WARP Magazine 61

#WARP7

CORONA CAPITAL / FICM ZOÉ / WASHED OUT NO AGE

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editorial

A MELANCHOLY LOOK ON A PERSON’S FACE

Por: Henrik Lindstrand Foto: Franccel Hernández para WARP

Los países escandinavos comparten mucha melancolía y se entiende perfectamente. Por ejemplo: Dinamarca, nuestro país, es plano, no tiene montañas, ni lagos o una geografía interesante. No es de extrañar que nuestra música regional, el folk, sea triste, muy simple y poco rítmica.

Aún con lo anterior, desde hace 10 años las bandas danesas han logrado tener mucha más confianza en cuanto a creer que pueden tener éxito, así que en este momento sale mucha buena música de ahí, en diferentes estilos, electrónica, indie, rock, pop… y sabemos que definitivamente es algo bueno e incluso emocionante.

Sin embargo, aun cuando veo a Kashmir como un grupo formado por cuatro hombres muy curiosos, que les gusta dar nuevos pasos, explorar y no quedarse atorados en un sonido o estilo, sé que es

difícil ignorar toda esa melancolía implícita en nuestros genes. En especial creo que las letras de Kasper (Eistrup), nuestro vocalista, tienen un giro melancólico, y aunque siempre habla de amor y pasión, hay también rastros de melancolía.

Eso nos hace sentir incómodos, creo que a todos en la banda nos gusta la música que tiene alguna tensión y momentos nostálgicos, sin tener que llegar a ser necesariamente triste. Por eso creemos muy importante que cuando has tocado por muchos años en conjunto debes enfrentar nuevos retos para mantener la inspiración fluyendo. Nos gusta que se sienta una especie de balance en ella, algo distinto a esa postura de muchas otras bandas que entonan “siempre estoy feliz y el clima está increíble”; al final, ese es el sonido que nos nace naturalmente.

> Henrik Lindstrand es artista, compositor de música para cine, tecladista y miembro de Kashmir.

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silencio por favor

Chromeo Por: Alejandro Altamirano Fotos: Cortesía Chromeo

El dúo formado por Dave 1 y P-Thugg, conocido como Chromeo, anunció que ya tiene listo un nuevo material, con el que planean invadir las pistas de baile de todo el mundo gracias a una dosis recargada de su conocido electro-funk canadiense.

White Women es el nombre de este álbum, sucesor de su exitoso Business Casual, de 2010. La placa —aún sin fecha de salida oficial— fue producida por la dupla y ya cuenta con un primer adelanto, ‘Over Your Shoulder’, pieza repleta de sintetizadores sensuales de poco más de cuatro minutos.

Para ir calentando este próximo disco, la banda se unió a Snarkitecture y Tumblr IRL para realizar una instalación de dos días, el pasado septiembre, en los Milk Studios de Nueva York.

La edición de White Women se espera para finales de 2013 o principios de 2014, pero lo que se puede asegurar desde ahora es que nos pondrán a mover el cuerpo, pues el funk vive buenos tiempos.

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“EL NUEVO ÁLBUM ES MEJOR, MÁS FUNKY, MÁS POP, MÁS FÁCIL DE DIGERIR Y MÁS FELIZ.” –DAVE 1

REFLEKTOR

ARCADE FIRE Merge Records / 2013

8.0 Si bien es cierto que Reflektor viene a poner la cereza en el pastel de un año repleto de grandes trabajos discográficos, también es un hecho que hay que mantener la cabeza fría y no dejarnos llevar por los deslumbrantes sonidos de Arcade Fire al juzgarlo.

Primero hay que remontarse a The Suburbs (2010), el trabajo que arrojó a los canadienses de lleno al mainstream y les aseguró un lugar al lado de los grandes de todos los tiempos. Los singles ‘We Used To Wait’ y ‘Ready To Start’ se convirtieron en himnos generacionales que acompañaron a muchos durante ese verano de 2010; curiosamente, el álbum alejó por completo a Win Butler y compañía del sonido barroco y melancólico de su debut, Funeral (2004), situándolos en un lugar lírica y musicalmente más brillante.

Hoy, Reflektor repite la hazaña. El colectivo se ha reinventado y mucho del merito anterior es ostentado por James Murphy, el líder del desaparecido proyecto LCD Soundsystem que le dio un giro al trabajo de la banda, haciendo de éste una experiencia más rica y nutrida sonoramente, llenando los vacíos existentes en la fórmula canadiense con dosis de electro y disco de vanguardia. Lo hecho por Murphy, Markus Dravs y los mismos Arcade Fire es tan deta008

lladamente proporcionado que por el lado de la producción podemos considerar al disco como una obra maestra; todo está donde debe. Por otra parte, los momentos catárticos no sólo cumplen, sino que superan por mucho cualquier expectativa; ‘We Exist’, ‘Here Comes The Night Time’ y ‘Normal Person’ entran en este rubro.

Sin embargo, después de escuchar un sencillo tan contundente como el que da título a la placa (que no conforme con ser un gran tema cuenta con la participación de David Bowie) es imposible no esperar más de ella. Ahí es donde radica la debilidad de este trabajo, que no llega a ser un álbum completo, con instantes que se sienten forzados y temas que fácilmente pudieron ser omitidos, pues nadie hubiera extrañado ‘You Already Know’, ‘Supersymmetry’ o ‘Here Comes The Night Time II’, por ejemplo.

Al final, aun sin ser un álbum redondo, Reflektor se convierte en un trabajo insignia para Arcade Fire, mismo que la colocará, una vez más, en los escenarios más importantes del mundo, y más relevante aún, en todos los listados de lo mejor del año. Nada mal para un disco que pudo ser aún mejor.

-Diovanny Gafias

reviews PROGRAMATON

SPLINTER

ZOÉ

(SONGS FROM A BROKEN MIND)

Universal Music México

GARY NUMAN

2013

6.0

En este, su primer LP de estudio en los últimos cinco años, la banda liderada por León Larregui deja de manifiesto que continúan buscando sonidos alejados de los espectros reconocidos. Grabado en Estados Unidos y producido nuevamente por Phil Vinall, Programaton se compone de once canciones y mantiene la personalidad de Zoé en lo que a estructura de las letras se refiere. Conceptos fantásticos, así como el amor y el desamor, conviven a través de las metáforas de Larregui. Del lado sonoro, la guitarra y el sintetizador mantienen su personalidad, pero también evolucionan. No es de extrañar que en esta oportunidad Zoé entregue uno de los trabajos más esperados del año, confirmando que el éxito sigue moviéndolos hacia el lado correcto.

-Fernando González

Mortal Records 2013

8.6

Durante los últimos años, Gary Numan se ha dedicado a recorrer el lado oscuro de la música, unas veces con grandes resultados y otras con consecuencias lamentables. Sin embargo, el músico leyenda de los años ochenta ha aprendido de sus triunfos y derrotas, y usa toda su experiencia para crear Splinter (Songs From A Broken Mind), trabajo que se coloca entre lo mejor de su discografía. El álbum transita entre las melodías fáciles de atrapar de The Pleasure Principle (1979) y el sonido melancólico y oscuro del Numan de la última década, cortesía del productor Ade Fenton, el responsable de su producción de avanzada. Cortes como el himno electro ‘Love Hurt Bleed’, el orgánico ‘Lost’ y el orquestal ‘Here In The Black’, dejan de manifiesto que el ecléctico artista aún tiene muchas sonoridades por entregar.

Ojalá lo haga en el futuro cercano.

-Michelle Apple

NEW

PAUL MCCARTNEY Universal Music México 2013

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8.8

Quizá el nuevo disco de Sir Paul McCartney no pudo haber tenido un título más atinado. Grabado por cuatro productores diferentes, en distintos estudios alrededor del mundo, New es el reflejo más fiel y mejor logrado del gusto de McCartney por innovar. Lo bueno es que esto no necesariamente significa un cambio en su estilo: New es una colección de memorias sonoras que el exBeatle sabe perfectamente reescribir, para sonar a todo aquello que ha creado durante años, pero sin que se sienta reciclado. A través de los temas que componen el álbum, encontramos ecos de temas icónicos dentro de la carrera de Paul, como ‘Strawberry Fields Forever’, en ‘Alligator’; ‘Real Love’, en ‘Queenie Eye’; ‘BlackBird’, en ‘Early Days’; o ‘Mrs. Vandebilt’, en ‘Everyboy Out There’. Así, no se sientan sorprendidos si después de la primera escucha colocan New como uno de sus discos favoritos dentro de la amplia discografía de McCartney.

-Alejandro Altamirano

010

reviews FREE YOUR MIND

STATIC

Columbia Records

CUT COPY Loma Vista/

Modular, 2013

PALOSANTO ENRIQUE BUNBURY

CULTS

Warner Music /

2013

7.2

Si bien lo nuevo de estos australianos tiene elementos plausibles, entre los que se incluye acid house de calidad, dinamismo y la inserción de diálogos como puentes musicales, éstos últimos, al final, resultan en descansos necesarios para el escucha ante la saturación a la que llega Free Your Mind. Con un inicio que semeja el de Homework, de Daft Punk, la cuarta producción de Cut Copy contiene 14 tracks que rebasan los cuatro minutos y llegan a alcanzar los seis, con construcciones rítmicas que probablemente se disfrutarán estando de fiesta pero que resultarán repetitivas en un día cualquiera para aquel que no tenga gran gusto por el género. Al hablar de la portada y las composiciones, ambas resultan fáciles pero funcionales, y de aquellas piezas que pudieran sobresalir, sin duda, ‘Walking In The Sky’.

-Karina Luvián

6.5

Parece que los fans de Beach House ya podrán sonreír sin tener que traicionar esa postura melancólica que visten todos los días. El segundo disco de Cults, dúo conformado por Madeline Follin (vocales) y Brian Oblivion (vocales, guitarra y percusiones), Static, es una ruta obligada para todos aquellos que aman el indie plantado sobre paisajes de pop sesentero. A pesar de que el sonido de Cults se desprende de una fórmula más que probada, el dúo neoyorquino encuentra el modo perfecto de mantener nuestra atención a través de cada uno de los once temas que conforman la placa, subiendo de manera eléctrica la intensión de cada uno de los instrumentos utilizados en su creación. Static no es ninguna sorpresa pero, al menos, saben jugar muy bien dentro de la complicada liga del low-fi.

-AA

OCESA 2013

LIGHTNING BOLT

PEARL JAM

Universal Music México 2013

6.2

El cantante español regresa con Palo Santo, trabajo que se aleja del Bunbury clásico y apuesta por la evolución y la experimentación que ha caracterizado al músico durante los últimos años. ‘Los Inmortales’, ‘Miento Cuando Digo Que Lo Siento’ y el primer sencillo, ‘Despierta’, son algunas de las piezas a destacar. Sin embargo, tres canciones representan un porcentaje muy bajo para un disco de 15 cortes. Con este material —que además cuenta con una edición especial en concierto—, el ex líder de Héroes Del Silencio demuestra el distanciamiento de su estilo original, para dar paso a una faceta que lo sitúa como un artista que genera sonidos acordes a su tiempo, satisfecho con su pasado, pero ansioso de vivir en el presente musical que lo rodea, recurriendo a su experiencia lírica, aunque sin ser necesariamente personal.

-FB

7.9

Como era de esperarse, en este nuevo trabajo de Pearl Jam se pueden encontrar todos los estilos con los que acostumbran seducir a su público: arreglos de hard rock (‘Mind Your Manners’) y temas más melódicos, con sus características armonías de voz (‘Lighting Bolt’); es decir, un resumen de su sonido clásico, el mismo que no ha cambiado desde sus inicios. Desde un punto de vista musical, existen dos elementos importantes que se deben destacar: el gran conocimiento para producir un disco donde las guitarras siempre serán su centro de gravedad, sin opacar la voz; y la potencia de una mezcla de batería ligeramente noventera con bajo. Para los fans de antaño, seguramente será un álbum que cumplirá todas las expectativas; si no lo son, no esperen nuevas propuestas. Track recomendado: ‘Sirens’.

-Alan Sefchovich

012

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CADENA NACIONAL

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hot hot hit

OWL EYES

Por: César Morales Foto: Cortesía OE

Al vivir una época en la cual la música se genera a una velocidad única, a veces nos es imposible escuchar todo lo que va tomando forma alrededor del mundo. Sin embargo, si nos dedicamos a buscar sonidos nuevos que roben nuestra atención, podemos encontrar proyectos más que interesantes. Tal es el caso de Brooke Addamo, quien en 2008 se dio a conocer dentro de la escena de su natal Melbourne, al convertirse en finalista del reality show Australian Idol.

Fue hasta 2010, sin embargo, que la cantante optó por utilizar el seudónimo Owl Eyes para compartir su característica música con el resto del mundo. Hoy, Owl Eyes cuenta con tres EPs y este 2013 la atractiva cantante estrenó Nightswim, su primer larga duración, del cual hemos tenido oportunidad de escuchar sencillos como ‘Hurricane’ y ‘Closure’.

Sin duda alguna, Owl Eyes es una cantante a seguir a lo largo de los próximos meses.

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Bondax Por: Javier Cuellar

Foto: Cortesía Bondax

Desde hace unos meses hemos disfrutado de buena música electrónica británica encabezada por Disclosure. Yendo más al norte de Reino Unido, en Lancaster, nos encontramos a un par de chicos de 19 años, Adam Kaye y George Townsend, que nos presenta una propuesta enriquecida de garage, house, pop, soul y electrónica que responde al nombre de Bondax. El proyecto ha podido mezclar bien los elementos antes mencionados, generando algo melódico, enfilado hacia el midtempo y, por supuesto, a ese soul mainstream que encanta. Por ahora la dupla está de gira con Basement Jaxx por Estados Unidos, Canadá y Europa, presentando primordialmente su sonido, el cual parece haber llegado para quedarse.

LINKS: soundcloud.com / bondax / bondax.bandcamp.com

Zoé

Y EL JUEGO SIGUE… Por: Karina Luvián

Foto: Napoleon Habeica

Era 2009 y Zoé estaba listo. Habiendo logrado consolidarse como la banda más importante de su generación, los liderados por León Larregui estaban preparados para entrar al estudio y crear la que sería su quinta producción, sin saber que aquellas maquetas desarrolladas entonces quedarían levitando, sin destino preciso, por la realización de Zoé Unplugged: Música de Fondo y su respectiva gira.

Cuatro años después la inquietud resurge y la vida lleva al conjunto a Sonic Ranch, lugar que los ha acogido con anterioridad y que en esta ocasión los vería de nuevo, junto a Phil Vinall, crear los acordes que seguramente emocionarán a miles de personas, en México y el extranjero.

Con la intención de conocer la historia detrás de Programaton, WARP Magazine entabló una amena conversación con Sergio Acosta y León Larregui, quienes, entre bromas y analogías, explicaron qué conforma este nuevo álbum, el momento que viven y lo que esperan en el futuro cercano…

Iniciemos con los detalles generales del disco…

Sergio Acosta: El título es Programaton, contiene 11 tracks y la producción corrió a cargo de nosotros, de la mano de

Phil Vinall. A diferencia de álbumes anteriores, en este contamos con dos ingenieros más para la mezcla: Chris Lord Alge, quien trabajó tres canciones, y John Van Nest, que se encargó de otras tres; el resto las hizo Phil.

Zoé tiene una larga historia con Phil Vinall. ¿Por qué no trabajar con otro productor para este material?

León Larregui: La verdad es que ya intentamos con otras personas anteriormente y no ha funcionado, lo que quizá tenga que ver con el nivel de entendimiento que tenemos con Phil. De alguna forma manejamos el mismo lenguaje, y aunque pudiera pensarse que nos tenemos conocidos al cien por ciento, él siempre nos sorprende y nos demuestra que podemos ir más allá sónicamente; al presentarle un corte, Phil nos enseña hasta dónde podemos llevarlo.

SA: La gente tendría que verlo trabajar para entender por qué nos gusta tanto contar con él. Tiene un nivel de compromiso como pocos, se vuelca en el proyecto, deja el alma… es una persona que da todo. Además, al trabajar juntos por tres años es como familia, como un sexto integrante. Nos sentimos muy afortunados de haberlo encontrado.

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¿Desde cuándo se gesta Programaton? ¿Fue algo planeado o inicia de manera espontánea?

LL: Empezamos a trabajar en 2009, porque sentimos que era momento de crear un nuevo disco. Justo entonces nos ofrecen la oportunidad de hacer nuestro disco Unplugged y aceptamos, así que lo que teníamos empezado se quedó detenido. Después del lanzamiento de ese álbum, de la gira e incluso de mi disco solista (Solstis, 2012) retomamos el proyecto y al final resultó en un 50 / 50: La mitad del disco está conformada por lo que logramos hace tres años y la otra de lo que conformamos este 2013.

las, desarrollarlas. De hecho, el trabajo que desarrollamos en Tornillo sí fue un tanto diferente, aunque sí mantuvimos la estructura: Dividimos la grabación y la edición en varios módulos, y trabajamos simultáneamente las canciones, en diferentes estaciones; mientras en unas se grababa, en otra se hacía la sección de teclados y yo, por otro lado, hacía las letras… nos rotamos…

SA: La segunda etapa inició en febrero de este año y desde entonces no nos detuvimos, trabajamos muchas horas al día y ya en agosto lo terminamos.

Si tuvieran que señalar un detalle específico como el mejor de este disco, ¿cuál sería?

LL: Creo que es evidente, en muchos sentidos, la madurez que hemos forjado en nuestro camino, todos estos años de experiencia, así que, desde mi punto de vista, este es nuestro disco más logrado.

Algo que ha caracterizado a las producciones de Zoé es el título de cada una. ¿De dónde surge Programaton?

LL: Es una especie de tradición el inventar nombres como títulos, para, a través de ellos, abarcar un concepto. En este caso, Programaton intenta representar la idea de la vida como un juego en el que todas las cosas que existen son programas con diferentes funciones, que pertenecen a una estructura mayor. La portada misma del disco tiene que ver con temas que he estado investigando, acerca de geometría sagrada, de conocimiento oculto, temas que siempre me han apasionado.

Ambas cosas se complementan y crean la parte conceptual.

