THIS IS HAPPENING La mezcla ideal entre Electrónica y Rock
WARP MAGAZINE No.26 / Mayo 2010 $29.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina
Cobertura Especial:
Coachella & SXSW 2010
LCD SOUNDSYSTEM En Exclusiva
GOLDFRAPP FISCHERSPOONER EMPIRE OF THE SUN DAN BLACK & REY PILA
THIS IS HAPPENING Cortesía EMI Music
James Murphy, líder y fundador de LCD Soundsystem
001 warp magazine / www.warp.com.mx
LCD Soundsystem
Elementos fundamentales de la creación musical en este nuevo siglo son la computadora, los sintetizadores y demás instrumentos que llegaron a la industria hace ya varios años. Pero lo realmente importante es como diferentes géneros han sabido combinarse para crear nuevas formas de expresión, teniendo como fin común el entregar grandes momentos a los escuchas. Electrónica, rock y todas sus posibles ramificaciones ahora van de la mano para lograr atmósferas únicas que disfrutamos al máximo en voz de LCD Soundsystem, uno de los grupos más importantes de la actualidad.
Pat Mahoney, baterista de LCD Soundsystem Ruvan Wijesooriya
Susana Betancourt
CortesĂa Hot Hot Heat
CortesĂa Ventilader
Miguel Hernรกndez (bajista)
Jaime Fernรกndez
its f s i M her wsky t a e adW sAdano ello e D e yTh pelado olBord rse! b o M ba cio ewGog oSeaho v r c e a T laM rlsHell a CafĂŠ ingTingsAt e u z l n i TheT iscaVale sVivian G oyGabrie c Fran veonette reRodrig a tu TheR Crea
n o s a e S emiere: Pr 05 DE
MAYO
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08 DE
MAYO
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REVIEWS // Mis videos y discos / WARP26
Option Paralysis
The Dillinger Escape Plan Party Smasher/Season Of Mist 2010
8.0 Calificación
Con su tercera placa, Ire Works (2007), Greg Puciato y compañía demostraron querer ir más allá, haciendo de su sonido algo notable y, al menos, en vías de volverse trascendental. Coincidiendo con el inicio de una nueva década, TDEP ha subido al siguiente nivel, creando el que, al menos sonoramente, es el álbum más importante de su carrera. Option Paralysis es un híbrido entre metal, jazz, rock y otros géneros, donde todos conviven en términos extremos, entre melodías violentas, brillantes y decadentes. Un gran acierto en la placa es la colaboración de la leyenda del piano, Mike Garson (David Bowie, NIN), quien imprime su sello personal en cada una de sus intervenciones. Option Paralysis no es un disco fácil para el escucha casual, pero es una pieza que esconde varios tesoros. De lo mejor del año. -Diovanny Garfias
We Are The Void
Dark Tranquility Century Media 2010
7.0
Calificación
Con este álbum, la banda sueca de death metal melódico permanece simplemente en lo mismo, sin ningún afán de arriesgar un poco más para generar nuevos fans. La carga creativa estuvo casi en su totalidad en Mikael Stanne, vocalista de la banda desde 1994. We Are The Void consta de 11 tracks oficiales, mas dos o tres extras, dependiendo si su edición es japonesa, europea o digital. Al menos, en este disco, los temas no duran tanto como en el antecesor, pues en promedio son de cuatro minutos. Las guitarras suenan duras, como lo exige esta corriente del metal, pero matizadas con armonías más suaves, volviéndolo más digerible; sin embargo, en algunos puntos, la mezcla se ve forzada y el contenido lírico tiene una tendencia más carnicera respecto a las producciones anteriores de los suecos. -Francisco Camino
Broken Bells
Broken Bells Columbia Records 2010
7.6
Calificación
El maestro Brian Burton, mejor conocido como Danger Mouse, no descansa de trabajar y, después de regalarnos el magnífico material en colaboración con Sparklehorse, Dark Night Of The Soul, se dio a la tarea de producir —junto con James Mercer, vocalista de The Shins— este álbum bajo el nombre de Broken Bells. En un tono aligerado y lleno de sonidos psicodélicos elegantes, Broken Bells genera un buen trabajo que va de lo elemental a nivel sonoro, traspasando la barrera de sonidos más elaborados, teniendo grandes momentos en canciones como ‘Mongrel Heart’ y ‘Vaporize’, entre otras. Seguramente, la tendencia de colaboraciones como la realizada por Burton y Mercer, será la pauta a seguir y, si nos entregan propuestas como Broken Bells, sólo nos quedará agradecer el esfuerzo. –José Villanueva
REVIEWS // Mis videos y discos / WARP26
Here Lies Love
Fatboy Slim y David Byrne Todomundo/Nonesuch 2010
7.0
Calificación
¿Quién dijo que la música mainstream no le podía rendir homenaje a personajes de la política? Si Eva Perón puede tener un musical, entonces Imelda Marcos (primera dama de Filipinas de 1965 a 1986) puede ser homenajeada en vida por Fatboy Slim y David Byrne (ex Talking Heads). En este álbum concepto —por cierto, doble—, ambos músicos crean melodías capaces de transportarnos al pasado con sonidos étnicos y ritmos latinos, así como toques electrónicos y, por momentos, experimentales. Otra característica de esta placa es el gran número de colaboradoras, incluidas Cyndi Lauper, Tori Amos, Martha Wainwright, Natalie Merchant, Santigold y Kate Pierson, lo que dota al álbum de un aire impredecible y espontáneo. Como homenaje y experimento sonoro es un gran álbum; como un disco creado por David Byrne y Fatboy Slim queda a deber. -D.G.
REVIEWS // Mis videos y discos / WARP26
Elastica
Elastica Deceptive Records / Geffen 1995
8.9
Calificaci贸n
PROFILE // WARP26 Integrantes: Rafter Roberts - guitarra / voz / secuencias
RAFTER Luisa Reséndiz
Rafter Roberts es dueño de un estudio de grabación y desde hace varios años crea música para marcas. Originario de San Diego, California, poco a poco Rafter fue armando su propio proyecto, presentado hace ya algún tiempo, pero que finalmente explota
Lizeth Santos
con Animal Feelings (Asthmatic Kitty Records, 2010), su más reciente producción. Experimental, folk y sobre todo mucho rock, es lo que Rafter demuestra en esta placa que seguramente lo llevará a ser conocido a un nivel superior.
Escúchalos en: www.myspace.com/rafterroberts | www.rafterroberts.wordpress.com
Milton Barboza
Sergio Gรกlvez
Milton Barboza
Sergio Gรกlvez
NRML Alianza Francesa, Monterrey, Nuevo Le贸n - 13 de Marzo Julio Mu帽oz
Aldo Monterrubio
Sergio Gรกlvez
Sandra Valerio
Cortesía OCESA
Fischerspooner José Cuervo Salón, Ciudad de México - 9 de Abril Elsa Nuñez
Sergio Gálvez
Camera Obscura Lunario del Auditorio Nacional, Ciudad de México - 13 de Abril Sergio Gálvez
Noah Powell
Fernando Aceves/OCESA
José Villanueva
Cortesía William Morris Agency
GNBN // WARP26
Bad News Good News
Good News Bad News
Bad News
Worst News
Born
Free
Luz verde para invadir Arizona Alejandro Franco
Diovanny Garfias
Para mí, Malc siempre fue entretenido y espero que lo recuerdes. Por encima de todo, era un artista y lo voy a extrañar. —Johnny (Rotten) Lydon, vocalista de The Sex Pistols y Public Image Limited.
GNBN // Insert / WARP26
Diovanny Garfias
Claudia Ochoa
Pídanle Un Taxi Los divos de
la música…
GNBN // Insert / WARP26
Karina Luvián
Cortesía Eureka and Co.
Sr.Flavio
Diana Urbano
Milton Barboza Arriaga
Julio Mu単oz
Adolfo Vergara Trujillo
Diana Urbano
GNBN // Insert / WARP26
Karina Luvián
Cortesía Arts & Crafts
Milton Barboza Arriaga
Julio Muñoz
Enseguida, la Cobertura Especial desplegada por WARP MAGAZINE.
La XI entrega de Coachella
concluyó con algunos pormenores y contratiempos, como la cancelación de vuelos por la erupción del volcán en Islandia —lo que causó que no pudieran asistir bandas como Mew, Gary Numan y Bad Lieutenant, entre otras—, la
día1
programación un tanto apretada de grupos que merecían escenarios más grandes y demás detallitos que, al final, no provocaron que Coachella dejara de ser uno de los festivales más importantes del planeta y referente para ver lo mejor de la música en vivo. Street Sweeper Social Club
Coachella 2010 El tráfico ya es una tradición en la localidad de Indio, California, cada que se realiza Coachella: las filas interminables y el poco avance se multiplica con el calor sofocante de esta zona, que recibió los primeros actos de los pactados para el día 1 de actividades.
Cobertura Especial presentada por:
La idea musical latina se hizo presente con los puertorriqueños de Calle 13 que, pese a lo satanizados que han sido en su carrera, poco a poco se van ganado un lugar en la música y ésta es la prueba. En el mismo escenario principal, se presentó el proyecto alterno de Tom
Morello y Boots Riley, formado en 2006, Street Sweeper Social Club, una banda de rock rap bien equilibrada que nos regaló un cover de ‘Paper Planes’, original de M.I.A. She & Him (Zooey Deschannel y M. Ward), por su parte, causaron expectación en el Outdoor
Theater; miles de personas se dieron cita, pero lo cierto es que, pese a la ovación inicial, terminaron por cansar con su sonido tranquilo y a go go/ folk. The Dillinger Escape Plan dio rienda suelta a su poder escénico y, en el Gobi Stage, se posicionaron como una de las bandas que más sudor dejó en Coachella. Por desgracia, para Passion Pit, más de la mitad de su presentación fue un caos; no tanto por ellos, sino por el equipo de audio, que no funcionó como debía. Al inicio estuvieron tocando con puros monitores y las canciones terminaron por escucharse débiles, sin feeling.
COACHELLA 2010 Passion Pit
Vampire Weekend
También se presentaron los protagonistas de la portada de WARP MAGAZINE 25: Them Crooked Vultures. Desde el primer acorde, dejaron en claro que este proyecto es una realidad que suena a rock puro, pesado y, sobre todo, elegante en la ejecución única de Dave Grohl en la batería, Josh Homme en la guitarra y voz, y el maestro John Paul Jones.
The Dillinger Escape Plan
Imogen Heap
Vampire Weekend logró repetir el éxito de la venta de su más reciente producción, Contra, al reunir a más gente de la que ellos mismos esperaban; aunque sin duda suenan mejor en disco que en vivo. Jay Z, el rapero más importante de los últimos años en Estados Unidos, fue el encargado de cerrar este primer día de actividades en el Coachella Stage, reuniendo una cantidad impresionante de gente. Z invitó a su esposa, Beyoncé, a cantar un cover de ‘Forever Young’, canción que compusiera Bob Dylan y que Alphaville hiciera famosa en los ochenta.
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Echo & The Bunnymen se hicieron presentes en el Outdoor, con un Ian McCulloch que emulaba a Lou Reed en los tiempos de The Velvet Underground, enfundado en una gabardina negra y lentes obscuros; ‘Lips Like Sugar’, ‘The Killing Moon’, entre otros clásicos, se dejaron escuchar en el Empire Polo Field. El Coachella Stage simplemente se vistió de gala al llegar LCD Soundsystem con una discoball gigante; encabezados por James Murphy, simplemente explotaron el escenario con sus increíbles ejecuciones de ‘Losing My Edge’, ‘All My Friends’, ‘Drunk Girls’ y ‘Yeah (Crass Version)’.
Them Crooked Vultures
Mientras Jay seguía aún en su presentación, el maestro John Lydon, a la cabeza de la emblemática banda Public Image Limited, cerraba las actividades del Outdoor. Y así, entre frío y una polvareda, el primer día de Coachella llegó a su fin.
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Jay Z
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Coachella 2010
El segundo día de actividades en Coachella parecía ser un sábado tranquilo, en cuanto a presentaciones se refiere, y más al saber que algunas bandas como Mew y Bad Lieutenant habían cancelado su presentación por las secuelas en Europa a causa de la erupción de un volcán en Islandia. Sin embargo, todo fue mejorando poco a poco.
Devo Camera Obscura
Girls
Gossip (foto: Alejandro Franco)
Zoé
Uno de los momentos esperados por todos los mexicanos fue el debut de Zoé en Coachella. León Larregui y compañía lucieron serios pero seguros en canciones como ‘Vía Láctea’ y ‘No Me Destruyas’, entre otras. En el Mojave Stage, estuvieron los escoceses de Camera Obscura, quienes interpretaron canciones ya básicas de la agrupación, como ‘French Navy’ y ‘Lloyd, I’m Ready To Be Heartbroken’. Casi al mismo tiempo, en la carpa llamada Gobi, los originarios de San Francisco, Girls, hicieron su labor al tocar las can-
ciones más representativas de su álbum debut. El Outdoor Stage, el segundo escenario más importante del Festival, parecía quedarle grande a los australianos de The Temper Trap. Lo importante es que la banda no dejó cabos sueltos al respecto de su participación, demostrando que son muy buenos músicos en vivo; cantaron ‘Sweet Disposition’, ‘Rest’, ‘Love Lost’ y ‘Soldier On’, entre otras. Band Of Skulls tocó en el Gobi Stage; potencia, grandes interpretaciones, solos de guitarra impresionantes y mucha humildad, es lo que ofrecieron.
