VIM Magazine - Abril #36 by VIM Magazine

Dirección: Mª JOSÉ LAREDO contacto@vim-magazine.com Redactor Jefe: LAURA PÉREZ redaccion@vim-magazine.com Jefes de sección: MIRIAM PUELLES ALBERTO RICHART Redactores: OIHANE PÉREZ MARTA LARRAD ALEJANDRA ESPINO ALBA CORDERO MIRIAM PUELLES IKER AZKOITIA DAVID RAMIRO RUEDA FEDERICO CALABUIG CARLOS MARTINEZ ALBERTO RICHART JOANA AGUIRRE Agradecimientos: SERGIO LARDIEZ ANA CADENAS SILVIA DAFONTE ZARA GARO NATALIA BELDA irene lópez (gran via comunicacion)

VIM MAGAZINE no se responsabiliza del contenido de los articulos de nuestros redactores y colaboradores.

CARTA DEL DIRECTOR Es Abril, y nos hemos olvidado del color. Cubrimos el mes en una escala de grises, llena de magia y sensaciones maravillosas con las que serás capaz de notar, sentir y acariciar el silencio y los sueños. Dice mi admirada Maggie Civantos que los sueños están sobrevalorados. ¿Lo están? Probablemente así sea. Es bonito soñar, y es imposible no hacerlo. Pero lo ideal es encontrar el equilibrio. Visualizar y permanecer en esa fina línea que nos permita vivir nuestra realidad aunque echemos una breve mirada a nuestros anhelos de vez en cuando. El equilibrio perfecto que nos hará disfrutar de lo que hay en nuestras manos, porque quizá mañana ya no se encuentre en ellas. Gestionar nuestras emociones es muy complicado. Aceptar que tenemos miedo, que somos inseguros, que podemos fallar y que de hecho lo haremos es lo más difícil. Pero en cuanto asumamos lo “peor”, el camino para entendernos a nosotros mismos y avanzar hacía ese equilibro será mucho más fácil. Disfrutad de lo que queda de mes, id al cine cuando el sol se esconda o cuando queráis huir de él. Sed felices con nuestra música, con nuestro arte, con vuestra vida. No añoréis el verano, porque al final llegará y no habréis respirado los increíbles aíres de primavera. Un abrazo y millones de besos,

Mª José Laredo Directora VIM Magazine (contacto@vim-magazine.com)

ESTE MES EN VIM... MÚSICA - JAMES BAY: EL ÉXITO IMPARABLE DEL TIPO DEL SOMBRERO - PAG 6 MÚSICA - FESTIVALES DE MÚSICA EN ESPAÑA – PAG 14 TELEVISIÓN - #0, DOS MESES DE VIDA – PAG 24 TELEVISIÓN - – NETFLIX: ¿EXPAÑA SE AMERICANICA O NETFLIX SE ESPAÑOLIZA? - PAG 28 TELEVISIÓN - – EL CONTRALUZ: MAGGIE CIVANTOS - PAG 30 TELEVISIÓN - EL CASO: LA MALA SUERTE DE UNA BUENA SERIE – PAG 36 TEATRO - UN DIOS SALVAJE – PAG 40 CINE - – TE LO JURO POR CHUS LAMPREAVE - PAG 50 CINE - JULIETA - PAG 52 CINE - ENTREVISTA ADRIANA UGARTE – PAG 54 CINE - EL PULSO DEL CINE ESPAÑOL – PAG 80 CINE - ENTREVISTA OSCAR JAENADA – PAG 86 MODA - BALENCIAGA SE REINVENTA - PAG 104 CINE - ASSAAD AWAD – PAG 90

JJjames

bay

El éxito imparable del tipo del sombrero POR LAURA PÉREZ

Desde los bares de Hitchin, su ciudad natal, hasta las radios de medio mundo ha volado James Bay en apenas dos años. El cantautor británico del sombrero es uno de los hombres del momento en la escena musical actual, a la que no sólo ha llegado por casualidad. En 2013, su actuación en un bar compartida en Youtube captó la atención de un cazatalentos americano que le abrió sus primeras puertas en Estados Unidos. Allí grabó su EP debut, ‘The Dark of the Morning’, con el que teloneó a los más grandes a los que ahora acompaña en lo alto de las listas de éxito. Más tarde llegó ‘Chaos and the calm’, disco con el que, de la mano de Universal, ha recorrido las radios de Europa y EE.UU. con sencillos como ‘Hold back the river’ y ‘Let it go’. Precisamente este último voló tras la pasada edición de los Grammy, en los que estuvo nominado en tres categorías y en los que maravilló junto a Tori Kelly encima del escenario. Los premios que sí ha conquistado son dos Brit, el de los críticos en 2015 y el de mejor artista británico en 2016.

Su éxito en casa le ha hecho vender cerca de 3 millones de álbumes en las islas y llegar a más de 50 países como cabeza de cartel. “Es difícil elegir entre el caos y la calma”, asegura en relación al título de su álbum. Un disco producido por Jacquire King, que ha trabajado con artistas como Norah Jones o Kings of Leon, y que ofrece una mezcla entre rock y folk pop perfectamente hilado con su inseparable guitarra. Recientemente colgó el ‘sold out’ en recintos de Madrid y Barcelona, pero no se conforma con eso. Dicen los que estuvieron presentes en su recital sobre el escenario que Bay ya merece una pista más extensa. Una pista que, viendo la velocidad de su ascenso, no cabe dudas que llegará antes de lo que imaginamos.

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DIRECTO DIRECTO

NO HAY NADA MEJOR QUE LA PRIMAVERA PARA SALIR DE CASA A DISFRUTAR DE LA MÚSICA EN DIRECTO. adele visita de nuevo españa, manuel carrasco, y malu continúan enamorándonos y bruce springsteen nos hará disfrutar de lo lin' do.. . abril acoge multitud de giras de todo el panoramana nacional e interna' cional que hará que los días pasen 'volando. POR mª josé laredo

adele tour 25 Fue una de las voces más esperadas en los últimos años, y es que su último disco se hizo de rogar. Sin embargo, todo ese tiempo ha merecido la pena, y nos ha vuelto a enamorar con unas canciones que se merecen, al menos, ser escuchadas en directo una vez en la vida. Con la publicación del álbum se confirmaron también las fechas de su gira, un tour que se prevé romperá todos los records. La gira de ‘25’ comenzó en Belfast el pasado 1 de Marzo y visitará las ciudades europeas de Dublín, Manchester, Londres, Glasgow, Birmingham, Estocolmo, Oslo, Copenhague, Herning, Berlín, Hamburgo, Colonia, Zurich, Lisboa, Barcelona, Verona, Ámsterdam, París y Amberes. España acogerá a la artista el próximo 24 de Mayo en el Palau Sant Jordi, que seguro se engalanará para la ocasión.

amaral nocturnal Uno de los grupos españoles más laureados a nivel nacional vuelve a los escenarios para presentarnos su último trabajo, ‘Nocturnal’. Los zaragozanos prometen dar un espectáculo, como mínimo, con la misma calidad a la que nos tienen acostumbrados hasta el momento, con el que recorrerán hasta 25 ciudades de la geografía española. Promete ser una gira especial, y es que el propio disco ya ha sido en si mismo un viaje de descubrimientos sonoros y aprendizaje que dará su golpe maestro en esta gira de conciertos en directo para uno de los públicos más entregados. Valencia, Barcelona, Zaragoza, Málaga, Madrid O Bilbao son algunos de los escenarios que acogerán a partir de los próximos días a Eva yJuan.

MALÚ TOUR CAOS Si tienes ganas de divertirte y pasarlo bien escuchando buena música, no puedes perderte a Malú en su nueva gira presentando su último trabajo ‘Caos’. La voz femenina por excelencia en España va a recorrer toda la geografía nacional en más de 25 fechas confirmadas hasta la fecha, haciendo triplete en alguanas ciudades como Madrid. Muy pocos no caen rendidos a los pies de su talento y su música. Granada, Vigo, Valencia o Albacete son sólo algunas de las ciudades en las que en los próximos días se agotarán las entradas. Y es que, la coach por excelencia y la anfitriona del programa estaba deseando volver a interactuar con su fans y hacerles llegar su música. Ya tocaba volver a disfrutarla y verla disfrutar en los escenarios.

MANUEL CARRASCO bailar al viento El año pasado acabó de la mejor manera posible, y 2016 le trae trabajo a más no poder. Tras su paso como coach del conocidísimo talent ‘La Voz’, publicó su álbum ‘Bailar al viento’ el pasado mes de noviembre. y hace poco más de un mes comenzó su gira por toda España. La gira, que comparte nombre con el disco, parece que es y será uno de esos acontecimientos del año, de esos que no podemos perdernos. Con muchas ciudades con entradas ya agotadas desde antes del pistoletazo de salida, Manuel enamorará al público (como acostumbra) con canciones como su actual single ‘Ya no’o ‘Pequeña sonrisa sonora’. Sonrisas, lágrimas y multitud de sentimientos que afloraran en unos conciertos que, en esta ocasión, son algo menos ‘intimos’ ya que se ha apostado por localizaciones de mayor capacidad, que puedan dar cabida a toda la demanda del artista.

bruce springsteen the river tour Bruce Springsteen siempre se acuerda de España, y este año no podía ser menos. El mago del escenario comenzará su gira europea en Barcelona el próximo 14 de Mayo, en el Camp Nou. A este concierto le seguirá San Sebastián el 17 de Mayo y Madrid el 21 de Mayo. Esta gira, denominada The River Tour, comenzó a principios de este año en Estados Unidos, país que se ha recorrido a lo largo y ancho para dar después el salto a Europa. Además, durante los conciertos que acontecerán, los fans tendrán la oportunidad de poder comprar en varios formatos la grabación de cada uno de los conciertos. Un recuerdo único que sin duda será un tesoro en los próximos años.

estopa rumba a lo desconocido Los catalanes vuelven a los escenarios para presentar a su público su último álbum: ‘Rumba a lo desconocido’. La gira será intensa, y es que el trabajo de estos hermanos apuntaba maneras ya desde el lanzamiento, convirtiéndose ‘Pastillas para dormir’, su primer single, en todo un éxito en ventas. En esta gira, además, repasarán sus éxitos más conocidos y que ya se han convertido en todo un himno para muchos de nosotros. Una de las giras más esperadas por los adictos al directo, a la buena música y a la ‘RumbaRock’, la palabra que los Estopa inventaron para denominar con una sola palabra el sonido de su nuevo disco. Y desde luego, dieron en el clavo.

FESTIVALES 2016

POR OIHANE PÉREZ

Llega el buen tiempo y con él, los festivales musicales. Año tras año, los melómanos pueden dar rienda suelta a su afición por la música recorriendo estos eventos multitudinarios. El 15 de abril dio el pistoletazo de salida el famoso Coachella, celebrado en la región estadounidense de Indio, en el estado de California. Pero no hace falta cruzar el charco para disfrutar de la música en vivo ni del ambiente festivalero, en España tienen lugar grandes festivales dedicados a músicas de varios géneros y celebrados a lo largo de todo el país. Si sientes el rock correr por tus venas, no puedes faltar a la cita con el Viñarock, que se celebra en Albacete del 28 al 30 de abril, al cual acuden año tras año los mejores grupos del rock nacional. Este año el cartel está formado por grupos como “La pegatina”, “Berri Txarrak”, “Lendakaris Muertos”, “Boikot”, “Barón Rojo” y “Def con Dos”, entre muchos otros. También tienen cabida en este festival el género del hip-hop, mestizaje y reggae, por lo que se puede disfrutar también

de las actuaciones de grupos como “Los chicos del maíz”, “El Chojin”, “Duo Kie”, “Morodo & Okiume Lions”, o “Shabu”. Si todavía queda energía en tu cuerpo, puedes desplazarte hasta Murcia para acudir al SOS 4.8, el cual tiene lugar el 6 y 7 de mayo, en el que no sólo podrás disfrutar de la música de grupos como “Love of Lesbian”, “Amaral”, “The Libertines” o “Triángulo de Amor Bizarro”, sino que podrás deleitarte con el apartado artístico que propone éste festival, además de su espacio reservado para conferencias y mesas redondas en el que científicos, economistas y filósofos debatirán sobre la situación mundial actual. En junio la cita musical se traslada a Barcelona, de la mano del Primavera Sound y del Sónar. El primero se celebra del 1 al 5 de junio, y está dedicado al mundo del pop, rock y música underground. Este año su cartel presenta importantes grupos de la esfera internacional como “Radiohead”, “PJ Harvey” o “Sigur Rós”. El Sónar, que

tendrá lugar del 16 al 18 de junio, se especializa en la música electrónica, e introduce en su cartel nombres como “The Black Madonna”, “The Martinez Brothers”, “TroyBoi”, “Paco Osuna”, o “Fatboy Slim”. Ya entrado el verano, julio ofrece dos importantes citas, una en el norte de España, con el BBK Live celebrado en Bilbao del 7 al 9 de julio, y otra en Benicassim (Castellón) con el FIB, que tendrá lugar del 14 al 17. A pesar de que ambos carteles se encuentran todavía abiertos, ya se ha confirmado la asistencia de grupos internacionales como “Arcade Fire”, o “Pixies” en el festival vasco, y las de “Muse”, “The Chemical Brothers”, “The Vaccines”, “Jess Glynne” y “The Kills” para el festival valenciano. En agosto la cita musical vuelve a darse en la costa mediterránea de Castellón, ésta vez en la localidad de Burriana, con el Arenal Sound, un festival de 6 días de duración entre los días 2 y 7. Algunos de los artistas ya confirmados para éste festival son “Kaiser Chiefs”, “Steve Aoki”, y los nacionales “Izal”, “La Raíz”, “Miss Caffeina” y “Carlos Sadness”. Para terminar el verano a ritmo de la mejor música hay que trasladarse hasta la capital madrileña, donde tiene lugar uno de los festivales más jóvenes del panorama nacional, el DCODE, que tendrá lugar el 10 de septiembre. De momento sólo se conoce una actuación de éste festival, se trata de la banda californiana Eagles of Death Metal, grupo que tuvo que cancelar su concierto de diciembre en la capital debido al trágico suceso de la Sala Bataclan en París. Te guste el rock, el pop, la música electrónica o el rap, seas del norte o del sur, no hay excusa. Con la gran variedad de festivales musicales que se organizan en todo el país tu diversión este verano está asegurada.

Ultimas

SALIDAS

ya estamos en primavera, algo lluviosa pero igual de bonita y brillante. Y NO HAY NADA MÁS GRATIFICANTE QUE DISFRUTARLA CON NUEVA MÚSICA, NUEVAS CANCIONES Y MU' CHO AMOR. eNTRE LO NUEVO ENCONTRAREMOS , POR EJEMPLO, A loquillo, meghan trainor o ariana grande. perdérselo sería una absoluta locura.. Por MARÍA JOSÉ LAREDO

AURORA

THROW THE DICE

El pasado 15 de Mayo veía la luz el tercer álbum de estudio de ‘Fuel Fandango’ al que han bautizado con el nombre de ‘Aurora’. “La Aurora es la primera luz de la mañana... La que vemos al despertar, la que nos da la vida y la que nos trae a este momento, inspirándonos para escribir estas canciones.” Así presentan Ale y Nita su nuevo trabajo a sus seguidores y a los que quieran unirse a ellos.