Por el lado de las canciones, éstas continúan la búsqueda lírica de Zoé, relacionada al cuestionamiento de la existencia y las relaciones humanas. ¿Cómo fue reencontrarse como banda para trabajar en nueva música?

SA: Ese entendimiento implícito que tenemos entre nosotros ha estado ahí siempre, así que fue muy fácil y disfrutable. Además, no hemos parado de trabajar; quiero decir, estuvimos creando maquetas después de Reptilectric, hicimos el Unplugged, la gira… Son cosas que nos han dejado experiencias que enriquecieron este disco, y aunque es Zoé con su naturaleza, también es un Zoé diferente.

LL: Esta dinámica juntos era algo que teníamos ganas de retomar. Extrañábamos el estudio, compartir ideas, trabajar-

SA: ¡Exacto! En vez de que ocurra como supongo pasa con muchas bandas, que mientras uno graba los otros sólo miran, nosotros trabajamos simultáneamente, en diferentes estaciones.

SA: Coincido con León y considero, además, que hay canciones que si bien son muy relacionables con un Zoé clásico —por llamarlo de alguna forma— también reflejan lo que es la banda hoy en día… aunque bueno, eso lo notará la gente cuando lo escuche. ¿Por qué iniciar las presentaciones de Programaton en Estados Unidos y no en México?

SA: Planeamos una gira por Estados Unidos porque, en ocasiones, en una gira fuera de casa en la que tocas casi todos los días tomas la condición necesaria y acabas de ajustar las canciones. Esto nos sirve para llegar a México y ofrecer conciertos más sólidos, lo cual es sumamente importante para nosotros. En ocasiones pasadas decidimos iniciar gira aquí y nos dimos cuenta que debimos tocar más previamente, para llegar al punto idóneo…

LL: Honestamente nos inventamos esta gira como una especie de calentamiento; obviamente regresaremos más en forma, pero en verdad lo hicimos para empezar a practicar el show… Es como los equipos de futbol, esta es la etapa de concentración…

SA: … Es como la pre-temporada. [risas]

> Karina Luvián es Coordinadora Editorial de WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con Portugal. The Man en WARP #58.

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No Age

BALANCE EXPERIMENTAL Por: Alejandro Altamirano Foto: Cortesía NA

En tiempos donde parece que lo más importante es abarrotar la radio con sencillos exitosos y muchas veces desechables, Randy Randall y Dean Allen Spunt, mejor conocidos como No Age, todavía creen que un disco deber ser tratado como un objeto que guarda la esencia de un concepto único.

Es así como vuelven, con un estilo marcado de experimentación sonora en su nuevo álbum An Object. Dean Allen, su baterista y vocalista, le cuenta a WARP Magazine los detalles que hay detrás de su creación. ¿Cuándo empezaron a escribir An Object?

Iniciamos el proceso en 2012, hicimos algunas cosas un poco antes pero no nos convencieron, así que lo pusimos a consideración, desechamos todo y comenzamos desde cero. Cuando por fin tuvimos un rumbo claro sobre lo que queríamos, en el verano de ese mismo año, nos metimos a grabar la música y para otoño, casi iniciando noviembre, terminamos de escribir las letras y el resto de las canciones. El resultado es lo que después se convertiría en An Object. ¿Cuál es la diferencia entre An Object y los discos anteriores del grupo?

La diferencia es mucha, creo que intencionalmente tratamos de escribir de otra manera, en otra dirección. No hay muchos bajos en An Object, metimos unos pocos en alguna canción, pero también incluimos diferentes tipos de percusión. Hay sonidos de micrófonos siendo golpeados contra una pared o contra diferentes objetos y así es como creamos varios de los sonidos para el ritmo; nos pusimos a experimentar mucho. Además, grabamos todas las canciones en nuestro propio espacio, no fuimos a un estudio. Tenemos un espacio propio donde trabajamos el

disco, ubicado en el centro de Los Angeles, a diferencia del disco pasado, que fue grabado en su mayoría en un estudio profesional. ¿Cómo se dan cuenta que una canción está terminada justo como la quieren?

Es difícil decirlo, creo que en algún punto tienes que alejarte, en especial durante el proceso de mezcla. Grabar todo y mezclarlo puede tomar bastante tiempo y te puedes perder mientras sincronizas y cambias pequeños detalles. Creo que una canción está terminada cuando todos se sienten satisfechos; además, quizá nunca se termine al cien por ciento, por eso es bueno escribirla, grabarla y luego tocarla en vivo, donde puedes modificarla y hacerla más rápida o más lenta. Esto no quiere decir que termines una canción mientras estás de gira, pero evolucionas con ella noche tras noche, lo que es bueno. ¿Prefieres estar en el estudio de grabación o tocando en vivo?

Me gustan las dos cosas. Creo que es una especie de balance, como el ying-yang. Cuando pasas mucho tiempo en el estudio sólo quieres viajar, ir por diferentes ciudades cada día; después estás tanto tiempo fuera que sólo quieres regresar a casa y estar en el estudio, escribiendo algo nuevo. Es un buen balance hacer las dos cosas. ¿Tienen planes de venir a México pronto?

No creo que tengamos algo planeado, por ahora. Actualmente estamos de gira por Estados Unidos y Europa y esperamos estar en casa para las fiestas navideñas. Ojalá tengamos más fechas para 2014 y así regresemos a México.

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columna -023-

Crónicas del león hoy KORNALO

Por: Sr. Flavio/@SrFlavioOficial

“Kornalo”, palabra que nace directamente de las playas de la ciudad atlántica de Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina; de las entrañas arenosas y urbanas, del argot surfero marplatense. “Kornalo” es aquel surfista posser, de poca monta, de bajo arrojo y pésimo estilo en el agua: alguien torpe. El adjetivo deriva del “cornalito”, un sabroso pececito pequeño que se fríe en montón; un platillo de mar muy común de Mar del Plata, la ciudad feliz. Yo me tomé el atrevimiento de tomar la palabra y agregarle la k, para hacerla más hereje y transgresora. También es la canción que abre mi nuevo disco, Nada Especial-Nueva Ola. Hoy en día, la gente tiene la tendencia a escuchar canciones individualmente, dejando de lado los discos. Por favor: no perdamos también esa bellísima costumbre de saborear un disco entero, abarcándolo como obra conceptual, aunque no lo sea explícitamente. Y es que todo disco es, de algún modo, conceptual, aunque no haya sido el objetivo del artista.

Soy el Sr Flavio, anti-poeta, surfer kornalo del rock new wave. Siempre que no tuve que estar tocando, mis salidas favoritas fueron para ir a ver bandas: me gusta el undreground.

No voy a ver bandas mainstream. En el under está todo lo que vendrá, la vanguardia misma, y es llamativo ver qué poca atención le dan los “medios especializados” al under; es como si no existiera, pero allí está, vivo, intenso, pleno de colores dinamita, originando tendencia.

Y siendo yo un músico consagrado durante más de 25 años, pero entrando y saliendo de escenarios enormes a escenarios pequeños y rabiosos, le doy gracias a todas las bandas que han alegrado y alegran mi existencia con sus tokines furiosos y alegres… Gracias a Boom Boom Kid, Mal Momento, Nana Pancha, Lost Acapulco, No Demuestra Interés, Los Cafres (aquellos de los noventa), Los Brujos, Panteón Rococó, Massacre, Los Kahunas, Rebel Cats, B.O.D, Maskatesta, D.A.J, Minoria Activa, Fun People, Callate Mark, Los Peyotes, Los Saicos, Los Manganzoides, Cemento, Foro Alicia, Faro De Oriente, Los Straightjackets, Die Schule, Parakultural y a cada pibe que, en cualquier lugar remoto de este planeta saico, se cuelga una guitarra, un bajo, unos palos de batería y se pone a tocar con sus amigos, felices, sin más objetivo que ese: estar felices y enérgicos on stage.

> Sr. Flavio es miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs y escritor. Su libro Crónicas Del León ya está a la venta, editado por WARP Books.

Aurora TRANSPARENTE

Por: Paco Sierra

Foto: Sergio Gálvez para WARP

insert -024-

Cuando se entabla una conversación con una banda joven se percibe hambre de éxito, ilusiones y sueños por cumplir. Esto sucedió en la entrevista de WARP Magazine al cuarteto español Aurora, que trae a Latinoamérica su álbum debut, Géminis, el cual contó con la producción de Banin Frailer (Los Planetas), un choque de talentos españoles que da como resultado uno de los álbumes más interesantes de 2013.

Estas fueron las palabras que Javier, Julio, Ignacio y José Alberto compartieron con nosotros. ¿Cuáles fueron los primeros pasos para crear Aurora? Los hermanos obviamente llevan cierta ventaja pero, ¿cómo se conocieron todos?

Javier: Mi hermano y yo teníamos un proyecto más acústico, tocábamos canciones más tranquilas, más suaves.

Habíamos dado dos conciertos, poca cosa, y no era muy serio; lo hacíamos por probar y ver qué tal.

Julio: Supongo que fue con la llegada de Ignacio ­­—que venía de otro grupo de La Granada—, lo que hizo que nos juntáramos, que se cerrara un poco más el círculo. Empezamos a ensayar más, con mayor frecuencia, y esto hizo que encontráramos local, que yo dejara la acústica y me comprara una eléctrica, y así Aurora tomó fuerza. ¿Cómo llegan al nombre de Aurora? ¿Quién lo propone?

Javier: El nombre vino del cielo, vino como una forma de rayo de luz que nos penetró a todos. Fue una idea que yo propuse y, aunque al principio no estaba muy seguro, poco a poco se fue asentando hasta que le gustó a todo el mundo… Bueno, por lo menos a nosotros.

¿Cuál creen que sea la mayor diferencia entre los materiales de sus comienzos y su primer LP, Géminis?

José: La diferencia fundamental han sido los medios que hemos tenido para grabarlo y el tiempo que hemos tenido para dedicarle al disco, además de que hemos tenido gente a nuestro alrededor, como Banin en la producción y Carlos Díaz, nuestro técnico de grabación. El salto ha sido venir de una producción de “hágalo usted mismo” total, hasta llegar a un estudio con un equipo buenísimo.

Ha sido un cambio brutal.

Debe ser una buena experiencia trabajar con Banin, de Los Planetas. ¿Qué les dejo esa experiencia?

Julio: Ha sido una experiencia bonita, porque puedes compartir ideas con alguien que, a priori, piensas que va a estar por encima de ti, que no va a tener mucha conexión contigo, pero poco a poco descubrimos que esa persona también pasó por tu situación, también empezó con un grupo sin experiencia. Banin grabó los teclados, nos ayudó con ideas y nos asesoró un poco en las canciones, pero también vio la parte humana /personal de decir: “Chicos, entiendo que es su primer disco, me gustan sus canciones, los voy a ayudar y voy a hacer que esto suba”. Todo esto ha sido muy importante.

Géminis tiene todavía mucho por delante. ¿Cuáles son sus planes para este disco?

Julio: La idea es seguir girando con él, tocar en salas pequeñas y también en festivales. La idea es sacar material inédito, grabar algo entre este disco y el siguiente y no parar, no dejar de hacer cosas, ya que eso es lo que mantiene a un grupo vivo. A Géminis le queda un poco más de recorrido y la idea es volver a México, a Sudamérica y a donde haya oportunidad de tocarlo. Estamos aquí por primera vez y hemos visto que están ocurriendo cosas, que podemos tener un mercado, lo que también es un objetivo.

> Paco Sierra es Editor en Jefe de WARP.la, puedes leer su entrevista exclusiva con Babasonicos en WARP #58.

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The Darcys

THE NEW GENERATION OF MAPLE

Por: Eduardo Martínez Foto: Zach Slootsky

La música canadiense nos ha entregado propuestas interesantes durante décadas y, de hecho, de unos años a la fecha las cosas han mejorado aún más. Una nueva generación de músicos talentosos levanta la mano por el país de la hoja de maple, demostrando calidad y sinceridad al momento de crear.

The Darcys es una de esas bandas. Tras lanzar su debut homónimo en 2011, la agrupación regresa este año con Warring, proponiendo un sonido propio. WARP Magazine sostuvo una conversación con Wes Marksell, su baterista, quien habló un poco sobre el proceso que llevaron a cabo para la realización de su nueva placa y de una posible visita a nuestro país.

La realización de las letras nos tomó alrededor de tres años, mientras que la grabación duró aproximadamente seis meses.

¿Cómo podrían describir el sonido de Warring?

Tuvimos vínculos muy íntimos a la hora de realizar las canciones, mismos que influyeron al momento de estructurar un estilo, derivados de la paz y de los conflictos internos, logrando disfrazar varias de las imperfecciones que llegamos a tener en el pasado. El resultado fue un sonido más genérico, una especie de gran rock universal.

¿Quién fue el productor con el que trabajaron para este disco?

Al principio fuimos nosotros mismos, hasta que trabajamos con Tom Mcfaul, lo cual se convirtió en una experiencia increíble. Al comienzo él sólo era el productor, pero mientras avanzó el proceso conseguimos crear una colisión entre nuestro sonido y su experiencia.

¿Cuál es el proceso detrás de la creación de su música?

La manera en la que creamos música es muy esquematizada, es como seguir un libro de instrucciones, por lo que partimos de la construcción de las piezas de prueba hasta obtener el resultado final. ¿Cuánto tiempo les llevó la elaboración de este nuevo álbum, incluyendo la creación y la grabación de los temas?

¿Cuáles son las principales influencias que podremos encontrar en el sonido de Warring? Últimamente hemos escuchado bastante música electrónica, mezclas muy agresivas con rock y otras con un toque dance pop más fáciles de digerir. Además, siempre nos han gustado Radiohead, Interpol y TV On The Radio, quienes han generado una gran influencia en nuestro sonido.

¿Qué están escuchando actualmente?

Acabo de conseguir el disco de John Hopkins y realmente me encantó, además hay varias bandas pop que me gustan, como Absolutely Free. ¿Piensan visitar México para presentar Warring?

Ir a México es de las primeras cosas que pasan por mi mente. Estoy muy emocionado por tocar en México y espero que, cuando suceda, todo salga muy bien.

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Olallo Rubio Foto: Rubén Márquez para WARP Presentado por

Fue en 1995 cuando Olallo Rubio empezó a fincar una carrera dentro del espectro radiofónico de nuestro país gracias a Radioactivo 98.5, extinta estación de radio. Más adelante y tras la desaparición de la estación, el guionista y locutor se dedicó a la realización total de su primer documental, titulado ¿Y Tú Cuánto Cuestas? (2007). Cuatro años después editó su primera película de ficción This Is Not A Movie (2011) y al año siguiente presentó Gimme The Power, cinta documental que se centra en la historia de Molotov y el entorno político, social y cultural en el que la banda se desarrolló. WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Olallo, quien compartió 10 de las canciones infaltables en el soundtrack de su vida.

1. Metallica - ‘Welcome Home (Sanitarium)’

6. Pink Floyd – ‘Echoes’

2. Molotov - ‘Amateur’

7. Cyndi Lauper – ‘The Goonies ‘R’ Good Enough’

3. Maldita Vecindad y Los Hijos Del 5to Patio – ‘Kumbala’

8. Dr Dre – ‘Nuthin’ But A G Thang’

4. The Beatles – ‘While My Guitar Gently Weeps’

9. INXS - ‘Devil Inside’

5. Nirvana - ‘Come As You Are’

10. Faith No More – ‘War Pigs’

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Washed Out IT ALL FEELS RIGHT Por: Joseph Guillén Foto: Shae DeTar

Ernest Greene, productor, compositor, músico, vocalista y el hombre detrás de Washed Out aborda un sinfín de sonidos y atmósferas en su nuevo álbum, Paracosm (2013). Basado en un mundo imaginario, la placa es más que un disco: su autor lo define como una tierra fantástica —muy alejada de su natal Georgia—, llena de luminosidad sonora. Con apenas 30 años, Greene demuestra su talento tanto detrás de la consola, como frente al micrófono, para llevarnos por parajes musicales que pronto se traducen en sensaciones e imágenes en cámara lenta.

WARP Magazine conversó con Ernest respecto a su propuesta, una de las más interesantes en plena expansión del llamado dreampop. ¿Qué tan difícil es tener un proyecto de una sola persona?

Bueno, a mí me da mucha libertad como colaborador para varios proyectos, pero también para traer colaboradores al mío. Me gusta trabajar así, llevar la idea que tengo en mente a un plano más real y sé exactamente a dónde quiero ir. La parte negativa, quizá, es un poco el hacerlo todo solo, pues al tener a alguien más en tu proyecto se puede repartir el trabajo y no todo recae sobre ti, pero supongo que he sabido manejarlo.

Hablemos de los orígenes del proyecto. ¿De dónde surge la idea de Washed Out? Desde pequeño componía canciones y, para la adolescencia, ya había estado en algunas bandas. En la universidad, con mi computadora, empecé a hacer mis propias canciones, a grabarlas, que es más o menos lo que hago ahora. Usaba mucha técnica de hip hop, experimentaba con ese estilo, usaba samplers y cosas así. Ahora, a diez años de distancia, el proceso no ha cambiado mucho, quizá sólo la forma de hacerlo. Así fue como nació Washed Out, de manera muy natural, muy personal. ¿Cuál fue el proceso creativo detrás del álbum Paracosm?

Desde el principio quería que trascendiera el sonido de sintetizadores de computadora, pero explorando tendencias más naturales, más vivas. Empecé a trabajar en septiembre del año pasado y para octubre ya tenía mucha de la música. En noviembre comencé a escribir las letras y para fin de año me metí al estudio, a trabajar con el productor. Finalizarlo me llevó

unos dos meses, incluyendo la masterización y los arreglos.

Fue un proceso de alrededor de seis meses en total.

Fue un disco exprés…

Un poco, sí. Cuando uno tiene bien planeado a dónde va, cómo quiere sonar y se trabaja con cierta disciplina, las cosas salen a tiempo. Yo tenía una gran energía para hacer las cosas y tenía una fuerte idea de lo que quería hacer, lo cual fue genial para que todo fluyera muy natural; además, Ben Allen, el productor, desde un principio entendió muy bien lo que yo quería. ¿Cuál dirías que es la principal diferencia entre Paracosm y tu trabajo anterior, Within And Without?