Tokyo Police Club regresó con su carga de punk y lo hizo en el Coachella Stage, teniendo buenos momentos. La espera para disfrutar de una de las bandas actualmente consentidas en la Unión Americana terminó, y Gossip —encabezados por la inconfundible Beth, su vocalista— apareció en el escenario del Mojave, ante miles de fans que no dejaron de aplaudir y bailar canciones como ‘Dimestore Diamond’, ‘Love Long Distance’ y ‘Standing In The Way’. Otra presentación que se esperó con ansia fue la de los ingleses de The xx, que
Band Of Skulls
en el Outdoor reunió a mucha gente; debe mencionarse que la banda es poco expresiva en el escenario y, por momentos, las canciones no tienen cambio alguno en comparación al sonido del disco.
COACHELLA 2010
Faith No More
Tokyo Police Club
The Temper Trap
Les Claypool The Dead Weather
tual y el Coachella Stage, con miles de fans bailando —e incluso tocando al mismo Patton, quien bajó al público para cantar— así se lo agradeció. El Outdoor se abarrotó, gracias a la llegada de MGMT. Escuchamos desde ‘Time To Pretend’, hasta ‘Flash Delirium’; cada canción fue una lección de buen sonido y ejecución. Mientras tanto en el Gobi stage, el maestro Les Claypool (Primus) dio muestra de por qué es uno de los mejores bajistas de la historia. Muse era uno de los highlights desde que se anunció el cartel de Coachella y no hubo equivocación alguna. Mat Bellamy, su líder, vocalis-
ta, guitarrista, pianista y frontman, es simplemente un espectáculo aparte; en vivo es un gran ejecutante y guitarrista único.
The Dead Weather fueron los encargados de cerrar el Outdoor y, como sucede en cada una de sus presentaciones, dieron todo y terminaron por enamorar a los fanáticos. Desde ‘Cut Like A Buffalo’ hasta algunos temas nuevos, The Dead Weather hicieron que la noche fuera un momento de gran excitación. Los veteranos de Devo convocaron a varias generaciones en su presen-
tación en el Mojave Stage. Enfundados en su clásico sombrero y algunos cambios de outfit, la banda tocó, claro está, su más grande tema: ‘Whip It’, con el que todo mundo bailó. Y el baile terminó en la tan solicitada carpa Sahara, que culminó con los experimentados 2ManyDJ’s, quienes mezclaron con gran poder todo tipo de canciones y remixes ácidos. Literalmente, el Sahara Stage era un hervidero y, gracias al brincoteo de la gente, eufórica, las manos provocaban precisamente esa ilusión óptica.
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Coheed And Cambria incendió literalmente el escenario principal con su espectáculo que, levantando a todos con su sonido metalero, fue coreado y aplaudido por los presentes. A Hot Chip ya se le esperaba en el Outdoor, pero también fueron víctimas del audio mal diseñado; además, el nuevo acto en vivo incluye batería, guitarra y bajo, que de alguna manera les quita parte de su esencia: pese a todo, la gente bailó y disfrutó a estos ingleses. Faith No More dejó en claro que clásicos como ‘Epic’ son adjetivos que pueden referir a sus presentaciones en vivo; Mike Patton sigue siendo una leyenda de la música ac-
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The xx
día3
Coachella 2010
El último día dentro del festival realizado en Indio, California, ofreció menos grupos que en las jornadas previas y, claro está, esto sucede por el cansancio que vivimos todos luego de un fin de semana arduo.
Spoon Charlotte Gainsbourg
Sunny Day real State
La multitud ya acaparaba los cinco escenarios y el sonido de De La Soul nos recibió con una gran fiesta en el Coachella Stage; al más puro estilo hip hopero, estos clásicos del género demostraron que siguen siendo sinónimo de diversión y mucho punch. El destino obligado, después de esto, fue el Gobi Stage, donde la originaria del Reino Unido, Florence Welch, junto con su The Machine, convocaron a miles y miles de melómanos quienes hicieron que la enorme carpa se viera pequeña. El neoyorquino Julian Casablancas, de igual forma, acaparó la atención en el Mojave, desde donde lanzó las canciones de su disco debut, además de volver locos a los asistentes con una que otra canción de The
Phoenix
Strokes. ‘Out Of The Blue’, ‘Left & Right In The Dark’ y ‘11th Dimension’ sonaron. Y como varios medios lo dijeron, la presencia de Charlotte Gainsbourg en Coachella era simple y sencillamente necesaria. El semblante tímido de la también actriz parecía no cuadrar con el poderoso momento sonoro que vivíamos, donde no sólo su gran voz, sino los excepcionales músicos que la acompañaban, complacieron a los presentes con las maravillas de sus discos IRM y 5:55. Se presentó en solitario el vocalista de Sigur Rós, Jonsi, quien cautivó a más de uno con las canciones de su primer álbum, Go. Spoon llegó al escenario principal simplemente por la calidad de su música. Rock al más puro estilo del Sur de Estados Unidos nos
Yann Tiersen Little Boots
obsequiaron los de Austin, Texas, con piezas clave de su discografía como ‘Don’t Make A Target’, ‘The Underdog’, ‘Is Love Forever’ y ‘Who Makes Your Money’. Los exitosos franceses, Phoenix —una de las bandas con mayor perfección en la ejecución en vivo, sin dejar de lado el feeling al momento de cantar— son un fenómeno mundial que volvió a demostrarse, ya entrada la noche, reunien-
do a miles y miles en un Outdoor Stage que simplemente sonó alegre y, afortunadamente, no tuvo problemas de audio como en otras presentaciones. El regreso a los noventa lo presenciamos con Pavement, quienes en el Coachella Stage dieron muestra de la inercia de su disco Quarantine The Past, del que se desprenden puros clásicos de la gran agrupación.
COACHELLA 2010
Damon Albarn
El caso más polémico en cuanto a presentaciones se refiere, fue el de la banda más importante de este año en Coachella: Gorillaz. Todo mundo estaba esperando que sucediera algo extraordinario con Gorillaz en el escenario, pero lo que vimos fue a su creador Damon Albarn presentarse con los músicos que colaboraron en el disco Plastic Beach; no podemos dejar de agradecer que hayamos podido ver y escuchar a los maestros Mick Jones y Paul Simonon, de The Clash, pero faltó algo.
Agradecemos el apoyo y las facilidades otorgadas por:
simplemente de una factura que pronto podría convertirse en clásica. Presencia en el escenario, potencia sin igual, sonidos industriales/oscuros/metaleros con el toque especial de su baterista, Akiko Matsuura, es lo que The Big Pink ofrece. Así pues, pasadas las 00 horas del 19 de abril, llegó a su fin la XI entrega de Coachella, que tuvo de todo: cancelaciones por problemas externos a los organizadores, fallas de audio —sobre todo en el Outdoor Theater—, calor, sold out y, lo más importante, la reunión de las propuestas más interesantes que hay que escuchar este veinte-diez.
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¿Y qué decir de Thom Yorke y Atoms For Peace, su superbanda? Pues sólo lo que en estos casos hay que reafirmar: es un agasajo poder escuchar en vivo a tan interesante propuesta. Yorke se valió de Nigel Godrich (emblemático y eterno productor de Radiohead) y Flea (bajista incomparable de Red Hot Chili Peppers) para interpretar, completo, The Eraser, su disco solista, así como uno que otro clásico de Radiohead, como ‘Everything In It’s Right Place’. Una propuesta magnífica llegó afortunadamente a Coachella: The Big Pink también podrían ser llamados “The Big Thing”, pues lo mostrado por ellos fue
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Pavement
en
Este mes se realizó el famoso festival de Indio, California y gracias a las computadoras de HP, diez mexicanos pudieron vivir toda la energía de las mejores bandas alternativas que durante tres días disfrutaron al máximo con la mejor música.
Los afortunados que sólo al comprar su computadora HP asistieron al concierto son: •Mario Alexander Negrón Ramos •Eduardo de la Fuente Ramírez •Alonso Antonio Ayala Quintero •Diana Paola Ayala Quintero •Gudalupe de Jesús Martínez Bravo •Alfredo San Román Fajardo •Karina Cecilia Borja Jiménez •Casilda Inés Suárez Hesketh •Jesús Israel Suárez Ortega •Juan Jesús Ortíz Tenorio
Con HP podrás seguir ganando viajes para ir a los conciertos de tus bandas favoritas. Y toda tu música la podrás mezclar, editar y programar gracias a su software MediaSmart en las computadoras HP… HP la computadora ahora sí es personal.
VIVE LATINO 2010 Aldo Monterrubio
Sergio Gálvez
El Vive Latino es una historia de éxito con 11 ediciones y siempre existen algunas complicaciones, este año volvió a ser muy concurrido con alrededor de 50 mil personas cada día.
La edición de este año del festival iberoamericano de cultura musical: Vive Latino, por primera vez tuvo una duración de tres días; aunque el primero, que fue el viernes 23 de abril, sólo se presentó la ópera rock Frankenstein de José Fors, la cual duró tan solo unas horas.
Empire Of The Sun
Aterciopelados
Deftones
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Sussie 4
VIVE LATINO 2010 Julieta Venegas
Ceci Bastida con Tijuana NO!
Vicente Gayo
Pato Machete
Teniendo un line-up con opciones para todos los gustos, el Vive Latino de este año presentó problemas de audio en momentos importantes; por ejemplo, el regreso de Tijuana No! con Julieta Venegas y Ceci Bastida, fue opacado por el terrible sonido que en ese momento se apoderó del escenario Verde. Silverio y Austin TV, son otros proyectos que de igual forma sufrieron problemas en este sentido. En el lado brillante: la presentación de Calle13, Deftones, Nacho Vegas, Sussie 4, La Cuca, Los Tres y Aterciopelados, fueron algunos de los grupos que marcaron pauta. Seguimos sin entender por qué el grupo australiano Empire Of The Sun cerró el festival; es obvio que el target del Vive Latino está más ligado al
Panteón Rococó
Chetes
Austin TV
Los Tres
Le Butcherettes
ska y propuestas como Calle 13. Si bien Empire of the Sun es una propuesta internacional sinceramente le faltan muchas credenciales como para tener ese privilegio del cual gozó el domingo. Uno de los mejores momentos sin duda fue el regreso triunfal de Calle 13, que tres años después del polémico y retador grito de su vocalista, Residente
Calle 13
—“tírenme monedas”, dijo, lo que desató una lluvia de basura, provocando que bajaran a los puertorriqueños del stage—, en esta ocasión la historia fue completamente distinta, el público se les entregó desde la primera canción; y es que las declaraciones politizadas de Residente, son muy bien manejadas y aceptadas, haciéndolos ganarse a cada uno de los
asistentes. Por otro lado, este año se regalaron 20 tracks; lamentablemente, se hizo muy poca promoción, lo que aunado al hecho del número de cuentas de iTunes en México no es tan grande, dio resultados muy pobres. El Vive Latino ya es una historia de éxito con 11 ediciones y siempre existen algunas complicaciones. Y este año volvió a ser muy concurrido, con cerca de 50 mil personas en ambos días. Esperemos que mejoren los aspectos técnicos.
This Is Happening Dann Kalter
Hablar de la música electrónica como la concebimos hoy en día, es hablar y recordar un poco la manera en que, a lo largo de décadas, se ha ido fusionando con nuevos ritmos, armonías y sonidos, provocando el nacimiento de nuevos géneros. A partir de la década de los sesenta, el uso de sintetizadores se instaló con fuerza en el ámbito del rock. Más adelante vendría Kraftwerk, conformado por ingenieros alemanes, que daría un nuevo sentido a la música electrónica llamado techno pop. Derivados del punk de finales de los setenta y principios de los ochenta, se proyectaría un movimiento totalmente musical y estético: el New Wave; el surgimiento de bandas como The Cure, Siouxsie And The Banshees y Joy Division darían otro toque a este nuevo género, llevándolo a una especie de ambientación obscura: dark wave. Con la muerte de Ian Curtis y la desintegración de Joy Division, llegó New Order con sonidos electrónicos y secuencias programadas. Le seguirían bandas que difundirían los preceptos del synthpop, como The Human League, Depeche Mode, Yazoo, Ultravox, OMD, Gary Numan, etc. Es importante resaltar el papel que la Factory Records jugó para el desarrollo de la música en los ochenta. El punto de partida sería Manchester que, contagiada por el fenómeno acid house, se rebautizaría como “Madchester”; es ahí que el Club Haçienda, en 1989, es testigo del nacimiento de tres bandas fundamentales: The Stone Roses, Happy Mondays y los Inspiral Carpets, que mediaban perfectamente la corriente de rock con la electrónica. Poco después, a manera de manifiesto, vendría la Screamadelica, de Primal Scream, logrando conjugar house y rock. Llegarían el Techno, el Acid House y el Eurobeat; tiempo después, arribaría una corriente electrónica más estridente, densa y con sonidos maquinosos: el EBM (NIN, Throbbing Gristle, Nitzer Ebb, Cabaret Voltaire, Einstürzende Neubauten), conocida por algunos como Rock Industrial. Así llegaría la cultura del DJ, teniendo los raves como campo de acción y vía de escape para muchos jóvenes adictos al baile y a las novedosas drogas sintéticas. Surge una nueva polarización de las masas: los adeptos de la electrónica vs. los del rock.
