WARP Magazine no. 35 by WARP MAGAZINE

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THEY ARE BACK LOS REGRESOS DEL Aﾃ前

ELBOW

WARP MAGAZINE No.35 $35.00 Mﾃｩx, $2.99 USA, 竄ｬ2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

ENTREVISTA EXCLUSIVA CON GUY GARVEY

Pocos son los que toman la valiente decisión de regresar. Pocos son los que regresan triunfalmente. Pocos pero

muy importantes son los regresos que ocurrirán en el 2011. Bandas que no tienen nada que demostrar pero regresan convencidos de brindar lo mejor de ellos a través de nuevos materiales y conciertos. Foo Fighters con el estandarte del rock n’ roll en mano, encabeza la lista regresando con su séptimo álbum de estudio Wasting Light, documental y un largo camino recorrido a través de los años.

WARP MAGAZINE

No.

Director General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco

Editorial

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Elbow

Destacados

Colaboradores Invitados Guy Garvey (Elbow), Toy Selectah, Eliseo Reina (MGMT Sabo Romo)

Son muchos los lanzamientos que entre primavera y verano inundan todos los

espacios destinados al arte sonoro. Entre esa avalancha sónica nos

Colaboradores Abraham Huitrón, Adolfo Vergara, Aldo Sosa, Chëla Olea, Elsa Núñez, Fito Montes, Héctor Padilla, Gastón Espinosa, Karina Luvián, Sebastián Garrido, Michelle Apple, Samuel Segura, Alejandra Ayala.

encontramos con bandas que durante algunos meses, años e incluso décadas,

Mail: magazine@warp.com.mx

desaparecieron del mapa y que en este año decidieron regresar y reclamar

su lugar dentro de la escena. En esta ocasión WARP MAGAZINE documenta

algunos de los retornos más esperados de los próximos meses, encabezados

por Elbow, Cake, Foo Fighters, Caifanes, Suede, Radiohead, The Strokes y

Pulp, bandas cuyas historias deben ser contadas.

THEY ARE BACK

Secciones

Hot Hot Hit

Editorial

Nicole Atkins

Guy Garvey de Elbow

Shuffle

¡Silencio Por Favor!

Los Concorde, Cloud Nothings,

Soundgarden

Tame Impala, Vivian Girls,

Set List

The Boxer Rebellion y ELAN

Featuring

Warped

Toy Selectah

TV, Film, Fashion, Art

Mis Videos y Discos

110

Vintage

Gigs

Jeff Buckley

TSTM, Major Lazer, Ratatat, Ana

112

Encore

Tijoux, The Radio Dept., Vato

Ratatat

Negro y Kaki King

*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine Foto de Portada: Cortesía Universal Music

Arte y Diseño Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Editor de Fotografía Sergio Gálvez Fotografía Sergio Gálvez, Leslie Del Moral, Pola (MTY) Comercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Coordinación Comercial Andrea Arbide andrea@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Gabriela Toriz gaby@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE. WARP MAGAZINE está fabricada con material ecológico sustentable certificado, el cual ayuda a la conservación del medio ambiente. © WARP Marca Registrada ®. Año III No.34 Fecha de Publicación 15-02-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

EDITORIAL // WARP34

El regreso de una banda Guy Garvey (Elbow)

Cortesía Universal Music

Antes de pensar en lo necesario para que una banda se reúna es importante considerar los motivos para su previa desintegración. Muchas personas pueden creer que estar en un trabajo como el nuestro significa tener una vida cómoda y sin complicaciones reales o de la gente común. No puede haber declaración más falsa. Ser músico es un trabajo como cualquier otro, con responsabilidades y por supuesto sus ventajas. Es claro que cada músico –como cualquier persona- decide cómo quiere llevar su carrera profesional. Para Elbow las cosas no han sido fáciles desde el lado comercial. Somos un grupo que en nuestra necedad por querer hacer la cosas a nuestro modo, nos hemos topado tanto con amigos y fanáticos como con enemigos dentro de la industria… algo también común en cualquier trabajo. Esta terquedad nos ha ayudado a conocernos más como músicos y amigos. Al final del camino, los únicos que subimos al escenario somos nosotros cinco. La decisión de una banda de desintegrarse, es realmente decepcionante. En su punto más básico no es mas

que una relación personal fallida, casi como un noviazgo o un mal matrimonio. Siempre significa que las cosas no han salido bien para alguien o que los intereses de un músico ya no coinciden con los del resto de sus compañeros. Debe ser muy doloroso tomar una decisión de tales consecuencias, sin embargo es preferible conservar la amistad entre todos, que mantener una relación laboral que a la larga perjudicará no solo a la agrupación, sino también a sus fanáticos. Sucede lo mismo cuando una banda decide regresar. Resulta una decisión de tiempo y lugar en donde cada uno de los músicos debe estar seguro del lugar que ocuparon en su momento y de que ese espacio ya está ocupado por alguien más. Aplaudo el valor de una banda de aceptar los cambios y regresar después de una ausencia larga, pero también respeto a aquellos que han decidido dejar que la historia sea quien mejor juzgue el trabajo que hicieron en su momento.

SILENCIO POR FAVOR // WARP35

Soundgarden Michelle Apple

Cortesía Soundgarden

Our goal for 2011 Let’s Make A Record

Primero, Soundgarden regresó de los umbrales del retiro en 2010 para llevar todo su rock grunge a los escenarios y a los oídos de un nuevo público, uno que sólo conocía su leyenda plasmada en CDs y videos. Un año después, Chris Cornell, Kim Thayil, Matt Cameron y Ben Shepherd están encerrados en el estudio de grabación y “su meta” es lanzar nuevo álbum, un rabioso sucesor de Down On The Upside (1996). Aún no hay fecha de salida, pero su sexta placa podría ver la luz antes de que concluya 2011.

SET LIST // WARP35

Set List

1•‘The Roller’ – Beady Eye (Reino Unido) 2•‘Questions’ – DVAS (Canadá) 3•‘Buried At Sea’ – Echo Lake (Canadá) 4•‘Compared To What’ – John Legend & the Roots (Estados Unidos) 5•‘The Piano Lesson’ – John Vanderslice (Estados Unidos) 6•‘Nein Mann’ – Laserkraft 3D (Alemania) 7•‘Rich Kids Blues’ – Lykke Li (Suecia) 8•‘At Night’ – Mt. St. Helens Vietnam Band (Estados Unidos) 9•‘Deshoras’ – Babasónicos (Argentina) 10•‘Give Up The Ghost’ – Radiohead (Reino Unido) 11•‘Plush’ – Robot Science (Estados Unidos) 12•‘Bury Us Alive’ – Starfucker (Estados Unidos) 13•‘Take A Walk’ – White Mystery (Estados Unidos) 14•‘Undercover Of Darkness’ – The Strokes (Estados Unidos) 15•‘Secretary Song’ – The Go! Team (Reino Unido) 16•‘Rope’ – Foo Fighters (Estados Unidos) 17•‘Don’t Know Who We Are’ – The Donkeys (Estados Unidos) 18•‘Singular’ – Discodeine (Francia) 19•‘Zigzag’ – M.I.A. (Reino Unido) 20•‘Old Page’ – 13 & God (Estados Unidos/Alemania) 21•‘King Of The Beach’ – Wavves (Estados Unidos) 22•‘The Glorious Land’ – PJ Harvey (Reino Unido) 23•‘Contact High’ – Architecture In Helsinki (Australia) 24•‘Redblue=Violet. You’ – Mountaintops (México) 25•‘Amor Loco’ – Emmanuel Horvilleur (Argentina)

Escucha y descarga todos los martes Set List conducido por Milton Barboza, a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>

FEATURING: Toy Selectah // WARP35

TOY SELECTAH: SONIDERO MEXICANO Toy Selectah (Músico)

Cortesía Lado BE

Regreso este año trabajando duro, desde el principio, tocando un chingo. También a punto de estrenar el disco Mex Machine, el cual terminé hace unas semanas en Los Ángeles. Ya está entregado, sólo estoy esperando el lanzamiento el 8 de marzo. Va a ser el primer disco del año y va a estar enfocado para la discoteca. Tiene un par de colaboraciones, como la del productor puertorriqueño Dj Blass que lo pusimos a cantar, y con Isa GT una cantante colombiana que ahora reside en Londres. Y para septiembre estoy preparando un disco con colaboraciones vocales. Me gusta colaborar con gente internacional y nacional. Actualmente encuentro interesante lo que pasa en el país, aunque me gusta estar en el segundo nivel, en el bajo perfil, a pesar de eso encuentro cosas interesantes, mucha gente experimentando con sonidos tropicales pero también cercanos a lo urbano. El rock y el indie me llaman la atención, me gusta remezclarlos. Pero también me interesa participar en proyectos como con San Pascualito Rey donde me involucré en la producción de su disco. Todos sabemos que es una banda densa muy enfocada en el rock pero al mismo tiempo con un amplio sentido de la poesía. Es algo muy distinto a lo que tiene que ver con un beat y con lo que hace Toy Selectah. Aprendí lo importante que puede ser la lírica en un tema. Colaborar con Mumdance me dejó lo interesante que

es trabajar con alguien de la escena de Inglaterra y entender porque el “kick” o algún sonido lo tienes que poner de tal forma. De todas las colaboraciones me voy forjando panoramas. Otra experiencia que me tiene muy contento fue trabajar con Diego Solórzano (Rey Pila). Acabo de terminar con él y me di cuenta que el llegar con un ritmo armado y rebotarlo con alguien puede generar una chispa que te lleva a otro lado. Y sobre el escenario siempre trabajar con un rapero es muy chido. Hacer bailar a la gente con un MC me nutre mucho. Hay otras cosas que me ilusionan de este 2011 como tocar en Lollapalooza Chile. Cuando me di cuenta que era el único mexicano en el cartel, sentí chido, pero me hubiera gustado que hubieran más mexicanos. Tendremos que sacar la casta. Chile siempre ha sido un país con un nivel de apreciación musical muy interesante. Espero poder hacer algo como en la primera vez que fui (a finales de los noventa con Control Machete) pues colaboramos con los raperos de esa época: Ana Tijoux, Tiro de Gracia, Saturno y Los Tetas. Ahora a ver de qué manera traigo al 2011 todas esas experiencias. Hablando de Control Machete, Control es mi escencia, la base, donde todo comenzó. Definitivamente volver a vernos los tres en un escenario seria bastante especial, creo que en eso radica lo lindo, que estuviéramos los tres. Viene duro el año para Toy Selectah.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP35

The King Of Limbs

Radiohead Independiente 2011

El quinteto de Oxfordshire, Inglaterra lo volvió a hacer. La (ahora) común estrategia de anunciar la fecha de lanzamiento de un álbum y pre ordenarlo para después adelantar su salida y causar conmoción entre los melómanos, surtió efecto positivo en Radiohead. El factor sorpresa puede incluso llegar a favorecer las críticas de medios especializados. Si a todo esto sumamos el hecho de que el video del sencillo ‘Lotus Flower’, que muestra a Thom Yorke contorsionándose al ritmo de su canción (y que se prestó para nuevas versiones del video con él “bailando” al ritmo de Shakira, Beyoncé, etc.), entonces tenemos la perfecta forma de promoción que muchas disqueras hubieran deseado pensar antes. Más allá de toda esta

mercadotecnia independiente, ¿qué encontramos en The King of Limbs?. La primera vez que escuchamos el disco, podemos percibir a un Radiohead apegado aún a lo hecho en In Rainbows (2007) y con claras referencias a la propuesta electrónica del Kid A (2000). Esto a pesar de que debido a los compromisos de sus integrantes, las sesiones de grabación de la banda no fueron continuas. La paciencia es un factor clave, ya que no es fácil escuchar de primera vez The King Of The Limbs. ‘Bloom’ es el track cargado de capas de sonido que abre el disco y deja entrever que el camino para la definición de un sonido o la obviedad de ritmos no será fácil de encontrar. La producción tiende a transitar por el misterio y la desolación de las cosas, como en

7.8

Calificación

‘Morning Mr. Magpie’ y ‘Codex’, pero de igual forma coquetea tímidamente con el lado más pop de la banda en ‘Little By Little’. ‘Give Up the Ghost’ y ‘Lotus Flower’ son las mejores canciones del álbum, mientras que ‘Feral’ y ‘Separator’ pasan casi desapercibidas. El compromiso de Radiohead a la constante exploración sonora es lo que hace de cada una de sus producciones discográficas un experimento abrumadoramente atractivo, por lo que esta requiere escucharse más de una vez para apreciar cada una de las capas y giros que ofrece. The King of Limbs es tan solo un puente para la nueva etapa de desarrollo musical del quinteto. Una advertencia de lo que estamos por escuchar en su novena entrega. -Anna Stephens

Different Gear, Still Speeding

Beady Eye Beady Eye Records (Reino Unido/Irlanda), Dangerbird Records (E.UA.) 2011

7.9

Calificación

Liam Gallagher está de regreso en la escena musical con el resto de los miembros del extinto Oasis –el guitarrista Gem Archer, el bajista Andy Bell y el baterista Chris Sharrock- menos su hermano Noel. La placa inicia con ‘Four Letter Word’, un tema que es inevitable pensar que Liam dedica a Noel, con letras como “mientras más tienes más puedes perder” o “nada nunca dura para siempre”. Sus ritmos y lírica suelen tener un sentimiento esperanzador y positivo con coros contagiosos característicos del britpop. En general predomina un sonido limpio con buenos riffs y potentes dosis de bajo y batería, con un estilo alusivo a grandes bandas como The Beatles y The Who, e inesperados momentos de grandeza como ‘The Morning Son’. Liam prueba que, aunque su hermano era el mayor creador de las canciones de su anterior banda, puede arreglárselas bien por sí mismo. -Paola Del Castillo

5.0

Single

Cape Dory

‘Two Against One’ Rome Parlophone 2011

7.8

Calificación

7.9

Calificación

‘Two Against One’ es el primer sencillo completo que hemos podido escuchar del nuevo proyecto del productor y artista Brian Joseph Burton, mejor conocido como Danger Mouse. Este material es el conjunto creativo de Burton junto con el compositor italiano Daniele Lupi. Quien da voz a este tema es el multifacético y ahora ex White Stripes, Jack White. Con un estilo muy suyo nos logra transportar a los spaghetti westerns de los sesenta. El single tiene toques muy clásicos de esa época combinados con la genialidad moderna de sus autores e intérprete. Con una letra oscura y una melodía llena de misterio, los creadores del track nos hacen querer escuchar el disco en su totalidad.

-Samantha López

Calificación

Wounded Rhymes

Tennis Fat Possum 2011

Lykke Li LL 2011

Abusando de la fórmula de folk vintage de parejas con tintes empalagosos —que muy bien le ha funcionado a She And Him y a Jenny And Johnny— aparece Tennis (Patrick Riley y Alaina Moore) quienes desde el arranque con ‘Take Me Somewhere’ agotan la mayoría de los recursos que podrían desarrollarse a lo largo de la escucha de su debut. La presencia de la costa californiana hace su aparición en ‘Long Boat Pass’ derritiéndonos los oídos con una de las voces femeninas más dulces que se pueden escuchar. ‘Marathon’ es la mejor muestra de que su obsesión por la década de 1950 no les permite experimentar, volviendo bastante predecible la aparición de la baladas dolidas como ‘Bimini Bay’ y la desgarradora ‘Pigeon’. ‘Baltimore’ se convierte en un intento (fallido, por cierto) de animarnos previo al tristísimo cierre con ‘Waterbirds’, en el que la guitarra pareciera llorar junto con Alaina. Un álbum repleto de temas monótonos que jamás se arriesgan a salir de su aparente zona de confort. -Elsa Núñez

Después de su exitoso álbum debut Youth Novels (2008), Lykke Li muestra un lado más intenso respaldado por percusiones agresivas, arreglos oscuros y letras que sugieren cierta frialdad hacia el amor. Tracks como ‘Love Out Of Lust’ o el sencillo ‘Get Some’, lanzado el año pasado, dan el giro de 180 grados de ser una inocente “novedad juvenil” a una mujer con más temperamento. En ‘Sadness is a Blessing’ Lykke Li canta “for sorrow, the only lover I’ve ever known” (para el dolor, el único amante que he conocido). Y sí, puede haber sufrido una desilusión amorosa los últimos años, pero le ha brindado la inspiración necesaria para producir música con mayor personalidad y demostrar que es una de las cantantes jóvenes con mayor potencial en nuestros días. Cierra el álbum de 10 tracks con ‘Silent My Song’, que muestra su instrumento más poderoso: la voz. -Paco Sierra

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP35

8.7

Let England Shake

PJ Harvey Island 2011 Calificación: 8.7

Calificación

Let England Shake aleja la supremacía del piano que coronó a White Chalk (2007) y lo transporta a un nivel más etéreo, sublime y surreal. El título del álbum se lee como una declaración revolucionaria, pero lo que emana en el aspecto lírico se antoja más como un lamento de guerra, una serie de ecos mortales que claman no ser olvidados. Estos temas (guerra y muerte) hilvanan la naturaleza de este disco concepto. La desesperanza contenida en la sutil voz de Polly emerge gradualmente a medida que transcurre el disco, primero en unas breves apariciones líricas, para luego contaminar también el aspecto melódico e instrumental. Al parecer, el margen de improvisación otorgado por Harvey a sus colaboradores habituales, John Parrish y Mick Harvey, además de la influencia ambiental de grabar el disco en una iglesia, fueron piezas adicionales que logran una aportación etérea en la genialidad de esta entrega. Al final, la tristeza y la nostalgia lo dominan todo, por lo que el fragmentado y apagado arte de portada no pudo ser más acertado. -Aldo Sosa

Calificación

El formato “desenchufado” es una fórmula de éxito comercial comprobada para algunas bandas tras un descanso creativo, y seguramente esta versión mantendrá a Zoé en rotación en las principales estaciones de radio y canales de televisión. Y justo es esta delgada línea la que hace que algunas bandas hagan versiones aburridas y sin esfuerzo, pero no es el caso de Zoé quienes se preocuparon por reinventar sus creaciones. Canciones como el sencillo ‘Soñé’, ‘No Me Destruyas’, ‘Paula’, ‘Luna’ o la inédita ‘Labios Rotos’ incluyen arreglos frescos e instrumentos inusuales como una máquina de escribir o una jaula para pájaros. Además se apoyan en el talento de Chetes, Yamil Rezc, Lo Blondo y Andrés Sánchez, quienes crean un amigable ensamble y acompañan a la banda durante todo el show. Cuenta también con las apariciones de Enrique Bunbury y Adrián Dárgelos (Babasónicos) como invitados. Colaboraciones que se notan muy naturales y se reflejan en un resultado honesto. El mejor Unplugged de una banda latinoamericana en mucho tiempo. -Sebastián Garrido

Beast

DevilDriver Roadrunner Records 2011

Video

7.4

Calificación

A casi dos años del Pray For Villian, DevilDriver estrena Beast, quinto disco en ocho años como banda. Ante la corta distancia que hay entre su penúltimo y este disco, el sonido de DevilDriver avanza poco, los cambios son apenas perceptibles. Mantienen esa furia propia del metalcore y ritmos roove, casi nu metal, de no ser por las partes blast beat que adornan de agresión esta placa. Son doce canciones (catorce en la edición especial) que deambulan entre ambientaciones oscuras y la voz frenética de Dez Fafara, que le ha brindado una personalidad a la banda de California. El trabajo en las guitarras sobresale por sus cambios repentinos de ritmo, con tonos graves, riffs filosos y la inserción de solos melódicos en momentos inesperados, como en ‘Shitlist’. De un jalón, el disco puede sonar poco variado, aunque tenga más argumentos que los pasados. -Samuel Segura

‘Fever Dreaming’ No Age Sub Pop 2011

7.8

Calificación

Procedente de su más reciente producción, Everything In Beetwen y dirigido por Patrick Daughters (YYY’s, Feist), este material audiovisual presenta a el dúo dentro de una especie de bodega, recostados en una sala en donde están leyendo. De repente empieza a temblar y lámparas y partes del techo caen a su alrededor. Poco a poco toman la guitarra y una batería, que se encuentra parcialmente destruida, para comenzar a interpretar la canción. Las cosas explotan y el cuarto comienza a colapsar, ambos se esconden debajo de la mesa para protegerse del derrumbe y ponerse a salvo, pero finalmente… tienen que ver esa última parte ustedes mismos, altamente recomendado para fans de la banda. -Abraham Huerta

017

Zoé EMI 2011

8.3

warp magazine / www.warp.com.mx

Música de Fondo: MTV Unplugged

Video

The People’s Key

Bright Eyes Saddle Creek 2011

7.0

Calificación

Cuatro años y Conor Oberst and the Mystic Valley Band y Monsters Of Folk después, Conor Oberst regresa a Bright Eyes junto a Mike Mogis y Nathaniel Walcott con pretenciosas ideas sobre redención, tiempo, progreso y la vida. El músico tejano, Randy Brewer, da pie al inicio de ‘Firewall’ con un discurso sobre el camino a la luz para revelar un séptimo álbum más atrevido pero no tan ambicioso y sincero como sus predecesores. Las características letras poéticas de Oberst siguen presentes pero esta vez dejan de lado la parte emocional, auténtica y humana para abordar temas místicos que en ocasiones parecen no comunicar nada concreto, apoyándose en alusiones al espíritu libre del Rastafarianismo. El resultado es un álbum pop con temas como ‘Shell Games’, ‘Jejune Stars’ y ‘Haile Selassie’. El único momento en el que encontramos al Oberst de antes es en ‘Ladder Song’, dedicada a un cercano amigo suyo que se suicidó. Menos folk y country, más pop y sintetizadores. -PC

Mine is yours

Cold War Kids Interscope 2011

7.2

Calificación

‘I Heard You Say’

Vivian Girls Polyvinyl Record Co. 2011

El trío de indie rock Vivian Girls

Pasaron poco más de dos años para que el cuarteto nacido en California produjera su tercer material, sin que el tiempo invertido se reflejara positivamente en la calidad sonora y lírica del mismo. Lejos quedaron los tintes de blues, improvisación y utilización de instrumentos poco comunes que caracterizaron el “Robbers & Cowards”; ahora, letras de simpleza amorosa y alienación con bandas complacientes y poco propositivas es lo que permea en el “nuevo” sonido que Nathan Willett y compañía imprimieron en este disco. Si hubiese algo qué destacar, es la ejecución instrumental en cortes como ‘Out of the wilderness’ y ‘Cold Toes On The Cold Floor’, así como la producción cumplidora de Jacquire King. Así pues, lo que tenemos enfrente es una obra prescindible que bien pudo quedarse enlatada sin que nadie la echara de menos. -Karina Luvián

está por estrenar Share The Joy y para promocionar el sencillo ‘I Heard You Say’ optaron por una producción de video sencilla que refleja el estilo de las neoyorquinas. El videoclip se desa-

