WARP Magazine no. 36 by WARP MAGAZINE

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SPRING EXCLUSIVE!

SÓLO LO MEJOR DE LA TEMPORADA CREADO Y PRESENTADO POR WARP

THE KILLS

WARP MAGAZINE No.36 $35.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

EN PALABRAS DE ALISON MOSSHART ENTREVISTAS CON:

THE SOUNDS, THE DEARS

YEASAYER, TIMBER TIMBRE Y COLDCAVE

COBERTURAS ÚNICAS DESDE:

SXSW 2011 Y LOLLAPALOOZA CHILE

Minus The Bear Regina Spektor Javiera Mena Kate Nash Spoon Julieta Venegas The Temper Trap White Lies Pante贸n Rococ贸 Los Bunkers Enanitos Verdes Faithless DapuntoBeat Ra Ra Riot Chikita Violenta

TEMPORADA5 MAYO 2011 LATINOAMÉRICA

Fotografía: Shawn Brackbillq

Casi tres años después de que Midnight Boom llegara a los estantes The Kills da luz a una nueva placa llena de rock, blues y otras fusiones sonoras. La dupla integrada por Allison Mosshart y Jamie Hince nos presenta Blood Pressure y se disponen al presumirla alrededor del mundo, plantándose en cada escenario en dónde puedan derrochar actitud, característica que los coloca como una de las agrupaciones que seguirán marcando pauta en esta década.

WARP MAGAZINE

No.

Director General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco

Editorial

Directora de Contenidos Anna Stephens twitter.com/Stphns Editor en Jefe Diovanny Garfias twitter.com/Androgyn Asistentes Editoriales Paco Sierra twitter.com/PacoSierra Paola del Castillo twitter.com/PaodlCastillo Pamela Carrillo twitter.com/Pamoleon Corrector de estilo Berenice Andrade twitter.com/melcochabarata Editora de Arte y Fashion Chëla Olea twitter.com/Chelaolea Columnistas Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Adolfo Vergara twitter.com/ToBeFreak, Samantha López (Corresponsal Madrid/Londres) twitter.com/Samanthalopezs, Marc (Dorian) twitter.com/MarcDorian.

The Kills

Destacados

SPRING EXCLUSIVE!

En está ocasión WARP MAGAZINE presenta una serie de historias contadas por sus protagonistas y desde el lugar de los hechos, entrevistas EXCLUSIVAS con líderes musicales de sus respectivos campos y coberturas ÚNICAS que te llevarán a vivir la música frente a escenarios internacionales, donde serás testigo de cómo fue que los hechos fueron escritos.

Secciones Editorial

Hot Hot Hit

Alison Mosshart de The Kills

Anna Calvi

¡Silencio Por Favor!

Shuffle

Garbage

Kaki King, Kashmi, Cold Cave,

Set List

Omar Rodríguez, Mystery Jets,

Featuring

Timber Timbre, Yeasayer, Sidd

Damian Kulash (OK Go)

harta, Datarock, Yelle

Mis Videos y Discos

Warped

Gigs

TV, Film, Fashion, Sports, Art

Indie-O Fest, Cumbre Tajín, The

110

Vintage

Sounds, SQT, Röyksopp, Empire

The Cure

Of The Sun, Crystal Fighters y

112

Encore

Symmetry Spins

Kanye West

*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine Foto de Portada: Shawn Brackbillq

Colaboradores Invitados Alison Mosshart (The Kills) y Damian Kulash (OK Go). Colaboradores Abraham Huitrón, Elsa Núñez, Fito Montes, Héctor Padilla, Milton Barboza, Karina Luvián, Michelle Apple, Alejandra Ayala, Samuel Segura, Aldo Sosa, Sebastián Garrido, Andrea Paz, Diky Parker. Mail: magazine@warp.com.mx Arte y Diseño Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Editor de Fotografía Sergio Gálvez Fotografía Sergio Gálvez, Leslie Del Moral, Pola (MTY), Aline Sánchez Comercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Coordinación Comercial Andrea Arbide andrea@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Gabriela Toriz gaby@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE.

© WARP Marca Registrada ®. Año III No.36 Fecha de Publicación 15-04-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

EDITORIAL // WARP36

SUGAR BABY Alison Mosshart de The Kills

Sin duda

Fotografía: Shawn Brackbillq

la primavera es la estación que más me gusta del año, es mi preferida, la que tiene la mejor temperatura, no como el verano, definitivamente es muy caluroso, no lo soporto y bueno, es un hecho que la primavera es mejor que el invierno. Para mí la primavera significa liberarse, empezar cosas nuevas, ser una nueva persona, es la época del año en la que la gente finalmente se sacude y la locura queda atrás, al fin la gente empieza a darse cuenta va a hacer el resto del año. El tiempo perfecto para lanzar nuestro

nuevo álbum, no es que realmente hayamos querido que Blood Preassures viera la luz en 2011, sin embargo así fue como sucedió, no tardamos tres años en hacerlo, pero podemos decir que sí tardamos mucho en coordinarlos para hacerlo. Estamos felices con el resultado y puedo decir que valió la pena la espera, nos morimos de ganas por tocar en todos los lugares que sea posible, reencontrarnos con el público de diferentes ciudades y países; esa es, al menos para mí, la verdadera magia de la primavera.

SILENCIO POR FAVOR // WARP36

Garbage Diovanny Garfias

Cortesía Garbage

Guess who I just spent a week in the studio with? Would you be pleased if I said one of them was called Steve and one of them was called Duke and another was a Grammy-winning producer? - Shirley Manson

Por ahora se terminaron los proyectos personales, Duke Erikson, Steve Marker, Butch Vig y por supuesto, Shirley Manson están juntos de nueva cuenta y el estudio de grabación es el principal testigo. Seis años después de que Bleed Like Me viera la luz, la cuarteta está lista para entregar una nueva pieza de rock, la cual será la encargada de abrir un nuevo capitulo en su historia musical. Dicho material (aún sin titulo), será el pretexto perfecto para situar a Garbage en diversos escenarios alrededor del mundo a lo largo del 2011.

SET LIST // WARP36

SETLIST 1•‘High For This’ – The Weeknd (Canadá)

2•‘Stuck On The Puzzle’ – Alex Turner (Reino Unido)

3•‘Pull Out My Insides’ – Does It Offend You, Yeah? (Reino Unido) 4•‘Treat Me Better’ – ELAN (México)

5•‘Neat Little Rows’ – Elbow (Reino Unido)

6•‘Wilhelms Scream’ – James Blake (Reino Unido) 7•‘In My Time’ – Kurt Vile (Estados Unidos)

8•‘Drugs’ – No One Is Innocent (Francia)

9•‘Outnumbered’ – Parts & Labor (Estados Unidos)

10•‘Second Chance’ – Peter Bjorn And John (Suecia) 11•‘Black Leaf’ – The Cave Singers (Estados Unidos) 12•‘Wolf Pack’ – The Vaccines (Reino Unido)

13•‘Windows’ – Broken Bells (Estados Unidos)

14•‘Indestructible (Laserkraft 3D Remix)’ – Robyn (Suecia)

15•‘You Are The Woman (Anoraak Remix)’ – Mansfield TYA (Francia) 16•‘I Can’t Wait’ – Hercules & Love Affair (Estados Unidos) 17•‘Go- Pony Rex’ – Los Impostors (México) 18•‘Pinnacles’ – Four Tet (Reino Unido)

19•‘Dystopia’ – YACHT (Estados Unidos)

20•‘La Razón’ – Yeshua Elastik (México)

21•‘You Are A Tourist’ – Death Cab For Cutie (Estados Unidos) 22•‘Elefant’ – Ana Tijoux (Chile)

23•‘The Great Pan Is Dead’ – Panda Bear (Estados Unidos) 24•‘Antilope’ – Diagrams (Reino Unido)

25•‘Filthy Love (The Shoes Remix)’ – We Are Enfant Terrible (Francia)

by Milton Barboza / @MiltonBarboza

Escucha y descarga todos los martes Set List conducido por Milton Barboza, a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>

FEATURING: OK GO // WARP36

OK GO: OF THE BLUE COLOUR OF THE SKY Damian Kulash (Vocalista)

Chou Muñoz

Las estaciones influyen mucho en mí. Me encanta cuando la luz del día dura más y puedo empezar a salir sin un abrigo, las chicas empiezan a usar faldas cortas y el mundo entra de nueva cuenta en frenesí. Musicalmente es interesante ver cómo se balancean las emociones. Cuando salimos de gira por meses y meses casi nos convertimos en un robot y la única música que es acorde con esa metamorfosis es aquella triste y melancólica, muy emocional. En lo personal, cuando las giras terminan, quiero escribir baladas acústicas en guitarra hasta que lentamente salgo de mi caparazón –como el mundo lo hace en primavera– y las cosas vuelven a tomar un rumbo emocionante. Es entonces cuando realmente se siente la llegada de esta estación, mientras todo florece. En México, la primavera es muy diferente, tienen jacarandas y todo ya es hermoso pero, por ejemplo, últimamente nosotros hemos pasado mucho tiempo en Nueva York, ahí aún está nevando y sólo piensamos “¡sáquenme de aquí!”. Me emociona estar en México por primera vez y poder sentir la conexión con un nuevo público. Creo que los shows en vivo son como los imanes y el metal: la emoción corre dentro de mí y de pronto todos sienten lo mismo y se cristaliza en un gran sentimiento compartido. Recibimos muchos e-mails de gente de México así que es como conocer a personas de las que hemos sido amigos en línea por mucho tiempo. Es una de las mayores satisfacciones como banda, poder visitar otros países y saber que les gusta nuestra música y nuestros videos. Finalmente, hacemos las cosas que queremos hacer sin dejarnos influenciar por la industria musical y lo que otros opinen. Así lo hemos hecho durante todos estos años. Tim y yo hemos sido amigos desde que teníamos 11 u 12 años, y llevamos haciendo esto por dos tercios de nuestras vidas. Mi relación con él, con los demás miembros de la banda y con la creatividad nunca ha sido más fuerte que ahora y me siento muy afortunado. Somos muy buenos amigos y nos divertimos mucho todos los días tratando de descifrar nuevos y más emocionantes rincones que podemos explorar.

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP36

Nine Types Of Light

TV On The Radio Interscope 2011

La calidad musical de los originarios de Brooklyn, Nueva York nunca ha estado en juicio, con cada entrega han demostrado que pueden reinventarse en formas sonoras como pocas agrupaciones son capaces. En esta ocasión, las cosas no son diferentes, Tunde Adebimpe y compañía sueltan de una vez por todas esa bomba llamada Nine Types Of Light (que dicho sea de paso, era una de las producciones más esperadas de este año), la sorpresa más eminente para cualquier escucha (casual ó fan from hell) salta luego de pocos segundos de reproducir ‘Second Song’, el track que abre el álbum; la

dirección sonora queda definida y casi a manera de statement TVOTR presenta su sonido más comercial a la fecha. Pero hablamos de un colectivo de músicos tan celosos de su sonoridad, que hasta cuando decimos que este trabajo tiene que más que ver con el pop de avanzada, que con los sonidos tribales y étnicos presentados sus placas anteriores, hablamos de una resultado que sin duda, estará entre lo mejor del año y de momento, como el mejor material de la banda de la década. Mucha alma y sentimiento en las letras, todo lo romántica que esta banda puede ser hasta las últimas consecuencias,

8.7

Calificación

sin perder el toque experimental que los ha caracterizado durante toda su carrera y añadiendo algunos elementos electrónicos, que sirven para mostrarnos una nueva cara de Adebimpe, Kyp Malone, David Sitek y compañía. No nos confundamos, esto no es Dear Science (2008) y mucho menos Return To Cookie Mountain (2006), simplemente estamos frente a la evolución lógica en el sonido de una banda, que sin problemas, demuestran que no hay que inventar el hilo negro para entregar un disco entrañable; una producción a la altura de TV On The Radio. -Diovanny Garfias

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP36

Collapse Into Now

R.E.M. Warner Bros. 2011

7.3

Calificación

7.9

Single

‘Ice Cream’

7.7

Calificación

7.5

Battles ft. Calificación Matias Aguayo Warp Records Cuatro años después de que Mirrored fuera considerado como uno de los discos más importantes de 2007, Battles nos suelta la esperanza de escuchar material nuevo (tal vez inédito) pronto. ‘Ice Cream’ es ágil, despreocupada y llena de sonidos guturales que, acompañados de sonidos de guitarra y platillos muy tenues, contrastan muy bien con la voz del chileno Matias Aguayo. El inicio resulta interesante por el peso que se le da a cada elemento, por desgracia el tema pudo ser mucho más breve ya que la escucha se vuelve un poco tediosa al mantenerse en la misma línea. El único cambio “radical” se presenta en lo que se anuncia como un final eterno que concluye de manera intempestiva.

-Elsa Nuñez

Decimoquinto disco en la historia de los oriundos de Atenas Georgia, los mismos que a lo largo de los ochenta revolucionaron la radio universitaria americana y dejaron marca en bandas como Smashing Pumpkins y Nirvana. Pero los tiempos cambian y llega el punto en la carrera de toda banda veterana o de culto en el que hay que renovarse, reforzar la leyenda o irse desvaneciendo con el tiempo para dejar como testimonio el trabajo del pasado. Me parece que este último es el caso para R.E.M., si bien hay momentos que se asoman coqueteos con la necesidad de experimentar como en ‘Discoverer’, ‘Mine Smell Like Honey’ o ‘Blue’, también es cierto que la mayoría de los pasajes que componen este disco suenan a refritos y autofusiles como ‘Uberlin’, ‘It Happened Today’, ‘Walk It Back’ o ‘That Someone Is You’. Un disco que sólo disfrutaran por completo los incondicionales de la banda, y si bien no es un trabajo terrible, prefiero quedarme con Murmur, Document, Green o Monster. -Fito Montes

What Did You Expect From The Vaccines? The Vaccines Columbia Records 2011

Este cuarteto de Londres ha causado furor con cada paso que han dado en su corta, pero ya valiosa carrera y ahora presentan su anticipado álbum debut, demostrando por qué todos hablan de ellos. ‘Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra)’ abre la placa como perfecta tarjeta de presentación, con un ritmo espontáneo y explosivo para después continuar con la misma línea en temas sumamente contagiosos como ‘If You Wanna’. Posteriormente, siguen algunas piezas más midtempo pero permeadas de la misma fuerza y sinceridad como lo son ‘A Lack Of Understanding’ y las excelentes ‘Under Your Thumb’ y ‘All In White’. En general, un disco enérgico con tintes de punk, rock y garage con excelentes letras que en conjunto dejan en claro que The Vaccines han llegado para quedarse. -Paola Del Castillo

Calificación

Underneath The Pine

Toro Y Moi Carpark 2011

Desde los primeros acordes queda clara la amplia facilidad de Chazwick Bundick, cerebro detrás del proyecto Toro Y Moi, para crear ambientes electrónicos de diversos matices: desde canciones alegres, hasta sonidos más densos, apoyados en toques synthpop y aderezados por instrumentos varios como órganos, campanas, guitarras acústicas y la melódica voz que, junto con la música, nos guía por bellos senderos sonoros. Y con todo y lo electrónico que pudiera sonar, el talento de Bundick logra crear sonidos orgánicos con tintes retro. Así pues, cada pieza se vuelve valiosa por redondear el segundo álbum de estudio de uno de los artistas más interesantes que hayan surgido de Carolina del Norte. Sobresalen cortes, por nombrar algunos, como ‘New Beat’, ‘Divina’ y ‘Light Balck’. -Karina Luvian

Video

Anna Calvi

Anna Calvi Domino Records 2011

8.1

Calificación

Son pocos los artistas que cuentan con el visto bueno de monstruos de la música de la talla de Brian Eno o Nick Cave. Anna Calvi y su música lo han logrado. A pesar de ser una artista joven, Calvi, proveniente de Londres, Inglaterra, ha logrado conjuntar un sonido maduro y consistente, lleno de referencias del rock emocionalmente dramático, de ese que PJ Harvey gusta de compartir cada que llega al punto más profundo de su sonido habitual. Aquí no hay falsas expectativas, de principio a fin tenemos un placa que nos ofrece a Calvi entregando su corazón en cada una de las diez piezas, acompañada de un sonido elegante y honesto, por momentos dinámico, pero por lo regular, en un mood romántico, casi hipnótico. Gran carta de presentación para Anna Calvi, sigámosla de cerca. -Michelle Apple

No Color

8.5 Calificación

‘Nothing’s Wrong’

Cloud Nothings Carpark 2011

Un carrito de supermercado avanza solo. Un hombre corre tras él. Lo sujeta. De una lista, tacha las provisiones que ha obtenido de las casas a las que entra, toma lo necesario, y sigue su camino. No,

The Dodos French Kiss 2011

8.3 Calificación

Meric Long y Logan Kroeber nos entregan un cuarto LP que, sin duda, es su trabajo más logrado, lo cual es mucho decir ya que en 2007 nos habían sorprendido con la majestuosidad de Visiter. Justo, siguiendo el tenor de aquel, sólo que en esta ocasión retomando elementos aislados del LP anterior, Time To Die (2009), nos entregan un disco que sigue jugando con las percusiones y las guitarras, pero al contrario de muchas de las bandas “experimentales”, los experimentos de The Dodos son menos ambiciosos, pero no por ello más estériles, por el contrario, absolutamente fructíferos. En esta ocasión Niko Case se une al proyecto y aporta una delicadeza constante con su voz armoniosa, la cual, en conjunto con los vibráfonos de Keaton Snyder, logran atmósferas hermosas que contrastan y adornan un álbum dominado por la potencia de las guitarras cuasi-clásicas y la experimentación percutiva. Sin duda, The Dodos sigue llevando al folk por caminos que le son desconocidos. El resultado es un disco hermosamente poderoso. -FM

no es un programa televisivo en el que se reta a la gente a hacer cosas inusuales o donde el conductor es un provocador. Se trata, tal vez, de la relación de los humanos con los objetos al grado de darles vida, de que el carrito defienda a

Náufrago

Siddhartha Love/Recs 2011

7.7

Calificación

quien lo maneja de una emboscada, de golpes en las costillas y chocolate líquido en los ojos. La canción reitera en el estribillo que nada está mal. Hasta que, tras una larga carrera en la que se desencadena una lucha mortal entre carritos, uno muere y cae en un estacionamiento, con los objetos dentro de sí, derramando sangre en el pavimento. -Samuel Segura

El músico mexicano Siddhartha, presenta su segundo álbum de estudio Náufrago, después de su debut Why You?. Producido por el mismo y Aldo Muñoz el resultado se refleja con un material muy bien trabajado y detallado. Cada nota y melodía en su lugar. Se puede percibir la misma energía y dinámica que en Why You? sólo que transformada en olas, son las que van guiando a través de Náugrafo. La lírica plantea cuestionamientos personales y va acompañada de melodías “beatlescas”. Destacan ‘La Verdad’, el sencillo ‘Náufrago’ y ‘Camaleón’. Si estás buscando el soundtrack para algún momento de tu vida, escucha este álbum y seguramente encontrarás algo que se adapte. Esperamos que con Náufrago se repita la historia del exitoso baterista. -Sebastián Garrido

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP36

7.9

Angles

The Strokes RCA 2011

Calificación

Después de llegar como los “salvadores” del rock n’ roll a principios de la década pasada y una ausencia de cinco años (casi la mitad de su carrera), los neoyorquinos regresan con Angles. Experiencias, vivencias, problemas y crecimientos personales de los cinco integrantes son los que nutren principalmente este álbum. Abre ‘Machu Pichu’ que no es sólo un nombre inusual para una canción de The Strokes, si no que también previene sónicamente, las siguientes nueve sorpresas. Le sigue el primer sencillo ‘Under Cover of Darkness’ que suena con la misma esencia y fuerza que antiguas canciones de The Strokes. Y sí fueron considerados una banda con sonido “garage/vintage” desde sus comienzos, con ‘Two Kinds Of Happiness’ o ‘Games’ pueden, a partir del 2011 referirse a ellos como synth pop/postpunk/vintage. En ‘You’re So Right’ y ‘Metabolism’ destaca el desgarrador bajo de Fraiture. Con ‘Gratisfaction’ es imposible no dibujar una sonrisa en el rostro mientras se escucha. En lo que podría considerarse una balada a la Stroke, ‘Life Is Simple In The Moonlight’ cierra con: “Don’t try to stop us, get out of our way”, interprétenlo como quieran. Al final, Angles no es más que un material que refleja a cinco músicos por fin trabajando juntos para hacer gran música. -Paco Sierra

7.0

Calificación

Last Night On Earth

7.0

Calificación

El tercer álbum de los británicos mantiene su esencia indie folk pero esta vez le agrega un poco de synthpop a la mezcla, como es evidente en la primera canción, ‘Life Is Life’. En esencia, los temas mantienen la misma alegría y coros colectivos que el primer sencillo, ‘L.I.F.E.G.O.E.S.O.N.’, destacando entre los temas a ‘Give It All Back’, ‘Just Before We Met’ y ‘Waiting For My Chance To Come’. Sin embargo, la placa resulta monótona en su mayoría, con ritmos sumamente parecidos de una pieza a otra y recurrentes letras positivas y esperanzadoras –cayendo en lo empalagoso- que hablan sobre conceptos como la vida, el amor y el cielo. Un disco que se mantiene al borde de lo “promedio” e incluso, cae en lo aburrido en algunos momentos, aún contando con buenos arreglos y algunas melodías contagiosas. -PC

‘Brick By Brick’

Arctic Monkeys Domino/Warner Bros. 2011

7.5

Calificación

Los de Sheffield regresan con toda la potencia y energía que los caracteriza y a la vez se alejan un poco del sonido que los lanzó a la fama. Aunque Josh Homme haya delegado las labores de producción únicamente en James Ford, el sonido del líder de QOSTA parece haber influenciado de forma positiva este track. La voz de Turner en un enorme coro que sube y baja de intensidad cual montaña rusa, es acompañada por embriagantes riffs de guitarra, coronados con algunos solos que logran de forma conjunta que la canción contagie su sencillez y energía. Aunque se extrañen las elocuentes y siempre brillantes aportaciones líricas del vocalista, la canción cumple al establecernos de forma concreta que la banda se encuentra lista y con un sonido vigente, dispuesta a asombrarnos de nueva cuenta. -Juan Pablo Castañeda

