesional y su entorno. Un habitual de la pequeña pantalla que ahora pasa a la grande con una comedia que se estrena el próximo 24 de abril. ‘Cómo sobrevivir a una despedida’ llega dispuesta a arrancar una carcajada al espectador y a regalar a este joven talento su primera oportunidad para sorprender a los más cinéfilos. Agradecimientos: Hotel VINCCI VIA 66 Te acabas de estrenar como actor de cine. Este mes se estrena tu primer largometraje, ‘Cómo sobrevivir a una despedida’ ¿Cómo ha sido tu camino profesional antes de llegar hasta aquí?

Yago es un personaje que encuentran en la isla, que vive allí. Suma la trama de Brays [Efe] y de Úrsula [Corberó]. Sirve un poco para definir cómo los personajes de Mateo y Marta se relacionan ante una tercera persona. Es muy gracioso cómo ligan y cómo compiten entre ellos. Soy como su trofeo.

Considero que ha sido una carrera de fondo y que lo es. Creo que soy un actor que está teniendo mucha suerte, en el sentido de que estoy haciendo proyectos que me gustan. Las cosas están viniendo poco a poco, muy dosificadas, pero lo importante es que no dejan de llegar.

La verdad es que hacer el personaje de Yago fue muy divertido y Manuela me lo puso muy fácil, me hizo un personaje que es un caramelo y ella tenía muy claro lo que quería de Yago. Es un personaje chiquitito pero que creo que aporta un parte importante a la película y tiene trama con todos los personajes.

¿Qué crees que va a ser lo que más atraiga al espectador de esa película? ¿Cuál crees que es el punto fuerte? Creo que el punto fuerte es que es una comedia que no se ha hecho todavía en España. Es una comedia muy americana que va a enganchar al público desde el principio, que va a empatizar porque son situaciones muy reales que le pasan a gente joven que está en una despedida de soltera. Manuela [Moreno] jugó mucho con cada personaje, estaba muy definido. Encajan perfectos unos con otros y las situaciones que les ocurren son muy divertidas. Creo que la gente va a disfrutar mucho con esta película y sobre todo, para Manuela va a ser un antes y un después. ¿Qué aporta tu personaje Yago a la historia? ¿Es un personaje difícil?

Me imagino que ha tenido que ser un rodaje muy divertido ¿Con qué te quedas de ello? Fue súper divertido y me quedo con todo el equipo, pero sobre todo con la energía de Manuela Moreno, con toda la isla que nos trató fenomenal, con Anfi del Mar y con mis compañeros, que hicimos una piña desde el principio. Además tengo la suerte de conocer a muchos de ellos mucho antes de hacer esta película. Trabajar con gente a la que quieres es importantísimo y funciona.

“Trabajar con gente a la que quieres es importantísimo y funciona.”

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Parece que tienes muy presente a Manuela Moreno ¿Cómo ha sido trabajar bajo su dirección? Todo lo que tengo que decir de ella son palabras preciosas. Manuela es una tía que ama su trabajo y hace que lo amemos los demás. Es generosa, es valiente, es empática… da gusto trabajar con una chica como ella. Repetiría una y mil veces con ella, en todas sus películas –ríe–. ¿Crees que es justificable la comparación que se está haciendo últimamente de cada nueva comedia española como ‘Perdiendo el Norte’ con ‘Ocho apellidos vascos’? No. Creo que las comparaciones son odiosas. Considero que cada producto es un mundo y en este país nos gusta mucho comparar con las cosas que funcionan. Pero creo que ni sería un fracaso que esta película no funcionara, ni que ‘Ocho apellidos vascos’ haya funcionado significa que sea un súper éxito. Es simplemente que cada producto tiene su momento y su público y que no funcione no quiere decir que sea malo, sino que a lo mejor no ha sido el momento o no ha encajado. ‘Ocho apellidos vascos’ es una maravilla de película que ahora mismo está de moda, es el taquillazo del momento y seguramente es porque es una buena película, hay unos buenos actores, un buen trabajo y era el momento para esa película. Creo que compararlas sería muy injusto porque directamente empiezas con un hándicap. Es feo empezar un proyecto así porque además es compararlo con algo tan grande que, a lo mejor, si llegara a la mitad también sería un éxito. Eres ya un rostro conocido en televisión por tu participación en los últimos años en diferentes series como ‘La que se avecina’ (2009) ‘Un golpe de suerte’ (2009), ‘Aquí me las den todas’ (2011) u ‘Hospital Central’ (2012). Pero ¿qué es lo que te gusta más del formato televisivo para que te

hayas dedicado todo este tiempo a él? Todo. Me encanta ponerme debajo de un foco, me encanta el plató y me siento muy a gusto en el set de rodaje. Cuando hay que repetir muchas veces las secuencias me gusta, no me importa para nada. De hecho soy de los que animan a hacer otra toma porque siempre creo que puedo dar un poco más. Me gusta cambiar de planos y la parte de mentira pero a la vez de verdad que tiene la televisión. Me siento muy identificado con ella. Pasaría todas las horas de mi vida en un set de rodaje. También rodaste hace unos años la TV movie ‘Tomenta’ con Calparsoro. ¿Cómo fue aquella experiencia? Es una de las experiencias que me llevo para siempre, sin ninguna duda. Daniel es un tío que merece la pena trabajar con él. Recuerdo que yo estaba en el salón de mi casa en Oviedo, vi el casting y decía “sueño con trabajar con este director algún día”. Cuando ya me vine a Madrid y empecé a estudiar interpretación, me llamó mi representante para decirme que Daniel Calparsoro hacía el casting para su siguiente TV movie, y cuando me dieron ese papel no me lo podía creer porque por fin iba a cumplir un sueño, que era trabajar con él. Ya había oído mucho sobre él… Joel [Bosqued] y Miriam Giovanelli me habían contado muchas cosas. Es un tío que te hace vivir las cosas al límite, te hace vivir las cosas de verdad. Realmente era una experiencia que te llevabas a casa, estabas metido como en la burbuja de la TV movie porque era una cosa muy psicológica y Daniel te transmitía su pasión y su ilusión por lo que él quería. Desde luego creo que consiguió de los actores cosas buenísimas. ¿Trabajar con él entonces es muy intenso no? Es muy intenso pero porque él también lo es consigo mismo y no te deja estar a medias tintas. O lo das todo o no funciona.

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Te empezaste a formar en Corazza y no has dejado de hacerlo posteriormente con profesionales como Juan Codina o Fernando Piernas. ¿Con qué te quedas de cada uno de esos profesionales? ¿Han sabido orientarte?

“Estoy teniendo mucha suerte, estoy haciendo proyectos que me gustan.”

A Juan Codina le debo parte de mi madurez personal. Él hizo un trabajo conmigo maravilloso que, desde aquí, se lo agradezco enormemente porque me hizo ver muchas cosas, tanto de la vida como de la profesión. Crecí junto a él y me siento muy orgulloso de ello. Es una de las mejores personas que conozco. Me ha acompañado siempre. No me ha fallado nunca.

de su vida y cómo ve esa señora la forma de interpretar. Cómo sueña y cómo es excesivamente divertida, generosa, es una excelentísima persona. Y es muy entrañable porque es como mi abuela y se ha portado conmigo siempre súper bien. La destaco a ella porque es como un árbol que tiene toda la sabiduría del tiempo, que está curtido.

Fernando Piernas colaboró mucho porque a veces yo iba haciendo los cursos de Juan a la vez que los suyos y a él también lo considero como un padre de esto, como muchos de mis compañeros. Descubrí con él una forma de interpretar desde un punto muy mágico, muy auténtico. Con Fernando descubrí que lo más importante eres tú mismo y tu instrumento, y que tenemos que hacer caso a nuestras sensaciones y a nuestros impulsos, ser fieles a nosotros mismos. ¿De qué compañero consideras que has aprendido más trabajando hasta ahora? Aprendí mucho de Marisa Porcel, la que hacía de Pepa en Escenas de Matrimonio. Evidentemente he aprendido de muchos compañeros pero concretamente de ella. Es muy especial porque es la voz de la sabiduría ¡Qué le vas a contar a Marisa Porcel!, a una institución de esta profesión. Y yo tenía la suerte de compartir con ella muchos momentos no sólo en secuencias sino en camerinos. Nos ayudábamos a estudiar, era tremendamente generosa. Y lo que más me podía gustar en mi tiempo libre cuando estaba haciendo ‘Aquí me las den todas’ que era como ‘Escenas de matrimonio’, era ir al camerino de Marisa a escuchar historias de la profesión,

¿Quiénes dirías que son tus máximos referentes en el mundo de la interpretación? Creo que de todo compañero puedes aprender. A veces aprendemos de lo que te gustaría hacer o de lo que no te gustaría hacer, es igual de importante. No podría decirte un nombre porque hay muchos. Cada uno tiene algo que aportar. ¿Te gusta el cine extranjero? Sí, me gusta mucho. Por ejemplo, me gusta mucho el cine francés. ‘Le Prénom’ me fascina. Y voy mucho al cine la verdad, incluso solo, me gusta ir al cine solo también.

“‘Cómo sobrevivir a una despedida’ es una comedia que va a enganchar al público desde el principio.” 107

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¿Te has planteado hacer teatro o tienes claro que te gusta más el formato audiovisual? Reconozco que el teatro es un formato que me da mucho respeto. Me encantaría hacerlo pero considero que para ello tienes que sentir especialmente que es el momento, te tiene que fascinar la obra y sobre todo tienes que creer en lo que vas a hacer. Requiere mucha implicación y mucha confianza porque lo vas a hacer todos los días. No me imagino haciendo algo que no me guste todos los días. Tampoco haría en televisión nada que no me gustara, no haría cualquier cosa. Simplemente espero algún día hacer algo de teatro y sé que va a ser una experiencia maravillosa, sólo espero que llegue el momento. Cada cosa en la vida tiene su momento. Además de actor eres modelo. Has desfilado en varias pasarelas reconocidas a nivel nacional ¿Sigues en ello?¿De algún modo se complementan esas dos actividades? A veces voy compaginando, una cosa no va desligada de la otra. Creo que se puede trabajar de muchas cosas en la vida. A mí me gusta trabajar y creo que la vida son experiencias y por qué no hacer un trabajo en el que te llaman porque creen en ti y creen que lo puedes hacer. No sólo vas a viajar, vas a aprender idiomas y a conocer gente. En el sofá de tu casa no te van a surgir oportunidades en la vida. Creo que son mundos distintos que perfectamente se pueden compaginar. Yo he trabajado de muchas cosas. Parece que los actores cuando no trabajamos lo único que podemos ser es camareros. Pues no, puedes hacer otras muchas cosas. ¿Cuál es el compañero de tu generación que más admiras y

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al que ves con más proyección ahora mismo? Tengo la suerte de pertenecer a una generación que creo que nos queremos todos mucho, que nos conocemos mucho y somos bastante piña. Hay mucha gente a la que admiro. Me gusta mucho Yon González, a parte de que me parece un tío de puta madre. Es un gran amigo que conozco desde hace muchos años y me encanta su trabajo. Me gusta también mucho Álvaro Cervantes. De chicas, Michell Jenner me parece de otro planeta. Y también me gustan mucho Aura Garrido y Ana de Armas. ¿Le das importancia a las redes sociales? ¿Crees que es una herramienta potente de promoción y útil para conocer a tu público o crees que son prescindibles? Sí, le doy bastante importancia a las redes sociales. Creo que es un escaparate hacia el mundo donde tú expresas lo que te apetece en cada momento. Está bien que la gente pueda conocer lo que tú le quieras enseñar, siempre y cuando sea en su justa medida. Además, sale trabajo también a raíz de ellas y creo que también es lógico que la gente que nos ve por la tele quiera saber de nuestras vidas y me parece justo que se lo mostremos ¿Por qué no dejarles ver un poco más cómo eres tú? A mí me gusta más que me conozcan como Jose que no como un personaje. La gente, de cara a los personajes, actúa de manera frívola, como si no fuéramos humanos. Te trata como si fueras un muñeco. También es muy útil para apoyarnos los unos a los otros, para promocionarnos e incluso para echarle un cable a alguien. Y por supuesto, para estar en contacto y saber cómo le va a los demás. Aunque saca ese punto cotilla que tenemos todos y eso a la vez me parece feo porque para eso deberíamos llamarnos por teléfono.

