WARP Magazine no. 27 by WARP MAGAZINE

CULT LOGIC Las Nuevas Bandas de Culto

En Exclusiva:

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

LADY GAGA CYPRESS HILL

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WARP MAGAZINE No.27 / Junio 2010 $29.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

KASHMIR LOS PLANETAS DANTE SPINETTA

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Investigación Especial:

YouTube, ¿en plena decadencia?

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No importa cual sea el género, tampoco el país y mucho menos la cantidad de seguidores; las bandas de culto son, desde que existe el rock, parte fundamental de la forma de vivir y sentir la música. La fascinación que estos grupos generan entre sus seguidores les da este lugar, y los lleva a ser considerados iconos y referencia para los nuevos músicos que siguen sus pasos muy de cerca, y en su sonido lo demuestran... Culto a quien culto merece.

cult logic Cortesía New Sound Mgmt

WARP Magazine

No.

Editorial

Director General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco Editor en Jefe Milton Barboza Arriaga twitter.com/MiltonBarboza Coordinadora Editorial Sandra Valerio Ruiz twitter.com/Vhalgrg Asistente Editorial Diovanny Garfias twitter.com/Androgyn Corrector de estilo Adolfo Vergara Trujillo twitter.com/ToBeFreak Editor de Film Mario Székely twitter.com/Capimalpasz Editor de Sports Juan A. Muñoz twitter.com/juanarturom Columnistas Joselo Rangel (Café Tacvba) twitter.com/cafetacvba, Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Daisy Heartbreaker (Corresponsal, Uk/Ibiza).

Kashmir

Destacados CULT LOGIC

Si una definición puede ser utilizada de manera natural en la música es la refe

rente al culto; dicha palabra engloba a todos aquellos proyectos que sin im-

portar si son muy conocidos, su calidad sonora los hace trascender.

INVESTIGACIÓN ESPECIAL: YOUTUBE

A cinco años de su nacimiento, la plataforma de videos más importante de

la red, ha cambiado su estructura y sobre todo sus políticas de transmisión,

cayendo en una autocensura, que resulta paradójica con su propuesta inicial.

Secciones

The Dears, Japanther, Descartes

Editorial

A Kant, Beach House, Recoil,

Peter Hayes de Black Rebel

Concierto Anti Ley SB 1070 en el

Motorcycle Club

Zócalo y más

¡Silencio Por Favor!

Hot Hot Hit

Delays

Uffie

Set List

Good News, Bad News

Featuring: Vansen Tiger

Class Actress, Rise Against,

Fernando de la Huerta

Banda de Turistas

Featuring: Nudozurdo

Warped

Leo y César

TV, Film, Fashion, Sports, Art

Mis Videos y Discos

102

Vintage

GIGS

Gary Numan

Rodrigo y Gabriela, American

104

Encore

Idiot, Fiesta Premiere Sesiones,

*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine

Colaboradores Invitados Peter Hayes (B.R.M.C.), Fer de la Huerta (Vansen Tiger), Leo y César (Nudozurdo), Alex Otaola (Fractales)< Colaboradores Abraham Huitrón, Adolfo Vergara, Aldo Monterrubio, Alan Sefchovich, Anna Stephens, Chëla Olea, Elsa Núñez, Eric Coy, Fito Montes, Francisco Camino, José Villanueva, Karina Luvián, Luisa Reséndiz, Marcela Muñoz, Maureen M. Evans, Pada, Susana Betancourt. Mail: magazine@warp.com.mx Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Editor de Fotografía Julio Muñoz Fotografía Julio Muñoz, Sergio Gálvez

Arte y Diseño

Comercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Publicidad y Espacios Warp Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE. WARP MAGAZINE está fabricada con material ecológico sustentable certificado, el cual ayuda a la conservación del medio ambiente. © WARP Marca Registrada ®. Año III No.27 Fecha de Publicación 3-06-2010. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

EDITORIAL // WARP27

KillinG The Light Peter Hayes (guitarrista y vocalista de B.R.M.C.)

o sé exactamente qué es lo que vuelve a una banda o a un artista un motivo de “culto”; por lo tanto no sé si Black Rebel Motorcycle Club quepa dentro de ese rubro. Lo que sí sé es que existimos muchas otras cosas —actos musicales, obras de teatro, películas, obras de arte— que no tenemos cabida dentro del nicho del mainstream, que no encontramos una identidad en la cultura preponderante y, por ello, buscamos espacios diferentes para transmitir nuestros mensajes, los cuales no son escuchados ni entendidos por la gente que está involucrada en la cultura comercial.

Cortesía New Sound Mgmt

Todos estos actos y medios independientes, como B.R.M.C. y Abstract Dragon (la disquera de B.R.M.C.), incluso cuando no necesariamente están vinculados como parte de un movimiento definido, se unen por un objetivo común: expresar lo que todos aquellos que no tenemos cabida en la cultura hegemónica queremos expresar. A fin de cuentas, sin saber si somos o no un grupo o acto o medio o producto de culto, somos la voz de la independencia, de la marginalidad y de rebeldía; y eso es más valioso y necesario en este mundo de lo que muchos pueden creer.

SILENCIO POR FAVOR // WARP27

DELAYS Susana Betancourt

Cortesía Delays

Aquí el tracklist de este material que fuera grabado en los Rockfield Studios de Monmouth:

La agrupación de los hermanos Gilbert ya se encuentra trabajando en los detalles de su cuarto álbum de estudio, titulado Star Tiger, Star Ariel. De dicha producción se desprenderá el sencillo ‘Unsung’, como primer corte promocional, el cual estará en rotación unos días antes de que el disco llegue a los estantes, el 21 de junio próximo. Ya se puede descargar el track ‘Find A Home’ desde el sitio oficial de la banda: www.thedelays.co.uk

‘Find A Home (New Forest Shaker)’ ‘The Lost Estate’ ‘Shanghaied’ ‘Rhapsody’ ‘May 45’ ‘Hold Fire’ ‘Unsung’ ‘In Brilliant Sunshine’ ‘Moment Gone’ ‘Lakes Can Be Lethal’ ‘Star Tiger, Star Ariel’

SETLIST // WARP27

Set List

1•‘Born Free’ – M.I.A. (Reino Unido) 2•‘Dynamite’ – Audio Bullys (Reino Unido) 3•Forced To Love’ – Broken Social Scene (Canadá) 4•‘Baptism’ – Crystal Castles (Canadá) 5•‘What Am I Supposed To Do’ – Treasure Fingers (Estados Unidos) 6•‘I Just Love You More’ – Kate Nash (Reino Unido) 7•‘Shut’em Down’ – Cypress Hill feat. Tom Morello (Estados Unidos) 8•‘Espera Tu Turno’ – Chetes (México) 9•‘Gold Teeth On A Bum’ – The Dillinger Escape Plan (Estados Unidos) 10•‘Friendly Ghost’ – Harlem (Estados Unidos) 11•‘Heaven’s On Fire’ – The Radio Dept. (Suecia) 12•‘A Beautiful Day’ – Seven Saturdays (Estados Unidos) 13•‘Blessa’ – Toro y Moi (Estados Unidos) 14•‘Deeper’ – Nacho Lovers (Estados Unidos) 15•‘O.F.Y.C. Showcase’ – The Fall (Reino Unido) 16•‘Fool’s Day’ – Blur (Reino Unido) 17•‘Kisses’ – Kisses (Estados Unidos) 18•‘Lovesong’ – Jes (Estados Unidos) 19•‘Evol’ – Black Rebel Motorcycle Club (Estados Unidos)

20•‘Howlin’ For You’ – The Black Keys (Estados Unidos) 21•‘Swoon’ – The Chemical Brothers (Reino Unido) 22•‘Tenderoni’ – Kele Okereke (Reino Unido) 23•‘DosPuntoCero’ – DapuntoBeat (México) 24•‘A+Drowning’ – How to Destroy Angels (Estados Unidos) 25•‘Tiny Little Acid’ – NSM PSM (México)

Escucha la nueva temporada de Set List conducido por Milton Barboza, Editor en Jefe de WARP MAGAZINE a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>

FEATURING: Vansen Tiger // WARP27

VANSEN TIGER Fernando de la Huerta (voz y guitarra)

Hoy en día la capital abarca el mayor porcentaje de la industria musical del país: aquí es donde se encuentra la concentración de medios, ya sean escritos, radiofónicos o televisivos; la mayoría de las agencias importantes de booking y management la habitan y, por si fuera poco, todas las grandes empresas patrocinadoras laboran en esta gran ciudad. Es obvia la razón de esta concentración, ya que la magnitud de la Ciudad de México siempre ha invitado a los empresarios a radicalizar sus negocios, haciendo que Monterrey y Guadalajara todavía sean “provincia” en cuestiones de industria musical. Pero, ¿qué pasa con aquel talento que no es oriundo del Distrito Federal? ¿Acaso todos los músicos tienen que irse a vivir a la capital para que sus proyectos prosperen? Monterrey, Guadalajara y Tijuana han logrado poner a bandas de gran calibre en la escena del rock, pop, ska, electrónica, entre otros géneros. Pero, ¿quién apoya a las bandas de las aquellas ciudades donde nadie pone

: Central And Remote

Cortesía Vansen Tiger

la lupa? Todos sabemos que hay mucho talento nacional, sólo que todavía no se descubre. Y es que la centralización de la industria hace que el resto del país se vea cada vez más aislado de las grandes oportunidades. En el caso de Estados Unidos, nuestro vecino, existen puntos donde cada género se produce con potencia: Nueva York, Detroit, Chicago, Los Angeles, son algunos ejemplos y cada tipo de música tiene su capital. Entendido está que la industria estadounidense tiene más economía para consumir y mayor extensión geográfica, pero el talento existe igual aquí. El talento es lo que debe mover a la industria; lamentablemente, en México sucede al revés: la industria mueve al talento y, desde ese momento, la industria hace lo que más le conviene. Un paradigma es Los Mochis, Sinaloa: en los últimos seis meses he escuchado bandas que me han dejado boquiabierto; bandas que deberían estar en boca de todos, pero que la centralización hace imposible lograr el objetivo de espar-

cir su creatividad. Por eso aplaudo a los medios que apoyan la intención de lograr el descubrimiento de nuevas zonas de talento musical, a aquellos blogs y páginas de Internet que permiten que la música sea un lenguaje sin límites. No nos conformemos con lo que transmiten las grandes franquicias radiofónicas, no nos conformemos con lo que disqueras transnacionales quieren que escuchemos, ni con las modas que la industria nos quiere imponer. Busquemos; tenemos demasiadas herramientas y suficiente inteligencia para poder romper esa barrera que se conoce como mainstream y descubrir cosas nuevas; hagamos que México sea un exportador de música; descubramos que no sólo en las grandes metrópolis existe propuesta. Hagamos lo posible para que México sorprenda al mundo. www.myspace.com/vansentiger www.myspace.com/fernandporter www.myspace.com/porterband

FEATURING: Nudozurdo // WARP27

Nudozurdo Sintética

Leo y César (guitarristas)

Para nuestra primera visita a México queremos que nos conozcan con esta, nuestra segunda producción; pero tratar de definir nuestra propia música, en nuestras palabras, es algo complicado. Lo mejor es que la gente nos escuche y saque sus conclusiones. En términos generales, no pretendemos nada en concreto y no hacemos música premeditada; nos sentamos, platicamos y decimos lo que queremos hacer. Es algo más impulsivo; en el fondo es una necesidad de hacer música. Sintética es nuestro primer disco en México, pero antes, en España, hubo un disco en el que la distribución fue prácticamente testimonial: muy pequeña respecto a Sintética, con el que hemos tenido

Cortesía ArticaPro

más resonancia en medios, impulso que aprovecharemos para relanzar nuestro primer disco. El proceso de gestación de este nuevo material fue muy sencillo: lo hicimos los cuatro integrantes en un local de ensayo; en realidad no hubo complicaciones para grabarlo, pero sí tuvimos muchas dificultades para mezclarlo y muchos dolores de cabeza en el estudio; el resultado es algo muy procesado y de allí que le llamemos Sintética. Nunca nos fuimos sobre ideas preconcebidas; por el contrario, el trabajo nos fue llevando inconscientemente por un camino determinado, quedando un disco muy elaborado, ideal para escucharse en casa.

A México venimos porque sabemos que nos van a entender. Hace poco estuvimos en Austin, Texas, y nos fue de maravilla, aunque sentimos que faltó algo: eso que se transmite cuando hablamos el mismo idioma. Por otro lado, este es un viaje que queríamos hacer desde hace mucho, pues hace cinco años que subimos nuestro disco a la red, nos sorprendió la cantidad de descargas que tuvimos desde México sin ningún tipo de promoción. Nos dimos cuenta de que, definitivamente, hay una conexión, y eso nos motivó a venir cuanto antes. Así, lo único que esperamos de México es tener una buena aceptación con lo que hacemos.

Sea Of Cowards

The Dead Weather Third Man Records 2010

En efecto, no pasó ni un año completo para que la banda originaria de Nashville presentara su segundo álbum de estudio. Y fue lo ideal: la inercia que traen gracias a Horehound no les permite dejar ir este momento único, pues resulta que Sea Of Cowards rebasa significativamente al disco debut en cuanto a sonido, actitud de la banda y consagración del proyecto como un ente irrepetible. Así, The Dead Weather viene a postularse quizá con uno de los mejores discos de este año. Cabe mencionar que desde antes de su salida a la venta, el pasado 10 de mayo, las redes sociales jugaron un papel importante en el fenómeno Sea Of Cowards, ya que además de Twitter tuvimos la oportunidad de escuchar el disco completo por medio de Ustream, así como de oirlos en vivo gracias a un concierto

que The Dead Weather dio junto con MySpace, lo que dejó en claro la calidad del material. Las canciones son directas y no hay mucho qué esperar para que el sonido retumbe en los oídos: ‘Blue Blood Blues’ explota de inmediato con la potente batería de Jack White y el seguimiento único de Jack Lawrence y Dean Fertita, sin olvidar los coros etéreos, cuasi ácidos, de Alison Mosshart. Con ‘Hustle And Cuss’ (canción que regalaron vía Twitter) el efecto sucio de vinil nos lleva hasta donde The Dead Weather quiere que lleguemos: los setenta psicodélicos, rockeros de explosividad, aderezados de los pianos propios de la época. ‘The Difference Between Us’, ‘I’m Mad’, ‘Die By The Drop’, ‘I Can’t Hear You’ , ‘Gasoline’, ‘No Horse’, ‘Looking

9.4

Calificación

At The Invisible Man’, ‘Jawbreaker’ y ‘Old Mary’, son el complemento ideal de tan intenso y desesperado disco, que simplemente termina por repetirse una y otra vez en el reproductor. Se dice que, tras unos cuantos conciertos de presentación del Sea Of Cowards, descansarán para que sus integrantes den paso a sus otros proyectos (Jack White con The White Stripes y Alison Mosshart con The Kills). Quizá sea el inicio de un grupo de culto que nos podrá llevar a recordar de qué estaba hecho el rock de otros tiempos, ese que hoy nos apasiona y nos genera emociones únicas. Sea Of Cowards está lleno de eso: reminiscencias de antaño inscritas en un presente que no olvida que el futuro tal vez está más cercano que nunca. -Milton Barboza A.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP27

Brothers

The Black Keys Nonesuch Records 2010

7.8

Calificación

Con casi una década de trayectoria, la banda originaria de Akron, Ohio, The Black Keys, presenta su sexto álbum de estudio, titulado Brothers. El dúo, conformado por Dan Auerbach y Patrick Carney, nos ofrece 15 temas llenos de su ya conocida mezcla de rock, blues y garage, escuchándose una limpia ejecución musical, además de canciones llenas de ritmo, haciendo notoria la influencia que tienen por el género nacido en el sur de Estados Unidos. Producido por Danger Mouse, al igual que el Attack Relase, su antecesor, Brothers es un disco que viene a reafirmar el sonido propio que ha podido definir a The Black Keys. Sin embargo, la fórmula termina por repetirse, por volverse monótona, lo que le resta calidad al álbum. -Abraham Huitrón

6.7

Where Did The Night Fall

7.5

Calificación

Clay Stones

Calificación

I Will Be

UNKLE Surrender All 2010

We Are The World Manimal Vinyl 2010

Dum Dum Girls Sub Pop 2010

James Lavelle y Pablo Clements son los protagonistas de esta nueva etapa de UNKLE, uno de los proyectos más respetados dentro de la música inglesa electrónica y alternativa. War Stories, el antecesor de este álbum, se convirtió en una de las mejores placas de 2007, por lo que la expectación por este material era mucha. Al final la espera acabó y pudimos escuchar Where Did The Night Fall, que sinceramente, de entrada, no logra atrapar al escucha: cada corte está más y más alejado del sonido electrónico característico de la banda, transitándose a canciones más convencionales y cercanas al psychedelic rock e incluso presenta algunos tintes folk. Es un buen disco, pero no para ser de UNKLE. El dinamismo y la chispa parecen haberse apagado. ¿Será? -Diovanny Garfias

Definitivamente We Are The World no pensó en crear un disco para relajarse, tomar un café o siquiera mover la cabecita mientras se sonríe. Este álbum tiene una sugestión de oscuridad que tampoco se completa, por lo cual es difícil definir de qué actividad podría ser acompañamiento, pues es una música que incluso, por momentos, altera los sentidos al grado de que duele la cabeza. Con un estilo similar a The Knife, en este álbum se experimenta con infinidad de sonidos, melodías, ausencia de ellas, ruidos, paths, voces procesadas y sin procesar, con distintos timbres que asemejan a Hot Chip o Goldfrapp. Este es un disco de asimilación retardada que definitivamente no es para todos los oídos. -Eric Coy

Un disco corto pero poderoso que, pese a entintar armonías punk, no busca dibujarse lleno de rudeza, sino abordar temas típicos como el amor, la pérdida y el dolor. Así, a lo largo de 27 minutos, estas chicas californianas nos llevan por sonidos en los que confluyen temas rápidos —cargados de guitarra y batería— o melódicos, pero siempre aderezados con la voz de Dee Dee, líder y vocal de la banda. Sin demeritar el talento de la agrupación, cabe señalar la producción de Richard Gottehrer (Blondie, The Go-Go’s, The Raveonettes), pues es un trabajo cuidado que cuaja en un buen álbum debut. En el mismo tenor de reconocimientos, destaca la colaboración de Nick Zinner —guitarrista de los Yeah, Yeah, Yeahs— en ‘Yours Alone’, de Brandon Welchez —la voz y guitarra de Crocodiles— en ‘Blank Girl’ y de Andrew Miller como guitarrista complementario en varios de los tracks. -Karina Luvián

017

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

6.5

Odd Blood

Yeasayer Secretly Canadian 2010

7.8

Calificación

Luego de su aclamado disco debut, All Hour Cymbals, la banda neoyorquina nos presenta su segunda producción discográfica, Odd Blood, en la que se nota una mayor influencia de la música pop, sin dejar de lado la psicodelia, los sintetizadores y la experimentación. Este álbum, producido por ellos mismos, es un recorrido a través de diez canciones que por momentos nos remite a bandas como MGMT, pero llevándolo más allá, pues agregan ritmos africanos y música electrónica. Las letras involucran temáticas diversas que van del amor a las drogas, pasando por las emociones de un boxeador. ‘Rome’ y ‘O.N.E.’, su segundo sencillo, son altamente recomendables. -A.H.

7.9

8.0

Calificación

Kairos

8.6

Calificación

Black Noise

Calificación

Memo

White Hinterland Dead Oceans 2010

Pantha Du Prince Rough Trade 2010

Lena’s Baedream Rainboot 2010

El sonido que Casey Daniel proporciona a su última producción discográfica definitivamente no es el más original del mundo; sin embargo, retoma tantos buenos sonidos que no es necesario que lo sea para ser un disco que se aprecie y disfrute. Con beats que en ciertos momentos evocan el trabajo debut de The XX, White Hinterland crea diferentes atmósferas con cada uno de los tracks que lo conforman. Melodías suaves, percusiones con tintes africanos y secuencias bien trabajadas, son parte de lo que se puede escuchar en este material que, cerrando los ojos, nos puede llevar por mundos desconocidos que se construyen a partir de acordes, ruidos, beats y letras. Este es un trabajo que se disfruta de principio a fin. -E.C.

Hendrick Weber, aka Pantha Du Prince, es un experimentado DJ y productor alemán que utiliza el minimal techno para crear las mejores atmósferas que se hayan escuchado en los últimos años. Con una carrera que abarca ya tres discos, incluyendo Black Noise, Pantha Du Prince es de esos proyectos que llevan al escucha a quedar relajado y con ganas de seguir en un mood liviano. Campanas tenues, bajos sobrios y beats que aumentan poco a poco su velocidad, son la constante en cada una de las once canciones que componen Black Noise, propiciando que los mejores ambientes electrónicos sean explorados. Referir alguna canción como “la mejor” es difícil, pues todas integran una sola pieza. –José Villanueva

De la boscosa Parma, en Italia, llega Lena’s Baedream, banda formada por cinco chicos que empezaron a hacer música desde 2003 y que después de estos años se consolidan con Memo, su más reciente producción. La selección de once tracks resulta exitosa desde ‘Chewing Razorblades’, con el que abren el disco, hasta el cover de ‘Missing’, canción que hiciera famosa el dueto inglés Everything But The Girl, pero que en su versión rockera a la italiana suena inmejorable, dándole un plus a esta producción. La interpretación de las intensas letras de amor y desamor, en voz de Cristian, el vocalista, resulta versátil y bien producida. Y si creían que lo habían escuchado todo, el último track, ‘Overture’, canción poderosa e inevitablemente sensual, sin duda los dejará con ganas de más. -Marcela Muñoz

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP27 Sunny Side Up

Paolo Nutini Atlantic Records 2010

3.0

Video

Calificación

Después de un gran primer disco y emocionar a todos los seguidores del folk pop, con una historia de película bajo el brazo, Paolo Nutini lanza su segundo material discográfico. Cualquier músico que cambia su registro de voz para su segundo disco sabe que es un riesgo bastante fuerte, pues significa cambiar la cara, ese color que el público aprendió a querer después de mucho esfuerzo. Todos hubieran pensado que Nutini tenía muy claro todo esto, especialmente después de batallar por años por la oportunidad que Atlantic Records le brindó, gracias al exito de ‘Brand New Shoes’; lamentablemente no fue así y este disco presenta un poco de jazz sacado adelante por una gran banda de músicos de estudio, pero que en ningún momento es suficiente y, por el contrario, resulta mucho menos de lo que esperábamos. Si tienen ganas de encontrar tracks imparables como ‘Last Request’ o ‘Candy’, no compren este disco. -Aldo Monterrubio

La agrupación española está de regreso, luego de un receso de cuatro años, mientras se dedicaron a hacer remixes; de allí la fuerte carga de secuencias que podemos encontrar en el sucesor de Into The Plateau. Así, ‘Stay Close’ es una bienvenida amable y fresca, festiva más no carnavalesca. ‘Endless Sunset’ mantiene una extraña vibra esperanzadora, acompañada de voces trabajadas digitalmente. Desgraciadamente, en este punto, comienzan a sonar monótonos. ‘Grow’ equilibra un alto grado de energía con el chill out, las vocales con la música y se olvida del exceso de elementos electrónicos, presentes durante todo el álbum. Otro punto a destacar es ‘Simple Graces’, que si bien está sumergida en un sonido muy noventero, resalta entre otros temas más planos y aburridos que no son más que un reflejo de lo mucho que Delorean ha convivido con la música electrónica. -Elsa Núñez

Clinging To A Scheme

The Radio Dept. Labrador Records 2010

7.8

Calificación

7.0

Calificación

‘Foolin’

Devendra Banhart 2010 ‘Foolin’ es un tema que habla del engaño y el sometimiento al que cientos de miles de personas se enfrentan diariamente, ya sea por cuestiones políticas, laborales, de género o por las limitantes que su propio pensamiento pueda imponerles. Devendra Banhart ejemplifica la premisa en una serie de imágenes en las que es parte de una pareja sadomasoquista. Antes de cruzar la puerta de la típica casa de suburbio estadounidense, es recibido por un hombre afroamericano que le pregunta “Do

Formados en 1995, originarios de la fría Suecia, The Radio Dept. nos presenta este tercer material lleno de esperanza, belleza sonora y, sobre todo, calidad en su ejecución. En sus primeras canciones el disco nos recuerda un poco a The Sea And Cake, pero conforme continúa el viaje sonoro, conceptual de estos suecos, todo se envuelve en una esencia propia e inigualable. Y tal vez esa esencia única de sonidos se deba a que la producción corre a cargo de la misma banda, lo que les da la libertad de crear conforme a su idea, la cual nos lleva, por momentos, a sonidos electrónicos ligeros y a una ecualización donde predominan los agudos, otorgándole la carga precisa de calidez. The Radio Dept. se aleja un poco de otros colegas de la región, como TWBA, para dejarnos maravillas como ‘Heaven’s On Fire’. Este es un disco perfecto para una tarde de picnic. –J.V.

you?”, mientras rueda una lágrima por su mejilla. Corte A: Banhart atado de manos, mientras recibe latigazos en la espalda. La manera de abordar dicho tema es algo drástica, pues a pesar de no ver violencia y sangre todo el tiempo, llaman al morbo los atuendos de cuero y las escenas del cantante y su pareja, tanto en la cama como en actividades cotidianas. -E.N.