5.2

Calificación

Barton Hollow

The Civil Wars Sensibility 2011

7.0

Calificación

rrolla sólo en dos escenarios: un cuarto de motel y un bosque nevado. Contextos opuestos ya que el cuarto acaba en completas llamas mientras las integrantes de la banda cantan apáticamente, usando el mismo vestido floreado. Entre la canción y secuencias un tanto perturbadoras crean un atmósfera irónica, lo que provoca curiosidad por escuchar Share The Joy completo. -PS

No es necesario analizar profundamente el sonido que Joy Williams y John Paul White lograron imprimir en su conmovedor debut. Es fácil enamorarse de los sencillos acordes de guitarra que precede a la melancólica ’20 years’. En ‘I’ve Got This Friend’ hacen público que son de Nashville mientras que la voz de Williams nos hace recordar las mejores épocas de Tori Amos. ‘C’est la mort’ poco a poco transforma la atmósfera al integrar a discreción una guitarra eléctrica y un acompañamiento de cuerdas y piano mientras desmembranan pensamientos directos sobre la vida. Es evidente que el álbum tomó el nombre de ‘Barton Hollow’ por la fuerza avasalladora con la que arranca el tema sustentada en el más puro rock estadounidense de los 70. ‘The Violet Hour’ bien pudo aparecer en el soundtrack de Marie Antointte. Las cuerdas crean ese tipo de paisajes lúgubres en los que la tranquilidad reina mientras apelamos a nuestros propios pensamientos. -EN

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP35 Zonoscope

Cut Copy Modular Recordings 2011

8.0

Single

Calificación

En este caso, las buenas canciones no piden permiso para llegar al escucha; Zonoscope es uno de esos álbumes donde son pocas las veces que uno no está moviendo la cabeza con una sonrisa en el rostro, sin embargo no creo que este disco se disfrute en su totalidad, a menos que se esté en un festival al aire libre, donde las canciones que duran 6 minutos tienen una razón de ser: hacerte bailar hasta que no te den los pies y necesites urgentemente otra botella de agua. Pero Cut Copy es una banda, conformada por músicos que tocan instrumentos y quienes rara vez tienen las intención de ser únicamente “esos que te ponen a bailar”; estén listos para abundantes guitarras con delay y teclados llenos de texturas, que pasan de crear atmósferas a protagonizar las canciones, mientras que un ritmo de bajo estacionario y constante, y una sencilla pero firme batería parecen estar llevándote de la mano, y tratándote de explicar todo lo que está pasando a su alrededor. -Gastón Espinosa

The Covering

Stryper Big3 Records (2011)

7.6 8.4

Calificación

Con todas las intenciones en su título, Stryper hace tributo a las influencias que marcaron a esta banda en sus inicios. The Covering es un álbum de versiones en el que, de acuerdo con Michael Sweet (vocalista), buscaron divertirse en su elaboración. Y así fue. Los pioneros del metal cristiano consiguen una serie de versiones de clásicos del rock y del metal que no desmerecen, como: ‘Blackout’ (Scorpions), ‘Heaven and Hell’ (Black Sabbath), ’Highway Star’ (Deep Purple), ‘The Trooper’ (Iron Maiden), ‘Breaking The Law’ (Judas Priest), entre otros temas de Kiss, UFO, Ozzy y Kansas. Además de un track extra de su propia autoría titulado ’God’. The Covering también supone el regreso del bajista original Tim Gaines. La producción del álbum es buena, sin embargo se echa en falta algo de potencia en las guitarras. Pero es lo de menos. Al fin y al cabo es un álbum que alude a la diversión. -SS

Calificación

‘The Great Pan Is Dead’ Cold Cave Arts & Crafts México 2011 Calificación: 8.4

Antes de la llegada de Cherish The Light Years, la segunda placa de estudio de Cold Cave a los estantes, Wesley Eisold nos entrega a modo de adelanto el primer single del álbum, nos referimos a ‘The Great Pan Is Dead’. Habrá que decirlo, quie-

8.2 Calificación

compañía tendrán que reconsiderar su gusto por la banda, en esta ocasión estamos frente a un track de rock puro, los elementos electrónicos son una mera

La cuarteta con base en Londres llama una vez más la atención de público de todos los puntos del globo, de la mano de su nueva placa “The Cold Still”. De entrada habrá que decir que la misión está completa, dejar atrás el sonido de su exitoso “Union” (2010), es cierto, el sello característico de Nathan y compañía sigue presente (esos tintes de britpop combinados con algo de rock alternativo de los noventa, pero con el hook de bandas como The Killers o Keane, sin embargo, se siente una madurez en sus melodías y sus letras. Parece que trabajar con Ethan Johns en la producción (Ryan Adams, Kings Of Leon) hizo que The Boxer Rebellion aterrizaran las ideas que venían trabajando, consolidándose como una de las propuestas europeas a seguir en este 2011. -Michelle Apple

forma de ambientarlo, pero no parte esencial. Por otro lado, la evolución de la Cold Cave es más que evidente y parece que Wesley se siente cómodo con esta nueva identidad para su proyecto; habrá que esperar a escuchar el sucesor de Love Comes Close (2009), aunque, de momento, las expectativas son altas. -Diovanny Garfias

019

The Boxer Rebellion Absentee Recordings 2011

el sonido synthpop de Eisold y

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The Cold Still

nes hayan sido conquistados por

When You’re Strange Documental de Tom DiCillo Rhino Entertainment /Wolf Films 2010

La historia de Jim Morrison, con todo lo que lleva de mito y leyenda, se cuenta en cada generación de manera distinta. Esencialmente es la misma historia, los mismos datos, pero el medio de transmisión cambia. Marshall McLuhan dijo: “el medio es el mensaje”. Pero respecto a Morrison, aunque el medio cambie, el mensaje sigue siendo el mismo. Ya sea libro, película de ficción o documental, todos tienden a vanagloriar la figura de Morrison, elevándolo a la altura de un semidios, a dios del Olimpo bajado a la tierra para mezclarse con los humanos. En el libro Nadie Sale Vivo De Aquí (Jerry Hopkins, Danny Sugerman, 1980), nos aseguran que Jim Morrison sigue por ahí viviendo de incógnito en una isla o en algún lugar recóndito del África, bajo el nombre de Mr. Mojo. Las pruebas son contundentes: durante su supuesta muerte en París nadie vio el cuerpo sin vida, sólo su pareja, Pamela Courson, quien lo enterró a la carrera en el Cementerio de Pere Lachaise, a donde sus fans peregrinan desde todos los rincones del mundo a rendirle honores. Recuerdo mucho aquel libro, que se convirtió en mi libro de cabecera durante años. Lo que mas me llegó de él, y lo cual copié, fueron las lecturas tempranas del Rey Lagarto: On The Road de Jack Kerouack,

los libros de Huxley, de Celine. Las drogas me daban pavor (aún me siguen dando) así que en eso no lo imité. En su forma de beber alcohol, para qué negarlo, sí. A principio de los años noventa The Doors, la película de Oliver Stone, nos mostró a un Morrison que parece integrante de un grupo grunge de Seattle. De hecho, la imagen que muchos guardan en la cabeza del cantante, viene de esta época: de la actuación de Val Kilmer en la pantalla grande. Ahora la historia nos la cuenta When You’re Strange: A Film About The Doors que, por si alguien no se había enterado, la forma más “in” de contar algo en estos momentos es hacerlo en formato documental. Y pa’ acabarla de amolar es la voz de Johnny Depp quien narra este filme. ¿Hay algo más “cool” en tu colección de DVDs?. Lo interesante de esta película para alguien como yo, que ha leído la leyenda de Jimbo en libros y revistas, es ver por fin imágenes reales del cantante y poeta. A un lado queda la imaginación del lector al ver footage original del Rey Lagarto en entrevistas, en conciertos, en la salas de grabación. Jim Morrison se ve en todo su esplendor, en su magna borrachera o viaje, para que los nuevos cantantes de rock tengan material que copiar y no sólo vean fotos o (repito) a Val Kilmer hacién-

dola de Morrison. Pero bueno, para los que no quieran comprar este DVD ni original ni pirata, ahí está Bunbury para darse una idea de cómo se movía el poeta maldito. Una cosa más: When You’re Strange: A Film About The Doors no cuenta la historia de los Doors, que conste. De hacerlo, nos hubieran explicado qué era lo que estaban pensando Las Puertas cuando cantaban “No me molestes mosquito, just let me eat my burrito”, canción que sacaron después de que Morrison estaba bien enterrado. Supongo que la prueba fehaciente de que Jim está muerto es que no salió de su retiro para darle una paliza a Densmore, Krieger y Manzarek por esa letra. No sé si este documental le cambie la vida a alguien, así como lo hicieron el libro No One Here Gets Out Alive o la película de Oliver Stone. Pero es un buen material para quien no esté enterado por qué hacen tanto alboroto con este tal Morrison. Tal vez hay alguien que necesita que le cuenten esta historia para cambiarle la visión del mundo. Capaz que hay alguien esperando que le abran Las Puertas De La Percepción.

Joselo Rangel

Guitarrista de Café Tacvba, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP35

7.5

100 Lovers

Devotchka Epitaph 2011

Calificación

Fusión es lo que uno debe esperar al escuchar a Devotchka. Para los que se aventuran a conocerlos en su sexto álbum les suplico que guarden paciencia, ya que la agrupación de Denver decidió separar la melancolía de un breve paseo por diferentes regiones del mundo. ‘The Alley’ se desenvuelve en atmósferas esperanzadoras que tienen afortunada continuidad en el retador ritmo de ‘All The Sand In The Sea’ y su aparente apelación con la naturaleza. Fanfarlo es la banda con la que puedo comparar las imágenes orgánicas que de ‘100 Other Lovers’. El drama aparece en los violines que acompañan a ‘The Common Good’. ‘Interlude 2’ es la señal para viajar directo al folclor mexicano con el mariachi de ‘Bad Lucky Heels’. ‘Ruthless’ se hunde de lleno en los sonidos flamencos de la guitarra acústica y ‘Contrabanda’ recorre las callejuelas de Buenos Aires en donde un acordeón es opacado por el sabor de los metales. ‘Sunshine’ es una probada del sentimiento de Marruecos. -EN

James Blake

James Blake Atlas/A&M 2011

8.8 Calificación

Con tan sólo 22 años el londinense James Blake ha logrado posicionarse entre lo mejor de las listas musicales del Reino Unido en muy poco tiempo. Conocido inicialmente por su cover de ‘Limit To Your Love’ de Feist, Blake presenta en su disco debut un distintivo sello musical en once temas que le han valido ser considerado la respuesta dubstep a The XX, y comparaciones con Burial. Temas como ‘The Wilhelm Scream’ reflejan su sonido electrónico minimalista, apuntando a emociones escondidas sin ser demasiado evidente. Mientras que ‘Lindesfarne II’ y ‘Never Learnt To Share’ muestran su versatilidad musical con tintes folk en la primera y R&B en la segunda. Un material en el que los silencios y espacios comunican tanto como las letras y notas musicales. Un disco cuya singularidad reside precisamente en su extrañeza musical de la mano de su retraído autor, eso lo diferencia de los demás. -PC

Glorious Collision

Evergrey SPV/Steamhammer 2011

Single

8.7

Calificación

‘Under Cover Of Darkness’ The Strokes RCA 2011

7.0

Calificación

Cinco años han pasado desde el último material inédito de The Strokes. Este año por fin sale a la venta su nuevo y muy esperado disco titulado Angels, que estará en tiendas a partir del próximo 21 de marzo. Mientras

Cover Of Darkness’, misma que estuvo disponible como descarga gratuita durante dos días en la página oficial de la banda. Los neoyorquinos habían anunciado que en su cuarto álbum de estudio regresarían al sonido de sus primeros discos. Como ya es costumbre, son las guitarras quienes llevan el ritmo durante toda la canción, la cual tiene melodías que podrían calificarse como “felices”, acompañadas de la característica voz de Casablancas. -AH

warp magazine / www.warp.com.mx

to, se eligió como primer sencillo ‘Under

021

llega el día para poder escucharlo comple-

Con nuevos integrantes –Marcus Jidell, guitarra, el batería Hannes Van Dahl y el bajista Johan Niemann– quienes se unen al vocalista y guitarrista Tom S. Englund y el tecladista Rickard Zander, Evergrey crea el disco Glorious Collision. El sencillo (y videoclip) de la canción ‘Wrong’ ya adelanta algo sobre este disco, el octavo en su carrera. Metal moderno, progresivo, melódico, pero agresivo a la vez, potente, casi perfecto. Se agradece a éstos suecos la forma en que desarrollan su música, tan difícil de meter en un saco y definirla. Eso habla de su innovación compositiva, constante en cada disco suyo. Efectos y ambientaciones, voces melódicas y desgarradoras, letras que escarban en las profundidades de los sentimientos del hombre. Baladas inteligentes de riffs virtuosos, pasajes de pianos y coros femeninos aderezan la fuerza y la violencia envolvente de este álbum glorioso. -SS

He gets me high (EP)

Dum Dum Girls Sub Pop 2011

8.7

Calificación

Cuarto EP de la banda y sucesor del bien recibido “I Will Be” (2010), Dum Dum Girls presenta nuevo material, con el que reafirma un fuzz-pop ingenioso revestido de guitarras estridentes. Poco menos de quince minutos son suficientes para reconocer el buen trabajo del cuarteto californiano y la más que respetable producción de Dee Dee (líder de la banda), Sune Rose Wagner (The Raveonettes) y Richard Gottehrer (productor, entre otros, de Blondie). Cada pieza embona en una buena curaduría; destacando el papel de ‘He Gets Me High’, sin duda el track más guitarroso y desaliñado, y el cover a ‘There is a light that never goes out’, de The Smiths, pieza que sin perder su esencia se impregna del estilo Dum Dum. Sin más qué decir, un tentempié que no queda a deber y crea expectativas respecto a un segundo disco de larga duración. -KL

Video

7.8

Calificación

‘All Of The Lights’

Kanye West Universal 2011

7.4

Calificación

Cuando se supo de la existencia de ‘All Of The Lights’ y que iba a tener como invitados a Elton John, Rihanna, Kid Cudi, TheDream, Charlie Wilson, John Legend, Elly Jackson (La Roux), Alicia Keys, Fergie y Drake, la primer reacción pudo haber sido imaginarse un video en el que literal, desfilaran todos ellos. Ocurrió lo contrario: Kanye West estrenó el video y solo aparecen Rihanna y Kid Cudi; las estrellas se sustituyeron por luces. Un exagerado uso de luces, colores y gráficos son los protagonistas del videoclip dirigido por el reconocido Hype Williams, tanto, que expertos han advertido que puede provocar ataques epilépticos después de verlo en repetidas ocasiones. Sin importar las advertencias en su primer semana tuvo más de cinco millones de vistas en YouTube sin consecuencias graves. ¿Inusual? No, si se trata de Kanye West. -PS

Sterneneisen

In Extremo Island Records 2011

La banda estandarte del folk metal (género enraizado en Europa), In Extremo, presenta su noveno álbum de estudio Sterneneisen, que en español significa “estrella de hierro”. Así hace valer su nombre este disco, con esa mezcla de guitarrazos con gaitas, sintetizadores y el manejo de distintas lenguas, incluidas el español (’Viva la Vida’). Ello le da variedad a su música, a pesar de la inevitable comparación con sus compatriotas Rammstein (especialmente por los toques industriales y electrónicos) acaso por ser menos populares. Sin embargo, In Extremo no deja de ser peculiar. No sólo son los idiomas e instrumentos poco comunes, también su amplio sentido de la sencillez. Es un álbum ligero y a su vez profundo. Un avión surca el cielo gris de los alemanes, que juegan entre la felicidad y la melancolía, siempre en el fin. -SS

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP35

7.5

Making Marks

My Little Pony Spoon Train Audio 2011

Calificación

Suenan tan campiranos que es poco probable imaginar que el sonido del banjo que endulza ‘A Miracle’ provenga de Oslo; que el amor que se profesa en el tema sea falso y que alguien pueda resistirse a darle una oportunidad a una tierna voz que simplemente propone huir junto a nuestra pareja. ‘Capital Of Norway’ retoma elementos de la vieja escuela de rock americano de la década de loa 70, entre los que destaca el ritmo de la batería, mientras que en ‘Fragments Of An Island’ el órgano aparece como invitado especial y la harmónica advierte que el country se desatará en ‘Breakup With Myself’. ‘The Grass That’s Still Wet’ retrata esos momentos en los que logramos liberarnos de cualquier atadura para simplemente decir “…pero nada cambiará la noche de verano”. El estado de ánimo y las viejas atmósferas de ‘Hard To Be Good’ recuerdan a Belle And Sebastian, mientras que la festividad de ‘Stories About Love’ es propia de Los Campesinos!. -EN

Classic

Best Of 00–10

Ladytron Nettwerk 2011

8.1

Calificación

Una de las bandas de música electrónica que más ha llamado la atención en la última década apoyados por su sonido y estética visual es Ladytron. La multicultural cuarteta celebra sus primeros 10 años dentro de la industria lanzando Best Of 00–10, compilado que a lo largo de 17 tracks remasterizados (33 en la edición de lujo) documenta su evolución sonora, desde 604 (2001), pasando por Light & Magic (2002) y el exitoso Witching Hour (2005), hasta llegar a Velocifero (2008). El álbum incluye un cover del tema ‘Little Black Angel’, original de Death In June, además del single ‘Ace of Hz’, antes sólo disponible en el soundtrack del videojuego FIFA 11. Una gran oportunidad de ponerse al día con Ladytron previo a la llegada de su nuevo álbum este año. -MA

023

9.4

Calificación

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Master Of Reality

Black Sabbath Vertigo 1971

1971 fue un año crucial para la música: sucedió la primera edición el festival Glastonbury, Queen completó su alineación con John Deacon y el Montreux Casino se incendió durante un concierto de Frank Zappa lo que dio origen a la canción ‘Smoke on the Water’ de Deep Purple. En ese mismo año Black Sabbath editó Master Of Reality, tercero álbum en la discografía de la banda. Sin considerar el hecho de que fue una producción muy esperada después del gran éxito de Paranoid, los ingleses no sólo superaron las expectativas sino que definieron lo que desde entonces se conoce como stoner rock. Una propuesta en donde la guitarra de Tony Iommi reduce su velocidad para darle mucha más densidad al bajo de Geezer Butler. Master Of Reality cumple 40 años y continua siendo referencia absoluta de cualquier banda que presuma hacer heavy metal. -AS

PROFILE // WARP35 Integrantes: Anastasia Dimou - Voz / Shirley Ho - Bajo / Alan Veucasovic - Guitarra / Jonathan Nanberg – Batería

CRUEL BLACK DOVE Diovanny Garfias

Desde Brooklyn, Nueva York, esta cuarteta nos entrega una mezcla de rock, electro, dark wave y líricas perversas, apoyadas en seductoras melodías. Con dos EPs en el mercado, Full Powers (2008) y The Myth

Cortesía Cruel Black Dove

And The Sum (2010), la banda trabaja en su primer álbum, el cual verá la luz este año y que seguramente los colocará como una banda a seguir en este 2011.

Escúchalos en: www.cruelblackdove.com | www.facebook.com/cruelblackdove

GIGS // Thirty Seconds To Mars / WARP35 Jared Leto

GiG

Jared Leto

Thirty Seconds To Mars José Cuervo Salón Ciudad México 8 y 9 de Febrero

30 Seconds to Mars: una de

las bandas más populares de la última década

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025

Cortesía: OCESA

GIGS // Major Lazer / WARP35 Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/majorlazer

GiG

Skerrit Bwoy

Major Lazer:

Diplo y Switch, DJ´s y productores, las mentes detrás de este ecléctico proyecto

Diplo

Major Lazer Bleú Ciudad México 11 de Febrero Sergio Gálvez

GIGS // Ratatat / WARP35 Evan Mast

Ratatat:

La dupla neoyorkina celebra 10 años de vida en 2011

GiG

03 Ratatat Voilá Acoustique Ciudad de México 16 y 17 de Febrero Sergio Gálvez

Evan Mast y Mike Stroud

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GIGS // Ana Tijoux, Toy Selectah! e I.M.S. DJ Set / WARP35

GiG

Ana Tijoux y Adanowsky

Ana Tijoux, Toy Selectah! e I.M.S. DJ Set José Cuervo Salón Ciudad de México 17 de Febrero 17

Ana Tijoux:

Sergio Gálvez

considerada una de las mayores exponentes del hip hop latino

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Ana Tijoux

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Toy Selectah!