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¿Cuál es tu papel soñado? Me gustaría hacer a un galán de los años cincuenta. Me encantaría hacer un Gladiador de repente, o algo así como un rey de la Edad Media. También algo que fuera totalmente lo contrario, como un personaje de la calle enganchado a las drogas. Algo totalmente opuesto de lo que puedas entender en tu vida diaria. Un reto también a nivel físico, de descomposición en vez de composición.

making of

Y hablando de retos ¿cuál es el tuyo más inmediato a nivel profesional? Aguantar la que está cayendo. No dejar de soñar, no dejar de divertirme con mi profesión, no dejar de creer en ella y sobre todo, no dejar de creer en mí. ¿Tienes algún nuevo proyecto a la vista a parte del estreno de la película? No. Ahora mismo estamos centrados en el estreno de la peli. Me he cambiado de representante y estoy muy contento. Estoy haciendo muchas pruebas para diferentes proyectos así que estamos sembrando.

“Mi reto más inmediato es no dejar de divertirme con mi profesión, no dejar de creer en ella y sobre todo, no dejar de creer en mí.”

JOSÉ LAMUÑO para

Vaqueros y camiseta: Leviâ&#x20AC;&#x2122;s Bomber: Antony Morato

VINCCI VIA 66

un escenario con vistas a la historia de la capital

En pleno Broadway madrileño, entre la Plaza de España y la Puerta del Sol, nos encontramos el hotel VINCCI VÍA 66, en el corazón de Madrid. Inspirado en el mundo del teatro, este hotel de cuatro estrellas tiene un diseño innovador y contemporáneo que ensalza la elegancia y la grandiosidad de un edificio que es hoy Patrimonio Histórico de Madrid. En la calle de los mejores espectáculos musicales y de las artes escénicas por antonomasia de Madrid, la Gran Vía madrileña, está ubicado el VINCCI VÍA 66, hotel perteneciente a la cadena hotelera VINCCI HOTELES. El ambiente artístico de la calle en que se encuentra se respira en cada rincón de este alojamiento desde que entras por la puerta. El teatro ha servido de inspiración para todo su diseño y decoración en cada espacio de este hotel, incluidos sus zonas comunes y sus habitaciones. Su magnífica combinación de armonía y sofisticación lo convierten en un distinguido lugar que permite disfrutar de Madrid y de todos sus atractivos, desde el centro neurálgico de la capital. El hotel dispone de 116 habitaciones que garantizan los más innovadores servicios. Todas sus habitaciones, están dotadas de múltiples servicios como iluminación ajustable o carta de almohadas. VINCCI VÍA 66 es un hotel enfocado a la calidad, en cuanto a sus instalaciones, y prestación de servicios, que aúna lo mejor del encanto de siempre y la más exquisita vanguardia, todo ambientado en el mun-

do teatral. La sorprendente escalera de mármol que se eleva a lo largo de todo su interior, sus ascensores panorámicos de forja que permiten disfrutar de las ventanas de vidriera de la época, definen la elegancia y sofisticación de este alojamiento, que te invita a soñar y a vivir una experiencia única. Para tomar una copa El VINCCI VÍA 66 dispone de un bar-lounge donde poder disfrutar de una copa tras un día de ajetreado turismo en la ciudad o simplemente para relajarse entre amigos. Su cuidada decoración te transporta a un Madrid sofisticado de grandes estrellas del teatro que te llevará a un nuevo nivel sensorial. Un lugar para relajarse El hotel cuenta con un gimnasio, una terraza solárium y el exclusivo Nammu Áreas Spa, disponible durante todo el año. Una zona relax donde relajarse y dedicarse un tiempo a uno mismo, en medio del bullicio de la Gran Vía madrileña. Las mejores vistas Desde lo más alto del edificio se puede disfrutar de las asombrosas vistas que Madrid ofrece. El VINCCI VÍA 66 posee una terraza con vistas a la Gran Vía madrileña situándola como uno de los lugares con más encanto de la capital, donde poder tomarse algo viendo el atardecer de la ciudad.

CARTE La sombra del actor

Simon Axler es un veterano y famoso actor de teatro que sufre de repente un bloqueo interpretativo. Tras una penosa interpretación de Macbeth en el Kennedy Center de Nueva York, Simon no tiene más remedio que aceptar que los días de éxito pertenecen al pasado, y se ve sumido en una depresión. En un intento por recuperar la magia, se deja llevar a una aventura con una mujer lesbiana, mucho más joven que él.... Adaptación de la novela de Philip Roth. Estreno: 24 de Abril de 2015

Lost River La historia tiene lugar en el entorno surrealista de una ciudad que se desvanece. Cuando un adolescente descubre un camino secreto hacia una ciudad subacuática, su madre se ve arrastrada a un macabro submundo de fantasía. Estreno: 17 de Abrll de 2015

ELERA Reverso Alex y Marcos son dos hermanos que no se ven desde hace años. Ambos esconden un secreto. Un juego mortal que casi acabó con la vida de Alex la última vez que estuvieron juntos. Esta noche es el momento de la revancha.

Estreno: 24 de Abril de 2015

Cómo sobrevivir a una despedida Alocada historia de un grupo de amigas que a los 27 años no han conseguido lo que soñaban en la adolescencia: un buen trabajo, un novio como el de “Cincuenta sombras de Grey” y vivir en un pisazo céntrico. Como mileuristas, lo único que han logrado es compartir piso, trabajar como becarias, salir con chicos alérgicos al compromiso y comprarse ropa solo en las rebajas. Pero Nora y sus amigas no se rinden ante la cruda realidad. Lo primero que se proponen es organizarle una despedida de soltera inolvidable a Gisela, la más responsable del grupo. Y el destino escogido es Gran Canaria. Estreno: 24 de Abril de 2015

CARTE Murieron por encima de sus posibilidades Cinco ciudadanos de un país sospechosamente parecido al nuestro, ven destrozadas sus vidas por la crisis económica. Sin nada ya que perder, elaboran un enloquecido plan para salvar la economía española y mundial: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle que todo vuelva a ser como antes. Estreno: 24 de Abril de 2015

Sexo fácil, películas tristes El guionista argentino Pablo recibe el encargo de escribir una comedia romántica ambientada en Madrid. No tiene problemas, conoce bien el género y, así, vemos los primeros pasos de la historia de amor entre Marina y Víctor. Sin embargo, Pablo entra en crisis enseguida. Estreno: 24 de Abril de 2015

ELERA Tiempo sin aire María es una enfermera colombiana que perdió a su hija a manos de los paramilitares, y viaja con su hijo pequeño hasta la isla de Tenerife en busca de aquel que considera uno de los culpables. Estreno: 30 de Abril de 2015

Vengadores: La era de Ultrón Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa caído en desuso cuyo objetivo es mantener la paz, las cosas empiezan a torcerse y los héroes más poderosos de la Tierra, incluyendo a Iron Man, Capitán América, Thor, El Increíble Hulk, Viuda Negra y Ojo de Halcón, tendrán que afrontar la prueba definitiva cuando el destino del planeta se ponga en juego. Cuando el villano Ultron emerge, le corresponderá a Los Vengadores detener sus terribles planes, que junto a incómodas alianzas llevarán a una inesperada acción que allanará el camino para una épica y única aventura. Estreno: 30 de Abril de 2015

puro vicio POR ALBERTO RICHART Es complicado entrar en el universo pynchoniano y entenderlo a la primera. Más aún es intentar trasladarlo a la gran pantalla. Paul Thomas Anderson, conocido por otras películas que explican diversas fases de la historia y sociedad americana (Boogie Nights, Pozos de ambición, The Master…) se lanza de lleno en este reto que, quizás por su alto nivel de fidelidad con respecto a la novela original (Inherent Vice de Thomas Pynchon, 2012), resulta tan sumamente psicodélica. Con una mezcla entre comedia que roza la parodia y el cine negro más clásico, la película trata sobre la vida californiana a comienzos de la década de los 70, y específicamente nos traslada al ámbito que rodea a Doc Sportello, un detective hippie que observa cómo su oficio entra en desuso frente a los servicios de la policía y el FBI. Pero su trabajo no es lo único que se desvanece. El gobierno de Nixon marca el final de las libertades y el “desmadre” social que supusieron los 60 con sus hippies, sus nuevas drogas y la búsqueda del espiritualismo. La exnovia de Doc, una femme fatale a la cual todavía no ha conseguido olvidar, le pide que indague sobre la desaparición de su nuevo amante, un magnate inmobiliario cuya esposa desea internar en un manicomio. Desde el primer minuto irán sucediéndose una gran variedad de personajes, cada uno más peculiar que el anterior, que no pondrán nada fácil la investigación de Doc. Ésta no es una película cualquiera. Es difícil que exista un término medio entre el “me encanta” y “la odio”, como pudiera ocurrir con otros autores del cine tales como Terrence Malick, el recientemente descubierto Paolo Sorrentino o incluso el Quentin Tarantino de Pulp fiction. Todos ellos crearon obras que han pasado al imaginario cultural histórico, y no sería de extrañar que lo mismo ocurriese con esta cinta. Leerán acerca de Puro vicio muchísimas críticas que piden

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La decadencia de una sociedad corrompida por las sustancias nocivas, el sexo liberal y el capitalismo inminente marca el transcurso de esta investigación que va más allá de los límites narrativos tradicionales incluyendo subtramas sobre carteles de droga, sectas espirituales e incluso una recreación de La última cena de Da Vinci. Puro vicio es un reconocido esfuerzo de adaptación pero desde luego no está realizada para todos los públicos: es, sin duda, el próximo “must watch” del público más cultureta.

al espectador “dejarse llevar” por la ambientación del film y restarle importancia a una trama que pide a gritos un segundo visionado para comprenderla. Pero los vaivenes telefónicos, el enrevesamiento de la trama, la intermitente pasarela de personajes hambrientos de atención y la narración multirreferencial propia del puro Pynchon entorpecen la comprensión del espectador. No es un proyecto humilde. Cuenta con un gran diseño de producción y un reparto envidiable. Su protagonista, Joaquin Phoenix, siempre talentoso, comparte secuencias (y digo “comparte” porque en todas aparece él) con un excelente Josh Brolin, un bohemio y escurridizo Owen Wilson, Reese Witherspoon y Benicio del Toro, entre otros secundarios que dejan imágenes para la posterioridad, como Katherine Waterstone, Hong Chau o Martin Short. La banda sonora, en la que intervienen canciones de Neil Young y The Marketts, marca el ritmo apabullante de esta historia y resulta ser uno de sus elementos más distintivos.

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Si vives en Madrid, seguramente recuerdes el cuarto lunes de Marzo. Aquel día no paró de llover en ningún momento. Era por la mañana y, nada más salir del metro, corrí bajo el paraguas sorteando charcos y salpicones de coches atropellando charcos. El fotógrafo Sergio Lardiez me abrió la puerta del estudio y allí al fondo estaba Marian, sonriendo desde un precioso chester oscuro en el que esperaba vestida únicamente con una enorme camisa clara. Me senté a un lado mientras terminaban la sesión de fotos y no pude evitar sentirme un voyeur. “Estoy como en casa, solo me falta mi perro Lolo”, dijo ella con esa sonrisa que, a pesar de lo cristalino, guarda todos los matices regalados por las mujeres que ha interpretado a lo largo de sus 15 años de profesión. Como la ingenua sonrisa de Raquel en “Lo mejor de mí”, la comedida sonrisa de Matilde en “La Duquesa”, la a veces desquiciada, a veces desagradable sonrisa de Ana en “La herida” o la infeliz sonrisa de Cati en “Felices 140”. Es éste el último trabajo que estrena el próximo 10 de Abril bajo la dirección de Gracia Querejeta y junto a monstruos como Maribel Verdú, Eduard Fernández, Antonio de la Torre o Nora Navas. Y allí estaba yo, carpeta en mano, intentando repasar las preguntas que le iba a hacer sobre esta última gran aventura. Pero me quedé embobado mirando cómo ella jugaba con la cámara con todas esas sonrisas escondidas en la mirada. “Qué fácil es hacerte fotos”, le decía el fotógrafo entre flash y flash mientras ella se reía. Cómo disfrutas viendo a alguien que disfruta delante de una cámara. Hasta que esa mirada se dirigió a mí. No es fácil sostenerle la mirada a una actriz como Marian. Inquieta, arrolladora, en estado de alerta cual predadora y al mismo tiempo sorprendentemente serena. De sobra acostumbrada a apuntar con los ojos la flecha del deseo, de la intención. Último flash, una breve presentación y nos sumergimos en “la pecera”, la oficina acristalada del estudio. Nos sumergimos como lo hacen dos actores dispuestos a crear una secuencia con un objetivo en común; volar. ¿Legamos a conseguirlo?