019

7.0

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

Subiza

Delorean Beggars Banquet 2010

Infinite Arms

Band Of Horses Columbia Records 2010

8.0 Calificación

Nueva alineación y sello discográfico es el contexto en el que aparece Infinite Arms, tercera producción discográfica de Band Of Horses. Luego de recibir buenas críticas con sus discos anteriores y hacerse de una buena reputación, el panorama para esta banda se veía complicado. Sin embargo, Infinite Arms logra llenar las expectativas al ofrecernos canciones de rock folk que la agrupación domina a la perfección, añadiéndole piezas en donde las guitarras eléctricas se apoderan de las melodías, logrando un sonido diferente al que nos tenían acostumbrados. Ejemplo de ello es el primer sencillo, ‘Compliments’, además de los temas ‘Northwest Apartment’ y ‘Laredo’. -A.H.

7.6

5.0

Calificación

Red Light Fever

7.8

Calificación

Muy Lejos

Calificación

Tambora Sound System

Taylor Hawkins And The Coattail Riders Shanabelle/RCA Records 2010

Victoria Mil Arts & Crafts 2010

Liber Terán EMI 2010

Esta es ya la segunda producción del baterista de Foo Fighters y, de entrada, es imposible que no suene a su banda. El primer corte, ‘Not Bad Luck’, tiene varios cambios de ritmo, quizá entre Queen y Green Day, mientras que en ‘Your Shoes’ es más notoria la influencia de Grohl y una base sólida tipo Led Zeppelin. Cada tema tiene características muy peculiares, por momentos rockers, y otras más relajadas sin que lleguen a ser powers ballads. Entre el personal que participó en este disco se ven nombres como Brian May (guitarrista de Queen), Dave Grohl (líder de Foo Fighters) y Roger Taylor (baterista de Duran Duran). Un buen álbum, sin duda, en el que Taylor Hawkins equilibra sus influencias y logra un sonido propio. -Francisco Camino

La banda de rock argentina llega con este, su séptimo disco, contando con la producción de Tom Rixton (productor de cabecera de Antony And The Johnsons). Si bien ‘Cada Golpe’ nos recibe con un muy buen sabor de boca, la escalada se detiene en ‘La Señal’, sin regresar al buen camino hasta el último track. Para una banda “joven” este sería un gran disco, pero para Victoria Mil, que este año cumple 15 de trayectoria, resulta un desatino. Sin menospreciar en ningún momento lo que han creado, es honesto decir que este Muy Lejos en verdad está a gran distancia de lo que se espera en un séptimo disco. -A.M.

Con una clara influencia de la música norteña, country y de tambora, como lo indica el nombre del álbum, Liber Terán regresa a la escena musical, una vez más en solitario. Un álbum que por momentos es divertido, por otros retoma influencias de la música balcánica para combinarse con el sonido de tambora que ahora propone. Trompetas, guitarras acústicas, acordeones y demás instrumentos por el estilo, son los usados en este material de canciones cortas y concisas, generando gran diversidad de sentimientos. Es una buena propuesta de música nacional que no se puede clasificar fácilmente en un género, aunque sus cortes podrían ser incluidos en algún soundtrack de película mexicana. -E.C.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP27 Nobody’s Daughter

Hole Universal 2010

7.0

Video

Calificación

Después de un desastroso álbum solista y un “regreso” sin la alineación original de Hole, nadie esperaba mucho de la viuda grunge. ‘Samantha’ y ‘Skinny Little Bitch’ fueron los primeros cortes en desprenderse de esta placa, que no se adivinaba del todo mal. El tema que da título al material abre con honestidad lírica y, a medida que avanzan los tracks, encontramos elementos que evocan discos anteriores de la banda, pero ahora con calidad renovada y una frontwoman de mayor nivel interpretativo. ‘Letter To God’ captura a la primera, mientras ‘Pacific Coast Highway’, ‘Someone Else’s Bed’ y ‘For Once In Your Life’ ponen en claro que, incluso con más de diez años de ausencia, no todo estaba dicho. Con respetables composiciones y una evolución musical notable, a pesar de ser un buen álbum, Nobody’s Daughter no logra superar el sonido que Erlandson (guitarra) y Auf Der Maur (bajo) plasmaron en el aclamado Celebrity Skin (1998). Así, este disco marca un buen regreso de Courtney Love, pero no resulta la mejor carta de presentación para el nombre de la banda. -Sandra Valerio

Luego de conocer Amar La Trama definitivamente podríamos asegurar que Jorge Drexler se está consagrando como un artista fino, original y con propuesta. Extremadamente cuidado en todos los sentidos, este es un disco que envuelve a cualquiera desde su primer track, pues en él encontramos influencias latinas, afroamericanas y hasta de The Beatles. En ocasiones bohemio, al mismo tiempo que atrevido, ‘Toque De Queda’ y ‘Amar La Trama’ resumen en su totalidad el viaje que el disco ofrece: la voz siempre acorde con el mood, percusiones perfectamente planeadas y arreglos de trompetas se hacen presentes cuando deben. Esta es una muy buena opción cuando se busca música nueva, bien concebida y mejor plasmada. -Alan Sefchovich

Rise Up

Cypress Hill Priority 2010

7.6

Calificación

Después de varios años dedicándose a sus proyectos alternos, finalmente B Real, Eric Bobo y compañía, lanzan un material para todos los seguidores que jamás les perdieron la pista y que esperaban con ansias nuevos temas, mismos que finalmente ven la luz y, cabe mencionar, no decepcionan. Simplemente, el track que da título a esta placa, hace headbangear con rimas tan potentes como los riffs de su colaborador, Tom Morello (Rage Against The Machine), energía que atrapa igual en el requinto de ‘Shut ’Em Down’, y ni qué decir de ‘Carry Me Away’, que con más trabajo melódico y algunos coros —cortesía de Mike Shinoda (Linkin Park)—, nos remontan a los tiempos del maravilloso Cypress Hill IV (1998). No cabe duda de que el trabajo en proyectos alternos, ya sea como músicos invitados o productores, no ha hecho más que enriquecer el nivel de los integrantes de esta banda que ya es toda una institución del hip hop. -Susana Betancourt

7.8

Calificación

‘Powerless’

The Flaming Lips 2010

Una chica atada a una silla, con una venda en los ojos, en un desierto. Sólo porta una playera y bragas. Un mono la mira de cerca: parece burlarse, ¿o asustarse? Y es que la chica fuerza las cuerdas mientras el frenesí musical se apodera de su cuerpo. Así se desarrolla ‘Powerless’, del álbum Embryonic: un corte de seis minutos que atrapa por la combinación imagen-sonido. Dirigido por el frontman de la banda, Wayne Coyne, al lado de George Salisbury, consiguen un video que transmite lo que la canción logra por sí misma: la sensación de angustia y soledad. Los minutos transcurren entre el mono, el sol, el desierto, la silla y la chica, hasta que ésta logra desatarse, correr y brincar en una aparente felicidad. A pesar de los pocos elementos visuales, consiguen interactuar con una pieza fundamentalmente instrumental, básica, con un bajo perpetuo y efectos de guitarra que no se detienen hasta que todo termina, cuando el mono escapa con ella. -Samuel Segura

021

7.6

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

Amar La Trama

Jorge Drexler Warner 2010

The Cement Garden De Andrew Birkin 1993

Charlotte Gainsbourg tiene un no sé qué, que qué sé yo. Aunque como bien dice un amigo: “la descripción de su físico te puede llevar a pensar que no es una mujer muy agraciada”. Pero algo pasa que “la cámara la ama” (como reza la frase utilizada por los críticos de cine), en fotos y en películas transmite un sex appeal que ya quisieran las bonitas. Debe ser herencia de sus padres: Jane Birkin era hermosa y Serge Gainsbourg, aunque feo, era más galán que el mismísimo Mauricio Garcés. La película The Cement Garden (1992) es una película que dirige el tío de Charlotte, Andrew Birkin, basándose en una novela escrita por Ian McEwan, quien tiene en su haber varias novelas llevadas al cine (Expiación dirigida por Joe Wright

en 2007 es una de ellas). En el Jardín de Cemento, la Gainsbourg interpreta a la hermana mayor (17 años) de cuatro hermanos que, por azares del destino, quedan huérfanos. Los hermanos, que tienen miedo a que los den en adopción a distintas familias, deciden de una manera muy sui generis hacerse cargo de ellos mismos. El protagonista principal en realidad es el hermano que le sigue en edad a Charlotte, Andrew Robertson, pero la presencia (y tensión sexual) que genera la Gainsbourg no pasan desapercibidas durante toda la cinta. ¿Servirá que mencione que Charlotte sale desnuda en esta película a la tierna edad de 19 años? Tal vez eso haga que se interesen los fans de sus discos; el primero hecho en

colaboración con Air, y el segundo nada menos que con Beck. Hace poco vi a Charlotte Gainsbourg cantar en una carpa del Coachella 2010. Para muchos, igual que yo, fue una decepción. La actriz no lograba transmitir la energía como lo hace en sus películas. Por suerte mi hermano me regaló este DVD en ese viaje, para pasar el trago amargo de su no tan buena actuación en Coachella. Esta película me hace seguir creyendo en ella. Sigo siendo fan de la “feíta con sex appeal”.

Joselo Rangel

Guitarrista de Café Tacvba, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP27 New Amerykah Part Two (Return Of The Ankh) Erykah Badu Universal/Motown 2010

8.2 Calificación

Después de dos años, como era de esperarse, la cantante soul regresa con un gran material, y es que si bien el género R&B no es muy popular que digamos, representantes como Erykah Badu logran colocarlo en el gusto de cualquiera. Esta placa, igual que sus antecesoras, plasma letras honestas, de métrica perfecta que se acomodan sin problema en las atmósferas donde la calidad de interpretación se encuentra siempre en primer plano. ‘Out My Mind, Just In Time’, es un claro ejemplo; es un track donde el acompañamiento del piano hace lucir la espléndida voz de Erykah Badu a lo largo de nueve minutos: no por nada decidió darle este mismo nombre a su Tour 2010. Es así que tras la simplicidad de ‘20 Feet Tall’ o el dinamismo de ‘Umm Hmm’ y ‘Widow Seat’, no hay nada más qué decir. Simplemente es mejor relajarse y disfrutar esta gran calidad musical. -S.V.

Diamond Eyes

Deftones Warner/Reprise 2010

Single

7.5

Calificación

El sexto material de Deftones recupera la esencia del grupo y no hay mucha diferencia musical respecto a sus cinco producciones anteriores. Y al final eso es bueno, pues mantienen la calidad a pesar de las eventualidades con Chi Cheng, su bajista. Los riffs suenan duros, saturados, aunque se equilibran con la batería y sobre todo con la segunda guitarra, que sin dejar de ser contundente hace más sencilla la percepción del sonido; las vocales son como siempre: limpias, afinadas, complementadas con guturales metaleros. El catalogar a Deftones como nü metal o metal alternativo es algo complicado pues el disco, a lo largo de sus once temas, suena como si lo hubiesen grabado a finales de los noventa, con ciertos matices que no niegan la influencia de Metallica o Pantera. -F.C.

8.0 Calificación

‘Fool’s Day’

Blur Parlophone 2010

La espera terminó: luego de siete años de ausencia, Blur nos recuerda por qué marcaron la década de los noventa (y parte de la pasada) y cómo es que lograron darle batalla a Oasis. ‘Fool’s Day’ es el título del tema en el que la alineación original de la banda se reúne luego del desafortunado Think Tank, de 2003. A pesar

7.8

Calificación

Damon Albarn se mantiene en el estado de ánimo melancólico que caracteriza a la agrupación inglesa, la guitarra nos lleva de la mano por un relato

La ex bajista de Hole trae entre manos proyectos ambiciosos: un disco, un comic y un cortometraje que se complementan entre sí, adentrándose en temas místicos, vikingos y personales. Hay que reconocer que, sonoramente, Melissa cambió los riffs furiosos por melodías más oníricas, de instrumentaciones y arreglos sencillos en comparación a su furioso debut de 2004, así como líricas cuidadosamente planeadas y exitosamente logradas para contar una historia. Un buen experimento de la canadiense, lo que en estos tiempos de austeridad creativa se agradece, aunque lo realmente interesante vendrá cuando escuchemos un nuevo álbum de esta pelirroja, dedicado única y exclusivamente a la música, en lugar de a un concepto. Por ahora, sólo se puede hablar de “un buen álbum” a secas. -D.G.

en el que se intercalan riffs más pesados a cargo de Graham Coxon, que sigilosamente se apoderan de la canción para cerrarla gloriosamente. ‘Fool’s Day’ se dio a conocer dentro del marco de las celebraciones del Record Store Day, en Inglaterra, poniéndose a la venta mil unidades del tema en vinil. -E.N.

023

Melissa Auf Der Maur Roadrunner Records 2010

proyectos musicales, la voz de

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Out Of Our Minds

de haberse dedicado a otros

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP27 Forgiveness Rock Record

Broken Social Scene Arts & Crafts 2010

8.5 Calificación

Luego de cinco años de espera, el colectivo canadiense Broken Social Scene reaparece con su cuarto disco de estudio. Durante todo ese tiempo los originarios de Toronto trabajaron al lado del productor estadounidense John McEntire, dando como resultado las catorce canciones que conforman Forgiveness Rock Record. Como ya es costumbre, el disco combina diferentes instrumentos musicales, lo que da como resultado una gran orquestación con melodías que van desde el rock y pop, hasta sintetizadores, pianos y arreglos con instrumentos de viento. Esta producción cuenta con la participación de importantes músicos de la escena independiente de Toronto, como Leslie Feist y Emily Haines (Metric), quienes interpretan ‘Chase Scene’ a dúo. -A.H.

This Is Happening

LCD Soundsystem DFA Records 2010

9.3

Calificación

Ya lo habíamos platicado en el número anterior: la banda neoyorquina venía con un disco más que plausible y poderoso en su estructura, lo que se confirma el mismo día de su salida. La línea creativa de James Murphy y compañía plasma a la perfección el concepto “evolución”, lo que muy pocos consiguen al so de los años; y es que con el inicio aletargado de ‘Dance Yourself Clean’ se piensa que el disco será ligero, sorprendiéndonos con la batería que explota cuando uno menos se lo espera. ‘Drunk Girls’ es simplemente el divertimento de una canción relajada, continuando con enormes momentos como ‘One Touch’ o ‘Hit’, que redondean un disco de canciones largas en su duración, pero perfectas en su manufactura. Así, LCD Soundsystem consagra su calidad de nuevo. -J.V.

Classic

Sailing The Seas Of Cheese

Primus Interscope 1991

9.6

Calificación

Crystal Castles

Crystal Castles Merok Records 2010

Sailing The Seas Of Cheese, el segundo material de la banda originaria de California, Primus, fue el disco que los lanzó a otros niveles de proyección, gracias a que lo grabaron con una disquera grande (Interscope). Pese a lo que podría pensarse —como sucede con muchos grupos independientes que dan ese salto—, Primus mantuvo su impresionante sonido, que explota desde el inicio con ‘Here Come The Bastards’, track que da la bienvenida a todos. Obviamente, el bajo del maestro Les Claypool es hilarante, soberbio y sobre todo mágico: ‘Sgt. Baker’ es testigo de esto. Tim Alexander y Larry Lalonde, de igual forma, cumplen con la labor titánica de engrandecer el sonido Primus como se debe y, a 19 años de su estreno, canciones como ‘Jerry Was A Race Car Driver’, ‘American Life’, ‘Tommy The Cat’ y la esquizofrénica ‘Is It Luck?’ siguen estando vigentes. Por algo ya son clásicos irrepetibles. –Milton Barboza A.

8.0 Calificación

Muchos estuvieron inconformes cuando decenas de publicaciones alrededor del mundo los tomó en cuenta para su lista de lo mejor de la década; otros cuantos pensaron que se trataba de una parte de eso a lo que llaman “moda”. Con esta segunda entrega, Crystal Castles nos demuestra que no son un producto próximo a caducar. El álbum lleva el mismo nombre que el anterior, más no el mismo sonido, pues desde el arranque, con ‘Fainting Spells’, Ethan y Alice dejan en claro que se tomaron el tiempo necesario para madurar como músicos; el tema encierra misterio sustentado en las secuencias escandalosas, mientras que en ‘Celestica’ Alice suena bastante dulce. ‘Doe Deer’ está llena de acción, es dinámica y tiene reminiscencias a ese sonido ya familiar, idea que refuerzan en ‘Baptism’, donde los Crystal se exhiben maduros y, aunque un tanto noventeros, llenos de secuencias balanceadas que estallan al ritmo de las vocales. ‘Violent Dreams’ es una pausa en la carga sónica, mientras que ‘I Am Made Of Chalk’, el cierre, es un viaje atascado de elementos muy bien armonizados. -E.N.

PROFILE // WARP27 Integrantes: Rhydian - bajo | Ritzy - guitarra / voz | Matt - batería

THE JOY FORMIDABLE Luisa Reséndiz

Originaria del norte de Gales, Reino Unido, esta banda viene a reconfortar los oídos con música suave que, acompañada de la voz de su vocalista, Ritzy, le puede alegrar el día a cualquiera. Su carrera abarca ya un disco de ocho tracks, llamado A Balloon Called Moaning

Cortesía The Joy Formidable

(2009), así como varias giras en Europa y Estados Unidos, al lado de bandas como Editors, Passion Pit y The Temper Trap. Este año, The Joy Formidable estrenará su primer larga duración y no está de más decir que son una propuesta de futuro prometedor.

Escúchalos en: www.myspace.com/thejoyformidable | www.thejoyformidable.com

GIGS // Rodrigo y Gabriela / WARP27

GiG

Rob Trujillo, Gabriela y Rodrigo

Rodrigo

Al término del concierto

El Radio City Music Hall

Rodrigo y Gabriela Radio City Music Hall, Nueva York – 28 de Abril

tal”, dice, antes de invitar a Alex Skolnick, de Testament, al escenario. Hay gritos de emoción y sorpresa en todo el lugar. Algo similar ocurrió minutos antes, cuando Le Trio Joubran inauguró la lista de invitados especiales de la noche, con los mismos buenos resultados. Pero aún falta una sorpresa más por descubrir —en caso de que no se hubiera consultado el Twitter de RyG (@rodgab) antes del concierto—: “Roberto Trujillo, de Metallica”, como lo presenta Rodrigo, sube al stage y toca con ellos durante casi quince minutos. Momento irrepetible. El público, en su mayoría estadounidense, no deja de brincar. Los latinos —mexicanos en particular— le ponemos el toque extra de sabor a la noche con los gritos oportunos que nos caracterizan. El ambiente no puede ser mejor. El cierre deja a todos con ganas de más y ‘For Those About To Rock (We Salute You)’, de AC/DC, revienta en el sonido local mientras Rodrigo y Gabriela disfrutan, ya sin sus guitarras, haber conquistado otro reto en su carrera, uno muy grande. México gana un partido decisivo en el mundial, logramos conquistar una medalla de oro en las Olimpiadas, nuestro país es reconocido con un premio Oscar… Por lo menos siento algo así, a la salida del Radio City Music Hall, luego del concierto de Rodrigo y Gabriela.

warp magazine / www.warp.com.mx

Nunca antes he estado en el Radio City Music Hall y hacerlo por vez primera de la mano de Rodrigo y Gabriela es algo insuperable. Si bien ellos nunca han usado la carta de “ser mexicanos” para conquistar al público mundial o hacerse de más adeptos nacionales, es imposible dejar de sentir orgullo por unos compatriotas que se han roto los huesos por sacar adelante su sueño. La marquesina del Radio City Music Hall reza sus nombres al lado de un “SOLD OUT” irrefutable, lo que queda más que claro cuando se siente vibrar hasta el último asiento del mítico recinto. Rodrigo levanta los brazos constantemente para darse el lujo de advertir la ciudad de New York rendida a sus pies. Gaby es un poco más reservada, pero cuando habla por el micrófono su característica sencillez se gana al público de inmediato, que le aplaude casi cada palabra que pronuncia. La ejecución es perfecta, como siempre, y los visuales en varios de sus cortes se agradecen de tal modo que quisiéramos ver más. Los solos de los dos dejan en claro por qué están en el lugar que actualmente ocupan en la música mundial. Gabriela logra que todo el Radio City se ponga de pié, mientras Rodrigo deja claro lo que corre por sus venas: “Para los que no nos conocen, venimos del heavy me-

027

Alejandro Franco

GIGS // American Idiot / WARP27

GiG

American Idiot El musical de Green Day

St. James Theatre, Nueva York - 30 de Abril Alejandro Franco

Cortesía American Idiot Broadway

Desde que se anunció la creación del musical de Green Day basado en su obra maestra American Idiot de 2004 (más de 12 millones de copias vendidas en el mundo), siempre supe que algún día lo tendría que ver. Afortunadamente hace unas semanas se estrenó en Broadway y ya que WARP MAGAZINE tiene prácticamente una oficina en la Gran Manzana, decidimos hacernos de un buen lugar en el majestuoso pero íntimo St. James Theatre. La producción es espectacular pero muy precisa, sin llegar a ser pretenciosa o sobrecargada. Montar una obra de este tipo puede llegar a ser muy complejo sobre todo porque el trabajo está basado en algo que ya es una obra consagrada y conocida, que nadie quiere ver por debajo de su propio nivel. Y para fortuna de los fans, esa es la parte más cuidada. En el musical no se escuchan versiones extrañas de las canciones. El soporte lo lleva una banda de rock que toca magistralmente el disco entero y algunas sorpresas más de Green Day, que no pienso revelar pero que incluyen temas del último disco 21st Century Breakdown y un clásico sorpresa. Además, un discreto apoyo

de cuerdas que consiste en tres violines y un cello para dejar a las voces de los actores estelarizar la puesta en escena, que nunca cae en lo cursi ni en lo “cheesy” de algunos musicales del estilo. El conocido director de teatro Michael Mayer, trabajó muy de la mano de la banda, especialmente de BillieJoe Armstrong, con quien hizo el proyecto del libro que más tarde resultó en el musical que incluye a actores de nueva generación con experiencia en teatro y musicales en su mayoría, comandados por John Gallagher Jr. quien ganó un premio Tony en 2007 por Spring Awakening, también dirigida por Mayer. La historia (post 9/11) va de tres amigos que quieren tener una banda de rock (cualquier parecido con Green Day es mera coincidencia) pero que se enfrentan de manera directa con los problemas clave de cualquier adolescente norteamericano: la indiferencia, los abusos y la guerra. Por momentos el discurso es fuerte visualmente hablando, pero no podía ser menos con las líricas del disco que como bien sabemos, siempre fueron críticas directas al gobierno de George W. Bush.

e ier Alejandro Franco

or ad a

GIGS // WARP Proudly Presents: Sesiones con Alejandro Franco / WARP27

p Cuarta Tem

El Imperial Club, Ciudad de México - 04 de Mayo

Agradecemos por las facilidades otorgadas a:

Sergio Gálvez

Diego Solórzano (Rey Pila)

029

El martes 4 de mayo se llevó a cabo la fiesta de estreno para la Cuarta Temporada de Sesiones con Alejandro Franco, programa reconocido por presentar las mejores propuestas musicales del mundo, en encuentros íntimos y en vivo. En medio de un gran ambiente y un Imperial a reventar, se estrenó el primer capítulo de esta nueva temporada, el cual presentó a la banda mexicana Café Tacvba. Al término de este episodio —que se exhibió en pantallas colocadas en el escenario—, la música corrió a cargo de Rey Pila, nuevo proyecto de Diego Solórzano (ex Dynamite), quienes con un sonido electrónico y rockero, encendieron los ánimos durante toda su presentación. Así, los asistentes pudieron disfrutar de una gran fiesta, en donde además de ser testigos del primer programa de esta nueva temporada, prolongaron la velada en medio de buena música y un anfitrión —Alejandro Franco— que se dio tiempo igual para convivir con sus invitados, dar entrevistas a diversos medios y pasar una gran noche con sus amigos. La Cuarta Temporada de Sesiones con Alejandro Franco se estrenó el miércoles 5 de Mayo en el Prime Time del canal Animax y el sábado 08 de Mayo por Canal Sony. SESIONES CON ALEJANDRO FRANCO, EN SU CUARTA TEMPORADA, PRESENTARÁ A: Café Tacvba (MX) Hello Seahorse! (MX) Rodrigo y Gabriela (MX) Adanowsky (FR) Misfits (US) Mew (DK) Creature (CA) Vivian Girls (US)

The Dead Weather (US) Moby (US) Gogol Bordello (US) The Ting Tings (UK) Aterciopelados (Col) Francisca Valenzuela (CH) The Raveonettes (DK) Ely Guerra y Tito (Molotov)

Balbi (manager Café Tacvba)

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Susana Betancourt

GIGS // Japanther / The Dears / WARP27

Japanther

Pasaje América, Ciudad de México - 05 de Mayo Luisa Reséndiz

Rodrigo Curiel

La banda de punk neoyorquina conformada por Ian Vanek y Matt Reilly, se presentó en nuestro país para dar a conocer su sonido que cargado de algunas secuencias y otros instrumentos, dieron una gran velada que nos recordó que hacer música no necesariamente debe ser elaborado. Aunque el día era un tanto difícil por el puente

que se atravesó, hubo muchos asistentes que pudieron ver primero a Rey Pila, nuevo proyecto de Diego Solórzano (ex Dynamite) que calentó la noche para que, seguido, Japanther llegara con su particular forma de cantar por medio de teléfonos estilo setenteros, de donde salían las letras despreocupadas de la banda.