021

Beth Ditto, vocalista de Gossip, ha decidido volver a colaborar con el dúo Simian Mobile Disco, (con quien hace un tiempo hiciera el single ‘Cruel Intentions’), pero ahora para grabar un EP en solitario, con cuatro canciones totalmente al estilo de SMD. Aunque se agradece el minimalismo que el dúo le aporta a la música, se extraña bastante la poderosa voz de Ditto, que está desaprovechada en casi todo momento. Aunque cada uno de los temas son totalmente bailables y pegajosos, son letras que cantadas en ese tono las podría interpretar cualquiera. Definitivamente, en este material pesa mucho más el estilo de los electrónicos que las altas vicisitudes de soul a las que puede llegar la cantante. ‘I Wrote The Book’ es el primer sencillo, sin embargo, ‘Open Heart Surgery’, es la canción en donde se encuentra el mejor balance entre los beats innovadores de Simian Mobile Disco y todo el esplendor de la voz de Beth Ditto. -Samantha López

Noah And The Whale Mercury Records 2011

Single

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Beth Ditto EP

Beth Ditto Deconstruction Records 2011

Video

Blood Pressures

The Kills Domino Records 2011

8.0 Calificación

Alison Mosshart y Jamie Hince nos entregaron de una vez por todas su cuarto material de estudio. Estamos ante una banda que tiene un sonido muy bien definido, de la que no esperaríamos ningún tipo de cambio, sin embargo, no encontramos con pequeños detalles que hacen de esta pieza algo muy particular. El garage rock del comienzo de su carrera, está ausente casi en su totalidad, sin embargo, no topamos con un lado más sensible y pop (en el mejor de los sentidos). Arreglos que saltan al oído por tener un nivel más elevado y pensado de producción y una intención más refinada hablando de las letras y la actitud de la dupla, claro, sin llegar a escuchar algo elegantemente aburrido. Blood Pressures marca un nuevo comienzo en la carrera de Mosshart y Hince, uno que les hará ganar nuevos seguidores y les restará algunos más. -MA

7.4

Calificación

‘Coversation 16’

The National 4AD 2011

La actriz Kristen Schaal, mejor conocida por su trabajo en Flight Of The Conchords y The Daily Show, dirige y estelariza este bizarro pero gracioso video de The National. Schaal, interpretando a la Presidenta de los Estados Unidos, busca acción y aventuras que la saquen del aburrimiento de su trabajo, mientras que John Slattery

Both Ways Open Jaws

The Dø Get Down! 2011

los guardaespaldas de la Presidenta, y vive enamorado de ella. Es entonces cuando el Primer Ministro de Rusia seduce a la Presidenta

Calificación

La fórmula creada por Dan Levy y Olivia Bouyssou se reinventa en un segundo álbum con el que buscan concretar y, principalmente, reforzar aquello que amamos de A Mouthful. Las sencillas secuencias que acompañan a la dulce voz de Olivia en ‘Dust It Off’ son una especie de prólogo, un aviso de que algo se está gestando. El rumbo cambia con las percusiones y el xilófono de ‘Gonna Be Sick!’, mismos que nos hunden en la atmósfera del típico hoyo funky propio de la década de 1960, caso que se presenta de manera similar en ‘Too Insistent’. El encanto minimalista de ‘The Wicked & The Blind’ demuestra que no es necesaria una sobresaturación de elementos para crear temas, tal vez no memorables pero sí entrañables. ‘B.W.O.J’ es un aviso de cambio, este puente refresca la escucha al combinar secuencias con ingredientes orgánicos, mismos que se manifiestan adecuadamente en la semi tribal ‘Slippery Slope’. ‘The Calendar’ y su eclecticismo melódico e instrumental marcado por las cuerdas son lo más destacable. -EN

de la serie Mad Men es –junto al vocalista Matt Berninger- uno de

8.0

Vices And Virtues

Panic! At The Disco Decaydance / Fueled By Ramen 2011

7.8

Calificación

y la invita a su país, donde para conquistarla lucha contra alguien disfrazado de oso, entre otras cosas. Un clip inusualmente gracioso donde se retrata a manera de parodia lo absurdo que puede ser el tener el puesto de trabajo más importante de una nación y tan extraño como las propias letras de la canción (“Temía comer tu cerebro porque soy malvado”). -PC

El dueto de Las Vegas, Panic! At The Disco, está de estreno con Vices And Virtues, un álbum que desde el título llama la atención. El sucesor de Pretty. Odd. de 2008, es un material versátil que permite ser escuchado entero de principio a fin. Con su sencillo ’The Ballad Of Mona Lisa’ el enganche es seguro. Es una canción que lo tiene todo para pegar: coro enganchante y ritmo sencillo. Quizá buscaron el encanto de la pintura a la que hacen referencia. Y así se desarrolla el disco, en esos terrenos de sencillez, de rock que de tan ligero, podría ser pop sin ningún problema. Ello por las ambientaciones y la voz melódica de Brendon Urie. No en balde el título es la entremezcla de los vicios y las virtudes, o la lucha eterna entre ellos, o el traje que, como en la portada, estés dispuesto a colocarte. -SS

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP36

8.2

The Big Roar

The Joy Formidable Canvasback 2011

Calificación

Este es el disco debut de la banda que encabezó el tour Emerge NME Radar a finales del 2010, que presenta a los exponentes emergentes de la escena británica. El álbum está compuesto por cuatro temas reversionados de sus EPs anteriores y ocho canciones nuevas, todas ellas cargadas de un sonido sincero y honesto que no tiene pretensiones vacuas. Intermitentemente a lo largo del sello se siente la influencia de grupos como Siouxsie And The Banshees y Cocteau Twins, pero lo más evidente (y eso sí, constante de principio a fin) es que este debut es casi una reversión más optimista e hímnica de grandes discos pertenecientes a la escena shoegaze de principios de los noventa, encabezada por bandas como Slowdive, Lush, Ride o My Bloody Valentine. Al igual que ellos, la instrumentación recurre con frecuencia a los feedbacks y saturaciones de guitarra, voces melodiosas que sirven de colchón al estruendo de las guitarras, bajos y dobles pedales constantes y a las codas manifestadas en rolas como ‘Austere’, ‘The Greatest Light Is The Greatest Shade’ o ‘The Everchanging Spectrum Of A Lie’. El trío de Glasgow decidió llamar The Big Roar a este disco y no podían haber sido más acertados al escoger el título, porque en efecto, el álbum completo se siente como un gigantesco, estruendoso, armónico y hermoso rugido. -FM

8.0 Calificación

The Dears Dangerbird 2011

7.2

Calificación

‘Get In Line’ I’m From Barcelona EMI Music

8.5 Calificación

Las 27 personas detrás de I’m From Barcelona nos dan un avance de los que será su tercer álbum, Forever Today. Con tanta gente colaborando es más que obvio que el inicio de cualquier tema será avasallador, calificativo que debe ser acompañado por palabras

Buen inicio. ‘Omega Dog’. Primera parte, bien; ambientación agradable; guitarreo severo, para cerrar; y buen regreso a la tranquilidad. Siguientes dos piezas en la misma línea. Track cuatro: ‘Thrones’. Algo cambió. Para ‘Lamentation’ el rostro de este disco ya era distinto, más cercano al brit pop, más cercano a Jarvis Cocker. Puente de sintetizadores poco afortunados y ‘Galactic Tides’, corte que ahora muda de camino y se acerca a Radiohead (¿?). Para cuando ‘Yesteryear’ suena sabemos que el disco está perdido, pues nos encontramos con un poco de mucho y a la vez de nada, con un disco disperso que en busca de versatilidad pierde originalidad. Desmembrado quizá tuviera más valía, por lo que Murray Lightburn y compañía deberán aterrizar sus ideas en un próximo trabajo y así, recuperar la alta cotización que alguna vez tuvieron dentro de la música. -KL

como llamativo, alegre y festivo.

023

Después del gusto que se dieron con su sexto álbum de estudio Recuerdos y Tequila (2009), su primera producción en español, la banda integrada por Elan, Jean Carlo, Mauricio, Charlie y Cheech regresa a la fórmula de sus primeros discos, presentando su nueva placa titulada Regular Weird People, un disco con letras totalmente en inglés que muestra una mezcla de talento y experiencia de la banda tapatía. Un álbum que te atrapa de principio a fin y letras con las que logras identificarte es el resultado de la grabación llevada a cabo en noviembre de 2010. El álbum fue mezclado por el ingeniero Michael Brauerbi ganador de varios premios Grammy y la portada realizada por Cyn Márquez y MaryCarmen Rubí basándose en dibujos realizados por Elan. Aún con críticas por su forma de hacer música, esta banda nos sigue sorprendiendo por la capacidad de composición e interpretación. -Diky Parker

Degenration Street

Single

Dichas características se basan en simples y hasta lúdicas secuencias que van de la mano con el ritmo de la batería que de inicio protagoniza el tema. Se agradece el hecho de no saturarnos con sonidos que buscan el protagonismo de cada miembro de la banda. Cada quien tiene su función y lugar, por lo que el equilibrio es evidente. -EN

warp magazine / www.warp.la

Regular Weird People

Elan CTYCS 2011

REVIEWS // Mis videos y discos / WARP36

7.0

Raven In The Grave

The Raveonettes Vice Records 2011

Calificación

Sune Rose y Sharin Foo regresan después de dos años de In and Out of Control (2009) presentando su quinto álbum de estudio Raven In The Grave, la continuación sonora del trabajo que vienen presentando desde su primer álbum Whip It On (2002). Con intercalaciones entre las voces del dúo danés, el álbum está compuesto por nueve tracks llenos de oscuridad, al contrario de sus placas anteriores, este disco no cuenta con los característicos sonidos de percusión y surf de la banda; podría definirse como un álbum muy oscuro y melódico, incluso para algunos, plano y gris. ‘Recharge & Revolt’, uno de los singles desprendidos de esta placa, cuenta con un poco de su color característico, que nos hace recordar los antiguos arreglos de la banda, pero nada más. La experimentación es ahora parte de la mayoría de las bandas, sin embargo, en el caso de The Raveonettes, no ha servido para sacar lo mejor de su trabajo. -AA

Classic

The Chronic

Dr. Dre Death Row, Interscope, Priority 1992

Awesome As Fuck Green Day Reprise Records 2011

9.8

Calificación

7.5

Calificación

Awesome As Fuck no se trata más que de una recopilación de temas conocidos de Green Day en directo; sucesor de Bullet In a Bible (2005), el primer álbum en vivo de la banda; Esta placa marca el regreso del trío norteamericano con una gira grabada durante el tour de 21st Century Breakdown (2009). El álbum está conformado por diecisiete tracks que fueron elegidos de diferentes conciertos de la banda y un DVD adicional que incluye canciones que ofrecieron en el Super Arena en Saitama-shi, Japón en enero de 2010. Billie Joe Armstrong y compañía también compartieron un tráiler en el cual se muestra un pequeño adelanto de lo que vendrá en su reciente placa acompañado de la canción ‘Know Your Enemy’. Sin duda un regalo completo para todos los seguidores Green Day. -DP

“Parental Advisory. Explicit Content”. Y en adelante, el control paternal apareció en muchos discos de hip hop, metal y demás. The Chronic, el primer disco del rapero Dr. Dre, apareció a principios de los noventa con ayuda de otros músicos del género, como el también famoso Snoop Dogg. El disco, que ha vendido millones de copias, catapultó a Dr. Dre a la cima. Pero ello no lo convierte en un clásico por sí mismo. Es la música, ese hip hop gangsta que giró hacia el terreno comercial, por la calidad de sus composiciones, esas que suenan tan frescas y actuales, con un bajo poderoso, imprescindible, coros femeninos y sonidos blues, sampleos y metales, rimas altisonantes, tributo a la marihuana desde la portada. Dieciséis canciones de hip hop de alto nivel. The Chronic supera el paso del tiempo y crea escuela en los sonidos rap norteamericanos que figuran hoy en día en las listas de popularidad. Como en su momento figuró este disco. -SS

Cherish The Light Years

Cold Cave Arts&Crafts México 2011

8.4 Calificación

Ya se veía venir, con el single ‘The Great Pan Is Dead’ como adelanto, Wesley Eisold prometía un cambio en el sonido de lo que conocíamos como Cold Cave. Con la salida de Cherish The Light Years no podemos más que confirmarlo. El originario de Nueva York hace un viaje nocturno a través de la gran manzana y éste queda registrado a lo largo de la placa. Hablamos de un álbum tan diverso como lo es la música electrónica misma, con momentos de synthpop, industrial, darwave, electro rock y más, fusiones que hacen del segundo material de CC uno de los mejores lanzamientos de este 2011. Tracks como ‘Underworld USA’ y ‘Burning Sage’ son la prueba de que Eisold se encuentra en el momento de mayor solidez creativa en su corta, pero productiva carrera en solitario. -Diovanny Garfias

PROFILE // WARP36

Diovanny Garfias

Janae Jones

Integrantes: Victor Vazquez / Himanshu Suri / Ashok Kondabolu

Luego de presentar su álbum debut Shut Up, Dude en 2010 la banda de rap originaria de Nueva York, Das Racist, se perfila como una de las que escribirán su propia parte de la historia en el género. La triada integrada

por Himanshu Suri, Victor Vazquez, y Ashok Kondabolu ofreció una actuación en el bar Chop Suey de Seattle, la cual quedó registrada por Noisey.com como parte de su primera temporada.

Escúchalos en: http://www.myspace.com/dasracist | www.dasracist.net

025

DAS RACIST

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Mira a Das Racist en vivo: www.noisey.com/#!/view/meet-das-racist

Noisey.com una plataforma en línea para descubrir música que presenta a varias de las nuevas bandas más talentosas alrededor del mundo. A través de cautivadores y originales cortometrajes Noisey le otorga al espectador acceso sin precedentes a la vida de las bandas dentro y fuera del escenario, capturando por completo la experiencia musical en vivo.

GIGS // Indie-O Fest / WARP36 The Pains Of Being Pure At Heart

The Concretes

GiG

01 Indie-O Fest Polyforum Siqueiros Ciudad de México 12 de Marzo Zola Jesus

Bear In Heaven

Sergio Gálvez

Bear In Heaven

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/indieofest

En su 7ª edición, el festival sigue siendo un espacio para difusión de bandas independientes internacionales.

GIGS // Cumbre Tajín / WARP36 Ely Guerra

Hello Seahorse!

Ely Guerre

Kinky

Cumbre 02 Tajín GiG

Nicho de la Música, Parque Takilhsukut Veracruz, México 17 al 21 de Marzo Sergio Gálvez

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/cumbretajin

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Calle 13

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Un festival con 12 años de historia que logra reunir artistas de diferentes géneros.

GIGS // The Sounds / WARP36

Felix Rodriguez

GiG

03 The Sounds Covadonga Ciudad de México 25 de Marzo Aline Sánchez Maja Ivarsson

The Sounds: En

su cuarta visita a nuestro país Maja Ivarsson y compañía presentaron temas de su más reciente álbum Something To Die For.

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/thesounds

GIGS // Spring Quesadilla Tour / WARP36 En su primera edición el concierto reunió a las bandas internacionales Edward Sharpe And The Magnetics Zero, Ok Go, Local Natives y Yeasayer

Yeasayer

GiG

04 Spring Quesadilla Tour

Infield, Hipódromo de las Américas Ciudad de México 25 de Marzo Sergio Gálvez

Local Natives

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Edward Sharpe & The Magnetic Zeros

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/SQT

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OK Go

GIGS // Röyksopp / WARP36 Svein Berge

GiG

05 Röyksopp Six Flags Ciudad de México 26 de Marzo Sergio Gálvez

Röyksopp

El dúo noruego está situado como uno de los mejores grupos de electropop, a veces comparados con Pet Shop Boys.

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/royksopp

GIGS // Empire Of The Sun / WARP36

Empire of The Sun hace uso de temáticas místicas y alternativas en su imagen, logrando crear un show que ha sido aclamado en diversos lugares del mundo.

GiG

Six Flags Ciudad de México 30 de Marzo Sergio Gálvez Luke Steele

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/empireofthesun

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Empire Of The Sun

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GIGS // Crystal Fighters / WARP36 Sebastian Pringle

GiG

07 Crystal Fighters Pasagüero Ciudad de México 2 de Abril Aline Sánchez

Laure Stockley

Graham Dickson

Para leer la reseña de este concierto ingresa a: www.warp.com.mx/gigs/crystalfighters

Una de las nuevas bandas portadoras de un new rave matizado con sintetizadores y sonidos folk.

GIGS // Getting Louder / WARP36

It’s Getting Louder And Hotter

comienza el rock con el Primavera Sound (25 al 29 de mayo) en Barcelona en donde el cartel junta a más de 150 bandas internacionales como Battles, Belle & Sebastian, Carte Blanche, El Guincho, El Mató A Un Policía Motorizado, Fleet Foxes, Jamie xx , Interpol, PJ Harvey, Pulp, Simian Mobile Disco y Suuns, entre otros. Este festival patrocinado por una marca de cerveza española comenzó con ediciones pequeñas desde finales de los noventa, pero la primera edición en forma de festival organizado se dio en 2001. Ese año cerró con una asistencia de 8 mil personas; en 2002 hubo 18 mil; y la última, en 2010, reunió a más de 74 mil asistentes, con lo que se convirtió en uno de los festivales de primavera más grandes en Europa. A su vez, el rey de los festivales de rock, el Reino Unido, nos da para la primavera el ATP (All Tomorrow’s Parties) en Minehead, Somerset, en donde este año el grupo que curará el evento (y es que está pensado como un festival de arte, por lo que se dice que las bandas curan), será Animal Collective. Comenzó en 2009 nombrado por The Velvet Underground y curado por Belle & Sebastian. Fue creado como complemento de festivales mucho mayores

como Glastonbury o Leeds para que le diera cabida al post-rock, al avantgarde y al hip hop underground. En Italia comienza el Carnaval de Venecia, que se toma de la mano con las bienales de cine, en donde no faltan las galas musicales –sobre todo privadas– pero que dan la oportunidad a pequeñas bandas alternativas de ser reconocidas por grandes de la industria. El 30 de abril es el turno de Holanda, que se desborda de arte y música para festejar el cumpleaños de la Reina en una fiesta donde se reúnen más de 700 mil personas, quienes conviven en un Ámsterdam de color naranja y música por todas las calles. Acá se han visto desde integrantes de The Rolling Stones, dando pequeños shows, hasta grupos alternativos como Peter, Björn and John. Por último, Rusia se contagió del resto de Europa para hacer los clásicos festivales de primavera y las noches blancas en donde se conjuntan conciertos, cine, baile, ópera y teatro por las calles, todo sin costo alguno, para atraer al turismo y consentir a los nativos de cada ciudad. La primavera comienza a calentar, el arte se pone cachondo y la música es lo más hot que tendrá Europa durante los tres siguientes meses.

033

Después de un largo invierno por Europa el calor comienza a llegar poco a poco e imparable. Así pasa con los festivales de música y cine que comenzaron tímidos en el mes de marzo. Primero llegaron festejos callejeros de jazz y soul y pequeñas presentaciones de cine, que fueron tomando cada vez más fuerza y más géneros musicales. Con el Primavera Sound en Barcelona y el festival de cine más importante del mundo, Cannes, el calor de 40 grados llegó en una noche de manera aplastante, dispuesto a llevarnos a todos los festivales de verano. La primavera es un gran momento para locales y turistas en Europa, ya que el calor no es aún insoportable, pero el frío comienza a irse, y lo más hot por este lado del Atlántico este 2011 es la simple emoción de comprar entradas para la gran cantidad de festivales de verano: Glastonbury (Inglaterra, 22 al 26 de Junio), BBK Live (Bilbao, España; 7, 8 y 9 de Julio) y FIB (Benicassim, Costa Azahar, España; 14 al 17 de Julio) entre otros muchos. Sin embargo, la emoción no se debe sólo a la espera de los festivales de verano. Europa nos ofrece un intermedio bastante “guapo” (como se dice aquí en la Madre Patria) y

Alejandro Franco

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Samantha López, corresponsal Madrid/Londres

Symmetry Spins / WARP36 NSM PSM

Pato Watson

Milton Soundmachine

Symmetry Spins At W Mexico City Hotel

11 de Marzo (Milton Soundmachine, NSM PSM) 30 de Marzo (Esa Mi Pau!, Crystal Fighters) Paco Sierra

Sergio Gálvez

Por segunda ocasión la noche se vistió de Symmetry Spins en el excéntrico lobby del Hotel W. El viernes 11 de marzo Milton Soundmachine junto a los estelares NSM PSM fueron los platillos ofrecidos a los asistentes, quienes durante varias horas hicieron de la velada un mejor lugar. El miércoles 30 no fue la excepción, la intervención de Esa Mi Pau! y los londinenses Crystal Fighters en DJ set demostraron que de ahora en adelante los festejos nocturnos llevan el sello Symmetry Spins.

Para ver la galería de fotos ingresa a: www.facebook.com/WARPmagazine Crystal Fighters

Dellarge DJ

hotHOThit // WARP36

Anna Calvi Michelle Apple

Cortesía Anna Calvi

Desde Londres, Inglaterra, Anna Calvi presenta su álbum debut homónimo, placa que a unos meses de su salida ha impresionado a la crítica especializada por lo íntimo e intenso de su sonido. La seductoras presentaciones de Calvi en el escenario le han valido el reconocimiento de figuras de la talla de Brian Eno, quien la cataloga como “Lo más grande que (ha pasado) desde Patti Smith”.