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Mono KORALLINE

Mejor actriz en el festival de Locarno por “Lo mejor de mí”, Premio Feroz, Premio José María Forqué, Concha de plata en el Festival de San Sebastián y Goya a mejor actriz protagonista por “La Herida”. Al final parece que los premios sí que se están cristalizando en nuevos e interesantes proyectos. Ya era hora, ¿no? Bueno, yo lo del ya era hora no sé. Yo es que lo mío siempre me lo he planteado como una carrera de fondo. Los premios son algo secundario, al final lo importante es intentar hacer un buen trabajo. Y que si los premios sirven para que la gente vea más las películas, pues bienvenidos sean. Que te den un premio significa que ese trabajo se ha visto y que la gente lo ha valorado, no al revés, eso de: “ahora que le han dado un premio es una actriz buena”. Tener un Goya no te hace mejor actriz y no tenerlo no te hace peor actriz. Lo que perdura es la película, la historia, no los premios. Y si un buen trabajo te trae otros trabajos también interesantes, eso es lo maravilloso. ¿Cómo llegó “Felices 140” y qué sentiste cuando te confirmaron que ibas a trabajar con Gracia Querejeta y junto a Maribel Verdú, Eduard Fernández o Antonio de la Torre? Todos los actores que más admiro de repente todos juntos. Pues mira, hice un casting, que luego dicen; “no, después del Goya los cachés suben...” No, después del Goya yo hice casting para Gracia Querejeta. Y nada, le debí de gustar y allí que estaba haciendo de hermana de repente de Maribel Verdú. Yo si me dicen hace dos años que iba a hacer de hermana de Maribel Verdú, de mujer de Antonio de la Torre, de amiga de Nora Navas y de Eduard Fernández, Álex O’Dogherty y de Ginés García Millán en una película todos juntos no me lo hubiese creído nunca. Ahí dije: “estos actores a los que admiro enci-

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ma tienen una humanidad impresionante”. Por eso están ahí, porque trabajan con una humildad y con una pasión alucinantes. Hicimos un grupo... Nos convertimos en uno solo. Nos ayudábamos, estábamos pendientes los unos de los otros... Fue un rodaje espectacular. Y con Gracia pues lo mismo, es alguien dentro del cine tan grande que es un sueño. Es un sueño cumplido. Cuéntanos de qué va “Felices 140”, qué se va a encontrar el público al entrar en la sala de cine. Me gusta pensar que “Felices 140” habla sobre todo de la condición del ser humano, de la codicia. No voy a desvelar nada porque todo el mundo puede leerlo en la sinopsis; de repente mi hermana, Maribel Verdú, nos reúne a parte de su familia y a sus mejores amigos en una casa rural para celebrar sus 40 años y suelta la bomba que le han tocado 140 millones en el Euromillón. ¿Y qué pasa en ese fin de semana? Sale la codicia del ser humano, querer más... Es una película con la que te llegas a plantear qué harías tú si te pasa eso. Ahora además en esta época de crisis en la que todo es tan complicado de repente el dinero te cae del cielo y dices; pues yo también quiero.

“Lo importante era hacer las cosas de verdad, con sinceridad. Cuando uno está de verdad, llega a la gente. Y yo creo que ése es el único secreto”

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Mono KORALLINE

Vamos a empezar por tu hijo en la película; Marcos Ruiz. Sorprende un chaval tan joven desenvolviéndose tan bien entre un elenco de bestias pardas de la interpretación. ¿Cómo ha sido trabajar con él y junto a Antonio para crear esa familia? Pues Marcos es un actor absolutamente impresionante. Es un chaval que tiene un talento y un futuro maravilloso. Me acuerdo en la primera lectura de guión que nos dejó a todos con la boca abierta. No se amedrentó para nada; una seguridad... Y luego es que es un chaval que es una esponja, está todo el rato mirando, todo el rato aprendiendo, preguntando. Es una maravilla. Y luego Antonio y él tenían todo el rato una guasa increíble, porque Marcos además es un chaval muy divertido y con Antonio, que siempre está de broma... Se lo pasaban fenomenal. Y

Me apetece. Sí, sí me apetece porque al final es bonito crecer en la vida y crecer en el cine también. Y yo creo que cuanto más maduro es un actor tiene cosas más interesantes que contar y si de repente me ven como a alguien más maduro que pueda tener un hijo de 15 años o de 5, (riendo) mientras no me pongan de abuela de momento todo va bien. No me da miedo crecer (esto lo digo así un poco bajito). (Ríe). Yo creo que ahora que voy madurando y voy cumpliendo años, creo que ahora tengo cosas más interesantes que contar. Y que me den la oportunidad de contarlas es de agradecer porque cuando tienes 20 años siempre te toca el papel secundario de la novia de, amiga de... Y ahora son papeles con un peso específico y todo eso ayuda. Conflictos más de mi edad que también me apetecía contar. ¿Cómo ha sido crear esa relación tan rica, tan compleja y trabajarla junto a Maribel Verdú?

“En esta película me ha pasado eso de estar actuando en la secuencia y ver a un compañero y pensar: Dios mío qué bueno es, cómo está volando.” se formó de pronto una familia que luego lo veo en pantalla y digo; podría ser. Podría ser. Porque yo a veces he tenido mis dudas; a ver, yo tengo 36 años, podría tener un hijo de 15 perfectamente pero como siempre hago papeles un poco más bajos de mi edad, pensé; “qué bien, un papel maduro, de mi edad y que pueda explorar todas estas cosas”. En la TV movie “La Duquesa” ya habías sido madre, pero creo que en cine todavía no has interpretado a una madre y menos a la de un adolescente... ¿Crees que con esta película se abre la veda? ¿Te da un poco de miedo o te apetece?

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Pues es curioso porque yo me di cuenta que hasta entonces no había tenido hermanos ni hermanas en el cine. Y en la televisión creo que tampoco. Y le dije a Maribel: “¿sabes que eres mi primera hermana?”. Y me dijo: “creo que tú también eres la mía”. Cosa que me sorprendió muchísimo porque cuántas películas puede llevar Maribel... Y yo creo que eso creó como un imán. Hicimos un vínculo muy fuerte, una relación muy bonita. Son unas hermanas que se quieren mucho pero que tienen muchos problemas entre ellas. Esta cosa de quién cuida a quien; yo soy la hermana pequeña pero parece que soy la hermana mayor. En un momento dado tengo celos porque mi hijo... Bueno, esto pasa, que mola más ser tía que madre porque los

tíos son los que no educan. De repente parece que mi hijo siente algo especial por su tía y a mí eso no me gusta nada. Y luego me debato entre tirar hacia mi familia creada por mí o hacia la familia que yo no he elegido. En relaciones de hermanos pasa esto muchas veces, que llega un punto en que uno crea su propia familia y dónde queda ese espacio para tu familia de siempre. Y creo que este tema está tratado en la película de una forma muy interesante. ¿Cuáles son las habilidades, las aptitudes que más valoras, que más te ayudan y que agradeces cuando trabajas con tus compañeros a la hora de lanzaros a jugar? Riesgo, escucha... Sobre todo lo que te he contado antes; la humildad con la que trabajan mis compañeros. Es algo con lo que estaba verdaderamente alucinada. Trabajar con actores tan buenos, que trabajan con una verdad increíble y luego que son muy buenos compañeros; tienen una escucha maravillosa. Esta escucha era genial porque cuando decían “corten”, siempre venía alguien: “lo estás haciendo muy bien, esto me ha encantado, esta frase la has clavado o por aquí deberías tirar.” Y eso para mí es oro. Lo de actuar es como un partido de tenis; cuando juegas con alguien malo, tú no das ni una por muy bien que sepas jugar al tenis. Pero cuando juegas con alguien muy bueno, tú te creces. Y esto es algo así. Cuando tienes delante a estos profesionales te creces porque además tienes que estar a la altura. Y luego hay una cosa que me encanta de ellos y es que no juzgan. El no juzgar. Y desde ahí te sientes libre para crear. Crean un ambiente de confianza total. Eso es. Y luego me ha pasado en esta película de estar actuando en la secuencia y ver a un compañero y pensar: Dios mío qué bueno es, cómo está volando. Ver a un compañero

volar es una pasada. He disfrutado muchísimo. ¿Y qué es lo que valoras en un director? En un director valoro, por una parte que lo tenga claro; que sepa muy bien qué es lo que quiere contar, y luego que te deje ese trocito de libertad para ti para poder crear y para poder volar. Esas dos partes cuando se juntan es espectacular. Equilibrio difícil... Equilibrio difícil, sí. Pero creo que en España hay gente con ese equilibrio. Sé que comienzas por los elementos externos; expresión corporal, voz y luego vas hacia dentro. ¿Qué papel ha jugado Gracia Querejeta, en qué medida te ha acompañado en la creación de personaje y cómo ha sido esa relación directora-actriz? Pues gracias a una de esas directoras que sabe perfectamente lo que quiere. Y me encanta porque decía: “yo quiero que llegues hasta ese punto, el proceso me da igual”. Ahí es donde te digo que entra la libertad de un actor para crear. Es curioso porque a veces te planteas: “no sé, igual es demasiado estricta en lo que quiere”, pero luego ves el resultado y dices: “es que era esto, es que es así como lo quería contar y es así como se tenía que contar”. Y luego es una directora que a parte de la dureza de cómo dirige, tiene una parte súper amable, de venirte y darte un beso, abrazarte... Una palmadita siempre viene muy bien. Ella confía en los actores que tiene, dice: “yo me rodeo de los mejores, de los que yo creo que son los mejores para esto y yo quiero que hagáis esto, lo demás...”.Y eso es maravilloso.