Probablemente el sonido. En este álbum hay sonidos que no había usado antes en algún álbum de Washed Out. He trabajado con diferentes estilos, durante mucho tiempo, y este álbum tiene un poco de todo eso que he hecho. Hablando de cosas más técnicas, creo que el volumen mejoró bastante, pues el proceso de masterización y la producción le dieron un sonido de mejor calidad al álbum entero, suena un poco más poderoso en todos y cada uno de los instrumentos. ¿Piensas promocionar Paracosm en México y otros países? ¿Hay alguna gira en puerta?

Sí, definitivamente, aunque debo revisar la agenda. Tengo muchas fechas pendientes pero, sí, quiero llevar el en vivo fuera y por supuesto que México es una de las opciones. Tengo planeado llevar el álbum a todos los lugares donde sea posible.

Al ser un artista joven, ¿cómo te vales de las redes sociales y los medios electrónicos para difundir tu música?

Contrario a lo que puedas creer, no uso mucho las redes sociales. Tenía MySpace cuando la plataforma aún era un tanto popular, pero no soy alguien que pase mucho tiempo en Internet.

He usado Soundcloud y YouTube para descubrir nueva música, nuevos artistas, de todas partes del mundo, y es grandioso que hoy puedas poner tu canción en Soundcloud y saber que gente de todos lados la puede descubrir; es una gran herramienta. En mi caso, sin embargo, no paso mucho tiempo en redes sociales… supongo que he estado muy ocupado.

> Joseph Guillén es periodista musical y colaborador de WARP. Puedes leer su entrevista con Beady Eye en WARP #59.

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ASK AMANDA Por: Amanda Palmer / @amandapalmer Foto: Wayne Hoerchel

An Evening With Neil Gaiman & Amanda Palmer será lanzado pronto. ¿Qué nos puedes decir acerca del proceso de grabación del disco y tu mejor recuerdo de este trabajo? —Helena Báez Bueno, la idea era grabar cada presentación que hicimos Neil y yo en una gira de seis días por ciudades de la costa Este de Estados Unidos. Compartimos el escenario todas las noches, inventando cosas mientras lo hacíamos. Neil leía historias y yo tocaba canciones que normalmente no están en mi repertorio, nos sentábamos y recibíamos preguntas de la audiencia. A veces era muy tonto, pero otras veces se ponía muy emocional, hablábamos de nuestra relación, de cómo lidiamos con nuestros problemas, de lo que creíamos acerca del otro, fue casi como una terapia. También hicimos juntos algunas canciones —la mayoría de ellas ridículas—, algunos covers con piano y ukulele. Lo llegamos a llamar “nuestra boda de seis noches”, porque parecía como si estuviéramos presentando al otro con nuestras familias, con la esperanza de que no ocurriera ninguna pelea de borrachos. Fondeamos la grabación original a través del público y ahora, por fin, lo lanzaremos formalmente. Son tres largos discos de lecturas, canciones y preguntas que elegimos y editamos para presentar sólo lo mejor de lo mejor. Pienso que es maravilloso y, si lo deseas ordenar, lo puedes encontrar muy fácilmente en mi sitio web. ¿Cuál es tu soundtrack favorito? —Bruno Arco Pregunta difícil. Mientras crecía escuchaba demasiados, de hecho tenía bandas sonoras que me gustaban aunque nunca había visto las películas. Me encantaba buscar acetatos en las secciones de soundtracks de las tiendas de discos usados, me gustaba mucho el soundtrack de Liquid Sky, era uno de mis discos favoritos, aunque hasta la fecha no he visto la película. También, por medio de las bandas sonoras de Amadeus y A Clockwork Orange comencé a apreciar la música clásica y sigo sosteniendo la idea de que

los filmes son un enorme recurso para hacer la música clásica interesante para los jóvenes que no entienden que muchos de los compositores clásicos en realidad tenían actitud punk y eran genios irreverentes. Dentro de mis soundtracks favoritos están los de las primeras películas de John Hughes: The Breakfast Club, Pretty In Pink, Sixteen Candles. La banda sonora de Repo Man también estaba constantemente en mi rotación cuando era adolescente; sirvió para iniciarme dentro de la música punk. También devoro cualquier cosa que haga Michael Nyman, en especial sus primeros trabajos con Peter Greenaway. Dos soundtracks de él que me gustan mucho son A Zed And Two Noughts y The Cook, The Thief, His Wife And Her Lover, esa música me hace llorar como no tienes idea. ¿Te gusta Halloween? ¿Tienes alguna tradición para esta época? —Israel Brizuela Halloween me encantaba cuando era niña. Crecí en un suburbio perfecto para ir disfrazada, de casa en casa, pidiendo dulces la Noche de Brujas. Era una de las noches del año que más me gustaban, pues tenía mis tres cosas favoritas envueltas en una sola celebración: disfrazarte, hablar con desconocidos y comer dulces. Cuando era pequeña estaba obsesionada con los dulces, esa es la razón por la cual mis dientes están llenos de caries. Hoy, como adulta que se la pasa de gira, ya no sigo tanto la tradición de Halloween, esa noche, normalmente, la paso en algún motel. Si la pasamos en Estados Unidos podemos hacer un gran evento con disfraces y decoraciones especiales en el escenario. Con The Dresden Dolls hacíamos dramatizaciones muy buenas —una noche de Halloween actuamos como The White Stripes, yo me vestí como Jack y Brian como Meg—, pero este año mi banda estará en Copenhague, donde no existe la tradición de Halloween. Esas fechas siempre son deprimentes.

> Amanda Palmer es músico y compositora, fundadora de The Dresden Dolls y de Amanda Palmer & The Grand Theft Orchestra.

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CARLOS ANN VARIAS VIDAS Por: Astrid Garfias Foto: Cortesía CA

Si algo caracteriza a Carlos Ann es la forma en la que ha dotado de eclecticismo su carrera musical. Por más de 15 años, el español ha sabido probar diferentes corrientes musicales sin quedarse prendado de alguna en especial: ya sea rock clásico, electrónica experimental, ritmos latinos o cualquier otra sonoridad que invada el plano terrenal, Ann sabe hacerla parte de sí mismo.

Durante su más reciente visita a México, WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con el cantautor respecto a Agatsu, su nuevo vástago, el cual lo ha llevado a adoptar una personalidad musical basada en la electrónica de avanzada. Esto sucedió durante la charla.

México es una tierra que te recibe siempre muy bien. ¿Cómo te sientes de regresar?

Me siento muy bien, muy contento. Desde 2005 he tratado de venir por lo menos una vez al año y ahora vengo a presentar Agatsu, mi séptimo álbum en solitario y el décimo tercero con bandas y colaboraciones. ¿Este disco marca una nueva etapa? ¿El inicio de algo?

Mi álbum anterior fue un recopilatorio que me sirvió para poner orden, artística y cronológicamente. Como músico sabes muy bien de dónde vienes, pero al mismo tiempo encuentras tu lugar en el presente. No quise repetir cánones y pienso que, en estos tiempos, es muy importante que los creadores apuesten por la investigación sonora.

Agatsu es un disco completamente electrónico y a nivel de textos aborda temas no muy comunes, como la regresión, el sexo como fuente inmortal, las vidas paralelas, los seres de luz o la esclavitud animal. ¿Cómo te sientes presentando este disco tan complejo en comparación a tus primeros trabajos?

Quizá es un disco complejo, pero estos son los que a la

larga resultan más duraderos. Me refiero a esos discos en los que, lentamente, vas descubriendo sus matices, sus colores y sus texturas.

Vienes de una escena en la que surgieron diferentes artistas y vertientes musicales pero pocos han sobrevivido. ¿Crees que tiene que ver con el talento de cada banda o artista o la escena ha sido egoísta?

Es muy complicado continuar muchos años en el mundo de la música, pues es un mundo de adversidades. No solamente tienes que componer, sino saber manejarte en la cuerda floja de las emociones, los sentimientos y la economía. Las personas que nos dedicamos a la música tenemos que estar por encima del bien y del mal. Hay personas que de pronto se plantean la necesidad de una estabilidad emocional y económica, y es ahí cuando muchas bandas deciden tomárselo con más calma. Y sí, la escena de donde yo vengo, al principio, aunque muy activa, también fue muy enérgica y con el paso de los años somos menos. ¿Cómo te sientes de ser un artista independiente, con todas las dificultades que ello implica?

Me siento cómodo. Hubo un momento de mi vida en que sabía que si cruzaba esa frontera no habría marcha atrás.

He asumido muy bien la forma en que soy y lo que me depara el futuro. Igual que Jodorowsky, pienso que “todo es para bien”.

Tus shows son muy enérgicos y se construyen conforme avanza la noche. ¿Cómo llevarás Agatsu al escenario?

Es un disco completamente electrónico e hicimos un tratamiento de las canciones pasadas. Esta vez me acompañan tres músicos más y el concierto comienza tranquilo, aunque con cierta densidad, para después terminar como un acto electrónico.

calendario -033-

Noviembre 2013

8 Los Ángeles Azules

14 Porter

Palacio De Los Deportes, México, D.F.

El Plaza Condesa, México, D.F.

22 Austin TV

25 James Blake El Plaza Condesa, México, D.F.

El Plaza Condesa, México, D.F.

8y9 Devendra Banhart El Plaza Condesa, México, D.F.

23 Los Fabulosos Cadillacs

29 Incubus Arena Ciudad De México, México, D.F.

Foro Sol, México, D.F.

13 Ringo Starr Auditorio Nacional, México, D.F.

CocoRosie Auditorio BlackBerry, México, D.F.

Kings Of Chaos Palacio De Los Deportes, México, D.F.

gigs Crystal castles Jos茅 Cuervo Sal贸n Foto: Perla Rabiela para WARP #WARPgigs

gigs Juan mAclean WACO Music Festival 2013 La Marina, Torre贸n, COAH. Foto: Ra煤l Arce para WARP #WARPgigs

gigs MUse Palacio de los Deportes Foto: Franccel Hernรกndez para WARP #WARPgigs

gigs Tame impala José Cuervo Salón Sergio Gálvez para WARP #WARPgigs

Deadmau5

Corona Capital #WARPenCC13

Por: Julián Woodside, Carlos Altamirano y Eduardo Martínez Fotos: Sergio Gálvez, Franccel Hernández, Luis Mendoza, Zaruhy Sangochian, Perla Rabiela y Joaquín Martínez, para WARP

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The xx

Después de una larga espera, uno de los carteles más equilibrados y eclécticos que hayan pisado México se dio cita en la cuarta edición del festival Corona Capital. A continuación, un poco de lo ocurrido durante dos de los días con más rock y música de todo 2013.

Día 1 El escenario Corona Light fue inaugurado por la actuación de Robert DeLong quien, lejos de lo que se esperaba, reunió una gran cantidad de espectadores, los cuales no dejaron de bailar ni un solo minuto durante su presentación de casi 50 minutos.

La mayoría de la gente se quedaría en su lugar, debido a que los siguientes en salir a escena serían los ingleses de Palma Violets, quienes siguen disfrutando de las mieles de su disco debut, 180, editado a principio de año, que los ha validado como una de las agrupaciones más prometedoras; los puntos más altos de su actuación, sin duda, se dieron con los sencillos ‘We Found Love’ y ‘Step Up For The Cool Cats’.

The Crystal Method, por su parte, mantuvo a la gente bailando de manera eufórica con un set bastante actualizado, mezcla de dubstep, trance y su sello característico de electrónica con sampleos de fragmentos de canciones metaleras y pop.

Mientras la tarde caía, varios se habían repartido para ver a The Dandy Warhols, seguidos por Travis, en el Corona Light, y otros a Peace en el renovado Bizco Club. Algunos curiosos se reunieron en el escenario Capital para disfrutar de una dosis de sicodelia e indie folk proporcionada por Kurt Vile, cuyo estilo y modo de operar en el escenario le dio al Corona Capital un toque de “festival gringo”, transportándonos, aunque fuera un poco, de manera un tanto metafórica a algún paraje californiano. En ese mismo escenario, sorpresivamente, la gente se multiplicaría para disfrutar de la primera visita a México de la banda oriunda de Las Vegas, Imagine Dragons, que con su disco debut Night Visions ha logrado

ganarse a la prensa especializada y a una buena cantidad de seguidores alrededor del mundo.

A pesar de que había varios actos interesantes —como Travis en el Corona Light; Dinosaur Jr., en el Capital, y The Presets, en el Bizco Club— una gran multitud comenzó su peregrinaje para disfrutar, en punto de las 20:00 hrs., del trío londinense The xx, que con cada una de sus interpretaciones y un sonido impecable demostró su calidad, dejando claro que su hype no es casualidad. Sus integrantes, que aún se encuentran en sus veintes, arrancaron gritos, suspiros, aplausos y hasta algunas lágrimas con cada uno de sus temas, entre los que destacaron ‘Fiction’, ‘Crystalised’ y ‘Angels’, esta última una de las más aplaudidas por sus seguidores.

The Breeders

IO Echo

The Dandy Warhols

Blondie

La noche continuó hasta que Phoenix hizo su aparición bajo las luces del escenario Capital, ante un público ansioso por escuchar a una de las bandas más finas que ha recorrido importantes festivales este 2013. Canciones como ‘Fences’, ‘Liztomania’, ‘Lasso’, ‘1901’, ‘If I Ever Feel Better’ y ‘Long Distance Call’ lograron que una audiencia joven bailara y coreara al unísono, provocando en Thomas Mars el impulso de bajarse del escenario y unirse a la fiesta. Así, con una presentación épica en una linda noche, el cierre del primer día no pudo ser mejor.

Por su parte, Joel Thomas Zimmerman, mejor conocido como Deadmau5, se presentó una vez más en nuestro país, con su característico escenario cargado de visuales y juegos de luces. Sin embargo, su set dejó mucho qué desear para varios, pues si bien puso a la gente a bailar y a brincar, en múltiples ocasiones dejó venir abajo el ímpetu del beat, haciendo que la gente se mantuviera a la expectativa de lo que vendría sólo para seguir esperando. A medida que su presentación se acercó al final, se pudo apreciar que retomaba fuerza para cerrar con una dosis de electro pop, pero sin lograr satisfacer plenamente las expectativas de la gente.

Travis

Phoenix

043

Día 2 Después de un emocionante y soleado primer día de Corona Capital, la multitud acudiría desde temprano para darle cierre a una jornada que prometía muchas más sorpresas.

Jake Bugg, por ejemplo, está hecho a la vieja escuela y no necesitó de mucho: su sola presencia llenó el escenario, con un carisma que arrancó gritos y alguna que otra propuesta de matrimonio. Su interpretación fue casi perfecta, con temas como ‘Two Fingers’, ‘Broken’ y su nuevo sencillo ‘What Doesn’t Kill You’, que complacieron a los reunidos en el escenario Capital.

El domingo pintaba para ser un día lleno de guitarras fuertes y el arribo de The Black Angels lo confirmaría con su estruendosa actuación en el escenario Corona. A pesar de tener poco tiempo para su acto —apenas unos 40 minutos—, los texanos hicieron un recorrido por sus cuatro discos de estudio, incluyendo el más reciente, Indigo Meadow.

A tan sólo unos metros de la estela de garage rock que había dejado The Black Angels, otro texano, Gary Clark Jr., se apoderó del Corona Light, donde demostró por qué es considerado uno de los guitarristas más prodigiosos de la actualidad. Por su parte, la manera en que Matt & Kim lograron transmitir la euforia que sentían por tocar en la Ciudad de México fue sin duda algo que contagió a la gente, que coreaba, gritaba y brincaba con cada canción.

Momentos después, Miles Kane llegaba por primera vez a México con la única misión de conquistarnos con su carisma y, desde el momento en que salió al escenario Corona vistiendo la camiseta de la Selección Mexicana de Futbol, se embolsó a los asistentes.

Muchos esperaban que durante el acto se diera una especie de reunión de The Last Shadow Puppets, lo que no sucedió, aunque no hizo falta: el show de Kane fue redondo por sí solo.

Queens Of The Stone Age

Miles Kane

Jake Bugg

M.I.A

Vampire Weekend / White Lies / Sigur Rós

El regreso a nuestro país de Vampire Weekend, consolidada como banda de peso en cualquier festival del mundo, llamaba mucho la atención. Con escenario repleto y la misión de encender el ambiente antes de la salida de Arctic Monkeys, no se guardaron absolutamente nada, soltando éxito tras éxito y arrancando coros monumentales, en especial del público femenino, que atento miraba el inocente y a la vez detallado desenvolvimiento de Ezra y compañía.

Aunque el nombre de la banda sigue reflejando algo de inocencia, Arctic Monkeys ya no es para nada una banda promesa; con cinco discos editados en menos de 10 años y una larga trayectoria en festivales, Alex Turner y sus secuaces por fin saldaron la cuenta pendiente con el público mexicano. El grupo

Giorgio Moroder

Josh Homme, quien estuvo a nada de finalizar con Queens Of The Stone Age, se nota revivido, con ganas de plantarse en el escenario y liderar uno de los actos de rock más sorprendentes, sinceros y sólidos de las últimas dos décadas. El acumule de cansancio se borró de los asistentes y, desde las primeras canciones, la energía estalló como nunca. Desde luego hubo quien se quedó con ganas de más, pero temas como ‘No One Knows’, ‘Sick Sick Sick’, ‘My God Is The Sun’, ‘If I Had A Tail’, ‘Little Sister’ y ‘Go With The Flow’ fueron más que suficientes para tatuar en nuestra memoria la primera visita de Queens Of The Stone Age a México.

salió a escena como los grandes: se postraron en cada uno de los instrumentos e hicieron lo que mejor saben durante toda su presentación, hasta volver el cierre del escenario Capital en algo memorable. El tema ‘505’, una de las canciones consentidas y más significativas para la banda, fue interpretada con la compañía de su compatriota y amigo, Miles Kane.

La presentación de The Breeders en el escenario Corona, por su parte, resultó ser un fenómeno interesante, pues si bien su setlist conmemoró el 20 aniversario del lanzamiento de Last Splash, tuvo un horario complicado al competir con las presentaciones de Vampire Weekend y Arctic Monkeys.

Por esta razón, no tuvieron mucha concurrencia; sin embargo, entre los asistentes se logró apreciar un gran disfrute por tener la posibilidad de escuchar en vivo, de principio a fin, uno de los discos que marcó la década de los noventa y que personajes como Kurt Cobain reconocieran como uno de sus discos favoritos.