El tiempo pasó y surgió en Europa un revival de los ochenta fusionando electrónica-rock y sonidos retro, con la actitud del new wave y elementos estéticos del punk (mullets, estoperoles). La Gigolo Records, de Dj Hell, fungió como padrino para proyectos de esta nueva corriente y surgieron Fat Truckers, Fischerspooner, Crossover, Plastique De Reve y Vitalic, entre otros, mientras que, en forma casi paralela, del lado Nortemericano, el productor y DJ Larry Tee crearía un festival donde bandas de corte electro rock serán bautizadas con el nombre del festival: Electroclash (A.D.U.L.T., Peaches, Le Tigre, A.R.E. Weapons); además, la escena neoyorquina cobra gran vitalidad, fusionando rock y electrónica, con el arte del fashion. A la par, la esencia del rock sería aplicada al dancefloor, generando buena respuesta con nuevos expositores, como The Prodigy, Fatboy Slim y un proyecto de música electrónica que incluso se atrevería a presentarse en un estadio cual banda de rock: The Chemical Brothers. El Rock se deja cultivar por la fuerza del sampler, de las secuencias y, con ello, logra la inevitable consecuencia de transformar incluso su entorno social. En Nueva York, gracias a disqueras como DFA, surgen agrupaciones como LCD Soundsystem, The Rapture, Radio 4, que adaptarían al rock la parte más bailable del género, en fusión con reminiscencias disco y punk. Al parecer se ha logrado una socialización de la música, dejando a un lado las etiquetas. Ahora las cosas han cambiado; tenemos festivales internacionales donde conviven grupos de Rock con Live acts electrónicos y los fans de cada estilo pueden cohabitar: hoy vamos a un concierto de Arctic Monkeys y mañana a uno de Daft Punk; en nuestros iPods se encuentran cientos de tracks rockeros y cientos de corte electrónico; las diferencias han sido diluidas tanto en el escenario como en la pista de baile... La electrónica y el rock dejan de aislarse y se dan la mano. Y esta es una actitud que prevalecerá por mucho tiempo.
Dann Kalter: Se inició en la escena musical hace 10 años como DJ y ha continuado como promotor y productor de eventos creando la plataforma Rockets Musik, enrolándose con sellos como Gigolo Records y DFA. Forma parte del roster de IMECA y ha compartido escenario con Dj Hell, Ewan Pearson, Larry Tee, Justus Köhncke, Ellen Allien, The Presets, Kim Ann Foxman (Hercules & Love Affair), Glimmers, Justice, The Crystal Method, Metronomy, Peter Hook, Mira Aroyo (Ladytron), entre otros.
Destacado 30 /
This Is Happening
“Empezamos a experimentar con algunas guitarras tranquilas, algunas voces; y nos dimos cuenta de que podría ser enorme su poder expresivo, sin tener cientos de sintetizadores”.
Head First
Diovanny Garfias y Milton Barboza
Cortesía EMI Music
El que una banda o proyecto musical esté regido por la importancia que sus integrantes denotan en cada una de sus canciones, nos lleva a entender que, cuando son dos los creadores de conceptos, resulta aún de mayor valor. Esto sucede con el dueto originario del Reino Unido que, desde su formación, hace ya más de diez años, los ha logrado posicionar como un referente de la música electrónica en diversos subgéneros, como el electropop.
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Goldfrapp
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-Will Gregory
“Creo que Head First tiene todos los elementos de Supernature, pero con un toque más caluroso y más suave”. -Will Gregory
La historia detrás de Goldfrapp nos lleva a la incursión de Alison en la música con amigos cercanos a ella, como Tricky —con quien grabó algunas voces en su disco de 1995, Maxinquaye— y Orbital; esto la llevó a conocer a Will Gregory, con quien comenzó a trabajar en canciones propias que, para 1999, los haría firmar con Mute Records, sello con el que sacarían su disco debut Felt Mountain. Black Cherry, Supernature y Seventh Tree fueron las producciones subsecuentes que posicionaron a Goldfrapp entre uno de los proyectos de mayor trascendencia en la etapa que vivió el sonido electrónico durante la década pasada. Actualmente, gracias a la llegada de otro gran material llamado Head First (reseñado en nuetro número 25), WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de platicar con la mitad masculina de Goldfrapp, Will Gregory, quien de viva voz nos invita a conocer más a fondo un trabajo de muchos años y, sobre todo, de gran esfuerzo…
Hablemos del álbum Seventh Tree (2008). ¿Por qué decidieron tomar una dirección, sonoramente, más folk? Es un gran álbum, pero es diferente a los demás discos de Goldfrapp…
El primer álbum que hicimos (Felt Mountain) fue algo melancólico, introspectivo y tranquilo; no era tan folk, pero en las atmósferas había ciertas similitudes con Seventh Tree. Habíamos estado como un año y medio de gira en la promoción del tercer álbum, Supernature (2005) y, en algún punto, aunque es muy emocionante tocar en vivo, nos cansamos de eso: creo que llegamos al final. Cuando volvimos del tour, empezamos a experi-
mentar con algunas guitarras tranquilas, algunas voces; y nos dimos cuenta de que podría ser enorme su poder expresivo, sin tener cientos de sintetizadores. Encontrar la grandeza en algo pequeño y hacer un disco que no fuera ruidoso, era algo que queríamos intentar.
¿Cómo fue que decidieron regresar al sonido “original” de Golfrapp en Head First?
No estoy seguro de que este sea el sonido original de Goldfrapp. Si no hubiéramos hecho Seventh Tree como salió, habríamos terminado haciendo un disco como éste, aunque también creo que Head First tiene todos los elementos de Supernature, pero con un toque más caluroso y más suave; creo eso los heredamos del Seventh Tree.
Este disco suena muy retro, muy de finales de los setenta y principios de los ochenta, ¿por qué tomaron esa dirección?
Siempre hemos amado las baterías de las pistas de baile y también de la música disco de finales de los setenta: te dan la facilidad de tener esos acordes dulces, tranquilos, pero intensos. Mucha gente relacionada con esta música hacía cosas grandiosas, intensas; no propiamente música dance: creaban canciones con un formato tradicional, sin caer en el cliché dance o disco de aquella época. Nos gustó la combinación de las canciones tradicionales con esa actitud hacia arriba, dance. Creo que por eso podría parecer retro: porque intentamos hacer canciones con una estructura básica y directa, sin beats o sonidos escondidos, pero con grandes melodías y acordes.
Destacado 30 /
This Is Happening
Y es que, desde ‘Rocket’, el primer sencillo promocional de Head First, se escuchan esas influencias de sonidos que fueron creados en teclados sencillos y básicos, que por momentos recuerdan la música incidental de películas como The Warriors. Ese revival hace que el nuevo disco de Goldfrapp sea una suerte de regreso a las bases pero, curiosamente, muestra la madurez que los años le han dado a Will y Alison, cada quien en su aportación a la banda…
bajar en música clásica, en la escena avantgarde; al mismo tiempo, me movía en el terreno pop y tocaba con bandas. A veces hago cosas fuera de Goldfrapp; música para series de televisión y esas cosas; trabajo con orquestas y, de hecho, Alison y yo trabajamos en el score de la película Nowhere Boy, que trata de la vida de John Lennon; espero que salga en México pronto. También tengo experiencia haciendo soundtracks; los amo. Con todo, creo que Alison y yo seguiremos haciendo este trabajo juntos.
Están celebrando 10 años de la formación de Goldfrapp, ¿cómo se sienten al respecto?
¿En el futuro les gustaría integrar a un tercer elemento creativo en Goldfrapp?
nos colocó en un buen lugar y tal vez es el mejor para nosotros. Así podremos sobrevivir tanto como debamos.
La dupla Gregory-Goldfrapp ha resultado muy efectiva desde el inicio de su carrera, siendo especialmente difícil el trabajo con más gente. Y tal vez eso es lo que le da la validez necesaria a estos ingleses que, hoy por hoy, son de los proyectos más aclamados en la escena electrónica. No por nada, cada disco se escucha mejor que el anterior y la muestra más reciente se llama Head First.
Es posible, pero parece difícil. Tuvimos un productor en Seventh Tree: Flood (Mark Ellis); él mantuvo un perfil bajo, se involucró sólo lo necesario porque así nos gusta trabajar; así que parece muy difícil. No digo que sea imposible, pero cuando Alison y yo trabajamos, somos como una tienda cerrada. En este último disco tratamos de colaborar con un par de personas; obviamente les decíamos qué hacer, como añadir programaciones; también tuvimos músicos fantásticos que vinieron a tocar cuando grabábamos, pero entre eso y hablar de algo creativo, creo que hay un muro [risas].
¿Te gustaría trabajar en un proyecto solista y hacer algo diferente a Goldfrapp?
Alison y yo ya éramos músicos antes de trabajar juntos. Yo toco el saxofón y estuve con colegas acostumbrados a tra-
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Lo sé, es mucho tiempo en el negocio de la música [risas]. Nos sentimos muy afortunados de sobrevivir. Para nosotros no ha habido muchos cambios y nos sentimos muy afortunados de seguir haciendo música. Hay bandas que, en algún momento de su carrera, tienen éxito masivo y les es difícil manejarlo, especialmente si es tu primer disco y eres muy joven. Lidiar con todo eso te alejará de tu música y te acercará a todas esas cuestiones de las celebridades. Nosotros tuvimos ese tipo de éxito con Supernature, pero de algún modo tampoco fue tan grande; manejamos los problemas del éxito siendo “no muy exitosos” [risas]. Eso
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Empire of the Sun We Are the People Diovanny Garfias
Cortesía EMI Music
Es difícil distinguir en qué momento la música electrónica dejó de ser un complemento para las bandas convencionales y se convirtió en un género que, curiosamente, ahora se nutre y fusiona, en su estructura, al rock, al folk y al jazz, por mencionar sólo algunos. De cualquier modo, hemos sido testigos de la manera en que los músicos llevan al límite esta unión, experimentando y generando nuevos sonidos en múltiples perspectivas. Uno de los proyectos que recorren esos terrenos y que han llamado más la atención en los últimos años, es Empire Of The Sun.
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This Is Happening
“Los elementos visuales son tan importantes como la música, así que esto es un viaje que abarca todo”. -Nick Littlemore
HARD DATA FROM THE SUN Luke Steele proviene de la
la dirección creativa y sonora por más de diez años. Nick Littlemore es conocido en el mundo de la producción, trabajando con Lost Valentinos, Mercy Arms y Groove Armada. Además, forma parte de los proyectos musicales Pnau y Teenager. Contrario a lo que se cree, el nombre de este dúo no proviene de la novela de J. G. Ballard o de la cinta de Spielberg; nació inspirado en la idea de recorrer el mundo, visitando lugares donde las civilizaciones hayan tomado al sol como motivo de culto. La primera colaboración entre Steele y Littlemore quedó registrada en el álbum Pnau, de la banda australiana Pnau, en los tracks ‘Freedom’ y ‘With You Forever’. El video de su sencillo ‘We Are The People’ fue filmado en México, específicamente en Xilitla —destino conocido por el jardín y el castillo surrealista de Edward James— y en el desierto de Icamole, en Nuevo León.
Esta dupla australiana, integrada por Luke Steele y Nick Littlemore, apoyados en Walking On A Dream, su debut de 2008, nos ha entregado una propuesta sónica que juega con elementos propios de la música disco, las bondades de la electrónica de finales de los noventa y algo de guitarra rocker. Otra de las razones que los han convertido en un sonido a seguir, para completar la fórmula, es esa idea visual oriental, precolombina e intergaláctica, que ha sido una constante, implícita en su imagen, en el escenario y en sus videos. Con motivo de su sorpresiva aparición en el cartel del festival Vive Latino, WARP MAGAZINE platicó con Luke acerca diferentes aspectos de la banda:
¿Cómo se sienten tocando por primera vez en un festival tan importante como el Vive Latino? Estamos muy emocionados. Sabemos que es un evento muy importante, que el público es el mejor y que causa mucha expectación en los medios; también estamos
contentos respecto a las bandas con las que alternaremos y a la música que se presentará.
¿Cómo describirías el sonido de Walking On A Dream?
No lo sé, yo diría que es algo entre rock y pop, combinado con música electrónica y mucho ritmo. Así de simple.
¿Cuál es la mecánica de EOTS a la hora de componer?
Es extraño. Nos gusta mezclar música dance y melodías salvajes. Simplemente nos divertimos y el resultado es nuestra música.
Ustedes son una banda nueva que se ha ubicado rápidamente en el mainstream, ayudados por su música. ¿Cuál es su perspectiva sobre herramientas virtuales como Twitter y Facebook?
No estoy seguro. Eso es lo que se usa hoy en día, pero a nosotros no nos importa tanto. Si a los demás les funciona, está bien, pero para nosotros lo más importante es la música.
¿Qué nos puedes decir de la escena musical alternativa en la Australia de hoy? Creo que hay mucha música con influencia del rock ochentero y ese tipo de sonido está tomando todo el continente.
¿Y a nivel mundial?
Bueno, la tendencia ya es muy grande y va a seguir creciendo gracias a la tecnología; ya sabes: gracias a programas como Pro Tools, producir se vuelve cada vez más sencillo y vemos nacer muchas bandas. El problema que yo veo es que todas suenan igual; es algo similar a lo que pasó con la música en los cincuenta y sesenta.
La promoción de Walking On A Dream ha sido muy larga. ¿Qué planean hacer cuando terminen el tour? ¿Están trabajando ya en un nuevo material?
Queremos regresar a Australia y descansar. En lo personal, quiero trabajar en algunas canciones que tengo por allí; eso sería genial. También estoy trabajando en el nuevo disco de The Sleepy Jackson: viene música muy cool.