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Mono KORALLINE

Antes de abordar un personaje te preguntas a ti misma si harías lo que hace ella en la película. Puede que como Raquel en “Lo mejor de mí” sí que harías lo que hace ella al final de la película, ¿pero harías lo mismo que Cati? Ufff... ¡Qué pregunta! Eso me lo he planteado muchas veces. No lo sé... Las circunstancias de Cati y las mías son diferentes. Yo tengo hermanos a los que adoro absolutamente y no sé si sería capaz de llegar a donde llega Cati. No lo sé, yo creo que no. Ahí he tenido que hacer un trabajo de intentar meterme en su cabeza e intentar comprender hasta qué punto está sometida a su marido. Por suerte yo no he vivido ese sometimiento que tiene Cati a su marido. Ahora, te digo una cosa, es lo que plantea esta película; ¿tú qué harías? Todos, si nos pusiésemos en esa situación, a lo mejor actuaríamos de alguna forma que no teníamos pensada. Porque ahí todos los valores y toda la ética a veces se pierden. Si tienes una gran necesidad... No se sabe. Al final el dinero y las cosas materiales corrompen al ser humano y a la sociedad. Es interesante en la película porque todos los personajes reaccionan de forma distinta. En el caso de Eduard Fernández es la no decisión, el no querer decidir. Y en tu caso, como actriz has tenido que buscar ese terreno de ir a lo desconocido, llegar a ese punto de incertidumbre en el que se debate Cati. Cuando un personaje está en el no saber, en no saber cuál es el siguiente paso; eso es el riesgo. Y es lo más bonito de estos personajes que no tienen un color, que tienen muchos colores y que van transitando por todo eso. Además en el caso de Cati, es muy

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influenciable y se deja llevar para un lado y para otro. También es muy emocional y está pasando por un momento difícil, en medio de una depresión que es como una olla exprés que está a punto de explotar. Digamos que no está muy realizada en su vida. Son circunstancias que la van modificando a cada hora y todo lo que pasa alrededor no lo sabe controlar. Con Ana en “La Herida” decidiste no tratar de investigar con personas borderline porque Fernando Franco te dijo que su enfermedad empeoraba cuando se sentían el centro de atención. Sin embargo, ¿has estado en contacto con mujeres que viven en la situación de Cati, que justifican de cualquier forma la violencia? Cito: “Lo que pasa es que ahora está pasando un mal momento”, ¿cómo es defender una frase así? Leí mucho sobre las mujeres que son maltratadas. Fíjate que yo a veces la sigo justificando y es alucinante cómo uno se mete en la cabeza de un personaje... Yo pensaba: ¿cómo justifico yo que alguien pase por tenerle miedo a su pareja? Y al final lo dice Cati: “es que mi vida es él”. Y llegué a la conclusión de que es el miedo a quedarse sola, el miedo a sentirse rechazada. Ése es el problema, el estigma que tienen estas mujeres; el miedo a la sociedad en realidad, el miedo a llevar esa lacra. Así a simple vista parece injustificable pero claro, cuando haces un personaje intentas empatizar con él y yo podía llegar a justificarla porque es muy difícil pero te pones en ese lugar: “¿Qué hago sin Juan? ¿Qué hago sin mi hijo? Me quitan a mi hijo y qué hago. Prefiero aguantar”. Ése es el problema. Yo creo que es un problema de educación en esta sociedad. Que si la mujer coge al hijo y se va resulta que ha abandonado a su marido. Es un tema muy sensible y muy complicado.

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Camisa DÁNDARA

Ana necesitaba constantemente poner a prueba a los demás para recibir una respuesta directa sobre si la querían o no y parece que Cati está en el otro extremo; da por hecho y se aferra a la idea de que su hijo y su marido la quieren; vive en un constante proceso de negación de la realidad. ¿Cómo construyes ese proceso de negación constante? Sí, yo creo que Cati al final está ciega y no se da cuenta de lo que pasa realmente. Ana no es que pusiese a prueba a los demás sino que se ponía a prueba a ella misma todo el rato. El problema con el trastorno límite es que como no gestiona lo que le pasa, no puede filtrar. Cati no está en ese punto, ella sí que puede filtrar y puede valorar la situación. Pero es interesante esto que dices porque es cierto que está continuamente negando el momento en el que está viviendo y también no hay peor ciego que el que no quiere ver. Ella no quiere ver, no quiere enfrentarse al problema que tiene en su casa; que no es feliz. Quitemos todo lo del maltrato; ella no es feliz. Tal vez para aproximarte a un personaje lo más fácil sea empezar quitando etiquetas e ir a por qué está viviendo el personaje, a su esencia y a sus objetivos... Es que cuando tú juzgas a un personaje ya mal. Porque además es tu valoración, no quiere decir que sea la valoración de los demás. Yo intento no juzgar a los personajes, intento entenderles. Por ejemplo, no juzgar a Ana era difícil porque es una persona que pone en situaciones muy complicadas a los demás pero es que no lo podía evitar, ella tiene un trastorno y no lo puede evitar. Y si ya entras a juzgar eso poniéndole una etiqueta de manipuladora o pensando: “pobrecita”... Pues ya hay algo que estás perdiendo de la esencia del personaje.

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Supongo que como actriz te apoyas en el dibujo que hacen los otros personajes sobre el tuyo y en la película se refieren a Cati con frases como: “siempre has sido la más débil”, “tú siempre eres más lenta”... En “La Duquesa” pudimos ver a Matilde y veo similitudes con Cati en cuanto a que es una mujer muy infravalorada por su entorno. ¿Como mujer cómo vives el trabajar con la sumisión de la mujer? Es un reto porque yo me considero una mujer independiente, que ha podido hacer su vida como ha querido. Y meterte en la piel de alguien tan sumiso es complicado. Yo eso lo llevo bastante mal y entro en un proceso que me rebelo al principio pero luego es no juzgar y ver por qué ese personaje está así y por qué pasa por lo que está pasando. Y es cierto que casi siempre hago personajes muy sumisos, en cierta manera Ana era sumisa a su enfermedad, a algo de lo que no podía escapar. Y bueno, ahora lo voy llevando mejor pero también está bien contar que todavía existe en la sociedad ese pensamiento de que parece que la mujer tiene que ser sumisa. ¿Y qué crees que das ante los directores de casting y los productores para que te lleguen ese tipo de papeles? No lo sé. No tengo ni idea. Igual porque... Fernando Franco decía que le gustaba, porque así a priori cuando piensas en alguien que tiene un trastorno piensas en alguien muy duro, muy negro, golpeado por la vida y de pronto le gustaba el contraste de alguien con una cara muy dulce... Creo que así se entiende mejor. Poniendo a alguien que puede ser tu hermana, tu vecina, tu amiga... Alguien aparentemente normal; creo que es más interesante porque puedes empatizar mejor

De hecho tienes algo en la sonrisa que puedes jugar con cualquier matiz y haces con ella lo que te da la gana. Puede ir por ahí... Pues es algo que he tenido que trabajar porque tengo una sonrisa muy abierta y con personajes así he tenido que controlar la sonrisa tan cristalina y transparente. He tenido que controlar la sonrisa y los ojos, que se me nota mucho lo que me pasa en los ojos. Así que, aunque parecen personajes más descontrolados, son personajes que necesitan, para mí, todo el control del mundo porque la línea no la puedes sobrepasar. No te puedes ir a ti. Una vez oí a un director que entre una de las características fundamentales de un actor está la empatía, algo que hace que el público se meta en tu piel con mayor facilidad. Debe ser difícil encontrarse con personajes como Ana o Cati que pueden originar rechazo o incomprensión en el espectador; personajes incómodos de ver. Es un término muy subjetivo lo de la empatía. Con “La herida” nos planteábamos mucho eso; “¿la gente empatizará con Ana?”. Porque es un personaje bastante desagradable, que no la quisieras tú al lado ni de broma. Llegué a la conclusión de que lo importante era hacer las cosas de verdad, con sinceridad. Cuando uno está de verdad, llega a la gente. Y yo creo que ése es el único secreto. Porque si empiezas a; “no, y ahora voy a meter una media sonrisita para que el espectador piense que no es tan chunga”, ahí empiezas ya a descontrolar y a manipular. El espectador que se siente manipulado ya no empatiza. Cuando te metes a fondo y lo haces desde un punto sincero, llega. Tras entrar en su mirada y aprender de ella, ¿qué te acompañará de Cati?

“Es lo más bonito, cuando un personaje está en el no saber; en no saber cuál es el siguiente paso; eso es el riesgo” Uff... De Cati me van a acompañar un montón de cosas. Yo a Cati le tengo muchísimo cariño porque es un personaje complicado, porque al final los personajes débiles son muy complicados. Sobre todo para mí: yo soy una persona que soy todo lo contrario a Cati, meterme ahí ha sido un ejercicio muy duro. Y al final cuando te metes en otras mentes, te hace ser mejor persona porque te das cuenta de que todo el mundo puede tener problemas que tú no conoces. Y no hay que juzgar a primera vista a los demás. Personajes como Cati me hacen más sensible al mundo que me rodea. ¿Qué NO harías si ganaras el Euromillón? ¿Qué no haría? Ay, qué pregunta. Pues no lo sé... Tampoco sé qué haría poniéndome primero en si ganara el Euromillón. Yo creo que al final ganar tanto dinero es un regalo envenenado. Lo que no haría sería dejar mi profesión. Me acaba de venir la respuesta ahora mismo. Seguiría trabajando, repartiría, pero no dejaría mi profesión aunque estuviera podrida de pasta. A mí el dinero me da igual, no le doy ningún valor. Cuando uno tiene dinero gracias al esfuerzo, pues lo valoras de otra manera. Pero cuando te cae del cielo a lo mejor eso te modifica. A lo mejor te enfrentas a los rodajes desde un punto de: “me da igual, si sale mal yo tengo la vida solucionada...” No me gustaría que me pasara eso. Intentaría ayudar, intentaría producir, no lo sé.

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Mira, eso va con la siguiente pregunta. A parte de hacerte cargo de tu familia, estudiar idiomas, pasear con Lolo (se ríe), viajar mucho, leer y ver mucho cine, ¿qué harías si dispusieras de más tiempo y de más dinero? Sé que la dirección te da respeto, que lo he leído yo, pero, ¿montarías una productora por ejemplo? Para apostar por directores debutantes como lo hiciste como actriz con Fernando Franco... Sí. Sí, sí. Es algo que tengo pensado desde hace mucho tiempo. Además sabría perfectamente a quién iba a producir (ríe). Tengo una lista buena. Atacar la profesión dese otro lado tiene que ser súper interesante. Y siempre puedo poner en práctica lo poco que he estudiado en Empresariales, que nunca se sabe, que a lo mejor ahí... Pero sí lo intentaría. Ya no solo para producir películas en las que actuara yo sino que me gustaría poder contar historias arriesgadas. Ya que no tienes que pedir subvenciones porque estás podrido, podrías hacer cosas más artísticas, menos comerciales, que son mucho más difíciles de levantar. Hay una pregunta clave para el personaje de Cati en la película: “¿Qué es lo mejor que te ha pasado en el último año?”. ¿Qué es lo mejor que te ha pasado a ti en el último año? Uff... ¡Es que me han pasado muchas cosas! Me ha pasado “Felices 140”, “Lobos sucios”, la película de Calparsoro, me han nominado a mejor actriz europea, ganar un Goya... Me han pasado un montón de cosas. Y toda mi familia está fenomenal, todo el mundo tiene salud... Vamos, yo creo que ha sido el año más maravilloso del mundo. ¿Has aprendido a disfrutar más

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el momento? Sí. Sí y mira que yo soy jodida porque hasta llegar aquí ha sido un camino duro. Y hay momentos en los que no te lo acabas de creer. No sé, de repente de la noche a la mañana pasas del blanco al negro, del negro al blanco. Y hay momentos en los que gestionar el éxito sin que se te vaya la cabeza es complicado. Pero tengo gente alrededor que me lo suele recordar: “Marian disfruta, que esto pasa volando”. Sí que hay algo en mi cabeza que no acaba de asumir que de repente las cosas te van bien. Es curioso, uno está tan acostumbrado a la lucha que cuando no tienes la lucha te falta algo. Y te buscas un enemigo por otro lado. Es curioso como la cabeza... Siempre tienes que tener una lucha, un proyecto en la cabeza... ¿Te da miedo la tranquilidad, la zona de confort? No lo sé si es miedo o es falta de costumbre... Pero llevo 15 años de profesión y siempre he estado acostumbrada a estar ahí con el motor en marcha todo el rato y ahora cuando está en ralentí no sabes muy bien. No sé dejarme llevar por la inercia. Es una pregunta buena... Pero sí, hay que disfrutar del momento. Sobre todo porque nunca sabes lo que va a pasar mañana. Estamos en año electoral, ¿qué le pedirías como trabajadora del cine al nuevo Gobierno que llegue, sea cual sea? Le diría que la cultura no es un bien de lujo y que es una cuestión de Estado. En todos los países civilizados la cultura es una cuestión de Estado. Igual que la educación y la sanidad son fundamentales en el crecimiento del ser humano. Y mira, ya no te digo que apuesten por, con que no se lo carguen poniendo palos en las ruedas, ya me doy por satisfecha. Si es que la cultura nos hace libres. Pero no es lo que quieren; ése es el problema.

