WARP Magazine #74

MARK RONSON

Fotografía: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

No muchos tienen la habilidad de crear, sin embargo, son menos los que tienen el don de hacer de las creaciones de otros algo brillante y espectacular esos; son los productores. Podemos hablar de grandes nombres a lo largo de la historia sonora, sin embargo, para ejemplificarlo en 2015 hay que mencionar a Mark Ronson. Conocido como el genio detrás de grandes temas de Amy Winehouse, Adele, por mencionar algunos, hoy, el originario de Londres, Inglaterra, salta a los reflectores de la mano de Uptown Special, álbum que se coloca como uno de los más destacados del año.

“WE DON’T ASK YOU FOR FREE IPHONES. PLEASE DON´T ASK US TO PROVIDE YOU WITH OUR MUSIC FOR NO COMPENSATION.” -TAYLOR SWIFT TO APPLE

WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO | EDITOR EN JEFE DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN | ARTE Y DIGITAL: DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO @OSCARSAMANO EDITOR DE FOTOGRAFÍA Y RETOQUE SERGIO GÁLVEZ | FOTOGRAFÍA Y RETOQUE RUBÉN MÁRQUEZ EDITORA DE ARTE Y FASHION CHËLA OLEA @CHELAOLEA | TRADUCCIÓN RAÚL ARCE @RAULARCECH

COLABORADORES: ALONSO VALENCIA, DANIELA MARTÍNEZ, EDUARDO MARTÍNEZ, EDUARDO SALINAS, GIORGIO BRINDESI, JOSÉ IVÁN RUIZ, JAVIER CUELLAR, MAJO THIELVE, PRISCILA NÚÑEZ COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD: PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@SENTIDO.COM.MX | COMERCIALIZACIÓN Y PR ANA LUISA MESTA ANALUISA@SENTIDO.COM.MX EDITOR WARP.LA PACO SIERRA PACO@WARP.COM.MX @PACOSIERRA

© WARP Marca Registrada ®. Año VIII No.74 Fecha de Publicación Julio de 2015. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329.

Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Gimsi Solutions, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.

Desde pequeña, Bleta Rexha, originaria de Brooklyn, Nueva York, demostró tener talento y pasión por las artes, habilidades que perfeccionó con el paso de los años. Pero fue hasta 2010, cuando conoció al bajista y músico Pete Wentz (Fall Out Boy) que decidió dedicar su vida al canto y los escenarios, formando en el proceso el proyecto electro alternativo llamado Black Cards. Al poco tiempo Wentz decidió reincorporarse a su banda y Rexha empezó a trabajar en las canciones que darían vida a su faceta solista. Fue entonces cuando su carrera comenzó a despuntar,

convirtiéndose en autora para artistas internacionales, siendo ‘The Monster’ para Eminem, la que hizo que la gente la volteara a ver. Actualmente Rexha promociona ‘I Can’t Stop Drinking About You’, tema desprendido del EP debut I Don’t Wanna Grow Up (2015) y todo apunta a que dentro de pocos meses, cuando salga su álbum, se convertirá en una de los artistas que ayudarán a definir la industria musical este año.

— Foto: Nick Spanos

BEBE REXHA

HOT HOT HIT

QUICKIE

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MØ DUST IS GONE — Por Majo Thielve | Foto: Thomas Skou

¿Es Karen un persona diferente a MØ en cuestiones artísticas? ¡Así es!, como MØ estoy en mi zona, con mis canciones y procesos creativos, siempre trato de ser muy personal y pues claro que existe una diferencia entre la privacidad de Karen y MØ, pero en todo lo que hago trato de ser lo más honesta posible y ser yo misma en todos mis procesos. ¿Imaginaste tener tal impacto con No Mythologies To Follow (2014)?

Todo empezó con la primera canción que lancé, ya sabes, todo parece haber ido muy rápido, siempre ha sido un gran sueño para mí estar en esto y poder viajar por el mundo, hacer todas esas cosas que hago. Creo que cuando estas trabajando en algo que realmente amas no sabes que es lo que va a pasar en el futuro, así que cuando todo empezó no me puse a razonar mucho, simplemente se fue dando, no podía creer que había una posibilidad de cumplir mis sueños y ahora solo queda seguir trabajando con mucha fuerza y hacer lo que me gusta. ¿Cómo te sientes anímicamente?

Creo que el sentimiento que tengo en estos momentos es similar al de cuando uno se enamora: no piensas en lo que va a pasar, solo lo sientes, creo que te dejas llevar por la corriente y eso es lo que me ha pasado en estos últimos años, todo ha pasado en verdad muy rápido. ¿Qué nos puedes adelantar de tu próximo álbum?

Apenas estamos en pleno proceso creativo, creo que es un poco temprano hablar de eso, sólo tenemos ideas y creo que sería un error de mi parte el decir algo que puede no llegara a ser cierto, así que aún no puedo decir nada.

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PROFILE

BETA —

Por Priscila Núñez

betaoficial.mx

Integrantes: Diego de la Torre Rivera, Rodrigo González Alavez, Blas Cernicchiaro Cruz y Álvaro Contreras Korenyi Lugar de origen: Puebla, México Año de formación: 2004 Influenciados por: Warpaint, Gary Clark Jr., Ray Lamontagne, Foals y The Parlor Mob

soundcloud.com/betaoficial

Veredicto: Este cuarteto originario de Cholula, Puebla, crea un ritmo vertiginoso y tenaz que cautiva al espectador de manera inmediata. Se trata de una interesante propuesta de rock alternativo que está tratando de llevar su música a todos los lugares posibles; recientemente acaba de concluir su gira ‘Ya No Hay Respetour’, la cual estuvo compuesta por 21 fechas en México. Actualmente la banda se encuentra promocionando su segundo material Medusa (2015), disco que surgió después de su álbum Luces, lanzado al público en 2013; ambos materiales nos dejan en claro que a esta banda hay que seguirle la pista muy de cerca.

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PUBLIRREPORTAJE

CONOCE A LOS HÉROES LOCALES Y CÓMO FUE QUE SE ATREVIERON A SER DUEÑOS DE SU PROPIO DESTINO. PARA VER ESTE Y OTROS DOCUMENTALES VISITA: SOL.COM.MX/HEROESLOCALES #HEROESLOCALES

XAIME NIEMBRO —

MEZCAL GRACIAS A DIOS QUERÉTARO

Ser un héroe local es creer en tus ideas y luchar hasta el cansancio para realizarlas. Es formar parte del uno por ciento que sobresale por tomar las riendas de su vida y hacer su propio camino, sin importar cuán difícil sea; como Xaime Niembro, radicado en la ciudad de Querétaro, quien después de tener un trabajo estable, se dio cuenta de que eso no era lo suyo, y decidió arriesgarse junto con un par de amigos para poner su propia cantina. Después de años de trabajo duro, tomó la decisión de

elaborar también, su bebida favorita y el día de hoy tiene su propia marca de mezcal llamada Gracias A Dios. No ha sido un viaje corto, ni sencillo, pero no ha dejado que eso lo detenga, siendo capaz de entregar un gran producto de forma artesanal y con calidad de exportación, logrando que su marca de mezcal se coloque al frente de todas aquellas que elaboran esta tradicional bebida. Ahora, todos los días se levanta para poner el corazón en lo que más le apasiona, esa es la clave de su éxito.

FASHION NUGGET

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— Fotografía: Ana Hop | Modelo: Natalie NEW ICON | Coordinación de moda: Char Ruíz Manjarrez | MU: Chëla Olea

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Top: American Apparel Falda: Maxmouder Bolsa: Zara

Look: Bimba & Lola

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Vestido y Tank Top: H&M

FASHION NUGGET

Chamarra: Calvin Klein Jeans

Zapatos: Forever 21

Jumpsuit: Forever 21

Bolsa: Bimba & Lola

Bolsa: Zara Tennis: Adidas

Vestido y Falda: Maxmouder

Blusa y Falda: H&M Zapatos: Madewell

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MARTIN GORE INSIGHT — Por Giorgio Brindesi | Fotos: Travis Shinn

Una mañana soleada, ya casi es medio día en la Ciudad de México, para muchos un día como cualquier otro, pero no para mí, no, hoy, después de mucho tiempo en mi andar en el medio musical y periodístico me sentía nervioso, emocionado y maravillado. Este día tengo un enlace telefónico a Santa Barbara, CA, para hablar con un personaje que indiscutiblemente me ayudó a percibir la vida de otra manera y que de hecho, me inspiró a convertirme en productor musical y DJ. Un genio en toda la extensión de la palabra, me refiero a Martin Gore, miembro, fundador y benefactor de Depeche Mode.

Debo reconocer que cuando inicié en la música veía como algo lejano cruzar mi carrera con Depeche, la agrupación que supo trascender el significado de su nombre (moda efímera), con 34 años en la escena, sumando legiones de fans por todo el mundo. Sin embargo, sí llegó el tan esperado día: el 3 de febrero de 2008 Martin viajó a la capital del país para ofrecer un DJ set y tras 20 años de mucho trabajo fui elegido como el DJ que compartió el escenario con él, como su acto abridor y cerrando la presentación.

En esta ocasión el pretexto es MG (2015), su nuevo esfuerzo en solitario, una placa de 16 tracks puramente instrumentales que nos muestran una cara diferente y fresca de Gore, pero con guiños sonoros a su vasta carrera. Así que para mí esta no es una entrevista, es como reencontrar a un viejo amigo, uno con el que hacía mucho tiempo no hablaba.

Tras algunos intentos al fin estoy con Martin en la línea.

Hola, ¿cómo estás?

Muy bien, muchas gracias.

Un gusto como siempre platicar contigo.

Muchísimas gracias.

Entremos en materia, hace un par de años te reuniste de nueva cuenta con Vince Clarke e hicieron un álbum, Ssss (2012), como parte del proyecto VCMG ¿Cómo fue trabajar con Vince luego de tantos años?

Increíble, es una persona que aportó muchísimo, nos asombramos con los resultados. Originalmente solo quería que participara en una canción pero empezamos a trabajar y resultó tan bien que pensamos en hacer el álbum completo. Hizo un trabajo increíble, así que fue una decisión muy natural, para mí las canciones suenan poderosas, profundas y amplias, pero al mismo tiempo de alguna manera siguen sonando como los demos, sólo que en una versión más pulida de ellos.

Ahora hablemos de MG, honestamente cuando escuché hablar de un nuevo material solista pensé inmediatamente que se trataba de un tercer volumen de tu serie Counterfeit (un álbum y un EP dedicados a versiones de favoritos de Martin), probablemente la mayoría de tus fans pensaron lo mismo ¿Cómo surgió la idea de realizar un trabajo completamente instrumental?

Creo que es agradable realizar algo inesperado, después trabajar en el proyecto VCMG, me tomé un gran descanso. Como mencionas, probablemente la mayoría estaba esperando que realizará algo como el tercer volumen de Counterfeit. Pero el pretexto se dio cuando descubrí que tenía algunos demos instrumentales del proceso de composición de Delta Machine (2013) que no usamos, así que pensé qué debía

hacer algo con ellos, no quería dejarlos así, porque me gustaban. Entonces pensé en hacer un disco completamente instrumental, era algo nuevo, que nunca antes había hecho y me pareció una buena idea. ¿Consideras que parte de la inspiración para este trabajo proviene de escuchar música electrónica de artistas nuevos?

Todo tiene influencia de otros artistas y la mayoría del tiempo es inconsciente, incluso cuando escribo canciones para la banda, tomo influencias de todos lados y me gusta todo tipo de música, de todos los géneros. Como escritor es muy importante que hagas eso, en lo personal creo que siendo un músico que se dedica a la electrónica corro el riesgo de quedarme estancado escuchando ese género, eso sería autolimitarme, porque no te expones a otras influencias y entonces empiezas a repetirte. Pero si tienes una gama más amplia para escoger, más abierta, puedes crear muchas cosas con tu imaginación.

Con Depeche Mode siempre has mostrado interpretaciones poderosas y letras conmovedoras, entonces, ¿cómo hiciste para plasmar tus sentimientos en este álbum sin ayuda de esos elementos?

Creo que ese es el secreto, hasta ahora esas eran las únicas canciones que el mundo había escuchado, con letra y voz, pero en esta oportunidad siento que no se trata de mí, diciendo algo, sino de la gente interpretando el disco.

He obtenido muy buena retroalimentación, quienes lo han escuchado me han dicho que su mente empieza a trabajar y que empiezan a viajar a través de diferentes escenarios, que la música los volvió locos.

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¿Cómo escogiste los nombres de las canciones?

Es muy importante que no lo revele, porque le quitaría el misterio y siento que le resta a la gente la capacidad de usar su imaginación.

Me gusta mantener el nombre de las canciones interesantes y creo que es una manera de atraer escuchas, empiezan a pensar “¿por qué llamó así a la canción?”

Es casi obvio el toque cinematográfico en el disco, actualmente ¿qué tipo de películas disfrutas ver?

Lo creas o no mi tipo favorito de películas son los documentales, bueno, cuando tengo tiempo los veo, estoy obsesionado principalmente con los documentales un tanto depresivos y tristes, pero no son los únicos que veo. ¿Cómo seleccionas el orden de las canciones?

Bueno, cuando estaba haciendo el álbum, como a la mitad, tuve una conversación con Daniel Miller (músico, productor y fundador de Mute Records), sobre cómo iban las cosas y él dijo que “con este álbum el orden de las canciones iba a ser sumamente importante”, y sabía que tenía razón. Cuando terminé de hacerlo arme un orden y funcionó, ¡no intente ningún otro! Se lo enseñe a Daniel y me dijo que estaba perfecto [risas]. Quizá fue pura suerte. ¿Planeas llevar MG a algunos esce-

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narios, como en una mini gira?

No, no me imagino yendo de tour con este álbum, me imagino que no habría atractivo, creo que sería un evento muy plano y no me gustaría poner a la audiencia a experimentar eso [risas], entonces mejor no. Este ha sido un proyecto en el que he venido trabajando desde hace tiempo y estoy muy ansioso por que la gente lo escuche y después será tiempo de que pasé a algo más.

Sé que eres coleccionista de sintetizadores análogos, supongo que usaste mucho de estos en tu nuevo álbum…

Bueno, diría que la mayoría de los sonidos en este álbum fueron hechos con un Eurorack Modular System, es bastante nuevo, la mayoría fueron hechos análogos.

También hay unos cuantos digitales y además de eso use algunos equipos vintage y cosas análogas. ¿Tienes un sintetizador favorito? ¿Un favorito? Hay muchos sintetizadores que me gustan, uno que me gustaba cuando era más joven era el Elka Synthex. ¿Después de trabajar con Vince tienes planes de colaborar con otros artistas?

No en este momento, creo que debo de regresar pronto a escribir canciones para la banda

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(Depeche Mode), ese es mi objetivo principal por ahora.

Además de ser un la mente detrás de las composiciones de Depeche Mode y de haber probado suerte en solitario, Martin ha colabo-

Tal vez no recuerdas pero cuando estuviste en México como DJ yo compartí escenario contigo… ¡Oh, sí!, es verdad, claro que me acuerdo. ¿Tienes algún plan de visitar México en esta faceta?

En este punto no tengo planes de hacerlo, creo que tengo unos eventos pequeños en L.A. y Santa Mónica, creo que uno en Santa Bárbara, CA, pero no tengo ningún plan de hacer sets alrededor del mundo. ¡Qué lastima para los fans latinoamericanos!

Lo sé y aprovecho para disculparnos por no haber podido ir a Sudamérica en el tour pasado, en principio estaba planeado, se suponía que iríamos a Lollapalloza (Chile) y también estaríamos en México y otros lugares. Cuando se realizó la última decisión (de si iríamos o no), descubrimos que íbamos a estar de gira por nueve meses y sentimos que no sería bueno para nuestra salud extender aún más el tour. Siento que la próxima vez, si decidimos realizar un tour de nuevo, deberíamos tomar eso en consideración cuando lo planeemos ¿Sabes?, no solo dos tours en Europa, después Estados Unidos y al final Sudamérica, porque en ese punto todos estamos agotados.

rado musicalmente en otros proyectos. Estos son algunos de los más destacados.

Gore toca la guitarra en ‘Wonderful Life’, tema de Gwen Stefani contenido en su álbum de 2006, The Sweet Escape.

‘Milakia’, corte instrumental publicado en el álbum Back To Light (2010) de Bomb the Bass (el proyecto del productor Tim Simenon) fue co escrito por Martin durante las sesiones de Ultra (1997) de Depeche Mode.

Los coros de ‘Once You Say’ de Nitzer Ebb son cortesía de Martin, el tema forma parte de Industrial Complex (2010) de la dupla de Reino Unido.

Según el mismo Dave Gahan, Martin habría grabado un tema con Frank Ocean y lo escu-

“CREO QUE DEBO DE REGRESAR PRONTO A ESCRIBIR CANCIONES PARA LA BANDA (DEPECHE MODE), ESE ES MI OBJETIVO PRINCIPAL POR AHORA.”

charemos en su próximo material.

Gore interpreta ‘Man Made Machine’, el tema que da nombre al más reciente álbum de Motor, el proyecto del músico y productor Bryan Black.

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DANIEL ARISTIZABAL STRUGGLING FOR REALITY — Por Chëla Olea

Daniel Aristizabal es un diseñador gráfico colombiano. El surrealismo de su trabajo parte del automatismo puro, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control, ubicando todas las piezas de manera natural y simple con un elemento pop y elegante.

creencia dándole un giro más surrealista y moderno. El origen del universo creo que es el misterio supremo de la humanidad, más allá de la muerte y de nuestro fin, el origen es mucho más intrigante e inexplicable.”

Siempre sintió una gran fascinación por el origen del universo y las teorías que tratan de explicar este evento; en su momento comenzó a pensar en una imagen que pudiera resumir parte de estos conceptos para mezclarlos con elementos más surrealistas. Así surgió Cósmica y sus Huevos.

Un huevo cósmico es un tema mitológico y cosmogónico usado en los motos de la creación de muchas culturas y civilizaciones; éste representa simbólicamente un comienzo, un origen. Esta es la visión de Daniel de cómo el universo fue creado. Y esto, es solo un poco de su obra, que muy pronto estará exponiendo en Latinoamérica.

“Cósmica y sus Huevos representa una antigua creencia cultural, muy común en diversos lugares del planeta, de que nuestro cosmos surgió de un huevo primordial. Traté de recrear esta

¿Cómo fue tu niñez?, ¿sabías desde pequeño que querías dibujar y crear imágenes?

Mi niñez, como la de muchos niños, estuvo cargada de muchos juegos y aventuras. Me gustaba

dibujar mucho, pero no creo que de pequeño supiera que dedicarme a hacer imágenes iba a ser mi futuro, más bien estaba mucho más interesado en el espacio y quería ser astronauta.

Buenos Aires, y ojalá algún día en México. ¿Cómo describes tu obra?

Nostálgica, muy pop en sus colores y cargada de un surrealismo, simplemente es muy personal.

¿Cuál es tu proceso creativo cuando comienzas un proyecto?

Empiezo con unos bocetos de ideas dispersas que me pasan por la cabeza, en realidad son muchas cosas que al principio no tienen sentido o coherencia, pero cuando se juntan empiezan a tomar sentido.

Luego, empiezo a trabajar con esos bocetos, ya sea en Illustrator o en Cinema 4D y el resto es lo que ven.

¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

Ahora trabajo en una animación que espero tener lista en unos meses, y en algunas obras para la exhibición de Buenos Aires.

También tengo algunos proyectos comerciales, y claro, trato de no descuidar mis trabajos para Instagram (@darias88).

¿Dónde más podemos ver tu trabajo?

No he tenido exposiciones en solitario, pero sí algunas en conjunto en Alemania y Barcelona; posiblemente en agosto comenzaré a exhibir en

¿Escuchas música cuando estás creando alguna de estas piezas?, ¿de qué tipo?

Generalmente escucho David Bowie y Héctor Lavoe, pero también algunos podcast de comediantes que disfruto mucho.

“CÓSMICA Y SUS HUEVOS REPRESENTA UNA ANTIGUA CREENCIA CULTURAL, MUY COMÚN EN DIVERSOS LUGARES DEL PLANETA, DE QUE NUESTRO COSMOS SURGIÓ DE UN HUEVO PRIMORDIAL. TRATÉ DE RECREAR ESTA CREENCIA DÁNDOLE UN GIRO MÁS SURREALISTA Y MODERNO.”