Nuestra próxima representante en Eurovisión reedita en unos días su último álbum, que ya fue originalmente publicado el año pasado incluyendo en esta ocasión una nueva versión del eurovisivo Say yay!.

Tras siete años mostrándonos composiciones que unen el flamenco y la electrónica como un único género, vuelven al mercado de la mano de Estrella Morente o el Niño de Elche. Después de casi un año dedicado exclusivamente a la composición, que se ha visto marcada por su propia historia personal, nos traen doce temas que consolidan firmemente su identidad y en los que cuentan en mayor medida con el español para comunicarse. Salvaje ha sido presentado como su primer single oficial.

Barei, madrileña de cuna, ha compuesto e interpretado todas las canciones que dan forma a este disco y, aunque no ha sido hasta hace unos meses que su nombre empezó a sonarnos a todos, lo que es cierto es que cuenta con más de quince años de experiencia en el mundo de la música. Ha sido telonera de Lenny Kravitz en Marbella, y ha compuesto entre otros para Malú o Edurne. Desde luego, no ha estado de brazos cruzados durante todo este tiempo. En este álbum cuenta con influencias del pop británico, funk y soul y está compuesto íntegramente en inglés. Trece temas que no dejarán indiferentes a nadie.

VIENTO DEL ESTE

SOUL, BULERÍA Y MÁS

En este mes de Abril volverá a escucharse en nuestras reuniones y encuentros la música de Loquillo gracias a ‘Viento del este’.

Sexto álbum de estudio de una de las voces más particulares de nuestro país, de la mano de Warner Music Spain. Formado por doce canciones, con una selección de clásicos del pop y del soul con un puntito flamenco tan típico de Pitingo.

Nos cuentan que ‘Viento del este’ es una historia urbana, un disco de rock español que aglutina todas las influencias que Loquillo ha ido acumulando durante su amplia experiencia. Un disco con muchísimas horas de trabajo del que no se ve y que imposible vincular únicamente con el rock and roll. Con este nuevo álbum, nos ofrece una obra cumbre y sobresaliente, que podríamos denominar que va unos pasos por delante del rock español. Podremos disfrutar de tremenda lección de música el próximo 24 de septiembre en la plaza de toros de las ventas en un concierto único e irrepetible.

El artista presentará durante seis días consecutivos su nuevo trabajo en el teatro de la Luz Phillips Gran Vía: del 31 de mayo al 5 de junio. Con la producción de Pablo Cebrían y la colaboración del coro Gospel Factory, ya ha conseguido tocar nuestra fibra más sensible con su primer single: ‘Ain’t no mountain high enough’. Sin duda alguna, Pitingo nunca dejará de sorprendernos.

THANK YOU

DANGEROUS WOMAN

Hace unos días, Meghan Trainor nos sorprendía con su nuevo single ‘No’, adelanto de uno de los lanzamientos más esperados de este año 2016. ‘Thank you’ se trata del segundo álbum de esta estrella del pop, pero que ya ha sido vencedora de un premio Grammy.

‘Dangerous woman’ será el tercer álbum de estudio de Ariana Grande, aunque en un primer momento se denominó de manera provisional como ‘Moonlight’.

En este nuevo disco, la cantante nos muestra un lado completamente distinto al que nos tenía acostumbrados, pero sigue destacando por su fuerza y su poderosa voz. Y ya incluso antes de su publicación, ya se ven varias nominaciones y records en el horizonte. Comenzó el año ganando premios y podemos poner las manos en el fuego (y no quemarnos) si decimos que terminará de la misma manera.

Mostrándonos su lado más fuerte, maduro y dejando a un lado a todos aquellos que han intentado quitarle protagonismo a su espléndido trabajo, Ariana se muestra fuerte y más mujer que nunca con la ayuda de Savan Kotecha, con quien ya ha trabajado en varios de sus temas más conocidos de su segundo álbum. El primer single oficial será el que da título al álbum, y será precedido por ‘Be alright’. En el contará además con la colaboración de Macy Gray.

La M.O.D.A POR MARTA LARRAD La M.O.D.A. (también conocida como La Maravillosa Orquesta del Alcohol) es un septeto de música acústica que nace en Burgos hace cinco años. Tanto el público como la crítica destacan de este grupo la originalidad (combinan instrumentos acústicos a los que estamos poco acostumbrados como el banjo, la mandolina, el acordeón o el saxofón), su directo, en el que el público está totalmente entregado, y la tan reconocible imagen de la banda.

El grupo se formó en el 2011 y sus componentes son Adán Ruiz Román (guitarras y mandolina), Alvar de Pablo (saxofón y coros), Caleb Melguizo (batería y percusiones), Joselito Maravillas ‘El reverendo del blues’ (acordeón y coros), Jorge Juan Mariscal (bajo) y David Ruiz (voz, banjo y guitarra). En algunos conciertos, cuentan con la colaboración del gallego Jacobo Naya (piano, guitarra y percusiones).

Estilo musical e influencias La Maravillosa Orquesta del Alcohol destaca por la gran variedad de estilo de sus canciones, todo ello reflejo de sus diversas influencias como Johnny Cash, Bruce Springsteen,The Waterboys, Mumford & Sons, Fleet Foxes Y Creedence Clearwater Revival, entre otros. En sus cinco años de trayectoria, el grupo ha editado varios ep´s y dos discos. Y todo ello sin discográfica, gracias al apoyo de sus seguidores. La gran acogida de todos sus trabajos les ha llevado a actuar en los principales escenarios y festivales en giras nacionales e internacionales, desde Burgos hasta Reino Unido o Irlanda.

La experiencia se ha traducido en una mayor madurez musical. Tienen una fuerte base acústica que recuerda a nombres de formaciones clásicas como The Waterboys y The Pogues o a cantautores como Billy Bragg. En cuanto al idioma, el grupo combina base instrumental de influencia anglosajona con letras en castellano en alguno de sus temas, sin encasillarse ni hacer que el oyente se ruborice. La letra de su single ‘Nómadas’ (con referencias al escritor Jack Kerouac y guiño a la mítica banda de punk Eskorbuto) transmite a partes iguales la oscuridad y la luz del camino que recorremos, donde la voz cruda de David Ruiz, contrasta con la calidez instrumental del tema, dotando a la banda de un sello personal y característico.

Discografía Su debut musical fue con el EP “No Easy Road” en diciembre de 2011, compuesto por 6 temas. Un año después, publicaron su segundo trabajo titulado “The Shape of Folk to Come”, un guiño a Ornette Coleman y a la banda Refused. Este EP se compone de 8 canciones nuevas y ade-

más incluye su primer trabajo. En el año 2012, la revista musical independiente Mondosonoro eligió “The Shape of Folk to Come/No Easy Road”, como el cuarto mejor disco de Folk nacional, el primero si tenemos en cuenta los trabajos autoproducidos. En el año 2013, fueron finalistas en los Premios de la Música Independiente, dentro de la categoría “Mejor álbum de músicas del mundo”. La M.O.D.A. participó en la 35ª Edición de los Premios Rock Villa de Madrid, donde quedó entre los 5 grupos finalistas. En otoño de 2013 la banda sacó su primer LP ¿Quién nos va a salvar?, bajo el sello ‘Mús Records’. ‘Nómadas’ fue el primer single de adelanto de su nuevo disco, inspirado por los viajes que el grupo realizó para actuar por todo el país e influida por la realidad socio-económica que obliga a muchos jóvenes a emigrar para poder ganarse la vida, esta canción respira espíritu de superación e ilusión frente a la adversidad. El último disco del grupo ‘La primavera del invierno’, supone un paso definitivo hacia la consolidación de un proyecto que destaca por su autenticidad. La voz rasgada y el acordeón si-

guen siendo la bandera del grupo y sus nuevas composiciones reflejan la mezcla de sonidos que influencia al septeto, pero, a diferencia de anteriores trabajos, La M.O.D.A. suena más que nunca a conjunto. En cuanto a las letras, hablan de aprender a vivir, aceptar y superar las pérdidas y los golpes del día a día, de cómo eso te enseña a agarrarte a los buenos momentos. Y también de crítica e inconformismo, con el resto y con uno mismo.

Conciertos La banda ha dado más de 250 actuaciones, en España, Francia, Italia, Holanda, Irlanda y Reino Unido. Destaca su paso por los festivales más importantes (Bilbao BBK Live, Sonorama, Festival Internacional de Benicassim, La Mar de Músicas, Cruïlla Barcelona, Al Rumbo, Arenal Sound, Actual, Músicos en la naturaleza, BIME, FACYL, etc) y sus giras por salas de todo el país. (3 sold out consecutivos en la Sala El Sol de Madrid y 2 consecutivos en el Teatro Principal de Burgos, entradas agotadas en Joy Slava y Sala Penélope de Madrid, en Kafe Antzokia de Bilbao y El Hangar de Burgos entre muchos otros). Además ha compartido cartel en giras con artistas internacionales como Mark Knopfler, Dropkick Murphys, Frank Turner...

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Dos meses de vida POR ALEJANDRA ESPINO

El 1 de febrero de 2016 emitía por primera vez el nuevo canal de Movistar a través de su plataforma de pago Imagenio. ¿Cuáles son sus puntos fuertes y débiles?

En 1988 se aprobó en España la Ley de Televisión Privada que concedió licencia para emitir a Antena3, Telecinco y Canal+. Centrémonos en este último que nos introdujo en el mundo de la televisión de pago. ¿Quién no recuerda a esos guiñoles que nos contaban la realidad con gracia e ironía? ¿O esas series extranjeras que eran la noche y el día de las nuestras? ¿A quién no le han hablado de las películas porno que a más de uno dejaron ciego por intentar ver algo a través de las rayas de codificación? Ese canal, que marcó en buena medida el porvenir de la televisión española, ya no existe. ¡Dad la bienvenida a #0! El nuevo canal de Movistar emitió por primera vez el 1 de febrero de 2016 y con motivo de sus dos meses de vida VIM Magazine hará un análisis de qué funciona, qué no y qué ha supuesto para la televisión. Con toda seguridad, el nombre del canal es el más indicativo de su contenido de todos los que hay en la televisión de España. #0, un hashtag, una etiqueta digital que solo los que vivimos conectados a las redes sociales entendemos de primeras sin necesidad de una explicación. El nuevo canal busca un target joven y pendiente de la actualidad, pero cansado de los programas de la televisión generalista. El director de #0 es Fernando Jerez, antiguo director de Discovery Max y trabajador de Atresme-

dia y Cuatro. El currículo de Jerez está presente en la parrilla que cuenta con una gran carga de documentales y reportajes de actualidad; ‘Diario VICE’, ‘Fauna letal’ o ‘El origen de la mafia. Nueva York:’; programas de entretenimiento; ‘Likes’, ‘Late Motiv’ o ‘Ilustres Ignorantes’; y ficción internacional con ‘Guerra y Paz’. En estos dos meses de programación regular la empresa de medición de audiencias Kantar Media, sitúa a #0 en el sexto lugar de los canales de Movistar, igualando a su predecesor Canal+ y un 3,3% de cuota de pantalla entre los canales de pago y una media de 292.000 espectadores. #0 es una cadena de pago que, en principio, no busca la audiencia sino ofrecer un contenido que satisfaga a los usuarios que pagan por él, ¿lo ha conseguido?

‘Late Motiv’ e ‘Ilustres Ignorantes’; los reyes del canal #0 surgió con la idea de crear contenido de producción propia y exclusiva para sus clientes, pero sin renunciar a los programas o caras que funcionaban en el antiguo Canal+. Sus dos programas más vistos son un fiel reflejo de esta hibridación entre lo nuevo y lo antiguo: ‘Late Motiv’ e ‘Ilustres Ignorantes’. ‘Ilustres Ignorantes’ empezó casi como una ter-

tulia entre amigos y que después de siete temporadas y un Premio Ondas a Mejor Programa de Entretenimiento en 2014, se cuela entre las emisiones más vistas de la televisión de pago con una media de 0,5% de share en el universo total de la televisión –tres décimas por encima de la media del canal–. Con el nacimiento de #0, ‘Ilustres Ignorantes’ estrenaba su octava temporada con cambios en la producción que, por suerte, no han supuesto cambios en el contenido. La dinámica del programa es muy sencilla: Javier Coronas a la cabeza y Pepe Colubi y Javier Cansado como colaboradores o tertulianos fijos, reciben en cada programa a dos invitados diferentes y los cinco responden a las preguntas que Coronas les lanza sobre un tema determinado. El programa dura media hora y el único guion escrito son las preguntas del presentador, dando como resultado una hilarante conversación entre amigos, de esas que todos tenemos en un bar para “arreglar el mundo”, que termina con la seña de identidad del programa; los regalos que el presentador les hace a los invitados, siempre relacionados con el tema del que han hablado y comprados en el chino. Con la llegada de #0, ‘Ilustres Ignorantes’ ha pasado de grabarse en la sala Galileo Galilei a hacerlo en el Teatro Calderón, multiplicando por mucho el número de espectadores que pueden verlo en directo. El otro programa que funciona en #0 es ‘Late Motiv’, producido por El Terrat y presentado por Buenafuente. El programa sigue la línea de las anteriores aventuras televisivas del cómico cata-

lán, pero se emite diariamente de 23:00 a 00:00 horas, casi una hora antes de lo que lo hacían sus programas en las cadenas generalistas. Un acierto. El plató y la dinámica se parecen mucho al ‘Late Show with David Letterman’ de la cadena americana CBS, con la mesa del presentador a la derecha y los invitados en un sofá al lado de esta a una altura inferior. Buenafuente entrevista a personajes mediáticos de interés e incorpora actuaciones cómicas de sus habituales como Berto Romero o la niña de Shrek. Otro punto fuerte de ‘Late Motiv’ son las actuaciones en directo de grupos nacionales. Y qué maravilloso era eso de escuchar y ver música en directo en la televisión, ¿verdad?. Maravilloso y necesario. En estos dos meses, el programa ha conseguido colarse ocho veces entre las 20 emisiones más vistas de la televisión de pago con un share que oscila entre el 0,5 y 0,4%.