Camiseta SISLEY Pantalón DÁNDARA

En alguna entrevista has dicho que lo fácil no te hace aprender y que prefieres pensar que algo es imposible para que el nervio de enfrentarte a ello te ayude. ¿Qué tal un salto a producciones internacionales? Ya has empezado con una coproducción Belga, ¿qué nos puedes contar sobre “Lobos sucios”? Una aventura “Lobos sucios”. Sucede en la posguerra, año 1944. Soy una minera gallega de un pueblo, analfabeta, que se encuentra metida en un lío de espías durante la II. Guerra Mundial. ¡Tremendo! Un personaje súper emocionante. Y me ha dado la oportunidad de trabajar con gente de otros países, tanto en el equipo técnico como en el artístico la mayoría eran belgas, franceses, italianos, alemanes... Y ha sido maravilloso. Ahí sí que se te abre la mente. Yo creo que en España tenemos un poco de complejo de inferioridad, Europa es como una cosa enorme, como algo lejano. Pero ellos se mueven por Europa como si fuera su casa y es ahí a donde tenemos que llegar, a movernos por Europa sin ese complejo. Y después de Europa a lo mejor puedes dar un pasito más y cruzar el charco... A mí no me importaría... Vamos, me encantaría poder trabajar en otros idiomas. Pero no sé, lo veo lejano. Es curioso, todavía lo veo como: “cuando sea mayor, trabajaré...”. (Se ríe). Sí que me apetece, no le tengo miedo, todo es ponerse. ¿Alguna cosa que quieras apuntarnos sobre tu participación en “Cien años de perdón” de Daniel Calparsoro? Pues lo mejor que me ha pasado en estos tres proyectos es que han sido tres personajes totalmente diferentes entre ellos y a “La he-

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rida”, que es lo que tiene más presente ahora todo el mundo de mí. Me tocó un thriller político, que me apetecía muchísimo. Y un personaje muy cerebral; hago de una política. Un personaje muy eficiente, con las ideas muy claras porque tiene que sacar su trabajo adelante sí o sí y como sea. Y luego he tenido a un compañero con el que tenía muchas ganas de trabajar; Raúl Arévalo. Tenemos un vis a vis muy chulo, somos dos compañeros de partido y ha sido una experiencia muy bonita. Te tiene que apetecer una comedia punky, gamberra. ¿Algo a la vista? Bueno sí (sonríe), pero de momento no... Ya llegará. Llegamos a última pregunta. Nos despedimos con cinco deseos para los próximos 3 años. Dime cinco actores y directores con los que te apetece trabajar... No sé, ¡estas cosas se me dan siempre fatal! Elegir a alguien... Está bien que tú lo verbalices y que se cumpla, ojalá. Ojalá te haga una entrevista dentro de dos años y se haya cumplido. Yo siempre digo, sueña que los sueños se acaban cumpliendo. Y hombre, por soñar, que me llame Haneke, pero yo lo veo bastante improbable (se ríe). Hay tantos directores que me gustan... Mira, un deseo es sacar adelante la segunda película de Fernando Franco con la que estamos ya en proyecto. Tiene título provisional “Morir”. (Silencio y risas). Espero que salga, es uno de mis grandes deseos. Me gustaría trabajar con Cavestany y... Me gustaría trabajar con tanta gente, (riéndose) ¡todo el que quiera trabajar conmigo es bienvenido! No sé... Es una pregunta que me cuesta mucho.

el francotirador POR ALBA VERDÉS

La última película del aclamado y respetado Clint Eastwood ha sido la adaptación a la gran pantalla de la autobiografía del marine Chris Kyle, conocido por ser el francotirador del ejército americano que más muertes consiguió durante su carrera. En total, se le atribuyeron 160 bajas en Irak. Llegó a ser tan conocido durante la guerra que lo llamaban “El Demonio de Ramadi”. En la película se nos muestra que desde niño, Chris descubrió que tenía talento para la caza, pero su gran pasión en aquel momento era ser un “cowboy” de Texas. No obstante, cuando vio los atentados a diversas embajadas americanas previos al 11-S, decidió alistarse a los SEALS. Su misión en Irak era proteger a sus compañeros, siguiendo el lema de “no dejar a ningún hombre atrás”. Su gran precisión con el arma logró evitar muchas muertes en el campo de batalla y, rápidamente sus hazañas le hicieron alzarse con el apodo de “Leyenda”. Al mismo tiempo, los enemigos pusieron su cabeza a un alto precio y se convirtió en uno de los objetivos a batir de los insurgentes. Ante esta situación, le fue muy dificil compaginar su vida familiar con el trabajo. En el film se nos muestra las discusiones que surgían cada vez que el partía de nuevo descuidando a su mujer y sus hijos. Cada nuevo viaje ponía en peligro su vida, pero a pesar de ello, Chris participó en cuatro desafiantes misiones en Irak. Aún así, nunca le pareció suficiente. Kyle solo era capaz de pensar en las vidas de aquellos

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a los que no había podido salvar. Por ello, le costó muchísimo volver a la normalidad y no sabía desconectar cuando regresaba a casa, lo que provocaba incidentes familiares. Tras el estreno, las redes sociales ardieron con críticas y burlas por la aparición de un bebé de plástico y no uno de verdad en una de las escenas más emotivas. ¿Cuál fue la razón para que utilizaran un muñeco en vez de una persona? El guionista de la película Jason Hall escribió en un mensaje en Twitter: “Odio arruinaros la diversión, pero el bebé real número 1 se presentó con fiebre. El bebé real número 2 no apareció. (Voz de Clint) ‘dame un muñeco, chico”. La última obra de Eastwood genera sentimientos encontrados. Desde el principio ha recibido críticas por achacarle un elevado “tono patriótico”. Ha llegado a ser incluso comparada con la propaganda nazi. Bradley Cooper, el actor que interpreta a Kyle, afirma: “Queda para el espectador tener su propia opinión tras verla. El arte es subjetivo y puede ser interpretado de muchas formas. Pero el mundo es muy pequeño para que, a estas alturas, la gente no sepa diferenciar lo que es propaganda de lo que no”. Eastwood afirma que “quisimos hacer una película sobre un hombre, no sobre una guerra”. No cabe duda que, dejando a un lado si la película es patriótica o no, Chris Kyle lo era, y el film está contando desde su punto de vista, mostrándonos como sirvió a su país jugándose la vida. Chris Kyle, ¿héroe o asesino?. La pregunta queda para la reflexión post visionado y cada uno que saque sus propias conclusiones.

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POR DAVID RAMIRO RUEDA Teatro Fígaro Adolfo Marsillach (Madrid) Funciones los viernes, sábados y domingos de abril y mayo

Esta entrevista nunca ha ocurrido. Jamás me he sentado en una cafetería con Irene Anula y William Miller a charlar sobre el teatro, la forma de trabajar con dos repartos, la retroalimentación de un mismo proyecto cuando está en cine y en teatro, la metáfora de cómo coger una taza, la música en directo durante una función, o la manera que tiene el actor de afrontar un desnudo en escena. Lo que vais a leer a continuación nunca se escribió, porque la entrevista se hizo (o no), un miércoles, y para Irene y para William y para mí… Los Miércoles no Existen. ¿Por qué hay que ir a ver “Los Miércoles no Existen”? I- Porque es una obra súper entretenida, muy actual, y el público para quien va dirigido comprende una franja de edad bastante amplia: viene gente desde los veinte hasta los sesenta y tantos años, y todos lo disfrutan igual. W- La obra trata temas que tengas la edad que tengas todo el mundo ha pasado por ellos. Lo bonito también es que la obra trata

de cómo, a través de la comedia, se pueden superar las rupturas de pareja. En las sociedades actuales tenemos la manía de dar muchísimo peso a las relaciones, y parece que se va a acabar el mundo cuando se acaban. Este montaje enseña que no sólo se pueden superar las rupturas, sino que existe mucha gente para cada uno de nosotros, y que lo bonito es ir conociendo a gente; que si encuentras a alguien con quien estar toda la vida, pues genial, y si no, pues ya encontrarás a otra persona… Sin que saquéis a la gente al escenario, se interactúa bastante con el público durante la función y conseguís hacer que éste tenga cierto protagonismo en la historia. ¿Era una idea que surgió desde los inicios, o ha surgido con el paso de las funciones? I - Siempre hemos sentido que eso era muy rico. Hay mucha gente que agradece vivir los momentos tan de cerca…., desde el escenario proponemos que sea así, y se genera una atmósfera muy divertida y enriquecedora. W- En LMNE se rompe la cuarta pared. Cada vez hay más obras de teatro que optan por este estilo en el que se incluye a la gente como parte del atrezzo o de la figuración. Lo bueno de hacer tantísimas funciones es que te sientes tan relajado en escena que a veces da lugar a que te puedas permitir el lujo de improvisar de repente durante la obra. Se pide desde el principio de la función que el público interactúe, y es maravilloso cuando eso ocurre, creo que al público se le hace partícipe y se lo pasa mejor cuando se siente un personaje más de la obra.

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William, ¿cómo ha ido evolucionando tu personaje con el paso de las representaciones? W- Mi personaje ha ido creciendo, no sólo durante los dos años que llevo representándolo, sino incluso antes de iniciarse “Los Miércoles no Existen”, que ya existía en la cabeza de Peris Romano (texto y dirección), y cuyo personaje había salido ya en algún que otro trabajo. Con Maite, que es la nueva directora de la obra, seguimos descubriendo capas del personaje… Por ejemplo, nos hemos dado cuenta de que es un personaje que a muchos niveles, emocionales sobre todo, es mucho más sensato de lo que aparenta cuando se trata de entender los sentimientos o lo que está pasando con la gente en el aquí y ahora. Es muy inteligente en muchas cosas, en otras no tanto, pero en las que realmente importa, él está ahí apoyando y dando espacio, aunque salga él perjudicado mientras sea a favor del otro…, y esto

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como actor hace que el personaje sea muy interesante. ¿Cuánto de improvisación en escena le das a tu personaje? W- Lo cierto es que mi personaje me lo permite, ¿quién no va a perdonar a un tonto…? (risas). En cada función me permito la licencia de meter puyas o gracias nuevas para descolocar un poco a los compañeros. Llevamos tantas funciones que me gusta sorprender, reírme en el escenario sin poder evitarlo, porque cuando el público ve que pierdes el control en escena, lo agradece porque siente que la escena está viva. Pero improvisar en comedia es complicado, creo que es más difícil que hacer llorar, porque la comedia no perdona, para que funcione debes tener controlado a la perfección el personaje, el texto, el tempo, y la energía del público. ¿Notáis diferencia de público

entre las funciones del viernes, del sábado o del domingo? I - ¡Sí, mucho! Yo diría que el día más gamberro es el del sábado. Una función de domingo con menos gente es súper agradecida también, ¿eh? Pero sí…, mira, recuerdo una rubia, un sábado, que saltó a bailar de espontánea en el pasillo en uno de los momentos cumbres de uno de los bailes, ¡fue muy divertido! Irene, ¿qué es lo que más te gusta de Mara, tu personaje? I - Creo que de los personajes femeninos es el que está más dibujado, y de las escenas que salgo me gustan mucho todas: por su encanto, por el baile… En realidad, tengo bastantes cosas en común con Mara, y además ha habido una época de mi vida en la que me veía completamente poseída por el si sí o si no que ella tiene todo el rato. Ella no sabe si sí, si no, si estar aquí o allá… y tirando un poco de mis vivencias, de mis ex-

periencias, y respaldada por los compañeros, hemos sabido darle forma al personaje que, he de reconocer, no está muy alejado de mí. William, tu personaje se pasa bastante tiempo en escena en ropa interior. Después de tantas funciones, ¿hay algún día en el que no te apetece lo más mínimo mostrarte así ante el público? W- Tanto en cine como en televisión como en teatro, que de esto último he hecho menos…, yo siempre me he dicho que si el guión lo requiere y el personaje también, no voy a pelearme nunca con esto. No tengo un problema con el cuerpo que tengo, igual no estoy súpermarcado y tal, pero estoy a gusto con mi cuerpo. ¡Tampoco salgo ahí enseñando el rabo…! Pero el Hugo al que represento, sin esa parte, no sería el mismo: la incomodidad que crea a los demás con lo cómodo que se siente él con la desnudez, es parte de la función y parte del personaje, y se perdería mucho si eso se suprimiera.