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PRESIDENTE THE PRESTIGE — Por Diovanny Garfias Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

A través de La Gran Magia (2015), Presidente nos presentan su misterioso acto, uno en el cual el pop, la electrónica y otros géneros se mezclan. El proyecto formado por Priscila González y Quique Rangel, integrantes de Café Tacvba y Quiero Club, respectivamente, nos introduce en esta gran ilusión sonora de seis tracks, de tal modo que, efectivamente, como el título de la placa lo enuncia, nos encontramos frente a un espectáculo de habilidad e ingenio creado con fines de experimentación y entretenimiento musical.

al estudio”, ahí creo que encontramos un diálogo interesante, un resultado diferente a lo que hacemos cada uno con Quiero Club y con Café Tacvba, respectivamente. Encontramos la posibilidad de desarrollarlo hacia diferentes rangos o estilos, hacia otros espacios, de hacer algo que creciera. Creo que la esencia era experimentar, no quedarnos en la zona de confort en la que estamos con nuestros proyectos; el resultado es satisfactorio, es algo que no está presente en esos otros lenguajes que utilizamos.

EL GIRO Platicamos con ambos artistas acerca de los orígenes y sus planes a corto plazo; que mejor forma de contar y entender esta historia que a través de los tres actos de la magia planteados por el escritor británico, Christopher Priest, en su novela de 1995, The Prestige.

EL COMPROMISO

¿Qué buscaban materializar musicalmente cuando entraron al estudio de grabación?

Q: En realidad entramos al estudio pensando que iba a ser el proyecto solista de Priscila, y yo su productor, sin embargo, durante el desarrollo vimos que me estaba involucrando más, que ya era parte de éste; así que decidimos salir a mostrarlo como Presidente.

¿Cómo nació el proyecto?

Priscila: Hace poco más de un año, me invitaron a tocar en una fecha en el Caradura (Stage Bar), algo muy informal para tocar lo que yo quisiera, decidí tocar unas canciones que tenía guardadas y agregar unos cuantos covers. Quique y yo ya tenemos un rato de ser buenos amigos y se nos ocurrió tocar juntos ese día; en lugar de salir a tomar unas chelas y preguntarnos “¿Qué ha pasado en tu vida?”, fue como “Vamos a tocar y sirve que nos vemos”, tocamos esa vez y resultó bastante natural. Acabamos contentos y después de eso decidimos grabar una canción, de ahí nos dieron ganas de grabar más canciones y de esa manera acabamos aquí.

¿Priscila, qué tanto difirió lo que tenías en mente cuando empezaste a componer para tu proyecto solista de lo que terminó siendo Presidente?

P: Empezamos a hacerlo sin tener muy pensado qué resultado queríamos tener, esto nos dio mucha libertad. No sé, no te sientes limitado a que tiene que sonar a Quiero Club o a Café Tacvba, está padre hacer algo tan libre; hay mucho más espacio para la creatividad cuando no tienes ningún lineamiento o ninguna regla por así decirlo. Tan no había reglas que acabamos haciéndolo juntos, dimos espacio a que pasara lo que tenía que pasar y a veces eso resulta algo muy fructífero.

¿Qué elementos encontraron en esta primera canción que los llevó a avanzar y a componer más?

Quique: Esta canción se la pedí a Priscila para el Record Store Day y me dijo “bueno, ¿por qué no lo hacemos juntos?, tú la produces y la llevamos

Quique, cuándo te juntas con Priscila en este rol de productor, ¿sabías a qué o cómo querías que sonara?

Q: En realidad, no, más bien se trataba de lo que ella quería mí. Entré pensando ¿qué nece-

sitaban las canciones? y ¿con qué elementos contábamos? Es decir, cuando yo, miembros de Café Tacvba, muestro una canción, se da casi por sentado que va a haber una aportación de cada uno de los integrantes al arreglo final para que esa canción individual se transforme en una canción de Café Tacvba. En este caso la única condicionante era trabajaríamos entre nosotros dos, si necesitábamos un músico externo, entonces tal vez ese arreglo no era el necesario para esta canción. No tenía una predisposición o un mapa de hacia dónde tenía que desarrollarse, no hubo ideas preconcebidas. Por eso hablamos de libertad y también de experimentación; creo que son dos palabras claves en el desarrollo del trabajo que hicimos.

EL PRESTIGIO Cuéntenme, ¿cómo ha sido llevar las canciones del EP al escenario?

Q: Tenemos tres músicos que nos apoyan, batería, teclado y guitarra, e intercalamos guitarras, yo toco el bajo en algunas, todavía seguimos experimentando. Al principio no teníamos idea, o teníamos una idea muy vaga de cómo podía ser. Cuando empezamos no lo hicimos pensando que iba a ser posible trasladarlo al escenario. ¿Cómo ven a Presidente en el futuro? ¿Creen que sus agendas les permitan hacerlo crecer?

P: A mí lo que más me interesa es hacer canciones, me da curiosidad saber a qué van a sonar, qué van a decir, ¡no sé!, esa es la parte que más me motiva.

Q: Creo que tiene para dónde desarrollarse en la medida en que podamos encontrar espacio en la agenda de Café Tacvba y la agenda de Quiero Club para la “Agenda Presidencial”.

Hablando de sus agendas, ¿en que están con Quiero Club y Café Tacvba?

P: Con Quiero Club estamos preparando disco nuevo, vamos a empezarlo a grabar muy pronto, pero seguimos en la etapa de composición, eso es a corto plazo.

Q: En este momento Café Tacvba está en un receso, después de la agitada y afortuna-

damente exitosa gira de los 20 años de Re (1994) que tuvimos el año pasado, este es uno de esos pequeños espacios en donde cada uno está en los proyectos personales. A mediados de año ya estaremos considerando cuál es el siguiente paso, si es un disco o salir de gira, ya veremos.

“ENTRAMOS AL ESTUDIO PENSANDO QUE IBA A SER EL PROYECTO SOLISTA DE PRISCILA, Y YO SU PRODUCTOR, SIN EMBARGO, DURANTE EL DESARROLLO VIMOS QUE ME ESTABA INVOLUCRANDO MÁS, QUE YA ERA PARTE DE ÉSTE; ASÍ QUE DECIDIMOS SALIR A MOSTRARLO COMO PRESIDENTE.” -QUIQUE RANGEL

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STEVEN WILSON

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“EL INTERNET ES ALGO MARAVILLOSO, BUENO O MALO DEPENDIENDO DE CÓMO LOS UTILICEMOS.”

LAST REGRET — Por Alonso Valencia | Fotos: Lasse Hoile

Steven, hablemos acerca de tu nuevo álbum, Hand. Cannot. Erase. (2015) ¿Cómo fue el proceso creativo y de producción?

Empezó hace aproximadamente 18 meses con una historia de algo que sucedió en Reino Unido hace diez años, cuando encontraron a una mujer muerta en su departamento en Londres. Hace tres años vi un documental llamado Dreams Of A Life (2011) que hablaba de ella. Y al verlo descubrí que la anécdota era aún más extraordinaria de lo que creía, puesto que la mujer era completamente distinta a como la había imaginado. La historia se convirtió en algo simbólico para mí, sobre lo que es vivir en el corazón de una gran ciudad en pleno siglo XXI, con toda la tecnología que tenemos en estos días y lo fácil que es aislarnos, desconectarnos y hacernos invisibles. Así que esto se convirtió en el inicio de un álbum, esperaba que fuera la historia de una mujer absorbida

por la música, cómo una persona puede desconectarse de la raza humana aún viviendo en los corazones de millones de personas. La música se convirtió en una historia, en un poco de cine para los oídos. ¿Dirías que el álbum habla del aislamiento que acompaña a la tecnología actualmente?

Creo que habla en un sentido más general, acerca de cómo el siglo XXI puede ser un lugar muy confuso y terrorífico para muchos de nosotros, la velocidad de la vida es cada vez mayor, así como la cantidad de objetos y tecnología que tenemos; es lo que tiene vivir en la ciudad, escuchamos en las noticias acerca de pedófilos y terroristas, lo que puede hacer que no quieras salir jamás de tu casa. Yo sé cómo se siente eso, no es sorpresa que haya quien quiera hacerse invisible en esta era de locura en la que vivimos.

Para ti como músico, ¿cómo crees que la tecnología ha cambiado tu carrera?

Es difícil hablar acerca de eso, el internet es algo maravilloso, bueno o malo dependiendo de cómo los utilicemos. El problema es que si de entrada el ser humano tiene tendencias a ser pasivo, tener la tecnología para hacer más fácil su existencia puede resultar en que ésta se apodere de su vida. Por otro lado, musicalmente para mí ha sido maravilloso, puesto que es más sencillo acercarme a los fans, informarles acerca de mi nuevo álbum o de mi show y no me cuesta ni un centavo ¡Eso es increíble!

Creo que le permite a músicos como yo ser más puros en la manera en que hacemos nuestro arte, ya que no dependemos de estaciones de radio o televisión; sin embargo también es cierto que el internet ha destruido la industria al hacer que la gente crea que no es necesario comprar la música.

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FAITH NO MORE BACK FROM THE DEAD — Por Alonso Valencia | Fotos: Dustin Rabin

El mito del “one hit wonder” se ha ido disipando con el paso de los años, pero su larga tradición se ha encargado tanto de destruir bandas, como construir carreras, mismas que a su vez se han alejado del ojo masivo de la industria musical por años. Sin embargo, a veces, estas agrupaciones que se identifican como maravillas de un solo éxito en alguna parte del mundo, se consolidan en otra región para inmortalizarse.

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“TOCAMOS CANCIONES VIEJAS DURANTE MUCHO TIEMPO Y EN ALGÚN PUNTO FUE CLARO QUE SI QUERÍAMOS CONTINUAR JUNTOS DEBÍAMOS CREAR MÚSICA; ESE FUE EL PUNTO DE PARTIDA PARA CREAR SOL INVICTUS.”

Este caso cuenta con una gran serie de variantes que de hecho constituyen algunas de las grandes leyendas de los últimos tiempos. Entre una de éstas se encuentra el extraño caso de Faith No More, a quien regularmente se le recuerda por ‘Epic’, parte de The Real Thing, su tercer trabajo discográfico, lanzado en 1989, que los consolidó como una de las bandas más importantes de la inmortal escena que se estableció en la década de los noventa.

- RODDY BOTTUM

Con el tiempo, los liderados por Mike Patton crearon un sonido que trascendió los clichés de la época y que colocó al proyecto como uno de los más interesantes de aquellos días, la forma en la que mezclaron al rock con todos los ritmos y géneros posibles les ganó una reputación como una banda indispensable para entender la historia de la música contemporánea.

Sin embargo, a pesar de contar con una discografía que incluía joyas sonoras como Angel Dust (1992) y King For A Day, Fool For A Lifetime (1995), fue la inquietud de Patton por crear la que puso al grupo en una cámara criogénica en 1997, misma que lo albergó durante más de una década. Sería el 2009 el año que atestiguaría la resurrección de Faith No More, The Second Coming Tour se convirtió en el pretexto perfecto para revivir a una bestia ansiosa por aullar.

Seis años después de su reunión la banda entrega su primer álbum inédito en casi 20 años, el sucesor de Album Of the Year (1997); Patton junto con Mike Bordin, Roddy Bottum, Billy Gould y Jon Hudson vuelven con Sol Invictus (2015) para reclamar su lugar en una industria musical completamente diferente de la que se alejaron, una en donde falta ver si el nombre de Faith No More sigue siendo trascendente.

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Es el mismo Bottum, el encargado de los teclados, quien desde su sofá en Nueva York, habla con la desfachatez que caracteriza a la agrupación acerca del inesperado regreso que intenta traer nuevamente el tono del rock experimental a otra era: “Tocamos canciones viejas durante mucho tiempo y en algún punto fue claro que si queríamos continuar juntos debíamos crear música; ese fue el punto de partida para crear Sol Invictus. Una vez más estábamos disfrutando estar juntos y se sintió como que el siguiente paso obvio era escribir canciones nuevas. Creo que inicialmente lo hicimos para añadirle darle algo interesante a los shows en vivo y darle a los fans algo nuevo, pero se convirtió en toda una colección de canciones en las que trabajamos la mayor parte del año.”

El álbum no sólo sirvió para que Faith No More afianzara un pie en el futuro cercano, la placa se convirtió en el pretexto perfecto para traer de vuelta a la alineación de 1997 al estudio, como el mismo músico menciona, era tiempo de crear nuevamente: “Nos separamos por un tiempo, simplemente ya no queríamos vernos pero mirando hacia atrás en realidad no sé por qué tardamos tanto en crear nuevamente, creo que simplemente no estaba en los planes, seguían apareciendo oportunidades para tocar en vivo, había muchos lugares a los que queríamos ir, sin embargo después de un tiempo nos sentimos un poco culpables por seguir tocando en vivo sin ofrecer nuevo material. Nos tomó un tiempo llegar a la necesidad de escribir nuevas canciones y en sí el proceso de grabación nos tomó mucho tiempo, es decir, la mayor parte del año, tal vez un año y medio. Llevamos mucho trabajando en esto, pero no lo habíamos compartido con nadie, lo habíamos mantenido en secreto, así que para cuando la gente se enteró ya estaba casi listo… Además no queríamos echarlo a perder, pasamos mucho tiempo planeándolo y descifrando qué queríamos que fuera.“ El estilo de Faith No More se mantiene intacto en esta nueva placa de estudio, pero el problema de pertinencia es obvio, después de haberse establecido en una década en la que la rebeldía, los himnos sociales y el honor a la depresión en manos de bandas como Nirvana o Pearl Jam complementaban la esencia de

“NOS SEPARAMOS POR UN TIEMPO, SIMPLEMENTE YA NO QUERÍAMOS VERNOS, PERO MIRANDO HACIA ATRÁS EN REALIDAD NO SÉ POR QUÉ TARDAMOS TANTO EN CREAR NUEVAMENTE.” - RODDY BOTTUM

Mike Patton y compañía, tratando de una ofrecer una nueva alternativa al metal que venía creciendo desde los setenta. Este mismo estilo y pertenencia han desaparecido después de 34 años de carreras a pesar de sus claras interrupciones, por lo que Roddy hace un serio hincapié en los cambios más notables en el panorama en el que aparece Sol Invictus: “El principal cambio se basa en la tecnología, es mucho más fácil hacer un disco ahora que cuando grabamos por primera vez, ya que era mucho más caro, había que rentar tiempo de estudio y la logística de hacer que sucediera era muy diferente en esa época, había que pagar por hora y creo que la presión del costo de tiempo de estudio tampoco ayudaba. Ahora podemos grabar todo el disco desde nuestro propio estudio, lo que nos brindó un ambiente mucho más relajado, nos tomamos nuestro tiempo, lo que es bueno artísticamente, pero malo porque podemos repetir y repetir.”

En esta etapa de la industria en la que Faith No More se reintegra el hecho de traer de vuelta álbumes clásicos y piezas esenciales en la historia de la banda es un instrumento mercadeable en donde los valores propios del disco han desaparecido para dar lugar a la explotación por parte de los sellos. Angel Dust y The Real Thing, de donde se desprende su más grande éxito, contarán con un par de nuevos reissues “no autorizados” por la agrupación originaria de San Francisco: “No, nosotros no estamos involucrados en las reediciones. Creo que es solo cuando añaden canciones nuevas o hacen algo nuevo que piden nuestra opinión, pero honestamente no es tan interesante para ninguno de nosotros, digo, los relanzamientos son buenos, creo que es bueno cuando lo remasterizan y hacen que suene mejor, puesto que es algo nuevo para los fans, sin embargo honestamente no es tan interesante desde nuestra perspectiva, creo que estamos más enfocados en lo que estamos haciendo ahora, en el nuevo disco.”

Faith No More vuelve con un inesperado álbum que logra recuperar lo que los convirtió en una de las bandas estandarte de su generación, desarrollando la evolución de un subgénero que poco a poco ha desaparecido. Sol Invictus no sólo es uno de los regresos más sorpresivos del año, sino que logra recobrar ese sentido de la despreocupación que siempre caracterizó a Patton y compañía.

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DEL JUEGO A LA PISTA

NISSANGTACADEMY.mx —

El sueño de ser piloto profesional parecía inalcanzable hasta que Nissan y PlayStation se unieron para crear GT Academy, un programa global que les da a los gamers de todo el país la oportunidad de llevar su pasión por el automovilismo deportivo a la vida real, convirtiendo a uno de ellos en piloto profesional.

Para este, el segundo año de GT Academy en México, Nissan logró convocar a más de 50 mil gamers que participaron en diversos eventos en vivo dando

su mejor vuelta en el simulador Gran Turismo 6, o en línea con su propia consola de videojuegos.

Pero para seguir en la competencia tuvieron que demostrar que no sólo tienen talento detrás de una consola de videojuegos, sino que pueden proyectarlo en la pista. Los 28 tiempos más rápidos calificaron para enfrentarse en la Gran Final Nacional el pasado

1 de julio. De estos, 18 viajaron a Cancún el mismo día para demostrar sus verdaderas habilidades en la pista a bordo de un Nissan 370Z. Solo 6 participantes lograron superar los retos, y ahora viajarán al mítico circuito Silverstone en Inglaterra para luchar con los finalistas de Australia, Turquía, norte de África (Egipto, Argelia y

Marruecos) y Estados Unidos. Todos, dispuestos a dar lo mejor por la oportunidad de ser entrenado como profesional para competir en las 24 horas de Dubai con la escudería Nissan.

Finalistas: 1. Claus Joseph Schinkel Brault 2. David Quiroga Galván 3. Donaciano Martínez de Silva 4. Héctor Mario ArellanoBelloc Herrera 5. Juan Carlos Carmona Chávez 6. Santiago Montaño Isita

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LI SAUMET BOMBA ESTÉREO

ALGO ESTÁ CAMBIANDO — Por Eduardo Salinas

¿Qué tipo de sonido buscan transmitir con Amanecer, su nuevo material?

Creo que el sonido es similar a lo que siempre hemos usado, ya que parte de la base tropical y de lo electrónico, entonces es más o menos eso, pero sobre todo es un álbum con un mensaje muy amoroso, un mensaje muy profundo, de amor por uno y por lo demás. Entonces se siente como toda una nueva etapa de la banda, una mucho más madura y evolucionada, eso es lo que queremos transmitir en el disco. ¿Cómo trabajaron en los aspectos creativos?

La manera en que nosotros trabajamos es: Simón me manda una pista, luego hago con el tema una letra, después nos vemos, le damos una vuelta y después la grabamos. Entonces, obviamente el tiempo, la inspiración y el momento en el que estemos, influye mucho en todo lo que suceda desde ahí hasta que la canción esté lista.

Se han vuelto un icono de la música latinoamericana gracias a que se han presentado en diferentes partes del mundo, ¿cómo se sienten al respecto?

Bueno, satisfechos, ya son diez años de estar viajando, creo que somos como ciudadanos del mundo, estamos por aquí y por allá.

Se nos ha dado mucho, a nuestra mente, a nuestro ser, a nuestra alma y al cuerpo, a lo que somos como personas físicas. Para nosotros significa poder tener un pedacito de cada lugar en la cabeza y poderlo compartir con el mundo entero. ¿Cómo visualizas a Bomba Estéreo en los próximos años?

Seguiremos haciendo lo que nos gusta, más tranquilos, relajados, disfrutando de lo que hacemos con mucha felicidad, porque estamos juntos, toda la banda y creo que así lo visualizo.

QUICKIE

#UBERSEQUEDA — Por Enrique Ortega / @QuiqueOrtega Foto: eskay / Shutterstock.com

Nota: Este artículo fue escrito previo a las elecciones del pasado junio de 2015 en México.

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Los tiempos electorales son de temer. Hoy no se sabe qué estrategias usarán los candidatos y partidos políticos para pedir el voto.

Sin duda es algo que estamos viviendo en esta jornada con el caso de #Ubersequeda.

