WARP Magazine #71 by WARP MAGAZINE

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#WARPYEARBOOK14 FEATURING

FOO FIGHTERS

Y LO MÁS DESTACADO DE 2014

Una vez más el tiempo nos ha alcanzado y así, los 365 días que pasaron frente a nuestros ojos han dejado un mar de memorias, emociones y sentimientos que bien vale la pena evocar y valorar en justa medida. Para WARP Magazine 2014 fue un año sumamente importante, ya que se convirtió en el tiempo en el que redefinimos nuestro camino y decidimos poner atención al estilo de vida que rodea a las personas amantes de la música. Lo anterior ocurrió sin que en algún momento descuidáramos el mundo de las sonoridades y a sus protagonistas, vaya, todo lo que nos ha convertido en su medio de confianza. Con 2015 ocupando los primeros instantes de nuestro camino presentamos nuestro Yearbook 2014, un compilado con lo que a nuestros ojos simboliza lo mejor y lo más destacado de la música y sus alrededores, los momentos que nos hicieron redescubrir el amor por los conciertos, las personalidades que atrajeron los reflectores, los discos, los regresos y todos aquellos detalles que hicieron de este un año memorable. En un esfuerzo por buscar alternativas de comunicación así como de alcance basadas en medios no tradicionales, nuestro Yearbook 2014 (WARP Magazine #71) no se imprimirá y existirá de manera exclusiva como descarga digital gratuita. Este es el segundo año consecutivo en el que decidimos llevar a cabo dicho ejercicio, ya que durante el primer año obtuvimos resultados que superaron nuestras expectativas. En febrero de 2015 volveremos a la cotidianidad con WARP Magazine #72, que estará disponible en edición clásica impresa en los puntos conocidos y a través de la iTunes Store para dispositivos iOS. Gracias de nueva cuenta por su apoyo durante un año más, prometemos seguir siendo un medio a la altura de sus expectativas.

Este fue 2014 traducido en música y sus alrededores.

Pic: EPA / Mario Guzmán

“muchas gracias. YA ME CANSÉ”. -Jesús Murillo Karam

WARP Magazine Publisher Alejandro Franco Fernández @alejandrofranco | Editor en Jefe Diovanny Garfias @androgyn Dirección de Arte Y DISEÑO Oscar Sámano | Editor de Fotografía y Retoque Sergio Gálvez | Fotografía y Retoque Rubén Márquez Correctora de Estilo Karina Luvián @karixluv | Editora de Arte y Fashion Chëla Olea @chelaolea | Traducción Raúl Arce @raularceCh Colaboradores: EnRique Ortega, Natalia Montes, Alejandro Altamirano, Greta Ríos, Eduardo Martínez, Mónica Rodríguez Cordero,

J. ISMAEL CANALES, Krystel Cordero, ALONSO VALENCIA, Linda Cruz, Leonel Hernández Dirección de Estrategias Comerciales Paco Sierra paco@warp.com.mx @pacosierra | PR Ana Luisa Mesta Analuisa@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx © WARP Marca Registrada ®. Año VI No.71 Fecha de Publicación Diciembre de 2014. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

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México y su cultura más cerca que nunca con

Windows —

Entre la gran gama de apps que te ofrece Windows, también hay espacio para la cultura, conociendo hasta los rincones más recónditos de México con información actualizada en la palma de tu mano. Con la aplicación México es Cultura puedes llevar tu propia agenda cultural, conociendo todas las actividades que se están presentando en los diferentes recintos culturales del país, así como la dirección y los comentarios de todos los usuarios para irse a la segura. Decorapolis te ofrece una guía de arte, diseño y cultura a nivel mundial, con contenidos que se encuentren cerca de tu ciudad

o destino, en donde estar conectado con profesionales, expertos y aficionados del arte es parte íntegra de la experiencia. Para los que desean viajar sin salir de casa, también está disponible 7 Maravillas Modernas, que te muestra la historia, la ubicación y los datos más importantes de las nuevas 7 maravillas, junto con una galería de imágenes y fondos en 3D. Los aficionados de los museos también estarán muy felices con Museos D.F., una app que te muestra a detalle la ubicación exacta de todos los museos más cercanos en el área metropolitana. Continuando con este recorrido cultural por México a través de tu Windows Phone,

encontramos un vistazo al pasado con la app Presidentes de México, la cual contiene la biografía, las fechas de los periodos de gobierno, así como galerías de fotos o imágenes interactivas que van desde Guadalupe Victoria hasta Enrique Peña Nieto. Pero si lo que buscas no está en ninguna de estas increíbles aplicaciones llenas de datos e información importante acerca de la cultura mexicana a nivel mundial, Wikipedia XP8 condensa más de 20 millones de artículos en 280 idiomas y está diseñada exclusivamente para Windows. Con esta gran cantidad de apps, es imposible no saber acerca de nuestra cultura y la información necesaria para viajar a través del globo. Windows te ofrece todas las herramientas para siempre estar al día en arte y sociedad.

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Cumbre Tajín Tool Parque Takilhsukut Papantla, VER, México Foto: Franccel Hernández para WARP

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SXSW Damon Albarn Austin, TX, EE.UU Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

ST. VINCENT Austin, TX, EE.UU Foto: Sergio Gรกlvez para WARP

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SXSW

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VIVE LATINO ARCADE FIRE Foro Sol México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

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VIVE LATINO NIN Foro Sol México, DF Foto: Franccel Hernández para WARP

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COACHELLA Pharrell Williams Empire Polo Club Indio, CA, EE.UU Foto: Franccel Hernรกndez para WARP

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Primavera Sound Pixies Parc del Fòrum Barcelona, España Foto: Samantha López para WARP

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Glastonbury Metallica Worthy Farm Pilton, Somerset, Inglaterra Foto: Camila Jurado para WARP

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Outside Lands Spoon Golden Gate Park San Francisco, CA, EE.UU Foto: Paco Sierra para WARP

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Corona Capital beck / HAIM Curva 4 Autódromo Hnos. Rodríguez México, DF Fotos: Oscar Hernández y Franccel Hernández para WARP Retoque digital: Rubén Márquez

Por Alonso Valencia

Después de un 2013 lleno de regresos y nuevas promesas, 2014 queda a la sombra de un año musical excepcional. No obstante, logró contar con viejas caras que decidieron volver, con sonidos renovados y propuestas interesantes. Desde ensambles legendarios que retornan con un último adiós, hasta antiguos conocidos que añorábamos en el escenario, pasando por aquellas sorpresas que nos dejan con un buen sabor de boca, este lapso de tiempo ha quedado marcado por grandes reapariciones que nos ofrecieron una vuelta a los anales de la historia, con un sentimiento de melancolía que también trae consigo un nuevo viaje musical y grandes materiales discográficos.

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Foto: Harry Borden

Pink Floyd Pocas bandas se han consolidado al grado de Pink Floyd. David Gilmour, Syd Barrett, Nick Mason, Roger Waters y Richard Wright ayudaron a cambiar la forma del juego musical, con arriesgados proyectos audiovisuales como The Wall (1979) y fuertes trabajos discográficos como Wish You Were Here (1975); sin embargo, la mente inquieta de sus integrantes también se convirtió en el principal factor en contra, al dividirlos en diferentes proyectos y propiciar la desaparición de Pink Floyd por un gran lapso de tiempo.

Después de casi 10 años de su reunión en Live 8 y exactamente dos décadas después de su último álbum, la agrupación decidió darle un cierre a su larga e increíble carrera con The Endless River, ahora sin Richard Wright, quien murió en 2008, y dejando de lado a Roger Waters, quien cuenta con una prolífica discografía en solitario. Así, el más reciente disco de Pink Floyd sirve de despedida formal, con un poco de su clásico sonido a través de un compilado de piezas inéditas, además del inigualable toque de David Gilmour en la producción.

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Aphex Twin escena actual de la música electrónica siendo, sin duda, uno de los retornos más sorpresivos del último decenio. Syro, grabado a lo largo de varios años en diferentes estudios, demuestra las capacidades de Aphex Twin al máximo y lo consolida como uno de los genios musicales más importantes de la nueva era. Es improbable una próxima gira mundial, pero habría que cruzar los dedos para así poder disfrutar en vivo de la grandeza innegable de Rich D. James.

Foto: Cortesía Aphex Twin

2014 fue marcado por Richard David James a través de una campaña viral que mostraba destellos de un regreso en forma de aquel Aphex Twin que se perdió en 2001, con breves reapariciones para compilados y DJ sets a lo largo de Europa. Lo que nadie esperaba es que este regreso también le regalaría al mundo uno de los mejores discos del año, que con una combinación de los característicos sonidos eclécticos del artista logra recuperar la energía de trabajos previos, con un nuevo toque basado en la

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Foto: Cortesía U2

Catalogada como la invasión virtual más grande del año, U2, sin más ni más, decidió soltar su más reciente trabajo discográfico de una forma completamente inesperada, al romper los parámetros de la nueva industria musical digital y regalar Songs Of Innocence a cada usuario de iTunes en el mundo. ¿Visionarios? La verdad es que la agrupación liderada por Bono siempre ha dividido opiniones, pero lo que es cierto es que muchas de sus ideas han buscado transformar los esquemas preestablecidos para bien… o para mal.

De vuelta, con un álbum que pese a todo ha pasado sin pena ni gloria a nivel musical, U2 decidió emprender el camino mediático luego de su nominación al Oscar con una estadía en el show de Jimmy Fallon, misma que se ve impedida por un risible accidente de Bono en bicicleta. Con todo esto, la banda se prepara para una gira masiva e impresionante — como acostumbra— para promocionar un disco mal recibido que, si lo apreciamos detenidamente, cuenta con matices de un viejo U2 que se perdió en los ochenta.

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Con estruendosas guitarras y riffs electrizantes, el punk regresó con Death From Above 1979 y su segunda placa de estudio, The Physical World. El dúo canadiense que se conoció en un concierto de Sonic Youth y escogió lo que al parecer es un arbitrario 1979 como subtítulo (después de una disputa legal) pero que representa un recordatorio simbólico del cierre de una década donde murió todo lo que alguna vez fue cool.

Bajo la consigna de imprimir aquella originalidad a la era de los millenials, Sebastien Grainger y Jesse F. Keeler reaparecieron de la nada tras tres años de arduo trabajo, dándole una esperada secuela a You’re A Woman, I’m A Machine (2004) y, al mismo tiempo, replanteando una propuesta que se perdió con el paso de los años entre el rock y el pop alternativo, que nos recuerda que Canadá se ha convertido en la cuna de los éxitos inesperados que van de Rush a Arcade Fire, pasando por Metric y Neil Young.

Foto: Andrew Graham

Death From Above 1979

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Prince Prince es uno de los artistas más polifacéticos de la historia, siempre caracterizado por romper los parámetros de lo establecido al grado de cambiarse el nombre por un símbolo impronunciable. Con su trabajo discográfico número 33 bajo el brazo, el ecléctico cantante vuelve por debajo del radar con una placa que es más sustanciosa que experimental.

Foto: Cortesía Prince

Art Official Age aparece —además de Plectrumelectrum— como una placa trabajada en colaboración con la banda de chicas 3RDEYEGIRL, mostrando la dualidad misma de un artista que no ha logrado erigirse de nueva cuenta como lo esperaba no sólo él mismo, sino su base de fans y el público en general. A pesar de que en los últimos años el místico creador de Purple Rain (1984) ha desaparecido de los reflectores, con esporádicos destellos en la vida pública, la propuesta musical de Prince sigue más presente que nunca, como lo demuestra la calidad de sus últimas producciones que vuelven a traer un poco de esa locura a la que nos ha acostumbrado el originario de Minnesota.

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interpol Parte fundamental de la camada de bandas leyenda del nuevo milenio —junto con The Strokes, Yeah Yeah Yeahs y muchas más agrupaciones desaparecidas en acción—, Interpol perdió la brújula con un álbum homónimo completamente olvidable y un Our Love To Admire (2007) que no le llegaba ni a los talones a sus primeras placas de estudio, para volver este año y reclamar la reintegración de esa fanbase que se diluyó con el paso de los años. A diferencia de estas bandas de migajas que han decidido dejar de lado su pasado para reencontrarse en nuevos proyectos o continuar simplemente como solistas, Interpol mantiene un paso firme y busca reestablecerse de manera íntegra, como cuando apareció con el ya lejano e icónico Turn On The Bright Lights (2002), que sólo logró superarse con un inolvidable Antics (2004).

Foto: Eliot Lee Hazel

Banks, Kessler y Fogarino decidieron regresar este 2014 armando un anagrama con sabor a nostalgia vía El Pintor, que llega para una nueva y vieja generación que ha cambiado a The Libertines por Sleigh Bells y a The White Stripes por The Drums, convirtiéndose en una de las pocas bandas que se aferran a no desaparecer en una industria musical de tendencias cambiantes.

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Foto: Fernando Velasco para Luciérnaga y WARP

Zurdok El rock en español vive de memorias que suelen habitar en la década de los 90, para pasar el manto a una nueva generación que hasta la fecha sigue sin catapultarse al estrellato integrado por Soda Stereo, Café Tacvba, Caifanes o Aterciopelados. Sin embargo, existió una banda de Monterrey que era solicitada a gritos por un público enamorado de su música y original estilo. Su nombre: Zurdok.

comparamos con toda la magia que contienen álbumes como Hombre Sintetizador (1999) y Antena (1997). Afortunadamente, Zurdok decidió volver teniendo como primera parada un Vive Latino que se jactó de reunir a Chetes, Terracina, Cátsup, Rojo y David Izquierdo tras un descanso que parecía la muerte de una de las mejores bandas surgidas en el ocaso de una era.

Esa relativamente pequeña agrupación desapareció hace poco más de diez años, para dividirese en diversos proyectos que ofrecían el talento de sus creadores sólo en pequeñas porciones si lo

Con una última parada en el Teatro Metropólitan —considerado el mejor concierto de su historia—, los regios ya trabajan en un nuevo material que promete mucho Zurdok para rato.

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Outkast Dejando de lado la controversia generada por André 3000, quien aseguró que el comeback de los reyes de Stankonia fue el intento más fallido de todos los regresos de 2014 —con un espectáculo en Coachella que rayó en el desorden absoluto—, Outkast se reformó para pisar los escenarios y muy probablemente desaparecer de nueva cuenta. Entre la anticipación insuperable y una química que simplemente no ha logrado solidificarse, este back to business continúa su curso con una gira impresionante que incluye nombres como Childish Gambino, Kid Cudi, 2 Chainz y Janelle Monáe, manteniendo la incógnita de si este regreso será recordado como un logro rotundo o un fracaso total; todo está en manos de Big Boi y André Benjamin.

Foto: Franccel Hernández para WARP

Con la moneda en el aire, mucho se ha hablado de un nuevo álbum que probablemente no vea la luz en fechas próximas. Sería un placer escuchar algo del éxito rotundo que significó Speakerboxxx/The Love Below (2003). Veremos.

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spoon La exploración de nuevos proyectos múltiples por parte de sus miembros en solitario hizo que Spoon desapareciera un par de años, tras lograr con Transference (2010) un enfoque minimalista que se alejó de las pegajosas tonadas de Ga Ga Ga Ga Ga (2007), para un renacimiento mucho más en forma que logró llevar al máximo las mentes de Britt Daniel y Jim Eno.

Foto: Tom Hines

Con They Want My Soul esta premisa es llevada a otro nivel para agregar nuevos elementos a la ecuación en forma de Alex Fischel, el nuevo

miembro de la banda; Loma Vista, su nueva disquera, y Joe Chiccarelli, un nuevo productor, quienes se suman a una revitalizada propuesta que condensa lo más destacado en toda la carrera de los originarios de Austin, Texas. El resultado es impresionante y muestra a un Spoon renovado que logra tocar las fibras más sensibles con su magia de sintetizadores y teclados, que hace de su último llamado musical el disco más importante y mejor logrado de toda su carrera.

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Beck Probablemente muchos no hayan sentido la ausencia de Beck Hansen gracias a su imparable actividad, misma que lo llevó a fundar su propia disquera y proyectos como Record Club; a colaborar con artistas de la talla de Jack White, Philip Glass o Seu Jorge, e incluso a ser la mente detrás de bandas sonoras como la de Scott Pilgrim Vs. The World (2010). La verdad es que el vacío que dejó el cantautor en estos seis años sólo pudo ser llenado, en este 2014, por su misma presencia envuelta en Morning Phase, un disco lleno del folk que ha caracterizado a su autor pero alejado de ese humor tan sutil que seguramente ni él mismo podría describir. Su más reciente placa de estudio presenta a un Beck que se atreve a apuntar a mucho más y que por fin toca el suelo de varios países que reclamaban su presencia desde hace más de diez años, junto con ese toque maravilloso que lo convierte en uno de los artistas más extraordinarios de la escena musical.