La presentación de Sigur Rós fue sin duda una de las más esperadas dentro del festival. Iniciando con mucha energía y una fuerte carga de visuales y texturas emotivas, el conjunto islandés dio clara muestra de por qué es considerado uno de los más importantes del post rock hoy en día. El timbre característico de Jónsi Birgisson y las orquestaciones del conjunto, hicieron de ésta una presentación sublime, emotiva y llena de momentos oníricos, infantiles e inocentes, contrastados por visuales y atmósferas sumamente agresivas, haciendo del concierto una total experiencia audiovisual.

Arctic Monkeys

Se podría decir que la presentación de Giorgio Moroder, por su parte, como cierre de las actividades del festival, en el escenario Bizco Club, fue más una clase de historia musical acompañada de un DJ set cargado de clásicos bailables que una verdadera presentación en vivo. Criticado por muchos por no generar una atmósfera como DJ, la gente bailó y gritó de cualquier modo, coreando absolutamente cada canción, mientras que en los recesos se escuchaban comentarios del también productor, compartiendo anécdotas sobre éxitos musicales de los últimos 30 años.

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Blondie

#WARP7 Fotos: Sergio Gálvez y Franccel Hernández para WARP

Una vez más llegó la fecha, la hora de celebrar el esfuerzo y la buena disposición de todos aquellos que hacen que WARP, en todas sus encarnaciones, suceda. A través de nuestro ejercicio periodístico llamado #WARPconvoca y un concierto encabezado por los neoyorkinos de Blondie, decimos gracias a nuestros seguidores por permitirnos ser parte de su vida. Echemos un vistazo a lo sucedido.

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Le Baron

#WARPconvoca #Wweek by #WARP7

Por: Staff WARP / Fotos: Sergio Gálvez y Franccel Hernández para WARP Presentado Por:

WARP llegó a la celebración de un aniversario más y con esto a la consolidación de muchas metas y objetivos. Con el número 7 como estandarte y la W como fusíl de guerra arrancamos la #Wweek by #WARP7. A través de nuestro ya conocido ejercicio periodístico denominado #WARPconvoca, el Hotel W se convirtió en la sede de tres mesas redondas y un keynote en donde líderes de opinión abordaron los temas: La Nueva Era en el Periodismo Musical, Música y Cine, Evolución y Tendencias en la Producción Musical y, por último, Periodismo Internacional.

internacionales y el momento que vive el periodismo musical en México, todo esto a lo largo de poco más de una hora.

Un evento como este no podía quedar completo sin la participación del público, por lo que se dio retroalimentación a través de comentarios y opiniones que cerraron con la intervención de Alejandro Franco, Director Editorial de WARP, quien agradeció la presencia de panelistas y asistentes, además de reforzar la idea de que es necesario generar una industria sólida.

Este es un breve resumen de lo sucedido durante #WARPconvoca.

La Nueva Era en el Periodismo Musical Lunes 7 de octubre En su primer día, Sergio Pastrana, Editor en Jefe de Indie Rocks!; Uriel Waizel, Jefe de Contenidos Musicales Ibero 90.9; Benjamín Salcedo, Director de Rolling Stone México, y Julián Woodside, académico y periodista de diferentes publicaciones, incluida WARP Magazine, se dieron cita para tocar el tópico Periodismo Musical.

Con público presente y decenas de espectadores más a través del livestream realizado vía W Radio y WARP.la, el evento abordó temas como el papel del periodista en su labor informativa, la dificultad de ser objetivo en reseñas de discos, de conciertos, etc., así como la cobertura que tienen bandas nacionales de cara a las Sergio Pastrana, Benjamín Salcedo, Julián Woodside y Uriel Waizel

Música y Cine Martes 8 de octubre #WARP7 continuó sus actividades de festejo a través del encuentro que reunió a reconocidas figuras de la producción musical y cinematográfica en la mesa de debate Música y Cine, en la cual estuvieron la productora y supervisora musical Lynn Fainchtein; el músico, compositor y productor Darío González, el director de cine José Manuel Cravioto y Francisco Sierra, Editor en Jefe de WARP.la como moderador.

De nueva cuenta, la mesa contó con público presente y espectadores a través del livestream realizado. En el evento se trataron temas como la importancia de los derechos de autor en la selección de un soundtrack, las herramientas idóneas para componer y producir una banda sonora original, cómo abordar un guión cinematográfico para la selección de temas y la situación actual de la industria cinematográfica nacional e internacional, además de la importancia de la música dentro de ésta.

La mesa concluyó con una sesión de preguntas y respuestas, tanto del público presente como de aquellas personas que disfrutaron el evento en línea, seguida de la proyección de la cinta Hecho En México, de Duncan Bridgeman, producida por Lynn Fainchtein.

Toy Selectah, Giorgio Brindesi y “Milo” Froideval

Periodismo Internacional Jueves 10 de octubre Para culminar las actividades de #WARPconvoca se contó con un keynote impartido, ­nada más y nada menos­­, que por Paul Stokes, Editor Asociado en Q Magazine, donde se encarga de todas las operaciones digitales. El periodista, quien ha trabajado en NME como Editor Asociado y organizador de los NME Awards, ha colaborado en medios como The Guardian, The Times, BBC y CNN, y actualmente es columnista de WARP Magazine.

En una excelente charla, entablada con Diovanny Garfias, Editor en Jefe de WARP Magazine, Stokes dejó de manifiesto su vasta experiencia a través de varios años buscando las noticias. Stokes enfatizó la importancia, hoy en día, de los medios digitales en pro del periodismo musical; sin embargo, no restó importancia a la profesionalización del periodismo del lado sonoro, que a menudo pasa a segundo término debido a la facilidad con la que “cualquiera” puede ser leído.

Este fue, sin duda, el cierre perfecto de la enriquecedora semana de #WARPconvoca.

Lynn Fainchtein, Darío González, Francisco Sierra y Manuel Cravioto

Evolución y Tendencias en la Producción Musical Miércoles 9 de octubre Siguiendo con las actividades de festejo y la #Wweek by WARP, reconocidas figuras de la producción nacional se dieron cita en la mesa de debate Evolución y Tendencias en la Producción Musical. Toy Selectah, productor, músico, remixer, Director Creativo A&R y Ceo De Sones del Mexside, junto a Camilo “Milo” Froideval, productor, músico y compositor para cine y TV, fueron los encargados de dar vida a la mesa, mientras que Giorgio Brindesi, productor, DJ, remixer y Coordinador Editorial de WARPtv, fungió como moderador.

En el evento se trataron temas como la evolución en la producción musical nacional e internacional, el uso de nuevas tecnologías para producir y promocionar talentos musicales, así como la perspectiva actual sobre la escena nacional y latinoamericana.

Las actividades de este día continuaron con una entrevista en vivo al grupo mexicano Le Baron, realizada por Paco Sierra, Editor en Jefe de WARP.la, en la cual la agrupación compartió su experiencia en el medio y algunos detalles de su próximo disco.

Al final de cada una de las actividades hubo una sesión de preguntas y respuestas, tanto por el público presente como por las personas que siguieron el evento a través del livestream.

Paul Stokes y Diovanny Garfias

BLONDIE, WHITE LIES, POOLSIDE Y CALONCHO Teatro Metropólitan

Por: Elsa Nuñez Cebada Fotos: Sergio Gálvez & Franccel Hernández para WARP

White Lies

Presentado Por:

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Blondie

Caloncho

Poolside

No sé si a muchos de ustedes les pasó lo que a mí la noche del 11 de octubre, pero tuve un enfrentamiento directo contra el tiempo y ni siquiera metí las manos. Aquel fue uno de esos días en los que era necesario hacer un recuento de todo lo que hemos vivido, dentro y fuera de WARP, durante estos siete años.

Hablando precisamente del tiempo, creo que en esta ocasión, tal vez sin querer, hicimos que todos los que celebraran con nosotros dieran un breve paseo por ciertas épocas musicales. Estamos seguros de que muchos, cuando les dijeron a sus papás que iban a ver a equis banda, ellos supieron por primera vez de quiénes estaban hablando.

Nuestra celebración comenzó con el tropifolk de Calon-

cho, quien en temas como ‘Palmar’ y ‘Chupetazos’ nos trajo un poco de calorcito playero en una noche que amenazaba con tormenta. Después empezamos a calentar con el daytime disco de Poolside, banda de Los Angeles que vino a demostrar que su ciudad es mucho más que garage y surf.

Para cuando White Lies subió al escenario, estábamos más que listos para lo que faltaba. Estos músicos demostraron su cariño por el público mexicano y supieron en qué momento lanzar ciertas canciones para que todos enloquecieran.

El Metropólitan es uno de nuestros lugares favoritos y las canciones de los londinenses —que, por cierto, fueron portada en WARP Magazine #60— sonaron bastante bien. Harry McVeigh no se cansó de decir lo mucho que agradecía el apoyo de la gente y el set estuvo dedicado a recordar canciones, pasando por clásicos como ‘Bigger Than Us’ y ‘Unfinished Business’, hasta llegar a su nuevo álbum con ‘Big TV’, ‘There Goes Our Love Again’ y ‘First Time Caller’.

Nuestro viaje entre épocas y géneros hizo su última parada en la Gran Manzana, en pleno 1977, gracias a Blondie. ‘One Way Or Another’ fue la canción que hizo que saltáramos de nuestros asientos, mientras Debbie Harry bailaba disfrazada de bruja.

Siendo honestos, todos estábamos ahí para escuchar puro clásico y, a pesar de que hubo canciones nuevas, todos seguimos bailando. Esta propuesta legendaria se presentó simplemente como una “banda de Nueva York” y nos llenó de una nostalgia que tal vez no vivimos, pero de la que muchos aprendimos desde la cuna.

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‘The Tide Is High’ y ‘Maria’ fueron básicamente cantadas por el público, pero uno de nuestros momentos favoritos fue cuando sonaron los primeros acordes de ‘Atomic’. Para entonces no sabíamos que la banda nos tenían reservado tremendo regalo de cumpleaños: Blondie covereando ‘(You Gotta) Fight For Your Right (To Party)’, de Beastie Boys. Ya para el cierre, hicieron su propia versión de ‘Hollywoodd Babylon’, original de Misfits, y nos terminaron de enamorar con ‘Heart Of Glass’ y ‘Call Me’, un par de motivos por los que estábamos allí.

Este ir y venir entre épocas muy bien conocidas —aunque quizá no vividas— me llevó a darme cuenta que los años no pasan en vano y que todos los que somos WARP (impreso, digital y TV) hemos crecido con este proyecto, el cual nos ha dado enormes satisfacciones… como esta.

Son siete años de esfuerzos consolidados en una noche, en un show o en una página de esta revista, acompañados por los comentarios de ustedes, nuestros lectores —nuestros mejores y más feroces críticos—, a quienes debemos dedicar y agradecer esta fiesta.

Después de tan espectacular noche en el Teatro Metropólitan, la fiesta cerró con un after party en Club Social Rhodesia, con DJ sets de Giorgio Brindesi, Nancy Whang (LCD Soundsystem) y SLKTR. ¿Se divirtieron?

White Lies

Nancy Whang

> Elsa Núñez Cebada es periodista musical y colaboradora de WARP. Puedes leer su entrevista con White Lies en WARP #60.

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anatomy of melancholy AUN EN ESTOS DÍAS DE TECNOLOGÍA PRODIGIOSA Y SENSATECES CIENTÍFICAS IRREBATIBLES, SEGUIMOS SIN ENTENDER AL 100 POR CIENTO AQUELLO QUE LOS HUMANOS IDENTIFICAMOS COMO AMOR.

Inobjetablemente, podríamos recurrir al conocimiento biológico para intentar razonar el modo en el que el cerebro juega al hechicero e inunda al ser físico con su complejo veneno de feromonas, serotonina, dopamina y noradrenalina. Sin embargo, eso no haría más fácil la tarea de entender el encanto embrujador desatado, como si de una inyección de embriaguez se tratara, hacia el centro de placer del raciocinio.

El amor, al día de hoy, conserva la calidad de “misterio” para el grueso de los mortales pero, ¿qué hay del enigma encerrado en el ente que produce este embrujo?, el objeto de atracción, el mismo que induce el aumento del ritmo cardiaco, la pérdida del apetito e incluso la noción del tiempo; en la mayoría de los casos, un ser vivo (físico).

Curiosamente los campos en los que la psique humana se desarrolla se extienden más allá, llegando a traducir ese proceso biológico en un sentimiento dirigido hacia entidades intangibles. Difícilmente creíble, virtualmente imposible de entender y filosóficamente celebrable, hoy tratamos de descifrar el amor encauzado hacia la melancolía, particularmente, el que ha quedado retratado en la música.

Caracterizado por manifestarse, principalmente, en los virtuosos de numerosas disciplinas, el amor por la melancolía se ha presentado en diversos campos de las Bellas Artes, dejando de manifiesto que el culto a la tristeza es algo digno de compartirse y expresarse libremente. No hablamos del grito de un individuo invadido por la melancolía, hablamos de aquel que presume su

gratitud con la vida por dejarlo ahogarse en el vómito que esta tristeza le provoca, glorificando el momento en el proceso.

Muchos han intentado capturar este momento de iluminación en sus obras, sin embargo, apenas un selecto grupo ha podido llevar a cabo la misión con éxito, transmitiendo inmaculadamente la experiencia. Ya sea con letras sínicas o llenas de metáforas y figuras retóricas, o con sonidos hirientes y corrosivos, reconfortantes y pacíficos, hoy en WARP Magazine nos dedicamos a entender la estructura que sostiene este trastorno del humor, la obsesión y el amor que generan, celebrando a algunos de los músicos que mejor saben realizar la anterior tarea.

Desde Los Angeles, CA, Io Echo, la dupla integrada por Ioanna Gika y Leopold Ross, da inicio al tema de la mano de su álbum debut “Ministry Of Love”. Con apenas 19 años, el inglés Jake Bugg comparte su perspectiva desde el lado inocente del amor por la tristeza, previo al lanzamiento de su segundo trabajo de estudio “Shangri La”. These New Puritans sumerge la daga en la herida con “Field Of Reeds”, su disco más melancólico y personal a la fecha. Gary Numan entra al debate con el oscuro y visceral “Splinter (Songs From A Broken Mind)” y para concluir, desde Islandia, Orri Páll Dýrason presenta en una charla exclusiva su punto de vista sobre el tema, no sin antes ahondar en “Kveikur”, material diseñado por Sigur Rós desde el corazón de la melancolía misma.

Bienvenidos a Anatomy Of Melancholy.

IO ECHO WHEN THE LILLIES DIE Por: Raúl Arce / Foto: Sergio Gálvez para WARP

CUANDO PENSAMOS EN LOS ANGELES, UNA DE LAS PRIMERAS COSAS QUE VIENEN A LA MENTE SON LOS PASEOS POR VENICE BEACH, LAS OPULENTAS MANSIONES DE BEL AIR Y, POR SUPUESTO, EL LETRERO DE HOLLYWOOD EN EL MONTE LEE. DE ALGUNA MANERA TODO LO ASOCIAMOS CON AMBIENTES SOLEADOS Y, HASTA CIERTO PUNTO, FESTIVOS. SIN EMBARGO, LA CIUDAD TAMBIÉN CUENTA CON UNA ESCENA INDEPENDIENTE PROMETEDORA, QUE MÁS ALLÁ DE RETRATAR EL CLICHÉ DEL ESTILO DE VIDA ANGELINO, BUSCA MOSTRAR MATICES VARIADOS.

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IO Echo es una de esas bandas atípicas de Los Angeles que con un sentido de la estética bastante contrapuesto al clima de su ciudad ofrece un sonido lúgubre, melancólico, con influencias orientales y un tinte de pop bastante peculiar. El asunto es que también en la tristeza hay belleza, y en sentimientos como la melancolía o la desesperanza, muchos músicos encuentran una fuente casi inagotable de inspiración. Este fenómeno creativo es evidente en casos como el del también angelino Beck, quien a pesar de contar con álbumes sumamente coloridos, obtuvo gran reconocimiento con Sea Change, un disco que expresa profundos sentimientos de tristeza. Sin llegar a los niveles de depresión externados por Hansen , IO Echo ofrece también ambientes desolados y enigmáticos, por momentos endulzados por una voz femenina y letras ambiguas.

Compuesto por Loanna Gika y Leopold Ross (Error, The Big Pink), IO Echo lanza este año su debut, Ministry Of Love, un disco que ofrece un sonido gótico-electrónico que seguramente no figurará en todas las publicaciones mainstream, pero que es capaz de atraer la atención de un público muy específico.

La banda visitó recientemente la Ciudad de México. Poco después de su presentación, el dúo angelino tuvo una charla con WARP Magazine en la que Loanna y Leopold explicaron el porqué de su obscuro sonido, además de la impresión que se llevaron del público mexicano.

Mucha gente relaciona su música con lugares oscuros, escenas tristes y melancólicas. ¿A qué se debe esto?

Loanna: Aunque me siento llena de alegría, nuestra filosofía abarca un espectro más grande de emociones. No todo es feliz y de color rosa, por eso a veces incorporamos temáticas que tienen que ver con la tristeza. Además, incluso dentro de sentimientos como la tristeza, creo que pueden encontrarse cosas bellas y no necesariamente negativas. Al mismo tiempo considero que en la felicidad es posible apreciar elementos negativos, esa es la belleza de la vida: no todo es felicidad, pero incluso la tristeza puede ser hermosa. Tratamos de mostrar todo el espectro… o al menos tanto como podemos.

Leopold: El álbum cubre algunos temas obscuros, pero también habla de esperanza y de encontrar la luz, incluso en situaciones negativas o adversas.

Es curioso que su disco se llame Ministry Of Love, sobre todo cuando es tan oscuro. ¿Cómo podrían definir el sonido de este álbum?

Loanna: ¡Podemos describir el disco usando comida! Tiene vegetales y carne roja. Es una carta de amor para los lugares

en los que hemos vivido y a los bellos paisajes que vimos, pero, sobre todo, es una carta de amor a la gente de la que nos hemos enamorado, con todas las emociones que hemos sentido en los últimos dos años.

Esta es su primera vez en México, ¿cómo los trató el público?