GIGS // The Radio Dept. / WARP35

GiG

05 The Radio Dept.

Lunario del Auditorio Nacional Ciudad de México 19 de Febrero Cortesía ACHE Martin Larsson

Johan Duncanson y Daniel Tjäder

The Radio Dept.:

Johan Duncanson

una mezcla sueca de shoegaze y dream pop

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GIGS // Vato Negro / WARP35 Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/vatonegro

Vato Negro:

el nuevo proyecto de Omar Rodrígez López junto a Juan Alderete y Deantoni Parks

Vato Negro Omar Rodríguez López

Pasagüero Ciudad de México 26 de Febrero Leslie Del Moral

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031

GiG

GIGS // Kaki King y Natalia Lafourcade / WARP35

GiG

Kaki King

Kaki King y Natalia Lafourcade José Cuervo Salón Ciudad de México 26 de Febrero Sergio Gálvez

Natalia Lafourcade

Kaki King:

una talentosa guitarrista que cuenta con 4 placas que se mueven al ritmo de sus dedos

Para ver la galería de fotos de este concierto ingresa a: www.facebook.com/WARPmagazine

GIGS // Getting Louder / WARP35

Los Regresos

Samantha López, corresponsal Madrid/Londres

Todos sabemos quién regresa a los escenarios este año, pero ¿conocemos el porqué?. Antes de responder a esta pregunta habrá que responder ¿por qué se separan las bandas?. Pueden existir mil razones o pretextos pero, generalmente, es porque ya no les está yendo bien (o nunca les fue), porque se odian entre ellos, porque les ha salido un proyecto alterno, porque el mundo de la música les ha quemado el cerebro (o más bien los “caramelos” que los acompañan), porque decidieron saltar al otro lado y ser productores musicales (ésta es la que más está moda) o simplemente porque quieren hacer algo nuevo en su vida. Sin importar el porqué, la mayoría de los artistas siempre quieren regresar, pisar una vez más un escenario, saborear una vez más el dulce sabor de la fama y, por supuesto, volver a tener DINERO. Bandas separadas hay muchísimas, pero son aún más las bandas que amenazan con irse cada dos o tres años, para que así los melómanos y fans entremos en pánico y compremos todos sus materiales antes de que los dejen de editar y, por supuesto, para que vayamos a todas y cada una de las giras del ADIÓS. Caemos una y otra vez, no vaya a ser que esta vez “sí sea la última que los veamos en vivo”. Hasta los más grandes se separan, muchas veces en su mejor momento (cosa muy inteligente de hacer, si ellos intuyen su picada). Bandas que pensamos que eran

para siempre y al no ser así dejan un profundo vacío en el público. Este año regresan a nosotros grandes ídolos. Aquí en Europa lo que más vende son los regresos en los festivales. Algo muy astuto, ya que con el simple hecho de correr el rumor de que algún mítico al que extrañamos estará en algún escenario, los boletos vuelan, ya sea por ver una vez más a aquella banda que nos dejó, por curiosidad de ver si serán mejores o peores que antes, o simplemente para que nadie diga que no lo vimos. Uno de los regresos más esperados del año en este lado del charco, es el de The Strokes, banda que nos abandonó abruptamente después de una exitosa gira mundial con el First Impressions Of Earth en 2007, con el pretexto de tener proyectos alternos. El grupo de Julian Casablancas se disolvió, y aunque el vocalista trató de disuadirnos con un disco de buena calidad, jamás nos dio lo que su banda. Así que estos músicos nos fueron endulzando los años con rumores de su reunión hasta que el pasado 2010 se reveló que estaban trabajando –al fin– en un nuevo material que los haría regresar con más fuerza de la que ya tenían. La portada y el primer sencillo pintan bien, sin embargo nada está sobre la mesa. El estreno del álbum ha sido retrasado en varias ocasiones y la última fecha que se ha dado es el próximo 11 de marzo. The Killers, quienes “nunca se separaron”, solamente le dieron espacio a su líder para dar una vueltecilla por el mundo con su no tan exitoso

disco solista (a mí en lo personal me gusta, aunque suene a uno más de la banda), se reunieron hace poco en Washington y vuelven con material nuevo de estudio el próximo verano. Claro, hay fuertes declaraciones que dicen que, aunque estos no quieran regresar a los escenarios juntos, tienen un contrato millonario que no querrán romper y tener que pagar. Una banda bastante polémica que se reúne también este 2011 es Portishead. Sin embargo ellos no suenan a falta de dinero (a menos no a simple vista), ya que en las declaraciones que han dado de su nuevo material, rehúsan cualquier forma de publicidad actual, o descarga gratis, reunión con los fans, o alguna revista popular, por supuesto no existirá ningún tipo de acercamiento a las redes sociales, ninguna promoción y unas cuantas negativas más. Todos estos “NO”, pueden ser dos cosas: estar totalmente convencidos de que su material será mejor que cualquier otro, o una estrategia más de publicidad, que genera tal misterio y curiosidad, que nos hará comprar el disco. Lo único que nos queda, es esperar y juzgar por nosotros mismos qué regreso es bueno, cuál fue sólo por dinero, cuál no debió suceder o simplemente cuál pasó completamente desapercibido.

hotHOThit // WARP35

Nicole Atkins cortesía Nicole Artkins

La cantante norteamericana, Nicole Atkins estrena Mondo Amore (2011), el segundo material en su carrera solista. Una producción inspirada por experiencias difíciles en la vida de la artista, que dieron como resultado una placa de psychedelic soft rock plagada de sentimiento, en sus propias palabras: “Este es el disco que había querido hacer desde que tenía 12 años”.

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035

Diovanny Garfias

Lo Nuevo de TV On The Radio con nombre y The Black Keys en el estudio

TV On The Radio lanzará un nuevo álbum titulado Nine Types Of Light, el sucesor de Dear Science de 2008. Además, ya están confirmada su participación en los festivales europeos T Mobile Inmusic Festival en Zagreb el 22 de junio, Bilbao BBK Live en España el 8 de julio y Optimus Alive en Lisboa el 9 de julio. Por otro lado, The Black Keys, la dupla conformada por Patrick Carney y Dan Auerbach, planen ingresar a su estudio en Nashville en marzo para trabajar en un nuevo material discográfico, que vería la luz en otoño de este año, el sucesor su exitoso Brothers (2010). www.warp.com.mx/breakingnews/06

breaking news 02

Confusión en japones cortesía de Radiohead

La banda liderada por Thom Yorke, Radiohead, anunció de un día a otro que su octavo material discográfico titulado The King Of Limbs se encontraba en preventa y podría ser escuchado a partir del 19 de febrero como descarga digital. La anticipación fue tal, que un mensaje en japonés en el Twitter oficial de la banda (twitter.com/radiohead) reunió a cientos de fans en Hachiko Square en Shibuya, Japón, que esperaban ver un concierto sorpresa o escuchar el álbum por primera vez, pero finalmente las personas reunidas regresaron a sus casas con las manos vacías. Sorpresivamente, el lanzamiento del disco tuvo lugar 24 horas antes de lo previsto. www.warp.com.mx/breakingnews/07

Conciertos en México

Por primera vez Elvis Costello se presentará en tierras mexicanas. La cita será el próximo 2 de abril en el José Cuervo Salón de la Ciudad de México. Además Duran Duran confirmó shows para el 8 de abril en el Auditorio Banamex de Monterrey, 10 de abril en el Auditorio Telmex de Guadalajara y 11 de abril en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Otros actos que visitarán de nueva cuenta nuestro país son Two Door Cinema Club el 1 de abril en Monterrey y 2 y 3 de abril en el Lunario de la Ciudad de México. Y el día 11 de abril habrá presentaciones de The Chemical Brothers en el Foro Corona, Brandon Flowers en el José Cuervo Salón y Deftones en el Palacio de los Deportes. www.warp.com.mx/breakingnews/08

SHUFFLE // WARP35 Regresos fortuitos

The Cars, la banda que se hiciera famosa en los ochenta, regresa con Move Like This luego de 24 años sin grabar nuevos materiales. La agrupación está compuesta por los cuatro miembros que aún viven. También, Aretha Franklin vuelve a los escenarios luego de cancelar presentaciones el pasado noviembre para recuperarse de una enfermedad no revelada, la leyenda del soul, se plantará frente al público de nueva cuenta el 28 de mayo en el Casino Buffalo Niagara en Nueva York. www.warp.com.mx/breakingnews/09

Sorpresas en los Grammy

Arcade Fire ganó en la categoría de Mejor Álbum del Año por The Suburbs en la 53 entrega de los premios Grammy. Venció a Lady Gaga, Katy Perry, Lady Antebellum y Eminem. Sin embargo, los canadienses fueron vencidos por The Black Keys en las categorías de Mejor Álbum Alternativo con Brothers y Mejor Actuación De Rock En Dúo O Grupo con su sencillo ‘Tighten Up’. Otros ganadores de la noche incluyeron a Muse por Mejor Álbum Rock con The Resistance, La Roux por Mejor Álbum Dance/Electrónico con La Roux, Them Crooked Vultures por Mejor Actuación De Hard Rock con ‘New Fang’ y Neil Young por Mejor Canción De Rock con ‘Angry World’. www.warp.com.mx/breakingnews/10

ción fue de Beyonce, quien, para sorpresa de muchos, será headliner del festival, decisión tomada por los organizadores para “mantener el line-up tan diverso como sea posible”, según comentó Emily Eavis en una entrevista. El tercer acto principal también está confirmado y se trata de los irlandeses U2, quienes finalmente pisarán el Worthy Farm luego de cancelar su participación el año pasado debido a una lesión en la espalda de Bono. -El colectivo de James Murphy, LCD Soundsystem anunció que su despedida de los escenarios tendría lugar en el Madison Square Garden el 2 de abril, pero la venta de boletos fraudulenta a precios extremadamente altos orillaron a la banda a ofrecer cuatro conciertos más: 28, 29 , 30 y 31 de marzo en el pequeño Terminal 5 de Nueva York.

Beyonce

-Headliners de Glastonbury. La banda de Chris Martin, Coldplay, fue la primera confirmada como headliner para el Glastonbury Festival of Contemporary Performing Arts en su edición 2011, el cual tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de junio en Inglaterra. La segunda confirma-

-Gary Moore, el guitarrista irlandés de Skid Row y Thin Lizzy falleció el pasado 6 de febrero a causa de un paro cardiaco en Estepona, Costa Del Sol, España a los 58 años de edad. -El cast de Glee ha superado la cifra del Rey, Elvis Presley, al tener 113 canciones rankeando en las listas de popularidad de Billboard, mientras que Elvis alcanzó 108 durante toda su carrera.

-Kirk Hammett reveló que Metallica entrará al estudio este año, aunque no será “un álbum de Metallica al cien por ciento”. El guitarrista se refirió a las dos semanas que utilizarán en mayo para grabar más como “un proyecto de grabación” que “un disco completo de la banda”.

Guitar Hero

-La franquicia de videojuegos Guitar Hero se ha retirado del mercado, según un comunicado lanzado por la compañía desarrolladora, Activision. La razón se debe a que la compañía ya no considera el área musical como un negocio fructífero. -El músico mexicano de jazz, compositor y arreglista, Eugenio Toussaint, falleció el día 8 de febrero a los 56 años de edad en su domicilio en la zona del Ajusco de la Ciudad de México. www.warp.com.mx/ breakingnews/tambien

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SHUFFLE // THE PLAYLIST OF OUR LIVES / WARP35

THE PLAYLIST OF Our Lives CANCIONES PARA REVIVIR UNA FIESTA EN FRANCA DECADENCIA Fito Montes / @fitomontes

‘Superstitious’ ‘Sexy MF’ ‘Move Your Feet’ ‘Heart Of Glass’ ‘Killing In The Name Of (SebAstian Remix)’ ‘Take Me Out (Daft Punk Remix)’ ‘NY Lipps’ ‘Hey Boy, Hey Girl’ ‘Where’s Your Head At?’ ‘Around The World’ ‘Are You Gonna Be My Girl’ ‘Last Nite’

Michael Jackson

2 3 4 5 6 7 8

LCD Soundsystem Discodeine Feat. Jarvis Cocker Stevie Wonder Prince Junior Senior Blondie Rage Against The Machine

9 10 11 12 13 14 15

Franz Ferdinand Soulwax The Chemical Brothers Bassement Jaxx Daft Punk Jet The Strokes

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‘Don’t Stop ‘Til You Get Enough’ ‘Yeah (Crass Version)’ ‘Synchronize’

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Todos deberíamos tener en nuestro iPod o reproductor MP3 de preferencia, una lista que nos permita quedar como “heroes salva fiestas” en aquella ocasión en la cual algún ebrio improvisado como pinchadiscos está a punto de dar al traste con aquel evento, que bien podría quedar en los anales de la historia al menos como la “fiestota del mes”...

insert

SHUFFLE // WARP35

Los Concorde Dramaddicts

Por Elsa Núñez Foto: Cortesía Los Concorde

¿Por qué Es Lo Que Hay? Poncho: Realmente era un chiste un poco privado que traían en Fobia, me parece que salió por Jay… por ejemplo. Era decir “mira, nos pusieron esta camioneta” y la respuesta era “es lo que hay”. Cuando empezamos a pensar en nombres para este disco se nos ocurrió

‘Dramaddict’ será su siguiente sencillo, cuéntenme lo que hay detrás de este tema. P: Es una canción divertida, es el tipo de cosas que nos gusta hacer, además de cosas un poco más nostálgicas y un poco trágicas. Me divierte mucho esta canción porque incluso el tema es una broma, habla en específico del drama de las mujeres. La letra es de Jonáz, fue a quien se le ocurrió toda la historia y es una parodia sobre lo dramáticas que pueden llegar a ser las mujeres pero en realidad los hombres podemos llegar a ser mucho peores. Era muy divertido hacerlo así, obviamente no escribimos una canción para molestar a las chicas, por el contrario, todos vivimos en pareja. Varias bandas han anunciado su regreso, ¿quien les gustaría que lo hiciera? P: Nos gustaría que fuera Cerati, pero todos sabemos que aún no es posible. M: El regreso de Caifanes es una gran noticia, nos da mucho gusto que hayan arreglado sus diferencias. P: Yo creo que ese es un buen regreso porque era uno de los más esperados, a pesar de que ninguno se retiró completamente de la escena. Cuando suban al escenario y comiencen a tocar será un momento muy emotivo y nadie se lo debe perder.

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Tuvieron muchísimo éxito con Región 4, ¿qué diferencia existe entre el proceso detrás de ese álbum y Es Lo Que Hay? Mauricio: El primer álbum es más orgánico. Nos dedicamos a trabajar con lo que teníamos, aprovechar nuestros precarios recursos. Ya el segundo disco (Es Lo Que Hay) tiene mucha más onda, contamos con más presupuesto y un antecedente de lo que buscábamos. Además nos aventuramos a meterle otros elementos, así que encontrarán más sintetizadores, más electrónica, y tuvimos la oportunidad de invitar a Phil Vinall, quien se encargó de la postproducción. Poncho es el productor de los dos discos, Leonardo y yo somos coproductores.

incluirlo, incluso involucramos a Cha! (Fobia) para que hiciera la portada, así que logró darle el sentido justo. Siempre tratamos de pensar que Los Concorde no somos simplemente nosotros, los músicos, sino que queremos que se entienda que es un colectivo.

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‘Rompecabezas’ fue uno de los temas que más sonaron en 2009. Sorprendidos por el éxito obtenido, sus creadores, Los Concorde, regresan a la escena con Es Lo Que Hay, un álbum que muestra una evolución en su sonido. WARP MAGAZINE conversó con Poncho Toledo (La Lupita) y Mauricio Clavería (La Ley), quienes junto a Leonardo de Lozanne (Fobia), Jonáz (Plastilina Mosh) y Tavo (Resorte) conforman un colectivo de artistas que solo buscan hacer música sin mayores pretensiones.

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Blogageddeon Times Los Locos Del Mar Por: Sr. Flavio

Diana Urbano

La gente que vive cerca del mar, digo, la que lo frecuenta, lo besa, lo toca, lo nada, lo surfea, lo todo, termina llevando el mar en sus ojos. Sí, el mar termina metiéndose en sus ojos finalmente. Fijate si tenés algún amigo costeño, o vos mismo sos costeño, loco vas a terminar y eso está bien. Como empeyotado por el océano mismo que difunde sus misterios en olas quebradas y arremete contra la mente desnuda y escuálida de los bañistas, surfers y nadadores. En México, por ejemplo, que lleva todo su mágica locura del Mejico-Máxico, pasa que en Puerto Escondido se surfea cabrón, con ese olón zarpado que amenaza desde la orilla, y los surfers mexicanos están bien locos, y digo esto, afortunadamente, porque estar loco en este mundo careta y feroz es más lindo y sincero. Hay un link directo que baja desde las nubes introduciéndose por la tierra misma que es hembra, para desembocar en los hongos de Oaxaca. María Sabina sabe, de allí conecta con Real de Catorce y continúa su periplo viajando por finos vasos comunicantes de la piedra en el desierto, zigzageos y vericuetos, para llegar directamente a Playa de Zicatela , Puerto Escondido, y otras playas, point brakes agresivos y sugestivos de la costa mexicana de embrujos. Por aquí la locura de mar no es menor, los Chapamaltecos de Chapadmalal, Costa Atlántica, Pampa de mar, todos locos, surfers locos en los hoteles de Perón, en Luna Roja Beach Brake. Esta locura presagia que también estoy loco. Es lo mío. Señor Flavio, nacido en Mar de Plata, extraditado a Buenos Aires, me desterraron del mar de chiquito pero vuelvo. Locos. Todos locos de mar, el mar que vuelve locos. Como ese pez que se llama “Pollo de mar”. Yo quiero ser un pollo de mar. Y nuestra locura funciona porque la refrendamos de un olón castigador, porque “al que madruga Dios lo entuba” dice un surfero loco amante de los tubos de Zicatela, la Maquinita, Mar del Plata y Pipeline, pero él no sabe, o sí lo sabe, aunque no sea verdad, ni de mentira, pero lo es en este texto al fin , que el surf prehispánico se metió en sus ojos de ámbar oceánico. Y las olas del norte de Chile, olas alienantes, Arica te puede matar, de alegría, de locura, de frío de ahogo, de emoción. El Foca , surfero marplatense y amigo, elige entubarse en Arica , Foca es big waver zarpado men. La antena transmite energía resplandeciente desde el desierto de Ikamole hasta Playa Luna Roja, Chapadmalal, Costa Atlántica, Argentina, por establecer una de las trillones de conexiones existentes. Desierto de Ikamole. Fondo de un mar de hace 12 mil años que ya no es. Yo quiero ser un pollo de mar, y ya lo soy, eso siento.

Inseguro, surfeo con mi tablón de Señor Flavio, y me clavo feliz en una ola que me revuelca hasta la próxima bocanada de aire. Pollo de mar. Veleta de ritmos, antipoeta, sones mixtecos y tangos hardcore. Vos también podés montarte a la locura del mar en cualquier momento, que es como la locura de los que viven en la montaña, porque es lo mismo, mar, montaña, mar, desierto. Estrellitas de mar. ¿Pollo de mar entonces, vos querés ser como yo? Dale nomás. El mundo no es lo que se ve, y el mar es otro cosmos que se ve apenitas. Tenemos las olas para travesear con caballitos de totoras, bodyboards, longboards, o alguna tablita corta de 5 pies. O simplemente barrenando a pecho ¿no? Fruto de mar, quién sabe lo que haya llamado a la poetisa Alfonsina, que se internó en las fauces lúbricas de un mar oscuro por la noche de las Playas de La Perla, algo llamó a Alfonsina y demandó su presencia. Alfonsina entonces se introdujo en el mar de Mar del Plata para no volver, dejando atrás una noche triste con ruido de olas rompiendo en la noche marplatense, luces amarillas de la ciudad feliz. Dejó poemas que a mí me resultan hermosos, dejó libros como El Dulce Daño. Me dejó a mi que antes era El Señor Flavio, bajista de Los Fabulosos Cadillacs, compositor de ‘Matador’, bajista latinoamericano power, sonidero antipoeta pop, surferskater mediocre tirando a malo, aprendí de grande, pero surfer skater al fin, todo irrelevante porque ahora soy un pollo de mar. Otra existencia. En pollo de mar me he convertido, no puedo volar, pero sí levitar entre las olas, dejarme llevar. Preciso viajar a México pronto, Buenos Aires-México, non stop, para levitar como buen pollo de mar que soy , entre las olas amigables de Carrizalillo. Antes, con otros pollos de mar, pasaremos por Máncora y su magia peruana. Qué lindo que es ser latinoamericano. Pobrecito continente, dañado y saqueado desde sus inicios y las venas de América Latina. Pero ahora como pollos de mar, locos porque el océano vibró en nuestros ojos ocultándose al fin y depositando la semilla de la chifladura para quedarse en nosotros siempre, dejamos una nueva luz de esperanza ante el maya 2012 que se yergue ante nuestras narices. Soy el Señor Flavio, Pollo de mar, sonidero-antipoeta pop, surfer skater mediocre tirando a malo, compositor de rolas y decires mágicos. Surfing. Besos.

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¿Cuál era el sonido que querías obtener para el disco Cloud Nothings? Cuando grabé ese álbum y compuse esas canciones estaba escuchando mucho hardcore y punk-pop de los noventa, así que en realidad quise rendirle tributo a esos géneros con este disco. Ambos han sido una gran influencia para mí en cuanto a escribir se refiere, y también cuando hablamos de apasionarse por la música en general. ¿Qué nos puedes decir de la producción detrás del álbum? Fui a Baltimore, Maryland en agosto y grabé toda la música con Chester Gwazda en una semana y media. Fue raro para mí porque no estaba acostumbrado a tocar las mismas partes una y otra vez hasta que estuvieran completamente perfectas, cosa que hay que hacer para tener un disco producido en un estudio. La verdad me hice fan de esta forma de trabajar muy rápido, así que disfruté muchísimo grabar el disco.

Cloud Nothings Nothing’s Wrong

Por: Paulina García Foto: Cortesía Carpark Records

¿Quién tuvo la idea del video de ‘Hey Cool Kid’? Cuéntanos la historia detrás. Todo fue idea de Allen Cordell, el director del video. Vi lo que hizo para el video de ‘Walk in the Park’ de Beach House, así que le pregunté si quería hacer algo para ‘Hey Cool Kid’. Dijo que sí, y entonces le di rienda suelta para que hiciera lo que quisiera.

Cloud Nothings es el proyecto musical encabezado por Dylan Baldi cuya música (creada en un principio en su sótano) le dio la vuelta al mundo a través de internet al poco tiempo de haberse formado, gracias a sus explosivas canciones que ondean la bandera del punk-pop. Sus sencillos y EP’s llegaron a suficientes oídos curiosos como para que su álbum debut Cloud Nothings (2011) los llevara a intensivos meses lejos de su hogar. En algún descanso entre concierto y concierto WARP MAGAZINE platicó con Dylan acerca del momento que vive. ¿Cómo te sientes con toda la atención que ha recibido el lanzamiento de tu álbum debut?

Estoy muy contento de que haya gente poniéndole atención a la música que estoy haciendo. Es un sentimiento muy padre el saber que la música que hago se respete lo suficiente como para ser mencionada junto con mucho de lo que actualmente estoy escuchando. ¿Cuánto de tu proceso creativo ha cambiado desde los días en que componías en tu sótano? No ha cambiado mucho, la verdad. Probablemente lo único diferente es que ahora compongo pensando en cómo sonará en vivo. Siempre me pregunto “¿sonará esto bien cuando lo toque la banda?”. Cuando escribía en el sótano solo pensaba en cómo sonaría cuando lo grabara.

¿Cuáles son tus planes para este año? Cuando regresemos a Estados Unidos vamos a estar tocando mucho. Ojalá pueda tener tiempo de rentar un estudio aunque sea un rato. El plan original es tener algún otro lanzamiento ya sea un LP o un EP en el verano o en el otoño, ¡así que espero que podamos atenernos al plan! . ¿Hay un compositor o una banda que te haya inspirado para hacer música últimamente? La banda más nueva que me inspiró muchísimo fue Ponytail. Los vi hace unos años cuando pasaron por Cleveland e hicieron que, una vez más, me emocionara mucho con los shows en vivo. Me inspiraron a iniciar mi propia banda y crear mi propio sonido.