Foto: Cortesía Beck

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EL CINE EN 2014 —

Por Linda Cruz / @LindaCruz

El inevitable recuento de cada vuelta al sol en el calendario gregoriano nos lleva a recordar lo más sobresaliente de los últimos 12 meses. En el cine, este ha sido un año en el que nuevamente se han superado expectativas en algunos casos —Maléfica es ejemplo de ello— mientras que en otros han habido importantes descalabros —Godzilla me viene a la cabeza—. En México, el cine nacional ha tenido también muy buenos resultados si tomamos como muestra (gustos aparte) cintas como Cantinflas, Guten Tag Ramón, Más Negro Que La Noche, La Dictadura Perfecta o Cásese Quien Pueda, que fueron vistas por más de un millón de espectadores cada una. La tardada Club Sándwich, de Fernando Eimbcke, finalmente tuvo su corrida comercial y con la laureada Güeros, de Alonso Ruiz Palacios, han seguido sembrando expectativa sobre lo que se realiza en México.

The Interview

Birdman

A nivel internacional, gracias a Birdman de nuevo resuena México como la nacionalidad de algunos de los realizadores más interesantes, y aunque la película no tuvo los resultados que se esperaban en taquilla, los merecidos halagos al trabajo de Alejandro González Iñárritu y Emmanuel Lubezki sugieren que serán ellos quienes muy probablemente coloquen algunos galardones más en sus repisas durante la próxima temporada de premios. Más allá de todo lo que se pueda recapitular en este tipo de revisión, hay un acontecimiento histórico que es imposible eludir: el ciber ataque terrorista a la industria más rentable del entretenimiento. Tan sólo hace algunas semanas el grupo autodenominado Guardians for Peace (Guardianes por la Paz) logró inmiscuirse en las entrañas de la información de uno de los estudios más importantes de Hollywood: Sony Pictures. Los miembros de este grupo de hackers obtuvieron los números de seguridad social de los empleados, realizaron numerosas amenazas simultáneamente, subieron a la red películas por estrenarse como Fury, Annie, To Write Love…, Still Alice y Mr. Turner, y filtraron información altamente confidencial relacionada con presupuestos, salarios, directivos, ejecutivos, productores, actores y prácticamente todo el personal que labora para dicha compañía. Luego de mucha especulación se confirmó que esta invasión tuvo como pretexto el estreno programado para el 25 de diciembre de la película The Interview, coescrita, codirigida y coprotagonizada por Seth Rogen, y estelarizada por James Franco, en donde, so pretexto de entrevistar a Kim Jong-un, líder de Corea del Norte —quien es fan de un programa gringo de espectáculos—, se intenta asesinar al mandatario. Supongo que había cierto tipo de riesgo calculado, pero las cosas tomaron otro giro cuando se hicieron amenazas de atentados terroristas semejantes al conocido 9/11 contra las exhibidoras que decidieran estrenar la película. Sony canceló el estreno y finalmente se confirmó que Corea del Norte estaba detrás de estos acontecimientos. Luego se rumoró que la cinta sería lanzada sólo vía digital y que más de 300 salas de la Unión Americana la proyectarían sin anunciar exactamente dónde. Finalmente, The Interview se subió a la red y se puso a disposición del público en YouTube Movies, Google Play, X Box Video y en el sitio seetheinterview.com.

Aunque esta no es la primera vez que la industria de Estados Unidos se pitorrea de los norcoreanos (Team America World Police) sí habrá un antes y un después de este episodio. A partir de este hecho, los demás estudios han reestructurado la seguridad de sus redes y seguramente agudizarán sus filtros para analizar tópicos que puedan considerarse como sensibles. Todo esto ha vulnerado como nunca a la industria hollywoodense y ha puesto sobre la mesa numerosos temas a considerar, incluso dentro del mismo músculo del entretenimiento que ha escalado ya a las altas esferas de la política. La gravedad está en todas partes: la seguridad de la información, la protección de la identidad, la fragilidad en un mundo digital en el que prácticamente ya no existen los tiempos ni las distancias, pero más allá de todo, la libertad de expresión. Si bien es cierto que hay que tomar las cosas de quien vienen —basta echar un ojo a las películas de estos dos jóvenes y populares actores—, este evento cuestiona los límites de lo que puede poner en riesgo la seguridad de una nación en pos de unas irreverentes carcajadas. Aunque sospecho que, a diferencia del fanatismo religioso relacionado a otros ataques, este aparenta ser en defensa de una ideología (la comunista, sabor Corea Del Norte), probablemente no habría ocurrido sin el dinero que un país —aislado, pero país al fin y al cabo— pudiera facilitar, lo que sugiere que se trata de un trabajo mercenario. Lo malo es que ahora otros grupos sabrán que sólo es cuestión de presupuestar los servicios de estos atacantes para hacer daño prácticamente a cualquier objetivo. Hay muchísimo más en juego y el tema debería ser analizado con basto detalle, algo que lamentablemente el número de caracteres no permite hacer aquí. Así, 2015 podría ponerse muy histórico con este y otros temas, como la relación EUA-Cuba, el conflicto entere minorías y el abuso de poder, y desde luego, en nuestro país, la corrupción, impunidad e injusticia que nos tienen de luto. El cine es un buen espejo, en el cual todos estos temas posiblemente sean abordados por realizadores de mil maneras distintas en el futuro.

Linda Cruz es Editora en Jefe de WARP.la, periodista y titular de la sección Movie Monday del programa de radio WFM.

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MEZCAL

GRACIAS A DIOS —

Hoy, hablar de mezcal es hablar de Querétaro

Mezcal Gracias A Dios es la conclusión de cuatro años de trabajo arduo y representa el nacimiento de una marca queretana cuya principal tarea es mostrarle al mundo el alto nivel de calidad de lo que se hace en México. Regularmente las marcas trabajan desde un inicio para poder tener un mezcal, embotellar el producto y lanzarlo al mercado. En el caso de GAD fue distinto, ya que decidimos, primero, abrir una cantina en el corazón del Centro Histórico de Querétaro donde la bebida central fuera el

mezcal y así conocer más sobre esta bebida, sus bondades, características y claro, escuchar de primera mano lo que la gente buscaba en un producto de la más alta calidad.

Así nació Gracias A Dios, un mezcal 100% artesanal, hecho en nuestro palenque en Mazatlán, Oaxaca, con la ayuda de nuestro maestro mezcalero Oscar Hernández.

Tras conocer a fondo el arte del mezcal, decidimos que era el momento para lanzar al mercado Gracias A Dios y, tras recorrer varias partes del país, encontramos al mejor maestro mezcalero que pudiera existir en todo el país, uno que nos podía entregar un gran producto de forma artesanal y con calidad de exportación.

Con sabor fuerte y aromático, nuestros productos son el resultado de una larga búsqueda por encontrar el mejor mezcal: Espadín: Suave y equilibrado, de tonos ahumados ligeros, color cristalino, aromas sutiles a tierra húmeda, miel y agave.

Reposado: Suave y equilibrado entre los tonos ahumados, de color ligeramente dorado y un sutil aroma amaderado. Tobalá: Brillante con destellos cromados, persistente y delicado sabor ahumado, con toques delicadamente florales y un final suave que se desvanece lentamente. Hablar del mezcal es hablar de México, pero hablar del mezcal Gracias A Dios es hablar de Querétaro y de una empresa que busca compartir la esencia y las raíces de México.

PRESENTADO POR:

Foto: Zaruhy Sangochian para WARP

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DISCLOSURE

José Cuervo Salón México, DF

México, DF

Foto: Oscar Hernández para WARP

El Plaza Condesa

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CHARLI XCX

Foto: Franccel Hernández para WARP

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TRAVIS

PEPSI Center WTC

México, DF

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DEFTONES

PEPSI Center WTC

Foto: Franccel Hernández para WARP

México, DF

Foto: Raúl Arce para WARP

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House of Vans

CHROMEO

PEPSI Center WTC México, DF

Foto: Franccel Hernández para WARP

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QUEENS OF THE STONE AGE

Foto: Sergio Gálvez para WARP

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ZOÉ

Foro Sol

México, DF

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FRANCISCA VALENZUELA Lunario del

Auditorio Nacional

Foto: Franccel Hernández para WARP

México, DF

Foto: Franccel Hernández para WARP

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JAKE BUGG

José Cuervo Salón México, DF

Centro Expositor Puebla, PUE, México

Foto: Sergio Gálvez para WARP

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JACK WHITE

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2014

El recuento de los daños —

Por Enrique Ortega (@QuiqueOrtega)

Puede acabar un ciclo escolar, llegar la Semana Santa, el verano o incluso un puente —de esos que abundan en nuestro calendario—, sin embargo, en ningún momento hacemos un “corte de caja” tan drástico como se da en un cambio de año. Pareciera que con el pasar de 2014 a 2015 nuestra vida se transforma y concertar citas para enero se convierte en un acto impensable, solo tenemos buenos deseos y anhelos en lo personal y profesional. No obstante, es necesario voltear atrás y ver lo que pasó, cómo nos cambiaron los 365 días que han concluido y que, nos guste o no, no podremos repetir jamás.

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2014 estuvo marcado por una serie de acontecimientos sociales, políticos, económicos, deportivos e incluso algunos del mundo del entretenimiento que nos hicieron reír, llorar, emocionarnos y enojarnos. No habían pasado muchos días del mes de enero cuando una famosa actriz mexicana fue objeto de burlas y críticas; por supuesto, me refiero a Lucero, a quien apenas unas semanas antes habíamos visto llorar como Magdalena en el Teletón, tratando de tocar nuestros corazones para levantar el teléfono y donar unos cuantos pesos para ayudar a niños con discapacidad, hecho que resultó contradictorio cuando una conocida revista mexicana le dedicó su portada a una serie de fotografías en las que ella, su novio e hijos se mostraban en plena cacería, con rifle en mano y una sonrisa en los labios. El hashtag #LuceroAsesina se convirtió en el primer trending topic de 2014 y lo que podría haber pasado como una anécdota chusca, si Lucero se hubiera disculpado, terminó en una grave crisis que culminó con su renuncia a Televisa y su posterior mudanza a Estados Unidos, evitando así su aparición en el Teletón. El daño en la imagen de la también cantante fue enorme, pero quizá hoy agradezca que le haya pasado, pues fue el primer año en el que dicho evento estuvo a punto de no superar la meta planteada debido a una serie de escándalos protagonizados por nuestro presidente, Enrique Peña Nieto, y su esposa, Angélica Rivera “La Gaviota”. La desaparición de 43 normalistas en el estado de Guerrero y la adquisición de una casa en la Ciudad de México, cuyo costo —se presume— fue de 86 millones de pesos y que, en palabras de la Primera Dama, le fue transferida por Televisa como parte de un finiquito atribuible al contrato que sostuvo desde 1989 con ellos, desataron lo que fue, sin duda, un horrendo último trimestre del año para la pareja presidencial. Esto y el evidente mal manejo de crisis hizo que miles de mexicanos salieran a las calles a pro-

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testar, exigiendo justicia y respuestas. Acto seguido, en un intento por acallar el descontento, funcionarios como el Procurador General de la República, Jesús Murillo Karam, declararon cosas inexactas que echaron más leña al fuego, teniendo como cereza del pastel el hoy famoso “ya me cansé” del propio Murillo, pronunciado durante una conferencia de prensa sobre el tema. Según el diario Milenio, el hashtag #YaMeCansé fue mencionado más de cinco millones de veces alrededor del globo y durante tres semanas fue trending topic en Twitter. Dice Paulo Coelho que “se está muriendo gente que antes no se moría”, pensamiento perfectamente aplicable a los dos fallecimientos más trascendentes del año: Robin Williams y Roberto Gómez Bolaños “Chespirito”. El primero murió por causas alarmantes, ya que fue encontrado en su casa, ahorcado con su cinturón. Las investigaciones policiales señalaron que Williams sufría de depresión severa y fue justo eso lo que lo llevó a tomar una decisión tan radical, hecho que nos hizo reflexionar sobre cómo una persona que en pantalla nos hacía reír podía pasar por un episodio de esa magnitud. La insensibilidad social respecto al caso recayó en la hija del actor, Zelda, quien fue acosada vía Twitter con fotomontajes que mostraban el cadáver de su padre y que, resulta obvio, provocaron que la joven cerrara su cuenta temporalmente. Ahora bien, quien fuera sumamente exitoso en esta red social (con un cuarto de millón de seguidores a escasas horas de haber abierto la cuenta, en 2011) también falleció este año. “Chespirito”, quien fue enorme influencia para varias generaciones, murió el 28 de noviembre pasado y este suceso fue objeto de varios memes en Internet, siendo uno de ellos el que ponía la cara de “Chabelo” con la frase: “Al final, sólo puede quedar uno”, en referencia a la conocida broma sobre la supuesta inmortalidad de este personaje.

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Al hablar del deporte en 2014 es evidente que el suceso del año fue la celebración del Mundial de Futbol, en Brasil. Obviando los grandes problemas políticos por los que atraviesa el país sudamericano —que, irónicamente, reeligió a Dilma Rousseff como presidenta—, millones de personas se conectaron de manera simultánea a los canales de televisión para ver los partidos que culminaron en una inevitable coronación de Alemania, siendo el primer país europeo en ganar este evento en un país americano. Aunque el acontecimiento fue de gran importancia, quizá la victoria de los germanos no será lo que más recordaremos de Brasil 2014, o al menos no la que los llevó a ganar el campeonato, sino la goleada sin piedad que le metieron a la selección local con un marcador de 7-1, sólo superada en la historia por la que le propinó Hungría a El Salvador en el mundial de España 1982 (10 goles por 1). El encuentro entre Alemania y Brasil fue mencionado cerca de 36 millones de veces en Twitter, convirtiéndolo en el más exitoso en conversaciones digitales. Cabe mencionar eso otro que recordaremos como mexicanos, con el famoso #NoEraPenal surgido durante el partido de la Selección Mexicana con Holanda. A pocos minutos de culminar y con clara ventaja futbolística por parte de México, el jugador Arjen Robben finge una caída supuestamente provocada por Rafa Márquez, misma que es marcada como penal y da como resultado la pérdida de la esperanza del tan anhelado “quinto partido”. Hoy, el #NoEraPenal es de dominio internacional e incluso pueden encontrarse playeras sobre el tema en Amazon, por encima de los 15 dólares.

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Un recuento de los sucesos más trascendentes de 2014 no puede estar completo si dejamos de hablar de la fotografía más retuiteada en la historia, tomada por Ellen DeGeneres durante la entrega de los premios Oscar y en la que aparecen personajes como Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Kevin Spacey, Brad Pitt, el hermano desconocido de Lupita Nyong’o y, aunque todos la tapan pero hizo un buen intento por salir a cuadro, Liza Minnelli. Esta simple selfie generó más de 3.3 millones de retuits, superando a la fotografía de “Four more years” de Barack Obama, que tuvo únicamente medio millón. La selfie fue un fenómeno digno de análisis semiológicos, pues reflejó, sin querer, el estado de la industria del cine en ese momento y opacó la noticia que en ese mismo evento hizo enorgullecer a miles de mexicanos: la presea por Mejor Director para Alfonso Cuarón, gracias a la cinta Gravity. El siglo que vivimos es aún joven, con un año complicado que se suma a sus anales y que cuenta en su historia la recaptura del Chapo Guzmán, el brote del ébola, la desaparición de un avión de Malaysia Airlines y el fenómeno del Ice Bucket Challenge, hechos que nos hicieron estar atentos y formar un juicio crítico. Hablar de todo lo que ocurrió en tan pocas letras es imposible, por lo que sólo queda esperar a que 2015 sea trascendental para los mexicanos desde un enfoque positivo; basta con que no olvidemos lo vivido porque “quien no conoce su historia, está condenado a repetirla”.

Enrique Ortega es Consultor en Imagen, Director Académico de CosmoCiudadano, A.C., Catedrático de la Universidad Anáhuac y del Colegio de Consultores en Imagen Pública.