Sentando un antecedente: Uber es un servicio de transporte fundado en 2009, que funciona a nivel internacional mediante una aplicación móvil en la que puedes solicitar un automóvil con chofer y monitorear cada metro que avanza mediante GPS, teniendo un lapso de llegada de entre cinco y diez minutos a partir de que es solicitado por el usuario. Por si fuera poco, en un país con un alto nivel delictivo, una enorme ventaja es que no se requiere cargar dinero en efectivo, basta con dar de alta una tarjeta bancaria en el sistema para que dicho conductor te lleve a donde desees con puntualidad inglesa.

Como era de esperarse, una idea revolucionaria siempre va a causar controversia. Por un lado, las tarifas de Uber son ligeramente más económicas que las de los taxis convencionales. Por otro lado, la seguridad de poder monitorear la ruta de tránsito del vehículo, así como los datos del chofer, hacen que se tenga la confianza de enviar a cualquier familiar o amigo sin temor alguno. Además, la promesa de un servicio de alto nivel siempre se cumple: autos limpios, en perfecto estado mecánico, con posibilidad de elegir si se desea un sedán mediano, un auto de lujo o una camioneta, inclusive el que te ofrezcan una botella de agua durante el viaje, provocan el claro enojo de los taxistas. Por supuesto, tienen argumentos muy válidos que ya han sido difundidos a través de diversos medios de comunicación: ellos tienen que pagar revista, verificación del taxímetro, cromática del vehículo según los lineamientos que cada 6 años les impone el Gobierno en turno, etc. Según comentan, si hubiera menos trabas para manejar un taxi, tendrían el capital económico para tener el auto en mejores condiciones y ofrecer un servicio de mayor calidad. Aunque, claro, el “hubiera” no existe.

En España, desde el 1 de enero de 2015, Uber es ilegal y cerró de manera formal sus operaciones ya que la presión de los taxistas se volvió insostenible, argumentando una competencia desleal, aunque hasta el momento se sigue negociando una regulación para que puedan volver a las calles. Copiando el modelo, en nuestro país se

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han vivido decenas de manifestaciones exigiendo al Gobierno de la Ciudad de México que meta las manos en el asunto, y no es para menos, ya que se presume que desde la aparición de Uber, los taxis han perdido casi un 30 por ciento de sus usuarios habituales. Por supuesto, es un tema que en redes sociales ha explotado fuertemente, en especial en Twitter bajo el hashtag #Ubersequeda. Hasta el cierre de esta edición, ni el Gobierno de la Ciudad ni el Dr. Miguel Ángel Mancera se han pronunciado a favor o en contra de este tema, pero el Congreso local promete una propuesta de regulación en poco tiempo. ¿Quién tiene la razón? En mi opinión, ambas partes están en lo correcto. Por un lado, a los taxistas se les ha tratado injustamente por años, se ha abusado de su necesidad de trabajo y, en ocasiones, requieren de conducir dobles jornadas porque no les alcanza lo que ganan, lo que provoca que no inviertan en mantener en condiciones óptimas su herramienta de trabajo. De eso se aprovecharon Uber y su competencia directa, Cabify. Ambas marcas encontraron un área de oportunidad y dieron en el clavo. Los conductores, en un alto porcentaje de los casos, usan sus propios vehículos, lo que genera que inviertan en su mantenimiento, además de que su empresa los respalda en caso de que su auto sea remitido al corralón o tengan un problema de tránsito.

Tanto usuarios como choferes deben calificarse mutuamente, de tal suerte que si un conductor no mantiene un promedio aceptable en sus evaluaciones, simplemente es suspendido, pero lo mismo pasa con un usuario que pudiera llegar a agredir o faltar al respeto al proveedor del servicio. ¿Cuántas veces no hubiéramos querido tener la posibilidad de quejarnos de un taxista por un mal trato o porque su auto olía horrible? Incluso, hasta mis redes sociales llegó un video que se volvió viral, de una persona que fue testigo de un taxista que se masturbó en su presencia durante todo el traslado. En cualquier labor profesional, un acto así es merecedor de sanciones ejemplares, pero aquí las autoridades solo se hacen de la vista gorda.

Es claro que el Gobierno de la Ciudad de México tomó el tema como bandera electoral. Necesitan el voto de los taxistas y si les prometen acabar con Uber o cualquier servicio que se le parezca, se mantendrán en el poder,

COLUMN

¿o no? Quizá haya que pensarlo mejor, y para ello, veamos un poco los números: Según el diario El Financiero, poco más de 300 mil personas en la Ciudad de México han descargado la aplicación móvil de Uber, pero también de acuerdo al Fideicomiso para el Mejoramiento de las Vías de Comunicación del Distrito Federal, el número de taxis autorizados circulando es de 103,298. ¿Qué nos dicen estas cifras? Es claro que hay más usuarios de Uber que taxis legales disponibles, y lo más curioso es que TODOS tienen trabajo suficiente, entonces, ¿no será buena idea para el Gobierno, en lugar de eliminar una alternativa que fomente la libre competencia, impulsarla? Considero que si quieren votos, 300 mil son más efectivos que 100 mil.

El tránsito en horas pico en ciudades como DF, Guadalajara y Monterrey puede llegar a ser en verdad caótico. Uber cuenta con la opción de compartir vehículo, de modo que si a un usuario lo dejan en un punto y a otro, más adelante, se puede dividir la tarifa para dejar las cuentas claras. ¿No serán este tipo de servicios una solución mágica para evitar los congestionamientos viales? ¿Acaso no motivaría a los conductores privados a dejar sus coches en casa para evitar dolores de cabeza? ¿Cuántos empleos podrían generarse con un servicio de esta magnitud? Todas son preguntas que quedan en el aire pero que solamente se pueden responder, poniendo manos a la obra.

Imagine usted a un taxista autorizado, bien uniformado, aseado, con un auto limpio, que pueda ver en un mapa en tiempo real por qué calles va circulando y a qué velocidad va, que ante cualquier anomalía, haya un poder jurídico que lo ampare y que cobre lo justo por kilómetro, sin tarifas abusivas por ser servicio nocturno o porque no hay otra opción. ¿Es una utopía? Para nada. El mismo taxista, con un poco de visión y más pantalones para dejar los sindicatos que tanto han dañado a este país, podría hacerlo realidad. Nosotros, los usuarios, debemos tener la posibilidad de elegir.

El gobierno de la República es claro al respecto: debe haber una sana competencia, ya basta con los monopolios. Lejos de peleas y disputas, taxis, sitios, Uber, Cabify, Easy Taxi, Yaxi y demás servicios, pueden convivir pues todos tienen un público.

Para todos hay, o si no, ¿cómo es que Uber está valorado en 50,000 millones de dólares?

BIO. Enrique Ortega es Consultor en imagen, Director de The VES Group, catedrático de la Universidad Anáhuac y Fundador de CosmoCiudadano, AC.

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GLASTONBURY Pilton, UK Fotos: Samantha L贸pez y Camila Jurado para WARP #WARPenGlasto

Cobertura presentada por:

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Florence + The Machine [ 01 ] Lionel Richie [ 02 ] Jungle [ 03 ] Michael Eavis [ 04 ]

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SBTRKT [ 05 ] Pharrell Williams [ 06 ] Lianne La Havas [ 07 ] The Who [ 08 ] The Libertines [ 09 ]

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Barcelona, España

Fotos: Samantha López para WARP #WARPenSónar

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SÓNAR

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Die Antwoord [ 04 ]

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FKA twigs [ 02 ] The Chemical Brothers [ 03 ]

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R贸is铆n Murphy [ 01 ]

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Duran Duran [ 05 ] Bomba EstĂŠreo [ 06 ] Cashmere Cat [ 07 ] Kiasmos [ 08 ] Jamie xx [ 09 ]

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TODOS LOS DÍAS HABLAMOS ACERCA DE LO QUE ES COOL Y LO QUE NO, PERO, ¿QUÉ ES SER COOL?, ¿CUÁL ES LA ESENCIA DE ESA PALABRA?; ¿ES COOL LO QUE ESTÁ EN BOCA DE TODOS Y EN MÚLTIPLES PANTALLAS, O POR EL CONTRARIO, LO QUE VA EN CONTRA DE LO MAINSTREAM? CONTRARIO A LO QUE MUCHOS PUEDAN PENSAR, LA RESPUESTA NO RADICA EN LO QUE ES POPULAR, NO TIENE QUE VER CON SIMPLEMENTE SEGUIR UNA TENDENCIA, CON LO QUE ESTÁ DE MODA. SI ESA FUERA CLAVE PARA SER COOL, TODO EL MUNDO LO SERÍA; EN REALIDAD LA CLAVE ESTÁ EN OTRO LUGAR. EN WARP CREEMOS QUE LO QUE ES COOL ES LO QUE SE REINVENTA CONSTANTEMENTE, LO QUE SALE DE LO COMÚN Y NO TIENE MIEDO DE ROMPER LAS REGLAS. HACER LO QUE REALMENTE TE APASIONA, EN LUGAR DE LO QUE TODO EL MUNDO ESTÁ HACIENDO ES SER COOL. SER AUTÉNTICO ES SER COOL.

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VIET CONG MARCH OF PROGRESS — Por Raúl Arce Foto: Colin Way

“ESTOY ESCRIBIENDO LETRAS CONSTANTEMENTE, NECESITO SACAR TODO DE MI CABEZA Y PONERLAS EN UNA CINTA O LO QUE SEA Y ASÍ DEJAR ESPACIO PARA NUEVAS COSAS… ME MANTIENE SANO TENER UN DESAHOGO ARTÍSTICO.”

LA HISTORIA DE LA MÚSICA ESTÁ PLAGADA DE BANDAS CUYOS NOMBRES HAN DADO DE QUÉ HABLAR EN SU MOMENTO, SIN EMBARGO, HACE NO MUCHO, LA PUBLICACIÓN BRITÁNICA THE GUARDIAN, ASÍ COMO EL BLOG DEL PRESTIGIOSO NEW YORK TIMES, VOLTEARON A VER A UNA AGRUPACIÓN CANADIENSE DE RECIENTE FORMACIÓN, CUYA NOMBRE COMENZABA A GENERAR POLÉMICA. CLARO, CUANDO TIENES UNA BANDA CON AMBICIÓN ES PENETRAR INDUSTRIA MUSICAL ANGLOSAJONA, DEBES PENSAR DOS VECES ANTES DE BAUTIZARLA COMO LA ORGANIZACIÓN QUE DERROTÓ A ESTADOS UNIDOS EN UNO DE SUS EPISODIOS MÁS TRISTES: VIET CONG.

-MATT FLEGEL

La propuesta de estos originarios de Calgary tiene el potencial de trascender la polémica de su nombre. Con tintes que nos recuerdan al más puro post punk de mediados de los 70, fuertemente influenciados por la ciencia ficción, Viet Cong parece capaz de dejar atrás las cartas de odio que reciben en cada show, o las incómodas –y seguro repetitivas- preguntas de la prensa acerca de su nombre. Armados con dos EP’s y un larga duración homónimo -que ha sido recibido positivamente por la crítica especializada- el futuro no pinta tan mal para estos canadienses que, como era de esperarse, se encuentran embarcados en un exhaustivo tour por Estados Unidos y Europa. Con respecto a sus planes, la escena en Canadá y la música que se escucha actualmente, platicamos con Matt Flegel, bajista y vocalista de la banda, quien además de compartir nuestra visión

acerca del EDM y la falta de paciencia para aprender un instrumento por parte de la nuevas generaciones, nos contó incluso de una experiencia en el escenario que bien pudo haber sido sacada del guión de Almost Famous (2000), de Cameron Crowe. ¿Cuánto ha cambiado tu vida a lo largo de estos dos años, desde que empezaron a tocar juntos?

No sé, a mí me mantiene muy sano tocar y creo que antes de que tuviera esto, estaba en otra banda y se disolvió, hubo un espacio vacío ahí, sabíamos que necesitábamos un nuevo proyecto y yo me sentía mejor teniendo un grupo, estoy escribiendo letras constantemente, necesito sacar todo de mi cabeza y ponerlas en una cinta o lo que sea, y así dejar espacio para nuevas cosas, me ha cambiado en ese aspecto, me mantiene sano tener un desahogo artístico.

Hace algunos años era increíble formar una banda, mientras que ahora pareciera que se trata de evitar cualquier contacto con las guitarras u otro instrumento… ¡No!, ¡¿cómo las quieren evitar?! Creo que lo que pasa con las nuevas generaciones es que no tienen paciencia, todo tiene que ser inmediato, están acostumbrados a querer entretenimiento y tenerlo en la palma de sus manos, inmediatamente, no se necesita de nada de paciencia, a lo mejor esto también se traduce en la música, pero si eres joven debes adquirir alguna habilidad musical si quieres impresionar a alguien.

Sí, probablemente sea porque ya soy viejo y no entiendo a las nuevas generaciones.

Sí, es un poco difícil yo tengo 33 años y siento que cuando estaba en secundaria nadie tenía celulares, el internet apenas estaba empezando y creo que definitivamente sí estamos viejos, somos de diferentes generaciones, es triste que nadie esté usando guitarras en estos tiempos, ¡¿Cómo es algo que no esté de moda?! Creo que si quieres empezar una carrera de joven es importante que conozcas un instrumento, aún si quieres hacer EDM o música digital, debes tener algún conocimiento y dedicar el tiempo necesario.

Eres de Canadá y en los últimos años han surgido muchas bandas exitosas ahí, ¿crees que su escena es saludable?

Sí, honestamente creo que es un país muy grande territorialmente, aunque somos muy poca gente como treinta y cinco mil millones, que es muy poco comparado por ejemplo con la Ciudad de México, acá no hay mucha gente musicalmente talentosa entonces, siento que es un grupo muy reducido y existe mucho apoyo a las artes, lo que ayuda para que las bandas tengan mayor exposición, no para todas, pero hay préstamos para los que puedes aplicar y cosas así, el gobierno apoya y quieren difundir la cultura, yo creo que hay mucha música muy buena saliendo de aquí y todos se conocen con todos, bueno, la mayoría, pero eso no significa que yo salga con Arcade Fire o algo así, sin embargo, es agradable ver que hay bandas viajando por el mundo y teniendo mucho éxito porque los has visto desde que tocaban en los sótanos hace cinco años, ¿sabes?.

Estaba leyendo que te electrocutaste haciendo un show ¿es eso cierto?

Sí, fue horrible, no lo recomiendo, estaba pensando en el niño chiquito de Jurassic Park cuando esta brincando la reja y se va para atrás, fue terrible estuve como muerto por casi cuatro o cinco días, como una semana después, fue muy estresante, me espanté mucho porque no iba a poder

escuchar después de eso, pero ya pasó y todo está bien.

El nombre de la banda me recuerda a estos veteranos de la guerra ¿cómo surgió el nombre?

No fue algo muy establecido por la banda, pero así ocurrió todo, teníamos un show y no teníamos un nombre para la banda aún, así que nuestro guitarrista grito que le pusiéramos así y dos años y medio después seguimos con éste nombre, yo no hice nada de investigación acerca pero es bastante ofensivo para muchas personas, así que lo siento si ofende a alguien, yo pido disculpas, no pretendíamos que así fuera, pero sería difícil cambiarlo en este punto.

Escuché que están de tour ¿a dónde planean ir?

Bueno creo que vamos a empezar en la Costa Este, en Nueva York y tenemos tres shows ahí y luego Montreal y Toronto, creo que eso es todo, vamos a cantar en una radio y luego volamos al Reino Unido y vamos a estar tres semanas ahí y Europa ya después de eso regresamos aquí y haremos tour en Norteamérica, vamos a estar ocupados casi todo el verano. ¿Tienen planes de venir a México? ¡Sí! esta hasta arriba de nuestra lista ir, estábamos hablando de eso justo ayer, creo que vamos a intentar estar por ahí antes de finales del año seguramente.

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COMPUMUNDOHIPERMEGARED DIGITAL TRENDS TO LOOK OUT FOR — Por Alejandro Escobedo / @aalkz

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¿CÓMO SE VA A LLAMAR TU STARTUP, SI YA TIENEN TODOS LOS NOMBRES BUENOS? ¿QUÉ ES EXACTAMENTE LO QUE HACE A TU COMPAÑÍA TAN EXITOSA? ESTA INDUSTRIA AVANZA TAN RÁPIDO QUE ES DIFÍCIL SABER. POR ESO SE NECESITA UN NOMBRE REVOLUCIONARIO, AUNQUE, OLVÍDALO, LO MÁS IMPORTANTE ES TU TÍTULO: ¿QUÉ TAL: “VICEPRESIDENTE”, NO, MEJOR, “VICEPRESIDENTE JR.”?

Cada día que pasa estamos más cerca de presenciar saltos tecnológicos gigantes en las actividades más cotidianas, pero no te preocupes si cuando te des cuenta ya estás rodeado de todo lo que alguna vez te platicaron como posibilidad remota, porque vivimos en una era en la que el futuro nunca llega, y el presente consiste en reflexionar y construir sobre el pasado.

Veamos algunas de las tendencias que te harán preguntarte si deberías convertirte en ese tipo de persona que crea un mundo mejor para poder simplemente preguntar: ¿Puede darme dinero?

VIRTUAL REALITY & MIXED REALITY La virtualización de la realidad se perfila para revolucionar industrias como el entretenimiento, marketing, educación, la interacción social, y un largo etcétera que incluye hasta el porno. Empresas enfocadas en realidad virtual de alta definición como Oculus VR, adquirida por Facebook por mil millones de dólares en 2014 (es decir como dos montos totales de lo que costó Instagram), y Microsoft, con su proyecto de realidad mixta Project HoloLens, ya nos dejan saborear

un ápice de este futuro con demostraciones recientes en eventos de tecnología importantes en Estados Unidos. Esta integración de tecnologías comprenden un reto técnico como nunca antes, pero el resultado definitivamente valdrá la pena, ya que sacaremos gran parte de ese contenido que vive atrapado en pantallas de dos dimensiones, a uno más vivo y sensorial que nunca. No te preocupes, jamás te lo podrán explicar con suficientes palabras, no es como el 3D que “crees que sí se nota un poco”, es algo que debes experimentar para creer y después de haberlo hecho, no serás el mismo.

UNA VENTANA EN VIVO A TU VIDA (O LA DE ALGUIEN MÁS) Apps como Periscope y Meerkat son una prueba de lo que se espera que explote en

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Car Play [ 01 ] Meerkat [ 02 ] Periscope [ 03 ] Oculus VR [ 04 ]

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redes sociales e interacciones de audiencias con los nuevos creadores de contenido llamados ‘mobile first’, que nacieron y permanecerán en sus smartphones para siempre. Nunca antes fue tan sencillo hacer un broadcast de tu vida o introducirse en la de alguien más: un doble toque en la pantalla hará saber al que transmite que te gusta lo que está haciendo o diciendo, con todo y repeticiones instantáneas. Suena creepy y emocionante a la vez, pero en realidad es el costo de intercambiar nuestra privacidad por experiencias diferentes. Solo recuerda: todo lo que creemos que es gratis en realidad lo pagamos con nuestros ojos atentos a lo que sea que se mueva.

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THE SMART & CONNECTED CAR “Baja esta app en tu coche…”. Espera… ¿qué?. Así como vimos a los celulares transformarse de bobas maquinitas para hacer llamadas en poderosas e inteligentes herramientas, los siguientes en estar ya experimentando ese cambio son los automóviles. Apple apuesta por su tecnología CarPlay para darle una nueva vida a tu dashboard, así como Google apuesta por Android Auto y así tendremos una nueva y cruenta guerra de sistemas operativos, con ventajas para nosotros, los usuarios finales, que no vemos competencia en los interiores del coche desde que se hizo estándar el

BIO. Alejandro Escobedo es Ingeniero en Sistemas, Desarrollador Web, experto en nuevas tecnologías y geek 24/7.

puerto USB para cargar tus aparatos. Ahora, no tendría tanto sentido agregarle funcionalidad si no tenemos conectividad, así que prepárate para considerar contratar un plan de datos para tu coche. Y si sumamos esto al siguiente gran salto de la industria, autos que se conducen solos, nos encontramos en la antesala de una infinidad de nuevas experiencias por descubrir.