Hay algunas bandas en Australia que son muy grandes ahĂ, pero desconocidas en el resto del mundo. Me alegra que no seamos una de ellas.

Lucidity

Por: Paola Del Castillo Fotos: Cortesía Modular Recordings

El cuarteto originario de Perth, Australia, ha pasado de generar un poco de ruido en su país natal con su EP homónimo de 2008 a obtener reconocimiento internacional con su álbum debut Innerspeaker de 2010, el cual se distingue por su mezcla de rock psicodélico con otros géneros como el jazz y el blues. Kevin Parker, vocalista de la agrupación, habló con WARP MAGAZINE sobre su éxito, sus planes a futuro y una visita a México alrededor de primavera-verano. Cuando su primer EP salió obtuvo cierta atención mediática, pero desde que Innerspeaker fue lanzado Tame Impala se ha convertido en una especie de referencia del rock psicodélico ¿Cómo se sienten al respecto? No lo sé, ¡no creo que seamos tan revolucionarios! Me preguntan mucho qué se siente tener un impacto tan grande en la escena musical mundial, pero yo realmente no lo he notado. Ciertamente hay muchos otros grupos que definen al rock psicodélico mejor que nosotros, The Flaming Lips, MGMT, Dungen. Usualmente no pienso en Tame Impala como psicodélico, generalmente lo considero más como dream pop. Pero son bastante similares, así que ¡quién sabe!. ¿Cómo fue el proceso creativo de Innerspeaker? He grabado muchos demos de canciones, así que cuando fue momento de grabar el álbum decidimos escoger unas doce que quedaran bien juntas. Algunas eran muy viejas (de cuatro o cinco años), y algunas fueron escritas apenas unas semanas antes. Dom (Simper) y yo rentamos una casa a unas horas del sur de Perth por unas siete semanas e hicimos casi todo desde ahí. Las canciones fueron gradualmente unidas, sobreponiendo guitarras, batería y otras cosas. Sólo grabamos una canción juntos como banda, ‘The Bold Arrow of Time’, y esa tiene una sensación muy diferente de las demás canciones del álbum.

¿Consideras que son lo mejor que hay actualmente en rock psicodélico? ¿Quién crees que soy? ¿Kanye West? En los últimos años, las bandas australianas han tenido mucha atención de los medios. ¿Crees que una revolución musical australiana viene en camino? No había notado tanto el incremento en la atención de los medios, pero vivo en Australia, y las bandas australianas siempre han tenido cobertura mediática aquí. No estoy seguro cómo sea en el resto de mundo. Seguramente el boom en la comunicación ha tenido algo que ver, el internet y todo. Hay algunas bandas en Australia que son muy grandes ahí, pero desconocidas en el resto del mundo. Me alegra que no seamos una de ellas. ¿Qué sigue para ustedes? ¿Qué planes tienen para el 2011? Tocaremos en Coachella, en algunas partes de Estados Unidos y en México. Estoy grabando el nuevo álbum en estos momentos, estoy muy emocionado por ello. Por el momento, todos estamos enfocándonos mucho en nuestras diferentes bandas, que es lo que amamos hacer cuando no estamos de gira, grabar álbumes y tocar shows con nuestros amigos. ¿Qué no puedes contar de esa visita a México? Sí iremos a México, creo, pero no sé exactamente cuándo será ¿Alrededor de las fechas de Coachella, tal vez? ¿Cuándo escucharemos nueva música de Tame Impala? ¡En cuanto sea posible! Esperamos que esté mezclado para julio, pero odio hacer promesas como esta porque cosas raras e inesperadas suelen suceder. Quién sabe cuándo verá la luz. ¿Qué podemos esperar de ese nuevo material? Es muy diferente a Innerspeaker, o eso me han dicho. Estoy mucho más confiado en este álbum que en el pasado. Tengo mi propio estudio ahora, así que puedo usar mis juguetes favoritos y cocinar una tormenta sónica cuando sea que sienta ganas de hacerlo. El sonido es más grande, creo, pero tengo maneras extrañas de grabar para que nunca suene a música de estadio…no he usado un solo amplificador de guitarra hasta el momento.

Usualmente no pienso en Tame Impala como rock psicodélico, generalmente lo considero más como dream pop.

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Tame Impala

¿Cómo combinan el jazz y blues con música rock comercial? ¿Cómo hacen para lograr el híbrido que es el sonido de Tame Impala? Son sólo los ingredientes de la música que amo. Nada de lo que escuchas es perfecto, ningún sonido que pertenece a alguien más será perfecto para ti, así que tienes que hacerlo tuyo. Escucharán elementos de Tame Impala si escuchan a Dungen, Caribou, Flaming Lips, The Beatles, Ratatat, The Chemical Brothers.

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Vivian Girls Sharing The Joy

Por Paulina García Fotos Cortesía Polyvinyl Record Co. En los ochenta y noventa se gestó una generación de mujeres que demostraron ser igual de aguerridas que cualquier banda conformada por hombres, y con el talento necesario para sobresalir entres sus contemporáneos. Tan es así que hoy en día PJ Harvey, Cat Power, Kim Gordon (Sonic Youth), Kim Deal (Pixies) e incluso Gwen Stefani son figuras importantes en la historia de

la música que no sólo son respetadas, también son objeto de fantasía y ejemplos a seguir para las mujeres jóvenes que buscan su lugar en la escena musical. A principios de la década, las voces femeninas empezaron a generar expectativa de nuevo con actos como Feist y grupos de revival cincuentero como The Pipettes. En los últimos cuatro años una de las bandas que más atención ha recibido son las Vivian Girls. Este trío de chicas le ha dado una cara fresca a la música liderada por mujeres al retomar el espíritu de las riot grrrls y hacer del pop un género perturbado que se envuelve con papel estraza.

Aunque sería increíblemente fácil tomar a las Vivian Girls y etiquetarlas en un género, habría que ver todos los elementos que coexisten en su música: pop, shoegaze, punk, noise y un surf muy californiano pero con letargo, como si se encontraran en una resaca permanente. La visita a todos estos géneros, en específico, es para lograr un sonido que ellas definen como “misterioso, turbulento, perturbado, dinámico y en constante expansión”, mismo que continúan fomentando para Share The Joy, su tercera y muy esperada producción que se lanzará en abril de este año. A lo largo de sus cuatro años de existencia, las Vivian Girls han pasado por algunos cambios en su alineación:

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el más reciente se dio cuando Ali Koehler dejó su puesto de baterista para tomar las baquetas en Best Coast. Esto le dio entrada a Fiona Campbell quien a su vez abrió una vacante del mismo instrumento en Coasting, su antigua banda. Por otro lado, entre un disco y otro Cassie Ramone le dió vida a un proyecto llamado The Babies y Katy Goodman se enfocó en La Sera, su disco solista. Todos estos cambios no afectaron en un 100 por ciento la esencia musical de las Vivian Girls, aunque Cassie Ramone confiesa que para Share the Joy “quisimos grabar un disco que sonara un poco más pulido y diferente a lo que habíamos hecho antes. Queríamos separarnos de nuestra ética minimalista para poder crear más texturas, y así darle más variedad al álbum.” Todas las experiencias, viajes y gente a la que se expone una agrupación en crecimiento, al principio puede tener un gran impacto en sus miembros y se puede manifestar de diferentes formas: pueden interesarse en nuevas religiones, se vuelven humanistas, otros cambian de look, forman bandas nuevas o “súper grupos”, redescubren su sexualidad, en fin. Pero entonces, ¿cómo combinar estas experiencias con la música?, ¿cómo encontrar inspiración en todo esto y traducirlo a sus propias notas?. La mente de Cassie Ramone es una madriguera donde lo que entra corre un futuro incierto con respecto a cómo se plasmará en su guitarra: “la inspiración es un fenómeno chistoso. Escucho mucha música diferente, pero no creo que ni mis canciones favoritas puedan afectar mi forma de componer. Recuerdo que una vez –antes de las Vivian Girls– escribí una canción que sonaba como una balada country, pero en realidad fue inspirada por ‘Sometimes’ de My Bloody Valentine”. Con todas las texturas y armonías que las Vivian Girls experimentan para Share The Joy, esta agrupación consolida una imagen que remonta a los grupos de chicas cincuenteros manufacturados por Phil Spector, combinado con un poco de la ternura e inocencia perturbadora que se encontraría en la estética de una película de Tim Burton. A pesar de esto, de no haber sido sentenciado a cadena perpetua por el asesinato de la actriz Lana Clarkson, Cassie no cree que Spector hubiera querido acogerlas bajo su wall of sound: “He leído la biografía de Phil Spector, y no creo que hubiera –siquiera– considerado el trabajar con nosotras. No creo que hubiera podido dar el ancho de cantante bajo sus estándares, pues trabajaba con la crema y nata de los músicos de sesión. Si alguna vez Spector hubiera lanzado un álbum con el nombre de Vivian Girls, estoy segura que ninguna de nosotras habría trabajado en él. Sin embargo, me encantaría grabar un disco con el mismo estilo y de la misma forma que lo hacían en los sesentas”. Al contrario de muchas bandas que tardan 15 años en pisar tierras mexicanas, las Vivian Girls han tenido ya un par de exitosas presentaciones en la ciudad de México, así como en Monterrey. Cassie comenta que “las tres la han pasado tan bien en la ciudad que no dudarían en regresar”. Así que, con Share The Joy como pretexto, no duden en comprar sus boletos si es que estas chicas confirman una fecha en México; claro, si no les da miedo ver que aún existen mujeres que pueden tomar sus instrumentos y tocarlos con estilo y sobre todo, actitud.

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Rock Fiction Different Class

Por: Adolfo Vergara Trujillo (@ToBeFreak) Diana Urbano (N.B. Please read this Rock Fiction whilist listening to the recordings.)

—¿A… A… Algo de tomar para el señor? —le preguntó el mesero con algo de angustia, como si no comprendiera muy bien la situación. —¡Perrier! —respondió J.C., en perfecto francés, con la pierna cruzada, sentado frente al espejo— ¡Perrier con mucho hielo! El mesero se retiró, cerró la puerta por fuera, pasó entre el par de gorilas con gafete de seguridad del Britt Award 1996 que custodiaba el camerino y se alejó a paso redoblado por el pasillo de la derecha. A su parecer, allá adentro, el ambiente quedaba algo tenso entre el chico del espejo y el hombre del puro… —¿Quién te crees, malnacido, para brincar al escenario y censurar a una estrella? —escupió el hombre, enfundado en su traje de 4 mil dólares— ¿Quién? —Sólo soy una persona común… —Él es el Rey, ¿entiendes? ¡El Rey! —“El Rey” murió en agosto del ’77; el tuyo sólo volvió popular el moonwalk… —¿Me estás provocando? —gritó el hombre de nuevo, con los ojos inyectados.

J.C. observó al hombre por un instante y le pareció increíble que pronunciara sus maldiciones con perfecta dicción y, además, mostrara los colmillos sin dejar de mascar el puro. —¡Pusiste en riesgo una producción de 60 mil libras! —Él no es Jesús… —respondió J.C.— ¿Qué es eso de hacer la Cruz como si estuviera recibiendo al Espíritu Santo? —¡Él es Jacko! Los gorilas abrieron la puerta del camerino y entró un gendarme que, desde lo más alto de su gorro de insignia, miró la figura espigada de J.C. —acicalándose las cejas frente al espejo— y luego al hombre que, amenazante, mascaba el puro: su prejuicio de policía juzgó. —¿Es este? El hombre del puro no respondió, pero señaló a J.C. con sus gritos: —¡Te acusaré de boicot! ¡De atentado! ¡Eres un terrorista! —¿Y la basura de salir rodeado de chicos sonrosados? —preguntó J.C.— Más de un pervertido ha citado a San Marcos para acariciar niños…

—¡Eres un ignorante! ¡Jacko es un artista! —Yo sólo soy una persona común… El mesero regresó de prisa por el pasillo de la derecha y, con un gesto, solicitó a los gorilas que le abrieran paso; tocó un par de veces la puerta y entró sin esperar respuesta; en su charola llevaba un Perrier cerrado y un vaso colmado de hielo; y no obstante sus hombros encogidos entre el hombre del puro y el policía, abrió la botella de un ágil movimiento de muñeca y sirvió el agua. J.C. tomó el vaso y se lo bebió de un trago. —Gracias… El mesero cuenta que, en aquel momento, J.C. soltó un eructo —uno discreto—, pero yo no lo creo: el adorno no corresponde a su clase.

Different Class

Pulp Island 1995

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The Boxer Rebellion Caught By The Light

Por Diovanny Garfias Fotos Cortesía The Boxer Rebellion

The Boxer Rebellion forma parte de la primera temporada de:

¿Cuál es la diferencia principal en términos sonoros entre The Cold Still y Union? The Cold Still es más profundo, en éste seguimos creando grandes atmósferas pero fuimos más allá. Para nosotros

Ustedes participaron en el soundtrack de la cinta Going the Distance y también hicieron un cameo, ¿cómo fue que entraron en el proyecto? Cuando tocamos por primera vez en Estados Unidos, en Los Angeles, tuvimos la suerte de contar con la presencia de una supervisora musical de New Line Cinema entre el público. Ella estaba tratando de encontrar una banda para la película y pensamos que encajábamos a la perfección. Nos enviaron el guión y estuvimos de acuerdo en escribir y en aparecer en un par de escenas. Fue una experiencia muy divertida y creo que nuestra música tiene cierta calidad cinematográfica. ¿Los veremos en México este año? Es algo que nos encantaría y estoy seguro de que pasará. La última vez la pasamos muy bien con los fans mexicanos, son de los mejores del mundo. ¡También queremos ver más lucha libre!.

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Han sido catalogados por varios medios como “la siguiente gran banda”, ¿aún se sienten cómodos con ese calificativo? Creo que es algo que nos ha perseguido durante toda nuestra carrera y personalmente ni siquiera puedo culpar a la gente por vernos de esa manera. A donde sea que lleguemos por primera vez, como nos pasó en México, somos una banda nueva y tenemos que ser presentados de esa forma. Es de las cosas que me hacen reír, ¡casi cada año somos la nueva banda que definitivamente despegará en los próximos meses!. Estoy feliz de que sigamos alcanzando a nuevos escuchas, que estos sigan aumentando y que sepan quienes somos. Para nosotros, crecer, si importar a qué velocidad, es algo maravilloso.

la producción significa que capturamos más del espíritu que tenemos en vivo y de la esencia de nuestra actuación. Union (2009) fue una lucha, porque básicamente estábamos nosotros solos tratando con todas nuestras fuerzas de completarlo. El resultado fue algo muy personal y seguimos muy orgullosos con lo que logramos. Es más ligero y posiblemente más inmediato que The Cold Still, pero en lo personal este último es la culminación de todo lo que hemos luchado por conseguir y es fácilmente de todos nuestros discos mi favorito (hasta ahora).

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Cansados de ser la eterna “banda promesa” The Boxer Rebellion, cuarteto londinense integrado por Nathan Nicholson (voz, guitarra), Adam Harrison (bajo), Piers Hewitt (batería) y Todd Howe (guitarra), vuelven a los escenarios escudados con The Cold Still (2011), su nueva producción, con la cual buscan desmostrar de una vez por todas que su sonido es una realidad. WARP MAGAZINE platicó con Adam, quien está muy consiente de que este 2011 es el año en que la banda vuelve para cosechar todo lo sembrado.

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Por Paola Del Castillo Fotos Sergio Gálvez

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They Came From The City En 2003 debutaron en la escena musical con Street Child, material que de manera instantánea llamó la atención de propios y extraños por su peculiar propuesta: cantar en inglés aunque eran una banda latina. “Mucha gente tiene la idea de que lo hicimos para vender más o caer bien pero no fue así. En realidad empecé a cantar en inglés desde muy chica porque me encantaba Janis (Joplin), quería ser como ella y me encantaban The Beatles. Naturalmente, cuando me senté al piano y empecé a cantar fue en inglés y de ahí me seguí y se me hacía muy fácil componer en inglés”, asegura Elan, vocalista de la agrupación. Otro de los puntos a destacar del debut de los tapatíos fue la detallada producción involucrada en su sonido, aunque ahora tratan de no premeditar las cosas y simplificar el proceso. “El primer disco es lo peor porque tienes toda una vida para hacerlo, surgen las inseguridades y puede ser que nunca lo acabes. El proceso de mezcla de Street Child duró nueve meses”, asegura Jan Carlo, guitarrista de la banda. What Can Be Done At This Point Con el paso de los años, la agrupación se ha dado cuenta que lo más importante es tocar lo más que se pueda y llevar su música a tantos lugares como sea posible. “Aquí en México no se hacían muchas giras por tierra, sino que ibas a las grandes ciudades. Entonces Elan me dijo ‘vamos a hacer exactamente lo que siempre quisimos hacer en el extranjero pero en México, vamos a tocar en todas partes aunque sean barecitos’. Nos encanta estar aquí”, cuenta Jan. “Muchas bandas planean giras para dentro de tres meses, nosotros nos desesperamos porque ya queremos tocar. Creo que eso es un parteagüas entre nosotros y las demás bandas de este país que, no importa qué tan cansados o enfermos o costillas rotas y demás tengamos, siempre estamos trabajando muy, muy duro en todo lo que queremos lograr”, opina Elan. Para ELAN no hay vacaciones, porque la música forma parte de su vida diaria. “Acabamos la gira normalmente en octubre y dos días después ya estamos en ensayos, en noviembre estamos en el estudio, en diciembre estamos en Nueva York mezclando y en enero empezamos a tocar aunque nos digan que ‘no hay gente en esas fechas’. Nosotros tenemos que tocar porque es lo que hacemos”, cuenta el guitarrista.

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Be Here Or Be Gone

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ELAN

Es fácil describir a ELAN. Cinco personas enamoradas de la música que buscan dar todo de sí por ella. Dos hermanos, un primo y dos amigos de toda la vida. Cinco amantes del rock and roll y todo lo que este género representa. Cinco amigos de Guadalajara que buscan hacer lo que les gusta y pasarla bien haciéndolo. Cinco nostálgicos de aquellas épocas en las que The Rolling Stones, Janis Joplin, The Beatles y todos los grandes reinaban. ELAN son Elan Sara DeFan (vocalista y compositora de los temas), Jan Carlo “El Vikingo” DeFan (guitarrista), Michel “Cheech” Bitar (batería), Carlos “Charlie” Padilla Maqueo (bajo) y Mauricio “El Pato” López (guitarra rítmica), cinco personas extrañas comunes. ELAN son cinco individuos que no necesitan de las palabras para comunicarse entre ellos, su conexión va más allá de eso, sus instrumentos y un escenario son suficientes.

insert Lost And Found Para ELAN, el ser una agrupación genuina y auténtica es casi tan fundamental como la música misma, donde las poses y pretensiones quedan completamente fuera. “Somos muy honestos. Es rock and roll sincero, no tiene gran ciencia. Nos gusta pasarla bien en vivo”, asegura Elan, mientras su hermano bromea, “Somos como un circo. Nosotros y todo el crew, somos todos unos personajes”. Por otro lado, la presión de parte de las disqueras y la premeditación de elaborar música con el único objetivo de crear éxitos es algo que encuentran absurdo y falso. “Un disco tiene que ser un capítulo del libro de tu vida, tiene que ser ese periodo. No va a ser ni mejor ni peor. Es impredecible. Son las rolas que están representando exactamente lo que has vivido”, comparte Jan. A su vez, Elan comenta, “Si lo haces buscando el éxito entonces lo estás haciendo por alguien más y es un esfuerzo perdido”. Como buenos melómanos, mantienen una añoranza por las décadas pasadas, aquellas en las que el escucha mantenía un dominio total sobre su banda favorita, identificando el carácter y personalidad de cada miembro. Por ello, para ELAN las presentaciones en vivo juegan un papel clave, donde tratan de mantener un lazo cercano con su audiencia, haciendo de cada concier-

to algo familiar e íntimo. “Antes, en las grandes bandas, cada integrante tenía su carácter. Eso se ha perdido, reconoces el sencillo pero no reconoces a la banda. Hace treinta o cuarenta años si te gustaba una banda conocías a todos”, declara Jan. Regular Weird People Este año, ELAN presenta Regular Weird People, séptimo álbum de estudio que grabaron completamente en vivo en el transcurso de tres días y que refleja a la perfección su estilo y dinámica en el escenario, además de su esencia como agrupación. “Es rock and roll. Es un disco divertido. Muy nosotros. No está tan pensado, creo que es mágico”, narra Elan. ¿Qué cambios ha habido desde sus primeras producciones a Regular Weird People? Elan: Lo grabamos en vivo y fue realmente lo que queríamos desde el principio. Fue muy rápido el proceso de composición, se dio cuando estábamos todavía de gira el año pasado. Teníamos el estudio para dos semanas y el disco salió en tres días, de principio a fin. Se forma una conexión muy especial, si alguien se equivoca tenemos que hacer todo otra vez, así que todos tuvimos mucha más responsabilidad. Jan: Siempre hemos sido una banda

De la banda para sus fans:

ELAN decidió regalar su séptimo álbum de estudio, Regular Weird People, en formato físico a través de WARP Magazine debido a que creen fervientemente en el valor que conserva este formato. “Cuando escuchabas la música de los cincuenta o sesenta y veías los acetatos había una conexión directa porque lo sentías, lo olías y los libros eran una obra de arte”, agregó Jan Carlo. Eligieron darlo de manera gratuita debido a que consideran que la música existe para ser compartida, escucharse y disfrutarse, buscando nuevos medios para hacer llegar ésta a los oídos de la gente, persiguiendo un ideal de intentar cambiar al mundo con una canción pero evitando caer en el juego sórdido de las disqueras, optando por ser siempre fieles a su locura.

en vivo, el estudio nunca ha sido el premio, sino algo que te toca hacer después de una gira larga. Entonces lo que queríamos era un disco que sonara exactamente a lo que somos. Pato: Para percibirlo al cien por ciento tienes que verlo en vivo. Tienes que estar ahí. La recomendación sería primero ir a vernos en vivo y luego escuchar el disco. Han colaborado con varios artistas, por ejemplo con Slash, ¿con quién más les gustaría colaborar? E: Lo de Slash fue natural, nos llevábamos mucho con él y todo fluyó bien pero ya cuando lo repites en muchos discos te vuelves “la banda que siempre está con otros músicos”. En este disco íbamos a meter a gente pero les dije que era momento para nosotros. Creo que funciona mejor si puedes demostrar lo que puedes hacer como banda sin tener que usar a otras personas. Al final es como si estuvieran ellos enfrente y tú en la luz de atrás. ¿Qué planes tienen a futuro? E: Este año tocar, tocar y tocar como locos por toda la República. Conocer el país que nos vio nacer y conocer gente increíble que hasta ahora ha sido una de las cosas más especiales de estar de gira. Empujar al disco lo más que se pueda y luego regresar a hacer más discos.