The way we lived Con 2014 no sólo llegó un nuevo año, también una oportunidad para WARP Magazine de abarcar nuevos temas con la solidez editorial y la belleza visual que acostumbramos en los terrenos musicales. Durante los pasados 12 meses viajamos a algunos de los puntos más interesantes del planeta, nos maravillamos con diversos sabores culinarios, catamos los mejores single malts del mundo y platicamos con algunos de los personajes más seductores de distintas trincheras. Esta es apenas una muestra de todo lo vivido, un aperitivo de lo que está por venir.

PRESENTADO POR:

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Photoshoot Moonage Daydream. Foto: Dan Crosby [01]

Tori Tori Temístocles, Ciudad de México. Foto: Sergio Gálvez para WARP [ 02 ] Vitivinícola Finca La Carrodilla, Baja California, México [ 03 ] Lagavulin Single Malt Scotch Whisky. Foto: Rubén Márquez para WARP [ 04 ] Leopold Museum, Viena, Austria. Foto: Juan Pablo de la Vega para WARP [ 05 ] Destilería Lagavulin, Isla de Islay, Escocia. Foto: Tim Bishop [ 06 ] 05

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Old Fashioned. Foto: Franccel Hernández para WARP [ 07] Restaurante Jaso, Ciudad de México. Foto: Sergio Gálvez para WARP [ 08 ] Destilería Lagavulin, Isla de Islay, Escocia. Foto: Tim Bishop [ 09 ] Detrás de cámaras photoshoot Alexis de Anda [ 10 ] Bauhaus Art School, Dessau, Alemania. Foto: Juan Pablo de la Vega para WARP [ 11 ] Photoshoot Madder Red. Foto: Dan Crosby [ 12 ]

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Puebla 109, Ciudad de México. Foto: Franccel

Hernández para WARP [ 13 ] Speyside Scotch Whisky Cardhu. Foto: Rubén Márquez para WARP [ 14 ] Rocas Igneas, Baja California, México. Foto: León Chargoy [ 15 ] Detrás de cámaras photoshoot Gabriela Warkentin [ 16 ]

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Fashion 2014 —

El recuento de lo femenino Por Mónica Rodríguez Corona

Mientras que a estas alturas estamos pensando en lo que nos depara el próximo año, para la industria de la moda hablar del inicio de 2015 es hablar del pasado, pues su calendario y el nuestro nunca coinciden en el presente. Apenas iniciado el año, en febrero se muestran las tendencias otoño/invierno (O/I). Para septiembre, el año en curso tiene una importancia de cero. Las casas de moda invaden las ciudades más importantes de los cinco continentes para presentar las propuestas primavera/verano (P/V) del próximo año. Es, de tal suerte, que querer realizar un recuento de las tendencias en la moda de 2014 es, básicamente, pensar en 2013.

Foto: Thibault Camus

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Foto: Pascal Le Segretai

¿Así es la moda de dictatorial y caprichosa? Sí, mas nunca superficial. No todo es “trapos más, trapos menos”, siempre lleva a cuestas el contexto social, pues ninguno de nosotros puede vivir ajeno a los acontecimientos del mundo exterior y los creativos al frente de las grandes marcas tampoco, por lo que el mood social de 2014 y su desencanto cultural tiñen la estética del año entrante. Así pues, no sólo los colores vivos, claros y estampados vibrantes a los que estamos acostumbrados en verano han quedado matizados por una gama con mucho ocre y tonos bicolor —paleta cromática en la que parecen coincidir casas de moda como Balenciaga, Louis Vuitton, Prada, Saint Laurent, Alexander McQueen y Tom Ford—, sino que el tema de ‘lo femenino’, a pesar de ser un concepto recurrente de inspiración en el fashion business, llevará una carga muy diferente este 2015, con hechos que sacudieron al mundo y mostraron un tono más crudo y real en la significacia de la mujer actualmente. Los acontecimientos al respecto son muchos, pues basta recordar a la jovencísima Malala Yousafzai y su designación al Premio Nobel de la Paz; a Ema Watson con su discurso sobre el feminismo integral de género para He For She, en la ONU; aquel video viral en el que una chica documentó el acoso que sufrió por parte de los hombres al recorrer las calles de Nueva York, sin olvidar el perfil violento que representó el puñetazo que Ray Rice, jugador de los Ravens de Baltimore, propino a su esposa, ocasionando que la NFL creara la campaña No More, y el

tremendo abucheo que Apple recibió tras el descontento general por su aplicación Apple Health —señalada por su falta de integración de asuntos básicos de salud femenina—. Frente a todo esto, la moda no se quedó atrás, por lo que contó con dos colecciones que, sin sacrificar el colorido veraniego, establecieron su postura: Chanel y Moschino. La firma italiana, por un lado, retomó a Barbie como emblema, la famosa muñeca que ha dictado los cánones de belleza y del rol femenino por décadas —con duras críticas por su difusión de falsos ideales estéticos— pero que en manos de Jeremy Scott se convirtió en una maravillosa sátira, con modelos enfundadas en melosos outfits color rosa y magenta, luciendo abundantes cabelleras platinadas. Ahí va Barbie patinadora, Barbie viajera, Barbie va al gimnasio, Barbie va a la playa, y detrás de ellas su séquito, las llamadas amigas de Barbie, todas con un look kitsch muy revival de los años 80. Debo admitir que atestiguar dicha pasarela me resultó un poco culposo, al ver a las modelos y recordar mi infancia con emoción, para, un segundo después, debatirme frente a la idea de seguir disfrutando del encanto de esta muñeca que representa tantas cosas políticamente incorrectas. En lo que respecta a Karl Lagerfeld, todo se sitúo en el ficticio Boulevard Chanel, con impresiones de piso a techo simulando fachadas y la pasarela sobre el asfalto. El show comienza, aparecen las modelos en pequeños grupos con paso decidido, algunas de ellas platicando entre sí. Los detalles en las pequeñas cosas,

como bolsas con la inscripción ladies first, nos dan una idea de lo que se avecina. Todo pareciera muy normal hasta que la última modelo desaparece del escenario y el grupo reaparece en plena marcha, al unísono, con pancartas bajo diferentes lemas: “She for he”, “History is her story”, “Women’s rights are more than alright”. Megáfonos, el tumulto, y entre todo eso Lagerfeld, quien después explicaría que la idea detrás de esta colección es presentar uno de los tópicos más cercanos a la moda: el feminismo moderno. No se puede asegurar que la intensión de Scott haya sido crear un conciencia femenina a partir de una sátira o que el Kaiser de la Moda sea genuinamente partidista de la filosofía feminista. Lo cierto es que lo indispensable para continuar con la ola de este mood social es mantener los opuestos y, en este caso, la reproducción del estereotipo de ‘lo femenino’ y la liberación del mismo. Si bien las tendencias del verano 2014 pueden verse obsoletas para 2015, el error fashionista será vestirse demasiado “alegre” cuando el must a adoptar es el sentido común heredado del año que termina, con una gama de colores acorde a la seriedad política, social y cultural del momento. Se requerirá llevar rigurosa sobriedad veraniega, con el uso del blanco cual signo de esperanza o colores vivos con su respectivo toque de actitud. Después de todo, quizá sí haya manera de empatar el presente en los calendarios, no en tiempo y espacio pero sí bajo un contexto común.

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2014 the year of the release Por Paul Stokes / @stokesie

Hubo un tiempo en el cual al salir un nuevo álbum lo juzgabas por la música y, posiblemente, por el arte de su portada. Incluso, si eras muy meticuloso, decías algo como: “Prefiero el audio original en mono”, o “el vinyl de 180 gramos realmente le da más color al final.” Eso era antes, porque 2014 ha sido el año en el que el “dónde” o el “cómo” sacarás tu álbum se convirtió en algo igual (si no es que más) importante que el lanzamiento en sí mismo.

Obviamente todo se remonta a In Rainbows (2007), de Radiohead, y su esctructura de compra original ‘name your price’. Se supone que, aparentemente, el hecho iba a iniciar un debate acerca del valor de la música (yo pagué 10 libras por la descarga, por si se lo preguntaban, y me complace decir que aún me siento feliz, en retrospectiva)… excepto que no lo hizo, pues sólo creó una cantidad masiva de publicidad para una banda que, de entrada, ya iba a recibir una cantidad masiva de publicidad. Así, de manera inadvertida, inició “el cambio de reglas” en la dinámica de lanzamientos —o “el truco del lanzamiento”, para poner una etiqueta más precisa— que durante los pasados 12 meses alcanzó proporciones épicas.

y extraño del año. Viendo su título usurpado, el maestro Thom Yorke publicó rápidamente Tomorrow’s Modern Boxes, vendido únicamente vía Bit Torrent. El desatinado “evitar a los autoelegidos guardianes de la industria” fue lo suficientemente malo, pero lo que en realidad me molestó fue que para un hombre que dice siempre apoyar a los nuevos artistas sólo enfocó a su base de fans en una sola canción, cerrando la oportunidad a otros cuando hubiera podido crear un impacto más grande en una plataforma digital establecida. Incluso hubiera podido establecer con “los guardianes de la industria” —los medios— una promoción de su álbum y recomendar nuevos actos al mismo tiempo.

Beyoncé comenzó en diciembre del año pasado con su sorpresivo álbum homónimo, que era una serie de videos en iTunes. Alt-J, por su parte, subió su disco a Spotify dos semanas antes de su lanzamiento oficial (según rumores, quisieron dejarle claro su punto a Apple luego de una disputa por el iTunes Festival), e incluso bandas que deberían tener mayor conocimiento, como los maravillosos Raveonettes, hicieron todo el numerito de: “Sorpresa, hay un nuevo disco que saldrá el próximo martes”… Y claro, también está U2.

Thom tenía buenas intenciones. Bit Torrent es un sistema superior de transferencia de archivos que un día podrá desplazar los intereses corporativos, pero dadas las cifras y los márgenes involucrados, a menos de que seas el cantante de Radiohead, es poco probable que esto conduzca a un modelo de negocio sustentable para bandas nuevas. Aún así, no me molesta que Thom trate de evitar a guardianes de la industria como yo —aunque yo tuve que aplicar para mi trabajo, así que no soy autoelegido, para dejarlo claro— incluso si tiene que adoptar ese tono arrogante, de chico de escuela pública. Lo que es más irritante es que cierta estrella pop quite su nuevo disco de una plataforma de streaming, quejándose de cuánto degrada su arte, justo antes de cerrar un gran trato con otra plataforma de streaming… que, por cierto, también posee un sistema de búsqueda que muchos utilizan para encontrar sitios piratas.

Siendo una banda que siempre divide opiniones, ¿por qué no se le ocurrió a Bono o a iTunes dar a la gente la oportunidad de decidir si querían o no Songs Of Innocence gratis en su iPod? En lugar de eso, todos despertamos una mañana y misteriosamente había aparecido en nuestros dispositivos, de una manera que parecía sacada de un argumento de ciencia ficción. Lo que es masivamente contraproducente es la benevolente necedad de la banda. Si hubieran hecho su único-álbum-en-la-década-que-legusta-a-los-que-no-son-fans-de-U2 (War o Achtung Baby como ejemplo) ninguno de nosotros, no fans de U2, nos hubiéramos enterado que estuvo empañado por su lanzamiento al estilo “virus de computadora.” Aún así, ni siquiera U2 fue responsable del lanzamiento más molesto Paul Stokes es Director Asociado de Q Magazine.

Tristemente, después de todos estos sorpresivos y extraños lanzamientos dentro de la industria, sabes que algunas bandas que tienen sus discos preparados para 2015 ya están pensando en más maneras no convencionales de lanzar sus álbumes. Sólo esperemos que pongan en su música el mismo esfuerzo que utilizan embaucándonos en sus lanzamientos, porque —honestamente— U2 y Thom Yorke no hicieron los mejores discos de su carrera en este año, ¿o sí?

ALBUMS OF THE YEAR

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UNFLESH Gazelle Twin Anti-Ghost Moon Ray Records Por Natalia Montes

En estos tiempos la tecnología digital se encuentra al alcance de cualquiera que tenga acceso a Internet, siendo muy fácil conseguir software de audio e instrumentos para ponerse a crear cosas. Sin embargo, generar algo con una propuesta innovadora que valga la pena no es tarea fácil. Hoy en día se agradecen los artistas emergentes que rompen con los paradigmas de la música genérica, que al final es la copia de la copia pero fuera de contexto. Un gran ejemplo para este caso es Elizabeth Bernholz, mejor conocida como Gazelle Twin, una chica británica con influencias interesantes y una visión original y prometedora por delante. UNFLESH es el nombre del segundo material de esta joven productora, quien se encarga de la mayor parte de su trabajo creativo, entre efectos de pedales y sintetizadores donde la manipulación digital de los sonidos logra una

amplia gama de posibilidades, en un trabajo de oscuros experimentos que van del avant-garde al industrial, pasando por el pop.

necesidad de expresar más allá de las líricas que, por cierto, en su mayoría manifiestan algo duro, negativo o traumático.

Los ritmos son muy elementales, prácticamente están ahí por default. En este aspecto de la construcción de las canciones están claras las influencias industriales legítimas, sobre todo por el uso de objetos metálicos estrepitosos como percusiones base. Otro de los factores característicos e interesantes del disco es la minuciosa manipulación de la voz; y no en cuanto a la técnica o en su habilidad para cantar (aunque la posee, no la explota), sino en las diferentes tomas que conforman un diálogo consigo misma, incorporándose una sobre otra, cada una con un efecto y con bastante movimiento, paseándose de un lado a otro. Las distorsiones que se le aplican hacen que en un momento dado la voz y los respiros se conviertan en instrumentos, lo que nos transmite esa

Aunque en UNFLESH llega un punto en el que la música se tranquiliza, con sonidos etéreos y amplias reverberaciones, realmente no existe un momento que de la sensación de paz, pues la oscuridad y la tensión están presentes siempre, en diferentes presentaciones. La suma de todos estos factores da, de manera global, un efecto esquizofrénico y claustrofóbico al álbum, una sensación de fatalidad casual en la que plasma sus demonios con el fin de exorcizarlos. Que no se malentienda, no obstante lo complejo u obscuro del material, escuchar el trabajo de Gazelle Twin no resulta difícil, lo que deriva en un plus. Definitivamente este es uno de los álbumes electrónicos más interesantes de 2014.

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To Be Kind Swans Young God / Mute Por Krystel Cordero

Hablar de Swans es sinónimo de que el post-punk sigue en pie de lucha. Luego de 11 álbumes casi continuos entre 1983 y 1996, y un receso posterior de 14 años, la banda nos hizo pensar que sería el final de un proyecto del que nunca sabremos con exactitud qué esperar. Sería en 2010 cuando Michael Gira y compañía decidieran regresar con My Father Will Guide Me Up A Rope To The Sky, un disco que significó el renacimiento de la banda en esta década. Dos años más tarde editarían The Seer y como si se propusieran lanzar discos cada dos años después de su retorno, este 2014 nos trajeron To Be Kind, en el que nos invitan a un viaje tormentoso y complejo a lo largo de 10 poderosos temas. El primero de ellos nos confirma lo tenebroso de la travesía, con ocho minutos inquietantes que hipnotizan en una especie de mantra

cargado de un importante mensaje lírico, lo que nos da una idea concreta de lo que escucharemos a lo largo del disco. Con To Be Kind la banda nos habla de amor y sufrimiento, esperanza y muerte, dolor y miedo, todo relatado bajo una atmósfera apocalíptica de teclados densos y baterías que aparecen sólo en el momento necesario. Michael Gira nos da un ticket para subir en su particular montaña rusa de sonidos y sentimientos. Lo logra con precisión. El drama y la sicodelia juegan un papel importante en ‘Bring The Sun/Toussaint L’Ouverture’, tema de 30 minutos que se hacen interminables y que nos muestran distintos matices, acompañados de un canto hipnótico y sonidos ajenos sólo similares al emblemático The Dark Side Of The Moon, de

Pink Floyd; casi podría decirse que el track por sí solo es un disco completo. To Be Kind es un material que, como ya acostumbra la banda, se divide en dos planteamientos y un mismo sonido. Paseando por esta otra mitad nos topamos con ‘Oxygen’, tal vez la más potente y discordante canción del álbum. En antítesis con el título de la misma y como si se tratara de una lucha en búsqueda de oxígeno, el corte es un intenso bombardeo de gritos y gemidos que se entrelazan con guitarras y baterías constantes durante casi ocho minutos. Swans nos regala un álbum concreto y difícil de entender que a su vez resulta inspirador. Un trabajo desafiante y ambicioso, de esos que — como sucede a veces en el arte— pocos sabrán apreciar. To Be Kind es una extraña y grotesca obra magistral que destaca con luz propia.