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THE DARKNESS MIGHTY WINGS — Por José Iván Ruiz Trejo Foto: Simon Emmett

A PRINCIPIOS DEL NUEVO MILENIO LA MÚSICA ESTABA DOMINADA POR UNA NUEVA ESPECIE DE SONIDOS QUE POCO LLENABAN A LOS FANÁTICOS DEL HARD ROCK. PERO SÚBITAMENTE, UN GRUPO DE ATORMENTADOS QUE TENÍAN LA SANGRE LLENA DE “LA VIEJA GUARDIA” Y QUE NO SE CONFORMABAN SOLO CON DISTORSIÓN Y GRITOS VOCIFERANTES DE GENTE ENOJADA, ATERRIZABA CON SU PLATILLO VOLADOR PARA ATERRORIZAR Y CREAR NOSTALGIA A QUIEN PODÍA ESCUCHAR; SE HACÍAN LLAMAR THE DARKNESS.

Permission To Land (2003), su disco debut, tuvo increíbles reseñas e incluso les valió un Brit Award como Banda Revelación; aunque poco durarían todos esos sueños e ilusiones.

Los problemas entre los fundadores de la banda, los hermanos Dan y Justin Hawkin, así como el desagrado hacia su segundo LP, One Way Ticket To Hell (And back), deshicieron las promesas de que volviera el rock.

Aceptémoslo: el Glam Rock estaba muerto y sus principales actores estaban desaparecidos o dando espectáculos en Las Vegas para el conocedor con años de más. The Darkness era la gota de virtud que golpeaba fuerte. Pero los problemas de drogas de Hawkins y el baterista Ed Graham y la renuncia de Dan (para formar Stone Gods) destruían toda esperanza. Hoy la noticia del lanzamiento de Last Of Our Kind, aunado a el sonido oscuro que envuelve a este disco puede facilitar a que The Darkness retome

el lugar que necesitan. Frankie Poullain, bajista de la banda, en entrevista con WARP Magazine, reconoce que el panorama de los solos increíbles, los riffs potentes y el spandex de colores se está desvaneciendo frente a una cultura que piensa en lo práctico antes que en lo glamoroso: Sabemos que Last Of Our Kind es su último disco ¿Realmente son la última banda de la especie del hard/glam rock?

Muy buena pregunta… Ser los últimos… Bueno, quizá lo que tratamos de hacer es demostrar que somos los últimos de nuestra especie dejando una marca y haciendo algo bueno, como los que han sido últimos de su especie. Te da un poco de valentía para hacer algo especial y que la gente vuelva a escucharnos.

Tienen una presentación en México en octubre próximo, pero no es su primera vez, ya tocaron en tierras aztecas con Lady Gaga ¿Por qué?

Primero porque fue una buena opción para darnos a conocer en el mercado latinoamericano. Además, a veces nos gusta hacer las cosas “mal” no en el sentido lógico. A veces hacerlo así te puede dar grandes resultados. Mucha gente vino con opiniones divididas sobre la decisión, algunos pensando que era una buena idea y otros que era muy mala. ¿En algún punto creíste que la banda podría durar tanto tiempo como lo ha hecho hasta el 2015?

No. La verdad es que viéndolo en una perspectiva de cómo pasaron las cosas nunca lo habría pensado. Sobre todo cuando fue el 2004 y 2005 que fueron demasiado locos, con nuestro baterista y Justin teniendo problemas de drogas. La banda se separó y Justin se alejó un poco, pero las cosas fueron volviendo cómo cuando nos formamos como agrupación. El dejó de beber, dejó de drogarse y volvió a ser la persona divertida que conocíamos.

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ZÉLIKA GARCÍA THE ART OF EVOLVE — Por Diovanny Garfias

“EN MÉXICO HAY MUCHO TALENTO, SOMOS UN PAÍS QUE LLEVA MUCHOS AÑOS CON UNA IMPORTANTE PRODUCCIÓN CULTURAL, TENEMOS MUCHÍSIMAS TRADICIONES, SIMPLEMENTE ES UN PAÍS MÁGICO.”

HOY TENEMOS LA OPORTUNIDAD DE CONOCER LA HISTORIA DETRÁS DE ZONA MACO EN PALABRAS DE SU FUNDADORA, UNA HISTORIA QUE AL MISMO TIEMPO SE CONVIERTE EN SU PROPIO RELATO DE VIDA. HABLO DE ZÉLIKA GARCÍA, LA DIRECTORA GENERAL. SIN DUDA, UNA DE LAS PERSONALIDADES MÁS INFLUYENTES DE LA COMUNIDAD ARTÍSTICA ACTUALMENTE EN MÉXICO. Hablar de Zona Maco es referirnos a uno de los eventos que mayor interés genera en México y Latinoamérica; aquel pequeño pero ambicioso proyecto que cobrara vida en Monterrey, en 2003, se desarrolló y creció hasta convertirse en la principal feria de arte contemporáneo de la última década con sede en la capital del país.

Sin duda este gran escaparate no sólo ha ayudado a dar exposición a artistas, galeristas y curadores nacionales de diferentes ramas del arte, al mismo tiempo la feria se ha convertido en pretexto perfecto para recibir a virtuosos del arte de diferentes latitudes, que a su vez empapan el evento de nuevas tendencias y corrientes vanguardistas.

Zélika García, la regiomontana detrás del importante proyecto, nos recibió en su oficina para conversar y claro, también regresar en el tiempo, apenas algunos años atrás... ¿Cómo percibes el arte que se crea en nuestro país?

En México hay mucho talento, somos un país que lleva muchos años con una importante producción cultural, tenemos

“EL DÍA DE HOY (ZONA MACO) ES LA FERIA MÁS EXITOSA EN AMÉRICA LATINA Y ESTÁ RECONOCIDA A NIVEL INTERNACIONAL POR CALIDAD, PERO AÚN NO HEMOS LLEGADO A DONDE QUEREMOS ESTAR.”

Foto: Mauricio Alejo

muchísimas tradiciones, simplemente es un país mágico. Tenemos algo especial y todas las obras de arte tienen que ver con el contexto en dónde se crean o se exhiben, por lo que este es un país particularmente especial, diferente; probablemente por eso hay muchos artistas extranjeros que están viniendo a producir aquí. No solo es Zona Maco, hay muchos artistas mexicanos que están en galerías internacionales, muchos coleccionistas que vienen a adquirir obras acá, los curadores que exhiben en museos fuera del país, todo esto le ha dado a los artistas proyección internacional. Si no existiera esta proyección, aunque hubiera gran producción, no sería lo mismo porque solo se conocerían al interior del país.

¿Cuéntanos, qué sabor de boca te dejó Zona Maco 2015?

Para nosotros fue muy satisfactorio, tuvimos más de 40 mil visitantes en cinco días, pero no es tanto la cantidad de público, sino que se trataba de gente realmente interesada, que preguntaba, que sabía de qué estaba hablando y los que no sabían tenían interés en aprender. Pienso que cada año el público también se especializa más, aunque sean jóvenes estudiantes, durante todo el año asisten a exposiciones, a galerías, a museos y se están informando constantemente. ¿Qué hace de cada edición de la feria algo diferente?

Que se encuentra en constante cambio; por ejemplo, por primera vez este año Luis Silva y

João Mourão, de la galería de arte Kunsthalle de Lisboa, fueron los curadores, anteriormente fueron Juan Gaitán, Patrick Charpenel y Adriano Pedroza, y siempre están cambiando porque si cambias al curador, aunque la línea del proyecto siga siendo la misma, los artistas y las galerías van tomando otro camino, por lo que todos los años la feria es distinta. ¿Hasta dónde se remiten los orígenes de Zona Maco?

La idea de Zona Maco surge en una visita a la Expo Arte Guadalajara, fue mi primer experiencia con una feria de arte contemporáneo; después, cuando dejaron de hacerla, comencé con un proyecto llamado Muestra en la ciudad de Monterrey, después de un tiempo se convertiría en Zona Maco en el D.F.

Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

¿Qué encontraste en aquella expo que te hizo querer crear un evento de características similares?

Me llamó mucho la atención ver a todas estas galerías reunidas en el mismo lugar, presentando a tantos artistas, algo que te da una idea global del arte contemporáneo, de las producciones de diferentes partes del mundo que de otra forma no podrías conocer. A partir de eso es cómo empezó todo. ¿Tenías algún objetivo?

No, no al menos uno claro, en aquel entonces era muy difícil traer a las galerías a México y de hecho, tardamos mucho tiempo en conseguirlo. ¿12 años después de su nacimiento sientes que al fin Zona Maco es la fiel imagen de tu visión original?

En parte sí, porque el día de hoy es la feria más exitosa en América Latina y está reconocida a nivel internacional por calidad, pero aún no hemos llegado a donde queremos estar, siempre

hay más proyectos, más crecimiento por delante, no en cantidad pero sí en calidad; ahora mismo tenemos nuevos proyectos como Zona Maco Foto y Zona Maco Salón Del Anticuario en septiembre y claro, estamos muy contentos con México Arte Contemporáneo. ¿Hacia donde te gustaría ver crecer a Zona Maco?

Hemos estado hablando de Zona Maco como la feria internacional de arte contemporáneo que se lleva a cabo en febrero, pero para mí, Zona Maco también es Zona Maco Salón Del Anticuario, Zona Maco Foto. A la par de México Arte Contemporáneo tenemos la sección de diseño y la idea es apoyar el diseño mexicano e internacional, hemos recibido un público que cada vez se interesa más por el diseño además del arte y queremos hacer crecer esa área para poder hacer una feria paralela, pero independiente de México Arte Contemporáneo. Queremos hacer mejores proyectos pero no necesariamente

más galerías, para que tampoco se convierta en una feria que no puedas visitar completa en un día, porque luego es tanta información visual que no la alcanzas a digerir todas las piezas.

También pensamos que es importante la parte de las conferencias y los foros que hacemos con la fundación Jumex cada año, y ya estamos planeando más conferencias porque vemos mucho interés por parte de los estudiantes.

Estamos haciendo El Arte De Coleccionar, conferencias sobre coleccionismo en el Museo Jumex una vez al mes. Entonces ya no solo es en febrero, sino que todo el año estamos haciendo diferentes actividades para el público. ¿Qué crees que hace a Zona Maco mantenerse como el evento de arte más importante del continente?

Para mí es importante no olvidar todo lo que nos llevó a donde estamos ahora, este año hubo mucho público y esperamos que siga creciendo.

PUBLIRREPORTAJE | 060

HENDRICK’S GIN PRESENTA HENDRICK’S AIR — Por Daniela Martínez

¿Cuándo fue la última vez que miraste el cielo? ¿La última vez que te tomaste un minuto para respirar y soltar las preocupaciones? Si no recuerdas cuándo fue, tal vez sea el momento de detenerte. De dejar de sofocarte con la ciudad. Respira: lento, suave, profundo. Recuerda ese momento en el que sabías que “imposible” no era una opción. Cuando seguir los sueños, ser valiente o ser un héroe no era simplemente una aspiración. Siéntete libre de nuevo.

Siguiendo ese espíritu de libertad Hendrick’s Gin lanza Hendrick’s Air. Conquistando el cielo, atrapando rayos y sueños, a bordo del majestuoso dirigible Flying Cucumber. Un dirigible de 39.4 metros de largo y 13.4 metros de alto que partió desde Los Ángeles en un viaje de costa a costa por Estados Unidos hasta Chicago. Adornado con un gigante ojo en el cielo, el dirigible promete a los pasajeros comodidad absoluta y el más exquisito cóctel en el cielo, mismo que fue formulado especialmente para disfrutarse desde las alturas, un cóctel que destila fantasía y gallardía.

David Piper, Embajador Global de Hendrick’s Gin comentó: “Nuestro paseo en dirigible con forma de pepino ofrece un romántico regreso al viejo transporte aéreo. Tales son los placeres tan refinados de los bebedores de Hendrick’s Gin, que lo natural, era llevar nuestra oferta

inusual a otro nivel. Este paso era elevar el dirigible a 300 metros sobre el suelo. El vuelo sobre un dirigible es considerado el más interesante de todos los medios posibles de viajar, con la posible excepción de realizar paracaidismo, ésta es una exquisita manera de disfrutar las vistas mientras se respiran los deliciosos aromas de rosas y pepinos. ¿Existe alguna forma más sofisticada de viajar?”

Desde Escocia para el mundo, Hendrick’s Gin, cuenta con un sabor exquisitamente peculiar, puesto que al contar con infusiones de rosas y pepinos, brinda una experiencia en cada trago, convirtiéndose en un viaje para los sentidos. Y es ese mismo toque de pepino el que inspira la forma de la aeronave homónima; el que te lleva a viajar por los cielos descubriendo de qué están hechos los sueños.

Un viaje que involucra a cada sentido, un devenir de emociones, de dejar fluir sueños y de ser audaz. Una historia para seguir avanzando y seguir deseando.

Hendricksair.com @HendricksGin Instagram.com/HendricksGin Facebook.com/HendricksGin #FLYINGCUCUMBER

BE COOL! | 061

CATAPULTA FEST 2015 —

Por Priscila Núñez Fotos: Franccel Hernández para WARP

POCOS SON LOS FESTIVALES QUE BUSCAN INSPIRAR EL CAMBIO EN NUESTRO PAÍS, PERO CATAPULTA FEST SE PLANTEÓ EL RETO DE ABRAZAR LA RIQUEZA QUE LA CULTURA PROVEE PARA PODER CREAR UN MUNDO MÁS SUSTENTABLE Y EQUITATIVO.

Durante los 4 días que duró el festival (17-20 de junio), logró reunir a líderes, emprendedores, activistas, artistas, músicos, diseñadores, e innovadores sociales que fueron participes de diversas pláticas, conferencias, talleres, espacios de meditación, performances, fiestas, etc., con la finalidad de potenciar las ideas y catapultar nuevos proyectos que mejoren las condiciones en las que se encuentra el país.

La colorida ciudad de Oaxaca se convirtió en el escenario ideal, pues se trata de un nicho creativo que combina su riqueza culinaria, musical, histórica, turística y artística para inspirar a los asistentes a crear.

Si bien, Catapulta encuentra sus raíces en Oaxaca, no cabe duda de que su alcance e impacto es global. El festival concluyó con un día repleto de música, fiesta y baile con

la presentación de Little Jesus, Compass, Ximena Sariñana y Los Ángeles Azules, entre otros. El cambio de conciencia es evidente en nuestro país, y movimientos como Catapulta ayudan a acelerarlo.

BE COOL! | 062

AWOLNATION BAD WOLF — Por Priscila Núñez

CORRER ES UNA NECESIDAD BÁSICA DEL SER HUMANO, SE PUEDE DECIR QUE EN ESE SIMPLE ACTO RADICA LA SUPERVIVENCIA DEL HOMBRE; YA SEA QUE ESTEMOS HUYENDO DE ALGO, O QUE INTENTEMOS ALCANZAR UNA META, NO PODEMOS DEJAR DE CORRER. ESO ES PRECISAMENTE LO QUE AARON BRUNO, EL PERSONAJE DETRÁS DE AWOLNATION, CAPTURA EN SU NUEVO ÁLBUM RUN (2015).

Originario de California, Bruno decidió crear el proyecto para seguir expresándose artísticamente después de que sus primeros proyectos, Home Town Hero y Under The Influence Of Giants, se desintegraran. “Se puede decir que el proyecto nació de una necesidad creativa.

Cuando Under The Influence Of Giants se separó, lo último que quería era empezar una banda completa, así que por circunstancias de la vida decidí empezar a escribir mis propias canciones y producir mi música”.

El éxito de Awolnation estalló gracias a ‘Sail’, una obscura y poderosa canción que forma parte de su álbum debut Megalithic Symphony (2011) y que lo llevó directamente a las principales listas de éxito en todo el mundo. Ahora, Bruno se encuentra promocionando su segundo álbum de estudio bajo el sello discográfico de Red Bull Records.

No cabe duda de que este nuevo álbum es una versión más cruda de su primer disco, y al cuestionarle a Bruno sus motivos, nos comenta: “Creo que me encontraba en un lugar obscuro cuando estaba trabajando en el álbum, quizá tratando de encontrar el mejor modo de dar continuidad al éxito del primer álbum y en esa búsqueda musical encontré cierta obscuridad. Creo que la música en general se ha vuelto mucho más pop, especialmente en el género alternativo, a mí siempre me ha gustado que la música sea más pesada y obscura; instintivamente sentía

que todo el mundo estaba haciendo música muy ligera y yo quería hacer algo diferente, pero no fue una decisión consiente, no desperté un día y dije ‘voy a hacer un álbum más pesado y obscuro’ solo se trató de seguir mis instintos”.

Pero cuando se tiene un hit tan importante como ‘Sail’, la presión de emular ese éxito pude dificultar el proceso creativo, y si bien fue una preocupación constante para Bruno, logró mantener la cabeza fría y los pies firmes en la tierra: “Realmente fue muy sencillo ponerme a trabajar en nueva música, porque nunca pensé que ‘Sail’ iba a ser un gran éxito y nunca lo he pensado con ninguna de mis canciones, solo se trata de la música que amo y que me apasiona.

Con Run (2015) fue exactamente lo mismo, y me siento muy afortunado de cómo han resultado las cosas hasta ahora”.

Sin embargo, esto no significa que la grabación del nuevo material haya sido sencilla, como en todo proyecto creativo estuvo llena de altibajos: “Así como hubo muchos momentos de confianza, también hubo momentos de duda, yo trataba de retarme como compositor y productor, porque no quiero que nadie escuche mi música y sea capaz de predecir lo que va a pasar a continuación. Puse lo mejor de mí en este álbum para mantener la experiencia de escucharlo emocionante y sorprendente”; y eso es algo que se nota de principio a fin.

Es precisamente esa pasión lo que le permite componer canciones que logran conectar con quienes las escuchan, y que al mismo tiempo pueden escalar fácilmente en la lista de éxitos, pero no existe ninguna fórmula especial, es talento puro: “No tengo un proceso creativo definido; por ejemplo, ayer estaba manejando en la costa, tratando de encontrar olas para surfear y de pronto se me ocurrió una idea que parecía se una melodía realmente interesante, así que la grabé en mi teléfono; de hecho, ahora voy al estudio para grabarla y ver si realmente es tan increíble como pensé, puede que sea horrible, pero recuerdo que era muy buena. Lo que trato de decir es que las ideas simplemente vienen a mi mente, a veces estoy sentado en el piano y el sonido de un acorde despierta toda una idea, pero a veces es el sintetizador o la batería. No hay reglas o limitaciones en lo que se refiere a tener nuevas ideas”.

Además de este nuevo álbum, el músico ha demostrado sus habilidades y su creatividad en el cover que realizó de la canción de Bruce Springsteen ‘I’m On Fire’ para el soundtrack de la cinta Fifty Shades Of Grey (2015). “Fue realmente muy divertido grabar mi extraña versión de lo que ya era una perfecta canción de Bruce; fue un ejercicio muy sencillo para mí, no tenía ninguna clase de expectativa, solo la hice como ejercicio y les gusto lo suficiente como para incluirla en el soundtrack de la película con grandes artistas, así que me siento honrado de ser parte de ello”.

“CREO QUE ME ENCONTRABA EN UN LUGAR OBSCURO CUANDO ESTABA TRABAJANDO EN EL ÁLBUM, QUIZÁ TRATANDO DE ENCONTRAR EL MEJOR MODO DE DAR CONTINUIDAD AL ÉXITO DEL PRIMER ÁLBUM, Y EN ESA BÚSQUEDA MUSICAL ENCONTRÉ CIERTA OBSCURIDAD.”

Más importante aún es el hecho de que Aaron es un verdadero apasionado de la música, desde que su padre le enseñó a tocar la guitarra cuando era joven, hasta la consolidación de Awolnation, el arte sonoro ha sido su principal inspiración.

“Me inspira toda clase de música que escucho, para bien o para mal. Amo la música y todo lo que me hace sentir; constantemente estoy buscando el sentimiento que me produce descubrir nuevos álbumes, o quizá viejos álbumes que no

había escuchado antes y por lo tanto son nuevos para mí. Cuando voy manejando, o cuando me encuentro de viaje, esos momentos me hacen sentir mucho mejor; es emocionante encontrar nueva música, es lo que más amo de este mundo.

La música en general es mi mayor inspiración, pero también lo son las emociones humanas, los altibajos de la vida, lo que sea que nos haga felices y lo que nos haga estar tristes, esas cosas son importantes en mi constante búsqueda.”