GiG

Diego Solórzano (Rey Pila)

Ian Vanek

Matt Reilly

The Dears

Pasagüero, Ciudad de México - 06 de Mayo Sergio Gálvez

Los seis integrantes de la banda canadiense subieron al escenario alrededor de las 11:30 de la noche acompañados por tarola, bombo y platillo, sincronizados melódicamente para comenzar la presentación de una noche larga en donde sonaron ‘Omega’, ‘Blood’, ‘Chords’, ‘Thrones’, ‘Lamentation’, ‘Nobody’, ‘Yesteryear’ y ‘Kid’, entre otros temas que fueron recibidos con la euforia del público asistente. Y cuando parecía que el concierto había llegado a su fin, Murray subió

al escenario acompañado sólo de su guitarra electroacústica para ofrecer más momentos de emotividad; cuando terminó, bajó del escenario y caminó entre el público, que no perdió la oportunidad de tomarle alguna fotografía. Después de una hora y treinta minutos de concierto, los canadienses se despidieron notablemente felices, satisfechos por un concierto que ofreció canciones dulces, melancólicas y, en fin, con el toque ya característico de The Dears.

GiG

Natalia Yanchack

Murray Lightburn

GIGS // Descartes A Kant / Hello Seahorse! & Rey Pila / WARP27

Descartes A Kant Imperial, Ciudad de México - 7 de Mayo Luisa Reséndiz

Julio Muñoz

Una de las bandas con mayor proyección desde México es sin lugar a dudas Descartes A Kant; directo desde Guadalajara llegaron a presentarse después de un buen tiempo con resultados muy favorables. Sandrushka y compañía volvieron a enardecer a sus seguidores con performance

y sobre todo, gran música de su primer disco Paper Dolls y algunas canciones de lo que tendremos a bien escuchar en un nuevo material próximamente. Sangre y actitud siempre ha sido parte de este grupo que no deja nada a la imaginación y todo a la degustación auditiva.

GiG

Sandrushka Petrova

Hello Seahorse! & Rey Pila Voilá, Ciudad de México - 13 de mayo Wendy Cid

Sergio Gálvez

do con ‘Sordo’. Para la media noche Hello Seahorse! hizo su aparición en el escenario, con un público impaciente por escuchar los ya considerados éxitos de la banda. Sonaron temas como ‘7 Días’, ‘Oso Polar’, ‘Después’, ‘Volando Me Voy’, ‘Criminal’ y, de forma acústica, ‘Bestia’, canción en la que el público acompañó a Denisse para interpretarlo con ella a una sola voz. La vocalista finalizó su presentación brindando su copa de vino al público.

GiG

Lo Blondo

Oro de Neta

Rey Pila

Diego Solorzano

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031

El Voilá recibió con éxito a Rey Pila, actual proyecto musical de Diego Solórzano (ex Dynamite), quien presenta un sonido bastante fresco y, a pesar de su reciente nacimiento, figura ya dentro del gusto del público con su primer sencillo, ‘No.114’. A pesar de las fallas de sonido, los integrantes de la recién formada agrupación deleitaron a los presentes con canciones como ‘Gift’, ‘No Longer Fun’, ‘Pictures Of The Sun’, entre otras, finalizan-

COLUMNA GIGS // Beach House / Recoil / WARP27

Beach House

Lunario del Auditorio Nacional, Ciudad de México – 13 de Mayo Eric Coy

Cortesía Arts & Crafts México

Ante un contundente sold out y un público hambriento por escucharlos en vivo, Beach House se presentó en la Ciudad de México, previo a sus participaciones en los festivales europeos de verano. La banda comenzó a tocar en punto de las 22:30 horas y el ruido no se hizo esperar cuando Victoria y Alex subieron al escenario, junto a un percusionista que los acompañó durante toda su presentación. Prácticamente todo el show giró alrededor de Teen Dream, su nuevo álbum, retomando

algunos tracks de sus anteriores producciones. La primera canción que sonó fue ‘Walk In The Park’, seguida de ‘Lover Of Mine’, la cual incitó los aplausos y los gritos de un Lunario abarrotado que coreaba y aplaudía todo lo que la banda le ofrecía. Otras de las pistas que sonaron fueron ‘Norway’, ‘Astronaut’ y ‘Zebra’, despidiéndose con ‘Take Care’ y cerrando con ‘10 Mile Stereo’. Una hora y diez minutos fue lo que duró el show que, a pesar de ser corto, dejó a todo el mundo satisfecho.

GiG

08 Victoria Legrand

Alex Scally

Recoil

Lunario del Auditorio Nacional – 14 de Mayo Diovanny Garfias

Julio Muñóz

Alan Wilder visitó una vez más la Ciudad de México, pero en esta ocasión lo hizo con su proyecto Recoil, mismo que da cabida a todos los demonios que invaden la cabeza del músico. Con un ambiente similar al que se vive en las fiestas tributo a la banda liderada por Dave Gahan (o sea, lleno de fanáticos de Depeche Mode), Wilder y Kendall saltaron al escenario pasadas las 11 de la noche, ganándose en automático la atención y reconocimiento del público. Contrario a lo que muchos pensa-

ban, A Strange Hour es un show multimedia que incluye proyecciones especializadas, creadas exclusivamente para cada ejecución de la dupla, y no para un DJ Set con lo mejor de la ex banda de Wilder. Así, Alan empezó una velada sonora apoyado en los beats y líneas de bajo de las piezas claves de Recoil, como ‘Strange Hours’, ‘Prey’ y ‘Faith Healer’. Durante poco más de una hora, Wilder y Kendall dieron cátedra de construcción musical, llevando los ordenadores hasta sus últimas consecuencias.

GiG

09 Recoil

Alan Wilder

Recoil

GIGS // Concierto Anti Ley SB 1070 / WARP27

GiG

Los Bunkers

Molotov

La Maldita Vecindad

Nortec

Zócalo

Nortec

Jaguares

Concierto Anti Ley SB 1070 Zócalo de la Ciudad de México - 16 de Mayo

A pesar de haber lanzado un comunicado oficial donde se informaba que Maldita Vecindad Y Los Hijos Del Quinto Patio no se presentaría en el Zócalo capitalino el domingo 16 de mayo, la banda mexicana terminó formando parte del evento. El concierto inició a las 14 horas, aunque los asistentes comenzaron a llenar la plancha del Zócalo desde antes del mediodía, asegurando un lugar para disfrutar de Los Bunkers (Chile), Maldita Vecindad, Molotov, Jaguares y Nortec. La premisa del concierto fue manifestarse en contra de la Ley SB 1070 del estado de Arizona, Estados Unidos, la cual criminaliza a quien no presente documentos oficiales que lo acrediten como ciudadano estadounidense, tan sólo tener aspecto latino. Así, el concierto congregó a miles de personas para protestar ante esta arbitrariedad y de paso disfrutar de una tarde lluviosa, llena de calidad musical, en el Distrito Federal. El Zócalo lució menos abarrotado que en otras ocasiones; además, debido a la lluvia, las personas parecían más preocupadas por un refugio que por iniciar algún alboroto. No fue sino hasta que Molotov tomó el escenario que los ánimos se encendieron, y mucho más con temas como ‘Puto’, pues los asistentes —que para entonces ya se cubrían con impermeables desechables— corearon a todo pulmón los versos del tema y brincaron al mismo compás. Así llegó el turno de Maldita, quienes demoraron más de

lo planeado en iniciar su presentación, pues la lluvia, a esa hora, comenzaba a causar estragos. Roco, líder de la banda, se hacía escuchar: “¡El trabajo es un derecho! ¡No a la Ley Racista de Arizona! ¡Sí al amor!”, proclamó, antes de entonar himnos como ‘Kumbala’ y ‘Pachuco’. A pesar de que la Maldita y Molotov lograron encender los ánimos, la gente se impacientaba por recibir a Saúl Hernández, al frente de Jaguares, quienes demoraron su salida hasta que los silbidos hicieron que comenzaran con ‘Alquimista’. Para entonces el público ya se mostraba tranquilo, cansado, aunque el servicio médico no reportaba nada de gravedad. Saúl dedicó un par de temas al Sindicato Mexicano de Electricistas, pero fue hasta que sonaron temas de Caifanes —como ‘La Negra Tomasa’, ‘La Célula Que Explota’ y ‘Afuera’— que lograron la verdadera conexión con la audiencia. Para cerrar con broche de oro llegó Nortec, con Bostich y Fussible, acompañados de los ya característicos visuales que enmarcan su distintivo sonido electrónico, el cual ocasionó que la plancha del Zócalo capitalino se convirtiera en una gran pista de baile, pasadas ya las 8 de la noche, por lo que el show de los oriundos de Tijuana se apreció mejor. Los asistentes ya eran menos; sin embargo, Nortec mantuvo a tope los ánimos de los aún presentes, que los acompañaron hasta el final de su presentación, marcando así el cierre de un concierto esperado, aplaudido y que por igual superó las expectativas de organizadores y asistentes.

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Sergio Gálvez

warp magazine / www.warp.com.mx

Diovanny Garfias

COLUMNA GIGS // Who’s Hot Who’s Not / WARP27

Hide Park Calling

Glastonbury

Ibiza Rocks

Right There Junio ROCKS!

Daisy Heartbreaker, corresponsal UK/Ibiza

Desde la última odisea que viví en Brasil —en mi DJ debut en el Club Pararaio!, de Bahia, que por cierto estuvo increíble, pues fue un honor compartir cabina con uno de los duos ingleses más respetados de la escena electrónica, Layo & Bushwacka!—, ya de vuelta en Europa, han pasado varias lunas, más de mil aventuras y hasta un volcán hizo erupción. Y precisamente el volcán de Islandia, que no ha parado de toser cenizas en cada esquina del Viejo Continente, ha obligado a muchos viajeros, bandas y DJs a quedar atrapados en salas de espera de aeropuertos alrededor del mundo, mientras que promotores de eventos y sobre todo miles de fans se han visto afectados debido a la a cancelación de conciertos. Algunos se han re-programado, aunque otros, sobre todo festivales tan esperados como el Coachella, se han quedado con las ganas de presentar a bandas como The Cribs, lo que no podrá ser sino hasta el próximo año. Mientras tanto, de este lado del océano, los neoyorquinos de LCD Soundsystem cancelaron su tan esperado show en Dublín, al lado de Yacht.

A pesar de esto, parece que junio está cargado de acción en España y Reino Unido, gracias a los eventos programados a lo largo del último mes de la temporada primaveral. Tal calendarización nos servirá de introducción para un verano 2010 ultrahot, sobre todo en Ibiza, Barcelona, Londres y por supuesto, Glastonbury. Empezando por la Isla Blanca, les puedo asegurar que las opening parties, que dan inicio a la temporada alta, están muy interesantes, pues los conciertos que los promotores de “Ibiza Rocks” han estado preparando inician el 8 de junio, con Biffy Clyro y Bombay Bicycle Club, mientras que el 15 de junio llegará una de las figuras consagradas de la escena indie-brit pop: Mr. Ian Brown. En lo que a mí respecta, el viernes 4 de junio inicio una nueva residencia DJ, llamada “Short Circuit”: cada semana nos podrán encontrar en rotación a Jeremy Norris, David Phillips y otros DJs invitados en Lo Cura, uno de los bares más famosos de Ibiza. Este bar es el meeting point de las celebridades del mundo de la música electrónica que llegan a pisar la isla, sobre

todo cuando vienen a tocar en el club Space para la fiesta llamada WeLove, en la que, con un poco de suerte y poniendo atención, te puedes encontrar al lado de alguno de los integrantes de 2ManyDJs o Simian Mobile Disco —por decir sólo un par de los personajes que se pasean por allí—, mientras bebes la especialidad de la casa, el “súper Mojito”. También tengo dos fechas súper especiales, la primera en el club Es Paradis y la otra en el bar DeMiedo, el más rockero de la isla, en la que estoy a la cabeza de cartel como DJ invitada para las fiestas “Rock Factory” y “Electric Feel”, ambas iniciativas de mi colega y buen amigo, DJ Abel Pons. Días después, el 17 de junio, si el volcán lo permite, tendré que volar a Barcelona y asistir al Festival Sónar que, como les había anunciado, se estará celebrando simultáneamente al norte de España, en La Coruña, aunque yo estaré en Barna. Y, ¿saben? Estoy ansiosa de ver en acción el ritmo de Plastikman (Richie Hawtin), LCD Soundsystem, Hot Chip y New Young Pony Club. Creo que después de Cataluña vuelo, el 24 junio, a tierras anglosajonas para

unirme al equipo de WARP MAGAZINE en la locación de Pilton, donde se encuentra la Worthy Farm, para cubrir y celebrar el 40 aniversario del Festival Glastonbury. Allí actuarán Boy George, Vampire Weekend, La Roux, The xx, Scissor Sisters, hasta llegar a los mexicanos Rodrigo y Gabriela, además de Pet Shop Boys, Muse, Julian Casablancas, Faithless, Orbital, etc. Para rematar la aventura en Inglaterra con el WARP team, antes de mi vuelta a Ibiza, haremos una escala técnica en Londres, pues debemos terminar junio como se debe, en el concierto de Kings Of Leon, en el Hyde Park. Si alguno que nos lee estará de vacaciones por estas tierras, ya sabe lo que le espera y podría disfrutar tanto como nosotros por estos rumbos. Por mi parte, sólo queda concluir con un simple y definitivo: Junio Rocks! P.D. Recomendación del mes y soundtrack, al momento de escribir mi columna: A. Human (UK) —Demo 2010—; el título del track es ‘P.F.C.’… Chéquenlo en www.myspace.com/theahuman www.facebook.com/daisyheartbreakerdj.official

hotHOThit // WARP27

Uffie Susana Betancourt

Cortesía Ed Banger Records

Anna-Catherine Hartley es mejor conocida como Uffie. Esta norteamericana, a sus 22 años, ha lanzado ya una serie de EPs que la han colocado como una muy buena exponente del hip hop. Este 2010, con el lanzamiento

de Sex Dreams And Denim Jeans, la carrera de Uffie parece despuntar en grande un álbum que, entre sus colaboradores, tiene a Pharrell Williams, lo que en sí es un mero pretexto para no perderle la pista.

Bad News

GNBN // WARP27

Fuerza Cerati

Bono

El líder de la banda irlandesa U2 tuvo que ser intervenido quirúrgicamente el pasado 21 de mayo en un hospital de Munich, a causa de una lesión en la espalda suscitada durante los ensayos de la gira 360. Los doctores Jorg Tonn y Muller Wohlfahrt realizaron exitosamente la operación; sin embargo, el inicio de la gira, programado para el 3 de junio, será atrasado, “por lo que las fechas de presentación de la banda tendrán que ser redefinidas”, informó Paul McGuiness, manager de U2. Lo que es un hecho es que ya se canceló la presentación del grupo en el aniversario 40 del importante festival inglés Glastonbury, así como se han pospuesto fechas que ya habían sido programadas. Lo bueno, dentro de todo, es que Bono se encuentra ya en recuperación y en buen estado de salud.

Bad News

Worst News

Gustavo Cerati (ex Soda Stereo), sufrió una descompensación en la parte final de su gira por Venezuela, en la que promocionaba Fuerza Natural, su más reciente álbum. El compositor argentino perdió el conocimiento al finalizar su show en el estadio de la USB, en Caracas, el sábado 15 de mayo, por lo que fue trasladado al Centro Médico La Trinidad. Gracias a comunicados oficiales en el sitio del compositor y reportes médicos de dicha institución, se conoce el estado de salud de Cerati, quien al parecer se encuentra estable. Gustavo sufrió una descompensación como consecuencia de una fuerte subida de la presión arterial, lo que concluyó en una isquemia transitoria cerebral. Fue internado y sometido a observación y a diversos exámenes médicos. Posteriormente, Cerati fue intervenido quirúrgicamente para abrirle un hueco en las paredes craneales y liberar el edema. La operación fue exitosa y el último reporte corrió por parte del Dr. Antonio Matinelli, jefe de Terapia Intensiva: “Sigue sedado. En la tomografía no hubo cambios. Eso es bueno hasta cierto punto y el tratamiento sigue exactamente igual. El daño fue del lado izquierdo. La carótida fue obstruida y esa es la razón de la isquemia. La sedación se retira todos los días para hacer la evaluación neurológica de rutina y luego se vuelve a sedar”.

Worst News

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La madrugada del 16 de mayo circuló el rumor de la muerte de Ronnie James Dio, vocalista de bandas emblemáticas como Black Sabbath y Heaven And Hell. Poco después, la misma Wendy Dio, esposa y manager del músico, desmintió este rumor que, lamentablemente, no tardaría en volverse realidad. Ronnie James Dio, de 67 años, perdió su batalla contra el cáncer de estómago: “Hoy mi corazón se ha roto. Ronnie dejó de existir a las 7:45 horas de este 16 de mayo. Muchos amigos y familiares pudieron darle el adiós en privado, antes de que falleciera tranquilamente. Ronnie sabía cuán amado era por tantas personas; por ello valoramos el amor y el apoyo que todos ustedes nos han dado. Por favor, otórguenos algunos días de privacidad para lidiar con nuestra terrible pérdida. Sepan que él los quería a todos y que su música nos acompañará por siempre”. Así, Wendy confirmó la muerte de Ronnie James Dio, una figura icónica para la escena del metal. Descanse en paz.

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R.I.P. Ronnie James Dio (1942-2010)

Banda nueva de Moby

La fórmula puede ser un fracaso

Bad News

El descanso de The Dead Weather

Good News Bad News

Dengler está en busca de otros sonidos y dice tener planes; desde luego que podemos esperar un proyecto nuevo con el ahora ex-bajista de Interpol. Además, siendo Carlos parte fundamental de la banda neoyorquina, con gran peso en el trabajo creativo, es seguro que su regreso será con un grupo que causará revuelo. Al final del día, los rumores que apuntaban roces entre Dengler y Banks desde que el Our Love To Admire salió, se están haciendo realidad.

Después de escuchar el nuevo disco de The Dead Weather podemos decir que Jack White encontró su mejor banda, de sonido único, listo para marcar el camino en cuanto a tiempos, efectos y hasta marketing se refiere. Después de varios experimentos, con The Dead Weather logró emocionar a los melómanos como hacía mucho nadie lo había logrado. El posible regreso de The White Stripes sólo nos hace temer que The Dead Weather se vuelva su proyecto alterno y nos quedemos con las ganas de más música tan buena.

Good News

¿Carlos Dengler en solitario?

Jack White hizo algunos comentarios que sugieren la posibilidad de que la banda que lo puso en el mainstream, The White Stripes, podría regresar a los escenarios. La dupla, que incluye a Meg White en la batería, ha estado en receso indefinido desde 2007, cuando ella sufriera un desorden de ansiedad: “No creo que su ansiedad permanezca allí; sigue involucrada y todo… Nunca nos hemos sentado y dicho: ‘Muy bien, no te olvides de apartar tres meses’. Nunca lo hicimos, ni siquiera en medio de la locura de The White Stripes. No tengo nada planeado después del próximo mes, pero sé que todo se llenará muy rápido”, aseguró Jack.

Repetir una fórmula ganadora no siempre es garantía de éxito y, con sus contadas excepciones, todos los proyectos que reúnen grandes nombres terminan mal. La razón es que son estilos y sonidos muy armados y, por lo menos en el momento de presentarse en vivo, llegan a encimarse. Audioslave fue el primer intento: después de un buen primer disco, nos entregaron otro que se perdía entre la voz de Chris Cornell y la guitarra creativa de Tom Morello.

The White Stripes y su posible regreso

El músico, productor y DJ, Moby, anunció que planea salir de gira junto a su nuevo proyecto, una banda de heavy metal que lleva el nombre de Diamondsnake. Los tracks ‘What The World Needs Now Is Rock’, ‘We Wanna Love You’ y ‘Rock And Raw’, entre otros, ya pueden ser escuchados vía Myspace (www.myspace. com/diamondsnakerocks). Moby es acompañado por Phil Costello (voz y guitarra), Dave Hill (bajo) y Tomato (batería). Por cierto, Diamondsnake debutará el próximo el 17 de junio en Nueva York, en el Highline Ballroom. Esta es la primera vez que Moby forma parte de un proyecto colectivo como tal, más allá de las colaboraciones en sus discos. Seguramente, con la protección que le brinda el éxito de los últimas dreamteam bands, es que toma este riesgo. Y no es que se dude que “Diamonds Snake Rocks”; simplemente es un proyecto lleno de one man bands.

Mediante un comunicado en su página, la banda neoyorquina hizo oficial la salida de su bajista, Carlos Dengler. La banda informó que la separación se dio de manera amistosa justo al terminar de grabar su nuevo disco (mismo que verá la luz en los próximos meses y del cual ya se puede escuchar el sencillo ‘Lights’). La banda externa sus mejores deseos para con Dengler, quien abandona la banda en busca de nuevas metas, además de que los aún miembros de Interpol se declaran fans del trabajo de su hoy ex-compañero. Sin duda, una de las noticias más inesperadas de principios de abril, pues siendo el bajo parte fundamental del sonido de Interpol, es justo preguntarse: ¿Puede Interpol sobrevivir sin Dengler? Recordemos que la banda tiene en puerta una gira para promocionar su nuevo material.

Carlos Dengler fuera de Interpol

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¿En qué momento Slash dejó de ser uno de los guitarristas más virtuosos y respetados del rock para convertirse en un músico sin mucho qué ofrecer en la actualidad? Muy lejos quedó el gran nivel musical que mostró con Guns N’ Roses —ese por el que guitarristas de la talla de B.B. King, Jimmy Page y Eric Clapton lo llegaron a considerar un genio— o sus grandes colaboraciones con Lenny Kravitz, Bob Dylan y Motörhead, entre otros, que al final no supo aprovechar. Luego de la desintegración de Guns N’ Roses, Slash actuó como huesero de la música, pues empezó a mostrarse en videos y discos de “artistas” como Paulina Rubio, por ejemplo. Con Velvet Revolver parecía que retomaría su nivel, pero en canciones como ‘Lovin The Alien’, del Contraband, el solo de guitarra es una copia casi idéntica del intro de ‘Sweet Child O’ Mine’ y sus riffs son un refrito de lo ya escuchado en Guns N’ Roses. Por si fuera poco, se atrevió a anunciar con bombo y platillo su primer disco solista, con verdaderas estrellas del rock (colaboran Iggy Pop, Dave Grohl, Chris Cornell, entre otros)… Pero la producción terminó por ser mala y no ofreció absolutamente nada interesante.