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ATLAS Real Estate Domino Records Por Raúl Arce

Alguna vez leí en la cuenta oficial de Kings of Convenience en MySpace —sí, allá por 2004— la descripción que este dúo noruego hacía de su obra. Decía: “Music that your parents may like” (Música que le puede gustar a tus padres). En aquel momento me puse a pensar en ello para después caer en cuenta de que es cierto, hay cosas que escuchamos que nuestros padres podrían disfrutar y viceversa; prueba de ello es cuando, inconscientemente, nos descubrimos tarareando o por lo menos moviendo el pie al ritmo de alguna canción de America o The Eagles que suena en ese momento, por Universal Stereo. Muchos encontrarán aburridas propuestas de este tipo. Lo cierto es que si dejamos esa falsa rebeldía o el statement poser de “si no tiene guitarras distorsionadas es de abuelos”, podremos encontrar bandas

sin pretensiones como Real Estate que se dedican a hacer música. Atlas, tercer disco de esta banda de Jersey —ahora radicados en Brooklyn, para variar—, es la evidencia musical de una filosofía como proyecto y de una idea que, sin sonar repetitiva, se ha ido depurando desde 2009, año de lanzamiento del debut homónimo de Real Estate. En una época plagada de materiales “alternativos” —por lo menos en cuanto a plataforma se refiere— esta agrupación publicó un álbum llamémosle “tradicional”, que fue grabado sin músicos de sesión, sin loops y sin ningún elemento de computadora. El resultado: un disco capaz de crear ambientes y sensaciones de bienestar, en donde la filosofía del “menos es más” es llevada a su máxima expresión; no me malinterpreten, no es un disco simplón ni mucho menos, sólo que su complejidad no radica

en virtuosos solos de guitarra o en una producción con precisión matemática, sino en saber leer los momentos de la creación de un álbum pensado como unidad y no como un compendio de canciones dispersas. ‘Had To Hear’ da la bienvenida a este pequeño universo producido por Tom Schick, en donde no existen protagonismos y todo es en función de la música. Para el momento en que suena ‘Talking Backwards’, apenas el track tres de Atlas, resulta imposible no estar de mejor humor. La realidad es que el tono de todo el disco deriva en una especie de felicidad que por momentos se torna melancólica, casi invitando a recordar tiempos mejores. No me queda la menor duda de que Atlas es el mejor trabajo de esta banda y, por consecuencia, uno de los álbumes que formaron parte del soundtrack de este agonizante 2014.

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Morning Phase Beck Universal Music Por Raúl Arce

Reseñar un disco recién publicado siempre es una tarea engañosa, es necesario lidiar con los tiempos y, por supuesto, con la obligada presión de tu editor. Así, el reseñista convive con el álbum de manera antinatural —por decirlo de algún modo—, porque estarán de acuerdo que un disco rara vez se disfruta con prisa y, por el contrario, se tiene que vivir con él en el día a día, ya sea en ese cortísimo tiempo de desayuno, o bien, en el auto, cuando manejamos al trabajo, la escuela y de regreso a casa. Eso fue exactamente lo que me pasó con Morning Phase. Sin embargo, la gran ventaja en este momento es que viví con el disco prácticamente un año y con el tiempo encontré las situaciones más adecuadas, para mí, de convivir con él, con detalles imposibles de detectar en las primeras escuchas. Morning Phase es un gran disco de viaje, y no sólo eso, en un afán de ser más específico

tengo que decir que es un disco para viajar por la tarde, justo antes de que se ponga el sol, de ser posible mientras transitas por el highway que va de Los Angeles a Palm Springs. Desde el pequeño intro de ‘Cycle’ es fácil darse cuenta que atípicamente —en tiempos en que se consumen sencillos, videos, escándalos y traseros estúpidamente prominentes— Beck hizo un álbum completo, pensado para escucharse en su totalidad —como debe ser—. Existe una narrativa, por lo menos en las primeras seis canciones, que obedecen al proceso de desamor de una persona, iniciando con ‘Morning’, para llegar a ‘Wave’ y notar un punto de inflexión si se presta la suficiente atención; justo ahí, en ese track, todo toma otra dirección. La crítica no se ha cansado de comparar a Morning Phase con Sea Change, sin embargo, para los seguidores del “Güero” la diferencia

radica en la lírica y en la manera en que éste refleja su estado emocional. Mientras que en el álbum de 2002 nos encontramos a un Beck destrozado y sumamente decepcionado del amor, en su doceava producción el angelino decide mostrarse en una etapa de aceptación en la que ha asimilado su tormentosa situación sentimental, con un dejo de nostalgia pero lleno de esperanza. Si bien durante este 2014 cambió mi perspectiva del disco, en cuanto a sonido y a algunos detalles en las letras, el escuchar Morning Phase todo el año reforzó la idea de aquello que notamos desde el principio: Beck sigue triste, pero a diferencia de su otro álbum de corazón roto está más tranquilo y, por momentos —como ocurrió durante su actuación en el festival Corona Capital—, nos puede dejar ver a ese “Güero” irreverente y divertido de otros tiempos.

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48:13 Kasabian Sony Music Por Leonel Hernández

Kasabian es de esos proyectos que nos tienen acostumbrados a cierto sonido y por lo general sorprenden en cada uno de sus trabajos. 48:13, su más reciente producción discográfica —cuyo tiempo de duración alcanza la cifra citada en el título—, no fue la excepción. Su quinto trabajo de estudio dio mucho de qué hablar, tanto a los fans como a la crítica durante 2014, aunque previo a su salida hubo muchas dudas: “¿Qué podría hacer la banda de Sergio Pizzorno que superara un estupendo trabajo como Velociraptor! (2011)?”. Mucha gente pensó que se trataría de una segunda parte del disco mencionado, aunque por suerte para los fans la contundencia de una banda como Kasabian, regularmente, supera las expectativas. Por ejemplo, el tema ‘Eez-eh’, el primer single, dejó ver que Kasabian había enfilado su sonido regular hacia un camino más pop,

bailable y mucho más digerible; al final este experimento funcionó, pero el álbum resultó ser más complejo. 48:13 es un disco interesante, juguetón y divertido, que no se escapa de las influencias retro, ni de los arreglos electrónicos, o de las pinceladas sicodélicas que caracterizan las sonoridades habituales de Kasabian; es decir, hablamos de la misma banda que impactó al mundo con su debut homónimo en 2004, pero experimentando con un sonido dirigido a llenar estadios y a ser coreado por miles. Piezas como ‘Shiva’, que van construyendo un misterioso camino, que desembocan en la bofetada (al más puro estilo Kasabian) que es ‘Bumblebeee’ son claro ejemplo de ello. Otros temas como ‘Glass’ (donde incluyen algo de hip hop británico al final del track en voz del poeta Suli Breaks) o las alegóricas ‘Doomsday’ y ‘Treat’ son temas que nos

muestran precisamente de un Kasabian evolucionado en una faceta diferente, maduro, pero con grandes pretensiones de crear el soundtrack de un futuro esperanzador, menos oscuro de lo que placas como Empire (2006) y West Ryder Pauper Lunatic Asylum (2009) nos hicieron creer la década pasada. Con este trabajo Kasabian se posiciona como uno de los actos de Reino Unido más destacados del año en todo el mundo, hablamos de un disco diseñado para alcanzar a aquellos que aún no habían sido picados por el insecto venenoso que es esta banda. Sin embargo, la piedra en el zapato de este acto es su aceptación en Estados Unidos y algunos otros rincones del mundo; si un disco como 48:13 no logró ponerlos en la cima de los lineups de festivales importantes en dichas latitudes, difícilmente algún otro lo hará.

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Everyday Robots Damon Albarn Warner Music Por J. Ismael Canales

El año pasado, cuando nos enteramos que Damon Albarn editaría su primer álbum solista, fue inevitable conjeturar respecto a su sonido: ¿Sonaría a Blur? ¿Incluiría un poco de rap como Gorillaz? ¿Retomaría el acústico a la The Good The Bad And The Queen? ¿Estaría presente el mood africano de Mali Music? ¿Sería barroco como su ópera Dr. Dee? Las opciones eran muchas, las expectativas grandes y tuvimos que esperar varios meses para conocer el sonido solista de Albarn, encapsulado en un álbum en el que el sentimiento principal es la nostalgia, con temas como ‘Hostiles’, cuya estructura es muy folk; ‘You & Me’ y su romanticismo, al inicio confuso y después seguro y dulce, para llegar a ‘Photographs (Are You Taking Now)’, una joya con gran ritmo, momentos oscuros y una línea vocal versátil.

En esta placa también encontramos temas luminosos, tal es el caso de ‘Lonely Press Play’, que se presenta como un rayo de luz en medio de nubes grises; ‘Mr. Tembo’, que es una fiesta de ukulele y ritmo, y ‘Heavy Seas Of Love’, track que cierra como un canto esperanzador, por un futuro mejor. Everyday Robots es, en suma, el sonido de un futuro tan negativo como misterioso, con canciones de gran lírica y nivel musical. Sin embargo, también hay cortes un tanto planos y lineales, siendo ‘The Selfish Giant’, ‘Hollow Ponds’, ‘Seven High’ y ‘The Story Of A Cheating Heart’ las que no logran explotar y carecen de esa fuerza interpretativa que sí posee el resto de los cortes, ocasionando que el álbum no pueda ser considerado perfecto. A lo largo de este material, las percusiones de Mali Music se hacen presente de manera

minimalista, la voz se proyecta en líneas de melodías sutiles pero muy estéticas como en Dr. Dee, mientras que los arreglos de viento nos recuerdan por momentos a temas como ‘The Universal’, de Blur, con una dosis mayor de melancolía. La reflexión implícita nos remite a ‘Honk Kong’, de Gorillaz, para disfrutar de una guitarra acústica con el sello de ‘Kingdoom Of Doom’, de The Good The Bad And The Queen. Damon Albarn logró conjugar todas sus facetas en una obra madura, fuerte, que refleja el hartazgo de una sociedad que sufre una metamorfosis, con instantes luminosos que se balancean entre la tristeza y el romanticismo, un trabajo cuyo valor radica en la representación exacta y reflexiva de una sociedad en lucha por no llegar a ser robots del día a día.

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Tajo Abierto Francisca Valenzuela Frantastic Records / Sin Anestesia Por Lucero Hernández

Este año Francisca Valenzuela nos presentó Tajo Abierto, su tercer álbum de estudio. 11 temas distribuidos en poco más de 46 minutos en los que al dejarlo correr encontramos sonidos más variados de los que la chilena nos tiene acostumbrados, mucho más enfocados al electropop que al folk o incluso al jazz entregado en Buen Soldado (2011). Gran parte de la diversidad musical lograda en este material se debe a la genialidad de de grandes productores como Vicente Sanfuentes, Dave Sitek, Áureo Baqueiro y Jesse Rogg, quienes suman su talento al de Fran en esta oportunidad. ‘Prenderemos Fuego Al Cielo’ es el primer sencillo que se desprende de la placa y probablemente sea la mayor prueba del sonido bailable y electrónico que encontramos a lo largo de este recorrido, ‘No Esperen Mi Re-

greso’ y ‘Estremecer’ reafirman lo anterior y nos entregan algunos de los momentos más interesantes, con marcados momentos de pop de avanzada. La parte romántica de la cantautora no podía quedar de lado y está a cargo de ‘Siempre Eres Tú’, tema que retrata la ruptura en una relación y los sentimientos que surgen al atravesar por esta dura y tormentosa situación, dejando de manifiesto el talento de Francisca al retratar momentos de la vida cotidiana y retocarlos musicalmente. ‘Perfume De Tu Piel’ nos habla de la posesión hacia la persona que se ama, evocando el fatídico sentimiento con la contrastante melodía cadente que da vida al tema, mientras que ‘Cuequita Del Corazón’ es una fusión de sonidos más folclóricos, apegados a las raíces de la compositora, curiosamente la única pieza grabada en Chile de todo el disco.

El tema que le da título al álbum, ‘Tajo Abierto’, pone punto final al trabajo y define perfectamente su intención: se trata de una apertura a sonidos poco comunes y arreglos diversos, líricamente nos encontramos con cierta fragilidad, en donde una vez más Francisca se muestra transparente, comunicando una descarga emocional como sólo los grandes compositores pueden hacer. Tajo Abierto es un disco conformado por una atinada mezcla de sonidos experimentales y sintetizados, sin perder la carga orgánica que caracteriza a Fran, un disco rítmico, bailable, digerible y, sobre todo, honesto. Con esta entrega Francisca Valenzuela se coloca como una de las grandes artistas sonoras latinoamericanas, mostrando madurez y maestría al momento de entregarnos su música. Sin duda de los mejor discos en español de 2014.

WM / 71

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Lazaretto Jack White Third Man Records / Sony Music Por Alonso Valencia

Jack White es uno de los pocos genios musicales modernos, capaz de crear canciones con una técnica perfecta y distribuir material de manera innovadora, a veces regresando a la vieja escuela pero utilizando avances tecnológicos de la era moderna que muy pocas personas suelen explotar en estos tiempos. Con Lazaretto, White pone un clavo más al ataúd juvenil que era The White Stripes, mismo que en algún momento evolucionó en proyectos que nunca acabaron de brillar esplendorosamente, como The Raconteurs o The Dead Weather. Este segundo álbum solista del músico se convierte, entonces, en una caja llena de blues ejecutado a la perfección que si bien logra encapsular todas las pasiones del fundador de Third Man Records en un solo paquete, carece de espíritu al momento de analizarlo como un todo.

A diferencia de Blunderbuss (2012), Lazaretto cambia completamente el poder magnificado de los acordes de Jack White por la melodía sureña de Estados Unidos, entre canciones que repiten el característico estilo del maestro musical con las ansiedades del folk y disparatados sonidos que atraviesan contadas canciones del tracklist. Las principales bondades de la placa suelen verse demeritadas por una disolución de la esencia que siempre ha caracterizado al músico, quien ahora funge de mejor manera como productor que como intérprete, en lo que parece ser más un guilty pleasure personal que una producción creada para sus seguidores y para una audiencia masiva que lo ha visto crecer y evolucionar con el paso de los años. Las letras vienen, en gran parte, de los diarios juveniles del intérprete, lo que explica

la simplicidad de una lírica que descansa en las perfectas ejecuciones características del virtuoso. Desde el motown llevado a la gloria con el track que abre el álbum, ‘Three Women’, hasta la orquesta utilizada maravillosamente en lo que bien podría ser el tema más fuerte, ‘High Ball Stepper’, White demuestra que el toque musical sigue estando en sus venas, a pesar de haber dejado un poco de lado el espíritu desinhibido y pasional que le hemos visto a lo largo de su carrera. Sí, Lazaretto cumple las expectativas, el track que da nombre al álbum es espléndido, pero, hablando claro, Jack White decidió crear un material para él mismo, lo que resulta en una ejecución musical magistral pero con una falta de cohesión pese a todos los puntos álgidos de este “blues in a box”.

WM / 71

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Trouble In Paradise La Roux Universal Music Por Eduardo Martínez

en los primeros lugares de los charts en todo el mundo, logrando ser nominados al Mercury Prize con su álbum debut homónimo.

Sabemos que en Reino Unido la cantidad de bandas que debutan año con año es impresionante, por tanto, se vuelve muy complicado que alguna resalte; sin embargo, en el momento en que alguna de estas agrupaciones logra la hazaña, casi de forma instantánea crea un impacto en los jóvenes del mencionado país. En algunas ocasiones su éxito es tal que se expande a otros puntos del globo. Esto fue lo que sucedió al final de la pasada década con La Roux, dupla conformada por Elly Jackson y Ben Langmaid cuyo éxito no consistió sólo en su peculiar estilo musical, sino también en la gran voz, el aspecto andrógino y la vestimenta ochentera de su vocalista.

Para 2014 La Roux volvió, tras una larga pausa, para entregarnos su segundo trabajo discográfico titulado Trouble In Paradise. Pese a atravesar por una cansada separación creativa de Ben y enfrentar problemas vocales y de estrés, Elly adoptó de una vez por todas el nombre del proyecto y tomó las riendas del mismo para conducirlo por el mejor camino, mostrando un sonido que se mantiene fiel a la propuesta original pero con algunas sorpresas.