TASTE THIS! | 064

CABALLERÍA — Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Caballería: Havre 64, Colonia Juárez, Ciudad de México.

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La Barbería Capital [ 01 ] Common People Man [ 02 ] Havre [ 03 ] Galería [ 04 ]

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GLASS ANIMALS LET ME SHOW YOU EVERYTHING I KNOW — Por Diovanny Garfias

POSIBLEMENTE ETIQUETAR Y DEFINIR LOS GÉNEROS QUE INTEGRAN LAS ESCENA DE ROCK GLOBAL ACTUALMENTE SEA UNA DE LAS TAREAS MÁS COMPLICADAS PARA LOS PERIODISTAS, SIN EMBARGO, PARA LAS BANDAS PARECE UNA ÉPOCA DORADA, YA QUE SIN ATADURAS ESTILÍSTICAS ECHAN A VOLAR SU IMAGINACIÓN, CREANDO TRABAJOS SÓNICOS QUE BIEN PODRÍAN MERECER UN ESTUDIO A PROFUNDIDAD. ES EL CASO DE GLASS ANIMALS, LIDERADOS POR DAVE BAYLEY, ESTE CUARTETO TOMÓ RAÍCES TROPICALES, LATINAS Y TRIBALES Y LAS COMBINÓ CON EL MINIMALISMO IMPETUOSO DE LAS SONORIDADES GENERADAS EN OXFORD, INGLATERRA.

“Dave y yo íbamos juntos en la escuela, un día, llegó a casa y había escrito algunas canciones, nos las enseñó y nos dijo que si queríamos hacer una banda, todos dijimos que sí. En ese momento era sólo una idea, queríamos terminar primero de estudiar la universidad y luego ver si la banda podía existir, pensar en cómo sería…” Es imposible no percibir la nostalgia en el semblante del baterista Joe Seaward, quien recuerda reflexivo: “No creo que ninguno de nosotros se hubiera imaginado que podríamos vivir de esto”, lo cierto es que aunque apenas han pasado algunos años desde la formación de Glass Animals, la banda originaria de Oxford captó ya la atención del público internacional de la mano de un sonido emblemático y temas como ‘Gooey’ y ‘Pools’.

Este año se embarcaron en una gira para promover su álbum debut, Zaba (2014) y como recuerda Dave Bayley, hoy su vida no podría ser más diferente: “Antes de presentarlo sólo pasábamos tiempo en casa, ahora no he estado en casa desde hace casi tres meses, ha cambiado mucho, pero para mejor; estamos contentos de estar ocupados.”

Conversamos con ambos músicos durante su estadía en México, apenas unas horas antes de su presentación en el aniversario de Spotify, una ciudad “verde”, llena de árboles, a diferencias de su natal y “gris” ciudad y la comida son de momento los detalles que los tienen facinados. ¿Cómo fue entrar al estudio a grabar formalmente? ¿Sintieron algún tipo de presión o todo fluyó?

D: No hubo tanta presión, pasamos mucho tiempo haciendo las canciones y descubriendo qué tipo de sonido queríamos tener, además presentamos dos EP antes del álbum, básicamente estábamos experimentando, aprendiendo cómo se utiliza un estudio, cómo tocar nuestros instrumentos y crear sonidos, por lo que lo hicimos muy rápido, una vez que supimos hacia qué dirección queríamos ir y teniendo el concepto, no nos tomó tanto tiempo. Hicimos muchos bocetos en un lapso de dos o tres meses, los hacía en mi

computadora en mi casa y luego estuvimos en el estudio durante un par de meses más.

J: Yo tampoco recuerdo sentir tanta presión, lo que tiene mucho que ver con las personas que nos rodean, quienes son los que crean el ambiente; éramos un poco ingenuos, no sabíamos lo que estábamos haciendo o lo que estaba bien. En lo personal no tenía muchas expectativas, simplemente no quería que fuera completamente horrendo, y de no ser así, entonces estaría bien. Sin embargo creo que todos terminamos bastante orgullosos al final, y en ese momento eso fue suficiente.

D: Pasamos bastante tiempo con eso, queríamos estar contentos y pasar un buen rato haciéndolo, sin poner presión sobre nosotros.

Paul Epworth los apoyó desde el principio y además pasó algo de tiempo con ustedes mientras grababan Zaba, ¿cómo fue trabajar con él?

D: Fue increíble, es un genio. Crecimos escuchando discos hechos por él, como Silent Alarm (2005) de Bloc Party, ese disco cambió mi vida. Y queríamos hacer un disco como los que él hace, algo que pudieras escuchar de inicio a fin; de pronto él apareció en nuestras vidas, fue perfecto.

J: Creo que la manera en que ve la música es bastante interesante y la manera en que nos permitió verla fue lo que realmente valió la pena aprender; cosas como creer en ti y en tu juicio, nos ayudó a sentirnos más cómodos con lo que hacemos.

D: Antes de conocerlo nuestra música era tímida, no sabíamos lo que hacíamos, y él nos hizo sentir que sí lo sabíamos.

J: Sí, nos hizo sentir lo suficientemente valientes para hacer cosas que no nos hubiéramos atrevido antes y a no preocuparnos si salían mal, a intentar cosas nuevas; eso fue lo principal. Después de eso, nos dejó solos haciendo nuestra música, fue increíble. ¿Estaban buscando un sonido particular para el álbum o fue algo que sólo surgió mien-

tras experimentaban?

J: Creo que el sonido surgió durante el proceso de hacerlo, fue después de la grabación que Dave pasó mucho tiempo intentando hacer que fuera una entidad, buscas darle una línea.

D: No soy productor, sin embargo produje el disco, o por lo menos lo intenté, cuando grabamos todo pasé un par de semanas asegurándome que todos los sonidos encajaran, que las canciones tuvieran una línea. Creo que tenemos una onda tropical, hay una temática tropical en todo el álbum.

J: Y eso también estaba presente durante el proceso de grabación.

D: Sí, teníamos esa idea desde antes de entrar al estudio. Estuvo en mi cabeza todo el tiempo mientras grabábamos, logramos que todo encajara al final. ¿De dónde salió esta inspiración tropical del álbum?

D: ¿Nunca has ido a la selva en Oxford? ¿Con los monos y los flamencos? [Risas] ¿De dónde salió? Por alguna razón estaba leyendo muchos libros acerca de personas que iban a la selva como El Corazón De Las Tinieblas (1899) y La Costa De Los Mosquitos (1981) que hablan de personas que van al trópico; definitivamente fue en gran parte eso. Los ritmos latinos creo que los tomé de las producciones iniciales de Dr. Dre y Timberland; tienen una colección impresionante de baterías e incorporan sonidos extraños de todo el mundo, siempre he estado interesado en ese tipo de cosas, por lo que empecé a tomar sonidos de baterías de todos lados del mundo y esos sonidos encontraron un lugar en el álbum. ¿Qué podemos esperar de Glass Animals hacia el futuro musicalmente?

D: No lo sé, no queremos sonar siempre igual, supongo que necesitamos sentarnos a tocar y tontear, a descubrir nuevos sonidos. No hay una dirección especial a la que queramos ir por el momento, no sabemos qué viene después o cómo va a sonar, simplemente va sucediendo. Pero definitivamente hay cosas nuevas sucediendo.

BE COOL! | 068

JOSS STONE THE ANSWER — Por Diovanny Garfias

ESTOY TENIENDO UNA DIVERTIDA PLÁTICA CON JOSS STONE, EL ESCENARIO ES LA CASA DEL EMBAJADOR DE REINO UNIDO EN MÉXICO. ESTÁ DESCALZA Y FELIZ DE CONOCER A LA PRENSA DE NUESTRO PAÍS. LA NOCHE ANTERIOR SE PRESENTÓ ANTE UN PLAZA CONDESA ABARROTADO, DEFINITIVAMENTE MÉXICO LE VIENE MUY BIEN A LA CANTANTE Y VICEVERSA.

Antes de entrar en materia le pregunto, fuera de toda formalidad respecto a sus orígenes, cómo entró la música en su vida: “De pequeña me gustaba tomar los discos de mis padres a escondidas y escucharlos, sin embargo no recuerdo sentir que eso fuera lo que quería hacer. Fue hasta después, cuando iba a la escuela y no la disfrutaba, no me iba tan bien con ese tipo de educación”. Continúa su relato como si estuviera viviéndolo de nuevo: “A la vez me preocupaba no saber qué iba a hacer después, porque la idea de ir a la escuela es estudiar para eventualmente tener un trabajo. Un día estaba viendo la televisión y me encontré con un programa de música y canto y pensé ‘¡Eso podría ser mi trabajo! Es fácil, si toda mi vida he cantado, ¿Por qué no intentarlo?’ Escribí una canción y al año ya había conseguido un trabajo, sé que fue suerte, pero fue una manera rara de hacerlo, simplemente fue como ‘No puedo con las ciencias, no puedo con las matemáticas, voy a cantar’.”

El pretexto para estar bromeando respecto a los bocadillos y el catering servido por el personal de la embajada es su nuevo álbum, Water For Your Soul (2015) y porque no hablar y recorrer algunos punto altos de su carrera, a final de cuentas hablamos de más de diez años, mismos que nos han mostrado diferentes facetas de Stone. Basta con recordar el principio, aquel 2004, año que quedará marcado en su memoria para toda la vida; de la mano de su álbum debut, The Soul Sessions (2003), pero sobre todo del tema ‘Fell in Love with a Boy’ (versión al tema clásico de The White Stripes, ‘Fell in Love with a Girl’), la cantante logró atraer miradas de diversos puntos del globo.

Su personalidad traviesa propia de una chica que conoce el éxito a los 17 años, su imagen

desaliñada y su poder de interpretación y talento para desenvolverse vocalmente en el mundo del soul fueron la carta de presentación perfecta, así contemplamos el nacimiento de una de las primeras alternapopstars que los reality shows de talento nos ofrecían la pasada década.

Aunque, si bien todo lo generado a partir del debut en grandes ligas la marcó para siempre, es un hecho que el disco, en sí mismo, no es una pieza que recuerde con especial cariño: “El productor y la banda hicieron un gran trabajo en el disco, pero yo no [risas]. Sé que a la gente le gustó, pero fue mi primer disco, es algo así como un artista viendo su primer pintura, ¡de seguro piensa que es horrible! En ese momento no sabía cómo cantar, tenía una técnica terrible. Definitivamente no es algo que escucharía en mi auto [risas].”

A partir de ahora entramos en materia, yo me convierto en el entrevistador y Joss, bueno, simplemente sigue interpretándose a sí misma.

Después de todos estos años, ¿Hay alguna presentación en específico que recuerdes?

Creo que cuando hice 12 Days Of Divas (para VH1), porque mis presentaciones cambiaron después de eso. Vi a Gladys Knight y fue increíble, recuerdo que utilizaba un vestido cubierto de joyas, era absolutamente hermoso, iba a ser elevada hacia el escenario y de pronto comenzó a darle toda la luz de frente, se veía como un ángel, acercó el micrófono a su boca y empezó a cantar, se veía tan calmada; lo único que pensé fue “eso es lo que quiero hacer, quiero que la gente se sienta cómoda observándome”, a partir de ese momento entendí que si te sientes nerviosa, lo mejor es pretender que no es así y tal vez un día te verás como Gladys Knight.

“UN DÍA ESTABA VIENDO LA TELEVISIÓN Y ME ENCONTRÉ CON UN PROGRAMA DE MÚSICA Y CANTO Y PENSÉ ‘¡ESO PODRÍA SER MI TRABAJO! ES FÁCIL, SI TODA MI VIDA HE CANTADO, ¿POR QUÉ NO INTENTARLO?’”

“CANTAR COVERS ME HA ENSEÑADO MUCHO SOBRE CÓMO SENTIR A TU MANERA LAS PALABRAS DE ALGUIEN MÁS.”

¿Qué tanto te ha ayudado interpretar diversos covers a lo largo de tu carrera y en tu proceso creativo de manera personal?

Desde el inicio de mi carrera he buscado ser sensible hacia la letra y música original. Eso es algo que tardas en aprender, no puedes sólo cantar y ya. Cantar covers me ha enseñado mucho sobre cómo sentir a tu manera las palabras de alguien más. Ahora intento ser más consciente al escribir, lo mismo cuando hago colaboraciones con otras personas. Puedo llegar a ser un poco obscura, pero la realidad es que cada día soy más feliz, me siento más libre de hacer lo que quiera musicalmente. El conocimiento de tener esta libertad hace mi vida mucho mejor y más feliz. ¿Qué tipo de sonido buscabas para este álbum? ¿Querías algo distinto de tu estilo habitual?

Quería que fuera algo único, algo más interesante, gracias a la gira mundial hemos colaborado con artistas de cada país que visitamos, lo que me enseñó mucho sobre la música en esos lugares, además de diferentes sonidos y dife-

rentes instrumentos, me hizo pensar que eso podría involucrarse en mi música. Así que creo que eso me ha inspirado a hacer el nuevo álbum, digo, empezó como un álbum reggae, que poco a poco se convirtió en un disco reggae/ hip hop/R&B, luego viajé y decidí hacerlo más sobre el mundo, creando este sonido único de Water For Your Soul.

Hablando de los shows en vivo, cuéntame, ¿cómo te sientes llevando el disco al escenario?

Ahora es más difícil, puesto que tenemos sonidos que vienen de instrumentos que los miembros de mi banda no tocan, lo que complica todo. Nunca antes había usado una computadora en el escenario, pero hay canciones como ‘Stock On You’, que es una de mis favoritas, y tiene instrumentos en específico que ninguno de mis músicos toca y aún tocándola acústica o full band, sin ese sonido no es lo mismo.

Lo tocamos desde la computadora y hay que ponerlo en el momento correcto, odio eso. Pero vale la pena tener el sonido directo del disco al escenario para la gente, porque quiero que

la gente lo escuche de la manera en que yo lo hice, que lo sientan.

Definitivamente entraste a las grandes ligas de la música (lo que sea que eso signifique) de la mano del soul, ¿después de adoptarlo como tuyo a lo largo de más de diez años cuál es tu perspectiva de la escena actual?

Creo que el soul, el R&B, el funk y el hip hop vienen juntos y me hacen sentir completa, no sé lo que es, tiene que ver con el significado detrás, cuando escuchas a un verdadero cantante de soul sabes que lo sienten y tú puedes sentirlo a través de la bocina. Por eso el soul ha inspirado más estilos, creo que eso es y espero que siga inspirando a otros.

Tras esa respuesta nos indican que el tiempo se ha agotado, me despido de Joss y le regalo una WARP (la número 73, con Nicolas Jaar en portada), la hojea y me dice que le gusta mucho y pone especial atención al artículo publicado de Natalia Lafourcade, “Ella es maravillosa, la amo”, comenta.

BE COOL! | 072

FROM THE INSIDE EL DISEÑO DE INTERIORES EN NUESTROS DÍAS — Por Tania Apolinar

EL INTERIORISMO JUEGA UN PAPEL CADA VEZ MÁS DESTACADO EN LA ACTIVA SOCIEDAD EN QUE VIVIMOS. SU PROTAGONISMO EN NUESTRO DÍA A DÍA ES FRECUENTE, RODEA CADA ACCIÓN O MOVIMIENTO QUE HACEMOS E INFLUYE EN NUESTRO CONCEPTO DE EXISTENCIA O INCLUSO EN NUESTRO ESTADO DE ÁNIMO. CADA VEZ ES MÁS COMÚN VER LOS ESFUERZOS DE LOS NUEVOS EMPRESARIOS QUE EN CONJUNTO CON DISEÑADORES SE ENCARGAN DE CREAR CONCEPTOS E HISTORIAS EN EL DISEÑO COMERCIAL, TANTO EN TIENDAS COMO EN RESTAURANTES.

Esta evolución continua de tendencias está llena de formas e ideas, propuestas de interiorismo y diseño. A continuación, veremos cinco de las más populares del momento.

HERENCIA MEXICANA El patio es un espacio esencial de la arquitectura mexicana y este estilo hoy en día es traducido a una mezcla entre lo tradicional, lo moderno y lo artesanal.

Probablemente lo primero que viene a nuestra mente al pensar en arquitectura mexicana son acabados y mobiliario rústico como de las grandes haciendas mexicanas, pero estos conceptos se han ido modificando para adaptarse a las nuevas tendencias.

Aún así, dentro del interiorismo mexicano contemporáneo, existen algunos elementos que logran distinguir éste estilo del resto, como el uso de colores llamativos, las maderas muchas veces usadas en su estado natural, en combinación con piedras naturales y otros materiales de la región.

el protagonista, ganando así mayor luminosidad en el espacio. Se juega con detalles en colores vibrantes como mobiliario o cuadros y portaretratos. En cuanto al mobiliario, debe ser simple, con líneas rectas, al estilo de IKEA, generalmente de madera y si tiene algún recubrimiento de cuero o piel, mejor.

ESCANDINAVO / NÓRDICO

Como toque final, las plantas son un elemento importante de este estilo, ya que al igual que el mobiliario, tienen como principal función darle un toque de color a los muros blancos.

Como su nombre lo indica este estilo proviene de Dinamarca, Finlandia, Islandia, Noruega y Suecia y es considerado uno de los más populares en el interiorismo a nivel mundial. Se caracteriza por ser sencillo, funcional y cómodo.

GEOMETRÍA

Gracias a la simpleza de los espacios nórdicos, generalmente se utiliza el color blanco como

Esta primavera no solo nos trae infinitas combinaciones de colores de, si no formas y texturas también.

Las rayas y las figuras geométricas se manifiestan en las pasarelas y este estilo se puede traducir en acabados o en objetos para el hogar ricos en tonalidades. Para paredes y suelos en textura cementosa, con imitaciones de madera, en tapetes, lámparas.

WABI-SABI Es uno de los conceptos esenciales de la cultura japonesa, ya que ilustra muchos de sus principios espirituales y filosóficos. Representa exactamente lo opuesto a los ideales occidentales de gran belleza como algo monumental, espectacular y duradero. Básicamente es la comprensión de la belleza que reside en lo rústico, lo imperfecto, incluso en lo decadente.

Una sensibilidad estética que traduce la impermanencia de las cosas en algo bello.

En un espacio esto se puede representar con materiales y acabados que son

visiblemente vulnerables a los efectos del tiempo y del trato humano, por ejemplo, decoloración, óxido, deslustre, manchas, torsión y grietas.

Para poder lucir al máximo estos acabados, generalmente se contrasta con elementos contemporáneos, logrando como resultado una intervención del espacio que nos hace apreciar y respetar las raíces del lugar y a su vez lograr un estilo único.

ECODISEÑO Uno de los principios de la arquitectura y el diseño en general es actuar de manera responsable con el medio ambiente, realizar y consumir productos que tengan un buen impacto. Todo esto se vuelve un aspecto no solo de cómo diseñas un espacio, si no tu vida en general y como la influencia de ese diseño puede generar cosas positivas.

Uno de los aspectos a considerar es la reducción de material, o sea, realizar un producto con cantidades optimizadas de recursos y energía. Así como proyectar un solo material, lo cual permite simplificar el proceso productivo. Generalmente estos materiales son naturales o sus derivados.

En cuanto al interiorismo, los principios de bioclimatismo juegan un papel importante en el ecodiseño, es decir, aprovechar al máximo los recursos naturales como el sol para iluminación, los vientos y ventanas estratégicas para mejor circulación del aire, el uso de materiales térmicos para evitar gastar energía en aire acondicionado y calefacción, entre otros métodos.

Básicamente, el ecodiseño se enfoca en maximizar funcionalidad y el uso del espacio, resultando así en un ambiente más sano y mejora del confort.

BE COOL! | 076

MATÍAS AGUAYO BAILAR COMO DEPORTE — Por Rodrigo Musi | Foto: Katharina Poblotzki

UNA DE LAS FIGURAS MÁS REPRESENTATIVAS DE LA ELECTRÓNICA EN LOS ÚLTIMOS AÑOS, REGRESA CON EL RUDO DEL HOUSE (2015), UN DISCO QUE BUSCA HACERNOS MOVER Y DISFRAZARNOS, AUNQUE SEA POR UN MOMENTO. ES MATÍAS AGUAYO, FUNDADOR DE CÓMEME, EL DESTACADO SELLO DE MÚSICA DANCE, QUIEN SORPRENDIÓ A LAS DISCOTECAS DE TODO EL MUNDO CON AY AY AY (2009).