‘Likes’; el programa más cuestionado Cuando #0 empezó su campaña de promoción, la presentadora Raquel Sánchez Silva fue anunciada como uno de los fichajes estrella. Su espacio, ‘Likes’, parecía destinado a ser un triunfo rotundo. Contaba con una de las presentadoras más queridas de Mediaset, estaba producido por 7 y Acción de Pablo Motos y daría una vuelta de tuerca a los magazines tradicionales abordando la actualidad desde el punto de vista de su repercusión en las redes sociales. Junto a Sánchez

Silva se sentarían rostros conocidos de Canal+ como Javier Cansado y el Monaguillo, y otros conocidos por el gran público como Chenoa – quien dejó el programa hace poco para centrarse en su próximo disco–. ‘Likes’ se estrenó con un elevado 3% de share que, contra los pronósticos, se desplomó a lo largo de las emisiones siguientes. ¿Por qué esa bajada tan rápida? Para empezar hay que tener en cuenta que se emite a las 20:30 horas compitiendo con ‘Pasapalabra’, ‘Boom’ y los Informativos de Cuatro y laSexta. Todos programas con una audiencia muy consolidada y especialmente elevada en el caso del concurso de Telecinco. Por otro lado, tenemos que aunque esté el lado innovador de las redes sociales, ‘Likes’ es un programa más de “batiburrillo” en el que la presentadora y los colaboradores tienen todo el protagonismo y los invitados son tratados con mimo, llegando a veces a la adulación injustificada. Raquel Sánchez Silva desempeña su papel más forzado con risas poco naturales perdiendo la frescura que le caracterizaba en sus anteriores aventuras televisivas. Lo positivo de‘Likes’es, precisamente, el canal en el que se emite. Al carecer de la presión de obtener determinados datos de audiencia, #0 puede mantener el programa en parrilla y probar cambios en el contenido hasta dar con un formato que atraiga a más público.

‘Diario Vice’; un programa infravalorado Una de las apuestas que hizo #0 con su llegada fue ‘Diario Vice’, un programa de reportajes que se emite de lunes a viernes a las 22:30 horas. Está basado en el programa homónimo de la cadena estadounidense HBO y está dirigido a un target jovenadulto con curiosidad y ganas de informarse. Los temas que trata ‘Diario Vice’ son de actualidad, pero no política. Se centran en el mundo de las drogas, el motor, los tatuajes, etc. A pesar de que así planteado ‘Diario Vice’ es un programa que encaja en la idea de #0, los datos de audiencia está muy lejos de la media del canal y de las expectativas depositadas en el proyecto. Jerez ha manifestado en algunas entrevistas su deseo de seguir trabajando en ‘Diario Vice’ y de asumir nuevos riesgos. Una decisión inteligente que hay que aplaudir por diferentes motivos: #0 es un canal dedicado a un público jovenadulto, es decir gente entre 20 y 55 años que busca un entretenimiento inteligente hecho con calidad y mimo que también agradece espacios de información que se diferencien de los programas de las cadenas generalistas. ‘Diario Vice’ es una muestra de trabajo periodístico bien hecho que habla de temas que no suelen tener cabida en la televisión

en abierto. Continuar con el programa es una decisión arriesgada desde el punto de vista de las audiencias, pero una señal de inteligencia si lo que buscan los responsables de #0 es construir un sello identificativo a través de todos sus programas entendidos como un conjunto. Igual que se habla de ‘Universo Telecinco’ como un todo en el que se incluyen distintos programas de su parrilla, apostando por programas como ‘Diario Vice’ y documentales o reportajes de Sistiaga, junto a ‘Ilustres Ignorantes’ y ‘late Motiv’ se puede llegar a hablar un ‘Universo Cero’.

El futuro de #0 Con apenas dos meses de vida, #0 está prácticamente en pañales y aún tiene todo por hacer. Desde el canal han anunciado que será a partir de esta primavera cuando estrenen más parrilla de producción propia. #0 emitirá su primer reality, ‘La Huida’, inspirado en ‘Hunted’ de Channel 4, y la adaptación de ‘He naked choir’, algo así como un coro al desnudo. Junto a estas dos apuestas por el entretenimiento y los realities, también podremos ver ‘Tabú’, un programa de reportajes del veterano Jon Sistiaga y ‘Marathon Man’, una serie de docurealidad. Además de lo que llegará en abril, ya se ha estrenado ‘Cuando no esté. El mundo dentro de 25 años’, el nuevo programa de Iñaki Gabilondo en el que un grupo de expertos tratan de dar respuesta a interrogantes sobre cómo se vivirá dentro de 25 años. A falta de conocer los datos de audiencia, algo está claro: que vuelvan las entrevistas de Gabilondo. Esas en la que durante una hora el periodista daba lo mejor de sí mismo y nos permitía conocer a todo tipo de personajes de la vida pública de nuestro país. A veces no hay que modificar algo que ya funcionaba. Al sustituto de Canal+ aún le queda camino por recorrer para poder convertirse en un canal de referencia de la televisión de pago, pero tiene buenos ingredientes que debe saber mezclar con sabiduría. Tiene un target muy definido que debería guiar sus contenidos, tanto propios como extranjeros, y seguir apostando por la calidad al

margen de que los resultados de audiencia no sean los deseados. Cuenta con presentadores y colaboradores muy conocidos que solo necesitan algo más de tiempo para encontrar su lugar en la nueva forma de hacer televisión. Si #0 sigue apostando por el humor y la información a través de formatos que no se vean en la televisión en abierto, encontrará su sello identificativo y su hueco como canal de referencia de una nueva televisión más joven, social y participativa.

¿España se americaniza o Netflix se españoliza? POR MIRIAM PUELLES

La cadena de televisión por internet llegó a España el pasado octubre después de un alud de peticiones para su aterrizaje en el país. Costó, pero su desembarco era inevitable, como también lo era el anuncio de la primera serie original española para el canal. Una ficción que ya da sus primeros pasos y que, en definitiva, ya está aquí. El 31 de Marzo la cadena de televisión por internet anunciaba la producción de su primera “serie original filmada íntegramente en España”. Mediante un comunicado, Netflix desvelaba que, además, correría a cargo de Bambú Producciones y estaría dirigida por los directores de Velvet y Gran Hotel. Este premio puede parecer una sorpresa aparente, sin embargo, Bambú lleva haciendo largos méritos para ser ella y no otra la productora encargada. Además, la temática no podía ir más acorde con un tipo de ficción para la que son grandes expertos. La obra será un drama de época, ambientado en Madrid de 1920 que abarcará la historia de cuatro mujeres de distinta procedencia que han sido contratadas como operadoras de la única compañía de teléfonos que existía en la España de la década. Estas proceden de distintos pun-

tos del país y vienen con la esperanza e ilusión de trabajar a la vanguardia de lo que significó la revolución de la comunicación. sin embargo, todo lo que reluce no es sinónimo de oro. Madrid significaba modernidad, progreso, futuro, pero también celos envidia y traición. Unos ingredientes que se mezclarán con el hambre de éxito de las cuatro protagonistas; las cuales, asimismo, se verán envueltas en distintas tramas de amistad y amor –al fin y al cabo sin amor, no hay drama que valga–.

“Somos grandes fans de Bambú” Bambú Producciones es una de las empresas pioneras en las coproducciones a gran escala en la ficción internacional. Y es que, por si no se recuerda, ésta fue la encargada de desarrollar ‘Refugiados’, aquella serie de La Sexta que rodó junto con la BBC. Anunciada a bombo y platillo, con expectativas altas y una esperanza de cambio global, sus ilusiones se frustraron prácticamente al empezar. La que fuese un ambiciosa coproducción internacional con la todopoderosa BBC se veía frustrada ante el público español. Sin embargo, el paso ya estaba dado. Fue corto, efímero, pero Bambú sabía que la llegada de alternativas como Netflix

–pronto lo hará HBO– les abrirían de nuevo las puertas. Tanto es así que desde la compañía norteamericana –en palabras de su vicepresidente internacional de Originales, Erik Barmack, afirmaron sentirse “encantados” de trabajar con la productora, “con el director Carlos Sedes y con la cocreadora Gemma Neira”. “Somos grandes fans de su trabajo en ‘Gran Hotel’ y ‘Velvet’, romances épicos que han tenido una gran recepción por parte de nuestros usuarios en todo el mundo”, apuntaron. Es por ello que no dudaron en reiterar su compromiso con la empresa española: “Estamos seguros que a nuestros miembros les va a encantar este drama atractivo y único, creado por algunos de los mejores narradores de España”.

Velvet, el resistir de un gran éxito ‘Velvet’ recogió el testigo del boom que ‘El tiempo entre costuras’ provocó en España. Fueron pocos los capítulos que la miniserie de Adriana Ugarte dispuso, sin embargo, su huella pudo verse reflejada en el incremento de las ventas de máquinas de coser así como en el número de matrículas para escuelas de costura. Todos querían ser como ella y Antena 3 no estaba dispuesta a dejarse ir un diamante en bruto. Así llegó ‘Velvet’, con el arrastre del éxito, con la perfección de una serie estéticamente precisa que deleitó a los amantes de la costura y de las ficciones de época. Su repercusión en España fue tal que la media de audiencias de su primera temporada abarcó los 4,2 millones de espectadores y un 21,8% de cuota. Unas cifras cuanto menos elevadas para una todopoderosa Mediaset que no logró superarla. El éxito fue a más. Sí, a más. Por lo general la segunda temporada de una serie en España tiende a la baja, ya que los tiempos de espera entre una y la siguiente suelen repercutir en la continuación de los espectadores frente al televisor. No obstante, el drama entre Paula Echevarria y Miguel Ángel Silvestre acumuló una media de 4,1 millones de espectadores y un 22,2% de sha-

re, unos números que la conformaron como un gran peso en la parrilla y que sólo podía verse reducida con otro gran formato: el reality. Así lo quiso Telecinco con su contraoferta de Gran Hermano durante su tercera y última temporada hasta la fecha. Los jueve son sinónimo de reality ya que la cadena de Mediaset ha establecido en el imaginario social ese día como fecha óptima. Los fieles lo saben, el resto lo imaginan. El problema es que la ficción de Bambú perdió un millón de espectadores de media y se quedó en el 18,2% de share. Aguantó el tirón, pero el desgaste fue evidente. La cuarta parte comenzará a emitirse a partir del nuevo curso televisivo: en septiembre. Todavía queda, el tiempo es largo, pero los seguidores de ‘Velvet’ –por suerte– ya tienen un nuevo motivo por el que alegrarse hasta la fecha: su legado, gracias a Netflix, está a salvo.

TEXTO: IKER AZKOITIA VIDEO: LAURA PÉREZ FOTOGRAFÍA: SERGIO LARDIEZ

uelve Maggie. Y esta vez no lo hace sola. La puerta del estudio se abre y a la risa de la actriz le acompaña el correteo de unas patitas curiosas. Su perro Harley, adoptado recientemente y aún en depresión por los maltratos que sufrió, no duda en ir a descubrir olisqueando todo los huecos del estudio mientras su dueña se prepara para una entrevista en la que nos va a hablar de sus pasiones y sus miedos. De cómo quiere enfocar su carrera profesional y del giro de 180º que va a dar el personaje que le ha dado la popularidad en la segunda temporada de una de las producciones más arriesgadas y cuidadas de la parrilla televisiva. Ella parece igual de desenvuelta y resolutiva que la última vez que la entrevisté aunque, a pesar de estar en plena promoción de la serie, ya no va envuelta en un torbellino. La veo mucho más relajada y enfocada en disfrutar del momento a momento. Entiendo, a medida que hablamos, que mucho ha tenido que ver su lucha contra la exigencia interna por intentar hacer su trabajo

lo mejor posible. Su entrega y compromiso ya se vieron reconocidos el año pasado con la Biznaga de Plata a la mejor actriz de cortometraje en el Festival de Málaga, premio al que el mes pasado se sumaba el de mejor actriz protagonista de televisión por la Unión de Actores en una gala en la que las chicas de “Vis a vis” fueron las triunfadoras llevándose otros dos galardones. Vuelve Macarena. Y esta vez ya no solo tiene que encajar golpes sino que los devuelve con fuerza. Una fuerza oscura como el nuevo mono de presa peligrosa que luce y es que a los cargos que pesaban sobre ella en la primera temporada se les suman el de fuga y el de homicidio. Esta vez “Cruz del Sur” recibe a una Macarena que poco a poco va a dejar de temer para ser temida, capaz de lo que sea para salir adelante en este segundo asalto en el que nadie es imprescindible y que promete giros emocionantes, extrañas alianzas y muertes inesperadas... Sonido graba, cámara graba, luces fuera; comienza El Contraluz.

El Caso

LA MALA SUERTE de una buena serie POR ALBA CORDERO

ras la salida repentina y problemática de Bertín, a TVE parece que sólo le queda un campo en el que mantenerse en la guerra de audiencias que vivimos cada día, a excepción de ‘MasterChef’: el de las series. ‘El Ministerio del tiempo’ cada vez gana más espectadores –sobre todo digitales–, ‘Águila roja’ lleva seis temporadas en antena y sobra mencionar el público fiel que sigue ‘Cuéntame’ cada semana tras diecisiete temporadas. La última incorporación a la parrilla, ‘El Caso’, tiene todos los ingredientes para triunfar: una premisa interesante, como es la de un procedimental inspirado en casos reales que cuenta la historia de un periódico que se editó en España durante más de cuarenta años y que investiga en cada capítulo un crimen nuevo; unos personajes que enganchan: Jesús y Clara, que como mandan los cánones de la ficción, son tan distintos entre ellos y chocan tanto que son los protagonistas perfectos para una redacción llena de gente que también promete darnos momentazos; un reparto en estado de gracia; una factura técnica más que notable; el efecto nostalgia, que sin duda enganchará a más de uno que leía “El Caso” en su niñez, juventud o etapa adulta; y el efecto twit-

ter: la cuenta de la serie en la red social es la hermana pequeña de la de ‘El ministerio’, y como buena hermana pequeña, ha sabido llevar a cabo todo lo aprendido. ¿Pero es suficiente? No, no lo es. Hay algo que ya no depende del equipo de la serie, y ese algo es la programación. O más bien, la contraprogramación. Y la suerte. O más bien, la mala suerte. ‘El caso’ tuvo bastante de esta última al estrenarse el mismo día que en Antena 3 había un partido de la Champions. Su segundo capítulo se emitió el Martes Santo. La tercera semana Antena 3 decidió mover ‘Allí abajo’ al martes porque los viernes las series no funcionan. Y el cuarto capítulo tuvo que enfrentarse, además de a la serie de María León y Jon Plazaola, al regreso de ‘La que se avecina’, que arrasa cualquier día a cualquier hora. Parece que la contraprogramación es algo a lo que se tiene que acostumbrar ‘Plano a plano’, productora de la serie protagonizada por Fernando Guillén Cuervo y Verónica Sánchez. El año pasado tuvo que ver cómo Antena 3 y Telecinco enfrentaba sus dos series, ‘Allí abajo’ y ‘El príncipe’, que a pesar de ello, ambas lograron muy buenos datos de audiencia, convirtiéndose en los productos

estrella de sus respectivas cadenas. Por los resultados que ha obtenido hasta ahora (en ninguna de sus emisiones hasta el momento ha llegado al 14% de share), no se puede prever que ‘El caso’ vaya a tener la misma suerte que sus hermanas de productora. Vale, la semana tiene siete primetimes. Cinco, si quitamos viernes y sábado. Y los domingos son de La Sexta y de los debates del reality que esté en emisión. No quedan muchas opciones, y no se puede programar a gusto de todos y para el beneficio de cada serie o programa, está claro, pero enfren-

tarse a estos productos ya consolidados le va a pasar factura a ‘El Caso’. Y no lo merece. Quizás no está hecha para hacer un 25% de share cada semana, pero TVE debería tener paciencia y no preocuparse por las audiencias, o al menos no demasiado. Y hoy en día, siempre nos queda internet y la web de RTVE a la carta. ‘El Caso’ es una serie que engrandece a la cadena pública, a la profesión de periodista y al panorama televisivo nacional en general, y esperemos que siga así por bastante tiempo.