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Calendar 1

2-3

The Strokes New York, NY Madison Square Garden

Lollapalooza Chile Santiago de Chile, Parque O’Higgings

Elvis Costello México, DF Lunario del Auditorio Nacional

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Two Door Cinema Club México, DF Lunario del Auditorio Nacional

Deftones México, DF Palacio de los Deportes

Duran Duran Monterrey, NL Auditorio BANAMEX

Duran Duran Guadalajara, JAL Auditorio TELMEX

Journey México, DF Auditorio Nacional

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Duran Duran México, DF Auditorio Nacional

Coachella Indio, CA Empire Polo Club

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Vive Latino México, DF Foro Sol

Imogen Heap México, DF Lunario del Auditorio Nacional

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Ely Guerra México, DF Voila Acoustique

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Brandon Flowers México, DF José Cuervo Salón

Chemical Brothers México, DF Foro Corona

Roxette México, DF José Cuervo Salón

Crystal Fighters México, DF Pasaguero

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ABRIL

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The Beautiful Ones Project They are back! Por: Anna Stephens @Stphns

La ambición y la vanidad son un gran riesgo. Ejemplos pasados de reuniones de músicos nos ponen en claro que no siempre –y como en toda clase de relaciones- es favorable que esto ocurra. Aferrarse a un concepto musical o a un gran álbum no significa que el trabajo de la banda perpetúe y con ello la calidad y el éxito siga aún años después con su regreso. Los músicos deben recordar y respetar los buenos tiempos que tuvieron, y permitir que sus seguidores se queden con ese recuerdo. Este 2011 en particular, está marcado por el regreso de artistas cuya trayectoria ha sido fundamental para el desarrollo contemporáneo de movimientos y estilos musicales. Cada una de las bandas que les presentamos en esta edición de WARP Magazine, han reinterpretado la realidad a través de sus canciones y con ello ofrecen diferentes texturas y colores a situaciones particulares de nuestras vidas. El tiempo ha demostrado que el camino que trazaron los ha colocado en su justo lugar y ha inspirado a otros a hacer lo propio. En adelante, no queda mas que esperar a que la historia dicte si es que fue mejor tenerlos de vuelta o haber permanecido en ese estado musical suspendido.

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Cuando una banda decide separarse o tomarse un receso por tiempo indefinido, los fanáticos alrededor del mundo quedamos en estado musical suspendido. A pesar de que en algunos casos se editan acoplados o proyectos solistas, no hay nada como enterarte que tú agrupación favorita se reúne de nueva cuenta. Los motivos por los cuales una banda se desintegra siempre son un misterio sin embargo, las razones por las que sucede una reunión en pocas ocasiones quedan del todo claras. Sin duda existen músicos como John Lydon, quien en su momento declaró que las reuniones de los Pistols han obedecido a un interés meramente económico, pero son los menos. En este sentido la reunión de una banda puede estar motivada por el interés de realizar una producción discográfica nueva o simplemente para hacer una serie de conciertos. Existen factores que se deben considerar, sobretodo en el caso de la edición de un álbum. Tanto músicos, como público debemos reconocer que aunque la separación sea tan solo de un par de años, en la actualidad los cambios en la música son cada vez más inmediatos, tanto como el gusto de melómanos.

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Diana Urbano

Los Regresos Del Año 2011 está por llegar a una de sus partes más interesantes en materia de música, ya que son muchos los lanzamientos que entre primavera y verano inundan todos los espacios destinados al arte sonoro. Entre esa avalancha sónica nos encontramos no sólo con nuevos lanzamientos, también con bandas que durante algunos meses, años e incluso décadas, desaparecieron del mapa (en algunos casos prometiendo jamás volver como un ente grupal) y que en este año, pese a lo dicho en el pasado, decidieron regresar y reclamar su lugar dentro de la escena. En esta ocasión WARP MAGAZINE te presenta algunos de los retornos más esperados de los próximos meses, bandas que al pisar de nueva cuenta un escenario, ya sea por su sonido, su propuesta o su legado histórico, significan un hecho digno de ser contado.

ZOÉ NADA QUE COMPROBAR Paco Sierra

Cortesía EMI

Es difícil hablar de un regreso cuando se trata de una banda que se ha mantenido en la cima desde hace ya algún tiempo. Pero sí, Zoé regresa y, aunque no es con material totalmente nuevo, sí regresa con un sonido nunca antes experimentado por la banda, con un proyecto que ilusiona tanto a los cinco miembros originales como a los cerca de diez músicos que se son parte ya del nuevo ensamble Zoé Unplugged. El proyecto Música De Fondo: MTV Unplugged (2011) implica para Zoé no sólo revivir canciones de toda su trayectoria, también puede marcar el rumbo de su sonido como banda. WARP MAGAZINE platicó con los cinco integrantes de una de las bandas más importantes de los últimos años en México formada por León Larregui, Sergio Acosta, Jesús Báez, Ángel Mosqueda y Rodrigo Guardiola. ¿Como se siente Zoé en la actualidad? León: Bien, contentos porque el Unplugged ya salió, el sencillo ‘Soñé’ va jalando bien. Del video quedamos satisfechos, la gente que lo produjo está feliz. Ya estamos dándole a lo que va a ser un nuevo disco; estamos montando la gira del Unplugged. Estamos muy contentos y relajados.

¿Cuándo se dan cuenta de que tienen que producir nueva música? Sergio: Ahorita más bien nos ha faltado tiempo. Cuando Reptilectric (2008) ya estaba en sus últimas etapas de gira, estábamos muy ansiosos por meternos a hacer nuevas canciones para el próximo disco y se atravesó este proyecto Unplugged. Tuvo que esperar, fue como un paréntesis muy afortunado. En cuanto lo acabamos y entregamos nuestras partes, justo en ese momento nos pusimos a trabajar y a continuar lo que habíamos comenzado antes. Siempre tenemos esa necesidad de estar componiendo, más allá de los timings. Ya desde el año pasado estamos trabajando en algo nuevo. ¿Como asimilan después de ya muchos años el reconocimiento de sus seguidores? L: Con agradecimiento, no nos queda más que agradecer a la gente y tener la conciencia de que hemos entregado cosas buenas. Ser responsables y seguir haciendo cosas de calidad entregando a la gente algo que sea cada vez mejor. Siempre lo hemos logrado pero, en lugar de sentarnos en nuestros laureles, nos da motor para seguir haciendo cosas buenas o intentarlo.

• Reptilectric fue el último material de estudio lanzado por la banda en 2008. • Se han consolidado como una de las bandas más representativas del rock mexicano contemporaneo, presentándose en festivales como Coachella Valley Music And Arts Festival y curando el Hellowfest. • Su participación en MTV Unplugged los coloca al nivel de bandas como Café Tacvba, Caifanes y Soda Stereo.

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En los últimos años MTV ha estado muy ajeno a la música,¿qué los convenció para aceptar el proyecto? L: Desde antes que tuviéramos la banda, más chavillo MTV Unplugged era un programa importante, no sé si ahora lo siga siendo. Hay muchos Unplugged como el de Nirvana o The Cure que nos encantan o que influyeron en nuestra carrera o nuestro sentido musical. Por el simple hecho de que nos invitaran a esto era un sueño hecho realidad. Más allá de si MTV se convirtió en esto o aquello, el simple hecho de que tengamos un MTV Unplugged nos parece algo cool y algo importante en la carrera. Por eso ni la pensamos, dijimos inmediatamente que sí lo íbamos a hacer.

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¿Han sentido la necesidad de experimentar con nuevos sonidos? S: Lo del Unplugged obviamente fue un accidente muy afortunado antes de hacer nuestro siguiente disco. Nos abrió muchísimas otras ventanas; nos acercó a un montón de recursos con los que no estábamos acostumbrados a trabajar. Nuestro próximo disco será muy distinto a lo que hubiera sido sin el Unplugged. Ángel: Éste es el proyecto más diferente que hemos hecho. Éste fue el proyecto que nos ha hecho buscar totalmente algo nuevo. Aunque las canciones ya existían, no son versiones acústicas nada más, son versiones nuevas. Y obviamente para el siguiente disco de Zoé va a influir todo lo que hemos hecho para esto. Pero ha sido el proceso más importante en relación con experimentar.

‘Más allá de si MTV se convirtió en esto o aquello, el simple hecho de que tengamos un Unplugged nos parece algo importante.’ -León Larregui

Después de aceptar la invitación ¿cómo fue el proceso de preproducción?, ¿cómo escogieron a los invitados? S: Con Chetes hemos colaborado desde Rocanlover (2003), es una persona que admiramos mucho. Yamil es muy amigo nuestro y hemos colaborado con él en varias cosas, es nuestro productor favorito en México. Andrés Sánchez es un amigo de toda la vida, un músico y bajista que admiramos mucho, lo invitamos primero como arreglista y para tocar el bajo en una rola. Ya teniéndolo en los ensayos fue muy natural que agarrara algún otro instrumento y formara parte del ensamble. Y por su puesto que cuando pensamos en una voz femenina la primera que tenía que ser era Denisse (Lo Blondo de Hello Seahorse!) por lo que hizo en ‘Luna’ en nuestro re digitado, porque se nos hace de las voces más hermosas femeninas que hay en México actualmente. Fue bastante fácil, sobre todo con la idea de que no queríamos contratar músicos tipo hueseros, queríamos amigos porque a Zoé le gusta sentir ese ambiente familiar con el staff y todo el mundo. Queríamos divertirnos, reírnos, hacer de este proceso algo entretenido. Y sobre las nuevas versiones, sabíamos que no queríamos hacer las típicas versiones de guitarra acústica y violines, queríamos realmente reinventar las canciones con un ensamble interesante. Nos rodeamos de muchos juguetes, muchos recursos, muchos instrumentos. Cuando ves el escenario te das cuenta de que está lleno desde las cosas más

S: Es una gira como nunca la hemos hecho, de ser cinco en el escenario, somos 16. Tiene muchas implicaciones y complicaciones. No es una gira fácil de cuadrar, es más pensada para teatros y costosa en el sentido de que somos tres veces más personas. Queremos llevarla a la mayor cantidad de ciudades posibles y estamos muy emocionados porque es una gira muy distinta y tendrá su vida a la par de este disco. Después volveremos a ser Zoé sin Unplugged en el 2012. ¿Como se ve Zoé 15 años? [Risas] L: en las Bahamas… pero como banda es muy difícil; es mucho tiempo.

orquestales hasta las más absurdas. De repente lo absurdo se convirtió en el emblema. Esa jaula se le ocurrió a Phil en algún momento para tenerla como un elemento percusivo y te das cuenta de que cuando lo empezamos a trabajar no era nada más una cuestión de locura, sino que sónicamente cubría una frecuencia muy importante y se volvió un recurso igual de importante que una tarola o cualquier otro instrumento convencional. ¿Hay alguna canción que la versión Unplugged les haya gustado más que la original? Rodrigo: En general todas. Da gusto oír todas las nuevas versiones, volvieron a tener vida. L: Es como una resurrección de varias canciones que ni por error ya escuchas en tu casa y que desde que las estábamos montando con esta nueva interpretación decías “wow, son muy buenas rolas”. Se refrescaron muchísimo. Igual y ahora si nos pides que toquemos la versión eléctrica ya no nos prende tanto. ¿Cuáles son sus planes para los próximos meses? R: La gira que empezamos en mayo es sobre estas versiones. Va a ser muy diferente lo que pase visualmente, no necesariamente será el programa de tele, ese ya lo verá la gente en DVD. Más bien la gira va a ser otra cosa visualmente pero los arreglos son éstos y los músicos son los mismos, sin incluir a Adrián (de Babasónicos) y Enrique (Bunbury).

¿Y en lo personal? L: creo que la música es parte de nuestras personas y, como dice una frase del DVD, casi estaríamos muertos si no hiciéramos esto. Sigamos juntos o no, yo creo que cada quien seguiría haciendo música. ¿Que piensan de regresos como el de Caifanes en México o Blur y Pulp a nivel internacional? L: Está increíble, ojalá nunca nos separemos… pero está padre como seguidor si no tuviste la oportunidad de ver a esas bandas en su momento. S: Son momentos de nostalgia, de revivals. Por lo general cada quien ya tiene vidas y proyectos muy distintos. Si tú ves en qué momento histórico y musical está Damon Albarn, estás seguro de que no se va a dedicar a Blur otra vez. Él ya está en otro pedo y todos los demás seguramente también. Pero son buenas experiencias, como fue la de los Pixies. L: O Janes Addiction y Caifanes en especifico, todas las nuevas generaciones apenas los conocen y está padre que lo hagan.

SUEDE EVERYTHING WILL FLOW Lalo Montes (enviado especial)

Cortesía suede.co.uk

El Reino Unido de finales de los años ochenta era

un país lleno de desesperanza musicalmente hablando. Con la caída del sonido madchester, la desintegración de The Smiths y el receso creativo por el que pasaban los integrantes de The Stone Roses, la música inglesa quedó con un vacío difícil de rellenar. Mientras en Estados Unidos el grunge volvía a colocar al rock en un lugar predominante, en Inglaterra bandas como Pulp, Teenage Fanclub e inclusive Blur difícilmente contaban con la atención debida de la prensa y por ende con poca popularidad. Socialmente hablando, el país venía de una década de recesión económica, con altos niveles de drogadicción y violencia, poco empleo y pocas oportunidades

en una nación cada vez más y más cara. El panorama era complicado. Suede nace como respuesta de sus principales integrantes, el cantante Brett Anderson y el guitarrista Bernard Butler, a las experiencias urbanas clase mediera-bajas londinenses de esa época. Las fiestas semi-fashion underground que se popularizaron en la capital británica originaron un glam rock aderezado con estupefacientes, delicadamente andrógino, armado al ritmo de guitarras nostálgicas y letras poéticas de alta carga sexual. Sus primeras canciones se convirtieron en himnos para una generación que buscaba la belleza dentro de

ese submundo sin expectativas. Esto automáticamente puso los reflectores sobre ellos, lo que los llevó a firmar con una disquera transnacional. En ese momento, las puertas del mainstream se abrieron para todas las bandas que terminaron encapsuladas en un nuevo género calificado como britpop. Si bien Suede posteriormente nunca contó con la fama ni la popularidad internacional de bandas contemporáneas como Blur y Oasis, se le debe dar el reconocimiento y el crédito por ser la agrupación pilar del surgimiento del movimiento musical que definió por toda una década al Reino Unido. Tras cinco producciones de estudio, un compilado de temas inéditos, tres discos número uno en lo charts ingleses, cuatro discos de oro, un disco de platino, un Mercury Prize y siete años de separación, Suede anunció su reunión a principios del 2010. Su regreso es una gran oportunidad para agradecerles por su aportación, por su música y por lo que representaron para la escena musical de Gran Bretaña en ese específico momento histórico. Todos los miembros que han participado de manera activa en la banda, excepto el eterno autoexiliado Bernard Butler, se unieron de nuevo para dar algunos cuantos conciertos que concluyeron el 7 de diciembre del 2010 en la O2 Arena. Y justo la actuación de esa fecha simbolizó el con-

• A New Morning (2002) fue el último material de estudio de Suede previo a su separación que se extendió durante siete años. • Más de una década después de la explosión del britpop, el regreso de Suede significa un revival de un sonido destino a perdurar en la historia. • Tras ofrecer una serie de conciertos a finales de 2010 en Reino Unido, la banda planea seguir tocando el resto del año participando en el festival Coachella Valley Music And Arts Festival.

cierto bajo techo más grande que el grupo haya dado en toda su carrera: cerca de 20 mil fans oscilando los 40 años cantaron, gritaron y se emocionaron por dos horas. Todo un recital lleno de magia atrapó al público. ‘She’, ‘Trash’, ‘The Drowners’, ‘Animal Nitrate’, ‘We Are The Pigs’, ‘Filmstar’, ‘Everything Will Flow’, ‘The Wild Ones’, ‘Beautiful Ones’, ‘By The Sea’, ‘Saturday Night’ y ‘Metal Mickey’, entre otras canciones, terminaron por invadir el recinto de nostalgia, recuerdos y buena música. Un Brett Anderson extrañamente interactivo y una ejecución instrumental perfecta lograron una armonía grupo/espectador que hicieron recordar los momentos más gloriosos de la banda. El desempeño en el escenario distaba mucho de ser el de una agrupación obsoleta y olvidada contrastando rotundamente con la especulación de que ese sería su último acto en vivo. Para el final del show, Anderson se despidió con un “you might see us again sometime”, como si estuviera consciente de que un mes después se anunciarían otra serie de eventos para este 2011. La inestabilidad ha definido por mucho tiempo la trayectoria de Suede y por lo cual no podemos saber por cuánto tiempo más tendremos la oportunidad de atestiguar una de sus presentaciones. Aprovechemos pues las pocas posibilidades que se tendrán para estar presentes en el retorno de los pioneros del britpop.

‘Sus primeras canciones se convirtieron en himnos para una generación que buscaba la belleza dentro de ese submundo sin expectativas.’

CAKE THE DISTANCE Anna Stephens

Robert McKnight y Tim Jackson

dramática que no se escuchara tan festivo como puede ser un saxofón. Así que me convertí en la parte que traduce las palabras de John en notas musicales que en ocasiones dicen mucho más que una frase que el canta.”

Esta manera de trabajar de Cake es lo que también los ha llevado a no caer en convencionalismos tradicionales de la industria... Sí, ha sido de gran peso. Estuvimos en una compañía discográfica grande, pero creo que nuestro modelo de negocios no coincidía mucho con el de ellos. En los noventa tenías a ejecutivos detrás de un escritorio decidiendo el destino de tu música sin ni siquiera conocer lo que estabas haciendo. Siempre hemos tenido control de nuestra música y del lugar hacia donde la queremos

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Después del éxito mundial de Cake con Motorcade of Generosity, la banda editó Prolonging the Magic (1998), que fue bien recibido por la crítica gracias a sencillos como ‘Never There’ y ‘Sheep Go To Heaven’. Al mismo tiempo un sector conservador de Estados Unidos pidió censurar al grupo con este disco ya que incluía ‘Satan Is My Motor’. Creo que no debemos tomarnos tan en serio las cosas. El humor de John McRea siempre ha sido así y es algo para divertirnos de la mala suerte que tiene dentro de las historias que cuenta. Musicalmente escogemos palabras con cierto sonido e intención vocal en la pronunciación para dar mas sentido y peso a los instrumentos. La dicción y la manera en la que John canta es un factor que siempre consideramos al momento de escribir canciones, porque su voz y el estilo que tiene de cantar son parte de la melodía y el ritmo de cada composición de Cake. Existen otras bandas en donde el vocalista también forma parte de esa melodía, pero que no entiendes nada de lo que canta, que su dicción es intencionalmente mala para crear un sonido particular.

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Cuando alguien menciona a Cake,

siempre nos remitimos al cover de la canción ‘I Will Survive’. Afortunadamente Cake va más, mucho más allá de este sencillo. El desarrollo de esta banda de Sacramento, California siempre ha sido contra corriente. En 1991 el grunge alcanzó su popularidad y se mantendría además como un modus vivendi aprobado –incluso- por MTV. Cuando Pearl Jam, Nirvana, Alice in Chains y Soundgarden estaban concentrados en el coraje y la melancolía de sus vidas e incluso cuando Guns N’ Roses todavía tenía algo que aportar, Cake apenas se había integrado por John McRea (vocalista), Greg Brown (guitarrista) y Vince DiFiore (trompetista). Tres años después, el quinteto consiguió poner a la venta su primer álbum: Motorcade of Generosity. En ese mismo año, Nirvana ofrecería su último concierto, moriría Kurt Cobain y Oasis editaría su producción debut con la cual el mundo sería invadido por una nueva ola de música inglesa. No fue sino hasta 1996 que el mundo conocería ‘The Distance’ y ese famoso cover a Gloria Gaynor con el disco Fashion Nugget. Existen dos elementos que desde entonces han caracterizado a Cake: el trabajo vocal de John McRea, que se distingue por cantar y en ocasiones simplemente recitar las letras; y la trompeta de Vincent DiFiore, instrumento que da sentido y aporta el toque final a su música. En entrevista telefónica, DiFiore acepta que la trompeta no es algo común en las bandas de rock. “Los convencionalismos del rock te dictan que una trompeta no puede ser incluida en una banda de ese género. Este viejo esquema fue una de las cosas con las cuales tuvimos que luchar desde el inicio de nuestra carrera. Es un instrumento que vive en Cake para dar un toque dramático a las canciones de rompimientos que compone John (McRea). Esta incorporación sucedió de manera natural. Mis inicios como músico fueron dentro del jazz y cuando conocí a John, él buscaba un instrumento de viento-metal, que diera a Cake esa parte agridulce y

Dentro del jazz podemos encontrar referencias de artistas que influyen en tu trabajo, pero del lado del pop y el rock ¿a quién podrías citar? Sería en definitiva Herb Alpert quien mayor influencia ha tenido en mí. La manera en que transformó la forma de comunicar del instrumento es magnífica. Otras influencias son por supuesto The Beatles, quienes lograron la integración de este tipo de instrumentos al pop.

• Pressure Chief fue el último álbum que editó Cake antes de tomarse un receso de 7 años.