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donde se ha encargado de
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banda The Sleepy Jackson,
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“El rock es la guía y todo lo demás, como los sonidos electrónicos, son sólo arreglos que se incorporan a ese camino” -Diego Solórzano
Rey Pila
The Way You Do The Things You Do Sandra Valerio
Cortesía Seitrack
Los Dynamite fueron, sin duda, una banda que logró darle cierto respiro a la escena musical en México y, pese al infortunio de verlos desaparecer tras haber lanzado un solo álbum, muchos estarán complacidos con la decisión de Diego Solórzano, ex vocalista y líder, quien continúa experimentando. Es así que, en 2009, surge Rey Pila, proyecto lleno de vibras vintage, electrónicas y rockeras, que se conjugan a la perfección para lograr un sello propio. Acerca de esta fiesta de sonidos es esta plática con Diego… ¿Cuál fue tu punto de partida para crear este proyecto?
Este disco tuvo, desde sus inicios, una tendencia un tanto psicodélica. Yo tenía en mente lograr un sonido “viejo”, por así decirlo; y procuré plasmar eso en la composición de las letras, mientras que en la música retomé influencias de motown: The Tempations, Marvin Gaye, etc. Podríamos decir que tratamos de incorporar las limitaciones y la genialidad de los productores de los cincuenta y sesenta, con las cajas de ritmo de 2009, logrando así un sonido nuevo. En su búsqueda por un segundo comienzo, Diego tuvo la oportunidad de conocer a Oliver Ackermann (A Place To Bury Strangers), dueño de una fábrica de pedales para guitarra; fue así que se escribió una anécdota más en la corta historia de Rey Pila. Con el acercamiento a esta fábrica, Diego no perdió oportunidad de integrar diversas capas de sonido en las guitarras que combinaron naturalmente con los sintetizadores: “No fue nada pensado; la música siempre es más intuitiva: no tiene un carácter premeditado. Ya lo dijo Franz Bacon antes de morir: ‘cuando quieres crear algo, jamás termina como lo
imaginaste’. En mi caso particular, creo que se aprovecharon muy bien los errores y dieron pauta a otras cosas; eso llevó la grabación por un rumbo muy divertido”, comenta Diego, acerca de cómo la experimentación y los sucesos inesperados, a veces son para bien, sin embargo…
Con la experimentación como constante, ¿podemos hablar de un sonido definido de Rey Pila? ¿Algo que en verdad te represente?
Creo que un músico jamás termina de encontrar su sonido. Vivimos en una búsqueda eterna, estamos en permanente mutación incluso cuando encontramos “el” sonido, a veces lo pasamos por alto y seguimos buscando. Con Rey Pila no me parece haber encontrado mi sonido; si eso ya hubiera ocurrido, estaría muy aburrido. Ante esto, no queda más que esperar el debut de Rey Pila, un proyecto que seguramente nos sorprenderá, sin dejar de lado las raíces rock de Diego, como él mismo lo afirma: “El rock es la guía y todo lo demás, como los sonidos electrónicos, son sólo arreglos que se incorporan a ese camino”.
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Dan Black Everybody’s Friend Sandra Valerio
Cortesía The Hours Records
Poner una etiqueta a cierto género, por lo regular resulta bastante fácil; pero muchas veces no basta con escuchar música para hablar de ella desde diferentes perspectivas. Para explorar y experimentar sin miedo hay que adentrarse a cada sonido con entera disposición: tal es el caso de Dan Black, compositor inglés, quien después de haber estado en diversas agrupaciones de rock como The Servant o Planet Funk, encontró una nueva forma de expresión en los llamados “mash ups”… “Hace aproximadamente año y medio comencé a pensar en crear mi propio álbum. Estaba de gira con una banda, pero eso ya no era lo que quería hacer. Al término del tour llegué a mi casa, en París, y comencé a escribir nuevas canciones”, nos platica Dan, mientras conduce en su camioneta y menciona un punto clave…
¿Fue entonces cuando tomaste la decisión de volverte solista?
Podríamos decir que sí. He estado en varias bandas y ya era tiempo de tomar otro rumbo, sin comprometerme con alguien más; quería involucrarme en todo el proceso: composición, grabación y producción. Fue un trabajo muy cansado, pero satisfactorio.
Con tus proyectos anteriores estabas más enfocado al rock alternativo; ahora nos presentas un lado más electrónico. ¿Cómo se da esta metamorfosis?
Jane’s Addiction es sin duda de mis bandas favoritas; lo primero que me capturó de ellos fueron sus letras: eran una forma de escape, no las típicas letras de cualquier tema; aún ahora los escucho bastante. Por otra parte, siempre me ha resultado interesante la música de Björk; me parece que es capaz de llevar los sonidos a otro nivel y brindarle a cada elemento diversas emociones. Mientras continúa su camino en camioneta y avanza con rumbo al cuarto de ensayo con su banda, Dan concluye que, incluso él, es tan complicado como la diversidad de géneros musicales: “Mi sonido no se identifica más con el rock o con lo electrónico; más bien es una mezcla de todo. Si tuviera que ponerme una etiqueta, sería complicado definirla. Aunque suene a cliché, es mejor dejar que la música hable por sí sola”.
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¿Qué bandas consideras que logran esa mezcla natural de estilos?
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Tanto el término “rock” como el término “electrónico”, para mí, son como un enorme árbol de infinitas ramificaciones: mientras más tratamos de definirlos, más complicados se vuelven. Creo que lo único certero es que la música resulta mejor si no le ponemos una etiqueta. Los términos son algo ilusorios; como seres humanos tendemos a catalogarlo todo: es nuestra naturaleza; pero siendo realistas, vivimos en un desorden total. No diría que tuve una metamorfosis; simplemente me gusta disfrutar de todo y mezclarlo en formas que me resultan interesantes.
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“En Entertainment tenemos canciones poco usuales; en Odyssey todas duran unos tres minutos porque estábamos tratando de escribir un single”.
- Casey Spooner
Fischerspooner We Are Electric Diovanny Garfias
Cortesía Fs Studios
En un principio el rock incorporó de forma novedosa la teatralidad escénica como un complemento. Con el tiempo, esa tendencia se expandió hasta alcanzar otros géneros y la música electrónica es uno de ellos. Aun cuando la escena musical global está plagada de propuestas artísticas, donde la música y la teatralidad funcionan juntos, hay algunas que destacan sobremanera por la forma tan meticulosa en la que las integran. Una de ellas es la que Warren Fischer y Casey Spooner nos presentan, vía Fischerspooner: una mezcla rica en tendencias visuales, sonoras y creativas. La dupla sigue promocionando su más reciente álbum, Entertainment, que marca el regreso a sus raíces electro, tras un breve romance con el rock. En exclusiva para WARP MAGAZINE, Casey nos cuenta los detalles que determinaron tal decisión.
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Su música es muy versátil, ¿cómo surgen las ideas entre Warren y tú?
Empieza de diversas formas. Por ejemplo, en este caso, yo me fui unos diez días con nuestro actual baterista y con la banda que nos acompañó en la gira de promoción de nuestro segundo álbum, y escribimos un montón de cosas; le dimos ese material a Warren, él lo estudió y escogió las partes que más le gustaron, y a partir de eso reprogramó, reorganizó y me regresó el material. Con esa base reescribí otras cosas, y te puedo decir que nunca es rápido. Aunque yo no me tarde tanto en hacer mis partes, Warren siempre analiza todo de forma muy meticulosa y a veces reescribe todo, aunque el resultado es siempre genial.
Desde tu perspectiva, ¿cuál crees que es la mayor diferencia a nivel sonoro entre los álbumes Odyssey (2005) y Entertainment (2009)?
Creo que hay más material electrónico en Entertainment y regresamos a sonidos en los que habíamos trabajado antes de Odyssey; tomamos los mejores aspectos de nuestro primer álbum y los mejores del segundo, y al final combinamos todo. También puedo decir que, para Odyssey, trabajamos presionados en hacer canciones que pudieran sonar en la radio; por ello, en algún momento, componer se volvió incómodo, así que hacer este disco fue divertido: no hubo ninguna disquera preguntándonos “¿dónde está ese ‘radio hit’?” y pudimos hacer lo que quisimos, tan largo como lo quisimos, sin preocuparnos por la radio.
Entertainment está producido por Jeff Saltzman (The Killers, The Sounds), cuéntanos, ¿cómo es trabajar con Jeff en el estudio?
Fue genial: una de las mejores experiencias que hemos tenido. En el pasado no habíamos trabajado con un sólo productor de principio a fin; esta es la primera vez y fue grandioso. Él sabía de lo que éramos capaces y nos empujó a lograrlo. Jeff fue más “mi productor personal”; él respeta realmente al artista, con su interpretación vocal, su energía y su expresión, y jamás trató de crear algo sintético de tan “perfecto”.
Para Fischerspooner la música va de la mano con la imagen, ¿cómo logran trasladar estos conceptos visuales al terreno musical?
¡No lo sé! Para mí, la meta es crear ese espacio donde la imagen, la música, la actuación, todo, pueda estar junto; no es como decir: “está bien, lancemos otro disco y hagamos algo que lo acompañe”, sino que todo está interconectado para reforzar la idea principal, cualquiera que esta sea. Lo más difícil para nosotros es descubrir cuál va a ser la idea central y cómo va a afectar cada componente de nuestro trabajo.
Ya han estado en México, ¿qué piensan de nuestro público?
Estoy muy sorprendido. Nos presentamos en ese gran festival de diciembre que estuvo increíblemente mal organizado; estábamos frustrados y exhaustos de esperar nueve horas para salir al escenario; fue una experiencia nada placentera y estábamos muy enojados. Aún así, el público estaba esperándonos; estaba helando y cuando al fin salimos al escenario, aunque no había tanta gente como se suponía que debía haber, cada una de las personas que estaba allí fue muy entusiasta y comprometida. Ahora en el último concierto en el José Cuervo, fue increíble actuar también para una audiencia tan dedicada, a la que le agradecemos su paciencia, han sido grandes leccionesn de humildad para nosotros.
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Es difícil decirlo; amo la energía de los festivales y de los lugares planeados para conciertos; la gente está lista para responder. Cuando se realiza en lugares como museos, es inusual para el público y no se sienten con permiso para reaccionar como se debe; para nosotros, sin embargo, tocar en un museo representa la oportunidad de crear un show diferente y trabajar de una forma más escultural.
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Ustedes suelen tocar en grandes festivales, pero también en museos y otros lugares relativamente más pequeños, ¿en dónde se sienten más cómodos?
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There’s No Other Way Long Distance Operator Paul Stokes, NME News Editor
El prefijo “electro” tiene algo, al igual que la palabra música; algo que nos lleva a un camino interminable, y eso últimamente es algo bueno. Tal vez sea porque gran parte de la existencia musical no ha tenido nada que ver con algo eléctrico o electro, pero la primera vez que algo así se escuchó, hubo una revolución. Bob Dylan simplemente ofrecía conciertos que, como artista, le parecían bien; sin embargo, se involucró en lo “electro” primero en el Newport Folk Festival, y más tarde en su 1966 British Tour; incluso, por ello, se le llegó a llamar “Judas”: los tradicionalistas del folk lo abucheaban, fanáticos apasionados se salían de sus conciertos, pero aquellos que en realidad escucharon se dieron cuenta de que su música mejoró; y no sólo la música de Dylan, sino también la de la oleada de artistas a quienes inspiró para seguir el caudal que había creado. Vayan a un concierto de Dylan ahora y ni siquiera cuenta con una guitarra acústica. Como consecuencia, la reacción ante el electro, al menos en Reino Unido, fue la misma: ultraje innecesario, seguido de vastos horizontes musicales que se expandieron. Al retomar el techno de Detroit y el house europeo, el Reino Unido terminó por gestar el acid house, en 1980. Éste fusionó culturas de diversas formas, como una innovación musical y otra forma de expresión en
los clubes. En esta ocasión la música no sólo ofendió a los tradicionalistas, sino que —con la Corte de Justicia de mediados de los años noventa— fue vista por el gobierno como la causa de todo malestar social, permitiendo a los policías cancelar los raves y cualquier otra congregación que contara con “música de beats repetitivos”. Tan sólo unos años después los clubes se convierten en una industria que paga impuestos: el verano se identifica por grandes eventos al aire libre (permitidos por el Consejo local a cambio de un fuerte honorario) y la música se ve influenciada por todo tipo de experimentos, desde Malcolm McLaren hasta artistas folk con beats y géneros raros, sin miedo a ofender la moral. Así que la próxima vez que un prefijo nos indique algo nuevo, ¿debemos poner de lado el pánico y darle la bienvenida a la revolución musical, o no? Como siempre he dicho: es hora de aprender a despreocuparnos y amar lo electro…
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Dapuntobeat DOS PUNTO CERO Francisco Camino
Julio Muñoz
Dapuntobeat es un proyecto mexicano que nació en 1998 y, desde entonces, es uno de los referentes nacionales en la música electrónica. Sus producciones los han llevado a multiples festivales internacionales en varias partes del mundo, compartiendo escenario con personalidades como Stereo MCs, The Freestylers, Bentley Rythym Ace, The Avalanches, Orbital, The Juan Maclean, Fat Boy Slim, Liza Minelli, Los Amigos Invisibles, Calvin Harris, Leonard Cohen, Gnarls Barkley y The Delays, entre otros.
-Will Gregory
Jimmy Hendrix y hasta Primus, pero al pisar suelo europeo, nos comenta JM Salinas, “quedé impactado con la música de Daft Punk y Portishead, pues la onda techno y house estaba con todo en aquel entonces: esas bandas ya no eran meramente electro, sino que encontraban elementos fusionados entre el rock y la electrónica. Hoy, a final de cuentas, ya es más común encontrar grupos que integran los elementos técnicos y orgánicos, mezclándolos de manera distinta para dar el sello personal y característico de cada banda”. Dapuntobeat ha regresado tras algunos años de no presentar disco y el sello de la casa se mantiene con esa tendencia bailable de la electrónica, sin descuidar las guitarras, batería y todo lo que es básico en el rock.