Loanna: Sí, es nuestra primera vez y estamos emocionados de estar aquí. La gente ha sido muy cálida y receptiva.

Leopold: Fue increíble venir por primera vez y encontrarnos con un público súper entusiasta y energético que, sorprendentemente, se sabía la letra de algunas de las canciones del disco. Creo que construimos una conexión con nuestro público mexicano.

Siendo de Los Angeles, seguramente están expuestos a una gran escena. ¿Cuáles son las diferencias que encuentran entre lo que pasa en L.A. y lo que han podido ver en México?

Loanna: Como bien dices, en L.A. hay una gran escena, tenemos muchos lugares para tocar, una buena cantidad de sellos y artistas independientes; sin embargo, creo que la gente en México aprecia más la música y a los artistas. Te puedo decir que nos trataron muy bien, es decir, si alguien se detiene a ver tu presentación, de verdad se involucra con lo que pasa en el escenario y, créeme, esto no pasa en todos lados.

Además de tu trabajo con IO Echo, Leopold, tocas en The Big Pink. ¿Cómo logras combinar tu trabajo entre bandas?

Leopold: Es cuestión de organizarse y simplemente trato de no empalmar las cosas. Me uní a The Big Pink en 2009, como músico emergente en su gira mundial. Allí juego un rol diferente, porque a pesar de que mi instrumento es la guitarra, tuve que hacer de bajista.

En su álbum es posible percibir instrumentos que no son habituales en una banda de rock. ¿Por qué decidieron utilizar estos elementos?

Loanna: Este disco está cargado de influencias orientales, parte esencial de Ministry Of Love. En ese sentido, me encanta tocar un instrumento japonés llamado koto, creo que tiene un sonido elegante y enigmático, es un instrumento hermoso.

Leopold: Creo que los sonidos orientales le dieron un contexto totalmente distinto al álbum; sin embargo, soy un poco más tradicionalista y me aferro a mi guitarra. Fue el primer instrumento que aprendí a tocar, así que siento que mi lenguaje musical fluye mejor a través de las seis cuerdas de mi Gibson SG, aunque también le tengo aprecio a una Fender Telecaster que me está esperando en casa.

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EL BUCLE MELANCÓLICO Por: Eduardo Guillot / Foto: A.j. Savolainen

Según el diccionario de la Real Academia Española de la Lengua, la “melancolía” es una tristeza vaga, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que hace que quien la padece no encuentre gusto ni diversión en nada. Es un estado anímico cuya definición se ajusta perfectamente a la música de un puñado de artistas que han convertido la tristeza y la pérdida en un poderoso imaginario sonoro.

Imposible olvidar al protagonista de ‘Creep’ —canción que catapultara a la fama a Radiohead—, personaje inadaptado que se siente fuera de lugar y languidece sin sentido de pertenencia, encerrado en su propia marginalidad personal.

Herido de melancolía, la banda de Thom Yorke avanza en incursiones a territorios que seguirían explorando la misma idea, aunque desde planteamientos musicales mucho más abstractos e interesantes. De algún modo, el protagonista de la canción era una proyección del vocalista que, pese al éxito obtenido, siempre ha conservado cierta imagen pública de ensimismamiento, propia de una personalidad introvertida.

La melancolía ha sido siempre combustible para la música popular. Transformada en saudade, es uno de los ingredientes principales de la tradición brasileña ­—por ejemplo—, mientras que en la escena pop contemporánea no son pocos los artistas que la han convertido en leitmotiv de su discurso compositivo, ya sea desde aproximaciones de índole cinematográfico, como el francés Yann Tiersen en sus bandas sonoras, o impregnando su sonido de tristeza, aflicción o nostalgia, como Bon Iver.

Asociada mayoritariamente a instrumentos acústicos, la melancolía pop también da buenos resultados en propuestas de corte sintético. Un caso paradigmático es el del dúo Mi And L’Au, integrado por la finlandesa Mira Romantschuk y el francés Laurent Leclère, que debutó en 2005 con un ál-

bum editado por Young God Records, sello de Michael Gira (Swans). El disco es resultado de una larga estancia en una cabaña en medio de la nieve finlandesa y lograba transmitir un estado de ánimo especial, mediante el uso de herramientas propias del folk. Hoy, a ocho años de aquello, la pareja acaba de publicar el sugestivo H2O, en el que se confirma un giro sonoro basado en el uso de sintetizadores, pero que conserva la capacidad de transmitir emociones muy similares a las de sus inicios, aunque vehiculadas a partir de elementos muy diferentes.

Quizá el tiempo atmosférico tenga algo que ver. El frío parece inclinar a los músicos a exponer sentimientos relacionados con la melancolía en su trabajo. La escena islandesa confirma la teoría no sólo con Sigur Rós, también Múm y otros músicos relacionados con ellos como Ólafur Arnalds o Jóhann Jóhannsson. Si “el amor es más frío que la muerte”, como decía el cineasta alemán Rainer Werner Fassbinder, no hay duda de que la melancolía encuentra terreno abonado en paisajes gélidos.

Todo esto, sin embargo, también fue el motor de un estilo que emergió en el seno del panorama alternativo estadounidense de los años 90 conocido como sadcore, música hecha por y para enfermos de melancolía, adictos a la depresión, que se caracterizaba por atmósferas taciturnas y texturas arenosas. Red House Painters, Low, Elliott Smith (que terminó suicidándose), Sparklehorse (liderados por Mark Linkous, que también acabó con su vida) o American Music Club (con Mark Eitzel a la cabeza) contribuyeron a definir un sonido caracterizado por la introspección, ideal para escuchas nocturnas en momentos de zozobra emocional.

Todos ellos firmaron grandes canciones aunque, cuando las defensas están bajas, lo más prudente es alejarse de ellas.

Eduardo Guillot es periodista musical, cultural y de cine, autor de diversas publicaciones y colaborador de medios especializados como Rockdelux y Efe Eme.

JAKE BUGG BROKEN

Por: Raúl Arce / Foto: Kevin Westenberg

CON TAN SÓLO 19 AÑOS DE EDAD, JAKE EDWIN KENNEDY, CONOCIDO EN LOS ESCENARIOS COMO JAKE BUGG, HA CONQUISTADO AL MUNDO CON SU ÁLBUM HOMÓNIMO. LO CURIOSO ES QUE, A PESAR DE SU CORTA EDAD, ESTE CANTAUTOR INGLÉS CUENTA EN SU REPERTORIO CON TEMAS SUMAMENTE TRISTES Y PROFUNDOS, QUE MÁS ALLÁ DE SONAR A LAS TENDENCIAS ACTUALES, NOS RECUERDAN A LOS GRANDES DEL FOLK CLÁSICO COMO BOB DYLAN, NEIL YOUNG, DONOVAN Y NICK DRAKE.

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Más allá de buscar desmarcarse de las influencias antes citadas, este originario de Nottingham afirma tener más de Nick Drake que de Bob Dylan, situación que de entrada llama la atención, debido a que Drake nunca fue un cantautor que gozara de una fama considerable, mucho menos ser objeto de admiración de chicos de 19 años. Sin embargo, cuando prestamos atención a algunos de los temas de Bugg, podemos encontrar oscuridad, añoranza y melancolía similares a las que expresaba el desventurado Drake en cada uno de sus temas. Su disco epónimo, además retrata de una manera desangelada, pero honesta, la fría región de Nottingham en Reino Unido, escenario de las historias de desamor que Bugg comparte.

Sin duda, una de las características que más llama la atención de este chico inglés, es su peculiar tono de voz, que acompañado de suaves arpegios de guitarra y finos arreglos orquestales ha arrancado más de un suspiro durante sus presentaciones en vivo, lo que le ha permitido compartir escenario con bandas de la talla de The Rolling Stones y The Stone Roses.

Por si no fuera suficiente la atención que Jake Bugg ha captado durante los últimos meses, el cantautor está por lanzar su segundo larga duración titulado Shangri La, mismo que promete colocarlo, una vez más, en la mirada de la audiencia global.

Durante su visita a la Ciudad de México, WARP Magazine sostuvo una plática con Bugg, quien nos contó acerca de los cambios en su vida a raíz del éxito de su música, de sus influencias y, por supuesto, de su presentación en uno de los festivales más importantes de nuestro país. Esto fue lo que nos compartió…

Ha pasado un año desde que lanzaste tu álbum debut y parece que tu vida ha cambiado bastante…

La verdad es que sí, pero ha sido increíble. Viajar alrededor del mundo y tocar mi música es un sueño hecho realidad.

También he tenido la oportunidad de conocer gente muy interesante. Hasta hace un año y medio, nunca había salido de Inglaterra y, sí, la verdad no me puedo quejar.

Fuera de las actividades que conlleva estar de gira, ¿qué has estado haciendo?

Creo que desde que esto comenzó no he podido hacer otra cosa, pero supongo que ya habrá tiempo…

A pesar de que eres joven, tu música suena a la vez madura y sombría. ¿Qué músicos son los que han influido en tu sonido?

Primero, como guitarrista, Jimi Hendrix es mi mayor influencia; es más, me atrevería a decir que sin él yo no estaría hablando contigo en este momento… Ahora que lo pienso, Hendrix es mi influencia también como letrista, tenía canciones increíbles. Además, obviamente, está The Beatles como

fuente de inspiración, las producciones que lograron a lo largo de su carrera son asombrosas. Por lo demás, hay muchos artistas interesantes de los cuales, te gusten o no, siempre habrá elementos que puedes emplear.

A lo largo de su historia, Gran Bretaña nos ha entregado a muchas de las más grandes bandas de rock. ¿A qué se debe que Reino Unido sea la cuna de músicos tan trascendentes?

Creo que antes tenía mucho que ver con las aspiraciones de la clase trabajadora, ya sabes, todo ese asunto de soñar con tener una banda exitosa. Ahora las cosas ha cambiado, hoy los chicos buscan estar en una banda exitosa pero también experimentar con sonidos, ejecutar mejor sus instrumentos, ensayar y escribir buenas canciones.

En tu debut homónimo encontramos canciones que giran en torno a la soledad, la melancolía y, en general, a temas sumamente complejos. ¿A qué se debe?

Las canciones del disco no son necesariamente biográficas, de hecho, muchas de ellas fueron inspiradas por cosas que vi o que me contaron. Eso es algo increíble de la inspiración, puede llegar en cualquier momento y de donde menos lo esperes.

Muchos músicos tienen métodos específicos para crear canciones, ¿tú sigues alguno?

Tanto como un método, no, pero usualmente genero las melodías primero y, con esa base, escribo las letras. Este último año me he encontrado escribiendo cada vez más en autobuses y aviones, por lo que sólo tomo una guitarra y trato de generar ideas nuevas. Esto de la creatividad es como un músculo que tienes que ejercitar: entre más lo haces, es mejor el resultado.

Vienes a la Ciudad de México por primera vez. ¿Cómo te sientes al respecto?

Nunca había estado en México, así que me emociona mucho. Viajar y tocar en países en los que nunca he estado es algo que me atrae mucho.

Esperábamos tu visita un poco antes, junto a The Stone Roses…

Cierto, pero un par de cosas no se alinearon y finalmente no se concretó. Por otro lado, no estaba de gira con ellos, de hecho sólo había tocado con The Stone Roses en Londres y fue después que recibí la invitación de acompañarlos en su concierto en la Ciudad de México. Al final todo fue un asunto de horarios y agendas, fue una pena que no se pudiera hacer. ¿Qué expectativas tienes cada vez que pisas un escenario?

No sé qué esperar, pues cada show es diferente. Sólo soy un tipo con una guitarra acústica y canciones de desamor… siempre espero que todo salga bien.

Raúl “El Sabor” Arce es Editor de Contenidos de Corona Music, puedes leer su entrevista con Poolside en WARP #60.

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THESE NEW PURITANS SPIRAL

Por: Alejandro Altamirano / Foto: Cortesía TNP

DICEN QUE, IRREMEDIABLEMENTE, LOS SERES HUMANOS ESTAMOS COMPUESTOS DE DOS O VARIAS CARAS, DE LAS CUALES LA MAYORÍA DE LAS VECES MOSTRAMOS SÓLO UNA, LO QUE HACE QUE LAS DEMÁS PERSONAS NOS PUEDAN DEFINIR. PERO MUY DE VEZ EN CUANDO PODEMOS CAMBIAR RADICALMENTE Y MOSTRARNOS COMO UN ENTE TOTALMENTE NUEVO, QUE NECESITA ATENCIÓN EXTRA PARA SU ENTENDIMIENTO.

Este mismo ejemplo es perfectamente aplicable a These New Puritans y su nueva placa de estudio Field Of Reeds, la cual lleva el sonido de la banda británica hacia un rumbo más oscuro e interior que el de sus dos discos anteriores. En el disco, Jack y George Barnett junto a Thomas Hein dan más protagonismo a los instrumentos clásicos y dejan en segundo plano el uso de bases electrónicas.

Previo a la presentación de la banda en México, el líder, compositor y mayor responsable del nuevo giro en su sonido, Jack Barnett, tuvo una charla con WARP Magazine, en la que nos contó todos los detalles de su viaje al interior para lograr composiciones más personales. ¿Cuál es la diferencia principal entre su nuevo álbum y los trabajos anteriores de These New Puritans?

Creo que la principal diferencia entre Field Of Reeds y los discos anteriores del grupo es que ahora tenemos más idea sobre a dónde queremos ir. Aunque nuestra manera de trabajar radica en seguir siempre nuestro instinto, realmente se trata de sentarnos a trabajar en una idea, componerla y dejar que las canciones tomen o den vueltas de tuerca inesperadas. En este álbum, el sonido de la banda es mucho más melódico, lo cual definitivamente nos llevó mucho más tiempo que con alguno de nuestros álbumes previos. ¿De dónde surgió la inspiración para crear Field Of Reeds?

La inspiración proviene de muchos sitios. Al hablar específicamente de aquella que creó Field Of Reeds, debo decir que fue algo natural para nosotros, pues nos encanta estar en una banda y crear música constantemente. Ahora que si hablamos de la inspiración con la que creamos las composiciones del álbum particularmente, pues realmente buscaba componer de manera más personal, sobre cómo me siento ahora y tratar de plasmar lo más cercano a esas emociones en las melodías. Fue un poco parecido al sentimiento que tenía cuando comenzaba a escribir, en mi época del colegio, no me pasaban muchas cosas emocionantes, entonces la mayoría de las letras hablaban sobre cómo me sentía.

El sonido en Field Of Roses se asemeja mucho a la música clásica. ¿Qué opinas de esto?

Ya había escuchado algo de eso y la verdad no lo entiendo del todo. Es muy obvio que el sonido de la banda en este dis-

co ha tomado otro rumbo, mucho más melódico, y aunque nos separamos un poco de la estructura “verso-coro-verso”, que normalmente podemos escuchar en una canción pop llena de loops, tampoco es que tengamos la idea de hacer música complicada o difícil de escuchar, simplemente nos tomamos más tiempo para trabajar las melodías.

Algunos de los temas se sienten realmente emocionales. Platícame sobre esta característica particular…

Me gusta la idea de que suenen y se sientan así. Por un lado era necesario para la banda probar nuevos rumbos y dar un paso hacia adelante en el sonido. Además, refleja el proceso que llevamos a cabo cuando estábamos grabando el disco, el cual fue muy detallado, y aunque por momentos se sintió largo, quedamos muy satisfechos. Siento que aquellos que lo escuchen se podrán sentir identificados emocionalmente porque realmente es un disco muy personal para nosotros. ¿Cómo definirías la melancolía?

La melancolía es algo que está presente todos los días en nosotros. Se puede manifestar de diferentes maneras, ya sea por algo que nos ha pasado, algo que recordamos, o por la espera de que algo pase. Creo que somos seres nostálgicos por naturaleza, la mayoría del tiempo estamos recibiendo impulsos que nos recuerdan algo, aunque no necesariamente sea malo o triste; también nos podemos poner nostálgicos de una manera buena.

La melancolía puede ser un momento de reflexión hacia nosotros mismos y nuestro lugar en el mundo. De alguna manera es agradable sentirnos así de vez en cuando, le puedes sacar algo muy positivo a la situación, como componer una gran canción. ¿Qué es lo más interesante que escucharon sobre México antes de esta primera visita?

Escuché varias cosas interesantes, la mayoría provenientes de amigos y colegas que ya habían visitado el país. Todos tenían algo sorprendente que decir acerca de México y a nosotros nos gusta descubrir cosas nuevas. Creo que algo que escuché frecuentemente es lo increíble que son las personas, sobre todo las que asisten a conciertos, tan emotivas y entregadas, además de su excelente gusto musical. Por fortuna, lo hemos confirmado nosotros mismos.

Alejandro Altamirano es Asistente Editorial de WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con Sanfuentes en WARP #60.

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HOPE IS ALWAYS THERE… Por: Paul Stokes / @stokesie / Traducción Jorge Rodríguez

Es así que estoy en un concierto de Everything Everything, en Londres, y todo está lleno de vida, es positivo, excéntrico y magnífico. Sí, es música feliz, pero entre líneas —particularmente en las canciones de su segundo disco, Arc— también hay oscuridad, un vistazo rápido al abismo, mientras el lapso de tiempo y la existencia están siendo considerados a nivel cósmico y personal. En verdad, es música que te pone a pensar, aunque, afortunadamente, también puedes bailar y sacudirte con ella.

Mientras pienso en música melancólica para mi columna en esta edición de WARP, dicho concierto viene a mi mente inmediatamente. Es música por demás alentadora, pero también tiene matices melancólicos. Estoy al otro lado del espejo. Aquí, la música de la banda está llena de alegría, pero tiene que contar con tintes de tristeza para funcionar. Cuando cambias de perspectiva y obtienes música que se considera más melancólica, la razón por la que querrías escucharla es porque en la oscuridad siempre habrá esperanza, tiene que haberla. La depresión inexorable es monótona (de la misma manera que la felicidad desmedida es estúpida), pero la música melancólica debe existir en una gama que va de la desesperación a la ilusión. El movimiento, ya sea con tu pie o con tu alma, es lo que la hace música.

Actualmente me encuentro leyendo la autobiografía de Morrissey, y aunque su infancia suena extremadamente melancólica, siempre hay destellos de esperanza. Recordemos que The Smiths siempre fue clasificada como miserable pero, aún así, es difícil encontrar a otra banda que tuviera un sentido del humor tan vigoroso como el de ésta.