Porque Hugo es muy exhibicionista…

esté cómodo con ello o no… Lo de la comodidad supongo que es ya un tema personal de cada uno. También te digo que a veces uno lee algunos guiones, sobre todo me lo he encontrado con personajes femeninos, que dices, mira, esto es totalmente gratuito: que venga el de la distribuidora y me diga directamente que necesita el desnudo para vender más entradas, y si es así y es honesto conmigo, pues ya veo yo si me lo trago o no, pero no me vendas la moto porque no... Sin embargo, si realmente ese desnudo aporta al texto y al personaje, dudo que haya alguna actriz o actor que diga que no a ese personaje, porque eso es de primeros días de escuela: el actor tiene siempre que estar entregado a lo que requiere ese texto, y confiar en que el director, que es quien tiene que contar la historia y contarla como él quiere, ¡no como tú quieres!, te conduzca para que eso salga natural y no exista ningún tipo de incomodidad. I - Yo opino lo mismo. En “LMNE” yo no tengo ningún desnudo ni nada que se le parezca, pero como dice William en cuanto a lo del desnudo, siempre que no sea de manera gratuita, sino que sea en pro de la obra, no creo que tuviera ningún problema en hacerlo. Sería una dificultad trabajar tuya como actor o actriz igual que si tuvieras una dificultad con tu voz, o con tu expresividad, o con lo que sea… Es una manera de entender el trabajo, no se cuestiona la desnudez, eso se aprende en todas las escuelas: todas las partes tienen que ir en pro de la obra, tanto las creativas, como las artísticas, como las técnicas.

W- Totalmente. ¿Cómo convencerías a la gente que opina que los actores siempre os excusáis en la exigencia de un guión cuando tenéis que aparecer desnudos o en escenas de cama? W- Yo siempre he dicho que el actor somos nuestro cuerpo y nuestra voz, y ambos tienen que estar al servicio del texto. En cuanto a teatro, si la obra requiere y exige ese desnudo tanto por personaje como por texto, uno tiene que estar con la entrega para darlo,

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William: “La imaginación de cada uno a la hora de interpretar es lo que hace maravillosa esta profesión, y por eso Hamlet no pasa de moda”

Pero todos vemos, sobre todo en algunas series de televisión, ese exceso de escenas exhibicionistas… Cuántas veces hemos visto en el mismo capítulo a la protagonista saliendo mil veces de la ducha… Por lo tanto, el desnudo gratuito existe... W- Sí, claro que existe… Lamentablemente… Mira, hay gente que piensa, creo erróneamente, que eso va a dar audiencia. Pero no, yo pienso que lo que realmente da audiencia son las historias bien contadas. Por ejemplo, si vas a meter a todos los chicos en el baño en las duchas porque necesitas, o te piden, alguna escena de este tipo, escribe algo que tenga sentido, ¡que no es tan difícil! Pero que no sea gratuito…, porque cuando lo es, nos canta a todos: a quien sabe de guión y a quien no. En cuanto a LMNE, si cuando mi compañera y yo salimos en el primer acto en pijama en vez de en ropa interior, ¿qué historia estaríamos contando? El público diría “¡no lo compro!”, pues claro que no… ¿acaso son una pareja de ancianos? En esa escena, la desnudez es la que crea la situación, la incomodidad, el conflicto. ¿Cuánto de los personajes y de la trama de LMNE os pertenece a vosotros luego en vuestras propias vidas? W- Hay cosas de los personajes con las que nos identificamos mucho, y todos los actores que estamos aquí pertenecemos a una generación muy cercana, unos años más o unos años menos, pero cuando nos metimos en esto todos pasábamos por cosas muy parecidas a las que les pasan a los personajes, y es como que Los Miércoles nos ha descolocado un poco… o nos ha colocado. I – Yo diría que nos ha colocado. Mira, ha habido un momento en el que decíamos, ¡dios mío, todo lo que pasa en la obra nos ha pasado! Por supuesto, no todo a todos, pero sí han ido ocurriéndonos en gran medida: ha habido parejas que han roto, parejas que han vuelto, ha habido infidelidades, ha habido perros salchicha… ha habido todo lo que ocurre en la obra. Tal cual. Así que qui-

Irene: “Ahora mismo, si existe esa posibilidad, no se me ocurre que veas una obra de teatro y no tengas música en directo” zás, por alguna razón, estábamos todas esas personas ahí contando esta historia. ¿Cuánto creéis que aporta la música en directo en una obra de teatro como la de “LMNE”? I - ¡Pues muchísimo! Yo es que ahora mismo, si existe esa posibilidad, no se me ocurre que veas una obra de teatro y no tengas la música en directo. De hecho, en “Los Miércoles…”, los músicos son como un personaje más, una parte fundamental de la función; y luego, como personas, son un miembro más del equipo. W – La música en directo cambia mucho… Y sobre todo, en nuestro caso, está muy bien metido, incluso me gustaría que el músico interactuara más con nosotros. La música en las transiciones de escena es fundamental, las canciones están muy bien escogidas, y en todo lo referente al audio, las cabezas pensantes han sido muy hábiles con ello… Antiguamente se hacía esto…, el foso cuando lo ves vacío hay gente que se pregunta, ¿y aquí qué había? Pues había unos señores que hacían música en directo en vez de enchufar un playback en la función. ¡Cómo os divertís cuando bailáis en escena! I – ¡Mucho! Como ninguno de nosotros tenemos pretensión de ser megabailarines no existe esa carga de responsabilidad que puede haber en este sentido con otros proyectos…, así que nos lo pasamos muy muy bien. ¡Aunque estamos ceñidos a una coreografía, ¿eh?! Aunque igual pueda dar sensación de que no… Pero se trajo a un coreógrafo, a Zoe Sepúlveda, que nos propuso algo sencillito para que la obra creciera en este sentido.

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“Los Miércoles no Existen” se proyectará en la gran pantalla en los próximos meses, ¿cómo creéis que va a afectar a la función este paso de las tablas a la gran pantalla? I – Creo que es positivo para la obra, y la obra es positiva para la película. Imagino que se retroalimentarán la una a la otra. W- Es como un tercer elenco. I – Sí, es una tercera manera de contar la historia, así que pensamos que la muestra en cine va a ser interesante y va a gustar. W – Pienso que va a ser un ejercicio o escaparate actoral el ver cómo un texto que es igual, si lo cogen tres actores diferentes, puede lograr cosas totalmente distintas. Deberían de llevar a la gente de las escuelas o de los talleres de teatro a verlo, ¡lo digo en serio!, para demostrar y mostrar que no hay normas sobre cómo se tienen que hacer las cosas, sino que sólo hay normas en cuanto a la técnica. La imaginación de cada uno a la hora de interpretar es lo que hace maravillosa esta profesión, y por eso Hamlet no pasa de moda, porque cada uno tiene su deber de hacer su propio trabajo para con un personaje; es la norma número uno: no hay una manera única de hacer las cosas. Igual que en la pintura hay mil maneras de pintar una taza, en actuación hay mil maneras de sujetarla, y esa metáfora se debe entender muy bien y debe interiorizarla todos los que trabajamos en este gremio. I – Efectivamente, parte de la riqueza de la profesión es la variedad de colores para un mismo texto, y comprobar que, bien hecho, todos los colores funcionan. ¿Creéis que habrá una segunda parte de LMNE? W- Yo creo que se hará una segunda parte, y que se hará en teatro. Lo quiero así (risas). I – Sí, yo también… Ojalá, sería una gozada. ¿Cuál ha sido la herramienta más importante o interesante que os ha ofrecido este proyecto?

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William: “Lamentablemente, hay gente que piensa que un desnudo gratuito va a generar audiencia, pero yo creo que lo que realmente da audiencia son las historias bien contadas”

I – El poder trabajar la misma escena con actores distintos. Para mí eso me ha enriquecido muchísimo. He tenido tres Hugos, tres César, y cuatro Pablos… Pero mi personaje de repente estaba en la misma escena: tenía que empezar y terminar en el mismo lugar, pero pasaba por sitios totalmente distintos, y para mí ha sido un crecimiento del personaje como actriz muy bueno. ¿Cuáles son vuestros próximos proyectos inmediatos? I – Pues de inmediato voy a rodar un par de cortos, uno con Álex Montoya, y otro que dirige Juan Ferro- Son proyectos distintos con gente muy interesante, y me apetece muchísimo. W – Yo acabo de escribir un corto que vamos a rodar en breve: lo va a dirigir Pablo Lapastora y lo voy a interpretar junto a Jordi Aguilar, me hace ilusión porque es el primer corto que escribo, aunque no lo primero que escribo... Y luego también tengo en breve el rodaje de una coproducción entre México y Estados Unidos.

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tras el telón POR DAVID RAMIRO RUEDA

Voy a parafrasear a uno de los actores de reparto, que asegura que “Tras el Telón” es lo más cercano al estilo Broadway (dentro del nivel de los recursos de off) que hay en Madrid ahora mismo. De lo que yo conozco, lo confirmo. Este musical es una inyección de energía de la buena, de ritmo, de ganas en escena y de música original y en directo. Al

piano hay un excelente compositor; en la dirección, una frescura innegable a favor de un ritmo frenéticamente perseguido; sobre el escenario, cuatro actores habilidosos, carismáticos, guapos, y que lo mismo te cantan que se montan un baile; y en el conjunto del equipo, un trabajo con un resultado más que positivo si lo que quieres es desconectar por unos momentos de lo cotidiano y sumergirte en la trastienda de una compañía que interpreta a otra compañía de teatro independiente.

Hasta el 30 de mayo, puedes disfrutar de “Tras el Telón” en el Teatro Alfil de Madrid, todos los sábados a las 20:00h. De momento, conoce a través de este reportaje a Gorka, a Mariola, y a Verónica, tres de los cuatro intérpretes de este musical que te arrancará más de una sonrisa de oreja a oreja, y te ofrecerá alguna que otra melodía pegadiza para tararear durante toda la noche. ¿Cómo convenceríais a quienes son reacios a los musicales, para que vayan a ver “Tras el Telón”? V- El musical ha evolucionado muchísimo, y creo que en su día, en los años 20 de EEUU, se hacían musicales donde se bailaba claqué y se cantaba cualquier canción sencillamente para entretener, porque estaban en plena guerra y lo que se buscaba era eso, distraer. Aquí en “Tras el Telón” no se canta por cantar, sino al revés, se canta cuando se llega a un estado emocional tan alto que el texto no te ayuda, y entonces lo tienes que cantar, y cuando llegas a ese estado emocional que cantando no llegas, entonces tienes que bailar. La canción aporta historia, si en “Tras el Telón” se suprimiera alguna canción, no tendría sentido la siguiente escena. M- Puede pasar que la gente se eche un poco para atrás en ir a ver el musical porque hay como un 80% de minutaje cantado, y además son canciones originales que no se conocen de antemano. Sin embargo, hemos conseguido que el musical sea muy dinámico, muy cómico, un número tras otro, y creo que no da lugar a tener la sensación de aburrimiento.

G- A mí el miedo que me da cuando hago musicales es la gente que dice que son muy cursis, y creo que no hay nada de cursi en este montaje. Incluso en algunos momentos de balada hay puntos que pueden resultar cómicos. Me llamó la atención la velocidad que tienen las letras de las canciones. M- (risas) Las letras a veces van un poco atropelladas, sí, y a mí como sevillana había palabras con las que sufría mucho, pero al final siempre sale todo y sale bien. V- En algún momento dado te entra un poco el pánico de que si te equivocas no hay tiempo de reacción para la improvisación precisamente por eso, por la velocidad con la que acompañan las letras a la música… Y luego también se te pasa por la cabeza preguntas del estilo ¿y si me tropiezo o pierdo alguna palabra por el camino o cualquier otra cosa? Pero no, si estás concentrada al 100% y el compañero también, y sientes que todos estamos alerta para poder estar al quite si ocurriera, te da confianza y relativizas ese miedo que además creo que es inevitable… ¿Os ha ocurrido alguna vez en “Tras el Telón” que se os olvidara la letra u os trastabillarais con la letra? M- (buscando madera a la que aferrarse mientras se ríe) ¡No, de momento no… pero es mi pánico! Porque no hace mucho tiempo, en otro trabajo, me ocurrió eso, que me quedé en blanco…, pero pude salir del paso y creo que no se notó. Pero aquí las letras van tan picadas, tan deprisa, que no sé cómo lo podría salvar, así que prefiero no pensarlo. V- La dificultad que tenemos también es que de momento sólo tenemos una función semanal, así que solemos hacer un trabajo de memorización en casa antes de ir a la función porque no podemos fiarnos de que la memoria no nos la juegue.