SHUFFLE // WARP36

Playlist de… Bombay El Guincho

037

Pablo Díaz, mejor conocido en el mundo de la música como El Guincho, ha sorprendido a diversos escuchas alrededor del mundo con su sonido electrónico fusionado con una gama de ritmos en donde conviven el pop, rock, la música tropical y muchos otros géneros. Mientras el originario de España da la vuelta al mundo promocionando su más reciente placa Pop Negro (2010), estás son las canciones que no pueden faltar en su reproductor.

5 a.m. | Millenium

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El Guincho

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Yelle

S’éteint le soleil

Por Pamela Carrillo Foto Cortesia Yelle

insert En esta nueva placa llamada Safari Disco Club escuchamos muchos sonidos primitivos, ¿por qué? Porque durante los tres años de gira por el mundo veíamos cómo el público se convertía en animales al bailar, cantar, brincar o hasta pelearse. Por eso se nos hizo buena idea incorporar esos sonidos primitivos, para regresar a ese estado animal. ¿Y qué tan importante es sacar esa reacción del público durante sus conciertos? A mí me encanta ver cómo le sacamos esos sentimientos al público. Cuando estoy en el show me gusta sentir

¿Qué piensas acerca de la gente que cree que el pop es una industria sobre valuada y vendida? Creo que tienen poca visión. Aunque es complicado crear una buena canción popular ahora, todavía existe una posibilidad de llevarla acabo. Si estás lleno de felicidad y eres positivo, creo que todo es posible, y por eso también creo que esas personas están tristes y amargadas por decir esas cosas. ¿Y cuáles son las canciones que a ti te marcaron de la escena del pop? No tengo una en especial pero para me encanta la canción de Cindy Lauper ‘Girls Just Wanna Have Fun’, me divierte mucho y la puedo cantar todo el día, al igual que cualquier canción de Depeche Mode.

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diferentes emociones y saber que el público me sigue, es muy gratificante. Por eso nos gusta brindarles un evento muy poderoso. Es lo que más prefiero, ver como se divierten y bailan. Podría ser el único alimento de mi vida.

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Yelle, aquellos franceses responsables de temas como ‘Je Veux Te Voir’ y ‘Ce Jeu’ parecen encajar perfecto entre las carnes asadas, las albercas infladas y las tardeadas soleadas de esta primavera. En entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE Julie Budet, vocalista del grupo, amablemente contestó nuestra llamada y platicó acerca de su nuevo material Safari Disco Club.

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From Spain John Talabot

Lo que viene! Por: Marc (Dorian) Diana Urbano

No son pocas las novedades largamente esperadas que en esta primavera por fin vamos a ver materializadas. Entre ellas me gustaría empezar destacando a dos de los nombres que con mayor intensidad están sacudiendo la escena electrónica en España: John Talabot y Sidechains. Era cuestión de tiempo para que estos dos talentos, muy conocidos entre los clubbers españoles, empezaran a tener repercusión a nivel mundial, y todo apunta a que así va a suceder. El álbum de John Talabot verá la luz este mismo mes de mayo de la mano de Young Turks (el sello de The xx y de El Guincho), y su batidora de techno, tropicalismo y house filtrado no pasará desapercibida en Reino Unido y por extensión, en el resto de Europa. Por cierto, descifrar la verdadera identidad de este artista les costará ya que, al igual que Burial, se ocupó de ocultarla desde el principio.

El barcelonés Sidechains, que empezó a asomar la cabeza por Estados Unidos cuando la web Pitchfork Media dijo que “si Madonna hubiera recurrido a él para la producción de Hard Candy tal vez le habría ido mejor”, estará también presente a nivel mundial con un potentísimo EP de electro house post-Justice titulado The Shape Of Funk To Come. Y de la electrónica a las raíces, porque esta primavera también verán la luz los nuevos trabajos de Kitty Daisy & Lewis (Smoking In Heaven), y William Elliott Withmore. De nuestro trío favorito se espera más rockabilly, y cuanto más básico y minimalista mejor. De William Elliot Withmore, una nueva lección de country/ folk/ blues, y que su cavernosa voz vuelva a trasladarnos a orillas del Mississippi. Tomen nota los fans de Tom Waits que todavía no hayan escuchado su música. Y más gente joven apuntando

con tino al pasado. Arctic Monkeys estarán de regreso en junio con Suck It And See, y todo apunta a que será un álbum revivalista muy orientado al garage y al freak beat de los sesenta. Por su parte, los ingleses Art Brut prometen una nueva dosis de post punk afilado en la línea de Wire y Gang of Four. Pero no sólo del pasado vive la escena indie actual. Entre las bandas más inquietas del panorama internacional, tres regresos destacables. En primer lugar Battles (posiblemente la única banda actual capaz de plantar cara a Animal Collective en el terreno del rock experimental) darán continuidad a su ya lejano Mirrored. Y en el mismo pelotón los neoyorquinos de adopción Man Man (todavía recuerdo como si fuera ayer su loquísimo concierto en Coachella), y los británicos Friendly Fires, cuyo adelanto Live Those Days Tonight ha dejado el listón muy alto.

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insert Por: Paola Del Castillo Fotos: Cortesía Mr. Kone

¿Cómo surge este álter ego de Mr. Kone? Desde años atrás me decían Kone. Aunque hacía diseño gráfico llevaba a la par ciertos proyectos, sobre todo de revistas para niños, y en algún punto decidí dejar de ser “César Evangelista, el ilustrador” para todas las revistas de música, de moda e infantiles, para ya empezar a hacer mi proyecto personal. Mr. Kone es una combinación de la palabra mister o señor, y Kone la abreviación de conejo. ¿En qué te inspiras para crear tus diseños? En los cómics, el anime, el manga y sobre todo las caricaturas de los veinte: Max Fleischer, Disney;

Hanna-Barbera de los cincuentas, sesentas; el anime que salía en los setentas, ochenta como Heidi y Remi. Rescaté una mezcla de todos estos gustos de mi niñez para crear un nuevo discurso propio. Cuéntanos un poco acerca de lo nuevo que estás haciendo con Lipton… El proyecto empezó desde cero. Llegaron conmigo con el lienzo en blanco, en este caso con la lata en blanco, para ver qué se me ocurría. Son cuatro latas y en ellas reflejo, en la primera, el amor, algo que yo manejo mucho con personajes casi infantiles, un mundo que yo idealizo mucho. La segunda es un tributo a lo que yo veía de niño, películas de monstruos, con una temática de no ser un monstruo agresor sino uno que la pasa bien. La tercera es un tributo a los videojuegos, soy fan desde el Nintendo al Xbox, desde las sagas de Mario Bros. La cuarta es un tributo a programas de televisión de los sesentas como Ultraman y Astro Boy. Creo que en específico la de los monstruos es mi favorita. En sí esta colección es muy positiva: se basa en sueños e ideas. ¿Qué proyectos tienes a futuro? Lo más cercano: en junio me voy a Barcelona al X Congreso de OFFF, el evento más importante de diseño y para mí es un gran orgullo porque soy el primer mexicano que invitan y estaré en un panel con varios diseñadores, ilustradores y personas del medio de gran renombre explicando cómo se diseña en México.

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Rompiendo estereotipos, rebasando fronteras

Alguna vez conocido como César Evangelista, Mr. Kone es el álter ego de un diseñador de la ciudad de México que ha trabajado fuertemente, durante los últimos diez años, por hacer algo diferente entre las demás propuestas; por destacar con un discurso único y genuino, basado en una mezcla de figuras infantiles, monstruos, videojuegos y demás influencias con colores brillantes y mucha sinceridad, elementos que hacen muy difícil el no enamorarse de su trabajo. Mr. Kone ha trabajado con empresas como MTV, Universal Music, Telcel, Mini Cooper, Nike, y ahora, plasma su esencia en latas de Lipton Ice Tea con una original y divertida propuesta. Por todo esto, WARP MAGAZINE platicó con él y esto fue lo que nos dijo…

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Mr. Kone

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Blogageddeon Times

Surferos

Del Concreto En Buenos Aires Por: Sr. Flavio

Diana Urbano

Una vez más la jefatura libertaria y ágil de WARP MAGAZINE me pide otra nueva edición de mi columna de opinión/anti-opinión. Debo admitir que los warpers son compasivos con este joven de 46, rebelde-new-wave-antipoeta- pop. En general casi nunca les hago caso con los tópicos a desarrollar en cuestión, y menos con el número de caracteres a cumplir. Perdón por mi ignorancia, pero jamás encontré en esta fucking machinna una teclita que cuente cuántas palabras voy escribiendo. A tientas tipeo torpemente con mis dedos índices de ambas manos este texto alocado, texto silver-tape, que me he empecinado en llamar. Los warpers son cálidos conmigo, apañando TODOS mis caprichos de redactor punk evasor de impuestos y de la realidad que nos desborda diariamente. Mi Buenos Aires querido (cantaba Gardel en el tango inmortal) es como mi querido Distrito Federal: dos cosmópolis alocadas. Lo mejor que le puede pasar a una megalópolis. Cruce de culturas, sub-culturas, matices diversos, inmigrantes, cultos blancos, oscuros, celestiales, satánicos, punks, fresas, hippies, tránsito, y todo lo demás. Me quedo con todo esto y mil ítems más de estrés, en lugar de vivir en una ciudad bucólica de tranquilidad insoslayable. Pero me quedé lejos del mar que tanto me gusta. Estoy a 400 Kilómetros de Mar del Plata, ciudad que me vio nacer y cumplir mis primeros años de infancia. “Pulgarcito”, el jardín de infantes (ustedes los mexicanos le dicen kínder), muy cerca del mar, le pedía al colectivero (conductor del camión) con lágrimas en los ojos que por favor no manejara hacia la escuela infantil. Terminé abanderado del jardín de infantes, única vez que porté el emblema nacional durante mi años de estudiante argentino. Costa Atlántica, infancia cerca del mar, después se cortó, papá y mamá se separaron, nos vinimos con mi vieja (que acá no es mi chica, ¡sino mi mamá!), a vivir a la capital federal, Buenos Aires, que es como el Distrito Federal, bueno, es como que es y no es. Al quedarse mi viejo (¡que no es mi hombre, sino mi papá en argentino!) en Marpla, seguí viajando seguido a mi ciudad natal marítima. Los Fabulosos Cadillacs empezamos tocando en Mar del Plata. Fue durante el verano de 1985 y nos llamábamos todavía Los Cadillacs ’57. Todo esto y más, digo, hablando de Los Cadillacs, banda que formé con mis amigos y le inventé el nombre en aquellos años nuevaoleros, cuento en un libro que se llama Crónicas Del León que está muy pronto a publicarse. Cuando sea, espero que lo disfruten a quien le toque.

En esta vorágine de salirme de la tangente, mi especialidad a la hora de escribir, quiero perfeccionarme en el desvarío cultural, refugiarme en la ficción. Surrealismo atolondrado y pop-punk. Boom Boom Kid, mi artista preferido argentino, dijo en el último concierto que las calles de la ciudad eran un mar de concreto. Instigó al público a salir a patinar en sus skateboards, mientras largaban los primeros acordes de su rola ‘Uretane’. Muchos le hicieron caso. Veo longboard skaters por las calles-oceánicas asfaltadas de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, veo longboarders en México City y en Monterrey, Nuevo León. Yo mismo surfié con mi longboard skate las bambalinas pre-escénicas del Vive Latino en el Foro Sol antes de tocar con Los Fabulosos edición 2009. Me entretuve abajo y detrás del escenario, en un piso plano amplio, con un charquito de agua que me permitió jugar con mis manos al tomar contacto salpicando y chapoteando, agazapado en mi longboard, figurando entubarme metafóricamente en una deliciosa olita de playa Carrizalillo. En Buenos Aires, surfeo la bajadita de la esquina de mi casa, antes o después de terminar la tarde, unas dos o tres veces, retomando la bajadita, petit downhill, olita de concreto que rompe las 24 horas al día. Me regala una sonrisa interior y, una vez terminada la sesión, a casa a ensayar, escribir, divagar, o ver tele. Los porteños, que somos los habitantes de Buenos Aires capital, acusados de presumidos por todo el resto de La República Argentina, tenemos un canal mexicano en las opciones de menú de televisión por cable, creo que se llama Canal De Las Estrellas, ¿qué tal es el nombre?. Si los argentinos somos vistos como mamones en el resto del mundo latinoamericano, ¡imagínense entonces un porteño!. Hay de todo en todos lados, por suerte, hay longboarders en México ciudad, en Baires, en Marpla, Califas y más. Besos, los quiero a todos. Soy el Señor Flavio, sonidero-anti-poeta-new wave-pop.

SHUFFLE // WARP36 algo que no tiene nada que ver contigo, así que tienes que, instintivamente, pensar cómo te hace sentir una escena o qué emociones te evoca. Es muy delicado. La música perfecta es aquella que realmente no escuchas y en ciertos casos la música perfecta es aquella que cambiará todo. Tienes un poder inmenso sobre las escenas y tienes que realmente entender cómo es la historia y representarla musicalmente y sin letras. Es un ejercicio de emociones.

Kaki King

Everybody Loves You Por Paola Del Castillo Foto Cortesía Kaki King

insert No cualquiera puede presumir que Dave Grohl haya dicho sobre ti “hay guitarristas que son buenos. Hay algunos guitarristas que son impresionantemente buenos. Y después está Kaki King”. Si se analiza su trayectoria que incluye cinco álbumes de estudio, colaboraciones, musicalización de películas una nominación a un Globo de Oro, podría decirse que King está en la cima. Sin embargo, su actitud accesible y sencillez demuestran que

es sólo una chica normal, con una total entrega a la música y un apasionado amor por su guitarra. ¿Cómo aprendiste a tocar la guitarra? Aprendí cuando tenía cinco años y cuando aprendes a hacer algo a tan temprana edad se siente como algo natural mientras creces. Así que cuando cumplí 10 u 11 empecé a tocar más porque todos los niños de mi escuela recibieron su primer guitarra por navidad, o

algo. Después empecé a experimentar un poco, así que no hay una razón específica para decir “por esto me convertí en guitarrista”. Simplemente he tocado toda mi vida, no tengo recuerdos de no saber cómo hacerlo. Has trabajado musicalizando películas y programas de televisión, ¿qué tan diferente es ese proceso al de hacer un álbum? Es totalmente diferente porque artísticamente estás tratando de apoyar

Tienes un EP llamado Mexican Teenagers, ¿existe alguna razón específica detrás de ese nombre? Un día vi un reportaje sobre moda en una revista en el que hablaban sobre la ciudad de México, sobre lo cool que es la gente, que los adolescentes hacen su propia ropa con sus manos y escuchan buena música. Esto no es personal, pero en Estados Unidos tenemos una perspectiva diferente sobre lo que es México. Es un país muy vasto y extraño, pero me gustó mucho lo que la gente joven de México estaba haciendo sobre todo en términos de estilo, eso fue lo que más me llamó la atención. Pensé “estás chicas se ven increíbles y todos tienen mucha onda, todos se ven muy interesantes y escuchan música interesante”. Para mí, los mexicanos son similares a la gente joven europea, al contrario de los estadounidenses, ya que están educados para saber sobre su historia y su país. Así que simplemente hice un homenaje a lo cool que creo que son los adolescentes mexicanos.

SHUFFLE // WARP36

Kashmir Rocket Brothers

Por Paola Del Castillo Foto Katrine Rohrberg

Veinte años han transcurrido desde que Kasper Eistrup, Mads Tunebjerg, Asger Techau y Henrik Lindstrand nombraran a su agrupación en honor a una canción de Led Zeppelin. Veinte años que no han pasado en vano, porque han logrado posicionarse como una de las bandas más destacadas de la industria musical de Dinamarca, han reinventado su sonido y encontrado una fórmula de éxito internacional. El año pasado visitaron tierras mexicanas por primera vez y este año regresaron a nuestro país para promocionar Trespassers (2010), su más reciente álbum; WARP MAGAZINE platicó con Mads respecto a estas dos décadas de carrera. El sonido de Kashmir era muy diferente cuando inició la banda. ¿Por qué cambiaron de sonido tan drásticamente? Cambiamos de sonido un poco en cada álbum porque queremos movernos en nuevas direcciones, no necesariamente en cuanto a estilo pero nos gusta innovar con cada disco. ¿Ves a la banda regresar al sonido primigenio en algún punto? Definitivamente no creo. No queremos repetirnos. Intentamos ese sonido y nos pareció interesante en su momento pero queremos evolucionar. Tampoco queremos ser completamente diferentes, no creo que sonemos a country o folk la próxima vez, pero intentamos movernos en diferentes direcciones para crear algo nuevo. Mucha gente considera a Zitilites (2003) su mejor álbum, ¿estás de acuerdo con ello o en tu opinión, cuál dirías que es su mejor trabajo hasta el momento?

Es algo difícil de contestar porque hay cosas muy buenas. Me gusta algo de cada álbum porque fueron especiales en un momento determinado. Escoger un álbum específico como el mejor y seguir por ese camino sería aburrido porque sonaríamos igual a algo que ya hicimos. Kasper viajó a diferentes países para escribir las canciones de Trespassers. ¿Esta es la manera en la que siempre escriben sus temas? A Kasper le gustó ese método. (Para el último disco) viajó a Suecia solo porque sintió que de esa manera podía encontrar la paz y la concentración para escribir las canciones, así que después viajó a España por una semana más o menos. Sintió que el estar en otro lugar, aislado, era muy útil en el proceso de escribir porque así podía enfocar su mente en ello. ¿Cuando empezó la banda te imaginaste que se convertiría en un éxito internacional y no sólo local? El éxito no es algo que nos importe mucho. Si eres muy, muy afortunado tal vez puedes lograr ser un hit a nivel global pero eso no es algo en lo que nos enfoquemos mucho. Preferimos intentar hacer música que sea interesante y relevante y que la demás gente lo crea también y quiera venir a vernos en vivo o hasta comprar nuestros discos. ¿Cómo fue tocar en México el año pasado y este? Fue increíble. Nos sorprendió mucho que a la gente le gustara nuestra música. No teníamos ninguna expectativa sobre cómo sería el público y nos impresionó. Fue una gran experiencia.

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Rock Fiction

Taiyou

Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

tal, con ira, a la reina divina justo antes de que se ocultara ella en Occidente. Desde la cima de la colina llamó el general Masanori a sus huestes, que vinieron con fuego y, por la noche, ajaron de girasoles la pradera entera. Así, cuando Amaterasu, como todas las mañanas, despuntó en Oriente y buscó a Himawari —los girasoles, sus hijas que la acompañan en su jornada de bondad—, tan sólo encontró baldíos. Los hombres, ese día, pensaron dominar al sol. El señor Toyotomi Hideyoshi, complacido con la gesta, mandó fundar una aldea en aquella pradera frente al mar, y la nombró Fukushima en honor a su general. Y al correrse el rumor de que allí un guerrero pudo contener la fuerza de la reina de los 8 millones de dioses, éxodos llegaron de todos los rincones del Japón, volviendo la aldea en aldeas, y las aldeas en feudo, y el feudo en ciudad.

http://www.youtube.com/watch?v=GqJTR_ZNq_c

Generación tras generación, los ancianos descendientes del clan Oda, en su Shinto Taiyozoku, lo advirtieron… “Aquellos que creyeron contener la fuerza de la reina sol, sufrirán calamidad: la tierra se aflojará bajo sus pies, el mar barrerá sus moradas y el calor de Amaterasu, en libertad incontenible, hará arder a los hombres por mil generaciones”. Entonces, cuando los momentos de sueño de Amaterasu se midan en siglos, mucho después de que el hombre se haya fundido en su calor, renacerá Himawari en las praderas de Shizugatake con su augusta voluntad de vivir, el paisaje volverá a ser un santuario y los girasoles existirán tan sólo para acompañar a la reina sol, de nuevo, en su jornada de bondad. Taiyou Taiyozoku Wea Records 2005

#FuerzaJapón #EndTheNuclearAge

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Desde el final de las guerras Sengoku, generación tras generación, los ancianos descendientes del clan Oda, naturales de la región de Owari, en su Shinto Taiyozoku, contaron La Parábola Himawari… Se sabe que el general Masanori —sirviente fiel de su señor Toyotomi Hideyoshi—, a última hora de la tarde, luego de cortar la cabeza de su enemigo, hirvió en soberbia, arrojó sus armas y, desnudo, caminó solo por el sendero de la colina que asoma al mar. Cuando llegó a la cima, algo sofocado, con el último soplo de humildad, cerró los ojos y quiso honrar a sus abuelos. El general sintió, sin embargo, que Amaterasu —“la reina de los 8 millones de dioses”, el sol— se posaba en su perfil derecho, disponiéndose a despedir el día. Masanori volteó entonces a su perfil izquierdo y contempló su sombra que, de tan larga, terminó desvaneciéndose en las praderas de girasoles de Shizugatake. —¿Cómo te atreves a culminar mi día? —reclamó el hombre mor-

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Diana Urbano

No creo en sintetizadores o en guitarras, lo que a mí me importa es el mensaje, las emociones humanas y los sentimientos detrás de la música.

Cold Cave Alchemy And You

Por Diovanny Garfias Foto Sebastian Mlynarski Uno de los mejores álbumes de 2009 en términos de electrónica en varias de sus vertientes fue Love Comes Close, el debut de Cold Cave. Este proyecto liderado por Wesley Eisold regresa en 2011 con Cherish The Light Years placa que sin duda, ubicará a CC como referentedel género. WARP MAGAZINE platicó en exclusiva con Wesley, quien la define como “una mezcla de viejas influencias entre música industrial y algo de experimentación llevada hacia pop de sintetizadores”. La música de Cold Cave es muy distinta a la de Give Up The Ghost y Some Girls, tus proyectos anteriores.

¿Cómo lograste reimaginarte en términos musicales? No fue difícil, hablamos de música que ha crecido conmigo. Creo que cuando eres joven y empiezas a envolverte en todo lo que la música representa y te sientes enojado o sin ninguna relación con el resto del mundo, es muy probable que adoptes música como el punk o el hardcore. Creo que mi música se ha movido a un mejor lugar con el paso del tiempo, siempre quise tener una banda que fuera más acorde a lo que escucho. Cuando estaba en bandas de hardcore difícilmente escuchaba ese tipo de música, ésa era la música que hacía con mis amigos. Diez años después aprendí a hacer música a través de computadores o sintetizadores y, como nunca he tocado la guitarra, siempre me he relacionado con gente que haga esa parte para mí. Ya estuve en una banda de hardcore, fue la mejor que pudimos crear, fue una gran etapa de mi vida, era joven y estaba enojado, pero ya no me siento así.