OPINIÓN

POR M. P. El espectador televisivo cada vez es más exigente, no se conforma con cualquier cosa. Esta afirmación, que aparentemente estaba aceptada en la evaluación de los contenidos antes de emitirse –o eso parecía–, no termina de reflejarse en algunas apuestas caducas que los grandes medios tratan de vender como éxitos pero que en realidad sólo reflejan la huella de lo que algún día fueron. Y si no que se lo pregunten a ‘Top dance’. Se intuyó como el resurgir de ‘Fama, ¡a bailar!’, aquel talent de Cuatro que levantó las audiencias del segundo canal de Mediaset y que provocó un fenómeno fan a lo ‘Operación Triunfo’. Todo el mundo quería ser como Vicky o como Quique. Todo el mundo quería conocer a Marbelys, Sergio Alcover o a Rafa Mendes. Pero… ¿y ahora qué? ¿Acaso alguno de los concursantes de este “novedoso” formato de Antena 3 conseguirá tales expectativas? La respuesta se presiente clara ante lo que se vaticina como un rotundo “quiso pero no pudo”.

La dinámica es sencilla: un grupo de 16 concursantes tendrán que ser el mejor en todas las disciplinas que se les enseñará en la academia y medirse semanalmente al veredicto del público y del jurado. Si convences, si enganchas, si eres carne de reality, tendrás opciones de pasar; pero, si no tienes un drama a tus espaldas, olvídate de continuar. Da igual que seas el mejor bailarín de España, que lleves años dando clases de X disciplina y que hayas ganado cientos de competiciones. Cuando desde el programa piloto priman los sentimentalismos y dramas familiares a un nivel excesivamente, tu futuro en la escuela variará dependiendo de tu estabilidad emocional. Así pudo verse desde una primera gala en la que los personajes estaban elegidos como si de una serie de ficción se tratase. El bueno, el malo, la pareja, la dicharachera, la ingenua… y el flamen-

co. Ojo, el flamenco que nunca falte. Sin un David Bisbal, Manuel Carrasco o un Pablo López, el mercado musical español procedente de los talent shows no sería el mismo –y es un hecho que hay que resaltar y alabar–. Pero –y ahora sí centrándonos en lo importante– ¿por qué ese alud de dramatismo? ¿Por qué fijarse tanto en la historia que hay detrás y no en la que hay delante? ¿Por qué primar las historias sobre la profesión? Uno de los motivos que podrían considerarse certeros provienen de la mera productora. El cambio de Gestmusic –con talents como ‘TCMS’ u ‘OT’ a sus espaldas– a Boomerang –productora de ‘La Voz’– ha sido uno de los motivos. Esta última ya entonó el carácter sentimental para introducir a los concursantes en su formato de Telecinco. Es la narración, la guionización, la empatía con un personaje para que no quede en una mera figura que baila. Hay que ir más allá. El problema es que sobrepasar el límite de la realidad y lo forzado es muy fácil, e intentarlo con un público como el de Antena 3 no es lo más acertado. Telecinco gira en torno a las emociones continuas, a la novelización de los hechos. La cadena de Atresmedia, sin embargo, tiene un target que busca otro tipo de cosas: fuerza, garra, baile. Y sí, hay concursantes que reúnen las características puras del participante correcto en un formato de estas características, pero otros distan mucho de la competición. Por otro lado, existe un fallo más a destacar que puede ser determinante conforme avance el programa. Es una buena idea que para dar más emoción se coloque un suelo resbaladizo, da brillo e ilumina más el plató. Pero cuando se trata de primar el espectáculo de una disciplina artística, ¿no puede ser contraproducente que los participantes no puedan estirar bien sus piernas

o que tengan que verse limitados a factores externos? Así lo puntualizó Mónica Cruz, jurado de esta edición y artista con formación en danza a sus espaldas –más allá de ‘Upa Dance’–. No es de extrañar que ante tal cúmulo de acontecimientos las redes sociales utilicen el programa para reiterar su rechazo. Un mayor número de comentarios en el share social no es sinónimo de éxito, sino de abundancia –y no tiene por qué ser buena–. ‘Top Dance’, como cualquier otro talent o show, es muy propio para verse reflejado en sitios como Twitter, donde cada espectador comenta qué le ha parecido una actuación u otra. Y así ha sucedido. El resultado deja mucho que desear, no cabe duda. Hay bastantes aspectos a matizar que vuelven a atragantar a Antena 3 ante un talent que no termina de despegar. Por ello, y para evitar un sufrimiento mayor, sólo queda decir: ¡Que alguien les pare!

POR DAVID RAMIRO RUEDA

Reparto: Jaime Zataraín – Maia Sur – Lidia Navarro – Fernando Ramallo Dirección: Paco Montes Equipo creativo: Escena y Luz, José Helguera | Fotografía, Jaime Massieu | Diseño Gráfico, Alexander Pantchenko | Producción, Iván Calderón | Versión, Jodi Galcerán | Producción: MalaSur Producciones

En el año 2009 ganó el premio “Tony” a la mejor obra teatral de Broadway. En 2011 fue llevada a la gran pantalla por Roman Polansky, y fue galardonada en numerosas ocasiones: nominada a los Globos de Oro y los premios Goya (mejor película extranjera), entre otros. Ahora, “Un Dios Salvaje” puede verse representada en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid hasta el 15 de mayo de jueves a domingo. Tal y como dicen los actores, “la gente que ve la obra se siente identificada con las situaciones que se plantean, no sólo porque se hable de los hijos, sino porque se habla de las decepciones de la pareja, de la vida social, de lo que queremos ser y no somos…” e indudablemente todos hemos pasado alguna vez por un proceso de perder los papeles. Maia Sur, Lidia Navarro y Jaime Zataraín, tres de los cuatro actores del elenco, me reciben en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid para charlar no sólo de este fantástico Dios Salvaje, sino también de la interpretación, de la cultura teatral en España, y de lo “salvaje” que es producir un proyecto como éste. Pregunta obligada, ¿por qué debemos ver vuestra propuesta de “Un Dios Salvaje”? Jaime- Porque es un texto de Yasmina Reza que se está convirtiendo ya en un clásico. Se ha representado un montón de veces en un montón de países, y como las comparaciones son odiosas pero dan mucho morbo, ¡hay que ver “Un Dios Salvaje” en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid! (risas) Maia- ¡Por supuesto que hay que verla! Es una comedia con golpes muy buenos, el texto es maravilloso, está muy medido… Y el público va a ver la versión más salvaje de las que haya visto hasta el momento de este libreto. Además de pasar un buen rato, si se quiere, cada uno se lleva una reflexión tras ver la obra, qui-

zás no justo a la salida del teatro, pero sí ya más adelante, en la tranquilidad del hogar ¡o en las cañas de después! Lidia- Lo de la reflexión va a depender mucho según la situación personal del espectador en ese momento: de si tienes hijos, si estás o no bien con tu pareja… Las situaciones que se dan en la obra son muy reconocibles, así que no vamos a ver en el escenario algo precisamente lejano… Bueno, ¡o quizás sí! Con respecto a la versión cinematográfica, o a otras propuestas teatrales del mismo libreto, esta vez se ha bajado un poco la edad… J- Ese puede ser otro motivo para venir a vernos. Es una novedad y una apuesta diferente a otras adaptaciones. L- No es que plantee otro estilo de padres, sino que el espectador se imagina a dos parejas discutiendo entre sí por unos hijos que son más pequeños que en otras versiones. En vez de matrimonios que rondan los 50 años, estamos diez años por debajo. M- El montaje quizás es más fresco, más dinámico, se ha intentado alcanzar a otro tipo de público de edades comprendidas en la treintena, algo que quizás no ocurría en otras versiones. El concepto de la obra sigue siendo exactamente el mismo, pero los personajes tienen otra energía. ¿Qué hay más, respeto o reto, cuando os proponen un papel que ya se ha representado en cine y en diversas adaptaciones teatrales? L- Lo que es un reto es que te propongan un texto tan potente. Luego las comparaciones… pues es que esos papeles lo han interpretado los mejores actores del panorama en cine y en teatro. Así que es algo diferente porque cada actor tiene algo particular, algo propio, innato… Así que no, supongo que no me lo planteo como una competición.

J- Efectivamente, el reto es hacer ese personaje como algo tuyo, independientemente de que ya hayas visto ese personaje en el cuerpo de otros actores. ¿Y a la hora de prepararos el personaje, os habéis documentado, por ejemplo, viendo la película? J- Yo sí tengo la película muy vista, para mí es una referencia maravillosa. No me bloquea ver a Maestros haciendo esta obra, sino que me motiva y me despierta mucho la creatividad. L- Yo la vi en su día, pero no la tenía fresca. Y preferí mantenerla así hasta el final, creía que iba a ser inevitable que me condicionara, y a mí me gusta mucho jugar e imaginar cómo sería el personaje sin tener una referencia tan clara como cuando la tienes viendo la peli. Pero luego sí, me ayudó a terminar de trazar su perfil. M- En mi caso había visto la película varias veces, había leído el libreto en francés, en castellano… y tenía una idea muy clara de cómo quería que fuera el personaje que interpreto, aunque me he apoyado mucho en la película, de aquí cojo un poquito, de aquí otro poquito, ahora meto algo que sea muy mío… y así he ido trabajándolo. ¿Qué ha sido lo más complicado de trabajar de cada uno de vuestros personajes? ¿Lidia? L- Medirlo. Y después de las funciones que llevamos a nuestras espaldas, aún sigo haciéndolo. Es uno de esos personajes con los que te diviertes muchísimo haciéndolo, pero medir el desfase es complicado. Yo tiendo a proyectar mucha energía y estoy ahí buscando dónde se descoloca realmente mi personaje, dónde engancha el impulso monumental para que una persona tan civilizada, tan ordenada…, de repente le impulse a realizar actos brutales.

¿Maia? M- En mi caso digo que ha sido la contención y la escucha. Mi personaje tiene poco texto, pero las frases que tiene son esenciales. Así que debo tener mucha mucha escucha y no bajar la guardia en todo el tiempo en el que quizás el foco de atención no cae directamente sobre mí. Interpretar sin tener un texto te obliga a una escucha corporal de la que, hasta ahora, no había tenido oportunidad de trabajar tan a fondo en otros montajes. ¿Jaime? J- Mi personaje tiene mucha escucha también, y he intentado apoyarme en los factores que lo rodean. El vestuario, por ejemplo, un traje con corbata, me ayuda a plantear un porte, una manera de moverme por el escenario, de sentarme en el sofá… No sé, es como que en mi cabeza está la intuición, pero con la escucha vas encontrando al personaje, y de repente se hace esencial desde la manera de coger el teléfono móvil hasta cómo te ajustas el nudo de la corbata. Aprovechando que Maia Sur es productora de “Un Dios Salvaje”, le pregunto también por este proceso. M- En una escala de 0 a 100, producir “Un Dios Salvaje” ha supuesto un 99 de complicado (risas). Lo más complicado ha sido el tema burocrático: legalidad, el papeleo… ¿Te exigían por ejemplo los nombres de los actores iban a interpretar cada personaje? M- Pones referencias, perfiles, porque claro, el montaje aún no está terminado cuando empiezas a rondar los derechos de explotación de la obra. Entre otras, me exigían aspectos sobre el tipo de teatro, me pedían que fuera

un teatro de primer nivel para poder llevar a cabo el proyecto. ¿Entonces “Un Dios Salvaje” no lo podremos ver en un teatro más íntimo, una sala off por ejemplo…? M- Bueno, todo es cuestión de verlo. Pero ahora mismo, por contrato, nos pedían un teatro comercial de primer orden y unas pautas a seguir para esos derechos que yo entiendo ¡por supuesto! Defiendo que el creador deba cuidar su texto, su obra, y de ahí que se pidan ciertas condiciones que desde aquí intentamos mimar al máximo. ¿Vendrá la autora, Yasmina Reza, a ver la función? M- ¡¿Te imaginas?! ¡Está formalmente invitada! Y estamos esperando respuesta. Si viene, ¿lo sabrán los actores, o se ocultará antes de la función para no ponerlos nerviosos? M- Sí, claro que lo sabrán, no quedará más remedio… ¡Más que nada porque estaría todo lleno de prensa…! (risas). Con esto de producir un montaje teatral, supongo que el aprendizaje ha sido grande… M- ¿Aprendizaje? ¡Esto para mí es un Master…! Con sus cosas buenas y sus cosas malas, pero sí, siempre aprendiendo. Al estar en el montaje tanto en la parte de producción como en la actoral, por un lado empatizo con el actor, pero también es verdad que por el otro lado, hasta que uno no está dentro de la parte de producción, no se es consciente de por lo que pasa, padece y arriesga un productor.