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“Empezamos a experimentar con algunas guitarras tranquilas, algunas voces; y nos dimos cuenta de que podría ser enorme su poder expresivo, sin tener cientos de sintetizadores”.
bido traducir muy bien al sonido de Daputobeat, pues conjugamos los elementos orgánicos de una banda de rock, con el sonido de sintetizadores, secuencias, scratch e incluso de las percuciones que nos hacen marcar más el ritmo y cadencia que el rock e incluso que la música electrónica, logrando un sonido carácterístico. Sabemos traducirlo, pero no tenemos una fórmula determinada para hacerlo, pues no calculamos qué dosis va a ir de electrónica, rock u otros ritmos; simplemente, solito se va dando,” Uno de los primeros contactos de Dapuntobeat con la música electrónica fue a raíz de un viaje de uno de sus integrantes a Bélgica; en su mente y pasión musical se encontraban la vieja escuela del rock de Led Zeppelin,
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A pesar de que la tecnología para la realización de la música electrónica avanza día con día, provocando que los miembros de Dapuntobeat se mantengan vigentes en el desarrollo de nuevas plataformas, el rock sigue siendo la base para la creación de sus temas. “El rock es la influencia más fuerte entre los integrantes del grupo —nos platica Ian—, partiendo de que la mayoría de nosotros nos conocimnos en la prepa. Cuatro de nosostros éramos fans de las bandas rockeras de los noventa y los dos restantes, más metaleros, escuchábamos desde Nirvana y Pearl Jam, hasta el hard de Guns N’ Roses, Metallica y el punk de The Misfits”. En el mismo sentido, JM Salinas afirma: “Esta influencia la hemos sa-
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Matías Aguayo Street Sound Karina Luvián
Cortesía Cómeme
Indefinido en cuanto a géneros musicales se refiere, este músico chileno toma por asalto el dancefloor en diferentes partes del mundo y presenta un cúmulo de combinaciones sonoras surgidas de su ingenio, cuya única finalidad, más allá de ser un exponente importante del house o techno, es hacer bailar a la gente, despertar las ganas de sacudir el cuerpo desde la primera nota y divertirse en un conglomerado que tan sólo propone pasarla bien. Olvidando aquella terminología que cataloga y delimita la música en géneros específicos, Matías Aguayo platica, en entrevista con WARP MAGAZINE, que la intención de lo que hace, del ritmo que presenta, “si bien tiene sus raíces en el house o la música disco, lo que busca es compartir un sentimiento: las ganas de bailar y hacer bailar a la gente”, pues no quiere fomentar los términos concretos. Y es en este punto, al hablar sobre el receptor final, que el músico enfatiza, desde su particular punto de vista, que en la actualidad “el público ya está más abierto en cuanto a las mezclas musicales… o quizá no sabe lo que quiere escuchar”. Antes existían sectores que seguían sólo cierta tendencia, ciertos ritmos, pero hoy tenemos “un montón de posibilidades, pues la gente busca ser sorprendida”. Al final remata: “Es algo para lo cual creo tener la receta”. Quizá no está tan equivocado al respecto, pues con el paso de los años y el trabajo realizado en ese tiempo, Aguayo se ha convertido en un músico prometedor en el sentido de no limitarse y siempre buscar elementos
que enriquezcan su quehacer, por lo que sus discos Are You Really Lost y Ay Ay Ay han encontrado buena respuesta en ciudades de América y Europa. Considerando la esencia de sus creaciones, el cofundador y director de Cómeme, sello disquero encargado de promover tanto el trabajo propio, como el de un conjunto de amigos provenientes de diferentes latitudes, se observa lejano del rock y sus mezclas; no obstante, considera “obvio que después de tanto tiempo de repetir las mismas fórmulas, el salir de dicho estancamiento viene a darse de manera natural. Este es un periodo de redefinición y la abolición de los términos es algo que me gusta mucho”, subraya. Sin duda, internet ha sido crucial en cuanto a la difusión de sonidos nuevos y Matías Aguayo lo sabe, por lo que no duda en señalar que hoy por hoy ese es “el medio idóneo para acercarse a una riqueza rítmica muy fuerte que inspira a seguir creando música que, en caso de querer ser definida, pueda considerarse house… pero un house del 2010”.
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Crystal Castles
Nick Cave
y Matthew Herbert son algunos de los artistas en su catálogo.
Diovanny Garfias
La música electrónica ha crecido de manera increíble en la última década, mostrándonos la diversidad que puede existir entre beats, programaciones y tornamesas. Por suerte, algunos visionarios se han preocupado por compartirla y darle apoyo. Estas son algunas de las disqueras electrónicas más importantes en el mundo actualmente.
Einstürzende Neubauten
ambient y house, principalmente. Fue fundada por los músicos Wolfgang Voigt, Michael Mayer y Jürgen Paape. En su catálogo de decenas de bandas, cuenta con The Orb y Matías Aguayo.
Mute
Daniel Millar hizo popular la música electrónica fundando Mute Records, en 1978. Dedicado en un principio al post punk e industrial (Fad Gadget, Einstürzende Neubauten, Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire), dio un giro mainstream al incluir en los ochenta a bandas synth como Depeche Mode o Erasure. Con el tiempo, el sello ha firmado a artistas como Goldfrapp, Barry Adamson, Moby, Nick Cave e incluso a Sonic Youth.
Kompakt
Con base en Cologne, Alemania, esta disquera lleva más de diez años produciendo y distribuyendo música electrónica,
BUGGED Out!
Aunque no se trate propiamente de un sello, BUGGED Out! goza de reconocimiento global por organizar algunos de los raves más grandes, en los clubes más prestigiados de Londres, y también por sus compilados, que dan voz a lo mejor de la escena electrónica.
Michael Mayer
Kitsuné
Desde 2002, Francia es la sede de este sello con popularidad mundial, gracias a la versatilidad de sus estilos: dance-punk, new rave, grindie, etc. En sus filas cuenta con Hot Chip, Klaxons, AutoKratz, Crystal Castles y Fischerspooner, entre otros, además de apostar por otros géneros, pues también lanzó a Two Door Cinema Club, por ejemplo.
Matthew Herbert
!K7
Desde 1996, !K7 se encarga de producir y distribuir música electrónica independiente, incluyendo downtempo, drum n’ bass, trip hop y otros géneros, además de contar con algunos de los mejores DJ sets en sus compilados. Kruder & Dorfmeister
EBM, electro industrial, synth y más
La música electrónica se volvió violenta y después llegó a la pista de baile. La música electro (EBM, synthpop, aggrotech, dark elektro, future pop, etc.) es manejada, principalmente, por los sellos Metropolis Records (Estados Unidos), Alfa Matrix (Bélgica) y Out Of Line (Alemania).
De Latinoamérica con amor
Los latinos no sólo consumimos música electrónica; también la producimos y distribuimos al resto del mundo. Mil Records (fundada por Pepe Mogt, de Nortec Collective) y Cómeme (de Matías Aguayo y Gary Pimiento) son dignos representantes del crecimiento del género de este lado del mundo. Actualmente, Love/Recs sale a la luz con Nortec Panóptica Orchestra como su artista principal y tienen la particularidad de que están reviviendo la producción y distribución de viniles.
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Las disqueras más importantes de la electrónica
La distribuidora de música electrónica más grande a nivel mundial pertenece a Vrgin/EMI Records y maneja a bandas de la talla de Air, Primal Scream, Phoenix, Basement Jaxx, Hot Chip y Röyksopp, por mencionar sólo algunos.
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Houses of The Holy
Astralwerks
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LCD Soundsystem Someone Great Milton Barboza
Cortesía EMI Music / Ruvan Wijesooriya
“New York I Love You But You’re Bringing Me Down”… - LCD Soundsystem
Si alguien entiende perfectamente cómo debe sonar la música de hoy, esa es la gente que vive en Nueva York. La Gran Manzana es como la punta del iceberg musical en el continente americano, así como Londres lo es para Europa. Lo hemos platicado en repetidas ocasiones: este lugar tiene algo muy parecido a la magia, que pasa de generación en generación a los músicos de allí que van despuntando. The Ramones, The Strokes, Moby y, en fin, hemos visto a muchos más desfilar por la pasarela neoyorquina que hoy en día sigue siendo de las más aclamadas en la historia de la música. Y con la inercia propia de la evolución de sonidos del nuevo milenio, tuvimos la oportunidad de presenciar cómo esa mezcla de diferentes géneros, poco a poco, fue amalgamándose de tal forma, hasta llegar a escuchar maravillas propias de nuestro tiempo. Dentro de ese eclecticismo que hoy deglutimos con los oídos, nos hemos encontrado con altísimas propuestas que nos hacen ver que el camino que la música nos ofrece aún es largo. Así lo pudimos confirmar en la más reciente edición de Coachella, donde proyectos que antes eran pequeños en cuanto a convocatoria de gente, cada vez van ganando más terreno en los escenarios importantes. El caso de LCD Soundsystem es uno de ellos, pues luego de haberse presentado en escenarios más pequeños durante años, este 2010 tuvieron la oportunidad de pisar el escenario principal del festival de Indio, California, y dar una de las mejores presentaciones que se hayan vivido allí. Un grupo de seis músicos comandados por James Murphy, hombre tímido que hablaba desde un micrófono antiguo, invadió Coachella con una bola disco que era testigo de un sonido que poco a poco iba enardeciendo a los miles de asistentes: LCD Soundsystem tenía en sus manos la posibilidad de volverse una banda importante; y terminó por lograrlo en su primer concierto en forma, tras algunos años de receso. “Sí, estábamos un poco asustados; era un gran escenario. No fue divertido, pero creo que hicimos un buen trabajo; y para nosotros, hacer un buen trabajo, es algo muy serio. Creo que en unas semanas nos sentiremos más cómodos y seguros. Ensayamos mucho tiempo y nos sentimos bien, pero hay cierta unión que sólo se consigue estando de gira por un rato y nosotros vamos a estar de gira por un largo tiempo”, asegura Pat Mahoney, en Exclusiva para WARP MAGAZINE, una semana después de su presentación en Coachella: él es el hombre que, además de ser el baterista de LCD Soundsystem, forma un proyecto junto con James Murphy, de DJ Set, con el que incluso ya grabó un disco para la importante serie Fabriclive. Mahoney toma la llamada tras varios días de búsqueda de algún miembro de la banda, ya que el inicio de la gira de los neoyorquinos se ha tornado ya complicada por cuestión de fechas. Pat se encontraba en el soundcheck de una de las dos presentaciones que tendrían en la Brixton Academy, en Londres.
This Is Happening
DFA Records
The Juan Maclean, Zero Zero, Radio 4, Prinzhorn Dance School y The Rapture, son s贸lo algunos de los grupos que han desfilado por la DFA Records, disquera creada por James Murphy y Tim Goldsworthy, con residencia en la ciudad de Nueva York. Actualmente es una de las discogr谩ficas del movimiento electr贸nico m谩s importante del mundo.
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“Creo que este disco, de algún modo, es más coherente. Tiene su lado soleado y su lado frío, lo que los otros álbumes no logran del todo”. -Pat Mahoney
This Is Happening
Para el 17 de mayo se dará a conocer a nivel mundial el tercer disco de LCD Soundsystem que, para ser sinceros, será un nuevo hit para la banda: con tan sólo nueve canciones estos músicos demuestran, una vez más, la gran habilidad que han desarrollado para mezclar a la perfección cada uno de los géneros que desarrollan. Algunos dicen que es disco-punk, otros aseguran que es dance, pero Pat simplemente lo considera “pop”, una definición que posiblemente muchos vean como ilógica para un álbum de tal naturaleza, pues logra interferir los sentidos con infinidad de ruidos ácidos, bailables y, por momentos, hasta densos. Todo eso es LCD Soundsystem, desde que se dio a conocer con ‘Losing My Edge’, allá por 2002. This Is Happening ha resultado todo un suceso de expectación para los medios especializados, que ya comienzan a especular sobre cómo suena el disco; y es que ‘Drunk Girls’, canción que fue subida a la red por error y a la larga considerada el “primer sencillo”, es una muy pequeña muestra de lo que es en realidad el material entero: “Creo que es parte de esa línea de canciones en el rock
n’ roll que toma toda la gama y juega con eso. Pudo ser ‘consigue un trabajo’ o cualquier otra canción cliché del rock, pero sólo es nuestra interpretación”; afirma Mahoney sobre esta canción, lo que nos hace vislumbrar apenas una esquina interesante de lo que debe ser el proceso creativo de LCD Soundsystem.
¿Cuáles crees que sean las diferencias entre This Is Happening y los discos anteriores?
Creo que este disco, de algún modo, es más coherente. Tiene su lado soleado y su lado frío, lo que los otros álbumes no logran del todo. Y no sé, este suena más concentrado para mí; a veces es un poco más rock; otras, un poco más electrónico; esto lo vuelve más LCD de lo que los otros lo han sido. Me gusta el álbum y esperamos que a la gente también.
¿Cuánto tiempo les tomó completar el álbum? ¿Lo armaron en un proceso definido o ya tenían algunos demos previos al material?
James (Murphy) entró al estudio y tenía muchas cosas en su cabeza; y estuvo garabateando mucho, alrededor de un año. El disco surgió básicamente mientras él estaba en el estudio.
¿Podrías contarnos alguna historia que consideres interesante, ocurrida mientras grababan este álbum?