En esta nueva entrega logra, como es su costumbre, crear sonidos que al final suenan simples y orgánicos, aunque quizás su producción no sea tan fácil. “Yo siempre he pensado que la música muy bailable tiene como una cierta simpleza para que sea rellenada por el bailarín, que la interpreta de cierta manera”, comenta. Para este álbum, Matías crea un personaje que dice es el verdadero protagonista de este proyecto, “yo lo veo como una especie de súper héroe del baile que apareció ahí y que estoy acompañando. Me gusta hablar del Rudo del House como un personaje que existe y que no soy yo”.

La versión en vinilo cuenta con cuatro discos, cada tapa con una máscara diferente diseñada por Sarah Szczesny (pintora encargada del arte de Cómeme), así como pasos específicos de baile. “En el contexto del house de antes recuerdo que existían más pasos específicos y daba la sensación de que el baile era lo importante, no tanto el sacarse fotos en la pista con el iPhone, sino realmente estar muy sumergido en ello.”

Como un amante del baile, la música y las discotecas, el productor chileno siempre está explorando nuevas formas de hacer que la gente se mueva. La invitación es: enfrentar los problemas de esta forma. “Bailar como un deporte, pasar mucho tiempo en la pista, probar distintos pasos, es una de las cosas que más me ha gustado siempre de toda la pintura del dance”. Con esta nueva producción va un poco más allá. El Rudo Del House te ayuda a que te

disfraces, te enseña a bailar, y te pone la música. “La experiencia de la discoteca me encanta, la adoro, es una pasión mía”, nos comenta Matías, que ya ha estado de gira con el disco por México, Sudáfrica y Estados Unidos. “Pero que también encuentro que se tiene que ir más allá, que tiene que ser más compartida y que esa celebración que es el baile se vuelva el centro.

Entonces todas esas máscaras que he estado repartiendo al público, cuando aparecen esos personajes en la pista y están ahí bailando, como que ya se crea una atmósfera especial y no sé, creo que hay cierta magia en la pista o algo inexplicable que pasa ahí”.

Aguayo, chileno de nacimiento y que actualmente reside en Berlín, dice que toda su vida gira alrededor de hacer música. Haciéndole honor a Elbee Bad y su clásico ‘Just Don’t Stop The Dance’, dice que el baile para él no es una cosa necesariamente de la fiesta o de las discotecas, sino de llevarlo a diferentes situaciones. “Yo creo que es algo que me gusta llevar a lo cotidiano, de alguna manera”. También acompaña su días con lecturas. Por ejemplo, recientemente para su gira en Sudáfrica, leyó biografías de Nelson Mandela y obras del novelista sudafricano André Brink, con el objetivo de conocer la cultura y la sociedad a la que va a poner a bailar. De igual forma, agrega, trata de buscar paz y soledad cuando puede, algo cada vez más difícil dado las incontables distracciones a las que nos enfrentamos hoy día.

También usa su tiempo libre para reinventarse y explorar nuevos horizontes. Siempre tratando

de no repetir procesos musicales, cambiando las estrategias y la manera de trabajar.

El Rudo del House es un nombre que surge por casualidad. “Estaba haciendo estos temas que son rudos, sucios, entonces como que no los sentía míos. Sentía que había un personaje que estaba haciendo esa música, y sin pensarlo mucho la puse bajo el nombre de Rudo del House. Pero a veces pienso que esas cosas que uno no piensa mucho se llenan de contenido y te llevan a un lugar. Entonces la connotación con la lucha libre no fue consciente, porque también sé que es una cultura bastante compleja y respetable. Fue más bien una cosa que se dio y que al mismo tiempo fue creando al personaje. Se fue creando de manera improvisada, reaccionando a inspiraciones y llevándolas más allá. Y eso en general es la manera en la que me gusta trabajar.”

Matías busca que regresemos al baile, al desprendimiento de los movimientos cotidianos de caminar, comer, ir al baño, sentarse. Una forma de liberación deportiva, que nos ayude y nos enseñe a que también la vida cotidiana puede ser así. Libre.

“Yo creo que el baile es uno de los pilares de expresión cultural del ser humano: disfrazarse, ponerse a bailar con tambores. Entonces también toda la idea de la celebración tribal surge de éste, en la que uno invoca espíritus y aparecen personajes de otros mundos.”

“YO CREO QUE EL BAILE ES UNO DE LOS PILARES DE EXPRESIÓN CULTURAL DEL SER HUMANO: DISFRAZARSE, PONERSE A BAILAR CON TAMBORES. ENTONCES TAMBIÉN TODA LA IDEA DE LA CELEBRACIÓN TRIBAL SURGE DE ÉSTE, EN LA QUE UNO INVOCA ESPÍRITUS Y APARECEN PERSONAJES DE OTROS MUNDOS.”

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GOKO —

Texto y fotos: Staff Goko

SOMOS UN GRUPO DE JÓVENES QUE FORMAMOS EQUIPOS PARA MATERIALIZAR IDEAS. DISFRUTAMOS DE NUESTRA PROFESIÓN, LA ARQUITECTURA, DE VOLVER A DAR VIDA A LOS ESPACIOS, DE CREAR LUGARES QUE CONECTEN A LA GENTE NUEVAMENTE; CONVERTIR NUESTROS PROYECTOS EN EXPERIENCIAS. DE PROMOVER UNA VIDA MODESTA SI CREEMOS EN UN FUTURO. DISEÑAMOS CONCEPTOS, REGENERAMOS ESPACIOS. MAXIMIZAMOS RECURSOS. SOLUCIONAMOS IDEAS.

En nuestra arquitectura y en nuestra forma de operar nos representa lo práctico, sencillo y funcional. Mas allá del proceso o fin económico nos interesa el resultado del proyecto en un producto. Nos enfocamos en materializar las ideas de nuestros clientes de una manera pragmática. Soluciones sencillas, atemporales en forma, función y costo.

trabajar y convivir. Buscamos con este proyecto regresar y aportar a la ciudad no sólo como arquitectos, sino como ciudadanos, transformando el espacio público en una extensión de nuestra sala.

NUESTROS PROYECTOS

Nuestra estrategia de diseño permitió reducir costos y tiempos de obra, generar un importante ahorro energético, reocupar los locales vacíos con mayor renta para el dueño del inmueble. Creamos espacios óptimos para trabajar donde una mayor interacción entre los usuarios fue posible, logrando una mejor calidad de vida laboral.

NEWTON WORKSHOP Somos como psicoanalistas descubriendo los sueños de nuestros clientes, ayudándoles a hacerlos realidad. Nos enfocamos en ser productivos, en vez de estar ocupados. Como reflejo de nuestra filosofía buscamos en los proyectos lienzos que se puedan reaprovechar, regenerar y así transformar las ideas de nuestros clientes en soluciones tangibles, con menor uso de recursos materiales y financieros, creando un impacto que mejore la calidad de vida en el usuario y el entorno de nuestra ciudad.

En Goko desarrollamos tres células: 1. Arquitectura e Interiores: Diseño y construcción residencial, comercial y corporativo.

2. Desarrollo Inmobiliario: Materializamos proyectos en desarrollos de departamentos como modelo de inversión.

3. Espacio Activo: Aprovechamos los espacios residuales dentro de nuestra ciudad transformándolos en espacios activos, donde la gente puede platicar, sentarse,

Reaprovechamos 2 cajones de estacionamiento, un espacio residual en planta baja abandonado por años y lo convertimos en nuestro espacio de trabajo. Reactivamos la zona comercial. Abrimos un espacio para recibir a clientes, realizar talleres o juntas de trabajo. Compactamos nuestro programa de necesidades dentro de un mínimo espacio como reflejo de lo que buscamos: una oficina viva, con la libertad de elegir el mejor momento para trabajar, sin horario ni restricción, un espacio de interacción tener reuniones de eficiencia y creación.

GOKO 41.26 (Regeneración de edificio corporativo/comercial).

Transformamos un edificio vacío y decadente en un espacio vivo y funcional, que mejoró el entorno del sitio y la calidad de vida de los usuarios. Planteamos una malla en la fachada que redujo la temperatura interior y con ello evitamos el uso de AC. Empleamos materiales reciclados a base de resinas y maderas sobre los acabados existentes.

CASA 8 JARDINES Creamos una casa y una experiencia de descanso, de relajación absoluta, que contribuyera a la conciencia del entorno natural del sitio y a una mejor calidad de vida. Ocho jardines para cada espacio que resultaron en menos metros construidos, mejor costo, menor uso de recursos y mayor interacción con la naturaleza.

01

Guitartown [ 01 ] José Martin González y Christopher Kohen [ 02 ] Inmobiliario [ 03 ] GOKO 41.26 [ 04 ] Newton Workshop [ 05 ] Casa 8 Jardines [ 06 ]

02 Foto: Sergio Gálvez para WARP

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BE COOL! | 082

BEST COAST FEELING OK — Entrevista: Alonso Valencia Texto: Priscila Núñez

EL DÚO BEST COAST SE FORMÓ CUANDO BETHANY COSENTINO CONOCIÓ A BOBB BRUNO EN EL AÑO 2009, EN ESE ENTONCES BETHANY FORMABA PARTE DE UN GRUPO LLAMADO POCAHAUNTED Y BRUNO ERA SU PRODUCTOR, PERO LA INCREÍBLE DINÁMICA QUE SE DIO ENTRE ELLOS LOS CONVENCIÓ INMEDIATAMENTE DE FORMAR SU PROPIO PROYECTO. AHORA, TRAS SEIS AÑOS EN LOS QUE HAN LLEGADO A CONOCERSE A FONDO Y DESPUÉS DE HABER PUBLICADO SU EP FADE AWAY (2013) BAJO SU PROPIO SELLO DISCOGRÁFICO, JEWEL CITY, LOS MÚSICOS SE ENCUENTRAN PRESENTANDO SU NUEVO MATERIAL LLAMADO CALIFORNIA NIGHTS (2015).

Para el oído ajeno a su sonido podría parecer una expansión musical de lo hecho en otros trabajos, más que una reivindicación, sin embargo, como Cosentino nos contó en entrevista, este es el primer álbum que realizan únicamente “por instinto y no bajo la influencia de una reacción comercial”. Basta con escuchar los primeros sencillos de la placa, ‘California Nights’ y ‘Heaven Sent’, para entender que se no se trata de probar nuevos caminos como resultado de las críticas, sino mas bien de un crecimiento personal.

Para Bethany, California Nights se trató del disco que siempre quiso hacer: “Nos llevó mucho tiempo llegar a un punto en donde nos sintiéramos cómodos, teníamos miedo de dejarnos influir por cosas que quizá, parecían inesperadas para nosotros, solo queríamos hacer un álbum con el que pudiéramos decir ‘¡wow, realmente nos gusta y estamos muy orgullosos!’; y creo que el haber pasado tanto tiempo en California durante los últimos años fue importante para el disco, porque pasamos mucho tiempo de gira y poco en casa, me sentía muy desconectada de mí misma, necesitaba un poco de tiempo para pensar en lo que quería hacer. Creo que una vez que fuimos capaces de pasar más tiempo en California logramos poner en perspectiva las cosas que queríamos lograr y redefinir quiénes somos como individuos y como banda; eso se ve reflejado en el resultado final”.

El video del primer sencillo de este nuevo álbum, ‘Heaven Sent’, fue dirigido por Lana Kim y Cosentino; y fue publicado en la página oficial de la marca Ray-Ban: “Es algo muy interesante lo que está pasando en la industria musical, porque hoy en día las marcas están interesadas en trabajar con las bandas o con los artistas para hacer diferentes proyectos”, comenta la cantautora y continua: “Así que es increíble cuando una marca como Ray-Ban te dice ‘quiero patrocinar tu video musical y publicarlo en nuestra página cuando salga’. Es una gran oportunidad para darnos a conocer porque ellos tienen millones de seguidores”.

Para ser una banda relativamente joven, ya han grabado tres álbumes de estudio y se han presentado en los festivales de música más importantes de la escena internacional. Recientemente estuvieron en SXSW, respecto a esta experiencia Bethany nos cuenta: “Estuvimos en SXSW una semana y tuvimos nueve presentaciones en siete días; prácticamente estuvimos ocupados desde que despertábamos, hasta que nos íbamos a dormir.

Fue muy cansado pero sin duda, una experiencia increíble porque al final del día, cuando estas así de ocupado significa que las personas están emocionadas con tu proyecto, con tu nuevo álbum y con tu trabajo en general. Ya habíamos estado anteriormente en SXSW pero sin un nuevo álbum que promocionar, así que también fue una oportunidad para practicar nuestro set, para conocer realmente las nuevas canciones”.

Gracias a su estilo pop poco común, y a las poderosas letras de Cosentino la agrupación se ha ganado el corazón de miles de fans, muchos de ellos de habla hispana, es por ello que la revista Nylon decidió poner a la cantautora en la portada para el mes de marzo. “Fue una experiencia increíble para mí; nunca antes había estado en la portada de una revista yo sola, así que fue asombroso hacer una sesión de fotos para la portada de una revista en español, porque sé que tenemos muchos fans en México y otros países de habla hispana, incluso aquí, en Los Angeles hay muchos fans latinos. Simplemente me siento muy honrada de ser la portada de una revista que sale en diferentes países de habla hispana”.

Con el lanzamiento del álbum, la banda dará inicio a una nueva gira de promoción y aunque aún no se sabe si visitarán próximamente nuestro país, la banda espera poder hacerlo pronto: “Hasta ahora no tenemos nada previsto, ningún plan de ir para allá, pero definitivamente queremos ir, ¡amamos México!; ya hemos tocado en dos ocasiones y fueron experiencias increíbles, así que nos encantaría poder explorar diferentes lugares, además de la Ciudad de México. Amo a México como país, creo que es por mucho, uno de mis países favoritos, así que definitivamente queremos regresar. Tenemos un año muy ocupado por delante pero espero que podamos encontrar el tiempo para ir este año”.

“NOS LLEVÓ MUCHO TIEMPO LLEGAR A UN PUNTO EN DONDE NOS SINTIÉRAMOS CÓMODOS, TENÍAMOS MIEDO DE DEJARNOS INFLUIR POR COSAS QUE QUIZÁ, PARECÍAN INESPERADAS, SOLO QUERÍAMOS HACER UN ÁLBUM CON EL QUE PUDIÉRAMOS DECIR ‘¡WOW, REALMENTE NOS GUSTA Y ESTAMOS MUY ORGULLOSOS!’…”

- BETHANY COSENTINO

BE COOL! | 084

FOOD TRENDS LA SALUD LLEGÓ PARA QUEDARSE — Por Claudia Ramírez

A LO LARGO DE NUESTRA VIDA HEMOS ESCUCHADO DE EVENTOS QUE MARCARON NOTABLEMENTE A DIFERENTES GENERACIONES Y QUE DE ALGUNA FORMA U OTRA, CAMBIARON EL CURSO DE LA HISTORIA. FUERON TAN MEMORABLES QUE, CON EL PASO DE LOS AÑOS, SIGUEN SIENDO RECORDADOS, E INCLUSO, USADOS COMO EJEMPLO PARA DESCRIBIR ETAPAS.

Esto es una tendencia. Una idea, situación, propuesta, movimiento, que viene a romper con la rutina, que nos aleja de nuestra de zona de confort, de lo establecido, de las reglas; una tendencia que nos reta con su estandarte de innovación. Y no está confinada a una zona geográfica, es global, se atreve a crear disrupción en el ambiente. El cambio está en su ADN. La adopción de una tendencia varía en gran escala dependiendo de la ubicación geográfica, las ideologías personales, la edad, entre otros factores demográficos, sociales y económicos. Sin embargo, cuando una tendencia logra atraernos alcanza el éxito gracias a que prevalece por periodos de tiempo y no solo por días. Habrá aquellos quienes la abracen desde sus inicios y otros que gentilmente la vayan adoptando en su estilo de vida.

La industria alimentaria es, sin duda, una de las que más ha crecido en los últimos años y junto con ella, sus tendencias. Algunas de ellas van acompañadas de movimientos y agrupaciones de trendsetters, quienes han sido impulsores de cambio social y buscan resolver problemas ligados a la salud.

Un ejemplo sobresaliente es el movimiento del chef Jamie Olivier, Food Revolution, que busca educar a niños alrededor del mundo en el tema de la alimentación. Jamie visitó San Juan Chamula en Chiapas, un par de meses atrás, para sumarse a la campaña de salud pública “Proyecto Pozol: Más sanos comiendo como mexicanos”, el cual aborda el tema de obesidad infantil y busca soluciones al promover la bebida ancestral del pozol; demostrando que su compromiso con la salud no tiene fronteras.

Otras tendencias se manifiestan en híbridos evolucionados cuya finalidad es resolver el vínculo entre la armonía alimenticia (salud, respeto a otros seres vivos y la madre Tierra) y el consumo humano, siguiendo dos caminos paralelos que vendrán a sorprendernos en el futuro próximo: tecnología y alimentación sustentable libre de sustancias dañinas, con enfoque en la tradición local (artesanal, producto regional).

“Los proyectos de cocina vegetariana y vegana, bajos en carbohidratos (o sin ellos), gluten free, están tomando forma, fuerza y presencia. Ya no son una moda. Son una tendencia”, nos dijo el chef Charlie Ayers, Exchef de Google, quien por años ha sido precursor de la paz en la mesa. Desde que provocó en Google un cambio al hacer posible la oferta de comida saludable, vegana, y libre de gluten, continúa detonando la revolución alimenticia ahora desde su restaurante Calafia, en Palo Alto, California; donde, además de las cautivadoras y deliciosas propuestas de platillos que ofrece, la tecnología está presente, permitiendo al comensal elegir entre un servicio tradicional con meseros, o bien utilizar un iPad para tener una experiencia diferente al ordenar y conocer a profundidad los platillos y de dónde vienen los ingredientes que apoyan al comercio local, para finalmente pagar la cuenta simplemente deslizando la tarjeta.

Sin embargo el chef tiene claro que lo que llegó para quedarse, o más bien, lo que nunca se fue del todo, es la tendencia hacia lo orgánico.

“La permacultura y los huertos urbanos serán la fortaleza y el reto de la sustentabilidad y oferta de alimentos. Habrá granjas sustentables de peces interesadas en mejorar el alimento y espacio en el que habitan. Continuará el crecimiento de la demanda de productos orgánicos, favorecida por clientes educados que perderán interés en la industrialización masiva de alimentos y en las bebidas (gaseosas, jugos envasados, bebidas artificiales), demandarán productos frescos y de temporada. Al día de hoy se observa una producción que va a la alza en el sector de bebidas de variedades de vinos, sprits y cerveza local”.

De nuestro lado, proyectos tan leales a la identidad, valores y estilo de vida de sus

propietarios, se han mantenido, crecido y creado tanto ruido en México como el de Los Loosers; una propuesta de alimentación libre de sustancias dañinas, que promueve el veganismo y el biking como estilos de vida consciente. Sus platillos son honestos sin simulaciones, con un sabor y textura que grita la pasión de Mariana y Jesús, sus fundadores: “La tendencia gastronómica del futuro va encaminada a retomar nuestros inicios”, nos comentan, “...es decir, utilizar la tierra de forma armoniosa, sin agredir a ecosistemas; y sobretodo, nos parece que se encamina a la disminución de alimentos industrializados de empresas transnacionales”.

“NUESTRA MAYOR INSPIRACIÓN, LO QUE NOS MUEVE A HACER LO QUE HACEMOS DÍA CON DÍA SON LOS ANIMALES NO HUMANOS; FOMENTAR OTRO TIPO DE COMIDA BASADA EN EL RESPETO HACIA NUESTROS COMPAÑEROS TERRÍCOLAS, NOS PERMITE SEGUIR MEJORANDO CON EL FIN DE LLEGAR A MODIFICAR LOS HÁBITOS DE NUESTROS COMENSALES Y EVITAR CON ELLO, LA MUERTE INNECESARIA DE TANTOS ANIMALES”.