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¿Cómo son esos dos minutos o tres minutos antes de empezar la función? ¿Qué se os pasa por la cabeza? M- Por mi cabeza no sé… pero por mi pie pasó el otro día un poco de escenografía… (carcajadas generales) M- Cuando va a empezar la función el telón está echado, y yo en la oscuridad no veo absolutamente nada, no hay bombillitas ni luces por ninguna parte, sólo tenemos pupilas dilatadas quienes las tengan… y yo no las tengo…, y a veces pasa lo que pasa… (risas). Así que a mí me llevan de la mano hasta mi posición, y de ahí no me muevo. V- A mí ese momento previo a la función me gusta porque nos cogemos de la mano los cuatro y nos traspasamos la energía, pero por otra parte es un momento de muchos nervios…, tenso, pero también necesario. Una de las sensaciones que percibí viendo la función es que hay un equipo muy amigable dentro de “Tras el Telón”, ¿es acertada esta percepción? M- Hay una lucha comunitaria por un bien común, y cada uno en su posición apuesta y deja algo personal, temporal, e incluso económico de cara al proyecto. Como en todas partes, ha habido momentos buenos y malos y tensos, pero lo más importante es que todos hemos sabido escucharnos y perdonarnos y querernos y cuidarnos…, así que sí, supongo que esa podría ser la definición de una familia dentro del contexto de una compañía de teatro. ¿Cómo fue la última semana antes del estreno? V- La última semana antes de un estreno siempre es un estrés, siempre tienes dudas acerca de si se han tenido los ensayos suficientes, date cuenta que en cualquier función cada uno tiene otros proyectos aparte,

y en este caso fuimos cuadrando horarios según íbamos pudiendo. La realidad es que nos hacía falta ver toda la obra del tirón, terminar de montar el último número musical, y el añadido de la escenografía, que como en el teatro Alfil hay muchas compañías a la vez no lo teníamos a nuestra única disposición… Otro añadido fue que nos encontramos con un suelo de moqueta… G- …Para bailar, fatal… M- …Eso giras y se te hace un rrrrremolino en el tacón… (risas desesperadas) V- …Así que la última semana estábamos todos muy nerviosos. En el ensayo general del día anterior imagínate… pero yo creo que es que si en un ensayo general no estás nervioso y no te parece que no va a salir nada adelante, algo va mal… Pienso que eso es necesario para asustarte y que en el estreno te obligues a estar alerta y salga todo perfecto. M- Además, la energía de un estreno es siempre maravillosa, sueles estar más arropado por familiares y amigos, y no significa que se rían o aplaudan más, simplemente el calor que recibes es distinto. ¿Cómo fue el proceso de coreografía? M- Primero se montaron el texto y las canciones, y ya por último la coreografía. Se ensayó mucho que las letras estuvieran claras para luego poder asociar las letras con los movimientos y que así el cuerpo no fuera a una cosa y la voz a otra. Hubo un poco de agobio porque no tuvimos mucho tiempo, pero con trabajo y con ganas, todo sale. Gorka, qué es lo que más te gusta de tu personaje? G- La mezcla que tiene de tierno con ese punto cómico y espontáneo que luego muestra en muchas partes de la función. Mi personaje va de galán, pero luego es muy inseguro y ése es un talón de Aquiles que me encanta de él.

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¿Y lo que más te ha costado para dar forma a David (el personaje que interpreta)? G- El punto naif que tiene… Cuando dudas es inevitable recurrir a tu propio comportamiento, y a veces me daba cuenta de que hablaba y era más Gorka que David. Por ejemplo, hay un momento que habla de un relojero suizo, pues estudié la forma de no hablarlo de una manera intelectual sino bajarlo un poco más a lo simple, a cómo se expresaría David y no Gorka. Alejandro (el director) en ese sentido nos ha dado mucha cancha, es siempre muy abierto a las propuestas, y lo cierto es que me ha comprado alguna que otra… (risas cómplices con sus compañeras de reparto). Verónica, ¿te identificas con tu personaje? V- Lo que más me gusta de Minerva es su arco: ella empieza en un punto A y acaba en un punto B que es muy distinto, y yo disfruto mucho de ese recorrido entre los dos puntos. Personalmente…, pues supongo que sí, que si me miro hace diez años pues habré cambiado cosas y también podré dibujar mi propio arco. En concreto, diría que Minerva es una mujer luchadora y yo también me considero luchadora; la lucha por algo en lo que crees es muy bonita. Mariola, ¿te ha servido de referente alguna persona en concreto para moldear el papel de Feli (personaje que interpreta)? M- La verdad es que no he tomado la referencia de una persona en concreto. Lo que sí he hecho ha sido utilizar los ensayos para probar a dibujar al personaje sin estereotiparlo. Feli casi roza la caricatura, no queríamos llegar a sobrepasarla, y creo que hemos conseguido presentar a una mujer con la falsa frivolidad que requiere el personaje, pero siendo creíble y con un fondo donde no fue-

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ra tan tonta como pueda parecer en un principio. Cuando os dieron a cada uno el libreto, ¿sabíais por dónde iba cada uno de los personajes, o hubo reuniones con la dirección para dar con ello? M- No, yo no… Lo cierto es que a mí me gustó mucho la manera que tuvimos de ensayar, que fue desordenada, por escenas alternas, íbamos y volvíamos…, y aprendí muchas cosas con este método de ensayo. Pero a la vez, en cuanto a Feli, me descolocaba un poco porque en una escena la veía muy inteligente, en otra muy pava… entonces no era capaz de encontrar la forma de unir la línea y entender por qué se mostraba de una manera tan distinta en diferentes escenas. Pero al final sí, con esas charlas con el director terminé de entender el sentido del personaje y de cada momento, y creo que ha quedado algo muy bonito y muy interesante. G- Yo lo leí, tuve mi idea del personaje, y así la presenté. Alejandro luego fue limando un poco en los ensayos hasta cómo él había creado a David. Yo pienso además que éste es el proceso de cualquier actor con un personaje, porque si lo haces todo del tirón desde el primer planteamiento probablemente lo haces así porque eres así eres tú, y te olvidas que el reto bonito de la interpretación es guiar al personaje hacia lo que el guionista se imaginó al crearlo, no lo que para ti es más cómodo como actor, o como Gorka en mi caso. En “Tras el Telón” hay algunos momentos donde se muestra de alguna manera cómo el teatro off se retroalimenta de sí mismo. ¿Cuánto de cierto creéis que hay en la vida real con ese enfoque que muestra vuestro montaje? V- Hay mucha gente que no es de la profesión y que le gusta mucho el teatro off y apuesta por él cuando elige ir a ver una obra

de teatro. No sé, quizás por el precio que es más asequible, o porque es distinto formato que el de un teatro grande, porque estás a un metro de los actores y te metes más rápido en la historia… Claro que queremos que la gente vaya al teatro, los conocidos y los no conocidos, pero a mí particularmente no me gusta mandar whatsapps masivos a mis amigos o llenar mis muros en las redes sociales rogando que vengan a ver la función en la que actúo, la gente ya lo sabe y quien quiera ir que vaya... G- Yo creo que funciona mucho mejor el boca a boca del público que esas súplicas del actor que quiere que vayan a ver la obra en la que trabaja… V- Sí, pero a veces pasa que con las programaciones cortas como ésta, que es sólo los sábados durante dos meses, hay una lucha constante en conseguir impactar a la gente de alguna manera para que vaya, porque o se prorroga, o en nuestro caso hay ocho funciones y no da tiempo a mucho. M- Yo sí creo que el dinero se mueve entre la gente del gremio, yo voy a verte a ti y tú vienes a verme a mí, y no creo que sea la solución marear monedas de un lado a otro dentro del mismo círculo cerrado. G- Pero es normal que nos encontremos siempre a los mismos, ¿no? Porque al final pertenecemos al mismo gremio… Es como a quien le gusta el cine y va mucho, se encontrará con gente a la que le gusta el cine y va mucho… Pero sí que estoy de acuerdo en que una profesión no debe nutrir a esa misma profesión, no es buen sistema, y eso ocurre mucho sobre todo en el teatro off. Sabéis cantar, bailar, interpretar… ¿cabe alguna otra habilidad en vosotros? (Silencio, y entonces Mariola salta entusiasmada) M- ¡Pues yo hago colgantes de Pin y Pon…! (carcajadas colectivas mientras Mariola nos muestra con orgullo un colgante de cerámica que cuelga de su cuello con la figura de un Pin y Pon)

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M- ¡Contactad conmigo en privado y os mando el pedido a domicilio! (Más carcajadas) ¿Alguna actividad más…? V- Yo tengo una empresa de taller de teatro de inglés para niños. Llevamos ya cuatro años y nos va muy bien, aprendo mucho con ellos y además así promocionamos e incentivamos el teatro desde pequeños, y fomentamos una variedad muy interesante de disciplina. Me encanta la palabra disciplina cuando se la relaciona con el teatro… V- ¡Claro! Es que es como el deporte, que te da también disciplina, te da herramientas para tu día a día en la vida, te compromete a que hay que cuidarte… M- Yo tuve un profesor de teatro que decía “si un día descuidas al teatro, te descuidará él a ti tres”, siempre lo recuerdo. G- La disciplina es fundamental en el teatro, porque con ella consigues en parte que el público vea lo que ocurre en el escenario como algo fácil, y es la dificultad del actor muchas veces. En nuestro caso, que tienes que bailar o a lo mejor dar una pirueta, debe parezca sencillo aunque quizás estés sufriendo… Sobre todo si hay moqueta… G- (risas) ¡¡Sobre todo si hay moqueta…!! ¿Por qué hay que ver “Tras el Telón”? V- Porque es música original, que es algo muy positivo de este musical. Es muy divertido, interesante, fresco, 100% español, y tiene su pianista y sus voces en directo. M- Aunque hay puntos un poco canallas, tiene un humor muy blanco. Es un musical para todos los públicos, para desconectar un ratito. G- ¡Y además sales justo a la hora para cenar el sábado y salir a tomar algo!

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ESTE MES TE REC POR VIM MAGAZINE

PACTOS Y SEÑALES: CASI UNAS MEMORIAS J. J. BENITEZ Las pruebas definitivas de que hay vida después de la muerte. Pactos y señales prosigue la titánica senda investigadora que J. J. Benítez emprendió hace más de cuatro décadas: probar la existencia del más allá. En definitiva, un libro que nos ofrece las claves para interpretar los mensajes que nos llegan constantemente y que nos indican cómo seguir en la senda de la felicidad y la plenitud. La última novedad de J. J. Benítez es el resultado de su compromiso personal con los lectores, de ahí que el propio autor haya querido mostrar sus experiencias más personales con el más allá, detallando sus propios pactos y señales establecidos con diferentes personas.

EL PENDULO DE FOUCAULT UMBERTO ECO Tres intelectuales que trabajan en una editorial de Milán establecen contacto con autores interesados en las ciencias ocultas, las sociedades secretas y las conjuras cósmicas. En un primer momento dicha relación se mantiene estrictamente profesional, pero poco a poco van estrechándose los lazos. Editores y autores inventan juntos, por puro juego, un complejo «plan», urdido supuestamente por los templarios siete siglos atrás. Pero alguien toma demasiado en serio el juego, y todos ellos se verán inmersos en una inquietante pesadilla.

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ta leer...