Bueno, te puedo decir que, aunque lo hicimos en Los Angeles, This Is Happening suena como si lo hubiéramos hecho en otro planeta: no tuvimos mucha interacción con la ciudad. Y más allá de ir a otra ciudad para grabar este nuevo álbum, LCD Soundsystem cambió su forma de ver la música, pues le imprimió algunos cambios de velocidad a las canciones, donde los beats permanecen, aunque en algunas canciones decidieron aminorar el ritmo, teniendo resultados únicos e irrepetibles en nueve canciones que, ante la calidad que ofrece su sonido, parecen pocas, pero que para Mahoney simplemente tuvo este resultado por algo muy sencillo: “Como duran tanto las canciones, no pudimos hacer que cupieran más [risas]. Sólo hay una canción corta. Nos sobraron algunas canciones, pero ésas son las que se quedaron afuera; quiero decir: cada una dura como seis minutos y no queríamos presionar a nuestro público.”
Beat Connection
Ya lo dice Pat Mahoney en el Editorial de WARP MAGAZINE: “Todos en la
-Pat Mahoney
banda aman la música de manera genuina y son curiosos con cualquier tipo de género que escuchen; para mí, esto significa que siempre tendremos una diversidad reflejada en nuestra música”. Esta forma de dilucidar y observar el trabajo que realizan, se ha logrado con el paso del tiempo, desde los días en que James Murphy decidió poner su propio estudio y grabó por primera vez ‘House Of Jealous Lovers’, de The Rapture, lo que luego lo llevaría a crear DFA Records junto a Tim Goldsworthy, para armar, de manera natural, su propio proyecto musical que se convirtió en LCD Soundsystem. “Soy su socio como DJ, pero no en la disquera. He andado con él por allí por mucho tiempo, pero nada más somos amigos, que es la razón principal por la que hacemos música juntos”, aclara Mahoney, al hablar sobre la DFA, que considera un estandarte actual de la música electrónica y de la que han salido grandes representantes. Una pregunta lleva a la otra y no podíamos dejar de saber cuál es la banda favorita de Pat, quien apenas piensa un poco la respuesta: “Esa es una pregunta difícil; pero probablemente sea Roxy Music”, la excepcional banda de Bryan Ferry que a mediados de los setenta despuntaran desde Reino Unido con creaciones únicas. Y pareciera que esto no va muy de la mano con el sonido de LCD Soundsystem, pero el cúmulo de influencias siempre son absorbidas por un todo que termina por agradar a los que la recibimos.
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“Hay cierta unión que sólo se consigue estando de gira por un rato y nosotros vamos a estar de gira por un largo tiempo”.
This Is Happening
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This Is Happening / Destacado 30
AWARDS
Grammys 2006 Mejor Disco Electrónico/Dance: LCD Soundsystem Mejor Grabación Dance: ‘Daft Punk Is Playing At My House’ Grammys 2008 Mejor Disco Electrónico/Dance: Sound Of Silver
“This Is Happening suena como si lo hubiéramos hecho en otro planeta, porque nunca tuvimos mucha interacción con la ciudad”. -Pat Mahoney
Un estilo propio, canciones únicas, presentaciones memorables: LCD Soundsystem es una de esas bandas que, de principio a fin de cada canción, llevan a experimentar atmósferas y sensaciones propias de una fiesta que terminará hasta muy entrada la madrugada; o hasta la mañana siguiente, en el mejor de los casos. LCD Soundsystem, su disco debut, fue un golpe directo a las minorías que estábamos buscando escuchar cosas diferentes, que calaran la oreja. Con Sound Of Silver acabamos por alabar a una agrupación que, más que encausar al escucha, intenta pervertir sentidos y pensamientos. 45:33, disco de mezcla realizado para la marca deportiva Nike, fue un trabajo de inspiración para salir a hacer ejercicio, pero también para pasarla bien. Con This Is Happening, sin embargo, terminamos por aplaudir la existencia
del grupo de James Murphy y sus secuaces: Pat Mahoney, Nancy Whang, Tyler Pope, J.D. Mark, Matt Thornley, Gavin Russom, además de Phil Skarich, Al Doyle y Phil Mossman. Su gira, hasta el momento con más de 40 fechas confirmadas, demuestra el gran trabajo que significa el más reciente material de LCD Soundsystem, que en palabras de Pat Mahoney puede definirse tan sólo en dos palabras: “maestros substitutos”, expresión que tal vez refiera lo que son y lo que logran hacer en la escena actual de la música: un compendio de grandes canciones realizadas bajo el régimen del trabajo duro para hacer trascender un proyecto único, sumamente poderoso.
Bye Bye Bayou
El tiempo agotado del descanso en el soundcheck que realizaba LCD en Londres nos llevó a terminar la
plática con Pat, quien no olvida la vez que estuvieron a punto de venir a nuestro país, a finales de 2007, a un festival realizado en Ciudad de México; lamentablemente, por cuestiones de logística y cambios en la fecha de realización, se vieron obligados a cancelar aquella vez; pero ahora, en su nueva gira, esperan concretar su presentación: “Tenemos muchas ganas de tocar en México y esperamos que suceda este mismo año: es uno de los países en los que más ansiamos presentar este nuevo disco”. Tiempo sobra. LCD Soundsystem tenemos para rato. Lo único que falta es esperar a que alguien se anime a traerlos. Mientras tanto, sigamos disfrutando una de las mejores bandas de los últimos diez años, lo que afortunadamente ratifica This Is Happening, su nuevo disco. “No es perfecto, pero está terminado y eso se siente bien”...
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Yeah
This Is Happening
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Hang TheDJ Milton Barboza
Sergio Gálvez / Ariette Armella
Andy Rourke
Con la llegada de la música electrónica a nuestras vidas, los creadores de rock comenzaron a generar sonidos no sólo en sus bandas y demás proyectos, sino que algunos tomaron la decisión de incursionar en el arte de ser DJ’s, aunque desde una perspectiva más “pincha discos”, que no quiere decir otra cosa que meter canciones una detrás de otra, sin generar loops o cualquier otro recurso propio de un DJ “en forma”.
Peter Hook
“Todos somos DJ” fue un lema que se hizo muy recurrente hace unos cinco años, cuando diferentes músicos comenzaron con esta nueva enmienda de pasar de las guitarras a las tornamesas: Peter Hook (New Order), Andy Rourke (The Smiths), Zeta Bossio (Soda Stereo), Joselo Rangel (Café Tacvba), Diego Solórzano (Los Dynamite), Perry Farrell (Jane’s Addiction), Mira Aroyo (Ladytron) y Jamie Reynolds (Klaxons) son algunos nombres que se han hecho presentes, también, en esta nueva faceta de la música. Unos buenos, otros no tanto, la verdadera razón de este trabajo, por demás complicado, ha llevado a músicos reconocidos a participar en diversos eventos y festivales, presentando sus sets con diferentes resultados.
En México, por ejemplo, hemos visto a Jamie Reynolds, Andy Rourke, Peter Hook, Mira Aroyo y Zeta Bossio en repetidas ocasiones, tratando de recrear el éxito que alguna vez han tenido en otro tipo de escenarios. Pueden hacerlo bien o no, gustar o no, pero es un hecho que para los melómanos resulta interesante ver a sus músicos favoritos en una trinchera diferente. Muy pocos son los que se han quedado en este nuevo oficio y menos aún los que se han atrevido a entrar en la etapa de generar remixes y canciones creadas por computadora, pero lo que es un hecho es que, actualmente, ese es un negocio rentable tanto para los protagonistas como para marcas que los contratan.
Diego Solórzano
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WARPED
FF Contra V Praying To The Aliens
segundos y visualizan su futuro a seis meses. Algunos ven cosas imposibles, como recaídas adictivas después de años de abstinencia o aventuras pasionales con personas a las que ni conocen. Otros simplemente no ven nada, lo cual podría significar que no llegarán a festejar una nueva Navidad. Para descubrir el por qué del fenómeno sobrenatural y pintar la gran escena de nuestra situación en el mediano plazo, se constituye un equipo llamado, atinadamente, “Mosaic”. Es así como, obvio, tendremos que ir armando las piezas, una por una, siempre y cuando los guionistas nos lo permitan y no cambien todo de un capítulo a otro. Si fue precisamente por esto que ustedes abandonaron Lost, entonces quizás prefieran V, remake de una miniserie de culto que surgió en la primera mitad de los ochenta. La generación que crecía en aquellos años quedó tatuada con las imágenes de los reptiloides caracterizados de humanos devorando ratas como galletas a la hora del té. En esta serie la situación es más sencilla: los “Visitantes” han llegado en son de paz, o por lo menos eso dicen, pues un selecto grupo de humanos saben que de hecho llegaron desde hace tiempo, se disfrazaron de nosotros y se infiltraron en las más importantes esferas políticas y sociales con el fin de destruirnos desde dentro. Por fortuna contaremos con algunos extraterrestres que están de nuestro lado, mientras que habrá humanos adoradores de lagartos. Con esta base, V se tirará más hacia la acción y la historia lineal, de manera no muy diferente a lo que fue la serie original. Y ello resulta en un agradable descanso, pues lo complicado en exceso puede ser mortal (si no lo creen, pregúntenle a Heroes).
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Lost se fue. Y así como ocurrió al final de The Truman Show, además del bello recuerdo, nos queda simplemente cambiarle de canal y buscar aquella serie que nos hará engancharnos con algo otra vez. Y el público ya puso la mirada sobre otras dos: FlashForward y V, ambas hijas de la ciencia ficción, relatadas con múltiples historias paralelas y con una gama de personajes por demás variada y rica en su desarrollo. Pero además de ser las posibles sucesoras de Lost, comparten mucho con la histórica serie de los perdidos en la misteriosa isla. En el primer episodio de FF hay un lindo guiño a Lost, pues aparece un anuncio espectacular de la aerolínea “Oceanic”; pero además hay elenco compartido: Dominic Monaghan, Charlie en Lost, se integra ya avanzada la serie con un papel más obscuro y maligno, demostrando que ha encontrado en la televisión la receta perfecta para poder desmarcarse del condenado estereotipo de hobbit. De manera irónica, en FF la actriz Sonya Walger hace uno de los papeles principales: la doctora Olivia, mientras que en Lost se limitaba a esporádicas apariciones como Penélope, la esposa de Desmond. En V, por su parte, la protagonista femenina es la atractiva Elizabeth Mitchell, ahora como Erica, agente del FBI, dejando atrás a la peligrosa Juliet, el personaje que interpretaba en Lost. Dentro del elenco también se encuentra Scott Wolf, cuyo mejor logro había sido Party Of Five y aquí tiene una gran oportunidad para llamar la atención. Si lo que les atraía de Lost eran los enigmas y el armado de las piezas, entonces FlashForward es para ustedes: el mundo entero se desmaya durante dos minutos y 17
Cortesía AXN
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Pada
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Skins
l FF contra V. ¿Cuá upe ese será la que oc gran espacio que ha quedado libre? Detrás de V, hay gente que estuvo involucrada en la serie The 4400, que en un par de años quedará completamente olvidada. Por otra parte, detrás de FlashForward se encuentran interesantes nombres: Brannon Braga, que participó en 24 y en la franquicia de Star Trek, tanto para cine como para televisión. También tenemos a Marc Guggenheim, escritor en CSI: Miami, Brothers & Sisters y el comic de
The Amazing Spider-Man; y David Goyer, quizá el más interesante, cuya lista de trabajos es vasta, pero de quien sólo mencionaremos dos: escritor y guionista de las películas Batman Begins y The Dark Knight. FF contra V. ¿Cuál será la que ocupe ese gran espacio que ha quedado libre? Lost ya tiene su lugar en la historia y me atrevería a decir que es la única serie que requiere de sus más de 110 episodios para
ser comprendida en su totalidad, situación que FlashForward podría repetir. La siguiente creación de J.J. Abrams, Fringe, no ha podido capitalizar el peso del nombre de Lost y tal vez necesitemos de un descanso de las series liosas, para lo cual V nos cae muy bien. Lo cierto es que estamos en buen momento para comenzar a ver las series que, quizá, alcancen sus terceras y sus cuartas temporadas.
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Games and comics
Para capitalizar el gran lanzamiento de la tercera parte de la saga God Of War, de Playstation, y sabiendo que ambos medios comparten mucho público, el sello Wildstorm, propiedad de DC Comics, lanzó una miniserie de seis números basada en las aventuras de Kratos. Al primer número no le fue del todo bien en las reseñas, a pesar de contar con el escritor Marv Wolfman, veterano responsable de Crisis On Infinite Earths y New Teen Titans, entre otros. De esta manera, GOW se une a la reciente oleada de videojuegos que brincan al comic, como Halo, World Of Warcraft y Gears Of War.