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Pídanle Un Taxi a Slash...

THE PLAYLIST OF OUR LIVES // WARP27

THE PLAYLIST OF Our Lives

Fito Montes / twitter.com/fitomontes

a Nuev na m Colu

Desde que me levanto hasta que me voy a la cama, de lunes a domingo y de enero a diciembre, la actividad a la que más tiempo le dedico, al menos durante los últimos 20 años, es escuchar música: en ocasiones las novedades del momento, pero las más de las veces los clásicos del rock, punk, brit, electro, rock & roll, psicodelia y cuanto género ha permeado y dejado marca en mi vida, ya sea por influencia de mi padre, de mis hermanos, de amigos o de mi chica. Inspirado en todos ellos, deseo compartir listas de diez canciones ad-hoc, con diferentes tópicos como “Grandes Covers”, “Grandes Soundtracks”, “Básicas De Los Sesenta”, o para cada actividad, ya sean cotidianas, como “Transportarse Al Trabajo”, “Bañarse”, “Comer Helado”, o extraordinarias, como “Asistir A Un Baby Shower”, “Cambiar Una Llanta” o “Despertarse Junto A Un Desconocido(a)”, todas ellas, a fin de cuentas vivencias que casi ninguno de nosotros, en nuestra condición de humanos, podremos eludir...

COVERS MEMORABLES

Hay covers que han llegado a superar la versión original y otros que, si bien no despuntan, se apropian de la rola de tal modo que se han vuelto casi tan imprescindibles como su predecesora.

1•‘I Will Survive’/ Cake / Gloria Gaynor 2•‘Oh! You Pretty Things’/ Au Revoir Simone / David Bowie 3•‘Atomic’/ Elastica / Blondie 4•‘Roll Over Beethoven’/ The Beatles / Chuck Berry 5•‘I Put A Spell On You’/ Creedence Clearwater Revival / Screamin’ Jay Hawkins 6•‘Summertime’/The Zombies / George Gershwin 7•‘Umbrella’/ Manic Street Preachers / Rihanna 8•‘Shake The Disease’/ Hooverphonic / Depeche Mode 9•‘D.A.N.C.E.’/ Get Cape, Wear Cape, Fly / Justice 10•‘Tainted Love’/ Gloria Jones / Soft Cell

• cancion / cover / original

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Class Actress Someone Real

La escena neoyorquina está plagada de artistas en diversas disciplinas, incluidos músicos, ¿qué tan difícil fue para Class Actress destacar en un terreno tan competitivo? Sí fue difícil, hay mucha competencia y creo que ahora mismo somos muy

afortunados de destacar en un lugar donde hay grandes músicos y bandas, pero creo que también hay grandes personas que se ayudan entre sí, incluidos los músicos con quienes estoy en Class Actress. ¿Qué tan difícil ha sido para ti dejar de trabajar en tu propia música para empezar a colaborar con otros músicos (Scott Rosenthal y Mark Richardson) y crear Class Actress; cómo te sientes más cómoda? Es diferente, digo, el proceso de composición es básicamente el mismo, cuando trabajaba sola escribía canciones en la guitarra y luego las empezaba a trabajar. Con Class Actress es lo mismo, pero compongo en el teclado y colaboro con Mark, él sabe de música

electrónica y me da nuevas perspectivas, así que personalmente me siento más cómoda colaborando. Hemos leído varias reseñas de su EP debut Journal Of Ardency, pero dinos, ¿tú cómo lo describirías? Para mí es un producto muy personal, las canciones y la atmósfera, en verdad cada parte del disco es muy personal. No sé, en pocas palabras diría que es un “helado en un día muy caluroso”. ¿Cómo te sientes con las comparaciones que dicen que eres la Madonna de Nueva York? Es muy halagador, amo a Madonna y su álbum debut (Madonna) es una obra maestra. Cuando

empezamos a grabar Journal Of Ardency algunos lo escucharon y encontraron similitudes con el sonido de ese primer disco. Personalmente me siento identificada con ella porque soy una persona que disfruta su sexualidad y no trata de pretender ser alguien que no es. ¿Cuándo vamos a escuchar un álbum completo de Class Actress y qué nos puedes adelantar? Apenas estamos escribiendo para el álbum y estoy muy emocionada, lo que puedo adelantar es: imagina 10 canciones más como las de nuestro EP, pero un poco más pop, con un poco más de azúcar y con algo más de verano, quizá un poco más brillante y más directo.

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Un gran sonido cargado de electro retro y mucha actitud sobre el escenario cortesía de una frontwoman carismática y sexy, esa es la fórmula de Class Actress, triada integrada por Scott Rosenthal, Mark Richardson y encabezada por Elizabeth Harper, con quien tuvimos la oportunidad de platicar en directo y en Exclusiva desde su natal Nueva York, acerca de su EP debut Journal Of Ardency.

Cortesía Class Actress

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Diovanny Garfias

Jefes de Jefes

La importancia de Los Tigres del Norte Alejandro Franco

A mucha gente le parecerá extraño, pero siempre he sido fan de Los Tigres Del Norte. Aunque, ahora que lo pienso, creo que es más extraño que alguien no reconozca la importancia de su música, sus historias, que llevan ya más de 40 años. Los Tigres, formados en 1968, son un pilar imprescindible para la cultura mexicana y han logrado acaparar la atención de distintas generaciones con anécdotas que nos hablan de una realidad siempre aumentada con microscopio: para hablar de las familias que se separan, porque uno de sus miembros tiene que irse “al otro lado” en buscar de mejor suerte, nos cuentan una cruel historia de desamor que involucra a dos hermanos y una mujer (‘Pedro Y Pablo’), mientras que para hablar del narcotráfico nos enfocan una anécdota de traición y avaricia digna de una Tragedia

Cortesía OCESA y William Morris Agency

Griega (‘Contrabando Y Traición’), rematando con un divertido corrido que nos describe a los animalitos de un rancho, por no decir del Gobierno Federal (‘La Granja’). Su fuerza y poder en el escenario los llevan a ser una de las bandas con más horas de vuelo en el mundo entero. Tocan en todos los rincones de México y han hecho lo propio en Estados Unidos, colándose como la humedad en cualquier lugar que tenga paisanos ansiosos de escucharlos. Hace unos días, en un artículo en el semanario The New Yorker, referente a Los Tigres Del Norte y su encuentro con Ry Cooder (imprescindible guitarrista y uno de los creadores del Buena Vista Social Club), el autor comentaba atónito algo que tiene muy buen sabor en todos los bailes, por no decir conciertos, de esta banda del norte de México: nunca hay setlist

ni orden medianamente preestablecido en las canciones que tocarán cualquier noche. Se dice que su única “preparación” es escoger tres canciones de arranque, para que suenen mientras comienzan a llegar papelitos al escenario con los nombres de las canciones que el público quiere. Los papeles van de mano en mano, hasta llegar al escenario, y una vez en la tarima, la banda va levantando las peticiones para complacer a todos los que pagaron por verlos. Lo hermoso del asunto es que no se bajan del foro hasta que el piso está totalmente limpio, sin un solo papel. Conciertos de ocho, de doce horas si es preciso, para que sus fans queden satisfechos, además una producción digna de cualquier concierto mainstream internacional definen su “en vivo” de manera ciertamente espectacular.

go tatuadas en el cerebro desde la infancia. Mi emoción era comparable con cualquiera de los grandes conciertos de rock que me han cambiado la vida; y este no defraudó. Por supuesto que estoy consciente de que lo que presenciamos esa noche fue apenas una probadita de la experiencia entera de ir a un baile de Los Tigres, pero tampoco quiero mentirles: probablemente nunca los vea en un full show, tal vez ni siquiera aguanté más de dos horas de pié, al contrario de Ry Cooder, que decidió

abandonar a Los Tigres en cierto punto de la noche, totalmente agotado, según la historia del citado semanario neoyorquino. Al otro día, cuenta la misma anécdota, Cooder despertó para desayunar y, cerca de las nueve de la mañana, en el lobby del hotel, se encontró con Los Tigres, que apenas iban regresando de tocar. Los Tigres Del Norte son otra de esas historias de éxito que, en medio de tantas malas noticias, debemos contar. Son los jefes de jefes y ya lo llevan siendo muchos años. Es

admirable el entendimiento que tienen con su público y su aportación a la industria musical: son “indies” sin necesitar gritarlo y “alternativos” sin proponérselo; son “comerciales” sin una estrategia de marketing y unos “rockstars” totales sin parecer inalcanzables. Con mi cerveza en mano, pero mi conciencia lista, el inicio me toma por sorpresa. Sus trajes, su presencia en el escenario, el bajo de Tigre Blanco, el poderoso acordeón y esas miradas de experiencia, de sabiduría, hacen que uno sucumba de inmediato ante la presencia de Sus Norteñas Majestades. Algo en el estómago va creciendo poco a poco y no se calma con cerveza, con el baile o con coreo de las canciones. No importa siquiera si eres mexicano o no —según me decía un buen amigo australiano—, o si te sabes las letras: ante el efecto Los Tigres Del Norte, hay muy poco que puedas hacer.

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Yo los descubrí de muy niño, en un cassette repleto de sus éxitos, que no dejé de escuchar hasta que me aprendí todas sus letras. Nunca pude ir a verlos y, para ser honesto, al paso de los años, jamás lo intenté de manera seria. Afortunadamente, hace algunos fines de semana, pude disfrutarlos cuando cerraron el Vive Grupero, una réplica del Vive Latino que, en lugar de bandas de rock, atiende la música que sin lugar a dudas significa el grueso de la industria musical en México. Aprovecho para aplaudir y celebrar la idea Vive Grupero, que poco a poco acercará nuevas generaciones y más sectores sociales, a la música que nos corresponde por derecho y que a veces por pose, o mero desconocimiento, sentimos ajena. El caso es que ahí estaba yo, por fin, viendo a mis Tigres, con una cerveza en la mano, ocupado en recordar las letras que ten-

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Human Diana Urbano

Olas Oceánicas... Soy el Señor Flavio y vengo del futuro ilegal cool para escribir esta columna silver-tape que me encarga la jefatura libertaria de WARP MAGAZINE. Astro-nauta sin fronteras soy, de cinta abierta, rutas elegantes y road-movies latinas que me disparan; amante de México, de México es mi amante, de todos los días, el cenzontle canta villancicos en tono de surf-rock misterioso. Hoy por hoy, volcán 2012. El terror mexicano en mi videoteca personal es un ítem especial. ¿Viste la peli Pandemónium Satánico? Terror movie mexicana de los sesenta. Lo interesante de esta película, además de sí mismísima, es el segundo título, el subtítulo del largometraje: La Sexorcista. El que me esté leyendo en estos momentos, y que haya estado cerca de la escena de la música new metal trash-fusión de los noventa, se habrá dado cuenta de que esta película de terror mexicano llevó al mismísimo Rob Zombie a intitular un disco de su banda con el mismo nombre. Qué banda White Zombie. Grupo que, por cierto, tam-

bién lleva nombre de film de horror. Rob Zombie —todo un investigador en la materia del terror cinematográfico— por supuesto tenía que pasar por el cine mexicano de horror y su altísimo nivel artístico en cuanto al género se refiere. No soy un experto en cine, sólo soy un sonidero astro-nauta new wave pop sensible al buen gusto, con tacto, amante del género. He visto films de vampiros mexicanos de finales de los cincuenta que nada tienen que envidiarle a los platós hollywoodenses. Hugo, de El Libro De Piedra, otra obra maestra del misterio mexicano. Hoy quería hablar de esto con ustedes, pero siempre escribo así: como escribo; no quería meterme a googlear data y más data y después re-escribir aquello que googleé. Me propuse no investigar en la red: así cualquiera escribe de cine, música, o de lo que sea. Yo simplemente me limito a transmitirles mi pasión por el horror-espectáculo y mi gusto por el estilo mexicano del género a través de una o dos películas entre un montón de obras más que valen riqueza,

abundancia y legado de filmes de los cincuenta, sesenta y setenta. Y la música incidental también hace lo suyo en la cinta. Escucho atentamente el soundtrack de Pandemónium Satánico: sonidos de sintetizadores analógicos antiguos subyugantes, efectos crispados, climas tenebrosos, matices sonoros diversos. Magistral. Soy un argentino extraviado en los néctares tepiteños, me monté al arrojo del Chopo, sucumbí a la pléyade de las momias de Guanajuato, la modernidad subyace en los inicios, busco enmascarado de ansiedad un film actual de horror mexicano, hecho con garra de Tláloc y modernidad blanco y negro. Siempre con más preguntas que respuestas, un proceso empírico atroz y vigilante, a la expectativa de los hechos: arte, arte, arte, pop, pop, pop. 4 ever pop. El Horror en el cine. Cine del Mexicano. Soy el Señor Flavio, en ritmopoder textual para WARP MAGAZINE especial cultura pop. Elegancia 2012. Estamos de paso. Me saco el traje de astro-nauta. Flor.

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Sr.Flavio

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More Than

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We Rule The World Poco después, en septiembre de ese mismo año, los propios The Ramones venían a poner en claro que el punk era un ente que no había muerto y el ex Balneario Olímpico de Pantitlán se erguía como el templo para alabar a la mítica banda. Eran tiempos de infancia para todos los que empezábamos a ir a conciertos de rock. Casi no había espacios y la música se conseguía en lugares estratégicos en forma de cassettes grabados, CDs de fayuca, playeras y demás parafernalia rockera. Espacios como el Chopo eran puntos de reunión para una minoría. Todo esto parece hoy una bonita estampa de nuestra historia, la cual se repetía en diferentes países del mundo, aunque con distintas situaciones culturales: Nueva York vivía esto desde un par de décadas atrás y varios puntos urbanos de Reino Unido, ni se diga… El punto es que el rock aún era el patito feo de la música ante los monstruos poperos que dominaban los

charts y las listas “importantes” de popularidad. Con todo lo sucedido en torno a este género imprescindible, la historia nos ha mostrado, a partir del nuevo milenio, nuevas vertientes que bien vale poner sobre la mesa: las marcas importantes utilizan grupos de rock y de subgéneros para musicalizar sus comerciales, desde los inolvidables Inspiral Carpets, hasta los ahora exitosos Phoenix; los conciertos en México, por ejemplo, ya son sold out garantizados con bandas como Kings Of Leon o Muse. Además, los charts están siendo tomados por estas bandas y hay muestras recientes que vale la pena mencionar: Contra, el segundo disco de Vampire Weekend, en su primera semana consiguió vender 124 mil copias, pasando por encima de artistas mediáticos como Taylor Swift. Por su parte, High Violet, el nuevo material de los neoyorquinos The National, se ha posicionado en el número tres de los charts con sus

51 mil copias vendidas. Finalmente, The Dead Weather se colocó en estas listas con la venta de 45 mil copias de su Sea Of Cowards, superando a su antecesor, Horehound, que sólo logró 6 mil en su primera semana. Ya no hay imposibles para este ente llamado “rock”; ya no hay historias de miedo detrás de sus creadores; ya no hay espacios “grandes” para los conciertos de esta índole y cada vez más se convierte en un modelo de negocios propicio para cualquiera que así lo desee. Ya no somos los menos, sino los mejores. Hoy, a 18 años de aquel 1992, me quedo con la satisfacción de haber gastado tan bien gran parte del dinero que me daban mis padres, en discos, playeras, revistas, boletos para ir a los esporádicos conciertos y demás “oportunidades” que se me atravesaran, porque soy parte de esta generación de melómanos que hemos comenzado a dominar el mundo. Amén.

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No se me olvidan los días en que los conciertos de rock eran pequeñitos, cuando apenas se había logrado cruzar la línea retrógrada de la prohibición de eventos de esta naturaleza en México y Rod Stewart llegaba al Estadio Corregidora de Querétaro: era 1989. Tres años después, en 1992, tenía la oportunidad de ir a mi primer concierto: a mis quince años viajaba desde el Norte de la Ciudad de México hasta el estacionamiento del emblemático bazar llamado Pericoapa, para ver a la increíble banda The Cramps: entre slam, punks con mohicanas y el magnífico rockabilly, comenzaba mi melomanía en vivo, que para ese entonces llevaba ya algunos años nutriéndose de viejos cassettes grabados y regrabados desde mis tiempos de quinto de primaria, y los Ramones despertaban mis ansias por bailar. En aquel entonces no éramos más de 200 personas las que estábamos viendo a una de las bandas de rock más importantes que haya dado la tradicional California.

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Milton Barboza Arriaga

ROCK FICTION // WARP27

Their Satanic Majesties Request

hablar del asunto, algunos especularon que el rubio petulante sería el elegido; la cuota inicial, sin embargo, les pareció justa. Estrellaron la botella vacía contra la banqueta y doblaron a la derecha en High Holborn mientras Satanás, sin que lo supieran, caminaba a sus espaldas, en silencio, etéreo en una brisa del Támesis. La antigua ciudadela de Londres se esbozó en la neblina al recordar la Bestia su impertinencia, su soberbia de arcángel, su envidia sin límites y, con todo su amor, deseó pedir perdón; pero se contuvo y, con todo su orgullo, Satanás lloró: una lágrima le escurrió por el pómulo izquierdo, se petrificó al instante y cayó al suelo convertida en diamante. La piedra rodó por la calle, al Oeste: evitó coladeras, esquivó autos estacionados y subió una escalinata, siguiendo de frente sobre Oxford Street, hasta detenerse en la esquina con Hanway —luego de casi dos kilómetros—, a los pies de una puta que esperaba

un milagro recargada en un farol. La chica se sintió afortunada: levantó el diamante del suelo, lo miró a contraluz y su corazón se hinchó de regocijo, sus cabellos se inundaron en fuego, los ojos le reventaron en manantial y su boca eyaculó la aurora boreal hasta la luna. La puta murió. Eran casi las dos de la mañana de aquel martes y pocos en Londres recuerdan hoy el prodigio, pero la banda de rock más grande del mundo, a esas horas, atravesaba Bloomsbury Way. —Es como un arcoíris… Tanta luz les provocó sed: siguieron de largo, hasta Soho, en busca de una cerveza. Their Satanic Majesties Request

The Rolling Stones Abkco Records 1967

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El Big Ben mugió la medianoche del martes. —¿Y la sinfonía más hermosa del mundo? —También… Los chicos sacudieron las melenas como leones complacidos y Satanás desapareció. Sin más reverencia, encendieron un cigarro y abandonaron la estrella de cinco picos dibujada en la tierra cruda. La luna, más amarilla que blanca, terminó de asomarse entre los árboles mientras salían del jardín de Charterhouse Street. Abrieron una botella de bourbon y la compartieron camino a Holborn Circus. Estaba hecho: hombres, mujeres y bestias estarían a sus pies en orgías a 2 mil años luz de casa, sus cuerpos mantendrían su vigor sin importar la edad, serían reyes en esta y en cualquier otra tierra, y su banda duraría más medio siglo. No sabían la de quién, pero el alma de uno de ellos sería recaudada en menos de 500 días y, aunque acordaron no

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Adolfo Vergara Trujillo

GNBN // Insert / WARP27

como las escuchamos en nuestra cabeza: de una manera muy simple. No lo pensamos mucho, así trabajamos; la interpretación que cada quien le dé o la forma en que lo escuche, es personal.

Rise Against

Re-Education

Diovanny Garfias

Cortesía Universal Music

Rise Against es una de las pocas bandas que sobrevive del tornado de grupos punk que inundó el mainstream en los años sucesivos al 2000, aunque demostrando que eran algo más gracias a su música. Encabezados por Tim McIlrath, Rise Against se presentó como parte del cartel del Festival Vive Latino 2010 y el mismo McIlrath comentó sus planes a futuro y algo más en Exclusiva para WARP MAGAZINE… ¿Qué hace a Rise Against diferente a las toneladas de bandas punk fashion que surgieron durante la década pasada? No estoy seguro; nunca ha sido nuestra meta estar en los charts o ser

reconocidos como “buenos” en nuestro género; no halaga, pero tocamos porque eso es lo que queremos hacer y es lo que sentimos en nuestro corazón; no lo hacemos para que lo escuchen diez o cien o 100 mil chicos; lo hacemos porque lo amamos, no para crear algo grande y tener más fans que ninguno. Siguen promoviendo su más reciente álbum, Appeal To Reason. ¿Cómo hicieron para equilibrar el sonido punk con el sonido comercial en este disco? Nunca está en nuestras manos hacer sonar las canciones de una manera especial o equilibrada; tocamos las canciones

Como músico y compositor, ¿crees que se ha vuelto más complicado o más simple escribir para las nuevas generaciones? Creo que más difícil, ya que siempre se pierde una parte del mensaje que intentamos dar a la gente; pero es algo que siempre intentamos: dar un mensaje en nuestra música y en nuestros shows, ofrecer algo más. No estoy seguro de que siempre lo logremos, pero lo seguimos intentando. Tú y los demás miembros de Rise Against son activistas de PETA: son vegetarianos y no consumen drogas ni alcohol. ¿Cómo

adoptaron un modo de vida tan diferente al estereotipo que tenemos de los músicos? Es algo que compartimos y cada quien lo pone en práctica a su modo. Nos informamos acerca de los procesos de la industria de la carne, así que fue una cuestión de sentido común, ya que con esa información es difícil meterte un pedazo de carne a la boca. Es algo que nos preocupa y que nos gusta compartir con nuestros fans; es una parte importante de lo que transmitimos a todos. ¿Qué va a pasar con Rise Against en los próximos meses con su música? Nos vamos a tomar un descanso; vamos a recargar las baterías, a empezar a escribir nuevas canciones y cuando sintamos que están listas, las juntaremos en el estudio; y luego, quizás, podamos hablar de un nuevo álbum.

Jack

White

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Banda De Turistas Días de Prosperidad Francisco Camino

Cortesía Popart

Banda de turistas es un novel grupo argentino, que en apenas cuatro años, ha logrado expandirse a toda Latinoamérica, gracias a la posibilidad de ser teloneros de bandas como Pulp, Radiohead y Depeche Mode, logrando acreditar su música con estos exigentes fans. “El Retorno es el segundo disco, con un beat más acelerado con respecto al primer material que sacamos”; con este último material reaprendieron a hacer música, llegando a los orígenes en la composición de los temas. Al preguntar sobre su primera participación en el Vive Latino en el 2009, Bruno nos comenta que la experiencia en este festival fue sorprendente, pues no tenían ninguna

expectativa de la reacción del público, y salir a tocar con una enorme cantidad de gente; la reacción de esta fue inesperadamente buena: “veníamos de tocar en Argentina en lugares mucho más pequeños que el escenario Azul del Vive y de repente llegar y ver a la gente cómo disfrutaba de la música sin ningún tipo de prejuicio al cien por ciento, nos llamó mucho la atención; esto sirvió definitivamente para que regresáramos este año de nuevo al Vive”. “Ya llevamos dos meses en México, en donde hemos estado en muchas tocadas, una estancia de muchos aprendizajes, ruedas de prensa. También tocamos en el SXSW en Texas, que es un gran festival, muy importante en el que se dan cita mu-

chas bandas como Motörhead, que desgraciadamente no pudimos ver porque tocamos el mismo día y a la misma hora”; comenta Guido. Como ya de todos es sabido, no hay grupos o artistas natos, siempre tienen influencias de alguien; Banda de Turistas tiene como principal inspiración a la banda argentina de Los Abuelos de la Nada y al respecto Guido y Bruno nos platican: “Para nosotros Los Abuelos de la Nada son una gran inspiración para hacer nuestra música; aún seguimos descubriendo cosas en su trabajo y en la de otra banda llamada Virus, que en su época eran artistas de avanzada a su tiempo, y de esos grandes músicos estamos aprendiendo ahora.”