COMENDAMOS…. CONJURA EN DORCHESTER TERRACE ANNE PERRY Pitt acaba de ser nombrado jefe de la Brigada Especial. Muchos piensan que no está capacitado para el cargo... Incluso él, lo piensa. Sin embargo, no es momento para inseguridades ya que deberá utilizar todo su ingenio para afrontar una nueva amenaza: existe u na sólida sospecha de que se está preparando un atentado en la línea ferroviaria que conecta Dover y Londres. Por si fuera poco, en unos días el duque Alois de Habsburgo llegará a la capital, y Pitt piensa que él podría ser el objetivo.Entretanto, su tía Vespasia visita a una vieja amiga en su residencia de Dorchester Terrace. Se trata de Serafina Monserrat, una ex espía de origen italiano con demencia senil, que sufre por si revela algún secreto confidencial. Pero ella no es la única... Alguien más comparte su temor, alguien que no dudará en asesinarla. Thomas Pitt, que ayuda a su tía a investigar la muerte de la anciana, no tardará en descubrir que ambos casos están relacionados.

LEGADO MAGICO NORA ROBERTS La última entrega de la trilogía de Los O’Dwyer.Un antiguo conflicto sellado con sangre. Un amor amenazado por un odio ancestral.Una pasión arrebatadora que vencerá la maldición. Las antiguas tradiciones irlandesas parecen cobrar vida en el condado de Mayo. Branna O’Dwyer, descendiente de la Bruja Oscura, que perdió la vid a para proteger a sus hijos, ha crecido rodeada de historias llenas de una magia embelesadora. Su vida transcurre entre las cuatro paredes de su negocio, bautizado con el nombre de la célebre hechicera y donde vende lociones, velas y jabones a los turistas; las charlas con su hermano y su prima; el vínculo especial que tiene con su perro, y los mitos del pasado que susurran los bosques del condado. Hubo un tiempo en el que creyó haber encontrado el amor, pero una antigua querella familiar convirtió su relación con Finbar Burke en imposible. Sin embargo, ni siquiera el tiempo ha logrado mitigar la pasión que sienten el uno por el otro. Antes de que puedan dejarse llevar por el amor, tendrán que vencer las sombras que han atormentado a sus familias durante siglos.

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LA LISTA FREDERICK FORSYTH “Identificar, localizar, destruir”estas son las instrucciones que el ex marine conocido como el Rastreador recibe desde el despacho del presidente. Su objetivo es el Predicador, considerado el enemigo más peligroso del mundo occidental.

SOY DE PUEBLO MODERNA DE PUEBLO «Para ser moderna hay que pasar una serie de pruebas iniciáticas como hacer una maratón de series y comentarlas apasionadamente, conocer los mejores blogs, asistir a los clubs de moda con reserva previa, construir un personaje en las redes y frecuentar a diseñadores, Djs y artistas... Todo esto mientras vives en un piso com partido, que pagas con tus ahorros aunque has tenido la gran suerte de ser la elegida para trabajar durante horas en una empresa que ofrece prácticas no remuneradas y no tiene intención de contratarte. Soy de pueblo es un manual para la emancipación cool, para llegar a convertirte con el tiempo en una pueblerina de ciudad y en una urbanita de pueblo.»

EL LIBRO DE LA VIDA DEBORAH HARKNESS Tras viajar en el tiempo con La sombra de la noche, la historiadora y bruja Diana Bishop y el genetista Matthew Clairmont vuelven al presente para hacer frente a nuevos problemas y a viejos enemigos. Pero la amenaza real para su futuro todavía está por llegar y, cuando lo hace, la búsqueda del Ashmole 782 y sus páginas per didas cobra aún mayor urgencia. En casas ancestrales y laboratorios universitarios, haciendo uso de conocimientos antiguos y de la ciencia moderna, desde las colinas de la campiña francesa hasta los palacios de Venecia, la pareja al fin revelará lo que las brujas descubrieron hace siglos.

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la desaparición del lujo accesible POR JOANA AGUIRRE Marc by Marc Jacobs tiene (o tenía) la misma fuerza que su nombre y su marca: Marc Jacobs. Pero su irrupción en el mundo de la moda significó mucho más. El diseñador americano rompió los cánones establecidos y decidió que quería hacer la moda accesible para todo el mundo. Por eso, bajo su segunda línea, Marc by Marc Jacobs, diseñó de todo y para todos. En sus tiendas de Nueva York, Los Ángeles, Milán, París o Londres, podíamos encontrar llaveros, bolígrafos, paraguas, mochilas e, incluso, preservativos que cuyos precios empezaban en el dólar. Míticas son ya sus camisetas con grandes iconos de la moda como Naomi Campbell o Victoria Beckham desnudas en apoyo al cáncer de piel bajo el eslogan “Protect the skin you are in”. La línea, con los diseños propios de Jacobs y con estos precios, consiguió un público muy fiel que se agolpaba y hacía cola en sus tiendas para conseguir los productos de las nuevas colecciones. Pero parece ser que esto se ha acabado. El pasado mes su nuevo CEO, Sebastian Suhl, confirmaba a la revista especializada Women’s Wears Daily (WWD) lo que desde hace unos meses era un secreto a voces: Marc by Marc Jacobs, la línea con más de 200 tiendas en todo el mundo, se disuelve para integrarse en Marc Jacobs, la marca principal de la compañía que cuenta con productos más caros y estéticamente menos arriesgados. Ya ha pasado más de un años desde que Marc Jacobs abandonara la dirección artística de Louis Vuitton. Y desde entonces su marca homónima ha sufrido una serie de cambios, todos ellos, según el propio diseñador, se deben a que quie-

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re darle un nuevo rumbo a la firma. Una semana después de su salida de LV, Jacobs nombró a Luella Bartley y Katie Hillier directoras creativas de Marc by Marc. Juntas firmaron las últimas colecciones de la casa, caracterizadas por el colorismo y una proliferación de estampados y mensajes muy cercanos a la cultura pop. El imperio Jacobs no queda ahí. También posee una línea de maquillaje y perfumería (gestadas por Coty y Sephora, respectivamente) y una librería, BookMarc, presente en ciudades como Londres o Nueva York. Al parecer el cierre se debe a que Jacobs pretende aunar esfuerzos y acrecentar el valor de su marca homónima. Desde su marcha de Vuitton los rumores de una supuesta salida a Bolsa, cada vez son mayores y, según Bloomberg, LVMH, dueño del 90% de Marc Jacobs, habría apartado a Jacobs de su labor en la famosa casa de bolsos para preparar esta estrategia. De ser así, este sería el paso definitivo para multiplicar los beneficios de una compañía que factura anualmente cerca de 1.000 millones de euros. Pero, a la vez, supone el fin de una etapa; esa en la que los diversos locales de las distintas líneas de la firma poblaban las calles comerciales de las capitales y en la que los bolígrafos con forma de pintalabios o las pulseras de goma cuyo valor era inferior a los 5 dólares, adquirían al misma condición que un bolso de lujo. Atrás van a quedar los bolsos de lona multicolor que hasta hace poco decoraban los estilismos de las aficionadas a la moda y llenaban los street styles de medio mundo, así como todos los accesorios para los gadgets tecnológicos. Y ahora surge la pregunta del millón: ¿veremos cómo sube el precio de estos productos en sitios como eBay? El tiempo lo dirá.

zapatos El frío empieza a perder protagonismo y el sol empieza a formar parte de nuestro día a día. Eso solo significa una cosa: ¡“habemos” nueva temporada! Sí, la ropa de invierno ya está guardada y la primavera llama a nuestra puerta y, por eso, el calzado es el líder indiscutible de esta época. Seleccionamos las cuatro tendencias, según los dictámenes de la pasarela y el ‘street style’, para esta primavera-verano que ya ha hecho acto de presencia.

POR JOANA AGUIRRE

¿Sabes cuáles son los zapatos para esta temporada?

SANDALIA PLATAFORMA La tradicional sandalia pisa más fuerte que nunca el asfalto y se sube a ella. De diversos colores, tamaños y proporciones, lo único que cobra importancia esta temporada son los centímetros. Combínalas con camisas de materiales velados y faldas tuvo. Todo ello en colores neutros, pastel o tonos nude. ¡Tus sandalias lucirán más que nuca!

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ZAPATO MASCULINO

híbridos a camino entre el mocasín y el Oxford, el zapato masculino juega con nuevos acabados como el glitter o el vinilo. Zapatos de tacón mínimo o inexistente, son la reinvención de un clásico que, debido a su comodidad, se convierte en el comodín diario indiscutible. Por eso mézclalos con looks formados con prendas casual: vaqueros, camisetas con mensajes o chaquetas de piel multicolor. Prendas con mucha personalidad que darán continuidad a la divertida estética y colorismo a tus pies.

BOTIN DE VERANO

los botines son indispensables en cualquier armario. Y estos, ofrecen un nuevo abanico de opciones diversas: metalizados, con incrustaciones o bañados en glitter. El botín brillará con luz propia ya que aportará el toque sofisticado a tus looks. Mézclalos con pantalones de corte masculino o faldas. Arriesga y acertarás.

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UGLY SHOES

Celine los puso de moda hace un par de temporadas y “popularizó” el nombre. Su ergonomía y comodidad, hacen de este calzado el “must have” de la temporada. Un calzado que, pese a su nombre, cada vez es más bonito y creativo. Las nuevas versiones incluyen nuevos materiales como la piel o el ante que otorgarán un toque camaleónico a tus looks.

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a cocina está de moda. Arrastrado por la fiebre desatada en las parrillas de televisión, el universo de la belleza sucumbe también al efecto gastronómico y se dejan envolver por el hechizo culinario que últimamente todo lo envuelve. La sensación es que en vez del tocador abrimos la nevera y que en vez de crónica cosmética hacemos critica gastronómica, pero no importa, toda suena y se ve tan apetitoso que casi dan ganas de decir ¡a la mesa!, antes de entrar en materia.

¿Un champú sin sal? Pues sí. Y no solo para los hipertensos, habitualmente la sal es utilizada en el champú para aportar viscosidad al producto actuando, además, como espesante, pero los expertos en salud capilar recomiendan el champú con ausencia de sal ya que es menos agresivo y más adecuado para uso diario, además de ser muy beneficioso para tratar cabellos sometidos a tratamientos químicos, como alisados brasileños, tratamientos de queratina, coloración, mechas y tratamientos des rizadores. La marca Stratti, (de venta en www.uomman.com) acaba de lanzar una nueva línea diaria para el cuidado del cabello sin sal a base de ingredientes naturales y aromas tan vibrantes como el de coco, fruto rojos o tentador chocolate. SACHAJUAN, nos ofrece más delicias para el pelo, la gama de productos capilares desarrollados a base de extractos de algas marinas creada por los famosos peluqueros suecos Sacha Mitic y Juan Rosenlind, tiene novedad: Volume Powder, un champú seco realizado a base de extrac-

tos de algas marinas. Se presenta en formato de spray en polvo que aporta volumen y estructura a la vez que refresca el cabello con el característico perfume de la casa. Otro champú que remueve los jugos gástricos por sus componentes gourmet es el Crème Moelle de Bamboub de Leonor Greyl. Además del jugoso bambú, cuenta con un ingrediente rico en vitaminas, el aceite de Semilla de Zanahoria otorga un plus de brillo y acelera el crecimiento de la melena. Su precio de 31,20 € (200 ml.) está más que justificado, su doble efecto limpiador y acondicionador lo hace un todo en uno de ultra lujo. Y como si de una carta de menú se tratara, de ese primer plato del cabello pasamos al menú completo que sirven en el Centro de Belleza y Estética Boris y Saky, (Clara del Rey, 11) su propuesta primaveral es un novedoso y original tratamiento corporal en tres pasos: peeling, envoltura y masaje, con ingredientes tan melosos como el jengibre, la nuez moscada y las pepitas de uva. Y de postre, como aperitivo o picoteo, atención a la deliciosa ceremonia purificante para la piel que nos ofrece la línea Fuji Green Tea de The Body Shop, presentada en nueve formatos distintos: jabón exfoliante, manteca, body sorbet, loción corporal, gel y sales e infusión de baño y agua de colonia. El secreto ancestral de las japonesas en tres simples pasos que depura la mente, el cuerpo y el alma. Y además alimenta.

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