Y en cuanto a Lidia y a Jaime, ¿cuánto de aprendizaje supone “Un Dios Salvaje” para vosotros? J- Es una función bastante complicada, el ritmo de la función es el de una patata caliente que no puede caerse… ¡imagínate! Está escrita de una manera muy compleja a nivel actoral, es un entrenamiento de escucha brutal. L- Por mi parte, además de que coincido con lo que dice Jaime, el aprendizaje que me estoy llevando es el de la continuidad. Es complicado hacer funciones seguidas, no suelen programarte cuatro días seguidos a la semana, esto es un gustazo porque te da otro tipo de entrega a la hora de ir perfilando el personaje que no puedes conseguir cuando te programan una o dos funciones a la semana. La continuidad es súper importante tanto para el actor como para el propio personaje que interpretas. ¿Qué opinión os merece el teatro actual en España? J- Creo que el código del teatro está cambiando con respecto a hace algunos años. Antes iba siempre al teatro un determinado tipo de público de una franja de edad un poco más adulta…, pero de un tiempo a esta parte, no sé si por el propio contenido de dramaturgia o el resurgir del teatro en off, es quizás el responsable de la introducción positiva al teatro de un público de otras edades, que consumen un teatro más comercial unas veces, más íntimo otras… Pero que consumen teatro al fin y al cabo. L- Creo que en España ha faltado una cultura histórica teatral. Recuerdo por ejemplo en Londres que yo flipaba al ver los teatros llenos, absolutamente todo funcionaba, todo el mundo conocía que el teatro era una industria más. No sé, por ejemplo, aquí en España es bastante precario programar una función infantil más allá de las 6 de la tarde, y en Londres que la gente se levantará ¿a qué hora, a las 5 y media de la mañana o a las 6? Pues allí

van y te programan Peter Pan entre diario a las 7 de la tarde, y eso siempre se llenaba de gente adulta y de niños. “Un Dios Salvaje” lo puede ver perfectamente un niño de 10 años, y le va a interesar, y la va a entender, y va a aprender, pero parece que los padres no llevamos a los niños a una función de teatro si no viene rotulada como función infantil. Así que claro, la juventud se lleva la idea de que el teatro es aburrido cuando es un clásico y además les lleva el colegio, con las connotaciones que eso conlleva…, o que es para críos porque pone en el cartel que es infantil, y esa palabra ya no va con ellos. Así que quizás esa no tradición al teatro emana desde el hogar, desde la educación en casa porque siempre llevamos a los hijos a las mismas funciones, si es que los llevamos… J- Quizás también hay un punto de responsabilidad que parte desde las escuelas. En Londres o en Nueva York tienen Teatro desde pequeños, y no hablo de una sala para hacer la función de fin de curso, hablo de que es una asignatura obligatoria, y una rama opcional ya más adelante, que es Drama. Por tanto, el mundo interpretativo convive en la sociedad desde pequeños, nadie es un bicho raro por querer ser actor. Aquí, sin embargo, ya de mayor, planteas en tu casa que vas a ser actor, y la respuesta es: “ya, pero harás otras cosas por si acaso, ¿no?”. L- Claro, es que fíjate lo grave del asunto: hay colegios en España que envían a los alumnos al teatro con el pretexto de que la obra es en inglés y así practican inglés. Sólo entender el acudir al teatro como un pretexto, ya me parece preocupante. El teatro en sí tiene su propio valor, no se le puede ningunear así. M- Y es una pena, porque en España, y se ve, y está en la calle, es algo palpable, hay gente con muchísimo talento que lo intenta, y arriesga, y le llaman loco, y forma su propia compañía, pero igual no tienen esas salidas a nivel burocrático o de teatros para poder hacerlo como ocurre en otros países. Nos queda mucho por hacer para que haya una industria tanto de cine como de teatro, y que esta industria esté socializada y no marginada como creo que nos encontramos en muchas ocasiones.

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/Vim.Magazine

Te lo juro por Chus Lampreave POR FEDERICO CALABUIG un insulto cariñoso. ¿Quién no ha dicho alguna vez eso de “Paso total de vosotras, me aburrís”?

l 4 de abril parecía un lunes normal. Un lunes con sus despertadores, sus cinco minutos más y sus atascos. Llovía mucho. Llovía en toda España… pero en realidad no llovía, sino que el cielo lloraba porque nos había dejado Chus Lampreave. El mundo sin ella va a ser un lugar mucho más triste. El cine español no va a ser lo mismo sin su presencia. No recuerdo la primera vez que la vi. Hay veces que recuerdas perfectamente cuando ves a alguien por primera vez, y hay personas con las que es imposible recordar ese momento porque siempre han estado ahí. Ella siempre ha estado en nuestra vida… puede que por eso pensáramos que nunca se iría. Hay algo en Chus Lampreave que hacía que instantáneamente cayeras rendido a sus pies, que la quisieras aunque no la conocieras. Puede que fuera el sentido del humor, esa voz tan especial o sus inolvidables gafas de aumento que le hacían unos ojos enormes. En la gran pantalla ha sido esa portera, tía o abuela que todos hubiéramos querido tener. Ella nos ha enseñado que las testigas no pueden mentir o que para salir de viaje hay que tener cuidaíco. Ella nos habló de lo triste que es el estado de los masa media en este país o de que el rey no tiene hijos sino príncipes. Con ella hacer los deberes era la cosa más fácil del mundo y cara ladilla se convertía en

Todos los que han tenido la suerte de trabajar con ella dicen que era tan especial en la pantalla como en la vida real. Para saber que dicen la verdad basta con ver alguna entrevista, making of o ese divertido vídeo que circula por Internet de una firma de autógrafos hace unos años en la puerta del Hotel María Cristina durante el Festival de San Sebastián. Ella era humor, cercanía y ternura. Ella es inolvidable. Se ha ido sin darnos tiempo a disfrutar aún más de sus interpretaciones. Se ha ido sin ese Goya de honor que tan merecido tenía. Puede que sea por aquello de que parecía que no iba a dejarnos nunca. Durante los últimos días ha recibido innumerables homenajes y recuerdos de todos los que han trabajado con ella. Almodóvar ha dicho que nadie como ella interpretaba los personajes más cercanos a su madre, Fernando Trueba se enteró de su muerte durante el rodaje de La reina de España y dicen que Penélope Cruz rompió a llorar al enterarse. Se había ido la tía Paula de Volver. Se había ido para siempre. Yo quise rendirle mi particular homenaje hace unos meses en el corto El efecto Barrymore, donde uno de los personajes le dice a su amiga “te lo juro por Chus Lampreave”. Es una broma que nadie entiende pero a la que yo le tengo mucho cariño, porque creo que si se jura de verdad hay que hacerlo por alguien que no quieres que desaparezca nunca… y ninguno queríamos que Chus se fuera. Ese lunes muchos lloramos al enterarnos de la noticia porque, de una forma u otra, había formado parte de nuestra vida. Yo nunca la olvidaré. Os lo juro por Chus Lampreave.

JULIETA POR ALBERTO RICHART

Lo que esconde el silencio

odo en esta vida lleva un curso natural, aunque nos disgusten algunos de sus caminos oscuros y dañinos. Para Pedro Almodóvar la creación de “Julieta” también era algo que tarde o temprano ocurriría. Aficionado a la escritura de la Premio Nobel Alice Munro, con quien asegura compartir intereses, ha tomado como referencia tres de sus relatos – “Destino”, “Pronto” y “Silencio” - para llevar a la gran pantalla una historia humilde sobre el dolor y la culpa. No es de extrañar, por tanto, que el director de tantos otros dramas como “Todo sobre mi madre”, “Hable con ella” o “Los abrazos rotos”, llegue con “Julieta” a la completa madurez del género acompañado de roles femeninos, toda una marca de la casa.

El rojo de las pasiones luce más brillante en la película que cualquier otro color. Los matices son los que marcan las grandes diferencias, y el rojo aquí vincula todo tipo de dolores: el dolor a la muerte, el dolor al alejamiento y el dolor al callar por no hacer daño a quienes más queremos. El ser humano es capaz de sufrir con tal de que los demás no lo hagan, y así sufre la Julieta de Almodóvar encarnada en su juventud por Adriana Ugarte y en su madurez por Emma Suárez. Dos edades para explicar cómo el dolor de toda una vida nace, evoluciona y es digerido por nuevos miedos. “Julieta” habla de los sacrificios de la maternidad, así como de lo que esconde cada silencio. El pulso de la obra número 20 del cineasta manchego es constante. Hará que el espectador se quede sentado en la butaca, sumido en el descifre de emociones y personalidades plasmadas, hasta darse cuenta que en sus más de 90 minutos de metraje se ha sentido identificado con los personajes en una o dos ocasiones. Todo ello es gracias a un guión que habla de rasgos universales como el duelo, la culpa, la enfermedad y el amor. Sin embargo, son las pequeñeces las que nos encadenan a nuestros más profundos recuerdos: el reverso de una carta, un tatuaje, un campamento o una felicitación de cumpleaños pueden decir mucho en un contexto de amargura racional.

Tanto Ugarte como Suárez bordan la depresión a la que recurre Julieta en sus peores horas. Acompañadas de Daniel Grao, Inma Cuesta y Michelle Jenner, el elenco habitual de Almodóvar ha dado un giro total, respetando, eso sí, las participaciones de Rossy de Palma y Darío Grandinetti con interpretaciones de peso. Por su parte, la música que acompaña las desventuras de Julieta es obra de Alberto Iglesias, compositor nominado tres veces al Oscar y gran colaborador en el mundo Almodóvar. Julieta es, sin dudas, una película evocadora y muy personal. No depende de líneas de diálogo, pues sus silencios dan a entender todo lo necesario como para reflexionar sobre la película incluso días después de su visionado. Y pese a las tinieblas que ciernen a los personajes siempre llega un rayo de luz y esperanza. Julieta es de esas películas que te reconcilian con tus seres queridos.

Vestido Angel Schlesser

silencio “La presencia y la mirada de Adriana rebosan confianza, serenidad y gracia, aún así pocas personas me han intimidado tanto como ella. Tal vez fuera porque, en vez de sentarnos en la oficina, como acostumbro a hacer, nos sentamos en el sofá de la sala de maquillaje; uno junto al otro. Sin mesita de separación, sin la distancia necesaria para poder esconderme tras mi carpeta. Mientras me comentaba lo mucho que había disfrutado de la sesión con el fotógrafo, no podía evitar mirarla a los ojos y sentirme tremendamente pequeño. A pesar de su amabilidad y afabilidad, a pesar de esa sensación tan fuerte de familiaridad que desprende. De hecho, tras las exitosas series “La señora”, “El tiempo entre costuras” o el taquillazo “Palmeras en la nieve”, Adriana ya forma parte de todas las familias. Yo, sin ir más lejos, la saludé un día por la calle pensando que la conocía, aunque desde mi pequeña situación en el sofá ni siquiera me atreví a comentarle esta anécdota. No, la inseguridad venía por preguntarle a una de las jóvenes actrices españolas más conocidas del momento sobre la vigésima película de Pedro Almodóvar. Preguntarle sobre el director, sobre su obra y sobre “Julieta”, un papel que, en palabras de Adriana, ha cambiado su vida, su carrera y sus esquemas a la hora de trabajar. Consciente de mi nerviosismo, ella siguió hablando con un tono de voz dulce y cercano, con esa contagiosa seguridad que tiene, propia de las personas que enfrentan abismos que las hacen volar más grandes y al mismo tiempo más humildes. Puede que no fueran más que un par de minutos, pero supo guiarme hacia un espacio de libertad desde el que tímidamente empecé a lanzarle mis preguntas. Así empezaba una de las entrevistas más apasionantes que he vivido, disfrutando del discurso sensato, entusiasta y honesto de una actriz que, con cada mirada, te hace cómplice de sus palabras y de sus silencios.”

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Empecemos por el final. En la última secuencia de “Julieta”, cuando el último plano se abre hacia el cielo y aparecen los rótulos; uno no puede evitar leer: SILENCIO. ¿El silencio destruye o desde él se construye? Pues creo que las dos cosas, según lo uses. Porque el exceso de palabra muchas veces apaga las relaciones o las situaciones y la falta de palabra también. La ruptura del silencio es necesaria para hacer sentir al otro cómo es el lugar desde el que nace todo lo que estás haciendo o lo que puede repercutir en él. Lo que va más allá de eso, muchas veces sobra. Seguro que disfrutaste mucho la secuencia en la que impartes a tus alumnos una clase sobre el significado del mar en la mitología griega por tu vertiente filósofa y filóloga... Me gustó muchísimo prepararme esa secuencia. Recuerdo que la estuve haciendo en casa mil veces, haciéndosela a todo y a todos. Disfruté un montón, sobre todo porque la mitología me parece una rama maravillosa para soñar. Y a pesar de que tiene la apariencia de cuento no es nada naif. De hecho, en la película acompañará a Julieta durante todo el viaje; será las pistas que lleve encima y que anuncien su propia tragedia vital. El mar; “pontos”, como camino ineludible para sentirte vivo... ...y como todo lo que se come a todo y a todos. El mar también como destino; algo mucho más poderoso que nuestra voluntad. Algo que hay que aceptar y rendirse: la naturaleza y la fuerza de ese algo creador. ¿Por atravesar qué mar dejarías todo lo que tienes y has conseguido? Para mí en realidad lo que tengo y he con-

seguido es el resultado de la lucha contra el propio mar de mis miedos. No dejaría nada porque dejarlo supondría dejar esa lucha. Yo seguiría en este mar y en esta batalla de superar cada día las cosas a las que me da miedo enfrentarme. ¿Hubo mucho miedo en esa llamada: “vas a protagonizar la vigésima película de Pedro Almodóvar”? Hay una mezcla de excitación, de fortuna total y de muchísima responsabilidad, de muchísimo temblor de piernas. Es una mezcla increíble de elementos contrarios; es el momento más feliz y el que más miedo me ha dado; el momento más vertiginoso de mi vida. ¿Y cómo se desarrolló el proceso de selección? El proceso fueron tres pruebas y yo no sabía quién era el director. Sólo sabía que era uno de los directores más importantes de este país. Y claro, Pedro estaba en mi mente. Hice la prueba como intento hacer todas, desde el corazón y poniendo todo lo que está en mi mano para sacar adelante esa situación. Y cuando descubrí que era él y que se había decantado por mí fue increíble. ¿Qué es lo que más valoras de Almodóvar en su forma de contar historias? Pues fíjate, cuando pienso en Almodóvar director, guionista, genio, esteta, un ser con un sentido del humor brutal... Pero hay algo más allá, que es lo que yo me quedo, que es con el corazón de Pedro. Y esto para mí ha sido la gran sorpresa. Lo otro o lo sabía o lo podía imaginar, porque desprende luz, magia y creatividad por donde va; es un foco. El foco más brillante de un equipo de eléctricos, ése es Pedro. Pero hay algo todavía más intenso y más fuerte que es la persona tierna que hay ahí dentro y que se preocupa por el bienestar de todos. Y esto para mí ha sido una sorpresa y un regalo.