YouTube Unhappy Birthday? Anna Stephens

YouTube cumple 5 años —y casi 2 en México— como uno de los más grandes fenómenos de información y entretenimiento. Esta celebración pone sobre la mesa de discusión el tema de los medios independientes y la repercusión que tuvieron durante la década pasada sobre los paradigmas de la industria de la música. Como sabemos, estos medios han modificado no sólo la forma en la que nos relacionamos, sino en el mismo acercamiento de los medios masivos de comunicación —y de otras empresas comerciales— con el público.

BIO: Anna Stephens

http://www.twitter.com/Stphns Anna Stephens es Comunicóloga de profesión y melómana de nacimiento. Actualmente locutora en vivo de Ibero 90.9 y la voz de ‘Mercado Negro’. Curiosa de la tecnología, se recomienda alejarla de todo producto electrónico, pues tiende a descomponerlos. Es adicta al chocolate y, en sus ratos libres, lee fervientemente a Pérez Hilton.

INVESTIGACIÓN ESPECIAL // WARP27

Medios Independientes

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Se conocen como medios independientes a aquellos que no están subsidiados o administrados por el gobierno. Su propuesta no sigue una agenda mediática o lleva una línea editorial impuesta. Los medios independientes incluyen periódicos, revistas, radio, televisión, cine, blogs, panfletos e internet, entre otros. Algunos ejemplos son: radioglobal. org, suicidegirls.com y películas como The Boat That Rocked, del director Richard Curtis (StudioCanal, 2009).

Sería muy fácil abordar el tema desde la perspectiva conservadora del deber ser; sin embargo, las cosas no pueden ser extremistas, pues en el trayecto de uno a otro punto es que el fenómeno sucede. El surgimiento de YouTube aún no queda claro, pero se le trató como si fuese un medio peer to peer (P2P), generando alerta entre compañías trasnacionales, sobre todo en el ámbito de la industria del entretenimiento. Bajo el entendido idealista de que toda obra artística cuenta con derechos de autor y, sin el permiso del mismo, no puede intercambiarse, la estructura y objetivo de las compañías discográficas se cimbraron con la aparición de sitios donde los usuarios podían compartir archivos sin tener a la empresa como intermediario comercial. Las pérdidas económicas fueron evidentes. Los artistas se dieron cuenta de que muchos de sus fanáticos no eran tan comercialmente leales como ellos creían, aunque por otro lado podían acercarse más a ellos, y a muchos otros potenciales, a través de los entonces “medios no tradicionales”.

Bird On The Wire

Ondeando la bandera de “la protección a la obra intelectual” de sus artistas, las disqueras demandaron legalmente y lograron la desaparición de varios sitios. En este sentido, para Ricardo Blanco, Gerente de Comunicación de YouTube para América Latina, no tiene sentido que un melómano suba a Internet videos de sus artistas favoritos: “Lo que no entendemos en YouTube es por qué los usuarios se van a tomar cierto tiempo y uso de su ancho de banda para subir un contenido que no es suyo. Para eso tenemos varios partners, como la BBC, que no restringe su contenido ni lo hace de su uso exclusivo. Además estamos trabajando muy bien con las disqueras que generan contenido”. Desde el punto de vista de Sony Music, YouTube es una herramienta para dar a conocer la creatividad de sus usuarios en la “producción” de material, situación que, de acuerdo con Gabriel Richaud (Sony), ha sido incentivada por la disquera: “Creo que este es uno de los puntos más interesantes del modelo YouTube, donde el llamado ‘contenido generado por el usuario’, apoyándose en la música de nuestro elenco, ha dado paso a un derroche de creatividad que apreciamos y que incluso incentivamos, como lo muestran los concursos para fans que hemos organizado para que nos presenten sus propias versiones de videos o coreografías de nuestros artistas, con una increíble respuesta. Lo que sí pedimos al usuario es que evite subir copias de material original, como viGabriel Richaud, deos, conciertos, etc., que Sony Music no cuentan con la calidad de imagen y de audio ade-

cuados. En Sony contamos con un equipo especializado para esta actividad y es por eso que buscamos siempre tener la mejor calidad en los contenidos que tenemos disponibles; por César Rosas, tanto, en aras de la calidad Universal Music de estos materiales, nos hemos visto en la necesidad de bajar material que sube el usuario”. Esta percepción cambia desde la perspectiva de una disquera mexicana independiente. Fabrizio Onetto, mejor conocido como Mopri, quien lleva las riendas de Happy-Fi desde Monterrey, opina que “las disqueras no pueden convertirse en la policía de la red. En realidad no tienes mayor pérdida si alguien, incluso el propio artista, sube contenidos a la red; al contrario, es un avance y te da una idea de cómo puede reaccionar el público ante la propuesta. Es una plataforma que posibilita y facilita tu trabajo, pues acerca el público al artista. Los headquarters de muchas disqueras transnacionales están lejos de ser generosos y mucho más de cambiar sus políticas de intercambio. Tienen que ser más abiertos y quitar las barreras del copyright. A veces ni ellos mismos entienden si navegan en el barco del copyright, del open source o del creative commons.” Un ejemplo de la victoria de las disqueras transnacionales sobre medios P2P es lo sucedido con Napster, en 1999, cuando la Recording Industry Association of America (RIAA) sometió a juicio su servicio de distribución de archivos musicales. Esta situación se intensificó con la demanda que Metallica, un año después, cuando descubrieron que un demo de la canción ‘I Disappear’ circulaba en el sitio igual que canciones de Madonna y Dr. Dre., quienes también demandaron a la plataforma. Napster ofreció una indemnización por derechos de autor a los artistas y a las discográficas, situación que les resultó suficiente, por lo que el sitio comenzó a cobrar por el intercambio de archivos, con lo que perdió millones de usuarios en todo el mundo. Finalmente Napster fue adquirido, en 2008, por BestBuy.

Connection Con esta experiencia, YouTube supo manejar a su favor la libertad que da Internet. Sin embargo, la libertad brindada por la plataforma en 2005 era absolutamente diferente a la que vivimos actualmente. Ahora los contenidos pueden estar restringidos por derechos de autor o políticas de empresas de entretenimiento, con la razón de la calidad no profesional del producto realizado por los usuarios, como lo expresa César Rosas (Universal Music): “Creo que lo que buscamos es brindarle al usuario un contenido de calidad y asegurarle al artista la protección a su creación. Siempre hemos logrado encontrar el mejor equilibrio entre artista y público para conseguir este objetivo”.

INVESTIGACIÓN ESPECIAL // WARP27 “Lo que no entendemos en YouTube es por qué los usuarios se van a tomar cierto tiempo y uso de su ancho de banda para subir un contenido que no es suyo.”. -Ricardo Blanco, YouTube

términos

• Copyright: conjunto de normas y principios que regulan los derechos morales y patrimoniales que la Ley concede a los autores (los Derechos de Autor), por el solo hecho de la creación de una obra literaria, artística, científica o didáctica, esté publicada o no. • Open source: término con el que se conoce al software distribuido y desarrollado libremente. El “código abierto” tiene un punto de vista más orientado a los beneficios prácticos de compartir el código que a las cuestiones morales y/o filosóficas, las cuales destacan en el llamado software libre. • Creative commons: es una organización no gubernamental sin fines de lucro, que desarrolla planes para ayudar a reducir las barreras legales de la creatividad, por medio de nuevas legislaciones y nuevas tecnologías. • DRM: término genérico que se refiere a las tecnologías de control de acceso, usadas por editoriales y dueños de derechos de autor para limitar el uso de medios o dispositivos digitales.

Chris Crocker

Keyboard Cat

9,140,089 views

7,309,382 views

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• Content ID: Gestión de contenido de YouTube.

NEC

Gary Brolsma,

Ok Go - ‘Here It Goes Again’,

36,983,901 views

2,747,254 views

Nippon Electric Company (NEC) presentó un sistema con margen de error de 5 en 1 millón en detecciones de videos piratas. El sistema trabaja por medio de marcas de agua contenidas en el video, que pueden evidenciar si el archivo es pirata o si ha sido alterado en cualquier forma. Este sistema ya fue aprobado para uso del futuro archivo de video MPEG-7.

INVESTIGACIÓN ESPECIAL // WARP27

Sin perder la objetividad de que una disquera es un negocio, Alfredo Delgadillo (EMI Music) trata de encontrar el equilibrio perfecto para las tres partes: artista, público y disquera: “Restringir puede ser más negativo para el artista. EMI trata de encontrar las formas adecuadas para que el artista dé a conocer su contenido; pero como disquera, nuestro negocio es monetizar ese contenido. Sin embargo, EMI Music fue la primera compañía discográfica en quitar el candado DRM (Digital Rights Management) a archivos digitales, en enero de 2007. De esta forma dimos a nuestros compradores la experiencia completa del artista. Ahora es imposible imponerle al usuario aquello que tiene que ver.” La estructura comercial de una disquera independiente, como Happy-Fi, ve en YouTube una herramienta para acercarse al mercado. Mopri nos cuenta que “en HappyFi hemos usado y puesto a disposición del usuario de YouTube nuestros contenidos, lo que ha sido parte importante para presentar nuestros estrenos. Es una acción natural que tenemos, porque creemos que la red es un reflejo de la sociedad en la que se vive. El artista o la empresa, dedicada a comercializar cualquier tipo de arte, que no sea generosa y no entienda cómo ha evolucionado la red, va a perder no sólo público, sino dinero. No podrá conectarse, ya que uno crea esa conexión con el público a través de compartir nuestro arte”.

The Fear

A pesar de esto, no todo lo que vemos en Internet es libre. La censura es un tema siempre controversial, sobre todo en el caso de la red. Definitivamente, restringir un contenido a nivel global puede ser peligroso si tomamos en cuenta que cada país, por más globalizado que esté el mundo, cuenta con sus propias tradiciones, costumbres y leyes. Recordemos el caso reciente del video de la canción ‘Born Free’, de M.I.A. Ricardo Blanco (YouTube) asegura que es imposible mantener un control sobre lo que se sube diariamente en la plataforma, debido al volumen de contenidos: “Los contenidos que suben los usuarios a YouTube diariamente son de una escala enorme. El detalle es la política que tenemos al momento de subir los videos. Nosotros no coincidimos con la política de pre-aprobación; más bien queremos que las cosas pasen. La misma comunidad nos envía los videos marcados como inadecuados; esos son los videos que revisamos y hasta hoy hemos actuado muy rápidamente.” O como dice el dicho: Más vale pedir perdón, que pedir permiso. El video de M.I.A., dirigido por el francés Romain Gavras, muestra todos los contenidos que puede hacer enojar al público reaccionario y conservador: sexo, violencia, un slogan del Ejército Republicano Irlandés y… más violencia: sin duda, un statement como los que siempre ha hecho M.I.A. en sus diez años de carrera. Así, ‘Born Free’ fue censurado

por los headquarters de YouTube, algo que desconocía Blanco: “No he visto el video y, hasta donde sé, fue retirado de YouTube por derechos autorales. Fabrizio Onetto (Mopri), Posteriormente estuvo Happy-Fi disponible para mayores de 18 años”. Tomando como punto de partida la obra artística de M.I.A., y poniéndola en contexto con el video casero de los jóvenes nayaritas matando a un perro callejero, YouTube no tiene claro los lineamientos de censura. No se trata de comparar sino de entender cómo y quién decide qué videos retirar del sitio. Ricardo Blanco no cree que el impacto social y cultural sea el mismo entre uno y otro video: “No puedo comparar videos en específico; cada uno tiene su sentido y creo que hay un mal entendido. No podemos comparar políticas de comunidad contra videos autorales”. Esta dualidad puede confundirse y desembocar en “propuestas” como, ACTA (Anti-Counterfeiting Trade Agreement), acuerdo comercial entre Estados Unidos, la Unión Europea, Suiza, Japón, Australia, Corea, Nueva Zelanda, México, Jordania, Marruecos, Singapur, Emiratos Árabes Unidos y Canadá, que surge en respuesta al incremento de los bienes falsificados y obras protegidas por copy right pirateadas en el mercado global. Las reuniones secretas entre los gobiernos de estos países pretenden detener la falsificación de documentos y legalizar la distribución de información de obras protegidas en Internet y otras tecnologías. ACTA intenta restringir a los civiles, imponer medidas fronterizas y castigar severamente a quienes cuenten con este material y/o lo divulguen a través de cualquier medio de información. A todas luces, se trata legalizar los contenidos y formas de interacción en Internet. Google recomendó a México no firmar el tratado y hacer del dominio público tanto las negociaciones como el contenido del documento. En las oficinas de YouTube México, Ricardo Blanco aseguró: “Desconozco de lo que se trata ACTA y prefiero no hablar al respecto”. 059

-Alfredo Delgadillo, EMI Music

Fenomenología YOUTUBE

Chris Crocker: ‘Leave Britney Alone’ Gary Brolsma: ‘Numa Numa Dance’ Marcela: ‘La Extorsiòn De Marcela’ Judith Bustos: ‘La Tigresa Del Oriente’ Keyboard Cat: ‘Keyboard Cat’ Becky: ‘Demolition Call’

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“Restringir puede ser más negativo para el artista”.

La libertad de los usuarios puede ser pensada YouTube América Latina como libertinaje por parte de la industria musical. La legalidad impuesta por la industria musical dentro de un medio libre puede considerarse como restricción a la libertad. La censura es de cada quién, es en realidad auto-censura, como lo expone Alfredo Delgadillo (EMI Music): “Ahora son los usuarios los que deciden qué ver, cuándo verlo y así ser parte de algo. Nosotros, en EMI, tenemos que encontrar la forma correcta de mostrarle algo de calidad al usuario. Es una acción colectiva que incluye a los medios o canales de esos contenidos. YouTube es un importante partner para EMI, porque ha revolucionado la forma en que se consumen los contenidos. En EMI tratamos de encontrar la forma en que hacemos llegar el contenido al usuario”. Esta libertad no salva al usuario de los anuncios y videos patrocinados. En cuanto a los nuevos modelos de publicidad, de acuerdo a Gabriel Richaud (Sony Music), “YouTube se ha convertido en un socio muy importante, no sólo como una ventana para todos nuestros contenidos audiovisuales, sino en un socio estratégico de negocios al implementar nuevos modelos, como advertising revenue share o cpm por streaming de contenido. Todo esto nos permite canalizar más esfuerzos a YouTube, junto con nuestros artistas, como es el desarrollo de webizodes, showcases, behind the scenes, etc. México ha sido y sigue siendo una fuente increíble de propuestas musicales; en los próximos años veremos cómo se Ricardo Blanco,

diversifican y crecen en un entorno que jamás soñamos, pero que augura un futuro promisorio”.

Run Away

Futuro promisorio dirigido por un público adulto con acceso a la tecnología. Ricardo Blanco (YouTube) dice que “YouTube es una plataforma neutral que decidió abrir localización en México, con el objetivo de poder ofrecer los servicios que tiene para comunidades y, obviamente, como una opción de escalabilidad. México estuvo dentro de las 15 primeras localizaciones y esto tiene mucho que ver con la interacción, porque sabíamos que nuestro país tenía mucho tráfico al sitio en su localización global, además de que se producía contenido original de interés global. El público ha ido creciendo cada vez más y la interacción ha aumentado con un público adulto en su mayoría, que es la generación que viene con la tecnología bajo el brazo”. No podemos permitir que medios independientes o alternativos comiencen a autocensurarse en beneficio de intereses comerciales, que disfrazan sus objetivos en pro de los derechos de autor. Es a través de estos medios que grandes documentales, propuestas musicales y obras artísticas se han dado a conocer. Al respecto, Mopri (Happy-Fi) reconoce: “¡YouTube es maravilloso! Es triste que algunas empresas discográficas todavía vivan del activo principal de la venta del copyright. De esta forma jamás podrán entender cómo funcionan las cosas en la red. YouTube es una gran herra-

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“Los artistas mismos no pueden seguir creyendo en el modelo tradicional de las disqueras”. -César Rosas, Universal Music

The Most Viewed

• OK Go/‘Here It Goes Again’: La banda alcanzó reconocimiento mundial gracias al video de esta canción, que recibió el premio YouTube al video más creativo de 2006.

Alfredo Delgadillo, de EMI Music, afirma que “desde hace tres años la digitalización ha avanzado rápidamente en México. En ese La Tigresa del Oriente, sentido, en cinco 1,329,311 views años habrá una mayor diversificación de medios para acceder a la música. El mercado continuará creciendo. A través de carriers (compañías de telefonía celular) será posible acercarse cada vez de manera más directa a la música, ya sea por medio de streaming, programas de lealtad o planes all inclusive. Discográficamente, el mercado continuará consumiendo merchandise. Las disqueras se convertirán en una agencia de publicidad especializadas en music service”. No toda la responsabilidad recae en las grandes trasnacionales, sino también en nosotros, como usuarios y melómanos. Tenemos que aprender que, a pesar de que la tecnología nos facilita la vida, también nos da un poder que en ocasiones nos confunde. Debemos entender que plataformas como YouTube son sólo una herramienta a nuestro servicio, que nos da la libertad de expresarnos y recordar que no todo lo que nos muestran es la verdad absoluta y libre.

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mienta para el artista y la industria debe entenderlo así: es rápida, dinámica, variada y eficiente. Google y YouTube son los líderes de los medios de comunicación”. Por su parte, César Rosas (Universal Music), afirma: “No podemos seguir confiando en el gusto del locutor de radio o del programador de videos del canal de televisión para dar a conocer una obra artística. Los artistas mismos no pueden seguir creyendo en el modelo tradicional de las disqueras, pues tal vez su creación nunca llegue al público. He allí la importancia de medios y redes sociales, como YouTube”. Es de todos sabido que México se encuentra rezagado en desarrollo tecnológico y acceso social al mismo. Esto no puede ser pretexto para que los modelos de negocio tradicionalistas de las disqueras alejen al público de sus artistas favoritos. Como lo expone Gabriel Richaud (Sony Music), “las disqueras seguimos evolucionando y la música no va a desaparecer; por el contrario: vivimos una época tan apasionante como cuando se inventó el fonógrafo; apenas empezamos a vislumbrar algunas de las cosas que podemos hacer a través de las herramientas digitales, redes sociales, etc. Somos privilegiados de vivir en estos tiempos. El término ‘disquera’ se convertirá cada vez más en una agencia de entretenimiento musical que da algún servicio para el desarrollo de talento, de la mano de muchos otros socios estratégicos, como empresarios, managers, medios, marcas, agencias, etc. El término ‘digital’ no se puede separar de esta visión, porque en realidad este factor está transformando todas las industrias, medios y sobre todo el rol que tienen los consumidores-comunidades”.

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• U2/‘360º’: El 25 de octubre de 2009, el grupo irlandés transmitió totalmente en vivo su espectáculo 360º a través de YouTube, que se convirtió en la más vista en la historia de YouTube.

(Del lat. cultus). 1. adj. Dicho de las tierras o de las plantas: cultivadas. 2. adj. Dotado de las calidades que provienen de la cultura o instrucción. 3. adj. p. us. culterano. 4. m. Homenaje externo de respeto y amor que el cristiano tributa a Dios, a la Virgen, a los ángeles, a los santos y a los beatos. 5. m. Conjunto de ritos y ceremonias litúrgicas con que se tributa homenaje. 6. m. Honor que se tributa religiosamente a lo que se considera divino o sagrado. 7. m. Admiración afectuosa de que son objeto algunas cosas. 8. m. cultivo. 9. adv. m. Con cultura de estilo. *Fuente: Real Academia Española

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(www.rae.es)

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CULT LOGIC

culto, ta.

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CULT LOGIC

BANDAS COMO LOS PIXIES FUERON RECONOCIDAS DESPUéS DE SUS Años de actividad.

TIME Alex Otaola

Armando Tovar

“Bandas de culto”. Esta etiqueta nos indica que estamos hablando de una especie de secreto, que aparentemente no alcanzó una gran proyección y al cual tienen —o tuvieron— acceso solamente algunos afortunados. ¿Quiere decir esto que se trata de una banda que, digamos, fallaba los penaltis a la hora de la verdad? ¿Siquiera le importaba a la banda meter esos goles? Si una banda está más enfocada en lo artístico que en lo comercial, como lo estuvo Frank Zappa, ¿le podemos reprochar que sólo cascaree para los parroquianos del barrio? Siguiendo esta lógica, cualquier banda que lleve activa cierto tiempo podría calificar como banda de culto. Imaginemos una banda ficticia, Jugo De Toalla, que lleva dos años tocan-

BIO

do en fiestas, concursos para bandas nuevas, minifestivales, antros, bares, páginas de internet (y quedan frustrados por el pésimo audio y porque su look acabó sobrepixeleado), etc. Para sus

Party Plan y sólo algunas personas los conocían en México (principalmente skaters); apenas salió el increíble Blood Sugar Sex Magic y se volvieron conocidos a nivel mundial; seguramente vendieron más copias de ese CD que de sus primeros cuatro discos juntos, pero tengo la sospecha de que la mayoría del público que lo compró solamente lo hizo por escuchar ‘Under The Bridge’ y, a juzgar por la dirección musical que eventualmente tomaron, creo que a ellos no les sorprendió este fenómeno. El tiempo es el que termina por poner las cosas en su justa dimensión: bandas como los Pixies fueron reconocidas después de sus años de actividad. Van Gogh fue muy poco conocido durante su vida. Philip K. Dick es el escritor de ciencia ficción de cuyos escritos se han hecho la mayor cantidad de películas y, en algún momento, sobrevivió a base de comida para gato. Mendelsson descubrió y difundió la música de Bach porque en la carnicería le envolvieron su pedido en unas partituras. Así que, con suerte, algún ejecutivo de una disquera trasnacional podría toparse con el negocio de su vida en: www.myspace.com/ jugodetoalla

Alex Otaola entró a Santa Sabina en 1994. Editó su primer cd/dvd solista, Fractales, en 2007, y este año editará su siguiente disco solista, El Hombre De La Cámara, grabado en vivo en la Cineteca Nacional. Ha colaborado, tocado o grabado con La Barranca, San Pascualito Rey, Zoé, Yokozuna, Los Dorados, Klezmerson, Cecilia Toussaint, Panteón Rococó, Fratta, El Haragán, José Fors y Los De Abajo, entre otros. Para escuchar su camaleónico estilo visita www.myspace.com/fractales

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AHEAD OF THEIR

seguidores, “los toallines”, Jugo De Toalla son LA onda. Para el tercer año, sin embargo, el tecladista consigue un trabajo como programador de sistemas y el baterista tiene que conseguir chamba porque va a ser papá; así de fácil deciden tirar la toalla. Como recuerdo, ahora tienen demos, quizás un disco y algunos links. Pero si un día algún “toallín” salió inspiradísimo de un concierto, decidió agarrar un instrumento y aprender a tocar, entonces Jugo De Toalla tuvo un impacto definitivo. Brian Eno dice que “muy pocos escucharon en vivo al primer The Velvet Underground, pero todos los que lo hicieron aparentemente formaron bandas”. Casi nadie conoce a The Feelies, pero cuando los oyes te das cuenta, en retrospectiva, que muchísimos músicos tomaron elementos de su estilo; lo mismo sucede con Love, MC5, Gang Of Four, The Dead Milkmen, Minutemen y un larguísimo —aunque poco conocido— etcétera. Otro fenómeno que generan las bandas de culto es que, si les llega el éxito masivo, pierden a sus fans iniciales: me da hueva R.E.M. a partir del Monster. Cuando conocí a los Red Hot Chili Peppers acababan de editar Uplift Mofo

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-Alex Otaola

LOS PLANETAS Pastores Divinos Diovanny Garfias

Cortesía Sony Music

stentar el mote “banda de culto” no es algo que se da de la noche a la mañana; se requieren de muchas presentaciones sobre un escenario y más que de un fanbase numeroso de seguidores leales y dedicados. Los Planetas tienen todo esto y más. Con casi veinte años de trayectoria, la agrupación regresa para presentarnos su nuevo material, Una Ópera Egipcia (2010), y con su ejemplo demuestran que el rock verdadero está fuera del mainstream, como dicen

Banin (tecladista y guitarrista) y Jota (voz), y es que “No creo que se pueda hacer rock en un estadio”. ¿Qué tan importante es el reconocimiento para ustedes? Banin: Depende de dónde venga. Si viene de un medio o una revista que tú aprecias, admiras o que tiene una trayectoria afín con tu idea, es algo de lo que te puedes sentir orgulloso, pero si es una institución banal te da igual. Aunque cuentan con el

respaldo de una disquera trasnacional (Sony), siempre han estado detrás y pendientes de lo que ocurre con Los Planetas en todos los niveles… Jota: Empezamos con una discográfica independiente y enseguida firmamos con BMG (ahora Sony). Hemos hecho todos los discos con ellos, pero trabajando al margen de la compañía, siempre relacionándonos con la industria alternativa española, que es más o menos de donde venimos. Lo que hemos intentado es introducir la idea del mundo

independiente dentro de esa compañía; no siempre, pero en la medida en que se puede, ha funcionado y, bueno, siempre hemos conseguido hacer lo que queremos libremente, con control artístico absoluto sobre nuestra carrera. ¿Recomendarían firmar con una disquera trasnacional a las bandas que empiezan a obtener fama? J: No sé si ahora mismo es interesante trabajar con una trasnacional; creo que es peor que antes y en realidad lo que hemos ga-

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CULT LOGIC

“El rock n’ roll es una música contracultural, underground; no tiene nada que ver con la cultura oficial que nos intentan imponer, va en contra de eso”. -Jota

NOTA México en música por Jota

pequeño que sea, te da las bases para seguir haciendo las cosas; ese pequeño reconocimiento es el impulso que necesitas para seguir. Si no lo tienes te aburres y pierdes el interés, no ganas dinero y tienes que hacer algo diferente.