‘Afortunadamente ya son pocos los que todavía les interesa y aspiran a tener una vida de estrellas de rock. Esto ha tenido repercusiones en la música que se hace actualmente, que es mucho más honesta que antes.’ llevar y fue difícil encontrar a un sello que entienda eso. Actualmente las cosas son distintas y ese antiguo modelo fue parte de la crisis del medio y el cambio del modelo del sistema. Afortunadamente ya son pocos los que todavía les interesa y aspiran a tener una vida de estrellas de rock. Esto ha tenido repercusiones también en la música que se hace actualmente, que es mucho más honesta que antes. En otro momento jamás hubieras imaginado que una banda que no tuviera un contrato discográfico pudiera estar vendiendo sus propios discos y llenando lugares. ¡Es magnífico!, hemos estado en esto por veinte años, así que eso nos da algo de experiencia en ese sentido y conocimiento para poder decidir lo mejor para lo que hacemos. Comfort Eagle (2001) y Pressure Chief (2004) tuvieron poco éxito en una época en la que el boom de Internet y el fin del sistema de la industria propiciaron que cientos de bandas se dieran a conocer y alcanzaran popularidad de inmediato. Cake decidió darse 7 años de receso para regresar este año con Showroom of Compassion. Este tiempo que estuvimos alejados de los medios nos sirvió para madurar como banda. Somos un grupo que se toma muy en serio esto de la democracia así que si alguno de nosotros llega con alguna idea, ponemos atención de lo que se trata y si suena bien trabajamos sobre eso. Fue de este modo que montamos un estudio para grabar Showroom…, cuya energía se genera a través de páneles solares. Debe ser difícil regresar a un estudio de grabación

• Con una madurez que pueden dar veinte años de carrera, Cake mantiene su estilo y su permanencia como una de las mejores bandas alternativas de Estados Unidos. • Su más reciente lanzamiento Showroom of Compassion coloca de nueva cuenta a la banda en los escenarios de Norteamerica y en otros puntos importantes del globo.

después de 7 años… Yo quería volver a tocar en vivo. Estar en el estudio es algo con lo que nunca me he sentido cómodo. Odio cuando vas recortando una canción poco a poco para que tome forma, es un proceso tedioso y doloroso a su vez. ¿Qué hay detrás de Showroom of Compassion? Es un álbum que demuestra que podemos seguir adelante gracias a lo que hemos superado. Como te decía, somos una banda madura y este no es nuestro primer disco, eso es algo que siempre tuvimos en mente cuando regresamos al estudio. Showroom Of Compassion demuestra esa confianza que tenemos en un sonido que hemos construido por veinte años. En lo personal es un disco que me recuerda que cada vez soy mas viejo (risas). La libertad creativa de Cake ha dado frutos con su mas reciente álbum. Aunque John McRea siga siendo el compositor principal, la democracia y el hacer su trabajo de manera independiente, da un lugar justo a cada uno de sus integrantes y las aportaciones que hacen con sus respectivos instrumentos. En su camino contracorriente de las tradiciones del rock y la industria del entretenimiento masivo, Cake ha jugado un papel fundamental en la transformación del método en que operó el sistema por décadas. Cambio que ahora cientos de bandas y melómanos alrededor del mundo disfrutamos sin intermediarios.

Arctic Monkeys

La cuarteta inglesa entregará la continuación de su poco entendido Humbug (2009), Alex Turner y compañía se encuentran en el estudio afinando los detalles de su cuarta producción, por lo pronto, la banda estrenó en marzo el track ‘Brick By Brick’, un adelanto de la dirección sonora a seguir en esta nueva aventura.

Portishead

La triada Portishead no ha definido nada aún, pero todo parece indicar que Beth Gibbons, Geoff Barrow y Adrian Utley volverán al estudio para hacer magia y entregarnos el sucesor de Third (2008) antes de que finalice el año.

Fiona Apple

The Kills

Tres años después de Midnight Boom Alison Mosshart y Jamie Hince volvieron juntos al estudio y el resultado es Blood Pressures el cual llega a los estantes el 5 de abril, el cuarto en su discografía.

PJ Harvey

Red Hot Chili Peppers

El cuarteto liderado por Anthony Kiedis regresa con el sucesor de Stadium Arcadium de 2006, esta vez con Josh Klinghoffer en la guitarra sustituyendo a John Frusciante. Por el momento, el álbum es apodado Dr. Johnny Skinz’s Disproportionately Rambunctious Polar Express Machine-head.

Jane’s Addiction

Let England Shake marca uno de los regresos más esperados en la música, Polly Jean nos entrega un álbum lleno del sonido que la ha convertido en leyenda y que la colocará en algunos de los escenarios más importantes del planeta en 2011.

Luego de la partida de Duff McKagan, Dave Sitek de TV On The Radio se ha unido a la agrupación para tocar y componer canciones que quedarán registradas en el sucesor de Strays de 2003, el cual verá la luz en verano. La placa será producida por Rich Costey (Muse, Interpol).

Death Cab For Cutie

Garbage

El cuartero liderado por Ben Gibard lanzará su nueva producción discográfica titulada Codes And Keys el próximo 31 de mayo luego de tres años desde que Narrow Stairs viera la luz. El álbum fue mezclado por Alan Moulder y se espera un sonido con más sintetizadores de los acostumbrados.

Tras más de cinco años en descanso, Shirley Manson, Duke Erikson, Steve Marker y Butch Vig prometen lanzar su quinta placa de estudio en la primavera de 2011, la primera desde la salida de Bleed Like Me (2005), también se espera que este acompañada de un tour mundial.

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La agrupación originaria de Brooklyn regresan con su quinto álbum, Nine Types Of Light el 12 de abril de este año, sucediendo a su aclamado Dear Science de 2008. Para la promoción de su nuevo disco, la banda ya tiene agendados varios conciertos, incluyendo presentaciones en festivales europeos y SXSW 2011.

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Tv On The Radio

La multinstrumentalista regresa este año con nueva producción, de la cual, por el momento, sólo se sabe cuenta con la colaboración del baterista y productor Charley Drayton (Neil Young, Johnny Cash, Iggy Pop). Este será la cuarta producción de estudio de Fiona, la sucesora de Extraordinary Machine (2005).

The Return Of The School Band Paul Stokes, NME News Editor

Las bandas formadas durante la escuela no están destinadas a durar. Aceptémoslo, la

mayoría de las cosas que uno hace en la escuela se supone que sean barridas debajo de la alfombra y olvidadas: los malos romances, los horribles enamoramientos, los corajes, matarse estudiando y, lo más importante, toda la música de adolescente que se hizo.

Sin embargo, a pesar de que los orígenes escolares de Radiohead se remontan a 1985, no son la banda de escuela más antigua que reaparece este año. Formados durante un momento ocioso en una clase de economía en 1978, hay gente que puede decir que ha visto a Pulp (entonces llamados Arabacus Pulp) durante asambleas de la escuela de la ciudad de Sheffield. El resto de nosotros tendrá que conformarse con una serie de apariciones en festivales este verano, pero siguiendo con algunas reuniones de britpop que nadie quería (¿a alguien le interesa Shed Seven?), el regreso de Jarvis Cocker y compañía es comparable con el revival de Blur. En muchos sentidos Pulp son el ejemplo definitivo del indie. Recién salidos del salón de clases, la banda pasó su primera década creando su propio camino, ignorados por todos excepto por un pequeño grupo de fieles seguidores, antes de que el resto del mundo se posara detrás de ellos, mientras el britpop dominaba los noventa. Con cada una de las letras de Jarvis con el potencial de ser adaptadas como una película, novela o telenovela gracias a sus torcidas ideas y detalles gráficos, sin mencionar que la música que las corona tiene el glamour cinematográfico de John Barry y lo pegajoso del pop de ABBA, en retrospectiva es difícil entender por qué Pulp no se convirtieron en súper estrellas mientras aún estaban en aquella clase de economía. Oportunamente las cosas cambian, y luego de privar a sus seguidores de canciones como ‘Babies’, ‘Help The Ages’ y el himno ‘Common People’, Jarvis y compañía finalmente cedieron a la demanda del público reformando su banda. De hecho hablé con el mismísimo señor Cocker en los premios NME en febrero (pueden ver el video en NME.COM/awards) y aunque no quería hablar acerca de la reunión, entre broma y broma admitió que los preparativos “van muy bien”. Así que anude su vieja corbata de escuela, 2011 marca el regreso de las bandas escolares. Tal vez debería ver si mi viejo grupo todavía quiere tocar... ¡Fin de la clase!

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Pulp

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De los muchos grupos de covers pesados en los que estuve, se desprendió una versión “rockera” de la canción de Oasis ‘Don’t Look Back In Anger’ que me sigue apenando cada vez que pienso en ella accidentalmente. Claro que la mayoría de las bandas de escuela que tenían los ahora músicos eran mejores que eso, pero incluso si hablas de aquellos cuyos trabajos actualmente incluyen la grabación de discos y dar conciertos, usualmente seguimos escuchando sobre una letanía de bandas de escuela fracasadas que prepararon el inicio de sus carreras. Sin embargo, como nos estamos enfocando en los grandes regresos del 2011 en esta edición de WARP MAGAZINE (y después de haber organizado los NME Awards el mes pasado, les puedo decir que vale la pena esperar por Foo Fighters, tocaron el nuevo álbum completo en vivo durante la ceremonia, así que definitivamente doy fe de Dave y compañía) se me ocurrió que no hay una, sino dos bandas escolares que no sólo sobrevivieron más allá de la graduación, también es probable que ofrezcan algunos de los momentos más destacados del año. Primero: los rockeros de la escuela pública Abingdon, On A Friday, ya han dejado huella. El nombre fue cambiado ya que antes solían ensayar en sus descansos, pero con una alineación igual a la de los días en que hacían su tarea de matemáticas, Radiohead es la banda escolar más grande y revolucionaria del planeta. Ahora iba a escribir acerca de que finalmente podríamos esperar un nuevo álbum este año y de cómo, siendo el sucesor de In Rainbows y su lanzamiento en el modelo paga-lo-que-quieras en 2007, deberíamos esperar algo similarmente innovador. Lo iba a hacer, pero en el tiempo que me llevó empezar a escribir esta columna y terminarla, la banda no sólo anunció que The King Of Limbs sería su siguiente álbum, sino que lo lanzaron unos días después. Dicho esto, con tiempo para escuchar y digerir el disco, sospecho que no será el único lanzamiento de Radiohead de 2011. Con sus temas y letras bucólicas y un sentir muy íntimo, al menos para mí, The King Of Limbs suena más como un EP largo que un álbum completo en comparación con el molde de In Rainbows, y con los compañeros de escuela grabando con su productor de cabecera durante los últimos años, Nigel Godrich, no sería una gran sorpresa que varios álbumes sean lanzados igual de rápidamente antes del 31 de diciembre. Vamos, ellos son del tipo de quienes entregan su tarea a tiempo –y al final, aun si no hay más lanzamientos, felizmente les aceptaremos una gira.

FIGHTERS A MATTER OF TIME Karina Luvián

Cortesía Sony Music y Liliana Montero (enviada especial)

Corría el primer año de la década de los

noventa cuando se gestó uno de los discos más importantes en la historia del rock. Nirvana desgajaba los paradigmas sonoros y entregaba al mundo Nevermind (1991), producido por Butch Vig y ejecutado por Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl. Tres años después pasaría lo que cualquier persona mínimamente enterada conoce: la desintegración de la banda a consecuencia de la muerte de su líder. Pocos pensaron que de las cenizas surgiría algo más que destellase con tal fuerza que marcara la pauta para nuevas generaciones. Afortunadamente, lo impensable sucedió. Dave Grohl se liberó del peso (inconsciente y no

intencional) que la abrumadora figura de Cobain ejercía sobre él y grabó, en su totalidad, el primer material homónimo de Foo Fighters, banda que a la postre demostraría el talento que desde siempre caracterizó a Grohl. La referencia del primer párrafo pareciera innecesaria, de no ser porque parte de aquella genial mancuerna se repetiría dos década después, bajo circunstancias distintas pero con la misma calidad y fuerza. Wasting Light (2011) saldrá a la venta el próximo 12 de abril bajo la producción de Butch Vig, con la colaboración de Novoselic en algunas piezas, con el regreso de Pat Smear en la guitara y liderados, en esta ocasión, por el escuálido joven que años atrás dudaba de su talento.

‘White Limo’ el nuevo carruaje de Foo Fighters

• Echoes, Silence, Patience & Grace, álbum que viera la luz en 2007 fue su último material de estudio en ver la luz. • Su vuelta significa el posicionamiento del rock de garage en el mainstream una vez más.

expectativas conforme se daban a conocer más y más datos al respecto. El destape completo se dio con el anuncio de Dave, vía twitter, de diferentes presentaciones secretas para las cuales sólo se obtenía acceso mediante pistas que él mismo daba. Uno de dichos conciertos fue realizado en el legendario Troubadour de Los Angeles, California, donde además de hacer vibrar a la audiencia con la presentación en vivo de Wasting Light, recordaron 16 años de carrera. WARP MAGAZINE estuvo presente en esa ocasión y fue testigo de un collage sonoro, de un viaje en el tiempo que abarcó canciones como ‘The Pretender’, ‘My Hero’, ‘Long Road To Ruin’, ‘Times Like These’ e incluso ‘Butterfly’, la cual es raro escuchar en directo.

• Para celebrar los 16 años de su formación Pat Smear regresa a la alineación de la banda, luego de abandonarla en 1997.

Pero, ¿cómo se hace para lograr el apoyo de gente de semejante nivel?, una larga amistad pudiera tomarse como la razón principal, pero considerarlo así sería demeritar el talento de un músico aguerrido como Dave Grohl, quien además conserva una virtud diluida por la fama en no pocos artistas: honestidad, característica que encierra más que un solo significado. La reinvención y la transparencia creativa aleja al músico de la petulante actitud que prevalece en tiempos de superficialidad y baratijas que se jactan de representar un género del que se mantienen lejanos en actitud y fuerza. Él es uno de los mejores ejemplos en la industria que va más allá de la aceptación del mainstream y crea por amor a su oficio, por amor a la música, por amor al rock. Afortunados aquellos que escucharon antes que nadie, en vivo y con el sudor del nerviosismo y la excitación del momento, la reciente obra de Foo Fighters. Sólo toca esperar a aquellos con menos suerte la colocación en tiendas del esperado Wasting Light y transportarse así una época en la que quizá ni siquiera se había nacido.

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Foo Fighters en vivo en el Troubadour en LA

warp magazine / www.warp.com.mx

Si todo lo anterior hace interesante esta nueva placa para aquellos gustosos del rock sucio y lleno de poder, nostálgicos de una época pasada, los atractivos no terminan ahí. Este disco fue grabado bajo un sistema análogo en el propio garaje de Grohl, lo que derivó en un sonido mucho más crudo y cercano a aquellos tracks germinales de 1994, lo que no significa de ninguna manera que carezca de calidad, pues es aquí donde aparecen los nombres de Alan Moulder y Emily Lazar, encargados de la mezcla y la masterización, respectivamente. Cada nombre mencionado es valioso no sólo por la trayectoria que los respalda en sus respectivos nichos; son importantes por representar, haber compartido y contribuido en la consolidación del grunge y el llamado rock independiente, géneros sin los cuales no se entendería la música en la actualidad. El séptimo álbum de Foo Fighters se convierte entonces en un compilado de piezas que representan no sólo la vuelta a escena de una de las bandas más importantes y emblemáticas que existen, sino el regreso a la esencia musical de toda una generación, con los ingredientes necesarios para convertirse en un clásico contemporáneo lleno de matices de antaño. Claro ejemplo y entrega previa al lanzamiento oficial fue ‘White Limo’, con alaridos desgarrados que recuerdan, en ciertos momentos al Bleach de 1989. Y empatando con la importancia de este lanzamiento, la agrupación se encargó de envolver en un velo de misterio el lanzamiento de este disco. Cada detalle fue cuidado a la perfección para ser revelado en un momento preciso, conveniente, aumentando las

FOO FIGHTERS

THE RETURN OF AN OLD FRIEND Paco Sierra

Cortesía Sony Music

Ser una banda con existencia desde la déca-

da de los noventa, es uno de esos casos contados y que menos frecuentamos hoy en día, por esa razón al entrevistar a un integrante de una banda como Foo Fighters se respira un aire de familiaridad. Así que aclaramos desde el principio hacer está platica de esa forma, como viejos amigos. El “nuevo” integrante de la banda, Pat Smear (su primera etapa en la banda fue de 1994 a 1997) platicó con WARP MAGAZINE del proceso de grabación del nuevo disco Wasting Light, sus ahora conocidos conciertos “secretos” y como ha disfrutado de ser parte de uno de los mayores regresos del año: el de los viejos amigos de Foo Fighters: Una pregunta sencilla para empezar, ¿te gusta ser parte de Foo Fighters? ¡Si!, me encanta ser parte de Foo Fighters, no podría ser más feliz.

¿Cuáles fueron las primeras palabras cuando empezaron a planear Wasting Light? Bueno, es difícil recordar las primeras ideas para este disco. Cuando estábamos de gira justo después del disco de Echoes, Silence, Patience & Grace (2007) fuimos al estudio casi de inmediato y grabamos como quince demos solo por tenerlos, aprovechamos que estábamos juntos. Ni siquiera lo grabamos en nuestro estudio, rentamos otro. Ya después cumplimos con nuestros respectivos compromisos, Dave (Grohl) siguió escribiendo canciones mientras estaba con Them Crooked Vultures y cuando regresamos a grabar retomamos esos demos… ya teníamos de donde partir. ¿En que momento decidieron que este tenía que ser el

Uno es el regreso de Foo Fighters, con nuevo disco, documental y conciertos y otro es el tuyo como integrante, ¿cómo sentiste este regreso? Me encanto regresar, participé en la gira acústica (2006), en la gira de Echoes… (2007-2008), ya tenía mucho tiempo con la banda y cuando empezaron los planes para el siguiente disco me quede [risas]. ¿Cómo fue el proceso de trabajar con viejos amigos como el productor Butch Vig o alguien de los tiempos de Nirvana como Krist Novoselic? Fue algo muy cómodo, son amigos desde hace mucho tiempo, por lo que hicieron de todo el proceso de grabación algo verdaderamente cómodo. ¿Por qué grabarlo en un garage? Fue un concepto que Dave propuso: “¿Por qué no grabar en mi garage?”, justo cuando platicábamos las ideas para empezar a trabajar en el nuevo disco y en algún punto empezamos a grabar los demos y nos pareció una buena idea grabar todo ahí, en cinta. Todo empezó a tomar forma desde ese lugar.

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¿El ser amigos les ha ayudado con los años? Es una GRAN ayuda, he estado en bandas donde los integrantes no se agradan entre ellos, es una muy mala experiencia… terrible. Pero retomando la pregunta de cómo la banda ha estado junta por dieciséis años es porque hay una empatía entre todos, disfrutamos hacer música entre nosotros y ser amigos claro que ayuda.

disco más pesado de la banda? Bueno, pasó accidentalmente, Dave dio una entrevista y comentó que este sería el disco más pesado de Foo Fighters y cuando empezamos a trabajar con Butch Vig (productor de Nevermind de Nirvana entre otros discos) todos acordamos que así sería, fue como “¡Bien, vamos a hacerlo!” [risas].

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Dieciséis son muchos años para una banda, ¿cómo se sienten de haberlos cumplido? Antes que nada, hace tiempo que no estaba en la banda, no podría contestar la pregunta por los dieciséis años. Pero todos hemos disfrutado estar en cada etapa de la banda. Lo hemos tomado año por año. Nos encanta estar en esta banda.

Foo Fighters ya no tiene nada que demostrar, aún así siguen haciendo música nueva, ¿por qué? ¡Es lo que hacemos!, nos divierte grabar, hacer canciones nuevas, nos divierte tocar en vivo. No hay una sola razón para dejar de hacerlo. ¿Tienes alguna canción favorita en Wasting Light? Pasa algo curioso, he cambiado varias veces de opinión. Cuando empezamos a ensayar y a tocar las once canciones en orden y luego en los conciertos secretos mantuvimos ese orden, para mí se sentía como una sola pieza, como una sola canción de cincuenta minutos. Pero en general cambia mucho mi favorita, es un gran disco, sería imposible escoger una.

seguimos con el concepto sólo por diversión, porque queríamos tocar. Es algo muy emocionante cuando acabas de grabar un disco y no haz tocado con tu banda en vivo por mucho tiempo. Buscamos cualquier ocasión para hacerlo. Mucha adrenalina para pequeños lugares… Definitivamente, tocamos el disco completo (Wasting Light) y luego seguimos por más de dos horas con otras canciones… ha sido muy divertido.

En tantos años ¿cuál ha sido tu momento favorito? Hay tantos, es tan difícil como escoger una canción… pero me encantó la gira acústica es probablemente en la que más me he divertido. Y hacer este nuevo disco ha sido una gran experiencia, ha sido el proceso más divertido que hemos tenido. Tal vez esos dos momentos serían los más especiales. Pero son tantos que pude haber olvidado algunos.

Tienen algunos compromisos confirmados en varios festivales, pero ¿planean hacer una gira como tal? Si, haremos un gira mundial será grandiosa.

¿Hay alguna razón escondida al realizar sus recientes conciertos “secretos”? Empezamos a hacerlos porque estábamos emocionados por tocar el nuevo disco, queríamos salir y tocarlo. Y los seguimos haciendo porque nos divertimos haciéndolos. Hicimos algunos por LA y cuando empezamos la promoción por el Reino Unido y Alemania

El 12 de abril será el día en el que el mundo pueda escuchar Wasting Light, esperemos que como esta fecha podamos confirmar la de la visita a México de Foo Fighters en un futuro a corto plazo. Mientras nos quedará seguir de cerca la trayectoria de una de las bandas más importantes del rock en la actualidad. Pat Smear se despide por esta ocasión con un “Hasta la próxima amigos”.

¿Podría incluir una parada en México? Me encantaría, en todos estos años nunca hemos tocado en México… [risas] yo en lo personal sí quiero ir. Espero de verdad que sí.

Diana urbano

El regreso se dio porque literal los astros se juntaron; todos andaban en sus cosas, ocupados, haciendo sus discos o proyectos, y estos dos festivales -Coachella y Vive Latino- representaban la oportunidad para reunirse. El “behind the scenes” en las condiciones mas cordiales y gracias a que todos tenían tiempo se pudo cuadrar. Creo que un motivo para que se lograra esta reunión fue para darle a sus seres queridos el gusto y la emoción de verlos juntos en el escenario. Cuando se apaguen las luces del Vive Latino y estén en el escenario; cuando rujan los sesenta mil asistentes que estén en el Foro Sol, en ese momento, nos va caer el veinte de lo grande que es todo esto. Este reencuentro va a abarcar mas allá de las expectativas que se tienen, los cuatro están muy contentos y saben que su banda es muy fuerte a pesar de que no han estado en la escena bajo el nombre de Caifanes. Lo que está pasando con estos dos shows, ya rebasó todas las expectativas. Está el ejemplo de Coachella, teniendo bandas tan importantes en su cartel el sold out no será ni por Kings Of Leon, ni por Duran Duran, ni por Chemical Brothers. Será por los Caifanes. Estos dos festivales podrán ser como un buen warm up para lo que sigue, si es que se da. Lo principal es que estén contentos en el escenario, que se diviertan, que lo transmitan y genere buenas cosas y (yo creo) que esto podría originar una gira.

• Tras 15 años sin compartir escenario, los integrantes originales vuelven para presentarse el próximo 9 de abril al Festival Vive Latino y el 15 de abril a Coachella Valley Music and Arts Festival.