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poco de atención a lo que estoy haciendo, eso me hace sentir feliz. La verdad es que trato de no involucrarme mucho o en lo absoluto con lo que la gente piensa de mi música porque puede ser algo frustrante. Sin importar qué hagas musicalmente, las personas siempre lo pueden malinterpretar y a veces puede resultar hasta ofensivo o fuera de lugar, así que trato de no prestarle mucha atención. Para mí lo importante es tocar en vivo, ahí es donde verdaderamente te puedes dar cuenta si a las personas les gusta lo que haces, la gente va y comparte emociones juntos, eso es más importante que lo que piensen o escriban en Internet o en alguna revista.

Love Comes Close, tu álbum debut, ganó la atención de los medios y de muchos escuchas en diversos puntos del globo, ¿esperabas este reconocimiento tan rápido? Me siento orgulloso de que cualquiera se tome la molestia de escuchar Cold Cave. Si cualquiera pone un

¿Cuándo tendremos a Cold Cave en México? He estado en el DF, lo amo y espero que estemos por allá este año. Creo que es muy probable que pase, también me gustaría tener unos días libres para descansar y pasear por la ciudad, parece que es algo que sucederá, así que estoy feliz por eso.

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¿Te ha costado trabajo encontrar gente que encaje creativamente con el tipo de música que quieres hacer? Mis dos colaboradores más cercanos (Sean Martin y Daryl Palumbo) han sido mis amigos durante muchos años. Los conocí en el ambiente hardcore y punk a finales de los noventa. Crecimos juntos y aunque nos gustan diferentes tipos de música, siempre he confiado en su potencial y entendimiento de lo que quiero hacer, eso siempre lo he sabido. No puedo tocar la guitarra, así que puedo recurrir a ambos explicándoles lo que quiero, porque los dos son grandes músicos y pueden trasladar mi idea vaga en lo que sea que esté esperando obtener.

Estás lanzando Cherish The Light Years, ¿qué podemos esperar de este álbum? No diría que es minimalista en ningún sentido. Pasé tres años escribiendo y pensando cómo sería, luego pasé dos meses en el estudio grabándolo, básicamente sólo éramos el productor y yo encontrando el sonido que necesitábamos. Pero, curiosamente, suena más como una banda completa, hay más guitarras y más sonidos influenciados por bandas de comienzo de los ochenta, como Siouxsie And The Banshees. Sigue siendo un disco muy oscuro, el mensaje es el mismo, pero creo que la presentación es más esperanzadora y tiene un sentido muy claro de urgencia implícito en la música. También diría que es un álbum muy de ciudad, mucho fue inspirado mientras caminaba por Nueva York.

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Personalmente veo a Love Comes Close como un buen ejemplo de darkwave, synthpop u otros géneros electrónicos de nuestro días, pero ¿cómo lo defines en tus propias palabras? Tienes toda la razón, para mí es una extensión de cosas clásicas, de cosas synth, con algunos elementos minimalistas. No sé, para mí la importancia de este álbum radica en que no existe como un álbum único, es un puente entre el material hard, industrial, noise del comienzo de mi carrera con el material más orientado a canciones estándar. No diría que Love Comes Close fue nuestra meta final o un gran logro, pero sí creo que representa todos los aspectos del proyecto. Estoy feliz de haberlo creado y estoy muy orgulloso, pero también tendré que decir que cuando lo estaba componiendo me sentía un poco inseguro. Yo mismo lancé el álbum de manera independiente y limitada, porque no pensaba que debía ser escuchado de manera masiva, de cualquier forma a todos los lugares a los que íbamos nos lo pedían y nos decían que era un gran trabajo, algo que siempre me hacía sentir honrado y que me hizo descubrir que la próxima vez tenía que hacer un mejor disco.

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Everything In Its Right Place

Time To Get Away Adiós LCD Soundsystem Por: Alejandro Franco

Diana Urbano

Son pocas las veces en que un proyecto musical tiene oportunidad de despedirse con dignidad. Las historias alrededor de las separaciones siempre terminan siendo un tanto sórdidas, caprichosas y sobre todo injustas para los fanáticos que recargan buena parte de su vida en la alegría de saber que su banda favorita sigue viva y con plena salud. El rompimiento es tan doloroso como la partida de un ser querido y el duelo a veces, interminable. Que LCD Soundsystem haya decidido despedirse es un tema siempre a discutir pero el cómo lo hicieron, es irrefutable. Desde hace muchos meses el inicio del fin cobró forma y una gira internacional más que exitosa, pisando todos los escenarios en una posición headliner, parecía hacernos olvidar a los fans (en su momento) que probablemente estábamos viendo a LCD Soundsystem por última vez. Algunos los vimos dos, tres o más veces en su último año pero no todos pudimos despedirlos de frente en la noche del sábado 2 de abril en el Madison Square Garden de NYC. Más de 200 minutos (casi 230) divididos en 5 sets que abarcaron más o menos toda la discografía del proyecto de James Murhpy y Pat Mahoney con un

lugar a reventar repleto de fans agradecidos que abrazaron cada momento de la noche. Luego estábamos los no apersonados, los que veíamos el Live Stream en vivo desde cualquier parte del mundo. Yo, desde Chile al terminar el primer día de Lollapalooza en Santiago “twitteando” al respecto como loco ante la impotencia de no vivir aún en la época de la tele transportación, pero contento de ver un show exactamente imperfecto y muy honesto de la que se convirtió desde hace años en “la banda en la que me gustaría estar…” Ya en otros momentos, desde esta misma trinchera he hablado de LCDSS; ya he declarado al aire en diferentes espacios mediáticos que ellos son la banda más importante de los últimos 10 años para mí y mi generación… los de los 30 y contando, en pleno 2011. Un ejercicio sonoro de un par de tipos muy honestos, fiesteros, reales y sumamente proactivos que se convirtieron en el motor del nuevo rock electrónico más allá de alguna pretensión sonora, sino entendiendo el pasado de los que amamos el rock clásico pero llegamos a nuestra edad adulta escuchando a Daft Punk. La crisis de los 30. ¡Nadie habla de ella pero existe! Los hombres planeamos todo hasta esa mágica cifra pero después de ahí regularmente no sabemos qué hacer. Las mujeres casadas y con hijos sienten que se entregaron muy jóvenes y las que resistieron buscan sin cesar un macho alfa por más que el éxito las rodee todos los días. Y es que esa es nuestra naturaleza; somos humanos y no importa a lo que nos dediquemos, siempre vamos a convertirnos en un cliché en todas nuestras épocas, pero pocas veces aprendemos y nos atrevemos a romperlo. Eso era para mí LCD… La decisión que tomaron de separarse fue muy sencilla si uno se apega a la naturaleza de la banda. El éxito y el mainstream los obligaron a tener una vida complicada, menos divertida, con muchos beneficios personales y económicos pero con mucha menos vida en el mundo real. Le llaman “el precio de la fama” y hay quienes no están dispuesto a pagarlo; se vale y se respeta siempre. La buena nueva es que ninguno de sus integrantes dejará de hacer música y esta etapa del nuevo Brooklyn con los LCD, The Rapture, The Juan MacLean, Shit Robot y hasta los exiliados Hot Chip forma parte ya de los anales de la historia musical contemporánea. Soy un firme creyente que siempre hay que intentar hacer las cosas bien y con dignidad. Y justo así fue el adiós de una de las bandas y sonidos favoritos de mi historia. Si regresan o no algún día, no es momento de especular; hoy sólo quiero vivir el duelo de su partida, celebrando todos esos momentos que nunca voy a olvidar. Gracias LCDSS.

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Brothers Gonna Work It Out Por Samuel Segura Foto Toni François

insert Omar Rodríguez López, “el dictador” de The Mars Volta (según sus propias palabras), visitó la ciudad de México junto a Vato Negro, banda que integra junto a Juan Alderete y Deantoni Parks. Sin concesiones ni miramientos, el confeso amante de la salsa charló con WARP MAGAZINE sobre su nueva banda y sobre cómo se ha tenido que adaptar a hacer música en equipo. ¿Cómo te integraste a Vato Negro? Vato Negro es un proyecto que había empezado mi bajista, así que en sí, la

banda ya tenía un disco editado. De repente, mi buen amigo Juan Alderete me dijo: “oye, me gustaría que tocaras con el grupo” y le dije: “está bien, pero bien sabes que si me estás invitando, soy una persona muy dominante en la música y va a cambiar por completo el sonido de Vato Negro”, y él me dijo: “Está bien, es justo lo que quiero para este disco”. Así que este Vato Negro no tiene que ver con el otro Vato Negro. Así, como presidente del país Vato Negro, lo primero que dije fue: “vamos a utilizar a mi baterista (Deantoni Parks), vamos a

¿Qué diferencia, entonces, la música de Vato Negro de la de The Mars Volta, tomando en cuenta que trabajas con Juan Alderete en ambas bandas? Eso es lo difícil. Como tengo una voz dominante hay gente que se ha quejado. Hay fans de Vato Negro que dicen que ahora suena a Omar, a Mars Volta. Y tienen su derecho en pensar eso, porque mi música es mi personalidad, es muy sencillo, yo no estoy haciendo música por ninguna otra razón. Hago música porque tengo muchas cosas que no entiendo y no las puedo comunicar ni en español ni en inglés, así que uso el lenguaje de la música. Entonces sí, Vato Negro suena a Omar Rodríguez López, pero esa es la cosa, Juan me invitó a mí, no es mi culpa [risas]. ¿Planeas grabar algo de material con Vato Negro? ¿Tienes algún adelanto de lo nuevo de The Mars Volta? Sí claro. El disco de Vato Negro ya lo grabé hace cuatro meses y lo más seguro es que va a traer un disco en vivo, no sé si desde el Pasagüero. El nuevo disco de The Mars Volta ya lo grabé hace dos años. Dios quiera lo va a editar Warner Brothers y vamos a empezar a girar en agosto, por ahí. Es música nueva que es lo que me emociona ahorita, pero también encontrar un punto donde ya me rechazo a mí mismo, hago una revolución dentro de mí mismo y digo, “ya no”, de aquí en adelante vamos a trabajar en equipo, eso es lo que estoy buscando.

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Omar Rodríguez López

Japón a tocar y me gustaría tocar en México”. Juan es chicano, de raíces mexicanas, no habla español realmente pero habla su spanglish y ese fue el nombre que eligió. No sé por qué razón, pero me gusta el nombre, está chévere. Me interesó mucho el proyecto por eso mismo, porque para mí es un ejercicio de compartir, por así decirlo. Porque en mis proyectos (Omar Rodríguez López, The Mars Volta) soy el dictador y escribo todo: la línea del bajo, del teclado, la batería, todo eso. Y acá es una cosa mucho más leve, es algo que no hacía en muchos años, es otra manera de acercarme a la música.

B: Definitivamente nos encanta México, nos tiene muy contentos el estar aquí porque podemos conseguir una porción extra de pastel y de mole [risas]… o tal vez dejar chicas embarazada. ¿Cómo definen el sonido de su música? B: Hasta ahora con suerte no hemos tenido quejas, a la gente le gusta lo que hacemos y la verdad creemos que es muy difícil de definir. Ponemos mucha intensidad y diferentes influencias, pero no algo especifico.

Mystery Jets Flash A Hungry Smile Por: Alejandra Ayala Foto: Phil Sharp

Comenzaron presentándose en conciertos ilegales en Eel Pie Island en Twickenham, Londres con una alineación totalmente distinta a la que ahora conocemos, la cual incluía al padre de Blaine, Henry Harrison. Después de dos EP’s, en 2006 lanzan su álbum debut Making Dens. Un par de años después llega a los estantes la placa titulada Twenty One (2008) con temas que lograron éxito como ‘Hideaway’ y ‘Hand Me Down’. Ahora Blaine Harrison, William Rees, Kapil Trivedi y Kai Fish cruzan fronteras lejos de Londres y regresan por segunda vez a nues-

tro país para presentar su tercera placa que lleva por nombre Serotonin (2010). En entrevista con WARP MAGAZINE nos hablaron de su visita a México. ¿Qué diferencia encuentran entre Serotonin y los álbumes anteriores? Blaine: Es como si fuera una trilogía. Lo que ahora sentimos es que en el futuro queremos hacer algo mucho más drástico, queremos hacer una cosa completamente diferente a lo que hemos venido haciendo. Después de tocar en México nos tomaremos algunos días de descanso para planear lo que será nuestro siguiente álbum.

¿Cómo fue el proceso de composición de Serotonin? B: En realidad es muy difícil de describir, es como ver una fotografía y tratar de interpretarla. Creo que tenemos buenos sonidos y en este álbum, como los demás, hicimos lo mejor posible. En su segunda visita a México. ¿Que piensan acerca de nuestro país? William: Amamos la cultura mexicana, nos encanta la comida y adoramos a la gente. Un día estábamos cenando y platicamos como una hora acerca de los orígenes de la gente mexicana y su lenguaje, ya sabes, todo eso del 2012 en su calendario maya y estuvimos hablando de las diferencias entre la cultura de México y, por ejemplo, la de China, y claro, la de nosotros en Inglaterra.

¿Cuáles son esas influencias? B: Creemos que todas son muy diferentes, regresamos a la música con diferentes sonidos, todo el tiempo estamos diseñando en la computadora, nos recuerda la gente y nuestros fans. W: Por ejemplo, viviendo en Texas nuestra mente cambió escuchando la radio, es impresionante en lo que sea que quieras escuchar. ¿Cómo fue su experiencia en SXSW 2011? Kapil: Imagínate que es una fiesta masiva en la calle bastante divertida, toda la gente se portó muy amigable. Son esos momentos en los que pasas cuatro días en la playa viendo a la gente bailar y a la banda, algo que nunca olvidaremos.

SHUFFLE // WARP36 Neon Bible. La acústica del lugar es asombrosa y tiene una vibra bastante especial, en el caso del nuevo álbum fue muy útil, le imprimió un sonido cavernoso y el eco del lugar nos permitió crear atmósferas fantásticas. Fue muy interesante trabajar ahí, además de que todos los instrumentos que se nos veían a la mente, estaban ahí a nuestra disposición.

Timber Timbre Swamp Magic

Por: Elsa Núñez Fotos: Cortesía Timber Timbre

insert Estuvo en México el año pasado como parte de Timber Timbre y confiesa que lo que más disfrutó de su corta estadía en nuestro país fue la comida. Al teléfono se percibe como una mujer sincera y alegre, WARP MAGAZINE conversó con Mika Posen, encargada de las armonías de violín en Creep On Creepin’ On (2011), el nuevo álbum del trío canadiense.

¿Qué diferencia existe entre Timber Timbre, su primer álbum, y Creep On Creepin’ On? Hay algunas diferencias entre ambos, no muchas, pero las hay. El pasado tiene un aire mucho más folk acompañado de tintes de blues. Éste es más rockero y se prestó mucho a la experimentación. Otra diferencia es que en este álbum realmente trabajamos como una banda

y en el pasado Taylor (voz) estuvo trabajando con el productor pero no estuvimos juntos. Grabaron en una iglesia, ¿por qué eligieron un lugar así? El edificio efectivamente es una iglesia, pero ahora es utilizado como un estudio de grabación. De hecho, este espacio fue el mismo que Arcade Fire utilizó cuando grabaron

¿Cómo fue el proceso detrás de Creep On Creepin’ On? Taylor decidió viajar a la zona este de Canadá para inspirarse, a pesar de que ya tenía una idea —no muy clara— de lo que quería hacer. Digamos que tenía el esqueleto de las canciones y después se dedicó a grabar demos en el estudio. Cuando nos llamó tenía cosas muy básicas como guitarra, bajo y batería, nosotros simplemente llegamos a ayudarle con lo que hacía falta.

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En el nuevo álbum percibí esperanza, anhelo y cierta oscuridad. ¿Son elementos específicos que tomaron como guía? No estoy completamente segura porque no estructuré las canciones, simplemente aporté algunas ideas. A pesar de ello, creo que los elementos que mencionas sí están presentes en el álbum aunque considero que la música está abierta a cualquier posibilidad e interpretación.La idea principal es dejar libre la opción de percibir cualquier tipo de sentimiento, independientemente de lo que Taylor realmente buscaba transmitir. No sé si estos elementos fueron su guía, lo cierto es que su música es muy rica en atmósferas y sonidos.

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The Beautiful Ones Project

Chichis Pa’ La Banda por Anna Stephens / @Stphns

Diana Urbano

La convivencia que puede darse en un evento masivo, provoca que en ocasiones los individuos se sientan libres de ataduras o imposiciones de la sociedad. Es específicamente durante conciertos y sobretodo festivales que perdemos nuestra individualidad en favor de la colectividad. Nos volvemos una masa. El concepto de ‘masa’ tuvo su origen en el siglo XIX, ante los cambios revolucionarios en la sociedad europea. Es en el siglo XX cuando la masa como concepto destructivo se hace presente. El término alude a una multitud y por lo tanto a las relaciones relativamente despersonalizadas. Existen grandes pensadores -como Freud-, quienes destacan que en la masa los hombres son bárbaros, actúan como primitivos y liberan lo que está en el individuo reprimido; que, una masa puede ser impulsiva, violenta en sus juicios y es susceptible de asimilar los argumentos más simples e imperfectos. Las personas pierden su individualidad en la masa, porque en ésta se desarrolla una especie de “alma colectiva”, una conciencia o espíritu de carácter que funde sus mentes en una unidad mental. Esta masa a la que todos pertenecemos durante un concierto, lleva consigo una actitud positiva que desemboca en la apasionada entrega del público mexicano. Sin embargo, también puede significar momentos de violencia y peligro -como el clásico portazo-, o imposiciones machistas, como el grito de: “chichis

pa’ la banda”. Cegados por una situación colectiva de divertimento, muchos pueden pensar que esta penosa exigencia es sólo por convivir, pasarla bien y que no pasa nada si las chicas muestran sus senos ante miles de espectadores. La necesidad de pertenencia a la masa y aprobación por parte del macho, pone a la mujer que muestra sus senos en una posición denigrante, sumisa… bajo la imposición del sexo masculino. Las etiquetas y descalificación que aquellas mujeres (no sólo los hombres) colocan sobre las que no muestran sus senos son parte también de una violencia insostenible, bajo pretexto de pasarla bien un rato. Es denigrante que en México la masa impulsada por un camarógrafo empoderado de su herramienta de trabajo “obligue” a las asistentes a los conciertos a mostrar sus senos y que en esta necesidad de pertenecer por parte de ellas, sea el público masculino quienes califiquen con aplausos o abucheos si los senos que muestran son grandes, pequeños, feos o bonitos. Es triste que por una parte, la mayoría de los jóvenes en nuestro país estemos en contra de la violencia de género, pero a su vez fomentemos y/o permitamos que a las mujeres se nos siga viendo como un objeto sexual a la disposición de lo que dicte un hombre. Es irresponsable por parte de nosotras, seguir permitiendo estos abusos y ceder ante la presión social. ¿Hasta cuándo?

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Strange Reunions

Por Paola Del Castillo Foto: Chou Muñoz Pareciera que Yeasayer llegó a la cima de la noche a la mañana, pero detrás de su ascenso se encuentran años de esfuerzo, miles de conciertos, un disco debut poco valorado, y varios cambios de alineación hasta pasar de ser un trío a un quinteto. Sin embargo, los originarios de Brooklyn parecen no cansarse y con una actitud despreocupada ven hacia adelante, dispuestos a darlo todo. WARP MAGAZINE platicó con Anand Wilder, Chris Keating, Ira Wolf Tuton y Jason Trammell de Yeasayer en su primera visita a México, horas antes de su presentación en el Spring Quesadilla Tour. En 2007 se presentaron en SXSW y comenzaron a tener más atención mediática, ¿creen que esa presentación fue un factor importante en el éxito actual obtenido? Anand Wilder: No mucho. Estuvimos tocando por casi tres años antes de poder estar en un festival. Aunque no consideramos realmente a SXSW un festival. Después de eso tocamos todavía unos 30 shows frente a cuatro personas. Hubo sólo dos artículos en los que hablaban bien sobre nosotros… Chris Keating: Sí, todavía fuimos unos fracasados por un buen tiempo, o las audiencias fueron malas. ¿Qué pueden decir acerca del camino que han recorrido desde ese momento a hoy en día?

All Hour Cymbals no tuvo la misma atención mediática que Odd Blood ¿a qué creen que se deba esto? CK: No teníamos los recursos suficientes para distribuirlo. Con el segundo álbum tuvimos más y, con suerte, para el tercero tendremos más, ojala nunca sea demasiado. AW: A que mejoramos y a la disquera que nos apoya, que puede impulsarlo internacionalmente. Muchas giras, también. Ira Wolf Tuton: Con el primer disco sólo fuimos de gira por Europa y Estados Unidos. Con el nuevo, pareciera que hemos tocado 600 shows al año, cuatro conciertos al día. Estuvimos sólo dos meses en casa el año pasado y eso dice mucho del éxito de una banda. AW: Nunca hemos rechazado una oferta de concierto. Si ustedes quisieran que viniéramos a tocar por todo México durante dos meses seguidos, ¡lo haríamos! El problema es que el único país en donde quieren que hagamos eso es en Inglaterra y es horrible: siempre llueve, hace frío, la comida es pésima… ¿Tienen planes para lanzar un nuevo álbum? AW: Tenemos muchos demos y en abril vamos a empezar a trabajar en ellos. Luego tenemos una gira en abril y en junio y probaremos algunas de las nuevas canciones. Esperamos poder tener listo un nuevo álbum para 2012. Jason Trammell: Antes de que se acabe el mundo.