Su electro pop influenciado por actos como Madonna, Eurythmics y The Human League, aunado a la fortaleza y genialidad de Langmaid al momento de homogeneizar la producción de su trabajo, llevó al dúo a posicionar temas

La ingenuidad del synthpop fluye con naturalidad en temas como ‘Kiss And Not Tell’, ‘Sexotheque’ y ‘Uptight Downtown’. Otros como ‘Tropical Chancer’ y ‘Let Me Down Gently’ muestran en su máxima ex-

presión el indie dance y el funk que Jackson tomó como bandera para navegar en esta oportunidad. ‘Silent Partner’ inunda nuestros oídos con sus peculiares coros, mientras que ‘Cruel Sexuality’, en efecto, llena de sensualidad los más de cuatro minutos que dura la pieza, para que ‘Paradise Is You’ muestre a una artista que nos comparte un lado más personal e íntimo. Para cerrar un gran trabajo y fiel a su costumbre, ‘The Felling’ nos regresa a la década de los 80. Trouble In Paradise es, en resumen, un exorcismo por parte de Elly Jackson en el cual deja de lado todos sus miedos, para salir triunfante como una de las artistas más interesantes de la década. Un experimento divertido, generoso para nuestros oídos, que se volvió uno de los favoritos de la crítica a lo largo de este año, un imperdible para todos aquellos que se consideren melómanos.

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Salad Days Mac DeMarco Captured Tracks Por Alejandro Altamirano

En un año carente de obras brillantes, Salad Days se convirtió fácilmente en el condimento que apenas y le pudo dar sabor a este 2014. Sin trampas y con una guitarra bien entrenada en el estilo que él mismo llama “jizz jazz”, la obra que apenas rebasa la media hora desnuda la desfachatez y sinceridad de este joven de 24 años en cada uno de sus temas. Aunque algunos de éstos se pueden confundir fácilmente con los de su debut 2 (2012), DeMarco ha saltado “un nivel arriba” en su sonido, que a pesar de seguir basado en la guitarra esconde lo mejor de sí en los pequeños detalles. La dulce melancolía que hay en temas como ‘Let Her Go’, ‘Let My Baby Stay’ y ‘Chamber of Reflection’ —ésta última quizá el punto más alto del disco— refleja la intimidad con la que el álbum fue creado, grabado en un período

corto y enteramente en el apartamento del compositor en Brooklyn, mismo que convirtió en su bunker creativo. El gran valor y la empatía que genera en cada uno de los que lo escuchan se debe a los temas que abordan sus letras, historias que podrían pasarle a cualquiera, que muchos hemos vivido y que al escucharlas de manera tan directa y sin metáforas tramposas se convierten en tesoros personales que siempre queremos sacar del baúl para admirarlos con añoranza y celo. El disco es sincero consigo mismo y con su creador, quien ha confesado que cuando se decidió a hacerlo estaba cansado de andar de gira por más de año y medio, siendo Salad Days una especie de acto liberador para poder decir cómo se sentía y cómo era la vida debajo de

los escenarios donde al parecer es un tipo más, como cualquiera de nosotros, que se enamora, al que le gusta el rock n’ roll y que también se deprime. En una escena donde la búsqueda actual por romper los charts es el pan de cada día de los blogs, estaciones de radio de cualquier tipo, tiendas en línea y servicios de streaming, Mac DeMarco da la cara por todos los que prefieren crear una obra que se debe disfrutar y entender de manera completa, distribuyendo en varias partes su genialidad que atrapa, seduce e irónicamente te hacen desear escuchar en vivo este gran disco que se alza entre lo más destacado de un año con anemia en el rock. Un ejemplo más que ayuda a definir aquella regla de “menos es más”.

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Lost in the Dream The War On Drugs Secretly Canadian Por Raúl Arce

A menudo seguimos proyectos que asumimos como bandas, sin embargo, con el tiempo, algunas de éstas se terminan convirtiendo sólo en pseudónimos con el que individuos publican su música. Cuando pensamos en Les Rythmes Digitales, no nos viene a la cabeza una banda, de inmediato asumimos que se trata de Jacques Lu Cont (o Stuart Price, como ustedes decidan llamarle). Mismo caso con Divine Comedy, que más allá de ser una banda en toda su expresión, es una orquesta que acompaña a Neil Hannon en el escenario, mientras que este último es el responsable de la creación musical y todo el concepto del proyecto. Un caso similar es el de The War on Drugs y Adam Granduciel, tanto que el mismo compositor declaró, cuando hablaba acerca del arte del aclamado álbum Lost In The Dream, -en el que aparece solo, junto a una ventana-, “Este no fue el disco de una banda. Fue un disco en

solitario. Yo lo sabía. Todos han sido álbumes en solitatio.” Así que, sin ningún tipo de contemplación, podemos afirmar que The War on Drugs es Adam Granduciel y viceversa. Durante la primavera de este año, Granduciel sorprendió a sus fans y a la crítica con Lost In The Dream, álbum que muchos consideran su mejor trabajo hasta la fecha. Un disco que habla de un tipo de trastorno psicológico, ajeno a todos aquellos que no nos dedicamos a la música, o que no estamos en una banda reconocida: la “depresión post-tour”. Mucha de la melancolía que podemos apreciar desde ‘Under the Pressure’, hasta ‘In Reverse’, es producto de la lucha de Adam por adaptarse a una vida, digamos común, después de la gira de Slave Ambient (2011). Tanto le costó grabar este disco que lo hizo en dos etapas, y en 4 estados dife-

rentes de la Unión Americana. En el fondo, muchos nos podemos identificar con este disco porque está lleno de incertidumbre, un sentimiento con el que nos enfrentamos más de lo que nos gustaría admitir, sin embargo, Granduciel lo expresa sin tapujos en cada canción, deambulando del folk más clásico, a la americana, siempre con un innegable dejo de contemporaneidad, que por momentos nos recuerda a la etapa del maravilloso Rock N Roll (2003), de Ryan Adams. El álbum está impregnado con la ansiedad e inseguridad con las que fue creado, muchas de las canciones tienen dos versiones o más. Es el resultado de un ejercicio musical honesto, producto de la auto reflexión y de saberse librar de la imagen del músico que todo hace bien a la primera y que, por el contrario, no le pesa corregir el rumbo sobre la marcha, un concepto con el que muchos nos podemos identificar.

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Jungle Jungle Terrícolas Imbéciles Por Eduardo Martínez

En una época en la que el soul no tiene tanta fuerza como en el pasado, un par de jóvenes londinenses decidieron mostrar al mundo que este género no está muerto del todo y puede ser adaptado a los nuevos estilos que resaltan hoy en día. Desde 2013, Tom McFarland y Josh Lloyd-Watson empezaron a lucir sus dotes musicales al lanzar ‘Platoon’ como primer corte y llamar la atención del público en Reino Unido. Al describir el sonido característico de la banda, podemos encontrar mezclas entre percusiones tropicales, sonidos de animales salvajes y tonadas sicodélicas que le otorgan la esencia que este par se impuso. Algunos medios los han etiquetado dentro del modern soul, género que sobresalió en la década de los 70 y que tuvo entre sus exponentes a Bobby Womack y Jhonie Taylor, como también los han catalogado como un grupo de midtempo, un estilo peculiar de la

nueva generación de músicos, especialmente dentro de la electrónica. El debut homónimo de Jungle ha mostrado su calidad a lo largo de medio año, con canciones que logran estimular instintos como la sensualidad y llevan al máximo las emociones, causándonos tensión y angustia en diversas ocasiones. No sólo eso; la banda consiguió estar presente en importantes festivales alrededor del mundo como Glastonbury, donde fueron uno de los actos más esperados y aclamados. ‘The Heat’, la pieza con la que abre la placa, es la encargada de desatar los primeros estímulos a través de pasajes relevantes de su estilo musical. Uno de los temas con mayor fuerza es ‘Busy Earnin’’, siendo el primer sencillo del disco y aquel que los posicionó dentro de los primeros lugares en las listas

de popularidad inglesas. Sonidos citadinos se pueden escuchar de fondo, acompañados de un gran ritmo y las voces características de sus fundadores, fuerza necesaria para este gran sencillo. Así, mientras ‘Accelerate’ y ‘Drops’ inyectan toda su sensualidad en nuestros oídos, ‘Julia’ nos provoca locura, para que las exquisitas ‘Crumbler’ y ‘Time’ nos lleven a la pista de baile. Cuando hablamos de un disco, sabemos que será bueno si cuenta con un gran desenlace; ‘Lemonade Lake’ cumple con ello. En general, Jungle es una producción que tiene los fundamentos necesarios para estar dentro de las mejores del año, con un sonido uniforme y congruente basado en una producción bien estructurada; no por nada logró una nominación al Mercury Prize, compitiendo con grandes rivales como FKA twigs, Damon Albarn y Young Fathers —ganadores este año—, entre otros.

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Girl Pharrell Williams Sony Music Por Krystel Cordero

Pharrell es el genio detrás de al menos el 50 por ciento de los éxitos que hemos escuchado en esta última década, por no decir lo ocurrido este último año, con demasiados artistas tocados por su genialidad como productor. Por esto, no es de extrañar que su segundo y esperado material como solista forme parte de lo mejor de 2014. Luego de una fructífera carrera junto a Chad Hugo y Shay Haley como parte del proyecto N.E.R.D, así como de incontables colaboraciones y producciones bajo el sello The Neptunes, Pharrell se aventuró con su primer material en solitario, In My Mind, en 2006, sin lograr un gran impacto. Aún faltaba mucho por hacer. Llegó 2013 y ese año se convirtió en aquel que definiría la importancia de Williams en la historia de la música contemporánea. Tras desnudar a algunas chicas en el video del exitoso

sencillo ‘Blurred Lines’, realizado junto a Robin Thicke, el artista se sumó como colaborador esencial en el nuevo disco del dúo maravilla Daft Punk, Random Access Memories, con dos sencillos que ocuparon los primeros lugares en los charts mundiales, ‘Get Lucky’ y ‘Lose Yourself To Dance’, todo ello como abreboca a lo que hoy podría ser considerado el mayor tributo musical al género femenino: su disco GIRL. Como si se tratara de una fórmula mágica destinada al éxito, este hechicero del pop nos deslumbró con un disco coherente, que reafirma su amplia capacidad para la producción de temas pegajosos donde él es protagonista. El álbum inicia con la entrada sinfónica de ‘Marilyn Monroe’, perfecta definición de lo que GIRL como álbum significa. No hay que dejar de lado el corto pero significativo listado de colaboradores que se sumaron a esta obra, con Justin Timber-

lake, que acompaña con una seductora base musical en el tema ‘Brand New’; Miley Cyrus, en la increíblemente contagiosa ‘Come Get It Bae’; Alicia Keys, que presta su potente voz en ‘Know Who You Are’, y Daft Punk, con quienes vuelve a hacer de las suyas en ‘Gust Of Wind’. Mención especial recibe la canción que se convertiría en el himno promocional para este trabajo, ‘Happy’, compuesta, producida e interpretada por el mismo Pharrell y que reúne todas las características de su música, convirtiéndose en un éxito mundial que lleva su trabajo a un nivel superior. En cortas palabras, GIRL es un disco contagioso, lleno de motivación, alegría y positivismo, que nos envuelve en melodías frescas y seductoras. No sólo es un álbum que celebra a la mujer, es el himno de los nuevos románticos, es un antes y un después en la carrera de uno de los artistas más prolíficos en la historia de la música moderna.

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Ultraviolence Lana Del Rey Universal Music Por Natalia Montes

Si hay algo que caracteriza a Lana Del Rey es el desconsuelo y los matices lánguidos de sus melodías y sus letras, para muestra Ultraviolence, su tercer álbum de estudio. Esta producción continúa por esa oscura línea a través de la cual nos ha dirigido, nada extraño para quienes conocemos la música de la oriunda de Nueva York, ya que como ha señalado en varias ocasiones, una parte esencial de su inspiración para componer música es la tristeza. Sin embargo en este álbum el ambiente se percibe más gris (sí, casi tanto como la portada del disco) y sus letras generalmente reviven los aspectos hedonísticos de las relaciones interpersonales que en algún punto fueron bellas y ahora simplemente son un sentimiento no correspondido, que han dejado una obsesión vacía.

En este disco Lana nos atrapa con su dulce y aterciopelada voz, mezclada con el airoso efecto de la reverberación, en donde habla de ambiciones frustradas, muy rara vez de algún logro u objetivo a futuro; la cantautora se ha encargado de insertar la tristeza cruda en el falso júbilo que derrocha el mundo del pop, su ambiente natural, lo cual, de cierta manera, la hace una artista más honesta.

de los arreglos de dichos instrumentos, aunque en esta ocasión incluye un componente que antes no había utilizado: la guitarra eléctrica. Ésta juega un papel muy importante y no es casualidad, ya que el productor de la placa es Dan Auerbach, reconocido por ser el vocalista y guitarrista de la banda de The Black Keys y aunque no sea de manera explícita, se siente la influencia del jazz y del rock clásico en la música de su banda.

El género musical ejecutado por Del Rey ha sido definido como sadcore —por su naturaleza melancólica— donde los tiempos no pasan de los 117 beats por minuto y durante los cuales la instrumentación es relajante y sensual. El estilo musical de este material en general se mantiene en los terrenos de Born To Die (2010), ya que los instrumentos dominantes son el piano y el cuarteto de cuerdas, realmente toda la música gira alrededor

Ya sea en el proceso creativo o desde un estado contemplativo, todos sabemos que la música es una de las mejores y más populares terapias. En conjunto, parece que Ultraviolence termina por cumplir la premisa por partida doble, ejerciendo un efecto relajante pero depresivo, algo parecido a una decadente canción de cuna. Uno de los álbumes más nostálgicamente sorprendentes de 2014.

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St. Vincent St. Vincent Loma Vista / Republic Por Karina Luvián

Un disco representa la fugacidad de la vida, el sentimiento, la idea y proyección del momento que un artista vive. Plasmarlo significa para éste la posibilidad de hacer infinito lo caduco, una ranura en el tiempo que trasladará al escucha a circunstancias lejanas que de otra forma le sería imposible vivir, siendo, para el creador mismo, esa fuerza que lo regresará a un periodo de su propia existencia, a sólo un play de distancia. Pasarán los meses, vendrán años e incluso una centuria distinta, pero cuando el mundo sienta la necesidad de recrear este 2014 tendrá que referir, indudablemente, a una de las producciones más aplaudidas del año, catártica e íntima: la cuarta placa individual de Anne Erin Clark, titulada bajo el seudónimo con el que hoy es conocida a nivel internacional… St. Vincent. Así pues, cada canción empezará a sonar y aquella

persona, curiosa, se situará repentinamente en los Elmwood Studios, en Dallas, Texas, donde el álbum fue grabado, y será parte del público del programa final de la temporada 39 de Saturday Night Live, en el que Clark fue invitada musical. Describir su sonido o estética, detallar cómo fue grabado y lo que representa para Annie sería ocioso a estas alturas, con reseñas de importantes medios que lo mismo aseguraron se trataba de un álbum “frecuentemente extraordinario” (The Guardian), como se atrevieron a utilizar los adjetivos “poderoso y directo” (NME). El icónico diario The New York Times lo sentenció como un trabajo “dulce y feroz, meticuloso y desquiciado, claro y oblicuo”, pero lo que pocos señalaron fue su relevancia en un contexto de franca transformación, en el que la música pierde artistas interesantes y finca

esperanzas en fórmulas repetidas. Si bien no representó para todos la obra cumbre de 2014 –LP1, de FKA twigs, se levantó repetidamente con dicha etiqueta–, este compendio de 11 canciones logró colocar a St. Vincent entre los peldaños más altos de la industria, con su figura junto a la de Kim Gordon y Joan Jett –Lorde es tema aparte– en representación de Kurt Cobain durante la inducción de Nirvana al Rock and Roll Hall of Fame. Su gira de promoción está a punto de terminar y es intrigante lo que Annie Clark ofrecerá en su quinto material. No sabemos con qué artistas se involucrará e incluso de qué forma lucirá; sin embargo, su extraordinario legado homónimo mantendrá intacta su esencia platinada y su explosividad escénica para cuando alguien, en un futuro, quiera mirar el momento que vivimos, todo, a un play de distancia.