La agrupación que aparece en la portada de este número, Sigur Rós, puede sonar extraña, fría y ajena, pero su melancolía es optimista. Ofrece una nueva frontera de posibilidades, de nuevos descubrimientos por hacer. Mi canción favorita de Portishead es ‘Sour Times’, principalmente por la línea que dice: Nobody loves me… it’s true (“Nadie me ama, es cierto”).

No sólo es graciosa, sino que también cuenta con un poco de amor entre tantos pensamientos miserables.

La música melancólica para mi, irónicamente, es la música más esperanzadora. Creo en la oscuridad, en los corazones rotos, en las malas rachas que nos pasan a todos, desafortunadamente, pero sólo puedes capturar ese sentido de pérdida y de daño en la música al mirar arriba e inyectarle un poco de fe.

Si todavía no me crees, sólo escucha la música blues, en esas canciones sólo pasan cosas malas: muerte, divorcio, traición, mala suerte… y aún así tendrías una difícil tarea encontrando un sonido más inspirador en cualquier otro lugar.

Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, puedes leer su columna Felices 7, WARP en WARP #60.

GARY NUMAN LOVE HURT BLEED Por: Diovanny Garfias / Fotos: La Roache Brothers

VIVIMOS EN UNA REALIDAD EN LA QUE EL TÉRMINO MELANCOLÍA ESTÁ DESTINADO, INFLEXIBLEMENTE, A SER CORRESPONDIDO CON ADJETIVOS NOCIVOS, EN SU MAYORÍA. LOS CABALLEROS DE CIENCIA HAN INSISTIDO EN PRESENTÁRNOSLO COMO UN TRASTORNO DE LA PSIQUE. Infaliblemente percibimos al melancólico —al infestado por la melancolía— como una contrariedad, como un lastre que hace imposible el vuelo de las musas, en el mejor de los casos como una bacteria que corrompe infecciosamente la vida a su alrededor.

Sin embargo, es preciso aceptar que nuestra naturaleza dicta que debemos alejarnos de todo aquello que cause miedo, que nos advierta peligro, que prometa arrastrarnos hasta las fauces de la oscuridad.

Curiosamente, en una era en donde los cánones indican erradicar este destructivo agresor de la voluntad, nos encontramos con antihéroes que hacen de la melancolía un vicio del espíritu. A estos alquimistas del subjetivismo ético parece habérseles encomendado la misión de convertir ese veneno en una suculenta miel, misma que a través del tracto digestivo se expandirá hasta infestar al ser.

Entre éstos indudablemente encontramos a Gary Numan, el músico inglés que hizo de las máquinas sonoras una extensión

de sí mismo, volviéndose una leyenda del synthpop en proceso. Aún así, las glorias pasadas de Numan no son el tópico que nos ocupa. Hoy, a los 55 años, el hombre detrás de himnos como ‘Cars’, ‘Down In The Park?’ y ‘Are ‘Friends’ Electric?’ divide su tiempo entre su esposa e hijos —ahora residentes en L.A., California— y en su labor de alimentar hordas de góticos hambrientos de historias que hablen de ángeles y demonios, ambientadas por música proveniente de un futuro distópico —no el de sus álbumes en los 80, uno más torcido—.

Para muestra Splinter (Songs From A Broken Mind), su más reciente vástago: una increíble fusión de los sonidos que hicieron a Numan un referente musical, con algo de post industrial de avanzada aderezado de letras que generan un cálido sentimiento de melancolía. Platicamos con el artista previo al inicio de su gira por Estados Unidos, misma que se extenderá por el resto del mundo en 2014. De entrada, iniciamos con el tema central de la conversación…

Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP Magazine, puedes leer su entrevista exclusiva con Marnie en WARP #59.

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“ME ATERRORIZA LA IDEA DE QUE LA GENTE QUE AMO SE MUERA.”

“LA VERDAD, SIN EMBARGO, SIEMPRE ES OSCURA. NO ESCRIBO MÚSICA FELIZ.”

¿Qué dirías que te provoca melancolía?

Tengo un problema serio con envejecer. Me aterroriza. Me aterroriza la idea de que la gente que amo se muera, se enferme y no sea autosuficiente. Me preocupa tanto que a eso se debe en gran parte que haya caído en depresión hace algunos años, así que tengo que ser muy cuidadoso en cuanto a cómo la sobrellevo en estos días. Es parte de mi música, no puedo evitarlo, pero siempre trato de darle la vuelta, de disfrazarla.

No quiero hacer discos depresivos, así que tienes que ser cuidadoso en cuanto a cómo escribes y grabas ese tipo de cosas. Sin embargo, amo la música oscura, es el único tipo de música que de verdad me atrae.

Además, parte de la gente a la que amas son tus hijos. Dime, ¿qué tanto ha cambiado tu perspectiva de la vida desde que te convertiste en papá?

Lo que más ha cambiado es mi egoísmo. Antes de mis niños vivía la vida como mejor me acomodaba, lo mismo mi esposa.

Hicimos lo que quisimos, cuando quisimos y la pasamos maravillosamente haciéndolo. Cuando llegaron los niños todo eso cambió, pues ahora teníamos a otras personas en nuestras vidas que eran más importantes que nosotros, que

nos necesitaban, que amábamos más que a la vida misma… todo cambió. Eso no significa que no extrañes tu antigua vida de vez en cuando. Antes se trataba de lo que la vida pudiera hacer por mí, ahora se trata de vivir para hacerlo por ellos.

Regresando a tu amor por la música oscura, ¿por qué escogiste explorar sonidos más agresivos? ¿En qué momento te diste cuenta de que querías hacer música diferente a la que hiciste en los 80?

Hice un disco muy malo en 1992 llamado Machine And Soul.

Ese disco hizo que me diera cuenta que había perdido el camino, musical y creativamente. Pensé que mi carrera comercial se había acabado en ese momento. El disco y los boletos de conciertos se estaban vendiendo muy mal, pensé que estaba acabado. Así que regresé a hacer música por amor al arte, sin pensar en lo comercial y en sonar en la radio, o en la presión de las disqueras. Así empecé otra vez a hacer la música que quería, pero era más pesada, más oscura, se sentía como si otra vez hubiera encontrado el verdadero camino y eso me puso muy feliz y orgulloso de lo que estaba haciendo, era poderoso y emocionante, y también parecía que funcionaba con los fans, que empezaron a regresar a los shows con interés en mí. Cuando pude llevar todo esto a los escenarios fue una

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gran experiencia, las nuevas canciones funcionaban muy bien en vivo, fue una experiencia masiva y poderosa en comparación a lo que había estado haciendo.

De hecho, Splinter… parece ser el trabajo que has estado buscando desde hace más de 10 años, furioso pero conmovedor, se siente un disco completo de principio a fin. ¿Dirías que este es el mejor álbum de Gary Numan a la fecha?

Probablemente sí. Sé que está junto a las mejores cosas que he hecho y es, posiblemente, el mejor disco de Gary Numan de todos, indudablemente, por bastante tiempo. Por otra parte, la reacción de los medios y de los fans ha sido extraordinariamente total, por lo que estoy muy feliz. Creo que el álbum tiene una gran variación dinámica de eso, el tema principal es oscuro y sugerente, pero no es una experiencia deprimente, todo lo contrario; de hecho, algunas partes son estimulantes y poderosas, otras hermosas y delicadas, pero escucharlo nunca resulta algo miserable.

Has escrito discos conceptuales, letras con referencias al sci-fi, también respecto al amor y la desesperación pero, ¿qué temas son los que te inspiran para escribir en estos días?

Varía de disco a disco. Cuando estaba haciendo Splinter…, en las primeras etapas, la estaba pasando muy mal debido a una severa depresión, por lo que estuve medicado durante varios años. Tuvo un efecto muy malo en mi carrera, en mi matrimonio y en mi vida en general. Así que hay mucho en el álbum enfocado a esos problemas, en cómo lidiar con ellos y cómo tratar de sobrevivirlos y sobrepasarlos; aunque también hay canciones sobre otras cosas. La verdad, sin embargo siempre es oscura, no escribo música feliz. El sonido de la música en sí mismo, las letras, los temas de los que escribo son siempre, de un modo u otro, oscuros. Creo que la parte de mi cerebro que crea cosas sólo se dispara con pensamientos oscuros. Es una pequeña caja negra en una esquina de mi mente. Estoy —y he estado desde hace algún tiempo— tratando de escribir una novela de fantasía y ciencia ficción sobre guerra, dioses, demonios, crueldad y obsesión a gran escala. Hay algunas ideas del libro en este disco, específicamente en las canciones ‘I Am Dust’ y ‘We’re The Unforgiven’.

En términos de sonido, ¿cómo haces para extraerlos de tu mente y traerlos al mundo real?

Todo empieza con un simple piano, con la melodía. A lo mucho creo una línea rítmica para tocar al mismo tiempo mientras trabajo en la estructura de la canción y la melodía en el piano. Todo el tema de la producción viene después.

Paso algún tiempo con las canciones, trabajándolas en lo que tiene que ver con temas técnicos, es entonces que se las mando a mi productor en Reino Unido, Ade Fenton, él ya tie-

ne una idea clara respecto hacia a dónde creo que debe ir la canción. El sentimiento, la actitud, debo estar seguro de que Ade tiene la guía que necesita. El sonido en sí mismo viene de varias maneras, la más obvia es ir a la librería de sonidos y ver si algo funciona, luego ves si puedes crear algo nuevo, unas veces basándote en esa librería, desde cero. También paso mucho tiempo fuera del estudio fabricando nuevos sonidos. Siempre traigo una pequeña grabadora portátil y me la paso golpeando cosas, arrastrándolas, raspándolas, lo que sea, la meta es crear una colección de sonidos bizarros e inusuales que pueda retrabajar después en la computadora y añadirla a las canciones. Sé que suena un poco a ciencia loca, pero de hecho es muy divertido.

Hablando de sonidos novedosos, iniciaste tu carrera en una época en la que todos querían tocar y hacer música con sintetizadores y cajas de ritmo, parecía una moda en ese entonces. ¿Cuál es tu perspectiva de la escena electrónica actual globalmente?

Empecé haciendo música electrónica en 1978, algo de tiempo antes de que se pusiera de moda. De hecho, tuve el single y el álbum número uno de música electrónica en Reino Unido en 1979, la música electrónica llegó al mainstream después de eso y ahí es donde creo que se volvió una moda. La razón por la que me involucré en la música electrónica, en primer lugar, fue porque era algo futurista. Se trataba de crear nuevos sonidos, hacer cosas que no se habían hecho antes, y eso era muy emocionante. Hoy hay grandes personajes haciendo música pero, curiosamente, la música electrónica parece haber existido el tiempo suficiente como para crear su propia nostalgia, así que la gente que llega a ella lo hace viajando al pasado y usándola como un punto de referencia, usando equipo viejo y tratando de recrear o influenciarse por los sonidos y estilos electrónicos primarios… es algo que me resulta difícil de entender. No quiero criticar, si es lo que la gente quiere para mí está bien, pero va en contra de las razones por las que estoy en esta música. Para mí siempre se tratará de mirar hacia el futuro, no hacia el ayer. Siempre se tratará de encontrar nuevos sonidos, usar nuevas herramientas y tecnología para avanzar musicalmente.

Vas a estar de gira el siguiente año. ¿Podemos esperar que pases por México?

De verdad lo deseo. La gira por Estados Unidos pasará en marzo-abril del siguiente año, pero también vamos a Reino Unido, Europa, Australia y muchos otros lugares. Así que seguimos planeando muchas cosas, por lo que es difícil decirlo con exactitud, pero estoy seguro que llegaremos a México. La pasamos muy bien en 2010, fue una experiencia muy positiva, amaría regresar. Creo que Splinter… es el álbum correcto para regresar.

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HERE COMES THE NIGHT TIME Por: AlejAndro FrAnco

Es la música la que siempre llegue a salvar la tarde. Es lo que se siente al escuchar el nuevo disco de Arcade Fire (producido en buena parte por James Murphy –LCD Soundsystem-). Un sentimiento de “todo va a estar bien”, cuando parece que nada está bien y que poco va a cambiar. Dicen que cuando más difícil se pone, es que estamos más cerca, que cuando la noche está más oscura es porque viene el alba.

We Exist Así pasa lugar por lugar en Latinoamérica. Años de dictadura, de economía por el subsuelo, de violencia y siempre de malos gobiernos, que eran también el preámbulo para nuevos talentos, gente creativa y hoy incluso con festivales de primera línea internacional como los Lollapalooza en Chile, Brasil y Argentina, sin dejar fuera el Festival Estéreo Picnic en Colombia.

Reflektor Arcade Fire debutó en primer lugar en Estados Unidos y en Reino Unido. En el Billboard 200 registraron 140 mil copias vendidas en el lanzamiento, contra las 48 mil que alcanzó en la misma etapa el nuevo álbum de Katy Perry. Y es esa misma banda del antes rechazado y “aburrido” Canadá, la que se convierte en la banda actual más importante del planeta y encabeza también la mitad (hasta ahora) de estos mencionados festivales en Sudamérica y será seguramente la protagonista de los más importantes a nivel mundial como Coachella y Primavera Sound.

It´s Never Over Argentina la pasa mal en muchos sentidos en esta transformación económica, política y social desde su presidenta, que le ha robado identidad a su cultura y ha provocado un éxodo aún mayor que el que ya tenían. En contraste, Lollapalooza Argentina vendió 60 mil entradas para su primera edición, en una hora. Los nuevos sonidos llegarán a las tierras gauchas de la mano de los clásicos que tanto

les gustan como Red Hot Chili Peppers y Nine Inch Nails y, seguramente, su talento local comenzará a mezclarse con la edición de Lolla en Chicago, como ya pasa con Chile y Brasil.

México ya no es la potencia de Latinoamérica en la industria musical. Nuestros artistas ya no son ni los únicos, ni los mejores. No tenemos un solo festival con un compromiso internacional a varios niveles / géneros en un mismo fin de semana y con talento y apoyo regional en la personalidad global como Lolla, o los eventos colombianos como Estéreo Picnic y Primavera Fauna; incluso el por ahora desaparecido Festival Imperial que ocurriera hace dos años en Costa Rica.

Afterlife Viene Vive Latino con su reciente cambio de fechas por estrategia de sus organizadores, donde quizás sea justamente Arcade Fire quien nos traiga el mejor show del evento, que aunque le pertenece a OCESA, como Corona Capital, parece no compartir –afortunadamente- esa extraña filosofía de tener headliners medianos, jamás a la altura de los anunciados para 2014 en los festivales citados y no apoyar al talento local ni regional.

Supersymmetry Natalia Lafourcade, Zoé, Francisca Valenzuela, Sanfuentes (presente en #WARP7) y varios más, podrían ser algunos de los proyectos musicales de la región más beneficiados en la época festivalera que está por venir, a finales de marzo y principios de abril, por lo que ya las buenas noticias comienzan a fluir y la música empieza a avanzar más y más, en un territorio que antes parecía un poco muerto, pero que hoy está más vivo que nunca, siempre con la conciencia de que aún hace algunas horas estábamos en plena oscuridad y que en algunos lugares ya está llegando el amanecer.

Y como diría no justamente Arcade Fire, sino Rise Against: Help is on the way.

Alejandro Franco es periodista, locutor y creador del show de tv SesioneS con Alejandro Franco, cuya octava temporada se estrenará en 2014 para toda Latinoamérica.

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SIGUR ROS POLAR AURORAE Por: Julián Woodside / Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Julián Woodside es Académico y Periodista enfocado en música, cine, memoria cultural e historia, puedes leer su entrevista con Youth Lagoon en #WARP 55.

LOS GRIEGOS LA DEFINÍAN COMO ENFERMEDAD. ROGER BARTRA COMO UNA CARACTERÍSTICA DEL MEXICANO, SIEMPRE RECORDANDO UN PASADO QUE NUNCA EXISTIÓ. LA REALIDAD ES QUE LA MELANCOLÍA ES ALGO COTIDIANO, UNO DE LOS SÍNTOMAS BÁSICOS DEL SER HUMANO CONTEMPORÁNEO. LA PODEMOS IDENTIFICAR EN CIERTAS FORMAS MUSICALES, DEJÁNDONOS ENVOLVER POR ATMÓSFERAS QUE GENERAN TANTO CONFORT COMO SOLEDAD. TAL VEZ POR ESO SIGUR RÓS HA TRASCENDIDO FRONTERAS. TAL VEZ ESOS “PAISAJES ISLANDESES” QUE ALGUNOS SIENTEN QUE EVOCAN SUS COMPOSICIONES SON EN REALIDAD REFLEJO DE AQUELLOS ESPACIOS MENTALES DONDE ALGUNA VEZ HEMOS ESTADO: ENTRE EL ENSUEÑO Y LA TRISTEZA. SEA CUAL SEA LA RAZÓN, SIGUR RÓS HA LOGRADO POSICIONARSE EN EL IMAGINARIO MUSICAL CONTEMPORÁNEO COMO UNO DE LOS PROYECTOS MUSICALES MÁS EMPÁTICOS. Y SIN IMPORTAR QUE LAS LETRAS ESTÉN EN ISLANDÉS O VONLENSKA, EL ESCUCHARLOS SE CONVIERTE EN UN MOMENTO CEREMONIAL DONDE CADA INDIVIDUO, AUN EN MEDIO DE UNA MULTITUD, SE ENCUENTRA A SÍ MISMO EN ESTOS ESPACIOS YA RECORRIDOS…

Recientemente el conjunto islandés Sigur Rós se presentó en la Ciudad de México como parte del cartel del festival Corona Capital. Promocionando Kveikur (2013), su más reciente disco, y presentándose por primera vez en México como trío tras la partida del tecladista Kjartan Sveinsson, el grupo dio un concierto cargado de emotividad e intensidad que dejó bastante satisfechos a los asistentes, compensando sobre todo la mala experiencia que tuvieron algunos durante su breve presentación en el Festival Dos Abejas, en Tepoztlán.

Previo a su presentación, WARP Magazine tuvo la oportunidad de platicar con Georg “Goggi” Hólm, bajista y miembro fundador de la banda, quien compartió algunas ideas respecto a la industria musical, la relación de la banda con el público, su interés por el folk islandés y la cualidad visual de su música. Esto es parte de esa conversación.