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¿Qué le dirías a Pedro ahora mismo? Te quiero. Le diría eso porque es lo que siento. Y me da vergüenza, te lo digo a través de la entrevista porque en persona me da vergüenza... Pero le quiero desde un lugar familiar, además. Le quiero cuidar. Me gusta mucho la persona que hay ahí dentro. Mira que yo no era ninguna fan loca, nunca me atreví tampoco a soñar con trabajar con él si te soy sincera, era como demasiado. Y nunca me he dejado obsesionarme con nadie, pero me he enamorado completamente del corazón que tiene ahí dentro. De su filmografía, ¿hay alguna película que se te haya quedado dentro? ¿Alguna escena o personaje que te impactase? De lo que más me impactaba eran las interpretaciones de Marisa Paredes. Cómo llevaba a Marisa hacia esos lugares tan límite y tan elegantes al mismo tiempo. Pedro tiene esa capacidad de llevar a los personajes a un lugar absolutamente abismal pero sin perder la compostura. Y esto es un equilibrio precioso. A la hora de trabajar bajo sus órdenes, he leído que te ha roto los esquemas; que confiaba en lo que dabas pero que constantemente te ponía retos y desafíos. Háblanos sobre ese crecimiento que has experimentado trabajando junto a él. Pasa muchas veces que no todos los directores dirigen. Y no dirigen de una manera tan intensa y tan profunda como Pedro. La tendencia que yo he vivido es que cuando estabas tocando algo que más o menos iba con el tono de la secuencia, te pedían que siguieras ahí porque era el lugar interesante. Pero el caso de Pedro es que, no solo hace que reinventes a ti, sino que se reinventa él constantemente, por eso te pone en ese brete de creación constante porque cuando ya lo tiene dice: “vale, ahora quiero otra cosa. Y ahora quiero otra cosa y

otra”. Probablemente tiene un muestrario de tomas con las que podría construir películas muy distintas y esto es una maravilla. Yo le decía: “mis esquemas eran funcionar con lo que se acercaba al resultado y ahora los esquemas han cambiado para reinventarme y pensar que ningún resultado es mejor que otro ni es el acertado”. Qué maravilla. Es el experimentar en el momento. Un laboratorio, yo me lo tomé así. Para mí era un seminario constante y en vez de la búsqueda de la toma válida, me lo tomé como un taller de interpretación. Intentar llegar a lo que es en esencia la interpretación; jugar. Sí, y no parar. Y no juzgar. No hay algo bueno y algo malo. Buscar el origen y el fondo de lo que está ocurriendo en un abanico distinto. Según Almodóvar, ha tenido que luchar mucho contra vuestra necesidad física de llorar porque no quería lágrimas sino abatimiento, los distintos estados de la depresión... ...de derrota total. Esto también era un lugar distinto para mí porque yo sí que tenía bastante experiencia en el drama, pero en un drama más visualmente desgarrador y más desahogado también. Pero en este caso el personaje está constantemente contenido; un nudo en el estómago que no consigues desahogar. Creo que es lo mismo que siente el espectador. Cuando iba a empezar ese proceso del personaje se lo decía a Pedro; “bueno, mañana toca meternos en los infiernos”. Porque el personaje hace un arco muy amplio; Julieta empieza muy luminosa y hace un viaje a la destrucción. A esa marea en la que no sabemos por qué pero se le arrebata todo lo que ama. ¿Por qué? No es mala chica, no ha hecho nada malo, pero poco a poco va perdiendo los amarres más importantes de la vida de una persona.

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¿Y cómo fue buscar esos distintos estados tan concretos? Lo hice de la mano con Pedro, a partir de sus indicaciones. Incluso yo le decía durante la toma; “háblame si quieres, vamos a buscarlo juntos”. Había que ir de la mano y tenerle todo el rato cerca. Él no te deja sola nunca. ¿Cómo te imaginaste a Julieta la primera vez que leíste el libreto y qué sentiste que tenías que contar a través de ella? Pues yo sí sentía que, por mucho que viviera justo al fin de una dictadura y que es un personaje que está sexualmente relajado, Julieta tenía que transmitir algo de curiosidad por la vida. Que aunque ya tuviera la sensación de tener la libertad en sus manos por fin, que no fuera un personaje como de vuelta de nada. Los comienzos de empezar a comerse el mundo. Para mí era importante que transmitiera esas ganas de comerse todas las situaciones, con ansia y con disfrute esto de ser una mujer disfrutona. El sentimiento de culpa y una serie de desgracias van minando su capacidad de decisión desde el incidente en el tren... Ahí empieza a cargarse su mochila...

“A Pedro Almodovar le diría que le quiero. Le quiero desde un lugar familiar, le quiero cuidar. Me gusta mucho la persona que hay ahí dentro. ” 66

Momento en el que se presenta la figura metafórica del ciervo que, curiosamente, simboliza la transformación del joven en adulto, la extrañeza por la llegada de la vejez, pero también es un símbolo del amor incondicional. ¿Es ese el mensaje que nos trae Julieta? Es muchísimo eso y también es lo salvaje de un animal en libertad. Y cómo los instintos primarios como lo es la búsqueda de una hembra; la búsqueda de la reproducción, van mucho más allá del miedo a la muerte. Nuestra labor en la tierra es lo primero y la muerte ya llegará. Pero los elementos primarios no nos frenan y esto también funcionará en Julieta. La ley de vida es un elemento característico del universo de Almodóvar... Lo llaman universo femenino del cineasta pero no creo mucho en estas etiquetas... Yo tampoco pienso que sea un universo femenino, pienso que es un universo sensible. Lo que pasa es que siempre se asocia lo sensible a la mujer y a mí me parece equivocadísimo porque hay mujeres muy insensibles. Y hombres profundamente sensibles. La sensibilidad no es intrínseco a las mujeres sino a un determinado ser humano. Pero sí que está esa perspectiva de la mujer como creadora... Es un homenaje constante a la mujer. ...y como preservadora de la vida a pesar de todas las adversidades. El hombre pone su semilla en esa búsqueda de la reproducción pero es la mujer a la que le toca el crudo papel de tirar hacia delante. Bueno, no sé si crudo, es el que nos ha tocado.

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¿Qué injusto? Y qué maravilla, ¿no? La mujer consigue crear un vínculo con las crías que es maravilloso. Yo no querría cambiarme de lugar. Me interesa mucho el trabajo que has tenido que hacer con Emma; crear una misma persona. Pues fíjate, no lo hemos hecho nosotras, lo ha hecho Pedro. Nos juntó una vez porque, por ejemplo, por fisionomía yo ando moviendo

más las caderas que Emma, y era muy importante que el caminar estuviera unido. Fijamos el caminar, una manera de fumar, que al final Julieta en mi etapa no fumó, pero poca cosa más. El resto lo hizo Pedro como un cocinero en su cocina cuando trabajó con nosotras por separado. Luego también el personaje evoluciona, por eso no había que obsesionarse con que se movieran igual, ni con que físicamente se parecieran porque era claro que al ver la película ibas a ver a Emma Suárez y a Adriana Ugarte y aspirar a que fueran iguales iba a ser casi teatral. Era importante que hubiera una

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de que ninguna hubiera trabajado antes con Pedro, ¿compartisteis dudas, miedos, te dio algún consejo...? Aparte de lo que te he comentado, al final no hemos coincidido nada; la voz era la de Pedro. Si tengo que agradecer a una persona, y públicamente porque es un amor, es a Elena Anaya que sí me hizo dos llamadas para darme ánimos y apoyo y para darme la enhorabuena. Elena es una maravilla. Personalmente admiro muchísimo a Susi Sánchez y tenéis una secuencia preciosa. Ella representa la dignidad de la que hablábamos antes pese a las terribles circunstancias y, si bien es cierto que apenas tenéis un par de secuencias; ¿cómo fue trabajar con ella? Coincidí con Susi en la segunda semana de rodaje cuando hicimos el viaje a Andalucía y allí hice un “click”. Para mí Susi es “la maga”. Me invitó a todo su mundo de imágenes y a partir de ahí yo continué el rodaje de otra manera. Mira que tenemos pocas secuencias juntas, pero sentí a mi madre desde el principio. En la película es un momento precioso; ver ese contraste entre la fragilidad y la dignidad de la que hablábamos antes...

esencia común para que el espectador entrara en la historia pero nada más. Hay una cosa muy curiosa que es como lo que ocurre en teatro con el uso de la convención teatral, que Pedro juega con eso en la secuencia del cambio. Eso es, dice: “ahora, cambiamos”. Y nos vamos todos juntos de viaje, te invita. Con respecto a Emma y el hecho

Totalmente, la elegancia pura. Y la generosidad y el dejar su lugar para otra persona; el marcharse. Aunque está en vida, el haberse ido con dignidad y con amor hacia su marido. Estoy aquí, sé que no estoy pero me voy y sé feliz. ¿Cómo construisteis la relación madre-hija y ese momento de sus vidas que marcará a Julieta? Mira, no tuvimos casi ni que hacerlo. Susi y yo nos mirábamos y ya estaba. Pero es que Susi te mira y te conquista. Pone de repente un cerco en el corazón y ya se lo ha hecho suyo.

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Me imagino que no debió ser fácil justificar la decisión que toma Julieta con respecto a su madre, que al final es ley de vida... A mí me cuesta. Me dolió y me duele... Cuando tienes cachorritos, es lo primero. Pero me cuesta porque para mí el vínculo materno-filial es muy potente y me dio mucha pena desaparecer y dejarla. Cuando me despedí de ella, porque nuestra relación terminaba igual que la de los personajes; después de esa semana de rodaje no la iba a volver a ver y lloramos las dos al despedirnos. ¿Qué se queda Adriana de Julieta? Se me queda eso que hablabas de la dignidad, pero no una dignidad hacia afuera sino una dignidad hacia uno mismo. Se me puede caer el mundo encima pero ya no voy a permitir perder tanta energía con la autocompasión; se ha acabado porque no me va a llevar a ninguna parte. Aprendo por un lado eso y por otro lado dejar la culpabilidad en la casa de al lado. Está muy bien la culpabilidad en cierta medida para tomar conciencia de lo que has hecho mal, pero hay un determinado grado de culpabilidad que te hace sentirte responsable de todas las desgracias del mundo. No es nada motivante y nada constructiva... Yo, que he vivido mucho tiempo con culpabilidad, es también otra batalla que intento llevar día a día. Gracias por abrirme los ojos pero ya, porque me estás haciendo daño. Es muy dañina...

“Aspiro a ser una persona feliz, a vivir en calma y a valorar cada momento que me traiga la profesión y la vida.”

Consejo de tus padres: “Eres lo que haces repetitivamente”. Cómo aspira a ser Adriana actriz y qué estrategias, conductas, decisiones intentas repetir para ello. Bueno, igual que la Adriana actriz, la Adriana persona, aspiro a ser una persona feliz. Y a vivir en calma y a valorar cada momento que me traiga la profesión y la vida. Por muy conflictivo o estresante que pueda ser, intentar sacar la luz de cada momento que me traiga. Porque siempre hay luz, en todos los infiernos hay luz. Intentar siempre sacar el lado más optimista de la vida. Pasármelo bien, donde sea, pero pasármelo bien. Lo que venga es lo que toca y lo que está de Dios. He leído que en tu familia imperan los valores del trabajo y conseguir las cosas por la ley del esfuerzo, el creer en uno mismo y la discreción y guardarse las cosas para el momento indicado... Eso es mi familia (se ríe) ...¿qué es lo que valoras tú en esa familia ficticia que se crea en los rodajes? Pues depende porque a veces es una familia ficticia y a veces es una familia real. A veces te pasan cosas como lo que a mí me sucedió con Susi o con lo que me ha pasado con Rossy que es llevarte gente a tu vida. Y eso no pasa muchas veces. Afortunadamente tengo unos vínculos afectivos muy fuertes y muy reales fuera que son mi familia y amigos, todas esas personas que necesito y que me necesitan tanto. Intento separar pero si se da la buena suerte de encontrar en un rodaje a alguien a quien incorporar a mi vida, también estoy abierta.

¿Y qué cualidades te facilitan el trabajo con tus compañeras-compañeros? Me parece mucho más fácil cuando la persona mira el trabajo con los mismos ojos que tú. Y podemos tener valores u orientaciones políticas diferentes, pero es muy importante que los dos queramos ir al mismo lugar y queramos encontrarnos dejando el ego a un lado y abrazarnos sin competitividad, sin miedo, sin recelo. Lo que más valoro es la humildad, cuando ves a un pedazo de profesional, y hablo de compañeros y técnicos, alguien que podría estar como muerto de miedo diciendo; “ahora no puedo meter la pata, tengo que ir por el máximo” y está desnudo y trabajando desde cero como si fuera un niño. A mí eso me deja con la boca abierta; me parecen genios los que son capaces de no pensar en sí mismos y en el resultado sino en el bien de todo el equipo. Y un ejemplo de esto es Rossy de Palma. Ella es una luz que llega al rodaje y piensa en ponérselo fácil a cualquier compañero de equipo Con lo que es su personaje en la película... Bueno, pues es tan buena que soy incapaz de odiarla (ríe). Aunque me haya destrozado un poquito la vida, ¡pero no puedo! Echando la vista atrás, “Cabeza de perro” fue tu primera película fue en el 2001. En 15 años de profesión habrán pasado personajes y proyectos que no pudieron ser, que perseguiste y que no salieron. ¿Cuál ha sido tu mayor espina en el camino? Afortunadamente y con trabajo, me las he conseguido sacar. Porque no se puede vivir con espinas, no se puede. Y porque al final uno acaba entendiendo que, por mucho que hayas sentido desilusiones porque no has llegado a hacer determinados proyectos, es que igual no eran para ti y no estaban en tu camino. Y ese dolor y esa espina no nace sino del

ego, de haber pensado que con ese proyecto ibas a llegar más alto. Pero, ¿qué es llegar más alto? Estamos en la avaricia y en la ambición, y eso no tiene nada que ver con el amor. Entonces, si yo estoy en esta profesión por amor, no puedo estar reconcomiéndome por no haber acumulado más. Ése es el trabajo interno que intento hacer, pero cuesta porque el ego vive con nosotros. Los noes como parte del aprendizaje... Nos vienen fenomenal, aunque duelen. Y a medida que avanzas surge otra cosa, que aunque uno cree que está haciendo un trabajo para la humildad, siente que ha evolucionado y que ya no van a llegar tantos noes. Pero llegan, claro que llegan y aparece otra vez el ego: “pero bueno, si llevas 15 años, ¿cómo pueden aparecer noes?”. Pues claro, porque yo no encajo en todas partes, porque hay muchos compañeros, porque todos tienen que trabajar y porque... quién sabe. No somos imprescindibles ni incondicionales para todos. Desde esa perspectiva, ¿cómo ves un reconocimiento como el Goya? Pues fíjate, yo creo que si me sucediera, me haría muchísima ilusión y trataría de disfrutarlo mucho. Pero cada vez intento quitarle más importancia a los premios.

“Si estoy en esta profesión por amor, no puedo estar reconcomiéndome por no haber acumulado más trabajos.”

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el que llama al trabajo... Claro, además que los premios son siempre subjetivos y pueden ser muy peligrosos porque si a una persona le llega un premio por determinadas razones y eso le trae un trabajo en el que se va a sentir muy vulnerable porque no es un premio que venga de una verdadera capacidad, la dejas en una situación de indefensión muy dura. Al final el mayor premio es que el trabajo llegue del trabajo porque es lo que te va a sentir más seguro. Aunque nunca estés seguro, porque nunca tienes el control de nada, pero por lo menos sientes que algo habrán visto. Creo que todo hay que tomárselo en su justa medida sin engrandecerlo demasiado. Que no te haga sentir más que ayer, ni menos. Julieta está durmiendo tranquila.

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Aunque haya sufrido tanto la pobre, yo creo que sí. Pero este destino que ha tenido le ha venido muy bien para, igual que hizo su madre, aprender a dejar ir las cosas.

¿Facilitan el camino de vuelta al ego?

La verdad es que intento no imaginarme nada, dejar que la vida me sorprenda. Deseo que llegue lo que más convenga a la naturaleza traerme. Lo que venga estará muy bien, así lo veo yo, y si no viene nada pues estará bien también porque tocará eso. Me tiraré de los pelos pero será bueno (ríe).