¿Los organizadores echándole la culpa a los • Caifanes es considerada una banda icono del rocken español mexicanos por los en el mundo que influenció a una boletos agotados nueva generación de músicos. de Coachella?, de entrada no se deben de quejar, el público latino deja una derrama económica muy importante y fuerte para su festival. Además, son los primeros en tener el show de los Caifanes en Estados Unidos, es una premisa. La gente está encantada, lo vemos en las páginas de fans. Personas alrededor de Estados Unidos, México, centro America, España, Francia y algunas partes de Canadá quieren la gira, quieren show, proponen rolas, todos están muy conmovidos por este regreso. Los Caifanes refrescan esa huella tan importante que dejaron en muchas generaciones de entonces jóvenes, que ahora son padres y que de alguna forma compartieron, comparten y compartirán ese legado con sus hijos . El reencuentro de esta banda tan emblemática me da mucho gusto y creo que es muy valioso para la historia de la música en el mundo entero, muchos podrán sentir lo que alguna vez sentimos nosotros al verlos en concierto. Para mí, sobran las palabras… Caifanes nunca se fue.

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ELISEO REYNA (MGMT DE SABO ROMO)

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VIENTO

• El Nervio Del Volcán (1994) representa el punto cumbre y la separación de la banda un año después por conflictos entre Alejandro Marcovich y Saúl Hernández.

Minus The Bear Regina Spektor Javiera Mena Kate Nash Spoon Julieta Venegas The Temper Trap White Lies Pante贸n Rococ贸 Los Bunkers Enanitos Verdes Faithless DapuntoBeat Ra Ra Riot Chikita Violenta

TEMPORADA5 MAYO 2011 LATINOAMÉRICA

This Is It 10 AÑOS DEL GRAN ÁLBUM DE THE STROKES, SU NUEVO DISCO

En unos meses se cumple ya una década de uno de los momentos más emocionantes que me haya tocado presenciar en la industria desde que me dedico al periodismo musical. Los noventa, estuvieron colmados de buena música y sonidos muy distintos entre sí. El rock conoció una nueva cara con el grunge que parecía haber llegado para quedarse, excepto por el poco atinado estilo de vida de sus protagonistas y por el golpe de estado de la música electrónica que nos entregaba en ese entonces, los primeros sonidos de Daft Punk o The Chemical Brothers por citar un par de ejemplos. Para finales de la década, el mainstream siempre tenía espacio para el pop, los discos se seguían vendiendo por millones; Nirvana, Soundgarden y

Pearl Jam parecían gratos recuerdos y los DJs de la disquera Global Underground eran ya superestrellas. Y aunque el rock nunca desapareció del mapa por completo, era evidente que junto con el famoso Y2K las expectativas de ese otrora prolífico movimiento no eran muy alentadoras. No fue sino hasta agosto de 2001 cuando todo cambió. Un grupo de cinco neoyorquinos (Julian Casablancas, Nick Valensi, Albert Hammond, Jr., Nikolai Fraiture, Fabrizio Moretti) asaltó la escena musical con el que muchos consideran el mejor álbum de los últimos años (Is This It) y el inicio de un movimiento sin precedentes al lado de una nueva etapa para el rock. Por un lado, el tema de la música independiente que comenzaba a gestarse de manera natural como nunca antes había ocurrido y el inicio del fin de las “grandes” discográficas.

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Alejandro Franco

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Is This It The Strokes RCA 2001

Por el otro, la nueva etapa de la “baja fidelidad” (por lo menos aparente) encontrada en un sonido crudo pero contundente; reminiscente directo al punk más puro (Television, The Velvet Underground y The Ramones), con todos los elementos para no triunfar en el gusto popular pero con una mística tan especial que hacía que todo cobrara sentido… incluso la voz de Julian Casablancas (líder de la banda) debajo de todos los instrumentos como si fuera un statement en contra del pop, de la música electrónica y hasta del grunge. Entonces conocimos a The Strokes. Su lugar como reyes indiscutibles del nuevo imperio del rock lo ganaron de inmediato, y llegaron los ejércitos de bandas “The”: The White Stripes, The Hives, The Vines, The Killers y muchos muchos más al lado de otras leyendas jóvenes como los Yeah Yeah Yeahs, o Interpol y los hijos del punk y la electrónica como The Rapture, LCD Soundsystem, y otros tantos, pero nunca ninguno tan sorpresivo y contundente como ellos, The Strokes, en su primera entrega. Después de cinco años sin un nuevo disco, recién regresaron públicamente con una breve aparición en SNL donde tocaron sus nuevas canciones ‘Under Cover of Darkness’ y ‘Life is Simple in the Moonlight’

el pasado 5 de marzo; una contundente aparición en SXSW el 17 del mismo mes (patrocinados por una marca de jeans que curiosamente no vende ningún modelo tan skinny como los que ellos usan) y el estreno mundial de Angles (cuarto disco en su historia) que para cuando esta publicación salga a las calles, ya estará a la venta. La incógnita de muchos será resuelta para cuando alguien esté leyendo este texto en papel y sabremos si 10 años después, siguen siendo capaces de sorprendernos o mejor aún de trazarnos una nueva línea en el camino que tomará la música en los próximos años. Tienen en su contra que ya no hay factor sorpresa y los desgastes naturales de una banda de su tamaño e importancia mundial (hubo un distanciamiento claro en la grabación de la placa entre Casablancas y el resto del grupo que se percibe de manera clara en las 3 piezas semi documentales que dieron a conocer como promocionales del disco editado de nuevo por RCA). Pero también tienen a su favor el solo y único hecho de no tener nada que demostrar y de ser, a tan corto tiempo de su disco debut, una de las agrupaciones más increíbles que han pisado este planeta.

ELBOW ANY DAY NOW

Cortesía Universal Music

Cuando Elbow puso a la venta The Seldom Seen Kid (2008), para muchas personas fue la primera vez que escuchaban una canción de la banda. Para los oriundos de Greater Manchester, 2008 fue el año en el que se adjudicaron el himno del verano en el Reino Unido con el sencillo ‘One Day Like This’, que alcanzó su momento culminante durante la presentación en Glastonbury. Ese concierto resumió las casi dos décadas de carrera del quinteto. Tres años después, Elbow edita su quinta producción Build A Rocket Boys! (2011), misma que es la más esperada de la banda.

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Anna Stephens

Han pasado casi veinte años desde que sus cinco integrantes se reunieron para formar Mr. Soft, nombre que posteriormente cambiaría a Elbow. Después de una serie de desencuentros con la industria discográfica -que los llevó a mudarse de un sello a otro-, los ingleses obtuvieron éxito comercial gracias a The Seldom Seen Kid. Las composiciones de Elbow van desde una melodía delicada y dulce, hasta aquella apasionada que va aumentando su arrebato con el acompañamiento

de una orquesta. Si a esto le sumamos la letra de Guy Garvey (vocalista y principal compositor del grupo) que destaca por la catarsis poética de la emoción humana, obtenemos nada menos que música una arriesgada honestidad musical, de la cual poco queda actualmente; convirtiendo así a cada una de sus producciones en una pintura que no puede entenderse ni apreciarse si se fija la atención en un solo trazo, sino en su totalidad.

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‘Ribcage’, ‘Buttons and Zips’ y ‘Fallen Angel’, incluida también como tema principal de la película 9 Songs de Michael Winterbottom. En Leaders Of The Free World (2005) Elbow trabajó en conjunto con The Soup Collective, para ofrecer un material con DVD que ofreciera una experiencia completa de cada una de las once canciones. Además para ‘Mexican Standoff’ si hizo una versión en español. En The Seldom Seen Kid, Elbow llevó a su punto culminante la combinación de guitarras eléctricas, bajo, batería y percusiones con orquesta sinfónica. Propuesta que ya habían trabajado en discos anteriores y que muy pocas bandas logran concretar con tal calidad. Guy Garvey confiesa en entrevista telefónica, estar emocionado con el lanzamiento de Build a Rocket Boys!: “Siempre me ha resultado difícil lidiar con estos días en los que presentamos un álbum nuevo y este no es la excepción. La emoción y los nervios influyen mucho en mi vida en estos periodos. Estoy realmente orgulloso de todos los discos que hemos hecho y no creo que exista uno en particular al que aprecie menos que el resto. Todos han tenido su momento y su razón de existir.”

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Cada uno de los álbumes de Elbow cuentan una historia diferente. Son producciones conceptuales que en la era del sencillo toman un valor especial. Su primer disco Asleep in the Back (2001) fue un álbum de especial valor en una era en la que el britpop estaba ya rindiéndose ante la propuesta norteamericana –específicamente neoyorquina- que traía de vuelta el rock crudo y espinoso a la radio. Desde entonces Elbow representaba la esperanza de la escena británica, que además llevó al grupo a estar nominados al Mercury Prize de ese año junto con propuestas mucho más cargadas a la electrónica de artistas como Basement Jaxx, Gorillaz y Radiohead. Para Cast of Thousands (2003) el quinteto se había hecho ya de una buena base de fans. Elbow daba ya los primeros pasos para convertirse en una banda de estadio. Esto motivado también por una constante comunicación con su público a través del sitio web y la inclusión de la grabación del coro final de ‘Grace Under Pressure’ en el festival Glastonbury 2001. De Cast of Thousands destacan canciones como:

Build A Rocket Boys! es una producción, que al contrario de lo que todos pensábamos podría ser música para las masas, es mucho más íntima que su predecesora. Cuando estás de gira durante meses y siempre hay gente alrededor de la banda acompañándonos a todas partes, no puedes expresarte libremente acerca de las intenciones musicales que tienes en mente. Es por eso que cuando terminamos la gira del disco pasado, decidí mudarme cerca de donde vive mi familia. Aunque en realidad nunca he estado lejos de ellos, compré una casa en la calle en donde vivía diez años atrás. Recientemente he buscado mucho mas ese ambiente hogareño e incluso pienso en tener mi propia familia. Lo veo como una forma de completar todas las buenas experiencias profesionales que he tenido en años recientes. Esa intimidad de la que hablas que se percibe en el disco, viene de esta nueva forma personal de vida.

¿Cómo comunicaste este nuevo estilo de vida al resto de Elbow y cómo fue que lo transformaron musicalmente? Somos una banda que tiene tradiciones y una de ellas es reunirnos en un lugar cerca de casa en donde platicamos mucho acerca de la música que hemos escuchado recientemente, componemos un poco y nos presentamos canciones que hemos escrito. La transformación de esas charlas en canciones surgieron en el estudio de grabación. Para este disco decidimos trabajar un par de días a la semana, ya que todos tienen hijos y desean estar mas tiempo con su familia, así que eso también benefició a las composiciones. Cada uno de nosotros nos encontrábamos con la inspiración perfecta y la concentración exacta para trabajar en el estudio.

¿Estaban listos para el éxito del disco anterior? Sinceramente no. Después de años de estar en esto, llega un punto en el que crees que jamás le sucederá a tu banda… aunque en el fondo deseas que sí pase. Fue abrumador sobretodo cuando la prensa británica al día siguiente aplaudió la decisión y muchas personas dentro de la industria nos tendieron la mano. Estoy muy orgulloso de nuestro trabajo. La reacción de nuestros fans, quienes han estado con nosotros desde el principio, fue hermosa. Respecto al proceso que llevó hacer el disco, fue exahustivo. Nuestro perfeccionismo nos llevaba a hacer cambios constantes a las canciones y creo que si no hubiéramos tenido una fecha de entrega, entonces probablemente todavía estaríamos en el estudio.

• Después de 3 años de ausencia, Elbow regresa con Build A Rocket Boys!. • De la mano de este nuevo álbum Elbow reafirma su lugar como una de las agrupaciones más propositivas del Reino Unido de la última década.

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• The Seldom Seen Kid fue la última producción de Elbow, misma que se adjudicó el mayor reconocimiento de la industria británica en 2008: el Mercury Prize.

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Entonces en ningún momento se sintieron presionados por el éxito de The Seldom Seen Kid… Estábamos conscientes de que no sería algo fácil de realizar (el nuevo álbum) y que nos tomaría tres años concluirlo. Para asegurarnos que íbamos a trabajar a nuestro propio ritmo y sin presión alguna, rechazamos propuestas y los demás optaron por tener hijos y dejar atrás todos los reconocimientos que recibió The Seldom… Por supuesto la parte comercial es una preocupación común para todas las bandas y nosotros no fuimos la excepción, pero nunca ha sido un factor de motivación.

¿Cambió de algún modo la dinámica del grupo después de The Seldom Seen Kid? ¡Definitivamente!, ahora estamos mucho más unidos y respetamos más otras actividades que podamos desarrollar fuera del grupo. Ahora que la mayoría son padres de familia, dedican más tiempo a casa o yo por ejemplo me dedico más a mi programa de radio… es decir, si en algún punto no nos sentimos cómodos dentro de un estudio de grabación, seguimos con lo que tenemos que hacer a lo que queremos dedicarnos en ese momento y retomamos después el proyecto. Nos hemos convertido en mejores personas. Somos menos demandantes para Elbow y más unidos… como una familia. Esta intimidad de la que habla Garvey está siempre presente a lo largo de los once tracks de Build A Rocket Boys!, una producción cargada de recuerdos de la infancia del vocalista, que sirvieron como inspiración. A diferencia de nuestros discos anteriores, éste ha sido con el que menos complicaciones hemos tenido. Gran Fotografía: Andy Willsher parte de eso se debe a mi decisión de escribir de mi pasado. El disco previo tuvo una desarrollo difícil, ya que no teníamos mucho dinero para hacerlo, y había muchas presiones alrededor de la banda. Después del Mercury Prize y todo lo que sucedió con ese álbum fue muy sencillo relajarme y pasar más tiempo en casa y con familia. Reencontrarme con lo que había dejado de lado para hacer The Seldom… Soy una persona que para poder ver con mayor claridad el presente, siempre recurro al pasado y a aquellos objetos que te recuerdan qué es lo que has aprendido y el por qué te encuentras en este presente. Elbow se refugió en la Isla de Mull para revisar el material que habían compuesto mientras estaban de gira. Fue entonces cuando la intimidad y la melancolía de extrañar a la familia y al hogar comenzaron a trazar el camino de la nueva producción del quinteto. La primera pieza del disco fue ‘Jesus is a Rochdale Girl’. Es una canción que hice pensando en una amiga de la adolescencia que siempre apoyó a la banda… sin ella no hubiéramos logrado todo esto. Fue alguien que me ayudó mucho personalmente. Fue gracias a ella que

Fotografía: Andy Willsher

nos tomamos en serio esto de la música. El álbum es un poco más melancólico que los anteriores. Sufrimos la muerte de un amigo cercano, así que eso también se ve reflejado en el disco. ¿Cuál es la fórmula de éxito de Elbow para combinar la música clásica con lo que ustedes hacen? Nunca había pensado en eso… No lo hacemos consciente. Siempre hemos incluido esa clase de arreglos a nuestras canciones. No me gusta pensar que la música clásica es para cierto sector de personas adultas y aburridas. La música no tiene barreras de ningún tipo o al menos no debería ser así. Disfruto mucho cuando nuestros fanáticos más jóvenes se acercan a nosotros a platicar de esto. No sé… Es algo con lo que siempre he vivido y me ha gustado incluir en Elbow. Están conscientes de que Build a Rocket Boys! será un álbum que escucharán muchas personas gracias a todo el éxito que han alcanzado… Es algo que hemos platicado mucho y en realidad lo único a lo que tememos es perder esa pasión por escribir canciones. No es el caso aún. Existen otras bandas haciendo música muy inspiradora para Elbow. Siendo Guy Gurvey una locutor de radio con un programa dominical de música, debe de tener una forma diferente de presentar canciones a los radioescuchas… Es curioso que lo menciones de esa forma. Creo que el hecho de ser músico y a la vez locutor puede darme cierta ventaja, porque conozco la forma en que se realiza el proceso de composición y todas las cosas técnicas; la verdad es que no lo veo así. No soy nadie para decirle a quienes escuchan mi programa qué es lo que está bien hecho y qué no. A mi me interesa presentar canciones que me envían aquellos que me escuchan y que tienen un valor sentimental real. No quiero presentar bandas que buscan la fama, sino a aquellos que cuentan historias de personas comunes. En Build A Rocket Boys! Elbow ofrece una producción sincera cuyos alcances –más allá del éxito comercial- representa la permanencia del quinteto en los años por venir.

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WARPED

Love the way you lie Cátedra de House Pada / twitter.com/eseauto

Me estoy dando cuenta de que, sea un hospital público o uno privado, el olor de las salas de espera es el mismo: pesado. Y es que, para que en ese lugar aparezca una buena noticia, es porque forzosamente hubo una mala que nos llevara ahí, a menos de que sea un nacimiento, pero éste no es el caso ahora. Ya no sé cuántas horas llevo acomodándome, no para dormir, sino para evitar que la mente me dé vueltas y comience a divagar. En la televisión postrada en la pared pasan Friends, el episodio de la boda de Ross; en el que Rachel se sienta en el avión a un lado de un señor alto y flaco, cuyo cabello ya comienza a pintar canas. No me doy cuenta de cuándo termina ni qué es lo que sigue cuando ya me encuentro nuevamente embobado con una simplona película de un ratoncillo blanco que habla. Y ahí está de nuevo el señor ése. Si tomo otro vasito más de café, el que tendrá que ser internado por agruras, seré yo. Médicos entran y salen. La realidad y la ficción comienzan a mezclarse y juro que veo por allá atrás del pasillo al mismo sujeto de la televisión. Cojea al caminar, se apoya con un pintoresco bastón y parece estar enojado al platicar con el que, asumo, es su equipo de trabajo. Me concentro como si se pudiera apretar el botón del volumen para escuchar qué es lo que están

diciendo. Podría jurar que este doctor, el único que no porta una bata, es británico, pero su acento es completamente neutro. Entre que ridiculiza a uno frente al resto y hace un comentario machista a costa de la dignidad de la única integrante mujer, pareciera ser que, como en caricatura, aparece un foco prendido sobre su cabeza, y todos ingresan de nuevo al cuarto del cual salieron. Nuevamente pierdo noción del tiempo y reviso, como por octava ocasión, las revistas médicas que se encuentran en una mesa al centro. Aparece, o quizás no había notado, un libro con el rostro del mismo sujeto, bajo el nombre de La filosofía de... ¿Qué? ¿Quién es éste que hasta un libro inspira? Comienzo a leerlo pero desconozco si se trate de una mala traducción o simplemente el contenido de los textos está demasiado clavado aun para el más entusiasta de la serie. ¿Cuál serie? ¿Ya estoy delirando? Ahora que lo pienso, se me hace que también lo he visto en otro lado. ¿No lleva prácticamente los últimos seis años nominado en Globos

de Oro? Es más, creo que ya ganó dos. En los que siempre es nominado pero no se ha parado a recoger el premio es en los Emmy. Espero. Sigo. Pues que me digan qué procede. Ojalá no sea una de esas encrucijadas en las que tengo que tomar una u otra opción. ¿Esperar? ¿Se imaginan esperar y ser paciente en una carrera como la actuación para que sea a los 51 años cuando estás disfrutando de la gloria y del papel que naciste para interpretar? Sí, déjenme en paz. Estoy pensando en voz alta. No tengo nada más que hacer en esta banca. Vuelvo a leer los letreros de evacuación, con éste van cinco. Se abre otra puerta, es de nuevo este tío. Ahora, acompañado de una impactante brunette y...vaya, al parecer, a ésta sí se le cuadra. Creo interpretar, que le está dando a firmar unos papeles, lo cual hace aun en contra de su voluntad. Ah no, olvídenlo, los acaba de tirar, a inadvertencia de ella, en uno de los cestos para desechos contaminantes. “Pinche cabrón cínico”, pienso, más que molesto, con una sonrisa de complicidad.

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apoya con un Cojea al caminar, se pintoresco bastón y parece estar enojado al platicar con el que, asumo, es su equipo de trabajo.

Voy a la maquinita a ver si se me antoja algo. En lo que reviso los productos montados en espiral, comienzo a tararear ‘You Can´t Always Get What You Want’ de los Stones. Por algo o por nada en sí, como ha sido desde hace ya rato, me viene a la mente Band From TV, este supergrupo musical formado por actores y actrices de la televisión que se presentan a beneficencia de diferentes instituciones y que inclusive tienen un disco de cóvers. Ah, bueno, es más... ¿qué no el que toca el teclado es...? No, ¿o sí? Ya con frío, busco acurrucarme con la cabeza sobre un sillón de tela rasposa y las manos cruzadas. Sueño con diálogos perfectamente estructurados. Sueño con personajes tan perfectamente delineados como imperfectos en su personalidad. Con pecados, con flaquezas, con debilidades, tan humanos y tan identificables. Sueño con esa obsesión de la televisión norteamericana por hacer series de televisión con hospitales como ecosistema. Pero mientras hay unas que ya forman parte de las leyendas, existe una que ya se convirtió en la más vista a nivel mundial, comprobado por números. Un golpeteo en el piso me despierta. Es el bastón del doctor. Camina de nuevo por el pasillo, con su equipo al lado. Podría regresar la cabeza a la posición en la que la tenía si no es porque... ¿sí? Sí. Vienen hacia mí. Antes de quedar en una posición incómoda, me levanto. Antes de que el hombre exprese palabra alguna, le pido “por favor, sea lo que sea, no me vaya a mentir... “. El sujeto tuerce la boca, sonríe y me dice: “¡Ja! Mmmm vamos a ver....por dónde comienzo...”.

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Tal como lo prometieron a finales del 2010, bajo la etiqueta Drawing The Line, DC Comics ya puso la mayoría de sus títulos a 2.99 dólares (al contrario de los 3.99 que cuesta en promedio un ejemplar de un título mensual). Mientras tanto, Marvel continúa lanzando sus Punto Uno (.1) los cuales contienen historias de un sólo número y prometen ser amables con aquellos lectores que quieren comenzar a leer una serie pero no saben por cual número hacerlo. ¿El precio de éstos? 2.99 dólares. Y quizás, si la reducción de precios le funciona a DC, a Marvel no le quedará de otra sino seguir la estrategia. Las re-ediciones a un dólar continúan editándose y IDW es la compañía que recientemente que ya le entró lanzando números como el Transformers #1 a este mínimo costo. Y por si fuera poco, ya comienzan a anunciarse poco a poco los planes de las ediciones gratis para el Free Comic Book Day en mayo (del cual ya les platicaré en su momento). Parafraseando un famoso slogan, para nosotros está bien aquello de precios bajos, siempre... bienvenidos.