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Are We There Sharon Van Etten Jagjaguwar Por Alonso Valencia

Las dificultades suelen forjar el talento. En el caso de Sharon Van Etten, una relación desastrosa y la pérdida de su propio hogar fueron los puntos clave para un cuarto álbum de estudio que demuestra su crecimiento personal y emocional, reflejado en letras de amor y desamor perfectamente estructuradas con un notable cambio musical que va de una guitarra a una orquesta completa, con todo tipo de sonidos que resaltan la ecléctica voz de la chica de New Jersey. El poder lírico de Are We There es el punto más fuerte en este álbum repleto de genialidad, con dobles contextos en los que Van Etten puede dedicar un tema completo a una mano y, a la vez, abordar la dualidad emocional de un rompimiento al asegurar haber defecado en el baño

de su expareja. El orden del tracklist es igual de esencial, a la vez que su nuevo papel como productora le confiere al resultado final una avasallante introspección de la cantante, con el correr de una línea que va de la esperanza por mantener una insostenible relación amorosa, pasando por una difícil realización de desamor, hasta llegar a una fuerte posición que se erige ante las adversidades con un perceptible dejo de orgullo, de la mano de un nuevo día. Sharon Van Etten identifica de manera magnífica los momentos musicales necesarios para reflejar un sentimiento a través de una canción. ‘Tarifa’, ‘Every Time The Sun Comes Up’, ‘Our Love’ y ‘Taking Chances’ son claros ejemplos de una firme dedicación por compaginar letra y melodía, dejando claro que hay una gran

diferencia entre hacer música que transmita vivencias personales, a hacer melodías por el simple hecho de crearlas. Este crecimiento moral y seguridad de la artista corren a través de Are We There, dejando la puerta abierta para limar las asperezas de una mujer que aún se encuentra al borde de explotar su potencial al máximo. Definitivamente, el más reciente trabajo discográfico de esta cantautora establecida en New York logra capturar todos los momentos inevitables de una ruptura amorosa, por lo que sirve como el álbum ideal de catarsis para ese particular momento de la vida, a la vez que puede desquebrajar por completo el espíritu de alguien que se encuentra ahogado en depresión.

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They Want My Soul Spoon Loma Vista Por J. Ismael Canales

Tras cuatro años de ausencia y con la difícil labor de superar el gran álbum que fue Transference (2010), Spoon volvió al estudio y nos presentó su octavo material discográfico, They Want My Soul, conmemorando los veinte años de formación de la banda.

sencillos perfectamente elegidos, pues son los temas más digeribles del álbum, aunque por otro lado cuenta con canciones que parecieran haber comenzado como un experimento y terminaron siendo piezas interesantes y cautivadoras como ‘Rainy Taxi’ y ‘Let Me Be Mine’.

Después de escuchar el álbum nos queda claro que Spoon regresó por la puerta grande, es un hecho, su su sonido no es el de Telephone de 1996, no se trata de un regreso musical a los orígenes de Britt Daniel y compañía, sin embargo, conserva los elementos característicos de la carrera de la banda: fuerte, atractivo, energético y melódico.

Destaca la presencia del nuevo integrante de la banda, Alex Fischel, quien con los teclados y la guitarra dota a la placa de seriedad técnica y le da una consistencia que se une al minimalismo natural de Spoon, elementos que podemos observar fácilmente en ‘Knock Knock Knock’, tema de medio tiempo donde los rasgueos de Fischel sobresalen como un rayo de luz colándose entre oscuras nubes y en ‘New York Kiss’, tema que cierra la placa y el cual cuenta con sutiles toques de sintetizador que lo vuelven dinámico y entretenido.

Contando con la producción de Dave Friedmann (The Flaming Lips) y Joe Chiccarelli (The Strokes, My Morning Jacket), Spoon presenta finas melodías en ‘Rent I Pay’ y ‘Do You’,

Hay bandas que a lo largo de su carrera lanzan uno o dos discos buenos, hay muchas historias de grandes debuts que se caen al segundo material, sin embargo, la carrera de Spoon está marcada por no tener ningún disco malo, aunque parece ser que la carrera de los de Austin, Texas, ha llegado al punto cumbre con este lanzamiento. They Want My Soul es el álbum que refleja mejor el espíritu de Spoon, contiene todos los elementos de su carrera maximizados, dando como resultado diez canciones en poco menos de 40 minutos que irradian el ADN del grupo y su madurez interpretativa. Considerado por muchos como su mejor álbum (hasta el momento), la placa es digna de una banda tan grande como lo es esta.

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Syro Aphex Twin Warp Records Por Natalia Montes

Secuencias, pequeños sampleos y en su mayoría sintetizadores modulados conforman los elementos que le dan vida a SYRO, el sexto álbum de estudio de Aphex Twin, mismos que de alguna ininteligible manera logran congeniarse para resultar en un carácter cuidadosamente moldeado, dando una sensación orgánica que sin duda es producto de la más fina tecnología analógica. Después de 13 años de haber lanzado su último material discográfico, Drukqs (2001), el influyente y creativo productor irlandés Richard David James nos brinda un nuevo manjar de irrefutable calidad. En agosto de 2014 se comenzaron a encontrar misteriosos mensajes de Aphex Twin. Su logo aparecía en diferentes lugares a manera de street art con el fin de comenzar la promoción de este inadvertido material. Más tarde, publicó un enlace en su cuenta de Twitter que llevaba a los títulos de las canciones —entre otros datos ambiguos—,

el cual sólo podía ser visto con un buscador especial llamado Tor, fruto de la controversial deep web. Este tipo de promoción fue algo que nunca nadie había hecho.

canciones, un tipo de música que se puede escuchar en contextos muy distintos sin salirse de órbita, aunque no es precisamente algo que cualquier persona podría disfrutar.

Aphex Twin siempre ha tenido como característica el ser inusual. Desde que lees los títulos se puede percibir que es algo fuera de lo común, con un manejo de tiempos irregulares y cambios repentinos sin llegar a las etiquetas de ser un tipo de música progresiva. La edición que hace de las pistas y la fusión de los sintetizadores es casi un trabajo artesanal y el caso de SYRO no es la excepción. Aunque dichos cambios son relativamente menos estridentes que de costumbre, James no buscó reinventar su estilo, simplemente fue una continuación de sus trabajos pasados sobre la misma línea. No obstante, en este caso el álbum fue desarrollado bajo un humor más vivaz y en cierta manera más bailable; sueños lúcidos traducidos en

Toda la experiencia auditiva a través de SYRO es como una carga enorme de información sonora, dice muchas cosas sin dialéctica y en cada nueva escucha se puede encontrar algún detalle que probablemente no se había percibido antes. Todo este viaje llega a una conclusión con un inesperado cambio que se transforma en un pasaje sereno y armónico después de tanta sonoridad elocuente. Las piezas en este álbum no son aquellas que se quedan revoloteando en la cabeza del escucha, pero son esas que quieres repetir y repetir hasta tratar de entender la fórmula creativa que les da esa complejidad tan característica y fascinante.

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LP 1 FKA twigs Young Turks Por Leonel Hernández

2014 nos deja un puñado de discos que merecen toda nuestra atención para ser escuchados. Propuestas clásicas e innovadoras, otras más que no nos dan ni un minuto de sosiego mientras las degustamos y también algunas tranquilas, que nos ponen en camino hacia el ensueño; la música de FKA twigs se puede clasificar dentro de estas últimas. Tahliah Debrett Barnett es el nombre detrás de este alias sonoro que con base en su trabajo se ha ganado uno de los adjetivos que a mí más me gusta usar: delirante. Titulado simplemente LP1, su primer larga duración es en general un viaje que nos lleva a recordar algunos de los materiales más complejos, extraños e incomprendidos de Björk, para rematar con ambientes electrónicos pasivo agresivos de bandas como Portishead o Lamb. La colaboración de músicos y productores como Arca, Paul Epworth o Sampha son

únicamente el ornamento de este delicioso coctel acústico. Ante una industria musical en evidente decadencia, esta chica inglesa de 26 años ha sabido crear un producto de alta calidad y propositivo, un disco completo, redondo, con guiños marcados a la experimentación, pero al mismo tiempo al minimalismo que perturba y encanta, todo al mismo tiempo. Estos detalles fueron muy bien recibidos por la crítica y le valieron la nominación al Mercury Prize de 2014, el galardón inglés más importante de la industria musical en Reino Unido. Para muestra de la genialidad de esta artista bastan piezas como ‘Two Weeks’, quizá el track más radiable de todo el disco, o el poderoso y denso trip hop de ‘Lights On’. ‘Pendulum’ deja en claro que su talento no radica únicamente en sus habilidades de

composición, sus vocales pueden evocar el soul más puro o transportarnos a ambientes caóticos. Pistas como ‘Video Girl’ o ‘Closer’ van más al dream pop, sin dejar de lado las influencias R&B, presentes a través de toda la placa, convirtiéndola en algo íntimo y sensual. LP1 es, sin duda, el trabajo que enfila a FKA twigs hacia una carrera sólida, de entrada este disco la coloca como uno de los actos más esperados en los escenarios más importantes de todo el mundo. Hablamos de un disco impecable, que podrá no ser el mejor trabajo discográfico de 2014 (dependiendo de los gusto de cada quien), pero que será recordado por siempre por su calidad y por capturar el momento sonoro de una de las artistas más interesantes de la década. Que la curiosa portada no nos engañe, LP1 es un disco que deben tener en su reproductor de ahora en adelante.

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Sonic Highways Foo Fighters Somy Music México

Recuerdo cuando The Colour And The Shape vio la luz en 1997, en aquel entonces escuchar a Foo Fighters era por demás cool, no muchos conocían a la banda y su futuro parecía prometedor. Para cuando There Is Nothing Left To Lose (1999) y One By One (2002) hicieron su aparición los liderados por Dave Grohl comenzaron a erigir su leyenda y de la mano de tracks claves como ‘All My Life’, ‘Learn To Fly’ y ‘Breakout’, empezaron a captar un mercado de escuchas mucho más amplio y totalmente desconocedor del pasado grunge de su fundador. Su ascenso definitivo al mainstream quedó estampado con la llegada de In Your Honor (2005), una placa que nos mostró el gran nivel musical que Foo Fighters ostentaba luego de más de una década sobre los escenarios. Echoes, Silence, Patience & Grace (2007) y Wasting Light (2011) sirvieron para confirmar que su música pertenecía a las masas y que,

ahora sí, la agrupación podía ocupar un lugar privilegiado entre las bandas de rock más importantes de la historia. Es decir, la reputación sónica de Grohl y su banda es incuestionable, de hecho, pocas agrupaciones pueden presumir de una trayectoria de tal calibre, con momentos brillantes, de evolución sonora, y claro, también experimentales y arriesgados en cuanto a producción. Por todo lo anterior, un disco como Sonic Highways (2014) es totalmente innecesario en la discografía de la banda. La idea detrás de la grabación del disco (registrar cada canción de la placa en un estudio y estado diferente de Estados Unidos) y el documental para HBO que lo ilustra son interesantes a nivel visual, funcionando como complemento. Para efectos sonoros del álbum de nada sirve tener en el estudio a Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth, The Smashing Pumpkins, Green

Day, Garbage) ocupando la silla de productor si al final no logra sacar a la banda de su zona de confort. Incluso, siendo tajantes, de nada sirve lanzar ocho nuevas canciones si todas parecen una extemsión del catálogo discográfico previamente mencionado. El disco número ocho de Foo Fighters cuenta con todos los elementos que encumbraron a la banda, más colaboraciones de lujo (Rick Nielsen, Gary Clark, Jr., Ben Gibbard, Tony Visconti) y un productor premium, ¿qué está mal en la ecuación?. Sonic Highways no es un álbum malo, pero tampoco es la bocanada de aire fresco que el sonido de Foo Fighters venía pidiendo a gritos desde hace algunos años, eso es lo que realmente molesta, lo gris de la placa. -Diovanny Garfias

7.0

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They came from nothing Por Paco Sierra

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Recapitular, un cometido que año tras año nos sentencia a dar un vistazo al pasado. Recordar lo que hicimos para continuar el camino, enmendarlo o sencillamente concluir algunas rutas de nuestras vidas. Para algunos un ejercicio sencillo, pero cuando la recapitulación es aún más profunda y te adentras en la mismísima historia, los resultados pueden tener una repercusión insólita.

Por lo menos eso representará 2014 para Dave Grohl, Taylor Hawkins, Pat Smear, Nate Mendel y Chris Shiflett, quienes decidieron no sólo grabar el octavo disco de Foo Fighters, sino documentar el proceso en una serie de ocho episodios que salió al aire a través de HBO; la historia contemporánea de la música en EE.UU.

mando de Foo Fighters —si dudan de su posición, echen un vistazo al documental de 2011 Back and Forth—. Para entender un poco más el momento de la banda habrá que profundizar en su historia y gustos personales, por lo que platicamos en exclusiva con Taylor Hawkins, un gran baterista de otro legendario baterista.

El resultado todos lo podemos ver y aunque es idea original de Dave Grohl, Foo Fighters es la banda que se lleva el mérito absoluto, con todo y colaboraciones de Ben Gibbard, Rick Nielsen, Joe Walsh, Preservation Hall Jazz Band, entre otros amigos de la banda.

Acaban de tocar en Las Vegas, en el festival Life is Beauiful, y por primera vez en Sudáfrica. ¿Cómo estuvo? Estuvo grandioso, nos la pasamos muy bien, muy, muy bien. Pienso que dimos buenos conciertos de rock and roll, la gente se la estaba pasando bien, tocamos muchas canciones viejas, un par de nuevas y la cagamos un poco en el medio. No sé, creo que estuvo muy divertido, fue una buena oportunidad. Creo que todo nuestro set funciona con estas canciones y es un show que funciona para este tour, pero necesitamos hacer algunos ajustes y creo que es cuando encuentras las mejores presentaciones.

La necesidad de componer en un estudio —en su propio garage— ya no fue suficiente, por lo que en 2014 la agrupación buscó extenderse y contextualizar ocho de los estudios más icónicos del país, en ocho de las ciudades musicales más representativas de Estados Unidos, a través de ocho canciones, las cuales conforman el disco titulado Sonic Highways. Innovar en estos tiempos es complejo y para algunos utópico; 2014 será recordado como el año que consolidó a Max Martin como la mente detrás del mainstream, con fórmulas comprobadas en las voces de Taylor Swift, Katy Perry o Maroon 5… En el entorno musical actual, se agradece la perspicacia de Foo Fighters. Dave Grohl es un visionario chapado a la antigua, pero con el ímpetu de no dejar morir el rock and roll en su forma más tradicional. Esto lo ha contagiado a los demás miembros de la banda y en especial a Taylor Hawkins, el segundo al

Tan sólo están calentando para el año próximo… Sí, a veces estos calentamientos pueden ser las mejores presentaciones, porque cuando regreso y reviso todas las maquetas… y cuando empiezas una gira, te encuentras con una canción y piensas: “Creo que esto ya no funciona”, y regresas a escuchar las maquetas y dices: “¡No! ¡Esto estaba grandioso! ¿Qué estoy haciendo?”. Es como una advertencia de cómo hacer un show, porque alrededor de tres cuartos del ciclo de un álbum empiezas a rendirte en un show, porque es imposible que el cansancio no empiece a ganarte.