Yo creo que sí, a menos que los pongas en el lado del agradecimiento por un trabajo concreto. Al final los premios son el resultado de una serie de personas que se ponen de acuerdo para organizar una noche especial para honrar al cine. Pero no tienen mucho que ver con mi ligazón con la profesión y con cómo veo yo mi camino. Para mí el premio es llegar al entendimiento con el director y conseguir que el director está contento; en este caso meterme en la cama y sentir que Julieta está a gusto con lo que estoy dando. Para mí ahí está. Al final es el trabajo bien hecho

Para ir cerrando, en menos de un año has conquistado la taquilla con “Palmeras en la nieve” y has sido chica Almodóvar. ¿En qué tipo de proyecto te gustaría poner el corazón en tu siguiente película y junto a quiénes?

Por lo pronto proyectos tienes, háblanos un poco sobre lo que estás preparando... Pues no puedo todavía porque aún no están cerrados. Pero lo podemos dejar si quieres como en “silencio”... (reímos). ”Silencio”, entonces.

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El pulso del cine español POR CARLOS MARTINEZ El cine español sigue latiendo con fuerza. Abril ha traído una primavera cargada de emociones para un séptimo arte nacional que sigue manteniendo el pulso en cartelera a las producciones extranjeras. Dejando a un lado el 19 Festival de Málaga que está a la vuelta de la esquina y en el que tendrán cabida numerosas producciones nacionales, las cuales darán muestra de la buena salud de nuestro cine al margen de lo puramente económico, se ha podido observar a lo largo de este cuarto mes del año cómo las cintas nacionales han ocupado puestos altos en la cartelera española. Concretamente han sido cuatro las películas que han destacado a lo largo de estas

últimas semanas. La primera de ellas KIKI. Lo nuevo de Paco León ha entrado en los cines cómo si de un orgasmo se tratase y ha pulverizado todos los récords que anteriormente había cosechado el director y actor sevillano con sus anteriores trabajos. De hecho, hay que valorar muy positivamente que el filme incluso logró superar, colocándose número uno, a superproducciones como Batman vs Superman o Blancanieves: El cazador y la reina del hielo. La segunda es Julieta. El nuevo largometraje de Pedro Almodóvar ha conquistado a público y crítica a pesar de que no ha contado con la promoción esperada. Esto posiblemente haya propiciado que el filme del cineasta manchego no se haya colocado en el primer puesto tras su primer fin de semana en las carteleras españolas. Aun así, Julieta muestra todo el potencial de Almodóvar en la dirección y el de un reparto que está a la altura de una historia real y difícil de digerir en el momento pero que es capaz de persistir en la mente de los espectadores para siempre. Además, el largometraje ha sido elegido por el Festival de Cannes para participar en su Sección Oficial. Tampoco hay que olvidarse de otra producción que está cosechando buenos números en taquilla. Lleva por nombre Altamira y sigue merodeando entre el quinto y el sexto puesto de la cartelera española. La elegante fotografía de la que José Luis Alcaine ha dotado a la película, parece haber encajado a la perfección con la dirección de Hugh Hudson y el buen hacer de un reparto encabezado por nada más y nada menos que Antonio Banderas.

Por último hay que destacar el largo camino que está recorriendo en las salas Cien años de perdón. Tras su estreno en cines el pasado 3 de marzo, la cinta dirigida por Daniel Calparsoro ha conseguido sumar más de seis millones de euros y 1 millón de espectadores. La conexión entre el cine español y el argentino ha vuelto a funcionar y en este caso la película protagonizada por Luis Tosar y Rodrigo de la Serna parece que seguirá resistiendo unas semanas más en el top 10 de películas más taquilleras en nuestro país. Ahora, la alfombra roja se extiende por el Festival de Málaga para recibir a nuevos largometrajes que verán la luz en las salas en las próximas semanas. Sobre ella, numerosos rostros representativos de nuestro cine pasearán presumiendo de una industria que sigue ganando enteros para estar a la altura de cualquier otra foránea. El talento siempre vence.

CARTE Los milagros del cielo Una chica de 12 años que sufre de un raro y grave trastorno digestivo se encuentra de repente milagrosamente curada tras sobrevivir a un terrible accidente. Estreno: 22 de Abril de 2016

Toro Dos hermanos se reencuentran después de cinco años. Uno ha estado en la cárcel. El otro ha robado a un peligroso perista y ahora huye junto a Diana, su hija pequeña. Los tres emprenden un viaje por una Andalucía violenta, mítica, agreste y salvaje. Un viaje en el que aparecen las viejas heridas del pasado y en el que los hermanos se ven obligados a reconciliarse para salvar la vida. Estreno: 22 de Abril de 2016

ELERA Capitán América: Civil War Después de que otro incidente internacional involucre a Los Vengadores, causando varios daños colaterales, aumentan las presiones políticas para instaurar un sistema que exija más responsabilidades y que determine cuándo deben contratar los servicios del grupo de superhéroes. Esta nueva situación dividirá a Los Vengadores, mientras intentan proteger al mundo de un nuevo y terrible villano. Tercera entrega de la saga Capitán América.

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Cegados por el sol Libre remake de “La piscina” (Jacques Deray, 1969), centrado en el complejo y progresivamente siniestro juego de relaciones que forman una estrella de rock recuperándose de una operación a orillas del Mediterráneo junto a su pareja, su antiguo representante y su joven hija Penélope. Estreno:22 de Abril de 2016

CARTE La noche que mi madre mató a mi padre

La punta del iceberg Una gran empresa multinacional se ve sacudida por el suicidio de tres de sus empleados. Sofía Cuevas (Maribel Verdú), alto cargo de la compañía, es la encargada de llevar a cabo un informe interno que trate de aclarar lo sucedido. En sus encuentros con los trabajadores irá descubriendo abusos de poder, mentiras encubiertas y un ambiente laboral enfermizo. Estreno: 29 de abril de 2016

Isabel se debate entre su necesidad de sentirse valorada profesionalmente como actriz, sus inseguridades, su temor a envejecer, su coquetería, sus contradicciones, su inteligencia y su ansiedad. Todo confluye una noche en la que lsabel resulta ser la anfitriona de una cena muy especial: su marido Ángel, guionista, y Susana, la ex mujer de Ángel, directora de cine, quieren convencer al actor argentino Diego Peretti de que protagonice una película que han escrito. En mitad de la velada, para sorpresa de todos, se produce un acontecimiento inesperado que da un vuelco al transcurso de la cena. Estreno: 29 de abril de 2016

ELERA Nacida para ganar La vida parece anclada en el tiempo para Encarna (Alexandra Jimenez) en Móstoles, su ciudad. El mismo trabajo desde la adolescencia, el mismo novio, y pocas perspectivas de que la cosa pueda cambiar. Al reencontrarse con María Dolores (Cristina Castaño), su inseparable amiga en el instituto, su vida da un vuelco. Le propone entrar en un negocio revolucionario de venta piramidal que le hará rica en muy poco tiempo y la convertirá en la persona que siempre ha querido ser. Estreno: 6 de Mayo de 2016

El olivo Alma es una chica de 20 años que quiere enormemente a su abuelo, quien lleva años sin hablar. Cuando el anciano se niega también a comer, la muchacha decide recuperar el árbol milenario que la familia vendió contra su voluntad. Para tal empresa embarca a su tío, un hombre perjudicado por la crisis, a su amigo Rafa y a todo el pueblo. Ahora hay que encontrar en qué lugar de Europa está el olivo plantado… y devolverlo a su sitio. Estreno: 6 de Mayo de 2016

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Hablar de Óscar Jaenada es hablar de cine, y por qué no decirlo, de lucha. Es lo que este actor de barrio, de calle, lleva haciendo desde que puso por primera vez un pie ante la cámara. Después de hacer las maletas con un Goya en su mochila, de meter la cabeza en la complicada industria hollywoodiense y de poner en pie a todo México dando vida a su gran icono, Jaenada vuelve a España para presentar ‘Cantinflas’ en nuestras salas y para volver a hacer cine de ‘Oro’ en casa de la mano de Agustín Díaz Yanes. Este mes, en VIM Magazine, charlamos con el actor sobre los personajes, los sueños y la industria, de la que habla con total –y agradecida- honestidad.

El pasado 15 de abril llegó a las salas españolas ‘Cantinflas’, más de año y medio después de triunfar en México y EE.UU. ¿Cómo te sientes? Me siento muy satisfecho de que un trabajo tan difícil, en el que uno da tanta sangre, por fin se pueda ver en el sitio de donde uno es, de donde ha nacido. Es una película que se había estrenado en todos los países de habla hispana menos en España, con un protagonista español y premiado en muchísimos festivales, también con el Premio Platino. Por lo tanto estoy muy satisfecho de que por fin mi gente, mi pueblo, mi calle, pueda ver la película. ¿Cómo ha sido el proceso de traerla a España? Porque me consta que has estado muy implicado para que por fin pudiera verse aquí Sí, porque resultó que después de que se estrenara en todos los países, y viendo que en España no conseguía fecha de estreno, pregunté a los productores y me dijeron que no habían conseguido ningún acuerdo con productoras españolas dada la situación que se vivía aquí. Les dije que me dejaran intentar hacer algo, porque son muchos años aquí de profesión

y conozco a gente, y me parecía muy injusto que no se pudiera disfrutar de esta película. Al final tuve la suerte de que Antonio Resines es amigo de un productor que vio la película en un vuelo y estaba encantado. Quedé con él, me mostró su sorpresa de que no hubiera encontrado distribución y lo primero que hizo fue poner precio para poder traerla.

“Me siento muy satisfecho de que un trabajo tan difícil como ‘Cantinflas’ en el que uno da tanta sangre, por fin se pueda ver en el sitio en el que has nacido.”

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Tras las críticas iniciales que despertó la noticia de que ibas a ser tú, un actor español, en encargado de dar vida a uno de los grandes iconos mexicanos, tu papel ha sido muy aplaudido entre el público allí. ¿Cómo viviste esa polémica inicial y cómo has sentido ese cierre del círculo después de que se viera el resultado? Uno sabe que hay cierta presión. La primera vez que pisé México fue para hacer el casting, y la segunda para empezar a preparar el rodaje. Recuerdo ser portada en los periódicos más importantes de allí, cuestionándose mi elección, y recuerdo a actores posicionándose sobre ello, de cómo un español podía representar al más grande de los mexicanos. Yo simplemente me limité a contestar lo que sé, y es que el cine está plagado de ejemplos en los que personas de diferentes países, culturas e incluso continentes representan a la perfección a iconos de otros países. Lo achaqué a cierta incultura cinematográfica y a esa pasión que tienen los mexicanos por su país. Además, Mario Moreno definía a Cantinflas como puro México. Entendí ciertas críticas, aunque me parecieron exageradas. Lo que sí que recuerdo es esperar a que se viera la película para contestar, y mi respuesta no eran palabras, sino enseñar a Mario Moreno y a Cantinflas en la pantalla. Una vez que eso se hizo, todos esos achaques se convirtieron en titulares a favor de mi actuación. Recuerdo uno muy curioso que era ‘Jaenada, el más mexicano de los mexicanos’.

“Me interesó la persona que había detrás de Cantinflas, por eso decidí hacer esta película”

“Mi respuesta a las críticas no fueron palabras, sino enseñar a Mario Moreno y a Cantinflas en pantalla.” ¿Cómo crees que va a ser recibida su historia o cómo te gustaría que fuera su recibimiento por parte del público español? Porque si bien Cantinflas era un personaje conocido en España, su boom no fue tal como en México, que ya sólo el nombre es un gran reclamo para que el público acudiera a raudales a las salas. Soy de una generación que ya no vio a Cantinflas, pero recuerdo a mis papás riendo los domingos cuando yo bajaba al parque a jugar con mis colegas, y ellos se quedaban viendo películas de ese mexicano al que yo casi ni entendía y con el que mis padres se meaban de risa. Aún así creo que hay algo muy rico, y es la persona que hay detrás del personaje. Llegar hasta donde llegó en aquella época, cuando las televisiones eran otras y no había internet. ¿Cómo se pudo llegar a eso? Esa grandeza de ese personaje, ¿cómo pudo llegar a España? ¿Cómo cruzó toda América? Me llamó mucho la atención que un actor con un sólo personaje pudiera llegar hasta ahí, y me interesó mucho esa dualidad que había entre el actor y el personaje, por eso decidí hacer esta película, porque necesitaba mostrar la gran dicotomía que hay en ambos cerebros. No es la misma persona, y convivir con un personaje durante tantísimo tiempo tiene que ser muy complicado de asimilar. Igual que al futbolista se le ponen las piernas duras y al carpintero las manos rasposas, creo que el actor que vive un personaje durante tantísimo tiempo sufre, y es lo que quise investigar.

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Tu relación con el proyecto comenzó incluso antes de su preparación, cuando viste un anuncio sobre la producción en la prensa. ¿Por qué te interesó contar la historia de Cantinflas e ir a por ella? ¿Cómo fue el proceso? Esto ha solido ser una tónica en mi vida, desde que empecé. Hay que buscar las cosas, hay que luchar por los sueños. En este caso además fue muy complicado. Estaba en Londres rodando una película y leí en Variety que una productora norteamericana quería hacer el biopic de Cantinflas. Cogí un avión y me fui a Los Ángeles, hace ya casi diez años. Hice el casting y me cogieron, aunque luego la película no salió. Fue una decepción muy grande, un gasto tanto de fuerzas como de dinero muy alto para nada. Pero a los tres o cuatro años volví a leer que era ahora una productora mexicana la que iba a hacer el biopic e hice lo propio, cogí un avión, me fui a México DF y realicé el casting. Cierto es que uno ya tiene un bagaje y ya es en nuestro medio conocido, y quizás ya no me costó tanto. Pero fueron dos castings muy duros, los he tenido que luchar y creo que estaba escrito que tenía que hacer ese personaje.

y por qué. Eso fue ver todas sus películas más de diez veces durante cuatro meses seguidos, me estallaban los DVD. Fue un sin parar de ver Cantinflas para ver en qué momento decidía improvisar, y me interesaba eso, por qué renunció a Hollywood, me interesaba saber cuál era su calidad artística real. Siempre digo que Cantinflas capó a Mario Moreno artísticamente, no le dejó hacer más. ¿Has temido o sentido que te ocurría eso con algún personaje? No no, a mí nunca me ha pasado. Me interesaba mucho investigarlo porque yo no aguanto con mis personajes más de tres meses. Necesito volver a mis zapatos, soy un actor de los que dicen de método. Yo necesito salir y ponerme mis zapatos. Una vez entro en un personaje no lo suelto, y una vez lo suelto lo hago con gran ilusión por volver a mi vida. Precisamente han sido dos personajes biográficos los que más éxito a nivel de reconocimientos te han otorgado, Camarón y Cantinflas. ¿Supone más respeto o presión dar vida a personajes reales?

Me comentabas que estabas muy interesado en abordar más a Mario Moreno que a Cantinflas por todo el peso que ha tenido que llevar siempre con su personaje, ¿cuál ha sido el aspecto con el que más te has identificado con él?

No. Yo creo que se puede llamar una buena decisión artística, o una buena decisión empresarial. Me cuesta lo mismo meterme en todos los personajes, lo único es que unos son más populares y te abren más puertas. Pero en todos los personajes me dejo el alma, y en todos lo doy todo.