-LOS LOOSERS

Por otro lado, a nivel mundial se observa una fuerte tendencia por preservar las tradiciones y apoyar al comercio domestico. El futuro alimenticio recae en gran parte entre la fusión de tendencias globales y su aplicación local a nivel mundial. La frase Act locally, think globally describe a la perfección este punto:

“LA LUCHA CONTRA LOS ELEMENTOS INDUSTRIALIZADOS Y ALIENANTES SIGUE Y HOY MOSTRAMOS MÁS CONCIENCIA DE ESTE PROBLEMA, JUNTO CON UNA DISPONIBILIDAD PARA PROPONER SOLUCIONES QUE RESUENEN MÁS A LARGO PLAZO”.

-CHEF ADRIÁN HERRERA

“El país lucha por conservar sus raíces, sus tradiciones, su identidad; pero la industria genera una tendencia a envilecer la calidad de nuestra expresión culinaria.

Ya tenemos una brigada de cocineros en casi todo el país preocupados por rescatar, interpretar y actualizar nuestras cocinas.

Pero falta mucha más energía y estrategia para llevar a nuestra expresión culinaria a otro nivel. Hay que despertar y hacer ruido. ¿Dije ruido? Quise decir escándalo, argüende. Porque ese es nuestro carácter y hay que expresarlo y gritar a boca de jarro que la nuestra es la mejor cocina del mundo. Porque lo es. (Chef Adrián Herrera, Fonda San Francisco, Monterrey, N.L.)”.

Adrián forma parte de un grupo muy especial de chefs que defienden y valoran la importancia de las tradiciones culinarias indígenas

interpretadas con un toque personal. Es uno de los grandes talentos con los que contamos en México para enaltecer los sabores milenarios.

Su propuesta es creativa, retadora, arriesgada, y sobre todo vibrante de pasión y explosión de contrastes en boca.

El factor colaboración cada vez toma más fuerza, siendo los ciudadanos conscientes quienes seguirán demandando mejores condiciones para el campo y los animales, mejores prácticas leales y transparentes por parte de las industria alimentaria, precios justos que garanticen salud y acceso a producto de calidad y orgánicos para todos, no solo destinados a clases medias altas y altas.

La lista de tendencias pronosticadas para este 2015, que se mantendrán sólidas para los próximos años, de acuerdo a fuentes como the Food Network, Business Insider, International Food Futurists y la USDA, coinciden en los siguientes atributos, que serán aplicables para start-ups, productos, ideas/ movimientos y proyectos restauranteros: 1. Funcionalmente natural.

2. Snackficación (consumir un alimento sin sentirse culpable, ya que contiene un ingrediente saludable).

3. Wellness y control de peso.

4. Proteína / Proteína vegetal.

5. Buenas calorías vs. malas calorías.

6. Leche 2.0 ( su regreso como whole food / alimento completo) – tendencia orgánico.

7. Regularización de lo dañino (enfocado a personas con intolerancias y/o alergias a alimentos).

8. Azúcar como el nuevo demonio añadido a alimentos. Enfoque en fuentes dulces saludables.

9. Grasas. Su regreso y la desaparición de las grasas industrializadas y dañinas.

10. Wellness digestivo.

Grandes cambios conllevan grandes responsabilidades y consecuencias. Me emociona el futuro de la alimentación consciente y de seres humanos despiertos terminando con la indiferencia. La tendencia salud llegó para quedarse.

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VINYL IS COOL —

Por Cesar Castro / Instagram: @czsarfoe

LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA HA EXPERIMENTADO MUCHOS CAMBIOS EN CUANTO SUS FORMAS DE COMERCIALIZACIÓN A LO LARGO DE SU HISTORIA, DESDE LOS INICIOS DE LA MÚSICA GRABADA. LAS NECESIDADES DEL ESCUCHA DURANTE EL TRANSCURSO DEL SIGLO PASADO Y LOS AVANCES TECNOLÓGICOS GENERARON DIVERSOS FORMATOS Y EQUIPOS PARA ACCEDER A LA MÚSICA GRABADA.

Sin embargo, el formato que ha perdurado desde su invención (con sus respectivos pasos evolutivos) es el disco. Desde finales del siglo XIX la música se empieza a grabar en vinilos, llamados así por uno de los materiales más comunes para su fabricación, y al día de hoy es el formato que ha visto pasar a muchos otros que han tenido su momento dentro de la historia de la música grabada, desde el casete lanzado a principios de los años sesenta por la firma holandesa Philips hasta los reproductores de MP3.

También llamado “LP”, acrónimo de Long Play; “acetato”, por la placa donde se hacen pruebas de grabación y la grabación para generar un master; “vinil”; “vinilo” o simplemente “disco”, es el formato que durante muchas décadas del siglo XX fue el ‘rey’ en cuanto a calidad de grabación y en cuanto a ventas a nivel mundial y que por ende se convirtió en el ícono irremplazable de la música grabada. Su tamaño y su forma de manejo y reproducción encantaron a generaciones enteras, pasando de una a otra de manera natural y sin contratiempos hasta finales de la década de los ochenta, en qué el formato se vería reemplazado.

Con la entrada del CD (Disco Compacto), el vinilo se redujo repentinamente a un nicho de mercado de coleccionistas, melómanos y nostálgicos. Los volúmenes de fabricación del formato bajaron considerablemente en todo el mundo, mientras que los años noventa vieron el aumento considerable de los tirajes de CDs y el surgimiento de nuevos formatos como el Mini-Disc de Sony y los archivos de audio comprimido llamados MP3. Para la primera década del Siglo XXI, la industria de la música se instalaba cada vez más en la era digital y la comercialización de la música vía internet. El día de hoy, en que las tiendas digitales de descargas como iTunes y las plataformas de escucha como Spotify y Deezer son una realidad, es muy grato ver una revalorización del formato que ha estado ahí durante más de un siglo: el vinilo. Con placer podemos constatar que el formato vuelve a tomar fuerza, sobre todo en los últimos 2 años, donde hemos visto ventas históricas del formato en general y de algunos títulos en particular, como los casos del álbum de Daft Punk, Random Access Memories (Columbia, 2013) y el Lazaretto (Columbia, 2014) de Jack White en Estados Unidos y el AM (Domino, 2013) de Arctic Monkeys en Reino Unido, álbumes que demostraron en sus países que la gente quiere escuchar buenos álbumes en el formato físico más grande. A propósito de estos dos países, donde aún existen altos volúmenes de venta de música grabada, las ventas de vinilos han arrojado números que no se veían desde principios de la década de los noventa, que fue justo el momento en que los consumidores de música migraron de este formato al CD. Su regreso se debe a dos razones: la nostalgia de quienes crecieron con el formato y que lo están retomando y redescubriendo asociado a nuevas

tecnologías y el interés de nuevas generaciones que se aproximan a él por primera vez y lo miran con asombro.

Nuestros días son los que ven al vinilo nuevamente en los anaqueles de tiendas y de salas de miles de hogares con un renovado encanto, con un nuevo valor: el del arte-objeto y no el de un utilitarismo cotidiano como en las décadas en que tuvo su mayor apogeo en términos de ventas. En aquellas épocas el uso era rudimentario, ya que era el formato, si no el único, tal vez si el predilecto para escuchar un buen álbum en cualquier momento: en una comida o cena familiar, en un reunión, en una fiesta, o simplemente para hacer la tarea o leer un buen libro con un café, una cerveza o una copa de vino. Los vinilos eran de gramajes ligeros y sólo una que otra edición especial se cuidaba con atención y se separaba del resto de discos que eran tocados una y otra vez sin mayor preocupación. Hoy día, los vinilos solo son reproducidos en ocasiones especiales, se tratan con el mayor cuidado posible y se valoran mucho su arte y el empaque que los protege. La gran mayoría de los vinilos que se están manufacturando en estos días cuentan con los mayores estándares de calidad con la intención de satisfacer tanto a coleccionistas como a nuevas generaciones, por ello la gran mayoría de ellos vienen con un gramaje de 180 gramos, buscando que el surco sea más profundo y contenga mayor información, traen booklets, pósters o algún tipo de inserto, vienen en distintos colores, transparentes o picture-discs (imagen impresa directa al vinilo) y cuentan con códigos de descarga digital o muchas veces hasta un CD, ya sea con bonus tracks o con el álbum como tal.

Si bien, la venta de CDs y de descargas y escuchas en las plataformas digitales es mucho más relevante en nuestros días, es un hecho que las ventas del vinilo son muy significativas y llaman la atención tanto de disqueras transnacionales e independientes como de tiendas independientes y cadenas de tiendas departamentales en México y en el mundo. En nuestro país, el boom del vinilo se puede apreciar no solo en la capital, sino en ciudades como Guadalajara, Monterrey, Puebla, Querétaro, entre otras, donde empieza proliferar el interés y el gusto por el formato. Cada día son más las tiendas donde vemos la venta de este bello formato y, cosa importante, de tornamesas o tocadiscos, de todos tamaños, particularidades y precios. Así que hoy en día se pueden dar un vuelta por una tienda de música y pueden comprar tanto un clásico de Miles Davis o Tool como un disco recién editado de Mark Ronson o de Foo Fighters con su respectiva descarga digital en el formato más bonito que ha visto la industria de la música grabada: el vinilo… ¡Qué gusto verlo tan sano en estos días!

BIO. Cesar Castro es Cabeza de Repertorio Internacional y formato vinilo en Sony Music México.

BE COOL! | 090

MARK RONSON UPTOWN COOL —

Por Alejandro Franco Fotos: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

“AMO MEZCLAR PORQUE ES LO QUE ME LLEVÓ AL MUNDO DE LA MÚSICA EN PRIMER LUGAR, SI NO HUBIERA SIDO DJ EN LOS LUGARES DE HIP HOP EN LOS NOVENTA NO HUBIERA DESCUBIERTO SONIDOS COMO EL FUNK Y EL SOUL.”

CUANDO NO HAY PRETENSIÓN, SINO SOLAMENTE GANAS Y TALENTO, LOS RESULTADOS SON MUY DISTINTOS Y MUCHO MÁS DURADEROS QUE ANTEPONIENDO EL EGO Y LAS GANAS DE SOBRESALIR. EL CAMINO SIN DUDA ES MÁS LARGO, PERO EL SABER QUE HAY ALGO REAL EN UNA PERSONA, LA CONVIERTE INEVITABLEMENTE EN REFERENCIA Y CON ELLO, EN UN MODELO A SEGUIR.

Mark Ronson, nacido en Reino Unido, pero neoyorquino de oficio, está sentado frente a mí en un piso privado del W Hotel de la Ciudad de México, no porque haya venido necesariamente a hacer promoción de su increíble último disco Uptown Special (2015), sino porque todo indica que vino a una boda, y en su tiempo libre, se dio el espacio para platicar un rato con WARP Magazine, de los orígenes de su carrera y de cómo hoy, sin pretenderlo, es el productor más importante y cool del 2015.

Empezaste como productor, pero de un modo muy natural si comparas tu carrera con la de otros colegas. De hecho empezaste casi desde que eras un niño, trabajando en casa…

Empecé tocando la batería cuando era muy pequeño; después toqué la guitarra en algunas bandas en la secundaria, aunque no era el mejor guitarrista; al mismo tiempo me empezó a gustar mucho el rap, eran los noventa en Nueva York y la escena era muy emocionante. Entonces, de regalo de cumpleaños y por mi graduación, recibí mis primeras tornamesas para mezclar y empecé a practicar. Escuchaba a los DJs que sonaban en la radio en Nueva York y trataba de copiar lo que ellos estaban haciendo; así que básicamente aprendí por oído… eso me llevó a producir, porque para mí producir no era tan diferente a ser DJ, es decir, sabía qué hacer con una caja de ritmos y un sintetizador, pero no sabía como grabar a una banda completa. A los 22, 23 años empecé a tocar en algunos clubes de la ciudad y era increíble, porque músicos como Puffy, Mos Def, Jay-Z y Biggie, venían al club a tocar y no podía creerlo, ¡ellos eran como mis héroes!

Mi primer proyecto de producción fue para la cantante Nikka Costa; su manager me contactó

porque realmente le gustaba mi trabajo como DJ. En ese entonces tocaba mucho hip hop, funk y soul, pero también mezclaba un poco de AC/DC o The White Stripes. Este sujeto se me acercó y me dijo ‘acabo de firmar con Nikka Costa, quiero que su sonido sea lo que es, pero también quiero sentirme como con tu DJ set; esa mezcla de rock and roll, funk y hip hop’.

De ese proyecto obtuve mi primer contrato de grabación e hice un álbum electrónico; músicos como Jack White, Sean Paul y Ghostface trabajaron en él. En ese álbum tuve un pequeño hit en Inglaterra, que fue la canción con Ghostface; pero me corrieron de la disquera prácticamente una semana después de que salió… de pronto nadie me contestaba las llamadas; me tomó unos cuantos años recuperar mi confianza.

Luego empecé a trabajar en un álbum de covers porque era DJ en clubes de hip hop; ya en ese punto llevaba mezclando por más de diez años y estaba un poco aburrido de eso, porque sentía que no salía de lo mismo. Amo la música de Radiohead y The Smiths pero en ese tipo de clubs si ponía una canción de The Smiths alguien me hubiera lanzado una botella; así que tenía que encontrar el modo de poner en mi set esas canciones que amaba. De repente estos covers empezaron a sonar en la radio de Inglaterra y así fue como conocí a Lily Allen; trabajé con ella y la acompañé en su gira como DJ. Después de eso conocí a Amy Winehouse y fue cuando realmente empecé a hacer mejor música.

Obviamente al trabajar con gente que estaba a punto de convertirse en súper estrellas, me volví conocido como productor.

¿Te diste cuenta de cómo empezaron a ocurrir cosas en cada uno de esos momentos? Porque todo esto suena como una serie de eventos que te llevaban a otros y, debe ser complicado irlos asimilando…

Sí, pero también estoy tratando de condensar diez años en cinco minutos, porque de otra forma estaríamos aquí para siempre y se acabaría la tarjeta de memoria.

Realmente hubo muchos altibajos, especialmente antes de que conociera a Lily y a Amy. Mi confianza estaba muy baja porque conocí mucha gente en esa etapa tempra-

“EN TODAS LAS CANCIONES EN LAS QUE HE TRABAJADO, QUE HAN TENIDO UN GRAN IMPACTO, SOLO SABÍA QUE NO PODÍA ESPERAR PARA ENSEÑÁRSELAS A MI ESPOSA Y A MIS AMIGOS; ASÍ ES COMO SÉ QUE ALGO ES BUENO.”

na de mi carrera como Kanye West y Danger Mouse; verlos despegar cuando yo seguía ahí haciendo música para comerciales de Honda, me hizo pensar ‘ok, ya hice esto por un tiempo pero quizá no es lo que debería estar haciendo, tal vez es tiempo de madurar y dejar de hacer música para comerciales de TV’.

Tal vez fue el dejar ir esa ansiedad de tener éxito lo que realmente me permitió hacer música honesta para cuando conocí a Amy y a Lily.

Entonces hice Record Collection (2010), y aunque me gusta ese disco por canciones como ‘Bang Bang Bang’ y ‘Somebody To Love Me’, lo sentí como una especie de decepción, me sentí estancado de nuevo; pensaba ‘está bien, soy el sujeto que produjo a Amy Winehouse y estoy orgulloso de eso, pero eso es todo lo que soy’.

Tenía esa parte competitiva que me decía que tenía que hacer un

álbum que debía ser lo mejor que hubiera hecho hasta el momento, y el único modo de conseguirlo era haciendo la música que más me apasiona, la que sentía que era mi fuerte como el soul americano, el R&B, o black music de los sesenta, setenta y ochenta; sabía que si este álbum no era lo mejor que había hecho hasta el momento era mejor no hacerlo.

Esa era la presión que me volvía loco, y ahora al escucharlo noto el esfuerzo extra y las maravillosas contribuciones de gente como Mystikal, Bruno (Mars), Andrew Wyatt (Miike Snow), y Kevin Parker (Tame Impala).

Y no solo ellos. Las colaboraciones del disco, hablan perfectamente de quien Ronson sabe qué es como productor y de las carencias que puede tener como artista solista. Éste, su cuarto álbum de estudio, fue grabado durante 18 meses en estu-

mos ajustes; porque cuando tienes la suerte de que Stevie Wonder grabe tu canción, es como un regalo de los dioses de la música, y tienes que tomar todo el tiempo y trabajo necesario para merecerlo.

El único modo en que sé cuando parar, es cuando alguien me dice ‘¡danos el álbum ahora!’

dios de Londres, Memphis, Los Angeles y Nueva York; y entre muchas colaboraciones, tiene que la mayoría de las letras del álbum –excepto el primer sencillo con Bruno Mars–, fueron escritas por el ganador del Pulitzer, Michael Chabon, el autor vivo favorito de Ronson.

Debió ser muy difícil que después de ser DJ por un largo tiempo y un productor para mucha gente, empezaras a hacer tu propio trabajo, ya que así no tienes la misma retroalimentación de cuando estás colaborando con alguien más. ¿Cómo sabes cuándo ir en cierta dirección?

Es muy difícil. Por ejemplo, este es el primer álbum en el que trabajé con otro productor, con Jeff Bhasker, y amaba su sonido, incluso antes de que supiera que era él, especialmente una canción que escribió para Alicia Keys ‘Try Sleeping With a Broken Heart’, y después en el álbum de Kanye, 808’s & Heart-

break (2008) con canciones como ‘Love Lockdown’ y ‘Paranoid’. Su sonido es increíble, pero también es como un músico de jazz, él fue a la Universidad de Berklee (College Of Music) en Boston. Sabía que me estaba entregando un poco más a otro productor, porque creo que si alguien sabe hacer esa cosa especial que quiero en mi álbum, mejor que yo, está bien tenerlo; incluso hay algunos productores de hip hop más jóvenes que me encantan –como Hudson Mohawke– que le añadieron cosas a este álbum.

Mientras pueda mantener mi visión y pueda sentir que es mi canción, quien sea que añada algo para hacerla aún mejor, es bienvenido.

Estuve ajustando cada uno de los detalles de este álbum literalmente hasta el segundo en el que la disquera me dijo ‘lo necesitamos para mañana’, y estuve despierto 56 horas seguidas haciendo los últi-

Como productor has tenido varios hits, pero ahora creo que tienes el más grande de todos en tu carrera, hasta hoy. ’Uptown Funk’ es una canción muy importante para toda la industria musical en 2015, que además incluye a Bruno Mars y te posiciona como el productor que se coloca al frente de la escena. ¿Cómo es todo esto para ti?

En todas las canciones en las que he trabajado, que han tenido un gran impacto, solo sabía que no podía esperar para enseñárselas a mi esposa y a mis amigos; así es como sé que algo es bueno. Yo no pienso ‘esta va a ser un número uno’, mi cerebro no trabaja así, pero sé cuándo estoy muy orgulloso de ella, ya que los cuatro minutos en que suena, la disfruto.

Esa fue una parte importante de ‘Uptown Funk’; cuando salió en la radio no se escuchaba como ninguna otra cosa que estuviera sonando, alguien en la disquera me dijo ‘creo que deberías llamarla ‘Uptown Funk’, ¡la palabra funk es pegajosa!’, y después simplemente explotó. Es difícil de saber por qué, creo que tal vez la gente estaba lista para una canción de baile que fuera interpretada por músicos reales, también esta el aspecto de que salió justo antes de año nuevo… No trato de analizar mucho, es mejor dejarlo ser; soy consiente de que puedo no volver a tener un álbum así de exitoso. Estoy increíblemente orgulloso de éste en especial porque no estábamos tratando de hacerlo un éxito, solo tratábamos de hacer la música que amamos, y fue una gran lección.

Las 5 mejores colaboraciones de Mark Ronson El músico lleva más de 15 años produciendo música y ha trabajado con algunos de los artistas más notables de la música, estas son cinco colaboraciones en las que destacan su habilidades para crear nuevos sonidos:

‘Littlest Things’ Lily Allen Alright, Still (2006)

‘Rehab’ Amy Winehouse Back To Black (2006)

‘All You Need Is Now’ Duran Duran All You Need Is Now (2010)

‘Alligator’ Paul McCartney New (2013)

‘Uptown Funk’ Bruno Mars Uptown Special (2015)

“CADA VEZ QUE VOY AL ESTUDIO A TRABAJAR CON UN ARTISTA POR PRIMERA VEZ ME SIENTO COMO LA NOCHE ANTES DE LA PRIMER CITA, ESTÁ TODA ESA ANSIEDAD DE ‘¿QUÉ VA A PASAR SI NO SE ME OCURREN BUENAS IDEAS?’”