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Yeasayer

CK: Creo que han sido pasos muy, muy lentos. En serio no sentimos que seamos más grandes que antes. Aún somos sucios y él (Ira Wolf Tuton) huele igual…

Siddhartha Náufrago

Por Alejandra Ayala Foto: Leslie Del Moral

Siddharta, quien fuera baterista de Zoé, decidió dejar a un lado el instrumento para crear un nuevo proyecto, del cual nació hace tres años su primer álbum de estudio Why You?. El músico regresa para presentar su segunda placa titulada Náufrago, en entrevista con WARP MAGAZINE, Siddharta, nos platicó su experiencia con este nuevo disco. ¿Cómo fue dejar las guitarras, la batería y empezar a componer y cantar? Siempre fui baterista, por muchos años únicamente me dediqué a eso, pero a la par componía y producía. Por ejemplo, cuando estaba en otras bandas hacía canciones pero yo no las interpretaba. Con el paso del tiempo coleccioné rolas y cuando hacía las maquetas tanto a mí, como a gente que las escuchaba les gustaba, hasta que se volvió una necesidad. Empecé a armar las maquetas y poco a poco se fue transformando. Cuando tenía todo listo me entusiasmé mucho y decidí emprender

esta “no tan nueva” faceta. ¿Qué diferencia hay entre Why You? (2008) y Náufrago? Principalmente el crecimiento que hay entre uno y otro, aprendí muchas cosas en el trayecto. Por ejemplo, pensé que tenía que grabar en vivo Why You?, entonces cuando empecé a cantar fue otra historia porque tuve que armar una banda, tuve que ponerme a tocar la guitarra en vivo, y fue un proceso que a la hora de grabar fue sencillo, pero a la hora de interpretarlo frente a la gente se transformó totalmente en otra cosa, como en un reto que, incluso confieso, me costó trabajo. Ahora en Naúfrago tengo mucho más manejo de mi voz. Es un disco en donde se ve reflejada cierta madurez, una evolución. Trabajé de manera muy diferente en toda la composición, entonces es un disco que es diferente por la forma en la que nació. ¿Cómo fue el proceso de composición y realización de este álbum?

Me fui a vivir dos meses a una cabaña en donde me lleve todos mis instrumentos y estuve prácticamente no haciendo nada más que componer. Fue un proceso de ermitaño, de pronto tenía comunicación con el mundo por necesidades. Fue medio raro por los primeros días, después empecé a disfrutar mucho y musicalmente me funcionó. Es por eso que se llama Naúfrago el disco. En Why You? contabas una historia muy personal. ¿Qué hay detrás de Naufrago? Traté de hacer una analogía de la experiencia de un náufrago. Habla de todo el proceso desde que sale, se sube al barquito y se va solo, y todo lo que ocurre a través del trayecto, los días que son difíciles, los días que se levanta de mal humor. Al igual que Why You? es un disco temático que tiene un principio, un desarrollo y un final contado en canciones en donde las letras hacen metáforas. Náufrago es un disco temático y autobiográfico.

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Datarock Dance!

Por Paco Sierra Foto: Alejandro Franco En los comienzos de la banda, ¿Imaginaste estar haciendo este tipo de proyecto tan ambiciosos? No, cuando comencé la banda fue porque estaba harto de estar en bandas, así que Datarock comenzó como un proyecto alterno. No entendía por qué un baterista sólo podía ser baterista, y no podía cantar y desenvolverse con otros instrumentos o incluso ser el líder.

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¿Cuál ha sido tu momento favorito como integrante de Datarock? Soy muy fanático de Devo (banda estadounidense que consiguiera fama en los ochenta con el single ‘Whip It’) y cuando tocamos con ellos fue una experiencia inolvidable. ¿Hay alguna banda nueva que te guste? ¡Oh! Twin Shadow, es muy bueno. Espero poder ver alguna actuación en vivo pronto.

Datarock es sinónimo de fiesta, esa sensación transmite su propuesta auditiva y ahora a través de palabras ya que WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de platicar con su líder Fredrik Saroea. ¿Cómo está Datarock? ¿Qué han estado haciendo? Hemos grabado algunas canciones, a finales de marzo lanzamos el sencillo más extravagante de la historia, se llama ‘Catcher In The Rye’ como en el libro de J. D. Salinger. Y tiene muchos sorpresas.

Definitivamente son un acto en vivo para aplaudir, algo que dejaron muy claro durante su actuación en el showcase de WARP en SXSW el pasado 18 de marzo, la cual definen como “nuestra mejor (presentación) en SXSW”.

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El sencillo ‘Catcher in the Rye’ tendrá un original empaque, un USB de 4GB envuelto en un juguete de diseñador. El USB incluirá además 110 tracks, 1500 fotografías de conciertos, 20 videos musicales y video de una presentación en vivo.

¿Como describirías un concierto de Datarock? Mucha gente espera ver sólo teclados en nuestros conciertos, pero no no no! nos presentamos como una banda de rock. Tenemos un gran batería, bajo, saxofón y sí un poco de teclados (risas). Claro que también nos quitamos un poco la ropa. Disfrutamos mucho tocar en vivo.

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Hablando de actuaciones en vivo ¿Alguna otra que quisieras ver? Quiero ver una banda noruega que se llama Kvelertak, creo que van a estar de gira por Estados Unidos pronto.

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Calendar 5

Misfits Monterrey, NL Escénica

Lady Gaga Guadalajara, Jal. Estadio 3 de Marzo

5-6

Lady Gaga México, DF Foro Sol

The Cult México, DF Teatro Metropólitan

6-26

White Lies México, DF José Cuervo Salón

Foals México, DF José Cuervo Salón

11,14 15

U2 y Snow Patrol México, DF Estadio Azteca

12,13, 19y20

MAYO

Zoé México, DF Teatro Metropólitan

Kylie Minogue México, DF Palacio de los Deportes

Kylie Minogue Guadalajara, Jal. Auditorio Telmex

Mötley Crüe México, DF Palacio de los Deportes

25-27 Mötley Crüe Guadalajara, Jal Arena VFG

Rammstein México, DF Palacio de los Deportes

Rammstein Guadalajara, Jal. Arena VFG

25-29

Asobi Seksu México, DF Caradura

Carla Morrison México, DF Lunario del Auditorio Nacional

13-15

All Tomorrow’s Parties Minehead, UK Butlins Holiday Centre

Negative México, DF Lunario del Auditorio Nacional

Rammstein Monterrey, Nl. Auditorio Banamex

Primavera Sound Barcelona, ESP Fórum Universal de las Culturas

Indian Jewerly México, DF Teatro Fru Fru

27-30

Sasquatch! Music Festival Washington, USA Gorge Amphitheatre

SÓLO LO MEJOR DE LA TEMPORADA CREADO Y PRESENTADO POR WARP

Estamos en una era en la que la inmediatez informática nos permite estar al tanto de lo que pasa en

lugares lejanos, sitios en dónde los eventos musicales de mayor relevancia ocurren. En definitiva, el Internet y sus herramientas nos acercan al sonido que se gesta alrededor del mundo, podemos enterarnos de que ocurrió en el momento exacto en el que sucedió, pero, ¿qué pasa con todo lo que se genera detrás de ciertos hechos?, ¿todo lo que ocurre fuera del rango de visión de esa ventana mediática?. La única manera de acceder a toda esa información es estando en el lugar en el que se genera y obtener de primera mano los pormenores. En está ocasión WARP MAGAZINE presenta una serie de historias contadas por sus protagonistas y desde el lugar de los hechos, entrevistas EXCLUSIVAS con líderes musicales de sus respectivos campos y coberturas ÚNICAS, que te llevarán a vivir la música frente a escenarios internacionales, donde serás testigo de cómo fue que los hechos fueron escritos. Un esfuerzo de nuestro equipo por ofrecerte contenido que nadie más podrá, bienvenidos.

DIARIO DE

SXSW 2011 (SOUTH BY SOUTHWEST) Alejandro Franco, José Luis Montaño Pillo, Lalo Montes y Paco Sierra (enviados especiales) Alejandro Franco y Paco Sierra Cobertura presentada por

El domingo 13 de marzo

WARP MAGAZINE pisó, por cuarto año consecutivo, Austin, la capital texana. Llegamos para celebrar junto a miles de personas de todo el mundo (músicos, cineastas, empresarios, periodistas, chismosos, parranderos o sencillamente fanáticos) los 25 años de SXSW (South by Southwest), la fiesta mundial del entretenimiento independiente. Conocida como la capital mundial de la música en vivo, Austin nos recibió desde el primer día con múltiples actividades. Y aunque la música, que es nuestro leitmotiv, empezaría hasta el miércoles 16 de marzo (en teoría), conferencias como “The State Of 3D In Cinema And Home” o el estreno de la película, Win Win estelarizada por Paul Giamatti estuvieron entre las actividades.

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The Strokes

Foo Fighters

Duran Duran

El martes 15 de marzo estaba ya en la agenda el estreno del

Ya el 16 de marzo

La siguiente parada fue el majestuoso Paramount Theatre, para presenciar un documental dirigido por el ganador del Oscar, James Moll, y estelarizado por Dave Grohl, Taylor Hawkins, Chris Shiflett, Nate Mendel, Pat Smear y más que han formado parte de la historia de Foo Fighters. El estreno marcaba la clausura de la semana Interactive. SXSW es el marco ideal para que sean los mismos protagonistas los que presentan sus proyectos, y este fue el caso. Su llegada fue en la white limo y después de pasar por la alfombra roja, la banda liderada por Grohl agradeció el interés de la gente “por conocer la historia de unos tipos haciéndose viejos y gordos”. El documental retrata la historia de Foo Fighters, desde la disolución de Nirvana hasta la actualidad, mientras grababan su más reciente álbum Wasting Lights. Se trata de una excelente narración de los 16 años de carrera de la banda a través de testimonios, videos musicales e imágenes, que demuestra por qué son de las bandas de rock más importantes hoy en día. Terminada la proyección, Foo Fighters ofreció un concierto en el legendario escenario de Stubb’s. Alrededor de tres mil personas fueron testigos de una enérgica presentación que inició con el álbum Wasting Lights en su totalidad y concluyó con temas ya considerados clásicos como ‘All My Life’, ‘Times Like These’, ‘My Hero’, ‘Everlong’, ‘The Pretender’, ‘Monkey Wrench’, ‘Best of You’ y ‘Learn To Fly’, entre otras. En general, una presentación redonda de Foo Fighters.

La noche del miércoles 16 de marzo marcaba el regreso, después de tres años fuera de suelo estadounidense, de Queens Of The Stone Age. El lugar de la presentación fue el conocido como La Zona Rosa, y entre el set se incluyó el

documental Foo Fighters: Back And Forth, pero antes debíamos visitar el trade show en el Austin Convention Center, que alberga a cientos de marcas y empresas relacionadas con el entretenimiento y la tecnología, y en donde se concentran desde asesores que ayudan a conseguir financiamiento para realizar una gira, hasta estudios portátiles HD para hacer programas de TV en vivo.

daba inicio de manera oficial el festival de música. La temática musical abarcó no sólo la parte de ver bandas en vivo, sino una serie de conferencias como “¿Por Qué Los Artistas Alternativos Latinoamericanos No Son Protagonistas Globales?”, en la cual, por la ausencia de algunos panelistas, se perdió la oportunidad de analizar a fondo las carencias de una estrategia comercial en la industria latina que tanta falta le hace. Cabe señalar que esta fue la primera conferencia ofrecida en español en toda la historia de SXSW.

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The Strokes

III El 17 de marzo

álbum debut homónimo y temas muy coreados como ‘Little Sister’ y ‘Go With The Flow’. De nuevo el Stubbs’s fue sede de un gran concierto. Duran Duran aprovechó SXSW para presentar su nueva producción All You Need Is Now. Una hora y media bastaron para conquistar al público con clásicos como ‘Notorious’, ‘The Wild Boys’, ‘Hungry Like The Wolf’, ‘Girls On Film’ y ‘Ordinary World’ pasando por el nuevo sencillo ‘All YouNeed Is Now’ y los cortes ‘Leave A Light On ‘ y ‘Girl Panic!’. Un digno arranque de gira para los ingleses que llegaron con el firme objetivo de reconquistar a los Estado Unidos tal cual lo hicieran en la década de los ochenta.

vio las mismas circunstancias de días anteriores sólo que con otros protagonistas, grandes nombres estrenando nuevos materiales. La presentación de los neoyorquinos de The Strokes esa tarde enmarcó la magnitud de SXSW en la actualidad. El Auditorium Shores se desbordaba de gente que no quería perderse el concierto. Después de una entrada un tanto difícil, todos los presentes disfrutaron un setlist que empezó con los clásicos ‘What Ever Happened?’, ‘The Modern Age’ y ‘You Only Live Once’ y continuó con algunas canciones del nuevo álbum Angles, como ‘Under Cover Of Darkness’, ‘Machu Pichu’, ‘Taken For A Fool’, ‘You’re So Right’, intercaladas con otras clásicas como ‘Reptilia’ que desde sus primeros acordes emocionó al público, o ‘New York City Cops’ y ‘Juicebox’, la cuales tuvieron el mismo resultado. The Strokes intentaron cerrar el concierto con ‘Take It Or Leave It’ pero no fue suficiente, el público siguió pidiendo más y atinadamente tocaron ‘Gratisfaction’. La última canción, ‘Last Nite’, estuvo acompañada de pirotecnia, la luna y una panorámica de Austin. La noche siguió con un venue completamente opuesto al Auditorium Shores en magnitud: el popular Emo’s. Ahí se presentó el dúo conformado por Alison Mosshart y Jamie Hince, The Kills, quienes presentaron su nuevo álbum Blood Pressures. La presencia de ambos inundó de actitud el pequeño escenario, desde la primera canción hasta el último suspiro antes de abandonarlo. El setlist incluyo en su mayoría, The Kills canciones del nuevo álbum como ‘Satellite’, ‘DNA’ o ‘Baby Says’. Por tercera noche consecutiva, WARP MAGAZINE asistía al Stubb’s, ahora para ver a TV On The Radio, quienes estrenaron temas de su cuarto álbum de estudio, Nine Types Of Light. La falta de su bajista Gerard Smith (diagnosticado con cáncer en los pulmones) no TV On The Radio disminuyó la poderosa presentación de la banda.

IV Viernes 18 de marzo fue la fe-

cha más esperada por Dapuntobeat WARP MAGAZINE , ya que por cuarto año consecutivo en SXSW fuimos anfitriones de un showcase y en esta ocasión se aprovechó para lanzar GUARP.com en los Estados Unidos. Penguin Prison El evento empezó en punto de las 20:00 horas en un bar ubicado en la 6ta de Austin llamado Friends. Los primeros en pisar el escenario fueron los mexicanos Dapuntobeat, que con su álbum Off de Record se volvieron indispensables en las pistas de baile en México durante el año pasado; ‘Fiber’, ‘Riot Jackson’, ‘Deck’ y la infaltable ‘:0’ empezaron la fiesta. El segundo acto en presentarse fue el grupo canadiense DVAS. Con una propuesta influenciada por la música disco, hizo bailar un venue que rápidamente se llenaba. DVAS promocionó su álbum Society, por lo que el sencillo homónimo, ‘Consenting Adults’ y ‘Questions’, se bailaron por todos los presentes en Friends. Siguió el turno de los jaliscienses Los Impostors y con ellos la obligación de poner a bailar a todos como lo habían hecho los actos anteriores. Del arsenal tocaron ‘Affliction’, ‘No Te Entiendo’ y ‘Duques’ entre otras. Sin importar el idioma o nacionalidad el público en Friends continuaba bailando. Directamente de Brooklyn, Class Actress llegó con

una propuesta elegante para mantener el ritmo de una noche dominada por beats. La voz característica y estilo de la artista relucieron con ‘Careful What You Say’. Penguin Prison con una presentación contundente demostró que las Class Actress buenas ejecuciones instrumentales en una banda de música bailable son más que necesarias. Se escucharon ‘Something I’m Not’, ‘Don’t Fuck With My Money’ y ‘Multimillionaire’ que concluyó la presentación. Datarock, más que una cereza fueron una manzana en el pastel. Simplemente, una presentación impactante, enérgica y para el recuerdo. Un agradecimiento especial a WARP MAGAZINE, el sencillo más ambicioso de la historia, ‘Catcher In The Rye’, el estreno de ‘California’ en exclusiva “for the WARP MAGAZINE party...” y los clásicos ‘I Used To Dance With My Daddy’ y ‘Fa-Fa-Fa’ hicieron que el público explotara. La presentación incluyó bodysurfing y gente bailando sobre el escenario con los miembros de la banda. Cada banda ofreció impetuosamente sus propuestas, demostrando que para rockear se puede hacer a través de música bailable. Bienvenida GUARP que no pudo haber escogido mejor presentación. Datarock

V Sábado 19 de marzo fue el último día

de actividades para WARP MAGAZINE en SXSW. Comenzó con el cortometraje Scenes From The Suburbs inspirado en el álbum de ArcadeFire, The Suburbs y dirigido por Spike Jonze. El corto de 30 minutos fue proyectado en la sala de Alamo Ritz, ubicado en la 6ta de Austin. La siguiente parada fue el bar Elysium, donde a partir de las 19:30 horas artistas de la disquera neoyorquina Chimera se presentaron. Los primeros en salir al local totalmente lleno fue el dúo conformado por Charlotte Kemp Muhl y Sean Lennon, The Ghost Of A Saber Tooth Tiger. Hicieron sonar temas como ‘Robot Boy’ y ‘Rainbows In Gasoline’ mientras presumían una presentación sencilla y sin pretensiones. Sean en la voz, guitarra y algunos platillos, imprimía presencia en el escenario, y su pareja Charlotte hacía lo suyo prácticamente con un instrumento diferente en cada canción (acordeón, bajo, flauta y más). Todas las canciones intercaladas con pequeños diálogos y bromas entre ambos y el público, y un excelente humor dejaron satisfechos a todo la audiencia que aplaudía lo que hacía la banda. The Ghost Of A Saber Tooth Tiger

De ahí, a la estación eléctrica abandonada Power Station, donde VEVO preparó una gran fiesta. Miembros de G.O.O.D Music, serían los encargados de amenizar el festejo. El primero en pisar el escenario fue Mos Def haciendo saltar a cerca de dos mil personas presentes en el inmueble. Le siguió Pusha T, que se ha dado a conocer por participar con Kanye en algunas canciones. Cerca de las 2:00 de la madrugada, salió KidCudi cantando ‘Memories’ que grabó en colaboración con David Guetta, luego ‘Day N Nite’ y finalizó con ‘Pursuit Of Happiness’ canción coreada por todos. Para no perder el ritmo del coro colectivo, el desfile de invitados siguió con Mr. Hudson y ‘Young Forever’.

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Kanye West

El más esperado estaba por aparecer. La silueta de Kanye West se dejo ver mientras los acordes de ‘Dark Fantasy’ se escuchaban. Aprovechando la Jay-Z presencia de KidCudi, siguió ‘Gorgeous’ y una serie de tracks pertenecientes a My Beautiful Dark Twisted Fantasy como ‘Power’ o ‘Hell Of A Life’. El rapero empezaba a construir una noche para el recuerdo. Para interpretar ‘Blame Game’ llegó a acompañarlo el gran talento de John Legend, piano, voz y sentimiento se hacían presentes. El momento íntimo se incrementaba con la minimalista intro de ‘Runaway’ y una desgarradora voz de West alterada por el autotune. Otra sorpresa fue la presencia de una banda universitaria para tocar ‘All Of The Lights’ donde otra vez aprovechó la presencia de sus invitados para acompañarlos en el escenario. Energía desbordante para lo que pudo haber sido un cierre perfecto. Pero Kanye tenía reservado lo mejor para el final, y es que hay pocos artistas que tienen tanta convocatoria como la tiene él. Prácticamente sólo uno estaría al mismo nivel; Shawn Carter mejor conocido como Jay-Z. Y así, acompañado de Jay-Z, interpretaron ‘Monster’, ‘So Appalled’ y una canción de su próximo álbum en colaboración, ‘H.A.M’. Antes de finalizar las dos leyendas del hip hop interpretaron el clásico de Jay-Z, ‘Big Pimpin’. La última dosis la conformaron ‘Lost In TheWorld’, en la que lo acompañó Justin Vernon (líder de Bon Iver) y ‘GoodLife’, confirmando la importancia de Kanye West en la industria como una de las máximas figuras a nivel mundial. Así nos despedimos de la tierra que ha dado la oportunidad a cientos de bandas, proyectos, empresas y marcas de llegar a la soñada internacionalización. Nos despedimos de las siglas SXSW que ahora son reconocidas a nivel mundial. Nos despedimos de la gran escuela que dicta las futuras tendencias en el mundo del entretenimiento independiente. ¡Hasta el 2012!.