¿Por qué creen que algunos de sus contemporáneos de la movida española de los noventa se quedaron en el camino? B: Es la historia de siempre: si una banda encuentra apoyo y empieza a gustarle a un grupo de gente, por

¿Cómo ven la escena alternativa española en este momento? J: Hay una nueva tanda de grupos interesantes que están haciendo cosas muy buenas. B: Los grupos siempre han estado, lo que pasa es

que no ha habido un movimiento, como del que venimos nosotros, que aglutine a muchas bandas con una idea en común; eso no se ha repetido. Los Planetas es una banda con status de culto, diferente al de monstruos como Héroes Del Silencio, pero con reconocimiento mundial. ¿Creen que se debe a un fenómeno musical, social o de marketing? B: Siempre hemos ido por otro camino. J: El marketing no nos interesa: somos músicos;

nosotros hacemos la música y otras personas se encargan de comercializarla y venderla. No nos interesa exhibirnos en los medios masivos de comunicación que no sean especializados; eso acaba yendo en perjuicio del grupo, acabas en un sitio en donde no quieres estar, uno incómodo; al final te desanimas y dejas de hacer lo tuyo. Siempre hemos cuidado ese aspecto, porque es lo que te permite seguir allí, con el interés, buscando los sitios adecuados para ofrecer algo interesante.

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nado es por estar en esto desde hace años. Cuando empezamos se podía hacer. Creo que ahora es imposible: la política de las disqueras, sobre todo de las grandes, es nefasta; su prioridad es simplemente el dinero.

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La primera vez que venimos, la escena nacional era muy interesante y sigue creciendo; está en continuo ascenso, cada vez más gente está metida y creo que el panorama es un tanto alentador en México.

Kashmir Surfing The Warm Industry Diovanny Garfias

Cortesía Sony Music

inamarca nos ha entregado una buena cantidad de bandas y música de alto calibre; pero este no es un fenómeno nuevo: la escena alternativa danesa siempre ha estado bien nutrida. Sin embargo, algunos de estos actos no obtuvieron la notoriedad que merecían, hasta que su sonido cruzó hacia Estados Unidos. Uno de los casos más sobresalientes es Kashmir, cuarteto integrado por Kasper Eistrup (voz y guitarra), Mads Tunebjerg (bajo), Asger Techau (batería) y Henrik Lindstrand (teclado), que desde su formación,

hace más de diez años, se posicionó como banda de culto. Fue Mads quien documentó, para WARP MAGAZINE, la experiencia de estar de nuevo en el camino, promocionando Trespassers. No fue sino hasta 2003 que la cuarteta alcanzó la fama internacional de la mano de Zitilites, álbum que explotó gracias a su sonido cuidadosamente planeado y sus líricas fantásticas. Según Mads, esa esencia sigue presente en su música: “Ha cambiado algo, pero no desordenadamente: aún puedes sentir la atmósfera especial de Zi-

tilites, ese sonido folk de ensueño, más detallado y tal vez más complejo en la producción”. Gracias a su séptima producción de estudio, 2010 es el año que por primera vez trae a la banda a la Ciudad de México. Sorprendido —incluso algo incrédulo—, Mads nos cuenta como se sintieron él y sus compañeros visitando nuestro país con tres fechas sold out: “Es muy emocionante; ninguno ha estado aquí antes y es muy interesante para todos ver que tenemos shows agotados”. Gran parte de esta histeria por ver a Kashmir en vivo se debe a su ausen-

cia de los escenarios por varios años: “Cuando lanzamos No Balance Palace (2005) estuvimos en una gira muy extensa, de casi dos años, y descansamos uno para concentrarnos en nuestros side projects: Kasper trabajó muy duro para establecerse como artista gráfico en Dinamarca, Henrik estuvo haciendo scores para películas, Asger estuvo armando su propia banda y yo me dediqué a hacer música un tanto más electrónica. De esta forma nos sentimos recargados, con la energía necesaria para empezar el proceso de hacer un nuevo álbum, de recrear la banda”.

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CULT LOGIC

“Pasamos mucho tiempo personalizando cada sonido de Trespassers”. -Mads Tunebjerg

y nos ayudó a decidir qué queríamos hacer”. Mad nos adelanta los planes de Kashmir para el futuro cercano; después de todo, 2011 marca su 20 aniversario: “Todo el tiempo que he vivido como adulto lo he hecho tocando con Kashmir, lo que es muy loco. Lo que queremos hacer es lanzar un EP muy experimental, como lo fue Home Dead (2001), o hacer música para una película. Nos conocimos cuando teníamos como 15 ó 16 años; éramos adolescentes; así que es algo más para celebrar el año que viene”.

de Bowie

En el pasado, Kashmir trabajó con David Bowie en el track ‘The Cynic’, del álbum No Balance Palace: “Él se mantiene joven, interesado y alerta como músico; gracias a su curiosidad siempre está dispuesto a cambiar y a renunciar a todo lo que ha aprendido; eso es lo que lo mueve, lo que hace que lance grandes canciones y grandes discos. Y si no hace un álbum brillante, no importa, porque al final lo intentó; está experimentando todo el tiempo”.

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sólo aportó su genialidad a Kashmir: “Fue grandioso trabajar con Andy, es algo que buscamos desde hace años, pero él estaba decidido a retirarse de la producción. Gracias a que el material que le mandamos lo emocionó, regresó al estudio, nos visitó en Dinamarca y trabajó con las canciones que tratábamos de desarrollar; y es que es una persona de inteligencia musical: ha hecho esto durante tanto tiempo que puede sentarse en el piano y tocar cosas increíbles, llevando una canción en otra dirección. Eso nos inspiró

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Y así surgió Trespassers, álbum que emociona a Mads mientras nos describe su sonido cual padre presumiendo a su vástago recién nacido: “Es como un paisaje pequeño y detallado. Tratamos cada canción como pequeños paisajes, todos diferentes entre sí. Cada vez que escuches una canción, quizá descubras algo de lo que no te hayas percatado antes, pero de repente sabrás que, a la distancia o muy cerca de ti, siempre estuvo allí”. Mucho del sonido de este trabajo es cortesía de Andy Wallace, ecléctico productor que no

NOTA Aprendiendo

LADY GAGA The Fame Monster Sandra Valerio

Cortesía Universal Music

Casi cada segundo surgen propuestas en la escena musical que aspiran a ganarse un lugar en la industria; a veces se quedan en el intento y otras lo logran, ya sea como un producto de la mercadotecnia o mostrando talento puro… Pero, ¿qué sucede cuando alguien combina ambos recursos a la perfección? Esto es algo que no se ve frecuentemente, pero sucede… Quien lo logra se convierte en ese “alguien” a seguir y marca tendencias sin importar si es rock, pop, rap, folk o lo que sea, pues los géneros se funden y desaparecen en su figura. Así, de pronto estamos ante la presencia de un Fame Monster… Y, merecidamente, en ello se ha convertido Lady GaGa. Fue a finales del 2008 cuando esta neoyorquina lanzó su primer material discográfico: un debut inocentemente titulado The Fame. En aquel entonces (2008) Lady GaGa platicó con WARP MAGAZINE (#13) acerca de un concepto que seguramente ha modificado con el paso de los meses: “La fama no es algo que surja ante las cámaras; es algo que viene del interior y se proyecta a los demás. Debes creer en ti y en lo que haces. Cualquier persona puede ser famosa, hermosa, pero eso no sirve de nada si no lo crees en realidad. Mi disco se llama The Fame porque se refiere a ese momento cuando nadie sabe quién eres, pero todos desean conocerte; y no porque seas una celebridad, sino porque te consideran, de cierta forma, especial, con un encanto que atrae; esa es la verdadera fama en su sentido más honesto”. Tan sólo un par de años han pasado desde entonces y Lady GaGa se posiciona ya como toda una tendencia musical; ha vendido miles de copias alrededor del mundo, se ha presentado en los mejores festivales de música —incluyendo Glastonbury, además de su reciente anuncio como headliner de Lollapalooza 2010—, su tour The Fame Monster abarca fechas consecutivas hasta abril de 2011 y no hay ningún artista o banda de la escena actual que no desee colaborar con ella. Incluso el último disco de Christina Aguilera parece tener muchas reminiscencias (¿influencias?) de Lady GaGa… Todo esto es algo que no se alcanza sin determinación o sin talento, atributos, ambos, que desde sus inicios Lady GaGa mostró. El pasado 2008, cuando la industria musical acogió a Lady GaGa con su álbum debut, un Fame Monster como pocos comenzó a gestarse, y es en estos días que hemos podido ser testigos de su rápido y nada fugaz ascenso: “He sido famosa durante mucho tiempo, aún cuando no lo era. Es importante conocerte desde dentro, saber quién eres y proyectar todo eso. Reinventaré mi sonido para permanecer en el lugar que tanto trabajo me ha costado ocupar, siempre consciente de que la fama es una creación genuina, de uno mismo, para el mundo” (Lady GaGa, para WARP MAGAZINE, 2008).

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, THERE S NO OTHER WAY You’ve got a NERVE...

Nottingham, que no he visto aún… Pero he oído cosas buenas”. Con este nivel de charla, tengo todo el derecho de afirmar que mi banda de culto favorita es The Walkmen, pues para mí simbolizan todo lo opuesto. Y no me malinterpreten: estos neoyorquinos, que en el 2000 se conjuntaron a partir de las cenizas de Jonathan Fire*Eater y de los infames The Recoys, son unos conservadores tradicionalistas unidos en contra de la innovación y de la emoción (y con la misma moneda, acepto abiertamente que no hay nada que cause más adrenalina que toparte con un nuevo talento bueno), pero hay algo en ellos —quizá su manera en la que se acercan al culto, que es sumamente rebelde y orgullosa— que hace que se escuchen como el verdadero espíritu del rock n’ roll del siglo XXI. Mientras que las modas y trends se ven perseguidos por un vigor autodestructivo —al cual este crew de Nueva York esta-

ba sujeto y, sin embargo nunca sucumbieron—, The Walkmen ahora se ha trasladado a su propio espacio, uno mucho más calmado, metafórica y literalmente hablando. Desde haber establecido su propio estudio Marcata (re-ubicado de Harlem hacia un lugar más aislado en Upstate, New York). A ser inspirado por un sonido más vívido, con más ruido, al que normalmente las disqueras tratarían de limpiar, pero que a la vez hay algo más independientemente bello de como la banda piensa. Lo que aún es más impresionante es que, en una era en la que los estándares han bajado y, por consecuencia, muchas bandas han decaído, The Walkmen ha creado un set-up que les permite hacer discos y estar de gira, manteniendo enganchados a un buen número de fans. Claro, jamás llenarán un estadio, pero al contrario de los grupos que ocupan los “grandes” espacios, esta banda en verdad es el

amo de su propio destino, pues tienen un reconocimiento que vale tan sólo por bajarse de su propia maquinaria de imagen. Mientras que muchos desean formar parte en The OC (canal FOX 20032007), en su caso eran los ejecutivos del programa los que les rogaban a ellos por usar su sencillo del 2004, ‘The Rat’. Aún más importante, es que tuvieron la oportunidad y el espacio para madurar y crecer internamente, en vez de orientarse a glorias pasadas y debuts pretenciosos. Así, The Walkmen está ahora en su punto más alto de poder. Su último disco, You & Me, ha sido el más fino hasta ahora y nuevas canciones están siendo grabadas para su siguiente álbum. Hamilton Leithauser, el vocalista de The Walkmen, recientemente expresó que “la banda tiene una pequeña chispa que los acompaña”, una chispa que para mí brilla más que cualquier otra. Y las chispas siempre han provocado el culto.

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Si existe una crítica de la escena musical que se escucha repetidamente en la capital británica, es esta: “Londres está obsesionado con el ‘Next Big Thing’…” Así es: nosotros, en la capital, nos quitamos el sombrero ante el siguiente gran éxito o ante el héroe que regresa, pero siempre hay una inquietud que debe ser satisfecha. No es una sorpresa que, siendo el centro de la industria musical de Gran Bretaña, actos de todo el país —e incluso del mundo entero— graviten hacia nuestro centro. En una conversación musical londinense cualquiera se escucha de todo, desde una escandalosa crítica a Courtney Love hasta un debate sobre qué tan bueno es High Violet, el nuevo disco de The National. Si seleccionamos parte de una conversación regular, iría así: Persona A: “¿Y qué bandas nuevas te gustan?” Persona B (habiendo dado ya su lista entera): “Ah, y hay este grupo de

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Paul Stokes, NME News Editor

CYPRESS I Unlimited Sandra Valerio

Cortesía EMI Music

“Es bueno experimentar, pero no te puedes alejar por completo de un sello con el cual la gente te identifica“. -ERIC BOBO

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ocas bandas tienen la fortuna de firmar un contrato con una disquera trasnacional para el lanzamiento de su álbum debut. Claro que, en 1989, cuando Cypress Hill mostró el demo a Sony, las cosas eran un tanto diferentes…. Después de más de dos décadas, B-Real, DJ Muggs, Eric Bobo y Sen Dog, conservan esa creatividad que los catapultó desde sus inicios. Cypress Hill es una banda que conoce sus propias limitaciones, pero no teme desafiarlas. Es así que, con cada álbum, recorren tantos géneros musicales como escenarios han pisado alrededor del mundo. Y esta nueva placa no podía ser la excepción: “Si estás ausente seis años, más vale regresar con un disco fuerte, que valga la pena. Eso es exactamente lo que tratamos de hacer con Rise Up”, explica Eric Bobo, en entrevista con WARP MAGAZINE, mientras nos pone al tanto de la serie de eventos que dieron vida a este disco tan esperado…

¿Qué fue lo que les demoró tanto para lanzar un nuevo trabajo? Después de Till Death Do Us Part (2004), todos teníamos proyectos alternos que queríamos promocionar con algunos shows en vivo. Al término de esas giras fue que decidimos concentrarnos en el nuevo material de Cypress. Nunca pusimos de lado la banda, pero era algo complicado componer mientras nos encargábamos de promocionar otros proyectos. Siempre estuvimos musicalmente activos, aunque en rumbos diferentes. Fue por esto que nos tomó cerca de tres años hacer Rise Up. Una vez en el estudio, ¿cuál fue el punto de par-

NOTA Discografía

Cypress Hill (1991) Black Sunday (1993) III: Temples of Boom (1995) IV (1998) Skull & Bones (2000) Stoned Raiders (2001) Till Death Do Us Part (2004) Rise Up (2010)

tida para Rise Up? Empezamos desde cero: ingresamos al estudio y comenzamos a soltar ideas acerca de con quién nos gustaría colaborar; después, los mismos colaboradores aportaban ideas, por lo que algunas canciones tuvieron que ser reestructuradas en varias ocasiones. Fue así que el álbum comenzó a tomar muchas direcciones. ¿Tuvieron alguna presión de tiempo o trabajaron libremente? No sentimos presión alguna. Tenemos el estudio en California y eso nos permite tomarnos el tiempo que sea necesario para componer, trabajar en diversos sonidos, experimentar… No hay necesidad de apresu-

rarnos: sabemos cuándo estamos listos. Tom Morello (Rage Against The Machine) y Mike Shinoda (Linkin Park) son algunos de los colaboradores que forman parte de la nueva producción de Cypress Hill, lo cual, con el paso del tiempo, se ha convertido ya en el sello de la casa. Es bien sabido que Bobo y compañía disfrutan de retroalimentarse y colaborar al por mayor: “Todos los colaboradores de este disco son buenos amigos que se acercaron en cuanto supieron que grabaríamos un nuevo material; de inmediato quisieron involucrarse y contribuir en él, lo que resultó fundamental para contar con diferentes puntos de vista. Esto es algo que nos gusta mucho,

porque alimenta nuestra evolución. A Muggs le gusta estar al mando de la producción, pero en esta ocasión le dio más libertad a los colaboradores; por ello se distinguen diversos estilos”, comenta Eric y propicia la interrogante acerca de sus proyectos alternos… Todos tienen otros proyectos musicales. ¿Qué tanto les ayudan o los distraen para poder crear más material de Cypress Hill? Nos gusta tener la libertad de trabajar con otras personas e intentar cosas diferentes: esto se va integrando, posteriormente, al sonido de Cypress Hill. Siempre estamos muy abiertos a participar con otros músicos e intentar cosas en estilos diversos,

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¿Qué tan difícil es conservar ese sello cuando trabajan con distintos productores en un mismo disco? Todos los productores tienen cierta fórmula para trabajar, pero también un estilo particular al cual debes estar abierto. Mike Shinoda, por ejemplo, se incorporó cuando algunas rimas estaban casi terminadas, y las tuvimos que escribir de nuevo para trabajar con él; esto fue inusual en nosotros, pero lo hicimos para poder trabajar conforme a las pautas de Mike. Siempre intenta-

mos lo que un productor nos sugiere: hay que saber adaptarse a las diversas formas de trabajo. Pasaron más de cinco años para poder escuchar nuevas canciones de Cypress. Rise Up es en verdad un disco muy esperado, de gran valor para sus seguidores… ¿Lo es también para ustedes? Sin duda. Rise Up le hizo saber a las personas que seguimos aquí, que tenemos la misma seriedad y que aún disfrutamos hacer música. Si diéramos conciertos sin tener discos nuevos, aun así sería divertido; pero lo nuestro es componer para después mostrar ese sonido en vivo. Con este disco les decimos a nuestros seguidores que aún estamos haciendo

música para ellos, que los amamos: Por ellos lanzamos discos: tratamos de darles tanto como nos han dado a nosotros. Sin lugar a dudas, el cuarteto de South Gate, California, está a mano con sus seguidores, e incluso con la escena musical, a la cual le han demostrado que de nada sirven los géneros cuando hay creatividad de por medio. Rise Up, al igual que sus antecesores, es una invitación a hacer caso omiso de las etiquetas, como lo establece el propio Eric, en el remate: “Este disco retoma elementos de nuestros trabajos anteriores; sólo que ahora logramos combinarlos todos en un solo disco. Es un álbum de mucha evolución”.

“Si estás ausente seis años, más vale regresar con un disco fuerte, que valga la pena. Eso es exactamente lo que tratamos de hacer con Rise Up”. -ERIC BOBO

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Hablando de la experimentación, ¿cómo logran explorar diversos estilos, sin perder la esencia con la que sus fanáticos los identifican? Es algo que se siente; es casi instintivo: escuchas algo y de inmediato sabes si suena a Cypress o no. Esto es algo que nos llevó mucho tiempo descifrar, pero a estas alturas no podríamos no saberlo o no sentirlo; tenemos la capacidad de hacer una canción y determinar si nos gustaría que forme parte de uno de nuestros discos. Es muy importante conocer tu sonido cuando trabajas con productores diferentes; hay

que hacerles saber cómo quieres sonar. Es bueno experimentar, pero no te puedes alejar por completo de un sello con el cual la gente te identifica.

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ya que conocemos muy bien nuestro sonido. Esto es lo que nos da la confianza para experimentar.

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CULTURE

CLUB Francisco Camino

Varias son las agrupaciones que a lo largo del tiempo han logrado colocarse en el selecto cuadro de “Bandas de Culto”; estos son sólo algunos de los artistas que están en dicha categoría.

las grandes referencias del hevy metal. Al menos tiene cuatro temas considerados himnos del rock de todos los tiempos.

The Who

Son pocas las bandas que, en cada uno de sus elementos, son referencia. Con el tema ‘My Generation’ se convirtieron en los jóvenes eternos. La ópera rock, Tommy, es la mejor en su tipo, y ni qué decir de la gran calidad de sus discos y presentaciones en vivo.

Christian Death

The Ramones Frank Zappa

Fue uno de los artistas más completos: guitarrista, compositor, diseñador gráfico y director de cine. Compuso música clásica, electrónica, rock, jazz y progresivo. Deep Purple menciona la anécdota de un concierto de Zappa, en el clásico ‘Smoke On The Water’.

Son actualmente objeto de admiración y culto en todo el mundo. Sentaron las bases del punk en los inicios de los años setenta, con acordes y letras sencillas, contraponiendo su creación a la complejidad del rock progresivo de aquellos tiempos.

El death rock y el gótico son los géneros que esta banda, en los años ochenta, crearon con el uso de los elementos punk, en cuanto a instrumentos y armonías se refiere. El disco Only Theatre Of Pain, de 1982, marcó el nacimiento del deathrock en el mundo.

The Stone Roses Pixies

Dio

Ronnie James Dio le otorgó una nueva a cara a Black Sabbath ya en los años ochenta. Como solista logró ser una de

En definitiva son el gran motor del alternativo y grunge. Su música no tuvo el éxito esperado en Estados Unidos; sin embargo, en Europa, entre 1986 y 1993, fueron todo un suceso. Recientemente se han vuelto a reunir.

Con tan sólo un par de producciones, crearon toda una corriente musical europea llamada Brit Pop, así como el famoso sonido Madchester. Sin duda alguna, la música del Reino Unido tomó un rumbo distinto en los años noventa a partir de The Stone Roses.

The Jesus & Mary Chain

El noise pop es un género del rock alternativo nacido a mediados de los años ochenta, y The Jesus & Mary Chain intensificaron esta corriente del rock con grandes discos como el Darklands, de 1985.

Sonic Youth

La banda tomó influencias del movimiento artístico No Wave, en rechazo a la música comercial de los años ochenta. Fueron los pioneros de la escena Noise Rock, que marcó la evolución del rock alternativo en los años noventa.

Bad Religion

A esta banda se debe que el punk haya llegado a lo comercial, con el término “pop punk”. Son hoy la gran influencia de bandas como Paramore, Sun 41, Green Day y Fall Out Boy. Su mejor disco es el Into The Unknown, de 1983.

Human Drama

Son conocidos, principalmente, por mezclar sus canciones con letras melancólicas, musicalizadas con un estilo gótico. Fueron parte de la famosa “scream scene”, de donde surgieron bandas como Guns N’ Roses y Jane’s Adiction.

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Sin duda alguna es una de las mejores bandas de rock mexicano de todos los tiempos. Su mezcla de jazz, rock, progresivo y gótico, aunado a su gran calidad musical y teatralidad, la hace ser una referencia en la música contemporánea en español.

Los Abuelos De La Nada

El famoso boom del “Rock en tu idioma”, de la segunda mitad de los años ochenta, no pudo haberse concebido sin la influencia de esta banda argentina, surgida en los sesenta, de donde salieron nombres como Andrés Calamaro, que a su vez hicieron surgir a Enanitos Verdes y Soda Stereo, entre muchos otros.

Television

Dentro del gran movimiento punk en Nueva York, de inicios de los años setenta, Television se destacó por tener el sonido más elaborado en sus guitarras estilo rock psicodélico. Fueron los primeros en tocar en el legendario CBGB, de donde, a la larga, salieron infinidad de bandas.