“Este álbum se siente como la continuación de nuestro último disco, porque ese material tiene un sentimiento muy natural. Para mí lo más importante es la música.” -Taylor Hawkins

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Así que pienso que ahora es un buen tiempo para vernos, no creo que sea la única buena oportunidad para vernos pero creo que ahora podrán ver un show muy diferente al que ocurrirá en alrededor de seis meses. Taylor, hay que empezar desde el principio, desde tu principio. El momento clave en que tú, como niño, te diste cuenta que querías ser músico. ¿Recuerdas que haya sido un momento especial? Sí, sí, sí, lo recuerdo… recuerdo el día: Verano de 1982, apenas comenzaba. Mi vecino tenía una batería y algunas guitarras, era un buen baterista y un buen guitarrista, novato, pero bueno. Yo seguía intentando aprender a tocar la guitarra y en realidad nunca pude, seguía haciéndolo de desmadre. Mi mejor amigo y yo pensábamos que sería cool tocar música y vivir de ella, así que un día me dijo: “Oye, Taylor, ¿por qué no tocas la batería?...” Vamos a brincarnos a Sonic Highways. ¿Qué es lo que más te emociona de este disco? Es un proyecto muy ambicioso, que incluye el programa de televisión pero, ¿qué es lo que más te emociona? Este álbum se siente como la continuación de nuestro último disco, porque ese material tiene un sentimiento muy natural. Para mí lo más importante es la música. En lo que respecta a la banda, sí, hago mi parte en la batería y desarrollo mis vocales de apoyo… y sí, la historia, la película, todo eso, pero para mí eso no es realmente parte de mi trabajo, yo no podría manejar esta gran cuestión, es más trabajo de Dave, es una visión, de alguna forma, y yo simplemente sigo la corriente. Lo más importante para mí es que sonemos bien como banda y muchas de las buenas cosas que he hecho ya están bien grabadas; me refiero a que están en cinta y tienen un sentimiento muy natural, más aún en este disco que en el pasado. La primera canción que grabamos fue ‘Something From Nothing’ y conseguí el kick de la canción en una sola toma, ¿sabes? Nunca habíamos sido así, hay cierta naturalidad en algunas de las canciones y creo que es grandioso. Es crudo y de alguna forma, real. Escuchándote hablar así, ¿está en tu mente la perfección mientras estás en el estudio grabando la batería? Sí, claro. Mi perfección, mi idea personal y humana de lo que es la

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perfección, claro. Me refiero a que para mí no es la misma clase de perfección el hacer un disco en computadora y que todo esté perfectamente entonado y cuantificado. Yo hago eso con mi cabeza, con mi boca. Por eso es que me gustan los clics… clic, clic, clic. De alguna forma es una textura más precisa, en lugar de las computadoras. Imagino que después de todo este proceso es difícil describir las ocho canciones, porque cada una tiene su personalidad, pero, ¿cuál es tu canción favorita ahora? Tal vez cambie después de algunos conciertos pero, ahora mismo, ¿cuál es? Mis dos favoritas son, sin duda alguna, ‘Something From Nothing’, el primer tema, y realmente me gusta ‘Outside’, la canción que grabamos en Joshua Tree. Esa canción tiene a Joe Walsh tocando un solo de guitarra. Es grandioso el concepto de grabar en ocho estudios de EE.UU. Sabemos la intención detrás pero, ¿han pensado en grabar un disco en estudios diferentes alrededor del mundo? Tal vez alguno de ellos en México… Creo que si lo hiciéramos otra vez empezaríamos, de alguna forma, como algo vendido, así que debemos dejar que otro lo haga; ¡qué tal que Arctic Monkeys viaje a diferentes campos europeos y cuente la historia de su música!… La verdad yo no quiero hacerlo otra vez y no creo que ellos quieran, ni siquiera sabemos qué es lo que vamos hacer para nuestro próximo disco, tenemos una buena idea de cómo va a ser y es emocionante, pero no vamos a querer hacer lo mismo otra vez. De alguna forma este es el punto del disco, la música transformada a partir de un juego de inspiración, en lugar de sólo tocar la guitarra, la batería y un poco de teclado; hacemos algo que es muy emocionante. Esto se trata de eso, de cómo hacer del proceso algo emocionante y divertido, algo especial. Me gusta hacer discos en nuestro estudio, pero ya hemos hecho un par ahí. No podemos hacer eso siempre. Claro, siempre quieres intentar algo diferente, experimentar diferentes estilos. Tú tienes una larga carrera, así que en este punto no vas a dejar que se vuelva un proceso monótono, siempre vas a buscar cosas que te emocionen… Sí, creo que siempre estamos buscando encontrar la mejor canción. Tal vez estemos equivocados, pero nos gusta decir que una mala canción es un epónimo a “no está detrás de nosotros”. No sé si sea cierto, ni siquiera puedes cuantificar eso, pero mucha gente piensa que debimos retirarnos después de cada una.

“Nuestra banda es muy cercana, como una familia, por eso creo que nunca vamos a poder olvidarnos uno del otro, sería muy raro que nos separáramos.” -Taylor Hawkins

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Me imagino que la amistad tiene un significado muy especial para ti, después de tener a todos estos tipos alrededor tuyo por algunos años… No quiero sonar… no quiero usar la palabra “viejos”… Está bien, estamos viejos. En cuestión de rock and roll sí, probablemente estemos un poco viejos.

demuestras cuando estás en el escenario… La música en vivo es mi vida, en verdad lo es, y cuando no damos shows siento que me estoy derrumbando, comienzo a sudar mucho, es por eso que tengo bandas como Chevy Metal, The Birds of Satan y todo eso, porque es mi vida, amigo.

¿Qué significa la amistad para ti después de todos estos años? Ni siquiera quiero decir que es una amistad, somos como hermanos, más como una familia. Hay personas con las que trabajas que significan más que otras, esa es sólo gente, pero todos en la banda somos parte de una familia. De alguna forma eso incluye también a los primeros miembros, a William, el baterista original, y las personas que compartieron gira con nosotros. Todos son parte de la familia. Todos los que salieron de gira con nosotros y nos ayudaron a hacer el álbum, también. Foo Fighters ha tocado en los festivales más importantes del mundo y en grandes ciudades a nivel global, ustedes han grabado como han querido, hecho películas y series de televisión, su propio documental, pero, ¿tienen algún miedo como banda, hoy en día? ¿A qué te refieres con miedo? ¿Miedo a que la banda se desintegre? No, no, lo opuesto, tal vez a que no cumplan las expectativas. Hace rato me decías que no hay modo de tener a todo mundo contento… Nuestra banda es muy cercana, como una familia, por eso creo que nunca vamos a poder olvidarnos uno del otro, sería muy raro que nos separáramos. Si fallamos en algo eventualmente, que pase, está bien. Tal vez saquemos una basura próximamente, pero no creo que este álbum lo sea, siento que es bueno porque ya estoy sintiendo el amor por el primer sencillo.

Pasan los años y hay artistas que dicen: “Oh, ya, no voy a salir de gira, no puedo. Ya nunca más voy a tocar en vivo”. ¡Yo ni siquiera sé cómo pueden hacer eso!, nunca podría hacerlo, sé cómo, pero no puedo. Es como Michael Stipe (R.E.M.), hace algunas semanas dijo eso. ¿Cómo puede ser?, tenía una de las mejores bandas de la historia, en verdad. Yo lo pienso y digo: “¡¿Cómo no puedes tocar?!” Él dijo: “No quiero hacerlo ahora mismo, simplemente no quiero”… Es muy loco, es el cabrón Michael Stipe, una de las mentes más creativas de toda la historia. Qué desperdicio.

Pero sabes, ciertamente algo fallará, tendremos un fracaso eventualmente y está bien, siempre fallas algunas veces, tú también lo haces, yo todavía fallo. ¿Estás emocionado por tocar en vivo? Ya estoy emocionado. Han tocado en restaurantes de pizza, en pequeños bares y un día después en un gran estadio en México. Imagino que estar de gira y tocar es tu vida, y lo

De verdad se extraña en vivo… Cuando escucho cosas como esta, no sé… entiendo que muchas personas no se toleran y por eso se separan. Cuando escucho que una banda se reforma yo nunca pienso: “Oh, es que quieren hacer algo de dinero”, yo pienso: “Quiero volver a tocar esta jodida canción con ustedes”, ¿me entiendes? Por ejemplo, Jane’s Addiction. Creo que lo intentan, en parte, porque pueden hacer dinero, pero también porque quieren cantar, tocar, y quiero creer que de verdad necesitan tocar. Yo conozco al baterista y sí, siempre se siente bien, sé que está satisfecho. El otro día vi a Queen, vino a la ciudad con Adam Lambert… Ok. ¿Alguien va a ser Freddie Mercury? Sabemos que la respuesta es un jodido no, todos lo sabemos, pero cuando ves a Roger Taylor caminando hacia el escenario, en forma, tu corazón empieza a latir más rápido, estás sudando, y la gente comienza a gritar por la banda y por él, entonces digo: “Sí, es grandioso, es perfecto, es exactamente donde mereces estar.” Y se los dije a los dos: “Nunca paren, se ven muy vivos, nunca se detengan”. Te diré lo mismo a ti, Taylor, por favor nunca dejes de tocar y muchas gracias por esta entrevista. Nunca lo haré, lo prometo.

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Después de las marchas Por Greta Rojas

2014 fue un año muy activo para la sociedad mexicana. Hemos visto los más grandes despliegues de solidaridad por parte de los propios ciudadanos, con un México que está cansado e indignado y que está saliendo a las calles a demostrar su descontento. Desde 2008, cuando se llevó a cabo la famosa marcha “Iluminemos México”, no se había visto en nuestro país un contingente tan grande pidiendo que las cosas cambien.

Me parece completamente positivo que los ciudadanos ejerzan su derecho a manifestarse. Me parece loable, también, que hayan desplegado mini-operativos ciudadanos para cuidar a los asistentes, para identificar la presencia de provocadores, para documentar el actuar de las fuerzas de seguridad pública y para trabajar en equipo por una causa en común. Sin lugar a dudas, es un gran paso que está dando la ciudadanía mexicana. Sin embargo, creo más que necesario preguntarnos qué es lo que va a pasar en México –o mejor aún, qué es lo que queremos que pase– luego de las marchas, porque marchar, claramente, no es suficiente. Lo que necesitamos es una ciudadanía que, además de marchar e inconformarse, sea capaz de articular y operar propuestas viables para que las cosas se hagan de maneras distintas. En ese camino, el papel que jueguen los jóvenes debe ser protagónico, serio y lo suficientemente crítico como para lograr cambios de fondo. México es un país de jóvenes. Tenemos hoy la generación más grande de jóvenes de toda nuestra historia. El día de hoy, uno de cada tres mexicanos es joven. Por eso, no es raro encontrar en las protestas a muchos jóvenes que están cansados con el esquema actual y que tienen deseos de cambiarlo. Tener tantos jóvenes en nuestro país es, antes que otra cosa, una oportunidad única. Entender a los jóvenes como una fuerza transformadora de nuestra realidad es, más que una opción, una verdad urgente de asumir tanto por los propios jóvenes como por el grueso de la población. Necesitamos una juventud activa, que se involucre y haga suyos los procesos políticos, por ejemplo. El día de hoy solamente uno de cada 10 candidatos a puestos de elección es un joven1. Aquí hay una gran ventana de oportunidad, sobre todo con miras a las elecciones que tendremos en 2015. ¿Qué cosas podríamos cambiar si colocamos a algunos de es-

tos jóvenes –hoy inconformes con el estado de las cosas– en posiciones que les permitan tomar decisiones sobre cómo gobernar a México? En ese mismo contexto es importante recordar que somos nosotros, los ciudadanos, quienes elegimos a nuestros representantes a través del voto. El padrón electoral actualmente tiene poco más de 25 millones votos jóvenes, cantidad que basta para elegir al siguiente presidente con la mano en la cintura; eso es, si logramos ponernos de acuerdo2. Definitivamente, los candidatos en las próximas elecciones deberían estar considerando las necesidades de los jóvenes como factor de sus más grandes prioridades. Por su parte, los jóvenes deberemos estar muy atentos y ser sumamente responsables y críticos al ejercer nuestro voto y nuestros demás derechos políticos. La presencia de jóvenes en las organizaciones de la sociedad civil ha sido siempre preponderante, en donde ocho de cada 10 participantes tienen entre 15 y 29 años de edad3. Sin embargo, las acciones que se generan desde las OSC generalmente no están articuladas y tienden a quedarse cortas por falta de planeación, presupuesto o incluso porque los involucrados pierden el interés. Es tiempo de que las personas jóvenes tomemos las riendas de nuestras iniciativas, de una manera profesional y responsable para que nuestros esfuerzos no se diluyan. Los jóvenes tenemos mucho que aportar a México. Así como 2014 fue un año de despertares, convoco a que 2015 sea un año de implementación de propuestas, en el que logremos trabajar juntos para lograr esos cambios que tanto nos urgen como país. . Índice Nacional de Participación Juvenil 2014.

. La elección presidencial del año 2012 se ganó con 19 millones de votos, de acuerdo con

información del INE. . Índice Nacional de Participación Juvenil 2014, disponible en línea en: ollinac.org.

Greta Ríos es Directora General de Ollin, Jóvenes en Movimiento, A.C., agrupación trabajando para posicionar el tema de la juventud en la agenda nacional.

Por J. Ismael Canales

De nuevo la tierra ha dado otro giro y al igual que ella lo ha hecho la música. En estos últimos 365 días una gran cantidad de bandas y música nueva ha llegado a los reproductores portátiles y radios alrededor del mundo, dibujando los primeros bocetos de lo que será el camino sonoro en el año que comienza. Varios proyectos se consolidaron como una realidad en la industria musical lanzando su primer larga duración en 2014, algunos vieron cómo su carrera sufrió un ascenso meteórico, pese a haber debutado tiempo atrás, y otros más levantaron la mano y cruzaron la barrera entre ser un escucha y un artista, lanzando sencillos que los colocan como las grandes promesas de la música actual. Estos son algunos de los rostros que la industria no olvidará en mucho tiempo.

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Hace un par de años, en octubre de 2012, al escuchar por vez primera ‘Latch’ de Disclosure, lo primero que notamos fue la interesante voz del tema, a la vez cálida, a la vez dinámica, y bastante bien manejada. En ese entonces Sam Smith comenzaba su camino en la música, mismo que continuaría con diversas colaboraciones en 2013, entre ellas con el productor británico Naughty Boy, con quien consiguió su primer número uno por ‘La La La’. Sin embargo, el momento de Smith estaba por llegar.

En mayo de 2014, siendo ya un artista en la mira de diferentes disqueras y uno de los más importantes talentos emergentes de Reino Unido, Smith lanzó su álbum debut In The Lonely Hour, del cual se desprendió ‘Stay With Me’, sencillo que traspasó fronteras y colocó al crooner británico como una de las grandes voces y promesas de la música a nivel mundial, hecho consolidado al ser incluido en el cartel de este año de Glastonbury.

Foto: Dan Hallman

Sam Smith

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FKA twigs A los 16 años, Tahliah Barnett deseaba ser bailarina, al mismo tiempo que comenzaba a hacer música. Abandonó su natal Gloucestershire para ir a Londres y perseguir su sueño en la danza, sin saber que sería en la música donde, bajo el nombre de FKA twigs, se convertiría en un fenómeno auditivo. En diciembre de 2012 Barnett lanzó mediante Bandcamp EP, su primer material discográfico, producido por ella misma, y consiguió la atención de Young Turks, con quien firmó en 2013. Bajo dicho sello británico, FKA lanzó EP2, importante extended play que sería la antesala de uno de los discos más brillantes de 2014 en Reino Unido, merecedor de una nominación al Mercury Prize: LP1.

Foto: Dominic Sheldon

Con LP1, FKA twigs llevó su influencias de Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Marvin Gaye y Siouxsie And The Banshees al siguiente nivel, creando el denominado “R&B etéreo” único y personal que la caracteriza y que llegó a refrescar la industria musical a nivel mundial.

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Amigos desde los nueve años de edad, Tom McFarland y Josh LloydWatson decidieron formar una banda que llevaría por nombre Jungle. En octubre de 2013, meses después de ser creada, Jungle lanza ‘The Heat’ como primer sencillo y consigue la atención de los medios británicos, gracias a su sonido calificado como “funk a medio tiempo al estilo de los 70” y por el deseo de sus integrantes de no mostrar sus rostros al público. Un año más tarde, la banda lanza

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su álbum debut y se apodera de las pistas de baile en cualquier coordenada, con temas como ‘Busy Earnin’’ que volvían locas a las chicas desde las primeras notas. La calidad de su material discográfico los hizo merecedores de una nominación al prestigioso Mercury Prize y a un tour mundial que los llevó a SXSW y Glastonbury, demostrando que son toda una realidad y una de las bandas más potentes sobre el escenario.

Foto: Dan Wilton

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Royal Blood Hace tiempo, cuando nació The White Stripes, supimos que todo era posible usando sólo una batería y una guitarra. Quizá con esta idea y sustituyendo la guitarra por un bajo distorsionado, Mike Kerr y Ben Thatcher irrumpieron en la industria musical británica, en 2013, bajo el nombre de Royal Blood.

Foto: Cortesía Royal Blood

Su sonido agresivo pero a la vez refinado conquistó el oído de Arctic Monkeys, banda que los invitó a abrir sus dos shows en Finsbury Park en mayo de 2014, consi-

guiendo así una gran cantidad de nuevos fanáticos. En agosto pasado, Royal Blood editó su homónimo álbum debut y sorprendió a propios y extraños gracias a su calidad interpretativa, logrando su nominación al Mercury Prize y haciéndose del respeto de importantes músicos, entre ellos Jimmy Page, Matt Helders y Howard Stern. Considerados por la prensa británica como el futuro del rock inglés, Royal Blood es, sin duda, uno de los grandes debuts del año.