Recientemente ha habido muchas discusiones respecto a la industria musical; las controversias sobre Spotify y el streaming, por ejemplo.

Todo esto me recuerda que la primera vez que se supo de Sigur Rós fue a través de un sitio de descargas llamado Audiogalaxy, el cual les hacía bastante promoción. En este sentido, ¿cómo crees que afectan estas herramientas las posibilidades de un músico para darse a conocer?

Creo que a estas alturas muchos se han dado cuenta de que es complicado. Por ahora tenemos algunos sitios como Spotify y iTunes, que básicamente hacen legal la compra de música por Internet. Sin embargo, no creo que sean una solución permanente, ni la mejor. De alguna manera creo que es una solución terrible, pues beneficia a la gente que ya logró establecerse, que vende discos y que es popular en la radio y otros medios. Pero estas soluciones no benefician a los artistas que apenas están empezando y creo que tampoco les ayuda financieramente, pues no obtienen publicidad o difusión de estos sitios. Al final, sin embargo, esto es mejor que nada; al menos es mejor que robar.

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“NORMALMENTE NO SABEMOS CÓMO OCURRIRÁ LA COMPOSICIÓN DE UN DISCO, PERO EN ESTA OCASIÓN PLANEAMOS CON ANTELACIÓN HACER ALGO DIFERENTE, SALIRNOS DE LO QUE LA GENTE ESPERABA Y EMPUJAR EL SONIDO A OTROS LUGARES.”

Sin embargo, la primera vez que los escuché, allá por el año 2001, nunca hubiera pensado que tendría acceso a una banda islandesa de post-rock. Al verlos hoy, 12 años después, siendo parte de uno de los festivales más grandes de Latinoamérica, es difícil pensar que no les benefició en algo, al menos para darse a conocer de “boca en boca”.

Sí y no. Por ejemplo, en nuestra ciudad ya habíamos lanzado un álbum que, hasta cierto punto, se ganó un buen lugar en los medios. Los sellos discográficos lo estaban impulsando, así que se podría decir que ya estaba posicionado. Pero si eres alguien

que está empezando de cero estas cosas no te benefician pues, ¿cómo lo encuentras si nadie lo está “subiendo”? Creo que es un volado: beneficia a la gente que ya logró al menos cierto derecho de piso, que ya está vendiendo discos, y si quieres sus discos los puedes escuchar en línea o por iTunes y otros medios, y significa que al menos la gente no se lo está robando. Si yo fuera un artista nuevo, creo que no tendría muchas opciones. Hay muy pocas plataformas para publicar tus canciones fácil y legalmente, y creo que ese es el principal problema.

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Me llama la atención el énfasis que haces en la idea de robar, por lo que tengo que preguntar: ¿Si yo hago una copia de alguno de sus discos y se lo doy a un amigo, lo considerarías un robo? ¡Buena pregunta! Absolutamente no. Yo lo hago todo el tiempo.

De joven me gustaba hacer compilados en casetes y cosas por el estilo. Mi papá trabajaba en estaciones de radio y solía mandarme casetes: “Escucha esto, es un gran disco de tal artista”, me decía. No, yo creo que es una buena manera de difundir las cosas, pero creo que cuando hablamos de cosas más extremas, como el P2P y los torrents, realmente no beneficia a nadie.

Cambiando de tema, constantemente buscan distintas formas de crear un mayor vínculo con su público, como el caso de regalar la descarga de un EP en la compra de boletos para sus conciertos o haciendo convocatorias para que la gente haga videos de sus canciones…

No diría que es una búsqueda, simplemente nos nace. Es darle un pequeño regalo a los fans que nos apoyan, queremos que reciban algo a cambio. Se podría decir que son pequeños premios que a veces hacemos con gusto y que nuestros seguidores se merecen.

En México hay un mito que muchos repiten. El hecho de que las bandas, si quieren ser conocidas alrededor del mundo, deben cantar en inglés. Un claro ejemplo de lo contrario es Sigur Rós, pues cantan en islandés y vonlenska. ¿Qué opinas de esta aproximación de desarrollar, por un lado, la música y la propuesta general de una banda, y por otro la “necesidad” de difundirla con una lengua reconocible?

Muchas veces nos hemos preguntado cómo es que una banda que toca música realmente rara y canta en islandés puede llegar a tocar en lugares como México, en un gran festival. Sin duda, hay algo de suerte involucrada en ello, pero también creo que si te enfocas en lo que crees y le dedicas tiempo, y realmente te apasiona, no hay límites. No creo que sea necesario que una banda, en cualquier parte del mundo, tenga que cantar en cierto idioma, más bien creo que deben sentirse cómodas con lo que hacen.

Ustedes hacen gran énfasis en generar una experiencia audiovisual, podría decirse, incluso, que la música de Sigur Rós es “audiovisual”.

Además, han sido incorporados a muchos programas de televisión y películas, y han fomentado la creación de videoclips por parte de los fans. ¿Qué opinas de esta búsqueda por crear una experiencia musical con visuales y elementos más allá de lo sonoro?

Siempre hemos pensado que la música es visual. Incluso cuando empezamos a escribir las letras y escuchamos la música en la mente, creamos imágenes en nuestra cabeza. Es así como llegamos a un concepto de la canción. En general, la música y los visuales van muy bien de la mano, y en el caso de nuestra música van excepcionalmente bien [risas]. También creo que es una buena manera de potenciar el concierto; por ejemplo, cuando tocamos en vivo tenemos muchos visuales, lo que hace de la experiencia en vivo algo más impresionante.

Viendo algunas de las presentaciones de este festival, ¿considerarías que hay bandas que explotan demasiado lo visual y que tal vez dejan de lado lo musical?

Definitivamente se necesita un balance. A veces una banda tiene visuales impresionantes y nada de música, o a la inversa. Creo que lo que nosotros hemos tratado de hacer —lo que nos ha tomado mucho tiempo— es crear algo que sea equilibrado para que lo visual no opaque lo musical y la música no rebase lo visual. Deberían de funcionar bien en conjunto y enriquecerse mutuamente, lo que creo que hemos logrado.

También han hecho música específicamente para películas y otros productos audiovisuales. ¿Les ha costado trabajo hacer ese cambio de enfoque?

Es diferente, pues estás al servicio de las ideas de alguien más. Es un proceso saludable, pues aprendes mucho y entiendes la música de otra manera, al menos aprendes a ser moderado en algunas formas para que funcione para la cinta, lo que es distinto cuando haces un disco.

Se les ha llegado a asociar con cierta forma de promoción del folklor e identidad islandeses, en parte por lo onírico de su música y también por sus colaboraciones con gente como Steindór Andersen para el disco Rímur (Krúnk, 2001). ¿Qué opinas de ello?

Recientemente no hemos trabajado tanto como quisiéramos en ello, pero en su momento sí. Muchos buenos amigos hacían este tipo de exploración o remembranza del legado islandés y pensamos que sería maravilloso colaborar con ellos, pues es algo que no debería ser olvidado; casi lo fue, y no debería ser así, por lo que tratamos de reivindicarlo a nuestra manera.

Hablando de Kveikur, su nuevo disco, noto que es mucho más directo, oscuro y hasta podría decir que agresivo. ¿Por qué ocurrió este cambio?

Nos lo han preguntado mucho. Normalmente no sabemos cómo ocurrirá la composición de un disco, pero en esta ocasión planeamos con antelación hacer algo diferente, salirnos de lo que la gente esperaba y empujar el sonido a otros lugares. Creo que al final lo logramos.

En ocasiones, lo que uno escucha es completamente diferente a lo que uno compone y por eso se pueden dar estos giros creativos en cada disco. En este caso, ¿qué ha rondado por tu reproductor últimamente?

Es una pregunta difícil. Curiosamente, se trata de una buena banda: The Pogues, ¿los conoces? ¡Claro! Una banda de folk-punk…

Así es, me tienen atrapado.

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WARP TV P79. TECHNOLOGIC. Space P80. LUST IN THE MOVIES. FICM 2013 P82. FASHION NUGGET. Walk on the wilde side P85. ART BRUT. Cesar Santos

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TECHNOLOGIC

Space: The final frontier Por: Alejandro Escobedo / Foto: NASA

Hay alguien cantando en la vacuidad del espacio, lejos de casa y al mismo tiempo lo suficientemente cerca como para poder regresar. Las ondas sonoras que genera su guitarra — que no requiere correa en microgravedad— hacen vibrar el aire artificial de la majestuosa Estación Espacial Internacional, y así, interpretando ‘Space Oddity’, de David Bowie, el astronauta canadiense Chris Hadfield grabó el primer video musical fuera del planeta Tierra.

Llegar al espacio no es tarea fácil, no basta con ser el mejor, debes ser elegido entre miles de postulantes que también son los mejores, para sólo tener la oportunidad de experimentar un cambio y un riesgo de vida radical. Ya allá, nadie sabe qué haría… ya estando allá, en serio, ¿qué harías? Chris Hadfield hizo todo lo que esta era de comunicación masiva esperaría y lo hizo de la mejor manera posible. Es una sensación mediática en tiempo real, pues tiene alrededor de un millón de followers en Twitter (@Cmdr_Hadfield), un Tumblr con fotos envidiables y rebloggeadas miles de veces, uno de los hilos de AMA (Ask Me Anything) más populares de todos los tiempos en reddit, miles de suscriptores en YouTube, etcétera.

Lo que él ha logrado como celebridad de social media junto

con Curiosity —que ni Lady Gaga ni Justin Bieber han hecho, por cierto— es un nuevo interés masivo por las ciencias que nos permitirán ver más allá sobre nosotros mismos en nuestro propio sistema solar. Tener la atención de tanta gente al mismo tiempo es una responsabilidad muy grande, más te vale aprovecharla para hacer algo digno de trascender.

La carrera de Chris va desde ser piloto de combate hasta ser el comandante de la Estación Espacial Internacional, pero más que eso, es el modelo a seguir no sólo de niños con aspiraciones a carreras relacionadas con la ciencia, la tecnología y la exploración del espacio, sino también de todo ser humano que alguna vez quiso ostentar el título de ser cool, humilde e increíblemente paciente al mismo tiempo que aportar cantidades enormes de conocimiento nuevo al compendio científico que nos ayuda a avanzar como sociedad. Todo esto se ve reflejado en el libro que escribió, An Astronaut’s Guide To Life On Earth Guide, en el que explica todas las vicisitudes de su experiencia hacia el espacio y de regreso. No es alguien a quien debamos tomar a la ligera. La inspiración de generaciones está en su filosofía de vida principal: Prepárate para lo peor y disfruta cada momento de ello.

> Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas y colaborador de WARP, puedes leer su columna Volviendo al Futuro en WARP #60.

LUST IN THE MOVIES

Festival Internacional De Cine De Morelia 2013 Texto y fotos: Alejandro Altamirano para WARP

El mes pasado, por onceavo año consecutivo, Michoacán abrió sus puertas para recibir otra edición de su aclamado Festival Internacional de Cine de Morelia, FICM, el cual demostró por qué se ha posicionado como uno de los mejores festivales de este tipo alrededor del mundo.

Los organizadores y toda la gente involucrada en su realización, de nueva cuenta hicieron una excelente labor en la selección de las cintas que se proyectarían en el marco del festival, entre las que destacan Gravity, de Alfonso Cuarón; Machete Kills, de Robert Rodriguez; Blue Jasmine, de Woody Allen; Inside Llewyn Davis, de los hermanos Cohen, y La Danza De La Realidad, de Alejandro Jodorowsky.

WARP Magazine tuvo la fortuna de cubrir los primeros tres días del Festival, el cual se llevó a cabo del 18 al 27 de octubre, cuyos pormenores más importantes fueron estos.

Desde el primer día las emociones se sintieron en el ambiente. La inminente presencia del director mexicano Alfonso Cuarón y el estreno en México de su aclamada cinta Gravity dotaban al FICM de ese aire de grandeza de los mejores festivales del mundo.

En conferencia de prensa, previo a la proyección de la cinta que se llevó a cabo en la Biblioteca Pública, Cuarón se mostró

muy contento, orgulloso y agradecido con el festival por todas las atenciones recibidas. Sobre su cinta, afirmó lo siguiente: “Gravedad no es una película de ciencia ficción. Hicimos una película sobre la tecnología de la que disponemos si, hoy, un astronauta queda varado en el espacio e intenta regresar a casa. Gravedad fue un proyecto gozoso.”

Después de la conferencia de prensa hubo una alfombra roja, en la que desfilaron personalidades como Diana Bracho, Eugenio Derbéz, José María de Tavira, Stephanie Sigman, Arcelia Ramírez, Martín Altomaro, Julio Bracho, Tessa Ia, los directores de cine Amat Escalante y Carlos Reygadas, y el mismo Alfonso Cuarón, dejando clara la capacidad de convocatoria que tiene el FICM. Antes de la proyección de Gravity se dio la presentación oficial de la 11° Edición del FICM por parte de Wilfrido Lázaro Medina, presidente municipal de Morelia; José de Jesús Reyna García, gobernador de Michoacán y presidente del festival; Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del festival, y Daniela Michel, directora general del FICM. En el acto, Alfonso Cuarón se mostró muy agradecido con el comité organizador por haber elegido Gravity como la cinta de apertura del festival.

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El segundo día del FICM agarró sabor con la confirmación de un programa especial dedicado al director Quentin Tarantino, anuncio que tuvo un gran eco entre los asistentes.

Alrededor de las 15:00 hrs., en la alfombra roja ubicada fuera de Cinépolis Centro, se llevó a cabo la develación de la placa conmemorativa del #FICM11. En dicho evento se contó con la presencia de Alfonso Cuarón y sus dos hijos, Carlos y Jonás, además de la directora general del festival, Daniela Michel.

Después de este evento, toda la atención se centraría en la llegada de las dos personas más importantes involucradas en la esperada cinta Machete Kills: el director Robert Rodriguez y el protagonista del filme, Danny Trejo.

Caída la tarde y bajo una cortina de lluvia, la conferencia de prensa de Machete Kills dio inicio. Rodriguez y Trejo se mostraron muy contentos de estar en Morelia y, sin dejar de lado la seriedad, se dieron tiempo, sobretodo Danny Trejo, de bromear con la prensa.

Sobre algunos cuestionamientos que se le hicieron a Robert Rodriguez, mencionó que está muy contento de la segunda entrega de Machete; dijo, incluso, que si la gente quiere una tercera, ésta podría llevarse a cabo en el espacio y que él y Danny estarían muy contentos de trabajar allá.

Entre otras cosas, afirmó que fue muy extraño el ambiente de violencia percibido en Acapulco, lugar en donde se filmó Machete Kills, ya que desde pequeño, gracias a otras cintas y programas de TV, recuerda al puerto como uno de los lugares más bonitos y esplendorosos de México. Rodriguez declaró que se siente muy satisfecho del trabajo de todos los actores de la cinta, en especial del talento de Demián Bichir, quien lo dejó impactado por su calidad como actor. Mencionó que cuando estaban grabando la cinta le hizo una llamada telefónica a Quentin Tarantino, en la cual le dijo que tenía que hacer algo con Demián.

Pero no todo fue acerca de Machete Kills; en la conferencia salió el tema sobre la segunda entrega de Sin City, a lo cual Ro-

bert mencionó que ya se encuentra totalmente grabada y que sólo espera que termine el proceso de post producción para estrenarla. Dijo que está muy emocionado, que la cinta luce espectacular y que veremos historias nuevas que Frank Miller hizo especialmente para la cinta; Rodriguez espera estrenar Sin City II en seis o siete meses.

El tercer día del Festival Internacional de Cine de Morelia —último de nuestra cobertura— estuvo un poco menos ajetreado y las proyecciones de algunas cintas se convertieron en las protagonistas absolutas. Así, el estreno internacional de The Grandmaster, la nueva obra de Wong Kar Wai; Don Jon, escrita, protagonizada y dirigida por Josep Gordon-Levitt; La Jaula De Oro, obra del mexicano Diego Quemada, y el estreno de Amor Índigo, de Michel Gondry, fueron algunos de los filmes que hicieron que las salas de cine lucieran llenas, incluso algunas con sobrecupo, lo que ocasionó que varias personas tuvieran que sentarse en pasillos y escaleras.

Algo para resaltar de este día, sin duda, fue el reconocimiento al director de la cinta Heli, de Amat Escalante, quien se hizo merecedor al Premio Tradicional Cuervo gracias a su triunfo en la 66° Edición del Festival de Cannes, en la categoría de Mejor Director.

> Alejandro Altamirano es Asistente Editorial de WARP, puedes leer su entrevista exclusiva con Adanowsky en WARP #60.

Abrigo: Ale Quesada Suéter y vestido: H&M Botas: Capa de Ozono

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FASHION NUGGET

Walk On The Wild Side —

Fotografía: Carlos Golo Modelo: Theresa para PARAGON MODEL MANAGEMENT Coordinación de Moda: Carlos Ruíz Manjarrez MU & Dirección de Arte: Chëla Olea

Vestido: Mancandy Pa単oleta: H&M Collar: Mani Malaai Botas: Capa de Ozono

Vestido: DADA SuĂŠteres: H&M Botas: Capa de Ozono Collar: Mani Maalai

Camisa y chamarra: DADA Abrigo de piel y falda: Ale Quesada Lentes: Mykita Collar: Mani Maalai

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ART BRUT

Copycat CESAR SANTOS Por: Chëla Olea

Fotos: Cortesía Cesar Santos

Si debemos hablar de Romanticismo Contemporáneo, sin duda alguna el artista que viene a la mente es Cesar Santos.

Cubano de nacimiento y discípulo de Michael John Angel, quien a su vez fuera estudiante de Pietro Annigoni, uno de los pintores contemporáneos más destacados de Italia, nos recibió en su estudio para platicar de su maravillosa obra.

Este vigoroso artista muestra en sus obras elementos del renacimiento, de los maestros del siglo XIX y de la actualidad, influencia que combina con una gran maestría y una impecable técnica. Es esta última lo que hace al trabajo de Santos tan vibrante, su sensible tacto a la reproducción y, lo mas importante, llevarlo a otro nivel dentro de la corriente contemporánea. ¿Cómo y cuándo empezó tu interés y acercamiento con el arte?