¿Cómo es tu trabajo como productor con otros artistas? Es decir, ¿cómo te preparas para trabajar con y para personas como Lily o Amy, o incluso Paul McCartney, o tus colaboraciones con Kasabian, The Zutons, Rufus Wainwright, etc?

Tu trabajo como productor es tomar las canciones del artista y hacerlas mejores. Paul McCartney, por ejemplo, tenía las canciones en un casette y cuando me las mostró yo solo pensaba: ‘¿cómo puedo hacerlas mejores, con qué arreglos?’

Amy me interpretó las canciones en una guitarra acústica con cuerdas de nylon, y yo trataba de imaginar cómo podía hacer eso del modo en que ella lo imaginaba. Ese es tu trabajo como productor, estás ahí para

hacer realidad el sueño del artista; no es se trata de tener ego, yo peleo por mis ideas, por lo que creo que es correcto, pero no voy a pelear solo por pelear. Trabajando con Bruno en su álbum me di cuenta de que a veces los artistas tienen mejores ideas que tú, él siempre me impresionaba con sus ideas de producción.

Cada vez que voy al estudio a trabajar con un artista por primera vez me siento como la noche antes de la primer cita, está toda esa ansiedad de ‘¿qué va a pasar si no se me ocurren buenas ideas?’; tengo todos esos miedos, pero creo que son buenos, no quiero pensar que es muy sencillo nunca, no quiero perder esos nervios porque son los que te hacen querer ser mejor.

Ser DJ es una buena preparación para esto, porque tienes noches buenas y noches difíciles…

Solía tener más noches difíciles que buenas

cuando era DJ, mezclaba 5 noches a la semana en los clubes de Nueva York y me sentía como una máquina, ahora es más balanceado. Amo mezclar porque es lo que me llevó al mundo de la música en primer lugar, si no hubiera sido DJ en los lugares de hip hop en los noventa no hubiera descubierto sonidos como el funk y el soul, o la música groove que me influenció mucho en este álbum.

Me imagino que ahora estás trabajando en los shows en vivo y en recorrer muchas ciudades tocando este disco, –tal y como fue grabado en ese amplio recorrido geográfico de la música americana, pasando por New Orleans, Baton Rouge, Jackson, Memphis, St. Louis, Little Rock y Chicago–…

Sí, estoy tratando de decidir como serán los shows en vivo y he estado trabajando con Action Bronson en Nueva York, el hip hop y este momento son muy emocionantes. Es increíble trabajar con nuevos artistas.

WM / 74

095

WHAT ELSE?

REVIEWS

CURRENTS

Tame Impala Caroline / Universal Music México

Transcurrieron casi tres años para que Tame Impala reapareciera con un nuevo material discográfico y se reencontrara con aquel público que quedó fascinado con su entrega anterior.

En esencia, Currents (2015), podría ser considerado como el mejor álbum que han lanzado en su carrera, pues reivindica su sonido y coloca su estilo psicodélico dentro de una nueva gama electrónica; al final estos elementos se mezclan y complementan entre sí.

Podríamos hablar de las incontables y esperadas fechas que tienen en puerta, o de los videos que diversos artistas han realizado para el tema ‘Cause I’m A Man’, pero nada mejor que sentarse, relajarse y disfrutar de toda la experiencia sonora que este disco ofrece. Con un inicio estremecedor y un sonido alegre y pegajoso despegamos en este viaje, en el que voces agudas, órganos atmosféricos, una

batería exacta y un bajo estremecedor nos envuelven para dar pie a una experiencia auditiva de otro mundo.

Kevin Parker se muestra más relajado y centrado al momento de componer, plasmando dentro de los temas sus más locas obsesiones y los rituales del día a día. ‘Let It Happen’, el sencillo elegido para hacer oficial la noticia del nuevo disco, es un tema que contagia energía, la base rítmica parece algo más que solo un tambor ordinario, suena como si la frecuencia eléctrica se hubiera apoderado de las percusiones.

‘Eventually’ es un tema con matices progresivos y silencios que intrigan. Relata el rompimiento de una relación destructiva, que da paso a un prometedor tiempo a solas; aunque la melodía no refleja lo crudo y el sabor amargo del contenido lírico, es por mucho una de las canciones

más trabajadas y emblemáticas de Currents.

‘Disciples’ es otro de los grandes momentos del álbum. Sus efectos vocales nos alejan de la realidad, transportándonos a un mundo futurista en donde los sonidos digitales, han absorbido totalmente a los instrumentos orgánicos.

Toda esta variedad de sonidos se despega un poco de sus últimas entregas, mostrando un lado más relajado y no tan ácido del proyecto, pero otorgándole a cada uno de los tracks un toque místico y único; el resultado final se podría definir como un ejercicio de space rock que te lleva, sin así quererlo y de una manera discreta, al camino correcto para buscar la paz interior.

-Eduardo Salinas

8.0

WHAT ELSE?

096

WM / 74

EMPRESS OF

Me XL Recordings / Terrible Records

Lorely Rodriguez, mejor conocida como Empress Of, debuta con Me, un álbum interesante que repliega en sus diez canciones cualidades sobresalientes como las abstracciones cambiantes de sus sonidos, así como diferentes paisajes sonoros envueltos en capas, capturando de esta forma la esencia de sus letras, que meditan entre lo personal y lo político. La nacida en LA, California, canta con franqueza sobre varios problemas sociales como el acoso y la escasez del agua, este último tema reflejado en su primer sencillo ‘Water Water’, en ‘Standard’ escuchamos un sonido fresco y lleno de beats, líricamente habla de los derechos y privilegios de las personas. Enfocándonos en su sonido, encontramos canciones con un ritmo pegajoso, lleno de dream pop, con toques de synthpop experimental, mismo que nos hace recordar por momentos un poco de lo que Cocteau Twins hacia a mediados de los noventa y a Goldfrapp a inicios de la década pasada. En resumen estamos frente a un disco que muestra el reflejo de Rodriguez como artista, expresando la fuerza y la vulnerabilidad en sus letras que es secundado por sonidos atractivos.

- Eduardo Martínez

7.6

WORKING GIRL

Little Boots On Repeat Records

Cuando Victoria Hesketh, mejor conocida como Little Boots, lanzó el EP Business Pleasure a finales de 2014 nos permitió hacernos una buena idea de la dirección que tomaría para su tercer álbum, Working Girl. Mientras que sus dos álbumes anteriores se enfocaban en lo que el pop moderno y la música de club deberían ser, este nuevo disco es más experimental y nos permite conocer el verdadero encanto y humor de Hesketh. La producción es animada y divertida, con una vibra de verano, pero rodeada también de melancolía y su característico toque ochentero. Working Girl se siente como su autorretrato más sincero hasta la fecha, probablemente derivado a la decisión de la británica de tomar las riendas de su carrera y fundar su propio sello discográfico, On Repeat Records.

El álbum basado en las dificultades de ser una mujer de negocios, reflejan un toque de exasperación sobre lo que ella ha tenido que pasar para llegar hasta donde está.

- Priscila Núñez

7.6

WM / 74

WHAT ELSE?

VANESSA ZAMORA —

COMO UNA ESTRELLA Entrevista: Diovanny Garfias | Texto: Daniela Martínez

“Al iniciar no tenía la pretensión de hacer un disco, empecé produciendo mis canciones, luego conocí a Alejandro Jiménez (Jandro) con quien tuve una química musical que culminó en este disco… En él hablo de amor y desamor, de sentimientos.” Así es como la cantautora mexicana Vanessa Zamora, originaria de Tijuana, Baja California, nos cuenta del inició formal de esta aventura y de cómo su amor por la música la ha llevado a convertir este arte en su forma de vida.

De grabar y editar videos de covers de otros artistas como Bill Whiters, Friendly Fires, Likke Li y Zoé, a escribir sus sentimientos e ideas en libretas para combinarlo con su conocimiento sonoro, hasta llegar al lanzamiento de su álbum debut: Hasta La Fantasía (2014). Platicamos con Vanessa, poseedora de un talento que ya está dando de qué hablar. ¿Cómo es la escena musical en Tijuana?

Hay muchos proyectos, talento y propuestas, sin embargo no hay muchos foros en los que se pueda tocar porque no cuentan con la infraestructura necesaria, como todos sabemos, la música está

muy centralizada en el Distrito Federal, por lo que si quieres tener presencia, inevitablemente necesitas venir a hacer shows o entrevistas. La idea es representar la frontera, que volteen a ver lo que hay allá y generar una apertura.

En que momento de tu carrera llega Hasta La Fantasía…

Surgió en el momento correcto, puesto que antes de que existiera, ya había tenido la oportunidad de pisar escenarios importantes como El Plaza Condesa, el Teatro Diana en Guadalajara y algunas presentaciones en Estados Unidos, lo que me dejó aprendizajes y madurez necesarios para antes de sacar el disco. En él hablo de amor y desamor, de sentimientos, además de que también tengo mejoras en la manera en cómo toco mis instrumentos y en mi voz. ¿Qué tipo de sonido buscabas en el momento de desarrollar el disco?

No buscaba sonar de cierta manera, simplemente quería algo que sonara limpio y orgánico, que mantuviera la esencia de las canciones y a la vez mucha instrumentación;

la idea era que cada sonido tuviera una razón de ser en las canciones. ¿Cómo es llevar las canciones del disco a los escenarios?

Es lo que más disfruto, si bien es el mismo material, una canción es algo infinito y puedes agregarle arreglos nuevos o hacer que se desarrolle más; en sí el en vivo se trata más de saber cuándo terminar. ¿Actualmente estás produciendo algo nuevo?

Sí, hacer música es mi motor, lo que me mueve; no puedo estar sin crear, la música es evolucionar y poder aportar algo al mundo.

Así como yo me inspiré de otros músicos, espero poder inspirar a otros a generar sus propias creaciones. Por el momento estoy en la preproducción de mi disco nuevo, no sé si lo presentaré este año o el siguiente. Hasta La Fantasía es un disco de pop alternativo, sin embargo este nuevo material será algo que marque mi evolución, las letras y la música serán diferentes, quiero experimentar con sonidos nuevos.

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ENGLISH FEATURES —

MARK RONSON PG. 100

MATIAS AGUAYO PG. 102

ENCORE PG. 104

WM / 74

101

ENGLISH FEATURES

MARK RONSON UPTOWN COOL

By Alejandro Franco

Producers are –and have been- an essential part of music since its conception, we’ve all have praised people like George Martin, for his work with the “Fab Four from Liverpool”; Alan Parsons, for showing us the Dark Side Of The Moon; Phil Spector for his fabulous “wall of sound” and, of course, Butch Vig, for giving sound to one of the most iconic albums of the 90’s. We’ve seen the rise of fall of many of these brilliant minds of sound, and that’s why we can say that there is a promising new generation, lead by people like Danger Mouse; the not so new, but yet genius, Nigel Godric: “The man of the down tempo bridges” Pharrell, and last but not least: Mark Ronson, a young British producer who was brought up in NYC, and as expected, was strongly influenced by black music like funk, R&B and hip hop. During an express visit to Mexico City, WARP Magazine was able to catch up with Ronson, who was kind enough to answer a couple of questions, this is what he told us…

You began as a producer, but in a very natural way, especially if you compare your career with other producers, and I know that you started since you were a kid, working at home, tell me, how was it like?

I started playing drums when I was very young, after that, I played guitar in some bands when I was in high school, but I wasn’t the best guitar player; at the same time, I became really interested in rap, it was the 90’s in New York and the scene was really exciting.

Shortly after, as a birthday and graduation gift, I got my first mixing turntables, I used to listen to the DJ’s that were played on the NY’s radio and I tried to copy the stuff they were doing at the time, so basically I learned by ear, and that led me to produce, but to me, producing wasn’t really different from being a DJ, I mean, I knew what to do with a drum box and a synthesizer, but I didn’t know how to record a full band. By the time I was 22 -23, I began to play at some clubs in NY, and it was amazing because musicians like Puffy, Mos Def, Jay Z and Biggie came to the club to play and I couldn’t believe it, because they were my heroes.

My first project as a producer was for the singer Nikka Costa, her manager contacted me because he really liked my work as a DJ, by that time I was

into hip-hop, funk and soul, but I also used to mix a little bit of AC/DC or The White Stripes; this guy approached me and told me “I’ve just signed Nikka Costa, I want her sound to be the same, but I want to hear your DJ set in it, that kind of rock’n roll, funk and hip hop”. I got my first record deal out of that project and I made an electronic album; musicians like Jack White, Sean Paul and Ghostface were on it. I had a small hit in England with that album, it was the song I did with Ghostface; but I got kicked out of the label just a week later after the album was released, suddenly no one answered my phone calls… it took me a few years to regain my confidence back.

Then I started to work on a covers album because I was a DJ in hip hop clubs, but at that point I had been mixing for over a decade, I was a little bit bored because I felt that I was doing the same all over again. I love Radiohead’s and the Smith’s music but if I had played a song by The Smiths, someone would’ve threw a beer bottle at my head; so I had to figure out how to include these songs that I loved in my set, and one day, these covers started to be played on the UK radio.

That’s how I met Lily Allen I worked with her and went on her tour as a DJ. After that, I met Amy Winehouse and that’s when I really started to make better music; and obviously, by working with people who were on their tracks to become super stars, I became a renowned producer.

It must have been really hard beginning to make your own stuff, after being a DJ for a long time and a producer for so many people, because you don’t get the same feedback that you get when you’re working with somebody else, in terms of: how do you know when you have to go in a certain way? because I’ve read many stories regarding ‘Uptown Funk’, quite a complex song that has became very popular, and I know it wasn’t easy for you, so , how do you establish rules for yourself as a producer?

It was really tough cause this is the first album that I created with another producer, which in this case was Jeff Bhasker, I loved his sound even before knowing it was his, specially in this song ‘Try Sleeping With A Broken Heart’ that he wrote for Alicia Keys and after that in Kanye´s album, 808´s & Heartbreak (2008) with songs like ‘Love Lockdown’ and ‘Paranoid’; his style is absolutely

amazing but also with an influence of jazz, he went to Berkley in Boston. I knew from the start that I was giving myself away to this producer, but then I realized that if someone knew better how to produced my album with that special something that I needed, then I must had that, even some other younger hip hop producers that I love like Hudson Mohawke added things to this album, whoever keeps my vision, makes me feel like I own a song or improve one, will be always welcome.

I adjusted every single detail until the moment that the record label told me “we need this ready for tomorrow” and I stayed up for 56 hours in a row making the last adjustments; simply cause when you get lucky enough to have Stevie Wonder recording your song as a gift from the music gods, you got to take the time and effort required to be worthy of it. The only way to make me stop is when someone comes and says, give me the album now!

How is your work as a producer with other artists? I mean how do you prepare yourself to collaborate with people like Lily or Amy or even Paul McCartney? I can imagine that the producer is always there trying to add his vision.

Your job as a producer is to take the songs and make them better, Paul McCartney for instance had his songs in a cassette and when he showed them to me I just thought to myself how could I possibly make them better? Where should I make arrangements? Amy interrelated the songs for me with a Nylon acoustic guitar and I remember thinking how can I make this the way she imagined, that is your main purpose as a producer, you are there to become a reality the artist fantasy, it is not about your ego, I fight for my ideas, for what is right but I choose my fights. Working with Bruno in his album made me realize that sometimes the artist can have better production ideas, he impressed me over and over.

Every time I get into the studio to work for the first time with an artist I feel like the night before of my first date and all this anxiety shows up, what if I don’t come up with good ideas? I feel fear, good fear, I do not want to get to the point where I think it is easy I don’t want to lose the jitters they force you to be better.

MATÍAS AGUAYO DANCING AS A SPORT

By Rodrigo Musi

WM / 74

One of the most representative figures from the electronic scene in the last few years come back with El Rudo Del House, a CD that looks forward to make us move and dress up, even though is just for a moment.

It is Matías Aguayo, founder of Eat Me, the outstanding music label specialized in dance music, and the one who surprised the discotheques around the world with Ay, Ay, Ay (2009).

With this new release achieves, as usual, to create sounds that in the end sound simple and organic, even though perhaps its production isn’t that easy. “I’ve always thought that danceable music has certain simplicity so it can be filled by the dancer, who interprets it in a certain way”. For this album, Matías creates a character that he says is the main character of the project, “I see it as a superhero of dance that appeared there and I am going along with. I like to talk about “El Rudo del House” as a character that exists apart from me”.

The vinyl version features four of them, each cover with a different mask designed

by Sarah Szczensy (painter in charge of the art from Eat Me (Cómeme)), as some specific dance moves. “In the context of the house from before I remember there were more specific steps and it gave the sensation that the dance was the important thing, not taking selfies in the dance floor with the iPhone, but really be submerged in it.”

As a lover of dance, music and discotheques, the Chilean producer is always exploring new ways of making people move.

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The invitation is: deal with your problems this way. “Dancing as a sport, spend a lot of time on the dance floor, invent different steps, is one of the things that I’ve always liked of all the paint of dance.” With this new production, he goes a little further. El Rudo Del House helps you to get disguised; it teaches you how to dance and plays the music for you. “I love the experience of the discotheque, I adore it, is a passion of mine”, tells Matías, who has already been on tour with the CD around Mexico, South Africa and United States. “But I also found that you have to go further, that it has to be more shared and that that celebration that is the dance becomes the core again. Then all of those masks that I’ve been giving away to the public, when this characters appear on the dance floor and are there dancing, it’s like there’s an special atmosphere, and I don’t know, I believe that there is certain magic in the dance floor; something I can’t explain happens there.”

Aguayo, Chilean by birth and that currently lives in Berlin, says that his whole life revolves around making music. Making honor to Elbee Bad and its classic ‘Just Don’t Stop The Dance’, he says that dance for him is not something exclusive from the discotheques or parties, but from taking it to different situations. “I believe it is something I like to lead to the day to day in some way.” He also accompanies his day with reading. For example, recently for his tour in South Africa, he read biographies of Nelson Mandela and South African Novelist André Brink works in order to get to know more of the culture and the society he is

ENGLISH FEATURES

going to get dancing. Equally, he adds, he tries to find peace and solitude whenever he can, something difficult understanding the countless distractions in which we find ourselves nowadays. He also uses his time off to reinvent itself and find new horizons.

Always trying not to repeat musical processes, changing the rules and his way of work.

El Rudo Del House, is a name that emerges by chance. “I was doing these songs that are tough, dirty, and back then I didn’t felt them as mine. I felt like there was a character that was making that music, and without thinking about it I named it El Rudo Del House. Sometimes I think those things you don’t think a lot about fill you with content and lead you somewhere. Then the connotation with wrestling wasn’t consistence, because I also know it is a rather complex and respectable culture. It was something that happened and that in the same time was creating the character. It was generated in an improvised way, reacting to inspirations and taking them beyond. And that in general is the way I like working.”

Matías seeks to return to the dance, the release of the daily movements of walking, eating, going to the bathroom, sitting. A way of sports liberation that helps us and teach us that everyday life can be like this. Free.

“I believe that dance is one of the pillars of cultural expression of the human being: disguise, dance to the sound of the drums. Also the whole idea of tribal celebration emerges from it, in which you can invoke spirits and characters from other worlds appear.”

ENCORE

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Pic: Camila Jurado for WARP

HAPPY BIRTHDAY DALAI LAMA For this year edition of Glastonbury, the Dalai Lama took the Pyramid Stage like a true rock star. Regardless of the warnings from China, the exiled Tibetan spiritual leader arrived for his historic talk about peace. Due to this, his first festival visit, came a week before his 80th birthday the leader received a huge cheer from the crowd, who later sang him Happy Birthday, thanks to the mythical figure of punk, Patti Smith, who presented him with a birthday cake.

While warming up the stage for Lionel Richie, the Dalai Lama declared: "Humans killing each other in the name of religious faith. Unthinkable. Carry the message of love and tolerance and forgiveness."

WM / 74