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Chet Faker

En 2011 Faker apareció en la industria con un cover a ‘No Diggity’, de Blackstreets, el cual llegó al número uno en el blog Hypemachine. Un año después

vio la luz su primer EP Thinking In Textures y éste lo hizo merecedor de diversos reconocimientos, entre ellos el de Mejor Nuevo Artista de Australia. Finalmente, en abril de 2014 vio la luz Built On Glass, primer LP del australiano con el que se consolidó como una realidad en la música electrónica a nivel mundial, llegando a los charts europeos, británicos y estadunidenses, y girando alrededor del mundo para llevar su música lejos del país oceánico.

Foto: Lisa Frieling

En su juventud, Nicholas James Murphy se desenvolvió en una gran cantidad de proyectos electrónicos y dance bajo seudónimos como Sunday Kicks, Knicks y Atlas Murphy; sin embargo, no fue sino hasta que cambió su nombre a Chet Faker —homenaje a Chet Baker— que el productor y DJ australiano comenzó a despegar; primero en su país, para luego sorprender al mundo.

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Tove Lo

Ebba Tove Elsa Nilsson se interesó desde pequeña en el mundo de las letras al crear pequeños cuentos y escribir poesía, sin saber que esta habilidad le abriría camino en una difícil industria. Mientras estudiaba música en la Rytmus Musiker Gymnasiet de su natal Estocolmo, Nilsson comenzó a unir sus dos grandes pasiones, componiendo canciones para artistas como Icona Pop, Girls Aloud y The Saturdays, para después escribir piezas propias. En diciembre de 2013, la compositora, ya bajo el nombre de Tove Lo, lanzó el sencillo ‘Habits (Stay High)’, el cual fue un éxito rotundo a nivel mundial, llegando a los primeros lugares en las listas de Reino Unido, Alemania, Nueva Zelanda, Holanda, Noruega, Francia, Dinamarca, Canadá, Suecia, Australia, y consiguiendo el tercer lugar en el prestigioso Billboard estadounidense.

Foto: Fredrik Etoall

Su álbum debut Queen Of The Clouds salió al mercado el 30 de septiembre con una cantidad de ventas extraordinaria que le valió un disco de oro y varios de platino, además de su colocación como uno de los debuts más exitosos de 2014.

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Hace un par de años, en 2012, James Edward Bagshaw y Thomas Edward James comenzaron un proyecto musical casero sin imaginar que llegaría a convertirse en una de las bandas más prometedoras de un país caracterizado por música de calidad. Todo comenzó cuando el dúo británico subió a YouTube cuatro temas producidos por ellos mismos, los cuales escuchó Jeff Barrett, fundador

de Heavenly Recordings, quien no dudó en ofrecerles lanzar su primer sencillo, ‘Shelter Song’. Tras realizar una gira por Reino Unido en la que se codearon con bandas como Suede, Kasabian y The Vaccines, Temples lanzó su álbum debut Sun Structures, considerado por diversos medios como uno de los discos más importantes de 2014 y vanagloriado por importantes figuras como Johnny Marr y Noel Gallagher, quienes los consideran la nueva mejor banda de rock británico.

Foto: James Loveday

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Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

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Daniela Spalla El gusto de Daniela por el indie, el R&B y el jazz se remonta a la adolescencia, cuando comenzó a realizar covers en estos géneros a algunos de sus artistas favoritos, entre ellos The Beatles, Stevie Wonder y Supertramp, condensándolos en su álbum debut del ya lejano 2005, Desvelo. Tras cinco años de ausencia en la industria musical, en 2010 Spalla convocó al productor de Ely Guerra, Hernan Hecht, para trabajar en un EP que llevaría por nombre Magma, por el cual la intérprete ganó

un Grammy Latino. Ya para 2014, su segundo material, titulado Ahora Vienen Por Nosotros, despegó su carrera y la llevó a presentarse en los festivales más importantes de Latinoamérica al lado de intérpretes como Julieta Venegas, Natalia Lafourcade y Ximena Sariñana, además de merecerle una nominación al Grammy Latino como Mejor Nuevo Artista. Con base en esto no es difícil augurar que 2015 se convierta en el año en que esta artista argentina termine de consolidarse en el mercado hispanoparlante.

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Proveniente de Venezuela y con tan sólo 23 años cumplidos, Alejandro Ghersi, mejor conocido como Arca, puede presumir el haber colaborado en uno de los más grandes discos de los últimos años, Yeezus, de Kanye West, y ser responsable de producir el excelente LP1 de FKA twigs. Egresado de The Clive Davis Institute of Recorded Music, de la Universidad de Nueva York, Arca lanzó en noviembre pasado su álbum debut

Xen, el cual fue alabado por la crítica especializada y llegó al lugar ocho en el Billboard de música electrónica/dance. Por si todo esto fuera poco, Alejandro confesó hace algunas semanas que ya se encuentra trabajando en la producción del nuevo álbum de Björk. Con una gran placa recién lanzada y siendo la mente maestra detrás del próximo material de Björk, parece ser que 2015 será el año en que veamos a Arca consolidarse en la industria musical.

Foto: Daniel Sannwald

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Kiesza Con una niñez y adolescencia que mezcló la danza y su estancia en la Marina Real Canadiense, Kiesa Rae Ellestad —o simplemente Kiesza— convirtió el divorcio de sus padres en el motor creativo que la llevaría a tomar una guitarra y a escribir su primera canción con el folk como bandera. Su calidad en la composición la hizo merecedora de una beca para el Berklee College Of Music de Boston y le dio la oportunidad de crear temas para grandes intérpretes femeninas como Rihanna, Kylie Minogue e Icona Pop. Al regresar de Berklee, Kiesza decidió dejar de lado el folk para experimentar con cajas de ritmos y sintetizadores, descubriendo así el sonido que le conocemos.

Foto: Meredith Truax

Fue en febrero de 2014 cuando la artista lanzó el sencillo ‘Hideaway’ que logró colocarse en el número uno de Reino Unido, con lo que la expectativa por su álbum debut creció hasta el día en que Sound Of A Woman salió al mercado, placa con la que la artista busca convertirse en el sonido protagónico de 2015.

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ENGLISH VERSION —

FOO FIGHTERS PG. 100

2014: THE YEAR OF THE RELEASE PG. 103

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â&#x20AC;&#x153;This album feels like the second part of our latest record, because that material has a very natural feelingâ&#x20AC;?. -Taylor Hawkins

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Foo Fighters They came from nothing By Paco Sierra

Recapitulating, a goal that year after year makes us glimpse at the past. Remembering what we did to continue the path, straight it up or just to end some routes of our lives. This is a simple exercise for some, but when the recapitulation is even deeper and you got immerse in the history itself, the results may have an unusual repercussion. 2014 will represent, at least that, to Dave Grohl, Taylor Hawkins, Pat’ Smear, Nate Mendel and Chris Shiflett, who not only decided to record the 8th Foo Fighter’s album, but also documented the process in a eight episode series that was broadcasted through HBO; the history of contemporary music in the U.S. We all can see the result, and even though the idea was conceived by Dave Grohl, all the merit goes to Foo Fighters, the band, along with the collaborations of Ben Gibbard, Rick Nielsen, Joe Walsh, Preservation Jazz Band, among other friends of the band. The need of building a recording studio –on his own garage- was no longer enough, that’s why in 2014, the band wanted to extend itself and contextualize eight of the most iconic recording studios of the country, in eight of the most representative music cities in the States, through eight songs, which integrate the album called Sonic Highways. To innovate is hard nowadays, and for some, even utopic; 2014 will be remembered as the year that consolidated Max Martin as the mastermind behind the mainstream, with pre-set formulas on the voices of Taylor Swift, Katy Perry or Maroon 4… with the musical environment given, the Foo Fighters’s sharpness is something to be thankful. Dave Grohl is a man with vision, who is really into the old

ways, but with the spirit of not letting die the rock and roll on its more traditional manner. He had transmitted this spirit to his bandmates, specially, to Taylor Hawkins, second in command of the band – if you ever doubt of his role in the band, take a look to the 2011’s documentary “Back and Forth”-. In order to understand a little bit more the moment that the band is going through, we’ll have to go deeper into its history and personal tastes, that’s why we had an exclusive talk with Taylor Hawkins, a great drummer of another legendary drummer. You’ve just play in Las Vegas, at the Life is Beautiful Festival, and in South Africa for the first time. How did it go? It was great; we had a very good time. I think that we played good rock and roll gigs, the people were having fun, we played a lot of the old songs, a couple of the new ones, and a bit in the middle. I don’t know, I think it was real fun, a great opportunity. I think that all our set works well with these songs and it’s a show that works for this tour, but we need to make some adjustments and I think that’s when you can find the best shows. So, you’re just warming up for next year… Yeah, sometimes this warming ups can be the best shows, because when I come back and review all the drafts, well… when you start a tour and you bump into a song and think: ”This is no longer working”, then you come back to the drafts and say: “No, that was great!, What am I doing?.” It’s like a warning of how to make a show, because it’s impossible to beat the tiredness. So now it’s a good time to go and see us, I don’t think this is the only good chance to see us, but I think that now you’ll be able to witness a very different show than the one that’ll take place in about six months.

Now we’re going to jump into Sonic Highways. What’s the thing that excites you the most about this record? It’s a quite ambitious project, that also includes a TV Show, but, for you, what’s the most exciting thing about it? This album feels like the second part of our latest record, because that material has a very natural feeling. The most important thing to me is music. Regarding the band, yeah, I play my part on the drums and I develop my backing vocals… and yes, the story, the movie, and all of that, but to me, that’s not really my job, I wouldn’t be able to handle with that matter, is more Dave’s work, it’s a vision, somehow, I just play along. The most important thing to me is that we sound good as a band, and many of the good things I’ve done are already recorded; I mean that they’re already on tape and have a very natural feeling, even more on this record than in the last one. The first song that we recorded was ‘Something for Nothing’ and I got the kick of the song in just one take. You know? It had never been like that, so there is certain naturalness in some of the songs and I think that is great. It’s raw and somehow, real. By listening to you, speaking like that… Is perfection on your mind when you’re at the studio, in front of your drum kit? Yes, of course. My perfection, my personal and human idea of what perfection is, yes I mean, to me is not the same kind of perfection on doing a record in a computer and that everything is perfectly tuned and quantified. I do that with my head, with my mouth. That’s why I like the clicks… click, click, click. Somehow it’s a more precise texture, instead of computers.

I imagine after all that process, describing the eight songs is not an easy task, but, which is your favorite now? Perhaps it’ll change after a few gis, but right now, what it would be? My two favorites, without a doubt, are ‘Something for Nothing’, the first song, and I really like ‘Outside’ the song we recorded at Joshua Tree. Joe Walsh played a solo on that song. The concept of recording at eight different studios in the U.S. is great. We know the intention behind but, have you ever thought of recording an album at different studios around the world? Perhaps in Mexico… I think that if we do it, we’d be like starting all over again, something already sold, so we have to let someone else to do it; what about Arctic Monkeys traveling to different countries in Europe and tell their music history… Honestly, I don’t want to make it again and I don’t think they want, we don’t even know what are we going to do for our next album, we have a good idea about it and is exciting, but we don’t want to do the same again. In a way, that’s the whole point of the album, the music transformed from an inspirational game, instead of just play the guitar, drums and a bit of keyboards, we do something really exciting. That’s what this is about, making something exciting and fun out of the process, something

special. I like to make records at our studio, but we have done a couple there. We can’t do that all the time. You’ve played at pizza restaurants, small clubs and the other day, at a big stadium in Mexico City, I can imagine that being on the road and playing it’s your life, and you show it when you’re on stage. Playing music is my life, it truly is, and when we don’t do gigs, I feel like I’m falling apart, I start to sweat a lot, that’s why I have bands like Chevy Metal, The Birds of Satan and stuff, because that’s my life, pal. Years go by and there are some artists who say: “Oh, I’m not going to tour anymore, I can’t. They’re never gonna play live ever”. I don’t even know how can they do that?! I could never do it, I just can´t. It’s like Michael Stipe, from R.E.M., a couple of weeks ago he said something like that. How can it be? He had one of the best bands of history, for real. I think about it and say: “How come you can’t play?” he said: “I don’t want to do it right now, I just don’t want to do it” It’s pretty crazy, it’s fucking Michael Stipe, one of the most creative minds of history. What a waste! So you really miss playing live…

When I hear stuff like that, I don’t know… I understand that a lot of people just can´t tolerate each other and that’s why they break up. When I hear of a band reunion I never think: “Oh, it’s because they want to make some money”, I think they say: “I want to play that fucking song with you”, do you get it? For example: Jane’s Addiction. I think they try, in part, because they can make some money, but also because they want to sing, play, and I want to believe that they really need to play. I know their drummer and yes, he always feels well, I know he is satisfied. I saw Queen the other day; they came to town with Adam Lambert…Ok. Is someone going to be Freddie Mercury? We know the answer is a fucking no, we all know it, but when you see Roger Taylor walking on stage, in a way, your heart starts beating faster, you’re sweating and people start to scream for the band and for him, then I say: “Yes, it’s wonderful, it’s perfect, that’s exactly where you deserve to be.” And I told them both: “Never stop, you look so alive, never stop”. I’ll tell you the same to you, Taylor, please never quit playing. Thank you very much for the interview. I’ll never stop, I promise

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2014

the year of the release By Paul Stokes

There used to be a time when you got a new album you judged it on the music. And possibly the artwork. Ok if you were been really anal you might say something like “I preferred it in the original mono” or “the 180gram pressing really adds colour to the lower end.” That was before this year. Because 2014 was the year of the where the how you release your album became as (if not more) important than the release itself. Obviously it all goes back to Radiohead’s In Rainbows and their ‘original name your price’ purchasing structure. It was apparently supposed to start a debate as to what music was worth (I paid ten of your English pounds for the download, if you’re interested, and I’m pleased to say I still feel happy in retrospect), except it didn’t. It just created a massive amount of publicity for a band that were already going to get a massive amount of publicity and inadvertently kicked off ‘game changing’ release mechanics. Or gimmick releasing to give it a more accurate tag. And over the last 12 month its reached epic proportions. Beyonce started last December with her surprise, eponymous album which was all videos on iTunes. Alt-J stuck their album on Spotify a good two weeks before its scheduled release (rumour has it to make a point to Apple after a fallout over the iTunes festival), while even bands who should know better like the wonderful Raveonettes’ have done the

whole ‘surprise there’s a whole record coming out next Tuesday’ thing. And then there’s U2… Always a band to divide opinion, why did it not occur to Bono or iTunes that perhaps they should give people a simple ‘yes or no’ choice as to whether they wanted Songs Of Innocence on their iPod for free? Instead we all woke up one morning and it had mysteriously appeared on our devices in a manner straight out of a sci-fi invasion plot. What’s massively counter-productive, is thanks to the band’s benevolent pig-headedness, if they had made their once-a-decade, U2-album-that-people-wot-aren’t-U2-fansactually-like record (see War or Achtung Baby) none of us non U2 fans will ever know, it’s always marred by its computer virus-like release. Yet remarkably U2 weren’t even responsible for the most irritating, odd release of the year. The old pass master Thom Yorke seeing his title usurped, quickly steamed in releasing Tomorrow’s Modern Boxes, sold solely via Bit Torrent. The “bypassing the self elected gate-keepers” nonsense was bad enough, what irritated me though was for a man who’s made such a song and dance about supporting new artists, why did he drive his massive fanbase to a single, locked off artist shop when he could have encourage a bigger digital footprint on well-stocked streaming or digital platform his

choosing. He could even have engaged with the “gate-keepers” – ie the media – promoted his album and recommended new acts in the process. Thom meant well. Bit Torrent is a superior file transfer system and one day shops across might replace displace corporate vested interest, but such are the figures and margins involved, unless you’re the singer in Radiohead it’s unlikely to lead to a sustainable business model for new bands. Still I don’t mind Thom trying to bypass gatekeepers like me – although I had to apply for my job so I’m not self-appointed, just for the record – even if he must take that supercilious, public school boy tone. What’s more irritating is a certain popstar taking their new album off one streaming platform, complaining about how it degrades their art, before doing a massive deal with another streaming platform… that also owns a search engine many use to find music on pirate sites. Sadly after all these surprise, strange, industry-shattering releases, you know some bands who have records out in 2015 are already concocting more unconventional ways of giving you their record next year… Let’s just hope they’re putting as much effort into their music as they are into bamboozling us with its release, because – honestly – U2 and Thom Yorke did not make career best records now, did they?

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Rosetta at Comet

Pic by ESA/Rosetta/Navcam

Rosetta ‘s Philae lander successfully made the first soft landing on a comet nucleus in history when it touched down on comet 67P on 12 November 2014.