Echo And The Bunnymen

Esta es otra banda emblemática del movimiento británico post punk. Con su primer disco, Crocodiles, de 1980, alcanzaron el Top 40 de los charts en Reino Unido. Se les distingue por el uso de una caja de ritmos en sus grabaciones.

Dinosaur Jr.

Banda esencial del alternativo y del noise rock, cuya peculiaridad salía de los parámetros ortodoxos en la manera de hacer música, pues no usaban ritmo ni armonía, influenciados en mucho del grunge de los años noventa.

Blonde Redhead

Fundado por dos japonesas y unos gemelos italianos, rompió la constante de este tipo de grupos al no estar formados por estadounidense o británicos. En 2007 publicaron su álbum 23, significándoles el culto del que hoy son objeto.

Primus

Catalogados como Rock Fusion, mezcla los sonidos de Pink Floyd, Frank Zappa y David Bowie, resultando en algo exótico. Les Claypool es el sello principal de Primus, por la impresionante manera de tocar el bajo y otros instrumentos en sus discos.

do como la base del trip hop británico.

Kraftwerk

Desde 1970 forjaron las bases de la música electrónica que hoy conocemos, utilizando instrumentos y ordenadores electrónicos para la creación de sus discos. La constante experimentación e innovación en sus producciones les mantienen vigentes.

The Clash Belle & Sebastian The Cramps

The Cramps le han sabido sacar jugo a lo rústico del rockabilly y el garaje, entre otros ritmos, para crear el llamado psichobilly. Con más de treinta años de actividad y catorce discos, fueron la etiqueta del revival del rockabilly ochentero.

Son referencia de otro movimiento cultural-musical llamado indie pop. Formados en Escocia en 1996, la fidelidad de sus seguidores y su éxito se debió a que en sus primeros años nunca promocionaron sencillos.

En tan sólo 10 años de carrera, de 1976 a 1986, The Clash llevó el punk a los niveles más altos. Sus letras tenían una dura crítica política y mucho activismo social. Nunca buscaron el éxito comercial, lo que les garantizó el culto de las nuevas generaciones.

Joy Division

En pleno apogeo del punk, Joy Division supo sacar partida con una propuesta original, evolucionando musicalmente su sonido al llamado “post punk”. En 1980 sacaron su segundo disco, Closer, que es considerado el mejor de este movimiento.

El sello Sub Pop fue el primero en grabar a Nirvana y Soundgarden; también catapultó a L7 con el disco Smell The Magic, que es considerado una pieza fundamental en la historia de las llamadas riot grrrrls, pues con éste, el género femenino sentó las bases que le caracterizarían.

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Portishead

Su música oscila entre el electrónico y el rock alternativo, con algunos scratcheos muy hiphoperos, aunque es inclasificable en la mayoría de sus discos. En casi 20 años de carrera se han consolida-

Black Flag

Influenciado directamente por The Ramones, crearon un sonido más crudo en sus temas, con solos de guitarra fuera de tono y cambios violentos de ritmo, además de que sus letras eran intensas y explícitas.

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Santa Sabina

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DANTE SPINETTA Mostro

Karina Luvián

Cortesía Sony Music

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“La música no tiene fronteras y yo soy un mestizo cultural”. -dante spinetta

junto a Emmanuel), pero las proporciones varían y el sabor cambia”. Un año de preparación, gestación y perfeccionamiento le tomó a Dante Spinetta la realización de su más reciente placa, pues se toma su tiempo, analiza cómo camina el proyecto y lo encarrila siempre que se sale de la idea total de su obra. “Me gusta mirarlo, escucharlo y decir ‘me falta esto’ e ir formando un balance. Me pasa que sigo viendo los discos como una obra entera, como un libro dividido en capítulos pero con un concepto determinado. Eso es lo que busqué con Pirámide: una armonía entre espíritu, cuerpo y alma”. Exorcismo personal, reencontrarse consigo, es parte de lo que quizá impulsó la creación de este material, toda vez que luego de su reciente divorcio decide empezar a salir y la vida nocturna se vuelve el escenario y plataforma de la ambientación de cada track: “La noche fue mi compañera: salía de un club y me ponía a escribir lo que veía; porque no es sólo lo que me pasaba a mí, sino lo que le sucedía

al de al lado. El disco habla bastante de la desilusión de uno con el mundo, inclinado en gran medida a un sentido monetario. Todo está plasmado en el disco”. Si bien escuchar la música creada por Dante pudiese resultar extraño para quien no conoce su pasado, hay quienes sabemos el gusto que posee por la fusión de sonidos; no por nada la catalogación de lo hecho con Illya resulta difícil. Entonces, lo mismo sucede en Pirámide. Él lo describe de este modo: “La música no tiene fronteras y yo soy un mestizo cultural; los latinoamericanos somos así, es casi como nuestra bandera. La creación musical es jugar, no seguir reglas ni leyes… La única ley es que te guste”. En este mood ilimitado es que Pirámide cuenta con la participación de Fito Páez, Adrián Dárgelos (Babasónicos) y René Pérez (Residente, Calle 13), músicos que ensalzan la calidad de la placa y hace de esta tercer entrega de Dante un disco sólido, propositivo, de ningún modo lejano a su paso por Illya Kuryaki and the Valderramas.

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un todo que “se caracteriza por la mezcla de hip hop con un montón de estilos, tratando de encontrar un sabor distinto, más propio, por medio del cual representar a Latinoamérica frente al mundo”. Sin embargo, es difícil dejar de lado todo el bagaje acumulado como miembro de Illya Kuryaki, por lo que no duda en señalar que mantiene “ciertas esencias, esa raíz bailable, cercana a la música negra; eso que siempre estuvo y siempre va a estar, pues es lo que me gusta y es lo que sé hacer. Obviamente las mezclas van cambiando: antes éramos dos y todo lo que creas junto a alguien más es distinto a lo que realizas de manera individual.” “Creo que, musicalmente, este disco encontró un balance entre todo lo que me gusta —continúa el artista—, una mezcla muy enfocada al sonido urbano, manteniendo distintos sabores… Esta obra es como lo que hace un alquimista o un chef: mezclas en diferentes medidas y llegas a una receta distinta y eso es lo bueno. Quizá algunos elementos son los mismos (en referencia a su labor

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rgentina ha sido semillero de varios artistas que, con su talento y propuestas, sin duda han traspasado fronteras y alcanzado todos los rincones del mundo con su obra. Enlistar el número de músicos provenientes de este país sería un tanto complejo; no obstante, hay nombres que destacan y, entre ellos, uno en lo particular: Illya Kuryaki and the Valderramas. El dúo que en la década pasada hizo bailar a miles de personas y que escandalizó a no pocos con sus letras sugestivas y poco convencionales, estaba conformado por Dante Spinetta y Emmanuel Horvilleur, amantes de la música con la que, desde pequeños —debido al entorno repleto de texturas sonoras en el que crecieron—, se dedicaron a explotar su gusto y talento. Una carrera de once años y siete producciones los avalan. No obstante, luego del fallecimiento de su amigo y manager, José Luis Miceli, las cosas ya no caminaron bien y su separación se hizo inminente. Así, cada uno tomó su camino, con lo que dio inicio la carrera solista de Dante Spinetta, hijo del otrora artista e ídolo argentino, Luis Alberto Spinetta. Ávido desde siempre por conocer más y más ritmos, Dante describe, en entrevista para WARP MAGAZINE, las texturas y lírica que envuelven Pirámide, su tercer trabajo solista, como

Black Rebel Motorcycle Club Weapon Of Choice Fito Montes

CortesĂa New Sound Mgmt

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“Ain’t no easy way, no there

BIO

Fito Montes. Diseñador de profesión y reseñista por satisfacción, se desempeña desde hace 15 años y hasta la actualidad como pinchadiscos bajo el pseudónimo de Boxer. A la edad de 8 años descubrió su primer y gran amor, el Rock. Desde entonces ha dedicado su tiempo, atención y dinero a estudiar y degustar todos los subgéneros que lo componen, recibiendo a cambio momentos de profunda satisfacción y experiencias sublimes incomparables.

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os movimientos contracultuain’t no easy way out”. -B.R.M.C. rales, marginales y subterráneos son una constante en la modernidad y posmodernidad; son además la cuna de grandes ideologías, filosofías y corrientes artísticas que, si bien a principios del siglo XX se manifestaban en forma de movimientos culturales —como el cubismo, el estridentismo o el dadaísmo—, más tarde lo harían en tribus como los hippies, los punks, los rappers, los metaleros y muchos más. Hoy, en pleno siglo XXI, todo esto se encarna en proyectos menos homogéneos y mucho más individuales, aunque también pretenden hacer oír voces distintas a las gestadas en el vientre del mainstream: las voces del culto a la rebeldía. Tal es el caso de Black Rebel Motorcycle Club, que desde la década de los noventa ha roto los esquemas de las corrientes musicales preponderantes, buscando todos los canales posibles para hacer escuchar su muy particular versión de blues de raíz, aderezada con art rock, psicodelia y otras corrientes musicales de décadas anteriores, combinadas con sonidos actuales.

FACTS

El nombre de la pandilla de motociclistas a la que pertenecía “Johny Stabler”, interpretado por Marlon Brando en la película The Wild One, era The Black Rebels Motorcycle Club.

“En un principio nos llamamos The Elements, pero descubrimos que ya había otras bandas con el mismo nombre; fue una pena desechar el apelativo, porque hablaba de lo elemental, lo primitivo de la música”. Así comienza nuestra plática, en Exclusiva para WARP MAGAZINE, con Peter Hayes, líder, vocalista y guitarrista de Black Rebel Motorcycle Club, quien se encontraba en París justo antes de ofrecer un concierto. Según él, fue en una película de culto, The Wild One (1953), interpretada por Marlon Brando, donde encontraron el nombre que les ha acompañado hasta hoy: “Estuvimos pensándolo y, por fortuna, dimos con ‘Black Rebel Motorcycle Club’, que a mi parecer es mucho más interesante”.

“no obstante que somos del área de la Bahía y de que ahora reconocemos tener paralelismos con muchos clásicos de culto de San Francisco —como Jefferson’s Airplane o The Grateful Death, quienes han influido en nuestro sonido, al menos de manera consciente—, son grupos como Pink Floyd y The Velvet Underground (de Londres y Nueva York, respectivamente), de los que más hemos abrevado. Creo que estamos siguiendo la tradición del sonido de la Bahía, pero a nuestro modo, amalgamado con bandas de otras grandes ciudades”. Como la mayoría de las bandas de culto, los Black Rebel no creen caber dentro de esa categoría: “no creo que seamos una banda de culto; no somos lo suficientemente famo-

“No creo que seamos una banda de culto; no somos lo suficientemente famosos… Bueno, al menos eso pienso…” –Peter Hayes

American X

Nacido en una de las urbes generadoras de talento alternativo por excelencia, es natural creer que tendrían influencia de muchos de los grupos primordiales de San Francisco, pero

sos… Bueno, al menos eso pienso y de alguna manera nos ayuda a mantener los pies en la tierra”. El caso es que, como suele suceder con este tipo de bandas, ya hay leyendas y sobrenombres alrededor de B.R.M.C., como

“Creo que estamos siguiendo la tradición del sonido de la Bahía, pero a nuestro modo, amalgamado con bandas de otras grandes ciudades”. -Peter Hayes

“The Band That Broke The Floor”; al respecto, Hayes afirma: “Ese apodo nos lo ganamos cuando tocamos en Leeds Town Hall: tuvieron que detener el concierto porque existía la posibilidad de que el piso colapsara; estábamos apenas en la quinta canción y afortunadamente nadie salió lastimado”. La lista de eventos de este tipo continúa, como cuando no firmaron un pene inflable en V Festival 2004 y Hayes abandonó el escenario; o la ocasión en Coachella 2004, en que después de tener fallas con los dos bajos que llevaban, tuvieron que improvisar un set elecroacústico… “Recuerdo ese concierto en Coachella, cuando empezó a fallar el equipo; aun cuando teníamos preparado un set list acústico, tuvimos que improvisar y tocar casi todo el set con guitarras acústicas, panderos y tambores; fue una situación horrible la que se suscitó, porque son canciones que nunca

pensaste que ibas a tocar de esa manera y terminas tratando de sacar a flote el evento. Es una de las peores memorias que tenemos de una tocada, pero mal que bien la gente se divirtió”. Curiosamente, cualquier persona que haya presenciado esa presentación de B.R.M.C., dirá que fue genial la forma en que resolvieron los contratiempos; incluso, hoy se especula que aquello fue determinante en la creación de su álbum posterior, Howl. “Hemos escuchado opiniones al respecto de si esa experiencia terminó siendo el factor decisivo para crear Howl, y en efecto tiene algo que ver. Aunque son canciones que estaban esperando el momento de ser grabadas, no sabíamos qué tratamiento darles y de pronto sucedió que esa fase de la interpretación electro-acústica encajaba de maravilla… Y allí está el resultado”.

“Cada disco ha sido resultado del máximo esfuerzo e interés del grupo”. –Peter Hayes

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FACTS

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Actualmente, Black Rebel Motorcycle Club está compuesto por Peter Hayes en las guitarras y voces, Robert Levon Been en el bajo y voces y Leah Shapiro en la batería; el baterista original era Nick Jago, único miembro de origen inglés.

“Es una de las peores memorias que tenemos de una tocada, pero mal que bien la gente se divirtió”. –Peter Hayes sobre Coachella 2004

FACTS

Los miembros de B.R.M.C. han tocado en otros proyectos, como The Brian Jonestown Massacre y The Raveonettes.

Después de tantos años trabajando para disqueras grandes, en 2007 B.R.M.C. se independiza por fin y funda su sello, Abstract Dragon, el cual arranca con la publicación de The Effect Of 333, un disco de corte mucho más experimental y completamente instrumental: “Puede parecer que las cosas se facilitan cuando tienes tu propio sello o casa productora, pero el asunto es que lo que generas no sólo es arte, sino también un producto; y si no logras que encaje en el nicho de gente que te interesa, no hay dinero y olvidémonos de que haya recursos para producir más discos: simplemente no hay dinero para comer. Es una pena, pero muchas veces las cosas se reducen a eso”. Así, parece que existen elementos del proceso de producción de un disco que, en efecto, se simplifican al tener un sello propio, como llevar a cabo

proyectos que si bien no resultan del interés de las disqueras, pueden ser atractivos para el público seguidor de la banda. Según Hayes, “tenemos mucho tiempo intentando sacar un disco de covers, pero no habíamos encontrado una disquera interesada en producirlo; ahora se ve cada vez más cerca la posibilidad de lograrlo y, sin duda, hay canciones que queremos coverear, como ‘If You Can’t Learn From My Mistakes’, de Moby Grape, o ‘Is All There Is?’, de PJ Harvey; y estoy seguro de que encontraremos la forma de llevarlo a cabo pronto”. Tras casi 12 años en la escena, en ese entorno de libertad que da el trabajar en tus propios términos, Black Rebel grabó su más reciente disco, Beat The Devil’s Tattoo, con Michael Been, quien no sólo ha sido su ingeniero en vivo desde prácticamente el principio, sino además es una leyenda de la música pop experimental de los años

ochenta, con The Call (banda de la cual era guitarrista y cantante), además de ser el padre de Robert Levon Been (bajista de B.R.M.C.): “trabajar en el estudio con Michael es reconfortante; él sabe de dónde venimos y comprende de maravilla a dónde queremos ir; todo esto, aunado a que es un excelente músico que tiene años trabajando en vivo con nosotros, nos dio una sensación de calidez y confort enorme; además, al haber sido nuestro ingeniero, supo cómo reproducir esa energía que tanto nos gusta tener en vivo y llevarla a cada una de las canciones del Beat The Devil’s... Esto no significa que este disco sea mejor que sus predecesores o viceversa, porque a fin de cuentas en cada uno hemos logrado lo mejor con los recursos que hemos tenido, entregado nuestro mayor empeño y calidad creativa. Cada disco ha sido resultado del máximo esfuerzo e interés del grupo”. En cuanto a los planes

a corto plazo, Black Rebel Motorcycle Club pretende terminar con éxito su actual gira mundial que, por el momento, se está llevando a cabo por Europa y Australia, pero dentro de la cual hay planes para visitar México: “Hemos estado ya en dos ocasiones en México, en experiencias absolutamente distintas, y aunque tocar para tanta gente en el Vive Latino fue atractivo, nunca se nos ha reconocido por disfrutar los festivales; preferimos la intimidad de un espacio pequeño, para gente que está más involucrada con tu proyecto; es más personal. Por cierto, parece que hay planes, aún por confirmar, de visitar tierras mexicanas para agosto o septiembre”. No sabemos cuál será el futuro de Black Rebel Motorcycle Club, pero si estudiamos su historia podemos adivinar que la búsqueda y experimentación, tanto de nuevos sonidos y fórmulas musicales, como de medios, recursos y espacios de expresión, serán la constante de los años que les queden; la historia terminará por reafirmar lo que ya desde ahora intuimos: es una banda de culto que siempre se ha hecho oír a su manera y está dejando una huella profunda en todos aquellos que se aventuran a escuchar y encontrar algo más allá de las formas evidentes del establishment.

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War Machine

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WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP27

WARPED Bienes Raíces

XH-MEX Las nuevas series mexicanas Soy Tu Fan

Las Aparicio

Pada

satisfaga a todos, aunque tiene sus contadas excepciones. En el sitcom no íbamos tan mal, pero el humor comenzó a envejecer, a estancarse en los viejos tiempos, a desfasarse con las exigencias de la audiencia que fuimos teniendo cada vez más acceso a productos realizados en otros países —tanto de series dobladas de los canales abiertos, como con la llegada de la televisión de paga—; y desde la aparición del internet, ni se diga. Ahora que se quieren presentar series originales de diferentes géneros, quizás estamos un poco reacios, porque la audiencia está más adelantada que los medios. Si quieren presentarnos una serie de acción, queremos una superior a 24.

Si queremos una comedia, queremos una que sea de The Office mejorada, y así me podría seguir con más. Por una parte nos llegan remakes o franquicias, como Mujeres Asesinas, aunque cabe aclarar que la versión mexicana es superior a la original; sin embargo, no es excelente. Es aplaudible que veamos a actores con papeles muy cómodos en las nuevas versiones de ‘Senda Del Pecado’, ‘Por Tu Amor Soy Tu Dueña’ o ‘Gomitas Y Adolescentes’, tratando de dar un poco más de sí y con una buena dirección. Pero en lo que falló Mujeres Asesinas fue en el ritmo, en la narrativa, en la manera en la que mocharon cada episodio, en sus diálogos atropellados.

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El rock and roll mexicano surgió a partir del cover, la imitación, la tropicalización o la adaptación de lo que ya se hacía en Estados Unidos e Inglaterra. El proceso natural, como en todo arte, fue la creación de material original, fusionado con la historia musical propia, para iniciar con producciones nativas y así llegar hasta nuestros días, en los que podemos afirmar que no nos ha ido tan mal. Procesos similares sucedieron en todas las industrias, y el de la televisión no ha sido el más rápido. Sabemos bien que las telenovelas son el mejor producto de importación que México ha tenido en varias décadas, pero si bien es el género más popular, no es uno que nos

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Mujeres Asesinas

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP27 Lo imperdonable es que no hayan aprendido de los errores de la primera temporada y que los hayan realizado en la segunda. La llegada de nuevos canales de televisión, abiertos y de paga, no sólo representa más opciones para el televidente, sino una búsqueda natural de nuevos contenidos. Las Aparicio, en Cadena Tres, representa precisamente eso: una reconocida productora (Argos, en este caso), trabajando por fuera para venderle el producto terminado al medio, es y será la nueva tendencia y el modelo de negocios en la realización de estos productos. En el caso específico de esta “teleserie”, quizá el resultado no sea el óptimo. Nuevamente reconozco la producción, no así el resto de los componentes, que de ser mejores hubieran podido provocar un mayor interés por seguirla. Skins En contraparte, esta camada de nuevas series ha convertido a Once TV, por fin, en una opción que podría competirle a las principales televisoras de nuestro país. La calidad de la serie XY y la publici-

No hay otro camino más que el del error y aprendizaje... dad “de boca en boca” hecha por los propios televidentes, a pesar de que la primera temporada consta sólo de doce episodios, hizo que no dejara de transmitirse. Y tenemos también Bienes Raíces, mi favorita de todas las que se mencionan aquí: interesante, divertida, muy original (si es que se vale el término), bien producida, aunque también con sus fallas, porque lo mismo impresiona el fluir de los diálogos tan finamente pulidos, para que no se noten estereotipados, como a veces molesta la inserción de groserías, muy a la de “a huevo”. Por el mismo canal, ahora tenemos Soy Tu Fan, adentrándose en el que, al parecer, es el género que más nos está costando trabajo: la comedia. Y quizá es aquí en lo que más se falla, pues aún no se define si se quiere humor físico o humor mediante diálogos o situaciones.

En este caso, se trata nuevamente de una adaptación de otra serie, una argentina, protagonizada por Ana Claudia Talancón, la misma de Terminales, que junto con El Pantera resultó la mejor de aquella camada de series que se presentaron en Canal 5, cuando se pretendió crear un bloque semanal de producciones originales, siendo la peor el forzado intento de no quitar a Adal Ramones de la pantalla, y ninguna, excepto la mencionada El Pantera, sobrevivió a su primera temporada. Otras series han surgido con el apoyo de los canales internacionales en su versión Latinoamérica, pero con las mencionadas es suficiente para darnos un amplio panorama de lo que está sucediendo y, sobre todo, para entender que sólo así —tal vez en un futuro no muy lejano— tendremos una escena fuerte de series de televisión realizadas en México. No hay otro camino más que el del error y aprendizaje, siempre y cuando el primero sea el menos y el segundo se aproveche al máximo. En fin, lo importante es que ya se está haciendo.

WARPED COMICS

iPad and comics

Para cuando el iPad salió a la venta, Marvel ya estaba listo con una aplicación que permite leer sus comics en el nuevo dispositivo de Apple. Se dice que este medio será el que, por fin, sepulte las ediciones impresas, además de que podría atraer nuevos lectores al cómic. Lo cierto es que primero habría que ver qué tan efectivo resulta el gadget (lo cual, como en el iPhone, dependerá del desarrollo de las aplicaciones) para determinar si será una acción significativa en la industria del cómic. Pero entre que si o que no, lo importante es que la nueva empresa de Disney se puso lista.

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Kick-Ass Last Action Hero

(famoso por su papel de Napoleón en la teleserie The Man from U.N.C.L.E., de los años sesenta), parece vivir una existencia escrita por un guionista de Hollywood. Aunque hasta ahora no ha ganado ningún premio, puede presumir que ha dirigido a Michelle Pfeiffer, Daniel Craig, Sienna Miller, Rupert Everett, Peter O’Toole, Robert De Niro y Nicolas Cage, además de producirle algunas cositas al realizador de culto Guy Ritchie.