SXSW A LO GRANDE CELEBRANDO 25 AÑOS DE

Darin Klein (Director de Proyectos Especiales SXSW)

Un cuarto de década ha tomado construir

uno de los eventos más importantes del entretenimiento independiente mundial. WARP MAGAZINE platicó con uno de los constructores durante la celebración de los 25 años de SXSW. Empecé en 1994 y en ese entonces el festival era muy pequeño: teníamos 40 clubs y 800 bandas registradas. Fue apenas el segundo año de Film Interactive y de las conferencias. Tal vez teníamos a una persona que trabajaba en este rubro, y en la parte de la música éramos entre 15 o 20 personas. 1994 fue el comienzo del email, ni tenía una cuenta cuando empezaba. Los fundadores nos contaron que hicieron la primer edición de SXSW, obviamente sin computadoras, emails, internet… sólo tenían un fax y un teléfono. Lo hacían en 15 clubs, 200 bandas, eran dos días y sólo habían conferencias en el hotel Hyatt. Ha crecido mucho desde esos días. Nadie se imaginó que tendríamos dos mil bandas, 90 escenarios, las siguientes tendencias de medios interactivos, desarrolladores y personalidades como Mark Zuckerberg, que fue uno de los primeros oradores dentro de SXSW. No tenía idea de que el festival pudiera convertirse en lo que es hoy, principalmente las partes de interactive y de cine que han crecido demasiado. En el área de la música nos tomó muchos años desarrollar una audiencia, pero nos mantuvimos a la vanguardia, trayendo oradores que aportaran buenas ideas a las conferencias, talento en el que creímos y que después de darse a conocer en SXSW les ofrecieron giras y contratos. Mi primer recuerdo impactante como parte de SXSW fue en 1995. Empezábamos a tener atención de medios nacionales. El año anterior habíamos tenido a Johny Cash, Beck había llamado mucho la atención. Hubo un showcase que incluía una banda que me gustaba mucho, The Presidents Of The United States Of Ame-

rica, y la persona que organizó el show me tuvo que empujar para pasar porque el lugar estaba totalmente lleno. Después del show consiguieron un contrato con una disquera grande, tuvieron muchos éxitos… creo que Chris sigue haciendo giras con el nombre de la banda. Después de ese show fue cuando me di cuenta de cómo podía influir en la carrera de una banda estar en SXSW. Yo quería ser parte de esto, ayudar a bandas a lograr el éxito. Después de eso, he logrado cerrar a muchas bandas que han logrado el éxito después de estar en SXSW como The Strokes en 2001, que se hicieron muy grandes y tenerlos de vuelta este año me da mucho gusto. Generaron muchas expectativas. Son una de las bandas más populares que han estado en SXSW y en un concierto gratuito. Aunque sabíamos qué tan grande podían ser, nos sorprendimos al ver a gente en las calles, en las colinas, en el puente, todos escuchando el concierto. Es el más grande que hemos hecho y fue una gran experiencia. 2011 ha sido todo un reto, ha sido el más grande en términos de asistencia, grandes conciertos de bandas como TV On The Radio, Big Boi, Foo Fighters… sería una enorme lista. Pero queremos seguir creciendo. Tenemos mucha suerte al tener el apoyo del gobierno y la gente de Austin. Yo estoy seguro de que el evento no podría pasar en ningún otro lugar del mundo. Los locales están siempre dispuestos a ofrecer su ciudad como sede. Y mientras los visitantes estén dispuestos a recibir buena música, ver nuevas películas, enterarse de las nuevas tendencias tecnológicas y todos tengan una oportunidad de negocio, lo haremos por muchos años. Agradecimiento aparte tienen nuestros colaboradores, este año fueron tres mil, sin ellos nada podría ocurrir. Otros 25 años son una verdadera posibilidad, esperemos que ocurran.

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HOT BANDS IN SPRING 2011 Paul Stokes, NME News Editor Cortesía Suuns

De todos los lugares para encontrar una

“banda caliente”, Montreal, durante invierno, puede ser el último referente. Esta ciudad indie de Canadá no sólo es increíblemente fría alrededor de noviembre, sino que, con toda razón, Arcade Fire ha acaparado todo el interés en la escena musical del lugar. En el pasado (digamos Detroit, después de que los White Stripes reventaran con todo, o Sheffield después de que Arctic Monkeys se vieran bien en la pista de baile), la experiencia de tener una gran banda dominando un área ha tenido el efecto de sofocar su escena musical, pues una serie de bandas ‘oportunistas’ se han formado, esperando explotar a algunos flojos A&Rs (hay muchos que jamás perdonarán a Sheffield por Little Man Tate o a Detroit por los Von Bondies). Y sí, Montreal tiene una buena cantidad de wannabes de Win Butler, pero también tiene a la banda que grabó mi álbum favorito del año hasta ahora: Suuns. La otra cara de la euforia a corazón abierto de sus famosos vecinos es una mezcla indie noir de guitarras, sonidos innovadores y nerviosa introspección. Al verlos en vivo el pasado noviembre, lograron invocar tanto el brillo y espíritu aventurero de Television, como la arquitectura sonora que asociarías con el pop de Battles. Pueden hacerte pensar, pero también hacerte bailar. Brillantemente han conseguido esto sin pretender ser chicos listos o presumidos. “Hay una especie de tendencia minimalista en la banda, se nota en las composiciones y en nuestra manera de tocar, en el hecho de que todas las canciones son ideas muy simples, súper

simples”, Joseph Yarmush, integrante de la banda, me comentó sobre su disco debut Zeroes QC. “Somos buenos para construir una especie de tensión con muy poco, simplemente poniéndonos más y más pesados, es algo muy minimalista.” Mi otra sugerencia para esta primavera queda más cerca (de mi casa), y la adoro casi por razones opuestas por las que adoro a Suuns. Originaria del sur de Londres, aunque preciso, parece erróneo llamar cantautora a Anna Calvi, pues eso significa algo pequeño y acústico y nada más alejado de la realidad. Cargada con un glamur oscuro y horizontes cinematográficos, y a pesar de poseer una diminuta figura, Calvi es dueña de una hermosa pero resonante voz de barítono y es también una de las nuevas guitarristas más dotadas de los alrededores. La he visto silenciar una habitación de fans bulliciosamente ebrios de los Arctic Monkeys, con la pura fuerza de su música y su personalidad. Su debut es también un asunto estilo noir, pero ella llega ahí por medio de guitarras estruendosas y una penetrante voz que logran invocar temas de Bond, Jimi Hendrix y PJ Harvey, al tiempo que permanece desafiantemente con su propio estilo. Así que ahí lo tienen, no sólo dos actos calientes qué esperar esta primavera, sino dos álbumes debut que realmente deberían estar en su colección de discos. El Zeroes QC de Suuns es distribuido por Secretly Canadian, visiten www.secretlycanadian.com/press/ suuns. Y el debut homónimo de Anna Calvi es distribuido por Domino Records, visiten www.annacalvi.com. Ambos álbumes están ya a la venta.

THE DEARS GALACTIC TIDES

Texto: Aldo Sosa, Entrevista: Paco Sierra Richmond Lam

Si algo

hay que agradecerle al movimiento indie rock canadiense de los noventa, es la versatilidad, originalidad y frescura de las bandas que han surgido de la tierra de la hoja de maple en los últimos años. Enmarcados en un período donde las críticas por ser muy “canadiense” o muy “americano” estaban asfixiando el surgimiento de nuevas propuestas y provocando la muerte de algunas ya establecidas, The Dears marcó su nacimiento en 1995 con un pop oscuro pero progresivo. Cinco años tardó para que su primer material de estudio viera la luz.

MUSICAL BLOSSOM: Han rotado de alineación más de diez veces. Visitarán Bélgica, Francia, Holanda y el Reino Unido promocionando su más reciente álbum. WARP’s exclusive pick ‘Omega Dog’ de Degeneration Street

La naturaleza de sus integrantes, su vibrante sonido orquestal y la energía que derrochan, ha convertido sus shows en vivo en fantásticas experiencias que trascienden la línea de la música, a tal grado, que su fama internacional detonó tras varias presentaciones cargadas de gran expectativa en SXSW 2004. Los materiales siguientes definieron a The Dears como una banda fluida, cuya principal constante es el cambio. Cada entrega, ya fueran EPs o discos de estudio, viraban constantemente el enfoque, sin perder la suave esencia y los ritmos eclécticos del grupo. En cierta medida, esta serie de distintas propuestas se debe a los constantes cambios en los integrantes, pero siempre bajo el control creativo de Murray Lightburn, vocalista y líder, y su esposa, la tecladista Natalia Yanchak, únicas constantes en la formación. Con la salida de Missiles en 2008 presentaron una alineación completamente nueva, misma que abandonó al grupo casi de inmediato –un acto calificado en su momento por el mismo Lightburn como “un motín masivo”–, giro que ocasionó que el grupo casi desapareciera. Sin embargo, The Dears supo reponerse al golpe bajo y en este 2011 regresa con Degeneration Street, un nuevo álbum que requirió casi dos años para completarse.

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Lightburn platicó con WARP MAGAZINE tras la participación del grupo en SXSW de este año, en donde compartió detalles de la grabación del álbum y la experiencia en el festival. ¿Cómo les fue en SXSW? Fue muy intenso, estuvimos tres días y tocamos seis shows. Fue realmente intenso. The Dears podría iniciarse ya como veterano en este festival tras haber sido parte en las ediciones de 2004, 2005 y 2007, previo a los seis conciertos ofrecidos en este 2011. Parte esencial de la agrupación, los tours y presentaciones en lugares tan distantes entre sí como lo son Reino Unido, Australia, Japón han sido esenciales tanto en la diseminación de su sonido como en la suma de adeptos a nivel internacional. ¿Cómo fue el proceso de grabación para su último álbum, Degeneration Street? Es gracioso por que el proceso empezó hace tanto tiempo. Empezamos a grabar las canciones en el verano de 2009 y estuvimos cerca de seis meses grabando demos y todas esas cosas. Después, finalmente estábamos listos para entrar al estudio y justo en ese momento se nos ocurrió la idea de ofrecer unos shows en México (los días 6, 7 y 8 de mayo de 2010 en El Pasagüero) para confirmar que estábamos listos para grabar en el estudio. Estoy muy contento de haber hecho eso por que fue una grandiosa experiencia, claro que nos encanta visitar México, pero además le sirvió a nuestra música y a la banda a mantener los pies sobre la tierra y brindar esos elementos que tenemos en vivo y tomar esa energía de los shows en vivo y llevarlo al estudio. La consolidación de su sonido en los escenarios permitió infundir al nuevo álbum del ritmo y frescura necesaria para trazar un marcado parte aguas de su trabajo anterior, con un resultado tangible: aparte de una inherente maduración lírica y armónica, también trasciende la inusual sensación de que es un material debut. De igual manera, ayudó a que el nuevo ensamble de seis miembros (Lightburn, Yanchak, el retorno de Patrick Krief en la guitarra, Robert Benvie alternando en una segunda guitarra y teclados, Roberto Arquilla en el bajo, y Jeff Luciani en la batería) formara una sólida cohesión con propuestas y aportaciones individuales al trabajo final. De hecho, cinco de los 14 temas del disco fueron coescritos por Krief, con lo que la carga en el control creativo que Murray había venido sopesando en los difíciles momentos anteriores se vio aliviada en gran manera.

Después de cinco álbumes ¿Degeneration Street tiene toda la esencia de The Dears? Creo que estamos muy cerca, para mí y para algunos amigos que han escuchado el álbum, tiene el sentimiento de ser un primer álbum, con toda la energía que un primer material proyecta y se escucha. De lo que algunos no se dan cuenta es que Degeneration Street es un nuevo comienzo para la banda, fue como apretar el botón de reinicio y al mismo tiempo no podemos ignorar lo que hemos hecho con los cuatro álbumes anteriores. Mientras trabajábamos en la música, muchas de las cosas que discutíamos eran sobre nuestra carrera, cosas que hemos hecho en el pasado que sentíamos hicimos bien, cosas del pasado que no sentíamos que hicimos bien, situaciones que queríamos evitar, cosas que queríamos nutrir. Fue muy interesante estar en esa situación, sentirnos en una nueva banda juntos. La gente que grabó este álbum, aunque habíamos grabado cosas juntos, nunca tocamos en vivo juntos, nunca estuvimos en una gran gira juntos, éramos como una banda que hizo demos por mucho tiempo y que finalmente graba su primer álbum. La sensación de renacimiento llegó a tal punto, que una presentación en el show de David Letterman resultó, en opinión de Murray, más divertida que la primera vez que estuvieron ahí. ¿Hay alguna razón por la que escogieron esta época del año para lanzar el álbum? No sé, más bien son los tiempos. Nunca hemos lanzado un álbum durante el verano, siempre lo hacemos en primavera o en otoño. Prefiero esta época de inicio del año, los tiempos son mejores… cualquier época menos en navidad [risas]. ¿Qué planes tienen para este año? ¡Mucho más giras! Prácticamente así será el año: gira, gira, gira… Y esperar a donde nos lleva la música, desde Estambul hasta México y de regreso a Canadá. Parece ser que la fórmula experimentada con los gigs en México (presentar en vivo el nuevo material y trasladar toda esa energía en el estudio) arrojó buenos resultados, ya que Murray está dispuesto a emplear el proceso con los proyectos venideros. Además de su declaración, el recibimiento que la banda ha tenido en nuestro país seguramente los tendrá en tierras aztecas dentro de muy poco tiempo.

THE SOUNDS WON’T LET THEM TEAR US APART Diovanny Garfias Fernando Velazco y Carmen Díaz (Luciérnaga)

Vestuario: Cortesía Vans @VANSOfficialMX / Maquillaje: Chëla Olea / Coordinación de Moda: Aline Sánchez

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Aunque frío, oscuro y con una población peque-

ña, Suecia se ha convertido con el paso de los años en uno de los países que más música colocan alrededor del globo. Sin importar el género, ya sea metal, electro o rock, siempre hay material sueco invadiendo el espacio sonoro. Aunque curioso, no es de extrañar que una de las bandas más ardientes de esta primavera provenga, precisamente, de dicha nación, nos referimos a la agrupación integrada por Maja Ivarsson (voz), Felix Rodriguez (guitarra), Jesper Anderberg (teclado), Johan Bengtsson (bajo) y Fredrik Nilsson (batería), The Sounds, quienes después de un largo invierno, aprovechan para abandonar su madriguera y lanzar Something To Die For (2010), su nuevo material. En conversación exclusiva para WARP MAGAZINE, Maja y Felix nos presentan, de primera mano, su nuevo álbum; nos cuentan la historia detrás de la placa y, de paso, aprovechan para hacer un breve recorrido a través de sus 10 años de carrera. Something To Die For tiene un sonido más electrónico. ¿Por qué tomaron ese camino después de hacer Crossing The Rubicon, un disco que les ganó más fans en el mundo del rock? Felix: Fue un progreso natural. Todo pasa de esa forma cuando escribes música, no piensas realmente qué es lo que vas a hacer. Todos sentimos que ese era el sonido que debíamos buscar y lo hicimos. Aun así tiene algunas canciones con muchas guitarras, pero supongo que la vibra del álbum en general es de música electrónica y dance. Nada fue planeado. Maja: Creo que es muy peligroso cuando una banda trata de tener un elaborado plan de marketing detrás de su música. Eso nos es música. ¿Cuál es la historia detrás de la producción en Something To Die For?

F: Diría que la producción es diferente comparada con la de los discos anteriores. Por ejemplo, nuestra tercera placa (Crossing The Rubicon) está impulsada por la guitarra. No es que en éste quisiéramos hacer lo opuesto, pero sí hicimos énfasis en tener más partes electrónicas. Por cierto, nosotros produjimos el álbum, no quisimos tener a nadie más involucrado, sentimos que sabíamos lo que teníamos que hacer en el estudio y sólo tratamos de divertimos y no pensar demasiado las cosas. ¿Qué los llevó a tomar esta decisión, a autoproducir el disco? M: En primavera intentamos que un productor en Los Angeles se encargara de la canción que da título al disco, ‘Something To Die For’. Cuando regresamos a casa nos dimos cuenta de que nuestro demo del track sonaba mejor de lo que él había hecho, que no necesitábamos que alguien nos produjera. Sabemos mejor que nadie cómo queremos sonar, así que fue como una llamada de atención cuando tuvimos la canción de vuelta nos miramos y dijimos: “¡muchachos, esto no suena para nada bien!, nosotros podemos hacerlo solos” y lo hicimos. Luego de más de 10 años juntos, ¿qué tan difícil ha sido mantener el rumbo como banda? M: Cualquiera que haya crecido junto con sus amigos como lo hicimos nosotros (todos nos conocimos en secundaria, éramos adolescentes y ahora tenemos 31 años) sabe que pasas por periodos de cambios en tu vida, de ser un niño a ser un adulto, ¡para cualquiera eso es una montaña rusa y para nosotros lo fue más! Crecimos juntos, somos como hermanos, con sus altas y bajas, pero todos sabemos, en lo más profundo en nuestro corazón, que esto es lo que queremos hacer, todos estamos felices. Sería muy raro si nunca peleáramos o hiciéramos cosas como esas.

F: Tienes que pelear, digo, nunca he estado casado, pero supongo que es muy parecido a estarlo, porque en cierta forma estamos casados entre nosotros, podemos pelear, podemos pasar el rato, podemos hacer todo juntos. No es vergonzoso pelear, te ayuda, debes estar dispuesto a hacerlo, si eres un buen amigo debes pelear así, como amigo. ¿Cómo fue dejar una disquera transnacional (Warner Music) y empezar un sello independiente (Arnioki Records)? M: Casi todas las bandas allá afuera están eligiendo iniciar su propio sello o trabajar con disqueras independientes. Para nosotros siempre ha sido importante tener gente a nuestro alrededor que sea tan apasionada por la música como lo somos nosotros. A veces cuando terminas trabajando con una transnacional seguramente habrá un tipo en la compañía al que le gustes, pero esta persona puede estar trabajando en otro lugar en dos meses, entonces estarás perdido en este monstruo corporativo y estarás congelado por 10 años (si eres muy desafortunado). Así que empezamos nuestra propia disquera y ahora estamos lanzando nuestro disco con diferentes discográficas alrededor del mundo, en

donde sentimos que nuestra banda encaja mejor, es lo que hemos hecho con nuestros últimos dos discos. Ahora que han estado de los dos lados, como banda y como disquera, ¿cuál es su perspectiva de la industria musical en nuestros días? F: Es un negocio muy extraño, hay mucha gente trabajando en él que tal vez no debería estar ahí. Empiezan a trabajar en la música porque les gusta, luego descubren que hay dinero en esto y la música deja de ser su prioridad. Las disqueras independientes son lo opuesto, por ejemplo, ahora trabajamos con SideOneDummy Records (disquera fundada por Joe Sib, líder de la extinta banda punk Wax), ellos tratan de que la banda se dé a conocer estando en el escenario y por salir de gira, que la gente haga la publicidad de boca en boca. Esa es la forma en la que crecimos como banda, nunca tuvimos en realidad una disquera que forzara a nadie a escuchar nuestra música, queremos que la gente descubra nuestra música porque le gusta, no por que es el hit del momento. M: Nunca hemos dependido de cuánto se escucha nuestra música en el radio o de tener un video rotando en MTV, que ya ni siquiera pasan videos.

MUSICAL BLOSSOM: Dave Grohl, Pharrell Williams, Quentin Tarantino y hasta Britney Spears han confesado ser fans de The Sounds. Pararán en algunas ciudades estadounidenses, así como Colombia y Chile para ofrecer conciertos y después regresar a su natal Suecia. WARP’s exclusive pick ‘Something To Die For’ el track que da título a su nuevo álbum

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La fórmula para nosotros es regresar a las mismas ciudades una y otra vez en distintos países. Estamos de gira como locos, esa es la manera correcta de construir una carrera y hacer que dure. Que no tengamos un hit en nuestro próximo disco no significa que no podamos salir de gira. A donde sea que vayamos podemos tocar en lugares grandes aun sin tener el apoyo de la radio, eso lo logras saliendo de gira, interactuando con el público y haciéndolo sentir parte de tu música. Esa es la única y la mejor manera de lograrlo.

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¿Cómo ven a la escena musical sueca en estos días? F: Creo que es muy amplia, tienes desde las grandes bandas de rock, las electrónicas, la bandas de metal, tenemos muchas de esas en Suecia. ¿Por qué tenemos tantas bandas? la verdad no lo sé, siempre nos preguntan eso y puede que todo haya iniciado con ABBA, eso abrió las puertas para que un país pequeño como Suecia se diera cuenta de que podía hacer grandes cosas si se lo proponía. M: Siempre nos preguntan cómo puede haber bandas tan buenas en un país tan pequeño. Creo que cuando crecimos estaban ABBA, Europe, Roxette, Ace Of Base y veías a todas estas bandas de pequeños poblados que la hacían en grande en Estados Unidos, en Inglaterra, en México o en cualquier lugar del mundo. Eso es realmente importante para los jóvenes cuando están creciendo, dices: “si ellos pudieron, yo también”, te das cuenta de que no es imposible. En la escuela, al menos cuando nosotros estudiábamos, todos teníamos clases de música y el gobierno te ayudaba si querías aprender a tocar algún instrumento clásico. Yo lo hice. Jesper, nuestro tecladista, tocaba el piano de niño y creo que en general en Suecia te alientan a tocar música, no sólo a escucharla o a ver televisión. Esa puede ser la razón de que unos años después los niños tengan una guitarra eléctrica y empiecen una banda. F: Hay muchas razones, quizá sea que es un país frío y aburrido y quieren salir de ahí, no lo sé [risas]. Han estado de gira con bandas como Foo Fighters y No Doubt. ¿Han aprendido algo de estos íconos de la música? F: Muchas cosas. Cuando éramos novatos hicimos una pequeña gira con Foo Fighters, lo recuerdo bien, fueron tan humildes, tan amables y, en verdad, nos dieron la bienvenida. Éramos nadie, apenas habíamos lanzado nuestro primer single y nos empezaban a conocer en Suecia, aun así fueron muy amables, los tipos más amables que jamás haya conocido. Lo mismo con No Doubt. Nos dijeron: “nos sentimos horrados de que sean nuestra banda abridora”, eso es de lo que debes

aprender, si estás en la cima debes tratar a todos como si lo estuvieran, porque todos somos músicos, todos empezamos en esto por que amamos la música y porque nos apasiona. Eso es lo que aprendimos compartiendo giras con grandes bandas, ahora tratamos de aplicarlo cuando tenemos bandas abridoras. M: A mí me sorprendió mucho Dave Grohl. Él es una superestrella, estuvo en Nirvana, nosotros éramos adolescentes cuando estaba en la cima, así que me sentía algo nerviosa al conocerlo, pero fue tan buena onda y tan amigable que fue una experiencia que siempre llevaré conmigo y de la que aprendí mucho. Felix, sabemos que tienes raíces latinas ¿tienes algún sentimiento especial al escuchar música de este lado del mundo? M: ¡Aquí tenemos a Mr. Latin Lover! [risas] F: ¡Sí! [risas] mi papá es de Chile y mi mamá vivió en la ciudad de México durante mucho tiempo, así que crecí escuchando música latina y con su cultura a mi alrededor. Nunca he tenido tiempo de ir a Sudamérica, pero no puedo esperar para bajar a Santiago y pasar un rato con mis primos, para ver de dónde provengo. Para mí la música latina es algo que siempre me pone feliz, ustedes son gente muy apasionada, su música tiene historia, aún si no entiendes español puedes oírlo, así que su música ha estado en una gran parte de mi vida.