Cantinflas es irreal, no existe. Me interesaba su creador. Me interesa más Steve Jobs que un Apple, me interesa más la persona, las preguntas, las curiosidades, los gustos, si desayunaba peras, manzanas o jamón. Me interesaba todo eso para saber por qué Cantiflas improvisaba. Hay algo en esta profesión que le debemos a Mario Moreno, y es la improvisación. Antes estaba mal visto que se cambiara el guión porque al otro actor le dejabas vendido. Mario Moreno luchó con eso, e hizo un personaje que improvisaba todo el rato. Luché por ver en sus ojos en qué momento decidía improvisar

“Ir a por los papeles ha sido una tónica desde que empecé. Hay que buscar las cosas y luchar por los sueños. ”

El personaje de Cantinflas te coronó como mejor actor iberoamericano en los Premios Platino. ¿Crees que los actores españoles que dais el salto internacional estáis mejor valorados fuera que dentro de nuestro propio cine? Eso le pasa a todo el mundo, no creo que seamos solo nosotros. Es lógico, nosotros vamos a otra cultura a la que se supone que llegan los mejores. Uno cuando va a otro país como profesional de una especialización, se supone que es el mejor o de los mejores de su país, así que hay un respeto inicial. Lógicamente en casa hay que demostrarlo y lucharlo porque no somos tan especiales, somos todos más iguales. En el momento que cruzas culturas te conviertes en algo especial, más si eres bueno en lo que haces. Por tanto no creo que aquí estemos especialmente vilipendiados, creo que todo es así.

“No aguanto con mis personajes más de tres meses, necesito salir y ponerme mis zapatos.” Tras unos años sin proyectos en nuestra gran pantalla, vuelves a España con ‘Oro’. ¿Por qué te ha costado tanto volver? Desde luego no es porque yo haya querido. Yo creo que ha sido la situación cultural que hemos atravesado y estamos atravesando. Eso lleva a que un actor no pueda vivir profesionalmente de sus trabajos cinematográficos, sino que además te exijan ir a la tele a vender esto, ir a tal o cual programa a hacer el ridículo. El cine es otra cosa y no he vuelto antes no porque no haya querido, sino porque se estaba haciendo muy poco cine.

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Cuéntanos sobre el proyecto...

¿Cuál sería tu solución?

‘Oro’ es creer en el cine, es estar con Agustín Díaz Yanes, es estar rodeado de gente como Andrés Gertrúdix, como Juanjo Ballesta, como Luis Callejo, como Raúl Arévalo, como Bárbara Lennie... hay tantísimos grandes actores en esta película, tan luchadores y que tanto aman su profesión que estoy encantado de estar rodando esta película bajo la batuta de Agustín Díaz Yanes. La verdad es que hacía tiempo que no experimentaba una sensación tan alegre, estar también cerca de mi hijo... Tenía muchas ganas de poder rodar y más con un proyecto así.

Creo que es muy buena idea cobrar una tasa a las películas extranjeras que vienen a nuestro cine, aunque llega un momento en el que nuestros cines ya están comprados por ellos, y nos convertimos en los tontos. Yo sí que pondría una tasa como en el cine francés, en el que las películas que llegan tienen que dejar un porcentaje de la taquilla al cine nacional, y ayudaría a poder competir con ciertas películas. No olvidemos que las películas españolas se hacen con muy poquísimo dinero comparado con lo que cuestan los grandes monstruos norteamericanos que copan la taquilla, o películas francesas y alemanas, cualquiera cuenta con más dinero que una española.

¿Cómo es tu personaje? Mi personaje es Juan de Gorriamendi, navarro, y la película nos habla de la búsqueda de una ciudad de oro y cómo un grupo de soldados recién llegados a América la buscan. Habiendo trabajado en diferentes países, y con proyectos hollywoodienses a tus espaldas, ¿cómo ves la situación actual de la industria cinematográfica española, en la que además los grandes grupos televisivos tienen gran peso en los proyectos, como es el caso de Atresmedia en ‘Oro’? No olvidemos que la televisión es la hija malcriada del cine. Es un problema, porque haces un gran proyecto y si no te lo respalda la televisión ya no puedes publicitarlo en ella, y es el medio de masas más grande que hay. Es una vergüenza que la televisión se encuentre como está, que los espacios culturales sean tan ínfimos o incluso nulos, según las cadenas. Es un problema que el cine lo decida la televisión, porque el cine es independiene, no depende de la cantidad, el cine es calidad y la televisión es cantidad. Cuando quieren hacer que el cine sea cantidad es un problema porque perdemos la independencia, perdemos la verdad y la sangre, y lo único que ganamos es dinero.

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Aseguras que para ti actuar “es una necesidad”. ¿Fue una necesidad hacer las maletas y cruzar el charco en busca de proyectos? Fue una necesidad pedirle a mi madre que me cambiara de habitación porque no quería dormir con mi hermano. Fue una necesidad salir de mi casa y buscarme un piso en Barcelona. Fue una necesidad buscarme un piso en Madrid, y fue una necesidad buscarlo en Los Ángeles. Decir que se te queda pequeño suena soberbio, dejémoslo en que son necesidades. Uno necesita tener un punto de vista más amplio, una perspectiva más alta. Soy actor, necesito aprender cada día, y en el momento en el que siento que no aprendo necesito moverme.

“Es una vergüenza que la televisión se encuentre como está, y es un problema que el cine lo decida la televisión. ”

En tu andadura internacional has compartido pantalla con actores de la talla de Johnny Depp o Robert de Niro, entre algunos nombres. En proyectos de tal magnitud, ¿sientes que hay oportunidad de aprender de tus compañeros o de llevarte cosas de ellos, o cada uno va más a su aire? La mayoría de mis maestros son de aquí. Te hablo de Penélope Cruz, Enrique Bunbury, Serrat, Nacho Vega, Javier Bardem, Juan Diego Botto, Juan Diego, Margallo... esos son mis maestros. Pero también he aprendido de todos los grandes con los que he trabajado, de Benicio del Toro, Johnny Depp, Robert De Niro... de todos he aprendido. De Zoe Saldana, una grandísima actriz y además eterna amiga que me supo explicar muy bien cómo funciona el sistema allí. He aprendido de muchísima gente, pero mis maestros están aquí, o estaban, porque se están yendo fuera la mayoría, pero al menos nacieron en las mismas calles que nosotros. ¿Cuál es el proyecto del que más orgulloso te sientes de formar parte? ‘Noviembre’, porque hacía buen cine. Hablábamos antes de la televisión, de que es cantidad. Precisamente tu último proyecto en España, ‘Piratas’, no llegó a cuajar. Actualmente se está intentando dar un paso más en ficción con series de mayor calidad a nivel nacional. ¿Te gustaría volver a intentarlo en la pequeña pantalla? Sí, si son canales especializados y conseguimos lo que hacen en varios países, que tienen canales solo para series. Si conseguimos hacer

“Me siento muy orgulloso de ‘Noviembre’ porque hacía buen cine.” series de calidad para canales que busquen la calidad y no la cantidad, sería perfecto y maravilloso. No sé si eso está pasando, se oyen ecos de que puede venir, pero no lo sé, no veo mucha televisión española. Sí que puede ser que se esté haciendo algo, desde luego es una necesidad, un imperativo. Necesitamos hacer trabajos dignos en los que creamos los propios artistas, si vamos a enseñarnos sin camiseta y esas mierdas, conseguimos lo que conseguimos. Así sólo te van a querer vender. No se puede ver la televisión en este país, son 20 minutos de publicidad. Para terminar, ¿qué nuevas aventuras tienes en el horizonte más próximo? De momento acabar esto. Cuando uno acaba un personaje es cuando realmente se piensa y se decide hacia dónde ir, por ahora no tengo nada más.

“Sería perfecto y maravilloso que consiguiéramos hacer series de calidad para canales que busquen la calidad y no la cantidad.”

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Balenciaga se reinventa con Gvasalia POR JOANA AGUIRRE Febrero y marzo son los meses de las fashion week. Y es que las pasarelas nos presentan las novedades y tendencias para la próxima temporada. Si hay algunas que despiertan el mayor de los intereses, son la de Nueva York y la de París. Y es que esta última, la de la capital francesa, jugó el mes pasado un papel importante. Dentro de la París Fashion Week el desfile de Balenciaga fue el protagonista. Cuando una casa mítica (ya sea Dior, Chanel, o Balenciaga) cambia de director creativo y apuesta por un nombre rompedor asume dos cosas: que el riesgo se multiplica por dos y la expectación por mil. Y así fue la colección que presentó Demna Gvasalia: una colección que ha supuesto la reinvención de Balenciaga. Muchos han sido los directores creativos que han pasado por Balenciaga los últimos años. Nombres como Ghesquiere o Wang han dejado si impronta en la maison de origen español y, por eso, mucho se ha hablado de cuál sería el futuro de la casa de moda cuando Gvasalia se hiciese con el mando. Pues bien, el momento llegó el pasado marzo. El lider de Vetements, la marca de culto al que los más transgresores no quitan ojo, tomó las riendas de Balenciaga en el desfile más mediático de la París Fashion Week. Y este nos dejó un títular: la crítica no se pone de acuerdo. Mientras para algunos periodistas de moda lo que Gvasalia presentó fue un “absoluto despropósito”, la edición americana de Vogue lo califica como “el sensacional

debut de Gvasalia en Balenciaga”. Pero hay una cosa cierta: Gvasalia no se ha olvidado de dónde viene Balenciaga. Ha buscado los volúmenes superlativos que hablan del pasado de la firma en el que el diseñador vasco fue un maestro en el dibujo de la figura femenina. Gvasalia también lo ha hecho, pero con los ojos puestos en el siglo XXI. Por eso su ropa define a una mujer urbana, bien construida, que camina por la calle y no pide permiso para ponerse lo que le apetece. Se nota en esta colección el paso del creador por Maison Martin Margiela, Louis Vuitton y, por supuesto, su trabajo en Vetêments donde ha convertido el “normcore” en tendencia. Y es en esta parte de la colección donde ese supuesto “despropósito” ha tenido cabida y se ha dejado ver: prendas absolutamente sport y con volúmenes XXL.

Pero más allá de los looks con reminiscencia Margiela, en esta colección también hay denim, estampados florales y trajes sastre para working girls. Todo comienza y acaba en una mujer urbana y Demna lo tiene claro: la colección va dirigida a “una generación que hace las cosas a su manera. El típico europeo de 20 años. Aquel que no tiene nada que ver con la generación de sus padres, que es muy enérgico”. Pero si hay algo que nos ha gustado de esta nueva etapa de Balenciaga, es su nueva colección de bolsos. Más allá del archiconocido modelo “city”, esta temporada nos proponen bolsos más sencillos y de materiales como la lona en el que lo principal es el logo. Y por eso, el street style parisino ya ha sucumbido a ello.

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Assaad Awad: el diseñador de Lady Gaga en Madrid POR JOANA AGUIRRE

En un mundo dominado por la falta de personalidad, la producción en serie y el consumo rápido, el trabajo artesanal y los atelier se reivindican más que nunca. Y es esto lo que propone Assaad Awad; un libanés afincado en España. Hace algo más de dos años decidió que quería comenzar una nueva vida o, por lo menos, cambiarla. Awad, que había desarrollado hasta entonces una exitosa carrera como director creativo de diversas agencias de publicidad tanto en Líbano como en España, creó grandes campañas de publicidad para marcas como Dunkin’ Donuts o Pizza Hut. Y aquí comenzó su despegue hacia el estrellato. Awad cambió su vida y se introdujo en el mundo de las joyas y los accesorios con tres premisas claras: una vuelta a lo artesanal, el mimo hacia el producto de calidad y la recuperación del vínculo entre un diseñador y su cliente. Su idea de dedicarse al diseño se fue materializando y alquiló un bajo en el mismo edificio en el que vive en el madrileño barrio de Lavapiés. Allí nació su taller en el que, desde 2009, produce piezas tan impactantes como atrevidas. La pasión por su trabajo le hace recorrer Madrid en busca de ferreterías y guarnicionerías en busca de materiales como el metal y el cuero, claves en su trabajo. Aunque al principio su familia no apoyaba este nuevo trabajo, encontró el aliado perfecto para que un nombre diese la vuelta al mundo: las redes sociales. Su trabajo comenzó a hacerse viral y en apenas cuatro meses le

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llegó el email que cambió su vida. Anna Trevelyan, estilista de Lady Gaga, contactó con Awad para decirle que había visto su trabajo en Internet y que le encantaba. Tras los primeros piropos, Anna Trevelyan le encargó cinco pedidos. El impacto global llegó con el videoclip Judas, segundo sencillo del álbum Born this way, de Lady Gaga, en el que el actor principal lucía una corona de espinas firmado por Awad. Así fue el inicio del idilio entre Lady Gaga y Assaad Awad. Su relación laboral continuó con la actuación de la cantante en el Festival de Cannes, en el que sus bailarines lucieron arneses dorados y prosiguió en Londres, en uno de los espectáculo de la diva en el que hubo otros arneses plateados con estrellas. De esta manera el nombre de Assaad Awad dio la vuelta al mundo y le comenzaron a llover pedidos de todas partes del mundo: París, Japón, Líbano, Arabia Saudí, Nueva York, Los Ángeles, Canadá... Nicola Formichetti (director creativo de Thierry Mugler) le envió también un correo electrónico con una proposición ante la que no pudo negarse: fue el encargado de realizar los accesorios para la colección masculina de Primavera-Verano de 2012. Además, colabora con la marca francesa creando editoriales para Vogue con Mario Testino. A partir de ahí, diseñadores nacionales como Juanjo Oliva o Maya Hansen también han contado con él para algunas de sus últimas colecciones.

100% “Made in Spain” Pese a haber nacido en Líbano, España y, sobre todo Madrid, son parte esencial en su trabajo. Por eso, y para aportar su pequeño grano de arena a la economía española, todos los proveedores de Awad Madrid, su marca, son nacionales. Como él mismo asegura, una parte de sus bolsos y accesorios se fabrican en Ubrique, ya que considera que es el mejor sitio para fabricarlos. Trabaja un concepto que denomina “ecolujo”, una apuesta por la sostenibilidad con materiales de alta calidad. Para Awad el lujo no lo marca el precio, sino la manera en la que está

realizada el producto. Las tiradas son muy pequeñas y los modelos muy trabajados, lo que convierten sus piezas en diseños exclusivos. Para continuar con este concepto, Awad ha abierto A2 Garage (Hermosilla, 59), un espacio ideado para acoger mentes creativas como la suya. Pretende así que la creatividad, el diseño, las piezas únicas y, sobre todo, el trato con el cliente tengan un peso considerable en el mercado actual. Por eso su atelier no es solo un espacio de venta sino que pretende convertirlo en un espacio de diálogo entre creador y cliente en el que le puedan preguntar cosas, ver cómo se trabaja en el encargo o puedan tomarse un té mientras discuten del proceso creativo.

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