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Faking It
Mario P. Székely Cortesía 20th Century Fox
En el mundo según Elizabeth Stamatina, aka “Tina Fey”, la gente dice simplemente lo que piensa, sin reparo en las consecuencias. El cinismo se borra con una autocrítica, para después desencadenar en una buena carcajada. Pero esta actriz y comediante no vive en su planeta; ella camina entre nosotros y, utilizando su pluma y una cámara de TV (a veces de cine) como arma, nos confronta con la realidad, una muy difícil de digerir si no se tuviera a alguien como ella. Aunque habrá lectores que aún no conozcan el nombre de Tina Fey, les bastará saber que este mes, al cumplir 40 años, puede presumir de poseer siete premios Emmy, tres Golden Globe, cuatro Screen Actors Guild y cuatro Writers Guild, todos ellos entregados con una reverencia por delante, por atreverse a romper moldes con sus chistes, cuestionando todo, hasta el cómo nos peinamos, desde el status quo. Al entrar a la recámara en Los Angeles, California, acondicionada para una entrevista con mesa y micrófono, Fey luce tranquila; no parece la mujer acelerada que notamos en su exitosa
dora le da la oportunidad de lanzar los comentarios más mordaces y filosos cuando es necesario: “¿Cómo mantengo mi relación viva con mi marido tras nueve años de casados? Él sabe que siempre cargo una pistola.” Tina fue guionista de la película Chicas Pesadas, estelarizada por Lindsay Lohan, Rachel McAdams y ella misma. Allí se usó el humor para poner en evidencia la vida preparatoriana que se deja llevar por las apariencias, donde el comedor es el ring de las diferentes culturas de adolescentes. Cuando en el mapa de la política apareció la republicana Sarah Palin, Fey alzó la mano y aprovechó su espacio en la serie que la lanzara a la fama Saturday Night Live, para enfatizar los rasgos de extremista que la política sugería. En tiempos donde el electorado puede ser engañado, nada como una comediante para apuntarle la lupa y hacer mofa. Ante la pregunta de si considera que los sketches sobre Palin pudieron “humanizar” más a esta mujer que amenaza con lanzarse para presidenta de Estados Unidos, Fey guarda una pausa y se atreve a sonreír. “Estoy consciente de ello, pero creo que debemos esperar a ver qué hace; por lo pronto, mientras ella siga allí, yo tendré más trabajo”. Y nosotros estaremos desvelados frente al televisor o pagando boletos de cine para exponernos a la comedia de una mujer lista, astuta y, ¿por qué no?, sexy, como Tina Fey.
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TINA FEY
serie 30 Rock o en la recién estrenada cinta Date Night, donde interpreta a una mujer harta de la monotonía y deseosa de ser reconsiderada como un ser aventurero, sensual y lleno de fantasías, esposa de Steve Carell. “En mis actividades cotidianas no siento la responsabilidad de hacer reír a los demás. Me considero una persona muy tranquila que no está buscando ir a la fiesta del momento. Las salidas con mi esposo son las entregas de premios; el resto del tiempo funcionamos como cualquier pareja”, cuenta Fey, luciendo una sonrisa, reposando en su silla, en esta entrevista para WARP MAGAZINE. Mientras que en Date Night, Fey vive una “cita” con su marido —una de esas muy sonadas en Estados Unidos y puestas de moda por la pareja Obama, que incluyen dejar a los niños con la niñera y partir a reconquistar la intimidad siempre acosada por la rutina—, la historia de Tina y el compositor Jeff Richmond no incluyó el cortejo característico de la sociedad estadounidense. “La verdad es que yo no era mujer de tener citas románticas. Mi idea de enamorarme era relacionarme con alguien de mi círculo de amigos. Y uno de ellos fue mi marido, Jeff, quien me invitó un día al Museo de Ciencia e Industria de Chicago, donde vivíamos; luego, como segunda salida, terminamos en un bar de jazz cuyo dueño era el verdadero Al Capone”, recuerda Fey. Pero no idealicen a Tina como “reservada”; su posición de observa-
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Tina Fey parodiando a Sarah Palin en Saturday Night Live
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THE EMPIRE STRIKES BACK 30 Years of Refusal Mario P. Székely
Cortesía 20th Century Fox Video/Lucasfilm LTD
¿Dónde estabas cuando se pronunció por primera vez “Luke… yo soy tu padre’?”, momento cinematográfico insertado en la memoria colectiva. Cuando The Empire Strikes Again se estrenó el 21 de mayo de 1980, Darth Vader proyectó su sombra y la música de la marcha imperial de John Williams anunció sus pasos. La secuela de Star Wars, de 1977, se estrenaba, pero su creador, George Lucas, sentía que la fama lograda apenas tres años atrás podría derrumbarse si su filme no lograba conectarse con la audiencia. Hoy es difícil concebir que Lucas se la estaba jugando el todo por el todo. En un gesto casi copiado de su personaje rebelde, Luke Skywalker, el cineasta de entones 36 años había puesto todas las ganancias de su filme para que la secuela pudiera tener lugar. 20th Century Fox aún estaba rascándose la cabeza, preguntándose quién fue el idiota que permitió a George quedarse con los derechos de los juguetes y mercancía relacionada a Star Wars, mientras que el californiano usaba ese dinero —más el de la preventa con el estudio— para que The Empire Strikes Again sucediera. Sin paciencia para lidiar con actores y con la motivación de un arquitecto que desea construir el segundo piso del edificio de sus sueños, Lucas llamó a su amigo, el director Irvin Kershner; lo subió a
una colina en Marin County —cerca de San Francisco— y le dijo: “si haces bien esta película, podré construir aquí el Skywalker Ranch, donde artistas como tú podrán gestar y hacer sus películas, fuera del dominio de Hollywood…” Kershner, quien había dirigido el drama Eyes Of Laura Mars, sintió la responsabilidad que, su ahora jefe, le delegaba. Pero, ¿cómo superar lo insuperable? ¿Puede caer un rayo dos veces en el mismo lugar? ¿Era posible una secuela exitosa de Star Wars? Los retos llegaron a Lucas y Kershner cual cinturón de meteoritos: Leigh Bracket, la guionista, murió recién entregado el primer borrador del argumento —tomando la estafeta Lawrence Kasdan—; se tenían que crear personajes de látex que interactuaran de forma realista (¡no había animación digital en esos tiempos!); una parte de la historia sucedía en un planeta de hielo y, por si fuera poco, la película tendría un desenlace de puntos suspensivos, para esperar la secuela: Return Of The Jedi. Lucas, dialogando con su buen amigo y creador de Muppets, Jim Henson, tuvo el consejo de reclutar a Fran Oz (Miss Piggy) para darle voz y movimiento a Yoda, un maestro Jedi de medio metro de altura y color verde. Para mostrar el planeta helado, Hoth, se filmó en locaciones
de Noruega y una secuencia entera se tuvo que rodar con la cámara dentro del hotel, mientras los actores estaban afuera, dada una tormenta que los azotó. Para el anecdotario, sucede que nadie del equipo de rodaje, excepto Lucas y Kershner, sabían acerca de la famosa frase “Luke… yo soy tu padre”, por tratarse de una gran revelación; por ello, el director le ordenó al actor David Prowse (Darth Vader) que dijera: “Luke… yo maté a tu padre”. Luego, en doblaje, se cambió la línea. Del mismo modo, la respuesta de Han Solo al “Te amo” de la Princesa Leia, fue un improvisado “¡Lo sé!”, ante un staff muerto de hambre: el actor Harrison Ford creía que su personaje, un pirata, no podría decir nunca “Te amo” y su ocurrencia es ahora parte del canon de la saga. Así, en 1980, The Empire Strikes Again no solamente irrumpió en la taquilla (ahora, con la inflación, es la cinta #12 de todos los tiempos), sino que para la mayoría de los fans a las seis cintas de Star Wars es la mejor lograda. Es una gran proeza para los efectos especiales: baste mencionar a Yoda, ese alienígena que todo mundo creyó que respiraba, ese que le enseñaba la “Fuerza” a un Mark Hamill (Luke), que igual merece un aplauso por hacernos creer en la magia del cine.
Vestido encaje American Apparel $785.00 Zapatos Sfera $699.00 Hombreras pluma Fernanda Pichardo $150.00
Shiny &Warm Coordinación de Moda: Maureen M. Evans
Texto: Andrea Paz
Feel Alright
La prenda con mayor evolución a lo largo del tiempo, para usarse de día o de noche, es el vestido. Largos o, en algún momento, cortos en extremo, esta temporada llegan para enfundar nuestro cuerpo en suaves colores y vaporosas texturas. Quienes han dado muestra de esta evolución, no sólo de estilo sino en su sonido electrónico, son Victoria Hesketh (Little Boots) y Alison (Goldfrapp), quienes llegan con ese aire rebelde pero al mismo tiempo femenino y juvenil. “La Belle Époque”, como fue llamada la década de 1890, no volverá jamás con sus vestidos alimonados, crinolinas y aros de metal, dando paso al encaje y tul, con toques de inocencia, sensualidad y glamour que experimenta el look del trío británico Client. Estético, femenino, dulce pero irreverente, el vestido, con una mezcla de muchas influencias, igual que el actual sonido electrónico, siempre llegará renovado y decidido a conquistar oídos y miradas, y estará listo para ser usado en toda ocasión. Modelo: Lorena Díaz
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Vestido Fernanda Pichardo $1,900.00 Zapatos Paola Hernandez $2,500.00
Fot贸grafo: Julio Mu帽oz Maqullaje y Peinado: Ch毛la Olea Locaci贸n: Imperial Club
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Modelo: Mauricio Freire
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Pantalones American Apparel $1,098.00
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Tshirt Yeesus $500.00
Un básico en el armario de cualquier hombre es la playera, esa armadura moderna, el gran invento del siglo XX. No podemos imaginarnos que, en escena, bandas como LCD Soundsystem o Hot Chip prescindan de ellas, como jamás lo hicieron los caballeros de la Edad Media, que utilizaban la playera para evitar que el sudor pudiera manchar sus trajes. Mucho después, durante la Primera Guerra Mundial, los marinos adaptarían la prenda a sus uniformes. La usanza británica recorre el mundo y pronto llega a Francia, para que la revolucionaria Coco Chanel haga de ella una prenda exterior, alargando sus mangas. Tiempo después Yves Saint Laurent la lleva a la pasarela y la prenda de uso militar adquiere una etiqueta de lujo. La playera ha roto fronteras y hoy en día no sólo los ingleses gozan de ella. Los nuevos proyectos, como Empire Of The Sun, la han hecho suya con impredecibles diseños, tan impredecibles como su propuesta, pero siempre consiguiendo un grato resultado.
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British Style
I TR ELde
MÉXICO
A continuación
WARP MAGAZINE
presenta la alineación ideal del Rock Mexicano.
Gimme Tha Power Juan A. Muñoz
La Selección Mexicana de futbol es un asiduo participante en las justas mundialistas desde Uruguay’ 30 y, en aquella ocasión, tuvo oportunidad de inaugurar la Copa del Mundo ante la escuadra de Francia, tal y como lo hará este 2010, donde “el equipo de todos”, el próximo 11 de junio, estará sobre la cancha del Soccer City, en Johannesburgo, ante la mirada del planeta, abriendo el certamen en contra de Sudáfrica, el anfitrión. A pesar de tantas intervenciones de nuestro seleccionado a lo largo de la historia de los Mundiales, nunca ha podido ocupar lugares importantes dentro de la justa y, sólo cuando ha sido anfitrión, en 1970 y en 1986, alcanzó instancias de cuartos de final: en México’ 70 fue derrotado por
Italia 4-1 y en México’ 86 por Alemania, en penales. El deporte más popular del país tiene a sus aficionados esperanzados en que este pueda ser el Mundial en el que “El Tri” alcance su mejor participación, pero eso sólo lo sabremos hasta que el balón ruede en las canchas africanas. El futbol asociación en nuestro país llegó, en su teoría más aceptada, gracias a los ingleses que trabajaban en las minas de Pachuca, Hidalgo, gracias a las concesiones que en 1900 diera Porfirio Díaz. En el rock lo hizo también durante el siglo pasado, pero aproximadamente 50 años después, cuando los músicos mexicanos tan sólo imitaban lo que podían escuchar de Inglaterra y, poco después, de Estados Unidos.
Ahora, el escenario de Sports At Warp reúne estas dos instancias, hasta el momento separadas, las cuales comienzan poco a poco a ganar un lugar en el plano internacional, ambas a través del fogueo que los festivales y los torneos fuera de nuestro país, respectivamente, le dan a los grupos y equipos mexicanos, aunque es un hecho que todavía necesitan dar ese salto que los pondrá de una buena vez al nivel que su enorme fanaticada merece.
SABO ROMO Director
Yamil Rezc Asistente
Alex lora Preparador
Elemento legendario quien, desde que saltó a la fama con el primer disco de Caifanes, hace más de 20 años, no ha parado en su andar creativo con músicos de diferentes géneros y épocas. Cuenta con el respeto de la escena actual y se precia de seguir activo, tanto en la cancha como en el banco, lugar desde donde dará las indicaciones técnicas para sacar adelante al conjunto verde.
Desarrollador de talentos con Mun Records, su “escuela” propia, que ha visto crecer a nuevas figuras, cuidándoles la calidad del sonido y, al mismo tiempo, la carrera desde que están en la Sub-División y hasta que llegan a la Primera Nacional. Este es el nuevo gran músico y productor de la escena indie y seguramente sabrá hacer una buena dupla con Sabo en la búsqueda de que el Tri juegue por nota.
Habrá quien considere polémico su llamado, pero él es el único elemento de esta Selección que cuenta con una estatua en Los Angeles y una estrella en Las Vegas, entre un sinfín de reconocimientos por todos lados. A sus 57 añotes y más de 40 inviernos de trayectoria, no para de rodar y rodar (a veces pareciera que sin conciencia ni edad) por el país y gran parte del continente americano. ¡Y lo que le falta todavía! Tiene la energía para continuar un buen rato en este negocio.
Técnico
deCampo
Físico
Omar Góngora Percusiones
En su brillante carrera ha sido parte de dos importantes equipos, Vaquero y en el conjunto con mayor convocatoria en la actualidad: Zoé. Su buena técnica le da solidez y seguridad, desde abajo, al esquema del técnico Romo.
Para darle un estilo de juego fiel a nuestra idiosincrasia latina, el técnico echa mano de este feroz y rapidísimo elemento del norte del país; un jugador que atrae las miradas de cualquiera que lo vea desarrollarse sobre el escenario. Es el miembro que terminó por darle rumbo a un equipo reconocido y con buenas actuaciones en Estados Unidos y Europa: Kinky.