LOLLAPALOOZA CHILE 2011 Lalo Montes

Alejandro Franco y Rubén Márquez

El 2 y 3 de Abril

en la Ciudad de Santiago de Chile, teniendo como sede el Parque O’Higgins; se realizó por primera vez fuera de territorio estadounidense el festival Lollapalooza. Las expectativas eran altas al igual que las incertidumbres; el público se cuestionaba por la logística y calidad final del festival y los promotores no sabían al 100 por ciento la respuesta de los asistentes hacia tan relevante evento para Chile y Latinoamérica.

Los esfuerzos de Perry Farrell (director del festival), Lotus (empresa local a cargo de la co-producción) y el Gobierno de Santiago, no solo se centraron en reproducir un formato consolidado, también apuntaron a darle un respetuoso y honroso lugar a los artistas de la escena nacional sin importar su género musical, lo que significó una importante marquesina para estos y la posibilidad, para algunos casi imposible; de codearse con artistas de talla internacional.

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Y justo una artista emergente, quien con firmes pasos tiende a convertirse en una de las mayores exponentes de la música chilena; fue la seleccionada para dar inicio a las actividades de esta fiesta llamada Lollapalooza. A las 12.00 pm del día sábado bajo un intenso calor, Francisca Valenzuela arrancó su actuación en el Coca Cola Zero Stage ante una significativa audiencia; la gran calidad de su material y la excelsa ejecución de cada uno de sus cortes ratificaron el por qué pinta como la figura a seguir por los próximos años. Los asistentes corearon cada una de las canciones de su repertorio, vaticinando lo que caracterizó al evento; mucha interacción, escenarios llenos y actos memo-

Francisca Valenzuela

»Pág.087 Fatboy Slim

Ana Tijoux

Cypress Hill

Bunkers

rables. Posteriormente Bunkers con un lleno total y la frescura de Astro fueron los seleccionados para seguir con la extensa lista de chilenos presentes en la programación; Denvër y Ana Tijoux precedieron a Cypress Hill; los primeros artistas estelares que se presentaron en el evento; quienes hicieron saltar a las miles de personas que llegaron a ver su show, co-

reando especialmente los éxitos de la primera parte de su discografía, ‘How I Just Killed A Man’, ‘Insane In The Brain’, y ‘Tequila Sunrise’. El día continuó con Bomba Estereo, la relevación del último año; abarrotando el Tech Stage, foro insuficiente para albergar a un público activo y de gran dimensión. Ya más entrada la tarde; la legendaria banda James, Edward Sharpe & The Magnetic Zeros y el folk con tintes rockeros de Ben Harper dividieron un público menos entusiasta que parecía reservarse para los tan esperados The National, quienes de manera sobria y sencilla cautivaron a los chilenos. De nueva cuenta la audiencia se dividió; Deftones y Empire Of The Sun compartieron horarios; el grupo californiano comenzó su presentación con ‘Diamond Eyes’, una de sus canciones más nuevas, para luego repasar títulos de sus dos primeros discos, los más celebrados por el público local. Al mismo tiempo, los Australianos se embolsaron al público a base de coreografías, vestuarios y toda la parafernalia que los caracteriza; ‘Walking on A Dream’ y ‘We Are The People’ fueron las canciones más esperada y más celebradas de su acto. The Killers y Fatboy Slim fueron los seleccionados para cerrar el primer día del festival. La banda originaria de Las Vegas no fue capaz de conectar con la audiencia; una actuación floja y desganada fueron el motivo. Mientras el inglés se llevaba la noche a ritmo de big beats, house, hip hop y breakbeats en un LG Stage atiborrado; la gente no paró de bailar cada mezcla y cada visual que el famoso DJ presentaba, siendo por mucho, el momento más emotivo de la jornada.

Bomba Estéreo Ben Harper

The killers

Thirty Seconds To Mars

Para el segundo día de actividades, la Mala Rodríguez y Todos Tus Muertos sobresalieron en las primeras horas del Festival calentando los motores para lo que sería un domingo lleno de buena música y grandes actuaciones. Más tarde los originarios de Nebraska, 311, tomaron el Coca Cola Zero Stage por asalto, logrando una interesante convocatoria ante un público que esperó ‘Come Original’ con ansias. Simultáneamente en LG Stage, Toy Selectah, el único mexicano presente en la cartelera de Lollapalooza; convirtió en fiesta la tarde con un DJ Set sui géneris que vivió su clímax al incorporar en su repertorio a la famosa agrupación chilena Los Prisioneros. Posteriormente Devendra Banhart, causante de que se tomaran medidas de seguridad en el Tech Stage al llenarlo en su totalidad; y Chico Trujillo paralizaron el evento; lo que provocó que la excelente y talentosa participación de Ghostland Observatory contará con poca afluencia a pesar del atractivo show de luces y láser que presentaron. Era el turno de Flaming Lips, quiénes con su peculiar y característico acto se ganaron las ovaciones y aplausos de todos los asistentes al stage principal; ‘Do You Realize??’ fue el complemento para un día despejado, con altas temperaturas y un sol ardiente que se convirtió en el principal protagonista. Mientras tanto Cat Power y Fischerspooner se presentaron ante una audiencia de menor en tamaño pero muy impetuosa y participativa. La euforia adolescente se desató con Thirty Seconds To Mars, la banda liderada por

Jared Leto arrancó alaridos, llantos y emociones en un escenario que lucía repleto, al mismo tiempo; el alemán Boys Noize hacía lo propio frente a un auditorio que no paró de bailar en ningún momento. Toco el turno de Jane’s Addiction que tras 20 años de espera se presentó ante los chilenos. La banda cumplió con las expectativas, el público se entregó en todo momento y cantó a todo pulmón canciones como ‘Been Caught

Perry Farrell

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Jane’s Addiction

Stealing’, ‘Stop’ y ‘Jane Says’, entre otras. Al finalizar el show; Perry Farrell, creador del Lollapalooza, aprovechó para agradecer a todos los involucrados en la producción del evento, a todos los asistentes y al pueblo de Chile por el apoyo y creer en el evento. Armin Van Buuren cerró el LG Stage ante una multitud que despidió con una fiesta inolvidable este suceso. La clausura corrió a cargo del rapero/rockstar Kanye West, esta actuación representaba su primer visita a ese país, por lo que ofreció una selección de lo mejor de su repertorio en un espectáculo muy austero y sencillo, en el que el norteamericano fue el principal protagonista, lo que agrado a unos y molestó a otros; confirmando que la polémica es una constante en la carrera del oriundo de Atlanta. Lollapalooza Chile sorprendió por su buena organización, su excelente producción y por la gran afluencia

Kanye West

de público; demostrando rotundamente la capacidad de los chilenos para duplicar y realizar, de manera sobresaliente; un festival de grandes magnitudes; lo que coloca al país y a sus músicos en el mapa internacional a pesar de su lejanía geográfica. Definitivamente, podemos calificar a este suceso como todo un éxito, confirmando los grandes logros que se pueden obtener cuando se trabaja en conjunto de manera seria por un bien común, siempre teniendo objetivos a largo plazo y con la firme idea de generar proyectos que lleguen para quedarse muchos años más. En el 2012, Lollapalooza-Chile será una inigualable opción para que todos aquellos cercanos a esa región puedan acceder a artistas y músicos de gran nivel. The National

THE KILLS

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WILD CHARMS Diovanny Garfias Shawn Brackbillq

De la mano de Keep On Your Mean Side (2003), Alison Mosshart y Jamie Hince hicieron su debut oficial en

el mundo de la música. Bautizados como The Kills (tras probar suerte como VV And Hotel) entraron a ensanchar las filas de bandas que antecedían su nombre con un “The”, sumándose a The Strokes, The Vines, The Hives, The Raveonettes y claro, The White Stripes, con quienes más adelante descubrirían que guardaban mucho en común. Con punk rock e indicios marcados de garage (que poco tiempo adelante se convertiría en la corriente a seguir) Mosshart y Hince demostraron que ese era apenas el principio de una exitosa carrera. Con la bomba que significó la salida de No Wow (2005) la dupla, mitad estadounidense y mitad inglesa, no sólo confirmó la solidez en su sonido, también tuvo acceso a millones de reproductores en todo el mundo. La placa que continuaba con la fórmula aplicada en su debut, pero con más actitud y agudeza en su interpretación, fue para muchos la grabación que definiría el paso de The Kills por la historia del rock actual, pero lo mejor estaba por venir. En 2008 Midnight Boom vio la luz, y la música de Mosshart y Hince cambio para siempre, dando un giro que terminaría de establecerlos como una banda a seguir. Aquí se terminan las pretensiones minimalistas. De una vez por todas el dúo se olvida de que son una banda de una sola cara y experimentan con otros géneros, obteniendo un álbum diverso que significó el fin de la fórmula que llevaban utilizando desde hace varios años.

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Tras promocionar dicha placa, ambos músicos decidieron que era hora de empezar otros proyectos. Mientras que, por un lado, Jamie terminó de adaptarse a su nueva vida rodeada de paparazzis deseosos de obtener una imagen de él junto a su prometida (inserte el nombre de la top model inglesa de apellido Moss), Alison probó suerte con su compatriota Jack White en un experimento llamado The Dead Weather, mismo que en un periodo no mayor a dos años logro poner dos placas en los estantes (Horehound y Sea Of Cowards) y ganar atención a lo largo y ancho del planeta. Tres años en el olvido fueron suficientes. Con la llegada del 2011 Mosshart y Hince recién sacan a The Kills del letargo en el que se habían sumergido. Llegó el tiempo de lanzar una placa elegante como lo es Blood Pressures y esparcir su palabra en cada escenario que les sea posible. Llegó el tiempo de renacer, de un nuevo capítulo en el libro conocido como The Kills.

BABY SAYS Alison Mosshart es, sin así quererlo, un modelo a seguir para decenas de futuras féminas que estarán al frente de una banda, como en su momento lo fueron la provocadora Courtney Love, la sensual Debbie Harry o la siempre activista Patti Smith, por mencionar sólo a algunas. Cada una con una historia y trayectoria distinta, pero todas extrovertidas y destinadas a permanecer en la historia de la música. Sin embargo, Mosshart, a diferencia de las mencionadas, pertenece a ese reducido y selecto grupo de músicos que, aunque introvertidos y renuentes a la atención de los medios (a veces, del mismo público), explotan cuando están detrás de un micrófono, dejan salir a sus demonios y escupen verdad en dosis particularmente grandes. Con piel pálida, cabello oscuro, pómulos prominentes y muchas historias que contar recolectadas a lo largo de sus 32 años de edad, la vocalista de The Kills es el arquetipo de lo que una frontwoman es (o debería ser) en nuestros días. Con lo anterior como referencia, no es de extrañar que Alison prefiera estar frente a una bestia de 10 mil cabezas, antes que entablar una conversación con un periodista del otro lado del Atlántico, para colmo, por teléfono. Aun así, ante cancelaciones, largas, excusas y retrasos, WARP MAGAZINE en exclusiva logró ponerse en contacto con Alison a mitad de su gira por Europa, aprovechando un break previo a su partida de Londres y su llegada a Milán, Italia. Después de algunos intentos accidentados por lograr el enlace, finalmente podemos escuchar la voz de la artista, algo nerviosa, pero eso sí, de muy buen humor. Alison toma nuestra llamada y se dispone a contestar el interrogatorio.

The Kills está por celebrar oficialmente su primer década de vida. ¿En qué momento dirías que se encuentran Jamie y tú? ¡Diez años!, sí. Es mucho tiempo, pero bueno, creo que no ha sido un camino fácil en términos de convivencia, aunque tampoco diría que haya sido complicado. Jamie y yo siempre hemos tenido muy claro qué es lo que queremos, que en este caso es hacer música. Lo disfrutamos porque es algo que nos apasiona, así que la verdad ahora estamos muy contentos. Cuando amas lo que haces no hay dificultad en mantenerte fiel a tu carrera creando cosas nuevas. Su nuevo álbum Blood Pressures es sin duda uno de los materiales más esperados de este 2011. ¿Alguna vez imaginaste que The Kills recibiría tanta atención mediática? No [risas]. Cuando empiezas en esto no lo haces pensando en cuántas personas van a escuchar tu música o si la prensa va a estar pendiente de lo que haces, simplemente quieres compartir algo con el mundo. No digo que no estemos agradecidos, es halagador que los fans y la gente se preocupen por lo que hacemos, sabemos que sin ellos no estaríamos en donde estamos, pero a veces se siente raro tener tantas miradas encima [risas]. Jamie y tú siempre están muy involucrados en la producción de sus álbumes, algo que no todas las bandas hacen. ¿Cómo ayuda esto a su sonido? Para nosotros ha sido importante porque al final estamos hablando de nuestra música, algo que nosotros creamos y que sabemos cuál es la mejor dirección que puede tomar. Es un poco difícil tratar de enseñarle a alguien lo que en realidad quieres, mejor lo haces tú mismo. Creo que Jamie es un productor asombroso, es algo que él hace de manera natural, así que tampoco es algo tan planeado, es sólo la forma en la que trabajamos, la forma en la que somos.

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Ustedes empezaron a trabajar en Blood Pressures al final de 2009 y vio finalmente la luz este año. ¿Por qué les tomó tanto tiempo lanzar el álbum? Realmente no nos tomó tanto. Como dices, empezamos a trabajar en el disco antes de que terminara 2009, pero Jamie se rompió una mano y no pudo tocar la guitarra durante algunos meses. Luego quisimos seguir trabajando en el disco, pero cuando al fin entramos en ritmo tuve que continuar el tour con The Dead Weather y así pase algún tiempo, de gira y en el estudio, de gira y en el estudio. Pero cuando al fin terminé con ese ciclo no nos llevó más de seis meses terminarlo en el estudio y ni siquiera diría que fueron seis meses, ¿sabes?, porque teníamos sesiones durante algunos días y luego descansábamos. El disco quedó listo en noviembre de 2010, que saliera a la venta ya es trabajo de otras personas [risas] en serio, lo terminamos el año pasado pero todos se tomaron el tiempo que pensaron era el indicado para lanzarlo. Hablemos del sonido en Blood Pressures, en lo personal creo que es un poco menos rabioso, pero en definitiva más íntimo y casi elegante. ¿Cómo definirías el sonido del álbum? Creo que tu definición es muy buena [risas]. No lo sé, es una pregunta difícil. Creo que debes preguntárselo a alguien más. Cuando ves las cosas como yo, desde adentro, es difícil tener una perspectiva clara. Hicimos

el mejor disco que pudimos hacer y es todo, perdón pero no se que más decir. Siempre me pregunté cómo es el proceso creativo entre Jamie y tú. ¿Cómo crean música juntos? Cuando escribimos música lo hacemos por separado porque, de repente, cada quien tiene asuntos que atender. Lo que sí hacemos juntos es ponerle la batería, ver cómo funciona mejor ya que no tenemos un baterista. Así es básicamente como funciona, escuchamos las canciones del otro, él me enseña sus canciones, yo le enseño las mías, luego se las mostramos a otras personas. Siempre hemos trabajado así, cuando grabamos tratamos de estar juntos pero no es necesario que estemos en el mismo lugar cuando componemos. Estamos en una época en la que regalar una canción es algo muy común, ustedes recientemente regalaron su nuevo track ‘DNA’. ¿Hay alguna razón en específico para obsequiar el tema o sólo se trata de estar acorde con estos tiempos? No creo que nuestra disquera estuviera muy contenta con eso [risas]. La razón por la que lo hicimos es porque sabemos que la gente allá afuera está compartiendo música y que cada vez están comprando menos álbumes, así que por qué no darles una muestra del producto final, algo de lo que estamos muy orgullosos.

Tres álbumes de estudio después, ¿cómo te sientes tocando canciones o escuchando su debut Keep On Your Mean Side? Es increíble, como regresar a tu niñez, me recuerda al que quizá fue el mejor momento de mi vida. Ese disco tiene canciones hermosas que me hacen muy feliz. Keep On Your Mean Side fue una aventura en toda la extensión de la palabra, nadie nos conocía, nadie sabía lo que estábamos haciendo, éramos sólo dos personas divirtiéndose, viendo que podían hacer y hasta dónde podían llegar. Fue una gran experiencia. Como mencionabas, en los últimos años has estado de gira y grabando con The Dead Weather (junto a Jack White, Dean Fertita y Jack Lawrence). ¿Hay planes en el futuro para este proyecto o incluso para uno nuevo que cuente con tu participación? Por ahora todo lo que hay en mi agenda y en mi corazón es The Kills, ¿sabes?, creo que vamos a estar de gira por mucho tiempo y vamos a ver qué pasa. Quizá empecemos a trabajar en otro disco o quién sabe, no puedo predecir el futuro, ni siquiera sé qué es lo que va a pasar mañana, así que tampoco puedo hablar por los demás. ¿Podemos esperar una presentación de The Kills en México próximamente? Sí, probablemente el próximo año. Por ahora no hay nada planeado pero queremos ir. Nos encantará estar ahí. Aún con muchas preguntas por hacer, el tiempo llega a su fin. Alison se despide humildemente, no sin antes agradecernos por considerar a The Kills para protagonizar nuestro número de mayo. Tras poco más de una decena de minutos, ahora sabemos de primera mano que la vocalista no huye de los medios o de las personas que le hacen un cumplido (al cual responde con una risa nerviosa). Simplemente, se trata de un ser que siente mayor confort transmitiendo las imágenes de su mente convertidas en música, algo, que al parecer, ya sea con The Kills, The Dead Weather o cualquier otro proyecto que se cruce en su camino, seguiremos presenciando durante muchos años.

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MUSICAL BLOSSOM: Estarán de gira, visitando Francia, Alemania y varias ciudades de Estados Unidos y Canadá. Blood Pressures fue grabado en el estudio Key Cluben Benton Harbor, Michigan, el mismo en donde grabaron sus antecesores No Wow y Midnight Boom. WARP’s exclusive pick ‘Heart Is A Beating Drum’ de Blood Pressures

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99 problems...

me robo una frase que me parece el pilar de la discusión: “Charlie Sheen es nuestro amigo pedo”. Claro, Charlie El Lioso, nos está dando un gran show. Inventa palabras y términos para referirse a su ex jefe y a su estilo de vida. Charlie se estrella las latas de cerveza en la cabeza y se pone bigotes de cocaína. Él es mi amigo Charlie. Pero conforme avanza la noche, la voz se le arrastra, y esas palabras ya ni siquiera se le entienden. El amigo borrachín se pone malacopa, comienza a insultar a las chicas y a beberse el vaso rojo de plástico que trae ron, dos hielitos casi deshechos y una colilla de cigarro. Es en ésta etapa en la que se encuentra Sheen. Las entrevistas que ha dado a diestra y siniestra ya no están tan chistosas. Físicamente se ve mal; físicamente me recuerda al Chandler flaco y chupado de Friends cuando Matthew Perry también tuvo problemas de adiccioness, afortunadamente no tan escandalosas.

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No sé si ustedes tengan tan grabada como yo la imagen de Robert Downey Jr. en el juzgado cuando acepta tener un problema de adicción. Es un rostro arrepentido, dispuesto a aceptar las consecuencias que sean de los líos y las sustancias que se ha metido. Pero sobre todo, es una cara que a través de los ojos pide ayuda. Sabe que está en la cuerda floja y que hay dos caminos. En un supuesto proceso de recu-

peración se le dio oportunidad de integrarse al elenco de la serie de televisión Ally McBeal y su corrida fue grandiosa (les recomiendo el capítulo en el cual aparece Sting, es maravilloso). Sin embargo, después de dos nuevos arrestos relacionados con las drogas, los productores lo corrieron. El resto de la historia la conocemos y Downey Jr. está mejor que nunca, ofreciendo todavía más papeles inolvidables. La historia de Robert ahora tiene mucha similitud con la de Charlie Sheen, pero al mismo tiempo, tiene muchos puntos de fractura y que son los realmente preocupantes. ¿Le estamos aplaudiendo al coprotagonista de Two And A Half Men sus chistosadas? Bueno, si ustedes, al igual que yo, son de sus más de 128 mil seguidores a unas semanas de haber sacado cuenta de Twitter, en cuyo primer día rompió récord Guiness, podríamos decir entonces que sí. Pero

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but a bitch ain´t one Pada / @eseauto

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Comics

n ¿Continuará si el personaje derper o Charlie Ha será interpretado por alguien más? Y entonces comienza a gritar y a manotear, a insultar a Chuck Lorre, el productor de Two And A Half Men y a ponerle sobre nombres. Y asegura que Jon Cryer (o sea Alan, su hermano en la serie) es un traidor por no hacer ninguna declaración en el torbellino mediático que todos vimos. Charlie vive en una realidad en la que se siente un superhéroe por cuyas venas corre una TigerBlood y que al grito de “Winning!” se convierte en inmortal. El quitarrisas va a llegar cuando, después de que nuestro amigo el “Charli-drinks” haya abandonado la fiesta a las 7 de la mañana, a las 8:30 nos marquen para avisarnos que está en el hospital pues se acaba de voltear al chocar contra una banqueta. A los fans de la serie nos duele la situación, pero el tema de qué pasara ahora con ella queda en segundo plano. ¿Continuará sin el personaje de Charlie Harper o será interpretado por alguien más? ¿La serie termina así, superada por la vida real?. A Chuck Lorre no le quita el sueño ¿eh? Él ya se la sabe y es el creador de Dharma y Greg y actualmente tiene otra serie al aire:

una tal... The Big Bang Theory. Justamente Kaley Cuoco (Penny en la mencionada TBBT) contestó retuiteando cuando le preguntaron qué opinaba de Chuck Lorre, después de lo que dijo Charlie Sheen, y por supuesto dijo que era maravilloso trabajar con él. Bueno, no es que fuera a decir otra cosa, a final de cuentas ella todavía tiene chamba, pero aquí hay una guerra de poder de los empresarios contra el artista. Y la verdad… se me hace que en Estados Unidos no perdonan tan fácil cómo aquí. Hay dos caminos: que regrese porque, pues... es Charlie Sheen. O que la decisión sea definitiva... a pesar de que sea Charlie Sheen. Si nos olvidamos de que se trata del actor de Hot Shots, Wall Street y Platoon, estamos viendo a un tipo al cual lo corrieron de su trabajo, de manera pública, por borracho y drogadicto. Fuerte ¿no?. ¿Dónde está ese Charlie Sheen que de manera digna entró a ocupar el puesto protagónico que, por su enfermedad, dejó Michael J.Fox, en la legendaria serie de televisión Spin City?. ¿Dónde está el Charlie Sheen que tenía como esposa a un avión de mujer, la actriz Denise Richards?. Charlie Sheen debe dejar de interpretar a Charlie Harper versión HBO, encontrar a Carlos Irwin Estevez, y entonces trabajar en él mismo. ¿Winning, Charlie? Piénsalo bien... P.D. Y a todo esto ¿qué será de Jake?