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PINTA LA RAYA

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CON CARGA EXPLOSIVA Mario P. Székely Cortesía Warner Bros.

Difícil despegar la vista de Sucker Punch: Mundo Surreal del director Zack Snyder. No sólo sus protagonistas transpiran la sensualidad del anime, luciendo faldas cortas y lanzando patadas voladoras, sino que el mundo que las rodea nos toma por la corbata, nos atrae en close up hacia la pantalla y planta un beso cargado de imágenes intensas. Pero no hay que pensar que Sucker Punch está enfocado sólo al público masculino, aun cuando Snyder cargó de testosterona su ahora “pequeño filme virtual” 300. En esta nueva película le dará al público femenino la perfecta excusa para patear traseros desde la seguridad de la butaca. Aquí las chicas toman el control. Piensa en el filme de terror mexicano Hasta El Viento Tiene Miedo, que sucede en un lugar psiquiátrico, donde la joven protagonista con instintos suicidas es acompañada por internas sexis. Ahora, imagina que pueden todas trascender esa realidad e ingresar a un mundo tipo Alicia En El País De Las Maravillas donde tendrán armas poderosas, sables indestructibles y practicar artes marciales. El resultado es Sucker Punch. La protagonista se llama Baby Doll, respira el ambiente de los años 50 y su conflicto es que ha sido encerrada entre lunáticas. Pronto es avisada que en cinco días le practicarán una lobotomía para “curarla”, aunque ella sabe que es para que no denuncie a su padrastro de horrendas cosas que hizo.

Snyder nos coloca dentro de la mente de Baby, quien para tratar de evadir su contundente realidad, fantasea y sueña, transformándolo todo en una especie de burdel donde Madam Gorski (Carla Gugino) quiere someterla. El tema de la pérdida de la virginidad se vuelve la metáfora para que Doll combata sus demonios y trate de ser libre. Baby no está sola. Logra como aliadas a Sweet Pea (Abbie Cornish), Rocket (Jena Malone), Blondie (Vanessa Hudgens) y Amber (Jamie Chung). Todas enfrentan lo mismo a dragones que a un furioso dragón alado. Lo que sucede ahí afecta directamente al plano real, así que sus decisiones deben ser acertadas, con agilidad física y mental. El filme de Snyder toma prestado de los videojuegos el concepto de ir avanzando en niveles y obtención de pistas; pero trata de forjar una nueva mitología con el público, donde lo familiar es el pretexto para hablar de temas más de adulto, como el abuso sexual, la tortura psicológica y la violencia del adulto hacia el adolescente de hoy.

Finalmente, la película es sobre madurar y tomar cómo una joven debe el control de su destino venciendo sus miedos internos - Deborah Snyder, esposa y productora de Zack.

“Cada película debe trazar sus propias reglas con el espectador. En Sucker Punch no quise crear cuatro niveles de realidad como en Inception (2010) de Christopher Nolan, sino llevarnos al mundo de los sueños como sitio, no solamente de escape para eludir la violencia del mundo real, sino un lugar para encontrar soluciones”, dijo Snyder en un panel de promoción dentro de la Comic Con en San Diego. El ahora ungido por Warner Brothers para filmar la nueva versión de Superman y quien ya tuviera a su cargo la adaptación de Watchmen, dice sentirse cómodo con filmar en sets virtuales donde la animación digital coloca criaturas y escenarios épicos, pero que siempre presta atención al lado emotivo del argumento.

Soundtrack Explosivo

Para lanzar los primeros avances de ‘Sucker Punch’ en la prestigiosa convención de historietas Comic Con, Zack Snyder deseaba poner de fondo la canción ‘When The Levee Breaks’ de Led Zeppelin, por lo que rogó a la banda legendaria de rock que les dejara usarla. Ellos aceptaron contentos y el resultado fue una probada de imágenes y sonido cargadas cual nitroglicerina.

UN CAMALEÓN LLAMADO RANGO Mario P. Székely Cortesía Paramount Pictures

Nadie como Johnny Depp para representar al inadaptado social, que no sólo es alguien que abraza su originalidad, sino que está cómodo con que lo señalen por diferente. Sus papeles lo han armado como rebelde; su presencia desenfadada en las alfombras rojas es de siempre un actor amante de su oficio y no del espejo. Depp cambia su piel por la de un camaleón llamado Rango, en la película animada del mismo nombre.

La historia escrita por John Logan (Gladiador, El Aviador) coloca a nuestro héroe en medio del desierto, en un poblado llamado Dirt, con habitantes que sólo reaccionan ante “la ley del revolver”. Rango, antes de su aventura en pantalla, vivía en un arenero donde sus compañeros de hábitat eran de plástico y el camaleón imaginaba que poseían vida, creyéndose el héroe del lugar. Ahora el reptil debe acostum-

brarse a convivir con serpientes, roedores, zopilotes y lechuzas mariachi, portando una estrella de sheriff y teniendo que aceptar la responsabilidad de velar por el orden y la justicia. La cinta dirigida por Gore Verbinski (Los Piratas Del Caribe), es la primera producción completamente animada de los estudios ILM, cuyo dueño es George Lucas y ha ganado múltiples premios Oscar, entre ellos por la saga de Star Wars.

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Sofía Ochoa y Alfonso Flores-Durón Cortesía EMI, Archivo WARP (Alejandro Franco)

¿Cómo se aproximaron a Blur en un principio? Dylan: Trabajamos en videos musicales. De alguna forma tenemos contacto con las disqueras y las compañías de management. Nos enteramos que estaban hablando otra vez y que podría haber una reunión. Para nosotros, como fans de la banda, pensamos que era una gran oportunidad poder contar esa historia. Logramos que la productora con la que trabajamos se pusiera en contacto con su management y les explicaran lo que queríamos hacer. Nos consiguieron una cita con la banda, fuimos a explicarles la idea. No estaban muy entusiasmados al principio. Nos fuimos de

¿Era su banda favorita? Will: Cuando éramos niños era la banda más grande y los dos éramos fans, fuimos a verlos en concierto. Sí, era una de mis bandas favoritas. D: Había mucha música en ese tiempo. Yo tenía 15 o 16 años. Estaba en toda la música en la que podía estar, el grunge y Nirvana. Todo cambió de la música americana a la música inglesa. Fue un momento muy excitante porque había bandas de nuestro país que todos seguían. Las bandas indie estaban en el top 10 por primera vez. Antes de eso había una lista indie, pero ahora esas bandas entraban al mainstream de la música, en lugar de estar marginadas. De pronto, todo el mundo estaba escuchando la música que antes sólo escuchaban los fans del indie. Han dicho que el único miembro de la banda que no estaba seguro de hacer el documental era Damon (Albarn), ¿por qué creen que finalmente aceptó hacerlo?

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Will y Dylan estuvieron en el D.F. presentando su película en el marco del festival de documentales, Ambulante, y en entrevista en el pasillo de un bar de la Condesa les preguntamos por su experiencia en la realización de este filme.

la primera reunión pensando “esto no va a suceder nunca, pero estuvo bien conocer a la banda” y nos olvidamos de ello por un par de meses. Pero recibimos una llamada en la que nos dijeron que querían hacer la película y que empezaríamos en dos semanas. Estábamos emocionadísimos pero también con una sensación de pánico. Fue increíble.

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Will Lovelace y Dylan Southern, ambos ingleses, ambos estudiantes de medios y cine en Liverpool, llevan más de diez años dirigiendo juntos videos de grupos como Franz Ferdinand, Elbow, Arctic Monkeys y The Fall, y, más recientemente, el video de Jack White y Wanda Jackson, ‘Thunder On The Mountain’. Su trabajo en el medio les permitió enterarse de la reunión de Blur en 2009 y les propusieron hacer un documental. El resultado: No Distance Left To Run.

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Supongo que es una historia que puede atraerle a quienes están interesados en la música o en Blur... Cualquiera se ha peleado con un amigo y ha intentado que vuelva a funcionar.

Damon Albarn en Glastonbury 2009

¿Por qué les atrajo el tema de la amistad y la reconciliación? W: Supongo que es una historia que puede atraerle a quienes están interesados en la música o en Blur, o en lo que sea. Cualquiera se ha peleado con un amigo y ha intentado que vuelva a funcionar. Creo que es una historia con la que cualquiera puede identificarse. D: Hay muchos documentales de música en donde mucha gente aparece, hay cabezas parlantes que dicen

¿Podrían decirnos algo acerca de los conciertos en Glastonbury y Hyde Park? W: Glastonbury fue increíble. El momento en que cantaron ‘Tender’ y el público les cantó de vuelta fue tremendo. No sé si esto se ve en la película, pero yo estaba en el escenario y fue absolutamente increíble. Esta canción representa a Damon y Graham en el pináculo de su trabajo juntos. Y ver el amor del público y verlos a ellos sudando la gota gorda…fue un momento increíble. Fuimos a Hyde Park como una semana después. Tocaron dos días de hecho. Había un clima increíble, era a mitad del verano. Y para ese punto ya habían hecho Glastonbury y sabían que habían tocado el mejor concierto de sus vidas. Era una gran celebración. Estaban en el lugar en cuyo honor Damon escribió Parklife. Entonces tenía mucho sentido terminar ahí.

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“esta banda es increíble por esto” y se ponen a hablar de qué guitarras usaron en qué discos. Eso es aburrido. Nosotros queríamos contar una historia que fuera un poco más universal, en la que la gente que nunca hubiera escuchado de la banda o que hubiera tenido un interés casual, pudiera ver la película y disfrutarla como una historia o como un documental de música por igual.

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W: Yo creo que él pensaba “soy el tipo de frontman al que le llegarán todo tipo de preguntas, la cámara seguramente estará sobre mí y he estado siendo filmado intermitentemente durante los últimos siete años, durante Gorillaz”. Hasta ese punto tuvo que pensárselo realmente “¿de verdad necesito una cámara sobre mí otra vez mientras hacemos esto?”, era una cosa muy personal y era lindo hacerlo sin cámaras. D: Era un momento importante para ellos como amigos, para reconectarse. Estaban inseguros sobre si querían cámaras ahí que capturaran ese momento. Pero creo que fue Graham (Coxon) el que dijo que era muy importante que el proceso de sanación se hiciera público y que tenían que hacer esas cosas para poder seguir. Al hacer la película yo quería mostrarle a la gente que todo estaba en el pasado y estaban superándolo como amigos.

MY LITTLE UNDERGROUND Dirección de Arte: Chëla Olea

Fotografía: Claudia Susana (Wondeful Machine) Estilismo: Jeanette Converse Maquillaje y Peinado: Chëla Olea Modelos: Simone (Direct Model Management),

Stuart (The Lions Rampant) Locación: East Village, NYC *Precios en dólares

Bustier -Donna L’oren- $60 / Shorts -Madrag- $40 / Chaleco -Manslaughter- $235 / Calcetas -Vintage- $4 / Zapatos -Jeffrey Campbell- $130

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Vestido -Carolina Herrera- $45 / Guantes -Vintage- $15

MIRROR SAW Saco -Vintage- $175 / Playera -Vintage- $45 / Jeans -Gap- $90 / Bootas -Vintage- $60

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Smoking -Vintage- $80 / Playera -Winterland- $7

TRENDY VIOLENCE Producción y Coordinación: Ignazio Muñoz y

Cesar Contreras para “FF” Fotografía: Cesar Contreras, asistente David Oseguera Peinados: Ignazio Muñoz, asistente Fernando Cruz Diseño de Vestuario: Colección Primavera Verano 2011 egresados de la Universidad de la Moda Jannete Klein Diseño de Accesorios y Joyeria : Valeria Vergara Modelos : Maria y Liliana Camba (New Icon Model) Actores : Rodrigo Levet y Samuel Kelly

Según estadísticas, México ocupa el quinto lugar mundial en delincuencia. La violencia que sufre actualmente la sociedad mexicana se traduce en un problema de inseguridad, secuestros, corrupción homicidios, asaltos, violaciones, fraudes, robos, narcotráfico e impunidad. Casi todas las corrientes políticas, sociales y culturales se ven reflejadas en lo que decimos, pero también en lo que vestimos. De esta forma la moda se ve afectada e influenciada por los sucesos del momento, así nace la idea de desarrollar una colección tomando la violencia como tema conductor. Estas imágenes nos cuentan una historia donde la moda y el glamour sobresalen en un entorno violento, haciendo frente a la delincuencia y triunfando en última instancia. Este trabajo está hecho a manera de denuncia de los ciudadanos y desde el punto de vista profesional es una mera expresión artística.

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FLORIA Calling innocence ChĂŤla Olea

CortesĂa Floria Sigismondi

Destroy all racional thought!

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¿Cuál ha sido tu experiencia en este ambiente siendo mujer? Ser tomada en serio, definitivamente me costó al principio, pero poco a poco mi trabajo habló por sí mismo. Incluso encontré personas pronunciando mi nombre como Florio, seguro creyeron que yo era hombre y hubo un error ortográfico, pero definitivamente todo se tornó más sencillo cuando comencé a mostrar cada vez más de mí, de mi trabajo.

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La obra de Floria Sigismondi es parte de una tradición que tiene su origen en la teoría estética de los sublime. Parte de los proyectos que le conocemos para atentar contra el mundo, consiste en presentar un tipo de “transgresión maligna”, una transición más cercana de lo que creemos a nuestro “lado oscuro”; no en un lugar y tiempo remotos, sino en la aparente seguridad de lo actual. El comienzo profesional de esta artista visual fue como fotógrafa de moda. Más adelante su lenguaje desmesurado en cuanto a lo real y la traducción de la belleza al horror la llevaron a componer y descomponer escenarios atemorizantes y desconocidos, no sólo en retratos, sino en videos musicales. El horror es una emoción estética, igual que la belleza. En el análisis de la obra de Floria no sólo se percibe el placer estético (producto de la belleza preconcebida) sino el goce estético (producto de lo horrendo).

¿Qué es lo que hace tu estilo tan único? Sólo sigo mis instintos y, para ser honesta, no pienso propiamente en ello, pero podría decir que fui influenciada por trágicas óperas que continuamente escuchaba mientras crecía. Nací en Italia, pero crecí en una zona industrial en un pueblo en Canadá. Estaba aprendiendo inglés, pero al regresar a casa era como sumergirme en una burbuja italiana. Debo decir que en realidad nunca sentí pertenecer completamente a algún lugar. Años después, cuando tenía doce, regresamos a Italia y me di cuenta de que tampoco me sentía parte de ahí. Creo que esta perspectiva y experiencia me hacen sentir bien en donde quiera que esté. Como herencia de ello, me encanta viajar y por lo tanto vivo en distintos lugares actualmente. Mis padres son cantantes de ópera, así que crecí en un ambiente muy artístico, rodeada de puros buenos artistas en la familia. ¿Qué te inspira? Tantas cosas… en este momento podría decir que los aliens y otros misterios del mundo. Estoy segura de que ese mundo y yo nos conoceremos algún día.

¿Cómo fue la experiencia de tu primer video musical?, ¿cómo fue la transición a lo que ahora muchos tratan de emular? Había fotografiado profesionalmente cinco años atrás, así que ya tenía cierto estilo en mi encuadre fotográfico cuando decidí hacer mi primer video. Me tomó un poco trasladar esta estética a cuadros en movimiento, ya que veía el mundo más como a través de los ojos de un pintor, porque eso fue lo que estuve haciendo hasta mi último año en la escuela de arte. ¿Cómo describes las escenas que creas en todas tus piezas? Simplemente creo mundos que algún día me gustaría visitar. ¿Cuál es tu proceso creativo? Es más simple de lo que parece, pero me pierdo en la música hasta que las imágenes aparecen en mi mente por sí solas. Mi musa es la inocencia, la inocencia de la juventud, de una visita extraterrestre o una manada de venados en un bosque con lobos.

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Si pudieras describirte con una palabra ¿cuál sería? Agua. ¿En qué trabajas ahora? Por el momento me encuentro terminando un video para Katy Perry llamado ‘E.T.’. Ella estará completamente irreconocible, y sinceramente me encuentro muy emocionada con este proyecto, al mismo tiempo estoy trabajando en otro filme que trata de la inocencia. ¡Planeo rodarlo este año!. ¿Qué les dirías a los jóvenes talentosos que quieren ser exitosos en un ámbito artístico como el tuyo? Que experimenten con distintas técnicas hasta que encuentren una que los represente, que diga lo que quieren expresar de una manera única. Que sea único a sus ojos y un viaje profundo. Nunca juzguen sus ideas antes de que éstas se puedan desarrollar y sean abiertos.

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La película sigue la breve pero gloriosa carrera de la banda femenina de rock The Runaways, cuyo miembro más conocido fue Joan Jett. Es algo más que la historia de una banda de rock, sin embargo, Sigismondi teje los temas de la feminidad y el crecimiento en una película que captura la era sorprendentemente bien. La combinación de la música y la honestidad de la película presente son muy refrescantes. Como siempre, un trabajo impecable de esta artista visual quien dará mucho más de que hablar, y se convertirá, no sólo en un artista visual de culto, sino una referencia.

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Floria ha sido el parte aguas de una estética estruendosa, cohesiva y que también experimentamos en su primera película. Sobre ella nos comenta que su proceso creativo fue un poco más allá de lo común. Gracias a que es una prolífica directora de videos musicales, tiene sentido que su primera película se afianzara en la música como la de The Runaways (2010). Sigismondi no sólo dirigió la película, también escribió el guión. Una empresa de gran envergadura para un director en cierne, y algo que ejecuta excepcionalmente bien.

JEFF BUCKLEY

Crónica de una Muerte Anunciada Edgardo Domínguez

Columbia

‘Grace’ And the rain is falling and I believe My time has come It reminds me of the pain I might leave Leave behind Wait in the fire...

disco, grabado con la misma banda y algunos colaboradores adicionales, y producido por Andy Wallace, reconocido ingeniero de mezcla de varios álbumes trascendentales del grunge —Nevermind está en sus créditos—, es una genuina obra maestra, que muestra cabalmente el talento de Jeff Buckley. De manera similar a sus presentaciones en vivo, Grace fue apreciado por colegas más que por el público en general. Quizá es porque la placa capturó de una manera casi inverosímil los sentimientos que emanaban de Jeff, quien tal vez anticipaba su muerte, tan trágica como sorpresiva. Letras de desamor y desconfianza, de una fe fracturada, matizadas con melodías e instrumentación excelsa, que en ocasiones no sólo enaltecen la voz, sino que la igualan en emotividad. Definitivamente no se trata de música que vaya bien con la radio o, en su momento con MTV, sin embargo, impulsado por la disquera, Jeff filmó el video para ‘Grace’, y gracias a esto, conocí su arte. Probablemente no tuvo tantas repeticiones como lo que dominaba la escena en

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Con el voto de confianza de la disquera y la dirección de Tom Verlaine como productor, quien había trabajado con su padre y tuvo su época de fama como integrante del grupo Television, Jeff encontró una línea musical, apoyada en los acordes del virtuoso guitarrista Gary Lucas. Con la inclusión de Mick Grondahl y Matt Johnson en bajo y batería, se consolidó una alineación que daría como fruto el primer EP de Buckley, Live at Sin-é. Más de seis meses de giras por Estados Unidos, Europa y Australia, le valieron a Jeff Buckley como experiencia y para cimentarse como un “artista de artistas”, pues sus más fervientes admiradores eran famosos músicos, como Jimmy Page, Chris Cornell, Brian Wilson y el mismo Leonard Cohen, de quien Jeff interpretaba ‘Hallelujah’, en cada presentación, de una manera tan poderosa y personal que Cohen llegó a declarar: “La ha hecho suya, y no puedo más que envidiar su interpretación, es un verdadero prodigio”. En medio de los interminables shows, se componía Grace (1994), lo que sería su primer y único LP. El

la mitad de la década de 1990, pero fue suficiente para dejar en mí una grata y profunda impresión. Disfrute del disco como pocos, y anhelaba con ansias un segundo material, mismo que imaginaba aún más fuerte y tal vez devastador, pues la angustia que emanaba de las canciones de Grace era… como el título de una de ellas ‘So Real’. Tan Real, tan conmovedora y hasta preocupante. Ese LP se empezó a construir en 1996, con un título ya definido y bastante material recopilado en sesiones realizadas en medio de las giras. My Sweetheart The Drunk contaría con la colaboración de Tom Verlaine como productor y compositor. A lo largo de un par de años, las canciones que compondrían el álbum, se escucharon en múltiples presentaciones, algunas acústicas, otras con diversos miembros de la banda, pero todas mostraban un perfil menos doloroso de la mente de Jeff, incluso se mostraba una inclinación hacia el jazz. Para mediados de 1997, ya con la mayoría de los temas seleccionados y preproducidos, Jeff se reuniría con la banda para encerrarse en el estudio y trabajar en los tracks finales, así como un par de temas nuevos. En la tarde del 29 de mayo, Jeff Buckley se sumergió en un canal del Río Mississippi a nadar, completamente vestido y entonando ‘Whole Lotta Love’ de Led Zeppelin. Cinco días después, su cuerpo fue hallado por un par de pescadores. El genio murió y dio inicio a una leyenda. Una que afortunadamente no todos conocen. Curiosamente, con el lanzamiento de Sketches For My Sweetheart The Drunk (1998), disco que incluía los temas sin producir o en vivo, Jeff Buckley recibió una nominación al Grammy como mejor interpretación vocal por ‘Everybody Here Wants You’. Posteriormente, varias de sus canciones han sido usadas en soundtracks de películas, y seguramente muchos las han escuchado sin saber quién interpreta. Para mí, Grace es disco único que quizá no pudo haber sido superado por su mismo creador, tal vez por esa razón Jeff Buckley encontró en la muerte la paz que parecía anhelar en cada canción.

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VINTAGE // WARP35

ENCORE // WARP34

RATATAT Archie Ayala

Sergio Gálvez

Con dos presentaciones anteriores en nuestro país el dueto neoyorquino de música electrónica, Ratatat, ofreció el pasado 16 y 17 en el escenario del Voilá Acoustique de la Ciudad de México un show lleno de luces y sonido en donde promocionaron su más reciente producción de estudio que lleva por nombre LP4 (2010). Mike Stroud y Evan Mas interpretaron durante más de una hora un setlist que nos hizo disfrutar de una noche de rock electrónico y mucha actitud.

PRESENTA: www.warp.la

EL LANZAMIENTO EXCLUSIVO DE “REGULAR WEIRD PEOPLE”, EL NUEVO DISCO DE

ELAN

ANTES DE SALIR A LA VENTA Y SOLO A TRAVÉS DE ESTA EDICIÓN