Micky Huidobro Bajo
PACO HUIDOBRO Guitarra Líder
Salido de la cantera Puma, lleva los colores de su institución con tal orgullo, que hasta ha hecho discos completos inspirados en los felinos. Con elogios en diferentes partes del planeta, por la potencia de su instrumento, es un inquieto creativo que tiene diferentes proyectos, además del que lo dio a conocer hasta en países que no son de habla hispana: Molotov.
Tal como sucede en la Selección Mexicana de Futbol con los hermanos Jonathan y Giovanni Dos Santos, en esta publicación la dupla de los “Ruidobro” juega junta sobre el mismo escenario. Paco es el elemento de experiencia que portará el gafete de capitán pues, inteligente y talentoso, es todo un estandarte del conjunto nacional. Su experiencia abarca bandas como Fobia y Los Odio.
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Rodrigo Guardiola Batería
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Diego Solórzano Guitarra Jugador inquieto que debutara en 2006 en la Primera División, desafortunadamente su primer equipo, Los Dynamite, se fue al descenso y más tarde desapareció. Pero en este 2010 regresa encabezando su propio proyecto, Rey Pila, de la mano de un técnico reconocido internacionalmente: Paul Majahan (TV On The Radio, Yeah Yeah Yeahs).
Camilo Lara Teclados, Secuencias y Samplers
El jugador diferente de este equipo llegó casi por casualidad a la escena, pero su calidad lo ha llevado, en poco tiempo, a mostrar su trabajo en varios puntos del planeta, con la identidad que presume en el nombre del equipo que encabeza: Instituto Mexicano del Sonido (IMS). El Preparador Físico tendrá que trabajar horas extras con el Cuahu, Solórzano y con él, para devolverlos a su forma ideal.
La Voz es una dupla Banca No son los más virtuosos, pero han desarrollado un estilo propio.
Rubén albarrán Voz
Detrás de múltiples alias se encuentra el frontman de la banda más importante de este país: Café Tacvba. Carismático y muy querido, es el delantero titular e ídolo de un equipo nacional con grandes aspiraciones.
LOBLONDO Voz
Totalmente del gusto del asistente Rezc, es original en su estilo, aunque ha compartido con equipos de talla mundial. Todavía tiene mucho que dar y, sin duda, este llamado la motivará para seguir creciendo.
Jayde la Cueva Guitarra y voz Muy inquieto multi-instrumentista, siempre se encuentra en buena forma física, aunque le falta un poco de estatura para ser un delantero temible; él es “el as bajo la manga” en el esquema de Romo, ya que puede suplir con talento nato cualquier posición que le sea encomendada en el escenario.
Pascual Reyes Guitarra y voz Sale a proponer los partidos con su trip-hop “made in Tepoztlán”, tiene varias jugadas que son todo un poema y está a la cabeza de un muy interesante equipo que fusiona un pasado ranchero con un presente oscuro. Pascual es un talentoso devoto de ese Santo pagano llamado San Pascualito Rey.
del Futuro BAMBAMCrack Figura a seguir De la generación de los campeones Sub 17, llega la avanzada necia de este buen equipo que ya empezó con el roce internacional, tanto en festivales del extranjero como en “partidos amistosos” celebrados en nuestro país (fueron abridores de Franz Ferdinand en la reciente gira mexicana de los escoceses). Cuentan ya con una grabación y tienen el potencial necesario para seguirnos sorprendiendo.
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HARD DATA - El antecedente del futbol en México es el Juego
ELTRIDEMÉXICO Gimme Tha Power SABO ROMO Director Técnico
YAMIL REZC Asistente de Campo
ALEX LORA Preparador Físico
de Pelota, deporte practicado en un principio por la llamada Cultura Madre del Anáhuac, los Olmecas, pero después difundido a los demás pueblos prehispánicos. Sus orígenes se remontan, al menos, mil 500 años a. C. Este es tal vez el deporte más antiguo que se juega en la actualidad. - Podemos concebir el Juego de Pelota desde una perspectiva de conocimiento esotérico-energético, pasando por uno religioso, hasta llegar a uno estrictamente deportivo. De la misma manera, dependiendo de la época, podemos imaginarlo como una práctica muy elevada y trascendente en el periodo
RODRIGO GUARDIOLA Batería
MICKY HUIDOBRO Bajo
CAMILO LARA Teclados
clásico o un juego degradado, donde se involucraban sacrificios humanos y apuestas, en el periodo decadente o postclásico. - Aunque la cantidad podía variar, los equipos solían integrarse con siete jugadores cada uno, los cuales debían impactar la pelota en alguno de los tres discos de piedra distribuidos en el campo, o en los aros del mismo material suspendidos
OMAR GÓNGORA Percusiones
de las paredes, en forma perpendicular a un aro actual de básquet. La pelota era de caucho, sumamente pesada y dura, y medía aproximadamente 20 cm. - La pelota podía ser golpeada con los codos, la cadera y las rodillas; por lo general, el partido
DIEGO SOLORZANO Guitarra
concluía cuando alguno de los equipos marcaba el primer gol; entonces el capitán del equipo victorioso
Voz Dupla Rubén albarrán
PACO HUIDOBRO Guitarra Líder
alcanzaba el honor y la gloria, pues su carne era ofrendada a los dioses. - Los mayas jugaban porque, de esa manera, recreaban la historia de la creación del Universo. En el Popol Vuh, códice sagrado conocido como “La Biblia
Banca
Maya”, los dioses gemelos bajaron al infierno para
Crack futuro
practicar el Juego de Pelota contra los dioses del
dice que los gemelos ganaron el partido y los dioses del inframundo les dieron los huesos. Según el libro, así fueron creados los mayas. - En junio del año pasado se dio a conocer que alumnos de la Escuela Superior de Cómputo del Instituto Politécnico Nacional desarrollaron un videojuego del Juego de Pelota Prehispánico, el cual recrea, lo más apegado a la realidad, la práctica de este deporte ancestral en la Zona Arqueológica de Chichen Itzá. El nombre del juego es POK-TA-POK.
LO BLONDO JAY DE LA CUEVA PASCUAL REYES Guitarra y voz
BAM BAM Figura a seguir
Himno ‘GimmeMolotov Tha Power’ Un reclamo de unión que la fanaticada entona a grito pelado y que hace sentir mexicano a cualquiera que lo canta, sobre todo en la parte de “Viva México ca… mpeones”. Paradójicamente, el título está en inglés.
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muerta para crear una nueva raza de humanos; se
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inframundo, pues requerían los huesos de la gente
JOURQUIN Sex O’Clock
Chëla Olea
Cortesía Laurent Jourquin
er una Quiero hac í estética falsa, as que no sé si el límite lo impone la obra o las personas iran. que la adm -Laurent Jourquin
Originario de Bruselas, Bélgica, Laurent Jourquin se dedica a hacer máscaras y esculturas, utilizando materiales no rígidos, como peluche, papel, etc. Su trabajo siempre muestra expresiones alter de los personajes a quien inmortaliza. “El cartón que utilizo para las máscaras es siempre recolectado fuera de alguna tienda lujosa, de esas que gastan fortunas en imagen y se preocupan por dar status a sus clientes. Posteriormente comienzo a trabajar en la ‘identidad’ de la pieza y, cuando está lista, tomo las fotografías. Odio produ-
cirlas en serie, así que sólo es ‘la pieza’ y yo, en algún lugar de la ciudad. Nada demasiado elaborado.” ¿Quiénes son las personas debajo de las máscaras? Ellos… Ellos son la personificación del “nosotros mismos” ocultos. Es una interrogante sobre qué pasaría si no hubiera reglas, si todo estuviera permitido. Es una ironía, son simples suposiciones; simples y divertidas suposiciones. Están desnudos para poder borrar todas las huellas de poder y jerarquía. Porque una cara tiene el poder de la belleza y una prenda de vestir un signo de pertenencia; así que, si no tienen cara ni ropa, pueden ser cualquiera: tú o yo. ¿Hay algo que te limite estéticamente? Quiero hacer una estética falsa, así que no sé si el límite lo impone la obra o
las personas que la admiran; me refiero a que estas imágenes, a pesar de ser cuerpos desnudos, algo que todos tenemos y hemos visto, pueden ser una realidad perturbadora. ¿Cuál es tu misión en tu obra? ¿Qué lugar ocupas en esa simbiosis? Creo que mi frustración por ser completamente libre, lidera cada una de mis piezas: la anarquía nos aleja de la libertad, todo es una utopía. Eso es lo que trato de expresar con esta lúdica estética. Laurent Jourquin, quien se ha destacado en la escena underground de Bélgica, ha desarrollado y perfeccionado esta técnica artesanal para la fabricación de máscaras y esculturas de la imposición de la retención. El pasado 3 de abril se inauguró, en la galería Le Vecteur, la exhibición
“L’Enfance, La Peur, Le Sexe, La Mort” (Los niños, el miedo, el sexo, la muerte), donde Jourquin construye un universo cuya conducta agresiva se ve reforzada por un humor abrasivo. Sin concesiones, cáustico, el objetivo es crear una sensación de rechazo violento de la misma humanidad. Socialmente criticado por la burla hacia la muerte o la vanidad pueril cuando trata la parte más sagrada de nuestra sociedad, los niños, el resultado parece alegremente nihilista; y como era de esperarse, lo más inocente cobra un significado poderoso. A través de la entrevista para WARP MAGAZINE, Laurent manda el mensaje de “ser más libres en todo lo que hagamos, incluso estando solos; todo se trata de mantenernos en el estado más puro posible, aunque eso nos avergüence un poco.”
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La instauración de atmósferas creativas, desde un inicio, se generan en mente y manos de este artista poco convencional, quien parte de un desecho, física o metafóricamente, para volver a lo básico.
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THE STONE ROSES
DISCOGRAFÍA
I Wanna Be Adored Francisco Camino
Cortesía Universal Music • The Stone Roses (1989)
• Second Coming (1994)
Originarios de Manchester, Inglaterra, The Stone Roses fue una de las bandas más representativas y referente inmediato del britpop y el sonido Madchester. Sencillamente no se podrían concebir bandas como Radiohead, Oasis o Blur, entre otras, de no haber existido su influencia. Durante la segunda mitad de los años ochenta el pop estaba teniendo un gran impacto en las listas, programación de radio y ventas, con personajes como Madonna, Michael Jackson, Lionel Ritchie y varios más, y como ya es costumbre entre los ingleses, decidieron mejorar, y por mucho, el género, pues el sonido que The Stone Roses ofreció, estaba compuesto de los beats de la música dance, electrónico y unas marcadas armonías al estilo de The Beatles.
...Sencillamente no se podrían concebir bandas como Radiohead, Oasis o Blur, entre otras, de no haber existido su influencia. del rock británico, pues se considera el nacimiento del Britpop. Este concierto es todo un fenómeno en Youtube: basta con poner las palabras “Stone Roses Blackpool” para ver la gran cantidad de videos y cien-
tos de miles de reproducciones de la presentación. Es hasta 1994 cuando The Stone Roses lanza su segundo disco, titulado Second Coming. Los cinco años que tardó en salir se debieron a una larga y
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The Stone Roses se formó en 1981, con Ian Brown como vocalista, Reni en la batería y John Squire en la guitarra. Ya en 1987, después de algunos cambios, se les unió Mani, actual bajista de Primal Scream, y con esta alineación lograron la fama a nivel mundial. En 1989 la banda lanza su disco debut: The Stone Roses. Esta producción fue ampliamente aceptada por los especialistas y, a la larga, se consideraría como uno de los mejores álbumes de la música británica de todos los tiempos, ganando cuatro premios en los NME Awards, incluyendo Mejor Single y Álbum Del Año. El concierto realizado en Blackpool, en 1989, es uno de los momentos clave
desgastante pugna legal entre la banda y la disquera Silvertone; no obstante, el disco resultó ser realmente brillante, pues al final Geffen Records se encargó de su grabación y promoción. El Second Coming fue producido por Simon Dawson y Paul Schroeder; constó de 12 temas, de los cuales ‘Ten Storey Love Song’, ‘Begging You’ y ‘Love Spreads’, son ya clásicos de la música contemporánea. Pero en 1995 empezaron los conflictos: Reni sale de la banda, seguido por John Squire, un año después, ya que las constantes discusiones con Ian Brown llegaron a tornarse violentas. Slash, guitarrista de Guns N’ Roses, se propuso como sustituto de Squire, pero Ian Brown no aceptó, aunque posteriormente declarara su arrepentimiento; Aziz Ibrahim fue quien suplió a Squire finalmente. Las tensiones, pocos ensayos y falta de compromiso, derivaron en un par de actuaciones que pasarán a la historia de la banda como las más desastrosas; sucedieron en los festivales Benicàssim y Reading, en 1996. Luego de aquello, ese mismo año, Mani y Brown decidieron terminar con el grupo. Tras la separación, Ian Brown inició una carrera solista, mientras que Squire formó a los Seahorses y Mani se unió a Primal Scream. De Reni, el primero en abandonar la banda, poco se supo, hasta que recientemente anunció la formación de una banda llamada The Rub. The Stone roses tuvo una carrera discográfica realmente corta, pero se logró encumbrar, sin discusión, en grandes momentos para la música.
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MUSE Susana Betancourt
Julio Muñoz
Con una presentación que para nada le quedó pequeña a Coachella 2010, Muse dejó muy en claro por qué son considerados una de las mejores bandas de la última década. Y los temas del The Resistance y la energía de Matt Bellamy, apenas un par de días después de concluido el Festival de Indio, CA, también hicieron vibrar el Foro Sol de la Ciudad de México.
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