LOOK KIDS! (FREE) COMICS!

Desde el 2002, se lleva a cabo la iniciativa Free Comic Book Day, en la cual las más grandes compañías editoras publican... eso, comics gratis. En un inicio se trataban de reediciones de comics populares cuyo precio original ya era para muchos inalcanzable, o bien, número que seguramente podrían atraer a la gente a seguir comprando esa serie. La dinámica fue cambiando y ahora se edita material completamente original que, por lo general, sirve de preludio a historias grandes del verano. Pretende hacer crecer el interés para que entonces los fans vayan a buscar la serie mensual. El día no es siempre fijo, pero varía poco, pues también se planea con base en el estreno de una cinta que abra el verano cinematográfico, y si es de superhéroes, mejor. En este 2011, será el 7 de mayo, y coincide con la llegada de Thor a la pantalla grande, el 29 de abril. Afortunadamente, el Free Comic Book Day también se aplica en México, en las pocas tiendas especializadas que hay en nuestro país. Eso sí: sólo se vale agarrar uno.

WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP36 Mira la versión en video de la entrevista visitando EnFilme.com

Gruff Rhys Separado!

Antes que cualquier otra cosa, es imperante decir que Gruff Rhys, frontman de los Super Furry Animals, de Neon Neon y solista, es un tipazo, lo mismo es cierto de Dylan Goch, ambos directores de Separado!, más que un documental, un experimento fílmico muy ad hoc con la personalidad iconoclasta de Gruff. Cuando Dylan le propuso a Gruff hacer un documental sobre los Super Furry Animals éste pensó “hay que hacer una película que mezcle documental con historia”. En la cabeza le rondaba aquella obsesión de años que no había podido lograr: ir a La Patagonia. Su interés “empezó porque yo tenía familiares viviendo en una pequeña comunidad ahí, una especie de ‘Gales libre’ del imperio Inglés, en el siglo XIX. Nuestra familia y la familia de allá perdió contacto, hasta que el guitarrista Lenny Griffith regresó a Gales a mediados de los setenta, cantaba en galés pero tocaba con un estilo argentino. Esa fue mi introducción a La Patagonia, que construyó todo el propósito de la película, la búsqueda de este cuate”. En el documental Rhys toma la ruta rápida de Gales a Argentina, se teletransporta, pues “la teletransportación es muy eficiente, pragmática. Casi no deja residuos de carbono en el aire”, dice con toda confianza. Y así, a través de ese funcional método, encuentra una cultura conocida inserta en un ambiente extraño. “Fue algo loco llegar a un lugar desértico y encontrarte con gente que habla galés, tomando té y comiendo pasteles. Es una cultura galesa muy old fashion la que tienen

ahí. Y aunque todos hemos vivido con esa cultura, es raro tenerla en otro tipo de entorno, hasta el otro lado del mundo. Así que para mí fue algo increíble cuando llegué la primera vez, por ejemplo, ver los letreros en galés en el aeropuerto”, confiesa Dylan. Pero para los patagoneses tampoco debe haber sido muy normal encontrarse con este dúo que organiza toquines gratis en una especie de bodegón. En uno de los momentos más divertidos de la película, el salón se llena de público de todas las edades que espera escuchar rock pop con raíces galesas. En lugar de eso, se topa con un Gruff en casco de astronauta haciendo sonidos extraños. No se espantan ni salen huyendo, sino que se involucran, aplauden y tararean. No todo fue miel sobre hojuelas, “hubo un incidente. Teníamos muy poco presupuesto para grabar. Sólo contábamos con dos cámaras digitales y una súper 8. El segundo día estábamos grabando en Península Valdés, una península muy inhóspita, grabábamos pingüinos y dejamos la cámara por unos cuantos minutos. De pronto los pingüinos empezaron a atacar la cámara hasta dañarla, así que nos quedamos con sólo una. Ese día fue una gran evento, de regreso nos quedamos sin gasolina. Aparte de eso estuvimos muy seguros, nada fuera de lo normal: la lucha contra el medio ambiente y el clima”. Finalmente, lograron su objetivo: filmar su documental y encontrar al familiar perdido, aunque no exactamente donde esperaban.

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entrevista

¿Qué te dejó el documental, Gruff? Me dejó sin dinero, se lo di todo a un doble que se cayó de un caballo.

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Alfonso Flores-Durón Mark James

Werner Herzog Cuando el arte justifica los medios

Alberto Delgado de Ita

El cine de Werner Herzog funciona bajo premisas maquiavélicas: las piezas cinematográficas cobran más importancia que su vida y la de sus actores. Como director enfrenta los retos de producción de manera impulsiva, arriesgada y valiente; casi del mismo modo en que sus personajes de ficción se oponen a la adversidad. Cumple con su fin de director al contar historias en las que las irracionales empresas del hombre terminan siendo sometidas por la abrumadora indiferencia de la naturaleza. En su filmografía, lo bello consiste en un velo que vuelve tolerable la miseria, el horror y el caos que se constituyen dentro del campo de lo terrible. En este sentido, la selva es un elemento clave. En Burden Of Dreams (1982), documental de Les Blank que narra el complejo rodaje de Fitzcarraldo (1982), Herzog comparte su idea sobre la selva. En ella, dice, sólo ve asfixia, sobrevivencia y miseria, pero con una profunda admiración. En Fitzcarraldo, Fitzgerald (Klaus Kinski) está obsesionado con la construcción de un teatro de ópera en medio de la selva para que el tenor italiano, Enrico Caruso, cante en Iquitos frente a los indígenas del lugar. Para lograrlo debe hacer una fortuna en el negocio del caucho,

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altavoz por lo que debe conducir su enorme y pesado barco por encima de un monte. En Cerro Torre: Schrei Aus Stein (Scream Of Stone, 1991), Roccia (Vittorio Mezzogiorno) es un alpinista que acepta el reto de conquistar una de las montañas más difíciles del mundo. En el camino pierde a su mejor amigo y desplaza el éxito deportivo por el ascenso solitario que deviene una experiencia espiritual.

A manera de simbiosis entre el cine y su realización, Herzog posee el coraje de sus personajes. Si Fitzgerald debía atravesar un barco por la montaña en la selva amazónica en Fitzcarraldo, Herzog tuvo que arrastrar por la pendiente el barco de Fitzgerald, aun cuando un ingeniero le demostró matemáticamente la imposibilidad de su deseo. Y cuando había que filmar el ascenso de Roccia sobre Cerro Torre, Her-

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Los desastres naturales en la animación japonesa

zog trasladó a su equipo para filmar la escalada, rodando siempre que la cámara aguantara y que al operador no se lo llevara el viento. Para este cineasta alemán, que creció en un pueblo de Baviera y que nunca vio televisión ni películas de niño, que realizó su primera llamada telefónica a la edad de 17 años y que hizo viajes a pie tan extremos y significativos como sus películas, la pasión debe sobreponerse a las convenciones, sin importar los medios que se deban acatar para mantener el sentido de su existencia como realizador.

Recientemente fue cancelado en Japón el anime Tokyo Magnitude 8.0 (2009), que se sitúa en 2012 y relata lo ocurrido en la capital japonesa después de que un terremoto de magnitud 8.0 en la escala Richter destruye varios puntos emblemáticos de la ciudad, como la Torre de Tokio. La serie, basada en pronósticos reales, se adelantó un año al terremoto, el tsunami y el incidente con el reactor nuclear de Fukushima, que azotaron Japón. Esto fue razón suficiente para provocar la cancelación de su retransmisión. En el arte japonés las catástrofes naturales son tema recurrente. Sirven como hilo conductor, como contexto del romance o como justificación de la existencia de un mundo post-desastre. Además ostentan dos rostros: uno emparentado con la destrucción y otro vinculado con la divinidad y el respeto a la naturaleza. En la película Milleninum Actress (2001), por ejemplo, de Satoshi Kon, cuando la protagonista ha terminado de contar su vida al director de cine y al camarógrafo, durante el clímax, ocurre un terremoto que la manda al hospital en estado de gravedad. En el manga y próximamente anime Deadman Wonderland, de 2007, el desastre natural es el catalizador de un mundo distópico: un gran terremoto hunde el 70 por ciento del territorio japonés. Ya avanzada la historia, se descubre que dicha catástrofe fue causada por el hombre. Hayao Miyazaki le da otro enfoque en Ponyo (2008). El tsunami que ocurre casi al final del filme no es retratado como un evento maligno, pues, en sus palabras, se trata de “uno de los principios de realidad en el mundo con los que tenemos que aprender a vivir.”

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Mark James

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Julio Enrique Macossay Chávez

GOLDEN SKANS Coordinación de Moda: Chëla Olea Fotografía: Sergio Orospe Asistente de Coordinación: Estíbaliz Sienra Maquillaje y Peinado: Chëla Olea Modelos: Heidi & Ian (Higher Model Management) Vestido - Mango / Joyeria - Mani Maalai / Lentes - Mykita

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Jeans y Tshirt - Antony Morato / Reloj - Vestal / Anillo - Mani Maalai

El término “fotorrealismo” empezó como un remoquete burlón en los sesenta, los “entendidos” de arte pensaban que a la gente ignorante y burguesona le gustaba más las pinturas mientras más parecieran fotos (y tienen razón)

Muchas veces tenemos que hacer cambios drásticos para sobrevivir y seguir siendo lo que queremos ser. Éste es el caso de Víctor Rodríguez, quien reside en Nueva York desde hace mas de una década. Originario de Monterrey, pensó que por seis meses en Nueva York podría encontrar algo mejor y terminó quedándose. Su obra, de clasificación hiperrealista, es sumamente congruente con su personalidad. Descriptivo y analítico nos cuenta un poco sobre el artista rodeado de las situaciones que nos apremian en este país.

RODRÍGUEZ

Fading White Chëla Olea

Cortesía Victor Rodríguez

¿Cómo defines tu obra? Son pinturas figurativas. Hay quién me incluye en el asunto del hiperrealismo, aunque lo que quieren decir es realmente fotorealirsmo. No me identifico, pero entiendo por qué. Siempre aclaro que no es mi intención despersonalizar la obra ni hacer un comentario vacío como los fotorrealistas originales de los setenta. Cuando ves uno de mis cuadros la calidad te demuestra que es obviamente una pintura, cosa que no pasa con los cuadros fotorrealistas clásicos, que aun de cerca son tan perfectos que no parecen pintura, ése es su fin. Es decir, no es mi intención engañar o hacer un alarde de destreza técnica que no tengo any way.

¿Cómo ha sido para un pintor mexicano abrirse terreno en un territorio tan exigente como Nueva York? Lo mexicano es irrelevante. Llevo aquí ya casi 15 años y todavía siento que estoy de pasada, así es la onda en Nueva York: todo es competencia y donde tienes que lidiar con el individuo típico que se trasplanta aquí. Es quién ha obtenido resul-

tados más altos de lo esperado en todos los aspectos de su vida y por lo cual se cree un ser “especial” y el ombligo del puto universo. Una de las ventajas de estar en Nueva York es que funciona como una base desde donde te puedes mover hacia cualquier lugar del mundo. Desventajas muchas más, eso sí: todo es carísimo y la calidad de vida es más bien chafa. Hay ratas en todas partes, por ejemplo. Y también celebridades, como Iggy Pop… antes, ya no porque se mudó a Miami.

¿Qué fue lo que te llevó a mudarte? ¿Cuál era la situación artística en México? Era rechazado periódicamente por las tres o cuatro galerías que había entonces, así que no tenía nada que perder. Lo que se veía en ese tiempo era el final de ese movimiento neo-

¿En qué trabajas ahora? Acabo de inaugurar una exposición en la Galería David Klein en Michigan. En noviembre tengo otra con Scott Richards en San Francisco y también me pidieron que saliera haciendo el papel de mí mismo en una película con Richard Gere y Susan Sarandon, eso va a estar muy cotorro, no se la pierdan.

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El lenguaje fotoderivado es para mí eso, un lenguaje visual, un medio nada más. El término “fotorrealismo”, como muchos otros términos de movimientos o estilos artísticos, empezó como un remoquete burlón en los sesenta, los “entendidos” de arte pensaban que a la gente ignorante y burguesona le gustaba más las pinturas mientras más parecieran fotos (y tienen razón). 30 años después, en mi caso por lo menos, ante un momento de confusión estilística y en medio del ojo del huracán del postmodernismo, la transcripción de un lenguaje fotográfico en pintura me pareció la mejor opción, aunque en el momento no me di cuenta, esto lo vi años después. Así que lo mejor es darse gusto uno mismo, que es lo que he hecho básicamente todos este tiempo, tratando de no hacerme de enemigos ni de molestar a nadie, actitud que por supuesto ha molestado a críticos y me ha creado enemigos.

mexicano de pesadilla que incluía en todo a El Santo y a Tin-Tán, aunado a un estilo minimalista-artepoveratransvanguardia italiana que era muy popular. Todo el mundo escribía incoherencias en sus cuadros y hacían la E al revés, no me preguntes porqué. Así que cuando presenté esos cuadros de cabezas gigantes “fotorreales” nadie quiso tocarlos ni con un palo de cinco metros, obviamente. Cuando logré que un matrimonio, director de la entonces galería más importante y cool vieran mi trabajo, ellos me dijo tajantemente “nunca jamás nadie va a comprar cuadros gigantes de la cabeza de tu esposa”, statement que me hizo entender que necesitaba movilizarme de México. Hasta el momento he vendido más de 700 con la cabeza de mi ex esposa. La dueña de otra galería más guajiara a pocas cuadras de la anterior me dijo: “regresa cuando pase la crisis”, que es una forma buenísima de deshacerse de alguien, considerando que la crisis en nuestro país empezó en el siglo XXIII a.C. y terminará allá por el año 6000 cuando explote la tierra por no aguantar a tanto cabrón irresponsable. Tampoco ayudó que estábamos en pleno “error del 94”, el país en una circunstancia económica especialmente mala en la transición Salinas-Zedillo, con el asunto de la guerrilla Zapatista emergiendo en Chiapas y los asesinatos de Colosio y Ruiz Massieu. Así que como verás no tenía nada que perder, la idea era estar en NY unos seis meses. A la semana de haber llegado empecé a trabajar con Iván Karp y unos meses después tuve una exhibición donde me fue muy bien. Ahí, mi entonces esposa se embarazó, y así empezamos a echar raíces aquí, comprando carreolitas y pañales.

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THE CURE Not So Easy Cure Samuel Segura

Cortesía Universal Music

Easy Cure se formó, en 1976, como una banda británica de compañeros de escuela. Robert Smith en las voces y la guitarra, Michael Dempsey en el bajo, Lol Tolhurst en la batería y Porl Thompson en la otra guitarra. De ahí a 1978, la banda tocó en el sur de Inglaterra, haciéndose de algunos fans y componiendo algo de música. Porl Thompson salió en ese lapso y con eso la banda finalmente optó por llamarse solamente The Cure. Fue esa música, influenciada por diversos géneros, lo que llevó a la banda al entonces reciente sello discográfico Fiction, de Chris Parry. Para 1979, el grupo debutó con Three Imaginary Boys con los sencillos ‘Boys Don’t Cry’ y ‘Jumping Someone Else’s Train’. El primero, con el paso del tiempo se transformó en un tema imprescindible de la banda y del rock en general. Ese álbum aún contenía la rabia joven del grupo. Fue hasta su segundo disco, Seventeen Seconds (1980), que comenzaron a inclinarse hacia el lado más oscuro que los caracterizaría. Para ese disco la formación sufrió algunos cambios: Dempsey dejó el barco y en su lugar entraron Simon Gallup en las cuatro cuerdas, y en el teclado, Matthieu Hartley, y con ellos, el reconocimiento a su música (con el sencillo ‘A Forest’), que los catalogó en el género post punk en esos primeros años como banda.

Introspection Los cambios de alineación fueron constantes, Hartley dejó el puesto de tecladista y The Cure volvió a ser un trío. Para 1981, la banda ya tenía preparado su tercer álbum. En Faith los sonidos se ciñeron a atmósferas más densas, a ese lado introspectivo que mucho exploró la banda, sin dejar de lado su primer sonido. ‘Primary’ sería el sencillo encargado de llevarlos a las listas británicas y a acrecentar su fama. Fue ese lapso en que vio la luz ‘Charlotte Sometimes’, el single bastardo, sin álbum ni dueño, basado en la novela de la escritora británica Penelope Farmer. En cuatro años The Cure ya tenía cuatro discos. Pornography salió en 1982 y significó la culminación de la decadencia, de la fascinación por lo extraño. Los cambios no dejaron de suceder y Simon Gallup dejó la banda. Este disco consolidó aún más ese sonido atmosférico y oscuro del grupo, que dejó su huella con el sencillo ‘The Hanging Garden’.

VINTAGE // WARP36 En 1991 participan en el MTV Unplugged, ganan el premio Best British Group y editan, hacia 1992, el disco Wish, álbum que desata giras, discos en vivo y la salida, nuevamente, de Porl Thompson. Cabe destacar el gran trabajo de videoclips de la banda, tan prolífico en esos años, como el del sencillo ‘High’. Boris Williams sale del grupo, sustituido por Jason Cooper, y Roger O´Donell re ocupa los teclados a mediados de los noventa. Para 1996, Wild Mood Swings es editado por estos integrantes. Álbum flojo, difícil, según sus fans y la crítica. Tras este disco, Smith se vio envuelto en diversos proyectos ajenos al grupo, entre soundtracks y demás colaboraciones, que desvían su atención se editó en 1997 el compilado Galore.

Rethought Con cuatro discos a cuestas y algunas giras, Robert Smith se replanteó el rumbo de la banda. Sin Gallup ya era un dúo. La solución en ese momento fue dar un giro pop a su música con el sencillo ‘Let´s Go To Bed’. Ello durante 1983, año bailable y colorido para The Cure, aún con maquillaje en la piel. Esos fueron los antecedentes para que, en 1984, lanzaran a la venta su quinto álbum, The Top, con la inclusión a sus filas de Andy Anderson en la batería, Phil Thornalley en el bajo y el regreso de Porl Thompson en la guitarras. Eran cinco ya, cinco miembros, cinco discos. En esta etapa, los cambios

A Touch Of Heaven Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987) fue un álbum doble que los catapultó aún más a la cima. Su sencillo ‘Just Like Heaven’ fue la muestra de su madurez musical e interpretativa. Le siguió Desintegration (1989) que ya mostraba a una banda más que sólida en cuanto a personalidad, con singles del calibre de ‘Lullaby’, ‘Lovesong’ y ‘Pictures Of You’. También significó la salida de Lol Tolhurst, batería original de la banda. La década de los noventa significó más cambios y movimientos en The Cure. Roger O´Donell sustituido por Perry Bamonete, y la edición del ábum Mixed Up.

Revindication Ya en el 2000, la banda editó Bloodflowers, disco que les devolvió la esencia perdida en sus últimos trabajos. Esta década vio salir el disco Greatest Hits y la ruptura con Fiction Records, además de giras, encabezando carteles por Europa. En 2003 firmaron con Geffen disquera con la que lanzaron su homónimo The Cure (2004). En 2005 hubo más cambios, y Perry Bamonte y Roger O’Donnell, salieron. Regresó, por tercera vez, Porl Thompson. También se reeditaron sus primeros álbumes de la década de los ochenta. 4:13 Dream (2008), el último álbum de estudio hasta la fecha de los británicos, tuvo como antecedente la salida de cuatro sencillos (‘The Only One’, ‘Freakshow’, ‘Sleep When I’am Death’ y ‘The Perfect Boy’), en los días trece de distintos meses. Cuatro miembros en su treceavo disco de estudio. Cuatro partes de la magia que envuelve, todavía, a The Cure. Robert Smith promete regalar un nuevo capítulo de la historia de su banda en 2011, una de las agrupaciones más importantes, influyentes y peculiares que han existido en la música rock.

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constantes no fueron excepción. Salió un álbum en vivo, Concert, y más giras. Anderson y Thornalley abandonaron, para dar paso a Boris Williams en la batería, y otro regreso: Simon Gallup en el bajo. Un ir y venir de integrantes, una constante en The Cure. Esta última alineación trabajó en el álbum de 1985 The Head On The Door. Singles como ‘A Night Like This’, ‘In Between Days’ y ‘Close To Me’ les devolvieron la fuerza perdida y su posición en las listas en el Reino Unido.

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Cuatro miembros en su treceavo disco de estudio. Cuatro partes de la magia que envuelve, todavía, a The Cure.

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KANYE WEST & JAY-Z Paco Sierra

Alejandro Franco

El 19 de marzo, los rumores de un concierto memorable en una estación eléctrica abandonada corrían por las calles de Austin, Texas durante SXSW 2011. Poco menos de dos mil personas consiguieron el acceso. Kanye West pisó el escenario a las 2:00 a.m. y durante un par de horas ofreció una enérgica presentación, que incluyó la participación de la leyenda del hip hop, Jay-Z. Un concierto monstruoso.