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Cualquiera que esté casado con Claudia Schiffer se merece el mote de “superhéroe”. Matthew Vaughn, productor y director de cine, puede presumir de recibir el beso de las buenas noches de la súper modelo alemana, además de tener tres hijos con ella —la más reciente, una niña nacida apenas el 14 de mayo pasado. Vaughn, de 39 años, quien por un momento pensó ser hijo del veterano actor británico Robert Vaughn

Cortesía Universal Pictures

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Mario P. Székely

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP27 Kick-Ass lleva momento, recaudado, al poco más de 90 millones de dólares

En Kick-Ass (2010), Vaughn hace lo que el cine estadounidense pocas veces se atreve a realizar: enaltecer al perdedor. Dave Lizewski (Aaron Johnson) es un adolescente que decide convertirse en superhéroe después de cuestionarse por qué este tipo de personajes no pueden existir fuera de las páginas de un cómic. El resto del filme de Vaughn es descubrir el largo y sinuoso camino que se vuelve la vida de un superhéroe que no posee poder alguno. Dave termina hospitalizado tras su primer intento de combatir al crimen, haciéndoles jurar a los paramédicos que no revelarán su identidad. La parodia y el humor colisionan, pero siempre colgados de un guión que, antes que otra cosa, ama en pantalla a aquellos que emprenden una cruzada por el bien, aunque la realidad les dé más de una bofetada. Vaughn logra un excelente tono desenfadado en su aventura; incluso consiguió reclutar al ganador de Oscar, Nicolas Cage, para que interpretara a Big Daddy, un policía retirado que se viste cual Batman, que durante mucho tiempo ha entrenado

a su hija de 12 años para vestirse de Hit-Girl y derribar a sus enemigos. Sus hazañas recorren la comunidad gracias a YouTube, volviéndolos totalmente in en la cultura pop. La irreverencia que gusta a un lector de cómics, y que pocas veces puede disfrutar en las adaptaciones Para Todo Público, es más que satisfecha en Kick-Ass, que además utiliza un lenguaje callejero para expresarse y no tiene reparo en escupir un poco de sangre a la pantalla. Y se debe aclarar que el propio ADN de Kick-Ass proviene de un rebelde, pues su autor es el escocés Mark Millar, quien fuera responsable de escribir las aplaudidas series de cómics “Marvel Knights”, como SpiderMan, Ultimate Fantastic Four y Civil War (donde muere el Capitán Amé-

rica), además de Wanted, que fuera llevada al cine con Angelina Jolie. Millar —que apenas en 2008 lanzó la historieta que tiene a Dave Lizewski como su héroe— es un autor de culto entre los comicómanos. Usó la astucia de varias de sus creaciones con capa y mallas, para esquivar a los hombres de corbata de los grandes estudios de cine, apostando por promover Kick-Ass aun antes de que ningún número se vendiera en la calle. Argumento de cómic y guión cinematográfico se escribieron a la par, logrando así un producto novedoso, pero con dos cohetes pegados a la espalda que pronto lo volverían favorito entre lectores y cinéfilos. Con un costo de sólo 28 millones de dólares, Kick-Ass lleva recaudado, al momento, poco más de 90 millones de dólares alrededor del mundo, lo que significa que la mancuerna Vaughn-Millar funcionó al enfocarse en los débiles —y no en los poderosos— para entretenernos con personajes singulares, quienes además de tirar patadas, saben decir una verdad, o dos, de este mundo nuestro carente de héroes.

Blazer Zara $599.00 Playera Blondie Rockwear Vintage Shorts American Apparel $499.00 Cycle shorts American Apparel $522.00 Calcetas American Apparel $166.00 Zapatos (de la Coordinadora)

Black Building Coordinaci贸n de Moda: Maureen M. Evans

Fot贸grafo: Julio Mu帽oz Maqullaje y Peinado: Ch毛la Olea

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Falda American Apparel $1,100.00 Playera Vintage Lynyrd Skynyrd Cycle shorts American Apparel $522.00 Botas Harley Davidson $2,000.00

Sweet Feeling Texto: Andrea Paz

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Evidentemente el rock ha dejado de ser el género masculino por excelencia. Talentosas voces femeninas, como Alison Mosshart, de The Kills, y más recientemente con The Dead Weather, es muestra de lo que ellas generan. Al igual que el rock, las chaquetas han evolucionado a través de los siglos, hasta poner en tendencia el Blazer. Los cambios de esta prenda surgen a partir de que Napoleón III, en el siglo XVIII, las llevara en su guardarropa regular, dejando de ser así una prenda exclusiva para montar. Es hasta la década de 1950, sin embargo, que irrumpe en el mundo de la moda. Mujeres como Siouxsie Sioux se las arreglaron para sobresalir en la escena musical, con proyectos como Soiuxsie and The Banshees y The Creatures; y el blazer, con sus modificaciones, también ha hecho lo suyo con gran éxito. ¿Rockera vs Femenina? Para nada: cruzado o con botones, el Blazer no deja de ser un elemento de estilo y sofisticación. Modelo: Ariadna Romo Q.

Pantalones $1,200.00 Tank top $254.00 Ambos American Apparel Botas Brantano $600.00 Sombrero 1772 $399.00

American Apparel Colima 33 Col. Roma www.americanapparel.com

Zara www.zara.com

Harley Davidson Palacio de Hierro www.harleydavidson.com

1772 Palacio de Hierro

Converse Vicente Suรกrez 32 Col. Condesa www.converse.com.mx

Modelo: Oscar Rubio

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP27 Playera Harley Davidson $299.00 Pantalones American Apparel $1,200.00 Sombrero 1772 $299.00 Tennis Converse $450.00

The Effects Of 333

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La moda deja de girar en torno a las mujeres, para dar paso al fashion men. La invención de las botas, en la época medieval, respondió a la necesidad de protección del hombre en el arduo trabajo del campo. Hoy ha dado un giro y las botas acompañan a grandes bandas en el escenario, como Black Rebel Motorcycle Club. Consideradas como básicas, las botas negras son un sello característico de rockeros que no conciben su look sin este imponente calzado. Desde los legendarios The Stooges, hasta Queens of Stone Age, han hecho gran uso de ellas, las botas, que popularizara la Reina Victoria en el año de 1830. Pero no sólo han sido las botas; otro integrante del que poco se habla, es el sombrero, que deja de ser exclusivo de las clases altas para descansar en la cabeza de todo el que quiera hacer de su atuendo algo distinto. A partir de los años cuarenta desaparece como símbolo de protocolo, para volverse un accesorio de moda y estar presente en distinguidas pasarelas. Así como la moda ha roto barreras de género, la música se ha encargado de romper fronteras, ideologías y distintivos sociales.

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Texto: Andrea Paz

, r e d r a H better, faster, stronger “Les bleus”

Juan A. Muñoz

12 de julio de 1998, una fecha que el futbol francés nunca olvidará: los galos organizaban la Copa Mundial de la FIFA por segunda ocasión. El escenario: Estade de France. El rival: Brasil. “Les bleus”, a pesar de ser locales, no eran favoritos, porque enfrente tenían a la Selección más ganadora de todos los tiempos. Al final el resultado fue un contundente 3-0, con dos tantos de Zidane —la estrella más emblemática de su balompié, luego de Michelle Platini— y

uno más de Emanuelle Petit, al minuto 90. Aún no era 14 de julio —Día de la Revolución Francesa—, pero eso no importó: Didier Deschamps, capitán galo, levantaba la Copa FIFA y un país “culto”, el que más Premios Nobel de Literatura tiene en el mundo (14), se rindió a la celebración del futbol y ‘La Marsellesa’ sonó por toda una nación de fiesta que celebró la libertad, la igualdad y la fraternidad durante más de una semana.

Jean Michel Jarre Director Técnico

Un fuera de serie internacional. Es autor de bandas sonoras, innovador de los conciertos en vivo, artista visual e incluso portavoz y embajador de la UNESCO. Multitudes han sido testigos de su calidad en todos los estadios de Europa; fue parte, además, de la Francia campeona del Mundo de 1998, pues primero integró el soundtrack oficial y más tarde celebró la victoria en un concierto en la Torre Eiffel. Méritos le sobran para hacerse cargo de “Les bleus”.

Michel Gondry Asistente de Campo

Creador de un estilo visual muy particular, Gondry marcó la pauta de cómo se verían no sólo los videos, sino también los comerciales y las películas de la segunda mitad de los noventa y parte de la década pasada. Ha trabajado con figuras de talla internacional en varias ocasiones y cuenta con creatividad de sobra para ayudar con el dibujo táctico del equipo francés.

En este número, Sports At Warp presenta la alineación ideal de una selección de estilo definido, hipnotizante e innovadora, aunque no será la misma que enfrente el Equipo Tricolor el próximo 17 de junio, en Polokwane, Sudáfrica.

Yann Tiersen Preparador Físico

Otro genio en el cuerpo técnico de los galos. Dominador de instrumentos y géneros musicales como pocos, su talento es tan grande que hasta a un piano de juguete lo convierte en pieza clave de una gran obra. Sin duda, la jugada que lo puso en la mira de todos fue el soundtrack de Amelié. Es un hecho que sabrá poner en forma a los elementos que el técnico Jarre llame al combinado de “Les bleus”.

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A continuación presentamos la alineación ideal francesa en la escena musical.

Thomas Mars Vocalista:

El estilo de juego del conjunto permite esta disposición en la cancha. Xavier se ha mostrado inquieto desde el inicio de Justice y sabrá crear buenas jugadas con Bangalter, apoyando al cuadro bajo del equipo para salir jugando desde atrás con la seguridad requerida. De Rosnay es un elemento con actitud y carácter, de esos que cualquier técnico quisiera en su equipo.

Marine Neuilly Guitarra :

Su estilo más rocker aportará mucho a la forma en que el equipo francés despliega su juego. Proveniente de un club que hace poco ascendió al máximo circuito nacional, The Plastiscines, supo ganarse pronto la confianza del cuerpo técnico, que no dudó en darle su primer llamado en una justa importante.

Thomas Bangalter Sintetizadores y Beats:

Creador de todo un estilo al lado de su “bandmate”, en Daft Punk, es un espectáculo verlo desarrollarse en vivo. Además, ha propiciado el desarrollo de otros talentos con su propia escuela: Roulé. Es de los inamovibles en el esquema de “Les bleus”, dándole seguridad a la zaga.

Nicolas Godin Bajo:

Es el jugador de experiencia del grupo y portará el gafete de capitán en el escenario. Él, y su equipo de procedencia, Air, lograron atraer los ojos del mundo hacia su país natal, para mostrarle la calidad con que se hacen las cosas en Francia. Puede hacerse cargo de las guitarras, apoyando al conjunto galo cuando sea necesario.

Manu Chao Jefe de Prensa:

Este inquieto trotamundos, dominador de géneros, instrumentos y sobre todo de idiomas, es un conocido fanático del futbol; incluso goza de una amistad personal con el técnico de la “albiceleste”, Diego Armando Maradona. Comprometido con varias causas alrededor del planeta, tenía que integrar esta Selección, pues su trabajo y carisma lo han colocado como embajador de su país desde finales de los años ochenta.

Yelle Crack del Futuro:

No es tan nueva en la escena, aunque todavía tiene mucho qué mostrar, sobre todo del lado musical, ya que —como a muchos de sus compañeros— también le llama la atención la “artisteada”. Mayor constancia en su carrera y estará en los oídos de todos.

Charlotte Gainsbourg La injusticia:

De último momento se quedó fuera de la lista final. Charlotte sería titular indiscutible en alguna otra escuadra importante o con un “parado” diferente del cuadro francés. Muestra de su gran talento es el álbum IRM, del año pasado.

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Gusta de defender siempre la misma camiseta en todos los lugares donde se presenta, aunque ya aclaró que tiene varias mudas. Es el líder de la banda francesa más importante del momento y ha sabido llevarlos hasta lo más alto de la escena mundial, donde se encuentran actualmente. Con una popularidad creciente, es el consentido de la afición y una de las estrellas del certamen.

Xavier de Rosnay Tornamesas:

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HARDER, BETTER, FASTER, STRONGER “Les bleus”

JEAN MICHEL JARRE Director Técnico

MICHEL GONDRY Asistente de Campo

YANN TIERSEN Preparador Físico

HARD DATA -En los Juegos Olímpicos de Paris, en 1900, fue el debut del futbol como juego de exhibición. La medalla de oro fue para la representación del Reino Unido, que venció 4-0 a los anfitriones. El Bronce se lo llevó Bélgica. -Francia ha participado once veces en Juegos Olímpicos, pero sólo en una ocasión, en Los Angeles 1984, ha ganado la medalla de oro. -Miembro fundador tanto de la FIFA como de la

Xavier de Rosnay Tornamesas

Nicolas Godin Bajo

Thomas Bangalter Sintetizadores y Beats

UEFA, la Federación Francesa de Fútbol (FFF), fundada en 1919, es el máximo cuerpo rector del fútbol francés. Comanda a la Selección de Francia, además de dirigir y organizar la Liga de Fútbol Profesional. -La FFF organiza los Campeonatos de Francia (Championnats de France), la Copa de Francia (Coupe de France), los campeonatos entre clubes femeninos (D1, D2 y D3) y los campeonatos juveniles. -La participación de Francia en los Mundiales de futbol comienza desde el principio, en Uruguay

Thomas Mars Vocalista

Marine Neuilly Guitarra

1930. Lucient Laurent tuvo el honor de anotar el primer gol en la historia del certamen, en el partido inaugural, venciendo 4-1 a México. -Just Fontaine, seleccionado francés, es el jugador que cuenta con el récord de más goles en una sola justa mundialista: en 1958 anotó 13 tantos. Fontaine nació en Marruecos, en 1933, cuando el país africano

Crack futuro

era un protectorado galo. La FIFA lo nombró, en marzo de 2004, uno de los mejores 125 jugadores de todos los tiempos.

YELLE Figura a seguir

-Los galos tienen doce participaciones en Mundiales, con un campeonato —el de 1998—, cuando el

Banca: Pascal Arbez

Mejor conocido como Vitalic, este DJ, al lado de su amigo Dario, ha dado varias muestras de ese gusto por colaborar con diferentes colegas a lo largo de su carrera, rasgo que tomó en cuenta su técnico para echar mano de él en momentos de apremio para el equipo.

Himno ‘One More Time’ Daft Punk

La canción más representativa de la banda emblemática del sonido francés.

evento se realizó en su país por segunda ocasión. Zinedine Zidane lideró la mejor camada de jugadores que, con el aliento de su público, llevaron a Francia a levantar la Copa Mundial de la FIFA. -La República Francesa cuenta con cinco “Departamentos de Ultramar”, que son: Guayana Francesa, Isla de la Martinica, Islas Guadalupe, La Reunión y Saint-Martin. Cada uno de estos lugares puede nutrir a la Selección Francesa con jugadores para que represente al país en competiciones mundiales. -Florent Malouda nació en la Guayana Francesa, mientras que Nicolas Anelka, Thierry Henry y William Gallas, son descendientes de nativos de distintos “Departamentos de Ultramar”.

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Muchos dicen que el arte no es necesario, que podemos vivir sin las bellezas creadas a mano, que cualquier cosa que no tenga una función básica es simplemente un lujo superfluo.

Nosotros no estamos de acuerdo: no solamente creemos que el arte es importante por enriquecer cada día y darnos motivos para celebrar la vida, si no también porque la creación del arte, así como su apreciación, está dentro de las razones más importantes de vivir.

Tequila 1800 está convencido de que el arte es esencial y, por ello, busca a artistas con tendencias diferentes, de distintos lugares, creativos que no tengan miedo de seguir su propio camino para crear lo que sea que refleje su visión: desde piezas exhibidas en destacadas galerías, hasta aquellas realizadas con elementos alternativos, pero que vuelven la creación de los artistas 1800 un elemento esencial.

1800 Essential es una edición especial, limitada, de Tequila 1800 Reposado, que plasma en sus botellas la colección de diseños creados por esta nueva generación de artistas, celebrando piezas nacidas de la inspiración, reafirmando la esencia del arte. Algunos de los artistas que participan son: Steven Wilson, Branden Tintiangco, Chad Shore, entre otros. Más info en: www.1800tequila.co

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Message In A Bottle

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Tequila 1800

YamaguchI Dream Job

Chëla Olea

Cortesía Yuka Yamaguchi

Una mujer, en el literal sentido de la palabra, y madre entregada a lo que más ama: las relaciones humanas y el arte de la expresión. Nacida en Kobe, Yuka Yamaguchi comenzó a dibujar a los tres años; y desde aquellos tiempos no se podía negar que sería honesta, adjetivo con el cual describen siempre su trabajo: “Creo que todo comenzó cuando era pequeña y vivía en Japón. Mi abuela solía darme hojas de papel para dibujar; y cuando le mostraba mis garabatos, decía que le gustaban porque eran honestos…” Esta artista, quien por todos los medios se niega rotundamente como tal, se caracteriza por plasmar niños o animales interactuando en un plano irreal, en el que la sangre y las mutaciones no significan nada más que evolución y aprendizaje. Tuvimos el honor de entrevistarle, para WARP MAGAZINE, desde Canadá, donde reside actualmente. Comenzando la entrevista, afirma que no se siente cómoda autodenominándose artista: “A mí sólo me gusta dibujar…”

ng at ple looki I saw peo d t adults, an me and my ar y, g happ young people bein and that felt so good -Yuka Yamaguchi

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Podemos ver una interrelación bastante mundana entre humanos y animales… ¿Qué tan importantes son las conexiones para ti? Las conexiones están en todas partes, no sólo entre seres vivos de distinta especie, sino entre nosotros, los objetos inanimados y el mundo natural. Todo en esta vida está conectado. Es un hábito en mí humanizar objetos y viceversa… A veces veo un vaso de agua que está triste o una persona que se parece a una escalera: nada es inferior, todos somos iguales; si acaso existiría la “dependencia humana” hacia los animales, pues siempre seremos de origen y comportamiento animal. Siempre busco expresar

mis sentimientos con lápices de color, aunque eso no significa que siempre sean cosas agradables: el enojo, la ira, también tiene color. ¿De qué color es Yuka? Me dedico a cambiar de color cada día: soy un camaleón por completo. ¿Qué es lo que sigue para ti en tu carrera? Tendré una exhibición en “Mondo Bizarro”, en Roma, lo cual me tiene muy emocionada. Quiero dedicarle toda mi atención a este proyecto. Antes de despedirse, Yuka recomienda a los jóvenes con talento que “hacerse el sordo puede ser un buen comienzo”.

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Observamos objetos filosos, sangre… ¿Sugieren dolor? ¿Algún tipo de transformación? Para mí eso simboliza libertad y alivio. Tengo la creencia de que todas y cada una de las partes del cuerpo tienen su propia mente, ya que el cuerpo tiene su funcionamiento lejos de la mente misma. Comencé a creer esto con más fuerza desde que estuve embarazada: la manera en que el cuerpo femenino se transforma me dio una experiencia extraordinaria. Algunos de mis dibujos sangran, pero no creo que sientan dolor; además, con medida, un poco de sangre siempre les da un toque lindo. Odio las cosas extremas y muy obvias. Las partes corporales en mis dibujos tienen

la capacidad psíquica de autogobernarse sin necesidad de pertenecerme. Estudié “Beneficencia Social” (así se le llama a la carrera de Sociología en Japón) y nunca he tomado clases de dibujo o pintura. A los 18 años no quise ir a la escuela de Arte, pues sentí que ese era el momento cuando mi corazón estaba completamente abierto y preparado para absorber absolutamente todo: no podía encerrarme en un aula. Ahora que estoy en mis 30 y sé cuál es mi estilo, creo que sería el momento adecuado para tomar algunas lecciones de Arte y aprender nuevas técnicas, sin alterar lo que tengo. Me temo que ir a la escuela de Arte puede estropear la diversión de crear y descubrir las técnicas de la nada: me gusta aprender las técnicas que me invento. Nunca he creído que el Arte pueda ser originado sólo en un salón de clase, y es que no hay nada mejor que aprender el arte de la vida, viviendo, observando y absorbiendo. ¡No creo tomar una clase de Arte nunca!

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Yuka, ¿quiénes son estos niños, los niños de tus pinturas? Básicamente todo en mis dibujos habla de mí, aunque eso no significa que intente hacer autorretratos; simplemente puedo decir que todos ellos, al final, se convierten en una versión mía.

DISCOGRAFÍA • The Plan (1978)

• Tubeway

Army (1978)

• Replicas

(1979)

• The Pleasure Principle (1979)

• Telekon

GARY NUMAN Replicas

Francisco Camino

Cortesía Metropolis Records

Gary Numan, pionero del synth pop y el electropop, es uno de los músicos con más talento y versatilidad que hay desde hace casi cuatro generaciones. Pero como sucede en la mayoría de los casos, no hay nada nato: las corrientes musicales derivan de otras y en el caso de Numan no fue distinto. El synth pop tiene su origen en artistas como David Bowie, Brian Eno, Kraftwerk y Ultravox, y se caracteriza por usar sintetizadores, no para imitar el sonido de instrumentos acústicos, sino voces artificiales propias.

(1980) • Dance (1981)

• I, Assassin

(1982) • Metal

Rhythm (1988) • Sacrifice (1994) • Jagged (2006)

Es uno de los músicos con más talento y versatilidad que hay desde hace casi cuatro generaciones... En 1980, con el disco Telekon, alcanzó de nuevo el número uno, sus sencillos estuvieron en el Top 10, pero la presión del éxito repentino y la disparada popularidad tuvieron efectos emocionales negativos en Gary, pues repentinamente decidió retirarse de su carrera y, aunque fue sólo por un corto periodo, ello le significó que el éxito y la creatividad se le fueran de las manos. Con su álbum Dance, de 1981, los primeros lugares en los charts fueron más efímeros, y con I, Assassin, un año después, logró un ligero repunte. Ya para 1983, Warriors le valió más de 10 semanas en los charts y 40 conciertos en el Reino Unido. Gary Numan decide aventurarse con otros ritmos, alejándose del estilo que lo consagró.

Durante la primera mitad de los ochenta surgieron nuevas bandas, como Duran Duran, U2, Depeche Mode, entre otras, quienes reinaban las ventas y la proyección en radio. Lanza su propia discográfica en 1984, Numa Records, grabando materiales cargados de soberbia y pretensiones comerciales como Berserker, en 1984, o The Fury, de 1985, cuyos sencillos apenas tuvieron una esporádica presencia en la radio.

A finales de la década de los ochenta, Numan firmó para la discográfica IRS Records y el innovador Metal Rhythm, de 1988, catalogado como funky-industrial, cosechó críticas positivas en Inglaterra y conectó con su audiencia, aunque no tuvo buenas ventas. Los noventa fue una década difícil: la poca calidad, nulas ventas y mucha experimentación en las producciones de Numan, lo tenían en el olvido de fans y prensa; sin embargo, el disco estilo industrial, Sacrifice, le ayudó a reorientar su carrera. De pronto Gary Numan era referente de grandes bandas, como Nine Inch Nails y él correspondió aseverando que ‘Closer’, de NIN, era su single preferido de toda la historia de la música y que llegó a influir su propia creación. Dave Grohl, de los Foo Fighters, y Marilyn Manson, de igual forma, rindieron tributo a Numan haciéndole covers; Basement Jaxx obtuvo un gran éxito en 2002 con el single ‘Where’s Your Head At?’, basado en un sample del tema ‘M.E.’, del The Pleasure Principle; por su parte, los metaleros de Fear Factory produjeron una versión de ‘Cars’, con la colaboración especial de propio Numan. En 2004 Numan creó otro sello discográfico, Mortal Records, lanzando por primera vez en DVD sus éxitos, previo a su Jagged, de 2006, mismo que se reeditó en 2008. Hoy, sin duda alguna, Gary Numan es uno de los grandes exponentes de la música británica, marcando estilo y época con ese sonido único que hoy lo sigue llevando de gira por diferentes partes del mundo.

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Gary Numan comenzó artísticamente en los setenta, y en pleno apogeo del punk, integró varias bandas, de las que sobresale The Lasers. Existe un disco de culto, tributo a este género, donde participó Gary, llamado Live At The Vortex, pieza de colección que ha alcanzado un precio de 2 mil euros en subastas. Cuando Gary Numan salió de The Lasers, entró como vocalista Paul Di Anno, quien más tarde se convertiría en el primer frontman de los metaleros Iron Maiden. A punto de finalizar la década de los setenta, Numan forma el grupo Tubeway Army, firmados con el sello independiente Beggars Banquet, y es hasta el segundo lanzamiento homónimo de la banda que entran directamente a los primeros lugares de los charts, compitiendo por los primeros lugares con el sencillo ‘Are Friends Electric?’ en contra de monstruos como Led Zeppelin, The Who, The Rolling Stones y David Bowie. Es en este punto donde Gary Numan empieza a gestar su pasión por la música electrónica. Influenciado por los sintetizadores y Kraftwerk, ya como solista, publica el álbum The Pleasure Principle, alcanzando nuevamente el número uno en listas de ventas. De este material, sin duda el que le catapultó, se desprenden los temas ‘Complex’ y ‘Cars’. La gran innovación de este material es que se considera un disco de rock sin guitarras, donde los sintetizadores se conectaron a los pedales de las guitarras para obtener los sonidos bizarros y sólidas composiciones que dieron el sello definitivo a Gary Numan.

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VINTAGE // WARP27

ENCORE // WARP27

Recoil Michelle Apple

Julio Muñoz

Alan Wilder se encuentra promocionando Selected álbum recopilatorio de Recoil, su proyecto musical con más de dos décadas de trayectoria. La Ciudad de México atestiguó el espectáculo audiovisual creado para apoyar la primera gira de este productor, ingeniero de audio, músico y artista.

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