El arte me comenzó a interesar desde muy joven. Como a muchos niños, me gustaba dibujar prácticamente cualquier cosa que tuviese al frente; sin embargo, los bocetos de rostros fueron parte importante en mi continuo desarrollo. Creo que los elogios constantes me motivaban y me impulsaron a continuar creando imágenes en papel.

¿Cómo fue tu formación profesional?

Estuve en formación constante, pero oficialmente comencé a formarme desde que aprobé el examen de ingreso en una escuela de estudios avanzados de diseño y arquitectura en Miami (Design and Architecture Senior High). Esa experiencia catapultó mi carrera y me llevó a una beca completa en la universidad New World School Of The Arts. Los últimos dos años de mi formación fueron los más importantes, me fui a estudiar arte clásico del siglo XIX a Florencia, Italia, en una escuela privada llamada The Angel Academy of Art. ¿Cuál es tu proceso creativo?

Lo que me inspira proviene inesperadamente de toda clase de fuentes, de una sensación después de una experiencia o de mi reacción a un efecto visual. Estas imágenes las voy construyendo en photoshop y cuando las creo tener listas comienzo con la pintura sobre el lienzo. Durante varios días voy aplicando la pintura hasta que aparezca el efecto que andaba buscando. En la mayoría de los casos, la próxima pintura se me ocurre mientras pinto.

una imagen pintada meticulosa o hiperrealista. No sólo le “copio a la naturaleza”, organizo los elementos en ésta para describir lo que siento, para mover al espectador por medio de este mundo a otra dimensión, llevarlo a un lugar o un momento que imagine.

Háblanos de tu técnica…

Amo la sensación de pintar con óleo sobre una tela. Esa es mi mayor forma de expresión. Cuando pinto, trato al sujeto como me lo pida, a veces deslizo el pincel delicado con veladuras, otras veces rompo la brocha de tanto golpear el lienzo. Normalmente trabajo en varias etapas, primero planteo el dibujo y le doy colores locales, cuando éstos secan añado más pintura, afinando las notas de colores y los tonos que deseo. ¿Estás trabajando en algún proyecto ahora?

Mi proyecto sigue siendo el sincretismo, el cual es objetual y se refiere a la extracción de elementos de la pintura clásica para recontextualizarlos con temas modernos, con el rigor clásico que amplía mi horizonte imaginativo.

¿Cómo describes tu trabajo?

Mis pinturas representan mi percepción más profunda e irracional. Aspiro a mostrar imágenes que transmiten la impresión de pinturas del pasado, pero que están imbuidas de conceptos frescos y contemporáneos, así como mi filosofía sobre el arte.

Mis herramientas son la imaginación y la técnica, éstas son la esencia y la base de mi trabajo. No es sólo el deseo de mostrar

¿Cuál es tu trabajo más reciente?

Mi exhibición personal más reciente fue The Artist’s Accomplice. Tomó lugar en Oxenberg Fine Arts, en Miami, del 17 de enero al 15 de febrero de este año, donde se exhibieron ocho obras de gran formato que abordan el tema del maniquí del maestro Pietro Annigoni.

Sin duda alguna, Santos seguirá sorprendiéndonos con su increíble trabajo.

warp.la l @laGUARP

GARY NUMAN

GUARP

GARY NUMAN Love Hurt Bleed

By Diovanny Garfias Translation: Jorge Rodríguez

We live in a reality where the term “melancholy” is undoubtedly destined to be associated with harmful adjectives, for the most part. The gentlemen of science have insisted in presenting it as a psyche disorder.

Inevitably, we perceive the melancholic type as a setback, a liability that only works as an obstacle to prevent the success of the great, and the best case scenario, as a germ that infectiously corrupts the life surrounding it.

Regardless, it is accepted that our nature prevents us from getting close to anything that might provoque fear, pronounce danger, or promise to drag us towards the jaws of darkness.

Curiously, in an era where the canons attempt to eradicate this type of aggressor to the volition, we find ourselves with antiheroes that make of melancholy a vice of the spirit. For these alchemists of ethical subjectivity, there seems to be a commitment for turning that venom into a succulent honey, which through the digestive tract will expand until it infests the host.

Among these artists we find Gary Numan, the english

musician who made an extension of himself out of the sonic machines, turning into a synth-pop star in the process. Either way, Numan’s past glories are not what has us concerned.

Today, at 55 years old, the man behind hymns like ‘Cars’, ‘Down In the Park?’ and ‘Are ‘Friends’ Electric?’ splits his time between his wife and children –now residing in Los Angeles, California– and feeding hordes of goths hungry with stories that talk about angels and demons, set to music originating from a dystopian future –not the one from his 80’s albums, but one that is much more twisted–.

As evidence there is Splinter (Songs From a Broken Mind), his most recent endeavor: an incredible fusion of the sounds that made Numan a necessary reference in music, with some post-industrial influence and lyrics that generate a candid melancholic feeling. We had the chance to speak with the artist previous to the start of his US tour, which will then take him around the world in 2014. As an entrance, we asked him about the main conversation topic.

GUARP

This magazine edition’s is about melancholy and dark music, so what would you say makes you feel melancholic?

I have a real problem with getting old. I’m terrified of it. I’m terrified of people I love dying, becoming sick and helpless.

I’m so bothered by it that it was a large part of my plunge into depression a few years ago so I have to be very careful how I deal with those thoughts these days. It is a part of my music, I can’t help myself, but I always try to twist it in some way, to disguise it. I don’t want to make depressing albums so you have to be careful how you go about writing and recording that sort of stuff. I love dark music though, it’s the only sort of music I’m really into.

How much has your perspective of life in general changed from the moment you became a father?

The thing that changed most is my selfishness. Before the children I lived my life very much as it suited me, and my wife of course. We did what we wanted to, when we wanted to do it, and had an amazing time doing it. When the children came along all that changed. Now we had other people in our lives that were more important than us, that needed us, that we loved more than life itself and everything changes. But, that’s not to say you don’t miss that old life from time to time. Before it was all about what life could do for me, now it’s all about what I can get life to do for them.

When did you realize you wanted to do different music from the one you did in the 80’s and why did you choose to explore darker and more aggressive sounds?

I made a really bad album in 1992 called Machine And Soul.

That album made me realize that I had lost my way musically and creatively. I thought my commercial career was over at that point. My album and tour ticket sales were very bad, I thought I was finished. So, I went back to making music for the love of it, no longer thinking about career and radio play and record company pressure. I just started to make the music I wanted to again, and I fell in love with it again. But, it was much heavier, much darker. It felt as if I’d found my true path again and it made me very happy and proud of what I was doing. It was powerful and exciting and it seemed to really work on the fans who started to come back and show interest in me again. When I was able to take it back on to the stage it was such a great experience. The new songs worked so well live, it was such a massively powerful experience compared to what I’d been doing before.

“Splinter” seems like the album you have been looking for in the last 10 years. Furious, but also very touching, I mean, it really feels like a complete record from beginning to end. Would you say this is the best Gary Numan album to this day?

Probably yes. I know it’s up there with the best things I’ve ever done and is, quite possibly, the best Gary Numan album ever, certainly for a long time. The reaction to it, from media and fans, has been extraordinary overall and so I’m very happy. I think the album has a great dynamic variation to it, the subject matter is dark and thought provoking but it’s not a down or depressing experience, quite the opposite in fact as some of it is driving and powerful, some if it beautiful and delicate, but never a miserable thing to listen to.

You have written conceptual albums, lyrics about sci-fi, about love, desperation and emotions in general but, what topics inspire you nowadays to write songs?

It varies from album to album. When I was making the new Splinter album, in the early stages, I was suffering badly from depression and was put on medication for that for several years. It had a really bad effect on my career, my marriage, my life in general. So, much of the album looks at those problems, dealing with them and trying to live through and beyond them. But, there are also songs on there about other things. The truth is though, it’s always dark. I don’t write happy music. The sound of the music itself, the lyrics, the subjects I write about, it’s always dark in one way or another. I think that the part of my brain that creates things is only triggered by dark thoughts. It’s a little black box in the corner of my mind. I am, and have been for some time, trying to write a novel. A science fantasy novel that deals with war, Gods, demons, cruelty and obsession on a massive scale. There are some ideas from this book on the album in the songs ‘I Am Dust’ and ‘We’re The Unforgiven’.

You are currently touring in the US, can we expect a Gary Numan visit to México soon? Maybe next year?

I certainly hope so. The main US tour is going to happen next March / April time but we are also going to the UK, Europe, Australia and many other places. So much is still being planned it makes it difficult to say for certain but I’m positive we will come to Mexico. We had such a great time in 2010, it was such a positive experience, I would love to come back. I think Splinter is the right album to come back with as well.

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SIGUR ROS Polar Aurorae

By Julián Woodside Translation: Jorge Rodríguez

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GUARP

The Icelandic band Sigur Rós recently gave a show in Mexico City during the Corona Capital festival. As part of the promotion of Kveikur (2013), their most recent record edited by XL Recordings, and presenting themselves in Mexico for the first time as a trio since the departure of keyboardist Kjartan Sveinsson, the group gave an intense show filled with emotivity that left the audience quite satisfied, compensating for the bad experience some of them had during their previous brief presentation at the Dos Abejas festival in Tepoztlán some years ago.

The WARP team had the opportunity to speak before their performance with bassist and founding member Georg “Goggi” Hólm, who shared some of his ideas regarding the music industry, the relationship between the band and their public, his interest in Icelandic folklore and the visual quality of his music.

Lately there has been an ongoing discussion regarding the music industry, such as the controversies of Spotify and other streaming services. All of this reminded me of how I first heard Sigur Rós, through a downloads website called Audiogalaxy, which gave you a lot of promotion back in the day. With this in mind, what do you think is the impact of these tools in presenting new artists to the world?

I think at this point most of us know that it’s a very complicated situation. We currently have services like Spotify and iTunes that basically legalize the process of acquiring music over the internet. However, I don’t think they are a permanent or suitable solution. In a way, I think it’s a terrible medium since it mostly benefits acts that are already established, that are selling well and that are popular in the radio and similar places. But these services don’t necessarily benefit the rising artists, not even financially, because they aren’t really giving them publicity. Regardless, I think it’s better than nothing, or at least better than stealing music.

When I first heard you back in 2000-2001, it never crossed my mind that I would have access to an Icelandic post-rock band.

Now, twelve years later, I’m watching you play one of the most important Latin-American festivals. I can’t help but think that the internet must have helped in some ways with the success of the band. At least with the word-of-mouth.

Yes and no. For example, in our city we had already released a record that had to some extent gotten notoriety with the media.

The record labels were promoting it heavily, so you could say that it was already well positioned. But if you are a band that is starting from zero, these services don’t benefit you since, how do you find them if nobody is “uploading” them? I think it’s a coin toss. It benefits the people that have already reached notoriety and are selling records. If you want their records, you can hear them online through iTunes and similar services, and that means at least people aren’t stealing them. If I was a new artist I don’t think I would have a lot of options. There are few ways to get your songs out there legally and easily, and I think that’s the main problem.

I find it interesting that you stress the idea of stealing music, so I have to ask you: if I make a copy of one of your records and give it to a friend, would you consider that stealing?

Good question! Absolutely not. I do it all the time. When I was young I liked making compilations on cassettes and things like that. My dad worked in a radio station and he used to give me tapes and tell me “hear this, it’s a great record by this artist”.

I think it’s a great way to spread the word, my problem is with more extreme sharing like P2P clients and torrents, which really do no good for anyone.

On another topic, I’ve realized that you constantly seek different ways to create a stronger relationship with your audience, such as giving away free EPs with the purchase of a concert ticket, or doing contests for people to make videos of your songs.

I wouldn’t say we seek that kind of connection, it’s just something that we do naturally. It’s giving something in return to the people that support us. You could say they are special prizes that we gladly give to our deserving followers.

Here in Mexico and in some other parts of the world, there’s a myth that says that if you want to make music and have it be known around the globe, you have to sing in English. Sigur Rós is a clear example that this is not true, since you sing in Icelandic and Vonlenska. What do you think about this approach of making music in a certain language?

We have asked ourselves many times how a band that plays relatively weird music and sings in Icelandic can get to play places like this in Mexico and in such a great festival. There’s must be some luck involved, but I also think if you concentrate on what you believe, put time into it and are passionate about it, there are no limits. I don’t think it’s necessary for a band to sing in any specific language, I think they just need to feel comfortable with what they do.

On the other hand, you give a lot of emphasis to generating an audiovisual experience. I would even dare to say that your music is audiovisual. You have been incorporated into countless TV shows and movies, in addition to the videos that your fans have created.

What do you think about this quest for achieving a musical experience with visuals and other elements that go beyond the sounds?

We have always thought that music is a visual thing. Even when we sit down to write lyrics, we already have the music on our minds and we start to create images in our heads. That’s how we land on a concept for each song and decide on what it’s going to be about. I believe music and visuals go hand in hand, especially when it comes to our music [laughs]. I also think it’s a good way to exponentiate the concert experience. For example, when we play live and we have a lot of visuals going on, it makes the live experience much more impressive, or at least I think it does… [laughs] 093

GUARP

ASK AMANDA

By Amanda Palmer / @amandapalmer

An Evening With Neil Gaiman & Amanda Palmer will be released soon. What can you tell us about the recording process for that album and what is your best memory of that recording?

—Helena Báez Well, the entire idea was to record every show that neil and I did during a 6-night tour of California and some other West Coast cities. We just shared the stage every night, making things up… Neil read stories, I played songs I don’t always play, and we sat and took questions from the audience. Sometimes it was very silly but sometimes it was very emotional... We talked about our relationship, how we handle problems, what we believe about each other. It was almost like therapy. And we also did a bunch of (mostly) silly songs together, covers songs and piano songs and ukulele songs where Neil would sing and I would play, and sometimes we sang together. Sometimes we called it out 6-night wedding, because we felt like we were introducing our families, our fanbases, to each other and hoping tat no drunken fist-fights would break out. we crowdfunded the original recording and now we’re finally releasing it to the public. It’s three long CDs of readings and songs and questions that we picked and edited down to represent the best of the best. I think it’s wonderful. (And if you want to order it, it’s on my website, pretty easy to find.)

What is your favorite soundtrack? —Bruno Arco Oh my god that’s so hard. I listened to a lot of soundtracks growing up. In fact, I had lots of favorite soundtracks to films I never even saw, because I loved digging in the soundtrack vinyl sections of used record stores and just buying stuff that looked interesting. So I loved the soundtrack to Liquid Sky, it was one of my favorite tapes, but I’ve still never seen the movie. And I got a 094

gateway into classical listening to soundtracks like Amadeus and Clockwork Orange. I often argue that film can be a huge resource for keeping classical music interesting for young people who don’t get that many classical composers were actually totally punk and irreverent geniuses. I absolutely love the soundtrack to the early john hughes movies: The Breafkfast Club, Pretty In Pink, Sixteen Candles. and the Repo Man soundtrack was on constant rotation in my walkman as a teenager. That one was a gateway to a lot of punk bands and I devour anything by michael nyman - especially his early stuff with Peter Greenaway. Two of my favorite soundtracks are his A Zed And Two Noughts and The Cook The Thief His Wife And Her Lover. That music can make me cry on command, some of it.

Do you like Halloween? Do you have a tradition for this holiday?

—Israel Brizuela I loved Halloween as a kid, and I grew up in the perfect suburban neighborhood for trick or treating, where you go door to door to people’s houses in costumes collecting candy. It was one of my favorite nights of the year - my three favorite things wrapped up into one: dressing up, talking to strangers, and eating candy. I was obsessed with candy as a kid. There’s a reason my teeth are all filled with cavities. As a touringmusician adult I’ve sort of lost track of the that tradition, and usually on Halloween night I’m on tour somewhere. If we’re in America we can make a big deal out of it, and create a crazed Halloween night with costumes and special stage shows, and The Dresden Dolls did some great skits (one Halloween we played as The White Stripes. I was Jack and Brian was Meg) but this year my band will be in Copenhagen, where they don’t really “do” Halloween. That’s always depressing).

GUARP

HOPE IS ALWAYS THERE…

By Paul Stokes / @stokesie

So I’m at an Everything Everything gig in London it’s joyous, life affirming, quirky, great. Yes it’s happy music, but within much of it —particularly the tracks from their second album Arc— there is also darkness, an occasional glance into the abyss, as the spam of time and existence are considered on both a cosmic and personal level. This really is music to make you think, though fortunately you can dance (jerkily) to it too.

As I’m thinking about melancholic music for this month’s WARP column this concert strikes a chord. This is music at its life-affirming best, yet on some level it’s also melancholic. I’m at the other end of the telescope. Here the band’s music is filled with joy yet it has to be tinged with sadness to work. When you flip the focus and have music that is deemed more melancholic, the reason you want to listen to it is because within the darkness there is always hope. There has to be.

Unrelenting depression is just a drone (in the same way uncheck joy is inane), but melancholic music must run a spectrum between despair and dream. Movement, whether your feet or your soul, is what makes it music.

I’m currently reading Morrissey autobiography and while his childhood sounds melancholic to an extreme, hope always glimmers through. Let’s remember The Smiths were often dismissed as miserable, yet you’d be hard pushed to find a band who captured a sense of humour on record with such verve.

This month’s cover stars Sigur Ros can sound alien, cold and strange, but for that melancholia is hopeful. It offer the possibilities of a new frontier, of new discoveries to be made. My favourite Portishead song is ‘Sour Times’, mainly for the line “no body loves me [pause] it’s true”. Not only is it funny, but in and amongst the miserable tidings there’s that glint of love.

Melancholic music for me has to be, ironically, music at its most hopeful. I believe in the darkness, I believe in broken hearts, I believe in bad stuff and I believe it happens to us all, unfortunately. But you can only really encapsulate that sense of loss, that sense of hurt in (music) by looking upwards, but fusing that with hope. And if don’t still don’t believe me, just listen to the blues. Only bad things happen in those songs, death, divorce, betrayal, blind bad luck, yet you’ll struggle to find a more uplifting sound anywhere else on this earth.

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encore BLONDIE #WARP7 Teatro Metrop贸litan Pic by Sergio G谩lvez for WARP

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